to chance, to wander
Fjord Gallery 1400 N American, Philadelphia, PA www.fjordspace.com
Joe Bochynski Anthony Bowers Manuela Flores Rafael Guendelman Helen Mirra Theo Mullen III Paz OrtĂşzar Pablo Rivera Asha Sheshadri Paula Salas
En agosto del año 2016 iniciamos una conversación sobre una colaboración a larga distancia que queriamos realizar. Como uno de nosotros vive en Santiago, Chile y el otro en Philadelphia, EEUU, quisimos desarrollar un proyecto de investigación y una serie de ejercicios guiados que posibilitaran un intercambio experiencial: la oportunidad de explorar el espacio que el otro habita como si estuviéramos perdidos. Después de un largo intercambio de emails emergieron una serie de preguntas. Estas preguntas son la columna de la exhibición To Chance To Wander y la base para la invitación que luego extendimos a otros artistas que estaban pensando en ideas similares. ¿Qué significa perderse hoy en día? ¿Qué significa buscar sin saber lo que se está buscando? ¿Cómo saber cuándo lo hemos encontrado? ¿Cómo el estado mental de la deriva cambia la percepción física del espacio y nuestro lugar dentro de él? Esta conversación se desarrolló en el marco de la exposición To Chance To Wander a través de un documento online compartido en el que los artistas de la exhibición discutieron algunos de los temas que se desprenden de la muestra. La discusión fue moderada por Elisa Gabor, artista y miembro de Fjord Gallery. Anthony Bowers & Paz Ortúzar
On August 2016 we begun a conversation regarding a long-distance collaborative piece we wanted to make. Since one of us lives in Santiago, Chile and the other one in Philadelphia, US, we intended to develop a research project and a series of directed exercises that would enable an experiential exchange: the possibility of exploring the place that the other inhabits as if we were lost. After a long email correspondence this set of questions emerged. They are the backbone of the exhibition To Chance To Wander and the foundation for the invitation we later extended to other fellow artists who were thinking about similar ideas. What does it mean to get lost, now? What does it mean to search without knowing what you are looking for? How will you know what you’ve found and when you’ve found it? How does the mental space of wandering change your perception of physical space and your place within it? The subsequent conversation was developed within the frame of the through a shared document in which the artists in To Chance, To Wander discussed some of the topics surrounding the show. This discussion was moderated by Elisa Gabor, artist and member of Fjord Gallery. Anthony Bowers & Paz Ortúzar
Elisa Gabor: ¿Cuál es la cantidad recomendada de tiempo/frecuencia que se debe utilizar en perderse? Anthony Bowers: A mi me toma entre 10 a 15 minutos deshacerme de mi ambición y mi ansiedad por ser productivo. Lleva tiempo permitirme perderme. Creo que uno debería perderse una vez al día, o por lo menos una vez a la semana. Paz Ortúzar: No sé si hay una frecuencia recomendada. Tal como dice Anthony, se trata de perder la ansiedad y estar OK con no saber el resultado de una obra o de una investigación. Pero además añadiría que también se trata de coexistir o utilizar la incertidumbre como fuerza creativa. Paula Salas: Creo que uno debiese vivir en un estado intermedio entre perderse y encontrarse. Por lo general, cuando siento que todo está en el lugar correcto algo sucede y me doy cuenta de que no estaba viendo el panorama completo. Especialmente después de convertirme en madre tuve que aceptar la incertidumbre como parte de mi vida diaria. Por lo tanto, creo que uno debe acoger el azar y el perderse tan a menudo como sea posible. Sin embargo, tengo que admitir que es un verdadero desafío mantener un equilibrio entre estar completamente perdida y totalmente al mando de tu vida y práctica artística. Joe Bochynski: Sospecho que es imposible planear perderse, necesitamos de la ayuda de otras personas en el camino hacia la ofuscación. Pablo Rivera: Siempre pienso que hay que esforzarse para hacer las cosas de una manera en que no las has hecho antes o de una forma distinta a la tuya. Creo que el punto no es hacer algo sino transformar cualquier proceso creativo en un viaje diferente, si es que eso es posible. Me gusta pensar que estar perdido es un estado mental. Asha Sheshadri Shipwreck & Parkway. Video.
Elisa Gabor: What is the recommended amount of time/frequency one should spend being/getting lost? Anthony Bowers: For me it takes at least 10 - 15 minutes to lose my ambition, my anxiety for being productive. It takes some time to allow myself to get lost. I think it should be done once a day, or at the very least once a week. Paz Ortúzar: I don’t know if there is a recommended frequency. Just as Anthony says, it’s about losing our anxiety and being OK with not knowing the outcome of a piece or a research. But I would add that it is also about coexisting or using uncertainty as creative force. Paula Salas: I think one should live in a state between being lost and found. Usually when I feel everything is exactly at the right place something happens and I realize I wasn’t watching the whole panorama. Specially after becoming a mother I had to accept uncertainty as part of my daily life. Thus I think one should welcome chance and being lost as often as possible. However, I have to admit it is a real challenge to keep a balance between being completely lost and totally in command of your life and art practice. Joe Bochynski: I suspect it’s impossible to plan to get lost, we need other people to help us along that road to obfuscation. Pablo Rivera: I always think you have to push yourself to do things in a way you haven’t done before or in a foreign way. I think the point is not to make a final object but to transform any making process into a different journey, if that is possible. I want to think that getting lost is a state of mind.
Rafael Guendelman Deriva Sonora. Super 8 Video / Video super 8.
EG: Pablo, qué buena regla: todo lo que hacemos debe de tener un recorrido diferente. Podría implementar esa regla en mi propio trabajo pues a menudo encuentro que una vez que he hecho algo que realmente me gusta intento reproducirlo y normalmente termino decepcionada. ¿Requiere de equilibrio la apertura necesaria para permanecer perdido? ¿Requiere de cálculo, autoconciencia o planificación? PR: Decir que es una regla quizás es demasiado, pero al menos intento hacer en cada ejercicio o proyecto algo diferente. Me gusta creer que no tengo apegos formales y/o materiales, me ayuda a estar abierto a observar y disponer tanto de medios como de materiales de una manera más libre o arbitraria. No estoy seguro si ese estado mental puede ser mantenido en el tiempo, pero aunque sea fragmentario y efímero creo que requiere de cierta inclinación. Claro que hay cálculo y planificación, pero estos actúan más como un fondo decorativo, dando paso a decisiones mucho más intuitivas y quizás caprichosas. PS: Estoy de acuerdo con Pablo, si te vas a perder o vas estar a la deriva, se necesita establecer límites. Estoy pensando en términos de tiempo y espacio, dónde y cuándo perderse. Los momentos en que más he aprendido sobre el descontrol es cuando he definido cierto marco, por ejemplo un parque o una cantidad de tiempo determinado. EG: Pablo, what a magnificent rule: everything you make must be a different journey. I could use that rule. I often find that once I have done something that I really like, I scramble to replicate it and I am usually disappointed. Does the openness of remaining in a “state of mind” of being lost require a balance? Of calculation, self-consciousness, or planning? PR: Saying that it’s a rule can be too much, but I try to make each exercise or project something different. I like to believe that I have no formal or material attachments and that helps me to be open to observe and arrange means and materials in a more free or arbitrary way. I am not sure if that mental state can be maintained, but even if it is fragmentary and ephemeral, I think it requires a certain inclination. There is calculation and planning, but these act more like a decorative background for much more intuitive and whimsical decisions. PS: I agree Pablo that if you are to get lost, to be adrift, there is a need to set some limits. I’m thinking in terms of time and space -where and when to become lost. The times I’ve learned more about uncontrolled experiences is when I’ve chosen certain framework, for example a park or a time frame.
Helen Mirra 15 Muir Beach Overlook. Inkjet print / Fotografía, impresión inkjet.
EG: Si tuvieras que inventar instrucciones para perderte mientras caminas, ¿en qué consistirian? PO: 1- Camina hacia atrás JB: 2- (Corre!) hacia atrás. En serio, solía tener un entrenador de cross-country que corría hacia atrás y siempre parecía agradablemente perdido. AB: 3- Dirige tu foco de una manera inusual, actúa exageradamente - casi como un adolescente. Caminar hacia atrás es una buena idea, cantar en voz alta a veces funciona, haz cualquier cosa que te convierta en foco de atención y que te permita restarle importancia. 4- Entrégate al proceso, abandona el control. Gira solo a la derecha. Dirígete a donde tu pasajero o amigo intuye que es mejor, lanza una moneda para elegir si virar hacia la derecha, a la izquierda o seguir derecho. Sigue pájaros. PR: 5- Seguir pájaros es un buen ejercicio. También tiene que ver con abandonar todo lo que nos da poder, como el conocimiento del lugar o la preferencia por algún tipo de ruta o paisaje. MF: 6- Seguir caminando, volver a pasar por el mismo camino, insistir hasta que te desconcentras y lo conocido se vuelve conocido con otros sentidos.
Pablo Rivera. The Ideal Stone (LavaFlaneur). Found rock, photograph and instructions / Piedra encontrada, fotografía e instrucciones.
EG: If you were to make instructions for becoming lost while walking, what would those instructions consist of? PO: 1- Walk backwards JB: 2- (run!) backwards. Seriously, I had a cross-country coach who would run backwards and he always seemed pleasantly lost. AB: 3- Direct your focus in an unusual way, act out - kind of like a teenager. Walking backwards is a good one, singing loudly sometimes works, anything that could make you a focus of attention and forces you not to care. 4- Give into a process, give up control. Only turn right. Only go where your passenger or friend intuits is best, flip a coin for right, left or straight. Follow birds. PR: 5- Following birds is a good chance excercise. It also has to do with abandoning everything that gives you power, the knowledge of the terrain or the preference by some type of route or landscape. Manuela Flores: 6- Keep walking, walk through the same path again, insist until you get distracted and you can perceive the known through other senses.
Anthony Bowers & Paz OrtĂşzar The Blue of Distance. Paintings and silkscreen on paper / Pintura y serigrafĂa sobre papel.
EG: ¿Existe algún tipo de seguridad al saber que estos ejercicios son temporales? ¿Sería posible existir en un estado mental “perdido” en general?
General view / Vista general
EG: Is there a kind of security in knowing these exercises are temporary? Would it be possible to exist mostly in a “lost� state of mind?
PR: Puede ser, cuando trabajamos nos exponemos sólo a una locura temporal, es un viaje de ida y vuelta. Sin embargo, incluso cuando no estamos en modo “producción”, nuestra percepción está constantemente alerta, reconociendo, buscando e imaginando nuevas relaciones, a veces mucho más bizarras que lo que podemos concretar. De alguna manera, incluso en la mas segura de las rutinas, persistimos en la búsqueda de ese lugar perdido. Rafael Guendelman: Creo que el carácter impermanente de estos ejercicios no es el tema más relevante. La mayor dificultad es tratar de dejar de lado lo que normalmente determina nuestros paseos (el objetivo de llegar). Normalmente soy muy lento porque me gusta dibujar y filmar los lugares por los que me muevo y eso lleva tiempo. Por eso, si tuviera dar un consejo, este sería: disminuye el ritmo, y si quieres intentarlo aún más, dibuja. EG: Recuerda un momento en el que caminabas o trabajabas en un proyecto, describe un punto del proceso en el que la confusión se transformó en entendimiento o en el que la comprensión se transformó en confusión. PO: Creo que cuando se trabaja en una obra hay una negociación continua entre entender lo que se está haciendo y perderse. No creo que haya habido nunca un gran punto de inflexión que me haya hecho pasar de la confusión a la comprensión o viceversa, han habido muchos puntos de inflexión, todo el tiempo, en cada obra. Muchas veces hay aspectos de una obra que uno entiende años más tarde o que nunca consigues realmente comprender y es esa oscuridad lo que me permite seguir trabajando. PR: Lo que Paz menciona me hace mucho sentido, estos procesos son sumamente complejos y enredados. Incluso me ha sucedido que he hecho obras que funcionan como una simple suma de supuestos, digamos 1 + 1, pero cuyo resultado, a pesar de ser 2, nunca pude entender. Hay momentos en que todo está claro pero eso no significa que entiendas, es esa opacidad la que nos impulsa. MF: Ese punto del proceso es el que activa los proyectos que he desarrollado, donde se desprende la autoría para ser percibidos de una manera libre por cualquier espectador. PS: Hace apenas un mes estuve en una residencia ubicada en la frontera entre Chile y Perú, exactamente en la zona en disputa (triángulo terrestre). Yo y otros dos artistas estábamos investigando territorios prohibidos como los terrenos que poseen minas antipersonales en las fronteras internacionales. Nuestro objetivo era abrir esos espacios prohibidos a las personas que habitan ese lugar. Sin embargo, cuando estábamos en medio de lo que considerábamos un proceso de liberación de este pedazo de tierra, la población local fue a la prensa y nos acusó de apoderarnos de ese territorio. Nos vimos obligados a abandonar el lugar inmediatamente, cayendo en cuenta de que nuestra comprensión anterior de ese lugar y nuestro papel allí no era sólo arbitrario, sino que también ingenuo. Desde nuestro estado inicial de enojo y confusión surgió una visión más amplia y compleja de la situación que estábamos tratando de entender.
PR: It may be, when we work we only expose ourselves to a temporary madness, it is always a round trip. However, even when we are not in “production” mode, our perception is constantly alert, recognizing, seeking and imagining relationships, sometimes much more bizarre than what we can build or make. In a way, even in the safest of daily routines, we persist in the search of that lost place. Rafael Guendelman: I think that the fugitive character of these exercises is not the most important issue here. The biggest difficulty is trying to put aside what normally determines your walks (the goal of arriving). Normally I am very slow because I like to draw and film places, and that takes time. So, If I was to give an advice, I would say: slow down your rhythm, and if you want to try harder, make drawings. EG: Recall a time while you were making art or walking. Describe a point at which confusion transformed into understanding or a point at which understanding transformed into confusion. PO: I think that when you are working on a piece there is always a continuous negotiation between understanding what you are doing and being lost. I don’t think that there has ever been one big turning point that has made me pass from confusion to understanding or vice versa, there are many turning points, all the time, with every piece. Many times there are aspects of a piece that you understand years later or that you never really get and that obscurity is what allows me to continue working. PR: What Paz says makes a total sense to me, things are so convoluted and mischievous. It has even occurred to me that I have done pieces that work like a simple addition, say 1 + 1, but whose result -despite being 2- I could never understand. There are times when everything is clear but that does not mean you understand, it is that darkness that drives us. MF: That moment of the process is what activates the projects that I have developed, when the authorship gets detached and the piece can be perceived in a free way by the audience. PS: Just a month ago I was on an art residency located at the border between Chile and Perú, exactly in a disputed area. Me and a two other artists were researching prohibited territories such as landmine territories at international frontiers.Our aim was to open up those forbidden territories for the people that inhabit that place. However, when we were in the middle of -what we saw as- the process of liberating this piece of land, was when local people went to the press and accused us of taking over that territory. We were forced to leave the place immediately, realizing that our former comprehension of that territory and our role there was not only arbitrary, but also a naive. From our initial state of anger and confusion emerged a new -broader and more complex- vision of the situation we were trying to understand.
AB: Mi mamá siempre decía que yo podía perderme incluso dentro de un barril, así que en algún punto de casi todos mis paseos siento la sensación de comprensión transformarse en confusión. Antes odiaba cuando eso sucedía pero con la edad he aprendido a disfrutar del paseo y buscar novedades en el camino. Intento acercarme a cada obra de arte de la misma manera. RG: Una vez me perdí en una ciudad en el caribe, me di cuenta del valor de estar perdido y de la creatividad que surge en esa situación. Cuando uno no conoce un lugar crea un mapa mental (por lo menos antes de los dispositivos GPS) y ese proceso es hermoso. En ese momento elaboré la imagen de un escenario negro que se construía mientras yo caminaba a través de este nuevo espacio. La sensación de estar perdido es muy creativa una vez que uno toma conciencia. JB: Una vez recorrí Waltham, Massachusetts en el verano del año 2010. Una ciudad desconocida que posee una luz de mediodía ininterrumpida. Estaba caminando por un estacionamiento detrás de un centro comercial cuando encontré un muro de contención muy corto que ya no tenía nada que sostener. En un momento improvisado experimenté el trabajo fenomenológico de Judd, Andre, Smithson y su pandilla a través de esa corta línea de bloques de cemento. Esta experiencia no podría haber sido planeada y para mi gran decepción, tampoco podría repetirse.
AB: My Mom used to say that I could get lost in a barrel, so at some point in almost every walk I feel a sense of understanding transformed into confusion. I used to hate when it happened but with age I’ve learned to enjoy the ride and look for new things along the way. I try to approach each piece of artwork the same way. RG: Once I was lost in a city at the caribbean and I realize the value of being lost, the creativity that emerges from that situation. Because when you don’t know a place you create a mental map (at least before GPS devices) and that process is beautiful. I had a vision of a black scenario that was being built meanwhile I was walking through this new space. That feeling of being lost is very creative once you become aware. JB: I once took a walk through Waltham, Massachusetts in the summer of 2010. An unknown town with unobstructed midday sun overhead. I was passing through a parking lot behind a strip mall and found a very short retaining wall which no longer had anything to retain. In an unrehearsed moment I experienced the phenomenological work of Judd, Andre, Smithson, and crew in that short line of cinder blocks. This experience could not be planned and could not be repeated to my great disappointment.
Manuela Flores Rivadavia 6676. Video, drawing and text / Video, dibujo y texto.
EG: Explique la relación entre la técnica y el azar en sus obras. ¿En qué momento esos elementos entran en juego? ¿Qué parte del proceso viene primero? ¿Ocurren simultáneamente? PS: A veces me gustaría que mi trabajo fuese más técnico para que el azar tuviera un lugar más claro en su proceso de construcción. Normalmente mis proyectos plantean una pregunta y un punto de partida, todo lo que ocurre después es improvisado. El azar tiene un gran papel en mi proceso de obra porque trabajo de manera social, por lo que las acciones y actitudes de otras personas influyen directamente en mi propio trabajo. Generalmente establezco un plan tratando de prever el tipo de participación que voy a obtener de los demás, pero mis planes son siempre superados por la realidad. Tengo que admitir que me cuesta aceptar el resultado final de mis ideas, pero esta es mi manera de aprender, de responder y de repensar. RG: Creo que trabajar con el azar es una técnica en sí misma, funciona como con los documentalistas. Ellos están conscientes de que hay cosas específicas que suceden en lugares determinados, no saben cómo o cuándo ocurren pero esperan a que suceda, desafían al azar. AB: Al menos en este proyecto, la colaboración ha sido una gran experimento. Trabajar con la mentalidad y prácticas de otra persona siempre conlleva un elemento de azar. La técnica a veces inhibe cuando uno trabaja solo, trabajar con otro es una negociación. El proceso de colaboración permite que se enfoque el trabajo en el significado y no en la técnica. PR: Esto sucede de muchas maneras diferentes en mi trabajo. A veces me encuentro aleatoriamente con un fenómeno específico que intento reproducir y que implica utilizar técnicas que desconozco e involucrar a otros en el proceso. Otras veces es al revés, el proceso queda suspendido por asuntos puramente técnicos y la forma de resolverlos aparece de manera casual, transformando todo el proyecto y su dirección.
Anthony Bowers & Paz Ortúzar. The Blue of Distance. Cutouts and paintings / Recortes y pinturas.
EG: Discuss the relationship between technique and chance in your artwork. Where do these elements come into play? Which part of the process comes first for you or do they occur/are they applied together? PS: Sometimes I wish my work would be more technical so that chance would have a clearer place on the process of making it. Usually my projects set a question and a starting point, everything after that is improvisation. Chance has a huge role in my pieces process because I work in a social manner,so the actions and attitudes of other people influence greatly my own work. I set a plan trying to foresee the kind of participation I’ll get from others, but my plans are always exceeded by reality. I have to admit sometimes I struggle to accept the final outcome of my ideas, but this is my way of learning -and answering and rethinking. RG: I think working with chance is a technique on itself. It works like with documentary filmmakers. They know some specific things happens in determined places, they don’t know how or when they occur but they expect them, they challenge chance. AB: At least in this project, collaboration has been a fantastic foil. To work within someone else’s practice and mindset always carries an element of chance. Sometimes technique does inhibit when you are on your own - it is a trade off. The process of collaboration refocuses the work on the meaning and not in technique. PR: This happens in many different ways in my work. Sometimes I randomly find a specific phenomenon I try to reproduce and that involves applying techniques that I do not know and involving others in the process. Other times it is the other way around, I am trapped by a purely technical matter and the way of solving the problem shows up casually, transforming the whole process and the direction of the work.
Paula Salas & Dante Cociña. Niñerias. Performance y registro / Performance and record.
EG: No recuerdo que estas ideas circularan durante mi infancia. No siento que hayan sido parte de mi crianza. En realidad no puedo recordar que el deambular existiese como una opción hasta que ya era mucho mayor. ¿Cómo pueden estas ideas integrarse en las experiencias de los niños? ¿Podrían imbuir un cambio social? PO: No sé cómo estas ideas pueden transmitirse, supongo que al multiplicar instancias como éstas y ponerlas a disposición de las personas. Si creo que hay un lado más político de la idea de divagar si es que se piensa en cómo ésta se opone a la manera mecanicista, hiper-eficiente y ambiciosa de entender la vida que se ha sido impuesta a través del capitalismo tardío. En ese sentido, pensar en hacer las cosas sin un resultado determinado o considerar perderse como un fin en sí mismo puede ser una acción de resistencia. Es una idea muy simple pero muy poderosa si es que consideramos el escenario actual. PS: Creo que de alguna manera al convertirnos en adultos perdemos la capacidad de deambular. Trabajando con mi hijo me he dado cuenta de que él experimenta el mundo exterior a través de la improvisación. El año pasado realizó algunas performance en el espacio público mientras yo tomaba notas de sus acciones. Noté que su manera de explorar era impredecible porque cada encuentro lo llevaba a otro objeto o persona y así sucesivamente. Durante esas sesiones de performance no interactuó con los elementos más notorios del lugar, sino que eligió cosas muy concretas. Sin embargo, para generar esas acciones él confió en mí como proveedora de seguridad. En ese sentido, nuestro trabajo conjunto fue una colaboración porque él se apoyó en mí para realizar sus performance tanto como yo lo necesité a él para crear esas acciones. Si algo acerca de nuestro trabajo en conjunto podría alimentar un cambio social, sería la confianza total entre los dos. Colaborar de esta manera pragmática pero también emocional, es una experiencia extrema que podría cambiar la forma en que nos relacionamos en comunidades más amplias, como barrios o entornos laborales. JB: Elisa, comparto tu experiencia de infancia en la que divagar era considerado inapropiado. Recuerdo haber aprendido poesía en la escuela a través del mismo sistema que aprendimos química. Es decir, se lee, interpreta y analiza un poema para descubrir su significado. Me tomó dos décadas recuperarme de esto y ser capaz de apreciar los versos. Tal vez el pragmatismo norteamericano inhibió nuestras posibilidades de deambular. Sí, el capitalismo se centra en la eficiencia del uso del tiempo y recursos basado en resultados, pero el pragmatismo en un nivel más profundo, se centra en la resolución creativa de problemas. Tal vez uno está perdido o se topó con un obstáculo, el impulso pragmático es superar esa disrupción, no saborear la experiencia de la obstrucción. Es una lástima que no podamos tenerlo todo.
Joe Bochynski. Permission Figures. Ceramic tile on Wood / Baldosas de cerámica sobre madera.
EG: I can’t recall a memory of these ideas being circulated in any way as a child. I don’t feel it was in my upbringing. I actually can’t recall learning the option to wander existed until I was much older! How can these ideas be integrated into young people’s experiences? Could these ideas inform a social change? PO: I don’t know how these ideas can be transmitted, I guess that by multiplying instances like these and making them available to people. I do think that there is a much more political side to the idea of wandering if you think of how opposed it is to the mechanistic, productive and goal-oriented way of understanding life that has been imposed through late capitalism. In that sense, thinking about doing things without a determined outcome or considering getting lost as an end in itself is a counteraction. It’s a very simple idea, but it’s very powerful considering the current scenario. PS: I think somehow we lost the ability to wander in adulthood. Working with my son I’ve realized he actually experience the outside world through improvisation. Last year he made some performances on the public space while I took notes of his actions. I noticed his way of exploring was unpredictable because every encounter would lead him to another object or person, and so on. During those performance sessions he didn’t interact with the most notorious elements at the place, on the contrary he chose very specific things. However, I think in order to generate those actions he relied on me as a safety provider. In that sense our work together was a collaboration because he leaned on me to perform as I needed him to create those actions. If anything about our work together could inform a social change it would be this total trust between the two of us. To collaborate in this pragmatic but also emotional manner, is an extreme experience that could change the way we relate to each other in wider communities such as neighbourhoods or work environments. JB: Elisa, I share the early childhood experience that wandering is inappropriate. I recall learning poetry in school via the same format we learned about chemistry. That is, you read, interpret, and analyze a poem to discover it’s meaning. It took me two decades to recover from this and appreciate verse. Perhaps American pragmatism inhibited our chances of displacement. Yes, capitalism is focused on result-based use of time and resources, but pragmatism on a deeper level focuses on creative problem solving. Maybe you are lost, or hit an obstacle, the pragmatic impulse is to overcome said encounter, not savor the experience of obstruction. It’s too bad that we can’t have our cake and eat it too.
Theo Mullen III. Untitled, 7.16/2.17. Glass, clocks, offset print / Vidrio, relojes e impresiรณn offset.
This zine was printed for the show To Chance To Wander exhibited at Fjord Gallery, Philadelphia, PA. Este Fanzine fue impreso en el contexto de la exhibiciĂłn To Chance To Wander exhibida en Fjord Gallery,Filadelfia, PA. 300 copies/300 copias Photography/FotografĂa Gordon Stillman Printed in Philadelphia by/Impreso en Filadelfia por Recital Press Proyecto financiado por Fondart Nacional Convocatoria 2017 / Project funded by Fondart Nacional Convocatoria 2017 May/Mayo 2017
Proyecto financiado por Fondart Nacional Convocatoria 2017