investigaci贸n y an谩lisis sobre
ILUSTRADORES de MODA 3ero textil C gen 2012 EUCD
vol.2
investigaci贸n y an谩lisis sobre
ILUSTRADORES de MODA 3ero textil C gen 2012 EUCD
investigación y análisis sobre
ILUSTRADORES de MODA 3ero C
textil gen 2012 EUCD
Laura Arriera Marisela Barale Florencia Bolsi Maria Victoria Capdevila Maria Dieste Sofía García Gabriela Jaso Mercedes Lorenzo Eugenia Lozano Mathias Maghini Maria Nazaret Méndez Agustina Mieres Soledad Naya Lorena Oddone Elisa Peña Silvina Ruiz Paola Tassisto Eleonora Towers Lucía Tudurí Iara Von Graevenitz Romina Zunino
ilustración de moda 1
equipo docente: Eduardo Sganga Sabrina Pérez Pamela Allala María Victoria Amigo Recopilación de trabajos curriculares, realizados por los alumnos de 3ero textil C de la Escuela Universitaria Centro de Diseño, para la asignatura Ilustración de Moda 1. Los objetivos de la entrega fueron investigar y analizar la obra de diferentes ilustradores, para ampliar los conocimientos de recursos técnicos y estéticos en la representación gráfica de productos diseñados. El trabajo se planteó como un ejercicio grupal de dos integrantes, donde a cada grupo se le asignó un corto animado, y un ilustrador de moda. Además cada grupo complementaba el trabajo investigando sobre otros dos ilustradores de cualquier área. La investigación se realizó del 24 de Julio al 21 de Agosto del 2012.
Ilustración tapa: Naja Conrad, ilustración en contratapa: Damien Blottiere, ilustración página siguiente: Lora8.
www.ilustracioneucd.blogspot.com ilustracion1pm@gmail.com
ÍNDICE:
NAJA CONRAD LORA8 CECILIA CARLSTEDT RUSS MILLS MATS GUSTAFSON JARNO KETTUNEN ALFREDO CABRERA MINNI HAVAS LAURA LAINE KIM ROSEN JULIE WEST LOUISE GARDNIER TATSURO KIUCHI RICHARD GRAY INGELA OCH VI TERENCE LAWLOR ROBERT WAGT DAMIEN BLOTTIERE
08 16 24 32 40 48 56 64 72 80 88 96 104 112 120 128 136 144
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NAJA CONRAD por Maria Dieste y Mercedes Lorenzo:
Ilustradora de origen danés. Se graduó en la escuela de diseño Danmarks en el 2003, ese mismo año comienza su profesión como diseñadora freelance. Su práctica abarca la ilustración, pintura, diseño gráfico, creación de conceptos de moda, la serigrafía e impresión entre otras. Su inspiración proviene igualmente del mundo de la moda, de la música hardcore, del arte tradicional, el diseño y, en general, observando el mundo a su alrededor. Ha trabajado en distintos proyectos, revistas de moda y diseño gráfico. Además realiza diseños para diferentes marcas de ropa, incluyendo su propia marca Meannorth. Ha sido nominada y seleccionada por Lürzer’s Archive para “Los mejores Ilustradores del mundo 2007/2008".
www.meannorth.com
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Naja define su estilo como audaz, experimental y delicadamente punk. En sus ilustraciones se puede observar varias capas y el contraste entre el negro y el uso de colores vivos. Para llegar a sus objetivos trabaja principalmente con lรกpiz y tinta, aunque luego utiliza Photoshop para desarrollar el trabajo a fondo. Los fondos que utiliza son abstractos y principalmente blancos aunque a veces cuentan con manchas de colores. Muchas veces el fondo participa e interviene en las figuras principales de las ilustraciones. Dibuja mayoritariamente mujeres con rasgos femeninos, acentuando principalmente el rostro remarcando los ojos y la boca, logrando trasmitir miradas sensuales y penetrantes.
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LORA8
por Sofía García y Eleonora Towers: Lora 8 (o Lora Zombie) es una joven artista británica nacida en 1990. Utiliza distintas técnicas, que van del Arte Tradicional de sus pinturas y dibujos, al Arte Digital de sus ilustraciones. También realiza “Street Art”. Las imágenes de Lora 8 tratan y denuncian varios conflictos sociales. Sus obras hablan genéricamente de la sociedad, así como de las situaciones que confluyen alrededor de la artista.
lora8.deviantart.com
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Sus figuras (fundamentalmente las femeninas) son estilizadas, sin llegar a ser irreales. Dibuja también niñas pequeñas, quienes suelen resultar las más realistas dentro de sus obras, debido al trazo, sombras y detalle en el cabello, proporcionalidad en rasgos faciales, claroscuro en las caras, etc. En algunos de sus dibujos, se concentra en un rasgo particular para enfatizar un gesto determinado, el resto lo sugiere mediante líneas o colores; en otras trabaja toda la cara detalladamente. Estos detalles no son al azar, son recursos para transmitir emociones, o conceptos. Para fondos generalmente utiliza hoja blanca acompañada de algún elemento para contextualizar. En algunas son abstractos, pero nunca el fondo es lo protagónico de sus obras. Utiliza también grandes sombras y manchas de colores para dar idea de profundidad y distancias. La mayoría de sus ilustraciones son realizadas a mano, y las recopila en un cuaderno el cual enseña en algunos de sus videos. Utiliza acuarelas, las cuales son su herramienta distintiva, y las acompaña con drypens y lapiceras para lograr el grado de detalle.
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CECILIA CARLSTEDT por Laura Arriera y Paola Tassisto:
Cecilia Carlstedt Nace en Estocolmo en 1977. Desde muy joven se interesó por el mundo del dibujo y la ilustración. Años después se graduó como Licenciada en diseño gráfico en el London College of Communication. Regresa a su ciudad natal, para trabajar como ilustradora a tiempo completo. En su cartera de clientes cuenta con importantes marcas, como Swarovski, Vogue India, Vogue Reino Unido, Victoria Beckham, Paul Smith, Marie Claire, entre otros.
www.ceciliacarlstedt.com
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Realiza un trabajo muy detallista, donde la figura humana, generalmente mujeres jóvenes tienen un protagonismo central, son figuras reales, las cuales interaccionan con objetos y escenarios que crea con una delicadeza natural. Su trabajo es minucioso en los rostros; la expresión de los ojos en sus dibujos da la sensación de que están esperando ser descubiertos, observados; están, a la espera de la mirada del espectador. Combina el realismo con espacios abstractos y el color que da sus trabajos le dan una carga de energía y vitalidad únicas. Trabaja con tinta, lápiz, acuarela, generando una mezcla entre las distintas técnicas donde se ve la calidad del manejo en ellas; éstas técnicas tradicionales, las combina con medios digitales. Utiliza collage para crear diferentes texturas y dar volumen a sus trabajos. Para destacar la indumentaria en sus dibujos, representa con un trazo leve y perdido el cuerpo humano. Los colores son vivos con tonos pasteles, jugando con los negros y blancos donde estos últimos están siempre en sus fondos. La utilización de espacios en blanco crea un equilibrio que estimula la imaginación del espectador y lo invita a descubrir, imaginar qué hay más allá.
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RUSS MILLS
por Gabriela Jaso y Soledad Naya:
Ilustrador ingles. Desde temprana edad se sintió atraído por la creatividad, estudió artes gráficas y diseño en la Leeds Metropolitan University, especializandose en cine experimental y animación. Mills define que su trabajo habita entre el arte urbano y la gráfica contemporánea, una colisión de medios tradicionales y digitales que es ante todo una ilustración basada en el dibujo, centrada principalmente en la forma humana, en particular en la cara, entretejiendo elementos del reino animal que a menudo reflejan lo absurdo de la naturaleza humana. Sus ilustraciones se destacan por sus explosiones de color y texturas.
www.byroglyphics.com
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En sus ilustraciones utiliza variedad de materiales, herramientas y tĂŠcnicas, ya sea en forma de texturas, puntos, bocetos y luego digitaliza todo. La imagen principal es dibujada y tambiĂŠn escaneada, despuĂŠs edita el trabajo en la computadora, utilizando varias capas para que los resultados conserven la espontaneidad. No utiliza filtros. Reconoce influencia de varios artistas en su obra: Van Gogh, Picasso, Pollock y Basquiat. Mills recomienda dibujar todo el tiempo, croquis, garabatos de todo lo que sea posible, anotar ideas, llevar un block de bocetos, nunca estar satisfecho con los logros y sobretodo disfrutar trabajando y a cultivar la necesidad de trabajar.
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MATS GUSTAFSON
por Sofía García y Eleonora Towers:
Mats Gustafson es un ilustrador nacido en Suecia en 1951. Comenzó su carrera como ilustrador a finales de los 70, etapa en que la ilustración era eclipsada por la fotografía. Actualmente, se dedica enteramente a la ilustración de moda.
matsgustafson.org
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En general, Mats Gustafson ilustra moda. Da una idea general, transmitiendo movimiento, texturas y poses, mediante trazos y pinceladas con acuarela. No se detiene en los detalles, y se vale de la síntesis como principal herramienta. Sus figuras, suelen ser proporcionadas, aunque difusas y poco detalladas. Sugiere gestos con manchas, y seleccionando cuidadosamente los trazos que definen la gestualidad de las modelos. No hace hincapié en la representación del cabello o rasgos, sino que el interés principal es representar la ropa acorde a su estética. En la mayoría de los casos, no dibuja caras, y no sugiere ningún gesto facial por parte de las modelos. Para los fondos utiliza una base coloreada, donde puede figurar un tratamiento de sombras. Con estos recursos busca resaltar a la figura. Su herramienta principal es la acuarela. Con ella realiza los fondos, las modelos y la indumentaria. Se tratan de ilustraciones realizadas a mano, con pincel y acuarelas. El claroscuro se reserva principalmente para representar texturas. En ocasiones lo utiliza en algunas zonas del cuerpo para general el volumen y profundidad.
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JARNO KETTUNEN por Maria Dieste y Mercedes Lorenzo:
Jarno Kettunen es un ilustrador de origen finlandés nacido en 1980. Estudió en el Saint Lukas College of Visual Arts, en Bruselas, donde obtuvo su título con máster en Bellas Artes. Es reconocido por concurrir a los desfiles y dibujar lo que sucede en la pasarela, jamás toma fotografías. Esta técnica la bautizó como Action Drawing. Experiencia que demuestra su interés por explorar y trasgredir los cánones estéticos y artísticos de la ilustración de moda.
www.jarnok.com
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Realiza ilustraciones donde describe el estado de ánimo y la energía de las colecciones de alta costura o conciertos de música. Se trata de técnicas artísticas tales como el dibujo ciego, mirando solamente al modelo. Expresa el sentimiento de los modelos, en lugar de dibujarlas de una forma realista. Las ilustraciones están hechas principalmente por manchas y trazos irregulares que generan la silueta. Ésta puede ser tanto masculina como femenina, no se centra en ninguno de ellos en particular. Los fondos que utiliza son siempre blancos. En sus ilustraciones utiliza varios colores, sin embargo el negro es el que aparece con más frecuencia. Es importante destacar que, como dibuja a los modelos mientras están desfilando, muchas de sus ilustraciones transmiten esa sensación de movimiento, de dinamismo y de espontaneidad.
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ALFREDO CABRERA por Marisela Barale y Lucía Tudurí:
Su técnica de ilustración es muy peculiar; el manejo de texturas y la representación de la piel de los usuarios, realizado con tan solo unas capas de rotulador. Cada temporada realiza ilustraciones de sus diseñadores favoritos, Chanel, Gaultier, Dior, etc.
www.youtube.com/user/alfcab
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Las figuras de Alfredo Cabrera poseen largas piernas y brazos. Ojo, nariz y boca pequeña, y postura elegante. Por lo general son de género femenino joven, elegantes y glamorosas. Los fondos de las ilustraciones son colores plenos, por lo general blancos o grises, en pocas ocasiones utiliza otros colores. Sus trazos son muy expresivos, con líneas que cambian de espesor y su característico trazo de rotulador.
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MINNI HAVAS por Laura Arriera y Paola Tassisto:
Minni Havas nace en Helsinki Finlandia en 1983. Estudió diseño de moda en la Universidad de Arte y Diseño de su ciudad natal. Actualmente trabaja como ilustradora freelance; entre sus clientes se destacan The Sunday Times, Pfizer, Vero Moda y Revista Nylon Wad entre otros.
www.minnihavas.fi
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Sus figuras por lo general aparecen en movimiento, como si estuvieran realizando una actividad en ese momento; están en una continúa performance, como esperando el momento para actuar. Son dibujos reales, activos y expresan mucha vida. En general, representa personas femeninas; en donde les da un cuidado especial en los detalles de la boca y a la piel. Utiliza lápices de colores acuarelables con los que logra imágenes detalladas y texturadas que junto con los colores se dificulta divisar que es lo real de lo fantasioso. Los fondos de sus dibujos son blancos; aunque muchas veces les genera una cierta tonalidad para generar contraste; con una simple pincelada logra ese fondo sutil. Trabaja el color logrando suaves tonalidad tanto en los escenarios como en los personajes. Experimenta creando collages donde toma elementos de diferentes lados, puede ser desde una foto de un modelo, una mano de una revista y el rostro y pelo de otra.; su principal herramienta es su imaginación la cuál logra llevar al papel. Escanea sus dibujos y mejora la tonalidad y la iluminación de los mismos con photoshop intentando no perder esa sensación de realidad.
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LAURA LAINE por Maria Dieste y Mercedes Lorenzo:
Laura Laine es una ilustradora de origen finlandés nacido en 1983. Estudió Arte y Diseño en la Universidad de Helsink. La ilustración siempre estuvo presente en su vida. Cuando se recibió comenzó a trabajar como ilustradora freelance y dio clases de Ilustración de Moda en la universidad. Hizo varios trabajos para marcas reconocidas como: Vogue Nippon, GAP, I.T. store, Elle, Zara, Telegraph, Rad Hourani, The New York Times T magazine, Tommy Hilfiger, Muse magazine entre otras.
www.lauralaine.net
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Sus ilustraciones están formadas por líneas limpias y precisas, que dan lugar a figuras femeninas estilizadas y delgadas, que aparecen en posiciones poco convencionales para lo que suele verse en las ilustraciones de moda. Laine intenta representar un espacio narrativo y simbólico, donde la belleza y elegancia se ven representadas en mujeres jóvenes de cuellos y piernas largas, con frentes amplias que generan una gestualidad seria y misteriosa. Un sello que la define e identifica, es la manera en la que es tratado el cabello de las figuras. Es largo, voluminoso y fluido, brindando dinamismo a la imagen. Los dibujos siempre aparecen en un fondo neutro, blanco, resaltando la importancia de la ilustración, que siempre poseen un gran trabajo de textura. Maneja una paleta de colores monocromática, aunque en algunas ocasiones utiliza acentos de color.
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KIM ROSEN
por Eugenia Lozano e Iara Von Graevenitz: Kim Rosen estudio diseño publicitario en Fashion Institute of Technology, trabajó como diseñador gráfico durante varios años antes de darse cuenta de que estaba destinada a ser una ilustradora. Después de recibir una maestría en ilustración de la Savannah College of Art and Design, Kim ha estado ocupado trabajando como ilustrador freelance. Kim vive en Northampton Massachusetts en su casa de 110 años de edad.
www.kimrosen.com
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Las ilustraciones de kim se caracterizan por tener un filete muy marcado que delimita sus figuras, este varia de grosores y de tamaños. Los rostros que plasma son caricaturescos y desproporcionales en relación con el cuerpo (mucho mas pequeños estos últimos). Ella opta por paletas tenues preponderando una sola gama de colores en sus dibujos, con algún acento pero en mucho menor medida. Otro de sus aspectos característicos es la realización de patrones en los cuales se destaca su so del color y formas geométricas irregulares así como en sus dibujos.
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JULIE WEST
por Maria Nazaret Méndez y Romina Zunino: Julie West nació en Midland, Inglaterra en 1975. Desde que se graduó en 1998 comenzó su carrera como diseñadora web e ilustradora. Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente, y sus colaboraciones han sido con compañías como Electronic Gaming Monthly, la revista Rockpile, la revista Complex, y muchos otros.
www.juliewest.com
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En cada ilustración de Julie West se pueden ver su pasión por el art toys. Su trabajo se basa en gran medida en los personajes y entornos. A menudo peculiares y extraños. Julie observa la forma en que las personas viven su vida y se definen a sí mismos en sus entornos. El estudio de estos detalles de la vida cotidiana a menudo revela los momentos únicos que nos hacen humanos. Crea ambientes extravagantes, extraños, e irónicos. En sus ilustraciones utiliza tramas, texturas con lineas punteadas, cuadrículas y contornos. Trabaja tanto herramientas tradicionales como gouache, acrílico, tinta y papeles cortados; así como las digitales. Los colores no solo forman parte del paisaje, sino que acompañan y reflejan el sentido de los protagonistas de sus ilustraciones. Son colores intensos, emotivos, y algunas veces nostálgicos con tonos sepia, o con todos pasteles.
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LOUISE GARDNIER
por Lorena Oddone y Silvina Ruiz:
Louise Gardiner es una artista, diseñadora e ilustradora británica, conocida por su mundo de criaturas extrañas y maravillosas. Su inspiración proviene de cosas naturales y coloridas. Para elaborar sus obras investiga mediante el dibujo, comenzando el proceso, luego deja lugar a la imaginación.
www.lougardiner.co.uk
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Su técnica representativa es el collage realizado con telas y bordados, los cuales son fusionados con el dibujo y la pintura. Crea piezas figurativas y caricaturescas, utilizando una combinación de dibujo rítmico con líneas continuas, pinturas, tintas y apliques. Siempre trabaja sobre fondos abstractos coloreados en tonos pasteles, preferencialmente los rosa. Las siluetas que propone son voluptuosas, cargadas de simpatía y un toque circense. Son figuras dinámicas con un estilo vintage. Trabaja especialmente la gestualidad, resaltando las bocas para comunicar alegría. Un recurso común es el uso de ornamentaciones de trazo muy fino rodeando las figuras principales.
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TATSURO KIUCHI
por Florencia Bolsi y Agustina Mieres:
Tatsuro Kiuchi nació en Tokio, Japón, en 1966. Se graduó en biología, y luego se comenzó una carrera artística. Comenzó a ilustrar libros para niños en los Estados Unidos y Japón, por lo que diversificó su trabajo en las revistas y en la ilustración de tapas de libros.
tatsurokiuchi.halinc.jp
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La figura que representa es proporcionada, tanto la cabeza como el cuerpo. Los usuarios que representa son es su mayoría hombres, pero dependiendo de la ilustración ilustra mujeres, niños, animales, perros, etc. Los fondos generalmente son figurativos, trabajando con la misma síntesis y recursos que la figura.
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RICHARD GRAY
por Mathias Maghini y Elisa Peña:
Richard Gray es un ilustrador de moda inglés, graduado en la Universidad de Middlesex en 1990. En su primer año de estudiante sus ilustraciones se habían incluido en un memorial a Antonio López, esponsorizado por Anna Piaggi. Esto le conduciría a su primera editorial con ilustraciones para Vanity y para Vogue Italia. Desde su licenciatura ha trabajado como ilustrador para diseñadores de moda y revistas en Londres, París, Milán y Nueva York.
www.illustrationdivision.com/gray
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Su técnica es digital y análoga, con y sin uso de color. Son ilustraciones planas y tridimensionales. En su obra se puede observar dos clases ilustración, una tiende mas a la moda, que incluye principalmente mujeres estilizadas, glamorosas, algunas desproporcionadas, representadas con la técnica digital; y la otra va dirigida a un público específico, un público masculino, en el que representa figuras masculinas, proporcionadas, posando, realizadas con grafito y algunas contienen un poco de color. Los trazos son finos y poco cargados, en algunas de sus imágenes, en otros son mas toscos y llenos de color. Las ilustraciones análogas presentan mayor tridimensionalidad, ya que los volúmenes se presentan con el esfumado. La paleta de colores es muy variada en las ilustraciones que contienen color, en el resto solo hay presencia de negro gris y uno o dos colores agregados.
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INGELA OCH VI
por Maria Nazaret Méndez y Romina Zunino:
Dúo de ilustración sueco formado por la ilustradora y diseñadora gráfica Elisabeth Mansson, y el fotógrafo Peter Turkalj. Son ilustraciones tridimencionales que combinan ilustración y fotografía. Sus obras que surgen a partir de una mezcla de ilustraciones realizadas con figuras hechas sobre tela, que posteriormente se recortan y pegan sobre un fondo, para finalmente ser fotografiadas.
www.ingelaochvi.com
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Sus trabajos son muy originales, cargados de humor, con figuras cotidianas en un marco de situaciones modernas, trashy y naif. Emplean el uso del papel como base para las ilustraciones, en las que realizan figuras bases. Luego trabajan con los textiles para generar una sensaci贸n de naturaleza y profundidad. Se ve presente el uso de diferentes materiales y superficies lo que permite experimentar con la iluminaci贸n, y lograr una gran gama de colores. Finalmente el resultado es fotografiado logrando la mezcla perfecta de Ilustraci贸n 3D.
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TERENCE LAWLOR
por Mathias Maghini y Elisa Peña:
La técnica característica de Terence Lawlor es el collage análogo a color. Sus ilustraciones no son imágenes planas, son tridimensionales, hay una espacialidad entre las texturas y los objetos.
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Genera personajes extravagantes y desproporcionados, con poses y gestos claramente marcados. Son figuras delgadas y en su mayoría son de sexo femenino. Los personajes están representados con color a los que se le agregan imágenes reales, figurativas que forman parte de la vestimenta o de los accesorios. Los fondos son generalmente abstractos. Su técnica, si bien es collage, presenta también trazos de color en ciertas zonas. El trazo es geométrico. Los volúmenes se generan con los colores, las texturas y los objetos. La paleta de colores es bastante amplia, utiliza en mayor proporción los tonos oscuros, el negro, el azul, el violeta y el marrón. Agrega como colores secundarios una paleta variada.
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ROBERT WAGT por Marisela Barale y Lucía Tudurí:
Nació en Holanda donde cursó estudios de arte especializándose en fotografía e ilustración de moda. Ha trabajado para numerosas campañas publicitarias y revistas de moda Internacionales, dibujado para diseñadores como Jean-Paul Gaultier y Pierre Cardin. Sus ilustraciones son ingeniosas, relajadas y caprichosas. Realizadas con fotocollages hechos a mano con sólo recortes de revistas y pegamento. Desde hace unos años comenzó a utilizar los medios digitales en sus trabajos.
www.lindgrensmith.com/artists/view/robert-wagt
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Robert trabaja figuras con un cuerpo desproporcionado, piernas extremadamente largas, dejando el tronco pequeño en comparación con la cintura, cadera y busto. Sus figuras llevan un estilo de vida extremadamente compulsivas por la compra, especialmente las mujeres, apareciendo el hombre muy sometido a la mujer, incluso hasta a las niñas las representa de un modo materialista. Realiza ambientes figurativos y paisajísticos, representando muchas veces una escena, en otros casos deja un fondo blanco. Su paleta de colores es muy amplia, incluso dentro de una misma ilustración; en algunos casos resalta más una tonalidad, pero siempre le agrega varios colores, aunque en menor proporción.
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DAMIEN BLOTTIERE
por Mathias Maghini y Elisa Peña:
Damien Blottiere comenta que no fue el amor hacía la fotografía que lo acercó a la misma, si no la moda, su alma máter, que marcó su sentido estético y su manera de hacer las cosas. Realizó trabajos para diferentes marcas, como Hermés y Carven.
damienblottiere.tumblr.com
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Usa la técnica de collage a partir de la distorsión de imágenes reales. El resultado de sus ilustraciones de rara belleza van destinados a campañas publicitarias de moda y fotografía, Agrega a las imágenes accesorios; anillos, collares, carteras, entre otros. Usa una paleta de colores variada en la que predominan los tonos piel.
fin
investigaci贸n y an谩lisis sobre
ILUSTRADORES de MODA 3ero textil C gen 2012 EUCD
Recopilaci贸n de trabajos curriculares, realizados por los alumnos de 3ero textil C de la Escuela Universitaria Centro de Dise帽o, para la asignatura Ilustraci贸n de Moda 1.