Curation experience - ning

CURATION EXPERIENCE

策展經歷

2016-2017

2017 聯展 - 林厚成 / 陳穎亭 / 龔絹茹

無⽤地 Uselessness 提到無⽤，⼀般會令⼈聯想起莊⼦思想的「無⽤ 之⽤」，在其思想中，無⽤乃⼤⽤，任何看似沒 有⽤處之事物，仍然有其價值存在的可能，甚至 成為保全⽣命的⼀種途徑。然⽽隨著時代的進步， 許多事物在⽇新⽉異下，即便其仍保有具體或抽 象、有形或無形的「功能」，也時常漸漸地被擱 置甚或淘汰，⽽我們並無法確切地界定出這些「無 ⽤」的準則，這關乎於每個⼈的價值觀與對該事 物的情感連結，在這種⽇常的「忽視」下，我們 又該如何「正視」這種⽇常呢︖

無⽤地 提到無⽤，⼀般會令⼈聯想起莊⼦思想的「無⽤之⽤」，在其思想中，無⽤乃⼤⽤，任何看似沒有⽤處之事物， 仍然有其價值存在的可能，甚至成為保全⽣命的⼀種途徑。然⽽隨著時代的進步，許多事物在⽇新⽉異下，即 便其仍保有具體或抽象、有形或無形的「功能」，也時常漸漸地被擱置甚或淘汰，⽽我們並無法確切地界定出 這些「無⽤」的準則，這關乎於每個⼈的價值觀與對該事物的情感連結，在這種⽇常的「忽視」下，我們又該 如何「正視」這種⽇常呢︖

「無⽤地」作為⼀個單詞，可以被定義為形容⼀個不被使⽤的場域，⽤來指涉不被利⽤的⼟地場所、身份位置 或是內在感受，但同時，它也能以副詞的⽅式去表達某種動作和狀態，藝術家的創作就如「無⽤地」後所接上 的動詞、形容詞，它們⽤各種姿態、表情、意念或⾏為，在物品或環境失去功⽤之後，以新的⾯向觀看這些⽇ 常的無⽤。展覽「無⽤地」不強調無⽤物的可⽤處，⽽是呈現、討論無⽤物當下或未來的處境（存在的狀態）， 探索這些東西究竟是⽤何種「被觀看」的⽅式存在於我們周遭。

此次聯展邀請藝術家林厚成、陳穎亭、龔絹茹，分別以攝影、物件、繪畫呈現不同的無⽤處境，藉此產⽣各種 ⾯向與形式之對話，提供觀者多元的思考空間。

2016 莊培鑫 個展

旅⾏⽬的不明確 Travel Without a Clear Purpose 2016莊培鑫的全新創作《旅⾏⽬的不明 確》，以⼀次旅程中的隕⽯坑為起點，當 他置身於其中，地熱蒸氣的散發模糊了時 間的流動，仿若隕⽯才剛與地表發⽣碰撞， 巨⼤的能量讓星球產⽣了起伏，餘溫似乎 未曾離開，在這煙霧迷漫的虛幻劇場中， 等待主角「隕⽯」再次登場。

旅⾏⽬的不明確 ⼀直以來，莊培鑫擅長以 “置換、拼貼” 等⼿法反覆地思辯著「存在的虛實」，在其置換時間、重組空間所建構出 的科幻場域中，觀者得以對⾃我的內在真實作⼀場思辨遊戲。2016莊培鑫的全新創作《旅⾏⽬的不明確》，以⼀ 次旅程中的隕⽯坑為起點，當他置身於其中，地熱蒸氣的散發模糊了時間的流動，仿若隕⽯才剛與地表發⽣碰撞， 巨⼤的能量讓星球產⽣了起伏，餘溫似乎未曾離開，在這煙霧迷漫的虛幻劇場中，等待主角「隕⽯」再次登場。

莊培鑫在《旅⾏⽬的不明確》展覽中共有四件裝置創作，分別以隕⽯、熱、光及場景來探討，並⽤平⾯繪畫串聯 整個展覽的故事性，我們可以在他的作品中讀到關於真實與虛幻的交織，這是藝術家提出的疑惑，也是對觀者的 提問。隕⽯確實曾經來到，並且留下痕跡，但卻沒有⼈看過真正的它，那這又該如何界定隕⽯是否存在的標準︖ 莊培鑫利⽤科技重現隕⽯坑的⾃然元素，考驗著我們以何種角度去思辨真偽，如同各種影像紀錄、電影、戲劇般， 在這些影像故事的構築下所遺留的，是否能當成真實存在的證據呢? 到底是真實帶出虛幻的假像，亦或是荒謬讓我 們看到幻滅的真實︖

莊培鑫1985年⽣於台北，畢業於中國廣州美術學院油畫系 第四⼯作室。他返台後除了平⾯繪畫的創作外，也開始 進⾏⼀系列裝置藝術的計畫，他匯集影像、繪畫、裝置等不同媒材同時呈現思想主軸，多角度的述說⽅式使他的 創作豐富多元且往往耐⼈尋味。

2016 李⽴中個展

望你早歸 Longing for your Return 李⽴中拾起鴿⼦與⽣俱來的信念 – 「回 家」，將深層的「歸屬」議題寄託於這簡 單卻難解的本能上，再悄聲地放入作品之 中，攝影的冷調沈寂和繪畫的⼿感溫度相 互依存，映照出藝術家長久追尋的情感⾯ 貌。

望你早歸 鴿⼦，在聖經故事中，是為諾亞⽅⾈帶來橄欖枝的純淨之⿃︔在西班牙畫家畢卡索筆下，則化身為反對戰爭的和平使者︔⽽對李 ⽴中來說，鴿⼦的存在，道盡了他最深的鄉愁與歸屬感。

賽鴿活動已於台灣⾏之有年，其交易市場也是蓬勃熱鬧，然⽽屋頂上的鴿舍雖是⼤眾眼中的⽇常景觀，但賽鴿⽂化卻總是低調又 神秘地僅存於部分⼈的⽣活中。此次李⽴中於紅野畫廊的個展「望你早歸」，是他以少年時期的養鴿記憶為起點，利⽤多件攝影、 裝置與⼤量⼿繪作品，呈現⼈類與鴿⼦既親暱又疏離的情感拉扯，並⽤賽鴿短暫卻艱難的旅程，投射出⽣命的紛亂、寂靜與死亡。 李⽴中拾起鴿⼦與⽣俱來的信念 – 「回家」，將深層的「歸屬」議題寄託於這簡單卻難解的本能上，再悄聲地放入作品之中，攝 影的冷調沈寂和繪畫的⼿感溫度相互依存，映照出藝術家長久追尋的情感⾯貌。

「望你早歸」，取⾃台灣40年代中期的知名歌曲，內容敘述⼆戰期間，婦女每⽇盼望著遠赴南洋打仗的丈夫能早⽇平安歸來。⼀ 如養鴿⼈⼀⼼期盼鴿⼦的速速歸巢，李⽴中以極富詩意的影像連結創作主軸，同時他也轉化⾃身與賽鴿的主從關係，試圖在命運 的操控下探尋身份與環境的歸屬。如作品《我只想要回家》，藝術家讓輕薄的紙張乘載著⽣命之重，但廣闊無邊的景⾊在各⾃飄 揚下卻又顯得虛無飄渺，仿若下⼀秒就將隨風⽽逝，⽣存的價值與⽣命的輕重，在各⾃解讀之間表露無遺。

李⽴中關注於台灣庶民⽂化的情感細節，以攝影及錄像、複合媒材的交替應⽤，呈現出當今世代⼈們的深層樣貌和運⾏狀態，同 時探討關於歸屬、宿命及全球化後的處境等議題。李⽴中，1980年⽣於台灣台南，2003年畢業於中國⽂化⼤學印刷傳播系。曾獲 得EPSON影像創作⼤賞評審特別獎(2006)、台南新藝獎(2015)及桃源創作獎(2015)，並多次參與聯展與藝術博覽會。曾從事美術編 輯⼯作，現⽣活定居於台南。

2016 曾怡馨個展

⿆滴兒拉福斯 My Dear Lovers 藝術家⽤既淺顯又隱晦的語⾔打開創作主 軸，⼀幅幅缺乏臉部辨識度的⼈物形象， 皆在她⽣命裡或長或短地駐⾜過，曾怡馨 以記憶刻畫那個逝去的過往，並陳列過去 的相關物件，試圖呈現曾經某個不經意的 當下。

⿆滴兒拉福斯 曾怡馨⾃2009年起，便開始以塗抹、遮掩、去除等⾏為創作了⼀系列的「去臉」作品。受到美國資本主義啟發，她去除過雜誌模 特的臉、改造情⾊女星的外貌、塗抹政治⼈物的⾯容或重製娛樂藝⼈的肖像，詼諧戲謔地試圖改變這些⼈臉所代表的⽂化符碼， 藉由不同身份進⽽連結了政治、性別、美學及⽂化差異等議題，其延伸出的系列作品，更以刪除、破壞、再創造等⼿法，重新定 義圖像⼈格與流⾏美學。「去臉」引發出廣泛的思考語彙，⽽此次，曾怡馨以記憶為出發點，將⽣命中曾經緊密重要卻嘎然停⽌ 的關係、曾經清晰卻被時間抽離的臉龐印象，⽤繪畫及物件記錄最深刻的瞬間。

從過往關注的社會價值轉⽽深入探討⾃⼰的⽣命軌跡，曾怡馨由外⽽內地重新以最純粹的繪畫觀看記憶影像。展覽「⿆滴兒拉福 斯」中，藝術家⽤既淺顯又隱晦的語⾔打開創作主軸，⼀幅幅缺乏臉部辨識度的⼈物形象，皆在她⽣命裡或長或短地駐⾜過，曾 怡馨以記憶刻畫那個逝去的過往，並陳列過去的相關物件，試圖呈現曾經某個不經意的當下。⽽同時，她也對繪畫、記憶、過去 與未來提出了時態⽭盾的質疑，當過往事件的記憶因為時間流逝⽽不再真實，那事件的時間點是否依然吻合︖當藝術家⽤不同時 態的記憶與物件，組成出的回憶對象，本質還會⼀樣嗎︖曾怡馨藉由繪畫重現難忘的瞬間，但記憶資訊伴隨著時間洪流⽽逐漸消 逝，在⼀張張被覆蓋的臉底下，⼈們又該如何定義繪畫的時態與真實呢︖「⿆滴兒拉福斯-曾怡馨個展」將在12/10(六)展出於紅野 畫廊，邀請觀者⼀同欣賞藝術家的⽣命旅程。

曾怡馨，1979年出⽣於台灣台北，2010年取得美國沙瓦納藝術學院繪畫系的全額獎⾦碩⼠學位。2013年曾入圍路易威登LV台北藝 術徵件決選，並在2015年以個展《超・女孩Hyper Girl》獲得第⼗四屆台新藝術獎第⼀季提名。作品多次展出於國內外展覽及博 覽會，包含美國、哥倫比亞、澳洲、法國、瑞⼠與台灣︔同時獲選多項藝術家駐村計畫與獎助，如紐約伊莉莎⽩基⾦會、芝加哥 Ox-Bow藝術村、⽂建會⽔磨坊、台北藝術進駐出訪紐西蘭、蒙⾺特藝術村與雲⾨舞集第八屆流浪者計畫。

2017 莊培鑫 個展

如果在適當的條件下 Under Right Circumstances ⾯對資訊爆炸的網路時代，各種訊息在無 國界、無時差的條件下便捷地傳遞著，身 處於龐⼤資訊的洪流中，不論⽂字、影像 或聲⾳，隨時都在型塑某種觀念，⽽屬於 網路世代的⼈們，又該以何種判別⽅式去 建構個⼈的閱讀經驗︖又或者如何在虛實 交疊的世界裡，定位個⼈的價值觀︖

如果在適當的條件下 ⾯對資訊爆炸的網路時代，各種訊息在無國界、無時差的條件下便捷地傳遞著，身處於龐⼤資訊的洪流中，不論⽂字、影像或聲⾳，隨時 都在型塑某種觀念，⽽屬於網路世代的⼈們，又該以何種判別⽅式去建構個⼈的閱讀經驗︖又或者如何在虛實交疊的世界裡，定位個⼈的 價值觀︖

莊培鑫近年來的作品聚焦於真實與虛構間的轉換和延伸，嘗試探討當代社會與網路世界相互影響後，所產⽣變異的觀念意識。此次個展「如 果在適當的條件下」，他匯集了⼤量且無章序的網路資訊，主觀地組織訊息樣貌，並邀請觀眾感受科技聚集下所散發的不舒適感。

「如果在適當的條件下」以兩個部分並⾏述說，分別是敘事錄像和訊息雕塑。莊培鑫運⽤網路共享影⽚重組、拼貼出三段短篇劇場，⼀幕 幕的山林景致遞送出深遠寧靜的氣氛，同時他將影⽚原⽂透過google中⽂翻譯成貫穿內容的重要⽂本，並搭配旁⽩，平和地述說這段看似 深奧優美的⽂字。然⽽，熟知翻譯⼯具的誤差解構了原⽂的每個⽚段，雖然整體形式飽含詩意，邏輯卻無法通順，失能的字句不停出現在 影⽚中，產⽣閱讀上強烈的斷裂感。藝術家巧妙利⽤科技(翻譯⼯具)尚未發展完全⽽導致「錯位」的⽂字，重新與圖像、錄像串聯出⼀部部 當代奇景，試圖冷靜地呈現這弔詭的資訊經驗，並誘發觀者對影⽚訊息的後續想像。

在動態影像之外，莊培鑫設置了多件扭曲的壓克⼒⽴體雕塑，每⼀件作品如布幔般凹折、扭轉，或豎⽴或垂掛於展場之中。雕塑表⾯堆疊 的網路圖像虛實不分，皆呈現破碎與混亂的狀態，各式的視覺記憶充斥其中，藝術家冀望觀者能在作品皺摺中，找尋遺失的故事碎⽚。

科技與⼈性的互動⼀直存在著可議論之處，⽽世界的進步不斷提醒⼈們思考兩者的界線，莊培鑫消弭了數位、實體交疊的痕跡，藉此點燃 觀看⽅式的激辯。「如果在適當的條件下」像⼀座迷宮，每⼀個路⼜的選擇都將影響著出⼜的⽅向，亦如我們⾯對資訊，任何⽅式的解讀 也都將造成迥異的意識養成。

2017 許馨⽂個展

種⼦。兩個半的結合 Two-Sided Book 個⼈在創作的道路上，⼀直在尋找⼀個原⽣且 屬於⾃⼰的種⼦。以學習概念做為主軸，「 紙」就薀含這樣的⽣命元素，從紙-- 植物-- 根 -- 再回到種⼦之間的關係，像是系統性的還原 ，回歸到平淡中的記憶，最純粹的緣起。如果 說書是知識的領航員，空裝本就有如浩瀚宇 宙中⽣命的起源。

種⼦。兩個半的結合 每翻開書的⼀⾴，都是兩個⼆分之⼀結合⽽成的舞台，能演繹任何你我所需要的內容，⽽⾴與⾴的間隙，就如同每顆種⼦的裂縫⼀般， 在其裂開之際，裡頭乘載的⼩宇宙便會因應⽽⽣。

曾在媒體、出版業擔任設計⼯作多年的許馨⽂，⾃從為了實踐夢想⽽放下⼯作重返校園後，她便⼀腳踏入了複合媒材的領域，跳脫了畫 框限制，從年輕時學習的平⾯設計，轉⽽進⾏了⼀連串裝置、雕塑或錄像等多元媒材的創作，⽽主題則聚焦於反映時下的社會現狀及教 育體制。她善長運⽤複合媒材的多元特性、符號與象徵，除了視覺的震撼與激盪，更讓觀者將⾃我經驗聯想並產⽣共鳴，使作品接觸⼈ 們的深層記憶，以各種不同角度、觀點閱讀許馨⽂的創作語彙。

鉛筆、空裝本、課桌椅、枯⽊等物品皆是許馨⽂時常使⽤的現成物，她混搭不同的媒材，每個物件的完美與殘缺、並置或交融，都有如 ⼀個虛擬情境，演說著不同的故事。藝術家認為「物件成為了隱喻中的符碼，結構性地建構成可溝通的語⾔。不同於繪畫再現，脫去物 件實質的功能，以並置挪⽤混搭的⽅式，來觀看、思考、召喚⼈與物之間的記憶與態度。」

此次許馨⽂於紅野畫廊的個展「種⼦。兩個半的結合」，以紙張富含的純粹⽣命元素為主軸，對比出紙與種⼦的回溯關係、書籍和空裝 本的能量映照，⽽⽚⽚薄紙在經過切割、重組後，層疊的⽣命⾃⾏組成了個體，產⽣對話，同時藝術家藉由「學習」的概念引導串聯， 試圖挑起觀者的經驗記憶，誘發出你我的無限想像。

不同於⼀般創作者的⽣命經驗，許馨⽂以極其細膩、溫柔的表述型態建構作品脈絡，擁有不僅是身為母親對於教育環境的擔憂，更是⼀ 位社會觀察者對⼤眾的提問。她以其特⾊概念獲得國⽴臺灣美術館多件作品的典藏、⽂化局的展覽補助，並曾獲選2014年⽂化部藝術新 秀、2013年新北市創作新⼈獎優選，入選《想像的風景II- 不朽的追求》國際學⽣新媒體藝術徵件展及第12、13屆桃源創作獎等獎項。

2016 吳芊頤個展

遺落幻境•八德路四段的窗景詩 Lost in Dreamland: The poem of grilles on Sec. 4, Bade Road

吳芊頤在幻境般的街巷中，以窗花編織故 事，少了⾼⼤建案的制式外觀，巷弄窗景 便是每⼀個關於「家」的故事起點，吳芊 頤運⽤紙膠帶裁剪拼貼與平⾯繪畫，重新 詮釋此景，她解構窗內景觀，再以多層次 ⼿法堆疊出簡化後的⾊彩，將當代觀點注 入傳統「鐵窗花」內，為台灣⼈的共同記 憶增添另⼀種觀看形式。

遺落幻境•八德路四段的窗景詩 漫步在八德路四段的巷弄中，似是踏進⼀個不屬於城市風景的幻象裡，窄⼩的巷道風景，緊密的建築空隙，仿若⽇益壯⼤ 的城市中遺落的⼀角，⾃顧⾃地活出繁忙市容中的另⼀種風貌。吳芊頤在如此幻境般的街道裡，以窗花編織故事，少了⾼ ⼤建案的制式外觀，巷弄窗景便是每⼀個關於「家」的故事起點，吳芊頤運⽤紙膠帶裁剪拼貼與平⾯繪畫，重新詮釋這充 滿衝突的美感，她解構窗內景觀，再以多層次⼿法堆疊出簡化後的⾊彩，將當代觀點注入傳統「鐵窗花」內，為台灣⼈的 共同記憶增添另⼀種觀看形式。

吳芊頤，1987年⽣於台中，畢業於台南藝術⼤學造型研究所，曾獲得「2012新北市創作新⼈獎」、「2015台灣美術新貌獎 第⼀名」等獎項，並受邀參與國內外各項重要展覽及藝博會。

吳芊頤擅長拼貼藝術與複合媒材裝置的作品，其紙膠創作從2011年的「5100微型百貨」開始，啟動了關於圖像、⾊彩和結 構的探索，她在微型百貨中，以紙膠拼貼出數百種的圖像商標，⽤扁平化的視覺樣貌呈現出時代的記憶，並且結合了網路 購物的觀念，將⼀系列商標放上購物網站，藉此測試現代⼈的購物習慣及圖像辨識能⼒。

近期，吳芊頤則展開⼀連串「窗景系列」的創作。傳統窗花⼀直是台灣⼈最具家鄉味的記憶之⼀，不似今⽇⼤量複製的制 式不銹鋼窗，舊時代的鐵窗花都是師傅量身⼿⼯訂製⽽來，多變的圖案樣式也是其吸睛之處，⽽⽼窗花的獨特風味促使吳 芊頤重新以⾃身觀點閱讀台灣的鐵窗風景，藉由實地觀察，創作出各個地域性的窗景特⾊，藝術家對焦於窗⼾與鐵窗甚至 和外牆之間的親暱關係，從⾊塊出發重製視覺符號，近看或遠觀皆能讀取不同的創作語⾔，吳芊頤以這樣的視覺魔法與觀 者互動，誘發出專屬於台灣的台式鄉愁。

2016 鄭瓊娟個展

漫迴瓊境 A Stroll in Fantasy 鄭瓊娟，戰後第⼀代的女畫家，是台灣五 ⽉畫會創始成員之⼀，婚後在⽇本⽣活， 直至1989年返台後才重新拾回畫筆，從此 全⼼投入創作的⽣活。此次「漫迴瓊境」 是鄭瓊娟在紅野畫廊與沐之藝廊的2016創 作個展，含括了鄭瓊娟⾃1990年代以來的 繪畫作品，歸納出藝術家⼀路⾛來的創作 歷程。

漫迴瓊境 無論是宇宙、山⽔、花卉或是節氣，每當駐⾜在鄭瓊娟的繪畫前時，總能在她的創作中發現⼤⾃然的線索，隱約透現的輪廓往往 充滿⽣機又安定沉穩，對藝術家來說，不同於寫實繪畫，這些充滿⾃然風景的視覺都是由⼼⽽⽣的濃烈感受，她曾說：「我在顏 ⾊上多以主觀情感賦予⽣命，不是⾃然的模仿。」⽽⽣命的多變與豐富將鄭瓊娟帶到了⼀個無界之地，在沒有拘束的抽象世界中， 她盡情地突破⼼靈圖像，就如抽象繪畫的創始者康丁斯基所說:「我們擁護不再是模仿物體與事物的彩⾊圖像的⾊彩運⽤，我們⽀ 持⼀種空間中的視像，在其中⾊彩的物質性在我們主觀的創造下，表現各種可能的情況。」 此次「漫迴瓊境」是鄭瓊娟在紅野畫廊與沐之藝廊的2016創作個展，含括了鄭瓊娟⾃1990年代以來的繪畫作品，歸納出藝術家⼀ 路⾛來的創作歷程。她曾說：「畫具象的事物容易，沒有形象的感覺才是挑戰。」80年末期至90年代，鄭瓊娟的畫作⼤多以半具 象或抽象呈現，表現出優美⽽細膩的風格，若細細品嚐，便能在畫⾯裡感受出藝術家柔韌的性格，以及以⾃然現象探討的⽣命本 質。2000年以後的作品則已不具明確的形象，她凝聚了雄厚磅礡的氣勢，將積累已久的情感揮灑於畫布之上，無論是藉由油彩 滴、甩、撒造成的視覺動態，抑或是向上攀爬的彎曲線條，都能讓⼈感受到藝術家川流不息的⽣命⼒，但在奔放的⾊彩之下，鄭 瓊娟同時又透露了女性的柔軟思緒，旋繞的「渦紋」從沒消失在畫作中，千迴百轉的筆觸就如藝術家的⼈⽣路途，在⾼底起伏過 後終究找到⽣命歸屬，又如⼀位母親的思慮，千頭萬緒以後還是放⼿讓孩⼦⼀搏，藝術家揉合了剛與柔的反差，深入探究潛意識 中複雜的精神樣貌。 在近年的作品中，鄭瓊娟仍然延續了抽象的表現，⽽伴隨著年紀增長與⼼境的流動，作品相較於強烈筆法的撞擊，更多的則是擁 有內斂渾圓的氣韻，飽滿⽽祥和，畫⾯的主體與背景交界也更趨模糊，就如同⼈的精神般，當思維運作達到極致時，狀態不是精 確反⽽是模糊，在不精確以外往往蘊含著不可預⾒的活⼒與創造性，繪畫亦然，當創作越是沒有精準的界線，越能容得下⼤千世 界。 鄭瓊娟，戰後第⼀代的女畫家，是台灣五⽉畫會創始成員之⼀，婚後在⽇本⽣活，直至1989年返台後才重新拾回畫筆，從此全⼼ 投入創作的⽣活。

2017 吳熙吉個展

妙像雲集 Solemn Figures 吳熙吉以周遭的環境作為創作發想，天空、 海洋、山脈等⾃然風景在「線」與「⾯」 的拆解下，顯得和睦協調卻又各⾃獨具⼀ 格，好似呼應畫中⼀⽚天然美景卻被⼈們 的訊號線所禁錮，藝術家希望藉由這樣的 ⽭盾、衝擊，帶給觀者震撼的視覺感受以 及內⼼反思．

妙像雲集 沈浸在海風的吹拂，徜徉於線條的世界，吳熙吉持續以周遭的環境作為創作發想，天空、海洋、山脈等⾃然風 景在「線」與「⾯」的拆解下，顯得和睦協調卻又各⾃獨具⼀格，好似呼應畫中⼀⽚天然美景卻被⼈們的訊號 線所禁錮，藝術家希望藉由這樣的⽭盾、衝擊，帶給觀者震撼的視覺感受以及內⼼反思．此次系列作品《⼈形 丘壑》，融合了更多⼈物與環境的交疊，⼤地符號和多元地貌豐富了畫作語彙，細膩呈現⼈性與⾃然於理想中 的親暱和現實下的疏離。

藝術的創作往往伴隨著地域差異⽽發展出不同的⾊彩、結構等，對吳熙吉來說，兒時於⾦瓜⽯海岸的成長記憶 深刻影響他的創作風采，他在溪流、⼟地、島嶼與林⽊尚未遭受污染時認識了它們，⼈與⼤⾃然的互相包容、 齊⼼成長，是陪伴他長⼤的精神食糧，同時這也是他往後的⽇⼦裡，最⼼⼼念念的純粹景⾊。在埔⾥山區深居 近⼗多年的吳熙吉，去年決定遷至宜蘭沿岸定居，他重新擁抱了東海岸的亮麗景致，並試圖尋找那最純真快樂 的童年印象。在《⼈形丘壑》中，吳熙吉將不同於山林間的陽光亮度極致呈現，他提⾼了⾊彩的飽和度，讓幾 近螢光的明亮⾊料穿梭觀者眼前，使⼈產⽣置身於豔陽下的錯覺，「⾊」與「光」的交相輝映是他的入微體會， 畫⾯繽紛到超越現實，卻依然毫不造作。

創作之於吳熙吉，是⽣活，更是⼈⽣，我們能從他的繪畫中閱讀其獨特的⽣命哲思，每道或硬或柔的筆劃都與 他的內在思想緊密貼合，對他來說，藝術是不停探索⾃我為何的使命，抑是向世界宣吐關懷的途徑。

END