in.notes#3 -February 2015

FEB. 2015

IN. Notes

ISSUE No 3

想想：劇場平台的發展 (上)

花

表演藝術Showcase的台灣經驗 表演藝術市集的互惠 一個幾乎沒有門檻的表演藝術展演平台—臺北藝穗節

南海藝廊

走跳世界

張宏維 陳汗青 許愛咪

國際組織的共同挑戰

The Taiwan Experience of Performing Arts Showcase A Reciprocal Showcase System Taipei Fringe Festival—a Performing Arts Platform for All

Many Thanks! 謝謝你們 Angela Pai Ariel Lien Cecilia Mu Claire Chen 陳怡吟 Kay Wang Liting Liu Lydia Chang 張雯娟 PANDA表演藝術網絡發展協會 Suie Lo Volare Huang Wen-chieh Wang 三缺一劇團 六藝劇團 王如萍 王惠娟 宋建璋 李慧珍 金崇慧 狠主流多媒體 孫洪梅 徐仲驊 高端禾 張正宜 張貽萱 莊增榮 許銘文 陳紹元 曾瑞蘭 黃蘭貴 詹慧君 端木芸珊 潘克定 蔡如歆 鄭景純 謝竺晉 以及 28位無名氏

Photo

Florian Klauer

(以筆劃排序)

2014年4月12日，我們在台灣的 Flying V 平台開了一個IN.Notes 堅持雙語出版的贊助專案，IN.Notes 不僅達到了 原先設定的第二期專業翻譯費用，甚至可將此筆費用沿用至第三期專刊上，先前因為稿件截止原由，未能將所有 支持我們的朋友一一列上，故在第三期出刊的此時，我們把所有參與此次募資活動者的朋友們，列於以下的致謝 名單內，非常感謝實際捐款支持這個專案的你和妳。 因為有你們，IN.Notes 得以持續下去，在這裡深切的致上我們的謝意！

Florian Klauer

IN.Notes ISSUE 3

平台什麼服務， 服務了誰？ 第三期來晚了！對許多殷殷期盼的朋友們感到十分抱 歉。我們將於本期與第四期的焦點放在「平台」的專題 上。這期選定「表演藝術聯盟」與「臺北藝穗節」討論 表演藝術匯演的主題。前者每年的國際Showcase針對 國際策展人，為國內表演團隊搭建演出平台；後者則每 年夏天開放給任何想要表演的專業或業餘團隊或個人， 利用藝穗節的合作空間上演夢想。下一期，我們將以 「Vocal Asia」、「PANDA表演藝術網絡發展協會」與

歡迎大家認領 IN.Notes IN.Notes這份刊物原本便希望開放大家討論議題，也做

「TATT台灣技術劇場協會」，續談平台組織的功能與相

經驗的分享與傳承。兩期以來，引起很多討論，國內

關社群。

外的矚目，超過400人的訂閱，轉發分享與下載不計其 數。於此再次向大家招手，歡迎有想法，想要執起第五

想做「平台」專題將近一年，主要在於台灣的我們對於

期、第六期、第七期…任何一期未來IN.Notes的劇場朋

平台概念薄弱，或許因為平台蓬勃發展是近幾年的事，

友認領。期待不同的發想者，用不同的角度，不同的視

或過往平台多是社交聯誼或無聲無息的存在；絕對也跟

覺呈現，完成屬於所有藝術行政的刊物。

台灣人民習慣自己獨立打拼，往往忽略彼此努力的目標 相同，應發揮串連力量。「平台」服務族群與項目鮮少 單一，因此難以如團隊品牌發展能見度。因此我們希望 透過平台的專題，觀察劇場人的我們對自己的平台認知 有多少。

凱西 IN.Notes#3發想

IN.Notes ISSUE 3

CONTENTS

01

發想 平台什麼服務， 服務了誰？

想想： 劇場平台的發展 (上)

4 張宏維 表演藝術Showcase的台灣經驗 The Taiwan Experience of Performing Arts Showcase 15 陳汗青 表演藝術市集的互惠 A Reciprocal Showcase System 21 一個幾乎沒有門檻的表演藝術展演平台— 許愛咪 臺北藝穗節 Taipei Fringe Festival— a Performing Arts Platform for All

30

我們 Arts People

44

沒有不做的事， 事事與人有關的藝術行政

好用小辭典 IN.Notes Dictionary

問獨立製作人Yukio Nitta

「從藍色裡出來」、 「死掉的貨運」又是什麼？

探察員Researcher

田珈伃

48

走跳世界 國際組織的共同挑戰

洪凱西

In.Notes#3 Team 撰稿

張宏維 陳汗青 許愛咪 田珈伃 洪凱西

英文翻譯

視覺設計

平台專題顧問

劉海宇 吳杰儒 賴瀅如 馮怡蓁 林巧若

發想

洪凱西

陳汗青 田珈伃 黃曉薇 王序平

特別感謝 PANDA表演藝術網絡發展協會 行政協力

Contributors Hung-Wei Chang Yukio Nitta Amy Hsu Maggie Tien Kathy Hong English Translation Janice Lau Lulu Wu Ying-Ju Lai I-Chen Feng Visual Design Kaka Lin Initiator Kathy Hong Features Consulting Team Yukio Nitta Maggie Tien Hsiao-Wei Huang Hsu-Ping Wang Special thanks to Performing Arts Network Development Association for administrative assistance.

*

IN.Notes is an independent digital publication for arts professionals in Taiwan. All views are only of the author’s.

For more information or to get involved, please email innotes.mag@gmail.com

show·case

IN.Notes

FEATURE

noun \shō-kās\ 想想

1. a box that has a glass top or side displaying objects in a store, museu

劇場平台的 發展 (上)

2. an event, occasion, etc., that sho someone or something in an attrac Merriam-Webster Dictionary

01

IN.Notes

FEATURE

表演藝術Showcase的 臺灣經驗 文

張宏維

Photo

Josefa Holland

表演藝術聯盟專案經理

4

FEATURE

想想：劇場平台的發展 (上)

es and that is used for um, etc.

ows the abilities or good qualities of ctive or favorable way

表演藝術Showcase，顧名思義就是演出的「精品展示櫃」，也可以說是表演藝術的「世貿 展」，或者也可稱之「藝術市集」。因為有越來越多的國際節目需求，場館、藝術節需要購 買節目，表演團隊想拓展演出機會，讓雙方相遇，有交易會性質的Showcase應運而生。 截至2014年為止，臺灣共辦理過七次的表演藝術Showcase。最近一次為2014年10月13至18 日於臺北及高雄舉辦，活動包含於由文化部主辦的「衛武營玩藝節」中，共有二十個國內表 演團隊分六場次演出，有來自十五個國家、三十七個單位，共四十二位國際策展人參與。 這七次的Showcase均為文化部（文建會）主辦，首次為2005年於高雄衛武營舉辦的「2005全 國表演藝術博覽會」，由紙風車文教基金會及臺北市藝術推廣協會承辦。第二次為2006年文 建會與兩廳院共同主辦的「臺灣新風表演藝術集 – 台灣秀秀秀Showcase」，表演藝術聯盟 參與了部份的行政作業。

5

2005年的Showcase以「大匯演」的方式，多以戶外搭台

環顧世界各國的同類型活動，也都秉持著此三原則進

演出，活動也開放給一般觀眾參與。2006年的Showcase

行。世界規模最大，兩年一次的加拿大 CINARS，自

活動在兩廳院舉辦，也開放部份座位給一般觀眾參與。

1984年迄今已舉辦至第十六屆，日本橫濱的TPAM即將

其後相關活動中斷了三年，到了2010年才將Showcase活

於2015年邁入第二十屆，韓國首爾的PAMS自2005年開

動規劃於「華山藝術生活節」中，藝術節連續四年舉

始舉辦。以舞蹈為主，於德國杜塞道夫舉辦的Interna-

辦。2015年，文化部希望活絡南部市場，且期望幫衛武

tionale Tanzmessse始於1994年，加泰隆尼亞的FiraTarrega

營藝術文化中心打下更好的基礎，將活動移至南部，成

更自1981年就開始舉行。

為「衛武營玩藝節」。 由此可見，「經營」與「永續」將是未來臺灣辦理此類

2010至2014年的Showcase活動均為表演藝術聯盟承辦，

活動的首要議題。連續舉辦五年，並不能將台灣放上藝

於每年十月舉行，這五年的Showcase活動均未對一般觀

術市集的世界版圖，但若不長線思考，則永無機會。以

眾開放，除海外策展人外，獲邀的觀眾均為國內策展單

標案方式，將Showcase放進藝術節活動共同辦理，由規

位，如各縣市文化中心、大專院校藝術中心及其他國內

劃開始到執行，通常只有四至五個月的準備時間，即使

策展單位等。

辦理單位再有經驗，都很難對抗無情的deadline。

Showcase活動除了安排團隊演出，邀約國際策展人外，

而國際上大多數演出場館的節目至少都在一年前就排

也為來賓安排文化之旅，並根據策展人的需求，安排觀

定，重要的藝術節或場館甚至在二至三年前就已大致確

賞國內表演團隊演出、排練，或至表演團隊排練場參

定，且大多數策展人的時程表都很繁忙，臨時邀約除了

訪。除了上述活動外，也安排國際策展人擔任論壇講

不易邀請外，還有點不禮貌，要求辦理當年度就要有邀

者，分享第一手的經驗，或帶領工作坊，讓藝術行政從

約成果更是天方夜譚。或許仿效出版界辦理「台北國際

業者有更多的學習機會。

書展」，或者電影「金馬獎」的機制，是表演藝術界可 以借鏡的。責成常設單位，固定給予資金補助，長期規 劃，持續經營，才有可能看到未來的希望。

第一年華山藝術生活節，曾以「定時、定點、聚焦」為 目標，幾年的經驗下來發現，這三點仍是辦理Showcase 活動的核心原則。2010年，Showcase只邀來六位來自亞 洲的策展人，2011年來了二十二位，2012年有二十六 位，該年適逢兩廳院主辦亞太表演藝術中心協會年會 （Association of Asia Pacific Performing Arts Centres, AAP-

PAC），來臺參加年會的九十七位場館負責人也抽空參 加，2013年文化部交流司與表盟分頭邀約策展人，共有 五十三位策展人與會，為歷年最多。

6

FEATURE

7

想想：劇場平台的發展 (上)

過去五年表盟辦理Showcase的經驗，受限於活動均包含

五年下來，偶見團隊以相同作品參加，或者準備給策展

於藝術節中，且均由政府以標案方式「採購」，活動天

人的資料不夠完備，我們很想知道：表演團隊準備好了

數短，加上演出空間不足的先天限制，每年可至Show-

嗎？臺灣有沒有這麼多節目？而表演團隊也該自問：為

case演出的團隊都在二十團上下。在第一及第二年，表

什麼要出國演出？先回答了Why，接著才有其他W開頭

盟採公開徵件方式邀請團隊，再由業界專家學者、場

的問題。Showcase活動，只能協助「How」，其他的，

館或藝術節總監組成評審委員會，選出團隊參加Show-

團隊都該問自己。

case。第三年至第五年則採用推薦制，由評審委員會推 即使是國際巡演不斷的雲門舞集，在當年還沒有網際網

薦團隊參加。

路的時代，也得翻著電話簿、準備資料跟照片，在紐約 由於活動時間都在十月，適逢國內外演出旺季，許多想

沿街敲一家家經紀公司的門，穩紮穩打，苦心經營才有

參與的團隊無法分身，加上非專業場地的限制，讓舞

今天。而想出國演出的團隊也該再次思考「為什麼要出

臺技術難度高的作品難以呈現，也因策展人來自世界各

國演出？」

地，故「非語言節目優先」、「中、小型團隊優先」的 原則就成為評審共識。另外的原因是，主動報名參加的

雖然Showcase活動的起源是為了「交易」。但這幾年表

團隊並不踴躍。而2011年的Showcase曾想仿效國外藝術

盟自行辦理，也觀摩各國Showcase活動發現，表演藝術

市集設置攤位，供表演團隊使用，向國內外策展人推銷

跟書籍的版權交易不同，在許多藝術市集活動裡，當場

自己。但由於參加者過少，而未能成事。

談成交易的例子不多。先認識，交朋友，是大家的默 契。認識朋友、了解對方、理解差異，其他的事情自會

由於能夠參加Showcase的團隊有限，自2010至2013年，

水到渠成。不管是合作、交換、邀演、共同製作，通常

我們每年製作、印行國內表演團隊名錄，致贈所有來臺

從朋友身上開始。

的國際策展人以及國內策展單位及圖書館。也舉辦交流 茶會、策展人交流講座、工作坊，讓國內表演團隊有不 同接觸與參與機會。

8

FEATURE

01

想想：劇場平台的發展 (上)

IN.Notes

FEATURE

The Taiwan Experience of Performing Arts Showcase

By Hung-Wei Chang

Project Manager, Performing Arts Alliance

Performing arts showcases, as the name suggests, are the boutique showcases of performances, or the expositions of performing groups. One can perhaps also call it the “art marketplace”.

As there are more and more demands for international programs, showcases, being trade fairs of performing arts by nature, are timely emergences providing opportunities for theatres and festivals, which have the need to purchase programs, and performing groups, who would like to expand their touring opportunities, to meet with each other.

Cultural Affairs). The first showcase, known as the Taiwan Performing Arts Fair 2005, was held in Wei Wu Ying in Kaohsiung, and was co-organized by the Paper Windmill Arts and Educational Foundation and the Taipei Arts International Association. The second showcase in 2006, “A Novel Breeze of Performing Arts Series: A Taiwan Showcase,” was co-hosted by the Council for Cultural Affairs and the National Theater and Concert Hall.

The Performing Arts Alliance had provided some administrative support at the time.

As of 2014, Taiwan has held seven performing arts showcases in total. The most recent one was held in Taipei and Kaohsiung, from October 13 to October 18 in 2014. The activities were a part of the Wei Wu Ying Arts Festival, hosted by the Ministry of Culture. There were in total twenty local performing groups in six sessions.

Forty-two international curators from fifteen countries and thirty organizations attended the showcase.

The 2005 showcase was in the form of gala performances, most of which were outdoors.

All activities were open to the general public.

The 2006 showcase took place in the National Theater and Concert Hall, and some of the seats were open to the general public. There were three years of quiescence after that. It was not until 2010 that showcase activities were again revived and incorporated into the Huashan Living Arts Festival, which was held for four consecutive years. For 2014, the Ministry of Culture decided to move activities southward to Kaohsiung, in the hope of enlivening the

All seven showcases to date were hosted by the Ministry of Culture (formerly the Council for 9

market down south of the island, and expected to lay down a better foundation for the Wei Wu Ying Center for the Arts by setting up the Wei Wu Ying Arts Festival.

All showcase activities between 2010 and 2014 were organized by the Performing Arts Alliance, and were held regularly in October.

The recent five showcases since 2010 were not open to the general public. Besides international curators, all other invited audience were local curating organizations, such as municipal and countylevel culture centers, college art centers and other local curators.

In addition to organizing performances and inviting international curators, showcase activities also include planning cultural tours for guests. Upon curators’ requests, performances by local groups, or visits to their companies or rehearsals might also be arranged.

In addition to the above-mentioned activities, international curators are also invited to act as forum speakers to share experiences or lead workshops for producers, programmers and such.

The goals of the showcase in the first Huashan Living Arts Festival were to be held at a fixed time, at a fixed location, and with a focused theme. After several years of experiences, these three points still remain to be the core principles in organizing showcase activities. The 2010 showcase had received only six Asian curators; in 2011, there were 22 international curators, and in 2012, 26 curators. 2012 was also the year when the National Theater and Concert Hall hosted the annual meeting of the Association of Asia Pacific Performing Arts Centers (AAPPAC), and 97 additional venue managers also participated in the showcase activities that year. In 2013, the Ministry of Culture and the Performing Arts Alliance collaborated in inviting curators, and succeeded in inviting 53 curators, which was the highest attending number so far.

Similar activities around the world are also organized based on these three principles. The largest showcase is the biennial CINARS in Canada since 1984, which has already held 16 gatherings to date. The annual TPAM in Yokohama, Japan is also celebrating its 20th year in 2015. PAMS in Seoul, Korea started in 2005, and focused mainly on dancing. The Internationale Tanzmessse in DĂźsseldorf, Germany began in 1994, while the FiraTarrega in Catalonia started as early as 1981.

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FEATURE

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想想：劇場平台的發展 (上)

It is clear that sustainability and development will be prime issues for holding similar activities in Taiwan in the future. Holding showcase activities for five consecutive years does not automatically put us on the world map of art marketplaces. We need to think long-term to develop opportunities. Including showcase planning into a festival and subject it to an open bidding process rule out long-term planning and pressures whoever, even with experienced organizers, to work with a very tight four to five months timeframe.

timeframe, the dates and the venues. In the first two years, Performing Arts Alliance issued an open call for performing groups. A panel of professionals, academics and local curators selected the participating groups. In the latter years, the selection was by recommendations from the panel and not by open call.

The activities were all held in October, which happens to be high season for performing arts locally and internationally. Many groups want to participate but passed up the opportunity due to other commitments. The venue factor also discouraged the selection and participation of those with more complex stage setting and designs. Then, there was the language factor, when international curators are involved, “non-verbal” performances or mid-to-smaller scale groups seem to be first to be considered.

Inspired by art marketplaces found in other countries, the 2011 Showcase had wanted to set up booths for performing teams to promote themselves to international and local curators.

However, the attempt was not successful due to few participants.

Most international programs are booked in advance by at least one year. Large venues and festivals are advanced by three years. Curators or festival directors hold full schedules that are pre-booked months ahead. On the one hand, showcase organizers working with such short lead-time face challenges of not being able to book prominent curators or often looked upon as rude in short-notice invitations. While on the other hand, government expects to see star-studded lineups and successful results on the spot.

Perhaps performing arts showcases can draw experiences from the Taipei International Book Exhibition for publishers, or the Golden Horse Award for films, in which a single constant unit is established for the annual showcase planning, and the government channels funds into this constant unit for the purpose. Only through mechanisms like this can one see the hope for the future.

Occasionally, there had been teams performing the same work throughout the five years.

However, we would also have to ask ourselves: Are the performance groups ready? Do we have enough programs? Performing groups should ask themselves: Why do we want to tour internationally? When you have the answer to the “Why”, then comes the other questions of “what, when, where.” Showcases can only provide insight into the “how,” everything else is the group’s responsibility.

For the past five years, showcases generally included about 20 performance groups. Several reasons attributed to this result. The fact that showcase planning is included into a festival open for public tender restricts the planning

Even the Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan, which now enjoys continuous invitations for international tours, had to flip through the 12

FEATURE

yellow pages, prepare portfolios and press packages, and knock on the doors of every management company along the streets of New York during those days when no one had ever heard of the internet, in order to slowly and steadily arrive at the current success. So for those teams that would like to go abroad to perform, they should also ask themselves,“Am I ready?”

Although showcase activities started with the goal of doing business, after learning from similar activities in other countries and experiences of holding showcases throughout the years, the Performing Arts Alliance has also realized that business in performing arts is different from that in book copyrights, in which few deals were sealed on the spot. One gets to know each other first, be friends, and build up a relationship.

Other things, be it collaboration, exchange, invitation, or co-coproduction, all start from being friends first.

13

想想：劇場平台的發展 (上)

守夜者 (2012)

莫比斯圓環創作公社

Ritual of the Night

Möbius Strip Theatre

14

FEATURE

02

想想：劇場平台的發展 (上)

IN.Notes

FEATURE

表演藝術市集的互惠 文

陳汗青

show·case noun \shō-kās\

台灣近年舉辦表演藝術市集， 又稱 showcase，

邀請海外策展人、 總監、 製作人等， 企圖彰顯台灣表演藝術多元能量， 擴展台灣團隊的海外演出機會。

台灣近年的showcase作法為同一個舞台、 每個團隊20分鐘精華演出， 分兩個下午進行。

Showcase進行中有一個中場休息供團隊與海外策展人進行討論。

筆者訪問近年參加過showcase的團隊與製作人將經驗與認知做後進參考。

訪問對象包括人力飛行劇團、 小事製作、 四把椅子劇團、 再現劇團、

莎士比亞的妹妹們的劇團、 莫比斯圓環創作公社、 獨立製作人…等。

15

近幾年，華山藝術生活節期間舉辦

標，只為了可能得到演出機會就走

的Showcase (又稱藝術匯演或藝術

入藝術市集。過程中才開始學習如

市集)，嘗試提供國內表演藝術團

何自我行銷，如何有效經營及推銷

體一個交易平台，使台灣表演藝術

團隊，也才赫然發現自己對於市場

團隊逐步學習國外模式，開拓新的

其實是很陌生的，也讓藝術家重新

市場可能，也讓來自國外的策展人

省視培養藝術行政人才的重要性。

認識台灣多元的藝術能量。 如果作品的價值可以在Showcase的 初次聽到Showcase這個名詞，多數

場合被肯定，對創作者而言無疑

表演團隊會立即聯想到關於藝術作

是一件值得雀躍的事，但也有人

品的交易，有人懷疑藝術作品可否

認為，試著想像自己是買家，回

作為商品來進行所謂的買賣行為，

頭看自己過往的作品都不見得會有

因為台灣的表演藝術環境或許還沒

興趣。因此若能有專業的市場經理

有到足夠的產值。因此，關於買方

人，協助檢視自己的作品，或提供

的身份背景、什麼樣的作品適合作

持續發展的建議，也不失為一個參

為商品展售，是許多表演團隊對

與Showcase的契機。同時對大部份

Showcase直覺想到的疑問。或許應

團體而言，作品的規格及條件、題

該去做，但是不確定對國外市場

材與語言運用的方式，是否具有市

而言，除了東方元素，台灣作品

場性或能否跨越華文市場，都會影

的商業價值在哪裡，也對於交易的

響作品的判斷。因此在Showcase活

成功率感到有所保留。而Showcase

動中，期待的不僅是單純買賣的可

作為一個平台，無庸置疑的提供許

能性，還有能促成未來的合作機會

多藝術團體被看見的機會，這也是

或開啟新的視野。

台灣藝術作品在國際市場最弱勢的 地方。

有些表演團體認為，參與Showcase 與否取決在是否剛好有合適的作

因此選擇參與Showcase，多數是為

品可以參與。也有人認為，要在

了作品的能見度。即使參加後不

Showcase中脫穎而出不是一兩次就

保證一定會有國際邀演的可能，

可以完成的工作，必須經過每年的

但以台灣單一表演藝術團體的能

參與才能讓人知道團隊的企圖與

力，要打入國際市場相對困難，因

能力。所以即使每一年都不見得

此寄望透過這個平台找到更多可能

會有實際效益，但只要團隊有被

性。Showcase的目的性很明確，有

人詢問，那就會是一件好事。透過

些團體的創作者起初還不清楚目

Showcase的機會，更可以讓藝術家

16

FEATURE

重新省視自己的作品。要面對非一

對於Showcase的未來，目前台灣的

般觀眾身份的陌生人去作演出，並

作品產出多是導演導向，不是以製

且取材最精華的20分鐘，對創作者

作導向為主，所以缺乏市場的觀

來說也是一種翻新作品的可能。

察，很多作品體質原本就是偏向個 人或是純創作，因此如何讓創作者

在台灣連續幾年舉辦Showcase的經

對於作品的再思考，並且與市場接

驗下，活動執行層面已經越來越

軌將會是一大挑戰。而想要讓產值

周全。除了表演團隊必須增進自己

提升，也必須經營藝術市場的平台

溝通作品的能力外，也期待主辦單

價值。以國外的Showcase而言，有

位能夠提供更多團體與團體、買方

些是以獨立藝術家與低知名度的團

與賣方的交流機會。因為根據實際

體為主，雖然作品高低起伏很大，

參與經驗，在現場很難去找到「對

反而會覺得沒有拘束與限制，提供

的」策展人，所以包含事先的行前

創作者一個創意的集散地。目前台

會議、提供詳盡的策展人資訊與趨

灣的Showcase缺乏自己的目的與主

向，或是以類型媒合與團隊合適的

題，容易被認為是委員們的觀察名

交流對象，都將會是一份很大的幫

單，因此如何建立某種回饋機制，

助。這幾年Showcase徵件的時間較

讓 Showcase 的公開信與公信力提

為短促，因此多數團體只能盡量精

升，勢必是未來要主辦藝術市場的

簡，或甚至錯過參與的機會。如果

單位所必須努力的方向。

藝術市場可以持之以恆的舉行，建 立與表演藝術團隊的默契，那麼藝 術創作者就可以提前規劃每一年的 經費與演出內容，即使不在Show-

case現場展演，也會把握時機將演 出製作安排在相近時間點演出，主 動邀約國際策展人來參與。

男孩 (2010)

The Little Child

三缺一劇團

Short One PLayer Group

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想想：劇場平台的發展 (上)

02

show·case

IN.Notes

FEATURE

noun \shō-kās\

A Reciprocal Showcase System

Recently, performing arts groups in Taiwan attempt to grasp attention of the international art market via “Performing Arts Market”, or so called “Showcase” held in Taiwan. They invite international curators, directors and producers to the showcase to exhibit the diversity of Taiwanese performing arts, therefore to increase possibilities of abroad performance tours.

In recent showcases, the 20-minute excerpted performances share one stage over two afternoons. The small break each afternoon allows further discussion between performing groups and international curators. This report was written based on my interviews with performing groups and producers who have participated in showcases, including Mr. Wing Theatre Company, Les Petites Choses Production, 4 Chairs Theatre, RePresentation Theatre, Shakespeare’s Wild Sisters Group, Möbius Strip Theatre and other individual producers.

By Yukio Nitta

Independent Producer

18

FEATURE

The showcase of the Huashan Living Arts Festival acts as a platform for both Taiwanese performing groups and international curators in recent years. This platform does not only offer a place for Taiwanese performing groups acquaint themselves with the marketplace module, but also provide a possibility to explore the international market. For international curators, it is a place to discover the diversity and creativity of Taiwanese performing arts.

想想：劇場平台的發展 (上)

bigger goal of the showcase. They gradually learned how to market themselves in the process, and realized how unfamiliar they are of the foreign markets. Artists also start to develop a better understanding and put emphasis on the importance of art administrators.

To most of artists, a positive response towards their work during the showcase is gratifying, yet some admit that looking back at the works, they themselves would not pick up any if they were curators or programmers. That became another reason to join showcases: have international professional curators feedback on their works.

Feedback may include the scale of the work, language usage, the marketability and whether the work is marketable besides Chinese-speaking areas. That is to say, what performing groups can anticipate during showcase is more than just a simple purchase and sale possibility, but a new perspective and future opportunities.

To most performing groups, the term “showcase” is somehow associated with art trading.

Some may doubt whether artwork or in our case, creative works can be traded as our arts environment and market are underdeveloped.

The question of “who the traders are” inevitably pops into mind. Many performing groups may want to know other than the exotic eastern mystique, what is deemed invaluable in Taiwanese theatre works in foreign markets?

This being still a doubt, one begins to wonder the success rates of these showcases. While how to be seen globally is one of the main challenges that Taiwanese performing groups are facing, the showcase offers a place to increase their visibility on the international stage.

Some performing groups would only join showcase when they have appropriate works.

On the contrary, some believe in joining the showcase at least consecutively for 2+ years to demonstrate to the curators their style and ambition. Through showcase, artists can review their work again from different angles and audience of professionals instead of general public. Besides that, how to minimize and extract the performance to only 20 minutes sometimes can also be a re-creation for the work.

No doubt, the main reason performing groups participate in showcase is to increase visibility.

Participating in the showcase does not guarantee immediate touring opportunities, performing groups still view the group tactic of the showcase persuasive, since difficulty of entry to market alone is monumental.

The organizer’s execution of the showcase is now more mature and well-rounded through several years’ experience. The performing groups are catching up. Aside from reviewing their works and strategies, should the organizer provide

Some artists join the showcase initially for the sake of the performance opportunity at the showcase, and knew very little about the

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detailed information on curators, advanced meetings or coaching sessions, more opportunities to engage, even matchmaking suitable curators to artists, the effects and learnings can be greater.

Another problem is the short timeframe of calling for performances. The short notice either often overlooked or not enough time to prepare. The showcase should be regularly held in the future so artists and performing groups can include the event in their annual schedules. Even if they do not have the chance to join in showcase, they can schedule performances around the same week and invite curators to their shows.

Generally speaking, most theatre works in Taiwan are director-oriented, not producer-oriented, which may result in lack of market observation. Works tend to cater to the artist’s personal likings or needs, which sometimes can be challenging to kinder reevaluation of the works and less market-friendly. The other question is, how to maintain artistic value and increase the business value of the platform at the same time? Drawing from international showcases, some boast an eclectic mix of independent artists, although the quality of works may vary, the freedom of limitless creative expression is alluring. While our showcases lack a collective goal and theme, selected artists are often mistaken for the jury panel’s pocket list. How to establish a reciprocal mechanism to increase the credibility of showcase is what the organizers should think about.

20

《尋找桑塔娜》

萬道森琪絲@2014台北藝穗節

Finding Santana

1000 Kisses @2014 Taipei Fringe Festival

FEATURE

想想：劇場平台的發展 (上)

門檻是什麼， 可以吃嗎？ 臺北藝穗節應屬全台門檻最低的官辦藝術

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節，也可能是全球門檻最低的藝穗節：「

IN.Notes

不收場地費、票房歸團隊、不審計畫書、

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四小時拆裝台」就是臺北藝穗節的遊戲規 則。不論國籍、不分性別種族，滿18歲以

一個幾乎沒有門檻的 表演藝術展演平台---臺北藝穗節 文

上人人皆可報名臺北藝穗節，只要完成網 路報名，在指定時間內選好演出場地，下 一步就在現場與觀眾見面。 臺北藝穗節始於 2008年，雖然每屆皆有

許愛咪

精采的得獎作品勝出，但不諱言的一直

表演藝術行政

到 2014 年 第 七 屆 ， 觀 眾 們 才 有 感 地 發 現「藝穗節好像變好看了，雷好像比較少 一點了」。近兩年，許多新興團隊以臺北 藝穗節得獎作品之名或以曾參與過臺北藝 穗節演出等做為宣傳文字，更有團隊在藝 穗節演出之後，立案登記為正式劇團，獲 得更多的演出機會。團隊逐漸認知此平台

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別讓自己不開心 但也不可以欺負觀眾

讓年輕卻較無資源與舞台的團隊踏進來，團隊在此獲得 自信與經驗後，開始肯定自己，願意嘗試踏入更大的創

臺北藝穗節要求演出團隊必須售票演出，務求對自己的

作世界，願意打算開始好好經營一個劇團，這就是臺北

作品負責，堅持完成，對觀眾負責。仔細分析藝穗團

藝穗節存在的重要價值之一。

隊，幾乎就是一位藝術行政、執行製作的育成過程，亦

藝術有其普及性 要玩就請遵守遊戲規則

是考驗一個年輕團隊能否克服困難的攻略過程。每年報

正因不設限，臺北藝穗節有許多非專業藝術家的藝文愛

真正完成報名程序，甚至到演出開賣售票前又有約10組

好者參與演出。民俗舞蹈辣媽們的呈現，也許藝術性不

團隊放棄演出。

名期間約200團隊登記報名，最後卻會剩下約120組團隊

夠，但對他們來說能享受藝術才是重要，在他們的人生 當中參與藝穗節無疑是一次難忘的經驗。

從網路報名藝穗節的那一刻開始，就有大大小小的行政 事務接踵而來，節目手冊的文字要怎麼寫才吸引人、劇

臺北藝穗節四小時拆裝臺的遊戲規則，基本上是仿效愛

照要怎麼拍才能在100多檔節目中被看見、節目名稱要

丁堡藝穗節，鼓勵創作者嘗試輕薄短小、適合巡演、容

怎麼訂、票務與行銷策略該如何規劃、如何運用口碑來

易攜帶、能適應場地改變而具調整彈性的作品。藝穗場

推票、網路效應要怎樣變成實體票房、演出前臺人力該

地則超過八成為非專業劇場，不論是電力承載容量或是

如何規劃、怎樣看待看戲大隊的評論，這些都是藝穗節

場地規模，多半不適合掛上劇場燈，也較難有酷炫的劇

團隊必須去正面回應與處理的事情。這整個過程無疑就

場技術呈現，其目的就是希望創作者精簡技術，善用

是年輕團隊最好的洗禮與磨練，正回應了前述是一位藝

場地原有的個性加以發揮。每年臺北藝穗節找尋各式奇

術行政與執行製作的育成過程。同樣，一個半路夭折的

異的空間，讓創作者從空間發想並產生關係，如何精簡

製作並不代表失敗，找出原因隔年再次挑戰，是積極正

技術，如何讓創作的核心更突出亦是參加者的另一種挑

面的做法，這幾年也看到許多東山再起的團隊不屈不撓

戰。當一位創作者能駕馭小而精緻，或是小而粗糙，但

地努力著。

卻是創意十足地完成，往後才能持續由穩健的基礎逐 漸步向中、大型創作。彼得·布魯克（Peter Brook）說 過：「我可以選取任何一個空間，稱它為空盪的舞台， 一個人在別人的注視下走過這個空間，這就足以構成一 幕戲劇了」。

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想想：劇場平台的發展 (上)

世界並不完美 奸巧者無所不在

官辦身分的臺北藝穗節也須經常與真正的公部門鬥智鬥

臺北藝穗節「官辦」不應該是原罪。自 2008年起，最

的，也常因各部門承辦人不同而需面臨不同標準的規定

大的困難是如何扭轉團隊看待藝穗節官辦身分的態度。

與下場，因此藝穗節只能不斷地主動提出報告與說明，

台灣對於「官」存在深刻不信任，延伸到藝穗節，便是

主動要求招開跨部門協調會議。舉幾個長期抗戰但尚未

許多表演藝術團隊存在著敵意與不信任感。藝穗節執行

成功的例子，臨時展演空間的使用、場地是否被承認也

團隊總被解讀為：「都是為了政績、為了衝場次數、官

影響到向勞動局申請外國人演出許可、國稅局對演出團

僚、不懂變通與沉悶。」但，誰跟你公務員與官僚啊！

隊的查稅等。

法或合縱連橫，公部門可是相互不瞭解、相互不串聯

大家都出身於表演團隊，真是相煎何太急。執行團隊只 有一個想法，不論到底能做幾年，但今天當我們手中握

最令人痛心的就是遇到不珍惜藝穗節平台資源的團隊。

有一定程度的資源，可以嘗試做一些對藝文環境有幫助

超過九成的藝穗節參與團隊，都是互相尊重、認真完成

與改變的時候，就放手去做吧！

演出並珍惜與善用藝穗資源的。免付場地費且保證金會 退還，應當被團隊珍惜；不審計畫書是為了不想錯過任

因此，透明的流程、清楚的說明、E-MAIL必回、電話

何一種創作的可能性。以上兩點是發自於善意，卻老是

必接、辦理各式說明會與行銷行政大補帖等，就成了一

成為奸巧者自認聰明鑽漏洞的方式。免付場地費是許多

步步扭轉敵意的做法。花了七年，終於慢慢讓部分團隊

參與者的動機，藝穗節每年使用超過20個場地，這些場

感受到，藝穗節是與團隊站在一起的。我們也共同在抵

地都是一個一個談來的合作夥伴，相互信任簽約付款。

抗官僚體系的影響，為了不讓那隻手伸入臺北藝穗節的

可惜，極少數的參與者以為是官辦提供，缺乏對場地

運作，有多少事情是執行團隊在擋著、承擔著。舉幾個

的尊重，恣意破壞，爾後搞失蹤，留下殘局讓藝穗節善

簡單的例子，「皮繩愉虐社」都無法在臺灣大學成為

後。這些往往都是造成場地流失的重大原因。畢竟場地

正式社團了，但為何皮繩愉虐邦能年年在臺北藝穗節演

空下三週時間給藝穗團隊，必定是對藝術熱愛，好心被

出？當然也有抵抗不住的時候，那就是當都更議題沸沸

狗咬後，再出借場地的意願便消磨了。

揚揚時，臺北藝穗節得全面退出師大區。

《都市漫遊 Urban

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Explorations》

The Landscape Theatrics Troupe@2014台北藝穗節

每年藝穗節狀況不斷，同樣問題亦不斷重演，簡述之：票券超賣，場地塞滿 觀眾；燈亂掛線亂走、燈都快垂到觀眾頭上了；不在乎公共安全；不熟讀遊 戲規則，進場還嫌場地寒酸、嫌器材設備不足、嫌場地規矩多；罵藝穗節 全是些不專業，根本不懂藝術行政的人；首演票券只賣五張，還全部自己買 下來當成彩排場；酒醉大鬧，還亂嗆是藝穗節有豁免權；使用售票系統服 務，到頭來卻沒有付款就落跑；報名時動作很快，搶下好場地與時段，便人 間蒸發，突然出現時卻說要放棄退出；票房不好，就怪藝穗節；認為評論都 亂寫，看戲的人不懂我的藝術；場地負責人歇斯底里，讓團隊受盡委屈；自 我解讀遊戲規則，硬ㄠ成自己要的內容；不在乎保證金不退還，因為已有準 備錢來超時；參加說明會、協調會都不同人，進場拗說三不：不知道、不清 楚、不算數。藝穗節的確無法可罰，最嚴重的頂多只能扣扣保證金與道德勸 說，還擋不了難免的下一次。

英國奶奶已經66歲了 臺北藝穗節可以活多久 臺北藝穗節提供了一個幾乎沒有門檻的表演藝術展演平台，因此造就了一些 美好過程的發生，不論是資深團隊以此平台做為實驗性創作的演出或是新作 品的試水溫，或年輕團隊以此平台做為練功之處，若仔細研究這七年的節目 手冊，不難歸納出一些顯而易見的狀態，許多年輕參與者之所以參加臺北藝 穗節的理由很單純，不外乎是：為了要完成一些事、為了挑戰自我、為了與 夥伴一起做一些事、畢業前留下紀念、分離多年已各奔東西在職場奮鬥的多 年好友相約來藝穗節重聚創作、為了獲得評論；此外經常可見到的字句為： 夢想、理想、熱情、挑戰、分享、實驗、好玩、一起、當代、跨界、天馬行 空、火花。而有趣的是，每年的節目超過五成與愛情有關，直到2013年才比 較明顯的有反核、都更等與時事較相關的作品出現。臺北藝穗節將於2015年 邁入第八屆，目前累積的團隊資料、節目資料、看戲大隊評論，似乎已成熟 到適合研究生進行研究討論，若用大數據的概念來思考，說不定還能推測出 市場的敏感度、評論的走向，甚或建議藝穗節執行團隊下一步應該要推出什 麼改變與服務。 臺灣在政策推動的窘境就是首長一換，通常政策也跟著改變。英國愛丁堡藝 穗節已經66年了，雖無法預估臺北藝穗節的未來，但衷心企盼臺北藝穗節能 堅守其核心價值：不審核計畫書、不設限、任何人都可以報名參與。臺北藝 穗節做為一個表演藝術展演平台，七年來已從一開始量的衝刺，逐漸轉為質 的發展，表演藝術理當無法脫離時代、社會與政治，更應進一步相互串聯、 發揮力量，期待踏入此平台之參與者能掌握資源、善用平台優勢，以表演藝 術做為向社會、向時代溝通與發聲的媒介，人人都可以是改變的開始。

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IN.Notes

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Taipei Fringe Festival – a Performing Arts Platform for All

By Amy Hsu

Independent Arts Administrator

A Performing Arts Festival Where Everyone is Welcome

and pick a venue within the designated time, and off to the stage they go.

Among all the governmentsponsored cultural events in Taiwan – or perhaps in the world – Taipei Fringe Festival probably imposes the fewest requirement on participating artists. The only rule is that from setup, performance to striking the set, all must be completed within four hours.

Other than that, the Fringe doesn’t charge a fee for venue rental, ticket revenues go to the artists, and no screening proposals. Any artists over the age of eighteen, regardless of nationalities, genders, and ethnicity, are eligible to showcase their works. All they have to do is register online

Founded in 2008, the Fringe has been somewhat underwhelming despite a steady number of standout shows each year. However, in 2014, there are many more shows that were able to excite audiences, and consequently receiving recognition among the general public. New artists have also realized that it’s an effective platform for those in need of a stage but has little resources. Most importantly, participating in the Fringe boosts artist confidence and increases stage experience so that they could aspire to bigger goals and explore their creativity fully. In recent 25

years, new performing arts groups would often state their participation in the Fringe in their promotional material.

After showing their works at the Fringe, some amateur groups have even registered legally as theatre companies in order to receive more professional opportunities.

The Rules of the Game: Art Belongs to All Due to its no-screening nature, Taipei Fringe Festival attracts many amateur art enthusiasts. While a traditional dance troupe comprised of middle-aged homemakers might not put a heavy emphasis on its artistic integrity, the performers always have a blast during their shows, and

being in the Fringe was undoubtedly a memorable experience for them.

Enjoy Yourself, but Don’t Forget the Audience

The Fringe’s four-hour policy – each 4 hour session should include setup, performance, and the removal of all equipment and set – takes after the Edinburgh Fringe Festival. It encourages artists to create works that are short and simple enough to be taken on tours and flexible enough to be adapted to different venues. Over 80% of the Fringe venues are not professional theaters.

Spaces are small and naturally do not meet the electricity requirement for stage lighting or any advanced theater technology. At the same time, such challenges force artists to simplify their technicalities and tease out the essence of their works. Each year, the Fringe tries to bring the artists and the audience to unique venues and encourage the artists to rethink about relationships with spaces. The theatre director Peter Brook once said, “I can take any empty space and call it a bare stage. A man walks across this empty space whilst someone else is watching him, and this is all that is needed for an act of theatre to be engaged.” When an artist can manage to create small-scale, fine-tuned works – or works with some rough-edges but are full of creativity – he’ll be able to go on to make something bigger.

Another requirement of Taipei Fringe Festival is that all shows must be ticketed. The reason is to encourage artists to be responsible for their own works and feel a sense of obligation toward the audience. Taking a closer look at the process, we can conclude that the Fringe is a perfect opportunity to train young artists on arts administration and production, elements no less crucial and challenging than the actual creative process. Each year, of the 200 groups that registered for the event, usually only about 120 could complete the process and meet the requirements, and often about ten of those would have to withdraw right before the ticket sale begins.

Once an artist registers for the Fringe, they are faced with incessant administrative chores: how to draft effective description for the show? How to make sure their photos stand out among over a hundred participating shows? How to find a perfect title for the show? Ticket sales and marketing strategies are also unfamiliar territory for many young artists: how can they promote the show through word-of-mouth or turn Internet fame into actual ticket sales? Then there are

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in performing arts and often find such baseless criticism dispiriting. Their only goal is to do their best to help advance the cultural sector in Taiwan, and the availability of the government resources only motivate them to work even harder.

issues of front-of-house personnel, taking criticism, and many, many more.

These are not drudgeries but rather crucial steps all young organizations go through in order to become a professional group. At the same time, an unrealized production does not equal failure. There have been many cases of artists whose projects have fizzled out several years in a row but persevered and ended up producing hits. The most important thing is for them to learn from their mistakes and approach their projects with a positive attitude.

In their attempt to change the performing arts community’s misperception, the Fringe team has tried to make the process transparent with clear instructions and respond to inquiries promptly. They also ran informational sessions and workshops on marketing strategies and arts administration. In the past seven years, the arts community has slowly come around and recognized that the Fringe is on their side.

In an Imperfect World, Not Everyone is Trustworthy That Taipei Fringe Festival is a governmentsponsored event should not be its original sin; however, since its founding, one of the biggest obstacles the organizers face is the artists’ suspicion. In Taiwan, the general public tends to be distrustful of the government, and the same attitude extends toward the Fringe. Many artists see the Fringe’s organizers as inflexible, dull bureaucrats who are at the service of the government and care more about numbers and politics than arts. That couldn’t be further from the truth! The organizers all have background

At the same time, the Fringe team also has to resist the government bureaucracy and prevent it from interfering with the Fringe’s operation.

BDSM Company, an advocacy group for the BDSM community and a frequent participant of the Fringe, is a good example. The organization could not be registered as an official club at National Taiwan University, which prides itself in academic freedom, but they were able to stage performances at the Fringe every year.

Of course, there were times when the organizers

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had to succumb to bureaucracy, such as when they had to give up performance venues in the neighborhood near Taiwan Normal University at the height of urban renewal controversy.

Even though the Fringe is supported by public funding, the Fringe team still has to negotiate with government agencies and struggle to find sympathetic partners among them. Since there is little communication between different agencies, the team often encounter contradictory rules as they go from one agency to another, and try to explain their needs repeatedly, present report after report, and request cross-agency meetings. Several lost battles are particularly notable: the Fringe’s failed attempt to acquire permit to use temporary performance spaces; the types of performance venue also indirectly affected non-Taiwanese nationals attempts to receive

work permits; another issue that the team worked on for many years is the National Taxation Bureau’s audit on participating artists.

While over 90% of the artists enter the Fringe with a spirit of mutual respect and take their work seriously, every year there are those who simply misuse the available resources. The Fringe asks very little from the artists because the they don’t want to deter any from participating. There is no charge for venue rental, but some participants have caused damage during their performances, then disappeared promptly and leaving a wreck for the team to clean up. There are more than twenty partnering venues each year, all have a long history of collaboration and allow the organizers to use the venues out of their love for art. Yet it takes only one inconsiderate participant to destroy years of goodwill.

Similar problems with participating artists came up repeatedly each year. Some of them oversold the house, and crammed too many people into a small venue. Some didn’t follow the rules and had little regard for public safety, endangering the audience with risky stage setup. Some had trouble selling tickets and decided to turn a show into a rehearsal. There have also been cases when artists picked the most popular venues and time slots but then no-showed. Too many of them also blame everyone else but themselves for things that went wrong. They blamed the Fringe for poor ticket sales and the critics for bad reviews, or they complained incessantly about the venues and the lack of equipment, calling the Fringe team amateurs. Some artists did not respect the four-hour rule and came in prepared to pay penalty for over time, having no regard that they were delaying the entire day’s schedule. Every year, the Fringe team had to deal with disorganized artists who either didn’t bother to understand

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the rules or simply chose to flout them. Yet when problems arose, the only thing the organizers could do was recoup part of their loss through the deposit or negotiation with the artists, but often they would have to deal with the same people the next year!

The Future of Taipei Fringe Festival The Fringe provides a platform for performing arts with very few requirements, and great art has happened here: experienced artists used the event as an opportunity to try out their more experimental works, and neophytes could test their mettle.

When we take a closer look at the festival programs from the last seven years, we see a few common threads. Many younger participants enter their shows to the Fringe as challenges for themselves, often seeing the event as a milestone in their lives – a last hurrah before graduation or a chance to reunite with old pals – or they needed feedback on works on which they’ve labored for years. Keywords that appear in the program include dream, ideal, passion, challenge, share, experiment, fun, together, contemporary, cross-genre, fireworks, imagination. Over fifty percent of the shows are related to romantic relationships, but starting in 2013, we began to see more artists engage in current affairs, such as anti-nuclear power campaigns and urban renewal.

As the Fringe embarks on its eighth year in 2015, there is already an abundance of records that are available for academic research.

Participating artists’ information and their programs, as well as comments from critics, could be analyzed using the concept of big data, and the Fringe could be an indicator of market and critical trends. A more systematic study could also shed light on the future of the festival.

While the Edinburgh Fringe Festival is still thriving after sixty-six

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years, we are not as confident about the future of its counterpart in Taipei.

A major problem in Taiwan’s arts and cultural policy is that it changes constantly whenever there’s a new political leader.

We cannot predict the future, but we hope that the Fringe would not lose sight of its core values: no proposals necessary, minimal requirements, and open to all. In the beginning, the Fringe aimed to attract as many artists as possible, but now the organizers are making a conscious effort in curating a high-quality program. A work of art cannot be separated from the society in which it is created, and in turn, a performance also leaves its footprint on the society once it is staged. We look forward to seeing more artists use the Fringe as an opportunity to explore the connection between art and society and consequently find their unique voice to bring about changes.

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Arts People 沒有不做的事 事事與人有關的藝術行政 問獨立製作人Yukio Nitta 訪問整理

田珈伃

Yukio NITTA 新田先生，中文名陳汗青，在劇場裡大家叫他鬼子 是藝術行政圈裡難得一見的男性，目前為劇場製作人，長期與莎士比亞的妹妹們的劇團合作 第一眼看到他的時候，會看到的是一個街舞少年，有一點潮，有一點酷 有著時下年輕人的一點點驕傲和自信，稍待他開始侃侃而談他的藝術行政路的時候 你亦會驚訝這年輕的面容底下，竟蘊藏著豐富的能量，有條理的思維及成熟的工作態度 拍照時總愛抿著嘴，微挺著下巴的笑著是他的招牌表情 這似乎也透露出他平易近人又充滿想法的個性， 身為一名中生代的藝術行政，他有些經驗可以跟大家分享

Arts People

IN.Notes

Arts People

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沒有不做的事 你喜歡你現在的工作嗎？ 事事與人有關的藝術行政 有沒有遇過什麼樣的挫折讓你曾經想要放棄或退縮？ 問獨立製作人Yukio Nitta 訪問整理

田珈伃

Yukio NITTA 新田先生，中文名陳汗青，在劇場裡大家叫他鬼子 是藝術行政圈裡難得一見的男性，目前為劇場製作人，長期與莎士比亞的妹妹們的劇團合作 第一眼看到他的時候，會看到的是一個街舞少年，有一點潮，有一點酷

藝術行政這個工作不一定會有什麼物質上的收入，也不一定會讓

有著時下年輕人的一點點驕傲和自信，稍待他開始侃侃而談他的藝術行政路的時候

人有成就感，主要靠興趣作為持續下去的動力，所以一定是喜歡

你亦會驚訝這年輕的面容底下，竟蘊藏著豐富的能量，有條理的思維及成熟的工作態度

的。而藝術行政有趣的地方，是因為人，和人工作佔了非常大的 拍照時總愛抿著嘴，微挺著下巴的笑著是他的招牌表情 一個區塊，但也常常因為如此，有時候不想要繼續的原因也是因 這似乎也透露出他平易近人又充滿想法的個性， 身為一名中生代的藝術行政，他有些經驗可以跟大家分享 為人，我們常常要花一些時間，找到和某些人一起工作的方式，

但在工作上本來每個人都有自己的做法和觀念，無論是在團隊內 部也好，與外面的人合作也好，如果彼此的觀念相左甚至有所衝 突，就會覺得很挫折。有時候在某些狀況下大家互踢皮球，而這 個問題卻要由自己接手的時候，也會覺得很受挫。

Arts People

2 但是你的興趣還是足以支撐著你渡過這些受挫的時刻？ 還是你有其他的方法解決？

曾經有個朋友說，他覺得我工作的狀態很放鬆，好像再怎麼緊 張，都會讓自己看起來很悠然自得，其實我覺得主要有二個原 因，第一個原因是因為身為藝術行政,

如果在工作上維持很緊繃

的狀態，會連帶讓周遭的人變得很焦慮，容易造成很多不必要的 問題發生，所以我們儘管外表放的很鬆，但是心裡也要趕快找到 解決問題的方法，因為那是我們藝術行政的使命。第二個是我自 己也很健忘，就算某一件事情當下很生氣，抱怨以後再也不要做 了，但是經過幾天之後，就忘得一乾二淨，其中也包含受到的挫 折。老實說，全天下有一百個人，不可能全部人都喜歡你，但你 可以為了其中十個喜歡你的人留下，這才是對的，沒有必要去迎 合所有的人。

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沒有不做的事 台灣的藝術行政， 大多都是女生居多， 事事與人有關的藝術行政 你會因為身為男性而有特別的待遇？ 問獨立製作人Yukio Nitta 訪問整理

田珈伃

Yukio NITTA 新田先生，中文名陳汗青，在劇場裡大家叫他鬼子 這個環境裡，很多愛好藝文的觀眾都是女性居多，身為少數的男 是藝術行政圈裡難得一見的男性，目前為劇場製作人，長期與莎士比亞的妹妹們的劇團合作

性，我覺得難免是有特別待遇的，但其實有好有壞。例如多數人

第一眼看到他的時候，會看到的是一個街舞少年，有一點潮，有一點酷

都喜歡賞心悅目的人，所以在社會上長相吃香是很討喜的，但最

有著時下年輕人的一點點驕傲和自信，稍待他開始侃侃而談他的藝術行政路的時候

終還是會回歸到個人能力。而藝術行政是一個處處和人相關的工

你亦會驚訝這年輕的面容底下，竟蘊藏著豐富的能量，有條理的思維及成熟的工作態度

作，與其說是外表，不如說是散發出來的氣質更重要，因為最開 拍照時總愛抿著嘴，微挺著下巴的笑著是他的招牌表情 這似乎也透露出他平易近人又充滿想法的個性， 始都是你的個人氣質帶給人第一印象。所以藝術行政要維持一個 身為一名中生代的藝術行政，他有些經驗可以跟大家分享 好的形象，不能拉哩拉塌。加上就男女比例上，大部分女生有比

較柔軟的身段，所以身為少數的男生，就要更努力去表現自己的 協調能力，尤其遇到挫折的時候，男生可不能就哭給老闆看。當 然，身為少數的男性，大家會特別照顧你，但是也會特別去審視 你，但那是現階段，未來很難說，尤其是現在這個性別這麼模糊 的時代。

Arts People

4 之前是舞者， 現在在做藝術行政， 一個幕前一個幕後， 為什麼選擇後者來做你努力的方向？

跳舞是一個興趣，但是所有人都想要當舞者，大家都想要站在第 一排，這樣子是沒有辦法帶給觀眾一個好的觀賞經驗，因為要完 成一個表演還有很多其他事情要做，這就是一個選擇，我發現我 本身的特質在做幕後的一些事情上，是能夠讓大家安心的，我也 覺得那是一種成就感的來源，雖然有人會覺得完成這件事情的時 候，在幕後是不被看見的，畢竟隔了一個幕，大家看見的還是在 台上的那些人，但是在幕後和大家一起完成這個作品，被看見與 否不是我想要去考量的事情，重點是我適合一個什麼樣的角色， 可以讓這個作品很完整的被呈現出來，想要跳舞的人那麼多，那 就讓他們在台前跳，而我可以在閒暇的時候維持跳舞的興趣就很 好了。

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Arts People

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沒有不做的事 藝術行政的面向很多， 事事與人有關的藝術行政 覺得那一個區塊最有挑戰， 為什麼？ 問獨立製作人Yukio Nitta 訪問整理

田珈伃

Yukio NITTA 新田先生，中文名陳汗青，在劇場裡大家叫他鬼子 很難定義，因為每個製作要處理的事情是不一樣的，就我來講， 是藝術行政圈裡難得一見的男性，目前為劇場製作人，長期與莎士比亞的妹妹們的劇團合作

我很喜歡發想的那個過程，從製作人的角度來看，有些人想要做

第一眼看到他的時候，會看到的是一個街舞少年，有一點潮，有一點酷

一個作品，但是還只有想法，人從那裡來？怎麼開始？在那裡

有著時下年輕人的一點點驕傲和自信，稍待他開始侃侃而談他的藝術行政路的時候

演？都還不知道，這個從零開始的工作是最有趣的，因為可以很

你亦會驚訝這年輕的面容底下，竟蘊藏著豐富的能量，有條理的思維及成熟的工作態度

完整的去和藝術家溝通，等於是陪著藝術家找到一個他們做作品 拍照時總愛抿著嘴，微挺著下巴的笑著是他的招牌表情 這似乎也透露出他平易近人又充滿想法的個性， 的方式，從開始就一起工作，就比較不會有既定的限制，而這些 身為一名中生代的藝術行政，他有些經驗可以跟大家分享 是比較偏製作面的，在行銷的部分，我個人很喜歡直接跟觀眾接

觸，像是講座或是課程的結合，都可以很直接的得知他們對這個 作品的真正想法和感受，其實劇場觀眾對每個作品的評價，並不 等於這個作品在社會上的評價，一般大眾在意甚至提問的問題， 有時候都會出乎我們的意料之外，實際的接觸他們，開發新觀眾 對我來說也是一個非常有趣的事情。

Arts People

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要當一個好的藝術行政， 總是要不斷的充實自己， 如果現在讓你選擇可以學習任何的技能， 你接下來想要加強自己的是那一塊？

語言的進修。

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可是你已經比別人多了一個語言能力 (日文)？

多一個好像不太夠耶，放眼國際， 很多製作人能說上三種、四種以上的語言能力， 在溝通上語言本就是一個解碼器，如果不能夠百分之一百的把對 方的話給解碼，在溝通上來講是會有落差的。 另一個我想要學習的會是「技術」。

IN.Notes

Arts People

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沒有不做的事 「技術」 你指的是當劇場裡的crew？ 事事與人有關的藝術行政 問獨立製作人Yukio Nitta 訪問整理

田珈伃

Yukio NITTA 新田先生，中文名陳汗青，在劇場裡大家叫他鬼子 製作人有許多不同的種類，有些從劇場出身的製作，他已經懂劇 是藝術行政圈裡難得一見的男性，目前為劇場製作人，長期與莎士比亞的妹妹們的劇團合作

場裡的細節，所以他要學的是一些文書、行政的部分，或是軟體

第一眼看到他的時候，會看到的是一個街舞少年，有一點潮，有一點酷

的應用，但是像我們就是相反，一個製作人要宏觀，要知道全部

有著時下年輕人的一點點驕傲和自信，稍待他開始侃侃而談他的藝術行政路的時候

人在做什麼，如果一個製作人只是坐在辦公室裡打打電腦，只和

你亦會驚訝這年輕的面容底下，竟蘊藏著豐富的能量，有條理的思維及成熟的工作態度

固定的人接觸，是沒有辦法顧及到整體氛圍的，不用專精，但至 拍照時總愛抿著嘴，微挺著下巴的笑著是他的招牌表情 這似乎也透露出他平易近人又充滿想法的個性， 少要了解，這樣在溝通的時候才不會覺得製作人都聽不懂，然後 身為一名中生代的藝術行政，他有些經驗可以跟大家分享 只跟你談預算，其他自己去執行，總而言之，也是要懂技術的語

言，才能與團隊溝通。另外，新的科技也很重要，日新月異，新 的東西一直出來，我們也要不斷的去了解，才能跟得上腳步。

Arts People

9 出生在日本， 身為一個優秀的製作人，

在日本也一些機會讓你可以發揮， 為什麼主要在台灣發展？

我以前也想過，留在台灣還是在日本或其他地方？但其實世界很 小，一個法國籍的製作人帶著來自世界各地的表演藝術工作者， 也是很常見的現象。所以其實不是我選擇留在那裡，而是選擇與 喜歡的藝術家合作，因為自己從台灣開始踏入藝術行政工作，所 以熟悉跟喜歡的都是台灣藝術家居多，但是國際交流是未來的趨 勢，藝術創作一直在強調跨域，很多人也都持續在嘗試進行交 流，以後就不會有只留在A地或B地這件事情，這樣的狀況對藝術 行政來說也是好的，就所謂的開拓視野部分，大家可以學著放眼 國際，看看把自己放在亞洲甚至歐洲的位置時，身為製作人得我 們可以做到什麼。台灣這麼小，大家一直在講資源很少，都掌握 在少數人的手裡，那既然這樣，為什麼不走出去外面，這難道不 是一個方法嗎？

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Arts People

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沒有不做的事 以你目前所經歷過的， 觀察現今的表演藝術市場和環境， 事事與人有關的藝術行政 有沒有什麼是你覺得有趣的現象跟大家分享。 問獨立製作人Yukio Nitta 訪問整理

田珈伃

Yukio NITTA 新田先生，中文名陳汗青，在劇場裡大家叫他鬼子 最近去了一趟中國，有一個新的觀察，我們以前覺得中國的觀眾 是藝術行政圈裡難得一見的男性，目前為劇場製作人，長期與莎士比亞的妹妹們的劇團合作

素質比較低，他們會拍照，會吃東西，會走來走去，但是就另一

第一眼看到他的時候，會看到的是一個街舞少年，有一點潮，有一點酷

個方向來看 ，他們是把表演藝術視成一個娛樂，跟看電影、打撞

有著時下年輕人的一點點驕傲和自信，稍待他開始侃侃而談他的藝術行政路的時候

球等活動放在同一個位置上，台灣很多人不敢進劇場，也是因為

你亦會驚訝這年輕的面容底下，竟蘊藏著豐富的能量，有條理的思維及成熟的工作態度

他們覺得表演藝術有一個高度在，所以不敢進來，但是在那邊很 拍照時總愛抿著嘴，微挺著下巴的笑著是他的招牌表情 這似乎也透露出他平易近人又充滿想法的個性， 生活化， 像我們請他們在劇場裡不要吃東西，他們也會覺得，為 身為一名中生代的藝術行政，他有些經驗可以跟大家分享 什麼看戲不能吃東西，也不是覺得這樣的行為是對或是不對的，

反而他們在面對劇場的時候很輕鬆，很怡然自得，有些人也覺得 中國那裡是一個可以開發的市場，那既然是一個市場，那作品的 方向、目的就更應該要好好的思考一下，而不是一味的只往西方 看。這兩邊雖然用著同樣的語言，但兩邊的觀眾很不一樣，兩邊 要怎麼找一個平衡，也是一個功課。

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11 要當一個藝術行政， 有沒有什麼小眉角是一定要注意的， 有什麼可以提醒未來想要進入這個圈子的新鮮人？

藝術行政感覺我們就是一直在辦活動的感覺，但是我們和公關公 司、活動公司不一樣的是我們沒有辦法建立一個SOP，每一個作 品都是獨一無二的，就算是重演的作品，人會長大，技術會不一 樣，場地會不一樣，作品也會跟著改變，但如果做行政沒有辦法 去細看你的作品，每次都只是一樣routine的去執行，那作品就死 掉了。

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沒有不做的事 可以說是要請大家保持一個新鮮的態度？ 事事與人有關的藝術行政 問獨立製作人Yukio Nitta 訪問整理

田珈伃

Yukio NITTA 新田先生，中文名陳汗青，在劇場裡大家叫他鬼子 對，保持一個新鮮的態度，要維持一個永遠是什麼都不懂的狀 是藝術行政圈裡難得一見的男性，目前為劇場製作人，長期與莎士比亞的妹妹們的劇團合作

態，去面臨那些好像已知，但其實是未知的狀態。新鮮人如果要

第一眼看到他的時候，會看到的是一個街舞少年，有一點潮，有一點酷

做這個工作，要記得每一個體驗，你的期待、興奮、開心甚至挫

有著時下年輕人的一點點驕傲和自信，稍待他開始侃侃而談他的藝術行政路的時候

折和失敗，這些對於之後的成長是很重要的。

你亦會驚訝這年輕的面容底下，竟蘊藏著豐富的能量，有條理的思維及成熟的工作態度 拍照時總愛抿著嘴，微挺著下巴的笑著是他的招牌表情 這似乎也透露出他平易近人又充滿想法的個性，

另外一個是，藝術行政沒有不做的事情！建議大家不要去選擇， 身為一名中生代的藝術行政，他有些經驗可以跟大家分享 很多人讀了相關科系之後就想從管理工作開始，有了學歷不代表 你畢業後就可以立刻上手，念書只是讓自己有基礎，讓你有足夠 的知識靠近你想要從事的行業。接軌的事情還是要去做，不是念 了這個科系之後，就可以當劇團經理，當製作人，當策展人，我

Arts People

們永遠都要從最下面的位置去嘗試，去了解，因為真的想要當製作 人的話，就更要知道底下的人在做什麼。如果自己有了先入為主的 選擇，反而會是之後工作的一個阻礙。

所有的事情都是應該要做的，無論是key問券、前台接待，甚至舞 台上少個人搬東西，戴了手套就上了，永遠不要有成見的認為某些 小事對自己毫無用處，因為劇場，其實就是建構在許多看似無用的 小事之上的。

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DICTIONARY

討價還價怎麼說？ 「吃掉自己的話」是「食言」的意思？ 「從藍色裡出來」、「死掉的貨運」又是什麼？ 簡單的幾個英文單字分享，讓大家好用又好記！

Photo

Liane Metzler

探察員Researcher

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田珈伃

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Bargain

討價還價

好用小辭典

這個字其實是源自於古法語的字源- bargaigne「爭論不休的」，但其實這樣並不會

幫助大家認識這個字，所以我們可以拆成 bar- 和gain兩個單字，而bar本身就有阻

擋的意思(拿著棒子對著你是不是就是有種阻擋的意味在？) 所以想要通過一個阻 擋你獲得的人，就只好跟他討價還價囉。

I will bargain no more, I withdraw. 我不再討價還價了，我自願放棄。

Out of the blue

千萬不要直接翻成「從藍色裡出來」絕對會貽笑大方，但是這句話看起來是不是也 很像我們中文說「青出於藍」的意思呢？其實這句話和青出於藍可是一點關係都沒 有，這裡的BLUE指的是天氣，如果原本是好好的天氣，但是突然間變了天，就很出乎 意料之外了。所以out of the blue(sky)就被引申為「突然之間」或是「毫無預警」 了。

出乎意料的突然之間

The whole thing was a bolt out of the blue. 這整件事情，簡直就是晴天霹靂。 ★ 同義詞就是”all of a sudden” ，

Dead freight

空艙費

反義詞就是”cut-and-dried” (預先安排好的;或乏味老套的)

我們來多了解一下有關於經常和國外團隊提到的貨運相關名詞吧！ 有的時候我們為了國際的演出，租了相當大的貨櫃，但是臨時卻少了很多的貨物 而用不著這麼大的空間，節省成本之餘會降低租貨櫃的費用，但這時候，廠商也許 就會跟你加收「dead freight」，是因為他原本估算給你的空間，就算你臨時說不用

了，他們也無法出租給別人，就像是死掉的東西也賣不出去一樣。Dead freight通 常是按全運費率支付，但如果之前談的運費已包括裝卸費，則要減去裝卸費。

Within the time as notified by the buyer , after its arrival at the port of shipment the seller shall be fully liable to the buyer and responsible for all losses and expenses such as dead freight and demurrage. 在買方通知的時限之內，並抵達裝運港之後，賣方應該對於買方承擔全部 責任並負責空艙費、延滯費等損失。

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Eat one’s words

看到這個中文翻譯，就很容易理解了，所以要記得這句話不是「食言而肥」的意思， 而是承認了自己的錯誤，就像是中文裡說的把話給吞回去。

He’ll eat his words when he sees this. 他看到這種情況，他會承認他說錯了話的。

收回前言，改正錯話

INVOICE VS RECEIPT 收據 VS 發票？

Invoice 和receipt 這兩個字在中文來說都被稱為「發票」或「收據」，但讓人很容易誤導，這兩個字的解釋分別如下：

Invoice

Receipt

是向對方要求提供的「付款通知」，內容要包含對方的名稱、

是我們在買東西之後對方提供的收據，

品名、應付的款項，一般會在賣方出貨給買方的時候，

含有稅的部分，

連同貨品一起出給對方。買方在收到invoice之後，

也就是我們熟悉的統一發票。

付款證明

發票

根據上面的金額帳號付款。

我們常常拿來對獎的「統一發票」應該是「receipt lottery」，

但常被稱為「invoice lottery」看完這一期的內容就不要再搞錯了哦。

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好用小辭典

單字 釋義

Phubber 低頭族 目前處處可見在捷運上，在朋友的聚會裡甚至在過馬路的同時，大 家低頭滑手機的樣子，這些人我們統稱為「低頭族」 ，而新世代產生 的單字，是由澳洲人催生出來的。Phubber的基本型態是phub，是

phone（電話，此指手機）和snub（冷落、不搭理）的綜合體，就是說

只用手機而且冷漠不理人的人， 就是低頭族啦。

英文 生活 冷知識

有些地方和活動已經發起了 「Stop phubbing」 的運動囉， 大家有空 就抬起頭來跟身邊的人說說話嘛， 不要只是虛擬世界見。

SPAM 大家上網去查「SPAM」這個字的時候，就會知道這 個字是「垃圾郵件」的意思，但大家知道其實SPAM在 1937年的時候， 是一個美國火腿罐頭的名字嗎？ 把罐頭的名字拿來做垃圾郵件的延伸義是起源於一齣 諷刺劇 「spam-loving vikings （愛吃肉罐頭的維京人） 裡產

生的，在劇中有對夫妻去餐廳用餐，妻子不想吃SPAM罐頭，可是

在餐廳裏有一大群人， 高聲地唱訟讚美 「SPAM」 稱頌肉罐頭的美味多 達一百廿次， 讓其他的用餐客人無可奈何。 從此之後SPAM就成為 「重 複、毫無益處、喧賓奪主、令人厭煩郵件」的代名詞，來表示那些郵件 就像是當年經濟蕭條，人們因為買不起鮮肉而吃的SPAM肉罐頭一 樣， 一點營養成分都沒有。

常常聽到別人說英文的時候，幾個單字我們都認識，但拼起來也許就有其他的意思。 要表達的時候，原來不用想得太複雜，一句話就代表千言萬語。 英文用法和中文解讀大不同，一個單字背後也許有其他的意義，用錯了多害羞。 在這邊提供幾個簡單的英文，用有趣或拆解的方式分享，不用死背就可以很有記憶點。 如果大家有其他相關的英文單字建議或提供，也歡迎大家MAIL到innotes.mag@gmail.com來，統整過後會一同分享給大家。

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走跳世界

國際組織的共同挑戰 文

洪凱西 OISTAT國際劇場組織執行長

www.oistat.org

2014年11月應聯合國教科文組織下轄的國際戲劇協會（International Theatre Institute，簡稱ITI）邀約，前 往亞美尼亞葉里溫（Yerevan, Armenia）代表OISTAT國際劇場組織參加ITI兩年一次的世界會員大會（World Congress）。身為客人，沒有張羅自己組織活動或會議的壓力，得以局外人的角度觀察ITI組織的運作。五天 會議與許多劇場相關的國際組織代表深談，發現國際組織遭遇的眾多問題與挑戰，如經費、世代交替、組織 進化與內部平衡等問題雷同，同樣彼此也想破頭思索怎麼克服難題，邁向平穩茁壯，不虞匱乏的康莊大道。 我目前身處的OISTAT國際劇場組織，是國際上唯一總部會遷徙的國際組織，亦是至今台灣唯一的國際組織 總部。OISTAT總部自1968年在捷克布拉格成立，1993年駐紮荷蘭阿姆斯特，2006年至今搬遷至台灣台北。 總部遷來遷去，有好有壞。缺點是，對組織營運而言，總部維運團隊皆由所在地之專業人士組成，因此每 遷徙一次，組織整體需要適應新的團隊，新團隊更需要摸索新的人際、國際、政治、文化、經濟等多重錯綜 複雜的關係。優點則是啟用當地團隊維運，可令組織及所有會員透過總部團隊，而得到深度的文化及跨區域 （cross-regional）交流。

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走跳世界

錢的問題一直存在

組織、活動與會員是任何組織互相賴以生存的三個必要 元素。組織營運越穩定，活動越多越頻繁，會員看到活

2015年4月之後，OISTAT將失去「世界唯一總部會遷

躍的組織，對組織網絡的黏性越高。反之，不穩定的組

徙的國際組織」稱號，因OISTAT姊妹組織 ITI國際戲劇

織營運，活動力減弱，相對會員數與黏性難以避免的

協會也將自原所在地巴黎遷至遠東的上海，11月的ITI

凋零。

世界會員大會重頭戲便是公佈ITI總部將遷徙的消息， 並由上海市政府大力資助ITI的總部營運經費。在此會 員大會上甚至舉例OISTAT總部多次遷徙，因著各地政 府的資助，提供總部營運經費，讓組織發展更順暢，而

世代無法交替， 組織老化急待解決

獲得ITI世界會員對於搬遷總部提案一致表決通過。

國際組織的會議經常見各國或各組織代表不辭千里來 相會，若非組織的一員，第一次到

組織日常營運經費募款

現場的印象常是「白髮蒼蒼」。儘

不易

管在劇場的組織裡，多數國際人士 對於年輕世代的加入充滿期待與開

說到底是錢的問題。知識型

放的心胸，但許多年輕一輩的參與

的交流平台屬於較為隱性的

者，難免產生先入為主的隔閡。

組織，若非三不五時舉辦活 動，一般人容易「無感」平

其實不管在 I T I 國 際 戲 劇 協 會 、

台的存在。活動的人、事、

OISTAT國際劇場組織、IATC國際

物、地等，顯而易見，人潮

劇評協會、 ASSITEJ國際兒童青年

聚集、看得見、聽得到、摸

戲劇協會、 IATA 國際業餘劇場協

得著，使得活動募款容易，

會、IUTA國際戲劇學院協會…等，

然而籌備活動與搭建知識平

世代無法交替並非組織或會員代表

台所需的組織日常正常營

阻撓，而是多達四十年至一甲子的

運，經費卻是難以募得。各

組織運作與環境促成。

組織營運皆遇到同樣的問

過去全球政治造成今日的世

題。

代斷層

會員是組織命脈

以OISTAT為例，1968年成立時，

國際組織其中重要的命脈是

目的在使歐洲鐵幕內外的劇場專業人士得以有藉口、有

「會員」。擁有全世界的會員，則是擁有無窮盡的知識

機會持續交流。當時政治局勢僅允許「國家代表」層級

寶庫。會員加入組織，需負擔年費，方能享有組織提供

出訪，因此組織的會員自然是擁有高度社會地位的「國

的各項服務。然而年費也非年年收入正常，經常因著全

家代表」。演變至今，國家代表們逐漸年長，長出滿頭

球政經局勢，需給予較困頓的會員些許的寬容與溫情減

智慧，身上累積的資源豐厚，事業有成，時間更彈性，

免，協助會員度過難關。然而觀察會員是否真的需要協

更容易負擔經常性的旅行。四十歲以下的年輕世代則忙

助，抑或僅是希望不貢獻卻享有福利等，這當中如何權 衡與平衡考驗著每個國際總部團隊。

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走跳世界

於為自己的事業造橋舖路，時間與金錢屬於稀有物，自

場協會」，在英國則有「ABTT英國技術劇場協會」及

然較少參與面對面的國際會議。

「SBTD英國劇場設計師協會」兩個組織會員；二是個 人會員，不隸屬於各單位，而以自身名義與身份獨立加

多數國際組織面臨這樣的營運難題，也討論多年，亟欲

入國際組織。

尋找解決之道。這次藉由ITI世界大會，國際組織的組織 代表談論著同樣的問題，分享彼此的看法，一句自我解

國際組織的活動多由眾多會員推舉專案小組幹部成員，

嘲的玩笑話點出了重點：「由我們一群白髮蒼蒼的老屁

成員一年見面一次，其餘時間靠email及 skype等科技工

股們談論著如何吸納(組織內不存在的)年輕世代進來，

具維繫。來自各地的小組成員志願參與活動籌劃，並以

怎麼可能找出方法！」

自身日常工作以外的時間處理籌備事項。即便充滿熱忱 的幹部，仍不時因工作或家庭忙碌，延遲專案工作事

翻轉慣性， 建立符合人們習慣與需求模式

項，使得計畫時程拉長。小組成員失連的案例也在各國 際組織中出現，導致專案再度從零開始。

過去的時代，人們互動方式與科技時代的今日大不相 同。世代交替的問題在OISTAT組織內部討論許久，近

國際組織的總部成員為4至8人的小編制。國際組織的許

一年來突破過去思維，研發新的策略，也於這次ITI大會

多跨國專案活動，皆仰賴如此的志願工作型態。因此準

上分享經驗。過去從握手會面開啟一段友誼，多年書信

備時間，或成案時間長是難以避免。各組織總部雖不直

演進為email聯絡感情；如今年輕世代習慣從網路社群切

接參與籌劃，卻是唯一掌握所有各專案時程的中心點，

入，先觀察再搭建個人連結。OISTAT翻轉組織慣性思

因此經常扮演柔性催促，或甚至在時間壓迫的專案中，

維與做法，擬搭建網路社群，讓全球劇場設計師進行社

需接管業務，使得跨國專案得以推進。

群交流，假以時日進而實地會面。最後實地會面這一步 可能要走上好幾年，甚至十多年。OISTAT至各地舉辦

大象轉彎須小心翼翼， 改變無法一蹴可幾

活動時，促成實地會面，同時搭建世代間的交流。

對外人來說，國際大會常因著看來小事爭論許久，如這

跨國志工型幹部延長工作時程

次在ITI世界會員大會，一度提案所有組織文件與會議皆 應英文及法文雙語並行。各地會員辯論著雙語將使組織

國際組織的成員，粗略分有兩種，一是組織型會員，也

花費激增，或必要的文化尊重？OISTAT內部亦於2013

就是各國內的相關組織領域加入ITI及OISTAT這樣的平

年初發生類似的爭論，國際會議統一用英文溝通，是否

台組織，如OISTAT在台灣的會員是「TATT台灣技術劇

排除不講英語的人在外？每個文化的理解與詮釋不同，

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走跳世界

這背後的用意在是否能尊重彼此以自己的語言表達思想 理念，而不強迫用非母語表達自己。 跨國組織因組成的各國會員背負的文化、政治、體制、 歷史等錯綜複雜，往往要進行組織的變革，需要長時間 的溝通。組織演進必須考量全球平衡，運用各個機緣進 行溝通，國際會議會面、平面書信、電子郵件、跨國電 話等多管齊下，蒐集各方意見。經過充足時間的溝通 後，組織擬定變革計畫，交付兩年(如ITI)或四年一次(如

OISTAT)的世界會員大會全民表決，才能慢慢推動小改 革。太急躁要立即改變，反而因欠缺文化差異的考量， 容易引起紛爭。

OISTAT兩年前開放個人會員的加入，打開大門對全球 劇場專業人士招手。當初也經過會員激烈的辯論後才得 以開放。ITI如今面臨同樣的問題，沒有個人會員，個人 僅能透過加入各會員國的會員中心，才能成為ITI會員。 倘若個人不認同該國家內的ITI組織會員，則無從直接以 自己的意念、想法，與ITI這個國際組織互動交流。隨著 世界的快速演變，資訊傳導的速度與廣度，採取更開放 的廣納方式已成必然。這次大會上未能完成提案通過， 勢必是需要更多時間徵詢各國會員的建議，期待2016年 的大會上再次看到提案。

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IN.

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