Visual by Ricardo Vargas

SUMARIO

4. GRAFITIS

26. DISEÑO DE CARATULAS

6. WALLPAPERS

30. RODRIGO ALONSO

10. FERNANDO PINTO

34. RUBEN FONTANA

14. TIPOS LATINOS

38. SEBASTIÁN ERRÁZURIS

18. OBEY

42. YVES BEHAR

22. GASTRONOMÍA CHILENA

46. EVENTOS CULTURALES

GRAFITIS

UNO DE LOS CUATRO ELEMENTOS BÁSICOS DE LA CULTURA HIP HOP

rafiti es el resultado de pintar textos abstractos en las paredes de manera libre, creativa e ilimitada con fines de expresión y divulgación donde su esencia es cambiar y evolucionar buscando ser un atractivo visual y con un alto impacto, como parte de un movimiento urbano revolucionario y rebelde; por lo tanto, una pintada política no se considera un grafiti como tal. El grafiti se realiza de manera espontánea, veloz, en lugares públicos, y en algunas ocasiones se mantiene el anonimato. En las calles y pasajes angostos de los cerros de la ciudad de Valparaíso, como en muchas otras calles de otras ciudades tanto del país como del mundo, existen desde hace mucho tiempo escrito y rayado, aludiendo tanto a temas políticos, amorosos, propagandas, entre otros. Es así como hace algunas décadas comenzó a darse de la mano del estilo hip- hop el grafiti, como parte de una de sus importantes manifestaciones en el que encontramos además de gráficas especificas, música, formas de vestir y de transitar por la ciudad. Es en este contexto donde podemos situar a un personaje que recorre, ocupa y se apropia de las calles de la ciudad en la que vive, hablamos del autodenominado “Efecto Peña”, quien toma elementos de diferentes tendencias, como la electrónica, el hip- hop, y el punk, que están presentes, su obra. El “Efecto Peña”, forma parte de una gran cantidad de personas, sobre todo jó-

venes que han sido reprimidos y son perseguidos por gustar de estas expresiones callejeras. Este individuo oscila entre la rapidez y la concentración de personas e identidades diferentes que coexisten en un espacio planificado y cada vez más reducido, como es Santiago y el choque, la contemplación y complejidad que ofrece la geografía de Valparaíso, ambas urbes importantes, en cuanto a densidad poblacional e índices de pobreza, pobreza que Valparaíso en ciertos momentos exhibe y en otros oculta, bajo las fachadas tradicionales, que esconden también una ambigüedad y doble estándar que este actor critica duramente y que lo llevó a plasmar su sentir en las calles y muros del puerto principal de Chile, reclamando su derecho a utilizar el espacio urbano para dejar en el sus impresiones y rayados, como lo hacía en sus comienzos rayando en las calles con sus amigos. Cada dia se ve a mas jóvenes interesados por este tipo de artes pero de mismo modo pocos conocen las consecuencias que pued tener si son sorprendidos.

Los grafitis de Valparaíso se encuentran, en fachadas de casas, murallas divisorias, postes, etc. Son creativos, formando un abanico de colores de la más viva vida urbana y lo más importante son Gratis!!! En Bicicleta es posible recorrer sus calles, pasajes y recovecos de este puerto humilde plasmado de una belleza muy particular, rodeada de impresionantes paisajes. Por otra parte vecinos que tienen en su muros grafitis hechos por diferentes grupos dieron a conocer su postura con respecto a este tema señalado que si bien encuentra que alguns tienen mucho talentos hacen buenos dibujos , otro solo son vándalos que destruyen su murallas con di-

bujos obscenos. Carlos nos señalo que cuando un grupo que tiene respero y es connotado en el sectos los otros deben respetar sus dibujos mas aun si son murales y cubren todas una pared, la forma de hacer concreto este respetos es que nadie rayar encima de nuestro diseños.

n marzo de 1994, Brule recibió dos disparos de un francotirador en una emboscada en Kabul mientras cubría la guerra de Afganistán para la revista de noticias alemana, Focus. Brule perdido el uso parcial de su mano izquierda dando lugar a una hospitalización prolongada -. Y un montón de tiempo para leer el hogar de diseño y revistas de cocina que encontró mundano [4] En 1996 Brûlé sacó un préstamo de pequeña empresa y lanzó Wallpaper *, una estilo y la revista de moda que fue uno de los lanzamientos más influyentes de la década de 1990. Time Inc. la compró en 1997, y se mantuvo en Brûlé como director editorial. Durante este tiempo en el fondo de pantalla, Brule centró su atención en una agencia de branding y la publicidad que había empezado, llamado Winkreative, que todavía funciona y que ha contado entre sus clientes empresas como American Express, Porter Airlines, British Airways, BlackBerry y Sky News .. En 2001, se convirtió en el ganador más joven nunca de la Sociedad Británica de Editores de Revistas “Premio a la Trayectoria. Ese año, él y Winkreative fueron contratados para diseñar el “look and feel” de Swiss International Air Lines en su relanzamiento. En mayo de 2002, dejó Wallpaper Brûlé y se concentró en Winkreative. Tenía una cláusula de no competencia con fondo de pantalla durante 2,5 años. En 2005, fue sede de la TV Brûlé medios de comunicación la revista La Mesa de la BBC Four. En 2006, fue co-producido Counter Culture, una serie documental sobre los aspectos culturales de las compras, en el mismo canal. Wallpaper es un magazine que nace en Londres en 1996, de la mano del periodista canadiense Tyler Brûlé y del periodista austriaco Alexander Geringer y que, desde sus inicios, está enfocado hacia diferentes temas entre los que destacan los relativos a viajes, diseño, entretenimiento, moda, tecnología y medios. Orientada a una audiencia internacional, Wallpaper proporciona los valores principales de la vida moderna para la nueva generación de nómadas urbanos. En 1997, Brûlé vende la revista al grupo Time

Tyler Brûlé, Periodista, editor y fundador de la revista Wallpaper*

Warner, permaneciendo sin embargo como director hasta el año 2002. Además de publicarse mensualmente, Wallpaper también es célebre por sus guías de viajes, con cerca de ochenta ciudades distintas como posibles destinos y más de un millón de ejemplares vendidos en todo el mundo. En asociación con Phaidon Press estas guías de viaje están publicadas, además de en inglés, en francés, italiano, español, alemán, portugués y japonés. Desde 2004 cobra especial importancia su página web, que no se limita solamente a digitalizar el contenido del soporte escrito sino que añade nuevos contenidos y noticias actualizadas, además de entrevistas y artículos exclusivos sólo disponibles en la web, un blog propio y numerosas galerías de fotos. En Agosto de 2008, Wallpaper lanza sus Wallpaper Selects, website donde se venden ediciones limitadas de las mejores y más exclusivas fotos de la publicación. Para celebrar el número cien de la revista, Wallpaper añadió al característico asterisco de su imagen corporativa un cursor, resaltando así el carácter multidisciplinar y so-

bre todo multimedia y de apuesta por las nuevas tecnologías de la publicación. La revista también cuenta con unos premios anuales de diseño que en 2010 contaron con 66 categorías diferentes. Portadas de la Revista Wallpaper*

DISEﾃ前 DE VESTUARIO

de Campbell’s soup . Los vestidos de papel podrían haber sido la mejor invención, barato y a la moda. Pero el hecho de que no se usen hoy en día es por las limitaciones del material: lo peligroso que puede ser con el fuego, lo fácil con que el material se daña y muchos otros inconvenientes más. Hoy en día el vestuario hecho de papel es un arte, implementar nuevas texturas de papel, colores y formas en algo realmente asombroso, son colecciones que se exhiben en los museos más importantes del mundo. Muchos diseñadores y artistas que se dedican actualmente a los vestidos de papel, presentan nuevas tendencias, diferentes estilos y colores, cada uno con su toque personal. Sus creaciones de papel, frágiles, pero femeninos, desdibujar las líneas entre lo que se ve en la superficie y lo que existe internamente. Algunas de sus creaciones de papel (un vestido de la época victoriana y guantes), aunque hechas de papel blanco y sencillo, que ha sido manipulada para aceptar una forma particular también disponen de grafito de color representaciones de los huesos. En uno de cuello alto, vestido de papel curva que abraza, detalles en la parte superior de la médula espinal hasta el coxis, con vértebras. El guante de papel, por otro lado, es una representación críptico de aspecto de huesos de la mano y la muñeca. Real y frágiles, el uso de papel ayuda a estas piezas de moda a dar vida y provocar fuertes reacciones de su audiencia.

l primer vestido de papel fue creado en 1966 por Scott Paper Company. Lo cual consistía en que las personas compraran un vestido de papel (a $1), y con esta compra recibían cupones de productos de Scott Paper. En esta época no existían productos desechables ( pañales reutilizables, platos etc) y la invención de un vestido de papel se vuelve muy llamativa. También tenía sus ventajas y desventajas: por ejemplo, el hecho de con unas tijeras se podía romper un vestido o bien botarlo cuando se ensuciara. Al poco tiempo se consideran menos atractivos por sus estilos y poca utilidad, convirtiéndose en vestidos pasajeros pero no olvidados. En los 60s se implementan nuevas técnicas de estilo y nuevos materiales químicos al papel lo cual lo hacen más duradero y resistente al agua. Se crean las capas(impermeables) de papel, bikinis y vestidos simples en estilo A. Es aquí cuando aparece Andy Warhol con su diseño de vestido de papel basado en sus famosas impresiones de latas

ENTREVISTA A FERNANDO PINTO ACADÉMICO DE INSTITUTO PROFESIONAL DUOC UC

4-¿En qué te inspiras? ¿Hay algo poco común en que encuentres la inspiracion cuando no sabes qué hacer? No. Nada del otro mundo, me inspiro en la vida real, en la cotidianidad, el día a día, eso lo expreso en mis ilustraciones.

5-¿”Qué productos o marcas utilizas para hacer tus ilustraciones? Uso acuarela al agua, tinta china, lápices de colores, son cosas básicas y fáciles de conseguir. 6-¿Te imaginas haciendo otra cosa en “algun mundo paralelo”? ¿contador? ¿músico? (risas) Si, de hecho tengo una banda de rock, toco el bajo, dedico todo mi tiempo libre a la banda, ahora estamos en pausa porque con mi grupo estamos buscando un baterista. Vivo con mi mundo paralelo día a día

1-¿Qué es el diseño para ti? Lo que está en todas partes, es comunicación, expresión, entretención, además algo que se reinventa todos los días, igual que uno.

2-¿Qué es lo que más te apasiona del diseño? Me apasiona que es algo que tenemos en frente todos los días y no nos damos cuenta, es algo que se ha vuelto casi esencial para nosotros, esta en todas partes

3-¿Trabajas en algo más aparte de esto? ¿relacionado con diseño? Si, ilustro, soy independiente. Trabajo con particulares

7-¿Qué le dirías a los estudiantes de Diseño grafico con crisis vocacional? Les diría que se escuchen a ellos mismo, uno es profesor y además ilustrador pero uno no puede influirle, si es algo tan personal.

8-¿Te imaginas haciendo lo mismo en 5 o 10 años más? Espero estar haciendo lo mismo, esto me gusta, aunque siempre me proyecto de acá a fin de año, no sé lo que pasé el otro año, tú sabes, lo de los mayas y esas cosas. ¿Te das cuenta del pánico colectivo del que estamos viviendo? (risas) Bueno, si ,me imagino estar haciendo esto mismo en unos años más.

9-¿Crees que el diseño algún día tendrá la relevancia en la cotidianidad para las personas como la relevancia que le damos nosotros los diseñadores? De a poco está pasando, como te decía el diseño está en todas partes, cada vez hay más gente que lo estudia y eso quiere decir algo, que el diseño importa.

10-¿Crees que los diseñadores gráficos podríamos desempeñarnos en algo más fuera del área del diseño con nuestros estudios de diseñadores gráficos? Está difícil, el diseño gráfico, ilustración, diseño de vestuario, industrial, todo está como digo en el área del diseño, pocas cosas se escapan, culinaria o contabilidad. Es tajante decir que los diseñadores diseñamos y punto, porque el área del diseño es muy amplio.

11-¿Conviene estudiar diseño en Chile, o desde tu perspectiva crees que en otros países al diseño le dan más relevancia?

13-¿Antes de entrar a estudiar diseño gráfico,siempre te apasiono el diseño gráfico o hubieron otras carreras que te gustaban?

Obvio que en otros países le dan más relevancia, mira a Argentina, España pero tampoco me quejo de Chile, cada vez el Estado y la gente misma ve con mejores ojos al diseño.

La música, ser profesor de música o dedicarme de lleno al bajo, que lo toco, pero preferí bajarme un poco de mis ideales y estudié algo más que me gusta los cómics.

12-¿Qué opinas de la piratería de libros? ¿Como le dices a la gente que no compre un libro en la calle a “luca” y que compre uno en una librería por el doble del valor?

14-¿Piensas irte de Chile a probar mejor suerte laboral? Acá no me quejo, me gusta mucho, aunque sé que si fuera a Japón a ilustrar ó a España a hacer cómics me iría mejor. Eesta es mi tierra y prefiero trabajar para mi gente.

Me la dejaste difícil, va algo por el respeto, atrás de un libro, hay una idea, un concepto, el diseñador que lo hizo, el escritor que lo escribió, trabajo de imprenta, papel y en la calle todo eso se pierde. El personaje que toma el libro y le saca copias y lo vende al precio que quiere. H gente que vive de eso, pero nosotros vivimos por lo que la gente paga en las librerías. A uno como diseñador le da pena ver que tu libro en el que trabajaste termina tirado en Ahumada a mil.

TIPOS LATINOS E

Exposiciones tipográficas Bienal 2006 en Buenos Aires Argentina

s un espacio tipográfico internacional integrado por 13 países latinoamericanos: Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, Ecuador, Guatemala, México, Paraguay, Perú, Uruguay y Venezuela. Su propósito principal es llevar a cabo la Bienal de Tipografía Latinoamericana, que en 2012 llegará a su quinta edición, continuando lo realizado en las bienales de 2010, 2008, 2006 y 2004. Para ello, Tipos Latinos promueve el desarrollo de actividades que complementan y enriquecen la exposición principal: charlas, talleres, visitas guiadas, etcétera. La muestra se presenta en simultáneo en todos los países de la región y realiza un extenso itinerario por varias ciudades, incluyendo algunas fuera de Latinoamérica. Desde la exposición Letras Latinas 2001 que acompañó el encuentro tpG Buenos Aires 2001 se dio origen al sitio Letras Latinas inaugurado en 2002, que expresó las bienales LL2004 y LL2006. El sitio (hoy inactivo) fue creado como un catálogo virtual destinado a la difusión de alfabetos contemporáneos latinoamericanos y a la expansión del diseño tipográfico en la región. Un catálogo virtual destinado a la difusión de alfabetos latinoamericanos contemporáneos y a la expansión del diseño tipográfico en Latinoamérica. En el sitio se publicaron trabajos remitidos a través de un formulario on-line. También era posible leer una referencia sobre cada trabajo, contactarse con los diseñadores de las fuentes y dejar comentarios acerca de los trabajos exhibidos.

La primera Bienal recibió trabajos procedentes de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, México, Paraguay, Uruguay y Venezuela. Las sedes fueron Buenos Aires, São Paulo, Santiago y Veracruz. El jurado, integrado por un representante de cada sede, más un jurado elegido en T-Convoca, se reunió en Buenos Aires el 1 de marzo de 2004 y seleccionó 40 trabajos que formaron parte de la exposición principal.

Esta convocatoria recibió trabajos procedentes de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, El Salvador, México, Perú, Uruguay y Venezuela. Ese año, a las sedes de LL2004 se sumaron Bogotá, Lima, Montevideo y Caracas. El jurado, integrado por un representante por sede, se reunió en San Pablo el 2 y 3 de abril de 2006 y seleccionó 70 trabajos que formaron parte de la exposición principal. Producido con información registrada por el equipo de Teletipos durante Letras Latinas 2006 en Santiago de Chile. Las actividades se desarrollaron en la Facultad de Arquitectura, Arte y Diseño de la Universidad Diego Portales en Santiago de Chile y las grabaciones están disponibles para ser escuchados y descargados gratis en el sitio de Teletipos.

La convocatoria recibió 423 trabajos procedentes de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, República Dominicana, Ecuador, México, Perú, Paraguay, El Salvador, Uruguay y Venezuela. Ese año, a las sedes de LL2006 se sumaron Asunción, La Paz y Quito. El jurado se reunió en el puerto de Veracruz del 13 al 14 de marzo de 2008 y seleccionó los 79 trabajos que formaron parte de la exposición principal. De ellos, 8 recibieron Constancias de Excelencia.

La convocatoria recibió 448 trabajos procedentes de toda Latinoamérica. En esa edición se sumaron Cuba y Guatemala. El jurado se reunió en Montevideo, Uruguay, del 22 al 23 de marzo de 2010 y seleccionó los 78 trabajos que formaron parte de la exposición principal. De ellos, 7 recibieron Constancias de Excelencia. Exposiciones: Ya fueron inauguradas las exposiciones en numerosas ciudades de Latinoamérica. Aquí podrás leer las reseñas de lo que ya ocurrió. Rio de Janeiro, Brasil Veracruz, México, Montevideo, Uruguay, Caracas, Venezuela Buenos Aires, Argentina,Recife, Brasil, Quito, Ecuador , Caruaru, Brasil, Santiago, Chile , Santa Fe, Argentina, Guayaquil, Ecuador Valencia, España, Cuenca, Ecuador, Asunción, Paraguay , Belo Horizonte, Brasil

Dino Dos Santos, Tipografo Brasiler

OBEY

FRANK SHEPARD FAIREY

rank Shepard Fairey, OBEY, es un artista urbano y diseñador gráfico estadounidense, famoso por sus pegatinas con la imagen del luchador televisivo André el Gigante y por sus diseños que toman elementos del cartelismo de propaganda política de mediados del Siglo XX. Incluyendo lemas como “Piensa y crea, imprime y destruye”, que mezclan lo subversivo con el entretenimiento, su temática y estética viene a ser a menudo una mezcla entre caricatura y revival de la propaganda política, las ideas situacionistas y las revoluciones estéticofilosóficas de los 60, trasfondos temáticos muy comunes en el arte de finales de los 90 y principios del presente siglo. Su situación como artista es controvertida, manteniendo trabajos de diseño grá_co y publicidad con grandes marcas por un lado, y enfrentándose a detenciones en diversos países por vandalismo urbano con sus intervenciones, siendo de esta manera un representante marcado de la discusión sobre el papel del artista y su ideología en el momento presente de la historia de las sociedades capitalistas. Reivindica el espacio público como espacio principal para la vida artística y cultural, proponiendo una crítica a la hegemonía estética y presencial de la publicidad, encabezada por las grandes corporaciones _nancieras. Shepard Fairey fue uno de los primeros artistas de gra_ti de _nales del siglo XX en propagar la técnica de pegatinas como

“La campaña Obey puede ser explicada como un experimento de Fenomenología. La principal intención de la Fenomenología es redespertar un sentido de fascinación hacia el entorno de uno. La campaña Obey intent estimular la curiosidad y atraer a la gente a cuestionar tanto la campaña como sus relaciones con quienes les rodean. Dado que la gente no está acostumbrada a ver anuncios o propaganda cuyos motivos no sean obvios, los encuentros frecuentes y noveles con la propaganda Obey provocan pensamiento y posible frustración, y en cualquier caso revitaliza la percepción y atención del espectador a los detalles.”

intervención callejera. Sus primeras pegatinas mostraban una foto en alto contraste de André el Gigante, como mensaje sin contenido y con la principal intención de sorprender al viandante y espectador. De_ne este trabajo como “un experimento de fenomenología”. Comenzó a repartir de forma gratuita estas pegatinas, convirtiéndose poco a poco en un icono de la cultura popular contemporánea. Ha realizado diferentes versiones del mismo tema, y también las ha incluido en exposiciones, posters, camisetas, diseños para estampados de monopatín, etc. Otros de sus trabajos callejeros más destacados son los posters de grandes dimensiones, con los que empapela paredes a la vista de los viandantes en diferentes países a los que viaja. En estos posters suele estar presente una temática política velada o una sugerencia de re_exión sobre los estereotipos de discussion estética, social o política. Su estilo está basado en parte en el cartelismo ruso de la era del comunismo y en el arte pop, con elementos claros del comic estadounidense. Entre los motivos de esta temática están las efigies de Lenin o del Subcomandante Marcos, aunque Fairey a_rma no estar haciendo propaganda, sino buscar una provocación o un contraste. Se conoce bajo el nombre de Obey Giant la obra callejera más representativa de Shepard Fairey. Como en otros

artistas de gra_ti, este nombre sirve tanto para el acrónimo de la obra como para el pseudónimo de Fairey durante su ejecución. Consiste en una serie de pegatinas -más tarde posters- con el rostro de André el Gigante(André the GIANT) en diferentes variaciones de alto contraste. El lema/nombre original era GIANT HAS A POSSE (El Gigante tiene una pandilla), pero más tarde el concepto de Fairey empezó a hacer más presents aspectos de _losofía social y crítica del sistema, y fue incluyendo la palabra OBEY (=Obedece) sumando así mayor impacto y absurdo a la estética del tema.

OBRAS

Shepard Fairey cubre el campo del diseño gráfico como empleo regular, formando parte del gabinete publicitario “BlackMarket”(Blkmrkt). Ha realizado diseños para conocidas marcas, como Dew o Pepsi, Adidas, Epitaph, monopatines Real Skateboards, y músicos de renombre como Sepultura, Chuck D de Public Enemy, Black Eyed Peas, Dub Pistols, entre otros.

GASTRONOMÍA CHILENA

EL PLACER DE SABOREAR LA IDENTIDAD

lan Kallens, del Hotel NH Ciudad de Santiago, es un destacado representante del rescate gastronómico de la identidad chilena en la nueva generación de chefs locales. Recetas suyas han sido propagadas en publicaciones y videos. Admirador y seguidor de pioneros como el fundador de Les Toques Blanches, Rene Acklin dueño de las Termas de Cauquenes, “a quien se debe el cultivo de salmón en los ríos de Chile”, y Guillermo Rodríguez, actual Presidente de la prestigiosa asociación, aclara que su cruzada no pasa tanto por incorporar los ingredientes y las preparaciones autóctonas, sino más bien, por potenciar y proyectar los “sabores chilenos”, aquellos que, desde siempre han identificado a los hogares y paladares criollos. En diciembre de 2004 un grupo de chefs, entre los que se cuenta, como tesorero, Alan Kallens, del Hotel NH, ubicado en la Avenida Condell de Santiago, dio origen a la Asociación Chilena de Chefs ACCHEF, agrupación gremial orientada al fomento y desarrollo de la cocina chilena. “Hay que rescatar los sabores más que las preparaciones y los ingredientes, la verdadera costumbre de la comida en los hogares. Porque la verdad es que ya hemos arrasado con las raíces, ahora tenemos que perfeccionar la comida que realmente se come en las casas a lo largo del país”. Una vía fundamental para llevar a cabo esta misión de

“levantar la gastronomía”, es la capacitación de los cocineros en restaurantes, que la entidad se propone ofrecer, gratuitamente en distintas regiones. Labor que ya iniciaron en Quintay y que pronto esperan proyectar a través de la implementación de una ruta gastronómica en el balneario de Con Con. “Mientras más antiguas las culturas, con una continuidad en la tradición, más desarrollada y de mayor nivel es su gastronomía. Eso lo compruebas fácilmente en Oriente, donde la comida y la manera de comer es un arte que está presente en todo lugar y momento. Cosa que está muy lejos de nuestra realidad, nosotros hemos cortado nuestras raíces”, argumenta el chef. Desde hace 6 años que Alan trabaja como chef en el hotel NH y, desde el principio, ingredientes como la quinoa y el merquén, que hoy abundan en aquellos platos que aspiran a dar un toque autóctono a su cocina moderna, han estado presentes en sus preparaciones. Sin embargo, el chef se encarga de marcar las diferencias y dejar en claro que el sólo hecho de usar estos ingredientes no constituye un gran aporte en la consolidación de una gastronomía chilena con identidad. Aunque no deja de ser importante el acto de utilizar aquello que nos es propio y que puede reemplazar a los productos foráneos que cumplen el mismo fin. “El merquén es chileno. Sólo nosotros tenemos el ají ahumado con semillas de cilantro.

DIME DE DÓNDE ERES Y TE DIRÉ QUÉ COMES

La quinoa, por su parte, es un producto propio de toda el área andina. “Tan chilena, como boliviana, peruana y argentina”, explica Alan. Un dato que, de paso, pone de relieve la importancia del factor geográfico a la hora de definir la identidad de una determinada gastronomía. “Es el clima y el entorno geográfico lo que, en definitiva, determina lo que se produce en cada lugar y, por lo tanto, el tipo de cultura gastronómica que se desarrolla”. En este sentido, es fundamental potenciar la denominación de origen. “La frutilla blanca y la cebolla morada, por ejemplo, son netamente chilenas”. Esta definición geográfica se cruza con las diversas matrices históricas y culturales, para dar origen a determinadas tradiciones culinarias, como la de patagonia, andina, mapuche o rapa nui. Asimismo, en el plano mundial, Alan integra a nuestro país especialmente la zona central, dentro de la cocina mediterránea, que se expresa en distintos lugares del planeta, y cuyos referentes más conocidos son Italia, Grecia, España y las costas del sureste europeo.

“Somos un país con un importante componente de clima mediterráneo, con cuatro estaciones marcadas. Por eso somos buenos productores de vinos y aceitunas. Y tenemos un potencial en todos esos productos, como el aceite de oliva”. Y a propósito de mediterraneidad, una de las grandes asignaturas pendientes de nuestra cocina es el verdadero aprovechamiento de los recursos que ofrecen nuestras kilométricas costas. Un tema, por lo menos crítico, a juzgar por la cada vez mayor escasez y el mayor precio de los pescados y mariscos. “La costa ha sido depredada completamente por los buques factorías. Si no sacan el pescado sacan el alimento que los mantiene con vida. Y así los ahuyentan”. Sin embargo, no conviene despreciar aquello que está disponible: “Es importante que descubramos lo maravillosas que son las almejas y los choritos, por ejemplo, que los encontramos rascas y no tenemos idea de cómo se valoran en otras partes”.

RUTA DEL SABOR “He recorrido todo Chile, buscando los mejores sabores. He comido de todo”, confiesa el chef. De Iquique, rescata el hacha servida en el restaurante El Vagón, de la calle Baquedano; de Caleta Los Verdes, camino al aeropuerto de Iquique, los ostiones; el queso de cabra de la carretera, a la altura de Los Vilos; la Pescadería Martín (mi picada de Con Cón); el pastel de choclo de Juan y Medio; del Lago Natri, en Chiloé, los salmones criados allí mismo, asados en casa; las ostras cridasa en agua salada, sacadas directamente de la granja marina; las papas “de todos tipos”. En Santiago, la pastelería Hildegard, “donde se usan las recetas de la abuela” y también un buen tártaro con cerveza negra Dunkel en el Budapest, en la avenida Bilbao. “A los chefs que vienen de afuera los llevo a la Fuente Alemana y a comer mote con huesillos a la Sociedad Comercial Los Copihues”. Uno de los grandes lujos es, para él, tomar desayuno con la marraqueta caliente de la esquina, algo que según denuncia, se encuentra gravemente amenazado “los Eko-

no formato almacén van a acabar con todos los almaceneros, se acaba anotarlo a la cuenta, el fiar, el medio kilo de azúcar, la relación humana de la compra”.

MOTE CON HUESILLOS DECONSTRUÍDO “La deconstrucción es tomar una receta conocida por el público, que sabe de qué color es, de qué tamaño, como huele, cuál es su sabor, mantener los ingredientes pero alterar la receta para lograr un producto distinto en apariencia”, explica el chef. En el caso del mote con huesillo, en la versión de Alan, el huesillo se transforma en un Mouse y el jugo se reduce a un sirope o jarabe.

DISEÑO DE CARÁTULAS

El mundo del diseño de carátulas en Chile es probablemente desconocido para la mayoría, incluso para aquellos involucrados directamente con la identidad grá_ca nacional, si bien existe un extenso catálogo de artistas dentro de nuestra historia musical, no se tiene mucha información acerca de la procedencia ni los creadores que hay detrás de la cara visible de los discos. Es difícil llegar a un análisis detallado del arte de las carátulas en la música chilena (especí_camente en el rock), sin antes considerar lo que los hermanos Larrea aportaron a la historia gráfica en Chile. El mayor protagonismo que han tenido las carátulas en la música nacional se encuentra en gran medida en aquellas diseñadas durante el comienzo y desarrollo de la Nueva Canción Chilena, movimiento que conjugó raíces folclóricas, música americana y una fuerte carga ideológica. Si bien vemos como la grá_ca toma un carácter propio en el ejemplo de los Larrea, cosa similar no sucede con el rock chileno. Las in_uencias extranjeras fueron lo que

gatillaron el movimiento rockero en nuestro país. Bandas nacionales tocaban temas en español de artistas norteamericanos, imitaban sus movimientos, sus maneras de vestir, sus peinados, teníamos nuestro propio Elvis Presley y nuestros propios Beatles. En el caso de las carátulas sucedía algo similar. Las bandas se fotogra_aban imitando poses que veían en portadas de artistas anglosajones, no era importante visualizar la música en una forma compleja, lo primordial era mostrarse, y es exactamente lo que hicieron los rockeros de antaño. Los artistas chilenos están muy concientes del gran valor visual que pueden llegar a entregar las carátulas en una obra musical. Grupos rockeros de antaño, como Los Larks, consideraban a las carátulas como una herramienta para visualizar el mensaje que entregaban con su música. Las imágenes de las portadas evocaban la corriente rockera de aquel entonces y buscaban por sobre todo, igualarse a sus contrapartes norteamericanas. Ante esto, la estética de los rockeros chilenos con aires de anglosajones era muy im-

portada de disco de wutang clan

portante. uaturbia, los primeros exponentes del rock sicodélico en Chile e influenciados claramente con la estética hippie, escandalizan a toda una sociedad conservadora al despojarse de sus ropas y aparecer completamente desnudos en una de sus carátulas, en otra oportunidad, retrataban a una versión femenina de Cristo en la Cruz. En el caso del punk con Fiskales Ad-Hok- existía un gran interés en la visualidad de sus distintos discos. Alejándose de la estética más cuidadosa del rock de Los Larks, los Fiskales se movían en una grá_ca más directa y contestataria (fieles a su corriente punk), sin embargo, se atrevieron a jugar con carátulas más conceptuales, como en el caso de su disco “Traga”. La inocencia estética que vimos en los comienzos del rock evolucionó a medida que este se fue puliendo y modernizando. Los artistas se dieron cuenta del poder comunicacional que entregaban las carátulas. Los Jaivas estaban muy concientes de esto, al incluir hermosas ilustraciones pertenecientes al pintor René Olivares- en sus discos sumergiendo al auditor en un mundo de fantasía con solo mirar el arte expuesto en sus portadas. La visualidad en las carátulas dejó de ser tan obvia

RODRIGO

ALONSO

onsiderando que casi un 30% de nuestro tiempo diario lo ocupamos durmiendo, porcentaje que aumenta a mayor cansancio y a menor horas de luz del dÌa (invierno), un buen dormir es el factor fundamental para la recuperaciÛn de la energÌa consumida durante el dÌa. Una cÛmoda posiciÛn, la temperatura adecuada y movilidad menos restringida son pilares para un buen descanso. Hoy en dÌa, el nivel de comodidad m·xima que un saco de dormir ofrece tiene relaciÛn con sus materiales, su relleno y el espacio y aire a calentar por nuestro cuerpo (mientras menos sea este, mejor), entre otras prestaciones. Los montaÒistas o excursionistas por ejemplo, en temperaturas extremadamente bajas tienen el equipamiento de dormir diseÒado especialmente para ese fin: todas las partes del cuerpo juntas para transmitirse calor dentro de un envoltorio con el espacio justo, para el menor gasto de energÌa calorica posible. El movimiento que nos permite ejecutar en la noche es el gran obst·culo al que hoy nos enfrentamos la mayorÌa de los usuarios de sacos de dormir. Creemos, por lo tanto, que para descansar en espacios que no sean las montaÒas o la nieve, un saco de dormir debiera ser tan amable y amistoso como lo es una cama adem·s de otorgarnos un buen nivel de protecciÛn ante el frÌo gracias a sus materiales, relleno y la posibilidad repar-

tir nuestro calor por el cuerpo a travÈs de la circulaciÛn. Por lo tanto es interesante mirar quÈ es lo que gran parte del resto de los usuarios en campings, cabaÒas, playas, bosques, desiertos, lagos, etc. est·n pidiendo a gritos, pero sÛlo de boca en boca como un resignado comentario: MOVIMIENTO Selk¥BagÆ es un sistema de dormir que permite vestirte con tu saco, otorg·ndote una m·xima movilidad y comodidad en el perÌodo de descanso dentro de la carpa o fuera de ella: - Separar, mover y juntar piernas y brazos, - Rodar con tu Selk¥BagÆ y no dentro de el. - Te da la posibilidad de ponerte de pie sin problemas, caminar, cruzar las piernas e incluso tomar elementos con tus manos gracias a sus cierres reversibles. Selk¥BagÆ te provee de una forma que recorre tu cuerpo para adaptarse a el y no al revÈs. Movilidad y comodidad m·xima para un perfecto descanso es la idea fundamental de un Selk¥BagÆ y cada parte ha sido pensada para este fin. Disfruta de tu excursiÛn con un descanso 100% cÛmodo, tal como lo haces en tu cama. El nombre del diseÒador Rodrigo Alonso transporta autom·ticamente a productos originales y reconocibles. Ahora, asociado con Porta 4 llevara a cabo proyectos de

diseÒo integral, dirigidos sobre todo a empresas. Uno de sus trabajos m·s recientes fueron unos pabellones modulares para ProChile, que ya forman parte de la imagen de nuestro paÌs. Pero Alonso no para, llegaran cosas nuevas, porque seg˙n el, ìuno esta diseÒando todo el dÌaî. Rodrigo Alonso no tiene falsa modestia para reconocer que ha hecho un aporte al diseÒo nacional y que su trabajo ha abierto camino a otros. ìMe gusta arriesgarme, me atrevo a proponer cosas raras, que pueden resultar o noî. Y como no le teme al fracaso, se ha encargado de la mejor manera de derribar el mito de que en Chile es muy difÌcil hacer diseÒo: con productos originales, reconocibles y que han cruzado fronteras. Por ejemplo, este aÒo estuvo en la Feria de Mil·n con un mobiliario de terraza de pl·stico reciclado, que es modular y apilable. Pero adem·s sus creaciones se venden en m·s de 25 paÌses. Su trabajo m·s conocido es el SelkíBag, un saco de dormir que es como un traje, y que permite dormir con la misma soltura que en una cama, pero en un camping. Su cat·logo adem·s incluye unos pinchos para dedos, pantuflas, salerosÖ Rodrigo define el diseÒo como ìla uniÛn perfecta entre lo funcional y lo emocional, que es lo que genera una atracciÛnî. Para Èl, un buen producto tiene que remecer un poco, generar una sonrisa, sensaciones positivas. Hace unos meses comenzÛ una nueva etapa en su

carrera y se asociÛ con Porta 4, donde trabajan unas 180 personas, para crear ahÌ un ·rea de diseÒo industrial y trabajar en proyectos con empresas, que van desde editorial, diseÒo, branding y arquitectura de marca. Paralelamente continuar· desarrollando investigaciones para llegar a productos innovadores y originales. ìLa copia le ha hecho un daÒo enorme al diseÒo en Chileî. En Porta 4, explica, trabajan con la idea de que las empresas incorporen el di-seÒo como valor agregado y como potencial de crecimiento econÛmico. Alonso opina que ìes posible generar desarrollo econÛmico si las empresas tienen diseÒo desde la creaciÛn y no desde la copiaî. Lo que ofrecen es una experiencia, que abarca una investigaciÛn exhaustiva de sus necesidades, en todas las etapas del trabajo, para entregarles una ayuda completa. Es un trabajo macro, que consiste en crear todas las experiencias relacionadas con una firmaî. Uno de sus primeros trabajos desde la agencia fue para ProChile, en conjunto con la diseÒadora Macarena Aguilar (DAW) y los arquitectos Nicol·s Lipthay (Kitcorp) y Diego Aigneren ( Aigneren Arquitectos), en que desarrollaron un sistema modular de pabellones para exposiciones de cualquier marca sectorial (turismo, vinos, cosmÈticaÖ). ìEl trabajo era comunicar la imagen paÌs, y reforzar la identidad. Se estudiaron los materiales, la idea de hacer

mucho con poco y la simpleza como herramienta para dar soluciÛn a los problemasî. El resultado fueron estos mÛdulos de madera, con soportes reciclables transversales a todas las industrias, lo que le permite al paÌs contar con un valor agregado a la hora de presentarse ante el mundo. A ese diseÒo se suma la iniciativa de medir la huella de carbono de las empresas chilenas que participen de las ferias en que est· presente ProChile, de manera de poder neutralizarlo a travÈs de distintos proyectos en SudamÈrica. Esta preocupaciÛn por el medio ambiente est· tambiÈn en consonancia con el trabajo de Rodrigo Alonso, que busca usar dentro de lo posible, materiales reciclados o biodegradables, cuya producciÛn gaste menos energÌa, con procesos limpios, que generen pocos desechos y que sean eficientes para el transporte, apilables, desarmables o modulares y que tengan un impacto social. ìChile puede que tenga un potencial estÈtico menor que otros paÌses, pero a˙n dentro de nuestra precariedad tenemos mucho que ofrecer, y desde afuera hay interÈs en esoî. Y Èl lo est· aprovechando.

ació en Buenos Aires, Argentina, el 6 de mayo de 1942.Estudios cursados Instrucción primaria: Escuelas públicas oficiales. Principales aspectos de su actividad profesional 1958. Se inicia como dibujante e incursiona en la fotografía en la agencia de publicidad Irupé Propaganda. 1962. Diseñador gráfico en Agens publicidad. Comienza a colaborar free-lance con el Instituto Torcuato Di Tella. 1964. Diseñador gráfico en Cícero publicidad. 1966. Integra el equipo estable del Departamento de Diseño Gráfico del Instituto Torcuato Di Tella hasta el cierre de la institución, en 1970. 1971. Forma junto a Juan Carlos Distéfano el estudio «Distéfano+Fontana comunicación visual». En 1976, Distéfano abandona la profesión para dedicarse a la plástica. 1976. Forma el «Estudio Rubén Fontana & asociados, comunicación visual». 1987. Comienza a editar la revista «tipoGráfica, comunicación para diseñadores», publicación especializada que ha dirigido hasta el presente. 1993. Inaugura la tradición de festejar los aniversarios más significativos de la revista tipoGráfica con importantes encuentros y festivales de Diseño y Tipografía, referentes en Argentina y la región. En ese contexto es director de la muestra organizada para conmemorar el séptimo aniversario de la revista, la que convocó más de doscientos trabajos de diseñadores del mundo y se expuso en la Galería Ruth Benzacar. 1994. Como evolución del anterior, forma el estudio «Fontanadiseño», junto a Pablo y Soledad Fontana y que integra un equipo interdisciplinario de quince profesionales de las áreas de la comunicación (ver Fontanadiseño, página siguiente). 1994/95. Reinicia regularmente su actividad como tipógráfo. Diseña para la revista tipoGráfica el programa alfabético Fontana. Esta fuente es de

RUBEN FONTANA

las primeras que se proyectan contemplando las particularidades formales y funcionales del idioma español y es también pionera en Latinoamérica en diseñarse para el uso exclusivo de una edición masiva. Revisado y ampliado entre 1999 y 2001, el sistema Fontana ND, de 30 variables de color y ancho, fue adquirido por Neufville Digital para su distribución mundial. 1997. Tiene a su cargo la dirección y organización del ciclo de conferencias «La formación del diseñador y la práctica profesional», organizado con motivo de cumplirse diez años de la aparición de la revista tipoGráfica. Con la participación de disertantes de Argentina, Francia, España, EEUU y Canadá, asistieron 1600 personas de Argentina y países limítrofes. Fue designado por la Association Typographique Internationale (AtypI) para representar a la Argentina en esa institución, que reúne a los principales referentes, profesionales y académicos, de la tipografía del mundo. 2001. Tiene a su cargo la dirección y organización de «tipoGráfica buenosAires, encuentro internacional de tipografía para la vida real» realizado con motivo del 15 aniversario de la creación de la revista tipoGráfica. Este evento convocó a 700 personas provenientes de Argentina, Chile, Cuba, Ecuador, México, Paraguay, Uruguay y Suecia. Con disertantes de Alemania, Inglaterra, EEUU, Holanda, Suiza, Grecia y Argentina, fue el evento de diseño y tipografía más importante desarrollado en Latinoamérica enteramente en idioma español. Estudio Fontanadiseño Desde hace 36 años el estudio Fontanadiseño desarrolla una amplia y diversa actividad profesional en Argentina, con proyección en los países de Latinoamérica. En los últimos diez años, el equipo liderado por Rubén Fontana se ha especializado en el diseño e implementación de programas integrales de Identidad

Institucional y Corporativa. Entre sus áreas de actuación más importantes y sus clientes más destacados figuran: 1992/2000. Sistemas integrales de identidad corporativa para empresas de servicios públicos y consumo masivo: Telecom, Metrogas, Supermercados Disco, Disco Card, Disco Virtual, Easy, Páginas Amarillas, Personal, Arnet, Morph, Buró, SPM, Travelpass. 1990/2000. Sistemas integrales de identidad corporativa para entidades bancarias y financieras: Banco de Crédito Argentino, Banco Mercurio, Banco Credicoop, Bansud, Banco Velox, Banco Bisel Crédit Agricole, Argencard. 1995/2002. Diseño de imagen y comunicación institucional para fundaciones: Fundación Hermanos Rocca, Fundación Retama, Fundación Bases (Pent). Junior Achievement, Junior Community. 1993/2001. Diseño de ediciones de circulación masiva: Atlas Turístico de la Argentina (Clarín), Enciclopedia Esperando al Doctor (Clarín), periódico Le Monde Diplomatique (edición para Latinoamérica), periódico El Sol (Mendoza), Diario La Nación, revista tipoGráfica. 1998/2001. Diseño de etiquetas de productos y packaging: La Hacienda, Nabisco Terrabussi, San Juan de los Olivos, Bells, Ledesma. 1998/2001. Diseño de arquigrafías y señalización: Galería de Arte Ruth Benzacar, Patio Bullrich, Unicenter Shoping, Easy Argentina, Torraspapel Argentina. 1968/2002. Edición de Memorias y Balances, Brochures Institucionales y Newsletters: Grupo Techint, Grupo Fortabat, Mercado de Valores de Buenos Aires, Bolsa de Comercio de Buenos Aires, Grupo Camuzzi, Central Costanera Norte, Telefónica, Grupo Telecom, Molinos Río de La Plata, Minera Lumbrera, Quilmes, Peñaflor. 1968/2002. Diseño y coordinación de ediciones especiales: «Libro del Centenario» (Cervecería y Maltería Quilmes, 1990), «Un arte escondido. Objetos del

monte argentino» (Fundación hermanos Agustín y Enrique Rocca, 1998), «Cominenzo, Uno, Vos, Sea, Conmigo, Hondo» (Horacio Sanchez Caballero, 1998). «Juan Carlos Distéfano en el Museo Nacional de Bellas Artes» (Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, 1998), «Mapuches del Neuquén» (Luz Editora, 2002). A lo largo de su trayectoria profesional Rubén Fontana y su equipo han trabajado en asociación con importantes equipos colegas, como Pentagram de Nueva York y América Sanchez de Barcelona. Ha coordinado su disciplina con el trabajo de consultoras como Gallup, MacKinsey, I+C Consultores (Norberto Chaves). Distinciones a su labor profesional 1969. El Instituto Di Tella es seleccionado por el Centro de Investigaciones de Diseño Industrial y Gráfico de Buenos Aires (CIDI), como una de las cinco empresas o instituciones con mejor imagen gráfica del país, desarrollada por su departamento de gráfica. Obtiene una distinción personal otorgada a cuatro piezas gráficas seleccionadas para el concurso internacional «Tipomundus 20/2» (por la excelente contribución al desarrollo del Diseño gráfico del siglo XX). 1983. Obtiene el 1° premio en el concurso de afiches organizado por la Fundación San Telmo, Buenos Aires. 1986/87. La Cámara Argentina de Publicaciones le otorga distinciones a los siguientes trabajos: catálogo para exposición de Juan Carlos Distéfano, catálogo para exposición de Lorenzo Gigli y libro de arte para Carlos Alonso. 1988. Obtiene el 1° premio en el concurso de sellos postales con motivo del bicentenario de la Revolución Francesa, organizado por el Correo Central y la Embajada de Francia. 1968/98. Obtiene 25 distinciones otorgadas por la Bolsa de Comercio, el Mercado de Valores y la Cámara de Sociedades Anónimas, por las ediciones de

Tipografías creadas por Ruben Fontana

memorias y balances diseñadas y producidas para: Siderca, Santa María, Propulsora Siderúrgica, Banco Comercial del Norte, Banco Español del Río de la Plata, Techint, Telefónica de Argentina y Grupo Fortabat. 1990. La ADG le otorga dos distinciones, una por el catálogo de la Organización Techint y la otra por la revista tipoGráfica. 1991. El Cayc (Centro de Arte y Comunicación), le otorga a la revista tipoGráfica la Etiqueta de Buen Diseño. La revista tipoGráfica obtiene el subsidio de la la Fundación Antorchas para ser enviada a la principales escuelas de diseño y museos de la Argentina y del mundo. 1992. La Fundación Konex lo distingue con el Diploma al Mérito y el premio Konex de Platino en la disciplina Diseño Gráfico -el primero que se entregó en esta categoría- a la trayectoria de la década. 1993. La Escuela Superior de Diseño Gráfico de Rosario distingue a la Revista tipoGráfica con el premio «Mina de oro». 1994. La Escuela de Bellas Artes «Carlos Morell» de Quilmes, le dedica la muestra de trabajos de los alumnos de la Carrera de Diseño Gráfico que se realizó en el Complejo Cultural Mariano Moreno de Bernal. 1995. La ADG le otorga a Fontanadiseño dos distinciones, una por la ambientación de la Galería de Arte Ruth Benzacar y la segunda, en la categoría de autopromoción editorial, por el diseño y producción integral del libro «Las calles de los nombres». 2001. La Secretaría de Cultura y Medios de Comunicación de la Nación selecciona a la revista tipoGráfica para el Plan de Promoción a la Edición de Revistas Culturales. El evento organizado por la revista, «tipoGráfica buenosAires, encuentro internacional de tipografía para la vida real» es declarado de interés cultural y auspiciado por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. La tipografía Fontana ND recibe el Certificado de Excelencia en Diseño Tipográfico

otorgado por la Asociación de Diseñadores de Tipografías de Moscú y la Association Typographique Internationale (ATypI), al ser seleccionada entre las ganadoras del concurso bukva:raz!, organizado con motivo del Año del Diálogo entre las Civilizaciones (declarado de interés mundial y auspiciado por las Naciones Unidas). Principales Aspectoes de su Actividad Académica y Cultural Aspectos de su actividad académica y cultural 1973. Investigador docente del Cicmat, Centro de Investigación en Comunicación Masiva Arte y Tecnología de la Ciudad de Buenos Aires. Jefe de trabajos prácticos en la materia «Introducción a las artes» en la cátedra «Historia del arte», Facultad de Filosofía y Letras de la UBA. 1985. Jefe de trabajos prácticos del primer año de grado de la carrera de Diseño Gráfico, en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la UBA. 1986. Titular de la cátedra «Diseño III«, Escuela de Diseño de la Universidad Nacional de Cuyo (Mendoza). Profesor adjunto en la cátedra Coppola «Diseño Gráfico» en la FADU, UBA. 1987. Fundador y responsable de la incorporación de las materias «Aproximación a la tipografía» y «Diseño Editorial» en la currícula de la carrera de Diseño Gráfico de la FADU, UBA. 1988. Titular de la materia electiva «Diseño Editorial», cargo que ocupa hasta 1990. En el mismo período dicta un «Seminario anual de Tipografía» en la carrera de Diseño Gráfico de la FADU, UBA. 1989. Dicta por invitación un seminario de 15 clases sobre Diseño Gráfico Editorial, en el Instituto Superior de Diseño Industrial de la Oficina Nacional de Diseño, La Habana, Cuba. 1990/91. Titular de la materia «Tipografía I y II» en la carrera de Diseño Gráfico, FADU, UBA. 1992. Titular de la materia «Tipografía I y II» ; titular y fundador de la materia electiva «Tipografía III», en la carrerra de Dise-

ño Gráfico, FADU, UBA. Es invitado por la Facultad de Artes de Oberá, Misiones, a dictar un curso de Tipografía de tres jornadas para docentes de la carrera. 1993. Concursó la titularidad de la materia «Tipografía» ante los jurados Guillermo González Ruiz y Alfredo Saavedra de la Universidad de Buenos Aires, y Jorge Frascara, por la Universidad de Alberta, Canadá, obteniendo el cargo de Profesor de la Universidad de Buenos Aires en forma efectiva, con el primer término en orden de mérito. 1993/1998. Titular de las materias anuales «Tipografía I» y «Tipografía II» y de la electiva «Tipografía III, diseño para la Información». 1996. Dicta junto a la profesora Zalma Jalluf el primer Posgrado en Tipografía de la Universidad de Buenos Aires. 1997. Invitado por la Universidad de las Américas en Cholula, México, a dictar una Maestría en Tipografía a los profesores de la Carrera de Diseño de dicha universidad. 1998. Renuncia al cargo en la Universidad de Buenos Aires. 1999. Junto a la profesora Zalma Jalluf, es nuevamente invitado a dictar la Maestría en Tipografía en la Universidad de las Américas, Cholula, México. Dicta un seminario intensivo sobre Tipografía junto a la profesora Zalma Jalluf en el Instituto Superior de Diseño Industrial en La Habana, Cuba. Es invitado para dictar un seminario de diez clases sobre Tipografía en la Universidad Diego Portales, Santiago, Chile. 2000/2001. Dicta la materia «Diseño, Estrategia y Gestión» en la Maestría en Diseño de la Universidad de Palermo, Buenos Aires. 2002. Es invitado para dictar conferencias por la Asociación de Diseñadores Gráficos de San Pablo, Brasil y en asociaciones profesionales privadas de Uruguay. La Pontificia Universidad Católica de Chile lo invita a dictar un Diplomado en Tipografía, en el marco de los estudios de posgrado de la carrera de Diseño Gráfico. La

Carrera de Diseño de la Universidad de Los Lagos, Chile, y la Universidad de Ecuador lo invitan a dictar un ciclo de clases relativas a la actividad profesional. La Universidad de Alberta, Canadá, lo invita a disertar en el marco del ciclo de Conferencias «El diseño como espacio comunicacional». Paralelamente a la actividad docente, desde 1989 y hasta la actualidad, Rubén Fontana ha coordinado y tutelado varios proyectos de tesis e investigación de alumnos latinoamericanos y europeos. Charlas y conferencias Desde 1986 ha dado charlas y conferencias en distintas escuelas y universidades de Brasil, Cuba, Chile, Holanda, México y Paraguay. En la Argentina, dictó conferencias en escuelas y universidades públicas y privadas de la ciudad de Buenos Aires y en las provincias de Buenos Aires, Córdoba, Mendoza, Misiones, Neuquén, San Luis, Santa Fe y Tucumán. Elaboración de programas de estudio 1972. Elabora junto a Juan Carlos Distéfano los planes de estudio para la Beca de Especialización del Departamento de Diseño Gráfico del Centro de Investigaciones en Comunicación Masiva, Arte y Tecnología de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires (Cicmat). 1987. Elabora los planes de estudio para la materia electiva «Diseño Editorial» que dicta desde 1987 y hasta 1990 inclusive en la FADU, UBA. 1989. Elabora junto a los profesores Carlos Venancio y Guillermo Coni Molina los planes de estudios para tres niveles, que permiten incorporar la materia «Tipografía» a la carrera de Diseño Gráfico, FADU, UBA. 1993. Junto a los profesores Carlos Venancio, Zalma Jalluf, Andrea Palmáz y el grupo de docentes de la cátedra, perfecciona el programa de Tipografía para cuatro niveles anuales, de la carrera de Diseño Gráfico, FADU, UBA.

Ligaturas creadas por Fontana

SEBASTIÁN ERRAZURIS

ARTISTA Y DISEÑADOR

hileno, nacido en Nueva York, artista y diseÒador Sebasti·n Err·zuriz busca crear obras que pueden recordar a la gente de su mortalidad, los invitamos a ver de nuevo a sus vidas y CuestiÛn de su rutina diaria. Su obsesiÛn con las dicotomÌas de la vida y la muerte est·n presentes en sus esculturas, obras de arte, objetos de consumo, muebles y moda, incluso. Seleccionado uno de los mejores diseÒadores emergentes por la revista ID, que tambiÈn ha sido elegido DiseÒador chileno del aÒo, y recibiÛ varios premios por concursos de diseÒo, y los medios de comunicaciÛn internacionales.

Su gran escala vanguardista obra de arte p˙blico ha recibido elogios de la crÌtica. Sus piezas ˙nicas se han incorporado en m·s de 40 exposiciones, incluyendo Tokio, Nueva York, ParÌs y Barcelona. Su retrato en varias portadas de revistas y cientos de artÌculos mostrando su trabajo, muestran el interÈs de la crÌtica y los medios de comunicaciÛn que siguen de cerca cada uno de sus nuevos proyectos. Nacido en Santiago de Chile y creciÛ en Londres, Sebastian siguiÛ cursos de arte en Washington y cursos de cine de Edimburgo, diseÒo en Santiago y m·s tarde recibiÛ un MFA de la Universidad de Nueva York. A los 28 aÒos,

Sebasti·n y las Campanas fueron los ˙nicos que viven los sudamericanos que se subastar· en Sothebys importantes diseÒos del siglo 20. Su trabajo de diseÒo en la actualidad forma parte de varias colecciones privadas internacionales. Con sede en Nueva York y cuenta con oficinas y talleres en Santiago; como artista Sebasti·n est· preparando en la actualidad las instalaciones p˙blicas de arte urbano de Nueva York, Madrid y Santiago. Como diseÒador, es la creaciÛn de productos para clientes que van desde la tienda de diseÒo del Museo de Arte Moderno de Nueva York a encargos privados y los interiores. Miembro de la facultad y la universidad profesor Sebasti·n ha participado regularmente con columnas editoriales personales en periÛdicos, revistas, radio y televisión.

Sebastián Errázuris trabajando en madera

YVES BEHAR Yves Behar es un diseñador, empresario y defensor de la sostenibilidad. Él es el fundador de fuseproject, de San Francisco y Nueva York basado en el diseño y firma de la marca que estableció en 1999. También es Director Creativo de Jawbone [3], donde se construyó como la marca a través de productos, el embalaje, la experiencia del usuario y el diseño de comunicación durante los últimos 8 años. Béhar nació en Lausana, Suiza, de madre alemana y padre turco. Estudió diseño industrial en Europa y los Estados Unidos, y cuenta con una licenciatura en Diseño Industrial por el Art Center College of Design de California. Actualmente, preside el Departamento de Diseño Industrial en la Universidad de California de las Artes. Al fundar fuseproject en 1999, Behar dijo que su objetivos son tres. En primer lugar, que quiere ser un futurista y optimista sobre las posibilidades de las nuevas tecnologías. En segundo lugar, es un humanista, en que sus diseños tratan de poner la experiencia humana en primer lugar. Y, finalmente, es un naturalista comprometido, la promoción de formas sostenibles de vida y de consumo. Esa fusión, de la tecnología con la humanidad, de la marca y la historia, de todos los aspectos de diseño, desde el producto a la publicidad en línea para que el punto de venta a la experiencia del usuario, es su mensaje central. Él dice: “Tenemos un pie en el espacio del consumidor y un pie en el espacio de nuestros

clientes, por lo que puede actuar como un puente, o pegamento.” Diseños Béhar y el posicionamiento creativo en el trabajo en áreas tan diversas como la moda, el estilo de vida, deportes y tecnología, para clientes como Herman Miller, PUMA, One Laptop Per Child, Jawbone, MINI, ver mejor a aprender mejor, GE, Swarovski, Samsung, Jimmyjane y Prada. Béhar es también el co-fundador de la cuna a la cuna Instituto de Productos de Innovación. Fuseproject fue el máximo ganador de los premios Empresa IDSA IDEA / Rápido con 14 productos ganadores en 2010. Él es el Director Creativo de la compañía de tecnología altamente aclamado portátil, Jawbone. Realiza el Jawbone marca, el embalaje, las comunicaciones y los productos. Él diseñó el JAMBOX, completamente inalámbrico, bluetooth altavoz compacto de audio y también trabajó en UP, el nuevo estilo de vida y el bienestar de Jawbone producto. Behar es un socio en ropa interior PACT, una compañía de ropa interior orgánica que da el 10% de sus ingresos a las diversas organizaciones no lucrativas que se asocia con, como el crecimiento creativo y Valencia 826. También se asocia con Peel, una compañía que creó una aplicación y un ecosistema de hardware que convierte tu dispositivo móvil en un televisor a distancia universal. Otras inversiones y empresas asociadas incluyen la limpieza de menta, Fanhattan, los motores de la Misión, Ywater, los medios de

comunicación de Igualdad y Herman Miller. En 2009, colaboró con Ethan Imboden de Jimmyjane en el placer de la línea de gente de a prueba de agua vibradores recargables, incluso la forma 2, 3 y FORMULARIO DE FORMULARIO 4. Él es el jefe de diseño industrial de la computadora portátil XO de OLPC, la firma con el proyecto en 2005 y ha estado con el equipo desde marzo de 2006. Esta colaboración ha dado lugar a dos prototipos de portátil adicional, el Besos, OLPC y OLPC XO-3. En 2008, Behar rediseñado el logotipo NYC Condom y embalaje, así como las máquinas expendedoras de preservativos NYC para la ciudad de Nueva York Departamento de Salud como parte de una iniciativa para reducir el VIH / SIDA y embarazo adolescente. Behar diseñado lentes para el “Ver Bien párrafo Aprender Mejor”, programa en México para ofrecer atención oftalmológica a los estudiantes [18]. Los pares de programa libre de la costumbre gafas diseñadas en todo México desde 2010. En mayo de 2011, Behar se asoció con Tipping Point, una organización filantrópica basada en San Francisco, que hizo una promesa de la liga “Ver Bien para Aprender” del programa, con el objetivo de distribuir pares de anteojos gratis a los estudiantes de Área de la Bahía.

EVENTOS CULTURALES

CICLO DE CINE FIN DEL MUNDO: MELANCOLÍA, DE LARS VON TRIER

MÁS ALLÁ DE LA VIDA, DE CLINT EASTWOOD

La premiada coproducción de Dinamarca-Alemania-Suecia en 2011, inicia con un prólogo de imágenes oníricas con música de Wagner para continuar con las dos partes que componen el relato: Justine, que muestra a Kirsten Duns (mejor actriz Festival de Cannes 2011) en medio de su boda. Y Claire que se centra en la difícil relación con su hermana, mientras un desconocido planeta avanza para chocar con la Tierra.

Largometraje estrenado en 2010 donde se unen lentamente tres historias acerca de personas afectadas por la muerte. George (Matt Damon), un atormentado medium que intenta rehuir a su habilidad de comunicarse con los muertos; Marie, una conductora de televisión francesa traumada por su experiencia en el tsunami de Tailandia en 2004 y Marcus, un niño inglés, hijo de una adicta, que pierde a su hermano gemelo.

Sala:A1 Temporada: 18 DIC - 19.30 h Entradas: GRATIS (por orden de llegada (cupos limitados) Observaciones Estacionamientos subterráneos por Villavicencio 354

Sala: A1 Temporada: 20 DIC - 19.30 h Entradas: GRATIS por orden de llegada (cupos limitados) Observaciones Estacionamientos subterráneos por Villavicencio 354

STGO A MIL: NOSOTRES

STGO A MIL: LA LENGUA

La Pieza intenta desarticular las categorías de género aplicadas al cuerpo, entendiendo a éstas como una construcción sociocultural condicionada por oposiciones tales como: masculinidad-feminidad, humano-animal, objeto-sujeto, pasivo-activo, heterosexual-homosexual. Ahora bien, ¿Cómo sustituir estas oposiciones binarias que jerarquizan y determinan un cuerpo? ¿Podemos concebir al cuerpo como una simultaneidad de posibilidades, como una multiplicidad y una serie de devenires?

La investigación de lenguaje para esta obra tiene como foco la capacidad del cuerpo de sumergirse en lo inconsciente. El movimiento está puesto en función de la búsqueda de lo indefinible, lo indescifrable, eso que es propio de lo físico, emitido y comprendido desde el cuerpo. La lengua ahonda en la exploración de la danza como lenguaje poético y simbólico, como medio de contacto con el propio infinito. Su estructura es cíclica, zodiacal. Es a partir de esta búsqueda hacia lo desconocido que surge la idea de viaje iniciático en el cual “el héroe” debe enfrentarse a las fuerzas de la oscuridad para ir al encuentro de la totalidad..

Sala: B1 Temporada: 15, 16, 18 y 19 de ENE / 21:00 h. Entradas: General $4.000 / estudiantes y niños $3.000 Observaciones: Estacionamientos subterráneos por Villavicencio 354

Sala: B1 Temporada: 9, 10, 11 y 12 de ENE / 21:00 h. Entradas: General $5.000 / estudiantes y niños $2.500 Observaciones: Estacionamientos subterráneos por Villavicencio 354