Catalogo General FIT 2011 by Humberto Jurado

Ministerio de Cultura RepĂşblica de Colombia

CONTENIDO Festival 2011 5 Imágen Gráfica Festival 2011 8 Hola Asia 12 Espectáculos de Sala Internacionales 28 Espectáculos de Sala Colombia 50 Espectáculos de Calle Internacionales 63 Espectáculos de Calle Colombia 81 Espacios No Convencionales 94 Plataforma de Diálogos 98 Secuela de Teatro 103

Edición Wilson Escobar Ramírez Diseño y Diagramación Humberto Jurado DV Fotografías Compañías invitadas, archivos FIT Impresión Fusión Comunicación Gráfica

Créditos 106

Manizales, Septiembre 2011

FESTIVAL 2011

La XXXIII Edición del Festival de Teatro de Manizales, mantiene su premisa de relación con el teatro latinoamericano como prioridad, ese que en la última década da cuenta del “estado del mundo” tanto con los contenidos que llenan la escena como con las poéticas que propone. Las nuevas poéticas teatrales y los jóvenes creadores escénicos de nuestras América, transparentan las variaciones de la sensibilidad social que responden a las nuevas condiciones de vida, así como, en muchos casos y de muy diversa manera, a las ideas predominantes desde el discurso de la postmodernidad que anunciaba la muerte del teatro político, a partir de la muerte de las utopías, o del fin de la historia, relativizando el lenguaje y desvalorizando el enfoque de lo político. Nuestra percepción del teatro latinoamericano de hoy, implica un espacio de reflexión que expresa la no aceptación del presente y la creencia en la posibilidad de alternativas, de reintegrar los vínculos y las redes sociales, puede ser también un modo de intentar reestablecer la traducción de las preocupaciones individuales en planteos sociales colectivos, el teatro como producto social y cultural solamente alcanza su total significación si se dimensiona su carácter de producto cultural y como tal, su capacidad de revelar nuevos imaginarios sociales y colectivos, nuevos modos de percibir el mundo contemporáneo. Las crisis recientes, las nuevas revueltas y resistencias nos indican que probablemente durante un tiempo las sorpresas no vendrán de la política, sino de las sociedades en red y de los movimientos culturales que convergen en torno a proyectos de comunidad por una vida digna, justa y equitativa.

En este punto, es importante consignar que la cultura está inserta en un escenario de enormes amenazas a la paz mundial, de nuevos desastres nucleares, de crisis económicas, de prepotencias de poderes, pero también, de nuevos movimientos democráticos, como las que hemos presenciado desde Egipto a Túnez, desde Atenas a Madrid y desde los estudiantes chilenos a los indignados en Madrid. Si bien se trata de lugares distantes y disímiles, en todos ellos observamos la capacidad de los seres humanos para urdir verdades compartidas, que operan como poder constituyente de muchos , que recuperan la vida desde las inteligencias compartidas y la construcción de esperanzas. Es en este tipo de procesos donde radica la potencia de la cultura, en la capacidad de re-inventar las formas en que vivimos juntos; claramente eso se refleja en la creación y sus nuevos paradigmas estéticos que se presentan en esta edición del Festival. Nos honramos también de tener con nosotros en esta edición del Festival la presencia de Asia como continente invitado, en un diálogo que nos trae a la memoria

la novela de Pearl S Buck, “Viento del este, viento del oeste” en ese encuentro de las civilizaciones oriental y occidental que preludiaba lo que hoy, en clave de los diálogos interculturales, nos permite identificar como las múltiples influencias que unos y otros ejercen sobre la escena mundial que se han convertido en referentes estéticos ligados a la innovación que se fundamenta en la memoria de las formas milenarias. Seki Sano es prueba de este diálogo desde otra vertiente. Nacido en Japón trabajó en México y Colombia, su visión del teatro occidental construida a partir de las puestas en escena de los dramaturgos norteamericanos y europeos de su época derivó en abrir caminos para lo que en Colombia se denominaba el “nuevo teatro” y la escuela nacional de arte dramático; en México la renovación de la escena de los años 50 tiene claramente la impronta del maestro oriental, y es una fuente permanente de inspiración para muchos, incluso nosotros al querer construir este espacio de encuentro no podemos dejar de reverenciarlo. Por eso en este siglo, en este mundo de múltiples interdependencias proponemos este diálogo a través de “Hola Asia”, un saludo que se repite como el eco de las voces que nos convocan en los tiempos que corren, hacia un mundo en que la cultura y las artes sepan construir esperanzas y utopías. Octavio Arbeláez Tobón Director Festival de Teatro de Manizales

IMAGEN GRﾃ：ICA FESTIVAL 2011

La pose sofisticada de un gato y dos rostros asiรกticos dibujados en el aire, son las dos imรกgenes que identifican el 33 Festival Internacional de Teatro de Manizales. La imagen grรกfica fue creada por Sancho Publicidad BBDO, agencia colombiana de gran prestigio internacional.

Hola Asia

Baramgot Concert Korean Music Ensemble Baramgot COREA DEL SUR

Ficha artística Director Artístico: Won Il Temas compuestos por Baramgot Janggu Won Il Gayageum Park Sun A Daegeum Lee A Ram Geomungo Woo, Min Hee Sitar Park Jae Rock Esta obra es un Programa del Festival Internacional de Teatro de Manizales & ¡HOLA ASIA! 2011. El grupo El grupo ha cautivado la atención del ámbito musical de Corea en corto tiempo con su habilidad para crear sonidos únicos de los instrumentos tradicionales de la música coreana de larga historia hacia una música progresiva y moderna. Especialmente, este presentó piezas que cambiaron el ‘Sinawi’, un formato musical tradicional de Corea que maximiza la habilidad del músico en el show hacia varios formatos de música creativa moderna. Esto lo ha llevado a ser reconocido como uno de los más importantes y excepcionales grupos de música creativa de Corea. La identidad musical del grupo está basada en conceptos asiáticos de sonido, performance y música, que son diferentes de los conceptos occidentales; estos conceptos forman la base de la creación musical del grupo. Más allá, el show

y la composición no son separables, sino naturalmente conectados. En marzo de 2009 y 2010 el grupo fue invitado para presentarse en el ‘Festival de I’imaginaire’ en París, organizado por MAISON DES CULTURES DU MUNDO. Su performance fue aclamado como un ‘show perfecto que transforma la santidad y el misterio en música’ y recibió el aplauso con la audiencia de pie en París. El director WON-IL es el director de Baramgot y además es compositor e intérprete de flauta y percusión coreanas. Un artista versátil que ha cooperado con innumerables figuras legendarias de la música tradicional de Corea y el Free Jazz. El grupo de percusión ‘PURI’ también fue fundado por él; es considerado por abrir un nuevo horizonte en la música de percusión coreana con una puesta en escena maravillosa y un nuevo trabajo creativo. ‘PURI’ aún se recuerda como una fuente de inspiración para muchos músicos tradicionales jóvenes de Corea. Won-IL también ha trabajado en composiciones para danza, teatro y cine. Estos trabajos, que representan la delicada mezcla de la música tradicional y contemporánea, recibieron innumerables premios. En 2010 participó en Lady Macbeth en el Festival de Artes de Singapur como compositor y artista.

JUMP YEGAM Co. COREA DEL SUR

Esta obra es un Programa del Festival Internacional de Teatro de Manizales & ¡HOLA ASIA! 2011.

Ficha artística ACTORES Abuelo: Tae-Hun LEE Padre: Won-Sang PARK Madre: Eun-Jin JUNG Hija: Se-Mi KIM Tío: Eun-Yong YANG Yerno: Sang-Hee YOON Ladrón1: Sang-Rok SEO Ladrón2: Jin-Ho OH Anciano: Gi-Heon PAEK

Todos los derechos y producción de: YEGAM Inc. CEO / Productor Ejecutivo: Kyung-Hun KIM Director Artístico: Chul-Ki CHOI Director de Drama y Comedia: Won-Kil PAEK Director: Jun-Sang LEE Compositor: Uk Hyun LEE Diseño de Escenografía: Mi-Ran PARK Diseño de vestuario: DOLSILNAI Company Diseño de maquillaje: PAN Company Fotógrafos: Mun-Sung YOON / Young-Ik KIM Staff in Colombia Director asistente: Ji-An LEE Diseño de escenografía: Sang-Hoon SONG Director de luces: Jae-Mun LEE Director de sonido: Sung-Hoon KIM Maquillaje: Su-Kyung KIM International Business Presentado por Show & Arts Inc. CEO/Productora: Cara HAN Director Manager de la Compañía: Lucia HAN Manager Asociada: Kate JEONG

Situado en un hogar coreano común, JUMP está centrado alrededor de una típica, pero dramáticamente ágil familia coreana: del abuelo autoritario, el tío borracho y la mamá practicante de Tae Kwon Do, al absurdo pretendiente de la hija. Cada miembro es un experto en artes marciales, con un nivel de competencia de Tae-Kwon Do, Tae Kyun y habilidades gimnásticas. Ellos no disfrutan nada más que desafiarse entre sí para enfrentamientos de artes marciales, mostrando su impresionante experiencia inspiradora. La trama se complica cuando dos ladrones irrumpen en la casa a media noche – uno, un elegante hombre villano y el otro, un rechoncho tonto e idiota con su cabello algo espantoso. Cuando la familia descubre a los intrusos, se produce una gran batalla. Lo que sigue es una increíble serie de acrobacias y muestra de habilidades de artes marciales, con altas dosis de contagioso humor. JUMP ha creado un nuevo género, un show cómico no verbal de artes marciales a través de la mezcla perfecta de las artes marciales asiáticas incluyendo las más antiguas como el Taekwondo, con acrobacias y payasadas. JUMP es saltar, patear y puñetear asombrosamente disfrutando hasta reventar. JUMP es, en una parte, comedia muda, otra parte de rápidos golpes de kung fu y otra parte de despliegue gimnástico. Esto ofrece una extraña oportunidad para ver la simpatía de la acción de un Jackie Chan y de las películas de Matrix, pero visto en VIVO!. No hay segundas tomas, no hay cables ni ningún efecto especial para estos actores, quienes han pasado años de entrenamiento exhaustivo en artes marciales. Historia del show El concepto del show fue concebido en Octubre de 1999. La sexta versión de escenario del show CRAZY FAMILY fue escrito en Marzo de 2001. Al octavo mes, el grupo empezó sus acrobáticos ensayos con la guía de Oak Soo Chung, el entrenador del equipo Gimnástico Nacional de Mujeres. En Agosto de 2002, el show no verbal CRAZY FAMILY hizo su preestreno y el grupo fue invitado a presentarse en

el Festival Kyushu en Japón. En abril de 2003, el show fue renombrado JUMP y se presentó en varios teatros en Corea. Desde 2005, en adelante, el show ha estado en gira internacionalmente, en prestigiosos festivales y escenarios, empezando por el Festival de Israel y el Edinburgh Festival Fringe el cual agotó taquilla en 2005 y 2006, y en varios países incluyendo Reino Unido, Grecia, España, Rusia, Suráfrica, Bahrain, China, Japón, Hong Kong, Macao, Laos, Malasia, Singapur, Tahilandia, entre otros. El Teatro Peacock en Occidente ha tomado JUMP como uno de sus eventos regulares al año de 2006 a 2009. Desde 2007 tuvo un año de presentaciones continuas en Unión Square Theatre in Off Broadway. La compañía Internacionalmente conocida por presentar trabajos de excepcional gracia con shows de artes marciales, YEGAM es una de las primeras compañías de producción especializada en los shows en vivo no verbales. Desde la fundación de la compañía en 2003, el éxito de YEGAM en JUMP y Break Out prueba su destacada labor en la producción del shows. Gracias a JUMP, YEGAM recibió el ‘Premio a la Mejor Compañía de Proyectos’ por el Primer Ministro de Corea en 2008, ‘Premio por lo Mejor de las Artes Escénicas de Corea’ otorgado por el Ministerio de Cultura, Deporte y Turismo de Corea en 2008. ‘Premio por 1 millón de dólares por el Éxito en las Artes Escénicas’ otorgado por la Asociación Internacional de Comercio de Corea (KITA) en 2007. ‘Gran Premio por Drama y Musical’ en el Edinburgh Festival Fringe 2006, así como también ha sido destacado en ‘The Royal Variety Performance’ presentado en la BBC TV en Diciembre de 2006. Gracias a BREAK OUT, YEGAM ganó el primer puesto en las taquillas del Edinburgh Festival Fringe in 2007, incluyendo ‘La mejor Cabalgata al grupo ganador.

UTSUSHI SANKAI JUKU JAPÓN Esta obra es un Programa del Festival Internacional de Teatro de Manizales & ¡HOLA ASIA! 2011.

Ficha artística Dirección, coreografía y diseño: Ushio AMAGATSU Asistido por: SEMIMARU Musicos : YAS-KAZ, Yoichiro YOSHIKAWA Artistas: Sho TAKEUCHI, Akihito ICHIHARA, Ichiro HASEGAWA, Dai MATSUOKA, Norihito ISHII, Shunsuke MOMOKI Director de escenario: Keiji MORITA Director de luces: Genta IWAMURA Direcctor desonido: Junko MIYAZAKI Manager: Pierre BARNIER Estreno mundial en 2008 en el CNCDC Chateauvallon, Frania Coproducción: CNCDC Chateauvallon, France Sankai Juku, Tokyo, Japon Con la ayuda de: Shiseido Sankai Juku Cds and DVDs :

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Sankai Juku significa “taller de la montaña y el mar”, dos elementos básicos de la topografía japonesa. Fue creada en 1975 bajo la dirección de Ushio Amagatsu que pertenece a la segunda generación de bailarines de Butoh. La danza Butoh, creada por Hijikata y Kazuo Ono, transcendió las reacciones de la generación postHiroshima de los ‘60 y logró difundir en Japón un enfoque radical dentro de esta disciplina artística contemporánea. Para Amagatsu, Butoh no es meramente una técnica nueva o un estilo académico, sino una manera de llegar, a través del lenguaje corporal, a lo profundo del ser humano: al sentido común, a la serena universalidad, incluso a la crueldad o a la brutalidad. Sin embargo, esta percepción puede ser distinta en cada individuo. La búsqueda personal de Amagatsu está relacionada con el “Diálogo con la gravedad”, título de su libro editado por Actes Sud en 2001. Antes de iniciarse en la práctica de Butoh, Amagatsu se entrenó en la Escuela de Danza Moderna y Clásica de Tokio. En 1975 dictó una serie de talleres para encontrar a los bailarines de su compañía. De los treinta que empezaron sólo quedaron tres hombres al finalizar el primer año. Sankai Juku se popularizó entonces como una compañía de hombres y comenzó a realizar presentaciones en teatros pequeños y en lugares vanguardistas. Su primera producción importante fue Kinkan shonen (1978) que reveló la nueva dirección artística que Amagatsu le había dado al Butoh: una imagen más clara y telúrica en la que la fuerza de cada expresión individual, de cada movimiento y de cada emoción interior se nutre del origen del mundo para mostrar una aceptación apasionada de la vida, la muerte y la universalidad. En 1980 Sankai Juku fue invitada por primera vez a Europa para participar en el Festival de Nancy. Desde entonces, realizó giras por ese continente, Asia y América del Sur y

por países como Estados Unidos y Australia. Sus miembros viven y preparan sus nuevos trabajos en Japón, pero desde 1983 sus producciones son finalizadas en Francia y estrenadas en el Théâtre de la Ville de París. Ushio Amagatsu Nació en Yokosuka, Japón, en 1949. Fundó la compañía de Butoh Sankai Juku en 1975. Creó las piezas Amagatsu sho (1977), Kinkan shonen (1978), Sholiba (1979), antes de su primera gira mundial en 1980. En 1981 creó Bakki para el Festival de Avignon. En el Théâtre de la Ville de París ha presentado sucesivamente Jomon sho (1982), Netsu no katachi (1984), Unetsu (1986), Shijima (1988), Omote (1991), Yuragi (1993), Hiyomeki (1995), Hibiki (1998), Kagemi (2000), Utsuri (2003) y Toki (2005). En 1988, invitado por la Fundación Jacob’s Pillow de Estados Unidos, creó Fushi con música de Philip Glass. Al año siguiente fue nombrado director artístico del Spiral Hall de Tokio en el que dirigió Apocalypse (1989) y Fifth-V (1990) para bailarines norteamericanos. En 1992 fue presidente del jurado del Encuentro Internacional de Danza de Bagnolet y fue nombrado “Caballero de la Orden de las Artes y las Letras” por el Ministerio de Cultura de Francia. En 1997 dirigió Bluebeard’s Castle de Bartok, que tuvo a Peter Eotvos en la dirección orquestal, en el Tokio International Forum. Un año más tarde dirigió el estreno mundial de la ópera Tres hermanas, también de Eotvos, en la Ópera Nacional de Lyon, Francia, obra que recibió el Premio del Sindicato Nacional de la Crítica de Francia y se presentó en la temporada 2001-2002 en el Théâtre du Châtelet de París, en el Théâtre Royal de la Monnaie de Bruselas, en la Ópera Nacional de Lyon y en el Wiener Festwochen 2002 de Austria. En 2002, Hibiki ganó el Premio Laurence Olivier a la “Mejor producción de nueva danza”.

“DANCE ME TO THE END OF LOVE” (BAILA CONMIGO HASTA EL FINAL DEL AMOR) TEATRO DU PIF CHINA (HONG KONG)

Ficha artística Directora / Creadora / Artista: Bonni Chan Creador / Artista: Sean Curran Artista: Aman Yap Diseñador visual: Sylvia Chan Diseñador de luces: Lau Ming-hang Diseñador de vestuario: Cheng Man-wing Diseñador de sonido: Tom Murray Duración: 1 hr y 30 min aprox. (sin intermedio) La gira en Colombia de esta producción se realiza con el apoyo de: Arts Development Fund of the Home Affairs Bureau, the Government of the Hong Kong Special Administrative Region Esta obra es un Programa del Festival Internacional de Teatro de Manizales & ¡HOLA ASIA! 2011.

‘Baila conmigo hasta el final del amor’ está inspirada en el Premio Nobel de la famosa novela de la literatura Siddharta de Hermann Hesse. Mezcla elementos de teatro y danza con música en vivo, la serie narra la búsqueda de un hombre joven, Siddharta, por la conquista del sufrimiento y el miedo. El viaje de Siddharta lo lleva a través de las tentaciones del lujo y la riqueza, los placeres del amor sensual y la siniestra amenaza de serpientes en el cumplimiento de su destino como un barquero guiado por la voz omnisciente del río que corre. En esta producción visualmente impresionante, la historia de Siddharta está compensada con las canciones poéticas y evocadoras canciones del cantante y poeta canadiense Leonard Cohen. Llévame bailando hasta tu belleza con un violín ardiente. Llévame bailando a través del pánico hasta ser recogido en Seguridad. Elévame como una rama de olivo. Se mi paloma de regreso. Llévame bailando hasta el final del amor. Desde su apertura es aclamada por la crítica de Hong Kong (“Una de las mejores producciones del año”, según South China Morning Post). Baila conmigo hasta el final del amor ha viajado a Berlín, Singapur, Shangai y Macao. Ahora llega al Festival Internacional LA COMPAÑÍA El Teatro du Pif es una de las principales compañías de teatro de Hong Kong, conocida por su patrimonio intercultural y producciones bilingues en Cantonés, inglés o ambos.

Fue fundada por Bonni Chan y Sean Curran en 1992. Usando un taller y un proceso de creación, así como la colaboración con dramaturgos y artistas de otras disciplinas, Du Pif orquesta movimiento, texto e imágenes para producir piezas aclamadas tanto por su poder como su poesía. Además de crear nuevas producciones, tienen también trabajo en un rango educativo y comunitario con programas de extensión en Hong Kong y el Reino Unido. LOS DIRECTORES Sean Curran estudió en la Escuela Central de Expresión y Drama en Londres con Jacques Lecoq en París. Es el co-director artístico del Teatro du Pif y ha creado e interpretado en todas las producciones de la compañía. Fue nombrado como el Mejor Actor Principal en el Teatro Libre de Hong Kong por su interpretación en David Harrower…sKnives en Hens. En los años recientes su trabajo se ha extendido más allá del campo teatral y ahora enseña expresión y habilidades de comunicación para ejecutivos de negocios, profesores y trabajadores sociales. Bonni Chan es graduada de la Academia de Ballet de Hong Kong y de la Academia de Artes Escénicas de Hong Kong, donde fue nombrada como la mejor actriz por tres años consecutivos. Estudió en Londres en 1991 y en 1992 fundó el Teatro du Pif con Sean Curan. Desde su regreso a Hong Kong en 1995, continuó creando y dirigiendo todas las producciones originales de la compañía. Ganó como la Mejor Actriz en los Premios de Drama de Hong Kong por su interpretación en Fish Heads y Tales – A Tender War and The Oak Tree – An Odyssey.

DARKNES POOMBA MODERM TABLE COREA

Ficha artística Coreografía y Dirección: Kim Jae-Duk Letras y Composición: Kim Jae-Duk Bailarines: KIM Jae-duk, LEE Pil-seung, JEON Hwan-sung, LEE Jung-in, CHOI Jung-sik, KIM Mi-young, KIM Mi-kyoung Músicos: YOON Suk-gui(Cantante/PANSORI), HEO Sung-eun(Bateria), HONG Seungyun(Bajo), JEON Cha-in(Guitarra) Diseño de Luces: SHIN Hyun-sun Esta obra es un Programa del Festival Internacional de Teatro de Manizales & ¡HOLA ASIA! 2011.

Darkness Poomba, “La oscuridad”, es una obra que reinterpreta la melodía de poombas tradicionales como jugar y pelear en medio de la diversión, aplicando el sonido moderno y la dinámica del movimiento. La puesta en escena integra el juego en vivo de guitarra, bajo, batería y un grupo de bailarines que borran toda línea fronteriza entre el patio de butacas y el escenario, en un espectáculo elegante, por momentos agresivo y con la espiritualidad de los sonidos y la danza oriental. La compañía Modern Table, dirigido por el coreógrafo Kim Jaeduk, es una joven y prometedora compañía de presentación que tiene como objetivo comunicarse con el público a través de presentaciones y proyectos interdisciplinares. La compañía presenta principalmente danza contemporánea y al mismo tiempo, escenarios musicales, Pan-sori, presentaciones de rock y hip-hop que transgreden las fronteras de género. Ha reunido mucha más atención del público y de críticos en total por su ideas poco convencionales y proyectos experimentales que rompen la barrera entre audiencia y escenario y entre las formas de arte. A través de sus presentaciones, la masa cultural pop es reinterpretada con técnicas académicas a un paso rápido. Las características únicas de la compañía también vienen de esfuerzos que tratan de brindar formas contemporáneas a temas coreanos tradicionales. Sus principales trabajos son: “Darkness Poomba”, “Joker’s Blue”, “Simchung Guyz”, “Awake” y “Clocker”.

El viaje para recuperar tu inocencia infantil. Las burbujas con las que todos quieren jugar en su niñez guiadas por el sueño más feliz. Okuda Masashi, famoso actor de burbujas japonés ha hecho todo el equipamiento para esta presentación por 20 años. Su presentación es más delicada y humana que cualquier otro espectáculo con burbujas de hoy en día con efectos visuales artificiales. Masashi cuenta una historia cotidiana que transmite felicidad y mucha calidez al corazón de los espectadores. Teatro íntimo para espacios abiertos.

BUBLES BUBLES GÉNERO: PERFORMANCE CON BURBUJAS ARTISTA: OKUDA MASASHI

Esta obra es un Programa del Festival Internacional de Teatro de Manizales & ¡HOLA ASIA! 2011.

ESPECTﾃ，ULOS DE SALA INTERNACIONALES

LA CHATITA EMPANTANADA COMPAÑÍA TEATRO LA LLANURA ARGENTINA

Ficha artística Autora y directora: Sandra Franzen Actores: Eduardo Fessia, Teresa Istillarte, Jorge Ricci Escenografía e iluminación: Mario Pascullo Producción: Gladis Contreras Duración del Espectáculo: 1 hora

La Obra Una historia pequeña y profunda que pone a tres personajes pueblerinos en medio de la llanura beckettiana para alcanzar esa Colonia Soldano donde serán felices por un día. Mientras tanto, estos seres sencillos, embarrados, perdidos y empantanados, irán tras un sueño y acabarán en otro. Estos tres personajes prototípicos de nuestros pueblos de llanura vivirán una situación límite que los obliga a pernoctar en medio del campo. El deseo de arribar a un destino y las soledades se unen en la esperanza de construir algo nuevo en sus pequeñas vidas. Como en todas las historias del Equipo Teatro Llanura, la poética de este nuevo trabajo conjuga humor, lirismo y cierto aire de grotesco.

Un grupo consolidado Este grupo de actores de la ciudad de Santa Fé, Argentina, trabaja incesantemente desde el año 1973. En su primera etapa busca en la dramaturgia universal historias para llevar a la escena; en 1979 comienza la búsqueda de un lenguaje más propio a través de textos de su director, Jorge Ricci. “El Clásico Binomio”, cuyo estreno fue en el año 1988, supone ya un referente del Teatro La Llanura en la escena latinoamericana, con una dramaturgia propia que fue capaz de reflejar la realidad sociopolítica y cultural de su region. A partir de entonces, el grupo desarrolla dos líneas de expresión: el teatro dentro del teatro (“Actores de provincia”, “Café de lobos”, “La mirada en el agua”) y la problemática existencial de ciertos personajes míticos de la geografía argentina (“El clásico binomio”, “El cruce de la pampa”, “El encanto de las palabras”). Con ese mismo espíritu y sumando un extenso trabajo de dramaturgia a partir del actor, se construyó esta nueva historia titulada “La Chatita empantanada”.

EL CORDERO DE OJOS AZULES

PRODUCCIÓN DEL COMPLEJO TEATRAL DE BUENOS AIRES REALIZADO EN COLABORACIÓN CON EL TEATRO DE FERNÁN GÓMEZ, MADRID, ESPAÑA.

Ficha artística Autor: Gonzalo Demaría Director: Luciano Cáceres Reparto La Canonesa Leonor Manso El Pintor Carlos Belloso Joven Guillermo Berthold Coordinación de producción Mariana Toledo Asistencia de dirección Ana Belén Saint-Jean Asistencia de iluminación Asistencia de escenografía María Isabel Gual Asistencia artística Marcelo Pozzi Puesta de sonido Patricio Pierantoni Músicos Matías Rivero, contratenor María Eugenia Castro, cello Música original y efectos Gerardo Gardelin Iluminación Eli Sirlin Vestuario Julio Suárez Escenografía Gonzalo Córdova En gira: Asistente de escenario Marcelo Pozzi Peluquería, maquillaje, vestidorWalter Comillas Asistente de sonido y luces Agustín Garbellotto

En abril de 1871, el pintor y la canonesa se resguardan en las dependencias de la Catedral de Buenos Aires. Es Semana Santa, la peste azota la ciudad y el índice de muertes es alarmante. Todos, incluidos el gobernador, los magistrados y el Arzobispo, han escapado a otras ciudades de las garras de la enfermedad. El artista, venido de Madrid, tiene que cumplir con el encargo de pintar a Santa Lucía, tarea que se vuelve dificultosa por la falta de modelos adecuadas. La canonesa, descendiente de angoleses y antigua amante del difunto Deán, se ofrece, a pesar de su fealdad, a posar para la obra, decidida a que se cumpla el encargo. Cuando aparece el pintor con un muchacho de belleza marmórea, cree encontrar en él a San Sebastián, quien salvó a Milán de la peste. Decide entonces retratar al Santo para redimir a la ciudad. Días después despierta de la fiebre y la canonesa le relata lo cerca que estuvo de morir a manos de la peste y de la Comisión (organismo improvisado para limpiar la ciudad de la cruel enfermedad), le cuenta de sus visiones sobre el joven y de la maternal atención que le prodigó para salvarlo. Sólo la promesa de pintar a Santa Lucía lo ha mantenido con vida, y ella posará para lograr la culminación de la obra. La condena que caerá sobre el pintor es el infierno reservado a los estetas: “si la fealdad de la Medusa tenía el poder de convertir en piedra a quien la mirara, ¿qué efecto produce la belleza?”.

Gonzalo Demaría

Luciano Cáceres

Nació en Buenos Aires en 1970. Desde su primera incursión teatral en Buenos Aires, Nenucha, la envenenadora de Monserrat (1996), un musical hoy de culto, ha estrenado diversas producciones en ésta, su ciudad natal. Entre ellas: En la jabonería de Vieytes (Teatro Nacional Cervantes, 1997), Relaciones tropicales (La Trastienda, 2003), Lo que habló el pescado (El Camarín de las Musas, 2004), el musical Houdini (Metropolitan, 2005), y Novia con tulipanes (El Portón de Sánchez, 2006). Dirigió algunas de sus obras, como en el caso de la premiada Lo que habló el pescado y La Anticrista y las Langostas contra los vírgenes encratitas (Impa, 2010), espectáculo señalado por la originalidad de su puesta y escrito en verso. Es uno de los autores argentinos más representados en París, donde debutó en 2005 con la ópera contemporánea Mambo Místico (Théâtre National de Chaillot). En noviembre de 2009 el Rond-Point, sala consagrada a autores contemporáneos vivos, montó, de su autoría, Trois Tangos, con dirección de Arias y música de Axel Krygier. Trabajó con el mismo director en la adaptación de otro espectáculo que se estrenará en París durante noviembre del año en curso, Truismes (Chanchadas), basado en la novela de Marie Darrieussecq. De esta obra se presentó un anticipo recientemente en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín, en el marco del programa Tándem París/ Buenos Aires 2011. Publicó su primera novela en abril de 2009, Las Pochoeaters, que ya va por su segunda edición, y actualmente trabaja en una segunda novela. Como compositor, escribió canciones (letra y música) para sus musicales Nenucha… y Houdini, entre otros, donde las estrenaron artistas como Nacha Guevara, Claudia Lapacó, Elena Roger, Gogó Andreu o Alejandra Radano.

Nació en Buenos Aires en 1977. Desde 1987 se formó como actor con Alejandra Boero, Julio Baccaro, Eduardo Riva, Lucero Aguilar y Javier Daulte. Estudió puesta en escena con Rubén Szuchmacher y dramaturgia con Javier Daulte. Ha dirigido gran cantidad de piezas de autores nacionales e internacionales, entre los que se destacan 4.48 Psicosis de Sarah Kane (espectáculo que recibió premios y nominaciones y participó de festivales nacionales e internacionales); Ciudad como botín y Sex según Mae West de René Pollesch (Premio Clarín por Actriz Revelación 2007; participación en la Fiesta del Teatro de la Ciudad de Buenos Aires, INT 2007); Automáticos de Javier Daulte (en co-dirección con el autor); La Isla de fin del siglo de Alejandro Finzi; Criaturas del Aire de Lucía Laragione (Premio Trinidad Guevara como Mejor obra; participación en la Fiesta del Teatro de la Ciudad de Buenos Aires del INT; Premio Teatro del Mundo 2004 -destacada en el rubro Director-; ganadora de la Fiesta del Teatro de la Ciudad de Buenos Aires; seleccionada para la Fiesta Nacional del Teatro en Río Negro y para el Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires 2005); Paraísos Olvidados de Rodolfo Roca (Premio Teatro del Mundo 2004 -destacada en el rubro Director-; nominada a los Premios ACE 2002-2003 como revelación por la Dirección, y Espectáculo off), entre otros). Como actor de teatro, trabajó bajo la dirección de Javier Daulte en Nunca estuviste tan adorable, en Bizarra con Rafael Spregelburd, y en Bésame Mucho de Javier Daulte (nominado para el Premio ACE como Mejor actor off 2001-2002), entre otras producciones. En 2007 estrenó La muerte de un viajante de Arthur Miller bajo la dirección de Rubén Szchumacher, trabajo por el cual fue nominado como Mejor actor de reparto en drama (premios ACE). En 2007 y 2008 trabajó en La Felicidad de Javier Daulte, bajo la dirección del autor.

SPAGHETTI COMPAÑÍA SERES DE LUZ BRASIL Ficha artística Autor: Nani Colombaioni y Leris Colombaioni Director: Leris colombaioni Camarero: Lily Curcio Actor invitado: Ivens Cacilhas Iluminación: Abel Saavedra Vestuario: Lily Curcio Operador de Luz y sonido: Eduardo Brasil o Alice Possani Producción: Seres de Luz Teatro Duración del Espectáculo: 1 hora Género: Comedía Inadecuado para menores de 12 años

La Obra En un sofisticado restaurante del mejor estilo “bistrô francés” trabaja el mozo de nuestra historia. Su rutina se repite incansablemente día tras día: limpiar, acomodar y cuidar de cada detalle para dejar el restaurante impecable a la espera de la selecta clientela. Pero no podemos dejar de destacar que este mozo tiene una debilidad: la bebida, y es por su causa que los contratiempos comenzarán a aparecer. Lidiar con los objetos del local no es nada fácil para él; de repente las cosas cambian de lugar sin previo aviso y parecen cobrar vida delante de sus ojos, una simple tarea cotidiana representa un prueba difícil de enfrentar. Todo se amotina sin razón, hasta que finalmente el restaurante está listo para recibir al primer cliente del día. Con dirección de Leris Colombaioni (Hijo de Nani) la clown Lily Curcio enfrenta el gran desafío de continuar con el legado del maestro, protagonizando con increíble naturalidad este insólito mozo. Abel Saavedra representa el sufrido cliente que deberá suportar todas y cada una de las confusiones que se suceden en un efecto dominó imprevisible.

La Compañía Lily Curcio y Abel Saavedra fundaron el grupo Seres de Luz Teatro en 1994, en Búzios – Rio de Janeiro, dando inicio a una intensa y larga trayectoria de más de 16 años. A partir de 1997 el grupo establece su residencia y sede en Barão Geraldo- Campinas - São Paulo, Brasil. El primer motor que impulsa la trayectoria del grupo es un interés apasionado por el Teatro de Títeres, tanto en las áreas de construcción como de manipulación. “Desparramando Sueños”estrenado en 1994 - fue el primer montaje y, por sus encantadoras y sensibles características no para de ser presentado, seduciendo a niños y a adultos. El segundo motor: El Universo del Clown, un lenguaje descubierto y aprendido através de Carlos Simioni y Ricardo Puccetti; experiencia que los introduce de una manera definitiva marcando su trayectoria. La ideología del grupo: poder compartir con los públicos más variados el resultado de sus experiencias e investigaciones, realizando funciones de sus espectáculos en espacios convencionales y no convencionales, fuera de los grandes ejes comerciales de circulação teatral, tanto a nivel nacional como internacional; una ideología que llevó y lleva al grupo a presentarse en hospitales, favelas, plazas, escuelas rurales, campos de refugiados de Kosovo en Suiza, circos, poblaciones de alto riesgo en Perú, etc. Diferencial del grupo: El desarrollo con igual intensidad y calidad de estos dos lenguajes: el Teatro de Títeres y el Universo del Clown.

Ficha artística

Autor: Iván Darío Álvarez (Versión libre del texto “Ubú Rey” de Alfred Jarry) Director: IVAN DARÍO ÁLVAREZ Género: TÍTERES Elenco: Iván Darío Álvarez (Colombiano), Sebastián Farah Rodríguez (Chileno), Rebeca Castro (Colombiana), Javier Gámez (Colombiano), Hombre del Sol Castro (Colombiano). Año de estreno: 2011 Duración de la obra: 1 hora y 30 minutos Público objetivo: Todo público (niños a partir de los 10 años de edad)

UBÚ VIRREY

COMPAÑÍAS EL SUBMARINO INVISIBLE DEL CAPITAN NEMO, EL TEATRO MUSEO DEL TÍTERE Y EL PAYASO DE VALPARAISO COPRODUCCIÓN COLOMBIA-CHILE

La Obra El padre Ubú es hostigado por la madre Ubú para derrocar y asesinar a Venceslao, Virrey de toda Latibobonia. Aguzado por la ambición, éste decide conspirar al lado del capitán Barsura y sus secuaces, conquistado el trono del virrey. Con su máquina de descerebrar, asesina nobles, les quita sus tierras, decapita magistrados, acaba con la justicia, descabeza financieros y se hace dueño de todo el tesoro de Latibobonia. Padre Ubú, asedia a los campesinos y los obliga a pagar más impuestos. Pronto todo lo que Ubú desata se devuelve como un boomerang contra él. La propia madre Ubú lo traiciona e intenta robar su tesoro. El padre Ubú ante su cobardía es abandonado por sus guardias hasta quedarse completamente solo.

La Compañía “Ubú Virrey” es una comedia negra en títeres, coproducción Colombo – Chilena, entre Iván Darío Álvarez con El Submarino Invisible del Capitán Nemo de Colombia y el Teatromuseo del Títere y El Payaso con Títeres en Peligro de Chile. Este proyecto artístico tiene como fin forjar un intercambio artístico entre ambos países, apoyado por el Fondo Iberoamericano Iberescena, otorgado para 2011. Obra de títeres “Ubú Virrey” dirigida por Iván Darío Álvarez, versión libre del texto “Ubú Rey” de Alfred Jarry. Participan el grupo de titiriteros del Submarino Invisible del Capitán Nemo de Colombia y el grupo Títeres en Peligro de Chile. La puesta en escena es una mezcla de técnicas de títeres: animación a la vista del público con títeres de mesa, títeres tradicionales de guante o guiñol, sombras y títeres planos. Con este proyecto Iván Darío Álvarez celebra sus 35 años de trabajo artístico, como director, dramaturgo y titiritero.

KARAOKE ORQUESTA VACÍA MUEGANO TEATRO ECUADOR

Ficha artística Autor y director: Santiago Roldós Espacio e Iluminación: Pilar Aranda, Bárbara Aranda y Marcia Cevallos Elenco: Pilar Aranda, Marcia Cevallos y Santiago Roldós Asistencia de Dirección y Producción: Aída Calderón Técnico: Gabriel Quimís Fajardo Asistencia en diseño y realización del vestuario: María del Carmen Zambrano Fotografía: Jorge Velarde Da Silva, Clara López y Leonidas Corozo Diseño: Oswaldo Terreros La Obra Asediada por espectros, una orquesta vacía y anacrónica prestidigita las sagradas notas del himno nacional, la familia, la propiedad privada y el amor, en un territorio vagamente definido como los renglones torcidos de PACMAN , el papá de los pollitos y la mamá de Tarzán. Una ciudad estado diseñada con los mismos criterios de un rudimentario porvenir: diversión, tesón y adecuación a la competencia salvaje, todo con tal de suscribir la breve carta en verso que Heiner Muller dedicara al ministerio de cultura universal: “Me cago / en el orden / del mundo. / Estoy / perdido”.

La Compañía Formado por artistas de diversas procedencias y orfandades, Muégano Teatro nace oficialmente en Madrid en 2000, primero por pura supervivencia y luego como reafirmación del teatro como el lugar democrático por excelencia, aquel donde los muertos hablan y los podemos oír. El estudio de poéticas de la disidencia y la diversión (Brecht) y el paradigma de grupos que sobrevivieron a la caída de las utopías los llevó de vuelta a Latinoamérica, concretamente a una ciudad que, tanto por su aridez cultural como por las cuentas pendientes de uno de sus directores con su historia, les pareció el lugar ideal desde donde radicalizar su trabajo. En 2001 ganó los premios más importantes de la VI Muestra de Teatro de Barcelona, con su montaje de “La edad de la ciruela”, de Arístides Vargas; ha participado con diversas obras en la Red de Festivales del Ecuador, el Alternativo de Bogotá, el de Teatro íntimo de Yucatán y el Iberoamericano de Cádiz, entre otros.

“FÁBULAS” TEATRO DE DANZA CONTEMPORÁNEA ASHEVILLE Y EL PROYECTO X INTERNACIONAL WHITE DOG ESTADOS UNIDOS Ficha artística Autor: Arnol Lobel Directores: Susan y Giles Collard Integrantes: Lola York, Karen George, Alexis Miller, Amy Borsky.

La Obra “Fabulas” es una producción teatral de niños que representa los cuentos del libro del escritor estadounidense Arnold Lobel. Este libro fue galardonado con la Medalla Caldecott y contiene “fábulas breves y originales, con la moral fresca e inesperada, que se ríen de las debilidades humanas a través de las travesuras de los animales” (Asociación de Servicios Bibliotecarios para Niños, ALA). La obra artística de ACDT presenta unos divertidos animales que bailan, hablan y cuentan historias con moralejas. El oso, el cuervo, el avestruz y otras criaturas bailan y cantan con gigantes disfraces. Es divertido, colorido y festivo, y al mismo tiempo pedagógico.

Invitados Giles Collard. Es co-director de ACDT, ha vivido en Francia, México e Israel y ha actuado a nivel internacional. Actualmente enseña danza moderna y para niños en Asheville. Además de bailar, también enseña el manejo del florete y el sable en el deporte de esgrima. Ha actuado con ACDT desde 1986. Lola York. Se graduó con honores magna cum laude de la Universidad Loyola Marymount en Los Ángeles, California. Es profesora acreditada de yoga del Instituto Kundalini KRI. Como bailarina y actriz ha interpretado obras de más de 15 coreógrafos en el escenario, cine y televisión en los EE.UU. y en el extranjero. Se unió a ACDT en 2010. Karen George Karen se graduó en Danza y Psicología del William Smith College en Geneva, Nueva York. Ha bailado con el Teatro de Danza Gregory Hancock en Indianápolis, Indiana, y con BIODANZA en Nueva York. Se unió a ACDT en 2009. Alexis Miller. Se graduó en francés y Danza en la Universidad de Connecticut. Ha bailado en Francia y San Francisco, California, con los grupos RAW dance y la Compañía de Danza Alayo. Es maestra certificada de Pilates y comenzó a bailar con ACDT en 2011. Amy Borsky. Amy Borskey nació en Luisiana y creció bailando tap, jazz y ballet en las agrupaciones juveniles del Asheville Dance Theater. El descubrimiento y la transición a la danza moderna en la escuela secundaria la llevó a New Studio, donde disfrutó bailando hasta que ingresó a la universidad. Después de recibir una licenciatura de UNCG Dance (Departamento de Danza de la Universidad de Carolina del Norte en Greensboro), hizo una Maestría en Terapia de Danza / movimiento de la Universidad de Drexel.

TRES VIEJOS MARES COMPAÑÍA TEATRO RAYUELA, ESCENA NORTE, TEATRO BAMBÚ GUATEMALA, SALVADOR Y HONDURAS

Ficha artística Dirección y dramaturgia: Arístides Vargas Elenco: Patricia Orantes, Omar Renderos, Edgar Valeriano Dirección de actores: Charo Francés Asistencia de dirección: José Lino Suntaxi Escenografía y vestuario: Pepe Rosales Diseño de luces: Arístides Vargas Musicalización: Julián de la Torre Preparación física: Gerson Guerra Gestión y producción: Blanca Rubio Género: Drama

La Obra Tres ancianos se reúnen frente al mar a dialogar sobre el ocaso de sus vidas. En esos encuentros hay rivalidad, celos, desencanto, ilusión y una voz permanente de fondo; el mar, que les devuelve historias y recuerdos. Es un mar más viejo que ellos, que tiene fechas, sucesos, acontecimientos, batallas y nombres que se unen al agua de adentro, al océano de cada viejo, que es un sancocho de fantasmas sin pies ni cabeza. Tres viejos mares giran en torno a la memoria, un tema recurrente en la dramaturgia de Arístides Vargas, y como todas sus obras conjuga el humor, la ternura, la desesperación y la inocencia de unos personajes que tratan de reconstruirse a sí mismos.

La Compañía Este proyecto es el punto de reunión de 3 artistas teatrales y una productora centroamericanos: Patricia Orantes de Guatemala, Edgar Valeriano de Honduras, Omar Renderos y Blanca Rubio de El Salvador. A partir de esta coincidencia buscan a los maestros Arístides Vargas y Charo Francés del grupo ecuatoriano Malayerba para llevar a escena una obra de teatro. De la mano de Malayerba, se plantea el montaje de la obra Tres viejos mares, en el cual se integra la dramaturgia y dirección de Vargas, la dirección de actores de Charo Francés y la actuación de los centroamericanos. El montaje de la obra se realiza en Quito, Ecuador en agosto-septiembre de 2009, se estrena en la sala Malayerba, y para el resto del año se tienen programados los estrenos en cada uno de los países centroamericanos que integran el proyecto. Este es un proyecto independiente que cuenta con el respaldo de Hivos, Centro Cultural de España en El Salvador, Honduras y Guatemala.

DESIERTO BAJO ESCENOGRAFÍA LUNAR COMPAÑÍA CENTRO DE TEATRO UNIVERSITARIO UNAM MÉXICO Ficha artística Autor y director: Alberto Villarreal Actores: Ana María Aparicio, Esmirna Barrios, Raúl Briones, Carmona Sabina Cobos, Miguel Pérez, Enciso Abril Pinedo, Mariano Ruiz, Carla Soto, Yosahandi Vega. Diseño de escenografía, vestuario e iluminación: Julia Reyes Retana Realización de vestuario: Yesenia Olvera Alamilla Género: Danza-teatro

La Obra Puesta en escena que muestra una compilación de “Miedos lunares”. Traducido a términos terrenales: se trata de la vida privada de un grupo de perdedores profesionales en concursos de baile de salón; algo sobre las estrellas segundonas en las películas mudas del viejo oeste; algo sobre la vida de las luciérnagas (...que son estrellas segundonas ¿no?); algo sobre la primera niña nacida sobre la luna que tiene los ojos llenos de polvo lunar. Por supuesto, los “miedos lunares” no tienen lógica en este mundo, por eso quizá, esto no es más que un teatro y un baile de protesta; un sabotaje contra nuestra necesidad, de esperar siempre el mismo orden en las cosas; contra nuestra necesidad de esperar que nos cuenten otra vez la misma historia: aquella donde un indio se enamora de una vaquerita de buen corazón y de buen cuerpo; aquella donde el indio muere para salvarle la vida a la vaquerita, que al final de la historia se casa con el vaquero, y juntos se hacen viejos, y son desgraciados.

La compañía “Desierto bajo escenografía lunar” es un montaje producido por el Centro Universitario de Teatro CUT en 2009. La obra tuvo una temporada en la caja negra de la misma escuela y una función dentro del 1er. Festival de Teatro Universitario de la UNAL 2010 en Monterrey Nuevo León. Debido al gran éxito de crítica y públicos se decidió darle al montaje una vida profesional más allá de su ámbito escolar, considerando que los resultados han sido muy satisfactorios y de un alto nivel teatral en el más estricto nivel profesional. El montaje pone en escena diversas técnicas del teatro contemporáneo, es un montaje de exploración en el discurso comprometido con la alta factura. Además, desde su dramaturgia, explora nuevas formas narrativas para el teatro donde ningún elemento de lenguaje de la puesta en escena está supeditado a otro, sino que todos trabajan en interrelación para lograr una experiencia directa y potente. Los temas de la obra son sobre las diferentes posibilidades de lo lunar, un compendio de miedos lunares; sobre los primeros habitantes de la luna; sobre las películas Clase “B” donde plantas lunares invaden nuestro planeta. La obra es la expresión de un dato científico: el que la luna se aleja de nuestro planeta 3.5 cm. todos los días, y que algún día ya no la veremos más; es sólo una invención sobre los pensamientos de la primera niña nacida en la luna que mira por su telescopio las dos únicas construcciones humanas visibles desde la luna: la muralla china en año nuevo y el letrero de Hollywood, porque los miedos lunares no tienen lógica en este mundo.

La danza y el actor La obra se compone de nueve actores-bailarines en un espacio vacío que es intervenido por ventiladores, un monociclo y escritura con tiza dentro del espacio a ritmos percusivos y sincronizados musicalmente con el texto. El discurso estético se desarrolla en tres principales planos: el actoral, el dancístico y el de la representación. La obra busca en equilibrio entre estos tres discursos de forma que ninguno esté subordinado ante el otro. La obra contiene tres partes: escenas aisladas y coreografías. La anécdota de la obra comienza con un grupo de bailarines que cobran por perder en concursos de baile. Siguiendo esta líneas por medio de las coreografías de la obra que son: Danzón, Piggies (Beatles) Conquest (White strippes) Teatro (La Lupe), se intercalan con seis historias sin aparente ilación. En cada uno participan dos actores. Escena de ruptura. Claro rompimiento para hablar del tema de la ficción en el teatro y las convenciones. Y escena final a modo coral donde se reúnen todas las historias anteriores. La obra ha sido diseñada para ser un gran reto actoral que vincule lo dancístico y lo teatral. El texto de la obra está en la línea de las nuevas dramaturgias, que se proponen estrategias narrativas diferentes con formas de sentido que se nutren del cine, la novela contemporánea y la poesía.

ASALTO AL AGUA TRANSPARENTE COMPAÑÍA LAGARTIJAS TIRADAS AL SOL MÉXICO

Ficha artística Creación y actuación: Luisa Pardo y Gabino Rodríguez. Diseño de luz: Marcela Flores Iconografía y diseño: Juan Leduc. Asistente: Mariana Villegas. Producción: Lagartijas tiradas al sol, Artillería y La Maquina de Teatro. La Obra Asalto al agua transparente es un documental escénico: la historia del agua en la Ciudad de México. Es una reflexión sobre la ciudad en la que vivimos, un recuento de los hechos que llevaron a la desecación de los lagos.

Cuadrilla de artistas Lagartijas tiradas al sol es una cuadrilla de artistas. Desde 2003 desarrollan proyectos como un mecanismo para vincular el trabajo y la vida, y de esta manera borrar fronteras. Su interés se centra en las fronteras del teatro, en las líneas que dividen la representación de la realidad y en la relación de la historia con la actualidad. A partir de documentar hechos concretos (el desecamiento de los lagos en la ciudad de México, la muerte de una madre, una relación, los movimientos armados en México) buscan reformular historias sobre el mundo en que vivimos. Un teatro con un bajo coeficiente de ficción. Su trabajo busca dotar de sentido, articular, dislocar y desentrañar lo que la práctica concreta fusiona. No tiene que ver con el entretenimiento, es un espacio para pensar. Han realizado 7 proyectos escénicos. En 2003 “Esta es la historia de un niño que creció y todavía se acuerda de algunas cosas”, a la que siguieron en 2005 “Noviembre” y “Pía”. En 2006 “Asalto al agua transparente”, en 2007 “En el mismo barco”, en 2009 “Catalina”. En 2010 estrenan “La rebeldía”, compuesto por un blog, un libro y la puesta en escena “El rumor del incendio”.

RINOCERONTE COMPAÑÍA DES HÉLICES – CASA DEL TEATRO NACIONAL COPRODUCCIÓN SUIZA-COLOMBIA Ficha artística Autor: Eugène Ionesco Director: Isabelle Matter Traducción: Maria Martínez Sierra Apoyo Dramatúrgico: Domenico Carli Escenografía: Fredy Porras Elenco: Héctor Loboguerrero, Carolina Orosco, Jorge Rico, Música: Adrien Kessler Títeres: Isabelle Matter, Leah Babel, Vestuario: July Guerrero, Maria Gálvez Luces: Adelio Leiva Sonido: Mario Ávila

La Obra Un domingo común y corriente en una pequeña ciudad, un rinoceronte atraviesa la plaza y aplasta a un gato. La ciudad es rápidamente invadida por otros rinocerontes, y la rinocerontitis, una enfermedad desconocida, la está contagiando progresivamente. Todos sus habitantes se transforman en rinocerontes. Todos menos Berenguer, un anti-héroe, un no conformista, un inadaptado a su existencia. El será el último sobreviviente de un mundo antiguo. El ultimo “hombre”. El Rinoceronte evoca una epidemia terrible que se apodera de los individuos. Aquella epidemia de la uniformización del pensamiento y el conformismo, tierra propicia a todo tipo de fanatismo, que puede llevar una civilización a cometer las peores barbaridades.

La Compañía La compañía des Hélices propone con este montaje una doble versión de Rinoceronte. Una será hecha en Colombia y la otra en Suiza. Pero estas dos versiones compartieron el mismo tronco Común. En mayo 2011, los equipos colombianos y suizos se encuentran en Colombia. Ahí, durante dos semanas intensivas, buscan de manera conjunta el esqueleto de la obra, con las propuestas de decorado y de títeres. Intercambian sobre la temática de esta obra desde la perspectiva suiza y colombiana. Comparan las realidades. Comparten sus diferencias de experiencias y de conocimientos profesionales. La manera de abordar el texto es distinta, como el tipo de presencia escénica. Pero este reconocimiento de las diferentes aptitudes enriquece al proyecto a nivel del contenido como a nivel de la forma. La versión colombiana se presentara desde el 6 de julio 2011 en la Casa del teatro nacional de Bogotá, y la versión suiza desde el 9 de noviembre 2011 en el Théâtre de Saint-Gervais, Genève. La actriz Fabiana Media, el escenógrafo Fredy Porras y la directora Isabelle Matter son los integrantes que sirven de puente entre las dos versiones.

OR. TAL VEZ LA VIDA SEA RIDÍCULA COMPAÑÍA DE ARTES ESCÉNICAS CONTEMPORÁNEAS COMPLOT URUGUAY

Ficha artística Autor: Gabriel Calderón Dirección: Ramiro Perdomo y Gabriel Calderón Elenco: Gustavo Saffores, Verónica Perrota, Bruno Pereyra, Dahiana Méndez, Rodrigo Garmendia, Gabriel Calderón. Escenografía: Nicolás Pequera. Vestuario: Cecilia Prigue. Iluminación: Pablo Caballero. Prensa: Ana Laura Barrios Producción: Complot (Adrián Minutti y Mariana Geisinger)

La obra consta de tres partes: Una tragedia, una comedia, y una tragicomedia. La misma sucede en la Ciudad de Or en dónde un grupo de personas unidas por la tragedia, verán cómo sus vidas poco a poco se van torciendo hacia la comedia, al tiempo que la tragicomedia parece instalarse. Tres géneros teatrales, tres sistemas de representación, tres modelos narrativos, una sola historia, una sola obra. “Or tal vez la vida sea ridícula” pertenece a la pentalogía que Calderón se encuentra desarrollando con base en el género de ciencia ficción del cual ya se conoció en el 2005 “Uz-el pueblo”.

La Compañía Complot es un colectivo de artistas con diferentes objetivos y maneras de pensar la escena. Es una compañía que reúne directores y dramaturgos, que convocan a sus equipos artísticos para cada proyecto, y que discute su programación anual, así como sus líneas de talleres y formación en conjunto. Su conformación diversa permite el desarrollo e implemento de una gran variedad de proyectos artísticos con objetivos, resultados y discursos diferentes, complementarios e incluso, contradictorios. La diversidad del colectivo es su principal valor y de ahí su conformación: Martín Inthamoussú (coreógrafo y bailarín), trabaja en danza contemporánea, teatro físico y colabora en cruces con los demás directores ; Gabriel Calderón (actor, dramaturgo y director de teatro), estrena textos propios, autores contemporáneos y cruza como actor o dramaturgo con los otros directores, Mariana Percovich (Dramaturga y directora de teatro), dirige textos propios o versiones de clásicos, y dramaturgia contemporánea, Ramiro Perdomo (actor y director de teatro), se ha especializado en dramaturgia contemporánea nacional, y participa como co-director o actor en los espectáculos del colectivo, Sergio Blanco (Dramaturgo) es el de más reciente incorporación. Todos han sido premiados como directores, dramaturgos o coreógrafos.

MALUCO COMPAÑÍA LA CUARTA URUGUAY

Ficha artística Autor: adaptación de Héctor Manuel Vidal de la novela de Napoleón Baccino Director: Héctor Manuel Vidal Elenco: Fernando Dianesi, Santiago Sanguinetti, Leonor Chavarría Dirección técnica: Claudia Sánchez Vestuario: Soledad Capurro Dirección Musical: Fernando Ulivi Producción ejecutiva: Gustavo Zidan Producción general: La Cuarta

La Obra El autor es Napoleón Baccino (uruguayo, vivo), con esta novela ganó varios premios, entre ellos Casa de las Américas de Cuba. El viaje en el que Magallanes descubre el estrecho que después llevaría su nombre, da pié a Napoleón Baccino para, a través del bufón inventado Juanillo Ponce, revisar esa parte de la historia. Pero no hace una novela histórica sino una novela que se sirve de la historia para que dura, crítica y gozosamente la ficción nos aclare la realidad. Más allá del derrotero de las cinco naves, de las traiciones y miserias de capitanes y tripulantes, de sufrimientos y choques de ambiciones, Baccino se enfoca en la imposible relación de su Juanillo con el poderoso Carlos V. Con libertad admirable juega y se deja influir por clásicos de todas las épocas. Nos obliga a encontrar formas en la puesta en escena para que el espectador sienta la seducción que el lector encontró en su momento, con las enormes diferencias de género.

La Compañía La Cuarta es un colectivo creado hace 15 años por Laura Pouso y Gustavo Zidan, dedicado especialmente a la producción integral de las artes presenciales. Desde sus inicios ha abarcado la concepción, desarrollo, producción y difusión de proyectos y eventos en el ámbito del arte en vivo. Los trabajos de La Cuarta han sido de impacto nacional e internacional. A lo largo de estos años, el eje de acción ha sido puesto al servicio de la creación artística.

ESPECTﾃ，ULOS DE SALA NACIONALES

GÜEPAJÉ HILOS MÁGICOS COLOMBIA Ficha artística Autor y Director: Ciro Gómez Técnica: Títeres de varillas y actores. La Obra Las raíces de esta historia se confunden entre la tradición oral de la costa norte colombiana y la leyenda europea “El Violín Mágico”. Ambas historias hablan del hechizo que la música puede generar en quien la escucha. Aquí “Güepajé” invita a vivir una aventura fantástica en medio de manglares, con un ogro, un simpático duende, un castillo, caimanes amaestrados y algo más. Para entrar en la aventura sólo basta emprender el viaje con el abuelo Makú y Concho el pescador, buscando con ellos la legendaria Flor del Agua. Si en el camino escuchamos su música alegre y contagiosa no hay que contenerse, simplemente es... ¡Güepajé!

LA INSURRECCIÓN DE LAS HORMIGAS TEATRO TIERRA-ENSAMBLAJE COLOMBIA Ficha artística Autor: William Ospina Dirección: Juan Carlos Moyano- Misael Torres. La Obra Al comienzo fue una línea sugerente que nos entregó el poeta William Ospina: “Sinfonía de un cuerpo que vuelve”. Alude al episodio comunero de 1781. Seis palabras, contundentes como un verso, nos permitieron imaginar la restauración simbólica de José Antonio Galán, comunero santandereano, precursor de la Independencia. Volver a juntar las partes del desmembrado nos pareció que se convertía en metáfora si pensamos en la Colombia que vivimos, descuartizada por la violencia y la corrupción. Prócer y mártir, Galán nos hizo evocar los acontecimientos que preceden la fundación de un país que desde su origen engendró circunstancias donde ha predominado el desequilibrio social, las reyertas interminables y el uso político de la traición y la mentira.

LOS EJÉRCITOS TEATRO TIERRA COLOMBIA Ficha artística Autor: Evelio José Rosero Dirección y puesta en escena: Juan Carlos Moyano Actuación: Daniel Maldonado, Clara Inés Ariza, Maryory Moreno, Sandra Silva, Ronald Ramírez, Joan Jiménez Diseño de Vestuario: Diana Marcela Murcia, Tatiana Riveros y Paola Michaells Composición musical: David Díaz y Daniel Maldonado Producción y arreglos musicales: David Díaz Asistencia de vestuario y Maquillaje: Julia Marín y Andrés Martínez Asistencia técnica: Elkin Cubillos y David Rosero Esta obra se realizó con el apoyo de la Orquesta filarmónica de Bogotá, dentro del programa de Apoyo a Grupos Profesionales sin Sala.

La Obra Todo sucede a través de la retina del profesor Ismael Pasos, docente pensionado que comienza a padecer desvaríos ocasionados por la edad y por los acontecimientos que suceden en San José, pueblo de paz. Educador de varias generaciones y testigo del cambio de los tiempos y de la guerra insensata que se libra en las regiones de Colombia, es un ser humano y siempre ha conservado la curiosa tentación que le despierta la desnudez femenina. Le gusta fisgonear a las mujeres, especialmente a Geraldina, la vecina, que broncea su misterio al descampado, en el patio contiguo, entre el aroma de las naranjas recién tomadas del árbol del deseo. El lugar es un paraíso cálido, aromático, sensual, con vida propia y contradicciones insalvables. San José es un pueblo que podría estar en cualquier lugar, inclusive en el corazón de las ciudades. Pertenece al territorio dramático de una nación que también ha padecido el infierno de la violencia entre bandos extraviados en una confrontación confusa, donde

las principales víctimas no están involucradas en el conflicto. El autor logra introducirnos en un ambiente donde es posible sentir aquello que la indiferencia cotidiana nos impide ver con claridad. El profesor Pasos es un hombre atacado por el mal de Alzheimer y sus olvidos forman parte de la relación que sostiene con personajes que pertenecen a una historia reveladora. Ismael Pasos y su mujer, se resisten a partir como lo han hecho la mayor parte de familias, que han huido despavoridas de San José, un pueblo cada vez más deshabitado y fantasmal. El conflicto entre los bandos alcanza el furor de acontecimientos imprevisibles y transforma las calles y las casas en campos de batalla. La población queda expuesta a situaciones que alteran la normalidad del espíritu y afectan la realidad de los personajes, que se van desdoblando en el filo del abismo. El profesor no puede escapar a un entorno que todo lo devora y que se toma los sueños y transforma las fiestas en duelos y los duelos en dolorosos festejos.

La Compañía El Teatro Tierra nació en 1989 y ha logrado crear un camino independiente y un estilo de reconocida calidad profesional. Funciona como una compañía alternativa que realiza montajes, temporadas y giras y como un laboratorio de investigación donde se trabaja sobre el arte de la actuación y las estructuras del drama contemporáneo En la poética del Teatro Tierra los objetos tienen vida propia y la actuación incluye un trabajo a partir de las relaciones entre el cuerpo, el espacio y los elementos escénicos. Cada montaje es una estructura autónoma donde la puesta en escena condensa la acción dramática, las posibilidades actorales y la poesía de las imágenes plásticas. El Teatro Tierra practica un arte forjado en la brega del escenario, con raíces en lo colombiano y en las herencias del teatro universal. Además de las giras de presentaciones el grupo ha recorrido las regiones del país, durante años, indagando culturas y anudando raíces. Temáticamente, además de la memoria histórica, el grupo se ha nutrido de inagotables fuentes de la literatura y ha elaborado lenguajes teatrales donde las metáforas escritas se transforman en acciones dramáticas e imágenes tangibles de voltaje emotivo.

JUAN CARLOS MOYANO Juan Carlos Moyano, escritor y director de teatro. Desde hace más de tres décadas ejerce el oficio teatral. Ha dirigido más de cincuenta montajes, con el Teatro Tierra y con distintos grupos, en diferentes regiones y países. Es un director polémico que le imprime a sus obras un sello de calidad indiscutible, logrando una intensa comunicación con públicos diversos. Comenzó su actividad teatral en 1975 con el Teatro Taller de Colombia, grupo con el que permaneció durante diez años, como actor y dramaturgo. En 1984, decide retirarse y crea, junto con otros directores, actores y artistas de diversas disciplinas la experiencia llamada Ensamblaje. En 1989, junto con Clara Inés Ariza, funda el Teatro Tierra y dirige Los ritos del retorno o las trampas de la fe (1989) y El Enano (1991). Simultáneamente, adapta y dirige la novela de Cien Años de soledad de García Márquez con el título de “Memoria y Olvido de Ursula Iguarán” (1991-92, con el Colectivo Cien años de Soledad), este trabajo es un rotundo éxito en el Festival Internacional de Teatro de Manizales de 1991 y con él recorre las principales ciudades de Colombia y los sitios neurálgicos de la sensibilidad nacional en una gira que se denominó Expedición al Corazón de Macondo. Ha publicado los siguientes libros: Espectros (poemas), La Pasión de las lunas (relatos), En la línea beduina (relatos), Guía de Sonámbulos (relatos) y Punto de fuga (novela).

QUE MONSTRUO NI QUE MONSTRUO COMPAÑÍA DE TÍTERES FANTOCHES Y CABEZONES COLOMBIA

Ficha artística Autor: Angelica Gitz – Imke sonnischen Director: Manuel Sánchez Titiriteros: Viviana Montoya, Wilfer Donado, Nazly Ramírez Técnico de Sonido y montaje: Tedys Villar Género: Títeres Público: Niños entre 5 y 10 años y adultos Duración: 40 minutos

La Obra Freddys está seguro de que hay un monstruo en su habitación. No lo ha visto, pero ve su sombra reflejada en la ventana y hasta siente unos ruidos raros. Sólo la valentía de su mamá podría ayudarlo…si no fuera porque ella descubre algo “terrible” debajo de la cama. “Qué Monstruo ni qué Monstruo” es una divertida pieza de títeres basada en el cuento “Un monstruo bajo la cama” de Angélica Gitz e Imke Sonnichsen, que trata de los miedos de los niños y de los adultos, y de la manera en que pueden ayudarse entre unos y otros mediante el afecto y la comprensión.

El Director Manuel Sáncjez. Fundador y director de los grupos de teatro Arro’conmango, Arropilla y Factoría de Ilusiones. Fundador y director artístico de la Fundación Cultural LUNETA 50 y del Festival Internacional de Cuenteros “El Caribe cuenta”. Actualmente Coordina el Área de Artes Escénicas de la Secretaría de Cultura y Patrimonio del Atlántico y dirige el proyecto Compañía-Escuela de Títeres del Atlántico.

SARA DICE (cien días 1) COMPAÑÍA TEATRO PETRA COLOMBIA Ficha artística Escrita y dirigida por: Fabio Rubiano Orjuela Actores: Marcela Valencia, Fernando García, Rosario Jaramillo, Jacques Toukmanian, Inés Correa, Liliana Escobar, Julián Caicedo, Jimena Durán y Nelson Camayo Asistente de Dirección y Producción: Jonatán Cabrera Dirección de arte: Laura Villegas y Alexander Gümbel Asistente de dirección de arte: Luisa Fernanda Rodríguez Asistente de vestuario: Rafael ArévaloDirección Dramaturgia: Fabio Rubiano La Obra La pieza está basada en escritos de M. Saguru, escritor y piloto japonés desaparecido en la segunda guerra mundial. Mako Saguru hace una pregunta: ¿Qué sucede cuando el asesinato desaparece en una sociedad? Él mismo responde: Si el asesinato deja de existir, es obvio que las poblaciones cambian su comportamiento. Más adelante descubre que el asesinato no puede desaparecer por completo, que al menos se necesita un número mínimo de asesinatos cada cierto tiempo: uno cada cien días. De esta manera se racionalizan las muertes violentas y evita que se produzcan por la ira, el dolor, la enajenación, intereses particulares o ideales políticos. El asesinato como decisión personal desaparece y se convierte en un procedimiento institucional. En Sara Dice (Cien Días I), el primer segmento de una trilogía, la norma ya está establecida y, el punto principal es que cada 100 días debe ocurrir un asesinato. La institución escoge a dos familias por sorteo. Una de las familias deberá decidir quién de sus integrantes se desempeñará como víctima y la

otra decidirá quién ejercerá como ejecutor. Todo gira alrededor de las familias escogidas para hacer cumplir la norma. Dichas familias, sus decisiones, la reacción ante el hecho de tener que ejercer como víctimas o verdugos, las votaciones para elegir a uno de los miembros, la inconformidad de los elegidos, los lutos previos y posteriores, la imposibilidad de matar fuera de la norma, son algunos de los momentos que cubre Sara Dice (Cien Días I). La Compañía Fue fundado por Marcela Valencia y Fabio Rubiano en 1985. Estrenó su primera obra El negro perfecto en 1987. Es uno de los grupos más representativos de las nuevas propuestas teatrales contemporáneas en Colombia con un público devoto que sigue atento a sus montajes y propuestas. Durante 25 años de trabajo ininterrumpido el Teatro Petra ha ganado varios premios nacionales e internacionales de dramaturgia, becas de creación, premios de coproducción, becas de residencias artísticas en el exterior, reconocimientos y giras en muchos festivales nacionales e internacionales.

SUEÑO EN LA LUNA COMPAÑÍA OFICINA CENTRAL DE LOS SUEÑOS COLOMBIA

Ficha artística Autor y director: Jaiver Jurado Elenco: Belsy Ruiz Rojas, Mary Torres Ávila, María Elena Giraldo Callejas, Carlos Enrique Ríos Carmona, Juan Fernando Castillón Álzate, Lina María Morales Música: Teatro Oficina Central de los Sueños Duración: 50 minutos La Obra La historia de Lilita y Capeto, dos niños que viven en el campo y que motivados por la historias que les cuenta su abuelo Pomponio, llenan sus mundos de una hermosa fantasía que los lleva a insólitos viajes de títeres a la luna y de extraños seres lunáticos que los acosan en sueños. Es, a la manera de las historias clásicas infantiles, un viaje de aventuras por mundos y seres traídos de una rica tradición literaria. La obra está representada a través de sombras chinescas, una técnica antigua, fascinante y compleja que se asume como un reto en esa investigación permanente de nuevos lenguajes que se impone el grupo día a día.

La Compañía La Oficina Central de los Sueños incursiona en nuevas técnicas del Teatro de Muñecos como el Teatro de Sombras y los títeres de varillas con mecanismos, propuesta que avanza nuestras exploraciones artísticas combinadas con la música y el teatro en vivo, todo esto adobado con una dramaturgia propia.

ESPECTﾃ，ULOS DE CALLE INTERNACIONALES

CANTANDO CALAMIDADES COMPAÑÍA SUN, TEATRO AL VIENTO COPRODUCCIÓN ARGENTINA-COLOMBIA Ficha artística Dirección y autoría: Lucas Cristofaro, Julia Castillo. Género: TEATRO UNIPERSONAL La Obra Una payasa, su mundo y sus canciones. Una mujer, muchas voces y también silencios. El amor y la muerte. Y un corazón que no para; de tan loco se regala y se muerde a sí mismo. Explota en canciones… aparece entonces una niña perdida que nadie buscó salvo ella misma que se busca y busca que la recuerden. Aparece para salvarse del olvido. Canta para que no la tape el silencio. Calle para escuchar su huella en el aire.

La Compañía SUN Teatro del Viento es un grupo de artistas, nacidos en diferentes ciudades de Argentina y Colombia, que desarrollan y comparten procesos artísticos y comunitarios, utilizando como espacio de interacción el teatro junto a la música, la danza y sus escenarios potenciales. El grupo nace dentro de la corporación cultural Barrio Comparsa de Medellín, Colombia y se consolida en 1997 buscando su propio camino en la experimentación teatral, tanto en calle, como en espacios cerrados. Desde el primero de enero del 2009 el grupo establece su nueva sede en Manizales (Caldas) y mantiene abiertas además sus puertas en su sede de Rosario (Santa Fé) en Argentina. La propuesta como compañía inicia con el grupo “A recreo teatro” de la ciudad de Medellín dando origen al movimiento cultural Barrio Comparsa en el año de 1991. En el año 1997 se consolida la compañía SUN Teatro del Viento – Arte Taller enfocándose en procesos pedagógicos y metodológicos fundamentados en las artes plásticas y escénicas para promover el desarrollo humano en organizaciones e instituciones tanto públicas como privadas.

CAYENDO HACIA EL CIELO COMPAÑÍA TITO AUSTRALIA Ficha artística Autor y Director: Rob Cartwright Elenco: Rob Cartwright Vestuario: Irina Gallardo Duración: 40 minutos

La Obra Tito vino al parque a practicar en su cuerda floja. Cuando se da cuenta que hay un puñado de personas observándolo, decide hacer un poco de diversión. Pone algo de música y comienza a cambiar con el ritmo. Las personas se quedan y Tito decide continuar. Pone otra canción y deja que la música llene su cuerpo de baile. Luego, tiene una idea, pero necesitará 4 miembros de la audiencia. Tito se auto presenta usando la participación del público, y mientras lo hace, tiene una nueva idea: les mostrará sus mejores trucos con la hula hula! Sin más trucos bajo la manga, vuelve a poner su hula hula en la estructura, y mientras lo hace tropieza y cae! ‘Oh Dios mío! me caí en el escenario en frente de un gran público!’ Tito piensa en su cabeza. Pánico. En eso, Tito tiene otra idea. Decide contar a la audiencia sobre su primera caída de la vida. Nuevamente nos contará la historia con ayuda del público. Desde aquí el espectáculo cobra impulso: Tito combina sus historias, su público, su música favorita y su cuerda floja para crear un espectáculo que termina con una caída. Una caída mucho más sexy y divertida que cualquiera de sus desplomes previos.

EL ACRÓBATA COMPAÑÍA SERES DE LUZ BRASIL Ficha artística Autor: Nani Colombaioni Director: Leris Colombaioni Género: Clown Clown “Jasmim”: Ily Curcio Maquillage y objetos: Nani Colombaioni Concepción de iluminación: Abel Saavedra Producción: Seres de Luz Teatro Espectáculo para todas las edades. Duración: 45 minutos

La Obra El clown Jasmim, en una tradicional saga de domadores de fieras, intentando inútilmente hacer que su mascota Pippo realice “peligrosas” proezas acrobáticas. Una dupla muy especial, una relación donde el domador y la fiera sorprenden al público por su gran ternura y simplicidad. La figura del clown nos revela aspectos esenciales sobre la condición humana, dotado de una lógica propia, establece una comunicación directa con el público “llevándolo de la mano” por un especial camino de reencuentro con lo patético, lo lírico y lo cómico de cada uno. Con su apariencia ridícula, el clown crea situaciones inusitadas, provocando ternura e hilaridad en un ejercício libre, repleto de coraje y generosidad. El Acróbata es un clásico trabajo de clown, fruto del intercambio con el maestro Nani Colombaioni (In Memoriam) en Itália, en 1998. Desde su estreno en Berna-Suiza en 1998, ya fue presentado para los más variados públicos: campo de refugiados de Kosovo en Suiza, asilos, hospitales, escuelas, plazas, circos y teatros en Itália, Rumania, España, Colombia, Brasil, Perú y Argentina.

AL PALOOOO… TALLARIN CON BANANA CHILE-ARGENTINA Ficha artística Autor: Creación Colectiva Tallarín con banana Dirección: Colectiva La Obra Son personajes en busca de complicidad y simpatía con el público. Proponen un juego de enredos mientras se tropiezan con acrobacias; desbordados de risa y con alguna prisa, intervienen la calle buscando a quien los halle. Hacen, deshacen y comparten su pequeña locura, sin perder del todo la cordura. Será simplemente un ratito, un tiempo chiquitito, en este mundo gigante, de fantasmas caminantes.

MEMORIAL DE LA NOCHE COLECTIVO ARTÍSTICO MANOS A LA OBRA CHILE

Ficha artística Autor: Patricio Manns Director: Adrian Montealegre Elenco: Enrique “Papo” Quezada, Sujey Vergara, Natalia Cuadra, Pía Barraza, Alejandra Zarricueta, Luis Claramunt, Daniel Norin Rodrigo Orozco, Músicos: Raúl Peña, Saulo Cruz de Oliveira, Raúl Landini, Simón Olea, Cristóbal Navarrete, Nelson Rojas Coreografías: Paulina Lathrop Iluminación: Claudio Parra Fotografía: Rodrigo Salinas Gráfica: Raúl Landini Duración: 1 hora 10 minutos Género: teatro gestual y musical

La Obra Relato épico, memoria de la nación Mapuche originaria de su tierra y su cultura. Un hombre que toma su bandera de lucha por una étnia postergada en manos de quienes la desnaturalizan y subyugan. … Y un amor que va más allá de las acciones de los hombres. Porque el que olvida prepara su propia derrota, hay que aprender a recordar. El espectáculo incluye música, danza, mimodrama, pintura, fotografía y el rescate de la cultura mapuche. Con ellos se hace la coctelería y la muestra de la joyería, por ello durante todas las funciones se vende comida y se exhiben joyas.

CATORCE COMPAÑÍA FURA ESPAÑA (País Vasco) Ficha artística Autor y director: André Simard Género: Teatro Físico

La Obra Un espectáculo aéreo de pequeño formato enmascarado en el teatro físico sobe telas. “…entonces no lo entendí, hasta que una visión de la noche me reveló, que son catorce, son infinitos, los mares y los templos. Todo está muchas veces, catorce veces, pero solo dos cosas hay en el mundo que parecen estar una sola vez: arriba, el intrincado sol; abajo, Asterión*” J.L. BORGES. La Casa de Asterión.

La Compañía Fura es creadora e intérprete de diferentes coreografías aéreas de circo. Basándose en su conocimiento de las técnicas de circo y del movimiento en el aire, ha creado cinco espectáculos de pequeño formato que han sido representados en diversos festivales de circo, danza, teatro en Europa, Asia y América. Fura comienza su camino como trapecista en París, tras formarse en danza y arte dramático en España y Francia. Es en esta ciudad, París, donde comienza su carrera como trapecista, de la mano de Josephine Maistre, trapecista del desaperecido Cirque Aligre. Tres años más tarde, se traslada a Montreal (Canadá), donde se entrena en trapecio “Grand Ballant” con André Simard, creador de las coreografías aéreas del Cirque du Soleil. A su vuelta a París, se enrola en el Cirque Romanesque Bouglione. Posteriormente Fura regresa a España y convierte todos los conocimientos adquiridos y experiencias creativas, en cinco coreografías aéreas. Entre sus espectáculos figuran “El Corazón del Ángel” trapecio fijo, “Catorce” trabajo de movimiento aéreo con telas inspirado en el cuento de J.L. Borges “La Casa de Asterión”, Solve” creación en telas verticales y “…Et coagula “ coreografía sobre un gran Sello de Salomón (estrella de seis puntas símbolo de la naturaleza dual del alma y también símbolo de la piedra filosofal buscada por los alquimistas). Además Fura ha colaborado con otros artistas y compañías como La Fura dels Baus o Lluís Llach. Su trabajo ha sido galardonado en dos ocasiones, Prix Bouchon D’or al mejor espectáculo en el Festival Coup de ChaufCognac (Francia 1998) y Premi Aplaudiments Sebastià Gasch 2001 (Barcelona 2002). Actualmente, Fura está llevando a cabo la producción de un nuevo espectáculo para salas de teatro llamado Nell’ Aria Aperta, dónde unirá el trabajo aéreo a otras disciplinas escénicas.

ELLAS BAILAN SOLAS PIKOR TEATRO ESPAÑA (País Vasco)

Ficha artística Texto: Colectivo Director: Miguel Olmeda Ayudante Dirección: Carmen Di Bella Actrices: Ángeles Argudo, Belén Nevado Atrezzo: Eskenitek, s.l. Vestuario: Carmen Di Bella Caracterización: Esther Villar Producción: Zurine Martín Duración: 1 hora La Obra Dos angelicales viejecitas a bordo de su silla de ruedas automática recorren atónitas las calles, andan como perdidas pero en realidad se han fugado de la residencia donde vivían. Los celadores las buscan pero ellas ya han tomado una decisión, se acabó lo de ser un trasto viejo relegado a un rincón; aún les quedan promesas y muchos sueños por cumplir.

La Compañía Después de 18 años montando espectáculos de teatro de calle de diferente formato queremos con este “ELLAS BAILAN SOLAS” volver al trabajo más esencial del actor de calle donde la narración del espectáculo está basada en la fuerza de los personajes, en su personalidad imprevisible y en su capacidad de interaccionar y conmover al público. Desprovistos de cualquier parafernalia escenográfica los personajes se desplazan en una silla de ruedas eléctrica e interactúan con el público y la orografía urbana. El espectáculo consta de un menú amplio de intervenciones de las dos protagonistas que se adaptarán y elegirán dependiendo de las características del espacio público donde se presenta: fuentes públicas, terrazas de bar, estatuas, escaparates, árboles, escaleras, balcones, etc.

MR. FRACK COMPAÑÍA XABI LARREA ESPAÑA (País Vasco)

Ficha artística Dirigido, creado y representado por Xabi Larrea. Duración: 45 min. Para todos los públicos. Género: Comedia Circense La Obra Un espectáculo cómico circense, que de forma entretenida y amena realiza diferentes habilidades técnicas acrobáticas y malabarísticas, alternándolo con la participación de algún voluntario realizando juegos divertidos y “posibles” entre ambos. Chistes, bromas, improvisación y técnicas peligrosas y espectaculares completan la representación. Un espectáculo capaz de ser representado en japonés, euskera, inglés y castellano, es dinámico, internacional, vistoso, teatral y circense, lo que hacen de él un show multidisciplinar que engancha hasta el final a todo tipo de audiencia.

La Compañía “Un personaje elegante y atrevido, que altera con destreza la rutina de la calle mediante la crítica social, en un espectáculo vistoso por su calidad malabar y cómico por su humor participativo e incluyente, donde La Magia del Teatro y el Espectáculo del Circo están siempre presentes.”

QUADRA-T NATXO MONTERO DANZA ESPAÑA (País Vasco)

Ficha artística Director: Natxo Montero Creación: Álvaro Esteban y Natxo Montero Interpretación: Álvaro Esteban / Jorge Lastra y Natxo Montero Iluminación (para sala): Natxo Montero Duración: 15 minutos Música: Collage musical Producción: Teatro mutante SL Género: Pasacalle

La Obra Caminos enfrentados por casualidad, sin motivo. Tú no, yo tampoco. Ni para atrás, ni para delante, así no se puede. Yo no suelto, tú no me sueltas. ¿Quieres seguir? ……… yo también. Vayamos juntos!!!!!!!! Quadra-T se estrenó en la primera edición del Festival EMPAPE, en el marco Ciudades que danzan en A Coruña, España. Posteriormente fue seleccionada para la XXII edición del Certamen Coreográfico de Madrid, donde fue galardonada con tres premios.

La Compañía Natxo Montero Matía (Bilbao, 1972). Desde joven comienza en el mundo de la danza, primero en danza tradicional vasca y luego sigue su formación en danza contemporánea. Paralelamente cursa estudios de electricidad. Como interprete ha trabajado en diferentes compañías: Organik, Steak Tartar, Pisando Ovos, Sofie Saller y Félix Ruckert Company, Cia Francoise Murcia, Cia Rialto Fabrik Nomade, en el Centro Coreográfico Galego y Colectivo RUeMANIAK. Crea y baila junto a Jorge Lastra “ Naranjas del tiempo” seleccionada en la VIII Muestra de creación coreográfica de Jóvenes Coreógrafos Vascos. Crea e interpreta con Álvaro Esteban la pieza “ CUADRA–T,” pieza finalista en el Certamen Coreográfico de Madrid 2008 con tres premios. En 2009 recibe el 2º premio en el Certamen Coreográfico de Madrid con la pieza “Carni di prima qualità “creada en colaboración con Patricia Fuentes. Pieza que hoy en día está en gira internacionalmente.

SOKA KUKAI COMPAÑÍA DANZA ESPAÑA (País Vasco)

Ficha artística Director:Jon Maya Sein Bailarines: Alain Maya Sein, Urko Michelena Ruiz, Nerea Vesga Elizalde, Ibon Huarte Arrayago, Ihintze Irungaray Percusionista: Iñaki Telleria Barrena La Obra La calle, la plaza, como lugar de encuentro entre las personas y espacio donde trascurre la acción, la cuerda, soka, the rope… Sokadantza (danza cuerda) es una de las tradiciones danzadas más arraigadas del País Vasco. Una tradición que refleja la unión de la sociedad por medio de la danza. “Soka” recrea este concepto desde una visión contemporánea. Recoge la esencia de esta danza ancestral para tratarla desde un punto de vista actual, desde la mirada de los jóvenes creadores contemporáneos. Un espectáculo que nace tras el encuentro entre los bailarines de la Compañía de Danza Kukai y la coreografía Pantxika Telleria. Cinco bailarines y dos percusionistas protagonizan este espectáculo que realiza un interesante trabajo de búsqueda y encuentro entre sus creadores y sus intérpretes. Soka es el resultado de una pieza que a ritmo de percusión se desarrolla de forma muy fluida.

La Compañía La Compañía de Danza Kukai crea espectáculos a partir de la danza tradicional vasca. Impulsa colaboraciones e interacciones con otras disciplinas artísticas, otros estilos de danza y otros modos de entender el arte. Kukai parte de la danza tradicional vasca para crear espectáculos contemporáneos. Comenzó su andadura en el año 2001, con la presentación de la coreografía “DEIADARRA” y desde entonces ha creado varios espectáculos, ha realizado diferentes colaboraciones y ha participado en numerosos eventos especiales. Tras la presentación de su primera creación, comenzó su colaboración con Tanttaka Teatroa. Kukai-Tanttaka es un maridaje de gran calado que ha dejado espectáculos tan reseñables como: “1937, POR LAS SENDAS DEL RECUERDO” (2002), “OTEhITZAri BIRAKA” (2005) y “HNUY ILLA…” (2008). Estos espectáculos han tenido un gran éxito obteniendo varios premios. El más destacable de ellos el PREMIO MAX AL ESPECTACULO REVELACION 2009 que consiguió ‘Hnuy Illa..’. Estos espectáculos se han presentado en países como Argentina, Chile, Uruguay, Venezuela, Colombia, Estados Unidos, Ecuador, Berlin, Paris, Inglaterra…. En el año 2009 emprende una colaboración con la coreógrafa Pantxika Telleria, del cual nacen dos espectáculos: “SOKA” (Mención especial del jurado en el festival de artes de calle de Valladolid) y “(SOK)2”, espectáculo inaugural del Teatro Campos Eliseos de Bilbao. En el 2011 Kukai está inmerso en un proceso de creación con diferentes coreógrafos. Del trabajo conjunto con Damian Muñoz y Virginia Garcia, Iker Gómez y Pantxika Tellería ha nacido el espectáculo “KARRIKAN”.

AZAR JEF JOHNSON ESTADOS UNIDOS

Ficha artística Autor y Director: Jef Johnson Género: Clown

La Obra Siempre he estado interesado en la perspectiva de cada persona y cómo este se siente mal por su expectativa de la percepción de los demás ... tanto en el escenario como en la relación entre la acción en el escenario y el público en un momento dado. En el escenario se puede existir, podemos sorprender a los espectadores, mantenerlos adivinando. En la vida siempre hay opciones en cada momento de la experiencia ... y en el escenario existe la posibilidad de tener esta vibracion, esta sensación de que cualquier cosa puede suceder. En este tipo de juego, cuando el público ve la realidad de lo que efectivamente se desarrolla, sus mentes lo registran como experiencia, histórica, épica. De esta manera, dejamos ir el sentido de que estamos mirando algo representado por una persona y creemos que estamos presentes en el espacio de un universo especial donde las cosas sucede. Todos nos involucramos. Cuando esto se realiza algo muy especial ocurre, la sensación de que somos uno en la experiencia.

CALLINGS COMPAÑÍA THE CARPETBAG BRIGADE ESTADOS UNIDOS

Ficha artística Autor y director: Jay Ruby Género: Acrobacia en zancos La Obra El lugar nos fijamos cuando nuestros ojos se cierran, las palabras que escuchamos cuando nadie está hablando, los jeroglíficos de los susurros y las advertencias e invocaciones. La mano invisible del futuro no escrito. “CALLINGS” (Llamamientos) examina nuestra naturaleza supersticiosa y la capacidad de crear significado e impregnar el mundo con lo sobrenatural. ¿Qué nos impulsa a creer en los signos, presagios y señales? Son los patrones que percibimos, simplemente ritmo, forma y color, o es el mundo natural que revela un orden superior de existencia, la articulación de una inteligencia que nos llama desde el interior. Los zancos Carpetbag utilizan al nivel del suelo bailarines que interactúan con los bailarines sobre zancos acrobáticos. La distancia genera una mayor relación de contraste de los dos niveles de los artistas intérpretes y magnifica las metáforas de la relación entre sus dos mundos.

La Compañía The Carpetbag Brigade fue fundada por Jay Ruby en 1998, en el pequeño pueblo de Prescott, Arizona. En 2004 se trasladó a San Francisco, California. La compañía tiene en su repertorio obras para espacios cerrados, así como para espacios al aire libre, les gusta trabajar con historias e imágenes místicas y poéticas. Son reconocidos por su trabajo acrobático con zancos, puesto que le han dedicado mucha investigación para mejorar la técnica, incluso hacen alocadas mezclas como incluir elementos circenses, de danza Butoh e incluso improvisación de contacto. El compromiso de la compañía es llevar sus espectáculos a los más diversos espacios y públicos, tanto urbanos como rurales. Desde una reserva indígena, grandes espacios en Nueva York y Hollywood, hasta diversos festivales en el mundo. En la actualidad es codirigida por Kristen Greco.

LA OPOSICION COMPAÑÍA CLOSE ACT Y TEATRO TALLER DE COLOMBIA COPRODUCCIÓN HOLANDA - COLOMBIA

Ficha artística Creacion y Direccion: Hester Melief – Jorge Vargas

La Obra La dualidad es una constante influencia dentro de esta obra. La estricta disciplina y fuerza generada por percusionistas hace que los bailarines caminen y se dirijan hacia la dirección correcta. Los individuos algunas veces se ven presionados a caminar de cierta forma un poco más estricta y diferente. Se ven salvajes con movimientos agresivos, sus voces suenan como las de animales tratando de escapar. El espectador siente cómo la tensión se incrementa con cada movimiento. A pesar de estos extraños movimientos y el sonido de sus voces, los bailarines continúan siendo perseguidos por los percusionistas; este sonido generado por los tambores y las voces hacen que la presión se incremente poco a poco. Algunos de los individuos tratan de escapar pero son atrapados con largas cuerdas. Esta “pelea” un poco caótica lleva al espectador a un clímax por parte de los artistas. En este momento la cantante aparece y electriza a la audiencia. Este espectáculo consta de dos ingredientes: un desfile o pasacalles (con escenas cortas a lo largo del camino) y una corta función en el escenario principal.

L´ASINO (EL ASNO) ENSEMBLE LODI ITALIA

Ficha artística Director: Francesco Suardi

La Obra Artistas en zancos ambientados con música de Maurice Ravel, Kurt Weil y Johan Sebastián Bach, interpretadas en vivo, narran una historia contada en imágenes acerca de la soledad individual en la que se encuentra quien no cede a las adulaciones del poder, sólo para evitar encontrarse de frente a sus miedos. Los personajes confrontan las traiciones, la propia humanidad, la cultura y las instituciones. Es una reflexión sobre el significado más real y profundo de la verdad y la derrota.

La Compañía Ensemble Lodi es un centro de producción teatral, creado en 2008 en la provincia de Lodi, perteneciente a región de Lombardia, Italia. Sus producciones y dramaturgias se basan en creaciones colectivas, que ven en los ámbitos sociales y políticos su mayor inspiración. Usan las calles, las vías, las plazoletas, los campos, los edificios para adaptar sus montajes. En sus obras se destaca el uso de elementos de la escritura y antropología teatral, les interesa además utilizar técnicas innovadoras y de vanguardia.

MARIACHI CLOWN COMPAÑÍA CORNISA 20 MÉXICO

Ficha artística Texto: Creación colectiva Director: Roberto Sánchez Avendaño Elenco: Ángel Gerardo Curiel Moreno, Juan Carlos Nava González, Jorge Luis De la Cuesta Hurtado

La Obra Una muestra de las tradiciones mexicanas con un acento de teatralidad. Tres personas vestidas de mariachi, cada uno con un color de la bandera mexicana, realizan actividades escénicas, musicales y de comedia. Son tres estatuas vivientes que realizan juegos escénicos, como zapateado y serenatas, así como otras tradiciones mexicanas, y aunque se habla otro idioma, eso no es una barrera, pues la música mexicana es reconocida en todo el mundo. Temas como “Cielito lindo”, “La cucaracha” y “El son de la negra” aparecen en la escena para dar una muestra de las costumbres y tradiciones “manitas”. La Compañía Cornisa 20 se fundó en 1992 en la Universidad Nacional Autónoma de México. Es una compañía de repertorio, que realiza teatro de calle, títeres y foro. Sus producciones están diseñadas para presentarse en cualquier espacio desde las más alejadas comunidades con las mínimas necesidades técnicas, hasta grandes plazas de importantes ciudades. Su trabajo teatral incluye técnicas variadas como: acrobacia, clown, danza, títeres, zancos, mojigangas (muñecos gigantes), etc. Con sus diferentes montajes han participado en ferias y festivales alrededor del mundo, se han presentado no sólo en México, sino que han recorrido Europa, Asia, África y América. Sus espectáculos más destacados son: Mariachi Clown, Don Quijote, Los tres Reyes Magos, Un cambio de piel, Los grandes amantes: Romeo y Julieta y Des-concierto navideño, entre otros.

SUEÑOS TROTANTES COMPAÑÍA CIANE VENEZUELA Ficha artística Representante: Peggy Bruzual, Soraya Orta Autor: Soraya Orta Director: Soraya Orta Duración: 45 minutos Género: Danza acrobática La Obra Un espectáculo de “Danza de Altura” en el que reina la poesía y el movimiento, con una puesta en escena llena de equilibrio corporal, percusión y una coreografía ejecutada por artistas sobre zancos, ejemplo de excelencia, trabajo, disciplina y creatividad en nuestro país. La historia gira en torno a un niño que se aferra a sus sueños para alcanzar el éxito a pesar de las limitaciones que tiene y de la dura realidad en que vive. El niño interactúa con los artistas adultos para crear una composición visual fascinante, en la que busca poder llegar a extender las piernas más allá de lo humanamente posible. En este montaje soñar es un lenguaje, una forma de expresión sobre la profunda fuerza que caracteriza a la condición humana y nos hace sentir el goce de estar vivos.

La Compañía El CIANE es una institución creada en Caracas, Venezuela por Peggy Bruzual y Soraya Orta, como un espacio de investigación, formación y producción de las distintas posibilidades de las artes en general. Con un trabajo inspirado en el poder transformador de las artes, con fines de crecimiento humano y desarrollo social, aunado a la investigación del cuerpo como herramienta del intérprete escénico, basando sus investigaciones en la biomecánica, desarrollándose en el teatro físico, la danza, la acrobacia, los zancos, etc. En este Centro, fue creada por Soraya Orta la DANZA DE ALTURA, técnica que fusiona la danza, el teatro físico, la acrobacia y los zancos en una sola disciplina, formando intérpretes que más allá de ser bailarines, actores, acróbatas o zanqueros, son intérpretes integrales que utilizan elementos de extensión corporal como herramientas dentro de sus diferentes creaciones. Esta institución venezolana de proyección internacional se destaca por un minucioso estudio del trabajo corporal, la anatomía y el cuidado del cuerpo del intérprete, basando su trabajo pedagógico en un profundo estudio de la biomecánica, orientando sus producciones creativas hacia el teatro físico y la danza de altura, técnica creada y desarrollada en el CIANE por Soraya Orta, lo cual les ha llevado a diferentes lugares del mundo a impartir talleres de trabajo físico para actores y Talleres de zancos, creando una metodología de enseñanza única, basada en contenidos donde el principal objetivo es el aprendizaje responsable. Para CIANE ver “el mundo desde arriba” implica algo distinto al trabajo del zanquero convencional, para CIANE “el zanco es una herramienta de extensión corporal a través de la cual buscamos la poética del movimiento. El Zanco nos mantiene entre el cielo y la tierra……Es la elevación del intérprete para desarrollar una DANZA DE ALTURA”, técnica nueva, única, desarrollada en CIANE, creada por Soraya Orta, Directora Artística de esta Compañía.

ESPECTﾃ，ULOS DE CALLE COLOMBIA

DE PASO CIRCO TEATRO MANIZALES Ficha artística Autor y Director: Alexander Devia Actores: Pablo Castro, Lino Yeison Cardona, Jesica Johanna Zapata, Alexander Devia

La Obra Ni de aquí, ni de allá, de ninguna parte; andan por ahí, habitando las calles y sus rincones, convirtiéndolas en su hogar; vagabundos de todas las clases se encontrarán en un mismo lugar para compartir, debatir, pero sobre todo hacer reír al público con sus ocurrencias y sus mútiples y complicadas maneras de ser. El grupo está conformado por estudiantes y egresados del Programa de Artes Escénicas de la Universidad de Caldas, que convergen en el desarrollo de las artes circenses aprovechando, principalmente, la dinámica cultural de la ciudad. En sus trabajos expresan a través del circo las diferentes situaciones y problemáticas del ser humano.

DOMITILO EL REY DE LA RUMBA CORPORACIÓN CULTURAL NUESTRA GENTE Homenaje vivo al autor colombiano Críspulo Torres, director y fundador del Teatro Tecal en Bogotá. Ficha artística Director artístico: Fredy Bedoya Actores y músicos en escena: 32 Vestuario, maquillaje, utilería y escenografía: El Grupo Duración: 45 minutos

La Obra La Corporación Cultural Nuestra Gente propone una obra de ensamblaje de sus procesos formativos, donde se mezcla la experiencia de su elenco teatral con niñas, niños, adolescentes y jóvenes del proceso de escuela. Asimismo se lleva a escena este texto por su versatilidad y por la carga de alegría y sentido del teatro callejero, en la misma el director encuentra: “fiesta negra, fiesta indígena, fiesta blanca… mixtura de sonidos, carnaval de danzas enlazados por la historia de un hombre sencillo, de un hombre común que unió la tierra con el cielo en un gran fiestón para que el mundo viviera mejor, más feliz, para que los gobernantes gobernaran desde la alegría, que purifica el alma y nos acerca al cielo. Para no olvidar, para recordar que somos esta bella mixtura de razas, llenas de bailes y de color, de fuerzas y resistencias, negro, indio y blanco, baile, música y teatro puestas en la calle para inundar de fiesta la vida, la cotidianidad. Un viaje, una historia que se va contando con el pasar de las calle”.

CIRCUITO PERFORMÁTICO Dirección: Paul Barrios Performers Juan Camilo Molina, Carolina Raffan, Alex Devia, Carolina Marín, Alejandro Gutierrez, Yesica Zapata, Silvio Vargas, Adriana Angélica López, Carlos Andrés Rivera Triviño, Sandra Diaz Duración 3 horas. Cinco actos performáticos en espacio público en los cuales se da un tratamiento metafórico a los imaginarios urbanos. A pesar de que las acciones son diferentes entre si, se relacionan por medio de un eje temático que tiene que ver directamente con la calle y sus aspectos sociales, ambientales, de tránsito y comunicación.

1. Afán y espera. 2. Primeros auxilios. 3. Escaleras noticiosas. 4. Vehículos livianos. 5. Estatuas humanas

ÉXODO, CAMINANTES SIN RETORNO TEATRO TALLER DE COLOMBIA Ficha artística Creación y Dirección: David Clarkson y Mario Matallana La Obra Es el drama colectivo del desplazamiento forzado, de aquellos que son expulsados de su lugar de origen y que se ven obligados a refugiarse en tierras ajenas, en viajes obligados que se emprenden para salvar una vida, para salir de la violencia, para buscar un futuro mejor, por el hambre o por la guerra. Los personajes viven y mueren en el dolor de la partida, la añoranza de su lugar de origen y la incertidumbre del futuro. Son caminantes, que incesantemente van y vienen, caen y se levantan. Son sobrevivientes que huyen de la muerte que agazapada espera en cada esquina, en cada rincón de país. Éxodo es una propuesta para teatro callejero y espacios abiertos, elaborado a partir de la espectacularidad acrobática en zancos, el vértigo, el riesgo a las alturas y el reto creativo que representa el arte para el actor. Son los fantasmas, los miedos y los odios de una realidad que los actores en el ritual del teatro intentan sanar y liberar en comunión con los espectadores.

LIBELOS Y MEMORIAS TEATRO AZUL COLOMBIA-ARMENIA Dirección: Leonardo Echeverri Botina

La Obra Esta fue una de las obras ganadoras del programa Escenas de la Independencia del Ministerio de Cultura en alianza con REDLAT. El escena dispuesto en un carro, es habitado por jóvenes que llevan puesta la historia de Colombia. Pero es una historia contada de manera distinta; los jóvenes la traen con imágenes, asociando el ayer con el hoy. Libelos y Memorias es un grito más, un grito de una nueva generación, en busca de ser, tal vez, un poco más concientes.

OLOR A BARRIO ROBINSON POSADA Ficha artística Autor y Director: Robinson Posada Género: cuentería

La Obra Montaje escénico donde el personaje narrador “EL PARCERO DEL BARRIO POPULAR N 8”, acompañado de otro relator de barrio( un rapero) nos cuentan sus historias de comuna como reflejo de la realidad del mundo; nos hablan del amor, de la esquina, de la hermandad entre parceros, mostrándonos el camino que la juventud no debe transitar. Una poesía que nace desde el parlache. Robinson Posada es docente, actor y cuentero; a través de sus múltiples propuestas artísticas muestra la idiosincrasia de un pueblo, la importancia de la literatura y la verdad de las calles y su gente, usando como medio relator y demostrativo la cuentería. En su propuesta escénica se ha interesado por la investigación social y lingüística de las comunidades menos favorecidas, contando a través de la palabra las historias de la gente de los barrios populares de Medellín.

EL CONVITE DE LOS HÉROES COMEDIANTES ENDEMONIADOS DE RIOSUCIO Ficha artística Autor: Creación Colectiva Director: Misael Torres La Obra Bolívar es invocado por tres brujas poderosas de la región para que responda a una pregunta, que es motivo de discordia entre los Riosuceños: ¿pagó o no pagó Bolívar una deuda contraída con los ingleses para comprar armas para su causa independentista? Ayudado por el Diablo del Carnaval Riosuceño, Bolívar baja al averno para recuperar un papiro donde se certifica el pago de la deuda

PASOS DE PAYASOS Ficha artística Clowns: Wilmar Guzmán Beltrán, John Jairo Martínez Rodríguez, Carlos Andrés Niño, Luis Eduardo Guzmán Cardozo.

Tres payasos deciden abandonar su carpa de circo para ir de ciudad en ciudad, de pueblo en pueblo compartiendo destrezas, que logran con mucha dificultad. La conquista de la única payasa del grupo acentúa el drama, quien les pone pruebas casi imposibles de cumplir .

GRAN CONCIERTO MUSICAL LA RECONTRA Y GORDOS PROJECT Lugar: Expoferias Fecha: Viernes 16 de Septiembre Hora: 8:00 PM

Concierto musical de dos reconocidas agrupaciones colombianas. LA RECONTRA, es un colectivo Bogotano creado en el 2008 con la idea de diseñar una fiesta que rotara música más allá de la frontera. En un principio, a esta fiesta se le llamó gitana por contar con música del pueblo RROM dentro de su play list, también por su carácter nómada de andar de casa en casa, de bar en bar y recientemente, de teatro en teatro. La Recontra busca establecer un dialogo basado en la alegría y la unión, usando música que se niega a aceptar una versión prefabricada de la belleza y la alegría. La música de La Recontra viene desde abajo y no se impone por la fuerza; poco a poco se apodera de los oídos, las cabezas y los corazones y hace que la gente baile como si no hubiera un mañana.

Por su parte Gordo’s Project surge en el 2007 con estudiantes de música de la Universidad Eafit de Medellín, hoy profesionales inscritos también a agrupaciones como Banda la República, Parlantes y Bajotierra. Grabaron su primer disco titulado “The new tablado”, del que hasta ahora han realizado más de 40 presentaciones en vivo. Se sirve de aires tropicales colombianos y del Caribe (cumbia, porro, vallenato, chucu chucu, son, merengue) para interpretarlos en un formato distinto que tal vez no procure el crecimiento de la música colombiana, pero seguro la robustece, porque la hace más “pesada”.

CUENTOS DE VIAJES Y PARAJES MAURICIO PATIÑO CUENTERO DE LA CORPORACIÓN CULTURAL VIVAPALABRA

Cuentos: Los Gitanos, El País de los Muertos, La Sonrisa del Diablo. De pueblo en pueblo van viajando estas historias nómadas, como los gitanos. De bocas a oídos, y de oídos a bocas viajan, hasta convertirse en tradición oral. Un espectáculo compuesto por tres historias de tradición oral africana, europea y latinoaméricana llevadas a escena a través de un estilo rico en imágenes corporales, interacciones con el público y esa magia de lo espontáneo que sólo la cuentería puede dar.

MUESTRA MANIZALEÑA “TITIRIPOMBO” 9 AL 17 DE SEPTIEMBRE

EL GATO Y LOS RATONES De Roberto Espina Coproducción títeres bajo el puente y teatro Punto de Partida Títeres de manipulación a la vista Mishu-mischi es un miau…miau… que esconde en el sótano de su casa tres quesos muy quesudos: un roquefort, un gruyere y uno de bola. Y el olor de estos tres quesitos, que es un olor muy oloroso, despierta el hambre de los ratones Ric-Ric y Ric –Rac que, de aquí para allí y de allí para acá, buscan que te buscan algo que mascar. El avariento don aprenderá la importancia de dar y recibir en una fabula llena de música, color y humor.

HAY QUE BUSCAR UN DIABLITO Teatro ‘Punto de partida’ Técnica de varilla

Esta obra nos enseña que todo enemigo es pequeño cuando del bien se habla. Algunas de nuestras debilidades (codicia, gula, pereza) son representadas en estos tres diablitos que son vencidos finalmente por un ser noble y sin malicia que nos hace ver el camino correcto para conseguir lo que necesitamos.

HISTORIA DE DOS CABALLOS Coproducción teatro de sombras y títeres ‘Eclipse de luna’ – Corporación Rafael Pombo. Teatro de sombras Poema de Carlos Castro Saavedra. Adaptación para ser proyectada a través de la luz y la sombra, permitiendo a los niños vivir junto a los personajes esta historia llena de magia y fantasía. Al apagar la luz aparecen en la pantalla del teatrino mágicas figuras acompañadas de luces de colores, música en vivo y la narración que llaman la atención de los niños quienes no pueden explicar de donde provienen, lo que pone a volar su imaginación.

TEATRO PUNTO DE PARTIDA DEL 14 AL 18 DE SEPTIEMBRE Ecohotel Rincón del Buho (vía Adolfo Hoyos – vereda el Arenillo) TODOS LOS DIAS UN DIA” miércoles 14 de septiembre. 8:00 p.m.

Una pieza escrita por el dramaturgo Riosuceño Giovanny Largo que hace parte de su libro “Pieza sin freno”. Obtuvo en el 2001 el premio Departamental de Dramaturgia que convocó la Secretaria de Caldas.

MONÓLOGO. EL CANGREJO. Viernes 16 de septiembre. 8:00 p.m. De Liliana Hurtado Dirección : Jhon Mario Sepúlveda

Solo los recuerdos ajados matizan la existencia de un hombre que ha perdido su lugar, y que ahora lucha por sobrevivir en medio de la incertidumbre y el desasosiego de la urbe que contamina y transforma los cuerpos.

RAPSODIA PARA UN INSTANTE Jueves 15 de septiembre. 8:00 p.m.

Del escritor Bogotano Mauricio Granados, bajo la dirección de Augusto Muñoz Sánchez, y la música a cargo del músico caldense Héctor Fabio Torres. El tema de Rapsodia para un Instante fue ganador del primer puesto en el Festival Nacional del Pasillo en Aguadas.

ESPACIOS NO CONVENCIONALES

RASTROS SIN ROSTRO UNIVERSIDAD DE CALDAS Proyecto de Investigación en Creación Departamento de Artes Escénicas. Vicerrectoría de Investigación y Postgrados de la Universidad de Caldas. Ficha artística Grupo de Investigación “Teatro Cultura y Sociedad” Directora : Liliana Hurtado Sáenz Codirector y asesor vocal: Carlos Julio Jaime Creadores investigadores: Carlos Julio Jaime, Yisela Páez Herrera, Camilo Molina Cruz, Alexandra Vinasco Benavides, Diana Carolina Suarez Hincapié. Musicalización: Juan Manuel Soto Asesor coreográfico: Fernando Ovalle Vestuario: Felipe Millán Escenografía: Diego Sánchez Video: Jaime Cesar Espinoza Diseñador gráfico: Jaime Cesar Espinoza 104 Instalación fotográfica: Diego Alexander Escobar

La Obra El proyecto aborda una sentida y compleja problemática social el cual procura no caer en la denuncia y la literalidad, intentando encontrar expresiones poéticas que evidencien el horror cotidiano producto de la indiferencia, el olvido y la ignominia a los que son sometidos miles de seres humanos. La obra se soporta sobre estrategias escénicas contemporáneas que permiten hacer una relectura estética de la situación del desplazamiento, desde la fragmentación, la simultaneidad, la performancia, los recursos audiovisuales y por supuesto las prácticas escénicas tradicionales, donde el público participa del hecho teatral de manera activa dentro de un espacio no convencional, cumpliendo diferentes funciones e incluyendo prácticas simbólicas de restauración. La propuesta apela a los sentidos y a la libre interpretación del espectador a través de personajes en estado permanente de liminalidad los cuales están inspirados en el realismo, pasando por la mitología y las alegorías hasta aproximarse al futurismo.

EL SECRETO DE VANESSA UNIVERSIDAD DE CALDAS

Proyecto de Investigación en Creación Departamento de Artes Escénicas. Vicerrectoría de Investigación y Postgrados de la Universidad de Caldas.

Ficha artística Autor y Director: Daniel Ariza Gómez Dirección coreográfica: Claudia Leguizamón Reparto: Viviana Hoyos, Claudia Gallego, Alejandra Pantoja, Paula Ospina, Luisa Moreno, Daniela Borrero, Daniel Ariza. Dirección de video: Jaime César Espinosa Diseño de arte: María Fernanda Restrepo y Daniel Ariza Dirección escena virtual Acto I: Felipe Torres Diseño y creación página: Callsourcing – Rayman Vestuario: Felipe Millan Música orginal: José Lubier López y Jesús David Ramírez (spiral)

La Obra La puesta en escena es uno de los resultados tanto de la maestría en Estética y Creación de la Universidad Tecnológica de Pereira, como de la Investigación “Interface” de la Universidad de Caldas. En la obra, el “público” debe pasar por una serie de niveles a manera de juego. Cada uno de estos niveles se va haciendo más complejo y quienes operan como espectadores activos podrán decidir si continúan o no. Se puede decir que la propuesta gira en torno a la sensación, a las circunstancias que afectan la persona en su estar, en este orden, se busca una afectación de los sentidos. Es en este juego que el “público” será abordado como sujeto activo dentro del acontecimiento que debe ser entendido como un momento aquí y ahora. Es con los participantes (seres perceptivos, activos) con quienes se construye un viaje, un desplazamiento, una migración. Esto quiere decir que la obra no sucede en un mismo lugar ni en un mismo tiempo, por el contrario es un transcurrir por diferentes tiempos y espacios. A cada paso hay un universo físico o virtual distinto, un juego permanente entre la ficción y la realidad. Las personas interesadas deberán inscribirse al correo: elsecretodevanessa@gmail.com para que reciban las instrucciones de cómo participar. Este es 105 un requisito indispensable.

PLATAFORMA DE DIÁLOGOS

2ª FERIA DEL LIBRO 14 al 17 de septiembre.

Hall Central de la Universidad de Caldas. Por segundo año consecutivo el Festival Internacional de Teatro de Manizales en alianza con la Universidad de Caldas realizan la Feria del Libro. 400 metros cuadrados para disfrutar de una amplia oferta editorial y un aforo para 500 personas en la programación académica, eventos culturales, presentaciones de libros, talleres infantiles y juveniles, teatro, danza, música, poesía, lecturas dramáticas y truque de libros.

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Escritores invitados FERIA DEL LIBRO

LUISA ETXENIKE

ARANTXA URRETABIZKAIA

Nacida en San Sebastián en 1957. Sus relatos han sido incluidos en numerosas antologías; la más reciente Un deseo propio. Antología de escritoras españolas contemporáneas, editada por Inmaculada Pertusa y Nancy Vosbrug. Es columnista de opinión del diario El País en la edición del País Vasco. Desde hace varios años dirige un taller de escritura creativa. Es presidenta de la Asociación de escritores/as de Euskadi-Euskadiko Idazleen Elkartea. Forma parte del comité organizador del Festival Literaktum. Es coordinadora de los Encuentros Internacionales de Escritoras que se celebran en San Sebastián desde 1987. En 2007 recibió del gobierno francés la distinción de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras. Entre sus aficiones se encuentran el birdwatching y el tiro con arco.

San Sebastián,España 1947. Licenciada en Geografía e Historia por la Universidad de Barcelona. Narradora, poeta y traductora. Es miembro de la Academia de la Lengua Vasca, y ha trabajado como periodista. Por primera vez da a conocer sus poesías en 1972 con el poema Consecuencias de una víspera de San Pedro, publicado en 1972. Diez años más tarde es galardonada con el Premio Nacional de la Crítica por su segundo libro de poemas En el seno del amor. De ambos libros cabe resaltar su lenguaje intimista y su demostración de amor a la naturaleza.

Libros -El ángulo ciego -Los peces negros -Ejercicios de duelo -Vino -El mal más grave -Efectos secundarios

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En su faceta de narradora se ha dedicado a la literatura infantil y juvenil y ha escrito también varias novelas; alguna de sus obras son Por qué, Pampox novela con la que alcanzó una hondura y un grado de desgarrada expresividad que la colocaron entre las primeras figuras de la narrativa vasca de la postguerra. El relato, en forma de monólogo de la protagonista, ofrece muchas reflexiones sobre el papel de la mujer en la sociedad moderna. ha realizado guiones para la gran pantalla: La conquista de Albania, La fuga de Segovia y Lauaxeta. Urretabizkaia usa técnicas y estrategias próximas a la literatura oral: repeticiones, acumulaciones, rimas, canciones y demás, intensificadas, todas ellas, por la utilización de un registro del habla infantil que dan a la novela gran elasticidad. uno de sus mayores valores es su naturalidad y el lenguaje suave y directo.

ROSSANA TADEI

OMAR ORTIZ

Nació en Uruguay 1985 - Primer premio concurso ¨l´air du temps¨, Viaja a Paris, Graba en estudios EMI la canción ganadora. Primer premio ¨Festival de La Paz¨

Nació en Bogotá en1950. Estudió leyes en la Universidad de Santo Tomás y actualmente vive en Tuluá donde ejerció su oficio de abogado En medio de sus labores públicas, Omar había estado dedicando tiempo a aquello que lo ha apasionado desde siempre: la poesía. En Marzo de 1979 publica su primer libro La tierra y el éter, compuesto de poemas que había escrito desde 1976. Omar Ortiz Forero se ha destacado como escritor de temas varios, como abogado, ensayista y poeta. Desde hace mas de 20 años hace una revista de poesía, “Luna Nueva”, y por su empeño la municipalidad de Tulúa le concedió la medalla Germán Cardona Cruz en 1997.

1994 - Segundo Premio concurso ¨Music Quest¨. Participa como invitada especial en el CD ¨La iguana en el jardín¨ y participa en el simple ¨Jirafas Negras¨ de Caludio Taddei. Graba en el cd ¨Cebras, Nacar y Rubí¨ 1999 - Con el auspicio de FONAM, AGADU y SUDEI viaja a Suiza junto a su hermano Claudio, donde realizan una amplia gira musical además de realizar 3 exposiciones de obras plásticas. 2001- Graba ¨Alas de Mariposa¨ 2004- Musicalización de la obra de teatro ¨Siglo de Versos¨, con la participación de Alejandro Camino y Dirección de Marcelino Doufo Musicalización de la obra de teatro ¨El Grito¨, dirección de Sofía Campal Edita el cd ¨Saliendo al Sol¨

Colaboró por 10 años con el Magazín dominical del diario El Espectador. Ejerció con éxito como Gerente Cultural del Valle del Cauca durante la gobernación de Gustavo Álvarez Gardeazábal. Dirige la colección CantaRana de la Universidad Central del Valle en Tuluá En El libro de las cosas, Omar compone sencillas pero profundas poesías a cosas tan simples como una puerta, un espejo, unos zapatos, una ventana y hasta un mantel, nos da instrucciones un tanto picarescas y risueñas de cómo sobrevivir a los noviazgos, al matrimonio, a los almacenes y hasta a los curas y los velorios. Su estilo es de una distinción peculiar, cuenta con una voz única, característica irreprochable de todo buen poeta. Según él, su obra está influenciada por Francois Ponge, quien también tiene un libro sobre las cosas cotidianas - la idea era mostrar todo con lo que el hombre se relaciona desde un concepto más propio - dice.

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DARIO JARAMILLO AGUDELO

SERGIO ALVAREZ

Poeta, novelista y ensayista colombiano nacido en Santa Rosa de Osos, Antioquia, en 1947. Terminó el bachillerato en Medellín y posteriormente obtuvo el título de abogado y economista por la Universidad Javeriana de Bogotá. Es el gran renovador de la poesía amorosa colombiana y uno de los mejores poetas de la segunda mitad del siglo XX de su país. Su obra poética se caracteriza por un marcado corte intimista. También se ha destacado como brillante narrador y ensayista. Ha desempeñado importantes cargos culturales en organismos estatales y es miembro de los consejos de redacción de la revista “Golpe de Dados” y de la fundación particular “Simón y Lola Guberek”. Su obra poética está contenida en las siguientes publicaciones: “Historias” en 1974, “Tratado de retórica” Premio nacional de poesía 1978, “Poemas de amor” 1986, “Antología poética” en 1991, “Cuánto silencio debajo de esta luna” en 1992, “Del ojo a la lengua” en 1995, “Cantar por cantar” en 2001 y “Gatos” en 2005.

(Bogotá; 1965) es un escritor, periodista y guionista colombiano. Vive entre Barcelona y Bogotá. Curso estudios de filosofía, pero no los concluyó. En la ciudad de Bogotá, inicio en firme su carrera como guionista y escritor. Álvarez ha colaborado para los diarios españoles El País y La Vanguardia Ha publicado La lectora (2004),1 una novela sobre la picaresca y el narcotráfico en Colombia, que fue adaptada para la televisión por el canal colombiano RCN y próximamente también será llevada al cine. La lectora recibió el galardón Silverio Cañada en la Semana Negra de Gijón. 35 muertos es su más reciente trabajo, es una novela que narra los años comprendidos entre 1965 y 1999 de la historia más reciente de Colombia por medio de la música y de las voces anónimas que vivieron, por ejemplo, las épocas convulsionadas del narcoterrorismo colombiano en Colombia. La novela fue traducida y publicada en Alemania, bajo el título de 35 tote (Suhrkamp Verlag, 2011) Obras -La lectora, novela, Alfaguara, 2004. -Mapaná, novela juvenil, 2006. -35 muertos, novela, Alfaguara, 2011.

INVITADOS Carlos Pacheco (Argentina) Dramaturgo uruguayo (1881-1924). Vivió en Buenos Aires, donde escribió la totalidad de su obra. Es autor de El patio de don Simón; La ribera; Compra y venta; El diablo en el conventillo; La boca del Riachuelo y, la mejor de todas, Los disfrazados. Cristóbal Peláez (Colombia) Fundador del Colectivo Teatral Matacandelas, grupo con el que ha realizado 40 Montajes y cerca de 5 mil Presentaciones en toda Colombia e internacionalmente en países como Venezuela, Guatemala, Francia, Portugal, España, Bélgica, Ecuador y Cuba. En Matacandelas se ha desempeñado como actor, escenógrafo, dramaturgo y director. Jorge Ricci (Argentina)

SECUELA DE TEATRO 14 al 17 de Septiembre Centro de Convenciones Teatro los Fundadores Espacio de reflexión y diálogo en torno a la gestión teatral con la presencia de expertos de Argentina, Brasil, Colombia, España, Uruguay y México. Ejes temáticos: Gestión de teatro públicos y privados Gestión de salas alternativas Gestión y producción de compañías teatrales Giras y circuitos internacionales Políticas públicas para la circulación Ferias y Mercados Festivales de Artes Escénicas

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Actor, director y dramaturgo argentino, referente obligado de la escena Santafesina. Entre sus obras se destacan: “Zapatones”, “El cuadro filodramático”, “Actores de provincia”, “Café de lobos”, “La mirada en el agua” y su emblemático ensayo “El teatro salvaje”, siempre abordado y citado por los investigadores argentinos. Mario Espinosa Ricalde (México) Ha sido director de escena de más de una veintena de producciones que le han valido numerosos reconocimientos tanto en su país natal como en el extranjero. Licenciado en Economía, desde 1995 hasta el 2000 fue Coordinador Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). Hasta el año pasado ocupó el cargo de Secretario Ejecutivo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA). Actualmente es coordinador del Sistema de Teatros del Gobierno del Distrito Federal (GDF)

Alberto Villarreal (México)

Ana Marta de Pizarro

Escritor y director de teatro. Fundador y director artístico de Artillería Producciones y La Madriguera Teatro. Ha realizado más de cuarenta producciones. Ha sido publicado en México por diversas editoriales y en el extranjero por Nick Hern Books de Londres en “Mexican Plays” y por “Cierto pez” en Santiago de Chile. Es licenciado en literatura dramática y teatro por la UNAM. Actualmente imparte el curso de “Escritura Postdramática” en la Fundación para la Letras Mexicanas.

Directora del Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, cargo al que llegó luego de 15 años de asistir a Fanny Mikey en la dirección del evento.

Gustavo Daniel Zidan Dalgalarrondo (Uruguay) Fundador de La Cuarta, productora independiente de espectáculos. Asesor comercial y de programación del Museo del Carnaval del Uruguay y responsable de la zona sur de la Red de Promotores Culturales de Latinoamérica y El Caribe. En la última década ha sido Productor Ejecutivo de la Comedia Nacional y coordinador de progamación del emblemático Teatro El Galpón, fundado por Atahualpa Del Cioppo. Lily Curcio (Brasil) Actriz, titiritera, antropólog etnopsiquiátra, directora e investigadora teatral.Junto con Abel Saavedra funda el grupo Seres de Luz Teatro en 1994. Durante 17 años ha investigado sobre el lenguaje del clown, el arte de la manipulación, los puntos de convergencia de la animación con el lenguaje de muñecos y la función de los mecanismos del hacer teatral.

Norka Chiapuso (País Vasco, España) Programador de artes escénicas de Donostia Kultura y director de la Feria de Teatro de San Sebastián. Alberto Ligaluppi (Argentina) Fue el director del Festival Latinoamericano de Córdoba y el curador de todas las ediciones del Festival Mercosur de esa provincia argentina. Además, dirigió todas las ediciones del Festival Infantil Juvenil de Córdoba y se desempeñó como curador del proyecto de experimentación cruce del FIBA. Es director de Cultura del Instituto Goethe de Córdoba y asesor académico de postgrado en Gestión Cultural de Ciencias Económicas de la Universidad Nacional de Córdoba. Actualmente, participa del proyecto Pluja, de carácter independiente.

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XXXIII FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DE MANIZALES JUNTA DIRECTIVA

Elvira Escobar de Restrepo Presidenta María Isabel Pinzón Luz María Calderón Uribe Jorge Alberto Jaramillo Vargas Jorge Alberto Gutiérrez Jaramillo Sandra Van Den Enden Amador Clara Lucia López de Estrada Felipe Cesar Londoño López Julián García María Carolina Giraldo Vejarano Carlos Alberto Noreña Octavio Escobar Giraldo Octavio Arbeláez Tobon Director Artístico Natalia Yepes Jaramillo Directora Ejecutiva

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XXXIII FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DE MANIZALES EQUIPO DE GESTIÓN

Gerencia Natalia Yepes Jaramillo/ Directora Ejecutiva Asistente de Gerencia/ Beatriz Helena Morales López

Secuela de Teatro Samantha Rodríguez II Feria del Libro Carolina Guacaneme Asistente: Cesar Augusto Ríos Giraldo

Dirección Artística Director/ Octavio Arbeláez Tobón Publicidad y Abonos Coordinadora Comercial/ María del Pilar Gómez Villegas Coordinadora de Abonos/ Jenny Marcela Ramírez Tavera Logística de Publicidad/ Alejandro Valenzuela Morales Venta de Abonos/ Luis Guillermo Valencia, Paula Herrera, María Helena López, Andrés Felipe Botero, Catalina Rodríguez, Yessica Hurtado Personal Puntos de Información/ Valentina Henao, María de los Ángeles Zapata, Diana Carolina González, Ana María Álzate, Andrés Fernando Zapata Prensa Jefe de Prensa/ Wilson Escobar Ramírez Asistente de Prensa/ Valentina Álvarez Cordero Contenidos Web/ Johana Robledo Licha Centro de Documentación de las Artes Escénicas (CENDAS) Angélica Castillo Mejía

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Diseño y aplicaciones Gráficas Diseñadores/ Maria del Rosario Vallejo Humberto Jurado Grisales Administración Contadora/ Beatriz López Puerta Revisor Fiscal/ Alfonso Ocampo Duque Servicios Generales Adriana Agudelo Sarmiento Producción Productor General/ Julián Arbeláez Tobon Producción Técnica y de Salas/ José Norberto Henao Caicedo Asistente de producción/ Sergio Arenas Guzmán Coordinación de Calle/ Elsa Victoria Jiménez Coordinación de Alimentación y Hospedaje/ Ximena Dávila Mejía Coordinación Aeropuerto Bogotá/ Brenda Collazos Coordinación Transporte/ Rafael Valencia Montoya Coordinación Utilería/ Luis Ariel Pineda Uribe

Coordinación Bodega/ Luis Alberto Sánchez Barrera Coordinación de Guías/ Lorena Serna Teatro Los Fundadores Operarios de Luces/ Alexander Tobón García, Carlos Andrés Cardona, Leonardo Soto, Mauricio Soto, Manuel Alejandro Calderón Universidad Nacional Jefe de Sala/ Edgar Fernando Barona Operario de Luces/ Jhon Darly Arenas Confamiliares Jefe de Sala/ Daniela Orozco Muñoz Jefe Técnico/ John Freddy Ramírez Operarios de Luces/ Ian Huertas, Fernando Rodríguez, Carlos Alberto Gómez, Juan Sebastián Henao Martínez Servicios Generales/ Hernando Barco Galpón Jefe de Sala/ Richard de la Rosa Operarios de Luces/ Pablo Andrés González, Cristian Arce Servicios Generales/ Alba Lucia Muñoz Duque

Teatro de Calle Asistentes de Calle/ Carlos Andrés Rivera, Adriana Angélica López, Jorge Hernán Moreno, Diana Carolina Suarez, Bredy Yeins Gallego, Fabián Adien Martínez, Robinson González, Cindy Katherine Martínez, María Trinidad Cardona, Guillermo Alberto Sánchez, Juan Camilo Molina, Néstor Mario Parra, Jorge Eliecer Díaz, Tomas Robledo, Julián Oswaldo Pérez Horta, Leonardo Enrique Peláez, Felipe Toro, Germán Arturo Morales Parra, Adriana Rincón, Julián Pineda López Electricistas Calle/ Alfonso Higuita Utileros/ Mario Augusto Montoya, Daniela Muñoz Carvajal, Jorge Adrian Orozco Medina, Julián Andrés Echeverry Torres, Álvaro Andrés Luna Forero Auxiliares de Bogeda/ Alejandro Cardona, Andrés Felipe Correa, Mario Alexander Salinas, Carlos Humberto Buitrago, Eduard Daniel Ramírez, José Ricardo Peña, Joaquín Elías Vargas Escenógrafos/ Germán González, Jorge Eduardo Cardenas Carpinteros/ Mateo Sánchez Ocampo, Javier Orozco Garcia

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