Humanize Issue 22

HUMANIZE magazine Issue 22

““

Sólo espero que entre estas páginas puedas encontrar el amor, el desamor y la manera más hermosa de pedir perdón”. Me escribo a mi misma y os pido que hagáis lo mismo. Disfrutad de Issue 22.

I only hope that amongst these pages you’re able to find love, indifference and the most beautiful way to say you’re sorry.” I write to myself and ask that you do the same. Enjoy Issue 22.

Un abrazo,

Karla D. Romero

HUMANIZE magazine Directora // Editor Karla D. Romero

karla@humanizemag.com

Diseño y Fotografía // Design and Photography Belma Hernández-Francés León belma@humanizemag.com

Colaboradores // Contributors Irene A. Canalís Iñigo Martínez Natalia García Asier Iturrate

Publicidad // Advertising advertising@humanizemag.com

Portada // Cover: Anthony Cudahy

Preparó este delicioso número // Prepared this delicious issue

Humanize Magazine es una publicación independiente, sin pertenencia a grupo, colectivo o asociación. No se hace responsable de la opinión de sus colaboradores. Prohibida la reproducción parcial o total de cualquier contenido// Humanize Magazine is an independent publication that does not belong to a collective group or any association. It does not take responsibility for it contributors’ opinions. The reproduction of any content is prohibited.

CONTENIDO CONTENT 6nocturnes 10 Mashrou' Leila 24 exotica erotica 38 Anthomy cudahy 50 miguel leal 62 amy casey 78 Joel nigel colleman 90 pommelien koolen 104 i'm so hungry 114 jacob sunderlein

nocturnes Por // By: Karla D. Romero

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Ilustraci贸n // Illustration: Karla D. Romero

Es 2014 y el acceso a todo tipo de música que tenemos en los países desarrollados no tiene limite. Nos bombardean con estrenos de canciones nuevas a diario, con e típico escúchaloprimero y una idea de novedad que nos ha distorsionado en gran parte nuestro aprecio a la música diversa y de calidad.

Parece que nos importa más que un tema sea lo último a cualquier otra cosa. Ignoramos por completo lo que es bueno y se nota en muchas críticas forzadas de música nueva. Las críticas son repetitivas y todas están basadas en las mismas publicaciones y webs de música.

It’s 2014 and the access that the developed world has to music is limitless. We get bombarded with new releases on a daily basis, with you-hear-it-firsts and an idea of newness that has in many ways skewed our appreciation for quality and diversity in music. We seem to care more about the recency of music than we do about anything else. We have complete disregard of what’s good and it’s noticeable in so many forced reviews of new music. These reviews are repetitive and based on the same major music publications and websites.

Desde que empecé a entrevistar a grupos y a charlar con gente que hace de todo en la industria de la música, me han dicho de todo. Cosas como, “No escucho grupos que están en grandes discográficas”, o, “Esa canción está pasadísima”, cuando en realidad la canción en cuestión había salido tres meses antes de que me dijeran eso. Durante varios años, yo también estaba obsesionada con ser la primera en hablar sobre algún grupo o alguna canción.

Since I started interviewing musicians and speaking to people scattered through the music industry, I have been told everything from, “I don’t listen to anything that’s on a major label,” to, “That song is old,” when in fact the song in question was released three months before that statement was made. For several years, I was also obsessed with being the first one to talk about this band or that song.

No fue hasta que varios autores en Humanize Magazine empezaron a escribir sobre películas hechas hace más de treinta años en un contexto moderno que me di cuenta que lo mismo se podía hacer con música. Así que, me fui al extremo.

It wasn’t until Humanize Magazine authors began publishing pieces about 30-year-old films in a modern context that I actually realized that the same could be done with music. So, I went to the extreme.

Tengo una lista en Spotify que transciende por completo cualquier tipo de falta de balance emocional que pueda estar presente en mi cabeza y lo fusiona con mi lado creativo, el cual me inspira motivación que no tenía hasta que hice esta lista.

A pesar de esto, el contenido de la lista es bastante raro como

herramienta motivacional. Son nocturnes.

I have a list of songs on Spotify that completely transcends any emotional imbalance that may be present in my brain and fuses it with my creative side which inspires motivation that I hadn’t had until I made this list. However, the contents of the list are quite odd as a motivational tool. They’re Nocturnes.

El final del siglo dieciocho hasta mediados del siglo diecinueve fue una época de belleza y emoción, de medidas inventivas que intentaban alcanzar el pasado y la naturaleza, y también de una nostalgia subjetiva y espiritual en Europa. Esta época se conoce como el periodo Romántico, o Romanticismo. Sus temas se reflejan de forma evidente en la música compuesta durante ese tiempo. El periodo Romántico nos ha regalado unos de los compositores más conocidos y venerados. Beethoven, Rossini, Schubert y Chopin, por nombrar a algunos. A pesar de esto, al no ser que seas un aficionado a la música de este periodo, en concreto, al las composiciones para el piano del periodo Romántico, puede que no conozcas un nombre: John Field.

The late 18th to mid 19th century was a period of beauty and emotion, of inventive means to reach the past and nature and of subjective nostalgia and spirituality in Europe. This period is also known as the Romantic era, or Romanticism. Its themes are most evident in the music composed during that time. The Romantic era brought us some of the most well-known and revered classical composers. Beethoven, Rossini, Schubert and Chopin, to list a few. However, unless you’re an avid listener of Romantic music, specifically Romantic piano music, you might be unfamiliar with one name: John Field.

Field era un pianista y compositor irlandés. También es considerado el padre del nocturne (palabra en francés que significa nocturno), específicamente una composición para un solo piano, provocado por la idea de la noche. Nocturne también es conocido como notturno, el equivalente en italiano, usado en un número de movimientos, con el uso de un conjunto musical entero, pero también inspirado por la noche. En mi lista de nocturnes en Spotify, mi interés centrado en los nocturnes compuestos para solos de piano, la primera canción que escucho es Nocturne en C Menor, H. 25, compuesta en 1812 por John Field.

Field was an Irish pianist and composer. He is also considered the father of Nocturne (French for nocturnal), specifically the solo piano composition provoked by the idea of night. Nocturne is also called Notturno, the Italian equivalent, which was composed in a number of movements, with the use of an entire ensemble, but also inspired by the night. On my Spotify list of Nocturnes, my interest being in piano solo Nocturnes, the first song that I hear is Nocturne in C Minor, H. 25, composed in 1812

by Field.

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Ya que no soy teórica de música clásica, solamente puedo usar mi propio vocabulario lego para describirlo, así que con mucha paciencia. Empieza con una sensación de anhelo por un lugar lejano o alguien perdido. Al llegar al segundo 36, hay un cambio repentino en emoción, lo cual parece ser caracterizado por una inundación de esperanza, la cual es presente hasta el segundo 51. El segundo 52 nos devuelve esa sensación ansiosa que escuchamos durante los primeros 30 segundos de la composición, pero esta vez ampliada por una percepción de desesperación y pérdida rápida al llegar al minuto 1:05. El minuto 1:19 nos trae otro entrever de esperanza, seguido ocho segundos después por una caída menor que se extiendo hasta el minuto 1:45. Al llegar al minuto 1:45, hay una elevación que se puede interpretar como una sensación desesperada e incredulidad. El segundo minuto de la pieza, el oyente es trasladado a un marco tranquilo, quizá hacia una esperanza declinante. Hay una subida y una bajada en el pentagrama del minuto 2:43 al 2:50, que para mi refleja una sensación de desorientación. Termina como cualquier otro nocturne, con una cadencia dramática.

Since I’m not a classical music theorist or academic, I can only use my own layperson’s vocabulary to describe it, so bear with me. It begins with a sense of yearning for a distant place or lost person. By second 36, there is a rapid change in emotion, which seems characterized by a flood of hope, that is present until second 51. By second 52, the eager sense that is heard in the first 30 seconds of the composition is maximized by a perception of desperation and rapid loss by minute 1:05.

Minute 1:19 brings another glimpse of hope, followed eight seconds later by a minor fall that extends through minute 1:45.

At 1:45 there is a rise in what could be sensed as despair and even disbelief. By the second minute of the piece, the listener is shifted into a calm setting, maybe into assumed dwindling hope. There is a climb up and down the staff from 2:43-2:50, which personally reflects disorientation. It ends in a traditional Nocturne fashion, with a dramatic cadence.

Esta canción es una obra maestra para cualquier auténtico amante de la música. Pero, al escribir esto, veo que sólo se ha escuchado 1.257 en Spotify y la versión más vista y escuchada en YouTube tiene 7.261, y fue subido hace tres años. Vamos a comparar eso con la reciente publicación de Reflektor, de Arcade Fire, que salió hace cuatro días (desde que escribo esto) a YouTube: tiene 1.791.106 vistas y aunque no esté en el top 10 de las canciones de Arcade Fire en Spotify, estoy segura que ya ha tenido más de un millón de oyentes.

This song is a masterpiece to a true music lover’s ears. Yet, as I write this, it has only been heard 1,257 times on Spotify and the most viewed/listened to version on YouTube has 7,261 views, uploaded three years ago. Let’s compare that to Arcade Fire’s recent release of Reflektor, which was uploaded four days ago (as I write this) onto YouTube: it has 1,791,106 views and although it’s not yet on the top 10 visible Arcade Fire songs on Spotify, I’m certain it has passed a million play counts.

Si sólo 1.257 usuarios de Spotify han escuchado este nocturne particular de John Field (posiblemente el más famoso), realmente importa? Pienso que si. ¿Cómo puedes ser un verdadero amante de la música si no has extendido tu

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conocimiento musical de una forma más generalizada? Escucha “Fragment Two,” de These New Puritans. La canción empieza con un solo en un teclado, precioso, seguido por la voz profunda y monótona de Jack Barnett. La combinación de estos dos elementos es, desde mi punto de vista, un nocturne moderno y lirico. “Fragment Two” ha sido escuchado 163.181 veces en Spotify y el video oficial tiene 262.067 vistas y fue publicado hace tres meses. No es un “Reflektor”, pero cuando salió “Field of Reeds”, mi buzón esta lleno de spam con más de 10 correos anunciando la publicación del disco, diciéndome que sea una de las primeras personas en escucharlo. Lo escuché, por supuesto, pero no presumí de ello, ni lo publiqué en ninguna parte. El disco es bueno, y “Fragment Two”, también, pero no para tener 262.067 vistas ya.

If only 1,257 Spotify users have listened to this particular John Field nocturne (perhaps his most famous one), does it even matter? I believe so. How can you be a true music lover or critic if you haven’t expanded you knowledge of music in a general sense? Listen to These New Puritans’ “Fragment Two.” The song begins with a beautiful keyboard solo, followed by Jack Barnett’s deep, monotone voice. The combination of the two is, to me, a modern and lyrical Nocturne. “Fragment Two,” has 163,181 plays on Spotify and the official video has 262,067 views and was released three months ago. It’s no “Reflektor,” but when “Field of Reeds” was released, my inbox was spammed horrendously with at least 10 emails telling me to be one of the first to listen to it. I did, of course, but I didn’t brag, nor did I publish it anywhere. The album is good, and “Fragment Two,” as well, but not 262,067 views good.

A lo que voy es muy simple: al descubrir estos nocturnes, me he dado cuenta que la música, a parte de ser (como tantas cosas que nos rodean) una moda, es algo extremadamente complicado. Cuando escucho los nocturnes de Chopin, siento que me voy de casa por primera vez, que me han dejado después de seis años, que la vida es oscura. Y cuando escucho “Fragment Two”, siento algo similar – existe una conexión natural. Y me fascina.

What I’m trying to get at is simple: when I first listened to noctures, I realized that music, aside from being (like so many things that surround us) a fad, it is also something extremely complicated. When I listen to Chopin’s nocturnes, I feel as if I were leaving home for the first time, as if I were getting dumped after six years, as if life were dark. And when I listen to “Fragment Two,” I feel something similar – there is a natural connection. And it fascinates me.

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MASHRO

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OU' LEILA Por// By: Iñigo Martínez Fotos// Photos: Iñigo Martínez

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Es un día caluroso de Septiembre en el barrio de Hamra al este de Beirut. En esta zona de la ciudad el cántico de los minaretes convive con las risas y conversaciones de los estudiantes de la American University of Beirut, y el eterno jaleo de los coches y el bullicio de Hamra Street se escucha solo en parte en el interior de los patios y cafés. El olor a café turco se confunde con el del narguille. Y el de los tubos de escape con el del jazmín. En este barrio vive Hamed Sinno, cantante de Mashrou’Leila, como muchos otros estudiantes de la AUB. Y aquí nos encontraremos en un café de una de las estrechas calles que surgen de Hamra Street. Yo con una refrescante cerveza local y él con un café, para charlar de por qué Mashrou’Leila es el primer grupo de música independiente en árabe del que he oído hablar.

It’s a hot September day in Hamra, a neighborhood located in East Beirut. This area of town combines both the sound of the prayer calling from nearby mosques, with the laughter and careless chat of the students of the American University of Beirut. The endless noise of honks is barely audible from inside the patios and cafés. One will smell here a little turkish coffee, yet there some smoke coming from a narguille. And around the corner from the smell of gas awaits the penetrating smell of jazmine flowers. It is here that Hamed Sinno lives, lead singer of Mashrou’Leila, as many other former and current AUB students do. It is also here that we arrange to meet, in a café in one of the narrow streets off of Hamra Street. I go for the refreshing local beer and he prefers a coffee, as we begin to talk about why is it that Mashrou’Leila is the only indie band singing in arabic that I have ever heard of.

I: Supe de vosotros a través de un artículo en periódico español de tirada nacional..

I: I knew you through an article that came out in a nationwide newspapper in Spain...

HS: ¿El artículo de “El Mundo”?

HS: Oh the thing from “El Mundo”?

I: Justo. Me pareció muy curiosos y muy interesante leer el artículo. El nombre del artículo era intencionado, “La Banda Sonora de la Primavera Árabe”, que es un título muy de portada.

Me llamó mucho la atención y después de investigar un poco sobre vosotros me entraron muchas ganas de hacer esta entrevista. Te lo cuento para que veas un poco de dónde surge esta entrevista. Por eso antes de nada, me gustaría saber si erais conscientes de generar algún impacto más allá del mundo árabe y si ese impacto es intencionado.

I: Exactly. I thought it was very random and interesting that that was there. The name of the article was very intentional, “The Soundtrack of the Arab Spring”, which is a really front page sort of title for an article. That caught my attention and after some research I really wanted to do this interview.

Basically that’s where we’re coming from. So I’d like to know, if you knew you were having some sort of impact outside of the arab world and if you intentionally wanted to have it.

HS: He notado que hemos conseguido bastante exposición. No creo que seamos “conocidos” ni nada parecido. Y de hecho creo que la atención que recibimos es bastante particular siempre nos cubren en la sección de ... ya sabes, “otras noticias”. Así que de hecho, no, no creo que generemos un impacto real en el extranjero.

HS: I can see that we get a lot of exposure. I don’t think we’re like, “big”, you know ir anything like that. And I think the kind of exposure that we get is quite particular we’re always covered as like, you know like...in “other news”...which is fine. So really no, I don’t think there’s a real impact abroad.

I: De acuerdo. Lo curioso es que leyendo este tipo de artículo

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tenemos la impresión como lectores en occidente, de que no hay mucho que contar sobre el mundo árabe en lo que se refiere a música, y a una cultura joven y alternativa. Nada excepto este “nuevo grupo de música”. Imagino que no puede ser cierto. ¿Te sientes identificado con esa idea?

I: Right. The thing is that reading these articles we get the feeling that there’s not much going on in the arab world when it comes to music and a young, hip sort of culture besides this one band. Which I assume can’t be true. So do you relate to that?

HS: Definitivamente no estoy de acuerdo con la idea de que somos los únicos haciendo algo interesante, pero entiendo de qué forma puede ser difícil... Es decir en realidad hay un tipo específico de producción cultural en Oriente Medio que domina de forma abrumadora y que no va en la línea de lo que hacemos nosotros. Hay muchos grupos haciendo cosas interesante aquí pero no es tan evidente como para que alguien que viene de visita una semana pueda percibirlo.

HS: I definetely don’t relate to the idea that we’re the only people doing something but I do understand why it would be difficult... I mean there is some sort of overwhelming dominance of one particular kind of culture production in the middle east that’s not really in line with what we do. But there’s a lot of bands doing interesting things in the region, but it’s not obvious enough that for someone coming here for a week they’re going to be able to see anything.

I: ¿Y te identificas con ese titular que decía “La Banda Sonora de la Primavera Árabe?

I: And do you relate to that title that said “The Soundtrack of the Arab Spring”?

HS: Mira, La Primavera Árabe no es algo que acabe de ocurrir.

Nosotros empezamos hace cinco años. La Primavera Árabe no es algo que empezara hace cinco años, comenzó hace mucho tiempo, ha estado gestándose ya un tiempo y ha cobrado importancia también desde hace tiempo. Hm...No. No me identifico con ese titular, estoy aquí solo y no asumo una responsabilidad de ese tipo. Es decir, notamos esa reacción de mucha gente en la región...pero parece como si dijeran..”¡Eh,

mira un grupo de música! Y por cierto hay una revolución teniendo lugar al mismo tiempo, ¡tiene que tener algo que ver con el grupo!” ¿Sabes lo que quiero decir? Recibimos esa respuesta de mucha gente en la región pero no es el objetivo del grupo ni cómo me veo yo en absoluto.

No me malinterpretes nos sentimos muy orgullosos cuando gente en Egipto o en Túnez que están viviendo las revoluciones se identifican con nuestra música, todo eso es genial, nos hace muy felices, simplemente...no es algo que vayamos a poner en nuestra tarjeta de visita.

HS: I mean look, the arab spring is not something that just happened, we started five years ago. The arab spring is not something that started five years ago, it started a long time ago, it’s being happening for a while, it’s been a thing for quite some time. Ahm.. no, I don’t relate to that, I’m here alone, and I don’t assume that kind of responsability... I mean we get that kind of reaction from a lot of people in the region but it’s not like... somebody came to the region and decided, “oh look a band!” and by the way there’s a revolution going on that happened at the same time so that must have something to do about it” you know..we get that kind of feedback from a lot of people in the region but it’s not really something that we meant doing and that’s not how I see myself at all.

I mean don’t get me wrong we’re very proud of this when it happens when we get feedback from people in Egypt or Tunisia and they’re like yeah we’re listening to this during the revolution that’s stuff is cool and whatever, this stuff makes us happy it’s just not really...it’s not something you put on a bussines card..

I: Y no es el objetivo del grupo tampoco, ¿No? I: And it’s not like an objective either at all, is it?

HS: Para nada HS: No it’s not.

I: Bien. Cambiando de tema, ¡Beirut! No conocía la ciudad en absoluto y sabía muy poco antes de venir. Me he dado cuenta de que es muy internacional. Al andar escuchas un poco de francés, inglés...

I: Okey. Ahm I didn’t know Beirut at all. And I knew very little about it. I see myself walking around and I realized it’s very international. I hear here a little English, here a little French...

HS: Bueno aquí es diferente no tiene nada que ver con el cosmopolitismo de otras ciudades. Es más bien postcolonialismo...

HS: Well that’s not necessarly cosmopolitan though, here that’s more like post-coloniality.

I: Entiendo. Otro punto de vista que no había considerado.

En cualquier caso, también tiene relación con lo que quería preguntar. Un grupo que apareció en el seno del campus de la AUB. Todos erais estudiantes de AUB así que básicamente surgió en un ambiente muy internacional, si bien no en la ciudad como indicabas, sí en la universidad. ¿Elegisteis cantar en árabe de forma intencionada? Quiero decir, ¿elegisteis el árabe? ¿O fue simplemente el idioma natural en el que surgió el grupo por ser el árabe vuestro idioma habitual de relación?

I: I see. Interesting point of view. Well what I wanted to ask is. A band that appeared in AUB. Because you were all AUB students,

so basically in a quite international setting, if not in the city at least in the school...was your pick of arabic as your singing language an actual choice? Did you choose to sing in arabic? or it just came naturally because this is the language you always use communicate?

HS: ¡Bueno creo que es bastante evidente que mi lengua materna es el inglés! Lo que es el caso para mucha gente aquí por el tipo de escuela a la que fui...de hecho ni siquiera hablaba muy bien árabe cuando era pequeño ya que nunca lo hablaba en casa. Pero fíjate, cuando nos juntamos los siete, éramos siete en ese momento, una de las pocas cosas que teníamos todos en común, era que aunque todos escuchábamos música muy diferente, ninguno estaba escuchando nada en árabe. Hablamos de ello y nos dimos cuenta de que siempre que encendías la radio e intentabas escuchar algo en árabe, encontrabas cosas con las que difícilmente tenías algo en común. A lo mejor por nuestros orígenes, ya que habíamos sido educados en escuelas internacionales, o quizás porque existe una fórmula muy repetitiva en todo lo que se ha hecho en lengua árabe.

Básicamente en aquél momento nos pareció que simplemente porque algo estaba en árabe, definía el género del que se trataba, y además era un tipo concreto de música y de sonido que está ahí desde hace como setenta años y que ha evolucionado muy poco. Había una reacción muy automática en todos nosotros cuando escuchábamos algo en árabe. Incluso las letras, no hablaban de nada que nos identificase o por lo que hubiésemos pasado. Y además notábamos lo mismo en la mayoría de la gente que conocíamos. Nuestro amigos no escuchaban música en árabe, ni iban a conciertos en árabe. Así que decidimos hacer música en árabe que nos identificase a nosotros.

HS: I mean I think it’s pretty obvious that my first language is English. Which is the case for a lot of people here. The kind of school I went here...like I didn’t even speak very well arabic growing up it’s not something I would speak at home. But you know when we got together one of the few things that we had together was that...we were seven at the time and we were all listening to very different stuff but none of us was listening to anything in arabic. And we talked about it and we realized that you know whenever you turned on the radio, and you try to find something in arabic, most of the times we found it very difficult to relate to that kind of stuff, either because of our backgrounds we’re sort of been constructed in a foreign discipline... or you know there is a very particular formula for what’s been done in the arab language (........)

Basically at the time it seemed that just because something had to be in arabic, that itself defined what the genre was, it had to be one particular kind of sound that’s been there for at least 70 years and hasn’t really evolved. There was this automatic reaction in all of us when we heard something in arabic. Even the lyrics you know, it wasn’t even speaking about something we could relate to or that we had been through. And we felt that in most people we knew. Our friends wouldn’t really listen to arab music, didn’t really go to concerts in arabic. So we wanted to make stuff in arabic that we could relate to.

I: ¿De modo que nunca se os ocurrió cantar en inglés?

I: So did it even occur to you to sing in English at all?

HS: Yo solía hacerlo antes del grupo pero en este momento

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nuestra prioridad es cantar en árabe. Queremos cantar sobre cosas que le importan a la gente de aquí, cosas que le pasan a gente como nosotros y cómo te dije la idea original era llenar el hueco que hay entre aquello con lo que nos podemos identificar y lo que realmente podemos escuchar en árabe.

HS: I mean I used to before the band but with the band at this point it’s really like...our priority is to sing in arabic it’s not really internationally oriented, we want to sing about stuff that matters here that happens to people like us and like I told you the original idea was to fill in that gap between what I can relate to and what I can actually here in arabic.

I: Entonces, ¿dirías que el idioma es un valor añadido o un posible handicap para el éxito de vuestra música?

I: So then do you think arabic is an asset to the potential success of your music?

HS: Verás creo que dificulta el llegar a públicos más amplios.

Cómo me decías antes para ti puede ser interesante escuchar música en un idioma desconocido, pero lo que notamos cuando salimos y tocamos conciertos, la reacción de la gente cuando tocamos en Europa, en Canadá o en Estado Unidos..., no es intuitivo ni inmediato, ni quizás algo que vayan a buscar más adelante. Pero en cuanto a cómo nos a ayudado aquí en la región, ha sido genial.

HS: Look I mean it makes it more difficult to reach wider audiences, you know like you can say for you it’s a bit more interesting or whatever but from what we see when we go out and we play in concerts and the kind of reaction that we get when we play in Europe and the States or in Canada. It’s not intuitive, it’s not immediate, it’s not something that they’re going to look for after. But in terms of how it’s affected us here in the region it’s been great.

I: ¿Así que habéis notado reacciones diferentes cuando tocáis fuera del mundo árabe? ¿Lo percibís?

I: So then have you noticed that when you play a concert outside of the arab world the respone of the audience is really different? Can you sense it?

HS: Bueno cada concierto es muy diferente. Tampoco es lo mismo ayer en El Cairo a El Cairo hace tres meses. Cada vez es diferente y no sé si responde necesariamente al lugar.

HS: I mean it’s different everytime you play a concert, it’s not the same in Cairo yesterday, as it was in Cairo three months ago. It’s different every time I don’t know if it’s necessarly the place or something.

HS: Well every city is changing all the time. Maybe with the exception of Paris every city is constantly transforming.

I: Tienes razón pero no al ritmo que está ocurriendo aquí. A mi me da la sensación de que el ritmo es frenético.

I: Well yeah you’re right but at the pace it’s happening here to me it feels like it’s sort of booming.

HS: Bueno se puede discutir lo que dices. Sí se está construyendo mucho, pero la economía no se expande del mismo modo. En su mayor parte se trata de promociones inmobiliarias destinadas a inversores inmobiliarios. No es como si se estuviesen construyendo fábricas. No se están construyendo lugares en los que la gente podrá trabajar, ni se está desarrollando un sistema educativo que enseñe herramientas que la gente pueda desarrollar en un trabajo aquí. El cambio no es tan frenético, es una burbuja inmobiliaria superficial HS: Well that is quiet arguable. Yeah there’s a lot of construction going on, but no the economy isn’t really booming.

It’s mostly real estate developments for real estate inversors.

It’s not like factories are being built. It’s not like we’re building places where people will be able to work or it’s not like we’re developing an educational system so that people can learn stuff they can work in here. It’s not booming, it’s just a superficial real estate bubble.

I: Y del mismo modo que no notas un gran cambio en la ciudad. ¿Dirías que sí lo hay en la escena cultural? ¿Cambios en la cultural alternativa de los que a lo mejor os sentís parte?

I: And then as much as you don’t feel there is not an actual boom. Do you think that there is something like a cultural boom? Or any sort of important changes in the cultural scene here you might be part of?

HS: Estas cosas son tan difíciles de engranar cuando estás en ellas, ¿sabes lo que te digo? No es como que te levantas un día y piensas, “mierda, las cosas han cambiado”.

HS: These things are so difficult to engage when you’re in them you know what I mean?. It’s not like you wake up one day and you think, “oh shit things are really different”.

I: ¿Pero y ese sentimiento? ¿Lo que te hace sentir a ti como músico?

I: But the feeling of it? The way it feels to you as a musician?

I: Hablando de lugar. Me gustaría hablar un poco de Beirut y del Líbano. Me he quedado muy sorprendido en mis paseo en cómo la ciudad se está transformando y construyendo. ¿Sientes que la ciudad está cambiando radicalmente? ¿Siempre ha sido así?

I: I see. Talking about place I wanted to talk a little bit about Beirut and Lebanon. I have been out exploring and I’ve been amazed by how the city is being constructed and transformed.

Do you feel it’s sort of radically changing right now? Has it always been like this?

HS: ¡La verdad no lo sé! Estoy siendo muy sincero siempre he vivido en Beirut. Según las cosas han ido cambiando yo he estado dentro de todos esos cambios y han sido cambios muy graduales. Es muy difícil de ver, no percibo que las cosas sean diferentes. No siento que la vida cultural se la ciudad sea muy diferente a la que tenía hace seis años a raíz de la ciudad.

HS: I don’t really know! I am being very honest I have always lived in Beirut. As things have been changing I’ve been around them as they’ve been very gradually changing. It’s very difficult to see, I don’t see as if things were different in such a way. I don’t feel very different in my life when it comes to culture in Beirut as I did six years ago because of the city.

HS: Bueno todas las ciudades cambian constantemente. A excepción de quizás París todas las ciudades se transforman todo el tiempo.

I: ¿Y crees que Beirut es una ciudad que anima a la gente a dedicarse al arte y a la cultura I: And then do you feel Beirut is a city that encourages people to

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do art?

HS: No, no lo creo.

HS: No, I don’t.

I: ¿Un no rotundo? ¿Crees que la ciudad lo hace más difícil?

I: Definetly not? So you feel it’s makes it harder?

HS: Bueno es un reto, desde luego.

HS: It’s a challenge...yeah I: ¿Un reto en qué sentido?

I: In what way you feel it’s that challenging?

HS: En el sentido de que no hay una financiación pública en todo el sector cultural. Nuestro sindicato es de risa. No hay muchas empresas independientes desarrollando proyectos interesantes, existe una visión muy limitada respecto a lo que es el arte. Hay muy pocos...¡de hecho no hay ni un solo museo de arte contemporáneo en todo el país! Eso ya es un problema en sí mismo. Gente involucrada en un proyecto artístico que venga de dentro del país es algo que pasa en raras ocasiones. La censura puede ser un gran problema. La ayuda económica es ...

HS: In the way that we have NO government funding at all for the entire art sector. Our union is a joke. There aren’t a lot of independent companies developing interesting projects, people tend to have a very narrow view on what art is. There are very few...I mean we don’t really have a modern art museum in the country! And I see that as an issue on it’s own! People getting involved in an art project that’s coming from the country is barely happening. Censorhip can also be a very big problem. I mean funding is just like...

I: Inexistente básicamente I: Non-existent basically HS: ¡Sí! Tienes la versión del artista que toca en la calle y hace algo de dinero. Pero así no debería ser. Tienes que ayudar a la comunidad artística, el gobierno debería hacerse cargo, el Ministerio de Cultura debería hacerse cargo y eso no sucede en absoluto. Y eso es un problema.

HS: Yeah I mean you have the version of artist playing in the street and making some money off of it but that’s not how it should work. You need to fund the art community, the government needs to take care of that, the Ministry of Culture has to take care of that and that doesn’t really happen here. And well that’s a problem.

I: ¿Y el apoyo del público? Si no existe el apoyo institucional, ¿existe por lo menos apoyo del público para el arte y la cultura?

I: And what about audience support. If institutional help is lacking is there people support for art and culture?

HS: Para la música o en general...

HS: well for concerts or for other...

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sobrevivir a la ciudad, pero difícilmente poder vivir de ello.

HS: It depends...if you sort of get lucky enough to.. you know.. hit the right drum and people happen to like you I suppose it’s possible to survive the city but not really like live off of your art..

I: Porque de hecho estuvisteis intentando involucrar al público con un “crowdfuding” para poder sacar el último disco producido de una forma completamente independiente...

I: Because you’ve been trying to engage your audience with the crowdfunding for the release of the last album for it to be fully independently produced...

HS: De hecho con el crowdfunding...

HS: Well for instance the crowdfunding..

I: Y tocasteis un concierto específico hace unos días cuando sacasteis el último disco, Raasuk. ¿Cómo ha funcionado todo eso?

I: You also launched a concert for the release of the last album... how did all that go?

HS: El concierto fue muy bien pero durante el proceso de crowdfunding por ejemplo la mayoría de nuestro patrocinadores no fueron libaneses...

HS: Well the concert went really well but during the crowdfunding for example most of our sponsors weren’t lebanese...

I: Me interesaba mucho saber si muchos de los que os apoyaron eran de fuera...

I: Yeah I was very curious to know if a lot of your suppoerters were abroad...

HS: Pues ahí está. Se pueden ver las estadísticas online la mayoría de nuestros patrocinadores fueron norteamericanos y europeos.

HS: Well that’s right, you can see the statistics on the website most of our sponsors were from northamerica and europe.

I: Y con todo, a día de hoy, ¿podéis vivir de la música?

I: So as of today, can you all make a living out of your music?

HS: A ver todos tenemos nuestro trabajos a parte. Y sí me gustaría dedicarme en exclusiva a la música pero no, por ahora no está cerca aunque en un par de años...

HS: I mean we all have our side jobs. And yeah I would like to only do music, and no it’s not near but maybe in a couple of years.

I: Habéis tenido muchos conciertos, ¿no? Tocando en Beirut y en otras ciudades..

I: You have actually been very active live. Playing a lot of concerts in Beirut and elsewhere..

I: Bueno para la música...

I: Well for music…

HS: Pues no tanto la verdad. En Beirut solo tocamos unas dos veces al año.

HS: Well not really, in Beirut we only play like twice a year.

HS: Depende...si tienes suerte y digamos...das con las tecla correcta y gustas a la gente me imagino que es posible

I: ¿Es fácil para un grupo de aquí conseguir actuaciones y conciertos en salas de aquí?

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I: Is it easy here for a local band to get gigs in local venues?

HS: La verdad es que tenemos bastantes ofertas HS: Well we get a lot of offers...

I: ¿Más fácil para un grupo extranjero?

I: Easier for a foreign band maybe?

HS. ¡Si! Siempre es más fácil para un grupo extranjero conseguir un concierto.

HS: YES. It’s always easier for a foreign band to get a good gig.

I: Lo que muchos no entienden cuando nos piden que toquemos en sus ciudades; Nosotros esperamos a que la persona adecuada organice un buen concierto. Y el problema muchas veces en el Líbano y en Oriente Medio es que es casi imposible conseguir un sonido decente. En Líbano solo tocamos dos veces al año porque solo tocamos en evento y festivales importantes donde sabemos que el sonido será el adecuado. Si el sonido es malo la gente no... Ya sabes el público no siempre entiende que no es culpa del grupo, ¿sabes lo que quiero decir? Si el sonido es malo le echarán la culpa al grupo... Me escucharán y no entenderán lo que digo y si no nos hubiesen escuchado antes van a pensar, “vale este tío no sabe pronunciar”. Así que esperamos que vengan buenas ofertas de buenos sitios lo que no pasa muy a menudo.

I: But what people sometimes don’t understand when they ask us to play in their cities. We can’t just go and decide where to play, we wait for the right organizer to pick the right gig. And the problem a lot of times in Lebanon and the Middle East is almost impossible to get decent sound. In Lebanon we only really play twice a year because we only play in big festivals where we know the soundsystem is going to be ok. If the soundsystem isn’t good people don’t...you know the audience doesn’t always understand that that’s not the band’s fault, you know what I mean? If the soundsystem is bad they’re going to blame it on the band...They’re going to hear me and they’re not going to understand what I am saying and if they didn’t know us from before they’re going to think “oh well this guy can’t pronounce”. So we wait until decent offers come by which doesn’t really happen very often.

I: Y ahora vais a comenzar una gira, ¿no es así? Con el nuevo disco, de hecho empezáis en Amman en unos días, ¿no? Incluso iréis a Barcelona, ¿fue difícil de organizar?

I: And now you’re going on tour am I right? With the new album...you’re going first to Amman in a few days. You’re actually going to be in Europe incluiding Barcelona... did you have a hard time organizing all of that?

HS: Nos contactaron organizadores de distintas salas en realidad.

HS: We got contacted by organizers basically.

I: ¿Y qué piensas de la gira en Europea Occidental? ¿Te gustaría tocar allí más a menudo?

I: And how do you feel about going to Western Europe. Do you feel you want to do that more often?

HS: Sí me encanta ir a nuevos sitios a tocar. Descubres lugares que no conoces, te enfrentas a nuevos públicos, la mayoría de

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las veces los sistemas de sonidos están genial lo que hace que hace que disfrutemos mucho al tocar.

HS: Yeah it’s very exciting to go to new places and play. You get to see new places, meet new audiences, most of the times the soundystems are great which makes it very enjoyable to play the concerts...

I: Será la primera vez que tocáis en España, ¿verdad?

I: First time you’re going to play in Spain, right?

I: Si HS: Yes I: No en Madrid todavía, ¿no?...

I: Not in Madrid as far as you know now?

HS: En Madrid no..

HS: not in Madrid...

I: ¡Una pena!

I: Too bad.

Para terminar de hablar de Beirut me gustaría compartir con los lectores una cita de vuestra página web. Cuando entras en la sección de “About” hay un texto muy bueno, y hay una parte que habla de la ciudad que me resultó muy inspiradora, y dice.. haciendo referencia a Leila...

I wanted to share with the readers this quote I found in your website. When you go to the about section there is this really nice text, and there is this part that talks about the city of Beirut and says, referring to Leila..

“Solo cuando Mashrou’ Leila toca en directo puedes capturar un destello de Leila. Mientras te habla de Beirut, la ciudad que sabe a absurdo, el producto de sus experiencias cotidianas, su obstinada seguridad y falta de esta última, sus explosiones melódicas, sexualidad incoherente y penetrante placer...un dolor narcótico.” ”It is only when Mashrouʼ Leila goes live, that you can actually catch a glimpse of Leila. As it talks to you of Beirut, the city that tastes of the absurd, the product of its day-to-day experiences, its stubborn security and lack of the latter, its musical bombshells, incoherent sexuality and thrusting pleasure… narcotic pain” Cuando lo leí me impresionó mucho y me hizo fantasear sobre lo que iba a experimentar aquí, y me gustaría saber lo que piensas de la cita, y las experiencias que la ciudad descrita en ella ofrece a los artistas...

When I read it before coming it blew my mind to imagine what I was going to experience here, and I would like to hear your thoughts about the quote, and about what the city offers to artists in terms of experiences...

HS: Bueno es muy difícil para contestar estas preguntas porque no es como si pudiera comprar mi vida aquí con mi vida en alguna otra ciudad...

HS: Well it’s really hard sometimes to answer these questions

because it’s not like I can compare my life here to my life in any other city...

I: Pero, ¿cómo te sientes tu aquí? ¿y cómo estar aquí te estimula para tocar?

I: But the way it feels for you to be here... how the city stimulates you to do music...

HS: Ya pero no sé si eso me pasa a mi o al resto del país...

HS: Yeah but I don’t know if that’s just me or the rest of the country you know..

I: Claro pero me gustaría saberlo acerca de ti I: Well of course but I want to know about you HS: A ver es muy fácil sentirse estimulado aquí. Siempre está sucediendo algo. Y me refiero a estimulado emocionalmente, no intelectualmente, ¿entiendes lo que quiero decir? Es una ciudad formada por comunidades pequeñas así que conoces gente fácilmente es muy pequeña. Todo está al alcance de tu mano así que si te pones a buscar, no sé, un artesano o lo que sea es muy fácil que al final encuentres a alguien que quiera formar parte de tu proyecto. Hay muchas versiones de la misma historia, así que estás en contacto con muchas opiniones, hay mucha diversidad. Mira tiene más que ver con el hecho de que aquí te ves retado constantemente por múltiples situaciones lo que hace que acabes produciendo más.

HS: I mean it’s easy to get very stimulated here. There’s always something happening. Stimulated emotionally I mean, not intelectually if you know what I mean. It’s a very communitarian city so you meet a lot of people it’s very small.

Everything is sort of within arm’s reach so if you start looking for, I don’t know, handicraft production or something it’s very easy to eventually find within your circle a craftment that wants to be part of your project. You get to meet a lot of narratives, you get to know a lot of opinions, there’s a lot of diversity here. You know I guess all of that leads to constantly being challenged in many ways which definetly makes produce more.

I: Y por ello, ¿te gustaría quedarte en Beirut?

I: Right. Would you then like to stay here in Beirut?

HS: No. HS: No. I: Me he encontrado a tanta gente que me ha contado cosas extraordinarias de esta ciudad. Y al mismo tiempo también tienen un deseo de salir.

I: I’ve encountered so many people telling me such great things about here. And at the same time with a desire to leave.

HS: Para mi es simplemente la idea de no estar aquí por un tiempo, ¿sabes? Cuando pasas demasiado tiempo en el mismo sitio se vuelve redundante. Todo se vuelve evidente, dejas de ver las cosas que te gustaban.

HS: Well it’s just the notion of not being here for some time you know. After you spend too much time in only one place it becomes a bit redundant. Things become expectable, you stop seeing the things you liked about it.

I: Ya veo. Pero como podría pasarle a cualquier otra persona en cualquier otro lugar..

También sois muy activos en las redes sociales. Lanzasteis el crowdfunding para la producción del disco, grabasteis el último disco con voluntarios también a través de las redes en un teatro cercano, os comunicáis con Facebook, Twitter, Instagram. ¿Crees que todo esto hace que un grupo pueda conectar fácilmente con el público y al final evitar la intermediación de las grandes productoras musicales?

I: I see. Like it would happen to anyone elsewhere right?.

You have been pretty active too in the social network. You launched this crowdfunding for the release of the new album, your last video you filmed with volunteers at a local theatre, you communicate through Instagram, Facebook, Twitter. You think all of this makes it much easier for bands to engage with their audience in a way that you can avoid the mediation of a music producing company?

HS: Pues verás, conectar con la gente es mucho más fácil desde luego porque existen todas estas plataformas que mencionabas para hacerlo. Hay revistas y blogs online, Twitter, Instagram, en todos esos canales estás en contacto constante con el público.

Pero no significa que no necesites lo que te puede ofrecer una buena casa de discos. Incluso si consigues apoyo para sacar el disco, nosotros conseguimos unos 66.000 dólares que cubrieron mucho pero lo genial que podría haber sido el disco costaría mucho más que eso, y eso lo consigue la casa de discos. La productora hace más fácil que consigas producción para los vídeos, hacen más fácil que consigas directores para los discos, una distribución más amplia... Tienen mejores acuerdos con las salas, con los medios de comunicación... Hay muchas cosas que no puedes hacer por tu cuenta porque el mercado ha sido dominado por las grandes productoras por mucho tiempo.

HS: Look, engaging with the audience yes it’s a lot easier because you have now so many channels and platforms to do it. You have online blogs and magazines, and we tweet, instagram, all those platforms where you’re contantly in touch with people. But that doesn’t really mean you don’t need what record labels can offer. Even if you crowdfund the album, you crowdfun for 66,000 dollars and that covers a lot but what a great album could have been it’s going to cost a lot more than that, and that’s what a record label can do. Record labels make it easier to find production houses for videos, they make it easier to find directors for videos, a wider distribution... They have better deals with venues they have better deals with media...there’s all that stuff that you can really do because the market’s been dominated by record labels for so long.

I: Pero también te debes comprometer a ciertas cosas a las que preferirías no comprometerte...

I: But you also might want to committ to certain things you might not want to committ...

HS: Por supuesto HS: Of course...

I: Así que para un cuarto disco, si pudieras elegir, ¿preferirías de nuevo una forma de producción alternativa o preferirías un contrato con una productora?

I: So if you had a pick for you next album...would you go for an alternative way of producing it or try something else..

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HS: Bueno ya sabes hasta que encontremos la productora adecuada...Hay muchos artistas que trabajan en la industria independiente que parece pensar que la palabra “productora” es maligna pero hay muchas productoras que son muy buenas.

Hay una increíble que desgraciadamente acaba de cerrar. Si una marca de ese tipo hablara con nosotros yo me suicidaría de la emoción.

HS: Well you know until we find the right company...you there’s a lot of artists and people that work in the independent art industry that seem to think “record label” is an evil word but there’s a lot of really good record labels. There’s this one that was incredible that just shut down. If a label like that would contact us I would like kill myself out of excitement.

I: De acuerdo, ¡mejor no lo hagas!

Cuéntanos entonces algo más sobre la siguiente gira. Si no me equivoco estaréis en Barcelona el 10 de Octubre, ¿verdad? ¿Qué otras ciudades visitaréis?

I: Okey. Don’t do that.

Tell us a bit about the next tour you’re doing. I’ve checked the website but I don’t know if it’s fully updated. I am excited though to know you’ll be in Barcelona October 10th. What other cities will you visiting?

HS: Iremos a Londres, vamos a Paris, vamos a Barcelona.

También vamos a Montreal y a Toronto y quizás Nueva York. En cualquier caso nuestra “Gira Europea” no empezará realmente hasta Febrero, todavía lo estamos preparando, por ahora son solo un par de conciertos.

HS: Well we’re going to London, we’re going to Paris and we’re going to Barcelona. Then we’re going to Montreal and Toronto and maybe New York. The thing is our “European Tour” isn’t really supposed to start until February, and we’re still scheduling that out but right now it’s just these few gigs which will be fun.

I: Así que volveréis a Europa. ¿Alguna idea de dónde?

I: Oh so you’re coming back to Europe in the winter then. Any idea already of whereabouts in Europe?

HS: No. Depende porque estamos intentando lanzar el disco allí en febrero así que depende de cómo vaya. Cuando cerremos eso tendremos más detalles.

HS: No. It depends because we’re trying to launch the record there in February so it all depends on how that goes. As soon as that’s settled will know more about it.

I: Me gustaría saber algo más de vuestro proceso creativo. Leí en la página web que para escribir el segundo album El Hal Romancy os retirasteis unos días en unas montañas libanesas y trabajasteis allí intensamente. Háblame de eso.

I: And I want to know a little more about the creative process you guys have. I read in the website that for the writting of the second album you reatreated to these lebanese mountains and intensely worked for few days. Tell me about that.

HS: Fuimos a las montañas. Como unas dos semanas y esencialmente estuvimos escribiendo muchísimo. Básicamente escribimos allí todo el disco. Estábamos preparándonos para un concierto así que nos llevamos nuestras cosas con nosotros,

tocamos y escribimos mucho. Después nos reunimos unas semanas más tarde y lo grabamos en nuestras casas en Beirut, en baños y así...

HS: Well we went to the mountains. For like a couple of weeks and basically wrote a lot. We pretty much wrote the whole album there. We wrote it as we were preparing for a concert so we brought our stuff there, we played and wrote a lot. Then we got together a few weeks after the concert to get everything together and recorded you know in our houses in Beirut... bathrooms and random shit.

I: ¿En serio? ¿Así habéis grabado siempre?

I: Oh yeah? Is that how you’re usually recording?

HS: Bueno nunca hemos tenido la misma experiencia grabando.

El primero lo grabamos aquí en Beirut en un pequeño estudio. El segundo lo hicimos nosotros como te comentaba y el tercero... bueno el tercero fue después del crowdfunding así que también en un estudio.

HS: Well we didn’t really have the same recording experience twice. We recorded the first album here in Beirut with a small studio. The second album we recorded more ourselves like I was saying before after the retreat in the mountains and the third... well the third after the crowdfunding also in a studio.

I: Y por ahora, ¿cuál ha sido la respuesta del público con vuestro tercer album, Raasuk, que acabáis de sacar?

I: And what has the people responde been with the thirs album you have just released? It’s been selling well these few days it’s been out?

HS: Todas las críticas que estamos recibiendo están siendo muy buenas.

HS: Yeah. All the reviews that we’re getting have been very positive.

I: Cuéntame más sobre el tercer disco y lo que piensas de él.

I: I want to know more about your thoughts on the third album.

HS: Para mi se ha vuelto mucho más sofisticado. Es de lo que estoy más orgulloso hasta el momento. Tomamos consciencia del hecho de que teníamos un público, algo que no habíamos considerado antes al escribir. Esto añadió tensión al disco, hay mucha más atención al detalle, fuimos mucho más meticulosos con el tipo de sonido que queríamos, con la calidad del sonido y de la música, los arreglos se han vuelto mucho más complejos de lo que habían sido hasta ahora..

HS: Well it’s really gotten more sophisticated. It’s really the thing I’m most proud of so far. We were a bit more aware of the fact that we have an audience, which we weren’t really before when writing.. Which made the album really tense... there’s a lot more attention to detail, a lot more meticulous about the kind of sound...the quality of sounds and music...all the arrangements got much more complex than they had been before..

I: ¿Todos forman parte del proceso de escribir las canciones?

I: How do you all take part in the writing process HS: Todos escribimos la música. Nos metemos en una habitación, las ideas aparecen y nos peleamos durante meses

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hasta que llegamos a lo que queremos. Yo escribo las letras solo.

Muchas de ellas antes de tener tono, otros durante…y luego también cambian durante, por supuesto.

HS: We all write the music together. We get in the room and we come up with ideas and we get into fights more months until we figure out what we want. I write the lyrics alone. A lot of it before the tunes, a lot of it during...and then it changes after of course too.

I: ¿Alguna dirección u objetivo en mente para el grupo ahora mismo?

I: Any particular agenda or direction right now for the band?

HS: Queremos crecer obviamente porque ha llegado un momento en el que realmente queremos hacer de esto nuestra forma de vida. Creo que caemos en...¿sabes? No estamos convirtiendo realmente en músicos en lugar de ser gente que habla de política y de la sociedad a través de la música, ¿sabes lo que quiero decir? Incluso aunque tratemos esos temas, cobra mucha más importancia la música. Y esto nos está sentando muy bien. Nos estamos centrando mucho más en la música.

HS: Well we’re trying to get bigger obviously because at this point we want to be able to live off of it. I think we’re falling into like...you know we’re becoming musicians instead of being just people that tallk about politics or society through music you know? Even when we’re talking about all of that it’s becoming much more about the music. Which is a good feeling for us to be in.

I: Si llega un momento en el que te dieses cuenta de que Beirut o el Líbano se queda pequeño para el grupo, ¿consideraríais irte con todo el grupo a otro sitio como dijiste que no te importaría salir de Beirut?

I: If it got to point in which you feel Lebanon or Beirut feels too small for the band would you consider relocating the band as well you said you could see yourself leaving Beirut?

HS: Bueno de nuestros miembros se muda a Londres, otro estaba en California todo este año, quiero decir que viajamos muchos.

Relocalizar todo el grupo sería muy caro y simplemente no es algo que hayamos pensado.

HS: Well one of our members is moving ti London, another was in California for the last year, I mean we travel a lot. Relocating the whole band would be expensive though it’s something I haven’t even considered really.

I: Si eso pasara, ¿tu crees que cambiaría la banda?

I: If that were to happen do you think that would change the band?

HS: ¿En qué sentido?

HS: In what sense?

I: Y si todos acabaseis fuera, ¿seguiría teniendo sentido cantar en árabe sobre los problemas y pensamientos de la gente joven de Oriente Medio?

I: Well if you all ended up elsewhere would it make sense anymore to sing in arabic about current day to day issues and thoughts of young people in the Middle East?

HS: Bueno irnos a otros sitio no significaría que nuestro público

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tuviese que cambiar. Ni siquiera nuestro público más numeroso está en el Líbano, tocamos en El Cairo por ejemplo mucho más de lo que tocamos aquí. Y en cuento a nuestras letras, no son tan simples, “esto ha pasado hoy en Beirut así que vamos a hacer una canción acerca de ellos”. Son siempre más abstractas de forma que es más fácil identificarse con ellas, por eso es por lo que gente como tú se interesa por el grupo. No es sólo gente de Beirut la que puede entender nuestras letras.

HS: Well relocating elsewhere wouldn’t necessarly change our audience you know? Like our biggest audience is not even in Lebanon, we play in Cairo for instance much more than we do here. And in terms of what we sing about, our lyrics aren’t that simple like, “oh this happened today in Beirut let’s play a song about this” you know, it’s always a bit more...abstract so anyone can relate to it you know? Which is why people like you even if they don’t understand the lyrics can like, oh I can relate to this or whatever you know? It’s not like only people in Beirut would get the songs.

I: Por último quería hacer una pequeña reflexión y saber lo que opinas. A lo mejor soy yo teniendo un choque cultural o a lo mejor es algo que compartes conmigo. Vais a tocar como dijimos en Barcelona el 10 de octubre, del mismo modo que tocáis en París o en Barcelona. Y antes hablamos de cómo os conocí cuando alguien me enseñó ese artículo llamado “La Banda Sonora de la Primavera Árabe”. Creo que todo esto demuestra un pequeño cambio en cómo Oriente Medio se relaciona con Occidente. Un grupo libanés cantando en árabe en Barcelona, y gente comprando la entrada y yendo. ¡Seguramente sea la primera vez!

I: Finally. There is this thought that I’ve been having these days here. Maybe it’s me reacting to the cultural shock or maybe it’s something you also thought about. You are playing in Barcelona October 10th. You’re previously playing in London and Paris.

And before we talked about how I knew you through someone that showed me this piece of paper called “The Soundtrack of the Arab World”. I think all of this is showing that something has to be changing in the way the arab world related to the western world. For a lebanese band singing in arabic to play in Barcelona, and for people to go and see it. That’s probably a first. What do you think?

HS: Pues me parece muy interesante. Ha llegado un punto en el que la geografía y el lugar físico ya no son tan importantes, ¿no crees?. Además todos los prejuicios que todavía quedan entre nuestras culturas, también despiertan mucha curiosidad...

HS: Well it’s interesting. It’s gotten to a point where people don’t rely that much on geography you know. And all the prejudices that stay there between cultures also lead to a lot of curiosity...

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EXĂ“TICA Primera parte

Por // By: Asier Iturrate Traducción // Translation: Karla D. Romero

ERÓTICA Part One

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Prólogo // Prologue

¡Tápate los ojos! // Cover your eyes!

La MPAA, acrónimo de Motion Picture Association of America’ es un organismo cinematográfico sin ánimo de lucro encargado de clasificar los estrenos de cine en los Estados Unidos. Fundado en 1922 (comenzó bajo el nombre de ‘Motion Picture Producers and Distributors of America’), y entre sus miembros destacan los seis mayores estudios de Hollywood: Walt Disney Pictures (The Walt Disney Company), Sony Pictures (Sony Corporation), Paramount Pictures (Viacom, que compró DreamWorks en febrero de 2006), 20th Century Fox (anteriormente parte de News Corporation, actualmente 21st Century Fox), Universal Studios (NBC Universal) y Warner Bros (Time Warner).

Precisamente, por aglutinar en su seno a las principales majors del mercado del entretenimiento, muchas voces disidentes acusan a la asociación de velar por los intereses de los grandes estudios, en perjuicio de los sellos más pequeños o independientes, en vez de cumplir estrictamente con lo que ellos denominan como su objetivo principal, que consiste en nada más y nada menos que: defender los intereses de las familias y el país.

The MPAA, or Motion Picture Association of America, is a nonprofit cinematic organism that rates film in the United States. It was founded in 1922 (first under the name, “Motion Picture Producers and Distributors of America”) and of its members, six major Hollywood production companies stand out: Walt Disney Pictures (The Walt Disney Company), Sony Pictures (Sony Corporation), Paramount Pictures (Viacom, which bought DreamWorks in February of 2006), 20th Century Fox (previously owned by News Corporation and currently owned by 21st Century Fox), Universal Studios (NBC Universal) and Warner Bros (Time Warner). By grouping these six major companies in the very center of its being, many dissident voices accuse the association of favoring these companies’ interests, in effect harming smaller and independent companies, instead of fulfilling what they denote as their principle objective, which is nothing more or nothing less than: to defend the interests of the country’s families.

El proceso de calificación por edades llevado a cabo por la MPAA es el más reconocido sistema de clasificación para determinar el contenido potencialmente ofensivo de las películas en los EEUU, desde el acogedor G (todas las edades permitidas) al excluyente NC-17 (no se admiten menores de edad ni público de menos de 17 años). En 1968, la MPAA estableció este sistema de categorización de películas (previo a su estreno en salas comerciales), tan alabado como criticado, que ha cambiado varias veces con los años, estabilizándose finalmente en la siguiente subdivisión: G, PG, PG-13, R y NC-17.

The rating process by age is the most prevalent rating system that determines the potentially offensive content in film in the U.S., from G rating (all ages permitted) to the exclusive NC-17 (no one under 17 years of age is allowed in theaters with this rating). In 1968, the MPAA established this categorizing system

for film, praised and criticized, which has changed multiple times during the years, finally stabilizing and developing the following ratings: G, PG, PG-13, R and NC-17.

El sistema vigente es mucho más permisivo que el Código Hays (1934-1967) que implantó William H. Hays y por el cual se regían todas las películas y se determinaba lo que podía o no podía verse en pantalla – su implantación fue influenciado por el escándalo protagonizado por Roscoe Arbuckle, más conocido como Fatty, que fue detenido por la violación y muerte de una actriz¬, regalando una inesperada mala fama a Hollywood. En pocas palabras, la MPAA se asume a sí misma como protectora del espectador estadounidense, rigiéndose por los difusos códigos morales dirigidos a esa edad y salvaguardando sus valores e ideales. ¿Pero cuáles son esos intereses comunes que aglutinan los 313,9 millones de personas que habitan los Estados Unidos? ¿Y frente a qué peligro concreto tienen que defender a la sociedad americana?

The current system is much more permissive than the Hays Code (1934-1967) which was implanted by William H. Hays, which determined what could and could not be seen on the screen – his code was influenced by the Roscoe Arbuckle (“Fatty”) scandal, where Arbuckle was arrested for the rape and murder of an actress, which left Hollywood tainted with a bloody and immoral reputation. In other words, the MPAA assumes the role of the citizen spectator protector, following moral codes directed towards specific ages and safeguarding their values and ideals. But what are those common interests that 313.9 million people in the United States share? And what is that specific danger from which they are defending the American people?

‘This Film Is Not Yet Rated’ (2006) es un documental de Kirby Dick que cuestiona la transparencia de la MPAA y termina acusando a su sistema de clasificación de ser en realidad una forma encubierta de censura tan arcaico como puritano.

Según palabras de los portavoces de la MPAA, la comisión está compuesta por padres de familia que representan el sentir común de la sociedad americana. Sin embargo, muchos cineastas han denunciado que es muy injusto no saber quiénes son los que clasifican sus películas ya que los supuestos censores se mantienen siempre bajo el anonimato, rodeando de secretismo sus decisiones. ¿Directores que se han visto obligados a cortar determinadas escenas de sus películas para que su película no tuviera la clasificación de NC-17?

“This Film is Not Yet Rated” (2006) is a documentary by Kirby Dick that questions the MPAA’s transparency and ultimately accuses its rating system of being a covered up form of censorship that is both archaic and puritanical. According to the MPAA’s spokespersons, the commission is made up of parents that make up the common sentiment of the United States. However, many filmmakers have stated that it is unfair

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to not know who the people rating their films are, since these supposed censors work anonymously, masking their decisions behind secrecy. And which directors have found themselves obligated to edit out certain scenes from their films in order not to have an NC-17 rating?

Muchos y demasiados, como por ejemplo: Alfonso Cuarón, William Friedkin, John Waters, Kimberly Peirce, Jean-Jacques Annaud, Quentin Tarantino, Michelangelo Antonioni, David Lynch, Sam Raimi, Neil LaBute, Vincent Gallo, Wayne Wang, Wes Craven, Todd Solondz, Peter Jackson, Spike Lee, Russ Meyer, Jane Campion, Peter Greenaway, Paul Thomas Anderson, Bernardo Bertolucci, Michael Winterbottom, David Cronenberg y un larguísimo etcétera de realizadores, guionistas e incluso actores/actrices con muchas ganas de hablar y de expresar su punto de vista disconforme con los tijeretazos de la MPAA. Too many, such as: Alfonso Cuarón, William Friedkin, John Waters, Kimberly Peirce, Jean-Jacques Annaud, Quentin Tarantino, Michelangelo Antonioni, David Lynch, Sam Raimi, Neil LaBute, Vincent Gallo, Wayne Wang, Wes Craven, Todd Solondz, Peter Jackson, Spike Lee, Russ Meyer, Jane Campion, Peter Greenaway, Paul Thomas Anderson, Bernardo Bertolucci, Michael Winterbottom, David Cronenberg and an immense etcetera of producers, directors and even actors/actresses that really want to speak out against the MPAA’s censorship. “¡Esto es aberrante!”: Un estudio de la Universidad de Harvard indicó que la MPAA ha permitido más violencia que contenido sexual explícito en las películas categorizadas durante la última década. Entre las decisiones más controvertidas están las películas calificadas con el temido NC-17. ¿Y cuáles suelen ser esas escenas mal vistas y por tanto prohibidas?

Sorprendentemente no son las más violentas sino por ejemplo aquellas que muestran escenas con sexo homosexual, secuencias en las que el placer sexual femenino es protagonista o incluso aquellas que incluyen conversaciones de sexo aún cuando no muestran ninguna imagen ‘subida de tono’.

“This is abnormal!”: A Harvard study indicated that the MPAA has allowed more violent content versus explicit sexual content during the last decade. Amongst the most controversial decisions are those films rated NC-17. And which are usually the most watched scenes that are so prohibited? Surprisingly they are not the most violent but, for example, those that reflect acts of homosexual sex, as well as where the lead female character is receiving sexual pleasure and even those scenes that include sexual conversations without showing any “inappropriate” images.

Es importante subrayar que la clasificación otorgada determina en gran manera la vida comercial del título, así, puede limitar su capacidad comercial al no encontrar distribución o por ejemplo, no pudiendo ser anunciada en televisión para su campaña publicitaria. Una clasificación más alta que otra puede traducirse en decenas de miles de dólares en taquilla, de ganancias o en su defecto, de pérdidas. Y a pesar de ello, parece ser que no existe una estructura legal para delimitar cómo pasamos de calificar una película del “Apto para todos los públicos”, or “G” al “NC-17”.

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It’s important to underline that the given ratings gravely impacts the commercial life of a title, therefore it can limit its commercial capacity if it doesn’t find a distributor or, for example, due to not being able to advertise it on television as part of its publicity. A higher rating can translate into tens of thousands of dollars at the box office, in profits, or alternatively, in losses. In spite of that, there doesn’t seem to be a legal structure to mark out how we go from labeling a film as “Approved for all audiences,” or rated G, to rated NC-17.

Por ejemplo, la misma situación sexual suele tener una calificación más elevada (y por tanto limita su público potencial) cuando es llevada a cabo por dos personas del mismo sexo (si incluyéramos a un tercer participante la nota otorgada se dispararía). También resulta curiosamente alarmante como toda escena que muestre una postura sexual que no sea la del misionero y a lo sumo ‘ella encima de él’, esté condenada al NC17, esto es, el resto de combinaciones entre cuerpos desnudos (infinitas, aunque nos hagan creer lo contrario) están mal vistas, o directamente, nunca se podrán ver. Y la verdad es que sobran ejemplos de ‘censuras’ precisamente censurables: desde escenas vetadas por incluir escenas de sexo anal o por un orgasmo femenino demasiado ‘prolongado’, a directores animados a eliminar toda escena que incluyera un dildo, o películas clasificadas con un NC-17 por su tono en general.

For example, the same sexual situation has the same elevated ratings (and in effect limits its audience) when it’s carried out by two people of the same sex (if there were a third participant, the rating would go up even higher). It’s also curiously alarming when any scene that shows a sexual act that isn’t the missionary position or “her on top of him,” is given NC-17, which is, the rest of nude body combinations (infinite, although they make us believe otherwise) are taboo, or directly, will never be seen. And the truth is that there are abundant examples of censored scenes that are in fact censored: scenes of anal sex and prolonged scenes of a woman having an orgasm, to directors who have found themselves eliminating entire scenes due to the appearance of a dildo, and films rated NC-17 in general, due to their general tone.

Por ejemplo, una escena de la película “The Cooler” de Wayne Kramer en la que el espectador podía ver el vello púbico de la actriz Maria Bello fue mejor vista por los ojos censores (y por tanto calificada con mejor/menor nota por la MPAA) que otra escena de la comedia “Scary Movie”, en la que el caricaturizado Ghostface arranca la silicona de la pseudo-actriz Carmen Electra al clavarle un cuchillo en el pecho (parodiando la escena inicial de ‘Scream’ con Drew Barrymore). O un ejemplo más clarificador aún: en la película-basada-en-hechos-reales “Boys Don’t Cry”, su directora fue advertida de que su película tendría la clasificación de NC-17 precisamente por una escena en la que Hillary Swank (interpretando a Brandon Teena, un joven transexual) practica bajo las estrellas sexo oral a Chloë Sevigny, y no por la vorágine de violencia homófoba que se desemboca al final de la película y que acaba con la violación y asesinato de su protagonista a manos de sus amigos cuando descubren que éste esconde genitales femeninos. Violencia: 1 – Sexo: 0.

For example, a scene in the film “The Cooler,” by Wayne Kramer where the spectator could see Maria Bello’s pubic hair

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was more acceptable by the eyes of the censors (in effect given a lighter/better rating by the MPAA) than another scene in the comedy “Scary Movie,” where the caricatured Ghostface rips out silicone out of pseudo-actress Carmen Electra’s chest when he stabs her (parodying the opening scene in “Scream,” with Drew Barrymore). Or an even clearer scene: in the based-ontrue-events film “Boys Don’t Cry,” its director was advised that her film would receive a NC-17 rating if she included a scene of Hillary Swank (playing Brandon Teena, a young transgender man) gave oral sex to Chloë Sevigny under the stars, and not for the whirlpool of homophobic violence that takes place at the end of the film, which finalizes with the rape and murder of its main character at the hands of his friends when they discover that he is hiding female genitalia. Violence: 1 – Sex: 0.

“Pa-pá”: En definitiva, la MPAA viene a ser algo así como un “padre severo”, un sistema compuesto por guardianes de la moral que evita que los jóvenes accedan a visionar películas indeseadas, lo que ellos consideran como ‘poco familiar’ o como ellos dicen, títulos con “comportamientos aberrantes”. No obstante, en este caso, no sabemos quién es nuestro progenitor y por tanto nos convertimos nada más y nada menos que en niños huérfanos, siendo desprovistos de toda información relevante y concluyente, como parece ser el caso de su actividad clasificatoria: la MPAA no muestra a sus miembros y tiene acuerdos de confidencialidad con sus ex trabajadores. Parece ser que fue el lenguaje de Virginia Woolf (“¿Quién teme a Virginia Woolf?”) el que animó a la MPAA a seguir mirando con lupa las películas antes de estrenarse, continuando de una forma más dócil el legado de Hays.

“Da-da”: In short, the MPAA is basically a “strict parent,” a system comprised of moral guardians that keep young people from having access to seeing unwanted films, what they consider “not family friendly,” or as they say, films with “abnormal behavior.” Nevertheless in this case, we don’t know who is parent is and in effect, we become nothing more than orphans, lacking all relevant and conclusive information, as is its rating system: the MPAA doesn’t reveal its members and has confidentiality agreements with its previous employees.

It seems as if it were Virginia Woolf’s language (“Who’s Afraid of Virginia Woolf?”) that motivated the MPAA to continue to look at films under a magnifying glass before they are released, continuing Hays’ legacy in a more docile way.

Llegaron, se asumieron como necesarios y procedieron a la auto-regulación hasta el día de hoy. Muchos acusan a la MPAA de tratarse de un simple entramado de intereses ejecutores de lobbies más inconstitucional que útil. Si bien parece algo más cercano a la ficción, también están los que dicen que la MPAA (con sede de color de rosa en Encino, California, al que tienes que estar invitado para poder entrar) maneja listas negras y actúa bajo un tufo propio de la época McCarthy: los comunistas odian nuestras películas porque muestran nuestro estilo de vida. Entre visionado y visionado, el “padre de los padres”, el ya fallecido Jack Valenti, responsable del organismo durante cerca de cuatro décadas además de ex asesor del presidente Johnson y “gran embajador de la industria cinematográfica estadounidense”, tuvo tiempo de hacerse con un hueco en el paseo de la fama de Hollywood.

They came, assumed themselves necessary and proceeded to auto-regulate until this very day. Many accuse the MPAA of being the framework and executors of lobbying interests, more unconstitutional than useful. And as if it seemed more and more like fiction, there are even those who state that the MPAA (with pink headquarters in Encino, California, where you must be invited in order to enter) manages black lists and works under the presumption of the McCarthy era: Communists hate our films because they reflect our way of life. View after view, the “father of fathers,” the diseased Jack Valenti, who was responsible for the association for nearly four decades, as well as being President Johnson’s ex-advisor, and a “great ambassador to the United States’ film industry,” he was able to get himself on the Hollywood Walk of Fame.

Ya puedes mirar.

You can look now.

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El laberinto del cine:

CHRIS MARKER The Film Labyrinth:

Por // By: Natalia Garc铆a

Traducci贸n // Translation: Karla D. Romero

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Hace más de un año, el 29 de julio de 2012, justo el día de su 91 cumpleaños, nos dejaba Chris Marker. Cineasta imprescindible, tan conocido como desconocido, ya que su vida es casi un misterio, sólo se conocen unas pocas fotografías de él. Era poco dado a ofrecer entrevistas y un nada habitual en festivales o eventos sociales (o quien sabe, quizá aparecía, pero no le reconocían). Incluso su verdadero nombre no era Chris Marker, sino Christian François Bouche-Villenueve. La única identidad con la que se daba a conocer era con Guillaume-en-Egypte, un gato naranja. Al contrario de Jonas Mekas, quien nos muestra su vida constantemente y su lugar de trabajo, Chris Marker solo dejó filmar su laboratorio a su gran amiga Agnés Vardà, para la película “Agnès de ci de là Varda”. En la que nos muestra una habitación repleta de películas, libros, ordenadores, cables y gatos. Todo un laberinto en el que se halla el cine, la historia y la memoria de un tiempo.

More than a year ago, on July 29, 2012, the day after his 91st birthday, Chris Marker left us. An indispensible filmmaker, as well known as he was unknown, since his life was such a mystery, there are only a few photographs of him. He rarely gave interviews and was hardly present in festivals and social events (or who knows, maybe he showed up but no one recognized him). His real name wasn’t even Chris Marker, but Christian François Bouche-Villenueve. The only other being with which he let himself be known was with Guillaume-enEgypte, an orange cat. As opposed to Jonas Mekas, who showed us his life and workplace constantly, Chris Marker only let his close friend Agnés Vardà film his laboratory for the film “Agnès de ci de là Varda.” In the film, we see a room filled with films, books, computers, cables and cats. A labyrinth where film, history and the memory of a time is found.

Sus películas se encuentran entre el documental, el cine experimental y la ficción, un lugar al que André Bazin denominará film ensayo. Se valdrá de material de mucho material de archivo, aunque también saldrá a la calle en la búsqueda de imágenes.

His films fall somewhere between documentary, experimental and fiction, a category that André Bazin calls Film Essay. It is typically filled with archival footage, although there is also a part where images are obtained from the street.

El film ensayo se caracteriza por el montaje de imágenes, acompañadas por una voz en off que refuerza la imagen o que le dan sentido. Las palabras del narrador no surgen de un profundo análisis y reflexión. Vertov diría que “del montaje de los hechos visibles al montaje de los hechos acústicos y visibles se llegará al pensamiento humano”. Esas son las películas de Marker, películas del pensamiento humano.

Film Essay is characterized by the editing of images, accompanied by a voiceover that strengthens the image or gives it meaning. The narrator’s words don’t come from a deep analysis or reflection. Vertov would say “from the editing of visible incidents to editing acoustic and visible incidents, human thought will be reached. Those are Marker’s films, films about human thought.

El film ensayo reflexiona la imagen y la palabra, ampliando la

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mirada y descifrando el propio discurso de las imágenes. La genialidad de Marker, a parte de su toque irónico, es su poética.

No hay palabra ni imagen vacía, no hay momento de pérdida en su laberinto, establece diferentes caminos que todos tienen un punto de llegada.

Film essays reflect images and words, amplifying glances and deciphering the very discourse of the images. Marker’s genius, besides his touch of irony, is his poetic way. There are no empty words or images, no moment of loss in his labyrinth, he establishes different paths with a point of arrival.

“Le tambeau d’Alexander” (1992) y “Une journée d’Andréi Arsénevich” (2000), la primera sobre el cineasta ruso Alexander Medvedkin y la segunda sobre Andrei Tarkovsky, en ambos van más allá de un retrato de los cineastas, analiza y relaciona aspectos de su obra, su vida y, de la manera más sutil y elegante, la historia y la política del país de los cineastas. Son imprescindibles para entender el cine realizado por los dos cineastas rusos.

Le tambeau d’Alexander” (1992) and “Une journée d’Andréi Arsénevich” (2000), the first about Russian filmmaker Alexander Medvedkin and the second about Andrei Tarkovsky, both going beyond portraying the filmmakers, it analyzes and relates their works’ aspects, their lives, and in the most subtle and elegant way, the story and politics of the filmmakers’ nation. They’re indispensable in order to understand the type of work directed by the two Russian filmmakers.

“Sans Soleil” (1983) y “Lettre de Sibérie” (1957). En palabras de André Bazin “un punto de vista documentado, un ensayo documentado por el film. La palabra que importa aquí es ‘ensayo’, entendida en el mismo sentido que en literatura: un ensayo a la vez histórico y político, aunque escrito por un poeta”. “Sans Soleil” se sitúa un viaje entre lugares diferentes: Japón, Islandia, Guinea Bissau y Cabo Verde, donde la voz en off de una mujer nos comenta las culturas, transmitiéndonos lo inestable que es en esos lugares. “Lettre de Sibérie” es un viaje por Siberia del autor, de forma totalmente libre, reflexionando sobre la naturaleza, el pasado y el presente de ese lugar.

“Sans Soleil” (1983) and “Lettre de Sibérie” (1957). In the words of André Bazin, “a documented point of view, an essay documented by the film. The important word here is ‘essay,’ understood in the same context as in literature: an essay both historical and political, although written by a poet.” “Sans Soleil” takes place on a trip between different places: Japan, Iceland, Guinea-Bissau and Cape Verde, where the voiceover of a woman tells us about the cultures, transmitting how unstable these places are. “Lettre de Sibérie” is the director’s trip through Siberia, in a completely free form, where he reflects about nature, the past and present of the place.

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En “Chats perchés” (2004), con un tono totalmente irónico y fabuloso, ya que parte de la búsqueda de los diferentes gatos que se hallan pintados en fachadas de París y queriendo descubrir qué colectivo gatuno hay detrás, muestra qué sucede en las calles de la ciudad en ese momento, un momento lleno de revueltas, manifestaciones e inestabilidad política. Todo el recorrido marcado por la trayectoria de un gato sonriente.

In “Chats perchés” (2004), with a completely ironic and fabulous tone, due to the search of the different cats that are found painted on the Parisian facades and wanting to discover what cat collective is behind it all, he shows what takes place on the city streets during his search, moments full of riots, protests and political instability. The entire thing marked by the trajectory of a smiling cat.

La gran mayoría de las películas están construidas como si fuera la construcción de la memoria, algo interno, en la que los pensamientos fluyen. Alain Bergala señala que el film ensayo, o el ensayo, “surge cuando alguien ensaya pensar”.

The majority of his films are constructed as if they were the creation of memory, something internal where thoughts flow.

Alain Bergala points out that Film Essays, or Essays, “come about when someone practices thought.”

Pero, la película más conocida de Chris Marker, no es un film ensayo curiosamente, se trata de una película de 26 minutos, de ciencia ficción, creada a partir de fotografías (se podría decir que es como una fotonovela), La jetée (1962). Un relato en la que un hombre está obsesionado por la imagen de una mujer, en el que, tras una guerra nuclear, unos “científicos” investigan el poder viajar al pasado y al futuro a través de la mente, para salvar a la humanidad.

However, Marker’s most famous film curiously isn’t an essay, but a 26-minute science fiction film, created using photographs (it could be referred to as a photo novel). La jetée (1962). A story where a man is obsessed with an image of a woman, where, after a nuclear war, “scientists” research the ability of time travel using the mind, in order to save humanity.

Con más de cincuenta películas, nos dejó un gran material para pensar, visualizar y volver a visualizar. En el que en ocasiones, nos resultará extraño y otras nos enamorará, pero en todas no se podrá negar la inteligencia y el talento del cineasta. Gracias Chris Marker.

With more than fifty films, he left us a great resource to think, visualize and visualize again. On occasion, we will find it strange and other times we’ll fall in love with it, but the intelligence and talent of this filmmaker is undeniable. Thank you, Chris Marker.

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Por// By: Karla D. Romero Estoy aterrorizada de las pinturas de Anthony Cudahy. Sus últimas pinturas tienen rostos de sujetos con muy poco o casi nada de detalle en sus ojos, expresiones muy claras y rostros planos. El mero hecho de que tanto se refleje de ese inmenso vacío (concretamente de sus caras) es lo que aterra. Y, sin embargo, es también lo que hace que Cudahy sea uno de mis artistas contemporáneos favoritos en Estados Unidos y la razón por la cual aparece en la portada de este número.

I am terrified of Anthony Cudahy’s paintings. His latest paintings feature subjects’ faces with little to no detail in the eyes, just very clear expressions on very plainly painted faces. The mere fact that so much comes off of such emptiness (specifically in the faces) is what terrifies me. And yet, it is also what has made Cudahy one of my favorite contemporary artists in the U.S. and why he is featured on the cover of this issue.

Disfruta de su obra. Pero recuerda, no te quedes mirándolo fijamente.

Enjoy his work. But remember, don’t stare too closely. http://www.anthonycudahy.com/ http://anthonycudahy.tumblr.com/ http://www.flickr.com/photos/anthonycudahy/

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Por// By: Karla D. Romero El arte es, literalmente, todo. Estamos rodeados de él vayamos a donde vayamos. Si un me grabara mientras escribo, con una cámara Sony VHS de 1985 y lo proyectara en una galería, sin editar, sería arte. Nuestra presencia, la existencia es arte.

Velázquez pintó a la realeza española de la forma más simple y pura. No eran sus sujetos o métodos los que lo hacían arte, sino lo que el espectador percibía. Recuerdo que mi tío me decía, cuando tenía 6 años: “El está en sus pinturas”, mientras mirábamos a su enorme copia de “Las Meninas”. Como muchos otros, sentí un gran sentimiento de la genialidad artística.

Art is literally everything. We are surrounded by it everywhere we go. If a man stood next to me as I typed this, with a 1985 VHS Sony camcorder and projected it in a gallery, without a single edit, it would be art. Our very presence, existence is a form of art. Velazquez painted Spain’s royalty with the simplest and purest form. It was not his subjects or methods that made it art, but what the spectator perceived. “He is in his own painting,” I remember my uncle telling me when I was 6 years old, as we glanced at his enormous painted copy of “Las Meninas.” Like many others, I felt a great sense of understanding of artistic geniality.

Han pasado 358 años desde que Velázquez pintó Las Meninas y afortunadamente para el espectador, todavía nos quedan momentos en los que nos cruzamos con genios del arte contemporáneo. La manera en la que di con el trabajo de Miguel Leal fue simple: Tumblr. La manera en la que me sentí fue complicado: desesperación, despertar conflictivo, y por último, un entendimiento de que la obra que tenía delante era pura genialidad.

It has been 358 years since Velazquez painted Las Meninas and thankfully for us spectators, we still have moments where we

cross contemporary artistic genius. The way I stumbled upon Miguel Leal’s work was simple: browsing Tumblr. The way I felt was complicated: despair, conflicting arousal and finally, an understanding that the work before me was genius.

Miguel Leal es un artista de Sevilla, España. Su obra no refleja necesariamente su origen, a no ser que lo descompongas a un nivel insignificante, donde el color reflejado en sus retratos pueden ser el resultado de un lugar comúnmente conocido por tener “un color especial”.

Miguel Leal is an artist from Seville, Spain. His work does not necessarily reflect his origin, unless you break it down to an insignificant level, where the color reflected in his portraits could be a result of being from a place commonly referred to as having a “special color.”

El trabajo de Leal es brillante e inolvidable. Es esta combinación de emociones y reflexiones que hace que sea un genio. Ahora solo puedo pensar: ¿qué considerarán arte las personas dentro de 358 años? Y para entonces, ¿qué pensarán del trabajo de Miguel Leal? Aunque no lo vayamos a saber, ahora podemos observarla y estudiarla e imaginar que algún día será alabada.

Leal’s work is vivid and haunting, lucid yet surreal. It is this combination of emotions and reflections that makes it genius.

Now I can only think about this: What will people consider art in 358 years? And by then, what will people say about Miguel Leal’s work? Although we will not know, we can observe and study it now and envision that one day it will be praised.

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Por // By: Karla D. Romero Pommelien Koolen no es la típica joven de 18 años. Su obra fotografica fue elegida por Marco Merten en 2011 donde expuso en el museo M-museum en Leuven. Al año siguiente recibió el tercer y segundo premio en un concurso de jóvenes fotógrafos, lo que le llevó a otra exposición, esta ver en el renombrado museo S.M.A.K, en Gante, donde fue la fotógrafa más joven en exhibir su trabajo.

Pommelien Koolen is not a typical 18-year-old. Her photographic work was selected by Marco Merten in 2011 and exhibited at the M-museum in Leuven. The following two years she received third and second place in a youth photo competition, which landed her another exhibition, this time at the renowned S.M.A.K. museum in Ghent, where she was the youngest photographer to ever exhibit their work.

En otras palabras: “Cuando algo atrapa mi ojo, disparo. Me encanta llevar mi cámara a sitios a los que la gente normalmente no la llevaría. Intento captar los pequeños y delicados detalles del día a día. Creo que no siempre hace falta ir muy lejos para captar esos momentos. Los puedes encontrar en tu alrededor.

In her own words: “When something catches my eye, I shoot it. I love bringing my camera with me in situations people normally wouldn’t bring a camera. I try to notice the little, delicate details in everyday life. I think you don’t always have to go far to catch those details. You can find them in your own environment.

Me encanta sacar fotos de personas que hacen como que la cámara no está ahí. Intento captar la espontaneidad de las personas en sus movimientos, como cuando se tocan el pelo. También me fascina las manos de las personas. Las manos son preciosas de fotografiar.

I love taking pictures of people that can pretend the camera isn’t there. I try to catch the spontaneity of people in their movements, like touching their hair. I’m also very fascinated by people’s hands. Hands are so beautiful to photograph.

Espero poder seguir evolucionando y seguir con la fotografía.

Imagino que todo el mundo tiene una fase en la que sacas fotos de tus pies, pero tienes la sensación de que esa fase no me ha ocurrido.

Sin una cámara, me siento vacía.”

I hope that I can evolve and continue with photography. I guess everyone goes through a phase where you take pictures of your feet, but I always had the feeling that this phase never passed me by. Without a camera, I feel empty.”

Puedes ver seguir todos sus trabajos en estos links: You can catch up on all of her latest news and work via the following links: https://www.flickr.com/people/pommelien/ http://pommelienkoolen.tumblr.com/

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INGREDIENTES // INGREDIENTS • 1Kg de papas negras (o cualquier papa pequeña) / 1 Kg of black potatoes (or any other small potatoes) • 2 puñados de sal gruesa / 2 tablespoons of thick salt • 3 dientes de ajo / 3 cloves of garlic • Un ramo de perejil / 4 parsley leaves • Un ramo de cilantro / 1 bunch of cilantro • 3 Pimienta palmera o ñoras / 3 california peppers • 1 pimiento rojo / 1 red pepper • 1 pimiento verde / 1 green pepper • Comino / Cumin • Sal / Salt • Aceite / Oil

Por// By: Belma H-F León Fotos // Photos: Belma H-F León Ilustración // Illustration: Irene A. Canalís Traducción // Translation: Lara D. Romero Si hay un plato típico por antonomasia en Canarias son las papas arrugadas con mojo.

Se pueden hacer con casi cualquier papa de tamaño pequeño-mediano, pero la mejor sin duda es la papa negra. Es pequeña con piel negra, una vez guisada, la abres y tiene un color amarillo intenso y lo mejor es cuando te la comes, es esponjosa y toda esa sal con la que se ha hecho le da un sabor increíble.

The most tipical dish in Canarias is wrinkled potatoes with sauce. It can be done using any small-medium sized potatoes, but the best is, without a doubt, the black potatoe. It’s small in size, with black skin, and once it is cooked and peeled, a bright yellow interior is revealed. The best part is its fluffy texture and the flavor it produces once it’s absorbed the salt with which it’s made.

Claro está que hay que acompañarlas de una buena salsa, el mojo rojo (o mojo picón) y el mojo verde son perfectas.

Clearly, it must be combined with a delicious sauce. The red sauce (or spicy sauce) and green sauce are perfect for this.

La experiencia de hacer un plato típico de tu tierra a 10.000 km de distancia es muy interesante, sobre todo al ir al supermercado y ver si consigues los ingredientes.

Being able to find the right ingredients when making your home land’s most tipical dish more than 10,000 km away, is what makes this experience so interesting.

Espero que se atrevan a hacerlas porque de verdad que no defraudan :) I promise if you try this recipe, you won’t regret it :) Aviso: Las papas se pueden comer con piel o sin piel, eso va al gusto de cada uno. Y si les sobran algunas, prueben a comérsela fría…¡rica, rica!

Note: The potatoes can be eaten with or without the skin, depending on how you like them. And if you happen to have some left over, try eating one raw… yum, yum!

2 Añadimos los dos puñados grandes de sal gruesa. Dejamos guisar durante unos 15 minutos. (La papa negra se hace bastante rápido. Lo mejor es ir pinchándola y ver como está) // Add 2 tablespoons of salt and let them boil for 15 minutes (black potatoes cook pretty quickly; you can poke them to see if they’re ready)

1 Lavamos las papas y las colocamos en un caldero. El agua no debe llegar a ras de las papas // Rinse the potatoes and place them in a pot of water to boil. Make sure the water does not cover the potatoes completely.

3 Mientras se hacen las papas, haremos los mojos. Primero, en un vaso de plástico colocamos: 2 dientes de ajo, 4 ramas de perejil y otras cuatro de cilantro, medio pimiento verde, un pizca de comino y sal. // We can start making the sauce while the potatoes boil. Place 2 garlic cloves, 4 parsley leaves and 4 cilantro leaves in a plastic cup, along with half of a green pepper and a dash of cumin and salt.

8 En un vaso ponemos: las pimientas, el pimiento rojo ya pelado, dos dientes de ajo, un poco de comino y sal // Place the pimientas in a cup along with a peeled red pepper, 2 garlic cloves, and a dash of salt and cumin.

5 Hacemos lo mismo para el mojo rojo.

Primero pondremos el pimiento rojo en el microondas durante unos minutos. // Heat up 1 red pepper in the microwave for a couple of minutes and repeat steps 3-4 for the red sauce.

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En un caldero ponemos a guisar las

pimientas, hasta que estén blandas // Boil the peppers in a pot of water, until they are soft.

9 Hacemos lo mismo que con el mojo verde.

7 Cuando el pimiento esté hecho, le quitamos la piel y lo metemos en el vaso. // Once the pepper is soft, remove the skin and place in the cup.

Ponemos un poco de aceite y vamos batiendo y añadiendo aceite hasta que tengamos la salsa. // Repeat this for the green sauce. Blend the ingredients, adding a little bit of oil at a time until reaching the consistency of a sauce.

4 Añadimos un poco de aceite y batimos con la licuadora. Y vamos añadiendo aceite al gusto, hasta obtener una salsa consistente.

Comprobamos que tal de sal, por si hay que ponerle un poco más. // Blend the ingredients adding a little bit of oil at a time until the sauce obtains a thick consistency. Try the sauce to make sure it has enough salt and add more if it’s too bland.

10 Retiramos las papas del fuego, le quitamos el agua y en el mismo caldero, las ponemos al fuego de nuevo durante un poco para que se sequen y la sal se pegue bien a la piel. // Remove the potatoes from the heat and drain out the water. Place the potatoes back into the pot and put them back on the burner until they are dry and all the salt has been absorbed by the skin.

INGREDIENTES // INGREDIENTS • 4 yogures griegos / 4 Greek yogurts • 1 lata de leche condensada / 1 can of condensed milk • 4 limones / 4 lemons

Por// By: Belma H-F León Fotos // Photos: Belma H-F León Ilustración // Illustration: Irene A. Canalís Traducción // Translation: Lara D. Romero

La primera vez que probé esta crema tendría 14 años, en un restaurante de carne a la brasa en el sur de Tenerife. No se si es que habíamos estado casi 3 horas al sol y llegamos a comer ansiosos de algo fresco o aquella crema de limón estaba de vicio. Al cabo de las semanas volvimos a ir, y ahí ya mi madre tuvo que preguntarles cual era la receta…

I must have been 14 the first time I tried this cream at a barbecue restaurant in the south of Tenerife. I don’t know if our desire for something refreshing after having been in the sun for almost 3 hours had something to do with its success, or if the lemon cream just happened to be that delicious. We went back a few weeks later, and at that point my mom had to ask for the recipe…

Y hasta aquí, se ha convertido uno de los postres más reclamados en mi familia. Mi madre llegó a experimentar a hacer dobles postres.

Poniendo primero una capa del mousse de chocolate (del issue anterior) y una vez frío, poner la crema de limón encima. La mezcla del chocolate negro con el limón es…LO MEJOR. To this day, it has become one of the most requested desserts in my family. My mother eventually began to experiment and created double desserts. She would start with a layer of chocolate mousse (from our last issue) and let it cool in the fridge before topping it off with the lemon cream. The combination of dark chocolate and lemon is… THE BEST.

3 Batimos los cuatro yogures hasta que obtengamos una textura cremosa // Whip all 4 yogurts together until it obtains a creamy texture

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Rallamos uno de los limones y reservamos

para luego // Grate 1 lemon and set aside

2 2.Hacemos el jugo de limón // Squeeze the lemon juice

6 Añadimos la ralladura de limón a la crema // Add the grated lemon to the cream mix

7 Ponemos la crema en la nevera y la dejamos enfriar durante 3 horas // Place the cream in the fridge and let it cool for 3 hours

4 Añadimos el jugo de limón y seguimos batiendo // Add the lemon juice and continue to whip

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5 Ahora, iremos añadiendo la leche condensada poco a poco, hasta tener el nivel de dulzor que queramos // Slowly add the condensed milk until obtaining the desired sweetness

¡Qué aprovechen! // Enjoy!

“TU, YO, JOE SCHMO, Y CUALQUIERA QUE HAYA SIDO EXPUESTO A MICHELANGELO”: UNA CONVERSACIÓN CON ESTEBAN DEL VALLE Y JACOB SUNDERLIN “ME, YOU, JOE SCHMO, AND ANYONE WHO HAS BEEN EXPOSED TO MICHELANGELO”: A CONVERSATION WITH ESTEBAN DEL VALLE AND JACOB SUNDERLIN Parte III - Part III Traducción // Translation: Iñigo Martínez

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Esteban y yo intentamos quedar para hablar de Einstein y Hank Williams, pero llegamos al Squealing Pig un bar genial en Provincetown, MA, donde hacemos una residencia en el Fine Arts Work Centre - pero nos encontramos a un grupo de residentes y terminamos tomándonos algo (Esteban prefiere la ginebra, yo la cerveza), comiendo unas hamburguesas y hablándoles del Apocalipsis. Caminar hacia el bar en temporada baja en Provincetown se parece a estar caminando hacia el bar en el fin del mundo. En el buen sentido - las calles están desiertas, una neblina se acerca desde los muelles pesqueros. Terminamos en casa de Esteban tomando unas cervezas y hablando hasta altas horas acerca del trabajo, hormigas, los rincones oscuros de Internet, padres, y la naturaleza de la existencia entre otras cosas incluidas aquí abajo. En resumen, una noche muy normal en el Fine Arts Work Centre.

Esteban and I tried to get together to talk about Einstein and Hank Williams, but we got to the Squealing Pig—a great bar in Provincetown, MA, where we’re in residence at the Fine Arts Work Center—but we ran into a bunch of other FAWCers and ending up having a bunch of drinks (Esteban likes gin, I like beer) eating burgers and talking to them about the apocalypse. Walking to the bar in Provincetown during the offseason kind of feels like you’re walking to the bar at the end of the world. In a good way—the streets are deserted, a fog rolls off the fishing piers. We ended up back at Esteban’s place to have a couple of nightcap beers and talk until the wee hours about our work, ants, the dark corners of the Internet, fathers, and the nature of existence among other things included here below. In all, a pretty normal night at the Fine Arts Work center.

--Jacob Sunderlin

JS: Me encantó que dijeras que tu audiencia es la historia, en lugar de cualquier grupo definido de personas. Es una idea abstracta. Tu trabajo está de alguna manera dialogando con... bueno, es al mismo tiempo una idea enorme y muy pequeña. Tu audiencia es todo aquello que sucederá y lo que ya ha sucedido.

También la concepción del tiempo como la forma en la que nos relacionamos con las cosas. En lugar de decir: “Escribo poesía para gente de clase trabajadora” o “Escribo poesía para gays”.

Eso sería una carga enorme para cualquier artista que se viera forzado a satisfacer las expectativas de alguien.

JS: I loved that you said your audience is history, instead of any non-abstract group of humans. It’s an abstract idea. Your work is somehow in conversation with—well, it’s a huge idea and really small at the same time. Your audience is everything that has happened and everything that will happen, and also this particular conception of time in the way that we relate to things, instead of saying, “I write poetry for working glass people” or “I write poetry for gay people,” which would be a real burden for any kind of artist who felt like they had to fulfill the expectations of anyone, as well as this kind of unknowable thing that they feel as an artist. Because ultimately it has to do with addressing it in that way.

EDV: Pero lo que también creo que cuando digo que mi audiencia es la historia, la idea surge de algo muy concreto para mi. El trabajo que estoy haciendo es el producto de la investigación que he llevado a cabo movido por un interés personal. Un interés tan personal , que al mismo tiempo

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que trato con problemas que considero contemporáneos o relevantes...son más bien...bueno... no voy a llevarme el mérito de cada decisión que tomo, estoy seguro de que algunas con accidentales, pero soy obsesivo con todas las decisiones que hago a lo largo del proceso. De modo que lo que hay en la esquina (de la pintura), tiene algún significado para mi, así como lo que hay en la parte superior derecha tiene algún significado filosófico para mi. Pero nunca he sido tan iluso como para pensar que alguien debería ser capaz de comprender esto fuera del concepto de perspectiva histórica. Me doy cuenta de que estoy haciendo trabajo para un pasado que ya tiene conocimiento de lo que es, así como el hecho de que ya haya sido registrado, y quizás para que otros hagan algún esfuerzo de investigarlo en el futuro y observen la correlación entre eso y su estado actual y cómo se refleja en el presente.

EDV: But, also I think that when I say my audience is history, it comes out of a very concrete reality to me, which is that the work I’m making is a product of the research and investigation that I’ve been doing on a specific interest of my own. It’s such a specific interest, that while I’m dealing with themes I would deem contemporary or relevant, they’re so…well, I’m not going to take credit for every decision I ever make, I’m sure there are accidents in them, but I’m obsessive about the decisions I make along the way. So, the thing in the corner has some historical significance to me, the thing in the upper-right has some philosophical significance to me. But, I’ve never create a delusion that someone should be able to understand this outside of this notion of historical perspective. I realize that I’m

making work for this past, that has knowledge of what it is, as well as the fact that it’s been already recorded, and maybe that others will give some effort to investigating it in the future and seeing the correlation between that and its current state and how it reflected in the present.

Lo que sé seguro es que no le importa a nadie en la actualidad.

Y a mi me parece bien, imagino. Me parece perfectamente bien. Creo que eso se debe a que a mi solo me interesa lo que sucede ahora mismo por cómo se relaciona con el pasado y con el futuro. Yo deseo ser un artista que reflexione solamente sobre un estado presente. Yo siempre quise ser un Bukowski, un Kerouac, viviendo en el momento como un neoromántico.

No como los románticos ingleses, sino como los americanos.

Ya sabes que siempre quise ser ese destino manifiesto de la era contemporánea, posterior a la revolución industrial, Yo soy americano viviendo en un estado americano. Pinero - no sé si conoces su trabajo - e incluido el jazz - yo quiero ser ese artista.

Quiero ser innovador ahora. Habiendo asimilado la historia y haciendo historia ahora. Simplemente no creo que nunca llegue a serlo. Lo que me encanta hacer es reflexionar sobre eso, especular sobre eso, pero no tengo un deseo de hacer nuevo lo que ya he asimilado.

What I know for sure is that nobody right now cares. And that’s fine with me, I guess. That’s completely fine with me. I think that comes from the fact that I only care about what’s going on right now because of how it relates to the past and the future.

I long to be an artist that reflects solely on present condition. I always wanted to be a Bukowski, a Kerouac, living in a moment in the neo-romantic way. Not the English romantics, but the American romantics. You know I always wanted to be that manifest-destiny, contemporary era, post industrial revolution, I-am-American living in the American condition. Pinero—I don’t know if you know his work—and even jazz—I want to be that artist. I want to be an innovator now, who digested history and made history now. I just don’t think I ever will be. The thing I love to do is reflect on that, and speculate on that, but I don’t have a desire to make new what I digested.

JS: Yo me pregunto...algunas veces siento como si tuviera una especie de responsabilidad con la experiencia. Por ejemplo, acabamos de hablar de cómo estuve viendo un número vergonzoso de horas de video de YouTube de gente haciendo pollo frito, y de alguna forma, pienso; coño, eso fue jodidamente estúpido. Menuda pérdida de tiempo. Pero también pienso, reflexionando: “Qué experiencia más perfecta del siglo XXI”.

[Carcajadas] No hay nada más legítimo, más arquetípico y más único que ponerse en plan, “Que le den, voy a verlo...”

JS: I wonder if—for me sometimes, I feel like I have some kind of responsibility to experience. Like, we just talked about how I watched an embarrassing number of hours of videos on YouTube of people making fried chicken, and on some level, I’m like—God, that was fucking stupid. That was such a waste of time. But, also on some level, reflecting, I think: “What a perfect 21st Century experience.” [Laughter] There is nothing more legitimate and archetypal and unique than being like, “Fuck it, I’m gonna watch—“ EDV: ¡Y después comer arroz! [Risas]

EDV: And then eat rice! [Laughs] JS: [Risas] ¡Si! Y después no hacer caso a todos los consejos prácticos que acabo de asimilar sobre el pollo frito, quedarme con la experiencia y no hacer nada más con ello. Porque estaba ahí para mi. Es casi como un impulso científico. Tengo que reconocerlo. Pero eso también es complejo, me siento turbado de algún modo con la idea de que ese impulso es una especie de impulso colonial.

JS: [Laughs] Yeah! And then not use any of the practical advice that I just absorbed about fried chicken, but just experience it and do nothing else with it. Because it was available. It’s almost like a documentary impulse. I have to recognize it. But that’s complicated too, I feel complicated in some ways by this idea of that being a kind of colonial impulse.

EDV: ¿Cómo una conquista de conocimiento?

EDV: Like conquering knowledge?

JS: Sí. Como un momento de genialidad accidental que necesita a un macho blanco que le de legitimidad. ¿Sabes lo que quiero decir? En plan [acento inglés] “Gracias a Dios que YO estaba allí para dar fe de ese momento de genialidad”.

JS: Yeah. That this was an accidental point of genius that needs a white male to give it legitimacy. You know what I mean?

Like, [English accent] “Thank God I was there to recognize that moment of brilliance.”

EDV: [Risas] EDV: [Laughs] JS: “Si no hubiera pasado desapercibido por la historia”.

JS: “Otherwise it would have gone unnoticed by history.”

EDV: [Risas] ¡Qué genial es que estemos hablando de vídeos de pollo frito!

EDV: [Laughs] How amazing that it is videos of fried chicken!

JS: [Carcajadas] ¡Está genial! Mira otra cosa que me encanta.

Hay unos videos que se llaman “Club de 40 onzas.” Bueno, la mayoría de los videos de YouTube duran diez minutos. Se corta cuando lo subes, creo – puedes grabar algunos más largos, pero tienes que hacer una segunda parte. Bueno, el contrato social de este club es que tienes que comprar una botella de cerveza de 40 onzas y grabarse a si mismo mientras te la bebes durante esos diez minutos y ya está.

JS: [Laughter] It’s really great! Here’s the other thing I love.

There are all these videos called the “40 Oz. Club.” So, the standard YouTube video is ten minutes long. It cuts it off when you try to upload it, I think—you can record longer ones, but then you have to make a Part 2. So, the social contract of this club is you buy a 40 oz. bottle of malt liquor and film yourself drinking it in the duration of that ten minute video, and that’s

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it.

EDV: Joder.

EDV: Wow. JS: Así que, tu, un ser humano del siglo 21, entras a tu cuenta de YouTube y le das a grabar y empiezas a beberte las 40 onzas, y lo que pase durante esos 10 minutos es – es eso. Algunos de esos videos son de lo más conmovedor y fascinante que he visto en toda mi vida.

JS: So, you, a 21st century human, log in to your YouTube account and hit record and start drinking your 40, and whatever happens in the next ten minutes is—that’s it. Some of them are the most moving, fascinating ten-minute things that I’ve ever seen in my life.

EDV: ¿Cómo que?

EDV: Like, what?

JS: Pues, para empezar – imagina el tipo de persona que haría eso.

JS: Well, first—imagine the kind of person who would do that.

EDV: [Risas] Vale.

Uno que he visto hace poco, el tío abre la cerveza, y los primeros cinco minutos son sólo el, un tío en Massachusetts, en plan, [acento de Boston] “Colt 45 está de puta madre. Me encanta Colt 45”. [Risas] One that I saw just recently, the guy pops his 40, and the first five minutes are just him, this guy in Massachusetts, like, [Boston accent] “Colt 45 is fuckin’ delicious. I fuckin’ love Colt 45.” [Laughter] Esos son los primeros cinco minutos. Y de repente, cambia todo y el tío dice, “Sabes – hoy es el 11 de septiembre”. El video lo subió el 11 de septiembre del 2011, creo, el décimo aniversario, y dice que lleva todo el día escuchando cosas sobre el tema.

Después cuenta una historia súper rara, donde cuenta que tenía una ganas inexplicables de ir al edificio más alto de Boston unas semanas después del 11 de septiembre, para ver como era, y sólo verso, y porque nunca había estado. Y dice esto, y sigue bebiéndose su Colt 45. En plan, “Colt 45 está de puta madre”. Y eso es todo, literalmente.

EDV: Como, estudiantes de primer año de carrera.

EDV: Like, freshman year college students.

That’s the first five minutes. Then, suddenly it turns and he’s like, “You know—today is September 11.” The video, was, I think uploaded on September 11, 2011, which was the ten-year anniversary, which he says he’s been hearing about all day.

Then he tells this totally bizarre story, about how he had this unexplainable desire to visit the tallest building in Boston in the weeks after September 11, just to see what it was like, and just see it, because he’d never been there before. And he just says this, and goes about the business of drinking his Colt 45. Like, “Colt 45 is fuckin’ delicious.” And that was it, that’s literally it.

JS: Tíos, o —

EDV: En realidad es increíble.

JS: Dudes, or—

EDV: That’s kind of amazing.

EDV: Si, en definitiva, tíos.

JS: Me alegro tanto de haber visto eso. Un tio admitió algo genial y rarísimo en el contexto de un monton de cosas super aburridas: “Espero que me llame el contratista mañana para que me den este puto trabajo porque estoy en el paro”. ¿Sabes?

Me hizo sentir super bien que – no se – que cualquiera pueda acceder a esa rareza.

EDV: [Laughs] Ok. JS: ¿En quien estas pensando?

JS: Who are you thinking of?

EDV: Oh yeah, definitely dudes.

JS: Es ese tío de primero de carrera, mas diez o quince años.

Tienen veinte y pico y la mayoría está sin trabajo por lo que sea.

JS: It’s that freshman dude, plus ten or fifteen years. They’re in their late twenties, and they’re largely laid off or unemployed for whatever reason.

JS: Ah, joder.

EDV: Oh wow.

JS: Y están aburridos y encuentran esto porque están haciendo el gilipollas en internet durante doce horas, y piensan, “Eso es la hostia, me gusta beber 40 onzas de cerveza. Mola”. [Risas] “Podria hacer un video de esos”.

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JS: And, they’re bored and somehow they found this thing because they’re dicking around on the Internet for twelve hours a day, and they’re just like, “Oh that’s fuckin’ cool, I like to drink forties. That’s cool.” [Laughter] “I could do a video like that.”

JS: I’m so glad that I saw that. That was a brilliant, bizarre thing that this guy just admitted in the context of a bunch of boring stuff: “I hope this contractor calls me back tomorrow so I can get this fucking job because I’m unemployed.” You know? It just made me feel so good, that—I don’t know—that anyone can tap into that weirdness.

EDV: Totalmente. Creo que tenias razón al localizar esa idea que “O, se necesita a un tio blanco que es un genio para localizar el… lo que sea”, porque la mayoría del arte que es decente, o increíble, en realidad es el hecho de localizar una experiencia corriente. ¿Sabes? Eso es todo. Podrías convertir su historia y

crear una historia que inspira a otra gente, pero no era tuyo, simplemente cogiste a este tío bebiendo una puta cerveza de 40 onzas y lo convertiste en oro.

EDV: Completely. I think you were right to locate yourself in that notion of “Oh, it takes the white male genius to locate the…whatever,” because most art that’s decent, if not great, is actually just a locating of the ordinary experience. You know?

That’s it. You could potentially take that story of his and make it into a story that inspires other people, but it wasn’t your shit, you just took this dude drinking a fucking 40 and turned it into gold.

JS: [Risas] ¡Y fue un accidente por su parte! Fue eel que lo vivio, pero no para de decir, “Dios, este video es aburrido”, y yo estoy chillando hacia la pantalla en plan, “No, ¡está genial!”

JS: [Laughter] And it was an accident on his part! He was the one who experienced it, but he keeps saying, “God, this video’s boring,” and I’m the one screaming at my computer, “No it’s not, it’s great!”

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