swiss multikulti lifestyle magazine, www.inewsswiss.com - Nr. 42 Juni - Juli 2016 - Chf- 4.-
Campà, La mer de Marbella - 60x120 cm
KUNST
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Via Aldo Moro 20 81037 Sessa Aurunca - Caserta Italy +39 0823 935124 toroartecontemporanea@gmail.com www.toroarte.it
TORO ARTE CONTEMPORÁNEA
DIRECTOR: Claudia Grasso
D-01
EXHIBITING ARTISTS: Rafael Alvarado Campà Francesco Cecere Raf Croce Alfredo Rapetti Mogol Vito Rotolo Vincenzo Sorrentino Mauro Vaccai
Via Aldo Moro 20 81037 Sessa Aurunca - Caserta Italy +39 0823 935124 toroartecontemporanea@gmail.com www.toroarte.it DIRECTOR: Claudia Grasso EXHIBITING ARTISTS: Rafael Alvarado Campà Francesco Cecere Raf Croce Alfredo Rapetti Mogol Vito Rotolo Vincenzo Sorrentino Mauro Vaccai Raffaello Talò Athos Faccincani GALLERY ARTISTS: Franco Angeli Bernard Aubertin Gallery ARtists: Giorgio Celiberti Franco Angeli Vito Rotolo Rotolo Athos Faccincani Frammenti Bernard AubertinVito Frammenti Oil on canvas Tano Festa Giorgio Celiberti70Oilx 70onxcanvas 3 cm 70 x 70 x 3 cm Maurizio Galimberti Tano Festa Marco Lodola Maurizio Galimberti Mario Schifano Marco Lodola Mario Schifano
Vito Rotolo
Frammenti Oil on canvas 70 x 70 x 3 cm
GALLERY ARTISTS: Franco Angeli Bernard Aubertin Giorgio Celiberti Athos Faccincani Tano Festa Maurizio Galimberti Marco Lodola Mario Schifano
Vincenzo Sorrentino Vincenzo Sorrentino Vincenzo LaSorrentino Devozione La Devozione
Vito Rotolo
Frammenti Oil on canvas 70 x 70 x 3 cm
Laon Devozione Oil canvas Oilon oncanvas canvas 190 xOil 180 x 4 cm 190 x 180 cm Vincenzo 190 x Sorrentino 180 xx 44 cm La Devozione Oil on canvas 190 x 180 x 4 cm
Vito Rotolo
Frammenti Oil on canvas 70Vito x 70Rotolo x 3 cm Frammenti Oil on canvas 70 x 70 x 3 cm
Raf Croce
Acropolis Acrylic on canvas 50 x 50Croce x 5 cm Raf Croce Raf Raf Croce Acropolis Acropolis Acropolis Acrylic on canvas Acrylic on canvas 50 xon 50canvas x 5 cm Acrylic
50 x 50 x 5 cm 50 x 50 x 5 cm
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CLaude Dauphin
campĂ
lisa borgiani
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bernard aubertin
alfredo rapetti mogol
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alessandro orlando francesco cecere
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jackson pollock
Rafael Alvarado
vito rotolo
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mauro vaccai
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Da Bruno Italian restaurant in Marbella
DA BRUNO SUL MARE
DA BRUNO SAN PEDRO
DA BRUNO A CASA
DA BRUNO MIJAS COSTA
Avda. de Arias Maldonado, s/n Edificio Skol, Paseo Marítimo. 29602 Marbella Tel.: (+34) 952 90 33 18
Avda. Del Mar, Urb. S. Pedro del Mar 1E. 29670 San Pedro de Alcántara Tel.: (+34) 952 78 68 60
Av. Bulevar Príncipe Alfonso de Hohenlohe Urb. Marbella Mar. Local 1. 29602 Marbella Tel.: (+34) 952 85 75 21 DaBrunoGroup
DA BRUNO A CABOPINO
A7 KM 194.7 (Salida Cabopino) 29604 Marbella. · Tel.: (+34) 952 83 19 18
dabrunoristorante
www.tripadvisor.es
Ctra. De Mijas km. 3,6 C.C. Centro Idea. 29651 Mijas Costa Tel.: (+34) 952 46 07 24
www.dabruno.com
Alejandro Zaia Chairman
ART MARBELLA 2016 is here. A year has gone by since our first edition and we are still moved by the great success that this project meant to ourselves and the City of Marbella. Back when we first started dreaming of this project, we said to ourselves that Marbella and the surrounding area deserved to have a first rate cultural event, and that its public, - educated and sophisticated -, could not and should not be underestimated when planning an art fair at a level of those in the great capitals of the world. We were not mistaken: the inaugural edition was a huge success, and now we have a nice challenge ahead of us, which is to raise the bar even higher. In this regard, ART MARBELLA 2016 offers fresh and very powerful artistic proposals. The architectural design by Relevant Art Experience from Miami, Florida, builds on last year’s plan and focuses on a smoother and more integrated flow of visitors. Giants of the Marbella life, like Marbella Club, Puente Romano, Trocadero and Villa Padierna open their doors to us, and offer our visitors an unparalleled VIP programme. In addition, the fair enjoys first rate catering by fantastic young chefs from Sevilla, Tu Otra Cocina, and Porsche is the fair’s official vehicle. The exhibiting galleries, forty in this second edition, went through a rigorous selection process. I am convinced that we have an outstanding fair, which will leave collectors and the general public very satisfied and eager to come back. We have many world class Spanish and Portuguese galleries; as well as exhibitors from the USA, Latin America, Morocco and China showing in Marbella for the first time. Several fantastic European galleries complete the offering. The City of Marbella is once again actively supporting us. The generous collaboration of the superb Palacio de Congresos extends this year to co-sponsoring a parallel show at the Complejo Cortijo Miraflores with local artists from the Marbella area and the rest of Andalucia. We believe it is crucial for our fair to be an agent to energize the local artistic scene; which is why we contribute and strongly support these initiatives. As director of ART MARBELLA 2016, I only have words of recognition and gratitude for our exhibitors, collectors, sponsors, the media that follows us, and for everyone in this wonderful city. Also, my thanks to the ART MARBELLA team, whose passion and enthusiasm are contagious, and key to the success of the fair. I am proud to be associated with this team. I welcome all of you to ART MARBELLA 2016, and I hope that you enjoy it as much as I will. With all good wishes
Y acá estamos con ART MARBELLA 2016. Ha pasado un año desde nuestra primera edición y aun tenemos muy presente el enorme éxito que significó para nosotros y para la Ciudad de Marbella, haber iniciado este proyecto. Cuando comenzamos a soñar con este proyecto, nos dijimos que Marbella y sus alrededores merecían tener un evento cultural de primer nivel internacional, y que su público - sofisticado y educado - no podía ser menospreciado a la hora de pensar en ofrecer una feria de arte como la que se podía ver en las grandes capitales del mundo. No nos equivocamos: la edición inaugural fue un suceso rotundo y ahora tenemos un buen problema para resolver, y es que necesitamos superar el listón que nosotros mismos dejamos tan alto el año pasado. Es un buen desafío para emprender. En este sentido, ART MARBELLA 2016 ofrece renovadas y muy potentes propuestas artísticas. Un diseño arquitectónico realizado por el Estudio Relevant Art Experience de Miami, Florida que evoluciona sobre el anterior y permite un flujo más integrado del público visitante. Gigantes de la vida marbellí como el Marbella Club, Puente Romano, Trocadero y Villa Padierna nos abren sus puertas y ofrecen a nuestros visitantes un programa de eventos vips insuperables. Asimismo, la feria contará con catering de primer nivel ofrecido por los jóvenes sevillanos de Tu Otra Cocina, y Porsche será el vehículo oficial. Las galerías, cuarenta en esta oportunidad, surgen de un proceso de rigurosa selección y estoy convencido que la feria tendrá una calidad superior, que dejará a los coleccionistas y al público general con un sabor dulce y ganas de volver. Muchas galerías españolas y portuguesas de calidad mundial; galerías de los EE UU, Latinoamérica, Marruecos y China exhibiendo por primera vez en Marbella, y varias excelente galerías de Europa completan el programa. La Ciudad de Marbella vuelve a apoyarnos de forma activa. La generosa colaboración del formidable Palacio de Congresos se expande, co-patrocinando una muestra paralela en el Complejo Cortijo Miraflores con artistas de proximidad, afincados en Marbella y en el resto de Andalucía. Pensamos que es crucial que nuestra feria sea un agente dinamizador de toda la escena artística local; por eso aportamos y seguiremos aportando fuerza a estas acciones en beneficio de todos. Como director de ART MARBELLA 2016, solo tengo palabras de reconocimiento y agradecimiento para nuestros galeristas, nuestros coleccionistas, nuestros sponsors, para los medios que se interesan por nosotros y para toda la gente de esa maravillosa Ciudad. Y, siempre, mi gratitud para el equipo de ART MARBELLA, cuya pasión y entusiasmo contagia a todos y es clave para el éxito de la feria. Me enorgullece ser parte de este equipo. A todos les doy la bienvenida a ART MARBELLA 2016 y espero que la disfruten tanto como yo. Cordialmente
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Carla Bordoli C.V. Carla Bordoli C.V.
ART MARBELLA 2016
Entrevista con Alejandro Zaia, Director de la feria de arte de Marbella, Empresario, Coleccionista y Gestor Cultural
Es en el espléndido marco del Paseo Marítimo de Marbella, en la Costa del Sol, donde comentamos con el empresario Alejandro Zaia, Director de Art Marbella (www.marbellafair.com), el nuevo aspecto más cultural de la ciudad, hasta ahora asociada a sol, mar, golf, glamour, moda y lujo. ¿Porqué Marbella? Es decir, ¿cómo nació la idea de Art Marbella?
“Yo haría una contra-pregunta: ¿Porque no Marbella? De hecho, lo planteo al revés…No sé por qué a nadie se le ocurrió antes organizar un evento de calidad, de prestigio y con muy buen contenido artístico dirigido a un público potencialmente preparado para apreciar y recibir algo así. En mi opinión es perfectamente natural que Marbella tenga un evento artístico de calidad cada año. No es nada extraño.” La primera edición, el año pasado, fue un gran éxito, con 40 galerías presentes y 7.000 visitantes. Además de un número muy elevado de coleccionistas desde varias partes del mundo. ¿Qué novedades nos esperan para este año?
“La edición del año pasado, como bien dices, fue exitosa, por lo que te comento que este año vamos a tener novedades pero no demasiadas, aunque seguramente procuraremos mejorar lo que hicimos en 2015. Básicamente se tratará de una feria de similares características. Habrá unas tres o cuatro galerías más y naturalmente esperamos más público ya que la difusión está siendo mucho mayor y la marca del evento es mucho más conocida. Tendremos la presencia de un proyecto especial de Jaime Gili, artista venezolano que vive en Londres, que interviene 6
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con algunas obras de arte geométrico. También intervendrán unos autos deportivos Vintage. Pero insisto, no esperen grandes novedades, al contrario: Vamos a tratar de persistir en lo que ya se hizo, que fue mucho, y la gente lo apreció.” El año pasado la mayoría de galerías presentes eran españolas. ¿Este año también se espera una participación principalmente nacional?
“Bueno, este año también va a pasar algo parecido, y tiene que ver con una sencilla razón de mercado: es más fácil venir en coche desde Valencia, por ejemplo, que en avión de Brasil. Aunque este año intervienen galerías de Estados Unidos, Brasil, Argentina, Suiza, Italia…por lo que podemos decir que el evento empieza a ser más internacional. Dicho esto, las galerías españolas también vienen con su programa de varios artistas no españoles. Así que, aunque es cierto que muchas galerías son españolas, la mayoría de artistas que traen no lo es. Por ejemplo, tenemos una galería de Madrid con dos artistas alemanes, un inglés y un español. Otra de Murcia traerá dos artistas españoles, un inglés, y un italiano.” ¿Este año también se prevé afluencia de tantos coleccionistas como el año pasado?
“Respecto a los coleccionistas, tenemos un programa para los que viven en el extranjero: Les invitamos, pagándoles también el hotel y organizando además actividades complementarias. En otros casos, se trata de coleccionistas que viven en la zona o bien que viven fuera y tienen su segunda casa en Marbella y aprovechan la ocasión para art - marbella
acercarse, o simplemente nos visitan por su cuenta. Nuestro programa de coleccionistas el año pasado preveía un listado de 30 coleccionistas invitados por la organización, y este año este listado ha subido a 60. Y si el año pasado en total vinieron 70 coleccionistas, este año esperamos que sean más de 130. ¡Para una feria pequeña de 40 galerías es un ratio enorme!” ¿El programa prevé actividades fuera del centro?
“Sí: Tendremos visitas a colecciones privadas de la zona, una visita especial al Centre Pompidou (www.centrepompidou-malaga.eu) y al Museo Picasso (www.museopicassomalaga.org). El año pasado organizamos la visita al CAC (Centro de Arte Contemporáneo, www.cacmalaga.eu) pero vamos cambiando para que los que vuelven no vean siempre lo mismo. Así que, como ves, tenemos muchas actividades sociales, además contamos con el apoyo de Partners como Marbella Club, que organizará una fiesta especial para nuestros coleccionistas, Trocadero y Puente Romano también para un evento con ellos. Son nombres importantes, lo que quiere decir, tratándose de las principales marcas de esta ciudad, que se entiende que es un evento digno de ser apoyado, un “asset” para la ciudad: Que Marbella tenga este tipo de evento, es un activo, indudablemente…Porque saben que la ciudad mejora su imagen si tiene esta oferta cultural. De hecho en FITUR, la feria de turismo más grande del mundo, este año, Marbella presentó la imagen nueva de la ciudad y se centró en dos eventos: Starlite (www.starlitemarbella.com) y Art Marbella. Estamos orgullosos que con tan solo un año de vida, la gente de Marbella entienda que es un evento que hay que cuidar y promocionar.” july 29th / august 3rd
De hecho, nosotros también, como Medi@presse Swiss, de esta zona lo que estamos impulsando son las relaciones públicas en el mercado suizo y alemán de ArtMarbella así como las de Starlite.
“Claro está que ellos son mucho más grandes que nosotros. Un Festival de música siempre tiene otro alcance y otro volumen. Más popular. Nuestro sector es más de nicho. Pero cada uno en su categoría trae a la ciudad top class en el arte y en el mundo de la música. Estamos contentos de compartir con ellos ese “sitio” de los eventos más famosos de la ciudad. Y ambos ocurren en verano, cuando Marbella está a tope: ¡Una elección nada casual!”
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Renaud Siegmann Historien et critique d’art
PHOTO PORTRAIT D’ATELIER: © OLIVIER MAIRE
CLAUDE DAUPHIN
BARRYLAND, MUSÉE ET CHIENS DU SAINT-BERNARd PEINTURES - MARTIGNY, JUIN 2016 RENAUD SIEGMANN
est né le 31 mars 1966 à Paris. Historien et critique d’art depuis plus de vingt ans, il a débuté sa carrière chez Artcurial comme rédacteur. Après ça, il est devenu curateur associé près de l’Unesco, puis ingénieur culturel pour l’Exécutif écossais à Edinburgh. Journaliste d’art pour La Gazette Drouot, L’OEil, Le Journal des Arts, ses écrits l’ont fait voyager dans le monde entier pour couvrir les scènes émergentes en Chine, Corée du Sud, Japon, Qatar, Bahreïn, Émirats Arabes Unis, Liban, Turquie, Maroc, Russie, Cuba, Brésil, Mexique. Spécialiste de l’édition, il prend part au lancement en 2009 du magazine d’art Diptyk publié par la Compagnie Marocaine des OEuvres et des Objets d’Art. Avant de travailler entre Londres et Paris, il fut aussi commissaire général de Marrakech Art Fair en 2010 et 2011. Diplômé Sciences-Politiques d’un Master2 en Médias Management, il est aujourd’hui le directeur du salon d’art ancien et d’art moderne European Art Fair Monaco. 8
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Le révélateur, c’est l’artiste! Intuitif et spontané, l’art de Claude Dauphin n’est pas simple. Née d’un jaillissement expérimental et multi-pigmentaire, qui fait de cet autodidacte un peintre pur, si ce n’est libre, voire insaisissable, l’oeuvre de cet artiste suisse d’origine valaisanne est ici montrée dans son expression picturale la plus récente et printanière, telle qu’en elle-même, actuelle, brillante et prospective. A chaque fois comme la première, Claude Dauphin remet à plat sa peinture, en toute sincérité, lui conférant une forme d’existence inédite dans les espaces qu’il investit et les couleurs vives ou plus sombres qu’il y dépose comme autant de visions méditatives. Pour Claude Dauphin, la peinture est un fait inévitable, qu’il développe chaque jour avec une conscience d’artiste au travail, des outils et des matériaux fonctionnels. De la réalisation d’un tableau à la contemplation de l’image perceptible, ses actions représentatives sont nombreuses et souvent délicates. Quoique tenus au secrets – ainsi qu’il en va des grandes découvertes – , ses principes opératoires débutent par l’application de couleurs primaires sur des feuilles d’aluminium de faible épaisseur et de dimension variable, sur lesquelles des compositions mystérieuses s’agrandissent autour d’îlots évolutifs et dessinés sous l’effet organique de la matière, qu’il perfectionne jusqu’à son séchage définitif. Indépendamment de sa complexité technique, il y a toujours une empreinte individuelle, une invention personnelle, quelque chose d’inné, de spontané et de naturel dans l’art de Claude Dauphin. Et il y a toujours malgré l’abstraction des formes, une espèce de profondeur sensible qui renvoie à l’«imagination tactile» de l’artiste à travers ses compositions les plus métaphysiques. Chez Claude Dauphin, tout est ainsi conçu de la même substance fantastique dans ses tableaux, dont les antécédents formels sont ceux d’une force créatrice évitant la norme avec une facilité assez proche de l’absolu.
art - marbella
RÉVÉLATION
Avec «Révélation», l’artiste réinvente un langage inédit dont les normes structurales révèlent une cohérence singulière, mais les données stylistiques suggèrent à la fois une logique informelle. Chez Claude Dauphin, tout est conçu de la même substance fantastique dans ses tableaux dont les antécédents formels sont ceux d’une imagination créatrice, qui sort de la norme avec cette facilité proche de l’absolu, comme élaborée sans préparation, par des chemins qui nous échappent, apparemment improvisée. A l’échelle macroscopique, ses couleurs, légèrement alchimiques, presque phosphorescentes, semblent tour à tour piégées, éjectées, mélangées, érodées, éclatées. Parfois, sous leur laque de brillance, ces blessures fraîchement cicatrisées, sinon plus anciennes et enfouies, ont aussi la propriété d’émerger à nouveau, de remonter littéralement à la surface, de percer et de crever pour redonner à voir le sens d’une image d’abord cachée.
FIREWORK
Bombes, bouquets, soleils, comètes, cascades, embrasements, feux de Bengale, fusées à étages… l’art de Claude Dauphin explore sans cesse des motifs imprévus, qui confèrent un rythme expressif à sa peinture faite de surprises et profondément suggestive d’un « art autre ». Procédé pyrotechnique mis en oeuvre à base d’explosifs déflagrants, le feu d’artifice est apprécié comme on sait pour ses effets spectaculaires et lumineux dont les étoiles peuvent aussi donner des pivoines, des palmiers, des marrons d’air, des saules pleureurs. Perforation chatoyante dans un ciel de forain, «Firework» illumine de même par sa présence éphémère et fragile. A la mémoire rétinienne d’une image quasi balistique répond le mouvement pointilliste d’une corolle qui parade en mimant la roue. A mi-chemin du cinétisme et de l’hypnose, la peinture porte un oeil paradoxal sur quelque voyage intérieur ou cosmique. Si ce n’est à travers chacun de nous qu’elle réfléchit son image, reflétant dans notre corps son univers fictif et lointain.
GREEN LAVA
Ces dernières années, les monochromes ont constitué une grande partie des oeuvres peintes par Claude Dauphin. N’entendez par là, surtout rien d’un arrêt créatif dans sa démarche, mais d’abord le besoin d’inventer le même tableau sans cesse remis sur le métier. Si ce n’est la répétition presque obsessionnelle d’un premier ou d’un dernier «statement» dont les nuances tiendraient exclusivement dans ses surfaces recouvertes d’une couleur d’un seul ton et d’un seul tenant. Quoi que qu’il ne se réduise qu’à lui-même dans son bel isolement, «Green Lava» prône la matière comme langage procédant par saturation chromatique. Avant que d’être changé par son grain, sa texture, son concept matérialiste n’empêche pas non plus une situation d’altérité face au monde. Malgré sa limitation de base, l’objet pictural finit par rompre l’anonymat. Par devant lui, voilà qu’il s’ouvre, qu’il respire, qu’il s’épanouit, ainsi qu’une idée s’émancipe sous l’action de sa propre volonté!
PHOTOS D’OEUVRES: © VINCENT CUNILLÈRE
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Textes critiques: © Renaud Siegmann
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campà Sveliamo I segreti dell’artista “Campà”? “Art publisher, Art curator and artist”
Campà, questo il suo pseudonimo, quando sveste gli abiti di direttore, editore, fotografo, editore e veste l’abito (come a sdoppiarsi, peraltro mirabilmente e con il tempismo di un prestigiatore “navigato”) del pittore-bambino. Antonio Campanile, sulla tela come artista Campà, questo il suo pseudonimo, già da bambino è sensibile alla bellezza in generale e in particolare alla bellezza della natura che lo rapisce letteralmente per poi riportare su qualsiasi superficie, tutte quelle impressioni ed emozioni trasformatisi in colore vivo. Ama tutte le forme artistiche, dal disegno alla pittura, alla fotografia. In lui vi è una esplosione di colori, forme dai tratti rapidi e decisi, soggetti sempre riconoscibili è una forza singolare, essenziale che colpisce subito l’occhio, l’immagine si imprime da subito alla memoria di chi guarda, vi si annida e vi resta. Un messaggio che vuole colpire e colpisce, un’ esplosione che è avvertita dallo stesso artista che butta fuori la sua percezione del mondo che lo circonda. L’artista usa il disegno perché gli permette di circoscrivere quel suo mondo interiorizzato fatto di incontri e stravaganze conoscitive; usa e si fa usare dalla pittura perché è un naturale sfogo alla bramosia, ingordo di nutrirsi di piccoli/grandi attentati alla dignità di uomo, libero da condizionamenti, ma condizionato dalla propria libertà… La fotografia, una tecnica poetica che gli permette di guardare l’esterno da sé, trasmutante, e fissarlo proprio in quell’ istante in cui il “fatto” si fa, la “visione” si forma a rendere il tutto eterno. … e tutto si forma e trasforma, anche l’ affannoso respiro del vivere…
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Principali riconoscimenti:
• curatore mostre alla Keller Gallerie di Zurigo • giurato della Biennale Arte Contemporanea di Salerno nel 2014 inserendo il premio Victorinox premiando il Presidente Vincenzo De Luca ex ministro della Cultura, • editore Kunst di Zurigo dal 1995, ha ideato il media INEWS Kunst e mediapartner del Premio Arte Laguna di Venezia. • Dal 2014, promuove l’artista Franco Abbina e Rafael Alvarado artista conosciuto al Museo CAC di Malaga. • Numerose esposizioni a Zurigo alla New Art Gallery INEWSKUNST • Dal 2015 al 2017 esposizioni: Kunst 2015 Zürich, ArtBasel 2016, Marbellarte 2016, mostra personale Villapadierna New Art Gallery 30 luglio 2016-2017 la più grande mostra personale del mondo. • Premio Museo di Malaga CAC. • Ideatore del Premio Stampa Internazionale al premio Alferano diretto da Vittorio Sbarbi. • Biennale di Venezia 2015 con il progetto “Global Village” nel padiglione Guatemala alle officine delle Zattere, con il suo nome d’Arte Campà. • Dicembre 2014 curatore alla Toro Arte Contemporanea di Sessa Aurunca Italia. • Media partner al Premio Arte Laguna di Venezia 2014 con Inews Kunst. Art Marbella 2016. • Con Inews Kunst ha iniziato una Mediapartnerschip con il media Exibart e la TV d’Arte di Alessandro Orlando • Promotore del “Premio Stampa Internazionale a Marbella Art 2016”.
Antonio Campanile con Media Presse Swiss promuove e cura l’immagine internazionale dei seguenti artisti: Rafael Alvarado artista spagnolo che ha esposto al Museo di Arte Moderna di Malaga, Franco Abbina, Campà, Raffaello Talò, Denis Führmann, Athos Faccincani.
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LISA BORGIANI
Datele una molla… cambierà il Mondo! Nata a Verona nel 1979, a vent’anni si trasferisce in Irlanda, per approfondire la su passione per la fotografia paesaggistica e per il reportage. Presenta i i primi lavori a Sarajevo (2003), Berlino (2006-2009) e Colonia (2009). Nel 2005 inizia la collaborazione con il pittore Massimo Nidini; insieme realizzano opere fotopittoriche a quattro mani ed espongono in gallerie, Istituti Italiani di Cultura e fiere d’arte. Velocità e verticalità sono le due caratteristiche principali delle sue creazioni, simbolo della forza del progresso, di un equilibrio armonico veloce che guarda con fiducia il futuro; la sfida contro la staticità, una trasformazione, l’interpretazione di verticalità come elevazione architettonica e concettuale. La morte di Massimo Nidini, nel 2011, segna la fine di un percorso e l’inizio di nuove ricerche sulla forza della LUCE applicata a varie forme. Nel 2013 ho realizzato il lavoro “Memories and Light”, un viaggio video attraverso le città del medioriente (Gerusalemme, Istanbul, Teheran) dove la Luce è protagonista, simbolo di unione e speranza. Le ultime ricerche si concentrano sullo studio delle “Molle”che per l’artista sono metafora della vita, sono energia che trasforma e porta alla creazione di un gioco di colori e di movimenti, una danza dadaista che reinterpreta e vivifica… La sua creatività avvolge e coinvolge anche i giovanissimi, infatti la sua ultima performance “Istallazione di Molle” realizzata al Castello Ducale di Sessa Aurunca, antica fortezza risalente risalente al 963, è stata realizzata in sinergia con gli studenti del Liceo Artistico diretti e coordinati dalla regia di Cristian Mezzo e della docente Rosanna De Lucia, che sono riusciti attraverso musiche, danze e costumi da loro ideati a riportarci indietro nel tempo…
Solo exhibitions
• 20 maggio 2016 - Poleschi Arte, Pietrasanta, Studio (di) molle • 12 dicembre 2015 - 12 gennaio 2016 , Toro Arte Contemporanea, Sessa Aurunca, Caserta, Studio (di) molle e Istallazione Castello Ducale. • 5. - 6. September 2015 ,Balcone di Giulietta, Verona, installazione “Treccia di Giulietta” • January 2015, Haus der Wannsee- Konferenz, Berlin, Memories and Light
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• November 2014, Biblioteca Civica, Verona. Memoria e Luce • May - June 2014, Museo Ebraico di Bologna. Memories and Light • March 2014, Casa di Giulietta, Verona. Video Memories and Light @ INFINITAMENTE // Chapter 3 • January - March 2014, Istituto Italiano di Cultura di San Francisco, CA. Memories and Light // Chapter 2 • October 2014, Assembly Roxy, 2 Roxburgh Place, Edinburgh. Video Memories and Light • January - February 2014 Ambasciata di Italia, Washington D.C.. MEMORIES AND LIGHT // Chapter 1 • November 2012 - January 2013, Istituto Italiano di Cultura, Stoccarda. MULTIPLICITY • June - July 2012, Istituto Italiano di Cultura, Wolfsburg. MULTIPLICITY • March 2012, Centro Internazionale di Fotografia Scavi Scaligeri, Verona. MULTIPLICITY • February 2012, ARTE CREMONA • November 2011 - January 2012, Project Room Galleria DelleArti, Cremona. DynamiCities • October 2011 Brussels Accessible Art Fair • February 2011, Gala Italia, New York. DynamiCities • September 2010 European Parliament, Brussels. DynamiCities • June - July 2010 Belgium House, Colonia. Stadte in Bewegung • May 2010, Museo Nicolis, Villafranca di Verona. TITOLO • March - April 2010, Italian Cultural Institute in London. Dynamic Cities • February 2010, Art Innsbruck Fair • December 2009, Università di Architettura di Firenze. Collages di Viaggio • October - November 2009 Isola di San Servolo, Venezia. Slanci Urbani • May - August 2009 Radisson Hotel, Koln, Germany. pAst modern art • May 2009, Palazzo della Corgna, Castiglione del Lago, Perugia. Collages di Viaggio • November 2008 - January 2009, Italian Cultural Institute in Koln, Germany. Wenn Fotografie und Malerei sich begegnen • February 2009 Innsbruck Art Fair • December 2008, Index Design Fair, Dubai • April - May 2008 Radisson Hotel, Dubai Media City. Extension • October 2007, Art Singapore Fair • April - May 2008 Ghaf Gallery, Abu Dhabi. Collages
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BERNARD AUBERTIN Il Maestro del Fuoco
Bernard Aubertin, nasce a Fontenay-aux-Roses nel 1934, partecipa appieno al fervore di rinnovamento artistico degli anni Sessanta prendendo parte al Gruppo Zero di Düsseldorf. La sua concezione dell’arte si radicalizza dall’incontro, nel 1957, con Yves Klein, che influenza totalmente lo sviluppo artistico di Aubertin. Dall’anno successivo, infatti darà inizio alla creazione delle sue celebri tele monocrome. La monocromia di Bernard Aubertin rappresenta il silenzio pittorico: l’arte non è descrizione, l’arte non ha nulla da dire, non ha niente da esprimere. L’arte è trasposizione dell’essere, dello spirito e, per tale ragione, non può spiegarsi attraverso segni grafici, parole, forme. La sua concezione della pittura è metafisica: attraverso il rosso egli traspone sulla tela l’energia dell’anima. L’essere spirituale si rivela attraverso l’arte e nulla più del colore potrebbe rappresentare una tale forza. Gli studi e le ricerche dell’artista si focalizzano, dapprima, sul colore rosso, inteso come fuoco, energia. Realizza i cosiddetti Tableaux Feu (quadri fuoco), animando tele monocrome rosse, con chiodi (Tableaux Clous), fil di ferro (Tableaux Fil de Fer), fiammiferi (Parcours d’Allumettes) e svariati materiali, dai ceri, alle reti di ferro. Tra gli anni ’80 egli anni ‘9o darà vita anche a delle performances, in cui egli stesso darà alle fiamme pianoforti e automobili. Artista legato in modo particolare all’Italia, paese da lui amato, nel quale ha realizzato i suoi più grandi capolavori, grazie alla sua amicizia e alla collaborazione nata da oltre 50 anni con il Gallerista Giancarlo Rovetta, oggi suo unico Esperto e Direttore dell’Archivio delle opere del Maestro.
Centinaia le esposizioni personali in tutto il Mondo, non solo in importanti Gallerie d’arte ma nei più importanti Musei, tra cui: • 2015 Palazzo della Cancelleria, Sede del Vaticano - Roma • 2014 ZERO: Countdown to tomorrow 1950s-60s, Guggenheim Museum, New York, U.S.A. • 2013 Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain, Nizza, Francia • 2011 - 54° Biennale de Venise, Pavillon de la Syrie
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Alfredo rapetti mogol “La scrittura è l’impronta che ognuno di noi lascia di sè nel corso dell’esistenza… la calligrafia come estrema testimonianza di presenza”
Chi ha detto che il talento non si eredita? Il Nonno Mariano, il padre Giulio e lo stesso Alfredo sono tra i migliori parolieri che il nostro panorama musicale abbia mai avuto. Tre generazioni che, in epoche diverse, hanno firmato i testi di canzoni di successo. Inoltre Giulio Rapetti, in arte Mogol, è celebre per la storica collaborazione con Lucio Battisti. Alfredo ha scritto canzoni per Celentano, Mina, Laura Pausini, con cui ha vinto anche due Grammy. E poi Raf, Mango, Ivan Graziani, insomma il meglio della musica italiana. Il suo nome d’arte è Cheope. È riuscito a coniugare le sue due più grandi passioni: la scrittura e la pittura, grazie ad una tecnica particolare, detta impuntura; l’azione del dipingere si fonde così con l’atto dello scrivere, e le parole iniziano ad essere segnate non solamente su fogli ma anche nelle tele. “La parola perde il significato letterale perché non voglio far trasparire nessun tipo di messaggio esplicito. Creo un’emozione, uno stato d’animo attraverso il segno che è la cosa che più ci caratterizza come esseri umani ma che stiamo perdendo perché nessuno più scrive a mano”. (A.R.Mogol)
Esposizioni:
Tra le sedi delle mostre collettive sono allora da ricordare il Museo della Permanente di Milano, nel 2002, il Salon d’Automne Paris, Espace Charenton, nel mese di novembre 2004, il Mosca Mar’s contemporary art museum, Palazzo Strozzi a Firenze, il Riga Foreign Art Museum ed il Grand Palais di Parigi per la mostra “Comparaisons” nel solo 2006. Tra le personali sono da citare: la Galleria Cà d’Oro a Roma, nel 2003; la Fondazione KPMG di Berlino, nello stesso anno; la Galleria Maretti Arte Monaco a Montecarlo e Villa Olmo a Como, nel 2004. Nel 2009 espone 80 opere al Palazzo della Ragione di Mantova. Nel 2010 con la Fondazione De Chirico espone in tre prestigiosi Musei e Università Statunitensi, come la N.Y. University e il Museo di scultura di Santa Monica L.A. e tiene una personale alla Fondazione Mudima a Milano.
Docente presso il Centro Europeo di Toscolano e nelle Università dell’immagine di Milano e New York, Rapetti è stato invitato a numerose conferenze e workshop: ricordiamo la sua relazione tenuta alla Fondazione Arnaldo Pomodoro, Milano, e l’insegnamento in occasione di Master dell’Università Cattolica di Milano e Master in Arte e Scrittura all’Università Luiss di Roma. Punto di arrivo, o meglio di nuova partenza, è nel 2007 l’invito ad esporre alla 52a Biennale di Venezia, nel Padiglione della Repubblica Araba Siriana, in occasione della mostra “Sulle vie di Damasco” curata da Duccio Trombadori, e nel 2011 alla 54a Biennale di Venezia, “Padiglione Italia” curata da Vittorio Sgarbi.
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Il Paesaggio Intenso di Raf Croce Nato a Sessa Aurunca, Raf Croce consegue la Maturità d’Arte Applicata e nel 1974 il Diploma in Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli. Pittore, scultore e ceramista, è sulla scena espositiva dai primi anni ‘70 con mostre personali e collettive in Italia ed all’estero e sue opere figurano in numerose collezioni private e pubbliche. Le opere di Croce ci parlano di oggi e di sempre, della realtà e della fantasia, del tangibile e dell’ineffabile, di tracce e presenze, delle cose transitorie e di sentimenti eterni, di una dimensione umana, fatta di gesti, di ritualità, ma anche di tensione verso il futuro, di sogni e speranze. Il paesaggio di GAZA e ἄκρὸπoλις (ACROPOLIS) appare come tematica principale delle sue opere recenti e lo studio accurato del suo percorso artistico documenta la lunga e complessa acquisizione formale del suo Neoespressionismo Astratto. Si parte da una pittura a tratti spaventosa, violenta…ma ora, senza allontanarsi dalle tematiche storiche e dai suoi orrori, prevale il colore. Acceso, brillante, che sottolinea e dona carica energetica al sentimento violento e passionale che l’artista ha per la sua terra.
Principali Esposizioni
• 1992 Mostra Personale alla Galleria “Il Cedro” di Roma e due Collettive a Napoli sull’esprit informel partenopeo. • 1992 pubblica “IL VOLO” (poesie ed appunti di lavoro) presso Gabriele Corbo Editore, Ferrara. • 1994 “Sindoni” ad ArtePadova • 2004 al MercArt di Lugano. • 2007 la Mostra Personale al Museo Archeologico Campano di Capua • 2010 INTENSE LANDSCAPE alla Reggia di Caserta • 2012 struttura insieme le soluzioni formali degli ultimi anni i cui esiti sono documentati in numerose mostre alla Galleria Toro Arte Contemporanea. • 2013 ACROPOLIS è presentata in anteprima nella Mostra GLOBAL VILLAGE, Officina delle Zattere a Venezia (agosto 2015) • 2016. ACROPOLIS Mostra Personale alla Galleria Toro Arte – Sessa Aurunca
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athos faccincani Athos Faccincani nasce nel 1951 a Peschiera del Garda. Sin da bambino frequenta gli studi di Guidi, Seibezzi e Novati, dove impara le tecniche pittoriche, ma sopratutto capisce che l’arte è una parte fondamentale della sua vita. Le opere di questi anni giovanili hanno uno stile espressionista e ritraggono personaggi cupi e sofferenti. Athos Faccincani frequenta gli ospedali psichiatrici e le carceri per riuscire a esprimere meglio la sofferenza e l’angoscia dei suoi personaggi. Negli anni ’70 gli viene commissionata una mostra sulla Resistenza, grazie alla quale ottiene la nomina a Cavaliere della Repubblica, conferitagli da Sandro Pertini che aveva visitato le sue Personali. Dopo questa riconoscenza, Athos Faccincani vive un periodo di crisi interiore e abbandona la pittura per un anno. In questo periodo si prende cura del figlio Mattia e compie diversi viaggi nel sud Italia. Quando decide di ricominciare a dipingere, il suo stile cambia radicalmente sia per i soggetti che per lo stile. In questa nuova fase artistica predilige i paesaggi che rappresentano una natura lussureggiante e rigogliosa. Lo stile è quasi impressionista, i colori usati sono accesi. Ogni quadro ripropone le stesse linee guida: il sole alto, la luce e il racconto semplice. Sembra quasi che Faccincani abbia deciso di combattere la sofferenza del mondo, tipica della sua prima fase, con la pittura. Athos Faccincani è oggi un artista di enorme successo: ha esposto a Londra, Parigi, Vienna, Chicago, Madrid, Los Angeles, New York, Zurigo, Monterarlo… oltre che in Italia. Le sue opere sono presenti nelle case delle celebrità di Hollywood e ha vinto numerosi premi. Athos Faccincani è sicuramente uno dei pochi artisti che riesce a rendere la lussureggiante bellezza delle coste del mediterraneo, senza tingerla di malinconia o di tristezza. Infatti, i paesaggi di Faccincani non lasciano spazio alla nostalgia o al rimpianto per i luoghi rappresentati, perché i colori vivaci e brillanti riescono ad appagare completamente lo spettatore
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ELENA ALBERTINI
ALESSANDRO ORLANDO
… la televisione che ci fa entrare ogni giorno nella sua Galleria d’arte COM’È NATA ORLANDO ART NET?
L’idea di fare una galleria d’arte con la televisione nasce dall’unione delle esperienze maturate in una famiglia di galleristi e dalle mie acquisite in più di 30 anni di lavoro per altre televendite. La televisione per me è un strumento che contribuisce a “far entrare” più gente in galleria. Il nostro palinsesto è molto ricco, fatto di tante merceologie, dove chiaramente l’arte moderna contemporanea è il principale argomento, proprio perché nasce dal grande amore che fin da bambino mi ha tramandato la mia famiglia. Ci affacciamo ogni giorno in casa di tantissime persone, entriamo nelle loro abitazioni e a loro volta, anche i nostri telespettatori entrano “in casa nostra”, mostriamo loro qual è la nostra collezione, permettiamo di vedere il dipinto a casa e ne parliamo. La cosa a cui tengo di più, è proprio il contatto diretto, vero! Ed è chiaro che la più grande soddisfazione è quando riesco ad incontrarli e sentire le loro impressioni, perché ovviamente il momento della televisione è un monologo in cui il pubblico non interagisce, o meglio, lo può fare telefonando ma non direttamente, ma quando riesco ad incontrarli, allora è bellissimo, perché imparo tante cose dalle loro reazioni, dalle loro idee, da quelli che sono i loro pensieri su quello che è la trasmissione, perché ci sono tante cose che ovviamente possono essere poco comprensibili rispetto a essere diretti difronte ad una persona. Questo è Orlando Arte, questa è una Galleria che fa collezionismo e lo fa seriamente proponendo alle persone a casa opere d’arte, suggerendo l’idea di collezionismo spaziando fra i grandi nomi del ‘900.
QUALI SONO GLI ARTISTI TRATTATI?
Orlando Arte si rivolge ad un pubblico molto vasto, quindi tratta artisti giovani e artisti che hanno già un percorso e quindi possiamo definire in un certo modo “storicizzati”. Spaziamo tra artisti emergenti e i grandi maestri del ‘900, quindi sia arte moderna che arte contemporanea, perché ovviamente la televisione arriva ovunque e non si ha idea di chi ci si trovi davanti e che cosa desideri. Ci sono 2 tipi di collezionismo: c’è il collezionista che punta sugli arti22
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sti emergenti perché è anche una scommessa che fa con se stesso e chi invece vuole solo i grandi nomi che hanno fatto la storia del ‘900 e che continuano a farla…uno a caso da citare “Mario Schifano” che ho avuto il privilegio di incontrare insieme a mio padre, gallerista dal 1959! E proprio grazie a mio padre Angelo che sono cresciuto respirando arte. Durante il giorno, talvolta, Mino Maccari, Ernesto Treccani, Giuseppe Migneco o Remo Brindisi venivano a trovare papa’ e io ero lì, con loro. Nel 1975 alla grande Galleria Cavour Orlando si affiancò la piccola ma prestigiosa Galleria Orlando di via Carducci a Forte Dei Marmi direttamente gestita ancor oggi da Susanna Orlando, la mia grande sorella.
TRA I GIOVANI ARTISTI CHI È RIUSCITO AD EMOZIONARTI?
Ho incontrato le opere di Francesco Cecere 7 anni fa in un’importante galleria milanese di un amico di mio padre. Guardavo le opere e avendone viste tante durante tutta la mia vita, ovviamente ora sono pochi, anzi pochissimi i quadri che ancora oggi mi danno un’emozione, o mi creano un interesse, un’attrazione, eppure in quest’occasione, sono rimasto molto attratto dai quadri. Non conoscevo l’artista, ho chiesto al proprietario della galleria chi fosse. Ero fortemente interessato a conoscerlo, perché l’unico modo per capire cosa mi attraeva in queste opere era conoscere direttamente l’artista, un’artista prettamente informale, del tutto astratto, molto materico… ma c’era qualcosa che non riuscivo a comprendere e questo non andava bene perché avendo tutta l’esperienza maturata in questi anni, io devo capire il quadro che ho davanti, non può sfuggirmi nulla.
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E finalmente capì cos’era che mi attraeva, era il fatto che questo artista in realtà fosse un docente del disegno più difficile al mondo, il disegno anatomico e, nella pittura astratta che realizza, ne troviamo l’esatta contrapposizione. Da qui parte tutto il travaglio e la storia straordinaria del taglio di una tela di Fontana, perché dalla figurazione si passa allo spazialismo. Si tratta di un’evoluzione pazzesca ed era questo che mi attraeva in una pittura estremamente informale: riconoscere una mano che può dipingere qualsiasi cosa. Questo è il fascino di un’opera di Francesco Cecere.
QUALI PROGETTI HAI PER FRANCESCO CECERE?
L’esposizione delle opere di Cecere rientra a far parte di una mostra itinerante …Si parte da Art Marbella insiema agli amici di Inews e Toro Arte e vedrà come seconda tappa Berlino, presso la Galleria Whiteconcepts in Auguststraße 35. La mostra si è svolta dal 13 al 19 giugno. Il titolo della mostra è: “Water in God’s travail. I am” che tradotto letteralmente significa “Acqua nel travaglio di Dio. Io sono”. Il Maestro Cecere ci spiegava che tutti i suoi quadri nascono da scritti che poi si trasformano in pittura quindi il testo introduttivo alla mostra non può essere che in versi: “Giro l’angolo delle tue fantasie, faccio giochi col corpo come fossi di gomma. Chiede ragioni la musica del vento non sta nei panni il timido amante, pettina e arruffa capelli rosso emozioni. Sono acqua nel travaglio di Dio. accendo fuochi perché cresca una storia”.
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In vista di tutti questi eventi internazionali, è stato stampato un catalogo multilingue tradotto in italiano, inglese, tedesco, russo, francese e spagnolo.
QUANDO INIZIA LA COLLABORAZIONE CON INEWS?
Amici comuni: la Galleria Toro Arte a Sessa Aurunca ci ha fatto incontrare e fin da subito è nata un’amicizia e una collaborazione. Ci siamo incontrati in occasione della Global Village di Venezia ed è sorta subito la spontanea volontà di tutti di cominciare a lavorare insieme. Perché ancora Francesco Cecere? Perchè è un artista nel quale crediamo!
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FRANCESCO CECERE dipingo per esprimere il disagio che mi circonda Giovane artista napoletano nato nel 1975. Laureato con lode nel 2001 in Lettere indirizzo Storico-Artistico e Conservazione dei Beni Culturali e laureato con lode in Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli. Docente di disegno Anatomico , ha abbandonato la facile strada dell’arte figurativa per azzardare il passo verso una pittura informale. La sua è una pittura autentica,espressiva, attraverso la quale l’artista cerca di trasmettere emozioni.. impressioni….stati d’animo e di trasformarli in stesure cromatiche, , linee fratte e nervose, variazioni cromatiche intense con uno stile personale e riconoscibile…la sua è un’arte che va ascoltata oltre che vista. Spesso ricomicia a lavorare e modificare opere degli anni precedenti, ciò esprime a pieno la sua perenne condizione di ricerca verso un’espressività incisiva, carica di energia vitale positiva e allo stesso tempo tormentata. Come già scrisse Vincenzo Pirozzi i sogni, le sensazioni e le emozioni dell’artista “esplodono” nella sua pittura come prolungamento di un animo inquieto, ricco di sfaccettature: “Le opere di Francesco Cecere nascono da parole raccolte in poesia per prendere consistenza sulla tela in strati di colore. Ogni goccia, ogni macchia esprime qualcosa disegnando una trama consapevole, fatta di riflessi, bagliori e ombre”. Artista di punta della Galleria Orlando Arte, dopo l’esposizione al Global Village, evento concomitante con la 56° Biennale di Venezia, ha conquistato l’Italia e l’Estero con il fascino del suo linguaggio artistico…
Principali esposizioni
• 2016 “Water in God’s travail. I am” - Whiteconcepts Gallery Auguststrasse, 35 - Berlino • 2015 “Global Village” – Officina delle Zattere, Venezia – Esposizione concomitante 56°Biennale di Venezia • 2014: ” Ustioni” Galleria Orlando Arte Via Marconi 92/b Roncadelle Brescia • 2013: “Fear of the Informal” Lineadarte Officina Creativa - Napoli. • 2008: “Recent Past”, Napoli • 2006: Maggio dei Monumenti (Napoli) Soprintendenza archivistica per la Campania “Follia o vagare di dolci euforie”. • 2005: NATO-UNICEF per la Pace, Palazzo Parente, Aversa (Ce), “Apparentemente Sereno”. • 2005: Maggio dei monumenti Comune di Napoli, Palazzo Venezia“Apparentemente Sereno”.
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Maite Santolaria Guimerá
Mural Jackson Pollock La energía hecha visible
Cuando Peggy Gugenheim, galerista y coleccionista, estrenó casa en la calle E 61 en Nueva York, encargó un mural para el hall de entrada a un desconocido llamado Jackson Pollock en el cual Piet Mondrian y ella vieron trazos de genio y el encargo se formalizó en Julio de 1.943. El mural estaba situado dentro de un nicho, hueco, a la derecha y medía 2,42 x 6 m. Cuando el “todo Nueva York” entró en la casa, un espacio de 4 m. por 16 m. de largo, quedaron fascinados ante ese movimiento violento, ritmo continuo y en tamaño de escala épica. Energía, emoción y movimiento. Entraban en la obra y no podían alejarse y hasta el mejor crítico supo que estaba ante un gran artista. Se habló de la energía de su pincelada, de la libertad en los trazos, el tamaño del lienzo y de una singular abstracción. Idea de mural como sucesión, repitiendo un ritmo continuo. Expresionismo abstracto, considerado hoy como el primer movimiento genuinamente estadounidense del siglo XX. La obra fue precursora de la técnica que cuatro años más tarde se convertiría en la más conocida de este artista: el dripping o técnica del vertido. “Lanzaba pintura con la precisión de un vaquero, el lazo”. Se pintó sobre lino belga, gracias al consejo de Duchamp y debió ser Peggy quien compró la tela. Gracias a esto se conserva perfectamente aunque hubo que restaurarlo para recuperar sus auténticos colores, amarillos ácidos, rosas y blancos, tardando 18 meses en esta labor.
quería superarle”. La sombra alargada de Picasso alimenta el mural en un diálogo largo y tendido. En los dos hay un movimiento violento reflejo de los horrores de la guerra. Uno se pinta en plena guerra civil española, otro en 1943, 2ª guerra mundial. No obstante entre los dos hay diferencias notables pues siendo Pollock alcohólico, Picasso no. El americano murió a los 44 años en accidente de coche, el español tuvo una larga vida. El primero era continuista en su obra del principio al final, en cambio Picasso abrió múltiples formatos. La tortuga y la liebre.
“Es una estampida… (…) Cada animal en el Oeste americano, vacas y caballos y antílopes y búfalos, todos a la carga a través de la maldita superficie”, indicaría Pollock años más tarde. La visión de Pollock puede deberse al recuerdo de su infancia en el Oeste Americano y el primer impacto es el de abstracción y libertad, de una tremenda energía. Encontró su camino y abrió horizontes desconocidos en su obra y en la de otros artistas norteamericanos que empezaban a experimentar en obras de gran escala, cada vez más abstractas, menos objetivas, más lejos de escenarios realistas con paisajes y tipos del Medio Oeste. Reunir a Picasso y a Pollock era un sueño y es afortunado para el público ver a estos dos artistas juntos en el MPM, ya que fue “El Guernica” visto en 1939 en la galería Valentine y en noviembre del mismo año en el MoMA, quien inspiró al artista americano. Lee Krasner, mujer de Pollock afirmó en 1969: “No cabe ninguna duda de que admiraba a Picasso y al mismo tiempo competía con él,
Un total de 41 obras conforman esta exposición con obras hechas antes y después de “Mural”, con artistas tan diversos como Robert Motherwell, Lee Krasner, Antonio Saura, Roberto Matta, Juan Uslé o Andy Warhol con su obra “Hilos”.
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“Mural. La energía hecha visible” de Jackson Pollock, comisariada por David Anfam y organizada por el University of Iowa Museum of Art, a cuyo Museo le fue donada la obra por Peggy Guggenheim, estará desde el 21 de abril hasta el 11 de septiembre de 2016 en el MPM, Museo Picasso Málaga, museo dirigido por José Lebrero. Esta obra se muestra por primera vez en España y quizás última, habiendo sido exhibida en Peggy Guggenheim Collection de Venecia dirigido por Philip Rylands y en la Deusche Bank Kunsthalle de Berlín. De esta forma, el Museo Picasso Málaga vuelve a abordar las variables en clave de antagonismos o efectos que la obra de Pablo Picasso manifiesta en artistas de generaciones posteriores, desde principios del siglo XX hasta la actualidad.
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Carla Bordoli C. V.
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Rafael Alvarado
invitado de honor a ART MARBELLA 2016 La Galería Italiana Toro Arte expone obras del artista malagueño
Alvarado, artista muy comprometido con la sociedad, muy intenso y apasionado en su denuncia de la injusticia social, con su pintura poderosa nos impacta en cada pincelada, en la mirada de cada personaje. La inmigración, uno de los temas principales de la línea de producción artística del pintor, es un problema siempre actual, y no solo si hablamos de las pateras que llegan a las costas de España, después de días y días de dramas familiares, psicológicos, incertidumbre, miedos y esperanzas. Alvarado se hace cada vez más internacional, desde su exposición “Papeles para todos” (2007), en una era donde la migración de poblaciones enteras entre países por guerras, pobreza, terrorismo, o simplemente persiguiendo el sueño de una vida mejor, se ha expandido como una mancha de aceite desde Haití hasta China. Las técnicas utilizadas por el artista son variadas, desde el óleo sobre lienzo a la técnica mixta sobre papel o cartón. El nomadismo que según él es uno de los signos de nuestra época, tiene elementos comunes como el avión, el túnel, las verjas, las agresiones, la pobreza, las peleas...Y aunque el tema sigue constante en su estudio social y técnico para la realización de sus obras, ha pasado de obras radicales sobre blanco y negro, con contrastes fuertes y de impacto, a una obra que revela la profunda implicación intelectual del pintor, que ha ido hasta lo más profundo de este drama, hasta escarbar el sustrato de un viaje hacia un futuro mejor. Ahora en sus obras los personajes, casi todos de espalda, son anónimos, casi como los deportados… hacia un futuro incierto y sin garantía de éxito. En sus cuadros monocromáticos el autor juega con tonos grises perla, azulados, verdosos y ocres, dando interés a la obra experimentando y alterando los códigos que según su opinión y estudio constituyen el lenguaje de la pintura. La galería Toro Arte dirigida por Claudia Grasso de Sessa Aurunca, en provincia de Caserta, Italia, presenta los siguientes artistas: Rafael Alvarado, Mario Claude Dauphin, Franco Abbina, Route Vontage Luxury, Denis Führmann, Campà, Francesco Cecere, Raf Croce, Alfredo Rapetti Mogol,Vito Rotolo, Vincenzo Sorrentino, Mauro Vaccai, Franco Angeli, Bernard Aubertin, Giorgio Celiberti, Athos Faccincani, Tano Festa, Maurizio Galimberti, Marco Lodola, Mario Schifano. La agencia Medi@Presse Swiss, que promociona Alvarado en el extranjero, en este último un año ha estado preparando la participación del artista malagueño para darle cada vez mayor impulso a su nombre en una exposición como ArtMarbella que está adquiriendo más y más renombre entre coleccionistas y apasionados del mundo del arte.
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Marialuisa Levi
Vito rotolo
DALL’ITALIA AD ART MARBELLA 2016 Un nuovo progetto artistico interessa ora l’italiano Vito Rotolo: dopo una costante ricerca, indagini, sopralluoghi in sito, dove l’opera d’arte struttura la location, ad anni di distanza dalle sue prime mostre personali nel sud Italia, ricomincia dalla Spagna. Colori ad olio alla mano ed ecco generarsi l’elaborazione concettuale. Uno sguardo sul mondo, scomposto, incasellato, filtrato e ritrasmesso artisticamente, con l’incontro tra emozione e colore. Un contagio, una reazione a catena tra le due arti, la pittura e la scultura, secondo un raffinato e colto processo di elaborazione formale, dove la semplificazione figurativa, contrariamente, è invasa da un impetuoso vortice, un magma lavico di materia, stratificazioni narrative di una selva metaforica di stati d’animo, di realtà umane. Tessiture cromatiche, dichiarò Vittorio Sgarbi, ospite d’onore della personale dell’artista nel 2011, una particolare intuizione, quella di Rotolo, di fare l’effetto di una superficie a mosaico, con segmenti di colore, quello che si fa con un disegno, dopodichè vi si fanno aderire delle pietre in modo da comporre un’immagine. Lui lo fa diventare una pietra dura il colore ad olio. Questi segmenti sono un’idea originale. Il primo dato di un artista contemporaneo è la riconoscibilità prima ancora dello stile. Lui è riconoscibile, come riconoscibili sono le opere con i sacchi di Burri o i tagli nelle tele del Fontana. L’opera non ha estremi, confini, ma un campo d’azione in cui principia, per poi vibrarsi, come molecole atomiche, al di là della tela, intesa quale opera stessa. Il tratto segna un percorso, ne alimenta
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l’immaginazione, il pensiero, creando un immediato shock visivo per lo spettatore. Molto apprezzato al di là dei confini d’origine, l’artista elabora una nuova semantica, fatta di sottrazioni, piuttosto che di aggiunte, crea nuove opere, travolto dalla malinconia dell’anima. Una metamorfosi con accenti contemporanei traspare nei neri e nei rossi. Pochi, uno o due colori, tra tutti, dominano, pervadono, intrigano ed affiorano dalla mente, come lame sottili che squarciano la realtà umana. Ecco che la sperimentazione continua, superando l’Italia, trovando nuovi interessi nel cuore dell’Europa. L’artista Rotolo, di fatti, dopo l’episodio di Spoleto Arte 2015, a cura del prof. Vittorio Sgarbi, alla mostra internazionale “Global Village”, presso l’Officina delle Zattere cui ha partecipato in occasione della Biennale di Venezia 2015, oltre alla mostra permanente presso la INEWS Kunst New Art Gallery Herostrasse 9 in Zurigo, dal 29 luglio al 3 agosto 2016, sarà impegnato, questa volta, accompagnato dalla Galleria Toro Arte Contemporanea di Sessa Aurunca e da Antonio Campanile, che con MediaPresse Swiss cura le relazioni internazionali dell’artista, sarà impegnato alla volta della Costa del Sol, in Spagna, all’Art Marbella, la prima maggiore fiera di arte contemporanea, straordinario show di arte moderna e contemporanea, punto di incontro tra l’Europa ed il Medio Oriente, un evento internazionale, che si terrà al palazzo del Congresso, dove l’estro del maestro italiano, ancora una volta si confronterà con l’arte europea, in un clima di dialettica continua tra i maestri italiani e quelli stranieri.
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VINCENZO SORRENTINO tra mitologia e contemporaneità
Vincenzo Sorrentino nasce a Torre Annunziata il 18 maggio 1956. La sua formazione artistica avviene presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli dove studia Pittura, laureandosi nel 1981. Nel 2001 si trasferisce a Milano dove tiene il corso di Teoria e tecnica dell’affresco, presso l’Accademia di Brera, un corso da lui stesso progettato. In questi anni approfondisce la tecnica dell’affresco attraverso un’analisi dei trattati dell’arte, specie medievali e rinascimentali. Artista estremamente amato dal noto critico d’arte Philippe Daverio proprio perché le sue opere sono caratterizzate da una ricerca dettagliata della tecnica e della forma, da cui sorge un cosmo fantastico che interseca le immagini della contemporaneità con i temi mitologici, “quelli che ci accompagnano dal profondo delle ritualità dionisiache fino ai tatuaggi d’oggi”. E nel 2011 il progetto tenuto per l’Accademia di Brera in cui elabora e costruisce con alcuni allievi una colonna istoriata ispirata al mito di Sol Invictus. Affascina Vittorio Sgarbi che la seleziona per esporla 54esima edizione della Biennale di Venezia! Vincenzo è sicuramente un’artista che produce pochissime opere, in quanto ognuna di esse richiede molto tempo e grande ricerca, ma, come testimoniano i suoi successi, ognuna poi si rivela un vero e proprio capolavoro!
Principali esposizioni
• 1993 - Palazzo Reale di Napoli, a cura della Società Dante Alighieri “Il barocco non esiste come momento della storia ma solo come tappa • 1994 - Carnage, Istituto di Cultura Francese di Napoli, a cura di della storiografia. Non vi possono essere pittori barocchi nel Seicento, Jean Noel Schifano. ma oggi che la categoria esiste, invece sì. • 1998 - Blu Innocente - Reggia di Caserta Per Sorrentino oggi il dipingere corrisponde al mantenere viva una • 2005 - Bacco Tabacco e Venere - Castello di Grumello, a cura di lingua, la sua, e di farla evolvere. Oltre il tubetto del colore, e qui la quePhilippe Daverio stione si fa ben più seria perché lui, come altri della sua specie, ha deciso • 2007 - Ritter, un incisione per un affresco - Museo Archeologico di abbandonare la strada facile della materia. Poiché pensa che l’elaboNazionale di Napoli, , a cura di Philippe Daverio razione della sua pittura debba partire dall’alchimia degli elementi per • 2011 - Sol Invictus - Accademia di Brera, Milano, Sala Napoleonica evolvere verso l’alchimia dei pensieri”. • 2 011 - Partecipa alla 54esima Biennale di Venezia, a cura di Vittorio Sgarbi con l’opera “I CLANDESTINI”, colonna affrescata, Philippe Daverio 380x180x80cm, anno 2010/11 (dal testo di presentazione della mostra Bacco Tabacco e Venere, • 2016 - Threni - Biblioteca Palazzo Ducale Sessa Aurunca, a cura di Castello di Grumello, 2006) Toro Arte Contemporanea.
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donato di pace
Raffaello talò La valigia della pace Per Raffello Talò Ascoltiamo, guardiamo, scriviamo Tra silenzi impossibili e parabole clandestine Poi ci accendiamo all’improvviso Come stelle innamorate sopra una abisso. Siamo tutti migranti impazziti In mille puntini arancione nell’azzurro Viaggiatori utopici nel tempo dei perché Che allarghiamo i confini e abbattiamo muri In cerca di una terra per vivere Oltre un mare di bare e d’indifferenze Tra Angeli addormentati per sempre sulla sabbia. Siamo tutti anime fluttuanti Che Vaghiamo fluttuando come onde In cerca di un altrove Portiamo con noi solo macerie e sogni E una valigia con i colori della pace. Donato Di Poce
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Passeggiando per Milano
Foto di Larissa Hermanowski Photography Modella Miriam Buc. Opera Neo Popart di Raffaello Talò presso il Duomo di Milano con il Critico e Poeta Donato Di Poce
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Mauro Vaccai
L’ultimo Michelangelo Mauro Vaccai nasce nel 1954 a Piteccio, in provincia di Pistoia, dove attualmente vive e lavora. Scultore, pittore e disegnatore, l’ultimo rimasto ad usare martello e scalpello come i Michelangelo del passato! Dalla sbozzatura alla rifinitura….tutto il processo di levigatura e lucidatura che trasforma un qualunque blocco di Marmo in un capolavoro d’altri tempi, Mauro lo esegue esclusivamente “a mano”, con quello che lui stesso definisce il “vecchio metodo che da sempre, dai tempi del Nostro Grande Michelangelo viene utilizzato per scolpire il Marmo”….e proprio come faceva Michelangelo per le sue sculture, il quale veniva a scegliere personalmente i blocchi con cui realizzare le proprie opere, Mauro sceglie i propri blocchi di Marmo nelle cave di Carrara, universalmente noto come uno dei marmi più pregiati, estratto dalle cave delle Alpi Apuane. Riesce a modellare e dare forma alla preziosa pietra partendo da una semplice immagine, un bozzetto a matita che accompagnerà la scultura creata, si dedica a rappresentazioni religiose, ma anche a soggetti profani e mitologici, in cui spicca la grande dote di riuscire a dar forma alle proprie idee con un linguaggio accessibile a tutti. Le sue sculture hanno affascinato l’Italia e l’estero con importanti mostre istituzionali sia personali che collettive al fianco dei più grandi Maestri del ‘900; in particolare l’imprenditrice cinese Zhan Yujuan che in occasione dell’inaugurazione del Guangzhou MAGI culture development, ha fortemente voluto presentare le opere del maestro Mauro Vaccai, alla presenza delle maggiori autorità locali e italiane presenti in territorio cinese e a distanza di poco una nuova esposizione sono state accolte al Guandong Museum (3M Floor) di Guangzhou le sue opere e messe a confronto con le opere dell’artista cinese Hu Bin. In progetto un’opera Monumentale per Lampedusa che sarà donata e benedetta alla presenza di Papa Francesco… insomma un percorso in grande e continua ascesa di un’artista unico ma soprattutto di un uomo umile…credo sia proprio il caso di definirlo un uomo “d’altri tempi”.
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Esposizioni principali
• 2006 - L’artista, il Maestro e Margherita - Firenze in collaborazione con il M’ARS Contemporary Art Museum e la State Library of Foreign Literature di Mosca. • 2006 “Il Sole, la Luna e la teoria degli opposti” M’ARS Contemporary Art Museum di Mosca • 2007 “Rifiuti preziosi” Palazzo Strozzi - Firenze • 2008 e il 2010, “Il mito della vita”, a cura di Maurizio Vanni (direttore del LUCCA Museum) nella sede americana della galleria a Boca Raton (Miami); poi presso il Complesso Museale di Santa Chiara a Napoli; • 2009 “Dieci per Cento” Pinacoteca Civica di Cento (FE). • 2008/2010 realizza una scultura monumentale in marmo bianco di Carrara alta circa 7 metri dal titolo “Ingranaggio di luce” per l’azienda GB Group di Nonantola (MO). • 2012 “L’Universo dei Simboli” - Sale Affrescate e nel Palazzo Pretorio - in settembre, questa mostra verrà esposta al Museo Magi’900 di Pieve di Cento (BO) ed in novembre, in Austria, a Traun presso la Trierenberg Art. • 2012 nella Basilica di San Giovanni in Laterano, a Roma viene presentata l’opera dedicata a Santa Barbara • 2013 Cina - Opera House e alla Mayland Gallery di Guangzhou • 2016 “I tesori della Valdinevole” - MO.CA Palazzo del Municipio – Montecatini Terme • 2016 “ Le infinite evoluzioni della materia” doppia personale con Alfredo Rapetti Moglo – Toro Arte Contemporanea – Sessa Aurunca (CE)
art - marbella
july 29th / august 3rd
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arte
Rosario Martínez Maite Santolaria
MIGUEL BERROCAL
H
ace el típico día de otoño en Málaga, cielo azul, sin una nube y la luz tan característica de esta tierra. Conduciendo, entre cerros y colinas nos van rodeando cientos de olivos. De pronto, a la salida de una curva, aparece un núcleo de casas blancas, es Villanueva de Algaidas en la comarca de Antequera. Ahí nació, hace 83 años Miguel Ortiz Berrocal. Un niño que según su padre don Enrique médico del pueblo, tenía que seguir sus pasos, pero Miguel dejó bien claro su afición por el dibujo y la pintura. En los primeros años de su juventud trabajaba con el herrero con pica y palas recuperadas y construía obras filiformes que recordaban a Julio González o a Calder. Era obligatorio estudiar dos años en la Facultad de Ciencias Exactas, antes de matricularse en Arquitectura, pero caprichos del destino, en el examen de dibujo, suspende con una obra “capitel corintio” que hoy podemos ver en su Museo. Aquello le permitió dedicarse a su verdadera pasión, pintar. Su formación le llevará a pasar por el Circulo de Bellas Artes, la Escuela de Artes Gráficas, y finalmente, por la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid estudiando con su maestro Ángel Ferrant, promotor de las vanguardias en la escultura cinética en España.
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Escultor
Con apenas 22 años realiza las balaustradas de los 128 balcones de la Cámara de Comercio de Carrara, todos distintos gracia a la permutación entre si de 8 elementos modulares. Con el dinero que gana con este trabajo se marcha a París, deja la pintura a pesar de tener gran prestigio como artista y con clientes como Audrey Hepburn o Mel Ferrer, y se encierra durante dos años para esculpir, sin mostrar su obra. En su evolución como escultor, hace entrar el vacío en la escultura como en “Pájaro como León”. Posteriormente, “comienza a complicar este espacio hueco que se va cerrando y llenando de elementos que le obliga a estudiarlo en varios elementos por separado”, comienza a encontrar un “léxico”: la descomposición, la combinatoria, la organización de formas autónomas que da como resultado, la culminación a sus cavilaciones matemáticas y topológicas con obras, de una plasticidad única. En 1.959 realiza la primera escultura desmontable “El Gran Torso”. En 1.964 presenta en la Bienal de Venecia su primera obra múltiple “María de la O” en una edición de 200 ejemplares. Berrocal pensaba, que si el pintor para difundir su obra podía hacer obra gráfica aunque pasando de un material a otro de la tela al papel el escultor podía reproducir sin cambiar de medio de bronce reproduce bronces facilitando que el público tuviese mejor y mayor acceso a su obra Es la época de Walter Benjamín, de la reproductibilidad técnica, del prêt à art - marbella
inalterable. En la planta superior su estudio, la mesa de trabajo, zona mágica del proceso desbordante de creación: ideas, diseño, cálculo. Un centro con miles de documentos y fotografías, cientos de horas de vídeo y audio, una biblioteca personal y esculturas múltiples como “Torero” en homenaje al Niño de la Paloma,“Arcimboldo” o “Paloma Box”, dedicada a Paloma Picasso. El Museo es un edificio diseñado por dos discípulos de Moneo: María Fraile y Javier Revilla. Alberga una colección de obras gráficas, dibujos y esculturas que Berrocal donó a su pueblo.
porter de la “socialización” del arte. Hemos quedado con Cristina de Braganza, viuda de Berrocal que ha tenido la amabilidad de recibirnos en la Fundación. Ella nos cuenta que en realidad, Berrocal, siempre acarició la idea de volver a su tierra desde que salió de España con 18 años. Relata, en sus memorias cómo un verano conoce a Picasso en su casa ‘la Californie’ en la Costa Azul. Vivía cerca de él, se presentó en la puerta en varias ocasiones, y una vieja portera le aseguraba que ‘el maestro no estaba allí’. No dándose por vencido, se le ocurre entregarle a esta su pasaporte, aquella cierra la puerta y pasado varios minutos, aparece Picasso. Confiesa que fue un día inolvidable y que de alguna manera influyó en su vía escultórica. Años más tardes, en 1.976 recibió un encargo de la ciudad de Málaga, para realizar una escultura a su paisano Picasso, dentro de un espacio ajardinado donde existían dos enormes ficus centenarios cuyas raíces aéreas le sirvieron de inspiración para la obra Siextesis”.
La visita a su casa en una experiencia única rodeada de sugestivos y atractivos recuerdos, de su vida familiar y de sus amigos: Magritte, Úrculo, Alberti, Dalí, Cortázar, Saint John Perse, Andy Warhol… Cristina de Braganza, esposa, compañera y musa y sus dos hijos, Beltrán y Carlos viven volcados en mostrar y conservar este exclusivo, singular e interesante legado que con tanta ilusión y arrojo fue transportado desde Villa Rizzardi en Negrar (Italia) hasta su pequeño pueblo natal Villanueva de Algaidas hace más de una década. La obra de Berrocal, es un sistema ordenado, fruto de una formación científica y matemática, de una inteligencia privilegiada, que proyecta piezas de una complejidad estética y tecnológica “leonardesca”; en su combinación, aparecen nuevas formas escultóricas diferentes profundizando en lo que hay más allá, lo que se esconde, lo oculto. Tomemos el ejemplo de los 128 balcones de la Cámara de Comercio de Carrara que con 8 elementos que diseña se pueden realizar hasta dos mil millones de combinaciones, uniendo ciencia y técnica. En palabras de su hijo Beltrán: “artista-ingeniero-arquitecto” y todo diseñado cuando aún no existía el ordenador. Los proyectos actuales de la Fundación son innumerables, por ejemplo el “[ES] Cultura Plástica”. Patrocinado por Obra Social “la Caixa” y Diputación de Málaga. Y se espera que así como, Henry Moore tiene en Londres su Museo y su Taller en el campo, el otro “gran malagueño universal”, Berrocal, Museo en Málaga y Taller en Villanueva de Algaidas.
La Fundación Escultor Berrocal para las Artes consta de tres espacios bien diferenciados: el estudio-taller, el museo en el interior del pueblo y su casa Comenzamos la visita por el taller. Al entrar a la derecha nos sorprenden los decorados que realizó para la ópera Carmen para la Arena de Verona en 1.990. Se conservan paneles-telón de ocho metros de altura, y numerosas esculturas de gran colorido que aparecían en escena. Son un canto a Andalucía donde se reconoce El Generalife, la Ermita de Archidona o el típico paisaje andaluz de olivos. En el taller se conserva toda la protogénesis de la obra de Berrocal. Esculturas de diversas épocas y formatos la impresionante serie “Almogávares”, el “Gran Torso” o “Santa Ágata II”, así como maquinaria, moldes y un sinfín de elementos tan necesarios para conocer a fondo su obra. Berrocal es un escultor de texturas acabadas, redondas, que inducen a tocar. Él buscaba un tacto único. La fibra, les da una resistencia july 29th / august 3rd
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swiss multikulti lifestyle magazine, www.inewsswiss.com - Nr. 42 Juni - Juli 2016 - Chf- 4.-
Campà, La mer de Marbella - 60x120 cm
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