Orquesta Sinfónica del Teatro Mariinsky Valery Gergiev director Wagner / Prokófiev / Berlioz
Miércoles, 20 de enero, 19.30 h
AUDITORIO NACIONAL SALA SINFÓNICA
El concierto de hoy
Valery Gergiev se presenta junto a su orquesta la Sinfรณnica del Teatro Mariinsky con tres de sus grandes pasiones musicales que tanto ha cultivado: Wagner, Prokรณfiev y Berlioz.
AVISO IMPORTANTE El uso de la mascarilla es obligatorio durante todo el concierto. Es necesario mantener la distancia de seguridad en todo momento. Con el fin de favorecer la concentración de los músicos y disfrutar mejor de la interpretación que nos ofrecerán, La Filarmónica agradecerá el máximo silencio y recogimiento; les rogamos también que comprueben que sus teléfonos móviles y otros dispositivos electrónicos están desconectados. Queda prohibido fotografiar o grabar este concierto, o utilizar cualquier dispositivo con dicha finalidad. Gracias por su atención.
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Programa
Orquesta Sinfónica del Teatro Mariinsky Valery Gergiev, director
Richard Wagner (1813 - 1883) Parsifal. Preludio y Encantamientos del Viernes Santo (1857) — Duración total aprox. 20’
Serguéi Prokófiev (1891 - 1953) Sinfonía núm. 1, op. 25, “Clásica” (1916 - 1917) I. Allegro II. Intermezzo. Larghetto III. Gavotte. Non troppo allegro IV. Finale. Molto vivace — Duración total aprox. 15’
Héctor Berlioz (1803 - 1869) Sinfonía Fantástica, op. 14 (1830) I. Rêveries – Passions. Largo – Allegro agitato e appassionato assai – Religiosamente II. Un bal. Valse. Allegro non troppo III. Scène aux champs. Adagio IV. Marche au supplice. Allegro non troppo V. Songe d’une nuit de sabbat. Larghetto – Allegro — Duración total aprox. 54’ El concierto se interpretará sin pausa
Biografías
Orquesta Sinfónica del Teatro Mariinsky
La Orquesta Sinfónica del Teatro Mariinsky es una de las formaciones musicales más antiguas de Rusia. Su historia se remonta a principios del siglo XVIII, en el momento de máximo desarrollo de la Capilla de la Corte. En el siglo XIX, la orquesta adquirió gran protagonismo gracias a Eduard Napravnik, quien la dirigió durante más de medio siglo. La excelencia de la orquesta fue reconocida en numerosas ocasiones por los músicos de renombre internacional que la dirigieron como Berlioz, Wagner, Von Bülow, Chaikovski, Mahler, Nikisch y Rajmáninov. Durante la era soviética, la formación mantuvo también una impresionante trayectoria con directores como Vladimir Dranishnikov, Ari Pazovski, Yevgeni Mravinski, Konstantin Simeonov y Yuri Temirkánov. La orquesta sustenta el honor de haber estrenado gran cantidad de óperas y ballets de Chaikovski, óperas de Glinka, Mussorgsky y Rimsky-Korsakov y ballets de Shostakovich, Khachaturian y Asafiev. Desde 1988, la orquesta ha sido dirigida por Valery Gergiev. Con la llegada del maestro, el repertorio de la orquesta se ha ampliado significativamente, y actualmente incluye la totalidad de sinfonias de Beethoven, Mahler, Prókofiev y Shostakovich, los Réquiems de Mozart, Berlioz, Verdi, Brahms y Tishchenko además de varias obras de compositores como Stravinsky, Messiaen, Dutilleux, Henze, Shchedrin, Gubaidulina, Kancheli y Karetnikov. La orquesta actúa en los más prestigiosos escenarios internacionales. Global Partners of the Mariinsky Theatre:
Biografías
Valery Gergiev director
Valery Gergiev es un vívido representante de la escuela de dirección de San Petersburgo. Su debut como director en el Teatro Mariinsky (entonces Kirov) llegó en 1978 con Guerra y Paz de Prókofiev. En 1988 Valery Gergiev fue nombrado Director Musical del Teatro Mariinsky, y en 1996 se convirtió en su Director Artístico y General. Con su llegada al frente de la institución, se llevaron a cabo representaciones no solo de partituras bien conocidas sino también de obras raramente interpretadas o nunca antes puestas en escena. Gracias a los esfuerzos de Gergiev, el Teatro Mariinsky presentó las óperas de Wagner, y en 2003 interpretó completa la tetralogía de El Anillo de los Nibelungos. Esa fue la primera producción rusa integra del Anillo después de un intervalo de casi un siglo y la primera en Rusia que se realizó en el original alemán. Bajo la dirección de Gergiev, el Teatro Mariinsky se ha convertido en un gran referente. Sus proyectos realizados incluyen retransmisiones por radio y TV, emisiones via internet, y la creación de un estudio de grabación. La Orquesta del Mariinsky ha escalado nuevas fronteras, asimilando no solo partituras de ópera y ballet, sino también un extenso repertorio de música sinfónica que incluye obras de Beethoven, Brahms, Chaikovski, Mahler, Prokófiev, Shostakovich y muchos otros compositores.
De 1995 a 2008 Gergiev fue Director Principal de la Filarmónica de Rotterdam (sigue siendo su director honorario), y de 2007 a 2015 de la London Symphony Orchestra. Desde el otoño de 2015, es Titular de la Filarmónica de Munich. Las actividades musicales y públicas de Valery Gergiev le han otorgado prestigiosos reconocimientos estatales en Rusia, Armenia, Bulgaria, Alemania, Italia, Países Bajos, Polonia, Francia y Japón.
Agradecimientos
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gracias
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a todos
Comentario
Parsifal. Preludio y Encantamientos del Viernes Santo, Richard Wagner
Wagner bautizó la ópera Parsifal como “Festival Sagrado” y el argumento está basado en un poema medieval que relata las aventuras de Percival, caballero del Rey Arturo, en busca del Santo Grial. La obertura es una página 100% wagneriana, que lleva la orquesta al límite y de sus posibilidades, con un lenguaje de finales del siglo XIX alejado de las normas tonales imperantes durante los tres siglos anteriores. Según el mismo autor, concibió la ópera el Viernes Santo de 1857 cuando pasaba unos días en casa de su protector, el empresario Otto Wesendonk. Estuvo trabajando en el proyecto durante 25 años: Parsifal se estrenó el 1882 en Bayreuth con la petición explícita de no aplaudir ni al final de cada acto ni siquiera al final de la obra. Actualmente se mantiene la tradición de no aplaudir después del primer acto. El fragmento conocido como Encantamientos del Viernes Santo aparece en el tercer acto, cuando Parsifal queda maravillado por el esplendor de la naturaleza de la primavera y lo relaciona con la muerte del Salvador que implica la renovación de la vida. Se trata de un fragmento de una belleza mística, con las campanas que resuenan en la lejanía provenientes del templo del Grial. David Puertas
Comentario
Sinfonía núm. 1 op. 25 “Clásica”, Sergei Prokófiev
Serguéi Prokófiev es especialmente conocido por ser el autor del cuento musical para niños más famoso de la historia: Pedro y el lobo. Esta obra le otorgó fama mundial, pero también es reconocido por obras como sus siete sinfonías (entre las que destaca la primera, la Sinfonía Clásica), la ópera El amor de las tres naranjas, los conciertos para piano o las suites de los ballets Cenicienta y Romeo y Julieta. Después de la Revolución Rusa vivió en Estados Unidos, Francia y Alemania. Hacia el año 1936, en la época más dura de las purgas de Stalin, Prokófiev volvió a Rusia donde se convirtió en "compositor oficial" del régimen soviético, con las contradicciones que esto comportaba. Murió poco antes de cumplir los 62 años, pero su muerte no tuvo ninguna repercusión porque el día siguiente murió Stalin y nadie se acordó de este pobre músico. Su primera sinfonía es de 1917 y la escribió como un ejercicio de conservatorio para trabajar dos aspectos de su formación: afrontar la escritura para orquesta sinfónica (hasta aquel momento todo lo escribía primero en el piano) y la preparación para dirigir obras de Haydn. Creó una obra de aliento clásico, a pesar de haber pasado más de 100 años desde la muerte de Haydn. La obra es un encanto: llena de melodías elegantes, con una instrumentación equilibrada y transparente, lejos de las ideas osadas que ya había empezado a introducir en sus obras y con un estilo "clásico" que, a pesar de ello, no engaña al oído entrenado en la audición del verdadero clasicismo. La inestabilidad política del momento hizo que el compositor se instalara lejos de San Petersburgo, pero volvió en abril de 1918 para dirigir el estreno. Por aquel entonces la ciudad ya se denominaba Petrogrado. El éxito fue rotundo. Dos días después, Prokófiev cumpliría 27 años. Y 15 días después abandonaría Rusia para no volver hasta 18 años más tarde. David Puertas
Comentario
Sinfonía Fantástica, Op. 14, Héctor Berlioz
Desde principios de 1829 Berlioz piensa en una “sinfonía descriptiva” en la que la música plasmara una trama literaria o dramática. El tema inspirador es el Fausto de Goethe; así, entre enero y abril de ese año ven la luz Ocho escenas del Fausto, embrión de la futura Condenación de Fausto. Dos años antes el joven compositor fue víctima de una devastadora pasión amorosa en la persona de la actriz irlandesa Harriet Smithson, idealizada como la Ofelia de Hamlet tras contemplarla en dicho papel en el Teatro del Odeón parisino. Fruto de ese amor no correspondido y de las influencias fáusticas y shakespearianas surge el proyecto de una obra que el músico califica como “una inmensa composición instrumental de un género nuevo”. Y añade: “Aunque desde hace tiempo tengo el esqueleto de mi obra en la cabeza, necesito mucha paciencia para relacionar las partes y ordenar correctamente el conjunto”. Una precisión crucial que revela el concepto coordinador de Berlioz por medio de una “idée fixe” que reaparecerá, a modo de variación psicológica, en todos los movimientos. El 16 de abril el músico anuncia a Humbert Ferrand que acaba de escribir la última nota de una obra que ha decidido titular Episodio de la vida de un artista. Gran Sinfonía Fantástica en cinco partes. No sin cierto exhibicionismo autobiográfico, Berlioz redactaría un prolijo programa advirtiendo sobre la conveniencia de leerlo antes de la escucha y que “debe ser considerado como el texto hablado de una ópera, sirviendo para conducir las partes de la música, de las cuales motiva el carácter y la expresión”.
Ensueños. Pasiones (Primera parte): El autor supone que un joven músico […] ve por primera vez una mujer que reúne todos los encantos del ser ideal con el que soñaba su imaginación. Por una rareza singular, la imagen amada no se presenta nunca al espíritu del artista más que ligada a un pensamiento musical en el que él encuentra un cierto carácter apasionado, pero noble y tímido como el que presta al objeto amado. Este reflejo melódico con su modelo le persigue sin cesar como una doble “idea fija”. Un baile (Segunda parte): El artista está situado […] en medio del tumulto de una fiesta, en la apacible contemplación de las bellezas de la naturaleza; pero por todas partes, en la ciudad, en el campo, la imagen amada viene a presentársele y a infundirle confusión en su alma. Escena en el campo (Tercera parte): Encontrándose una tarde en el campo, escucha a lo lejos a dos pastores que dialogan a través de una melodía; este dúo pastoril, el lugar de la escena, […] todo contribuye a llevarle a su corazón una calma desacostumbrada y a darle a sus ideas un color más radiante. Reflexiona sobre su aislamiento; espera dejar de estar solo pronto… ¡Pero si ella le engaña!… Esta mezcla de esperanza y de temor, estas ideas de felicidad enturbiadas por algunos negros presentimientos, forman el tema del Adagio. Marcha al suplicio (Cuarta parte): Habiendo adquirido la certeza de que no solamente la que adora no responde a su amor, sino que es incapaz de comprenderle y que, además, es indigna de él, el artista se envenena con opio. La dosis de narcótico, demasiado débil para darle muerte, le sumerge en un sueño acompañado de las visiones más espantosas. Sueña que ha matado a aquella que amaba, que es condenado, conducido al suplicio y que asiste a su propia ejecución. El cortejo avanza al son de una marcha. Sueño de una noche de aquelarre (Quinta parte): Se imagina en el aquelarre, en medio de una tropa espantosa de sombras, de brujas, de monstruos de toda especie reunidos para sus funerales. […] La melodía amada reaparece aún, pero ha perdido su carácter de nobleza y de timidez; ya no es más que un aire de danza innoble, trivial y grotesco; […] Ella se mezcla a la orgía diabólica… Tañido fúnebre, parodia burlesca del Dies Irae, ronda del aquelarre.
Comentario
Este detalladísimo programa, aquí resumido, refleja diversas influencias literarias que dominaban al joven Berlioz: las frustraciones de adolescencia del René de Chateaubriand, las Confesiones de un inglés comedor de opio de De Quincey, el Último día de un condenado de Hugo e, incluso, el universo alucinado y febril de Hoffmann. En el orden estrictamente musical, Berlioz no duda en recuperar ideas melódicas de obras anteriores: el tema que enuncian los violines al inicio pertenece a una canción de adolescencia, la Romance d’Estelle, la “idea fija” —imagen de la mujer amada— ya aparecía en la escena lírica Herminie presentada sin éxito al Premio de Roma en 1828, y hasta la Marcha al suplicio proviene de una antigua “Marche des gardes” de su abortada ópera Les Francs-Juges. Abrupta y audaz, visionaria y extravagante, poseedora de un universo sonoro prodigiosamente inventivo, la Sinfonía Fantástica se oyó por primera vez en la Sala del Conservatorio de París, dirigida por François-Antoine Habeneck a una “orquesta gigante” de cien músicos, el 5 de diciembre de 1830. Con ella se clausuraba un año trascendental que había presenciado el estreno de Hernani y las barricadas de las “Tres Gloriosas” jornadas revolucionarias que provocaron la caída de Carlos X e inspiraron a Delacroix uno de los iconos del siglo romántico: “La Libertad guiando al pueblo”. A partir de ese día, en el paisaje futuro de la música —de Liszt a Mahler, de Wagner a Strauss, de Saint-Saëns a Debussy— nada volvería a ser igual. No en vano éste ultimo escribiría en noviembre de 1912 que “la Sinfonía Fantástica es aún esa enfebrecida obra maestra de ardor romántico, donde uno se admira de que la música pueda traducir unas situaciones tan excesivas sin perder el aliento”. Juan Manuel Viana
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