Master of European Design Labs 2010 by IED Madrid

Master of European Design Labs 2010 Identity

Identity

Sumario Master of European Design Labs 2010

IED Madrid Master of European Design Labs 2010

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Publica Istituto Europeo di Design Palacio de Altamira, Flor Alta 8, 28004 Madrid IED Master, Larra 14, 28004 Madrid Coordinación Editorial: Irene Porras y Noemí Araque Traducción: Heather Elizabeth Higle Dirección de Arte: Javier Maseda Diseño y Maquetación: Natalia López y Creatividad IED Madrid Créditos fotográficos: Antonio Guzmán, Noemí Araque, Anna Tomich, Matteo Zorzenoni y alumnos Master of European Design Labs iedmadrid.com mastersofdesignandinnovation.com All rights reserved. No part of this publication may be reproduced or transmitted in any form or by any means, electronic or mechanical, including photocopy, recording or any information storage and retrieval system, without permission in writing from the copyright owner(s). © de los textos: sus autores e Istituto Europeo di Design © de las imágenes: sus autores e Istituto Europeo di Design ISBN: 978-84-937060-7-4 Depósito legal: Impreso en España / Printed in Spain

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Presentación

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Viajes

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Workshops

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Observatorio Cultural

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Seminarios

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English

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Tesis

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Backstage

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Este libro ha sido impreso con la colaboración de Antalis. Cubierta impresa en Conqueror Liso Print Excellence Blanco Brillante 350 grs distribuido por Antalis. Interior impreso en Conqueror Liso Print Excellence Blanco Brillante 120 grs distribuido por Antalis. Este libro se ha impreso en papel Conqueror Liso Print Excellence con certificado FSC (TT-COC-002739). Conqueror Liso Print Excellence es un papel especial de superficie lisa y suave al tacto, con una reproducción de colores más intensa y con un tiempo de secado más corto, fabricado por el grupo Arjowiggins y distribuido por Antalis. Como líder europeo especialista en la fabricación de papeles eco-responsables, Arjowiggins está comprometido con el Desarrollo Sostenible mediante una estrategia basada en tres pilares: papeles reciclados, reducción de la huella de carbono y la certificación FSC de papeles y fábricas.

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Presentación

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Riccardo Marzullo Director IED Madrid

l Master of European Design Labs se ha consolidado en su cuarta edición como el veterano de los Masters of Design and Innovation, cuatro programas que comparten metodología y estructura para acercarse al diseño, la estrategia empresarial, la comunicación y la producción. Al combinar distintos enfoques generan el espacio adecuado para establecer posibles futuros escenarios, convertir estas sugerencias y visiones en oportunidades de negocio, crear productos novedosos por su diseño y tecnología, y desarrollar un eficaz y original concepto de comunicación dirigido a nuevos mercados y a nuevos públicos.

Conseguir que un maestro traspase con éxito a sus alumnos su propia experiencia es, probablemente, el mayor logro para una escuela como el IED Madrid. El intangible conjunto que forman método, sensibilidad, visión, pasión, creatividad… es algo que no se puede enseñar, pero que sí se puede absorber. Desde siempre, nuestras aulas han recibido a grandes nombres del mundo del diseño y de la comunicación, siendo escenario de momentos intensos, incluso irrepetibles, de complicidad e intercambio que han marcado la vida profesional de los alumnos y de todos nosotros. La decisión de este año en los Masters of Design and Innovation, al elegir una dirección de alto perfil para el European Design Labs, ha sido una apuesta clara por acercar a los participantes a la experiencia de un reconocido profesional del diseño que indica un modelo, una manera personal de investigar, pensar y hacer. Al implicarse en aquellos momentos más determinantes del desarrollo de los proyectos, brindando su apoyo a la didáctica, a través de un diálogo constante con los estudiantes y con sus colaboradores, el maestro genera con ellos una relación exclusiva. Sus comentarios llegan directamente a cada alumno, a su sensibilidad y capacidad creativa, de forma que, muchas veces de manera inconsciente, los incorpora a su aprendizaje. Este contacto permite reconocer y potenciar el talento de cada diseñador, a quien se motiva al valorar de manera individualizada los detalles de su propuesta y su evolución. En este contexto, todos sienten siempre la obligación de dar lo mejor de sí mismos. Advierten la constante presión de un líder de prestigio cuya

evaluación tiene doble peso: como docente y como profesional al que se toma como referencia. Tal exigencia se ve, sin duda, reflejada en los excelentes resultados con los que ha finalizado la presente edición del Master of European Design Labs y que, en esta publicación, exponemos como ensayo de una experiencia donde lo intangible se ha hecho forma y materia; una apuesta que va a tener continuidad en las próximas ediciones.

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Dario Assante

Jaime Hayon

Director IED Master

Visualizar una propuesta mediante un prototipo, tal vez sea el instrumento más poderoso del que dispone un diseñador: con él puede comunicar una idea y un concepto de manera eficaz, en un lenguaje universal entendible por cualquiera. En esta edición del Master of European Design Labs se ha establecido como objetivo final del curso la realización de un prototipo que representase de forma exhaustiva y precisa el proyecto y todas sus cualidades de forma, materia y función. Por lo tanto, se ha optado por encauzar el resultado de la investigación personal de cada alumno hacia algo físico, un objeto que condensa todo el desarrollo conceptual. No se trata de una simple maqueta, metáfora del proyecto, que fija una fase intermedia del proceso creativo, sino de una pieza, perfectamente definida y acabada, ejecutada por profesionales expertos y competentes. Esto ha obligado al alumno a centrarse de forma más rápida en el objetivo de su proyecto, a pensar en su definición con mucha antelación para permitir, con la suficiente holgura, su desarrollo técnico preciso. Educar en la síntesis, sin perder el espíritu de investigación propio de un laboratorio de ideas como es el Europan Design Labs, ha sido el reto de todo el equipo didáctico del curso, desde el director y la coordinadora hasta los tutores. Para ello se ha simulado el proceso real de trabajo de un diseñador profesional, favoreciendo unas condiciones inmejorables, marcando los tiempos para la investigación, para la introspección, para el enriquecimiento cultural, para el conocimiento de otras realidades y de otras competencias y, por último, definiendo también los tiempos para la concreción y la realización de los diseños finales.

Director Master of European Design Labs 2010

Sin duda, en muchos casos se han quedado por el camino soluciones y propuestas de gran interés, que habrían merecido la misma dedicación y el mismo desarrollo. Dejemos que cada uno busque su manera de rescatar estas ideas, proponiéndose terminar en otro momento su definición o guardándolas como testimonio de una experiencia. Dar un proyecto por cerrado es una elección obligada, a veces difícil, en el día a día de la práctica profesional, pero nada impide que lo que se ha sembrado durante estos meses se pueda retomar, así como tantos momentos vividos en los viajes, seminarios, workshops y encuentros con los profesionales que han compartido sus ideas y su oficio con nuestros alumnos.

El panorama del diseño mundial está cada vez más unido, más fusionado. Ya no se habla sólo de diseño industrial, diseño gráfico, interiorismo, etc., sino de una combinación híbrida de muchas disciplinas, de maneras de pensar y de conceptos. Hoy, conviven diseñadores que son técnicos, artistas, emprendedores: cada uno tiene su discurso, su poética. Frente a tanta diversidad, cuanto más fuerte y definida tenga un diseñador su propia identidad, más interesante y eficaz será su discurso. Por ello, se hace necesario, sobre todo en un contexto educativo, tomar conciencia de quiénes somos los diseñadores, como personas y como profesionales. En otras palabras, de cuál es nuestra identidad. En esta edición del Master of European Design Labs ha sido precisamente la Identidad el tema clave del curso y se ha redefinido en relación al trabajo del diseñador en tres momentos principales: la identidad como origen, la identidad como entorno y, finalmente, la identidad como perspectiva, como proyecto futuro. Identidad-origen. Conocer nuestros orígenes y nuestra formación es básico para poder situarnos. Por ello, se le ha pedido a cada alumno que tomase conciencia de su bagaje y del legado cultural de su lugar de origen, mediante la realización de una presentación personal vista desde este enfoque. Identidad-entorno. Reconocer a qué ámbito o raza de diseñador se pertenece: diseñador-empresa, diseñador-artista, diseñador-comunicador…, es un modo de identificarse. Se ha fomentado esta reflexión generando las condiciones para que el alumno se sintiera rodeado de referencias con las que orientarse. La elección de estas referencias, que han ayudado a apreciar, reconocer, y seleccionar

sólo lo bueno, a ser cada vez más exigente con la calidad, ha sido una decisión clave. Identidad-perspectiva. Hacer que cada alumno tuviera claro, tras las primeras dos fases, hacia dónde va y hacia dónde quiere ir, ha sido la manera de impulsarles a avanzar con decisión. Expresarse con la creación de un proyecto, con el desarrollo del mismo hasta su finalización, ha sido decisivo para que esta reflexión sobre la propia identidad se convirtiera en algo tangible y demostrable: aquí estoy yo y esta es mi pieza, esto me representa, esto es lo que quiero hacer. Cada proyecto del Master of European Design Labs es una síntesis de este proceso formativo: se percibe el origen, se define el entorno y se divisa una poética creativa que, sin duda, es garantía de excelentes resultados futuros.

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Gala Fernández

Francisco Jarauta

Aquí concluye la cuarta edición del Master of European Design Labs, un proyecto formativo que he visto nacer y he ayudado a consolidar. Tras quince años colaborando con el IED Madrid, hoy me despido de los alumnos, los colegas y los responsables de esta institución, que tanto me ha dado y dentro de la cual he crecido personal y profesionalmente. Los diseñadores que han cursado el master presentan en este nuevo volumen el proceso y resultados del trabajo de un año. Viajes, workshops, seminarios, conferencias, proyectos de investigación… Sólo ellos saben hasta qué punto esta maravillosa experiencia ha influido en su Identidad.

El multiculturalismo es quizá el rasgo determinante de esta época. Queramos o no, el futuro será mestizo, y se precisarán nuevas formas de tolerancia y comunicación. En la sociedad contemporánea ya no es posible ni deseable una homogeneidad global; es necesario un reconocimiento de las diferencias, de la identidad cultural de cada grupo y colectivo, incluso de cada individuo. Al mismo tiempo, sin darnos cuenta, en dos o tres décadas, nos hemos convertido en domésticos. Nuestro mundo coincide con el de nuestros intereses o problemas. Es hora de atravesar este círculo de tiza y exponernos a otra mirada. Sólo recorriendo esta tierra de nadie, que paradójicamente nos protege, podremos establecer un proceso de reconocimiento que construya otro orden del mundo. Las nuevas tecnologías han jugado aquí un doble papel, interconectándonos mundial y permanentemente y, a la vez, aislándonos, uno a uno, al reducido espacio comprimido en una pantalla y un teclado, cada vez más reducido, por cierto. En este sentido, ha cobrado una relevancia indiscutible la cuestión de la identidad a la hora de interpretar los procesos configuradores del mundo, dado que las supuestas identidades culturales nunca son algo que venga dado, sino que se construyen colectivamente sobre la base de la experiencia, la memoria, la tradición, así como de una amplia variedad de prácticas culturales, sociales y políticas. Para estos análisis es necesario que afirmemos nuestras densas particularidades, nuestras diferencias, tanto las vividas como las imaginadas, y que trabajemos para postular nuevas formas de aproximación a la discusión sobre la identidad, sabiendo que las tradiciones pueden ser

Coordinadora Master of European Design Labs 2007–2010

“When students work together to make the world better, you know it may happen for real.” John Maeda Con mis mejores deseos para un futuro de calidad, os agradezco haber podido compartir con todos vosotros mucho más de lo que aquí queda reflejado.

Director Científico IED Madrid

inventadas, construidas a partir de herencias silenciadas o manipuladas. Una sociedad cada vez más compleja como la nuestra debe asumir desde su propio funcionamiento la idea de diferencia. Lenguas, etnias, géneros, etc. son la base estructurante de una diferencia que debe reflejarse en la mirada de quien la interpreta. Estas realidades se han manifestado en las experiencias vividas en el master, ante las que el diseño ha demostrado ser el espacio más adecuado para conjugar el compromiso entre cultura, creación, identidad e innovación. Y el diseñador, el profesional más indicado para, desde su responsabilidad como conocedor del entorno global y personal, interpretar el presente y pensar un futuro en el que los productos y servicios sean las soluciones más adecuadas a las necesidades de cada individuo y, al mismo tiempo, compartan un lenguaje universal que los haga atractivos para todos.

Master of European Design Labs

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l Master of European Design Labs forma al diseñador para que desarrolle su potencial y sepa plantear proyectos en un entorno multidisciplinar. Combina estudio, trabajo e investigación, siempre desde la cultura del proyecto. Entiende el diseño como la disciplina creativa con la que proyectar productos, servicios, sistemas y espacios, y considera al diseñador como un profesional autónomo que genera propuestas adecuadas a cada necesidad. Jaime Hayon, diseñador industrial de reconocido prestigio, ha sido el director de la edición 2010, que se ha centrado en el tema de la Identidad y en la realización de prototipos de alta calidad en las tesis finales. Su trabajo, de proyección internacional, mezcla el arte con el diseño, con productos originales en los que combina lo industrial y lo artesanal. Jaime fue alumno de la primera promoción del curso de Diseño Industrial del Istituto Europeo di Design de Madrid.

Viajes

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lo largo de todo el año, el Master of European Design Labs se acerca a los principales núcleos del diseño europeo: ferias, museos, instituciones, talleres, showrooms, etc. La presencia de los alumnos en estos eventos les proporciona una importante red internacional de contactos profesionales y académicos, una experiencia personal irrepetible y una apuesta decisiva para su futuro profesional. Los viajes constituyen en sí mismos una forma de aprendizaje: la práctica del desplazamiento como herramienta formativa. El contacto con culturas, paisajes, ritmos, costumbres y formas de vida diferentes resulta básico para formar a diseñadores capaces de desarrollar su trabajo en un amplio abanico de contextos, situaciones y entornos profesionales; y para que el alumno cree un mapa de tendencias europeo y estructure su pensamiento como diseñador internacional.

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Milán

Del 13.04.2010 al 18.04.2010

Milán fue el primer viaje del Master of European Design Labs 2010. Durante el Salone Internazionale del Mobile la ciudad ofreció una ocasión ideal para acercarse a la actualidad del diseño europeo. Los alumnos asistieron a inauguraciones, cocktails y presentaciones, visitaron exposiciones, accedieron a importantes instituciones y mantuvieron encuentros con diseñadores. En el Salone Satellite se acercaron a una gran variedad de stands, entre ellos el del español Álvaro Catalán de Ocón, premiado con el Design Report Award. En el Triennale mantuvieron varios encuentros con profesionales del diseño, como el japonés Kita Toshiyuki, que les acompañó durante la visita a su exposición monográfica. Paralelamente, entre las actividades programadas Fuori Salone, visitaron el Spazio Rossana Orlandi, donde se mostraba el trabajo de Tomás

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Triennale Museum Castiglioni Design Studio

Zona Ventura Lambrate Design Academy • Eindhoven • Studio Maarten Baas •

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Alonso, Alexa Lixfeld y Piet Heen Eek, entre otros, y el Museo-Studio Castiglioni. También asistieron a la inauguración de la instalación de Jaime Hayon para En los Cortili dell’ Università Statale, pudieron ver la colaboración de El Último Grito en la nueva tienda de Replay, disfrutaron de la exposición Wonderlamp de Pieke Bergmans y de la de Studio Jobs en Dilmos. También acudieron al brunch de presentación de la nueva colección de Fabrica Design en el Palazzo Borromeo. Asimismo, conocieron el Superstudio Più en Zona Tortona, donde se encontraron con Walter Davanzo, y en Ventura Lambrate visitaron los espacios de la Design Academy Eindhoven, del Politecnico di Milano, del Studio Maarten Baas y la exposición 13.798 Grams of Design, acompañados de su comisaria, Cristina Didero.

Salone Internazionale del Mobile • Salone Satellite • Inauguración Replay. Instalación de El Último Grito •

Brunch Fabrica Zona Tortona • Spazio Rossana Orlandi • •

1/ Galleria Vittorio Emanuele

5/ Salone Internazionale del Mobile

2/ Spazio Rossana Orlandi

6/ Ventura Lambrate

3/ Exposici贸n en Ventura Lambrate

7/ Salone Satellite

4/ Think Tank Universita Statale Milano

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Escandinavia Del 07.06.2010 al 12.06.2010

En Copenhague, Malmö y Estocolmo los alumnos conocieron los centros de referencia del diseño escandinavo y realizaron un workshop con la diseñadora islandesa Sigga Heimis. Su recorrido comenzó en Copenhague, donde visitaron el local del innovador almacén Illums Bolighus, enteramente dedicado al diseño de interiores, y el Dansk Design Center, centro profesional para la formación en diseño e innovación. También visitaron las exposiciones temporales y el jardín de esculturas del Louisiana Museum of Modern Art en Humlebaeck, además de la fábrica especializada en diseño de mobiliario Fritz Hansen en Alleröd, donde asistieron al desarrollo completo del proceso de producción de la emblemática silla Ant de Arne Jacobsen. La empresa les impresionó por la excelencia de su tecnología, la limpieza de sus instalaciones y la calidad de sus productos, servicios y atención al cliente. Los alumnos constataron hasta qué punto es importante en el

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Malmö Konsthallen Turning Torso Tower

Älmhult Ikea

diseño realizar un trabajo cuidado al máximo en todos los aspectos. Ya en Suecia, en Malmö, los alumnos trabajaron con Sigga Heimis, diseñadora con experiencia en Ikea y Fritz Hansen, en su estudio. Colaboraron con ella en la creación de una colección en metal cortado y plegado, siguiendo un briefing real, y compartiendo dudas y propuestas. La investigación generó muchas alternativas creativas que, a lo largo de un solo día de trabajo, sorprendieron a la diseñadora por su buen acabado y eficacia. El resultado: un trabajo profesional desarrollado en un ambiente profesional. La propia Sigga acompañó a los alumnos en su visita privada a la sede de Ikea en Älmhult y les dio a conocer algunos de sus diseños para la marca. En Estocolmo conocieron las colecciones del Moderna Museet y la Konstfack, la principal universidad sueca de diseño, artes gráficas y bellas artes, entre otros espacios de referencia para la teoría del diseño.

Louisiana Museum Fritz Hansen • Illums Bolighus • Hotel SAS Radisson • •

Konstfack Nobel Museum • Swedish Museum of Architecture • •

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Studio Sigga Heimis

1/ Fritz Hansen 2/ Workshop con Sigga Heimis 1

3/ Copenhague. Dansk Design Center 4/ Ikea 5/ Estocolmo 6/ Fritz Hansen 7/ Parada de tren Ă&#x201E;lmhult

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París

Del 27.07.2010 al 31.07.2010

La visita a París permitió a los alumnos acceder de manera exclusiva a centros de arte, espacios expositivos y culturales y conocer la ciudad de la luz de una manera muy especial, acompañados de la fotógrafa Héléne Bergaz como cicerone. Al ser una profesional que vive y trabaja de manera habitual en esta ciudad, que conoce sus rincones más interesantes desde el punto de vista del diseño, la creatividad y la innovación, acercó a los estudiantes a lugares poco habituales en las guías de viaje. La visita a la Maison Baccarat en compañía de Chantal Granier, directora creativa de la marca, fue una oportunidad única que les impresionó y les hizo valorar aún más las dificultades del trabajo artesanal del cristal. Allí pudieron contemplar algunas de las piezas que Jaime Hayon ha realizado para esta marca.

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Maison Baccarat Palais de Tokyo

Saint Germain des Pres Les Jardins des Tuileries • Les Arts Decoratifs • •

Otro encuentro destacado es el que mantuvieron con el arquitecto Nöel Domínguez en su estudio, donde pudieron entender la evolución de un joven profesional como él, que ha conseguido posicionarse en una ciudad tan dinámica, montando su propio estudio y trabajando para diferentes empresas de prestigio. El Palais de Tokyo, el Centro Pompidou, la Sede del Partido Comunista Francés, el MAC/VAL, la Ciudad de las Ciencias y el Espace Culturel Louis Vuitton, en los que disfrutaron de exposiciones e instalaciones de vanguardia, constituyeron otro foco de ideas e inspiración para los jóvenes diseñadores.

PCF Headquartes Centre Pompidou • Studio Noël Domínguez • •

MAC/VAL Cité des Sciences • Musée du Louvre • •

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1/ Espace Culturel Louis Vuitton

4/ MAC/VAL

2/ Salón en Maison Baccarat

5/ Detalle París

3/ La Géode. Cité des Sciences

6/ Le Sacre Coeur

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Londres

Del 21.09.2010 al 26.09.2010

Los alumnos visitaron la actualidad del diseño más contemporáneo en Londres durante el London Design Festival. Estuvieron acompañados por la artista española, residente en Londres, Belén Uriel, que les descubrió los espacios más vanguardistas y creativos de la ciudad. El programa incluyó la visita a distintos eventos de este festival internacional, que cada año hace de Londres la capital creativa de Europa y el punto de encuentro de las principales empresas del diseño y la innovación. Asimismo, los estudiantes mantuvieron encuentros personales con otros profesionales ubicados en Londres. Se encontraron con El Último Grito en su espacio de trabajo, realizaron una visita privada al estudio de Richard Rogers, coincidieron con Jaime Hayon en la presentación de su nueva colección en

Whitechapel Gallery White Cube Gallery

100% Design London Victoria & Albert Museum • Studio Richard Rogers

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Brompton Road e intercambiaron impresiones con Julia Lohmann y Gero Grundmann en el Royal College of Art, diseñadores con quienes los alumnos mantienen una buena relación tras haber trabajado juntos en Madrid en el workshop 14 Local Links. Los alumnos visitaron las exposiciones más destacadas de la oferta artística londinense, como la de Giulio Capellini en el Victoria & Albert Museum, las muestras de la Whitechapel Gallery, White Cube, Haunch of Venison, Serpentine Gallery, Parasol Unit o el Institute of Contemporary Arts (ICA), entre otras, y las colecciones del Design Museum, British Museum, The National Gallery o el Sir John Soane’s Museum. También se acercaron a otros espacios de referencia de la creación contemporánea como: Tent London, 100% Design London y la Tate Modern que, abierta hasta la noche, sirvió como punto de encuentro.

Studio El Último Grito ICA. Institute of Contemporary Arts • Design Museum • •

Designersblock Tate Modern • Portobello Market • •

Tent London Origin • Jasper Morrison Shop • •

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1/ Royal College of Art 2/ London Bridge 3/ Studio Richard Rogers 4/ 100% Design 5/ Shop Aram 6/ London City Hall. Norman Foster

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Véneto

Del 17.10.2010 al 24.10.2010

En Véneto, una de las regiones más prósperas de Italia, los alumnos conocieron en directo el trabajo de algunos de los centros de producción de vanguardia, acompañados por distintos profesionales del diseño y la artesanía. El viaje ha hecho énfasis en la producción como etapa final del trabajo del diseñador y ha tenido un componente eminentemente práctico, varios de los alumnos aprovecharon para trabajar en la realización de los diseños de sus proyectos de tesis. Visitaron el estudio del director del master, Jaime Hayon, en Camaló di Povegliano, y el de la artista e ilustradora Giorgia Ricci, así como las instalaciones de Fabrica en Treviso. La primera empresa visitada fue Bosa, especializada en el trabajo de la cerámica, en la que la alumna Renée Rossouw pudo comentar con los especialistas sus ideas y llevarlas a la práctica. Otra fábrica visitada fue la de Massimo Lunardon, donde Matteo Zorzenoni, responsable de producción del estudio de Jaime Hayon, presentó a los alumnos

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Bosa Massimo Lunardon

Tomba Brion-Vega Villa Barbaro

a este especialista en vidrio soplado. Fue él mismo quien realizó la producción in situ del diseño de la alumna Carissa Santoso, tras conversar con ella sobre los últimos detalles, mientras el resto del grupo observaba el proceso. La propia coordinadora del master, Gala Fernández, se encargó de guiar la visita a la sede de Fabrica, compañía para la que trabajó durante varios años. Bisazza y Nove, especializadas en mosaico y cerámica, fueron otras firmas visitadas. Especialmente estimulantes fueron los recorridos que los alumnos realizaron con Tommaso Tagliabue, profesor de Historia de la Arquitectura de la Universidad de Venecia, quien les acompañó en el Cementerio Brion-Vega y la Gipsoteca Canoviana, de Carlo Scarpa, en la Villa Barbaro de Palladio, y en un itinerario poco habitual por la ciudad de Venecia, donde también visitaron la Bienal de Arquitectura y los jardines del Arsenale.

Fabrica Studio Jaime Hayon • Studio Giorgia Ricci • •

La Biennale di Venezia di Architettura • Arsenale •

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Bisazza Nove

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1/ FĂĄbrica Massimo Lunardon 033

5/ Biennale di Venezia. Corderie

2/ Showroom Bisazza

6/ United Colors of Benetton. Fabrica

3/ Massimo Lunardon

7/ Cimitero di San Vito dâ&#x20AC;&#x2122;Altivole

4/ Studio Jaime Hayon

8/ Biennale di Venezia. Arsenale

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Workshops

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os workshops son talleres creativos de gran intensidad dirigidos por un diseñador o equipo de diseñadores europeos de reconocido prestigio que, durante una semana, exploran con los estudiantes, temas, estrategias y aspectos específicos del diseño. Principalmente se realizan en los Espacios Labs de la sede de IED Master. Permiten que los alumnos descubran nuevos métodos de trabajo, que posteriormente aplicarán en su tesis. En cada uno de ellos se investiga un tema concreto relacionado con el diseño y su comunicación, desde el análisis de nuevos materiales y su aplicación, hasta la implicación del público en el diseño o la reflexión sobre los diferentes modos de investigar.

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Conductive Ceramic: A research for future ceramic appliances Pedrita

del 22.03.2010 al 26.03.2010

El estudio de diseño Pedrita desarrolló con los alumnos el primer workshop de esta edición del master. En el taller se analizaron las nuevas posibilidades de la cerámica y sus aplicaciones, bajo el título Conductive Ceramic: A research for future ceramic appliances. La cerámica forma parte de nuestro entorno cotidiano. Tanto en objetos decorativos como funcionales, es un material habitual en elementos básicos para los hogares y las industrias. A lo largo de la historia siempre se ha investigado en el desarrollo y perfeccionamiento de técnicas para darle forma y para decorarla; y los diseñadores continúan esta tradición interesándose por las nuevas posibilidades de este polifacético material. Los alumnos trabajaron con la cerámica como conductor eléctrico, abierto a nuevas funciones, formas y utilidades y han creado un sorprendente conjunto de propuestas: lámparas, relojes, pomos, objetos decorativos, menaje de cocina, un juego de té…

Pedrita

pedrita.net Pedrita es un estudio de diseño portugués que colabora habitualmente con empresas, entidades y profesionales de todo el mundo. Está compuesto por Rita João (Lisboa, 1978) y Pedro Ferreira (Lisboa, 1978), formados en diseño en la Faculdade de Arquitectura da Universidade Técnica de Lisboa, así como en la TU Delft y en el Politecnico di Milano, respectivamente. En septiembre de 2002 entraron a trabajar en Fabrica, donde, en 2004, coordinaron el departamento de 3D Design. Desde junio de 2006 han organizado, junto a otros diseñadores, Freespeech y Pecha Kucha Night Lisbon, dos plataformas para promover el trabajo y el pensamiento creativo.

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Julia Lohmann & Gero Grundmann

del 24.05.2010 al 28.05.2010

Los diseñadores Julia Lohmann y Gero Grundmann desarrollaron el workshop 14 Local Links con los alumnos del master. Su objetivo fue poner en contacto a los estudiantes con artesanos locales, de manera que investigaran sus procesos de trabajo, los documentaran y compartieran. De este contacto surgió un archivo de materiales, técnicas y procesos que sirvió de base al desarrollo de cada proyecto personal. La actividad comenzó con la visita a talleres especializados en diferentes tipos de materiales: madera, metal, tapizado, encuadernación, cerámica, plásticos, serigrafía… situados en la periferia de Madrid. Además, cada alumno visitó otros establecimientos de creación artesanal: una fábrica de chocolate, un taller de luthiers, uno de restauración, uno de abanicos… Tras la visita, cada estudiante preparó el briefing de su proyecto, siguiendo una plantilla personalizada facilitada por los diseñadores. El objetivo fue trasladar a los alumnos una metodología óptima de trabajo que les permitiera realizar proyectos coherentes, eficaces y atractivos. A partir de esta información, cada participante ideó su propio diseño: producto, servicio, elemento de comunicación, campaña, instalación u obra de arte pensada en relación al taller visitado, aportando nuevas ideas para el desarrollo de cada artesanía o empresa, y nuevas posibilidades creativas que beneficiaran al mercado local.

Julia Lohmann & Gero Grundmann

studiobec.com Julia Lohmann y Gero Grundmann son conocidos internacionalmente por sus diseños innovadores, creados a partir de una peculiar combinación de materiales y el desarrollo de formas orgánicas en las que se confunden formas animales y vegetales. Han sido galardonados con numerosos premios internacionales. Algunos de sus proyectos más conocidos son: Co-existence, Resilience, The Catch, Cowbenches o Ruminant Blooms. Julia Lohmann estudió Diseño Gráfico en el Surrey Institute of Art&Design. Tras obtener el D&AD de Desarrollo de Producto, realizó el Master’s Degree in Design Products en el Royal College of Art. A partir de su investigación sobre los límites entre lo orgánico y lo inorgánico, y la relación entre los humanos y los animales, encontró nuevas posibilidades para materiales habitualmente poco valorados. En 2004 fundó Studio Bec junto a Gero Grundmann, diseñador gráfico titulado en Communication Art and Design en el Royal College of Art. Desde entonces, han trabajado en proyectos en el sector cultural y empresas sin ánimo de lucro. Medios especializados como Ampersand, Campaign, Design Week, Form, Icon, idfx, Marmalade y The Times han publicado sus diseños.

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Design Guerrilla Madrid Doshi Levien

del 28.06.2010 al 02.07.2010

Nipa Doshi, creadora junto a Jonathan Levien del estudio Doshi Levien, realizó con los alumnos el workshop Design Guerrilla Madrid. En él la diseñadora se interesó por el lenguaje visual de la ciudad y por su interpretación desde el diseño, valorándolo como un ámbito creativo lo bastante libre para que el diseñador pueda desarrollar su trabajo de formas diversas. Durante el workshop impulsó la interacción de los estudiantes con el espacio público madrileño y su transformación temporal, así como su compromiso con la búsqueda de calidades óptimas a lo largo de todo el proceso de diseño. Asimismo, hizo énfasis en el trabajo en equipo, como algo cada vez más necesario en el diseño actual. Durante una semana tres equipos generaron, elaboraron y perfeccionaron sus ideas hasta convertirlas en proyectos reales. Cuidando al máximo cada detalle, los alumnos consiguieron la perfección en colores, texturas y materiales. Los proyectos: una intervención en la terraza de un piso céntrico, una instalación performativa en una plaza histórica y una reinterpretación a través del material en un espacio público de tránsito, reflexionaban sobre la relación entre el ámbito público y privado, las formas de sentir la ciudad en la que vivimos y las posibilidades de cambiar nuestra percepción del entorno cotidiano.

Doshi Levien

doshilevien.com Doshi Levien es un estudio de diseño londinense creado por Jonathan Levien (Elgin, Escocia, 1972) y Nipa Doshi (Bombay, India, 1971) en el año 2000. Su trabajo ofrece la combinación de la cultura material y visual india con una aproximación marcada por las pautas de producción del diseño industrial. Una síntesis entre la tecnología, la narración, la creación artesanal y la industrial. En su currículum destaca su condición multidisciplinar, con una instalación para el grupo Wellcome Trust, una pieza de diseño interactivo para Intel, la dirección creativa y diseño interior para Nokia, diseño de producto para Tefal, diseño de mobiliario para Moroso y diseño de calzado para John Lobb.

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More tan anything else... Boisbuchet

del 01.08.2010 al 07.08.2010

Los alumnos disfrutaron del dominio de Boisbuchet durante el workshop titulado More than anything else Boisbuchet is an inspiring place, dirigido por Gala Fernández, diseñadora industrial y coordinadora del master. La temática se centró en potenciar la inspiración en el entorno natural como herramienta de trabajo y en la creación de diseños a partir de materiales básicos. Los estudiantes desarrollaron proyectos que transformaban el espacio natural de manera sencilla. Paula Sevilla, Barak Alberro, Juan Enrique Aguilar, Felipe Eusse y André Simón trabajaron en equipo en el diseño de un asiento de madera que se camuflaba en el entorno. María Paula Benvegnú realizó una instalación a base de ruedas de bicicleta, uno de los medios de transporte habituales en este espacio. María Domínguez creó una instalación conceptual con la palabra Memories realizada en materiales vegetales e integrada en el ambiente, que se quemó el último día del workshop. María Perales llevó a cabo una colección de moldes de yeso, a la manera de fósiles, con materiales encontrados. Shima Khanof construyó un rosario de arcilla de grandes dimensiones. Daria Gantseva elaboró una lámpara-nido con palos, hojas y paja, recogidos del entorno. Renée Rossouw investigó en las posibilidades de transformación de un elemento tan simple como un tronco mediante el trabajo manual y Carissa Santoso diseñó una silla y un aparato comunicador con la naturaleza. Durante su estancia los estudiantes coincidieron con los participantes en los workshops de otros dos diseñadores internacionales, Ricardo Salas y Sigga Heimis. Vivieron así una experiencia práctica, internacional y multicultural de investigación en las posibilidades del diseño multidisciplinar.

Gala Fernández

galafmstudio.squarespace.com Licenciada en Bellas Artes y en Diseño Industrial, ha sido docente y coordinadora de diversos cursos y masters en IED Madrid, donde en 2007 creó e implementó el programa European Design Labs. Entre 2000 y 2004 trabajó con Fabrica, en Treviso, coordinando exposiciones y proyectos. Desde entonces ha colaborado con galerías, estudios y diseñadores en toda Europa. Ha ofrecido conferencias en el Royal College of Art y la Goldsmiths University de Londres, en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Lisboa (FAUTL), la Universidad de Arquitectura de Estambul o el Nederland Architectuur Institut de Rótterdam. Actualmente colabora de forma habitual en el desarrollo de diversos workshops, como los que organizan en Boisbuchet el Museo Vitra y el Museo Georges Pompidou, o la Escuela de Diseño de la Universidad Anáhuac México Norte. Compagina su labor como project manager para IED Madrid con su trabajo de agente para diferentes empresas, instituciones, artistas y diseñadores y otras actividades ligadas al mundo del diseño, el arte y la cultura en GalafmStudio.

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Psicoanálisis del proyecto Identidad

Luis Úrculo & Andrea Caruso

del 15.11.2010 al 19.11.2010

Este workshop tuvo como objeto ordenar, potenciar, filtrar, matizar y afinar todo el material generado a lo largo del curso y, más concretamente, durante el proyecto personal de investigación detallado en el cuaderno de trabajo de los alumnos. Se trató de valorar aspectos del proceso que a menudo se descartan, rescatando o generando elementos que describieran y explicasen el proyecto de modo eficaz. Fue un momento de pausa, ya en la última etapa del curso, necesario para tomar distancia, perspectiva y así poder adoptar una mirada crítica con la que encontrar las claves para crear el escenario que apoyara y comunicara los resultados en la exposición de los proyectos de tesis de los alumnos. Cada uno tuvo que decidir y definir la imagen que quería reflejar con su trabajo como diseñador, presentando el primer capítulo de su carrera profesional. Tuvo que manejar de manera coherente su propio lenguaje y dotar de Identidad a su trabajo. Las sesiones se estructuraron en tres partes. En la primera se elaboró el listado de materiales y contenidos trabajados a lo largo del curso, en la segunda, se realizó su selección y, en la tercera, se valoraron las técnicas de presentación: “Yo hacía afuera: Cómo voy a transmitir mi imagen” y “Yo con el grupo: Canto coral”.

Luis Úrculo

luisurculo.com Licenciado en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid en 2006 y becado en el Illinois Institute of Technology de Chicago en 2001, desarrolla un trabajo de pequeña arquitectura indefinida y de formato abierto. Ya en 2004 fundó Motocross, firma especializada en arquitectura efímera, escenografía, diseño y videoinstalaciones, y en 2006 estableció su propio estudio. Ha realizado proyectos de diverso formato para Philippe Starck, Sybilla, Mansilla &Tuñón, La Casa Encendida, Fabrica, Arquia, CVNE y la Bienal Española de Arquitectura, entre otros. Ha expuesto en la XI Bienal de Venecia – Pabellón de España, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y Matadero Madrid, la galería Dama Aflita de Oporto, Fabrica Features de Lisboa, y otros espacios. En 2009 fue tutor del grupo del Master of European Design Labs que investigó sobre la Caducidad.

Andrea Caruso ciszakdalmas.it Andrea Caruso se licenció en 2005 en Diseño Industrial en el Politecnico di Torino. Comenzó su trayectoria profesional trabajando en París para el estudio Inga Sempé, en Milán para Artemide y en Turín para and Brh+ y Pininfarina Extra Design. En 2007 realizó el Master of European Design Labs y en 2008 participó en el master Self Design de la Universidad Politécnica de Madrid, y dirigió distintos cursos especializados en el Istituto Europeo di Design. En 2009 fundó junto a Alberto Gobbino su propio estudio en Madrid, Ciszak Dalmas, centrado en el desarrollo de proyectos transdisciplinares en el campo del diseño y la comunicación. En 2010 el estudio ha recibido el Premio Creación Joven promovido por el Instituto de la Juventud (Injuve), en la categoría de diseño por su trayectoria profesional.

Observatorio Cultural

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l master se apoya en un marco teórico estructurado en un ciclo de conferencias, clases magistrales y seminarios impartidos por profesionales de renombre de toda Europa, el Observatorio Cultural. Las ponencias están precedidas de un encuentro personal con los alumnos para compartir ideas y debatir cuestiones relevantes para sus tesis. Estos encuentros se realizan en los Espacios Labs, en un ambiente informal que favorece el diálogo abierto y un intercambio libre de opiniones e ideas. Esta plataforma privilegiada tiene como objetivo trazar la forma del paisaje mundial, identificando sus problemas y las posibles soluciones, las tendencias y los valores en juego. Desarrollada a partir de la participación de pensadores, diseñadores y artistas, ofrece la visión más actual de la realidad teórica y práctica del diseño de la mano de sus protagonistas.

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El ciclo fue inaugurado, como ya es tradición, por el filósofo y pensador Francisco Jarauta. En su conferencia Escenarios posibles para el futuro describió el panorama contemporáneo en el que el diseñador debe crear sus propuestas, y señaló su responsabilidad en la búsqueda de alternativas de futuro. El ingeniero y arquitecto Ezio Manzini, con Next, Design in the age of networks and sustainability, compartió su experiencia en distintos proyectos sociales, de diseño y arquitectura, en los que se apuesta por la sostenibilidad. El ciclo continuó con la conferencia internacional Diseñando la ciudad del futuro, en la que Clive Van Herdeen, Carlos Barrabés y Takayuki Kubo debatieron sobre las perspectivas culturales y sociales de sociedad urbana global desde sus especialidades: el diseño, la arquitectura y la empresa. Previamente, el director creativo de Philips había intercambiado con los alumnos sus proyectos de innovación y responsabilidad social. En la cuarta sesión, el arquitecto Santiago Cirugeda presentó los resultados de sus acciones de intervención de espacios públicos en la conferencia Arquitecturas colectivas. El artista multimedia y teórico del arte Daniel García Andújar puso el punto final al ciclo con Estructuras de la imagen, hurgando el código en la que destacó la función del arte como plataforma de reflexión y posicionamiento crítico activo sobre el mundo.

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Francisco Jarauta

Ezio Manzini

03.03.2010

Catedrático de Filosofía de la Universidad de Murcia y profesor invitado de universidades europeas y americanas, sus trabajos se orientan especialmente en el campo de la filosofía de la cultura, la historia de las ideas, la estética y teoría del arte. Entre sus numerosas publicaciones y ediciones, destacan: La transformación de la conciencia moderna (1991), Escenarios de la globalización (1997), Poéticas/Políticas (2001), Desafíos de la Mundialización (2002) y Escritura suspendida (2004). Ha sido comisario de varias exposiciones internacionales, como Arquitectura radical (2002), Micro-Utopías. Arte y Arquitec-

29.04.2010

tura (2003) y Desde el puente de los años. Paul Celan – Gisèle Celan-Lestrange (2004) o Matisse y la Alhambra 1910-2010 (2010). Antiguo vicepresidente del Patronato del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, es miembro del Patronato del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo y del Consejo Rector del IVAM (Valencia). Forma parte del Comité Científico de Iride, Experimenta, Pluriverso, Le Monde Diplomatique, World Political Forum y la Scuola Internazionale di Alti Studi (Módena), participa en el grupo Géo-philosophie de l’Europe y es coordinador del Grupo Tánger.

Profesor de Diseño Industrial en el Politecnico di Milano, es director del Interdepartmental Centre for Research on Innovation for Sustainability. Su trabajo se centra en los procesos de innovación en el sistema productivo, y en la relación entre la estrategia de producto y las políticas ambientales para el desarrollo sostenible. Es responsable de varias investigaciones internacionales, entre ellas, el programa de iniciativas

que dieron lugar a la Red Mundial de Diseño para la Sostenibilidad. Entre sus ensayos destacan Agriculture, food and design: New Food Networks for a Distributed Economy (2005), Creative Communities and Open Models: Lines of Research on Governance for Sustainability (2006), Emerging User Demands for Sustainable Solutions, EMUDE (2007) o Diseño para la sostenibilidad ambiental (2007).

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Clive Van Heerden

Santiago Cirugeda

19.05.2010

Clive van Heerden es el director creativo de Philips Design Probes. En 1995 entró en el equipo de Philips Research, y desde 1998 es Director Senior de DesignLed Innovation de Philips Design, en donde dirige el Programa de Investigación. Ha desarrollado proyectos como Electronic Tattoo, Emotional sensing Dresses, Diagnostic Kitchen o Sustainable Habitat 2020, entre otros. Estudió en la Universidad de Sudáfrica donde

02.06.2010

obtuvo dos graduados en Ciencias Sociales y una beca de investigación en la Universidad de Westminster. Se graduó en el Master en Diseño interactivo en el Royal College of Art de Londres. Con el equipo de investigación de Philips Design ha recibido premios de innovación y diseño, como el Best of the best red dot award o el Best Invention Award en Time Magazine.

Artista y arquitecto, tras siete años de trabajo en solitario, organizó el estudio Recetas Urbanas, centrado en el desarrollo de proyectos de subversión en distintos ámbitos de la realidad urbana. Aborda temas como la arquitectura efímera, el reciclaje, las estrategias de ocupación e intervención urbana, la incorporación de prótesis a edificios construidos o la participación ciudadana en los procesos de toma de decisión sobre asuntos urbanísticos. A través de Recetas Urbanas realiza proyectos de arquitectura, escribe artículos y

participa en diferentes medios docentes y culturales (master, seminarios, conferencias, workshops, exposiciones, etc.). En 2007 presenta el libro Situaciones urbanas, que muestra estrategias legales y demandas sociales, a través de proyectos arquitectónicos. En 2008 presenta el documental €spanish Dr€am, junto con Guillermo Cruz, que desvela las causas y efectos de la burbuja inmobiliaria; y, en 2010, el documental En la red, sobre el trabajo entre colectivos en red.

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Daniel García Andújar 03.11.2010

Como creador multimedia cuestiona, mediante la ironía y la utilización de estrategias de presentación de las nuevas tecnologías de la comunicación, las promesas democráticas e igualitarias de estos medios y critica la voluntad de control que esconden detrás de su aparente transparencia. Partiendo de la constatación de que los nuevos medios de la comunicación están transformando nuestra experiencia cotidiana, Daniel García Andújar crea una ficción (Technologies To The People, 1996) con el

fin de hacernos tomar conciencia de la realidad que nos rodea y del engaño de unas promesas de libre elección que se convierten, irremisiblemente, en nuevas formas de control y desigualdad. Miembro histórico de irational.org (referente internacional del arte en la red) y director de numerosos proyectos en internet como art.net.dortmund.de, e-barcelona.org o e-valencia.org. También ha dirigido numerosos talleres para artistas y colectivos sociales en distintos países.

Seminarios

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l programa incluye una serie de seminarios culturales y técnicos que proporcionan a los estudiantes herramientas conceptuales, prácticas y lenguaje especializado en distintas disciplinas relacionadas con el diseño. De carácter multidisciplinar, se estructuran en seminarios culturales y seminarios técnicos según su contenido.

Seminarios culturales Transmiten a los alumnos los fundamentos y referencias necesarias para un diseñador. Desde la Historia del Arte a la Historia del Diseño, construyen o completan el background de cada alumno de manera que, ya desde el primer trimestre, cuente con la información necesaria para construir su proyecto con coherencia, calidad y un rico vocabulario creativo.

Seminarios técnicos Dan soporte al alumno para que adquiera el correcto manejo de las herramientas de comunicación y representación del proyecto. También incluyen conocimientos técnicos sobre materiales, procesos productivos, gestión del diseño y sostenibilidad.

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Pedro Medina 02.02.2010

Introducción a los seminarios culturales. Perspectiva European Design Labs El Master of European Design Labs ha llegado a su cuarta edición respaldado por una serie coherente de seminarios culturales que ha acercado a los alumnos los enfoques de la filosofía, la historia y la semiótica, desarrollando su capacidad crítica. Entendiendo las claves del conocimiento y la comprensión de las distintas disciplinas que se abordan desde el diseño, los estudiantes son capaces de interpretar cualquier fenómeno social o cultural, y de representarlo. El objetivo de este primer seminario fue identificar las cuestiones más candentes en la actualidad y los problemas sobre los que van a girar las próximas tendencias

en relación con la labor del diseñador. Se provocó una reflexión sobre los valores y problemáticas que serán decisivos en los próximos años, y sobre cómo pueden terminar generando la creación de un diseño. Analizando ejemplos actuales de formas de ver y de representar el mundo, se subrayaron los conceptos y las ideologías que hay detrás de ellas, para hacer explícito el recorrido establecido desde el análisis de la realidad a la respuesta formal. Pedro Medina es doctor en Ciencias de la Cultura (Filosofía) por la Scuola Internazionale di Alti Studi de Módena (2001). Ha sido investigador en el Istituto Universitario di Architettura de Venecia (2002-2003) y actualmente es el Responsable del Área Cultural del Istituto Europeo di Design de Madrid. Sus líneas de trabajo principales se han desarrollado en Historia de las Ideas Estéticas y Teoría del Arte, siendo común la investigación de la relación entre arte y sociedad en prácticas artísticas de corte político, sobre todo relacionadas con los nuevos lenguajes en arte contemporáneo, especialmente videocreación, medios digitales y arquitectura. Ha sido comisario de varias exposiciones, como Zona de emergencia (2007), Carne y piedra (2008), Guantanamo Museum (2009) y Mapping Madrid (2009). Es vocal de la Junta Directiva del Consejo de Críticos de Artes Visuales y escribe habitualmente en Artecontexto y Le monde diplomatique, entre otras publicaciones. Es autor del libro La muerte de Virgilio. El final de una ilusión estética (2006) y también traduce, edita y coordina diversas publicaciones de arte, filosofía y diseño, como Daimon, Nodi o Iride.

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Javier Montero

16.02.2010

Armando Montesinos

17.03.2010

Narrative Enviroments Los profundos cambios políticos, económicos, socioculturales y biológicos que atravesamos, el auge de las nuevas tecnologías y el impacto de los medios de comunicación requieren nuevas maneras de tramar nuestras realidades. Con la llegada de Internet y los medios digitales se ha vuelto esencial el desarrollo de narraciones, basadas en el uso del texto, la imagen o el audio, que escapan a los formatos tradicionales. En estos nuevos territorios creativos, que invaden el mundo del diseño, la comunicación, las artes visuales, la música, la arquitectura o la literatura, se ponen en entredicho las maneras tradicionales de relatar, al tiempo que se juega con los lenguajes que ponen las pautas de

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la imagen de nuestro mundo. La narración es en un elemento esencial del diseño, la comunicación, la publicidad y el marketing. El secreto del éxito de una marca se basa en el relato que comunica. Durante Narrative Environments se analizaron ejemplos, contemporáneos e históricos, de relatos que desafían las fronteras entre imagen, texto y sonido, y los alumnos realizaron su propio proyecto de comunicación en vídeo sobre sus orígenes culturales. Javier Montero, licenciado en Historia del arte por la Universidad Complutense de Madrid, es performer, artista visual, comisario y escritor. En 2010 recibió la beca Iberescena, con la que está escribiendo el trabajo escénico Los Objetos y las Cosas, junto a Paloma Calle. Además, es comisario del festival Antiliteratura 2011. Entre sus actividades recientes destaca el proyecto escénico Vamos a Murcia a Enamorarnos (Centro Párraga, Murcia) y los proyectos escénicos The Illusion of Choice, La Línea Invisible y Cuernos de Cabra. Dirige el programa de radio-art La Oveja Negra (Radio Círculo), donde realiza sesiones de performance y literatura sónica en directo en las que colaboran importantes artistas de diferentes disciplinas. Como docente ha sido el responsable de los talleres pedagógicos de investigación en el Centro de Arte Reina Sofía 2009-2010. Asimismo, realiza numerosos proyectos y talleres específicos para espacios de arte como La LABoral (Gijón), La Casa Encendida y el Istituto Europeo di Design (Madrid). También es colaborador habitual en el suplemento cultural de La Vanguardia y otros medios relacionados con la cultura, como Babelia, Letras Libres, o National Geographic.

12.03.2010

Contemporary Art El seminario se centró en el esbozo de los rasgos definitorios de lo contemporáneo, a partir de las relecturas de las principales prácticas artísticas, y en la búsqueda del potencial transformador de una ética de la creación. Ha considerado que el arte del siglo XX y XXI ha incorporado dos problemáticas: la idea crítica del espacio de representación y la concepción del arte en relación a la vida real. Para analizar las formas de representación y comunicación ideológicas del cubismo, dadaísmo, surrealismo, expresionismo abstracto, pop art, minimalismo y otras tendencias de vanguardia, se realizaron diferentes sesiones de lectura, comentarios de textos y debates sobre los posibles significados e interpretaciones del concepto

“contemporáneo”. Como trabajo final, cada alumno presentó su interpretación personal de este término a través de un diseño original en forma de proyecto, objeto, texto, imagen, etc. Armando Montesinos es doctor en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM). Desde 1989 es profesor de esta universidad. Especialista en arte contemporáneo, ha organizado más de cien exposiciones de artistas nacionales e internacionales, como comisario independiente y como director de la galería Fernando Vijande en los años 80, y de la galería Juana Mordó y la galería Helga de Alvear en los años 90. Durante los años 1983-1985 fue Subdirector del programa de TVE-2 La Edad de Oro, dedicado a las artes y la música. Ha publicado numerosos textos en catálogos, prensa y revistas especializadas. Entre sus comisariados recientes están las exposiciones Jesús Max: la era de Madonna (2008), la Muestra de Arte Joven (noviembre 2007-enero 2008) en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, y Permanencias difusas en el Centro de Arte CajaBurgos, Burgos (octubre 2005- enero 2006).

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Pablo Jarauta 17.02.2010

Victoria González

18.03.2010

Cartographic Conscience El objetivo principal del curso fue despertar en los alumnos una conciencia cartográfica que los acercara a los problemas y cuestiones de la sociedad contemporánea. La intensa familiaridad que guardamos con las producciones cartográficas constituye un punto de partida idóneo para reflexionar sobre la representación del mundo en el que vivimos. Las sesiones consistieron en una discusión sobre diversos mapas que, más allá de la neutralidad, la precisión y la objetividad, señalaba la importancia de los viajes, las utopías, las fronteras y los relatos a la hora de representar el mundo. Desde el trabajo con ejemplos cartográficos actuales, la implicación activa de los alumnos y sus sugerencias de posibles

25.02.2010

representaciones del espacio, resultaron imprescindibles en este seminario. Las lecciones teóricas de Pablo Jarauta se completaron con otras prácticas de Victoria González sobre el mapping como nueva actividad creativa. Pablo Jarauta es doctor en Filosofía por la Universidad de Murcia. Ha ampliado sus estudios sobre literatura de viajes e historia del pensamiento geográfico en el Romance Studies Department de Duke University y en l’École des Hautes Études en Sciences Sociales de París. Sus investigaciones se centran en la relación entre la literatura utópica y la historia de la cartografía, reivindicando un análisis espacial y social del concepto de utopía a través de diferentes producciones culturales (mapas, planos, libros…). Sobre estas cuestiones ha participado en proyectos, impartido cursos y publicado numerosos artículos. Actualmente es profesor de Filosofía en la Universidad de Extremadura y colaborador habitual en distintos proyectos del Istituto Europeo di Design de Madrid, además de traductor y crítico de libros.

05.05.2010

Visions, Uses, Research, Maps Victoria González propuso crear un sistema que permitiera representar datos obtenidos objetivamente, de forma que su visualización aportase conocimiento, permitiera ver cosas que de otra manera pasan desapercibidas: regularidades, patrones o, simplemente, imágenes con interés tectónico per se. Los elementos básicos fueron la clave gráfica y el formato; no tanto la justificación de la elección de lo representado, sino la aplicación sistemática y despiadada de este sistema. Con un formato diferente en cada caso, elegido por el alumno, este método de trabajo permitió que tomaran conciencia de su identidad, de su origen, y que experimentaran con el análisis crítico

de un “viaje cero”, de Madrid a Madrid, su ubicación en un nuevo entorno. Un nuevo “lugar” donde volcar las experiencias del año, y capturar, recoger y almacenar todo aquello que habla de uno mismo, de la ciudad visitada y de las vivencias disfrutadas, convirtiéndose en una particular cartografía de lo vivido, de destinos recorridos. Un doble espejo: el del mundo y el del alumno. Como trabajos prácticos se propusieron dos proyectos: Mapping Madrid y Mapping Milán, en los que se puso de manifiesto la necesidad de proyectar con códigos elaborados de tal manera que puedan ser interpretados por otras personas. Victoria González es arquitecta, licenciada en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid en 2008 y ex-alumna del Master of European Design Labs 2009. Durante sus estudios recibió una beca de un año para el Illinois Institute of Technology de Chicago, EE.UU., periodo en el que quedó como segunda finalista en un concurso de desarrollo urbanístico en Zhong Bang Village, Shanghái y resultó ganadora del proyecto para el Centro Medioambiental en el área de Calumet, Chicago. También participó en la exposición 10 visions: Chicago Architecture y desarrolló el espacio del Studio/ Gang/Architects en el pabellón norteamericano de la Bienal de Venecia 2004. En 2005 colaboró con el estudio de Juan de Ávalos en la redacción de proyectos de ejecución de edificios residenciales. También ha colaborado con Gonzalo Pardo Díaz en varios concursos para estudiantes de arquitectura. Actualmente está trabajando en la dirección de Desarrollo de Producto de mobiliario de cocina desde la tradición familiar en la empresa Aurosol.

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Rocío M. Ruiz-Jarabo 11.03.2010

28.04.2010

Panorama of Contemporary Design Rocío M. Ruiz-Jarabo reflexionó en su seminario sobre la evolución de los discursos en la historia del diseño, la arquitectura y, en general, sobre los procesos creativos del siglo XX en cuanto a su expresión conceptual a través de la imagen. Partió del término “Diseño” entendido con una visión amplia, que lo independiza y descontextualiza de las épocas, los medios industriales y tecnológicos de los que se sirve, las disciplinas en las que interviene, y de los nombres oficiales que toma en cada época. Definió el diseño como la combinación de la capacidad creativa y la lógica analítica, ambas aunadas; como “ingenio”.

Planteó la revisión de la concatenación de los objetos de diseño, no sólo en lo concerniente a lo formal, sino también respecto a sus discursos, para entender así su sentido, su utilidad, su contexto y finalidad, su apariencia, su mensaje, a qué referente aluden, de dónde vienen, cómo surgen, a qué corriente contestan, a qué tendencia por venir apuntan... También estudió con los alumnos, los modos y medios de los que se sirven en su expresión y cómo representan la condición social y cultural del entorno en que se generan. Como ejercicio comparativo-reflexivo, se revisaron las diferencias perceptivas, analíticas y emotivas que suscitan los diseños de ayer y de hoy y, como trabajo final, se propuso la transformación de distintos objetos contemporáneos en piezas características de las diferentes tendencias. Rocío M. Ruiz-Jarabo es arquitecta por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, con estudios adicionales en la Bartlett School of Architecture de Londres. Ha sido directora de dos publicaciones especializadas en diseño, arquitectura y procesos creativos, así como asesora editorial, y en la actualidad ejerce como estratega creativa. Su práctica profesional como arquitecta se ha desarrollado, tanto de forma autónoma como colaborativa, con firmas nacionales e internacionales con las que ha desarrollado proyectos singulares, siempre con un especial acento en la génesis creativa y en la coordinación de equipos. Desde 2007 colabora con el Istituto Europeo di Design de Madrid en el proyecto MadridDesignNet.

Encuentros con profesionales. El master ha incluido varios encuentros personales con distintos profesionales relacionados con el diseño. Los estudiantes han podido compartir con Simon Smithson, Cristina Blanco, Darío Facal, Alberto Gobbino, Álvaro Catalán de Ocón y Ken Gómez sus experiencias, y recibir aportaciones a sus proyectos desde distintas disciplinas creativas.

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Simon Smithson 26.02.2010

Cristina Blanco 05.03.2010

Darío Facal 21.05.2010

Alberto Gobbino, Álvaro Catalán de Ocón y Ken Gómez 21.05.2010

Simon Smithson, jefe de proyectos de la oficina de Richard Rogers en Madrid, arquitecto por la Universidad de Cambridge y Master en Diseño Urbano por la Universidad de Harvard, mantuvo una charla informal con los alumnos en la que les presentó como case study el proyecto que dirigió para la Terminal 4 del Aeropuerto de Madrid Barajas. Mostró imágenes del trabajo realizado con diagramas, herramienta fundamental para el arquitecto. Con ellos interpreta y representa el espacio, plantea las dudas generadas y encuentra soluciones. A veces, incluso, adquieren valor estético en sí mismos como documento y como método de comunicación con clientes o colaboradores. Ante el reto de crear un edificio eficiente, social y ambientalmente compatible con su entorno, en el que la seguridad condiciona cada elemento, apostaron por un espacio atractivo e incluso confortable, en el que la luz natural se convierte en guía para el viajero, evitando una señalética abusiva, y en el que la forma no es contraria a la función.

Cristina Blanco es artista conceptual, bailarina y escenógrafa. Su charla estuvo relacionada con una primera fase de generación de ideas y búsqueda de referencias. Hizó énfasis en la necesidad que tiene el creador de desligarse de cualquier referencia anterior, de crear sus propios atlas-diccionarios visuales, su propio lenguaje a base de un vocabulario personal. Habló a los alumnos de algunas de sus piezas, como cuadrado-flecha-hombre que corre, donde parte del supuesto de ignorar las convenciones en la comunicación gráfica y el lenguaje establecidos en la sociedad, para demostrar lo “convencidos” que estamos ante los lenguajes impuestos. Una indicación como la de la salida de incendios puede ser entendida de muchas formas si la miramos libremente. También mostró otros trabajos sobre la relatividad de los puntos de vista, y la manera en que los objetos pueden significar cosas distintas según cómo queramos interpretarlos.

Darío Facal es actor y director de teatro contemporáneo. Invitó a los alumnos a realizar un debate activo sobre la relación existente entre los conceptos de “realidad” y “normalidad”. Quiso saber sus opiniones ante el hecho de que la vanguardia acabe convirtiéndose en folclore o ante la inconsistencia oculta tras el concepto de “normalidad”. Les llamó la atención sobre el hecho de que la realidad puede cambiar de significado según la información que tengamos, cómo la percibamos y cómo la contemos. Les demostró la importancia de saber preparar una escena, o un escenario, a la hora de comunicar cualquier idea, proyecto o intención: ocultar o mostrar un determinado elemento puede variar el significado de lo que se muestra. A modo de ejemplos utilizó fragmentos de obras del director austriaco Michael Haneke y de dos de sus últimas obras escénicas.

A mitad de curso, cuando los alumnos ya habían elegido su proyecto y empezaban a trabajar en su definición, se propuso a tres diseñadores que formaran un jurado externo ante el que los alumnos presentaran sus ideas. Este primer desafío público les hizo ver sus debilidades y fortalezas, y las carencias y aciertos de sus propuestas iniciales. Los colaboradores fueron Alberto Gobbino, Álvaro Catalán de Ocón y Ken Gómez, tres profesionales del diseño industrial experimentados en la elaboración de proyectos multidisciplinares y habituados al trabajo con personas de distintas culturas y formaciones. Los alumnos les mostraron sus ideas y cómo habían aplicado en ellas lo aprendido durante los primeros meses del master. Sus proyectos, muy diversos en formato, materiales, contenido y público objetivo, destacaron por su calidad, coherencia, frescura y capacidad de innovación.

1/ Alberto Gobbino, Ken Gómez & Álvaro Catalán de Ocón (acompañados de Luis Úrculo)

2/ Álvaro Catalán de Ocón, Carissa Santoso & Alberto Gobbino

3/ Simon Smithson

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English Presentation The Master of European Design Labs has become stronger in its fourth edition as the veteran of the Masters of Design and Innovation, four programs that share a methodology and structure for getting closer to design, business strategy, communications, and production. Combining these different focuses creates an ideal space for establishing possible future scenarios, converting these suggestions and visions into business opportunities, creative products with innovative design and technology, and developing an effective and original concept of communications aimed at new markets and new audiences.

Riccardo Marzullo Director of IED Madrid

abilities in such a way that they often unconsciously incorporate his input into their learning experience. This relationship acknowledges and strengthens each designer’s talents, which further motivates them as they see their proposal and its evolution valued in an individualized way. In this context, everyone feels obligated to give the best of themselves. It reminds them of the constant pressure of a prestigious leader whose words have twice the weight: as a teacher and also as a major professional figure in the design world. Without a doubt, these demands have been reflected in the excellent results of this edition of the Master of European Design Labs, which are exhibited in this publication, as proof of an experience in which the intangible has taken on shape and material form; a commitment to be continued in future editions.

Dario Assante

Director of IED Master

One of the greatest achievements for a school such as the IED Madrid is for a “maestro” to successfully transmit their own experiences to their students. The intangible elements of method, sensitivity, vision, passion, creativity… are things that cannot be taught, but can be absorbed. Our classrooms have always welcomed many great professionals from the world of design and communications, setting the stage for intense, unique moments of complicity and exchange that leave a mark on students’ professional lives, as well as on ours. This year’s decision at the Masters of Design and Innovation to choose a high profile director for the European Design Labs will bring the participants closer to a renowned design professional’s experience, giving them a personal model for researching, thinking and doing. By implicating himself in decisive moments of project development and offering his academic support through constant dialogue with students and collaborators, the maestro creates an exclusive relationship with them. His comments directly reach each student’s sensitivities and creative

Visualizing a proposal as a prototype may be the most powerful tool designers have at their disposal: with it, they can effectively communicate ideas and concepts using a universal language that anyone can understand. In this edition of the Master of European Design Labs, the program’s final objective is for students to create a prototype that entirely and accurately represents their projects, including all of its qualities of shape, material and function. Consequently, we have opted for students to channel the results of their personal research towards something physical – an object that condenses all of the project’s conceptual development. It is not a simple mock-up or model, which are metaphors of a project that fixate on an intermediate phase of the creative process; but rather a completed piece, perfectly defined and finished, executed by competent, expert professionals. This focus has obligated students to concentrate on their project’s ultimate objective from the get-go, to think about its definition far in advance to allow for precise technical develop-

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ment with enough flexibility. Teaching about synthesis, without losing the spirit of investigation of a laboratory of ideas such as European Design Labs, has been a challenge for the program’s entire academic team, from the Director and the Coordinator to the tutors. To do this, we have simulated the real work process of a professional designer under ideal conditions, establishing timelines for research, introspection, cultural enrichment, learning about other realities and other skills and, finally, concretizing and completing final designs. Without a doubt, extremely interesting solutions and proposals arise along the way, which are equally deserving of the same dedication and development as the original project ideas. We allow each student to find their own way of saving these ideas, either postponing finalizing their definition for another time or saving them as testimonials of an experience. In day-to-day professional practice, considering a project to be finished is an eventual obligation, although sometimes difficult; but nothing impedes students from reviving what has been cultivated over the course of these months, as well as so many other experiences from the trips, seminars, workshops and meetings with professionals that have shared their ideas and profession with our students.

Jaime Hayon

Director of the Master of European Design Labs 2010

The panorama of global design is becoming increasingly more merged and unified. No longer do we only speak of industrial design, graphic design, interior design, etc., but rather a hybrid combination of many different disciplines, ways of thinking, and concepts. Nowadays, designers who are technicians, artists, and entrepreneurs all cohabitate: each one has their own discourse and poetics. In the face of so much diversity, the stronger and more defined a designer’s identity, the more interesting and effective is his discourse. Therefore, it is necessary, more so in an educa-

tional context, to be aware of who we are as designers, as people, and as professionals. In other words, that which is our identity. In this edition of the Master of European Design Labs, Identity was precisely the key theme of the course. Identity was redefined as it relates to the work of designers in three main instances: identity as origin, identity as environment, and, finally, identity as perspective, as a future project. Identity-origin. Knowing our origins and our education is necessary to situate ourselves. Therefore, each student was asked to become aware of the baggage and cultural legacy derived from their place of origin, through the creation of a personal presentation focusing on this perspective. Identity-environment. Recognizing the environment or race to which each designer belongs: designer-company, designer-artist, designer-communicator… is a way of identifying oneself. This reflection has been encouraged by creating conditions in which students are surrounded by orientation references. These references have helped students appreciate, recognize and select only the good, becoming increasingly more demanding in terms of quality, which has proven to be a key decision. Identity-perspective. After the first two phases, helping each student clarify where they are going and where they want to go was the best way to encourage them to proceed with a decision. Expressing themselves through the creation of a project, from its development to its completion, has been decisive in the reflection of one’s own identity becoming something tangible and provable: here I am and this is my piece, this represents me, this is what I want to do. Each project of the Master of European Design Labs is a synthesis of this educational process: origin is perceived, the environment is defined, and creative poetics are discerned, which, without a doubt, are a guarantee of excellent future results.

Gala Fernández

Coordinator of the Master of European Design Labs 2007-2010

This concludes the fourth edition of the European Design Labs, an educational project that I’ve followed since its beginnings and have helped to develop over the years. After 15 years of collaborating with the IED Madrid, I am now saying goodbye to the students, my colleagues and the management of this institution that has given me so much, where I have grown both personally and professionally. The designers that have participated in the Master’s program present the process and results of one year of work in this new book. Trips, workshops, seminars, conferences, research projects... Only they know the extent to which this marvelous experience has influenced their Identity. “When students work together to make the world better, you know it may happen for real.” John Maeda With my best wishes for a great future, I thank you all for having shared much more than only what is reflected in this book.

Francisco Jarauta

Scientific Director of IED Madrid

Multiculturalism is quite possibly the determining factor of this timeperiod. Whether we like it or not, the future will be mestizo, and we are going to need new forms of toleration and communication. In contemporary society, global homogeneity is no longer possible nor desirable; a recognition of the differences, the cultural identity of each group and collective, even each individual, becomes necessary. At the same time, without realizing it, in two or three decades, we have become domestic. Our world corresponds to our interests and problems. It’s time to burst out of our bubble and expose ourselves to another world vision. Only by travelling through this world of nobody, which paradoxically protects us, can we establish a process of recognition that builds another world order. New technologies have played a double role here, globally and permanently interconnecting us and, simulta-

neously, isolating us, one by one, to the reduced, compressed space within a screen and keyboard, which are also becoming increasingly smaller. The question of identity is unquestionably becoming more relevant in interpreting the configuring processes of the world, since assumed cultural identities are never something that is given, but rather collectively built on a basis of experience, memory, tradition, as well as a wide variety of cultural, social and political practices. For this analysis, it is necessary that we affirm our dense particularities, our differences, both the lived differences as well as the imagined, and that we work to postulate new approaches to the identity argument, knowing that traditions can be invented, built from silenced or manipulated inheritance. A society such as ours, which is becoming increasingly more complex, must assume the idea of differences from its own behavior. Languages, ethnicities, genders, etc. are the structural bases of differences that must be reflected in the vision of who is interpreting them. These realities have manifested themselves in the Master’s experience, for which design has shown itself to be the most appropriate platform to bring together our commitment to culture, creation, identity and innovation. And designers are the most appropriate professionals, due to their responsibility as connoisseurs of the global and personal environment, to interpret the present and think about a future in which products and services will be the most appropriate solutions for the needs of each individual and will, simultaneously, share a universal language that makes them attractive to everyone.

Master of European Design Labs The Master of European Design Labs trains designers to develop their potential and learn how to propose projects in a multidisciplinary environment. It combines studies, work and research, always within the project culture. It understands design as the creative discipline with which to design

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products, services, systems and spaces, and considers designers to be independent professionals who generate appropriate proposals for each necessity. Jaime Hayon, a renowned industrial designer, was the Director of the 2010 edition, which focused on the theme of Identity and the creation of high-quality prototypes in the final theses. His international work mixes art with design through original projects that combine industrial and artisan components. Jaime was a student in the first year of the Industrial Design course at the Istituto Europeo di Design in Madrid.

Trips Throughout the year, the Master of European Design Labs visits the main centers of European design: fairs, museums, institutions, workshops, showrooms, etc. The students’ presence at major events assures them an important network of professional and academic contacts, an unbeatable personal experience and a strong investment in their professional future. These trips constitute a form of learning: the practice of displacement as an educational tool. Contact with cultures, landscapes, rhythms, customs and different ways of life is basic for training designers capable of developing their work in a wide range of contexts, situations and professional environments. The Master’s trips have been conceived as an essential educational experience for students to create a map of European trends and structure their thoughts as international designers.

Milan

13.04.2010 - 18.04.2010 Milan was the first trip of the Master of European Design Labs 2010 program. Throughout the Salone Internazionale del Mobile, the city offered students the ideal occasion to get closer to present-day European design.

The students visited exhibitions, attended inaugurations, cocktails and presentations, important institutions and held meetings with designers. At the Salone Satellite they visited a great variety of stands, including the Spanish Álvaro Catalán, who won the Design Report Award. They had various meetings with design professionals at the Triennale, such as Japanese designer Kita Toshiyuki, who accompanied them during their visit to the monographics exhibition. Between the Fuori Salone parallel activities, they visited the Rossana Orlandi Space, where the work of Tomás Alonso, Alexa Lixfeld and Piet Heen Eek, among others, was exhibited, as well as visiting the Castiglioni Museum-Studio. They also attended Jaime Hayon’s installation for Enel at the Cortili dell’ Università Statale, the collaboration of El Último Grito at the inaguration of the new store Replay, the Wonderlamp exhibition by Pieke Bergmans and the Studio Jobs exhibition at Dilmos, as well as the presentationbrunch for the Fabrica Design new collection at the Palazzo Borromeo. As well, they visited the Superstudio Più in Zona Tortona, where they met Walter Davanzo, and they visited the spaces of Design Academy Eindhoven, from the Politecnico di Milano of the Maarten Baas studio and the 13.798 Grams of Design exhibition in Ventura Lambrate, accompanied by the curator, Cristina Didero.

Scandinavia

of Modern Art in Humlebaeck and the Fritz Hansen factory specializing in furniture design in Alleröd, where they attended the complete development of the production process of the emblematic chair Ant by Arne Jacobsen. The company impressed them with its excellent technology, the cleanliness of its facilities, and the quality of its products, services and customer service. They confirmed how important it is to take care of every aspect involved in producing a design. In Malmö, Sweden, the students participated in a workshop in Labland, the studio of Sigga Heimis, a professional who is known for her work with Ikea and Fritz Hansen. They collaborated with her on the creation of a collection of cut and folded metal, following a real briefing, sharing their doubts and proposals. Throughout the course of only one day’s work, the research generated a lot of creative alternatives that surprised the designer with their impressive finishing touches and effectiveness. The result was a very effective workshop: a professional job developed in a professional environment. Sigga herself accompanied the students on their private visit of the Ikea headquarters in Älmhult and presented some of her designs for the brand. In Stockholm, they saw the collections of the Moderna Museet and the Konstfack, the main Swedish university of design, graphic and fine arts, among other spaces that are reference points for design theory.

07.06.2010 - 12.06.2010

Students met Scandinavian designer Sigga Heimis in Malmö and visited art and design factories, museums and centers in Copenhagen, Malmö and Stockholm. Their trip began in Denmark. In Copenhagen, they visited the innovative warehouse Illums Bolighus, which is entirely dedicated to interior design, and the Dansk Design Center, a professional center for training in design and innovation. The group also visited temporary exhibits and the sculpture garden at the Louisiana Museum

Paris

27.07.2010 - 31.07.2010 As part of their academic project, students traveled to Paris. Throughout their stay, they were accompanied by photographer Hélène Bergaz as an expert guide. As a professional who regularly works and lives in Paris and knows the most interesting nooks and corners from a perspective of design, creativity, and innovation, Hélène was able to bring the

students to places that are rarely visited on every day tours. Particularly special was the visit to Baccarat’s headquarters, along with the firm’s artistic director, Chantal Granier. Students enjoyed this unique occasion to get to know the brand on the inside with Chantal, who made them appreciate even more the difficulties of glass artisan work. They could also see some of the pieces Jaime Hayon designed for Baccarat. Another significant meeting was at architect Nöel Domínguez’s studio, where they could see and understand the evolution of a young professional who has positioned himself in a city as dynamic as Paris, building his own studio and working for different prestigious companies. Students enjoyed exhibits and avant-garde installations at the Palais de Tokyo, Centre Pompidou, the Communist Party headquarters, the MAC/ VAL, the City of Sciences and Cultural Space of Louis Vuitton, which served as another focus point for ideas and inspiration for young designers.

London

21.09.2010 - 26.09.2010 Students visited the most current reality of contemporary design during the London Design Festival. Throughout their stay, the students were accompanied by a Spanish artist who resides in London, Belén Uriel, who served as their expert guide, bringing them closer to the city and leading them in discovering its most avant-garde and creative spaces. The program included visiting different events at the Festival, which, once a year, makes London the creative capital of Europe, as well as a meeting point for major design and innovation companies. As well, students held personal meetings with other professionals located in London. They met with El Último Grito in their work space, they made a private visit to the Richard Rogers Studio, they also met Jaime Hayon at the presentation of his new collection at Brompton Road; and they exchanged impressions with Julia Lohmann and Gero Grundmann at the

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Royal College of Art, with whom the students established a close relationship by working together in the workshop 14 Local Links in Madrid. The students visited London’s most outstanding artistic exhibitions, such as Giulio Capellini at Victoria & Albert Museum, the exhibits at the Whitechapel Gallery, White Cube, Haunch of Venison, Serpentine Gallery, Parasol Unit, ICA. Institute of Contemporary Arts, among others, and the collections of the Design Museum, British Museum, The National Gallery and the Sir John Soane’s Museum. They also visited other spaces that serve as a reference point for contemporary creation, such as: Tent London, 100% Design London, and the Tate Modern, which and served as a meeting point at the end of the day.

Veneto

17.10.2010 - 24.10.2010 In Veneto, one of the most prosperous regions of Italy, the students got to experience first-hand the work of various avant-garde production centers, accompanied by different artisan and design professionals. The trip focused on production as the final phase of a designer’s work, with an eminently practical component, since various students were able to work on the design production for their thesis projects. They visited the studios of Jaime Hayon, the Director of the Masters, in Camaló di Povegliano, as well as artist and illustrator Giorgia Ricci, and the facilities of Fabrica en Treviso. The first factory they visited was Bosa, specializing in ceramics, where student Renée Rossouw commented her ideas with specialists and put them into practice while the other students aided in the process. The next visit was to Massimo Lunardon, where Matteo Zorzennoni, head of production at Jaime Hayon’s studio, introduced the students to this designer, who specializes in blown glass. After speaking with student Carissa Santoso about the final details of her design, he produced it in situ in front of the rest of the group. Finally, the

Master’s coordinator, Gala Fernández, led them on a visit to the headquarters of Fabrica, a company she worked for years. Other factories they visited include Bisazza and Nove, specializing in mosaic and ceramics. The tours students took with Tommaso Tagliabue, Architectural History Professor at the University of Venice, were especially stimulating. He accompanied them to the Brion-Vega Cemetery and Gipsoteca Canoviana, created by Carlo Scarpa, Villa Barbaro created by Palladio, and also led them on a personalized itinerary through the city of Venice, where they visited the Architecture Biennial and the gardens of Arsenale.

Workshops The workshops are very intensively creative, directed by a designer or team of European designers of renowned prestige that explore, along with the students, topics, strategies and specific aspects of design throughout the course of a week. They are mainly held in the Labs Spaces of the IED Master’s headquarters. They allow students to discover new work methods that will later be applied to their theses. Each workshop investigates a specific topic related to design and the communication of design, from the analysis of new materials and their application to the public’s implication in design and reflecting on different ways of researching.

Conductive Ceramic: A research for future ceramic appliances Pedrita

22.03.2010 - 26.03.2010

Pedrita studio led the first workshop of this edition of the Masters. Entitled Conductive Ceramics: Research for future ceramic applications, it analyzed the new possibilities of ceramics and their applications.

Ceramics are part of our daily lives. Used for both practical and decorative purposes, ceramics are a commonly used material for domestic and industrial objects. Throughout history, people have researched developing and perfecting techniques for shaping and decorating ceramics, and designers today continue this tradition of searching for new possibilities with this multifaceted material. In order to take this research further the designers have worked together with the Master of European Design Labs students with ceramics as an electrical conductor, open to new purposes, shapes and uses, creating a surprising, multifaceted series of proposals: lamps, clocks, handles, decorative objects, kitchen appliance, a tea set…

Pedrita

pedrita.net Pedrita is a Lisbon-based design studio that regularly collaborates with companies, organizations and professionals throughout the world. They joined Fabrica in September 2002 and during 2004 they coordinated the 3D Design Department. Since 2005 they’ve been working from Lisbon with national and international companies. The studio is formed by Rita João (Lisbon, 1978) and Pedro Ferreira (Lisbon, 1978), who were trained in design at the Architectural School of the Technical University of Lisbon, as well as TU Delft and the Politecnico di Milano, respectively. In September 2002, they began working at Fabrica, where, in 2004, they coordinated the 3D Design Department. Since June 2006, they have been organizing and promoting, in conjunction with other studios, Freespeech and Pecha Kucha Night Lisbon, two platforms for promoting creative work and thinking.

14 Local Links

Julia Lohmann & Gero Grundmann 24.05.2010 - 28.05.2010

Julia Lohmann and Gero Grundmann led the workshop 14 Local Links with the students. The workshop was intended to put them in contact with local craftsmen so that they researched their

work processes, documented them and shared these experiences. An archive of materials, techniques and processes emerged from these contact, which served as the basis for developing each personal project. The activities began with specialized workshops for different materials: wood, metal, upholstery, binding, ceramics, plastics, silk-screen printing… situated in the outskirts of Madrid. As well, students visited other craftwork establishments: a chocolate factory, a luthiers workshop, a restoration workshop, a workshop speciailzed in hand fans… After their visits, students prepared their project briefings, following personalized template provided by the designers. The objective was to transfer an optimal work methodology to the students, allowing them to create coherent, effective and attractive projects. From this information, each participant created their own design: product, service, communication element, campaign, installation or work of art, imagined in terms of the workshop visits, offering new ideas for the development of each craft or company, as well as new creative possibilities that would benefit the local market.

Julia Lohmann & Gero Grundmann studiobec.om Julia Lohmann & Gero Grundmann are two designers who are internationally renowned for their innovative designs created with a peculiar combination of materials and the development of organic forms in which animal and vegetable forms are combined. They have been honored with numerous international awards. Some of their most famous projects include: Co-existence, Resilience, The Catch, Cowbenches and Ruminant Blooms. Julia Lohmann studied graphic design at the Surrey Institute of Art&Design. After receiving her D&AD in Product Development, she got her Master’s Degree in Design Products at the Royal College of Art. Based on her research of the limits between what is organic and inorganic, and the relationship between human beings and the animals that nourish us, she found new possibilities for materials that are not usually very highly valued. In 2004,

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she founded Studio Bec with Gero Grundmann, a graphic designer with a degree in Communication Art and Design from the Royal College of Art. Since then, they have worked on projects in the cultural sector and for non-profit organizations. Specialized media, such as Ampersand, Campaign, Design Week, Form, Icon, idfx,Marmalade and The Times have published their designs.

A synthesis of technology, narration, artisan creations and industrial design. Their curriculum vitae highlights their multidisciplinary nature, with an installation for the Wellcome Trust group, an interactive design piece for Intel, creative management and interior design for Nokia, product design for Tefal, furniture design for Moroso and footwear design for John Lobb.

Design Guerrilla Madrid

More than anything else...

Nipa Doshi, co-creator of the studio Doshi Levien along with Jonathan Levien, led the workshop Design Guerrilla Madrid, which focused on the designer’s interest in the city’s visual language and its interpretation from a design perspective, considering it to be a free environment in which designers can develop their work in multiple ways. The workshop sparked an interaction between students and Madrid’s public space through its transient transformation, as well as their commitment to search for optimal quality throughout the design process. She also placed emphasis on working in groups, which is becoming increasingly necessary in present-day design. Throughout the week, students achieved perfection in colors, textures and materials. The projects: an intervention on the terrace of a centrally-located apartment, a performance installation in a historical public square, and the reinterpretation of an in-transit public space through materials; reflected on the relationship between public and private environments, ways of perceiving the city in which we live and the possibilities of changing our perception of our daily surroundings.

In August the group of students worked in the workshop More than anything else Boisbuchet is an inspiring place, directed by industrial designer Gala Fernandez. The theme was focused on strengthening students’ inspiration, using their natural environment as a resource, and on the creation of designs using basic materials. Students worked individually and in groups, developing projects that transformed the natural space in a simple way, creating new spaces or proposing new interpretations of well-known elements. Paula Sevilla, Barak Alberro, Juan Enrique Aguilar, Felipe Eusse and André Simón worked as a group on the design of a wooden chair that camouflages with its surroundings, buried under the earth and protected with a cover. María Paula Benvegnú made an installation using bicycle wheels, one of the common means of transportation in this space. María Domínguez created an conceptual installation with the word Memories made from vegetable materials and integrated in the environment, which was burned the last day of the workshop. María Perales made a collection of plaster molds, resembling fossils, with materials she found. Shima Khanof made an oversized clay rosary. Daria Gantseva created a lamp-nest with sticks, leaves and straw collected from the surroundings. Renée Rossouw investigated the possibilities of manually transforming an object as simple as a tree trunk, and Carissa Santoso designed a chair and a device that communicates with nature.

Doshi Levien

28.06.2010 - 02.07.2010

doshilevien.com Doshi Levien is a London design studio that was created in 2000 by Jonathan Levien (Elgin, Scotland, 1972) and Nipa Doshi (Bombay, India, 1971). Their work offers the combination of Indian material and visual culture with a marked approach in terms of industrial design production.

Boisbuchet

01.08.2010 - 07.08.2010

During their stay in Boisbuchet, students met with the participants of other international designers’workshops: Ricardo Salas and Sigga Heimis. This way, they lived an international, multicultural experience, researching the possibilities of multidisciplinary design.

Gala Fernández galafmstudio.squarespace.com With a degree in Fine Arts and Industrial Design, she has been a professor and coordinator of various courses and Master’s programs at the IED Madrid, where she created and implemented the European Design Labs program in 2007. She worked with Fabrica in Treviso from 2000 to 2004, coordinating exhibitions and projects. Since then, she has collaborated with galleries, studios and designers throughout all of Europe. She has given conferences at the Royal College of Art and the Goldsmiths University in London, in the Faculty of Architecture at the University of Lisbon (FAUTL), the University of Architecture in Istanbul and at the Nederland Architectuur Institut in Rotterdam. She currently collaborates regularly on the development of various workshops, such as those organized at the Vitra Museum and the Georges Pompidou Museum in Boisbuchet, and the Northern Mexico Anáhuac University’s School of Design. She combines her work as project manager for the IED Madrid with her work as an agent for different companies, institutions, artists and designers and other activities related to the world of design, art and culture at GalafmStudio.

Psychoanalysis of the Identity Project Luis Úrculo & Andrea Caruso 15.11.2010 - 19.11.2010 The objective of this workshop was to organize, strengthen, filter, clarify and fine-tune all of the material produced throughout the course of the program and, more specifically, during the personal research project, which is explained in

detail in the students’ logbooks. The idea was to value aspects of the process that are often dismissed, salvaging or generating elements that effectively describe and explain the project. The workshop provided students with a moment to pause in the last phase of the program, which was necessary to distance themselves and gain perspective in order to adopt a critical eye with which to discover the keys for creating a scenario to support and communicate the results of the students’ thesis project exhibits. Each student had to decide on and define the image they wanted to reflect in their work as designers, presenting the first chapter of their professional careers. They had to learn how to coherently manage their own language and infuse their work with identity. The sessions were structured in three parts. During the first, students elaborated a list of materials and contents that they worked on throughout the course. In the second part, they made their choice, and in the third, they evaluated the presentation techniques: “Me towards the outside: How I am going to transmit my image,” and “Me with the group: choir singing.” Luis Úrculo luisurculo.com With a scholarship from the Illinois Institute of Technology in Chicago in 2001, and a degree from ETSAM in 2006, he develops small, indefinite, open-format architectural projects. In 2004, he founded Motocross, a firm that specializes in temporary architecture, scenography, design and video-installations, and in 2006 he set up his own studio. He has created projects in diverse formats for Philippe Starck, Sybilla, Mansilla & Tuñón, La Casa Encendida, Fabrica, Arquia, CVNE and the Spanish Biennial Architecture Exhibition, among others. He has exhibited his work at the XI Biennial Exhibition in Venice – Spain Pavilion, the Reina Sofía Art Center National Museum, the Matadero Madrid, Dama Aflita Gallery in Oporto, Fabrica Features in Lisbon, and other spaces. In 2009, he was a tutor for the Master of European Design Labs group whose research was based on the theme Expiry.

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Andrea Caruso ciszakdalmas.it Andrea Caruso received a degree in Industrial Design from the Politecnico di Torino in 2005. She began her professional career working at the Inga Sempé studio in Paris, at Artemide in Milan, and at Brh+ and Pininfarina Extra Design in Torino. She completed the Master of European Design Labs in 2007 and participated in the Master of Self Design at the Universidad Politécnica in Madrid in 2008. During this time, she also directed different specialized courses at the Istituto Europeo di Design. In 2009, she founded her own studio in Madrid, Ciszak Dalmas, along with Alberto Gobbino, focusing on the development of multidisciplinary projects in the field of design and communications. In 2010, the studio received the Youth Creation Award, promoted by the Youth Institute (Injuve), for her professional career in the design category.

Cultural Observatory The Master is based on a theoretical framework structured by a cycle of conferences, expert-led classes and seminars held by renowned professionals from all over Europe: the Cultural Observatory. Prior to the lectures, students hold personal meetings to exchange ideas and debate relevant issues for their theses. These meetings are held in the Labs Spaces, in an informal environment that favors open dialogue and free exchange of opinions and ideas. The goal of this privileged platform is to trace the shape of the worldwide landscape, identifying its problems and possible solutions, as well as the trends and values in play. Developed thanks to the participation of thinkers, designers and artists, the Master’s program offers the most current vision of the theoretical and practical reality of design, under the tutelage of its protagonists. As has become tradition, philosopher and thinker Francisco Jarauta inaugurated the cycle.

In the conference Possible future scenarios he described the contemporary panorama in which designers have to create their proposals, and emphasized their responsibility in searching for future alternatives. Engineer and architect Ezio Manzini, with Next, Design in the age of networks and sustainability, shared his experiences with different social design and architecture projects that focus on sustainability. The cycle continued with the international conference Designing the city of the future, in which Clive Van Herdeen, Carlos Barrabés and Takayuki Kubo debated the cultural and social perspectives of global urban society, based on their different specialties: design, architecture and business. Previously, the Creative Director of Philips shared his innovative social responsibility projects with students. In the fourth session, architect Santiago Cirugeda presented the results of his interventions in public spaces in the conference Collective architecture. Multimedia artist and theoretician Daniel García Andújar ended the conference cycle with Image structures, breaking the code, in which he emphasized the function of art as a platform for reflection and active critical positioning in the world.

Francisco Jarauta 03.03.2010

Philosophy professor at the University of Murcia and guest professor at various European and American universities, he specializes in the field of cultural philosophy, the history of ideas, aesthetics and art theory. His numerous publications and writings include: The transformation of the modern consciousness (1991), Scenarios of globalization (1997), Poets/Politicians) (2001), Challenges of Globalization (2002), and Suspended writing (2004). He has served as curator for various international exhibitions, such as Radical architecture (2002), Micro-Utopias. Art and Architecture (2003), From the bridge of years. Paul Celan-Gisèle Celan-Lestrange (2004) and Matisse and la Alhambra 1910-2010 (2010).

Former Vice-president of the Board of Trustees of Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, he is a member of the Board of Trustees of the Andalusian Center of Contemporary Art and the Governing Council of IVAM (Valencia). He is a part of the Scientific Committee of Iride, Experimenta, Pluriverso, Le Monde Diplomatique, World Political Forum and la Scuola Internazionale di Alti Studi (Modena). He participates in the group Géo-philosophie de l’Europe and is coordinator of the Tánger Group.

Diagnostic Kitchen and Sustainable Habitat 2020, among others. He studied at the University of South Africa, where he received two degrees in social sciences and a research grant from the University of Westminster. He graduated with a Masters in Interactive Design from the Royal College of Art in London. With the Philips Design research team, he has received various awards for innovation and design, such as the Best of the Best Red Dot Award and the Award for Best Invention of 2007 from Time magazine.

Ezio Manzini

Santiago Cirugeda

Manzini is a Professor of Industrial Design at Politecnico di Milano and Director of the Interdepartmental Centre for Research on Innovation for Sustainability. His work focuses on innovation processes of the productive system and the relationship between product strategy and environmental policies to help ensure sustainable development. Observing all facets of society has given rise to the idea of innovating with new trends to bring about more sustainable results. He has published important essays, such as Agriculture, food and design: New Food Networks for a Distributed Economy (2005), Creative Communities and Open Models: Lines of Research on Governance for Sustainability (2006), Emerging User Demands for Sustainable Solutions, EMUDE (2007) and Design for environmental sustainability (2007).

After 7 years of working on his own, artist and architect Santiago Cirugeda created the studio Recetas Urbanas (“Urban Recipes”), specializing in the development of subversive projects in different urban environmental realities. He tackles topics such as temporary architecture, recycling, strategies of urban occupation and intervention, incorporating additional structures to existing buildings, and citizen participation in the decision-making processes regarding urban issues. At Recetas Urbanas, architecture projects are created, articles are written, and different academic and cultural media are explored (Masters, seminars, conferences, workshops, exhibitions, etc.). In 2007, he published the book Urban situations, which presents legal strategies and social demands through architectural projects. In 2008, he presented the documentary €spanish Dr€am, along with Guillermo Cruz, which reveals the causes and effects of the real estate bubble. The documentary On the internet was released in 2010, which was about work among collective groups on the internet.

29.04.2010

Clive Van Heerden

19.05.2010

Clive van Heerden is the Creative Director of Philips Design Probes. He joined the Philips Research team in 1995, and since 1998 has served as the Senior Director of Design-Led Innovation at Philips Design, where he directs the Research Program. He has developed projects such as Electronic Tattoo, Emotional Sensing Dresses,

02.06.2010

Daniel García Andújar 03.11.2010

As a multimedia creator, he questions strategies of new communications technologies, the

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democratic and egalitarian processes of the media, and criticizes the willpower hidden behind its apparent transparency. Based on the affirmation that new communications media are transforming our daily experience, Daniel García Andújar creates fiction (Technologies To The People, 1996) with the goal of making people aware of our surrounding reality and the deceptive promise of free choice, which ultimately becomes new forms of control and inequality. He is a historical member of irational.org (international reference point on the internet) and director of numerous projects on the internet, such as art.net.dortmund.de, e-barcelona.org, and evalencia.org. He has also directed numerous workshops for artists and social collectives in various countries.

Seminars The program includes a series of cultural and technical seminars that provide students conceptual, practical and special language tools in different design-related disciplines. The multidisciplinary program is structured with cultural and technical seminars, depending on the content.

Cultural Seminars The cultural seminars provide students with the fundamentals and reference points necessary for designers. From Art History to Design History, they build or complete each student’s background so that they have the information necessary to build a coherent, quality project with rich, creative vocabulary, from the very first semester.

Technical Seminars The technical seminars give students support to learn how to properly manage tools for the communication and representation of their project. These seminars also include technical knowledge of materials, productive processes, design management, and sustainability.

Pedro Medina 02.02.2010

Introduction to the cultural seminars. European Design Labs Perspective The Master of European Design Labs has reached its fourth edition, backed by a coherent series of cultural seminars that have brought students closer to focusing on philosophy, history, and semiotics, further developing their critical abilities. Understanding the keys to knowledge and insight into the different disciplines encompassed within design, students learned how to interpret and represent any social or cultural phenomenon. The objective of this first seminar was to identify today’s most burning questions and the issues around which upcoming trends will revolve, in terms of the designers’ work. Pedro Medina provoked a reflection on the values and issues that will be decisive in the next few years, and how they may end up generating the creation of a design. By analyzing current examples of ways of perceiving and representing the world, the concepts and ideologies behind them became evident, making the established pathway from the analysis of reality to a formal response more explicit. Pedro Medina has a Doctorate in Cultural Sciences (Philosophy) from the Scuola Internazionale di Alti Studi de Módena (2001). He was formerly a researcher at the Istituto Universitario di Architettura in Venice (2002-2003) and is currently the Head of the Cultural Department at the Istituto Europeo di Design in Madrid. He has developed his main lines of work in the History of Aesthetic Ideas and Art Theory, both of which involve researching art and society in political artistic practices, mostly those related to new languages in contemporary art, especially videocreation, digital media, and architecture. He has served as a curator for various exhibitions, including Emergency Zone (2007), Meat and stone (2008), Guantanamo Museum (2009) and Mapping Madrid (2009). He is the spokesperson

for the Board of Directors of the Critics’ Council on Visual Arts and regularly writes for Artecontexto and Le monde diplomatique, among other publications. He is author of the book The Death of Virgil, the end of an aesthetic illusion (2006) and also translates, edits and coordinates various art, philosophy and design publications, such as Daimon, Nodi and Iride.

Javier Montero

16.02.2010 - 17.03.2010

Narrative Environments The profound political, economic, socio-cultural, and biological changes that we are experiencing, the boom of new technologies and the impact of the media require new ways of devising our realities. With the arrival of the internet and digital media, the development of narrations based on the use of text, images and audio is moving away from traditional formats. Traditional ways of narrating are questioned in these creative territories, which are invading the world of design, communications, visual arts, music, architecture, and literature. At the same time, we are playing with the languages that determine the guiding rules for our world image. Narration is an essential element of design, communications, advertising and marketing. The secret to a brand’s success is based on the story it tells. During Narrative Environments, students analyzed contemporary and historic examples of stories that challenge the boundaries between image, text and sound. Students created their own video communications project about their cultural origins. With a degree in Art History from the Universidad Complutense in Madrid, Javier Montero is a performer, visual artist, curator, and writer. In 2010, he received the Iberescena scholarship, which he is using to write the scenic work Objects and Things, along with Paloma Calle. He is also curator of the Antiliteratura 2011 festival. Among his recent professional activities, most noteworthy is his scenic project Let’s Go to Murcia to Fall in Love

(Centro Párraga, Murcia). He is currently working on developing the following scenic projects: The Illusion of Choice, The Invisible Line, and Goat Horns. He directs the radio-art program The Black Sheep (Radio Círculo), where he does live performances and sonic literature, collaborating with important artists from different disciplines. As a professor, he has been responsible for the pedagogical research workshops at the Reina Sofía Art Center from 2009-2010. Similarly, he conducts numerous specific projects and workshops for art spaces such as La LABoral (Gijón), La Casa Encendida (Madrid) and the Istituto Europeo di Design. He is also a regular collaborator for the special supplement of La Vanguardia and other culture-related publications, such as Babelia, Letras Libres and National Geographic.

Armando Montesinos 05.02.2010 - 12.03.2010

Contemporary Art The seminar focused on a preliminary sketch of defining contemporary characteristics, from re-interpreting major artistic practices and in the search for the transformational potential of a creation ethic. Considering that art of the 20th and 21st Centuries has incorporated two issues: the critical idea of the representation space and the concept of art in relation to real life. In order to analyze the ideological forms of representation and communication of cubism, Dadaism, surrealism, abstract expressionism, pop art, minimalism, and other avant-garde trends, different sessions were held for reading, textual commentary, and debates about the possible meanings and interpretations of the term contemporary. As a final project, each student presented their personal interpretation of this term through an original design in the form of a project, object, text, image, etc. Armando Montesinos has a Doctorate in Fine Arts from the Universidad Castilla-La Mancha (UCLM). Since 1989, he has served as a professor at the Faculty of Fine Arts in Cuenca (UCLM).

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A specialist in contemporary art, he has organized more than 100 exhibitions of national and international artists, as an independent curator and as Director of the Fernando Vijande Gallery in the 80s, and the Juana Mordó Gallery and the Helga de Alvear Gallery in the 90s. From 1983-85, he was Sub-Director of the TVE-2 program The Golden Age, dedicated to the arts and music. He has published numerous texts in catalogs, newspapers, and specialized magazines. His recent curator positions include the exhibitions: Jesús Max: The Madonna Era (2008), the Youth Art Exhibit (November 2007 – January 2008) at the Círculo de Bellas Artes in Madrid, and Diffuse Permanence at the CajaBurgos Art Center in Burgos (October 2005 – January 2006).

Pablo Jarauta

17.02.2010 - 18.03.2010

Cartographic Conscience The main objective of the course was to awaken a cartographic conscience in the students, bringing them closer to the problems and questions of contemporary society. The intense familiarity we have with cartographic productions constitutes an ideal starting point for reflecting on the representation of the world in which we live. The sessions consisted of a discussion of various different maps, which highlighted the importance of travel, utopias, frontiers, and stories that represent the world, beyond neutrality, accuracy, and objectivity. From working with current examples of maps to the active implication of students and their suggestions of possible representations of space – all of these were essential elements in this seminar. Pablo Jarauta’s theoretical lessons were complemented with other mapping practices as a new creative activity, led by Victoria González. Pablo Jarauta has a Doctorate in Philosophy from the University of Murcia. He has broadened his studies in travel literature and the history of geographic thought at the Romance Studies Department at Duke University and l’École des Hautes Études en Sciences Sociales in Paris. His research

focuses on the relationship between utopic literature and the history of mapping, reclaiming a spatial and social analysis of the concept of utopia through different cultural productions (maps, plans, books…). He has participated in various projects, led courses and published numerous articles regarding these questions. He is currently a Professor of Philosophy at the University of Extremadura and a regular collaborator for different projects with the IED Madrid, as well as being a translator and book critic.

Victoria González

25.02.2010 - 05.05.2010

Visions, Uses, Research, Maps Victoria González proposed creating a system that would permit the representation of collected data in an objective way, so that its visualization could provide insight and allow us to see things that would otherwise go unnoticed: regularities, patterns, or simply images that are tectonically interesting, per se. The basic elements were the graphic key and format; not so much as the justification of choosing what is represented, but rather the systematic and relentless application of this system. With students choosing a different format for each case, this work method enabled them to become aware of their identity, their origin, and for them to experiment with the critical analysis of an “un-trip,” from Madrid to Madrid, as their location in a new environment. A new “place” for a year’s worth of experiences – to capture, gather, and store everything that describes them, the city they visited, and the experiences they enjoyed there, creating a unique map of their experiences and the destinations they’ve visited. A double mirror: of the world and the student. Two projects were proposed for practical work: Mapping Madrid and Mapping Milan, which manifested the need to design using codes that are elaborated in order to be interpreted by other people. Victoria González is an architect with a degree from ETSAM and a former student of the

Master of European Design Labs. During her studies, she received a one-year scholarship to the Illinois Institute of Technology in Chicago, United States, when she came in as the second finalist in an urban development competition in Zhong Bang Village, Shanghai. She was also the winner of the project for the Environmental Center in the Calumet area of Chicago. She participated in the exhibit 10 visions: Chicago Architecture and developed the space for Studio/ Gang/Architects in the Northamerican pavilion of the 2004 Biennial Exhibition in Venice. In 2005, she collaborated with Juan de Ávalos’ studio in creating the final designs for residential buildings. She has also collaborated with Gonzalo Pardo Díaz in various student architectural competitions. She is currently working in the management of Product Development for kitchen furniture in the family tradition of the company Aurosol.

Rocío M. Ruiz-Jarabo

11.03.2010 - 28.04.2010

Panorama of Contemporary Design In her seminar, Rocío M. Ruiz-Jarabo reflected on the evolution of the discourses of the history of design, architecture and, in general, on the creative processes of the 20th Century in terms of conceptual expression through images. The seminar was based on the term “Design” as it is understood in a broader context, independent of and de-contextualizing it from the time-period, the industrial and technological media associated with it, the disciplines in which it intervenes, and the official names that it adopts over time. Ms. Martín defined design as the combination of creative capacity and analytical logic united as “ingeniuty.” She proposed revising the catenation of designing objects, not only in regards to that which is formal, but also in terms of its discourses, in order to understand its purpose, use, context, objective, appearance, message, what it suggests, where it comes from, how it came about, what

current it follows, what upcoming trends it foresees… Along with the students, she also studied the ways and means that are used for this expression and how they represent the social and cultural conditions of the environment in which they are created. As a comparative-reflexive exercise, they reviewed the different analytical and emotive perceptions that have provoked the designs of yesterday and today. As a final project, she proposed the transformation of different contemporary objects in pieces that are characteristic of different trends. Rocío M. Ruiz-Jarabo is an architect with degrees from ETSAM, with additional studies at the Bartlett School of Architecture in London. She has served as the director of two publications specializing in design, architecture and creative processes, as well as being an editorial consultant. She currently practices as a creative strategist. Her professional practice as an architect has been carried out both independently and collaboratively, with national and international firms with which she has developed unique projects, always with a special accent on creative genesis and team coordination. Since 2007, she has been collaborating with the IED Madrid on the MadridDesignNet project.

Meetings with Proffesionals The Master’s included various personal meetings with different design-related professionals. The students were able to share their experiences with Simon Smithson, Cristina Blanco, Darío Facal, Alberto Gobbino, Álvaro Catalán de Ocón and Ken Gómez, and receive contributions to their projects from different creative disciplines.

Simon Smithson

26.02.2010

Simon Smithson, an architect with a degree from Cambridge University and a Master’s in Urban Design from Harvard University, is the

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Head of Projects at Richard Rogers’ office in Madrid. He held an informal chat with students in which he presented the project that he directed for Terminal 4 at Madrid’s Barajas Airport as a case study. He showed students images of the finished project using diagrams, a fundamental tool for architects that allows them to interpret and represent a space, approaching general doubts and finding solutions. Sometimes they even acquire aesthetic value in and of themselves as a document and a form of communication with clients and collaborators. With the challenge of creating an efficient, social and environmentally-friendly building, in which security conditions every element, they proposed an attractive and even comfortable space where natural light becomes a guide for travelers, avoiding the need for abusive signage in a way that is not contrary to its purpose.

Cristina Blanco

Darío Facal

21.05.2010

Darío Facal is an actor and director of contemporary theater. He invited students to have an active debate on the relationship between the concepts of “reality” and “normality.” He wanted to know their opinions about how the avant-garde ends up becoming folklore and the hidden inconsistency behind the concept of “normality.” He brought their attention to the fact that the meaning of reality can change depending on the information available to us, how we perceive it, and how we communicate it. He demonstrated the importance of knowing how to prepare a scene or a scenario when it comes time to communicate an idea, project or intention: hiding or showing specific elements can vary the meaning of what we show. He used excerpts of plays by the Austrian Director Michael Haneke as examples, as well as his own last two plays.

05.03.2010

Cristina Blanco is a conceptual artist, dancer and scenographer. Her talk dealt with the first phase of idea generation and researching references. She emphasized the need for creators to separate themselves from any previous references, to create their own visual atlas-dictionaries and language based on personal vocabulary. She spoke to students about some of her pieces, such as square-arrow-man that runs, where part of the supposition is to ignore the conventions of graphic communications and languages established in society, to demonstrate how “convinced” we are by languages imposed on us. A sign such as a fire exit can be understood in many ways if we look at it freely. She also showed other work on the relativity of points of view, on how objects can mean different things depending on how we want to interpret them.

Alberto Gobbino, Álvaro Catalán de Ocón and Ken Gómez 21.05.2010 Halfway through the course, when students had already chosen their project and were beginning to work on its definition, three designers were proposed to form an external panel of judges to which students could present their ideas. This first public challenge allowed them to see their initial proposals’ strengths, weaknesses, what they lacked and what they successfully achieved. The collaborators were Alberto Gobbino, Álvaro Catalán de Ocón and Ken Gómez, three industrial design professionals experienced in the elaboration of multidisciplinary projects, accustomed to working with people from different cultures and educational backgrounds. The students showed them their ideas and how they had applied what they had learned during the first few months of the Master’s. Their proposals,

very diverse in format, materials, content, and target audience, stood out due to their quality, coherence, freshness and innovative capacity.

Thesis The thesis materializes the synthesis of an entire year of learning: the sum of personal micro-experiences translated into a wellstructured design project that can be easily communicated to a global audience. It becomes the vehicle of integration and consolidation of accumulated knowledge, learned material, creative tools and methodologies. Diverse in format, materials and intentions, they all propose advancements in future scenarios and possible pathways. They suggest short-, middle- and long-term solutions, always from a design perspective. The central research theme of this edition was Identity. Work based on a central theme, which guided the students’ activities towards a concrete objective, has proven to be a very effective methodology in ensuring the creation of coherent projects, making the careful process of study, reflection, work, synthesis, and concretion evident in their final presentation.

Theses work toward a professional experience Tutors: Luis Úrculo & Paloma Uriel The main objective of this program has been the combination of a research project in an academic environment with the creation of a real prototype in a professional context. We started with the clear purpose of formalizing research projects into physical objects, adapting them to the industry and then having renowned professionals in each sector execute them under students’ direction and supervision. The course program was conceptualized as a

trip organized with an accumulative outline of five phases in which students learned to manage projects, from the initial idea to the final project communication strategy. This allowed specialists to incorporate timely contributions based on the specific requirements of each phase of “Meetings with professionals,” as well as more intense, longer workshop interventions with international designers who shared their vision, tools and personal ways of understanding the work. The structure and phases included: research, analysis, representation, production and communication. a. Research. We started with the creation of an atlas of personal and external references, both the intimate and the remote, in order to develop a still life of interests as a starting point for the project. b. Analysis. We elaborated and synthesized an idea. We searched for a solid concept based on Identity. We conducted formal research of the material necessary to carry out the project. A work journal was created, where tests, processes, and suppliers were recorded. c. Representation. We reflected on how to narrate ideas both graphically and technically, how to make obsessions physical. We prepared models for producing mock-ups, tests and did “castings” of the results. We thinked about choosing and communicating ideas. d. Production. We generated ideas that were adapted to the industry. Reality and technique. In this phase, we worked directly with Matteo Zorzenoni, Jaime Hayon’s producer, who has directed the technical development of projects and has linked them with specific professions. e. Communication. We narrated and maked the soul of products visible. The last phase involved the staging and presentation of the final exhibition of the thesis project. We conceived the installation as well as the synthesis of the project’s journey.

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The trips simultaneously brought students closer to European scenarios of design. The trips have positioned students within the panorama of the present-day avant-garde, offering stimulation and serving as a reference point for students to approach their thesis projects, incorporating, modifying, and contaminating new elements and perspectives in their work. Upon their return, students’ visions transformed and evolved. Finally, the program culminated as a process of decomposition, cleansing and breaking from the prior bases and global reference systems, in such a way that students may evolved throughout the year towards a new work system with personal, intimate tools that define their Identity.

André Simón Transition

andre@andresimon.es andresimon.es Spain | Vigo | 1979 Industrial Designer

André Simón Interested in design and construction since childhood, he studied Industrial Design at the Escola Superior Gallaecia in Portugal from 2001 to 2006. He arrived in Madrid in 2006 to work for Zero Arquitectos, a studio where he continues to collaborate. He also worked for two years at Promometro, a design studio for advertising elements that outsources all of its production. In 2008, the company Arcas Baiz, which specializes in commercial furniture design and production, hired André Simón to direct the Design Department, where he would follow the development of projects from their conception to final submission.

Transition The beginning of this investigation involved facing the country and the city in order to analyze them. The dialogue between the two concepts

highlighted their differences and marked the beginning of solid field work. I created a script that set the guidelines for the analysis of both contexts and emphasizes the traditions of both worlds. My conclusion is that the country and the city are not opposites: human behavior changes based on the space in which it is contained, and my objective is to bring the two closer together. Designing for the city, introducing cultural traditions that history has eliminated from the metropolis. Establishing what a utopia means to me: “the ruralization of the metropolis,” recovering values of respect and tolerance that our lifestyle doesn’t seem to include. I choose a simple industrial object to alter the processes involved in its fabrication and reinterpret them, transforming them into artisan techniques while still maintaining the original form. A portable lamp is the ideal element for my project due to its industrial use and its potential versatility. A tripod facilitates its use in daily scenarios. I transform objects, taking advantage of accessible materials and artisan processes: hand-made ceramics, wickerwork, woodwork, all fabricated in the most pure way, without any automated intervention. Faithfully meeting the guidelines determined from the beginning, I have altered the semantics of the object, not only through its de-contextualization, but also through the alteration of its fabrication processes. Finally, I discover an aesthetic and functional result that fuses the two worlds and adaps to my identity.

Anna Tomich

Ergonomic Territories

anna@atomichfurniture.com atomichfurniture.com United Kingdom | London | 1986 Interior Designer

Anna Tomich Anna Tomich is from Houston, Texas, United States, but was born in London. She has also

lived in Ho Chi Minh City, Vietnam and Quito, Ecuador, where she decided to follow her mother’s lead and study the interior design profession. In 2008, she received a degree from the IED Design School in Madrid and completed the Master of European Design Labs in 2009, where she has been working this year on a scholarship as a researcher and academic assistant. She currently focuses all her energies on the possibilities of language; the translation of signs into symbols. A great trip: Design.

Ergonomic Territories “Language is the set of ‘articulations’ that man uses to manifest what he thinks and feels.” My entire life revolves around language. Lately, I have tried to decipher the set of signs that surround “gastronomic,” “environmental,” “architectural,” and “artistic” language, applying them to furniture design. This project translates psychogeographic territories, such as mountains and precious materials, into everyday language through geometry. Ergonomic territories is a system of infinite design for many different users, from people to animals. It is composed of an idea that relates nature to the artificial. The project has four work elements (natures) in two artificial scales: the maximum scale is the mental-social piece: the mountain: (from the Latin montanêa, of mons, montis). The minimum piece is the diamond: (from ancient Greek αδάμας adámas, which means “invincible” or “unalterable”). I have translated and adapted systems/infrastructures that transform into infinite elements: rings, hand bands, necklaces, bird cages. These objects build de-contextualized landscapes in scale and stories. An example: the Schreckhorn hand band, a mountain in the Alpes, built on mythical and legends stories, which can be carried in your hand. The final quantity of pieces can be unlimited, forming a collection of materials that vary from gold to bronze, lacquered wood,etc.

Barak Alberro Food landscapes

barakalberro@gmail.com barakalberro.com Spain | Donostia-San Sebastian | 1985 Architect and Integral Designer

Barak Alberro With a degree in architecture from the Superior Technical School of Architecture at Navarra University, Pamplona, in 2009, his final thesis project was entitled Center for the Reinterpretation of Human Nature in Bilbao. This project highlighted the importance given to the dialogue between materials and space, as well as its exterior and interior perception, perhaps influenced by artists such as Oteiza or Chillida as reference points. His zeal for giving architecture added value, for investigating the versatility of spaces and “double purpose” was expressed in the Official Protection Housing project that he designed and exhibited at the Vitoria City Council, as well as the renovation of a luxury apartment in the center of Madrid, where it was necessary to optimize a very small space. As an integral designer, he has worked for Gorriti-Martínez on the renovation of commercial spaces and revamping their corporate image: logos, vehicles, graphics… In addition, his most minimalist and purist nature is highlighted in the finishing touches of his designs of indoor and outdoor tables and chairs for Colección 90º, a project performed by an artisan group in San Sebastian.

Food Landscapes The project arose from the idea of dignifying the activity of “eating out.” Based on the Master’s proposed theme of Identity, I wanted to give added value to this new concept of containers for homemade food, where the user chooses the “where” and “when” of eating, differentiating themselves, if they deem necessary, from others.

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The “luxury” of eating outside the home is recovered through an alternative to the standard plastic containers, whch make this leisure time less attractive. Different materials have been proposed for this purpose, all fine materials with different finishing touches. The three types of containers are easily stackable, facilitating their transportation and disposal. “Tailored” to each person’s needs and individual tastes, they form a part of the extensive catalogue of indoor and outdoor shapes and different materials and textures, which buyers choose based on their identity. Designed to be long-lasting, they are reusable and versatile, ideal for the outdoors as well as inside the home as an extra set of dishes. All of the models respond to a careful study of the characteristics of their different materials, enabling their proper use.

Carissa Santoso

Night falls. The glass house for individual plants carissasantoso@gmail.com carissasantoso.withtank.com Indonesia | Jakarta | 1986 Industrial designer and illustrator

Carissa Santoso Carissa Santoso was born in Indonesia in 1986. She has lived in Indonesia, Singapore, Australia and Spain. Her latest work revolved around poetry her imaginary world. In February 2009 she had a degree in Product Design in Australia, at the Curtin University in Perth, Australia. In 2009 she has worked in an interior design company, Studio 42, In Indonesia, and as a freelance for Sweetsindo, with the project Golden Ginger Candy, a display unit for candy products after finishing her degree. Her latest work revolved around poetry her imaginary interior world. In her designs she gives meticulous attention to details and to the artisan treatment of materials.

Night falls. The glass house for individual plants Night falls. The glass house for individual plants is a project based on a world that exists in imagination; it is naked without logical experience but awareness of the world today. This world is written by the influence of things revolving around. Sizes, melody, tune, the beat of nature, the scent of wet ground, the night sky, wind breeze, animals, movement, and things in the sight of the dark. It has been conceived for everyone; all users can complete the design with their own imagination. The objective of the project is to bring people to experience the feeling being surrounded with objects that hopefully can make them smile. The characters of this world are created with different forms, materials and sizes. I like to play with confusion of sizes and space. For the moment, I have fulfilled The glass house for individual plants and the others are yet to be done. The glass house for individual plants is the first character, created to keep the plants safe; a home for the plants, to protect them from pollution and the corrupted world. It is engraved with symbols of protection, as the dragon, along with the system of the nature, helping each other, the life cycle that is created inspired by the nature itself. It is made by glass engraved by hand and walnut wood.

el Indio for the design of the Francachela furniture company, including the design of all the furniture pieces for the brand. He was also the winner of the 2005 Mannequin Art Show with his project Was the sin a mistake.

Opon Opon is a set of five table containers, which arose from the desire to work with a typical Colombian material, such as black ceramic from the region of La Chamba, in Tolima, in the central area of the country. As my objective, I proposed to strengthen this material and explore its artisan process. The ceramic of La Chamba has a characteristic rough, irregular and unfinished surface. In order to tame this material, I conducted a formal investigation of the possibilities of transforming and evolving the pre-existing models, as contemplated by the traditional indigenous culture, through the unification of these forms in simple lines and processes: hand-thrown pieces that are shaped though revolutions on a wheel. My investigation was based on the balance and compensation of uncommon elements, which is why I introduced another material in the project, Italian walnut wood. The result is a set of five pieces in which opposing materials and finishing touches live in harmony, based on artisan fabrication.

Felipe Eusse

Juan Enrique Aguilar

felipeeusse@eussestudio.com eussestudio.com Colombia | Medellín | 1986 Industrial Designer

mail@juanen.com.ve juanen.com.ve Venezuela | Baruta | 1979 Graphic Designer – Motion Designer

Opon

Object ID

Felipe Eusse

Juan Enrique Aguilar

With a degree in Industrial Design from the Universidad Pontificia Bolivariana in 2009, he has worked for the Carlos Vera Design Studio-CVD in Medellín as an urban furniture designer. During his studies, he received two honorable mentions for his marketing project Redesign Blanqueador

With a degree in Graphic Design from the University of Zulia in 2003, he collaborated as a graphic designer in different design studios throughout his studies. During this time he also worked at the company Petróleos de Venezuela, S.A. in the Computer-Based Training Department

as a designer of multimedia interfaces for personnel training. Upon finishing the university, he worked as a web designer and programmer in the Multimedia Department at Interideas, one of the first web design companies in Maracaibo. In 2004, he became co-founder of Atarraya C.A. Creative Bureau in Maracaibo, an audiovisual design studio, where he mainly developed the visual live show and performed the duties of producer, motiongrapher and graphic designer, as well as heading the company’s management. In 2008, he settled in Madrid, where he completed the Master of Motion Graphics Design at the Istituto Europeo di Design, where he is currently a professor. He also works as a freelance motion designer. He participated in the 2010 Master of European Design Labs as a collaborator, responsible for audiovisual documentation.

Object ID Nowadays, discussing identity not only refers to being part of a group, but rather what we develop inside: a personality, different reactions to what we must face every day, and different ways of seeing life. Nobody can tell us what is right or wrong because the parameters are undrawn and a more open, free world gives us reason to express it. I’ve developed an installation where I explore images, figures and graphics in movement, as an analogy of the different situations that propose the evolution and formation of identity. Through the representation of thought, feeling and impressions in their raw state, without experiencing the process of verbalizing them, I used projection mapping and video mapping techniques to design a daily, common object, such as a table, which is oftentimes a meeting point, the place where family liturgies are celebrated, moments of cohabitation, sharing with friends, one of the places that offers enriching options and situations, a demonstration of our personalities, and therefore, our identities. Far from trying to materialize a concept with this piece, since there can be so many concepts and ways of representing of identity as identities

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exist, I try to give shape to the continuous natural changes in the development of one’s identity: uniform changes, faceted changes, changes that remain, or changes that simply happen due to personal choice.

María Domínguez

Vesalio. Impressions of the human body maria@mariadominguezcampelo.com mariadominguezcampelo.com Spain | Madrid | 1978 Artistic Director – Art designer

María Domínguez María Domínguez received a degree from the Faculty of Fine Arts at the Universidad Complutense in 2005. She later completed the Master of Interior Design and Architecture at the Universidad Politécnica, both in Madrid. In 2006, she moved to New York where she participated with Pompei AD on design and experimental creativity projects, as well as the art gallery C3’s cultural events. She returned to Madrid in 2007 and became the Artistic Director of the GMR Group for three years for the sociocultural project Art Decó, in charge of the design of interior spaces and the management and production of cultural exhibitions and events. Her interests and experiences have led her to research different fields of creative expression such as plastic arts, visual arts and design.

Vesalio. Impressions of the human body The project was inspired by Vesalio, a humanist, a precursor of the human anatomy and author of the most influential scientific book of the renaissance, De Humani Corporis Fabrica. The body is our connection to the exterior world and to others; it positions us in space and time. It is our vehicle, our bridge between sensitivity and emotion. Our corporealness establishes direct contact with everything around us and conditions us, securing the basis of our entity.

Vesalio is composed of a series of jewelry, sculptures and art-objects, based on the body and its relation to identity. The body is the mold for the creation of a collection of ceramic pieces that draw out and establish the anatomy and the spirit of essential objects of beauty and human awareness. It is an intense search of our corporeal essence, of the organic identity and the limit between the internal and the external, until we find ourselves at the border of instinct, feeling, thought, sexuality, culture, society and history.

María Paula Benvegnú Family Tea

paubenvegnu@yahoo.com.ar paulabenvegnu.withtank.com Argentina | Buenos Aires | 1981 Art Director and Advertising Creator

María Paula Benvegnú With a degree in Advertising and Social Communications from the Universidad del Salvador in Buenos Aires, Argentina, she has worked as the Advertising Art Director at various advertising agencies continuously from 2004 to the end of 2009. During this time, she developed advertising campaigns for Leo Burnett Argentina and was honored with various local and international awards. Her interest in the return to analogical systems as a form of expression led her to study film, writing, photography and art direction, becoming a multidisciplinary professional trying to transmit a message, concept or story through any type of format. In her free time, she is dedicated to photography, writing, making short films and other projects as a freelancer. Paula was the winner of this year’s scholarship for the Master of European Design Labs.

we are all born with and that will continue appearing in all our defects and virtues: grandfather’s eyes, father’s birthmark, maternal great-grandmother’s white skin, grandfather’s hooked nose… the links are invisible but they are always there. 30 ceramic mugs with a tea kettle form a complete family tree: the Benvegnú family. The investigation is based on the imperfections and particularities we all have that we have inherited from someone. Each piece shares the same color palette, however, upon being passed down from previous generations, the tone and quantity of color that it shares with prior iterations changes, along with other defining details, although they still pertain to the same group. Similarly, no two mugs are the same, just as no two people are the same. The family seal and the little spoons with each person’s name and birthdate complete the concept. This tea set is for everyone who wants to perpetuate their roots with something tangible: my family, your family, and the neighbor’s family is in Family Tea. “If you could only tear up and throw away the past like a rough draft of a letter or book. But it will remain there forever, dirtying the clean copy, and I believe that that is the true future.” Julio Cortázar

María Perales Plug-in

maria@mapstudio.es mapstudio.es Spain | Madrid | 1980 Architect

Family Tea

María Perales

Family Tea is a tea set that is a family. Or a family that can be a tea set. This project arose from my obsession with the past, inheritance and family legacy, as well as the incessant search for new ways of telling its story. A common code

In 2007, María Perales received a degree in Architecture from the Superior Technical School of Architecture in Madrid, specializing in Patrimonial Restoration and Conservation. She worked at various studios while pursuing her

education, both in architecture and as an interior designer. From 2007 to 2010, she worked at Rubio & Álvarez-Sala studio in Madrid, where she had the opportunity to participate in important projects and competitions (Torre Sacyr-Vallehermoso, M-Río, the new Cebada Market, Fruit and Vegetable Market, etc), doing all types of graphic design and computer graphics work. Over time, 3D design has become one of her specialties.

Plug-In Symbiosis is the association between two individuals of different species, in which both take advantage of their shared life. This concept is the basis of this project, which consists of a collection of objects for the home that need furniture to hold and support them, in such a way that the furniture, in exchange, obtains a new identity. In recent times, the world has suffered from a process of homogenization. In commerce, big chain stores have monopolized the market thanks to their low prices. Nowadays, who doesn’t have shelves with a Swedish name on them? For many, the way to differentiate themselves is to transform these pieces into something unique, and in this way, tell more of a story. This project involves people in the creative process of transforming their favorite furniture using very simple procedures, always achieving unique results. Mirrors, flower pots and chandeliers fit in and on the furniture, becoming part of it.

Paula Sevilla Home Camping

hola@paulasevilla.net paulasevilla.net Spain | Calahorra | 1985 Graphic and product designer

Paula Sevilla Paula studied Graphic and Industrial Design at the Elisava School in Barcelona from 2003 to 2007. Since 2006, she has been working on collabora-

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tions with the Victoria footwear company, directing graphic design projects, packaging and advertising. In 2008, she designed the entire image of the footwear brand bamba. She simultaneously did an internship in 2006 with industrial designer Curro Claret in Barcelona, and in 2008 she worked as a layout and graphic designer at the Lluis Mestres studio also in Barcelona. Her projects incorporate original photographic and illustrative creations, subjects she investigates on a regular basis. She gives priority to conceptual development and the generation of ideas over the final formalization of a product in her work.

Home Camping The objects and tools used for camping have been mutated over the years in order to adapt to a new environment; they have become lighter, foldable, portable and resistant, creating a new family of objects with their own personality and appearance. Home Camping is a reflection on what would happen if we went back to domesticating those objects, using them within the home with the functional and aesthetic characteristics that this implies. It is a series of hybrids of traditional objects and everything that one could imagine for camping, which I have been generating over the years. A new family of objects that proposes the reflection on their use and operation. The first of these hybrids is a flashlight/lamp. It is made of porcelain and tied to an outlet, a traditional flashlight that operates like a home lamp. In two versions: chandelier and table lamp. By domesticating an object that was created for outdoor life, its values, materials and even its meaning have changed in order for it to fit in to its new location.

Renée Rossouw Diary-cv

renyrosso@gmail.com reneerossouw.com South Africa | Cape Town | 1985 Architect

Renée Rossouw Renée Rossouw graduated with a Master’s in Architecture from the University of Cape Town, South Africa in 2009. During her architectural studies, she became interested in the objects that fill interior spaces and decided to pursue this topic with installation-design side-projects – exhibiting at the Venice Biennale in 2006 and Design Indaba in 2008. Driven by the same interest in interiors and everyday objects, she has been contributing to Elle Deco South Africa throughout 2010.

Diary-cv My project is a series of everyday ceramic pieces to which I applied (hand-painted) my designed patterns. Each individual pattern represents a project I undertook in 2010 – acting as an entree into an abstract Diary-cv, and is also a formal result of a personal investigation into the discovery of my creative processes. Once all the ceramics have been placed together, the entire composition, a still-life, represents my abstractpatterned diary of 2010. The basis of my investigation into identity are personal perceptions – the way I interpret physical realities, visually filter them through a series of personal creative processes, and then physically translate them into a piece of work. These perceptions are transformed through a step-by-step process. The first transformation is to visually capture forms from a physical reality, and then to translate these into graphic drawings. The scale of the interpreted forms jump from extra-large to extra-small, and vice-versa. The second step of transformation is separated from any physical reality and becomes much more abstract and personal – here I transform the graphic drawings into geometric patterns with associated stories, which can be animated. The discovery of this working process has been a big component of this year of investigating identity. After designing the diary-patterns, I applied them to three-dimensional forms. One of these subjects is ceramic tableware. The move from two-dimensional to a three-dimensional format

inspired me to organize the patterned ceramics in a way so that geometric relationships are formed between the patterns and their pieces. These different geometric relationships inspire users to arrange and constantly re-arrange their tableware into different still-lifes, and aims to encourage the user’s enthusiasm for actively engaging with everyday objects in the home. The users and the pieces have a constant visual dialogue.

SashaDasha

Maps 40°25´13´´N 3°42´21´´O

SashaDasha Aleksandra Gantseva & Daria Gantseva gantseva@gmail.com sashadasha.com Russia | Moscow | 1985 Transportation Designer and Industrial Designer

SashaDasha Aleksandra Gantseva was born in Moscow, Russia in 1985. In 2008, she graduated from the Moscow State University of Industrial and Applied Art, named after S.G.Stroganov, specializing in Transportation Design. She is now a post-graduate student writing her PhD at the same university. She has participated and won various awards such as the Gran–Prix -Medal Rodchenko in 2008 (merits in design development) for her conceptual design-project River catamaran with account of advanced technologies of production and implementation in 2020-2030. Upon completing her studies, she began working as a creative designer for the Caterina Group and Art Line Company advertising agencies, where she did work for brands such as Volkswagen, Audi and Carrefour. In 2009-2010, she became the head designer for Moscow Retro-Car Museum. Daria Gantseva was born in Moscow, Russia in 1985. In 2008, she graduated from the Moscow

State University of Industrial and Applied Art, named after S.G.Stroganov, specializing in Industrial Design. She is now a post-graduate student writing her PhD at the same university. She has participated and won various awards in several national and international exhibitions and competitions as the exhibition Design 2006 where she won in the category of Graphic Design or the II International contest Office space: creative idea, techonologies, innovations, where she had an special nomination. Upon completing her studies, she began working as a creative designer at an advertising agency until 2009. She has also worked for O’stin Company in 2009 and as Art Director in 2010.

Maps 40°25´13´´N 3°42´21´´O The concept of our project is based on an investigation of city maps. The structure of the map is interpreted as a general pattern. Various European maps have been analyzed and their morphology and characteristics identified. The studied patterns can be applied to deferential objects and materials. We have created three objects: Copenhagen Table, Paris Bowl and Moscow Bowl. In Copenhagen Table, we took the structure of the metro map as a model and applied a system of kaleidoscope repetition. The result is a formal, structural base for the table. We used an engraving process to represent the stations, while the final silhouette of the table represents the metro map of the city. Throughout the research project for Paris Bowl, many variations to ways of representing the city were made, such as natural landscapes, historical evolution, highways, networks, general city plans, districts, etc. Lastly, we decided to base the project on districts, using them as a structure to form an object. This way, each of the container’s surfaces is a district of Paris. Moscow Bowl is also based on the city’s administrative districts, such as in the case of Paris, but since the city’s plans are very different, the structure is also radically different.

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Shima Khanof Rough-Luxe

shimoolii@hotmail.com Iran | Tehran | 1985 Shimoolii@hotmail.com Textile Designer

Shima Khanof Shima Khanof received a degree in Graphic Design from the Sooreh School of Arts in 2004 and another degree in Spanish Literature from the Alamme Tabatabai University of Tehran in 2009. She worked as a Project Manager at Gold Iran Manufacturing, a company specializing in gold work, from 2004 to 2009, designing new products and optimizing already existing pieces, and at Simorgh Graphic Design studio from 2002 to 2005.

Rough-Luxe The basic structural unit of a luxurious piece such as a Persian rug often is covered up by the mysterious final image of the product. One basic design may be used for the entire surface, or the surface may be covered with a pattern of repeating figures. I decided to pay close attention to the small sketches of Persian rugs, called Eslimi, and unfold their hidden beauty through my work. I started by collecting primary sketches of Persian rug patterns, which I am extremely familiar with, as they are part of my culture. I then dissected each pattern, getting down to their basic building blocks. I changed the direction of the rug knitting process from the most complex final patterns to the most basic unit that would precisely portray the ancient beauty of Persian rug designs. Next, I printed graph paper on fabric and then sewed the patterns onto the textile with different color threads. I am proposing a new way of using primary sketches of Persian rug patterns on fabrics that could be used as tablecloths, chair covers, curtains, cushions and for many other things. Interior designers, furniture makers, and even the clothing industry could make use of these textile designs.

Tesis

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as tesis plasman la síntesis generada tras un año de aprendizaje, una suma de microexperiencias personales traducidas en un proyecto de diseño bien estructurado y comunicable en un entorno global. Se convierten en el vehículo de integración y consolidación de los conocimientos, aprendizajes, herramientas creativas y metodológicas adquiridas. Diversas en formato, materiales e intención, coinciden en avanzar escenarios y posibles caminos a recorrer. Siempre desde el diseño, adelantan soluciones a corto, medio y largo plazo. Esta edición ha tenido como tema central de investigación la Identidad. El trabajo en torno a una temática central, que ha dirigido la actividad de los alumnos hacia un objetivo concreto, ha demostrado ser una metodología muy eficaz para asegurar la creación de proyectos coherentes que evidencian, en su presentación final, un proceso cuidado de estudio, reflexión, trabajo, síntesis y concreción.

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El trabajo de tesis hacia una experiencia profesional Tutores: Luis Úrculo & Paloma Uriel

La combinación de un proyecto de investigación en un entorno docente, con la realización de un prototipo real en un contexto profesional, ha sido el objetivo principal de este curso. Partimos con un propósito claro, la formalización de los proyectos de investigación en objetos físicos, su formalización y adaptación a la industria y la ejecución real por reconocidos profesionales de cada sector bajo el seguimiento y dirección del alumno. El programa del curso se entendió como un viaje pautado con un esquema acumulativo de cinco fases, en el que el estudiante debía aprender a gestionar desde la idea hasta la estrategia de comunicación del proyecto. Esto permitió incorporaciones y aportaciones puntuales de especialistas en función de los requerimientos específicos de cada fase en los “Encuentros con profesionales”, así como intervenciones de mayor intensidad y duración en los workshops con diseñadores internacionales que mostraron su mirada, sus herramientas y forma personal de entender el trabajo. La estructura y fases seguidas fueron: investigación, análisis, representación, producción y comunicación. a. Investigación. Partimos de la creación de un atlas de referencias personales y ajenas, lo íntimo/lo lejano para poder desarrollar un bodegón de intereses como punto de partida para trabajar. b. Análisis. Elaboramos y sintetizamos una idea. Buscamos un concepto sólido basado en la Identidad. Hicimos una investigación formal y de los materiales para llevarla a cabo. Creamos un cuaderno de trabajo donde

acumular pruebas, procesos, y proveedores. c. Representación. Reflexionamos sobre cómo narrar gráfica y técnicamente las ideas, cómo hacer físicas las obsesiones. Preparamos modelos para producir maquetas, pruebas y realizar castings de resultados. Pensamos en elegir y comunicar una idea. d. Producción. Generamos ideas adaptadas a la industria. Realidad y técnica. En esta fase trabajamos directamente con Matteo Zorzenoni, productor de Jaime Hayon, que ha dirigido el desarrollo técnico de los proyectos y los ha enlazado con los oficios. e. Comunicación. Narramos y hacemos visible el alma de los productos. Es la última fase, muy relacionada con la puesta en escena y presentación de la exposición final de los proyectos de tesis. Concebimos la instalación y síntesis del recorrido. De manera simultánea, los viajes acercaron a los alumnos a los escenarios europeos del diseño. Les situaron en el panorama de la vanguardia actual, les estimularon y sirvieron como referencia a la hora de abordar sus proyectos de tesis, incorporando, modificando, contaminando nuevos elementos y puntos de vista en sus trabajos. Al regreso, la mirada se transforma, evoluciona. Finalmente, el curso culmina como un proceso de descomposición, limpieza y ruptura de las bases y sistemas de referencia globales anteriores, diseñado para que los alumnos evolucionen durante el año hacia un nuevo método de trabajo con herramientas personales, íntimas, que definan su Identidad.

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André Simón andre@andresimon.es andresimon.es España | Vigo | 1979 Diseñador Industrial

Interesado desde la infancia en la construcción y diseño, estudió Diseño Industrial en la Escola Superior Gallaecia, en Portugal, entre 2001 y 2006. Ese mismo año llegó a Madrid para incorporarse en Zero Arquitectos, firma con la que continúa colaborando. También trabajó durante dos años en Promometro, un estudio de diseño de elementos de publicidad que externaliza toda su producción. En 2008 la empresa Arcas Baiz, especializada en el diseño y producción de mobiliario comercial, le contrató para dirigir el departamento de diseño, donde seguía el desarrollo del proyecto, desde su concepción hasta su entrega en destino.

Transition Enfrentar el campo y la ciudad para analizarlos es el inicio de esta investigación. El diálogo entre ambos conceptos marca sus diferencias y supone el principio de un espacio de trabajo sólido. He realizado un guión que marca las pautas de análisis de ambos contextos y hace énfasis en las tradiciones de sendos mundos. Mi conclusión es que campo y ciudad no son antagonistas: el comportamiento humano cambia en función del espacio en el que se desenvuelve, y mi objetivo es acercarlos. Diseñar para la ciudad, introduciendo tradiciones culturales que la Historia ha eliminado de la urbe. Instaurar lo que para mí supone una utopía: “la ruralización de la urbe”, recuperar valores de respeto y tolerancia que nuestro estilo de vida parece no incluir. Elijo un objeto meramente industrial para alterar los procesos que conforman su fabricación y reinterpretarlos, trasladándolos a técnicas artesanales, aunque manteniendo en todo momento su forma original. Por su función industrial y la versatilidad en sus posibilidades de uso, la lámpara portátil es el elemento idóneo para mi proyecto. Con un trípode facilito su uso en un escenario cotidiano. Transformo los objetos aprovechando materiales y procesos artesanales accesibles: la cerámica torneada, el mimbre, la madera, todos ellos trabajados de la manera más pura, sin una sola intervención autómata. Cumpliendo fielmente las pautas marcadas desde un principio, he alterado la semántica del objeto no sólo con su descontextualización, sino también con la alteración de sus procesos de fabricación. Finalmente, descubro un resultado estético y funcional que fusiona los dos mundos y conforma mi identidad.

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Anna Tomich anna@atomichfurniture.com atomichfurniture.com Reino Unido | Londres | 1986 Diseñadora de Interiores

Anna Tomich es de Houston, Texas, Estados Unidos, aunque nació en Londres. Ha vivido en Ho Chi Minh City, Vietnam y Quito, donde decidió seguir el rastro materno y aprender la profesión de diseño de interiores. En 2008 se tituló en la escuela de Design del IED Madrid y en 2009 realizó el Master of European Design Labs, en el que este año ha estado becada trabajando como investigadora y asistente didáctica. Actualmente enfoca todas sus energías sobre las posibilidades del lenguaje; de la traducción de signos en símbolos. Un gran viaje: Diseño.

Territorios ergonómicos El lenguaje es el conjunto de “articulaciones” con que el hombre manifiesta lo que piensa o siente. Toda mi vida gira alrededor del lenguaje. Últimamente he intentado descifrar el conjunto de signos que rodean al lenguaje “gastronómico”, “ambiental”, “arquitectónico” o “artístico”, aplicándolo al diseño de mobiliario. Este proyecto traduce unos territorios psicogeográficos, como son las montañas o los materiales preciosos, en un lenguaje cotidiano a través de la geometría. Territorios ergonómicos es un sistema de diseño infinito y para muchos usuarios, desde personas hasta animales. Está conformado por una idea que relaciona la naturaleza y lo artificial. El proyecto cuenta con cuatro elementos trabajados (naturalezas) en dos escalas artificiales: la escala máxima es la

pieza mental social, la montaña (del latín montanêa, de mons, montis). La pieza mínima es el diamante (del griego antiguo αδάμας adámas, que significa “invencible” o “inalterable”). He traducido y adaptado unos sistemas/infraestructuras que se transforman en infinitos elementos: anillos, hand bands, collares, pendientes, jaulas para pájaros. Con ellos se construyen paisajes descontextualizados en escala e historias. Un ejemplo: el hand band Schreckhorn, una montaña de los Alpes, construida sobre mitos y leyendas, que se puede llevar en la mano. La cantidad final de piezas puede ser ilimitada, formando una colección con materiales que varían desde el oro al bronce, la madera lacada, etc.

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Barak Alberro barakalberro@gmail.com barakalberro.com España | Donostia-San Sebastián | 1985 Arquitecto y Diseñador Integral

Licenciado como arquitecto en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad de Navarra, Pamplona, en 2009 con el proyecto de fin de carrera Centro de Reinterpretación de la Naturaleza Humana en Bilbao. En este trabajo destacaba la importancia dada al diálogo entre materia y espacio, así como a su percepción tanto exterior como interior, quizá influenciado por artistas como Oteiza o Chillida como referencias. Su afán por dotar a la arquitectura de un valor añadido y por investigar en la versatilidad de los espacios y de la “doble función” quedó plasmado en las Viviendas de Protección Oficial que proyectó y expuso en el Ayuntamiento de Vitoria, así como en un trabajo de encargo para la reforma de un apartamento de lujo en el centro de Madrid, donde era necesaria la optimización de un espacio muy reducido. Como diseñador integral, ha trabajado para Gorriti-Martínez en la reforma de sus espacios comerciales y en la renovación de su imagen corporativa: logos, vehículos, gráfica… Por otra parte, sus diseños para la Colección 90º de mesas y sillas para interior y exterior, encargo realizado con un grupo de artesanos de San Sebastián, subrayan su carácter más minimalista y purista en los acabados.

Food Landscapes El proyecto surge de la intención de dignificar la actividad de “comer fuera de casa”. A partir del tema propuesto en el master, la Identidad, he querido dar un valor añadido a este nuevo concepto de contenedores de la comida casera, donde es el propio usuario quien elige “dónde” y “cómo” quiere comer, diferenciándose, si lo cree necesario, de los demás. Se recupera el “lujo” de comer fuera de casa, con una alternativa a los plásticos más habituales que afean ese momento de ocio. Para eso se proponen distintos materiales, todos nobles, en diferentes acabados. Los tres tipos de recipiente son fácilmente apilables, lo

que facilita su transporte y disposición, y responden a las necesidades y gustos individuales de cada persona. Diseñados “a medida”, forman parte de un amplio catálogo de formas interiores, exteriores y de diferentes materiales y texturas, que el comprador elige acorde a su identidad. Diseñados para tener una larga duración, son reutilizables y versátiles, idóneos tanto fuera como dentro del hogar como vajilla extra. Todos los modelos responden a un cuidado estudio de las características de los distintos materiales que se ofrecen, y hacen posible su correcto funcionamiento.

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Carissa Santoso carissasantoso@gmail.com carissasantoso.withtank.com Indonesia | Jakarta | 1986 Diseñadora Industrial e Ilustradora

Carissa Santoso ha vivido en Indonesia, Singapur, Australia y España. En 2009 se licenció como Diseñadora Industrial, especializada en Producto, en la Curtin University de Perth, Australia. Tras acabar sus estudios, trabajó en la empresa de diseño interior Studio 42 de Jakarta, y como freelance para Sweetsindo, con el proyecto Golden Ginger Candy, un mostrador para caramelos y otros productos. Sus últimos trabajos giran en torno a la poesía de su mundo interior. En sus diseños la atención meticulosa a todos los detalles y la elaboración artesanal de los materiales son una constante.

Night Falls. The glass house for individual plants Night falls. The glass house for individual plants es un proyecto basado en un mundo imaginario; un mundo puro, aislado de la experiencia lógica aunque consciente de la realidad. Es un universo compuesto por la influencia de las cosas que nos rodean: tamaños, melodías, el latido de la naturaleza, el olor de la tierra mojada, el cielo estrellado, la brisa, los animales, el movimiento y lo que intuimos en la oscuridad. Este diseño está pensado para todos, de manera que cada usuario puede completarlo usando su propia imaginación. Mi objetivo es permitir a las personas experimentar la sensación de sentirse rodeado de objetos que, espero, les hagan sonreír. Los elementos o personajes de este mundo imaginario tienen formas,

materiales y tamaños diferentes. Me gusta jugar con la confusión de dimensiones y espacios. Este primer elemento, The glass house for individual plants, ya está producido, los demás están aún en proceso de elaboración. Diseñado para mantener las plantas a salvo, les da un hogar y las aísla de la contaminación y de la corrupción del mundo cotidiano. En su superficie he grabado símbolos de protección, como dragones y elementos naturales, que se ayudan mutuamente para defender este espacio. El ciclo de vida creado con este invernadero está inspirado en la propia naturaleza y ha sido realizado con madera de nogal y vidrio soplado tallado a mano.

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Felipe Eusse felipeeusse@eussestudio.com eussestudio.com Colombia | Medellín | 1986 Diseñador industrial

Licenciado en 2009 en Diseño industrial en la Universidad Pontificia Bolivariana, ha trabajado para el Carlos Vera Design Studio-CVD de Medellín como diseñador de mobiliario urbano. Durante sus estudios obtuvo dos menciones honoríficas por su proyecto de marketing Redesign Blanqueador el Indio y por el diseño de la firma de mobiliario Francachela, incluido el de todas las piezas de mobiliario para la marca; y resultó ganador del Mannequin Art Show 2005 con su proyecto Was the sin a mistake.

Opon Opon es un set de cinco recipientes para la mesa que tiene como punto de partida el deseo de trabajar un material típico colombiano, como es la cerámica negra de la región de La Chamba, en Tolima, en la zona centro del país. Me planteé como objetivo potenciar este material y explorar su proceso artesanal. La cerámica de La Chamba tiene un característico acabado rugoso, irregular y tosco, y para poder domar este material hice una investigación formal de las posibilidades de transformación y evolución de los

formatos ya existentes, contemplados por la cultura tradicional indígena, a través de la unificación de las formas en líneas simples y de procesos: el torneado, piezas formadas por revolución. Mi investigación está basada en el equilibrio y compensación de elementos no comunes, por eso introduje otro material en el proyecto, la madera de nogal italiana. El resultado es un conjunto de cinco piezas en las que conviven en equilibrio materiales y acabados opuestos, basados en una fabricación artesanal.

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Juan Enrique Aguilar mail@juanen.com.ve juanen.com.ve Venezuela | Baruta | 1979 Diseñador Gráfico – Motion Designer

Licenciado en Diseño gráfico en la Universidad del Zulia, en 2003, durante su formación colaboró como diseñador gráfico en diferentes estudios de diseño y en la empresa Petróleos de Venezuela, S.A., en el departamento de Adiestramiento Basado en Computador (ABC) como diseñador de interfaces para multimedias de entrenamiento del personal. Al salir de la universidad, trabajó en Interideas, una de las primeras empresas de diseño web en Maracaibo, como diseñador web y programador en el Departamento Multimedia. En 2004 fue co-fundador en la misma ciudad de Atarraya C.A. Bureau Creativo, estudio de diseño dedicado al área audiovisual, donde desarrolló principalmente el área de visual live show y desempeñó las funciones de realizador, motion grapher y diseñador gráfico, además de encargarse de la gestión de la empresa. En 2008 se estableció en Madrid donde realizó el Master de Motion Graphics Design en el Istituto Europeo di Design, en el que ahora es profesor. También trabaja como motion designer freelance. Ha realizado el Master of European Design Labs 2010 como colaborador responsable de la documentación audiovisual.

Objeto ID Hablar hoy de identidad no sólo se refiere a sentirse parte de un grupo referente, sino también a lo que desarrollamos por dentro: una personalidad, reacciones diversas ante aquello a lo que nos enfrentamos todos los días y diferentes maneras de ver la vida. Nadie puede decirnos lo que está bien o mal, porque los parámetros se han desdibujado y un mundo más abierto y libre nos da pie para expresarlo. He desarrollado una instalación donde exploro con imágenes, figuras y gráficos en movimiento, como analogía de las diferentes situaciones que plantean la evolución o formación de la identidad. A través de la representación de pensamientos, sentimientos, impresiones, así crudos como están, sin pasar por el proceso de verbalizarlos; proyectados,

con la técnica projection mapping o video mapping sobre un elemento cotidiano y usual, como una mesa, que es, en muchos casos, el punto de reunión, el lugar donde se celebraba la liturgia familiar, el momento de convivencia, de compartir con amigos, uno de los sitios donde se despliegan opciones y situaciones de enriquecimiento o demostración de nuestras personalidades y así, nuestras identidades. Con esta pieza, lejos de tratar de materializar algún concepto, ya que puede haber tantos conceptos de identidad como identidades existan, así como maneras de representarla, busco plasmar los continuos cambios naturales en el desarrollo de una identidad propia: cambios uniformes, cambios facetados, cambios que se quedan o cambios que, por elección propia, simplemente pasan.

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María Domínguez maria@mariadominguezcampelo.com mariadominguezcampelo.com España | Madrid | 1978 Dirección Artística - Art Designer

María Domínguez se licenció en 2005 en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense. Posteriormente realizó un Master en Diseño y Arquitectura de Interiores en la Universidad Politécnica, ambas en Madrid. En 2006 se trasladó a Nueva York donde participó con Pompei AD en los proyectos de diseño y creatividad experimental, y en los eventos culturales de la galería de arte C3. Regresó a Madrid en el 2007 y durante 3 años trabajó como Directora Artística del Grupo GMR para el proyecto socio-cultural Art Decó, ocupándose del diseño de los espacios interiores y de la gestión y producción de exposiciones y eventos culturales. Sus inquietudes y sus experiencias le han llevado a investigar en diferentes campos de expresión creativa como las artes plásticas, las artes visuales, y el diseño.

Vesalio. Impresiones del cuerpo humano Su proyecto se ha inspirado en Vesalio, humanista, precursor de la anatomía humana y autor del libro científico más influyente del Renacimiento, De Humani Corporis Fabrica. El cuerpo es nuestro vínculo con el mundo exterior y con los otros, nos posiciona en el espacio y en el tiempo. Es nuestro vehículo, nuestro puente entre lo sensitivo y lo emocional. Nuestra corporeidad establece un contacto directo con todo lo que nos rodea y nos condiciona, fijando las bases de nuestra entidad. Vesalio se compone de una serie de joyería, esculturas, arte-objetos, basados en el cuerpo y

en su relación con la identidad. El cuerpo es el molde para la creación de una colección de piezas cerámicas que extraen y funden la anatomía y el alma en objetos esenciales de belleza y de conciencia humana. Se trata de una intensa búsqueda de nuestra esencia corpórea, de la identidad orgánica y del límite entre lo interno y lo externo, hasta encontrarnos con la frontera del instinto, del sentimiento, del pensamiento, de la sexualidad, de la cultura, la sociedad y la historia.

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María Paula Benvegnú paubenvegnu@yahoo.com.ar paulabenvegnu.withtank.com Argentina | Buenos Aires | 1981 Directora de Arte y Creativa Publicitaria

Licenciada en Publicidad y Comunicación Social en la Universidad del Salvador de Buenos Aires, Argentina, ha trabajado en agencias de publicidad como directora de arte publicitaria desde el 2004 hasta fines de 2009 ininterrumpidamente. Durante ese tiempo desarrolló campañas publicitarias para Leo Burnett Argentina y fue galardonada con varios premios locales e internacionales. Su interés en la vuelta a lo analógico como forma de expresión le ha llevado a estudiar sobre cine, escritura, fotografía y dirección de arte y convertirse en una profesional multidisciplinar que busca poder transmitir un mensaje, concepto o historia a través de cualquier tipo de formato. En su tiempo libre se dedica a hacer fotografías, escribir, realizar cortos y otros proyectos como freelance. Paula fue la ganadora de la beca de esta edición para realizar el Master of European Design Labs.

Family Tea Family Tea es un juego de té que es una familia. O una familia que puede ser un juego de té. Este proyecto surge a partir de mi obsesión por el pasado, la herencia y el legado familiar, y la búsqueda incesante de nuevas formas de contarlo. Un código común con el que nacemos y que seguirá apareciendo en todos nuestros defectos y virtudes: los ojos del abuelo, la mancha de nacimiento de papá, la piel blanquísima de la bisabuela materna, la nariz ganchuda del tío abuelo… los lazos son invisibles pero siempre están ahí. Treinta tazas de cerámica con su tetera forman un árbol genealógico completo: el de la familia Benvegnú. La investigación está basada en la imperfección y las particularidades que todos tenemos y que de alguien heredamos. Cada pieza comparte una misma paleta de colores pero, al pasar de generación, cambia su

tono, la cantidad de color que comparte con la anterior y otros detalles que la definen, aunque sigue perteneciendo al mismo grupo. Asimismo, ninguna taza es igual a la otra, como ninguna persona es igual a otra. El sello de la familia y las cucharitas con el nombre y fecha de nacimiento de cada uno completan el concepto. Este juego de té es para todo el que quiera perpetuar en algo tangible sus raíces: en Family Tea está mi familia, la tuya y la del vecino. “Si se pudiera romper y tirar el pasado como el borrador de una carta o de un libro. Pero ahí queda siempre, manchando la copia en limpio, y yo creo que eso es el verdadero futuro”. Julio Cortázar

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María Perales maria@mapstudio.es mapstudio.es España | Madrid | 1980 Arquitecta

Licenciada en Arquitectura por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, con la especialidad de Restauración y Conservación del Patrimonio, en 2007. Durante la carrera colaboró en varios estudios, tanto de arquitectura como de diseño interior. Entre 2007 y 2010 ha trabajado en el estudio madrileño Rubio & Álvarez-Sala, donde tuvo la oportunidad de participar en importantes proyectos y concursos (Torre Sacyr-Vallehermoso, M-Río, Nuevo Mercado de la Cebada, Mercado de Frutas y Verduras, etc.), realizando sobre todo proyectos de diseño gráfico e infografía. Con el tiempo, el diseño 3D se ha convertido en una de sus especialidades.

Plug-in Simbiosis es la asociación entre dos individuos de especies diferentes, en la que ambos sacan provecho de su vida en común. Este concepto es la base del proyecto, que consiste en una colección de objetos para la casa que necesitan del mueble que los aloja para sostenerse, de manera que el mueble obtiene a cambio una nueva identidad. En los últimos tiempos, el mundo ha sufrido un proceso de homogeneización. En el comercio, las grandes cadenas acaparan el mercado gracias a sus

bajos precios. ¿Quién no tiene hoy en día una estantería con nombre de sueco? Para muchos, la manera de diferenciarse es transformar esas piezas para que resulten únicas, y así cuenten algo más de ellos. Este proyecto involucra a las personas en el proceso creativo de transformar sus muebles favoritos utilizando procedimientos muy sencillos, y consiguiendo siempre resultados únicos. Espejos, floreros o chandeliers se encajan en los muebles, pasando a formar parte de ellos.

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Paula Sevilla hola@paulasevilla.net paulasevilla.net España | Calahorra | 1985 Diseñadora Gráfica y de Producto

Estudió Diseño gráfico e industrial en la escuela Elisava, de Barcelona, entre 2003 y 2007. En el año 2006 empezó a hacer colaboraciones con la empresa de calzados Victoria, dirigiendo proyectos de diseño gráfico, packaging y publicidad, como la imagen completa de la marca de calzado bamba. Simultáneamente, en 2006, realizó prácticas en el estudio del diseñador industrial Curro Claret en Barcelona, y durante el año 2008 trabajó como maquetadora y diseñadora gráfica en el estudio de Lluis Mestres, en la misma ciudad. En sus proyectos incorpora creaciones originales de fotografía e ilustración, temáticas en las que investiga de manera habitual. En su trabajo da prioridad al desarrollo conceptual y a la generación de ideas, frente a la formalización final del producto.

Home Camping Los objetos y herramientas que se utilizan en el Camping han ido mutando a lo largo de los años para adaptarse a su nuevo entorno: se han hecho más ligeros, plegables, portátiles y resistentes, creando una nueva familia de objetos con personalidad y apariencia propia. Home camping es una reflexión acerca de lo que sucedería si volviéramos a domesticar esos objetos, a utilizarlos dentro de casa con las características funcionales y estéticas que eso implica. Se trata, por tanto, de una serie de híbridos entre objetos tradicionales y todo el imaginario camping

que he ido generando a lo largo de los años. Una nueva familia de objetos que propone una reflexión acerca del uso y el funcionamiento. El primero de estos híbridos es la linterna/ lámpara. De porcelana y atada a un enchufe, una linterna tradicional funciona como lámpara casera. En dos versiones: chandelier y lámpara de mesa. Al domesticar un objeto que ha sido creado para una vida en el exterior, han cambiado sus valores, sus materiales e incluso su significado para encajar en un nuevo emplazamiento.

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Renée Rossouw renyrosso@gmail.com reneerossouw.com Sudáfrica | Cape Town | 1985 Arquitecta

Renée Rossouw se licenció en Arquitectura en la Universidad de Ciudad del Cabo, Sudáfrica, en 2009. Durante sus estudios se interesó por los objetos que se pueden encontrar en espacios interiores y decidió seguir esta línea con proyectos paralelos de diseño e instalaciones que ha expuesto en la Bienal de Venecia en 2006 y en Design Indaba en 2008. Durante 2010 ha colaborado con Elle Deco Sudáfrica, impulsada por este mismo interés por los interiores y los objetos cotidianos.

Diary-cv Mi proyecto consta de una serie de piezas de cerámica cotidianas sobre las que he aplicado mis patrones de diseño, pintándolos a mano. Cada patrón representa en sí mismo un proyecto que he desarrollado en 2010, convirtiéndose así en un cuaderno de bitácora abstracto. Al mismo tiempo, se trata del resultado formal de una investigación personal en el descubrimiento de mi proceso creativo. Cuando las piezas se colocan juntas, la composición se convierte en un bodegón que representa mi diario personal de este año. Mi investigación sobre la identidad se basa en la percepción personal: la forma en la que yo interpreto las realidades físicas, las filtro visualmente a través de una serie de procesos creativos personales y, posteriormente, las traslado a una pieza. Estas percepciones van cambiando en cada paso del proceso. La primera transformación sucede al captar visualmente las formas de una realidad física y su posterior traslado a diseños gráficos. La escala de las formas interpretadas va desde lo enorme a lo extremadamente pequeño, y viceversa.

El segundo paso de la transformación es independiente respecto a cualquier realidad física y se convierte en algo mucho más abstracto y personal. En este punto, transformo los diseños gráficos en patrones geométricos con historias asociadas que pueden animarse. El descubrimiento de este proceso de trabajo ha sido un gran hito en este año de investigación de la identidad. Después de diseñar los patrones del diario, los aplico en formas tridimensionales. Uno de estos soportes ha sido la vajilla de cerámica. El paso de trasladar el formato bidimensional al tridimensional me dio pie para organizar las cerámicas modificadas de manera que se creen vínculos geométricos entre los patrones y las piezas que los muestran. Estas diferentes interrelaciones geométricas entre las piezas inspiran al usuario para organizar y reorganizar su vajilla una y otra vez, formando distintos bodegones, y fomentan en el usuario un nuevo interés por interactuar con sus objetos cotidianos. Las piezas y el usuario entablan así un constante diálogo visual.

SashaDasha Aleksandra Gantseva & Daria Gantseva gantseva@gmail.com sashadasha.com Rusia | Moscú | 1985 Diseñadora de Transporte y Diseñadora Industrial

Aleksandra Gantseva se licenció en 2008 en la Stroganov Moscow State University of Industrial and Applied Art, con la especialidad de Diseño de Transporte. Actualmente está preparando su tesis en esta universidad. Ha participado en diferentes concursos y ha sido premiada en el Grand Prix con la medalla Rodchenko, en 2008, por su proyecto de diseño conceptual River catamaran with account of advanced technologies of production and implementation in 2020-2030. Tras terminar sus estudios comenzó a trabajar en las agencias de publicidad Caterina Group y Art Line Company como diseñadora creativa. Allí trabajó para importantes marcas como Volkswagen, Audi y Carrefour. En 2009-2010 ha trabajado como diseñadora jefe del Moscow Retro-Car Museum.

Daria Gantseva se licenció en 2008 en la Stroganov Moscow State University of Industrial and Applied Art, con la especialidad de Diseño Industrial. Actualmente está preparando su tesis en esta universidad. Ha participado en diferentes concursos nacionales e internacionales como Design 2006, donde fue la ganadora en la categoría de Diseño gráfico o Office space: creative idea, technologies, innovation donde recibió una nominación especial. Tras terminar sus estudios comenzó a trabajar en la agencia de publicidad Caterina Group, entre 2007 y 2009, y en O’stin Company en 2009 y 2010 como diseñadora creativa.

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Mapas 40°25´13´´N 3°42´21´´O El concepto de nuestro proyecto se basa en una investigación de los mapas de la ciudad. La estructura del mapa se interpreta como un patrón general. Se han analizado varios mapas de Europa e identificado su morfología y características. Los patrones estudiados se pueden aplicar a objetos y materiales diferentes. Con ellos, hemos realizado tres objetos: Copenhagen Table, Paris Bowl y Moscow Bowl. En Copenhagen Table tomamos como módulo la estructura del mapa del metro y aplicamos un sistema de repetición caleidoscópica. El resultado es la base formal y estructural de la mesa. Utilizamos un proceso de grabado para representar las estaciones, mientras que la silueta final de la mesa representa el mapa general del metro de la ciudad. En Paris Bowl, durante el proyecto de investigación, se han hecho muchas variaciones en las formas de representación de la ciudad, tales como paisajes naturales, la evolución histórica, carreteras, redes, planes generales de la ciudad, los distritos, etc. Por último, decidimos basar el proyecto en los distritos, usarlos como estructura para formar un objeto. Así, cada superficie del recipiente es un distrito de París. Moscow Bowl se basa también en los distritos administrativos, como en el caso del proyecto de París, pero como los planes de la ciudad son muy diferentes, la estructura es radicalmente diferente.

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Shima Khanof shimoolii@hotmail.com Irán | Teherán | 1985 Diseñadora Textil

Shima Khanof se diplomó en Diseño Gráfico en la Sooreh School of Arts en el año 2004 y se lincenció en la Alamme Tabatabai University de Teherán en Literatura Española, en 2009. Ha trabajado como project manager en la empresa Gold Iran Manufacturing, especializada en el tratamiento del oro, entre 2004 y 2009, diseñando nuevos productos y optimizando piezas ya existentes, y en el estudio Simorgh Graphic Design, entre 2002 y 2005.

Rough-luxe La estructura básica que se sigue en la confección de una pieza textil de lujo, como una alfombra persa, pasa a menudo desapercibida bajo el misterioso y sugerente acabado final del producto. A veces, se utiliza en toda la superficie de la pieza un mismo patrón básico, en otras ocasiones, se usa un estampado a base de figuras repetidas. He decidido prestar una atención especial a los pequeños detalles de los dibujos de estas alfombras, llamados Eslimi, y, mediante mi trabajo, desvelar su belleza oculta. Empecé recopilando las formas esenciales de los patrones de estas alfombras. A continuación, analizando cada modelo por separado y desmontando su estructura, llegué a su forma elemental, la cuadrícula, las anotaciones que se siguen para realizarlas. Invertí el orden del proceso de la fabricación tradicional de una alfombra, desde el patrón

final más elaborado a la unidad más básica, en donde se puede encontrar, precisamente, la esencia de su belleza milenaria. Entonces, sobre una base de tela de lino, he realizado una impresión digital de los patrones elegidos y los he bordado con hilos de diferentes colores. Lo que habitualmente está bordado, aparece dibujado; lo que está dibujado para servir como guía, en este caso se borda. Con mi proyecto, que está vinculado directamente con las raíces de mi identidad cultural, sugiero una nueva manera de utilizar los diseños básicos de los estampados de estas alfombras, que pueden ser así empleados de manera independiente como manteles, fundas para butacas, cortinas, cojines y de muchas otras formas. Diseñadores de interior, de mobiliario, e incluso de la industria de la confección, pueden utilizar este nuevo diseño textil.

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Backstage

IED Madrid

Agradecimientos

Director IED Madrid: Riccardo Marzullo Subdirector IED Madrid: José Piquero Director IED Master: Dario Assante Director Científico IED Madrid: Francisco Jarauta Comunicación IED Madrid: Marisa Santamaría Redacción y Comunicación Online: Inma Flor Área Cultural IED Madrid: Pedro Medina Secretaría de Dirección: Maiko Arrieta

Instituciones y Empresas

Master of European Design Labs 2010 Director: Jaime Hayon Coordinadora General: Gala Fernández Coordinadora Didáctica: Noemí Araque Coordinación y Tutoría de Tesis: Luis Úrculo y Paloma Uriel Servicio de Información y Orientación: Alessandra di Bartolomeo y Erick Valdivieso Colaboración Didáctica y Supervisión de Producción: Matteo Zorzenoni Investigadora Asistente: Anna Tomich Documentación Audiovisual: Juan Enrique Aguilar Estudiantes Master of European Design Labs 2010 Aleksandra Gantseva André Simón Barak Alberro Carissa Santoso Daria Gantseva Felipe Eusse Juan Enrique Aguilar María Domínguez María Paula Benvegnú María Perales Paula Sevilla Renée Rossouw Shima Khanof

100% Design, Antalis, Artes Gráficas RG, Bisazza, Bosa, Casa Studio Castiglioni, Centre Georges Pompidou, Diesel, Domaine de Boisbuchet, El Último Grito, Espace Culturel Louis Vuitton, Fabrica, Fritz Hansen, ICA, Ikea, La Biennale di Venezia, Louisiana Museum, MAC/VAL, Maison Baccarat, Malmö Konsthall, Massimo Lunardon, Palais de Tokyo, Replay, Richard Rogers Partnership, Royal College of Arts, Salone del Moble e Satellite, Siège du PCF, Spazio Rossana Orlandi, Studio Hayon, Tate Modern, Tent London, United Colors of Benetton, Victoria and Albert Museum, Vitra Design Museum, Vitra© y Whitechapel Gallery.

Profesionales Alberto Gobbino, Andrea Caruso, Antón San Millán, Alfonso Gallardo, Aitor Uribarri, Álvaro Catalán de Ocón, Álvaro Ramis, Armando Montesinos, Belén Uriel, Chantal Graniel, Claudia Oliva, Clive Van Heerden, Cristina Blanco, Daniel García, Darío Facal, Ezio Manzini, Francisco Jarauta, Feng Feng, Gero Grundmann, Giorgia Ricci, Hélène Bergaz, Inés Alonso, Javier Montero, Julia Lohmann, Ken Gómez, Nipa Doshi, Noël Domínguez, Pablo Jarauta, Pedrita, Pedro Medina, Pedro Luis Carretero, Pieke Bergmans, Rocío Martín, Santiago Cirugeda, Sigga Heimins, Simon Smithson, Tomaso Tagliabue y Victoria González.

IED Madrid Adolfina Pontier, Ana Echegoyen, Barbara Pierpaoli, Carmina Álvarez, Charo Rodríguez, Cristina Gálvez, Elena Velasco, Elisa Beotas, Hada Martínez, Inés Wayar, Irene Orozco, Javier Alejandre, Jesús Latuff, Joaquín Salva, Josina Llera, Juana Muñoz, Julia Jorge, Julio Ocaña, Layla Serra, Lily Pavlinova, María León, María Ylla, Manolo Jiménez, Marta Morilla, Marta Orozco, Miguel Olivera, Paula Ampuero, Raquel García, Reyes Llorens, Ricardo Andrade, Ricardo Párraga, Silvia Aguado, Sonia Úbeda, Thiago Esquivel, y Yolanda Wayar.