HEITSCH
HEITSCH GALLERY ReichenbachstraÃ&#x;e 14 80469 Munich Germany
CONTEXT MIAMI I BOOTH C214 One Herald Plaza NE 14th Street FL 33132 USA ART KARLSRUHE Messeallee 1 76287 Rheinstetten Germany
USA + +1 (718) 536-6506 GER + 49 160 727 61 54 Office + 49 89 269 49 11 0 heitschgallery.com
VIP Preview: 4.12. (4:30 - 10 pm) Public Opening: 5.12. - 8.12. (11 am - 8 pm) 9.12. (11 am - 6 pm) contextartmiami.com VIP Preview: 20.02.19 (3 - 9 pm) Public Opening: 21.2. - 24.2.19 (11 am - 7 pm) art-karlsruhe.de
HEITSCH GALLERY
EN
Since 1994 Joerg Heitsch runs his gallery in Munich to feature international contemporary art. With the opening of Joerg Heitsch Gallery GmbH at the Lake Tegernsee with a sculpture garden in 2013 the focus on figurative and abstract painting was opened towards contemporary sculpture. The gallery intends to promote primarily young talents who reflect on modern issues and redefine art history in order to give them a chance to enter prominent private and public collections.
DE
Seit 1994 betreibt Joerg Heitsch die Galerie für internationale zeitgenössische Kunst in München am Gärtnerplatz mit der Entwicklung und Umsetzung von Kulturkonzepten an der Schnittstelle von Kunst, Kommunikation & Markt. Mit der Eröffnung einer Dependance am Tegernsee mit Skulpturengarten im Herbst 2013 wurde der Fokus von figurativer und abstrakter Malerei auf die zeitgenössische Bildhauerei ausgeweitet. Das besondere Engagement der Galerie gilt zeitgenössischen Künstlern, die moderne Inhalte vermitteln und die Kunstgeschichte neu ausloten.
ES
Desde 1994 Joerg Heitsch está a cargo de su galería en Múnich para dar a conocer artistas contemporáneos internacionales. Con la apertura de Joerg Heitsch Gallery GmbH en el lago de Tegernsee con un jardín repleto de esculturas en el año 2013, el repertorio característico de la galerá con pintura figurativa y la pintura abstracta, abrió camino a la escultura. La galería tiene como objetivo promover jóvenes talentos que reflejan temáticas de interés actuales, como una redefinición de la historia del arte, buscando darle una oportunidad a los artistas de entrar en colecciones privadas y públicas internacionales.
NEW MASTERS
EN
NEW MASTERS is a brand-new exhibition concept for art and intercultural communication on a global level. Emerging and cutting-edge artists whose art is deeply rooted in art history present their artworks in dialog with the Old and Modern Masters. The exhibiting artists originate from a variety of countries and were selected by curator Joerg Heitsch.
DE
NEW MASTERS ist ein brandneues Ausstellungskonzept für Kunst und interkulturelle Kommunikation auf einem internationalen Level. Aufstrebende und bereits etablierte Künstler, deren Kunst tief in der traditionellen Kunstgeschichte verwurzelt ist, präsentieren ihre Kunstwerke im Dialog zu den Alten Meistern und den großen Namen der Moderne. Die vertretenen Künstler stammen aus einer Vielzahl von Ländern und wurden vom Münchner Kurator Joerg Heitsch ausgewählt.
ES
NEW MASTERS es un nuevo concepto expositivo de arte y comunicación intercultural en un nivel internacional. Emergentes y ya establecido artistas, cuya obra tiene una gran influencia de la historia del arte, presentan sus obras en dialogo con los clásicos y modernos maestros.Los artistas expuestos provienen de distintos paises y son seleccionados por el curador Joerg Heitsch.
JESÚS RAFAEL SOTO
VS
YOSHIYUKI MIURA
VICTOR VASARELY
VS
ANTONIO MARRA
LUCIO FONTANA
VS
ANGELA GLAJCAR
GOTTHARD GRAUBNER
VS
DIRK SALZ
JASPER JOHNS
VS
JÜRGEN PAAS
GÜNTER FRUHTRUNK
VS
ROLAND HELMER
PIET MONDRIAN
VS
MARCO CASENTINI
JEFF KOONS
VS
RUDOLF BURDA
ROBERT RYMAN
VS
UDO NÖGER
CRAIG KAUFFMAN
VS
CHRISTIANE GRIMM
HENRI MATISSE
VS
STEFAN SZCZESNY
AUGUSTE RODIN
VS
MOTO WAGANARI
GIOVANNI BATTISTA PIRANESI
VS
SLAVA SEIDEL
GIOVANNI BATTISTA TIEPOLO
VS
MEDARDUS
PETER PAUL RUBENS
VS
HENNING VON GIERKE
FERNAND LÈGER
VS
JESSUS HERNANDEZ
MICHELANGELO
VS
MARC FROMM
Yoshiyuki Miura (JP)
EN
Yoshiyuki Miura’s works may be considered a systematizing regulation to the omnipresent chaos. With his sculptures and installations the Japanese artist reflects on the relation of space and time. He leads force and counterforce in order to bring them into a balanced state of tension and release. Miura creates objects which play with our perception of three-dimensionality and intrigue us by their extraordinary simplicity, precision and beauty.
DE
Yoshiyuki Miuras Werke lassen sich als ordnender Eingriff in das allgegenwärtige Chaos begreifen. In seinen Skulpturen und Rauminstallationen reflektiert der japanische Künstler das Verhältnis von Raum und Zeit. Er lotet Kraft und Gegenkraft aus und bringt sie in einen harmonischen Zustand von Spannung und Ausgleich. Miura kreiert Objekte, die sich durch eine außergewöhnliche Ästhetik, Einfachheit und Präzision auszeichnen und die mit der Wahrnehmung von Dreidimensionalität spielen.
ES
Las obras del artista japonés Yoshiyuki Miura se pueden considerar como un intento de de regulación sistemática de la omnipresencia del caos. Con sus esculturas e instalaciones el artista refleja la continua relación entre espacio y tiempo. Él contrapone elementos opuestos en tensión guiándolos a un estado perfecto de equilibrio. De esa forma, Miura crea objetos que juegan con nuestra percepción de lo tridimensional y maravilla al público con la relativa simpleza e inconfundible belleza y precisión de sus obras.
1 - 25 GELBE KUGELN, 2018. 110 x 78 x 20 cm. Painted nylon thread, metal, wood /
Nylonschnur lackiert, Metall, Holz / hilos de nylon lacados, metal y madera
2 - WANDARBEIT GELB, 2017. 280 x 30 x 30 cm. Painted nylon thread, metal and wood /
Nylonschnur lackiert, Metall und Holz / hilos de nylon lacados, metal y madera
3 - 6 GELB, ROTATIONSELLIPSOID WANDARBEIT, 2017. 140 x 70 x 20 cm. Painted nylon thread, metal and wood /
Nylonschnur lackiert, Metall und Holz / hilos de nylon lacados, metal y madera
Jürgen Paas (DE)
EN
Jürgen Paas creates circles, rectangles, squares, cubes and translates them into an open painting system, which surveys individual aspects such as color, form and space. Here, he combines system and order with chance and regularity, which manifests itself in an extremely varied and sensuous material painting. Wall-painted, glued and assembled different-color figurations are in dialogue with the archive systems placed on them or on top of them, made of brackets, color plates or ribbons.
DE
Jürgen Paas schafft Kreise, Rechtecke, Quadrate, Kuben und übersetzt sie in ein offenes Malereisystem, das Einzelaspekte wie Farbe, Form und Raum befragt. Hierbei verbindet er Systematik und Ordnung mit Zufall und Regellosigkeit, die sich in einer äußerst variantenreichen und sinnlichen Materialmalerei äußert. Auf die Wand gemalte, geklebte und montierte verschiedenfarbige Figurationen stehen im Dialog mit den darauf oder daneben platzierten Archivsystemen aus Halterungen, Farbtafeln oder Farbbändern.
ES
Jürgen Paas crea distintas formas geométricas como círculos, cuadrados y cubos que traduce en un sistema artístico personal inigualable, que sirven para analizar aspectos individuales del arte, como color, forma o espacio. Aquí es capaz de encontrar el artista sistemas y orden con aleatoriedad y casualidad, los cuales se pueden contemplar en una gran variedad de estructuras, composiciones y texturas artísticas. Sus obras en su mayoría colgadas a la pared, pintadas, pegadas y elaboradas en distintas capas de colores nos recuerdan a distintos sistemas archivísticos y soportes industriales.
1 - TARGET, 2018. 110 x 78 x 20 cm. PA, aluminum / PA, Aluwelle / PA, aluminio
2 - POPPLANET. 2012. 32 × 32 × 2 cm. Paper cuts, color papers, MDF, Steel frame /
Papierschnitte, Farbpapiere, MDF, verz. Stahlrahmen / Cortes de papel, papeles de color, MDF, estructura de acero, 3 - JUKEBOX, 2018. 60 × 60 × 7 cm. MDF, PVC / MDF, PVC / MDF, PVC
Antonio Marra (IT) EN
Antonio Marra’s abstract works are truly fascinating due to their surprising change of form and colour. Each of his multi-perspective paintings contains several other pictures which reveal themselves by circling around the canvas. Step by step the spectator is drawn into a vivid and dynamic kaleidoscope of shape and color. Marra’s art is a surprising experience of unique visual and dimensional effects. The painter has come to his very own style reflecting and redefining the techniques of Op-art and Orphism.
DE
Antonio Marras abstrakte Arbeiten üben durch ihren verblüffenden Wandel von Form und Farbe eine außergewöhnliche Faszination aus. Jedes seiner multi-perspektivischen Gemälde enthält stets mehrere Bilder, die sich als ein lebendiges, bewegtes Kaleidoskop mit jedem Schritt verändern. Marras Kunst wird zum überraschenden Erlebnis, indem sie uns einzigartige visuelle und räumliche Effekte erfahren lässt. Der Maler hat zu einem ganz eigenen Stil gefunden, der die Techniken von Op-Art und Orphismus reflektiert und durch neue Varianten erweitert.
ES
Los cuadros abstractos de Antonio Marra conquistan por su fascinante ilusión óptica, que sorprende por el cambio de color y forma que suscitan sus obras. Cada obra con su multitud de perspectivas contiene a su vez más de un motivo abstracto, que se revela en el momento que el espectador se mueve paralelamente delante del cuadro, ofreciendo distintas e infinitas visiones del mismo lienzo. Así el espectador es atraído en un caleidoscopio vivo repleto de colores. El arte de Antonio Marra está repleto de sorpresas visuales y efectos espectaculares. El artista ha llegado a crear su propio estilo artístico redefiniendo las técnicas de los artistas del Op-art y el orfismo.
1 - ALEXA, SEI DOCH STILL, 2018. 100 x 100 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo 2 - LUST UND LAST DES MALERS. 120 x 100 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo 3 - WER IST HIER EIGENTLICH BLIND. 120 x 120 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo
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left side, front side, right side linke Seite, Vorderseite, rechte Seite lado izquierdo, vista central, lado derecho
Udo Nöger (DE) EN
Udo Nöger attended Fachhochschule, Bielefeld University, and has studied in Paderborn, Berlin and Spain. Thanks to winning Nixdorf Grant, he spent some time in the early 90’s in New York, NY and Denver, CO. Nöger aims to bring out the luminescence of paint in his practice. The artist is known for monochromatic gray works that give the impression of emitting light. Nöger achieves this effect by stretching multiple pieces of fabric or canvas onto one frame; he either paints on or cuts shapes into the different layers beforehand. As a result, the work appears lighter and more transparent in certain parts.
DE
Nögers Ziel ist es, die Lumineszenz von Farbe zu zeigen. Er ist bekannt für seine monochromatischen grauen Arbeiten, die erscheinen, als würden sie selbst Licht ausstrahlen. Nöger erreicht diesen Effekt, indem er mehrere Bahnen Stoff oder Leinwand auf einen Rahmen spannt, die wiederum vorher bemalt oder beschnitten wurden. Deshalb wirken die Arbeiten an manchen Stellen lichtdurchlässiger als an anderen.
ES
Udo Nöger asistió a la Fachhochschule, Universidad de Bielefeld, y ha estudiado en Paderborn, Berlín y España. Gracias al ganador de Nixdorf Grant, pasó un tiempo a principios de los 90 en Nueva York, Nueva York y Denver, CO. Nöger tiene como objetivo resaltar la luminiscencia de la pintura en su práctica. El artista es conocido por las obras grises monocromáticas que dan la impresión de emitir luz. Nöger logra este efecto estirando varias piezas de tela o lienzo en un marco. Él pinta y corta formas en las diferentes capas de antemano, dando como resultado en el trabajo cierta ligereza y transparencia en ciertas partes.
1 - BE WATER 13, 2013. 149 x 109 cm. Mixed Media on canvas / Mischtechnik auf Leinwand / Técnica mixta sobre lienzo. 2 - ARENA, 2010. 150 x 250 cm. Mixed Media on canvas / Mischtechnik auf Leinwand / Técnica mixta sobre lienzo. 3 - LICHT SCHLAFEND, 2000. 160 × 210 cm. Mixed Media on canvas / Mischtechnik auf Leinwand / Técnica mixta sobre lienzo.
Angela Glajcar (DE)
EN
Angela Glajcar’s paper sculptures are hanging or floating in the air. Even though they seem light and delicate, they show a strong sculptural presence. Terforation is the title of Angela Glajcar’s cubic pieces. The staggered arrangement of the vertically hung series of sheets of white paper with torn edges, produces cave-like recessions. These extend into the depth of the sculpture. The sharp ridges and deep caverns evoke associations with glacial or rock formations while light and shadow fall onto the surface of the sheets, enlivening the interior of the oblong structure. The viewer is led into fascinating rooms of harmony and silence.
DE
Angela Glajcar verbindet Gegensätze. Ihre Papierskulpturen schweben frei im Raum oder bilden massive Blöcke. Sie wirken vom Material her leicht und zart, zeigen aber eine starke skulpturale Präsenz. Terforation nennt Angela Glajcar die Kuben aus weißen Papieren. Ihre streng geometrische Form wird aufgebrochen durch gerissene Kanten oder verschieden große Öffnungen. Durch die Staffelung der Papiere entstehen Hohlräume von einer enormen räumlichen Tiefe. Licht und Schatten machen diese lebendig. Assoziationen an gezackte Grate und das Innere tiefer Höhlen, an Gletscher- oder Felsformationen werden geweckt. Der Betrachter taucht ein in faszinierende Räume von vollkommener Harmonie und Ruhe.
ES
Las esculturas de papel de Angela Glajcar normalmente cuelgan del techo y flotan en el aire. Parecen delicadas y ligeras, pero sin embargo tienen una presencia extremadamente pesada. Terforation tiene el título de sus obras cúbicas. Las obras compuestas por distintas capas verticales de papel blanco colgantes, con cortes y roturas produce una sensación escenográfica de profundidad, como si se tratase de una cueva. Sus obras nos recuerdan a formaciones rocosas o glaciares, que en conjunto con la luz es capaz de desarrollar distintas estructuras. Así, el espectador es transportado a fascinantes espacios cargados de harmonía y silencio.
1 - 2017-014 TERFORATION, 2017. 200 x 96 x 55 cm. Papier 350g, gerissen, Halterung aus Metall/
Paper 350g, torn, metal and plastic holder / Papel 350g, rasgado, soporte de metal y plástico.
Christiane Grimm (DE)
EN
Christiane Grimm creates objects with different layers of glass and other materials which are arranged in such a manner, that the incoming light creates an almost holographic effect. Grimm experiments with the potential of color and with the brightening in subtle transitions. They are poetic constructs and illusionistic architectures out of clear, seemingly floating plains – achromatic and chromatic. The arrangement of the different elements makes it hardly possible to locate them perspectively within space. Moreover there are irritating optical effects which make it even more difficult to grasp Grimm’s artworks which can be located somewhere between painting, sculpture and architecture.
DE
Christiane Grimm gestaltet ihre Bildobjekte meist als Räume aus verschiedenen Gläsern und Materialien, die sie so anordnet, dass die Durchbrechung des einen durch das andere eine kalkulierte und zugleich vitale Bildwelt erzeugt. Es sind poetische Gebilde und Scheinarchitekturen aus lichten, schwebenden Flächen – unbunt oder farbig. Die Anordnung der einzelnen Elemente unterwandert jeden Versuch einer eindeutigen perspektivischen Zuordnung. Zusätzlich irritieren optische Effekte die räumliche Wahrnehmung und kreieren ein offenes Feld zwischen Malerei, Plastik und Architektur.
ES
Christiane Grimm construye sus artefactos como pequeños espacios dispuestos con diferentes materiales y cristales, los cuales ordena de tal forma que, por medio de su colación, crean un propio mundo de formas y colores. Christiane Grimm trabaja con la propia ilusión óptica, creada por el amontonamiento de distintos componentes, creando un efecto de tridimensionalidad y arquitectura.
1 - LIGHT FUSION, 2018. 60 x 60 x 10 cm. Mixed media and plexiglas / Mischtechnick und Plexiglas / técnica mixta y plexiglás
Dirk Salz (DE)
EN
Dirk Salz works on paintings whose most striking feature is their high-gloss surface. These are the result of the usage of multi-layered epoxy resins coated with pigments and the sealing with polyurethane varnish. The images of Dirk Salz always aim at the experience of the temporality of seeing. They demand an active viewer, who takes the time to move back and forth, in front the initially closing works, in order to open up their complexity. Thus, the phenomenon of reflection in an integral part of Salz’s works: optically as the mirroring property of the picture surfaces, as a reflection-aesthetic as the reflection of the viewer on his own visual experience.
DE
Dirk Salz arbeitet an Gemälden, deren auffälligstes Merkmal ihre hochglänzenden Oberflächen sind. Diese kommen durch den Einsatz mehrschichtig aufgetragener, mit Pigmenten versehener Epoxidharze und die Versiegelung mit Polyurethanlack zustande. Die Bilder von Dirk Salz zielen immer auf die Erfahrung der Zeitlichkeit des Sehens. Sie fordern einen aktiven Betrachter, der sich die Zeit nimmt, sich vor den sich zunächst verschließenden Arbeiten hin und her, vor und zurück zu bewegen, den Blick jeweils neu zu fokussieren, um sich so langsam ihre Komplexität zu erschließen. Reflektion ist bei diesen Arbeiten also in zweierlei Form im Spiel: optisch als die Spiegelungseigenschaft der Bildoberflächen, rezeptionsästhetisch als die Reflexion des Betrachters auf seine eigene Seherfahrung.
ES
Los trabajos pictóricos de Dirk Salz son sobre todo reconocibles por el acabado en brillo que reciben sus obras. Estos son el resultado del uso de resina epoxi cubierto por pigmentos y el uso de barniz de poliuterano. Las imágenes de Dirk Salz siempre buscan captar las experiencia temporal de la propia visión. Demandan de esa forma un espectador activo, que se tome su tiempo para poder vislumbrar las obras desde todas las perspectivas posibles, para que su complejidad se pueda ir aclarando paulatinamente. El reflejo de uno mismo en su obra representa una parte importante, ya que no sólo es un reflejo físico, ya que nos vemos reflejados, si no que el espectador ve reflejado su propia acción de espectador, viéndose como parte de la obra.
1 - #2347, 2018. 220 x 120 x 12 cm. Pigments and resin on multiplex Pigmente und Harz auf Multiplex / pigmentos y resina sobre multiplex 2 - #2372 , 2018. 160 x 140 x 12 cm. Pigments and resin on multiplex Pigmente und Harz auf Multiplex / pigmentos y resina sobre multiplex 3 - #2256, 2017. 100 x 180 x 12 cm. Pigments and resin on multiplex Pigmente und Harz auf Multiplex / pigmentos y resina sobre multiplex
Rudolf Burda (CZ)
EN
Rudolf Burda was born in 1973 in the Czech industrial town of Mladá Boleslav, in the heart of Europe. From 1987 - 1991 Rudolf Burda studied blacksmithing at the University of Applied Arts in Turnov. From 1992 to 1993 he completed an internship in California and then opened his own studio at home in the Czech Republic. In 2010 he discovered his fascination for glass and since then has been producing mouth-blown glass objects and sculptures.
DE
Rudolf Burda wurde 1973 in der tschechischen Industriestadt Mladá Boleslav, im Herzen Europas geboren. Von 1987 - 1991 studierte Rudolf Burda an der Hochschule für Angewandte Kunst in Turnov im Hauptfach Schmiedekunst. Von 1992 bis 1993 absolvierte er ein Praktikum in Kalifornien und eröffnete anschließend sein eigenes Atelier zuhause in Tschechien. 2010 entdeckte er seine Faszination für Glas und fertigt seitdem mundgeblasene Glasobjekte und Skulpturen.
ES
Rudolf Burda nació en 1973 en la ciudad industrial checa de Mladá Boleslav, en el corazón de Europa. De 1987 a 1991 Rudolf Burda estudió herrería en la Universidad de Artes Aplicadas de Turnov. De 1992 a 1993 realizó una residencia en California y luego abrió su propio estudio en la República Checa. En 2010 descubrió su fascinación por el vidrio y desde entonces ha estado produciendo objetos y esculturas de vidrio soplado.
1 - URANIUM UNIVERSE, 2018. Ø 27 cm. Special uranium and amber glass and layered czech crystal glass / spezielles Uran- und Braunglas and geschichtetes tschechisches Kristallglas / Cristal especial de uranio y ámbar y cristal checo
Roland Helmer (DE)
EN
Since the 1960s, Roland Helmer develops his constructive and concrete works with the utmost consequence. His abstract-geometric early works shows clear forms, quiet areas and are limited to a maximum of 7 or 8 bright colors. The variety of shapes is reduced in later work on narrow and wide lines in a vertical and horizontal screen layout. The color palette expands on certain issues by blends and underpainting with white and black. In painting concrete and constructive, he is one of those painters who bring a personal picture as part of an imaging system.
DE
Seit den 60er Jahren entwickelt Roland Helmer seine konstruktiv- konkreten Arbeiten mit größter Konsequenz. Sein abstraktgeometrisches Frühwerk zeigt klare Formen, ruhige Flächen und beschränkt sich auf maximal 7 oder 8 leuchtende Farben. Die Formenvielfalt reduziert sich im Spätwerk auf schmale und breite Linien in einem senkrechten und waagrechten Bildaufbau. Die Farbpalette erweitert sich bei bestimmten Themen durch Abmischungen und Untermalungen mit Weiß und Schwarz.
ES
Desde los años sesenta desarrolla Roland Helmer sus obras constructivas y concretas. Sus primeras obras geométricas abstractas representan claras formas, áreas extensas y se limita al uso de un máximo de siete u ocho colores vivos. Conforme va pasando el tiempo el artista sus formas se reducen a diseños a lineas de distintos grosores, ya sea dispuestas de forma horizontal o vertical. La paleta de colores, sin embago, se expande por medio de la superposición del color blanco o negro. Como pintor constructivista, es uno de esos artistas que es capaz de construir una visión personal dentro de un mundo completamente geométrico.
1 - V76 - BUNT, UNBUNT, HELLGELB, DIAGONAL , 2018. 80 x 80 x 8 cm. Acrylic and vinyl on wood / Acryl und Vinyl auf Holz / acrílico y vinilo sobre tabla
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Marco Casentini (IT)
EN
Marco Casentini’s works explore the spatial dynamics of color, texture and shape. He is inspired by designs of urban spaces and reflects on geometrical and architectural questions. By decoding environments and urban structures that he perceives immediately, he deconstructs and interprets designs of architects, engineers and town planners. Casentini´s use of radiant, bright or strong colors is stimulated by southern Californian or Mexican paintings of houses and dematerializes their architectural surfaces.
DE
Marco Casentini erkundet in seinen Arbeiten räumliche Dynamiken von Farbe, Textur und Form. Seine von der Gestaltung des städtischen Raumes inspirierten Werke spiegeln sein Interesse an Geometrie sowie Architektur und eröffnen dem Betrachter mit ihrer leuchtenden, hellen Farbpalette die Stimmung der lebendigen Häuseranstriche Südkaliforniens und Mexikos. Er dekodiert die architektonischen Oberflächen und das, was er unmittelbar wahrnimmt – das kann zum Beispiel eine Achterbahn sein –, indem er die Entwürfe von Architekten, Ingenieuren und Stadtplanern dekonstruiert und neu interpretiert. Monochromatische Werke, die Casentini aus seinen europäischen Erfahrungen generiert, weisen dunklere Farben mit ihren Variationen im Farbton auf.
ES
Marco Casentini explora en su trabajo distintas dinámicas espacios de color, textura y forma. Él se deja inspirar por diseños urbanísticos y dejándose ver en sus obras su interés por la geometría y la arquitectura. El artista de esa forma codifica distintos ambientes y estructuras urbanas que se van desmaterializando y deconstruyendo en su obra a forma de distintos espacios planos repletos de color. Sus obras se ven intensamente influenciadas por artistas californianos o la pintura mejicana.
1 - THE KING‘S ROOM, 2018. 52 x 39 x 8 cm. Acrylic on plexiglas / Acryl auf Plexiglas / acrílico sobre plexiglas
Moto Waganari (DE)
EN
Lutz Wagner aka Moto Waganari creates transparent network-sculptures which outline a delicate body frame. By illuminating his sculptures the artists multiplies his three-dimensional objects by a two-dimensional shadow revealing the immaterial alter ego of every figure. His characters seem to visualize a surreal, parallel world filled with surprise and enigma. Moto Waganari’s sculptures seduce the spectator with their appealing beauty and sophisticated weightlessness.
DE
Lutz Wagner aka Moto Waganari entwirft transparente Gitternetz-Skulpturen, die sich als schwerelose Körperhüllen vor dem Auge des Betrachters abzeichnen. Inszeniert als Lichtinstallationen werden die dreidimensionalen Figuren um ein zweidimensionales Schattenbild erweitert und erhalten ein immaterielles Alter Ego. Seine Wesen visualisieren eine surreale Parallelwelt, die voller Rätsel und Überraschungen steckt. Moto Waganaris raffinierte Kunstwerke bestechen durch formale Schönheit und filigrane Leichtigkeit.
ES
Lutz Wagner (también conocido como Moto Waganari) crea figuras transparentes formadas por delicadas lineas. Iluminando sus figuras el artista multiplica el efecto tridimensional de la obras, revelando el alter ego inmaterial de cada efigie. Sus personajes parecen visualizar un mundo surrealista paralelo, lleno de sorpresas y enigmas. Las esculturas de Moto Waganari seducen al espectador con su intensiva apariencia y su sofisticada ligereza.
1 - SPIRAL OF LIFE, 2017. 65 x 65 x 30 cm. SLS, Polyamide / SLS, Polyamid / SLS , Poliamida 2 - ARTIST, 2018. 70 X 48 X 35 cm. Nickel / Nickel / Níquel 3. DIGITAL PRIMITIVES
Marc Fromm (DE)
EN
Marc Fromm‘s carved reliefs and sculptures refelct the values of our every day culture. The artist introduces contemporary topics using the elaborate techniques of old mastery wood craft. Traditional religious altar scenes are reinterpreted as modern billboards just like former religious assurance is replaced by the promised land of advertising. Marc Fromm reveals the stereotypes of the advertisement industry and unmasks the fake glamour of today‘s commercialized products.
DE
Marc Fromms geschnitzte Reliefbilder und Skulpturen reflektieren Ausschnitte unserer täglichen Gegenwartskultur. Dabei setzt er sich mit den Werten und Qualitäten unserer Zeit auseinander. Der Künstler verarbeitet zeitgenössische Motive mit der Technik und Brillianz traditioneller, altmeisterlicher Schnitzkunst. Kirchliche Altartafeln deutet er zu modernen Werbetafeln um und ersetzt die religiösen Verheißungen durch die Versprechungen der Hochglanzmagazine. Marc Fromm thematisiert den heiligen Schein der Konsumwelt und demaskiert die Werbe-Klischees unserer Zeit.
ES
Los relieves y esculturas talladas de Marc Fromm reflejan los valores de nuestra cultura cotidiana. El artista introduce temas contemporáneos usando las técnicas elaboradas de la vieja maestría de la madera. Las escenas religiosas tradicionales de los altares se reinterpretan como vallas publicitarias modernas, al igual que los antiguos valores religiosos, son sustituidas por la tierra prometida de la publicidad. Marc Fromm revela los estereotipos de la industria de la publicidad y desenmascara el falso glamour de los productos comercializados en la actualidad.
1 - ROLEX DE LUXE, 2018. 150 x 80 x 8 cm. Lime wood, gold, nacre / Lindenholz, Gold, Nacre / Madera de Tilo, oro y nácar 2 - DAYTONA ROLEX, 2018. 125 x 160 x 8 cm. Lime wood, gold, nacre / Lindenholz, Gold, Nacre / Madera de Tilo, oro y nácar
Stefan Szczesny (DE)
EN
Stefan Szczesny, who became known in the 1980s as a protagonist of the Neue Wilde (New Wild) movement in painting, is now among Germany’s most significant contemporary artists. Although he is primarily a painter, he also develops domains such as graphic design, sculpture, photography, stage design fashion and design. One very important area is his ceramic oeuvre, which comprises some 4000 works. Born in Munich, he lives and works in Saint Tropez, but also has a studio in Berlin.
DE
Stefan Szczesny, in den 1980er Jahren als Protagonist der Neuen Wilden Malerei bekannt geworden, zählt heute zu den bedeutendsten zeitgenössischen Künstlern in Deutschland. Er ist vor allem Maler, erschließt sich aber auch Felder wie Grafik, Skulptur, Fotografie, Mode und Design. Von großer Bedeutung ist sein keramisches Werk, das etwa 4000 Arbeiten umfasst. Der gebürtige Münchner lebt und arbeitet in Saint Tropez, außerdem unterhält er ein Atelier in Berlin.
ES
Stefan Szczesny, conocido en la década de 1980 como protagonista del movimiento de pintura Neue Wilde (New Wild), se encuentra ahora entre los artistas contemporáneos más importantes de Alemania. Aunque es principalmente pintor, también desarrolla dominios como el diseño gráfico, la escultura, la fotografía, la moda escénica y el diseño. Un área muy importante es su obra de cerámica, que comprende unas 4000 obras. Nacido en Munich, vive y trabaja en Saint Tropez, pero también tiene un estudio en Berlín.
1 - DIE MODERNE, 1982. 200 x 160 cm. Mixed media on canvas / Mischtechnik auf Leinwand / técnica mixta sobre lienzo 2 - O. T., 1978. 180 x 195 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo 3 - O. T., 2018. 65 x 54 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo
Jessus Hernandez (US)
EN
Jessus Hernandez lives and works in Southern California. He is a self-taught artist drawing inspiration from the diversity that abounds. Architecture and nature converge in his creations where he infuses vibrant color, linear form, dimension, light, and space to create geometric abstract art forms in a vast array of superimposed perspectives. Always intrigued with the placement of shapes and lines in cityscapes, he developed a love for architectural design which became the foundation for his artistic visions.
DE
Jessus Hernandez lebt und arbeitet in Südkalifornien. Architektur und Natur konvergieren in seinen Kreationen, in denen lebendige Farbe, lineare Formen, Dimension, Licht und Raum zusammenfließen, um eine geometrische abstrakte Kunstform in einer Vielzahl von überlagerten Perspektiven zu schaffen. Immer fasziniert von der Platzierung von Formen und Linien im Stadtbild, entwickelte er eine Liebe zum architektonischen Design, das zur Grundlage seiner künstlerischen Visionen wurde.
ES
Jessus Hernandez vive en el sur de California. Arquitectura y naturaleza convergen en sus creaciones de colores vivos, formas lineanes, luz y espacio, que se traducen en formas artísticas abstractas repletas de distintas perspectivas. El artista se siente fascinado por motivos urbanísticos californianos que se reflejan en los colores y motivos repletos de luz de sus obras.
1 - ALEXANDRIA, 2018. 114 x 114 x 10 cm. Acrylic, spray paint and gesso on cradled oak board / Acryl, Sprühfarbe und Gesso auf Holz / acrílico, pintura spray y gesso sobre tabla 2- NUOVA VENEZIA III, 2018. 114 x 114 x 10 cm. Acrylic, spray paint and gesso on cradled oak board / Acryl, Sprühfarbe und Gesso auf Holz / acrílico, pintura spray y gesso sobre tabla 3 - WINGED MAN, 2018. 114 x 114 x 10 cm. Acrylic, spray paint and gesso on cradled oak board / Acryl, Sprühfarbe und Gesso auf Holz / acrílico, pintura spray y gesso sobre tabla
Slava Seidel (RU)
EN
The magic compositions by the Russian painter Slava Seidel visualize a world shifting between truth and illusion. Her sepia-ink drawings depict surreal scenes in stupendous architectural settings which create a feeling of tension, vertigo and dynamic. The artist masters to depict even the most complex architectural structures in contortion - despite the challenging ink-technique which does not allow any later corrections. Seidel‘s technical precision is just as remarkable as her imaginary gift which takes us to unknown, fantastic realities.
DE
Die magischen Kompositionen der russischen Malerin Slava Seidel visualisieren eine Welt zwischen Wahrheit und Illusion. Ihre Zeichnungen in Sepiatusche zeigen surreale Szenen vor beeindruckender Architektur-Kulisse, die ein Gefühl von Schwindel, Spannung und Dynamik provozieren. Sogar in Verzerrung meistert die Künstlerin die Darstellung der komplexer Architekturformen - trotz der anspruchsvollen Tuschetechnik, die keine späteren Korrekturen erlaubt. Seidels technische Präzision ist ebenso bemerkenswert wie ihr Talent zur Bildimagination, das uns in unbekannte, phantastische Realitäten entführt.
ES
Las composiciones mágicas de la pintora rusa visualizan un mundo entre la realidad y la ilusión. Sus dibujos en tinta sepia muestran escenas surrealistas en frente de una arquitectura impactante. Incluso en la deformación en curvatura la artista supera la presentación de las formas arquitectónicas más complejas – a pesar de la técnica de tinta desafiante que no permite correcciones posteriores.
1 - AUSBLICK, 2016. 130 x 150 x 3 cm. Sepia ink and acrylic on canvas Sepiatusche und Acryl auf Leinwand / Tinta sepia y acrílico sobre lienzo
Medardus (CH)
EN
Camille Hagner developes his painting cycles by searching for clues in the past. For his oil paintings the artist combines motives of historical paintings or photographs with his own picture imaginations and creatures as well as with contemporary topics such as technology or aerospace. Hagner creates ambivalent, strange visual spaces, in which humans, animals and machines merge to timeless views. The artist lives and works in Switzerland.
DE
Der Künstler Medardus, der mit vollem Namen Camille Medardus Hagner heißt, entwickelt seine Gemäldezyklen mittels Spurensuche in der Vergangenheit. Für seine Ölgemälde kombiniert der Künstler Motive historischer Gemälde oder Fotografien mit eigenen Bildimaginationen und Geschöpfen sowie zeitgenössischen Themenbereichen aus Technik oder Raumfahrt. Medardus erschafft ambivalente, fremdartige Bildräume in denen Mensch, Tier und Maschine zu zeitlosen Ansichten verschmelzen. Der Maler lebt und arbeitet in der Schweiz.
ES
Camille Hagner, también conocido como Medardus, desarrolla sus series pictóricas buscando en el pasado. En sus pinturas al óleos el artista combina motivos clásicos de la pintura renacentista y barroca, fotografías antiguas y su propia imaginación, así cómo motivos sacados del mundo de la ciencia ficción, como aeronaves o robots. Medardus crea ambivalentes y extraños espacios visuales, en los cuales humanos, animales y máquinas emergen en visiones absolutamente atemporales. El artista vive y trabaja en Suiza.
1 - BROTHER ROBOT, 2015. 160 x 120 cm. Oil on canvas / Öl auf Leinwand / Óleo sobre lienzo
Henning von Gierke (DE) EN
The well-renowned Munich based artist Henning von Gierke has long since caught the attention of an international audience which has been intrigued by his realistic painting. In his works von Gierke questions our existence in the context of nature, religion and philosophy. His rich oeuvre consists of classic topics deriving from Greek mythology and Christianity just like portraits, still lifes or interiors. Not only as a painter but also as an opera-director and stage designer von Gierke is much asked for. For his film settings he has been awarded the highly respected „Deutscher Filmpreis“ in Gold and the „Silberner Bär“.
DE
Seit Jahren begeistert der Münchner Maler Henning von Gierke ein internationales Publikum mit seiner realistischen Malweise. Er hinterfragt in seinen Arbeiten unser Dasein im Kontext von Natur, Religion und Philosophie. Die klassischen Themen der Mythologie, des Christentums und der Religionen gehören ebenso zu seinem umfangreichen Oeuvre wie Portraits, Stillleben oder Interieurs. Nicht nur als Maler, auch als Regisseur und Bühnenbildner ist von Gierke weltweit gefragt. Für seine Filmausstattungen wurde er mit dem deutschen Filmpreis in Gold und dem silbernen Bären ausgezeichnet.
ES
Desde años conquista al público internacional el artista de Múnich Henning von Gierke con su estilo pictórico realista. El cuestiona en sus trabajos nuestra existencia, especialmente dentro de los contextos na- turaleza, religión y filosofía. Los temas clásicos mitológicos o de la cris- tiandad y la religión también representan una parte importante de su obra, como los retratos, bodegones y sus interiores. No sólo es solicita- do como pintor, sino también por ser director de cine y escenógrafo. Por sus escenificaciones fue galardonado con los premios alemanes „Gold“ y el „Silberner Bär“
1 - DER SCHLEIER DER VENUS - IN GEDANKEN AN LUKAS CRANACH, 2018. 180 x 90 cm Oil on canvas / Öl auf Leinwand / óleo sobre lienzo