NEW
MASTERS
VS
MODERN
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JOERG
HEITSCH
GALLERY
JOERG HEITSCH GALLERY
EN
Since 1994 Joerg Heitsch runs his gallery in Munich to feature international contemporary art. With the opening of Joerg Heitsch Gallery GmbH at the lake Tegernsee with a sculpture garden in 2013 the focus of figurative and abstract painting was opened towards contemporary sculpture. The gallery intends to promote primarily young talents who reflect on modern issues and redefine art history in order to give them a chance to enter prominent private and public collections.
DE
Seit 1994 betreibt Jörg Heitsch die Galerie für internationale, zeitgenössische Kunst in München am Gärtnerplatz mit der Entwicklung und Umsetzung von Kulturkonzepten an der Schnittstelle Kunst, Kommunikation & Markt. Mit der Eröffnung einer Dependance am Tegernsee mit Skulpturengarten im Herbst 2013 wurde der Fokus von figurativer und abstrakter Malerei auf die zeitgenössische Bildhauerei ausgeweitet. Das besondere Engagement der Galerie gilt zeitgenössischen Künstlern, die moderne Inhalte vermitteln und die die Kunstgeschichte neu ausloten.
ES
Desde 1994 Joerg Heitsch está a cargo de su galería en Múnich para dar a conocer artistas contemporáneos internacionales. Con la apertura de Joerg Heitsch Gallery GmbH en el lago de Tegernsee con un jardín repleto de esculturas en el año 2013, el repertorio característico de la galerá con pintura figurativa y la pintura abstracta, abrió camino a la escultura. La galería tiene como objetivo promover jóvenes talentos que reflejan temáticas de interés actuales, como una redefinición de la historia del arte, buscando darle una oportunidad a los artistas de entrar en colecciones privadas y públicas internacionales.
NEW MASTERS vs moder n
EN
NEW MASTERS versus „Modern Masters“ is one of the ambitious projects curated by Heitsch Gallery. In this case, NEW MASTERS are contemporary artistic positions inspired by the international post-war art movement that set up an updated vision of our contemporary art history. Through the juxtaposition of works by NEW MASTERS and works by „modern masters“ as well as through the classification of the NEW MASTERS in art history, the „modern masters“ will shine in a new light. NEW MASTERS raise in particular the abstract art to a new level without losing the authenticity of the history of art. Thus, one could claim that NEW MASTERS is not only the continuation of the contemporary art history, but also a completely new vision of modern art.
DE
Ab 27. Oktober präsentiert die Jörg Heitsch Galerie ausgewählte zeitgenössische Kunstwerke, die im direkten Kontext der Kunstgeschichte stehen. Bei den hier vorgestellten NEW MASTERS handelt es sich um zeitgenössische Künstlerpositionen, die sowohl inhaltlich als auch formal in Bezug zu den in der Kunstgeschichte anerkannten Modernen, konkreten Meister stehen. Die NEW MASTERS sind dabei nicht als die Fortsetzung der zeitgenössischen Kunstgeschichte zu verstehen, sondern als eine komplette neue Vision der modernen Kunst. Durch die Kontextualisierung der NEW MASTERS in Bezug auf Inhalt, Technik und Qualität sowie die Einordnung der NEW MASTERS in die Kunstgeschichte erstrahlen auch die Modernen Meister in einem neuen Licht.
ES
NEW MASTERS versus „Modern Masters“ es uno de los proyectos más ambiciosos comisariado por la Galería Joerg Heitsch. En este caso, NEW MASTERS son artistas contemporáneos que se dejan influenciar por el arte de posguerra que asentó las bases de lo que entendemos sobre arte contemporáneo. Por medio de la yuxtaposición de obras de NEW MASTERS con los „modern masters“ y viceversa, estos también reviven en un nuevo contexto actual. NEW MASTERS se concentra en especial en la abstracción llevandola a otro nivel sin perder la esencia de la historia del arte. Así, no sólo se podría decir que NEW MASTERS es una continuación de los „modern masters“ sino incluso una total nueva visión del arte moderno.
VS
LUCAS BLOK
BARNETT NEWMAN
VS
ISABELLE BORGES
TIMOTHY APP
VS
MARCO CASENTINI
ANNE TRUITT
VS
ALEX COUWENBERG
LYUBOV POPOVA
VS
ANGELA GLAJCAR
LUCIO FONTANA
VS
MAXIMILIAN HEITSCH
ELLSWORTH KELLY
VS
ROLAND HELMER
DANIEL BUREN
VS
JESSUS HERNANDEZ
FERNAND LÈGER
VS
ANTONIO MARRA
VICTOR VASARELY
VS
YOSHIYUKI MIURA
RAFAEL SOTO
VS
JÃœRGEN PAAS
CARL ANDRE
VS
FELIX RODEWALDT
BRIDGET RILEY
VS
RITA ROHLFING
CRAIG KAUFFMAN
VS
DIRK SALZ
ERIC ORR
VS
INA VON JAN
JOSEF ALBERS
Lucas Blok (US)
EN
Lucas Blok’s paintings emanate and pulse with a quiet complexity. One first sees the vivid color fields arranged in geometric tautness, then the subtleties in color and shape begin their work. The pristine surfaces of Blok’s paintings vibrate: dominant shapes seem to dematerialize; color chords register their optical strength; phantom colors migrate or surge across the picture plane. The artist ushers the viewer into a world of color relationships that play on optical nerves and emotions alike. Adjacent color areas harmonize or generate delicate discords that become, like musical compositions, harmony, rhythm, discord, balance.
DE
Lucas Bloks Gemälde pulsieren und verströmen eine ruhige Komplexität. Der Künstler führt den Betrachter in eine Welt von Farbverhältnissen, die optischen Nerven und Emotionen gleichermaßen ansprechen. Zunächst erscheinen die lebendigen Farbfelder in geometrischer Strenge angeordnet um sich dann in einem Spiel aus Form und Farbe vollends zu entfalten. Die unberührten Flächen von Bloks Gemälden vibrieren: dominante Formen scheinen zu entmaterialisieren; Farb- Akkorde erstrahlen in ihrer optischen Stärke; Phantomfarben wandern quer über die Bildebene. Benachbarte Farbflächen harmonisieren oder erzeugen zarte Dissonanzen, die, wie musikalische Kompositionen zu Harmonie, Rhythmus, Zwietracht, oder Gleichgewicht werden.
ES
Las pinturas de Lucas Blok emanan una complexidad innata. El artista guía al espectador a un mundo repleto de distintos matices. La obra de Blok empieza introduciéndonos en campos repletos de color y forma. La perfecta superficie de la obra de Block vibra: formas dominantes de los cuadros parecen desmaterializarse; colores quiméricos parecen trasladarse de una zona otra del cuadro. El artista guía al espectador dentro de un mundo repleto de colores que juega de la misma forma con nuestro sentido óptico y con nuestras emociones. Áreas de colores adyacentes armonizan o generan delicados contrastes que se transforman en una delicada composición cercana a una pieza musical.
1 - Untitled, 2007. 137,5 x 137,5 cm. acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo 2 - Untitled, 2014. 100 x 100 cm. acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo 3 - Untitled, 2010. 198 x 182 cm. acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo
Isabelle Borges (BR)
EN
Isabelle Borges’ art is an art of representation. How it relates to and contains the “real world” only becomes clear after closer examination. It is helpful here to distinguish between surface and background. Surface means the material appearance of the painting. Our gaze is arrested by the details of the structure. We recognize words, fragments of pictures, and snippets of newspaper. The decisive momentum here is that of the return of reality in an abstract space such as the painting. Through the letters, time and space can, as it were, be assessed. That also has a literary quality and reminds us of Dada, Kurt Schwitters, and also Max Ernst. In this view, Isabelle Borges’ work is an archeology of modernism from its origins to today.
DE
Es geht Isabelle Borges in ihrer Arbeit um den Raum hinter dem Raum, um Raumschichten, aber auch um Zwischenräume von Körpern der sichtbaren Wirklichkeit. Gemeint ist der Raum nicht als leerer Ort zwischen A und B, sondern eher als eine Art bewegten Gewebes, welches sich mehrfach gefaltet, sich drehend, in vielerlei Schichtungen und Verhältnissen unserer augengesteuerten Realität entzieht. Die dargestellte Räumlichkeit entsteht aus der Faltung bewegter Flächen. Das bewusste Spannungsfeld in dem sich die Künstlerin bewegt, besteht in der Subtilität, ja in der Unmöglichkeit, einer wenn auch nur bruchstückhaften Darstellung eines dramatischen, wissenschaftlichen, sich permanent drehenden und gefalteten Raumes, in einer minimalistischen Ästhetik, sprich in einer konzentrierten Form, des absolut Notwendigen und Wahren.
ES
La obra de Isabelle Borges es una forma de representación del espacio. Cómo sus lienzos interactúan o visualizan el “mundo real” se aclara por medio de una extenso estudio de sus lienzos. En las obras se analiza el espacio no entendido como un espacio entre dos puntos A y B, sino como un tejido orgánico que se despliega por todo el lienzo, gira y se transforma. También se puede percibir que la obra de Borges tiene influencia dadaísta, un recuerdo a las obras de Kurt Schwitters, así como Max Ernst.
1 - Suchmaschine, 3, 2014. 180 x 155 cm. Oil on canvas / Öl auf Leinwand / óleo sobre lienzo 2 - Blau, 2007. 80 x 65 cm. Oil on canvas / Öl auf Leinwand / óleo sobre lienzo 3 - The Plan, 3 , 2016. 180 x 145 cm. Oil on canvas / Öl auf Leinwand / óleo sobre lienzo
Marco Casentini (IT)
EN
Marco Casentini explores in his work spatial dynamics of color, texture and shape. He is inspired by designs of urban space and reflects geometrical and architectural questions. By decoding environments and urban structures that he perceives immediately, he deconstructs and interprets designs of architects, engineers and town planners. Casentini´s use of radiant, bright or strong colors is stimulated by southern Californian or Mexican paintings of houses and dematerializes their architectural surfaces.
DE
Marco Casentini erkundet in seiner Arbeit räumliche Dynamiken von Farbe, Textur und Form. Seine von der Gestaltung des städtischen Raums inspirierten Werke spiegeln sein Interesse an Geometrie sowie Architektur und eröffnen dem Betrachter mit ihrer leuchtenden, hellen Farbpalette die Stimmung der lebendigen Häuseranstriche Südkaliforniens und Mexikos. Er dekodiert die architektonischen Oberflächen und das, was er unmittelbar wahrnimmt – das kann zum Beispiel eine Achterbahn sein –, indem er die Entwürfe von ArchitektInnen, IngenieurInnen und StadtplanerInnen dekonstruiert und neu interpretiert. Monochromatische Werke, die Casentini aus seinen europäischen Erfahrungen generiert, weisen dunklere Farben mit ihren Variationen im Farbton auf.
ES
Marco Casentini explora en su trabajo distintas dinámicas espacios de color, textura y forma. Él se deja inspirar por diseños urbanísticos y dejándose ver en sus obras su interés por la geometría y la arquitectura. El artista de esa forma codifica distintos ambientes y estructuras urbanas que se van desmaterializando y deconstruyendo en su obra a forma de distintos espacios planos repletos de color. Sus obras se ven intensamente influenciadas por artistas californianos o la pintura mejicana.
1 - Up and Down the Border, 2013. 170 x 170 cm. acrylic and plexi on canvas / Acryl und plexi auf Leinwand / acrílico y plexi sobre lienzo 2 - Push the summer away, 2016. 50 x 30 cm cm. acrylic on coloured mirrow / Acryl auf farbigem Spiegel / acrílico sobre espejo coloreado 1 - Place Called LA, 2013. 170 x 170 cm. acrylic and plexi on canvas / Acryl und plexi auf Leinwand / acrílico y plexi sobre lienzo
Alex Couwenberg (US)
EN
Born and raised in Southern California, painter Alex Couwenberg creates images that are inspired by the elements indigenous to his surroundings. From Los Angeles, Couwenberg’s work references and suggests the aesthetic associated with mid-century modernism, car culture, skateboards, and surfboards. Couwenberg´s paintings give a nod towards the Hard-edge abstractionists, the finish fetish, and the light and space artists. Not content to replicate, he uses the sensibility of Eames-era design and hardedge geometric abstraction as points of departure for creating paintings. His process, an additive and reductive series of moves and passes, creates multilayered environments that are deep and sensual. He harnesses these ideas into harmonious results, reflecting the visual landscape of his environment.
DE
Der in Südkalifornien geborene und aufgewachsene Maler Alex Couwenberg ist tief durch die Kunst und Lebenskultur seiner visuellen Umgebung inspiriert. So verweisen Couwenbergs Linienmuster und Farbwahl auf die Ästhetik der Moderne in Los Angeles und Süd Kaliforniens der 1950er, 60er und 70er Jahre, welche eng mit der Auto-, Skate- und Surfkultur verbunden ist. Ausgangspunkt seiner Werke ist die Kombination gestischer Malweisen und mit der geometrischen Abstraktion des Hard- Edge. Die oftmals schablonenhaften, flächigen und mit harten Kanten scharf gegeneinander abgegrenzten Farbflächen werden so zu spannungsvollen expressionistischen Form- und Kompositionsfeldern.
ES
El artista californiano Alex Couwenberg se deja realmente inspirar por todo su ambiente y cultura californiana. Así se puede percibir en su obra toda la influencia del arte californiano de los años cincuenta, sesenta y setenta y la cultura automovilística, del skate y el surf. El punto central de su obra se desarrolla en la combinación del gesto como modelo artístico así como la abstracción del “Hard-edge”. Sus obras hechas a capas con distintas formas y colores le concede a sus composiciones un aire marcadamente expresionista.
1 - Painting #1, 2016. 56 x 71 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo 2 - The Jam, 2016. 56 x 71 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo 3 - Longo , 2016. 56 x 71 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo
Angela Glajcar (DE)
EN
Angela Glajcar’s paper sculptures mostly hang, floating in the air. They seem light and delicate, however they show a strong sculptural presence. Terforation is the title of Angela Glajcar’s cubic pieces. The staggered arrangement of the vertically hung series of sheets of white paper, with torn edges, produces cave-like recessions. These extend into the depth of the sculpture. The sharp ridges and deep caverns evoke associations with glacial or rock formations while light and shadow fall on the surface of the sheets, enlivening the interior of the oblong structure. The viewer is led into fascinating rooms of harmony and silence.
DE
Angela Glajcar verbindet Gegensätze. Ihre Papierskulpturen schweben frei im Raum oder bilden massive Blöcke. Sie wirken vom Material her leicht und zart, zeigen aber eine starke skulpturale Präsenz. Terforation nennt Angela Glajcar die Kuben aus weißen Papieren. Ihre streng geometrische Form wird aufgebrochen durch gerissene Kanten oder verschieden große Öffnungen. Durch die Staffelung der Papiere entstehen Hohlräume von einer enormen räumlichen Tiefe. Licht und Schatten machen diese lebendig. Assoziationen an gezackte Grate und das Innere tiefer Höhlen, an Gletscher- oder Felsformationen werden wach. Der Betrachter taucht ein in faszinierende Räume von vollkommener Harmonie und Ruhe.
ES
Las esculturas de papel de Angela Glajcar normalmente cuelgan del techo y flotan en el aire. Parecen delicadas y ligeras, pero sin embargo tienen una presencia extremadamente pesada. Terforation tiene el título de sus obras cúbicas. Las obras compuestas por distintas capas verticales de papel blanco colgantes, con cortes y roturas produce una sensación escenográfica de profundidad, como si se tratase de una cueva. Sus obras nos recuerdan a formaciones rocosas o glaciares, que en conjunto con la luz es capaz de desarrollar distintas estructuras. Así, el espectador es transportado a fascinantes espacios cargados de harmonía y silencio.
1 - 2016-10, 2016. 38 x 35,5 x 11,5 cm. Paper 200g / Papier 200g / Papel 200g 2 - Corum 2015 - 022, 2015. 140 x 104 x 50 cm. glass cloth 170g / Glasgewebe 170g / Tela de vidrio 170g 3 - Terforation 2014-070, 2014. 122,5 x 80,5 x 26 cm. Paper 400g / Papier 400g / Papel 400g
Maximilian Heitsch (DE)
EN
Maximilian Heitsch is a Munich-based creative working in the fields of art, graphic design and cultural events. In his work he fundamentally focuses on the interaction of space, movement and simplicity. Evoking Ellsworth Kelly and Frank Stella, the young artist’s collection is a study on shape and color. Recently, noted blogger Bobby Solomon from The Fox is Black called himself a „fan of the tension that’s created between the intersections of the shapes, how the brain creates meaning in the abstract.“ Aside his visual portfolio he regularly curates cultural events such as AABER AWARD and Panama Plus.
DE
Maximilian Heitsch ist ein in München lebender Kreativer, der in den Bereichen der freischaffenden Kunst, Grafik Design und Kulturevents arbeitet. Seine künstlerische Arbeit konzentriert sich hauptsächlich auf die Auseinandersetzung mit Raum, Bewegung und Minimalismus. Seine Werke erinnern an Ellsworth Kelly oder Frank Stella und bilden eine einfühlsame Studie zu Form und Farbe. Der Blogger Bobby Solomon von The Fox is Black bekannte sich kürzlich als „Liebhaber der Spannung, welche zwischen den Überschneidungen der Formen und der eigenen Interpretation abstrakten Flächen entsteht“. Neben seinem visuellen Portfolio kuratiert Maximilian Heitsch ebenfalls kulturelle Events wie den AABER AWARD oder das Panama Plus Festival.
ES
Maximilian Heitsch es un artista afincado en Múnich que trabaja en distintos campos del arte, el diseño y la gestión cultural. Su trabajo se centra especialmente en el estudio del espacio, el movimiento y la simplicidad como concepto artístico. Sus trabajos nos recuerdan a las obra de Ellsworth Kelly y Frank Stella. Recientemente el famoso bloguero Bobby Solomon de The Fox is Black escribió “es un creador de tensiones entre la intersección entre distintas formas, y codificador de significado en medio de abstracción” Asimismo ha trabajado como curador de arte para distintos eventos culturales como AABER AWARD o el festival Panama Plus.
1 - Many too many, 2016. 92 x 130 cm. C-print on alu dibond / C-Print auf Alu-Dibond / c-print sobre aluminio dibond 2 - Bay Harbor , 2016. 92 x 130 cm. C-print on alu dibond / C-Print auf Alu-Dibond / c-print sobre aluminio dibond 3 - I don‘t know, 2016. 92 x 130 cm. C-print on alu dibond / C-Print auf Alu-Dibond / c-print sobre aluminio dibond
Roland Helmer (DE)
EN
Since the 60s, Roland Helmer develops his constructive and concrete work with the utmost consequence. His abstract-geometric early work shows clear forms, quiet areas and is limited to a maximum of 7 or 8 bright colors. The variety of shapes is reduced in later work on narrow and wide lines in a vertical and horizontal screen layout. The color palette expands on certain issues by blends and underpainting with white and black. In painting concrete and constructive, he is one of those designers who bring a personal picture as part of an imaging system.
DE
Seit den 60er Jahren entwickelt Roland Helmer seine konstruktiv- konkreten Arbeiten mit größter Konsequenz. Sein abstraktgeometrisches Frühwerk zeigt klare Formen, ruhige Flächen und beschränkt sich auf maximal 7 oder 8 leuchtende Farben. Die Formenvielfalt reduziert sich im Spätwerk auf schmale und breite Linien in einem senkrechten und waagrechten Bildaufbau. Die Farbpalette erweitert sich bei bestimmten Themen durch Abmischungen und Untermalungen mit weiß und schwarz.
ES
Desde los años sesenta desarrolla Roland Helmer sus obras constructivas y concretas. Sus primeras obras geométricas abstractas representan claras formas, áreas extensas y se limita al uso de un máximo de siete u ocho colores vivos. Conforme va pasando el tiempo el artista sus formas se reducen a diseños a lineas de distintos grosores, ya sea dispuestas de forma horizontal o vertical. La paleta de colores, sin embago, se expande por medio de la superposición del color blanco o negro. Como pintor constructivista, es uno de esos artistas que es capaz de construir una visión personal dentro de un mundo completamente geométrico.
1 - Inszeniertes Quadrat - schwarz,weiß, 2016. 56 x 28 x 28 cm. acrylic on wood Acryl auf Holz / acrílico sobre tabla 2 - Fortsetzung Grün, 2015. 140 x 100 x 5 cm. Acrylic on wood / Acryl auf Holz / acrílico sobre tabla 3 - Zwei Dinge - rot , 2015. 140 x 100 x 5 cm. Acrylic on wood / Acryl auf Holz / acrílico sobre tabla
Jessus Hernandez (US)
EN
Jessus Hernandez lives and works in Southern California. He is a self-taught artist drawing inspiration from the diversity that abounds. Architecture and nature converge in his creations where he infuses vibrant color, linear form, dimension, light, and space to create geometric abstract art forms in a vast array of superimposed perspectives. Always intrigued with the placement of shapes and lines in cityscapes, he developed a love for architectural design which became the foundation for his artistic visions.
DE
Jessus Hernandez lebt und arbeitet in Südkalifornien. Architektur und Natur konvergieren in seinen Kreationen, in denen lebendige Farbe, lineare Formen, Dimension, Licht und Raum zusammenfließen, um eine geometrische abstrakte Kunstform in einer Vielzahl von überlagerten Perspektiven zu schaffen. Immer fasziniert von der Platzierung von Formen und Linien im Stadtbild, entwickelte er eine Liebe zum architektonischen Design, das zur Grundlage seiner künstlerischen Visionen wurde.
ES
Jessus Hernandez vive en el sur de California. Arquitectura y naturaleza convergen en sus creaciones de colores vivos, formas lineanes, luz y espacio, que se traducen en formas artísticas abstractas repletas de distintas perspectivas. El artista se siente fascinado por motivos urbanísticos californianos que se reflejan en los colores y motivos repletos de luz de sus obras.
1 - L.A. Nights II, 2016. 114 x 114 cm. Acrylic, spray paint and gesso on cradled oak board / Acryl, Sprühfarbe und Gesso auf Holz / acrílico, pintura spray y gesso sobre tabla 2 - Atlantis , 2016. 114 x 114 cm. Acrylic, spray paint and gesso on cradled oak board / Acryl, Sprühfarbe und Gesso auf Holz / acrílico, pintura spray y gesso sobre tabla 3 - Opera Solstice, 2016. 114 x 114 cm. Acrylic, spray paint and gesso on cradled oak board / Acryl, Sprühfarbe und Gesso auf Holz / acrílico, pintura spray y gesso sobre tabla
Antonio Marra (IT)
EN
Antonio Marra’s abstract works remain truly fascinating due to their surprising change of form and colour. Each of his multi-perspective paintings contains several more pictures which reveal themselves by circling around the canvas. Step by step the spectator is drawn into a vivid and dynamic kaleidoscope of shape and colour. Marra’s art is a surprising experience of unique visual and dimensional effects. This painter has come to his very own style reflecting and redefining the techniques of Op-art and Orphism.
DE
Antonio Marras abstrakte Arbeiten üben durch ihren verblüffenden Wandel von Form und Farbe eine außergewöhnliche Faszination aus. Jedes seiner multi-perspektivischen Gemälde enthält stets mehrere Bilder, die sich als ein lebendiges, bewegtes Kaleidoskop mit jedem Schritt verändern. Marras Kunst wird zum überraschenden Erlebnis, indem sie uns einzigartige visuelle und räumliche Effekte erfahren lässt. Der Maler hat zu einem ganz eigenen Stil gefunden, der die Techniken von Op-Art und Orphismus reflektiert und durch neue Varianten erweitert.
ES
Los cuadros abstractos de Antonio Marra conquistan por su fascinante ilusión óptica, que sorprende por el cambio de color y forma que suscitan sus obras. Cada obra con su multitud de perspectivas contiene a su vez más de un motivo abstracto, que se revela en el momento que el espectador se mueve paralelamente delante del cuadro, ofreciendo distintas e infinitas visiones del mismo lienzo. Así el espectador es atraído en un caleidoscopio vivo repleto de colores. El arte de Antonio Marra está repleto de sorpresas visuales y efectos espectaculares. El artista ha llegado a crear su propio estilo artístico redefiniendo las técnicas de los artistas del Op-art y el orfismo.
1 - Liebesanbahnung im Atelier, 2014. 100 x 100 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo 2 - Leere erträgt mein Gemüt nicht , 2014. 120 x 150 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo 3 - Das Geheimnis der letzten Rille, 2016. 150 x 150 cm. Acrylic on canvas / Acryl auf Leinwand / acrílico sobre lienzo
Yoshiyuki Miura (JP)
EN
Yoshiyuki Miura’s works may be considered a systematizing regulation to the omnipresent chaos. With his sculptures and installations the Japanese artist reflects the relation of space and time. He leads force and counterforce in order to bring them into balanced state of tension and release. Miura creates objects which play with our perception of three-dimensionality and intrigue us by their extraordinary simplicity, precision and beauty.
DE
Yoshiyuki Miuras Werke lassen sich als ordnender Eingriff in das allgegenwärtige Chaos begreifen. In seinen Skulpturen und Rauminstallationen reflektiert der japanische Künstler das Verhältnis von Raum und Zeit. Er lotet Kraft und Gegenkraft aus und bringt sie in einen harmonischen Zustand von Spannung und Ausgleich. Miura kreiert Objekte, die sich durch eine außergewöhnliche Ästhetik, Einfachheit und Präzision auszeichnen und die mit der Wahrnehmung von Dreidimensionalität spielen.
ES
Las obras del artista japonés Yoshiyuki Miura se pueden considerar como un intento de de regulación sistemática de la omnipresencia del caos. Con sus esculturas e instalaciones el artista refleja la continua relación entre espacio y tiempo. Él contrapone elementos opuestos en tensión guiándolos a un estado perfecto de equilibrio. De esa forma, Miura crea objetos que juegan con nuestra percepción de lo tridimensional y maravilla al público con la relativa simpleza e inconfundible belleza y precisión de sus obras.
1 - Wandarbeit Neongelb Kreis, 2016. 120 x 90 x 21 cm. Painted nylon thread, metal, wood, LED lamp / Nylon-schnur, Lack Farbe, LED Beleuchtung / hilos de nylon, lacado, iluminación LED 2 - Wandarbeit Feuerrot, 2016. 180 x 50 x 18 cm. Painted nylon thread, metal, wood, LED lamp / Nylon-schnur, Lack Farbe, LED Beleuchtung / hilos de nylon, lacado, iluminación LED 3 - Ellipsoid Feuerrot, 2016. 30 x 30 x 15 cm. Edelstahl farbig lackiert, Holz, LED Lampe / Nylon-schnur, Lack Farbe, LED Beleuchtung / hilos de nylon, lacado, iluminación LED
Jürgen Paas (DE)
EN
Jürgen Paas creates circles, rectangles, squares, cubes and translates them into an open painting system, which surveys individual aspects such as color, form and space. Here, he combines system and order with chance and regularity, which manifests itself in an extremely varied and sensuous material painting. Wall-painted, glued and assembled different-color figurations are in dialogue with the archive systems placed on them or on top of them, made of brackets, color plates or ribbons. The interplay of regular geometrical forms suggests a rhythmic spatial sound that, in the context of synesthetic perception, brings a polyphonic overall work of art into view.
DE
Jürgen Paas schafft Kreise, Rechtecke, Quadrate, Kuben und übersetzt sie in ein offenes Malereisystem, das Einzelaspekte wie Farbe, Form und Raum befragt. Hierbei verbindet er Systematik und Ordnung mit Zufall und Regellosigkeit, die sich in einer äußerst variantenreichen und sinnlichen Materialmalerei äußert. Auf die Wand gemalte, geklebte und montierte verschiedenfarbige Figurationen stehen im Dialog mit den darauf oder daneben platzierten Archivsystemen aus Halterungen, Farbtafeln oder Farbbändern. Das Zusammenspiel regelmäßiger geometrischer Formen suggeriert einen rhythmischen Raumklang, der im Kontext synästhetischer Wahrnehmung ein polyphones Gesamtkunstwerk zur Anschauung bringt.
ES
Jürgen Paas crea distintas formas geométricas como círculos, cuadrados y cubos que traduce en un sistema artístico personal inigualable, que sirven para analizar aspectos individuales del arte, como color, forma o espacio. Aquí es capaz de encontrar el artista sistemas y orden con aleatoriedad y casualidad, los cuales se pueden contemplar en una gran variedad de estructuras, composiciones y texturas artísticas. Sus obras en su mayoría colgadas a la pared, pintadas, pegadas y elaboradas en distintas capas de colores nos recuerdan a distintos sistemas archivísticos y soportes industriales. El continuo juego de formas y colores en el espacio termina desarrollando una textura artística que están en plena relación con el concepto de obra total y percepción sinestésica.
1 - TARGET/Wall I u. II, 2016. 90 x 10 cm. PA, corrugated aluminum sheet / PA, Aluwelle PA, hoja de aluminio ondulado 2 - TARGET/Ground, 2016. Ø 200 cm. PA, corrugated aluminum sheet / PA, Aluwelle PA, hoja de aluminio ondulado
Felix Rodewaldt (DE)
EN
Felix Rodewaldt is a recently discovered, young artist of Munich’s emerging art scene. Still being an academy student he creates artworks and installations made of tape which are so exciting that he was repeatedly asked to develop designs for clubs and independent stores. Before he used to work on stencils being inspired by Blek le Rat or Banksy. Now, he has replaced the aerosol can by tape and creates artworks which overrule the common understanding of art. In his latest creations Felix Rodewaldt dedicates his compositions 3D polished stainless steel, which are characterized by their polyperspectivity and versatility.
DE
Felix Rodewaldt ist eine Entdeckung aus Münchens junger Kunstszene. Mit Klebeband kreiert der Akademie-Student Bildwerke und Rauminstallationen, die so aufregend anders sind, dass er schon jetzt Clubs und Ladenlokale damit gestalten konnte. Beeindruckt von Blek le Rat oder Banksy hat er früher Stencils gesprüht. Jetzt hat er die Spraydose gegen Klebeband eingetauscht und bricht mit seiner „Tape Art“ die geltenden Normen der Kunstproduktion. In seinen neuesten Kreationen widmet sich Felix Rodewaldt Kompositionen aus 3D poliertem Edelstahl, welche sich durch Ihre Polyperspektivität und Vielseitigkeit auszeichnen.
ES
Felix Rodewaldt es un nuevo descunrimiento de la escena artística de Múnich. Con cinta adhesiva de colores crea el estudiante distintas obras plásticas e instalaciones, las cuales han llegado a impresionar a tantas personas, que ha empezado a decorar distintos clubs y locales de la ciudad reconocidos en Múnich. Dejándose inspirar por Bleck le Rat o Banksy, empezó en el mundo del spray y el arte urbano. Ahora ha intercambiado el spray por la cinta adhesiva y rompe de así con su “tape art” las normas escritas de la producción artística. En sus nuevas creaciones trabaja el artista con composiciones geométricas pulidas en acero, que destacan por su multiperspectividad y su versatilidad.
1 - Stern (Diptychon), 2015. 100 x 100 cm. Stainless steel / Edelstahl / acero 2 - Rotes Netz , 2013. 100 x 100 cm. Tape on Alu Dibond / Klebeband auf Alu-Dibond / cinta adhesiva sobre aluminio dibond 3 - Friedenheimer Straße, 2013. 100 x 200 cm. Tape on Alu Dibond / Klebeband auf Alu-Dibond / cinta adhesiva sobre aluminio dibond
Rita Rohlfing (DE)
EN
Rita Rohlfing creates color spaces in which she combines sculptural and painted elements in a way that they mutually cancel each other in their respective components and create a third element that is primarily space and color. “Space, color, light is removed from their unambiguousness and appear as a” twilight “that captivates us. This symbiosis between seeing and thinking, between perception and reflection is a central theme in Rita Rohlfing’s artistic work, where she approaches painting and spatial architecture in ever new and refreshingly surprising installations and incorporates the observer into a continuum of experience.
DE
Rita Rohlfing konstruiert Farbräume in denen sie skulpturale und malerische Elemente so miteinander verknüpft, dass sie sich in ihren jeweiligen Komponenten gegenseitig gleichsam aufheben um gemeinsam ein drittes Element zu schaffen, das vor allem Raum ist und Farbe. „Raum, Farbe, Licht werden ihrer Eindeutigkeit enthoben und erscheinen als „Zwielicht“, das uns in seinen Bann zieht. Diese Symbiose zwischen Sehen und Denken, zwischen Wahrnehmung und Reflexion ist ein zentrales Thema in Rita Rohlfings künstlerischer Arbeit, dem sie sich über Malerei und Raumarchitektur in immer wieder Neuen und erfrischend überraschenden Installationen nähert und den Betrachter mit einbezieht in dieses Erfahrungskontinuum.
ES
Rita Rohlfing crea espacio de colores en los cuales combina elementos escultóricos y pictóricos de las forma que cada elemento cancela al opositor, creando un tercer elemento que surge de la fusión de ambos elementos que está basado en espacio y color. „Espacio, color y luz son eliminados de su ambigüedad y aparecen como un „crepúsculo“ que nos cautiva. Esta simbiosis entre ver y pensar, entre percepción y reflexión es el tema central de la obra de Rita Rohlfing, donde combina pintura con espacio arquitectónico en sus nuevas y refrescantes instalaciones, incorporando al espectador en un bucle infinito de nuevas experiencias.
1 - Purpurlinie, 2014. 62 x 50 x 16 cm. acrylic, plexiglas / Acryl, Plexiglas / acrílico, plexiglas 2 - untitled space, 2013. 72 x 93 x 3 cm. aluminium, gloss paint Aluminium, Lackfarbe / aluminio, pintura laca
Dirk Salz (DE)
EN
Dirk Salz works on paintings whose most striking feature is their high-gloss surfaces. These are the result of the use of multi-layered epoxy resins coated with pigments and the sealing with polyurethane varnish. The images of Dirk Salz always aim at the experience of the temporality of the seeing. They demand an active viewer, who takes the time to move back and forth, back and forth, before the initially closing works, in order to open up their complexity so slowly. Reflection in this work is thus in two forms in the game: optically as the mirroring property of the picture surfaces, as a reflection-aesthetic as the reflection of the viewer on his own visual experience.
DE
Dirk Salz arbeitet an Gemälden, deren auffälligstes Merkmal ihre hochglänzenden Oberflächen sind. Diese kommen durch den Einsatz mehrschichtig aufgetragener, mit Pigmenten versehener Epoxidharze und die Versiegelung mit Polyurethanlack zustande. Die Bilder von Dirk Salz zielen immer auf die Erfahrung der Zeitlichkeit des Sehens. Sie fordern einen aktiven Betrachter, der sich die Zeit nimmt, sich vor den sich zunächst verschließenden Arbeiten hin und her, vor und zurück zu bewegen, den Blick jeweils neu zu fokussieren, um sich so langsam ihre Komplexität zu erschließen. Reflexion ist bei diesen Arbeiten also in zweierlei Form im Spiel: optisch als die Spiegelungseigenschaft der Bildoberflächen, rezeptionsästhetisch als die Reflexion des Betrachters auf seine eigene Seh-Erfahrung.
ES
Los trabajos pictóricos de Dirk Salz son sobre todo reconocibles por el acabado en brillo que reciben sus obras. Estos son el resultado del uso de resina epoxi cubierto por pigmentos y el uso de barniz de poliuterano. Las imágenes de Dirk Salz siempre buscan captar las experiencia temporal de la propia visión. Demandan de esa forma un espectador activo, que se tome su tiempo para poder vislumbrar las obras desde todas las perspectivas posibles, para que su complejidad se pueda ir aclarando paulatinamente. El reflejo de uno mismo en su obra representa una parte importante, ya que no sólo es un reflejo físico, ya que nos vemos reflejados, si no que el espectador ve reflejado su propia acción de espectador, viéndose como parte de la obra.
1 - # 2163, 2016. 48 x 38 x 12 cm. Pigment and resin on Multiplex / Pigmente und Harz auf Multiplex / pigmentos y resina sobre multiplex 2 - # 2162, 2016. 100 x 90 x 8 cm. Pigment and resin on Multiplex / Pigmente und Harz auf Multiplex / pigmentos y resina sobre multiplex 3 - # 2155, 2016. 50 x 40 x 5 cm. Pigment and resin on Multiplex / Pigmente und Harz auf Multiplex / pigmentos y resina sobre multiplex
Ina von Jan (DE)
EN
The painter and sculptor Ina von Jan focuses on the exploration of color, her perception and effect, her luminosity and color intensity at the center of her artistic work. In her acrylic glass objects and installations “, she makes use of the optical effects of reflection, diffraction and refraction of light, color and transparent material. “It is with the energy of color, its autonomy and its facility as a universal language – liberated from the burden of all such content as critique, violence, and symbolism – that I endeavor to move people and to bring them together.”
DE
Bei der Malerin und Bildhauerin Ina von Jan steht die Erforschung der Farbe, ihrer Wahrnehmung und Wirkung, ihrer Leuchtkraft und Farbintensität im Mittelpunkt ihrer künstlerischen Arbeit. In ihren Acrylglasobjekten und –installationen macht sie sich dabei die optischen Effekte von Reflexion, Beugung und Brechung des Lichtes, der Farbe sowie des transparenten Materials zu Nutze. „Ich möchte mit der Kraft der Farbe in ihrer Eigenständigkeit - frei von belastenden Inhalten, wie Kritik, Gewalt, Symbolik - als universelle Sprache Menschen berühren und verbinden.“
ES
La pintora y escultora Ina von Jan centra su trabajo en la exploración del color y su percepción y efecto, su luminosidad y la intensidad de los colores se convierte así en el punto central de su obra. En sus objetos e instalaciones de plexiglás hace uso de efectos ópticos reflectivos, la difracción y refracción de la luz, el color y el uso del material traslúcido. “Es por medio de la energía del color, su autonomía y su estructura como lenguaje universal – liberado de cualquier contenido crítico, violento o simbólico – que movilizo a la gente a que se unan”.
1 - No. 0233414, 2014. 50 x 50 x 4 cm. Plexiglas 2 - No. 0832813, 2013. 50 x 50 x 4 cm. Plexiglas 3 - No. 0534914, 2014. 50 x 50 x 4 cm. Plexiglas
Jörg Heitsch Galerie München Reichenbachstrasse 14 80469 München Deutschland