i.ovo a r t e
e
giugno 2013 c u l t u r a
025
c o n t e m p o r a n e a
1968
Per informazioni:
1969
Tino Stefanoni
1984
è in preparazione il catalogo generale di
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Viale della Repubblica n° 64/66/68 - Prato Tel. + 39 338 5924449 +39 335 303142 Fax + 39 0574 604901 studiomarchi@tin.it
2000
i.ovo Direttore: Massimo Tonietti m.tonietti@iovo.it cell. +39 327 5303110; Direttore responsabile: Marco Zucchini; Caporedattore: Gabriella Di Tanno (gabrielladitanno@yahoo.it); Progetto grafico: Alexandra Barbieri; Responsabile progetto web: Andrea Angeloni ; Guida al Contemporaneo: Serena Vanzaghi; Dentro al Contemporaneo: Gabriella Di Tanno; Oltre lo specchio: Alessandra De Bianchi; 16mm: Francesca Versienti Bis!!!: Gabriella Di Tanno Recensori di “Dentro al Contemporaneo” e altre rubriche: Déborah Allegranti, Cecilia Barbieri, Serena Bedini, Yan Blusseau, Giulia Bucci Tommaso Capecchi, Francesco Ceni, Gabriella Cerbai, Eleonora Ciambellotti, Ilaria D’Adamio, Sara Ferrari, Costanza Focardi, Elisa Frego, Linda Giusti, Caterina Liverani, Eleonora Lombardini, Isabella Mancini, Martina Marolda, Isabella Martinelli, Silvia Migliaccio, Stefania Rinaldi, Elena Santoni,
In copertina: Giuseppe Uncini
GALLERIA CARDI PIETRASANTA
fino al 1 luglio 2013 Giuseppe Uncini, Dimore n. 53 bis, cm. 44,5 x 45 x 15, 1986, cemento e laminato legno
Ottavia Sartini, Caterina Tiberi, Lorenzo Tore, Sarah Venturini. Editing: Costanza Paoletti Perini Ufficio stampa: Alessandra Petrelli alessandra.petrelli@hotmail.it cell. + 39 338 2946943 www.iovo.it info@iovo.it Tel. +39 055 019 7897 Fax +39 055 019 7896
i.ovo Arte e Cultura Contemporanea n°025 - giugno 2013 aut. trib. n. 5825 del 15/03/2011 distribuzione gratuita Editore incaricato: NARDINI PRESS S.R.L. Via Cavour n°15, 50129 Firenze Stampa: Nuova Grafica Fiorentina, Via Ambrogio Traversari n°64/r, 50126 Firenze iovoarteeculturacontemporanea IovoArteFirenze
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Salvatore Magazzini
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indice oltre lo specchio
n.025 - giugno 2013 Io solo ho occhi per te di Elena Santoni STRANIERO. L’ALTERITà DENTRO E FUORI DA SE’
dentro al contemporaneo
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di Déborah Allegranti PAOLO MASI di Alessandra De Bianchi START Livorno
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di Déborah Allegranti FEDERICO GUIDA di Emanuele Greco ANTOLOGIA DI UN PROGETTO di Sarah Venturini Ion Grigorescu di Greta Bonini Franco Mauro Franchi
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di Elisa Frego FABIO DE POLI - EASY
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di Gabriella Di Tanno intervista a Tiziana Tommei
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di Eleonora Ciambellotti L’ appassionarsi del corpo di Silvia Migliaccio
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EDITORIALE
GUIDA AL CONTEMPORANEO
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...NON VOGLIO VEDERMI... “ Ama l’arte; fra tutte le menzogne è ancora quella che mente di meno” (Gustave Flaubert, Lettere a Louise Colet, 1846 – 1848) “La vecchia signora si guarda allo specchio”*: l’occhio esplora la propria figura, la osserva, le sinuose linee formano angoli sbiaditi in un riflesso che non riconosce, e intanto l’anima, sua autentica complice, non subisce alcuna alterazione e rimane dipinta del suo originario colore. Il corpo anela invano in un tempo diverso da lei, ed ogni epoca che l’attraversa, subisce il suo tormento: un segreto temuto, maltrattato, a volte amato, una grazia canoviana che ora si mostra in performance, pitture concettuali, video ideali e quindi provocanti, fastidiosi al contemporaneo, perché hanno il coraggio di parlare di verità. In un solo momento qualcosa si conquista, e senza perdere mai la coerenza di ciò che fa e di ciò che pensa, le immagini che ne vengono fuori mitigano sensazioni forti e potenti, e l’esibizione acquista il valore di arte pura e semplice. Il corpo diventa soggetto e oggetto dell’opera d’arte, e la parola si nasconde nell’ombra di un confine che diventa più sottile; ci spinge a vedere oltre quel velo che, per abitudine, accudisce la nostra mente, e la sua mancanza provoca sensazioni disperate perché ora l’anima grida i suoi pensieri, perfetta nella sua luce ma imperfetta nella sua rivelazione. Nelle regole della composizione prendiamo elementi della realtà e li facciamo nostri, ma solo quando questi entrano in relazione con il nostro corpo, acquistano quell’elisir che parla di noi, rubano emozioni, vincono sui cambiamenti, come un bacio che vince sulla guerra. “Fingere” è la parola d’ordine di quest’epoca, compresa e seguita da tutti, tranne dal corpo, l’unica natura che si ribella perché vive autonomamente la sua vera dimensione: nessuna prigione la contiene, nessun artificio la domina, nulla in lei si mescola in un rapporto di omologazione. Abbiamo, finalmente, la forza di vedere? Siamo pronti ad ascoltare la verità? La commedia dichiara la sua sconfitta solo quando non ha alcun altro mezzo per brillare, ma questa volta è l’uomo che ruba la sua penna e scrive la sua pagina, densa di parole vane, ingiallita, quindi incomprensibile: un fiume in piena che non ha anima, fragile, destinato perciò a morire perché perde i propri contorni, perché nel buio non sa più che via abbracciare. A cosa servono le parole, quando “il migliore odore del corpo è non averne nessuno”? (Seneca). *(Dacia Maraini)
Gabriella Di Tanno
save the date FEDERICO GUIDA. Dipinti contemporanei in scena aperta fino al 25 giugno 2013 Galleria Frascione Arte Via Maggio n°60r, Firenze FABIO DE POLI. Easy fino al 28 giugno 2013 Galleria d’Arte Frediano Farsetti Lungarno Gucciardini n°21/23, Firenze Paolo Scheggi. Intercamera plastica e altre storie fino al 30 giugno 2013 Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci Viale della Repubblica n°277, Prato Roberto Fanari. Un mare di nero fino al 30 giugno 2013 Galleria numero 38 Via del Battistero n°38, Lucca Straniero. L’alterità dentro e fuori da se’ fino al 15 LUGLIO 2013 Eduardo Secci Contemporary Via Fra Giovanni Angelico n°5R, Firenze ANTOLOGIA DI UN PROGETTO Fino al 14 settembre 2013 Biagiotti Progetto Arte, Via delle Belle Donne n°39r , Firenze Paolo Masi. la responsabilità dell'occhio fino al 20 settembre 2013 Frittelli Arte Contemporanea Via Val Marina n°15, Firenze
giugno 2013
D’ARTE
FF
galleria
Galleria Frediano Farsetti - Firenze Lungarno Gucciardini 21/23 Tel. 055 210107 www.galleriafredianofarsetti.it info@galleriafredianofarsetti.it
Fabio de poli fino al 28 Giugno 2013
Io Solo Ho Occhi Per Te Visioni Anatomiche di Barbara Vistarini Anatomical Visions 18.5 - 15.6 | 2013
LINEA Spazio Arte Contemporanea | The New Florence Biennale Via delle Porte Nuove 10, Firenze, Italy dal lunedĂŹ al sabato 10.00-13.00, 15.00-18.00 www.spaziolinea.org
galleria poggiali e forconi - FIRENZE
guida al contemporaneo L'attuale Geografia Artistica di Firenze e Oltre. A cura di Serena Vanzaghi
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GUIDA AL CONTEMPORANEO
Associazione Nazionale Gallerie d'Arte Moderna e Contemporanea L’Associazione Nazionale Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea è costituita tra le Gallerie e le Associazioni culturali che operano nel settore dell’arte moderna e contemporanea e che esercitano l’attività di esposizione, promozione e/o vendita al pubblico di opere d’arte. L’ANGAMC ha lo scopo di rappresentare e tutelare, in ogni sede, gli interessi morali, economici e culturali della categoria rappresentata. L’obiettivo principale è quello di qualificare sempre più il mercato dell’arte e le sue potenzialità con la migliore preparazione professionale e culturale degli operatori, anche con interventi nell’ambito giuridico e amministrativo; inoltre promuove dibattiti e conferenze su temi d’interesse per gli associati. Il Delegato territoriale della Toscana è Mauro Stefanini: cell. 335 7054800 GALLERIE ASSOCIATE DELEGAZIONE TERRITORIALE TOSCANA ANGAMC GALLERIA CONTINUA
MONA HATOUM. A body of work | NARI WARD. Iris Hope Keeper; fino al 24/08/13. • 2-495701; fino al 24/08/13 c/o Via Arco dei Becci n° 1. Autrice: Margherita Morgantin. Sede: Via del Castello n° 11, 53037 San Gimignano (Si), Tel. +39 0577 943134. Orario: dal martedì al sabato 14:00 19:00, o su appuntamento. Biglietti: ingresso libero. Ufficio stampa: Silvia Pichini, press@galleriacontinua.com. Web: info@galleriacontinua.it www.galleriacontinua.com ELEONORA D’ANDREA ARTE CONTEMPORANEA
Sede: Via Vincenzo Gioberti n° 14, 59100 Prato, Tel. / Fax +39 0574 574670 / Cell. +39 345 2816111. Orario: dal lunedì al venerdì 16:00 - 19:00, sabato 10:30 - 13:00 / 16.00 - 20.00 (per tutti gli orari e i giorni non specificati su appuntamento al numero +39 345 2816111). Biglietti: ingresso libero. Web: gallery@elexpo.it www.elexpo.it SANTO FICARA ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA
ALDO MONDINO. Tappeti stesi e appesi. Autore: Aldo Mondino. Curatore: Marco Meneguzzo. Sede: Via Ghibellina n° 164r, 50122 Firenze, Tel. +39 055 2340239 / Fax
GUIDA AL CONTEMPORANEO
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+39 055 2269190. Orario: dal lunedì al sabato 09:30 - 12:30 / 15:30 - 19:30. Biglietti: ingresso libero. Web: info@santoficara.it www.santoficara.it FRITTELLI ARTE CONTEMPORANEA
LA RESPONSABILITA’ DELL’OCCHIO; fino al 20/09/13. Autore: Paolo Masi. Curatore: Flaminio Gualdoni. Catalogo: a cura di Flaminio Gualdoni, edizioni Gli Ori. Sede: Via Val di Marina n° 15, 50127 Firenze, Tel +39 055 410153 / Fax +39 055 4377359. Orario: dal lunedì al sabato 10:00 - 13:00 / 15:30 - 19:30, domenica e festivi su appuntamento. Web: info@frittelliarte.it www.frittelliarte.it GESTALT ART GALLERY
L(f)+[Fx4]n->∞=S; 08/06/13 – 19706/13. Autore: Lorenzo Filomeni. Catalogo: con testo critico di Giovanni Faccenda, disponibile in galleria. Vernissage: sabato 8 giugno alle ore 18.00. Sede: Via Stagio Stagi n° 28, 55045 Pietrasanta (LU), Tel. +39 0584 790900. Orario: 10:30 12:30 – 18:30 00:30. Biglietti: ingresso libero. Web: info@gestaltgallery.it www.gestaltgallery.it GALLERIA GIRALDI
GIOVANNI CAMPUS. Tempo in processo. Autore: Giovanni Campus. Sede: Piazza della Repubblica n° 59, 57123 Livorno, Tel. +39 0586 883022 / Cell. +39 329 8626020 / Fax +39 0586 887778. Orario: dal lunedì al sabato 10:00 - 13:00 / 17:00 - 20:00, domenica su appuntamento. Web: info@galleriagiraldi.it www.galleriagiraldi.it ARMANDA GORI ARTE
Sede: Viale della Repubblica n° 64/66/68, 59100 Prato, Cell. +39 335 303142 +39 338 5924449 / Fax +39 0574 604901. Orari galleria: dal lunedì al venerdì 15:30 - 19:00 o su appuntamento. Biglietti: ingresso libero. Web: studiomarchi@tin.it www.armandagoriarte.com GUASTALLA CENTRO ARTE
LIMITED EDITIONS – international prints; fino al 31/07/13. Autori: Bacon, Balthus, Braque, Burri, Campigli, Carrà, Castellani, Chagall, Dalì, De Chirico, Fontana, Hartung, Magnelli, Magritte, Marino Marini, Mirò, Moore, Music, Picasso, Pomodoro, Rauschemberg, Severini. Sede: Via Roma n° 45, 57126 Livorno, Tel. +39 0586 808518
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GUIDA AL CONTEMPORANEO
/ Fax +39 0586 813514. Orario: dal lunedì al venerdì 10:00 - 13:00 / 16:30 - 20:00, sabato 10:00 – 13:00. Biglietti: ingresso libero. Web: info@guastallacentroarte.com www.guastallacentroarte.com GALLERIA N° 38
Sede: Via del Battistero n° 38, 55100 Lucca, Tel. +39 0583 491104 / Fax +39 0583 491104. Orario: dal martedì al sabato 10:00 13:00 – 16:00 19:30. Biglietti: ingresso libero. Web: info@gallerianumero38.com www.gallerianumero38.com GALLERIA OPEN ART
Group Show; fino al 30/06/13. Autori: R. Boero, S. Bozzolini, G. Capogrossi, W. Fusi, R. Floreani, Q. Ghermandi, P. Jenkins, J. Kolàr, A. Magnelli, C. Marca-Relli, A. Monnini, N. Franchina, M. Nuti, L. Parzini, B. Pepper, S. Piccoli, G. Pinzani, B. Querci, T.Scialoja, M.Staccioli. Sede: Viale della Repubblica n° 24, 59100 Prato, Tel. +39 0574 538003 / Fax +39 0574 537808. Orario: dal lunedì al venerdì 15:00 - 19:30, sabato 10:30 12:30 / 15:00 19:30, chiuso domenica e festivi. Biglietti: ingresso libero. Web: galleria@openart.it www.openart.it GALLERIA SUSANNA ORLANDO
Sede: Via Carducci n° 10, 55042 Forte dei Marmi (LU), Tel. / Fax +39 0584 83163. VETRINA: Via Sauro n° 3, 55045 Pietrasanta (LU). Orario: tutti i giorni 10:00 - 13:00 / 16:00 - 20:00, escluso lunedì e martedì mattina. Biglietti: ingresso libero. Web: info@galleriasusannaorlando.it www.galleriasusannaorlando.it BARBARA PACI
Sede: Piazzetta del Centauro n° 2, Piazza Duomo n° 25, 55045 Pietrasanta (LU), Tel. / Fax +39 0584 792666. Orario: dal martedì alla domenica 10:00 13:00 - !7:00 20:00. Biglietti: ingresso libero. Ufficio stampa: Alessia Luppoli info@alessialupoli.it. Web: info@barbarapaciartgallery.com www.barbarapaciartgallery.com GALLERIA POGGIALI & FORCONI
Sede: Via della Scala n° 35/A, 50123 Firenze, Tel +39 055 287748 / Fax +39 055 2729406. Orario: dal martedì al venerdì 10:00 - 13:00 / 15:30 - 19:00, sabato 10:00 - 13:00. Biglietti: ingresso libero. Web: info@poggialieforconi.it www. poggialieforconi.it
GUIDA AL CONTEMPORANEO
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GALLERIA IL PONTE
Aleksandra Zurczak, Francesco Chiacchio. Il segno come racconto; fino al 20/07/13. Autori: Aleksandra Zurczak, Francesco Chiacchio. Curatore: Andrea Alibrandi. Sede: Via di Mezzo n° 42/b, 50121 Firenze, Tel +39 055 240617 / Fax +39 055 5609892. Orario: dal lunedì al venerdì 15:30 - 19:00, chiuso sabato e festivi. Ufficio Stampa: Susy Fabiani susy@galleriailponte.com. Biglietti: ingresso libero. Web: info@galleriailponte.com www.galleriailponte.com SANGALLO ART STATION
Sede: Via Fra’ Giovanni Angelico n° 5r (fra il n°47 e il n°49), 50121 Firenze, Tel. +39 055 0517157 / Fax +39 055 0517518. Orario: dal martedì al sabato 10:00 - 13:30 / 15:00 - 19:00. Biglietti: ingresso libero. Patrocinio: Ministero per i Beni e le Attività Culturali. Web: e.sarti@sangalloartstation.it www.sangalloartstation.it GALLERIA LA SUBBIA DI PAOLA RAFFO
Sede: Via Barsanti n° 11, 55045 Pietrasanta (LU), Tel. +39 0584 283338 / Fax +39 0584 71647. Orario: tutti i giorni 10:00 - 12:00 / 17:00 - 19:00. Biglietti: ingresso libero. Web: gallerialasubbia@gmail.com TORNABUONI ARTE CONTEMPORANEA INTERNAZIONALE
Maestri moderni e contemporanei - Antologia scelta 2013. Sede: Lungarno Cellini n° 13/a, 50125 Firenze, Tel. +39 055 6812697 / Fax +39 055 6812020. Orario: dal lunedì al venerdì 09:00 – 13:00 / 15:30 – 19:30, sabato su appuntamento. Biglietti: ingresso libero. Web: info@tornabuoniarte.it www.tornabuoniarte.it
Firenze
Via delle Vecchie Carceri
(le murate)
Tel. 055 0540234 info@nardinibookstore.it www.nardinibookstore.it
OVERGROUND
AFTER ART GALLERY di Frederik Ivanaj
Sede: Via Ghibellina n° 38r, 50122 Firenze, Tel. +39 328 7156628. Biglietti: ingresso libero. Web: frederik.ivanaj@tin.it www.ivanaj.com ANTONELLA VILLANOVA – Contemporary art jewellery
Sede: Piazza Goldoni n°2 50123 Firenze, Tel. +39 055 6802066 Fax +39 055 213372. Orario: dal martedì al sabato 10:00 – 13 15:00 – 19:00, lunedì su appuntamento. Biglietti: ingresso libero. Web: antonellavillanova@gmail. com www.antonellavillanova.it ARIA ART GALLERY
VOGUE ARABE; fino al 23/06/13. Autore: Hassan Hajjaj. Sede: Borgo Santi Apostoli n° 40/r, 50123 Firenze, Tel. +39 055 216150 / Fax +39 055 4641406. Orario: dal lunedì al sabato 10:30 - 13:30 15:30 - 19:30, domenica su appuntamento. In collaborazione con: Ambasciata del Marocco in Italia. Biglietti: ingresso libero. Web: info@ariaartgallery.com www.ariaartgallery.com BABELE - Boutique d’Arte e Libri
VECCHI CANI; fino al 18/06/13. Autrice: Giovanni Durì. Curatrice: Laura Accordi. Catalogo: “Vecchi cani” edizioni Nuages. • Libri d’artista in mostra; 18/06/13 – 30/06/13. Curatrice: Laura Accordi. Sede: Via delle Belle Donne n° 41/r 50122 Firenze, Tel./Fax +39 055 283312. Orario: dal martedì al sabato 10:30 - 19:30. Ufficio stampa: Carlo Gattai 337/677116 press@ babelefirenze.com. Biglietti: ingresso libero. Web: babele@babelefirenze.com. www.babelefirenze.com GALLERIA ALESSANDRO BAGNAI
Barzagli: Memorial Park | Corsini: Aspettando Neruda | Savini: Facts are the enemy of truth; fino al 15/06/13. Autori: Massimo Barzagli, Vittorio Corsini, Maurizio Savini. Sede: Palazzo Ricasoli, Piazza Goldoni n° 2, 50123 Firenze, Tel. +39 055
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6802066 / 055 213372. Orario: dal martedì al sabato 10:00 – 13:00 15:00 – 19:00, lunedì su appuntamento. Ufficio stampa: Spaini & Partners. Biglietti: ingresso libero. Web: info@galleriabagnai.it www.galleriabagnai.it BASE / PROGETTI PER L’ARTE
PIERO GOLIA; 03/06/13 – 10/07/13. Autore: Piero Golia. Sede: Via San Niccolò n° 18r, 50123 Firenze, Tel +39 055 602102 / Fax +39 055 2207281. Orario: dal martedì al sabato 18:00 – 20:00 (dalle 20:00 alle 24:00 come vetrina). Biglietti: ingresso libero. Patrocini: Attività promossa dagli artisti del collettivo BASE X BASE e con il contributo della Regione Toscana/Toscanaincontemporanea 2011. Web: info@baseitaly.org www.BaseItaly.org DOLORESART LABORATORY
Sede: Palazzo Viti, Sala Musica e Sala Mostre, Via dei Sarti n° 41, 56048 Volterra (Pi), Tel. +39 0588 84047 Cell. 333 4508779. Orario: tutti i giorni 10:00 13:00 – 14:30 18:30 . Web: doloresart57@gmail.com www.doloresart.it/galleria F_AIR - FLORENCE ARTIST IN RESIDENCE
Of Limes and Camouflage; fino al 19/07/13. Autrice: Victoria DeBlassie. Curatrice: Lucia Giardino. Catalogo: disponibile in galleria. Orario: dal lunedì al giovedì 15.00 – 18.00. Patrocinio: Florence University of The Arts. Sede: Via San Gallo n° 45/r, 50129 Firenze. Ufficio Stampa: Ufficio Stampa Palazzi communications@ palazziflorence.com. Web: fair@fua.it www.fair.palazziflorence.it FRASCIONE ARTE
Sede: via Maggio n° 60r, 50123 Firenze, Tel. +39 055 2399205. Orario: dal martedì al sabato 10:00 – 13:00 15:00 – 19:00, lunedì 15:00 – 19:00. Biglietti: ingresso libero. Web: info@frascionearte.com www.frascionearte.com GALLERIA I.A.C. -Impruneta Arte Contemporanea-
L’Arte Contemporanea – Apertura eventi Florence MUSIWA e WA.RT 2013; 01/06/13 - 16/06/13. Autore: Nino Monastra. Curatore: Consiglio Direttivo Associazione Art-Art. Sede: Via della Croce n° 41, 50023 Impruneta (Fi), Cell. +39 333 7405522. Orario: dal martedì alla domenica
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16:30 – 19:30. Patrocinio: Comune di Impruneta. Biglietti: ingresso libero. Ufficio Stampa: inpiaz@alice.it +39 339 7854375. Web: artart@artartimpruneta.it www.artartimpruneta.it LINEA Spazio Arte Contemporanea
Io Solo Ho Occhi per Te; fino al 15/06/13. Autrice: Barbara Vistarini. Catalogo: Barbara Vistarini, Io Solo Ho Occhi per Te. Sede: Via delle Porte Nuove n° 10, 50144 Firenze, Tel. +39 055 3249173 / Fax +39 055 333540. Orario: dal lunedì al sabato 10:00 – 18:00. In collaborazione con: Florence Design Week. Biglietti: ingresso libero. Ufficio Stampa: Giulia Coli +39 339 5069593 giuliacoli@gmail. com - Francesca Puliti +39 392 9475467 francesca.puliti@gmail.com. Web: info@ spaziolinea.org www.spaziolinea.org CASA MASACCIO -Centro per l’Arte Contemporanea-
Dissentire; fino al 09/06/13. Autori: Fernando Sànchez Castello, Cristina Lucas, Cabello/Carceller, Yaima Carrazana, Michelangelo Consani. Curatrice: Alba Braza Boils. Sede: Corso Italia n° 83, 52027 San Giovanni Valdarno (Ar), Tel. +39 055 9126283 / Fax +39 055 942489. Orario: giorni feriali 15:00 – 19:00, festivi 10:00 12:00 – 15:00 19:00, lunedì chiuso. Biglietti: ingresso libero. Web: casamasaccio@comunesgv.it www.casamasaccio.it SCIATO’ DI SERRAVALLE
Sede: Via Garibaldi n° 49, 51030 Serravalle Pistoiese (Pt), Web: info@sciato.it SIMBOLI ART GALLERY
LIONS SOLIDARIETA’ ARTE – MARIO MADIAI; fino al 12/06/13. Autore:Mario Madiai. Catalogo: disponibile in galleria. In collaborazione con: Lions Club – Distretto 108 – La Toscana. Biglietti: ingresso libero. • DAVIDE FOSCHI, IN FLORENCE; 13/06/13 – 14/07/13. Autore: Davide Foschi. Catalogo: disponibile in galleria. Vernissage: giovedì 13 giugno alle ore 18.00. Sede: Via di San Giuseppe n° 6/r, 50122 Firenze, Tel. +39 055 0502418, Cell. +39 349 1438941. Orario: lunedì 16:30 – 20:00, dal martedì alla domenica 10:00 – 13:00 15:00 – 20:00. Web: info@simboliartgallery.com www.simboliartgallery.com
Giuseppe Uncini 1 giugno | 1 luglio 2013
GALLERIA CARDI Pietrasanta
Via Padre Eugenio Barsanti, 45
fax +39 0584284836
55045 Pietrasanta (LU)
pietrasanta@galleriacardi.com
tel +39 0584793578
www.galleriacardi.com
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MAPPA DEL CONTEMPORANEO - FIRENZE 1 / After art gallery Via Ghibelina n°38/r 2 / ARIA ART GALLERY Borgo Santi Apostoli n°40 3 / GALLERIA ALESSANDRO BAGNAI Via del Sole n° 15/R, Firenze Piazza Goldoni n° 2, Firenze 4 / BASE / PROGETTI PER L'ARTE Via San Niccolò n°18/r 5 / GALLERIA BIAGIOTTI ARTE CONTEMPORANEA
Via delle Belle Donne n°39/r 6 / GALLERIA CIVICO 69, Via Ghibellina n°69/r 7 / Galleria La Corte Arte Contemporanea Via Dei Coverelli 27r 8 / linea - spazio arte contemporanea Via delle Porte Nuove n°10 9 / F_AIR FLORENCE ARTIST IN RESIDENCE
Via San Gallo n°45/r 10 / SANTO FICARA ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA Via Ghibellina n°164/r 11 / FRASCIONE ARTE Via Maggio n°60/r 12 / FRITTELLI ARTE CONTEMPORANEA Via Val di Marina n°15 13 / GALLERIA d’ARTE MENTANA Piazza Mentana n°2/3/4r
GUIDA AL CONTEMPORANEO
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14 / MNAF. MUSEO NAZIONALE ALINARI PER LA STORIA DELLA FOTOGRAFIA Piazza Santa Maria Novella n°14/ar 15 / PALAZZO PITTI Piazza Pitti n°1 16 / GALLERIA POGGIALI & FORCONI Via Della Scala n°35/a 17 / GALLERIA IL PONTE Via Di Mezzo n°42/b
18 / SAN GALLO ART STATION Via Fra' Giovanni Angelico n°5/r 19 / Simboli art gallery Via di San Giuseppe n°6/r 20 / C.C.C.S. Centro di Cultura Contemporanea Strozzina Palazzo Strozzi Piazza Degli Strozzi n°1 21 / STUDIO N.B. & ENTR’ARTe POSSIBILIT IES OF ART Via De’ Serragli N°79/r,
22 / immaginaria arti visive gallery Via Guelfa 22/ar 23 / TORNABUONI ARTE CONTEMPORANEA INTERNAZIONALE Lungarno Cellini n°13/a 24 / ANTONELLA VILLANOVA Contemporary art jewellery Piazza Goldoni n°2 Via della Spada n° 36/R
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OLTRE LO SPECCHIO
Io solo ho occhi per te - Visioni anatomiche LINEA SPAZIO ARTE CONTEMPORANEA
fino al 15 giugno 2013 Intervista a Barbara Vistarini Elena Santoni: Quali dissezioni ha operato il suo sguardo? Barbara Vistarini: Il ritratto propriamente detto è assente dal mio lavoro. Il mio intento non è quello di dare forma ad una personalità, di rendere, secondo canoni estetici classici, una fisionomia. La mia operazione di osservazione dell’umano vuole scendere nelle profondità del subconscio e risvegliarlo nel fruitore. Nei miei lavori ho rappresentato una scena calda e familiare, dal sapore domestico, in cui tutti possono rispecchiarsi: una bambina gioca seduta su una palla, mentre si diverte a scattare delle riprese con un apparecchio fotografico. La bimba riprende senza sapere di essere ripresa. Tra noi e la piccola, si crea un’interazione misteriosa che risveglia l’immaginazione, gli angoli più reconditi dell’animo: non viene sezionato il nostro corpo, ma il nostro subconscio attraverso un’operazione che toglie il volto al tempo e riabilita la nostra personale temporalità, le nostre passioni, i nostri sentimenti.
Il tempo è lento ed inesorabile, è spietato, e spesso, porta via il ricordo. A questo tipo di tempo tolgo il volto. La sensazione del trascorrere è la temporalità: il tempo sentito con la pancia e col cuore, che trova posto in un’oscillazione modulata tra passato e presente, qualcosa che si differenzia dalla cronologia in senso fisico e matematico. Quando l’attimo dell’ora diviene tale da oltrepassare la fugacità e imprimersi nella nostra memoria, scendendo a fondo nel nostro vissuto, allora il presente acquisisce una tensione che si rivela nei miei scatti, nelle mie installazioni fotografiche. Le mie opere d’arte sono contraddistinte da una poetica decisamente aggrappata alle radici, che evoca la protezione del ricordo all’interno del mio tempo personale, nel mio mondo magico. L’input della creazione si colloca in un momento a livello semantico personalistico, ma il lavoro artistico passa poi a un registro linguistico di massima fruibilità. Inoltre ritengo che l’opera in sé sia priva di va-
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Barbara Vistarini, I.S.H.O.P.T. 3 I’ve got a crush on you, installazione fotografica, foto 30x45cm, 347cmx90cm, 2012. Courtesy Barbara Vistarini. Credits Barbara Vistarini, Lorenzo Colombo.
lore: lo acquisisce in quanto modo di vivere, carico di emozioni, ricordi, memorie, in quanto veicolo di valori universali e di situazioni in cui ognuno di noi può immedesimarsi, che ciascuno può evocare. Mi distanzio, ad esempio, dalla fotografia purista contraddistinta da virtuosismi tecnici che a mio parere la avvicinano a un prodotto. E.S.: Vi è un termine tecnico che ricorre spesso nelle sue installazioni fotografiche, un vocabolo straniero che non tutti conoscono, carico inoltre di una forte valenza simbolica: la sequenza loop. Può spiegarla? B.V.: È la reiterazione: rappresenta una continua ripetizione del passato nel presente, ed un presente che affon-
da le sue radici nel passato come una scintilla visibile che venga scoccata da lontano, un flusso di tempo continuato, dove il contingente e la lontananza sono due punti focali insieme distanti e coincidenti. La successione ripetitiva di uno scatto corrisponde a un’ossessione, a una spasmodica volontà di trattenere, di non far volar via il ricordo. Lo scatto fisso, al contrario, si riferisce al momento presente, a ciò che dell’avvenuto ritorna attuale. La mia successione loop, tecnicamente, consiste nella reiterazione di un massimo di foto per ciascuna installazione fotografica. Nella vita reale e concreta dell’esperienza, spesso, avvertiamo una sensazione di distanza che diviene turbamento, disagio fisico e psicologico.
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OLTRE LO SPECCHIO
Mi riferisco alla difficoltà di entrare in contatto con l’altro, di toccarsi, sia in senso figurato che letterale. Nell’istallazione I.S.H.O.P.T. ho realizzato un “abbraccio robotico”: l’opera I’ve got a crush on you è un atto ininterrotto che continua dentro al tempo e fuori dal tempo. Il suo aspetto estetico può definirsi meccanico, ha una lucentezza metallica di serpente. Il colore argentato è inoltre il leitmotiv che accompagna l’impatto visivo di tutta la mostra. Ciascuna fotografia che compone la sequenza ha la particolarità di essere fisicamente sistemata in modo da essere fissa, ma anche dotata di una certa mobilità, affinché sia possibile far trapelare una virtù architettonica del pannello di stampa: la plasticità. E.S.: Il Bush è una sua installazione fotografica che ha avuto molto successo; è stata ospitata anche all’interno della Biblioteca Nazionale Centrale di Firenze durante il Florence Design Week (dal 20 al 26 maggio 2013). B.V.: Il Bush è una struttura funzionale composta da ritagli di carta fotografica spillati assieme. Ha un aspetto morbido ed elastico. Si tratta di un’installazione spaziale che ha creato una sorta di scalpore al Padiglione di Photissima, tenutosi in concomitanza con la 55esima Biennale d’Arte di Venezia. È stato interpretato come “scomodo” dalla fotografia purista. Rappresenta un atto di rabbia fisico che si trasforma in un gesto corporale che distrugge, che taglia. Il taglio simboleggia un eccesso di collera per il tempo che passa e rappresenta la vo-
lontà di interruzione. Vorrei che il tempo bloccasse la sua marcia in avanti. Provo una sorta di odio contro il tempo fisico che porta via la materialità e l’immaterialità, di fronte a un tempo che cancella il ricordo della persona e la sua anima. E.S.: Pillow è un’installazione site specific: da cosa è composta e quali anatomie dell’animo è protesa ad evocare? B.V.: In Pillow sono stati raccolti gli scarti del Bush, per la precisione, soltanto due dei frammenti che lo compongono. La forma, a cuscino da notte, apre le porte a un complesso sistema di rimandi evocativi. La mente abbraccia il lasciarsi andare, l’abbandono, il sonno: uno stato di rimembranza onirico subliminale. È come se vi avessi raccolto l’irrealizzato e il precipitato di quello che fa parte della mia vita subconscia. E.S.: I.S.H.O.P.T: il suo significato è… B.V.: È l’acronimo che dà il titolo a una delle mie installazioni proposte in questa sede. È la sigla che ribadisce la frase che dà il titolo alla mia personale. “Io solo ho occhi per te”, è una citazione tratta da un quaderno di appunti degli anni Cinquanta che apparteneva alla mia nonna materna, e aveva per oggetto un amore segreto. L’espressione del compimento massimo si riscontra nella tensione alla realizzazione del sogno, dall’approdo fisico alla meta ideale, alla volontà di un ritrovo corporeo e concreto, mentre il sogno si trasforma in bisogno.
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1 - Barbara Vistarini, I.S.H.O.P.T 1e2, Pillow, installazione fotografica, foto 30x45cm, stampa laser, tessuto rete metallica alluminio e scarti di materiale fotografico, 1000cmx30cm, 2012. Courtesy Barbara Vistarini. Credits Barbara Vistarini, Lorenzo Colombo. 2 - Barbara Vistarini, Cerniere (Zippers), installazione, aste alluminio dimensione 15cmx2cm, spessore 2mm, Dbond brush stampate a getto d’inchiostro, dimensioni variabili da 233cm a 300cm, 2012. Courtesy Barbara Vistarini. Credits Barbara Vistarini, Lorenzo Colombo.
E.S.: Zippers è l’inedita installazione site - specific, ospitata nella dependance di Linea, che chiude il percorso espositivo… B.V.: Innanzi tutto la parola zippers vuol dire cerniere dei pantaloni o chiusure lampo. Questo lavoro è costituito da una sequenza loop di placche in alluminio sulle quali è stampato a getto di inchiostro la frase “Io non ho”. Allude alla flessibilità e capacità metaforica dei progetti, rievocando il culto della coscienza. Apre la ferita data dal senso di colpa per quello che non è stato fatto, come nel celebre Il Processo di Kafka. E.S.: “Io sono io i tuoi occhi”: quale è l’importanza di questa frase? B.V.: Significa che io (anche se naturalmente parlo a livello impersonale) mi sono negata per vedere con i tuoi occhi, che sto ufficializzando un mio autoriconoscimento, dichiarandolo e urlandolo anche nel diniego di me. “Io solo ho occhi per te” è un sì desiderato nella massima negazione possibile. L’insieme
della mia produzione si può definire di forte femminilità: credo che la donna sia il cardine della tradizione, in quanto è l’io che cattura la negazione. Barbara Vistarini, nata a Roma, attualmente vive e lavora tra Brescia e Roma. Dal 2000 espone in mostre personali e collettive, e partecipa a rassegne video in Italia e all’estero. A New York i suoi lavori sono esposti dalla Danette Koke Fine Art Gallery. L’evento in corso presso la sede di Linea Spazio Arte Contemporanea (in Via delle Porte Nuove, 10 a Firenze), è il primo di una serie che riporterà l’artista nel capoluogo toscano in occasione di The New Florence Biennale, in programma alla Fortezza da Basso dal 30 novembre all’8 dicembre 2013. All'organizzazione della rassegna autunnale fiorentina collaborerà anche Linea Spazio Arte Contemporanea. Elena Santoni è laureata in storia dell’arte, vive e lavora a Firenze come critico d’arte.
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Roberto Fanari : Un mare di nero Sabato 15 giugno | ore 18 Palazzo Panichi Pietrasanta 15 giugno | 1 luglio 2013
ore 19 | 24 lunedĂŹ chiuso
Via del Battistero n°38 55100 | Lucca Tel. +39 0583 491104
orari | lun. 16-19:30 mart.- sab | 10-13 | 16-19:30 www.gallerianumero38.com
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DENTRO AL CONTEMPORANEO
STRANIERO. L’ALTERITA’ DENTRO E FUORI DA SE’ Mostra a cura di Alessandro Demma Eduardo Secci Contemporary Opere di Mrdjan Baijc, Paolo Grassino, Bernardi Roig, Francesco Sena
fino al 15 luglio 2013 “Strangers in the night, two lonely people/ We were strangers in the night/ Up to the moment/ When we said our first hello”. Frank Sinatra Ancor prima del Cogito, ergo sum; ancor prima dell’Es, dell’Io e del Super Io: ogni individuo vaga nelle tenebre del Sé alla disperata ricerca del Noi. L’occhio non ha potere, il buio lo divora. “Mettetemi sotto un lampione e guardatemi in faccia!” – implora – ma l’inganno è dietro l’angolo, sotto le sembianze di Dorian Gray. Un universo di mostri, chimere, sfingi demoniache e indecifrabili. Giganti fatti di dubbi e incertezze – imponenti come l’opera dell’artista serbo Mrdjan Baijc – che ci paralizzano con la loro corazza, solo apparentemente impenetrabile, ma dal cuore fragile e disorientato. Riconoscersi (nell’Altro) e riconoscerci (l’un l’altro): estremo ten-
tativo di pacificazione in un mondo di “Sconosciuti” (serie di Francesco Sena) senza volto, che ci accusano del nostro stesso anonimato, puntando il dito contro la vacuità di uno sguardo che non oltrepassa la forma per arrivare alla sostanza, esterrefatto dall’impossibilità di comprendere l’alterità. Un j’accuse nei confronti dell’incapacità umana di “vedere” l’Altro come parte di sé. Tutti, nessuno, centomila: l’Altro rimane sconosciuto nel rifiuto – consapevole o no – di avvicinarci per ‘vederlo’, o di lasciarci avvicinare per farci ‘vedere’. Eppure, sembrano voler denunciare le sagome di cera rossa di Sena, smaterializzate e indefinite dalla casualità dei filamen-
Nella pagina a fianco: Mrdjan Balic, La classe operaia va in paradiso, 2008-2012, poliestere ferro e legno cartone, 370x120x80 cm. Courtesy Galleria Eduardo Seccy Contemporary.
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Paolo Grassino, Invalicabile, 2012, cemento resina vetro, 3 elementi di 200x100x100. Courtesy Galleria Eduardo Seccy Contemporary.
ti: tutti somigliano a tutti e nessuno è qualcuno in particolare. Spettri, figure umane decadenti nel corpo e nell’anima – come nell’opera di Bernardi Roig – che errano solitarie in un atteggiamento di chiusura difensiva, nel paradossale rifiuto della ‘luce’, e trovando sostegno solo in una gabbia di ombre, in cui rifugiarsi e imprigionarsi ‘liberamente’. Perché allora non ammetterlo? Il ‘diverso’ ci appartiene, lo straniero alberga dentro di noi. L’idea inaccettabile di non poter avere il controllo totale nemmeno
sul proprio Io, finisce per circondarci di barriere, dure e taglienti – come il cemento e le schegge di vetro dell’installazione “Invalicabile” di Paolo Grassino – che sembrano proteggerci dagli urti, dalle ferite e dalle delusioni, ma creano un immenso vuoto, fuori e dentro di noi. La paura ci impone distanza, ma se il fossato attorno al nostro cuore si fa troppo profondo, sarà la più amara delle difese. La speranza non è solo fatta di luci ed ombre, di domande e di risposte, di Io e Te. Ma anche di colori,
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Bernardi Roig, Pierrot le fou is not Dead, 2010, alluminio, legno, luci fluorescenti, 223.5 x 914.4 x 71.1 cm Courtesy Galleria Eduardo Seccy Contemporary.
esclamazioni e relazioni. La relazione pare sempre essere lo step più difficoltoso e doloroso. Trascendere dal Sé implica una rinuncia, l’individualità deve farsi da parte. L’Altro non è nemico se è lì davanti a noi, ma può esserlo se non riusciamo a vederlo, se lo nascondiamo tra le pieghe delle nostre insicurezze, dei nostri No egocentrici, delle questioni irrisolte. Una lotta senza vincitori né vinti, in continua metamorfosi, come un’opera incompiuta, la cui vita è legata a chi osa avvicinarsi, a chi la interpreta, a chi accetta di entrare in relazione con
essa. I rapporti umani ci trasformano ed evolvono essi stessi, lasciando tracce indelebili e creando sempre qualcosa di inedito, irriproducibile, unico. Tracce di sé, un dono, una sfida per non soccombere al magma indistinto, alla crisi – potenzialmente liberatoria – dell’Io vs l’Altro. Non saremo mai soli, salvezza o condanna: fuori e dentro di noi dimorano ombre e bagliori, tra fratelli e fantasmi, ci imbatteremo sempre in noi stessi. Déborah Allegranti
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PAOLO MASI LA RESPONSABILITÀ DELL'OCCHIO Opere 1959/2013 a cura di Flaminio Gualdoni Frittelli Arte Contemporanea
fino al 20 settembre 2013 "È prestando il suo corpo al mondo che il pittore trasforma il mondo in pittura. Per comprendere tali transustanziazioni, bisogna ritrovare il corpo operante ed effettuale che non è una porzione di spazio, un fascio di funzioni, che è un intreccio di visione e di movimento". Maurice Merleau-Ponty, L’occhio e lo spirito “Io non mi limito solo al piano intellettuale, ma mi concentro su quello fisico”, con questa affermazione Paolo Masi (Firenze, 1933) esplica il senso della sua arte che, pur avendo attraversato gli anni gloriosi del concettuale, si esprime soprattutto attraverso la fisicità, il gesto attivo e concreto, dunque il proprio corpo. Per questo viene da pensare a Merleau-Ponty e alle riflessioni sul senso del lavoro dell'artista che, essendo immerso nell'intreccio e nell'enigma della visione, è in grado di cogliere e comunicare il sostrato dell'essere attraverso i movimenti del proprio corpo, espressione del visibile e del vedente. Si parla infatti di "responsabilità dell'occhio" nel titolo della mostra, curata da Flaminio
Gualdoni, che è stata inaugurata lo scorso 11 maggio alla galleria Frittelli e che durerà fino al 20 settembre. Un sodalizio fra l'artista Masi e Frittelli Arte Contemporanea che si rinnova e si conferma, proprio nel giorno dell'ottantesimo compleanno dell'artista. E nell'esposizione, accanto a vivaci installazioni odierne, troviamo una panoramica sulla produzione di Paolo Masi dalla fine degli anni '50 ad oggi; sono dunque riproposti cicli storici come i Cartoni, le Tessiture, i Dripping, i fili tesi che riempiono un'intera parete, i plexiglass, le barre di alluminio, tutti materiali che non sono "quadri", come voleva il Diktat dell'epoca, ma esiti di azioni, azioni fisiche e corporee. E come diceva Merleau-Ponty, in
Nella pagina a fianco: Parete elastica a dilatazione continua, 1972, fili colorati, dimensioni ambiente. Masi ritratto alla galleria Schema, Firenze.
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Paolo Masi, Senza titolo (Cartone), 2012, tecnica mista su cartone, cm 100x70.
un certo senso l'artista è colui in grado di restituire ciò che proviene dalla percezione, appropriandosene e dilatandolo nello spazio. Percezioni vissute e rivissute da chi guarda, che avvengono in quel punto di indissolubile incontro tra funzione mentale e corporeità. Per quel che riguarda la storia artistica di Masi, fondamentale è stata la sua partecipazione al gruppo di ricerca estetica F/ Uno (1967-70), insieme a Lanfranco Baldi, Auro Lecci e Maurizio Nannucci, che portò ad un'uscita dal contesto fiorentino e al raggiungimento delle avanguardie internazionali. Con l'amico Maurizio Nannucci e Mario Mariotti fonda poi nel 1974 un collettivo per gestire lo spazio no profit Zona, che si tradurrà nel 2000
nel collettivo Base, tuttora esistente, di cui Masi è da sempre presidente, anche se dichiara di aver rassegnato le dimissioni un anno fa. Quello che possiamo ammirare oggi è un excursus su una carriera continuamente in fieri, che non ha conosciuto arresti o ripetizioni, ma continue sperimentazioni con materiali, ognuno di essi frutto ed esito di una nuova percezione. Ed è proprio all'insegna del potere percettivo e della visione oculare, di cui siamo "responsabili"partecipanti, che bisogna avvicinarci a questa mostra e al suo senso sempre attuale. Alessandra De Bianchi
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La responsabilità dell’occhio
www.mauropispoli. com
Paolo Masi
11 maggio - 20 settembre 2013 a cura di Flaminio Gualdoni
Frittelli
ARTE CONTEMPORANEA
www.frittelliarte.it
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START Livorno
L’arte contemporanea esplode in città Progetto a cura di Alice Barontoni e Enrica Greco
Dal 27 al 29 giugno 2013 Nasce START Livorno: una “tre giorni” di appuntamenti all’insegna dell’arte contemporanea. Alla sua prima edizione, l’iniziativa mira, ambiziosamente, a coinvolgere la città di Livorno aprendo le porte di musei, gallerie e associazioni, per creare un inedito circuito artistico-culturale che sia fonte di stimoli innovativi e metta in evidenza eccellenze e nuove proposte del territorio. Al festival – a cura dell’Associazione culturale Blob Art con il patrocinio del Comune di Livorno – aderiscono, con mostre e incontri di qualità pensati appositamente per l’occasione, dieci strutture artistiche di prestigio della città di Livorno: il Museo Civico Giovanni Fattori, il Museo di Storia Naturale, la Galleria Giraldi, la Galleria Granelli, lo Studio Guastalla Centro Arte, la Galleria Le Stanze, il Centro Culturale Michon, Palazzo Orlando, la Galleria Roberto Peccolo e lo Studio di architettura 70m2. Un vero e proprio evento corale, aperto a tutti, che offre uno spaccato sulle diverse forme espressive dell’arte contemporanea, dalla scultura, alla fotografia, pittura, installazioni, video, gra-
fica: richiama la partecipazione di molti appassionati, ma soprattutto, cattura l’interesse e la curiosità di nuovi sguardi, verso un futuro ricco di prospettive creative. Villa Henderson ospiterà l’opening giovedì 27 giugno con un incontro-intervista a Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, presidente della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo – osservatorio d’eccellenza sulla ricerca e la produzione delle più interessanti avanguardie artistiche dei nostri giorni – all’interno del grande contenitore del PREMIO COMBAT PRIZE, concorso di arte contemporanea giunto alla sua quarta edizione, che indaga e documenta i diversi linguaggi e percorsi artistici all’interno del panorama internazionale. Il premio si svolgerà lungo i tre giorni dell’evento presso il Museo Civico Giovanni Fattori e il Museo di Storia Naturale, relativamente con le sezioni di pittura, grafica e fotografia per il primo, e video, scultura/ installazione per il secondo. START prosegue, venerdì 28 giugno, con l’appuntamento sulla grafica presso la Galleria Guastalla, l’installazione
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di Enrico Bertelli al Centro Michon, il vernissage della personale di Hemmes alla Galleria Le Stanze, e l’inaugurazione della mostra fotografica di Beatrice Speranza allo Studio di architettura 70m2. Per sabato 29 giugno, sono previsti ancora numerosi vernissage: una collettiva sull’arte italiana anni ’70 presso la Galleria Giraldi; una mostra omaggio a Renato Spagnoli alla Galleria Peccolo;
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la personale di Gian Marco Montesano alla Galleria Granelli e, presso Palazzo Orlando, una collettiva di artisti internazionali tra i quali alcuni dei vincitori delle passate edizioni del PREMIO COMBAT PRIZE. Déborah Allegranti
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FEDERICO GUIDA
Dipinti contemporanei in scena aperta a cura di Michele Bellamy Postiglione Galleria Frascione Arte, Firenze in collaborazione con Roberta Lietti Arte Contemporanea, Como
fino al 25 giugno 2013 Una mostra che mette a confronto, in un continuo rimando incrociato, le opere ricche di riferimenti alla storia dell’arte, ma allo stesso tempo ironiche, di un artista contemporaneo come Federico Guida, con alcuni dipinti seicenteschi tratti dalla storica collezione Frascione. Come se fossero unite da un sottile filo rosso, in un continuo rimando di citazioni e riferimenti, figure del passato e figure del presente, convivono in un armonico equilibrio nella mostra Dipinti contemporanei in scena aperta di Federico Guida, allestita nei suggestivi spazi della Galleria Frascione Arte, presso il Palazzo Ricasoli-Firidolfi a Firenze. Curata da Michele Bellamy Postiglione, la mostra inaugura Tempo al tempo, un progetto ideato dallo stesso curatore e mirato alla realizzazione di momenti espositivi che muovono “a ritroso”, secondo una prospettiva culturale di cui si fanno interpreti e protagonisti quei giovani artisti contemporanei abili nel confrontarsi con la grande tradizione del passato. E Federico Guida, nato nel 1969 a Milano – città dove vive e lavo-
ra –, è sicuramente uno di questi. Figlio d’arte, diplomato all’Accademia di Brera e poi assistente di Aldo Mondino, fin dai suoi esordi pittorici, si dedica essenzialmente alla rappresentazione della figura umana. Sia i corpi, rappresentati spesso in pose contorte, sia i ritratti di persone reali o d’invenzione, realizzati ancora con una tecnica e una sapienza tradizionale, sono il frutto di una continua e quasi ossessiva meditazione dell’artista sulla figura, intesa come unione indissolubile di corpo e di anima. Amici, parenti, personaggi tratti dalla ritrattistica del passato diventano, per Guida, come degli archetipi, dei volti senza epoca, delle figure visionarie ed ironiche. Dalla grande pittura della tradizione rinascimentale e seicentesca – e soprattutto dall’opera di Tiziano, di Caravaggio, di Van Dyck
Nella pagina a fianco: Federico Guida, Pink, 2012, tecnica mista su lino, 140x110 cm. Courtesy e Credits Galleria Frascione Arte, Firenze.
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Federico Guida, La Maddalena, 2011, tecnica mista su lino, 111x95 cm. Courtesy e Credits Galleria Frascione Arte, Firenze.
e di Rubens – l’artista milanese coglie spunti e suggestioni, che poi mescola e combina insieme con originalità e irrequietezza, fino a farne la materia viva per la sua pittura, la quale appare come una sorta di collage in bilico tra istanze citazioniste e surreali; tutte urgenze espressive, in fondo, proprie dello spirito postmoderno contemporaneo. Nella mostra fiorentina dieci opere recenti di Federico Guida, realizzate tra il 2009 e il 2013, sono presentate e confrontate, in un allestimento essenziale e suggestivo, con tre dipinti seicenteschi provenienti
dalla storica collezione Frascione. Nella prima sala, dal forte impatto teatrale, ci accolgono con la loro maestosa imponenza, quattro grandi ritratti realizzati da Federico Guida, a cui fa da contraltare un ritratto di donna seicentesco. Si tratta di opere – quelle di Guida – dalla tecnica e dal sapore antico, ma il senso di inquietudine e l’ironia sottile che le animano, ci svela che siamo di fronte ad una ricerca artistica tutta calata nel nostro presente. In questo modo il ritratto della Papessa, che allude all’arcana ed omonima figura dei Tarocchi, si carica di valenze e
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allusioni sessuali più o meno esplicite. Nel dipinto L’equilibrista, invece, tutto è giocato sull’ambiguità della visione. Una bambina (o forse un’adulta dalla statura molto bassa), dal ghigno poco rassicurante, vestita in sfarzosi abiti, sostiene, in un equilibrio precario, un vassoio con alcuni oggetti tra cui una coppa di cristallo trasparente, che però, forse, non è altro che il soggetto del quadro che sta proprio sopra la testa della persona ritratta. In Fisherman è l’irrealtà della scena, ancora una volta carica di allusioni sessuali, a colpire. Il personaggio principale, vestito con sfarzo, è ritratto con la folta e bionda capigliatura impigliata alla testa di un pesce spada appeso alla parete della stanza. A caricare maggiormente di mistero la scena surreale è la presenza, sulla destra, di un ritratto di un uomo (forse il padre del personaggio biondo?), che magicamente sembra animarsi ed assumere un’espressione di meraviglia per ciò che sta accadendo intorno a lui. Nella seconda stanza, ciò che colpisce immediatamente la vista sono la serie dei quattro ritratti, tra cui La Maddalena e Il profeta, che si impongono per la loro forte carica di sarcasmo e ambiguità. Su opulenti e seducenti corpi di donne seminude, quasi sempre citazioni dai grandi capolavori del passato, l’artista si è divertito ad inserire dei volti di uomini – anch’essi spesso prelevati dalla storia dell’arte –, colti in pose ufficiali, spesso con barbe e capigliature seicentesche. Si crea così un contrasto stridente tra l’avvenenza di quei corpi, che spesso lasciano scoperti i seni, e il senso di repulsione dato da quei volti maschili, spesso vecchi e rugosi. Suggestivo, inoltre, è l’accostamento tra il dipinto Ariel di Guida, in cui è raffigurato un ariete che sembra
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Federico Guida, L’equilibrista, 2010, olio su lino, 215x133 cm. Courtesy e Credits Galleria Frascione Arte, Firenze.
riemergere – quasi rinasce – dalla tosatura del vello, e una copia antica del San Giovanni di Caravaggio. Nella stessa sala si trova, inoltre, anche il più recente dipinto intitolato Pink, in cui l’artista ha raffigurato i corpi nudi e contorti di una donna e di un bambino, omaggio alle forme e alla tecnica pittorica di Rubens, che però Guida ha voluto inserire su uno sfondo di colore rosa acceso, dal gusto decisamente pop. Chiude la mostra – o meglio la affianca – al piano inferiore, la proiezione di una video-intervista a Federico Guida, realizzata nel suo studio milanese, e curata da Marina Vergiani. Emanuele Greco
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ANTOLOGIA DI UN PROGETTO a cura di Biagiotti Progetto Arte, Firenze
fino al 14 Settembre 2013 Forte del bagaglio di esperienze artistiche maturate in anni di attività rivoluzionaria, la Galleria Biagiotti e la sua freschissima Antologia ci dimostrano come, nonostante l’ingordigia frenetica della nostra epoca, non conti solo l’età anagrafica per giudicare la contemporaneità di un’opera, qualora a supplire ad essa subentrino giovane talento e fantasia.
In tempi come questi, quando l’unica via plausibile per andare avanti sembra rimasta quella di voltarsi indietro, il ricorso all’antologia è matematico, laddove le idee scarseggiano e l’inventiva latita. Una scappatoia spesso controproducente, perché in pochi possono concedersi il lusso di guardare al proprio vissuto con la fierezza propria di chi, ancora oggi, continua ad assaporarne con gusto i risultati positivi. Per la maggioranza, il rischio di cadere nella solita sistematica summa di trofei fittizi è quasi una certezza. Ma non è il caso della Galleria Biagiotti, che alla fortunata oligarchia di cui sopra ci appartiene di diritto, in nome dell’esperienza acquisita in 16 anni di attività trascorsi al servizio di ricerca e sperimentazione, e che ha investito da sempre nella scelta non convenzionale, piuttosto che nella comodità del successo annunciato, brillando per eclettismo e fantasia. “Antolo-
gia di un Progetto”, la mostra che ad oggi ci viene proposta, è allora forse la più importante delle sfide finora affrontate, perché le raccoglie tutte, enfatizzandone il messaggio per antonomasia. E, pur sotto forma di corpus organico, riesce comunque a spiazzare l’osservatore, rivelandosi tutto fuorché il classico accademico best of di rito, quanto di più lontano possibile dalla mera e sterile dietrologia autocelebrativa fine a sé stessa. Lungo l’intero percorso espositivo, passato e futuro si avvicendano dialetticamente, in modo mai didattico e preordinato, come da tradizione, per uno spazio i cui storici soffitti a volta hanno offerto asilo alla contemporaneità di opere realizzate da vere scommesse del mondo artistico, senza limitazioni di tecniche e media, né preferenze prestabilite tra pittura, video, performance, fotografia, scultura; collaborando al contempo con istituzioni
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1 - Antologia di un progetto, veduta della mostra,2013. Courtesy Biagiotti Progetto Arte, Firenze. 2 - Arin Rungjang, The scars of your love, they leave me breathless, Installazione scultura in resina, fotografie, testo su foglio A4, sonoro, 2011. Courtesy Biagiotti Progetto Arte, Firenze.
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1 - Brigitte Kowanz, Trasparency, Lightbox, 140x140x20 cm, 2000, Firenze. 2 - Robert Pettena, Victorian Play, Lightbox, 100x66 cm, 2003. Courtesy Biagiotti Progetto Arte, Firenze.
pubbliche internazionali (una su tutte l’American Academy of Rome), e artisti stranieri provenienti da Svizzera, Olanda, Thailandia e Stati Uniti. Un’attività dal costante piglio rivoluzionario, costellata da un unico filo conduttore: una dedizione/ devozione spasmodica verso i giovani emergenti. Davvero numerosi risultano infatti i nomi passati dalla galleria all’inizio del loro percorso, poi decollato: artisti come Sissi, Nico Vascellari, Ericailcane, ormai consolidati nel panorama nazionale, hanno visto qui il loro battesimo mediatico, ancora pressoché sconosciuti. E sono solo alcuni dei 21 protagonisti di questa poliedrica e multisfaccettata collezione di talento contemporaneo doc. Orfani della maternità di un manifesto curatoriale collettivo a tenere le fila dell’esposizione, estrapolati dai contesti originari, slegati l’uno dall’altro. Isolati, ciascuno nel proprio microcosmo di significati, messi a nudo, in tutta la loro carica allegorica. Libero da qualunque forma di condizionamento nozionistico-razionale preconcetto, il visitatore è invitato così ad un approccio più istintivo e lineare con le opere esposte, che ne amplifica esponenzialmente la portata emotiva. Fin dall’entrata, impossibile non rimanere colpiti dalla delicata compostezza
dell’affresco parietale in carta ritagliata di Andrea Mastrovito, contrapposta alla schiettezza neo-pop del variopinto bersaglio di scotch colorato ad opera di Andrea Facco; non spaventarsi di fronte al realismo della scultura umana di Fabiano De Martin Topranin, così sapientemente lavorata da sembrare vera e quasi antiquata, eppure così contemporanea; o ancora soffermarsi rapiti dal misticismo delle geometrie incise in rame ossidato di Federico Gori, in diretto dialogo con la natura, al pari della fotografia mimetica di Alberto Lapenna. Come non rivedersi poi nel grottesco lightbox di Robert Pettena, un’ultima cena di borghesi ingordi costretti da collari canini a non potersi cibare di una succulenta tavola di prelibatezze? Forse l’opera più emblematica dell’intera esposizione, in un unicum di tanti gioiellini a sé stanti. Ognuno con un suo percorso e una sua storia da raccontare. Ognuno, a suo modo, un fiore, in un’antologia, fedele all’etimologia della parola stessa (dal greco “ánthos”, “fiore”, e “légo”, “raccolgo”), che tale lo è letteralmente: una preziosa e rara raccolta di fiori. Ecco quando guardarsi indietro, allora, significa a tutti gli effetti andare avanti. Sarah Venturini
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Ion Grigorescu. Trauma of the Exposed Body a cura di Maria Rus Bojan Prometeogallery – Ex Chiesa San Matteo, Lucca
fino al 26 luglio 2013 21 grammi tra corpo e anima...è dunque questo il peso dell’esistenza? Tra sacro e profano Ion Grigorescu va alla “scoperta” del corpo per liberarlo dalla pesante eredità del peccato originale.
E’ il corpo il protagonista indiscusso delle intense immagini rituali di Ion Grigorescu, (Bucarest 1945) esposte da Prometeogallery di Ida Pisani, a cura di Maria Rus Bojan, negli spazi della galleria lucchese nell’Ex Chiesa San Matteo. Uno scorcio sulla personale visione dell’artista rumeno della vita e dell’esistenza umana dalla fine degli anni Settanta ad oggi, dove proiezioni di immagini quali Ritual Bath, Braiding Hair, Washing with Light, dipinti e video come Start, convergono nella realizzazione del progetto artistico, utilizzando la body-art come principale strumento espressivo, facendo del corpo l’oggetto centrale di azioni simboliche. Avanzando con ossequioso rispetto nella navata della Chiesa di San Matteo, la sacralità del luogo diviene essa
stessa parte dell’installazione creata da Ion Grigorescu, generando una sorta di atto psicomagico curante, simile agli atti effimeri concettualizzati da A. Jodorowsky, dando quindi completezza ed unitarietà all’opera. Con forti allusioni alla cristianità, il corpo esibito come opera, cerca di rompere le tradizioni e superare così il trauma della nudità e del peccato originale, divenendo pertanto protagonista assoluto, soggetto, oggetto ed interprete, dell’espressione artistica dell’autore. Un corpo che cerca di riacquistare identità e tornare ad assurgere allo stato di simulacro dell’anima, finalmente libero di mostrarsi davanti alla divinità. E’ così, solo scuotendo le abituali convinzioni e utilizzando la fisicità e la sessualità come mezzo espressivo
Nella pagina a fianco: Ion Grigorescu, Marica cutting beans (3 e 5), 1976. Unique piece. Framed, signed on the back of the cardboard of the frame. Black and white silver photograph. Courtesy Prometeogallery, Lucca (LU).
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Ion Grigorescu, foto dell’installazione della mostra “Trauma of the Exposed Body” Courtesy Prometeogallery, Lucca (LU).
che l’essere umano entra a far parte dell’installazione in modo attivo, denudandosi senza timori di giudizio dal fardello che grava drammaticamente sulle proprie spalle. Le immagini provocanti delle performance in cui spesso l’autore è diretto protagonista, suggeriscono una visione di tipo non assoluto e fisso dell’identità e del corpo, in cui l’atto di mostrare assume valenza di potente metafora di rinnovamento, una capacità di adattamento progressivo e consapevole, verso il ritorno alla purezza spirituale, antecedente al peccato originale. “Se la vita ha un senso (ci chiediamo
ancora perché viviamo?) esso è inscritto nel nostro corpo” - afferma Ion Grigorescu - e l’installazione ripercorre il legame inscindibile tra corpo e anima con forti legami biblici, tesi a sottolineare in modo esaustivo il principio cristiano secondo cui l’uomo è il risultato dell’unione tra materiale e spirituale. Un corpo che si riscopre quindi tempio dell’anima, quel “surplus” che secondo l’artista definisce la stessa vita: 21 grammi che forse racchiudono l’essenza dell’uomo, il suo pensiero, il suo respiro, insomma, il peso dell’anima. Greta Bonini
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Sciató affonda le sue radici nell’esperienza e nella sostanza culinaria del territorio ma che al contempo accoglie selettivamente e con sobria fantasia i sapori e le tecniche di altre tradizioni. Il tutto in un libero dialogo a distanza con le costanti esposizioni di artisti contemporanei di punta che fanno dello Sciató un’importante luogo d’arte.
Via Garibaldi, 49 - Serravalle Pistoiese - PISTOIA TEL. 0573 51301 - INFO@SCIATO.IT - WW.SCIATO.IT
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Franco Mauro Franchi Sogni Mediterranei Area e Museo Civico Archeologico, Fiesole
fino al 2 giugno al 1 settembre 2013 Corpi femminili dalle linee sinuose e abbondanti uniscono tramite un filo sottile contemporaneità, storia e archeologia grazie a un contesto d’eccezione che permette all’arte del maestro Franco Mauro Franchi di ritornare alle proprie origini e alla propria linfa vitale.
Dal 2 giugno il teatro romano di Fiesole, e le antiche vestigia dell’Area Archeologica, diventano mirabile palcoscenico non solo del 66 Festival dell’Estate Fiesolana, ma anche della mostra antologica dedicata a Franco Mauro Franchi curata da Filippo Lotti. Il percorso di studio del maestro ha radici lontane: I’amore dell’artista livornese per la scultura e la lavorazione del bronzo sono stati profondamente segnati dalla sua infanzia passata a Tarquinia. Lí, ricorda il maestro, ha trascorso le sue giornate in compagnia dei suoi cari scoprendo e respirando l’arte degli antichi etruschi: la figura umana sdraiata che osserva lo spettatore recupera la tradizione dell’arte funeraria etrusca dei corpi presenti sulle urne cinerarie e sui sarcofagi. È dalle terre di Tarquinia, come da quelle fiesolane, che emergono frammenti di storia, frammenti di
ceramiche etrusche che hanno condotto Franco Mauro Franchi a intraprendere la strada della lavorazione di questa materia. Le isole della Gorgona sono state interpretate dal maestro come figure umane che nate dall’acqua sono diventate sculture la cui superficie rimane ruvida e non lavorata. Figure appena sbozzate i cui sguardi persi nel vuoto rievocano proprio i volti delle sculture etrusche. Come le parole del maestro ci spiegano: “È come avere riportato le mie opere a trovare i nonni”. Le rotondeggianti e abbondanti forme plastiche delle figure femminili godono di uno splendido contesto che permette così di rievocare i pensieri e la fonte primaria d’ispirazione di questi corpi. Ecco il legame sottile e profondo tra l’area archeologica e l’arte di questo mirabile scultore: giunoniche figure umane, incuranti dell’essere osservate, assumo-
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Franco Mauro Franchi, Mediterranea, vetroresina 115x185x115. Foto di Elisa Frego.
no posizioni scomposte, e adagiandosi liberamente nel paesaggio senza alcun imbarazzo, ne riprendono il morbido andamento tramite una linea sinuosa e dolce. Sono sculture senza tempo che s’inseriscono così nell’atmosfera di questo luogo antico, intriso di storia che le ha generate. Le opere del maestro Franco Mauro Franchi si caratterizzano per le grandi dimensioni e per l’uso dei materiali: le
anatomie degli imponenti corpi femminili sono state lavorate in vetroresina, bronzo e terracotta recuperando così antiche tecniche di lavorazione. L’esposizione rappresenta un momento importante di visione e di artigianalità per chi vuole, anche per un solo momento, affondare lo sguardo in corpi e visioni sognanti, quindi femminili. Elisa Frego
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FABIO DE POLI EASY Galleria d’Arte Frediano Farsetti
fino al 28 giugno 2013
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Possiamo avere tutti i mezzi di comunicazione del mondo, ma niente, assolutamente niente, sostituisce lo sguardo dell’essere umano. (Paulo Coelho, Manuale del guerriero della luce, 1997)
“Il marinaio e l’artista si assomigliano; ambedue hanno per orizzonte un mare che è in realtà una sconfinata prigione: sul quale navigando e fantasticando non si può cercare di ottenere nient’altro se non di essere fino in fondi se stessi”: il mondo di Fabio De Poli (Genova 1947), artista di adozione fiorentina, ci dimostra una dimensione nuova, eletta da sogni, note musicali e sguardi senza traccia, che non hanno bisogno di essere conclusi nelle loro caratteristiche. Una pace liberatoria si muove amabilmente fra le stanze della galleria, facendoci respirare straordinari profumi gocciolanti di pitture viniliche: un viaggio senza riposo, un elisir d’amore in grado di rompere quel silenzioso caos della realtà, colora le strade della Belle Époque, con richiami ancor più contemporanei, ma che vivono di Pop Art e Dadaismo. Un momento per ridere, una musica debole ma necessaria in un corpo che sa raccontare uno sguardo: i tratti si sfumano come le stesse sigarette che ritrae nei suoi dipinti, un mocassino nero e un collant a pois simboleggiano una folle idea che ci avvicina a lui. Non si intuisce nessun pensiero oscuro o triste. Donne, uomini, essenze ed immagini appena accennate, si mescolano in un
racconto che sa di fiaba, ma Fabio De Poli è ancora più sincero verso di noi: non cerca l’opposizione, ma suscita domande in chi l’osserva, e solo questo decreta il suo successo. Un’arte che fa discutere, che fa parlare di sé è un’arte che fa centro nel cuore e nella mente dello spettatore, perché produce un interrogativo che perdura nella memoria: chi è quell’uomo che lui chiama Fumoso? Chi osserva? Perché non ha un volto? “Cerco con le facce un percorso mentale ... cerco di vedermi scomparire”, e così un naso bianco, un occhio blu, un Grandocchio e un primo piano, un pianoforte, un nome: George. Una gestualità corporea fatta solo di occhi e di sguardi, immersi in una libido che aggiunge qualcosa che noi ancora non conosciamo, un’identità celata fatta di colori e sentimenti che cercano di scoprire chi è il loro altro. Robert Bresson affermava che “due persone che si guardano negli occhi non vedono i loro occhi, ma i loro sguardi”, così Fabio De Poli scrive una poesia eterna, che vive negli occhi del personaggio che dipinge e di cui bisogna avere coscienza. Gabriella Di Tanno
Nella pagina a fianco: veduta della mostra di Fabio De Poli. Credits Gerardo Gazia. Courtesy Galleria d'Arte Frediano Farsetti.
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L’ANTICA VIA SACRA Galleria 33
intervista a Tiziana Tommei Non è una location qualsiasi per una galleria, che troppo spesso ospita un’arte depauperata che sembra non conservare più niente della sua sacralità. Tiziana Tommei ha accettato la sfida, ha scelto la vecchia Via Sacra – oggi via Garibaldi - per aprire il suo spazio, un laboratorio d’idee, che è anche teatro d’eventi e luogo d’incontri, un crocevia di stimoli ed entusiasmo che da subito è diventato “polmone” del centro storico di Arezzo. Eleonora Ciambellotti: Perché oggi come oggi, in un mondo in cui sembra che della cultura si possa fare a meno – considerati i tagli e la poca importanza data al mondo dell’istruzione - una giovane decide di investire nell’arte? Tiziana Tommei: Per passione in primis. Ma, non solo per questo ovviamente. La ragione principale della mia scelta, indubbiamente controcorrente, parte dalla mia idea di cultura. Non è il mio progetto ad essere in controtendenza, quanto - e questo è allarmante - l’idea che lo ha generato: intendere la cultura come risorsa. Oggi, infatti, studiare è considerata una perdita di tempo e di denaro, meglio rivolgersi ad attività più redditizie e meno faticose. Invece io penso che la cultura, l’insegnamento e
l’educazione dell’individuo, siano diritti inalienabili, da mettere in moto a partire dall’infanzia, al fine di permettere la crescita civile del singolo, come del Paese in cui vive. Non voglio che le nuove generazioni si trovino a fronteggiare una crisi, ancora più pesante di quella attuale, senza riferimenti e in balia dell’ignoranza. E.C.: L’ignoranza appunto. Affronti una materia, l’arte contemporanea, di “difficile” decodifica, un oggetto a volte fuori mercato, che rischia di allargare ancora di più quella frattura ideale che si è creata tra gli artisti e il loro pubblico. Come lavora la tua Galleria per sanare questa distanza? T.T.: È singolare che la contemporaneità dell’arte come dei suoi pubblici, anziché unire, finisca per creare distanza. Eppure sono entrambi, sia gli artisti che i fruitori, uomini del contemporaneo, che vivono il medesimo momento storico, vicini per modalità percettive, background, aspettative.... Le espressioni artistiche contemporanee si generano in un milieux che è quello della società contemporanea, che dovrebbe costituire l’interlocutore più direttamente ricettivo del messaggio veicolato, attraverso le nuove proposte creative dell’in-
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gegno umano. Purtroppo, si torna al problema dell’assenza di strumenti utili ad affrontare la realtà che ci circonda: l’educazione e la formazione non sono qualcosa di superfluo, perché è attraverso la conoscenza e la preparazione che si può arrivare a costruire i mezzi necessari per affrontare il presente. E’ importante anche fare una distinzione: io ho parlato di pubblici perché credo si debba partire dalla consapevolezza dell’estrema eterogeneità dei destinatari a cui ci si rivolge, considerandone le caratteristiche distintive di età, cultura, interessi etc. In altri termini, io cerco di proporre, nel mio piccolo, un’offerta diversificata, tentando di coinvolgere un “pubblico” sempre più ampio, dai pochi intendenti al “non pubblico” – quest’ultimo apparentemente il più difficile da intercettare, ma anche il più stimolate. E.C.: Come ha accolto Arezzo questa tua galleria? T.T.: Andando in giro, in cerca di artisti e stabilendo contatti. Quando dico di essere aretina e attiva nel settore dell’arte, tutti, da fuori, la considerano un’ovvietà. Naturale è considerata l’inclinazione ad amare e promuovere la creazione artistica da parte di chi, come me, è nato e cresciuto in una città nota per il suo patrimonio storico-artistico. Al contrario Arezzo guarda con curiosità e stupore alla “33”, che non vuole essere solo una galleria, intesa quale mero contenitore espositivo. La Galleria 33 è un progetto, che muove da un luogo fisico di proposta, incontro e scambio culturale. Non serve a nulla allestire una mostra se essa non sottende un disegno tracciato a partire dall’approccio
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critico all’opera che si vuole presentare. Tutto il lavoro, ideato e messo a punto per quel particolare evento espositivo, che va dal concept alla comunicazione e dalla organizzazione alla promozione, non può che essere un servizio personalizzato, realizzato su misura in funzione di quella determinata proposta artistica. Inevitabilmente, ogni mostra organizzata, costituisce un unicum non replicabile. Potrei affittare lo spazio, concederlo come vetrina, ma non credo che sia sensato esporre senza, alla base, una progettualità ragionata e una comunicazione studiata ad hoc. E.C.: E pensando al futuro, tu, cosa ci vedi? T.T.: Voglio proporre arte in cui credo, capace d’intercettare un interesse crescente, capace d’incuriosire e far riflettere. Vivo nella costante ricerca di novità e quando contatto un artista e gli propongo una mostra, lo faccio perché credo in lui, ma, lo ribadisco, la Galleria 33 non è uno spazio commerciale perché l’intermediazione vendita è solo un aspetto, e per giunta finale (nella mia attività come nel mio pensiero) di un processo che non coincide e non si esaurisce nella messa in mostra tout court. Nel futuro molto prossimo, in questo spazio ci sarà, dal 5 giugno, “Trame segrete”, mostra di Beatrice Speranza e Emy Petrini curata da Tiziana Tommei, un’occasione per capire e scoprire cosa succede quando floral design e fotografia si incontrano. Eleonora Ciambellotti
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L’appassionarsi del corpo. Il fascino del corpo femminile in Gustav Klimt, tra incanto ed affettività. Questo mese le mie parole prendono vita sfogliando le pagine di uno splendido libro del neurobiologo, premio Nobel per la Medicina, Eric Kandel, intitolato “L’età dell’inconscio. Arte, mente e cervello, dalla Grande Vienna ai nostri giorni”(Raffaello Cortina Editore), in cui egli, sfoggiando straordinarie capacità divulgative, mi accompagna in un vero e proprio viaggio ad ampio spettro, muovendo dal salotto viennese, crocevia di scambi di idee tra diversi ambiti del sapere, per bocca di artisti, scrittori, medici, letterati che lì erano riuniti. Siamo nei primi del Novecento in una Vienna rigogliosa, nel pieno del suo fiorire e pullulare di menti brillanti dalle idee innovative. Wittgenstein in filosofia, Otto Wagner in architettura, Freud il “padre” della psicanalisi, (che faceva parte della cerchia della signora Zucherkandl), Schnitzler in letteratura, Gustav Klimt ed i suoi protetti Oskar Kokoschka ed Egon Schele nell’arte. In particolare letteratura e arte subirono il fascino della nascente psicanalisi e quindi accolsero le idee di Freud dando vita così ad un’arte dell’appassionata affettività dell’archeologia psichica. L’inconscio freudiano con i suoi tesori più profondi e preziosi,- estratti dal-
lo psicanalista che, freudianamente, in quanto archeologo della psiche, la deve scoprire strato dopo strato – pervade, mentre arte e letteratura, manifestano l’esigenza di spingersi nella profondità della superficie, alla scoperta di ciò che, costitutivo dell’umano, mette radicalmente in crisi la tradizionale convinzione di conoscere se stessi scardinando quindi, irreversibilmente, ogni rappresentazione mentale intorno al soggetto ed alla soggettività come auto conoscente ed autonoma. Una costellazione di “parole chiave” come, ad esempio, libido, sogno, desiderio, transfert… riferimenti che, sebbene già presenti culturalmente, assunsero con l’avvento della psicanalisi pieghe tanto impensate fino a quel momento, quanto sconvolgenti nella loro risonanza, al punto da gettare, per quanto riguarda la percezione del corpo, un nuovo sguardo, il quale si riflette nella pittura figurativa del Novecento, manifestandosi attraverso la ricerca di nuove forme di espressione della corporeità colta nella sua costitutiva irrazionalità, nell’eccesso che essa è, in cui al naturale fiorire e voler mostrare seduzione, sessualità, desiderio, piacere, trasporto emotivo-affettivo, fa, simultaneamente, da contrappunto, la
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rappresentazione mentale del proprio corpo, conformemente al modello culturale dell’epoca, alle cui regole – implicite od esplicite – i corpi si adeguano pubblicamente, e sono adeguati in base a criteri socialmente accettati. A questa dialettica però, qualcosa sfugge. Ci sono opere d’arte che rimandano a quelle che Henry Bergson in “Materia e memoria” chiama “immagini viventi”. Esse sono tali perché, come ricorda Walter Benjamin in “Angelus Novus”, le opere, come le creature, hanno una vita, una storia, una memoria, conservano in loro, quindi, piccoli, inestimabili battiti di vita, che poi sono proprio ciò che le fa sopravvivere, in quanto – warburghianamente parlando – sopravvivenze, le quali rifrangono ed in cui si rifrangono le sopravvivenze che siamo. Gustav Klimt, nelle sue opere, coglie simultaneamente i due volti della sessualità femminile del suo tempo, contrastanti e compresenti al contempo: l’esposizione del corpo della donna in tutta la sua passionalità e contemporaneamente l’espressione di tale passionalità dirompente nella rappresentazione di figure femminili eteree, come se fossero frammenti sconnessi di immagini visive di un sogno ad occhi aperti, tanto dell’artista mentre disegna o dipinge la modella, quanto della modella che nell’assumere pose sensuali asseconda lo sguardo carico d’incanto e di desiderio di chi la osserva, e di chi guarda l’opera, come in “Giuditta” (1901) – femme fatale incantatrice, con la bocca socchiusa, che sconvolge lo spettatore col suo fatale potere seduttivo, dove la passionalità femminile trova nei delicati tratti della matita su carta,
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Gustav Klimt, Giuditta I, olio su tela (84x42 cm), 1901, Österreichische Galerie Belvedere,Vienna.
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(si veda, ad esempio, “Nudo reclinato che guarda a destra” 1912 – 1913), la sua più intensa espressione, vivificando l’immagine di tutta la travolgente voluttuosità della presenza corporea. Insomma, quelle klimtiane sono vere e proprie immagini viventi che hanno in loro la vita di corpi ridotti in figura, in un insieme di tratti, per sopravvivere a loro stesse, facendo contemporaneamente sopravvivere l’opera dell’artista alle intemperie del corso del tempo che l’attraversa: immagini di sogno, fuori dal tempo cronologico, immerse, al contempo, in tutta l’affettività soffocata della loro epoca che nell’immagine esige una voce. Qui si ritrovano quegli “Atteggiamenti Passionali” riconosciuti dagli psichiatri dell’ospedale della Salpêtrière, negli attacchi isterici delle loro pazienti, isteria femminile a cui Freud dedicò i suoi “Studi sull’isteria” mettendo così, come incipit della nascente psicanalisi, il bisogno d’amore che nel dolore del sintomo e dell’attacco isterico trovava la sua manifestazione. (Si veda, a riguardo, lo splendido libro di Georges – Didi Huberman, “L’invenzione dell’isteria. Charcot e l’iconologia fotografica della Salpêtrière”, Marietti 1820). E’ impossibile quindi, a questo punto, ahimè, solo accennare a quello “sguardo aptico”, uno sguardo che tocca, dell’aderenza dell’occhio al visivo, aderenza che incanta a cui rimandano lo storico dell’arte Alois Riegl, e il filosofo Gilles Deleuze, il quale adotta questo riferimento in merito al cinema, avendo presente che la nascita del cinema è contemporanea a quella della psicana-
lisi: nel 1889, mentre le isteriche vengono “visitate” , fotografate, (inventate?) alla Salpètriere, i fratelli Lumiére inventano il cinematografo. Quindi la donna, la femme fatale, è un’attrice? La modella di Klimt che si mette in posa, nell’atto di darsi piacere facendo l’amore con se stessa è meramente considerabile, come tradizionalmente è stato, una ninfomane che turba nella sua (disperata) ricerca amorosa di un uomo con il quale congiungersi stabilmente? Forse. E forse, è proprio questo che le opere di Klimt restituiscono, dicendo qualcosa che non è annoverabile solo nel femminile, ma che riguarda tutti, uomini e donne, in quanto costitutivo della nostra condizione umana. Siamo infatti, platonicamente parlando, esseri erotici, quindi fragili, sospesi da sempre tra ciò che si anela e l’impossibilità di raggiungerlo, tra il bisogno della presenza dell’altro ed il vuoto della sua assenza. Vuoto che è, sì dell’altro, ma anche proprio, quindi faglia singolare e comune ad un tempo, fondamentale in tutti: l’incompiutezza del nostro cuore. Che nessun dipinto, disegno, artista, psicanalista, scrittore, potrà mai risolvere, con tratti di matita, pennellate, parole, o punti di sutura. Silvia Migliaccio
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CLET STUDIO Via Dell'Olmo n°8 CUCO CUCINA CONTEMPORANEA Via Del Melerancio n° 4/r CUCULIA Via De' Serragli n°1-3/r DUBLIN PUB Via Faenza n°27/r FRASCIONE ARTE Via Maggio n°60/r LIBRERIA FELTRINELLI via dè Cerretani n°30 FRITTELLI ARTE CONTEMPORANEA Via Val Di Marina n°15 Flor Design Via Benedetto Dei n°100 Florence Dance Center Borgo Della Stella n°23/r FONDAZIONE IL BISONTE Via Di San Niccolò n°24/r FUA School of Fine Arts Via San Gallo n°45/r Galleria del Palazzo Lungarno Guicciardini n°19 GALLERIA I.A.C. Via Della Croce n°41 (Impruneta) IMMAGINARIA ARTI VISIVE GALLERY Via Guelfa n°22/r L'E' MAJALA Via Poliziano n°7r LA CITÉ Borgo San Frediano n°20/r linea - spazio arte contemporanea Via delle Porte Nuove n°10 Marquee Moon Piazza Santa Maria Maggiore n°7/r CAFFE' LETTERARIO LE MURATE, piazza delle Murate MIO concept store Via della Spada n°34 MUSEO GUCCI Piazza della Signoria n°10 Museo Salvatore Ferragamo Palazzo Spini Feroni Piazza di Santa Trinita n°5 GALLERIA D'ARTE FREDIANO FARSETTI Lungarno Guicciardini n°21/23r MUSEO MARINO MARINI Piazza San Pancrazio MELBOOKSTORE Via Dei Cerretani n°16 BOX OFFICE MURATE Via Delle Vecchie Carceri CINEMA ODEON Piazza Strozzi Otto luogo dell'arte Palazzo Lotteringhi della Stufa, Piazza San Lorenzo n°4 PALAZZO BORGHESE Via Ghibellina n°110 PALAZZO MEDICI RICCARDI Via Cavour n°1 PALAZZO PITTI - Piazza Pitti n°1
GALLERIA POGGIALI & FORCONI Via Della Scala n°35a GALLERIA IL PONTE Via Di Mezzo n°42/b Present Art GALLERY Via de' Serragli n° 56/58r STUDIO ART CENTERS INTERNATIONAL Via S. Antonino n°11 SAN JACOPO SHOW Borgo San Jacopo 66/R SANTO FICARA ARTE MODERNA E CONTEMPORANEA Via Ghibellina n°164/r Simboli Art Gallery Via Di San Giuseppe n° 6/r Simultanea arte contemporanea Via San Zanobi n°45/r Société Anonyme via Nicolini n°3f (angolo via della Mattonaia) TEATRO DI CESTELLO Piazza di Cestello TEATRO EVEREST Via Volterrana n°4/b TEATRO DELLA PERGOLA Via della Pergola n°18 TEATRO PUCCINI Via delle Cascine n°21 TEATRO DI RIFREDI Via Vittorio Emanuele II n°303 TEATRO DEL SALE Via de' Macci n°118 TEATRO STUDIO KRYPTON Via G. Donizetti, 58 (Scandicci) TEATRO VERDI Via Ghibellina n°101 TORNABUONI ARTE CONTEMPORANEA INTERNAZIONALE Lungarno Cellini n°13/a Università Internazionale delle Arti Via Della Forbice n°24-26 Zone Via Del Porcellana n°37r-43a lIVORNO GALLERIA GIRALDI Piazza Della Repubblica n°59 GUASTALLA CENTRO ARTE Via Roma n°45 lucca Fondazione Centro Studi sull’Arte Licia e Carlo Ludovico Ragghianti Complesso monumentale di San Micheletto Via San Micheletto n°3 Lu.C.C.A. CENTER OF CONTEMPORARY ART Via Della Fratta n°36 PALAZZO MEDICEO Via Del Palazzo n°358 (Seravezza) GALLERIA N°38 Via Del Battistero n°38 GALLERIA SUSANNA ORLANDO Via Carducci n°10 (Forte dei Marmi)
TENUTA DELLO SCOMPIGLIO Via di Vorno N°67 (Vorno, Capannori) pietrasanta FLORA BIGAI ARTE CONTEMPORANEA Via Garibaldi n°37 Galleria Cardi Via Padre Eugenio Barsanti n°45 GESTALT GALLERY Via Stagio Stagi n°28 BARBARA PACI GALLERIA D’ARTE Piazzetta Del Centauro n°2 Piazza Duomo n°25 PALAZZO PANICHI Via Marzocco n°2 angolo Piazza Duomo MARCO ROSSI ARTE CONTEMPORANEA Via Garibaldi n°16 GALLERIA d’ARTE “LA SUBBIA” - Via Barsanti n°11 pisa BLU | Palazzo d'arte e cultura Via Pietro Toselli n°29 DoloresArt Laboratory Palazzo Viti, Via dei Sarti n°4 (Volterra) pistoia BIBLIOTECA SAN GIORGIO Via Sandro Pertini, snc CAFFETTERIA MARINI Corso Silvano Fedi n°32 Museo Marino Marini Corso Silvano Fedi n°30 SCIATò via Garibaldi n°49 (Serravalle Pistoiese) prato CASA D'ASTE FARSETTI ARTE, Viale della Repubblica (area museo Pecci) ELEONORA D’ANDREA CONTEMPORANEA Via Vincenzo Gioberti n°14 DIE MAUER ARTE CONTEMPORANEA Via Pomeria n°71 ARMANDA GORI ARTE Viale Della Repubblica n°64/66/68 LATO - Piazza San Marco n°13 opificio JM Piazza San Marco n°39 RISTORANTE PEPE NERO Via A. Zarini n°289 LAURABALLA STUDIO D'ARTE Via Mazzini n°34 GALLERIA OPEN ART Viale Della Repubblica n°24 CENTRO PER L’ARTE CONTEMPORANEA LUIGI PECCI Viale Della Repubblica n°277 SIENA Galleria Continua via del Castello n°11 (San Gimignano) Galleria Gagliardi Via San Giovanni n°57 (San Gimignano)