Chicago Calling: Art Against the Flow by Intuit Art Center

SECTION TITLE

CHICAGO CALLING: ART AGAINST THE FLOW ICI CHICAGO: Lâ&#x20AC;&#x2122;ART CONTRE-FLOT

CURATED BY / CONSERVATEURS : KENNETH C. BURKHART AND LISA STONE

EXHIBITION DATES / DATES D’EXPOSITIONS

INTUIT: THE CENTER FOR INTUITIVE AND OUTSIDER ART, CHICAGO JUNE 2018–JANUARY 2019

LA HALLE SAINT PIERRE, PARIS MARCH–AUGUST 2019

THE PRINZHORN COLLECTION, HEIDELBERG SEPTEMBER 2019–JANUARY 2020

COLLECTION DE L’ART BRUT, LAUSANNE MARCH–AUGUST 2020

THE OUTSIDER ART MUSEUM, AMSTERDAM SEPTEMBER 2020-MARCH 2021

William Dawson at Home, 1988. Photo by Kenneth C. Burkhart.

ACKNOWLEDGMENTS REMERCIEMENTS

This book is produced in conjunction with the exhibition: Chicago Calling: Art Against the Flow Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, Chicago June 28, 2018–January 6, 2019 Ce livre est publié conjointement avec l’exposition: Ici Chicago : l’art contre-flot Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, Chicago 28 juin 2018–6 janvier 2019. ISBN-13: 978-0-9990010-4-2 Copyright 2018. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art. All rights reserved. No portion of this book may be reproduced, stored in a retrieval system, or transmitted in any form or by any means, mechanical, electronic, photocopying, recording or otherwise without written permission from the publisher. Copyright 2018. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art. Tous droits réservés. Aucune partie de ce livre ne peut être reproduite, stockée dans un système de récupération, ou transmise, sous quelque forme que ce soit ni par quelque moyen que ce soit, que ce soit mécanique, électronique, par photocopie ou enregistrement, ou autrement, sans l’autorisation écrite préalable de l’éditeur. Endpaper front: Wesley Willis, drawing detail rendered in red and gray. Endpaper back: Joseph Yoakum, drawing detail rendered in red and gray. Printing: Blanchette Press, Vancouver Design: LOWERCASE / lowercaseinc.com

Acknowledgments

Special thanks

Remerciements

Remerciements particuliers

Chicago Calling: Art Against the Flow is funded by the

Dana Boutin, research associate, for outstanding efforts

Terra Foundation for American Art and The Richard H.

delving into the artists and exhibition history and editing

Driehaus Foundation.

/ pour ses efforts remarquables de recherches dans le passé des artistes et des expositions et pour ses révisions

The Elizabeth Firestone Graham Foundation The Dorothea and Leo Rabkin Foundation

Tim Bruce, Lowercase, Inc., designer Kenneth C. Burkhart, co-curator and author

Chicago Calling: Art Against the Flow is part of Art Design

Ann Cernek, French translation

Chicago, an exploration of Chicago’s art and design legacy,

Mireille Cernek, French proofreader

an initiative of the Terra Foundation for American Art with

John Faier, principal photography

presenting partner The Richard H. Driehaus Foundation.

Sarah Lombardi, Collection de l’Art Brut Hans Looijen, Dolhuys Museum

Ici Chicago : l’art contre-flot fait partie de Art Design Chicago,

Martine Lusardy, Halle Saint Pierre

une exploration du patrimoine des arts et du design de

Thomas Röske, Prinzhorn Collection

Chicago, une initiative de la Terra Foundation for American

Lisa Stone, co-curator, author and project wrangler

Art accompagnée par la Richard H. Driehaus Foundation.

William Swislow, curator, author and research contributor and

Intuit thanks the Terra Foundation for American Art,

The Intuit Board of Directors

both for its leadership in conceiving and realizing

and

Art Design Chicago and for its support of this catalogue,

Don Baum, curatorial mentor to Kenneth C. Burkhart and

exhibition, European exhibition travel and Art Against the

Lisa Stone, who approached exhibitions with expansive

Flow Summit.

verve and abandon and a healthy disregard for convention, always foregrounding the artists, allowing their works to

Intuit remercie la Terra Foundation for American Art, pour

dictate the approach. / mentor conservateur de Kenneth

avoir pris l’initiative de la conception et de la réalisation

C. Burkhart et Lisa Stone, qui a abordé les expositions avec

d’Art Design Chicago et pour son soutien pour la

une verve expansive, montrant un abandon et un mépris

concrétisation de ce catalogue, de cette exposition, du

sain de la convention, toujours privilégiant les artistes,

voyage de cette exposition en Europe et de l’Art Against

permettant à leurs œuvres de dicter la manière d’aborder

the Flow Summit.

le sujet.

Additional Project Contributors Alison Amick, senior manager of exhibitions and

development, chief curator, Intuit

Matthew Arient, co-chair, Intuit exhibitions committee Intuit is grateful to partner presenting organizations Halle

Debra Kerr, editor, executive director, Intuit

Saint Pierre, Paris; Prinzhorn Collection, Heidelberg; Collection

Jan Petry, co-chair, Intuit exhibitions committee

de l’Art Brut, Lausanne; and the Outsider Art Museum,

Melissa Smith, senior manager of learning and

Amsterdam.

engagement, Intuit

Christina Stavros, assistant registrar, Intuit Intuit est reconnaissant envers les organisations associées qui présenteront aussi cette exposition, Halle Saint Pierre à Paris, Prinzhorn Collection à Heidelberg, Collection de l’Art Brut à Lausanne, et Outsider Art Museum à Amsterdam.

CONTENTS SOMMAIRE

Foreword / Avant-propos

Artists Call, Chicago Answers / Les artistes lancent un appel, Chicago y répond

Selected Works / Œuvres choisies

Chicago We Own It / Chicago c’est à nous

118

Artists’ Biographies / Biographies d’artistes Curators’ Musings / Réflexions de conservateurs

158

Selected museum exhibitions of folk, self-taught and outsider art in Chicago, 1941-2018 / Expositions de musées sélection d’art folklorique, autodidacte et outsider à Chicago, 1941-2018

170

Exhibition Checklist / Liste des oeuvres

SECTION TITLE

Mr. Imagination/Gregory Warmack (American, 1948-2012). Chicago 1984, 1984. Foundry sandstone and paint, 5 3/4 x 7 1/2 in. (14.61 x 19.05 cm). Collection of Robert Alter and Sherry Siegel. Photo Â© John Faier.

It’s no coincidence that Intuit is in Chicago.

Ce n’est pas une coïncidence qu’Intuit existe à Chicago.

Debra Kerr

Executive Director

Directrice executive

Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art

Those same explorers—collectors, artists, dealers, teachers,

Ce sont les explorateurs—collectionneurs, artistes, marchands,

flea market wanderers—who are celebrated in this catalogue

instituteurs, chineurs de marchés aux puces célébrés dans ce

and the accompanying exhibition—came together to found

catalogue et l’exposition qu’il accompagne—qui se sont réunis

an organization that would spread their passion for outsider

pour fonder une organisation qui proclamera leur passion

art and artists to new audiences. Intuit formally came to

pour les artistes et l’art outsider à de nouveaux publics. Intuit

life on 10 June 1991 and began to exhibit and publish.

prit officiellement vie le 10 juin 1991 et commença à exposer

As the genre became more widely accepted by the public

et publier dès ce moment. En même temps que le genre

and the mainstream art world, so did Intuit advance from

devenait plus accepté par le public et le monde de l’art

holding pop-up exhibitions in spaces around town to finding

conventionnel, Intuit progressait aussi : ayant commencé

a permanent organizational home in 1999 to opening the

avec des expositions pop-up dans différents lieux de la ville,

recreated Henry Darger room in 2008 to doubling its

il prenait possession d’un domicile organisationnel permanent

exhibition and education programming space in 2017.

en 1999, il assurait l’ouverture de la reconstruction de la pièce d’Henry Darger en 2008 et son espace dédié à l’exposition et

When Intuit learned of the initiative that would become Art

à la programmation éducative était multiplié par deux en 2017.

Design Chicago, its team understood that such an endeavor would be the perfect opportunity to widely tell the story of

Quand Intuit prit connaissance de l’initiative qui deviendrait

Chicago’s role in embracing and advancing outsider art and

Art Design Chicago, son équipe comprit qu’un tel effort

Intuit’s genesis as part of that story. Art Design Chicago is

présentait l’occasion parfaite de répandre le plus possible

a spirited celebration of the unique and vital role Chicago

l’histoire du rôle de Chicago et de la genèse d’Intuit dans

plays as America’s crossroads of creativity and commerce.

l’acceptation et l’avancement de l’art outsider. Art Design

Led by the Terra Foundation for American Art, this citywide

Chicago est une commémoration vibrante du rôle unique et

FOREW0RD AVANT-PROPOS

partnership of cultural organizations explores Chicago’s

vital que Chicago joue en tant que carrefour américain de la

art and design legacy. Intuit is proud to participate with

créativité et du commerce. Dirigée par le Terra Foundation for

Chicago Calling: Art Against the Flow—one of 25 exhibitions

American Art, cette association d’organisations culturelles de

headlining the 2018 celebration.

la ville entière explore l’héritage d’art et du design de Chicago. Intuit est fière de participer en présentant Ici Chicago : l’art contre-flot—une des vingt-cinq expositions principales de la

AUTHENTIC WORK, MADE BY ARTISTS WHO

célébration de 2018.

HAVE CREATED EXTRAORDINARY BEAUTY FROM THE SIMPLEST MATERIALS. DES ŒUVRES AUTHENTIQUES, FAITES PAR DES ARTISTES QUI ONT CRÉÉ DE LA BEAUTÉ Drawing on the power of outsider art to transcend borders—

EXTRAORDINAIRE AVEC DES MATÉRIAUX SIMPLES.

those drawn on maps as well as those existing in our minds—Intuit is committed to serving as a safe place of open and inclusive inquiry and discussion. For more than 25

S’appuyant sur le pouvoir de l’art outsider de surpasser les

years, it has brought the perspectives of outsider artists

frontières – celles tracées sur les cartes ainsi que celles qui

to a public hungry for authentic work, made by artists who

existent seulement dans nos esprits – Intuit s’est engagé à être

have created extraordinary beauty from the simplest

un refuge où la recherche de renseignements et les discussions

materials. These artists have realized their personal vision

peuvent avoir lieu de façon ouverte et inclusive. Depuis plus

with the aid of few resources, often while facing systemic

de 25 ans, nous avons offert les perspectives d’artistes

poverty and discrimination. We at Intuit honor their courage

outsider à un public désirant des œuvres authentiques, faites

and reassert our solidarity with all those who recognize that

par des artistes qui ont créé de la beauté extraordinaire avec

our deepest strength lies embedded within our differences.

des matériaux simples. Ces artistes ont réalisé leurs visions

Rarely in recent memory has art been so necessary to us all,

personnelles avec l’aide de peu de ressources, souvent tout

simply because it allows us to see beyond appearances.

en faisant face à la pauvreté et discrimination systématique.

We invite everyone through our doors to enjoy artwork that

Nous honorons leur courage et réaffirmons notre solidarité

embodies our collective search for what it means to be

avec tous ceux qui reconnaissent que la force humaine la plus

human, overcoming boundaries based on religion, race,

profonde provient de nos différences.

ethnic origin, gender, socioeconomic status, orientation, and physical or mental ability. ✶

Durant ces dernières années, l’art a rarement été si essentiel, simplement parce qu’il nous permet de voir au-delà des apparences extérieures. Nous invitons tout le monde à venir à notre musée pour profiter des œuvres d’art dont la création concrétise notre recherche collective de ce que veut dire « être humain », en dépit des limites basées sur la religion, la race, les origines ethniques, le sexe, le statut socio-économique, l’orientation sexuelle, et les capacités physiques et mentales. ✶

Intuit’s first show, From Chicago, curated by Clay Morrison with help from Mike Noland and Aron Packer in 1991, surveyed several of Chicago’s important self-taught artists including Henry Darger, Drossos Skyllas, Mr. Imagination, Aldo Piacenza, Derek Webster, William Dawson, Joseph Yoakum and Lee Godie. Darger image in photo © 2018 Kiyoko Lerner / Artists Rights Society (ARS), New York.

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Henry Darger (American, 1892-1973). Young Fairy Winged Blengian and Gigantic Fairy Winged Tuskorhorian (detail), n.d. Watercolor and pencil on manila paper, 14 x 17 in. (35.65 x 43.18 cm). Collection Robert A. Roth. ÂŠ 2018 Kiyoko Lerner / Artists Rights Society (ARS), New York.

SECTION TITLE

Invitation to the Jean Dubuffet “Anticultural Positions” lecture, 1951. Collection of The Arts Club of Chicago. Photo by Robert Chase Heisman, 2018.

Artists Call, Chicago Answers

Les artistes lancent un appel, Chicago y répond

Kenneth C. Burkhart and Lisa Stone

Kenneth C. Burkhart et Lisa Stone

Presenting works by 10 exemplary artists (Henry Darger,

La présentation des œuvres de dix artistes remarquables

William Dawson, Lee Godie, Mr. Imagination, Aldo Piacenza,

(Henry Darger, William Dawson, Lee Godie, Mr. Imagination,

Pauline Simon, Drossos Skyllas, Dr. Charles Smith, Wesley

Aldo Piacenza, Pauline Simon, Drossos Skyllas, Dr. Charles

Willis and Joseph E. Yoakum) as part of a broad examination

Smith, Wesley Willis et Joseph E. Yoakum) faisant partie

of Chicago’s art history from 1871 to 2000, made possible

d’une étude vaste de l’histoire de l’art de Chicago de 1871 à

by the Terra Foundation for American Art’s Art Design

2000, à travers Art Design Chicago de la Fondation Terra

Chicago event, is timely, essential and right.

pour l’Art Américain, est opportune, essentielle et appropriée.

The Terra Foundation’s “wide-ranging initiative to explore

La Fondation Terra a « une initiative étendue d’explorer

the breadth of Chicago’s role as a catalyst and incubator for

la largeur du rôle de Chicago en tant que catalyseur et

innovations in art and design” recognizes Intuit: The Center

incubateur pour l’innovation dans l’art et le design ». Cette

for Intuitive and Outsider Art’s 27-year history of artistic

initiative reconnaît qu’Intuit : The Center for Intuitive and

inclusion. Catalyzed by artists, art collectors, dealers,

Outsider Art a comme histoire vingt-sept ans d’inclusion

educators and unapologetic appreciators of art from

artistique. Catalysé par des artistes, collectionneurs d’art,

beyond the academic mainstream, Intuit evolved from a

marchands d’art, éducateurs et appréciateurs sans remords

scrappy, improvisational start-up in 1991 into an innovative

de l’art non-conventionnelle, Intuit évolua d’un start-up

leader in a genre of art that continues to be defined by its

improvisateur en 1991 à un dirigeant innovateur dans un

relationship to the mainstream mothership. Due to Intuit’s

genre d’art qui continue d’être défini par sa relation avec

growing presence and impressive record of exhibitions and

les conventions dominantes artistiques. C’est grâce à la

programming, the artists in the exhibition, and many others,

présence naissante d’Intuit et de son bilan impressionnant

occupy a respected place in Chicago and beyond.

d’expositions et de programmations que les artistes de cette exposition, parmi de nombreux autres, maintiennent

This essay and other sections of the catalogue reflect on the

une position respectée à Chicago ainsi qu’ailleurs.

historical receptivity of Chicago’s people and institutions to art from beyond the academically sanctioned, self-identified

Cet essai et d’autres sections du catalogue rejaillissent sur

center. Again. In 1991, Intuit’s first exhibition, From Chicago,

la réceptivité historique du peuple et des institutions de

ARTISTS CALL, CHICAGO ANSWERS LES ARTISTES LANCENT UN APPEL, CHICAGO Y RÉPOND

included many of the artists—and even a few of the works

Chicago à l’art d’en dehors de ce qui est sanctionné par

of art—in this exhibition. Since then, every five years or so,

l’académie. En 1991, la première exposition à Intuit,

Intuit has mounted broad exhibitions exploring self-taught

nommée From Chicago, inclut beaucoup d’artistes—ainsi

and outsider art and artists in Chicago. Insightful essays

que plusieurs des œuvres d’art, par coïncidence de la part

in accompanying catalogues have, from different vantage

du conservateur—de cette exposition. Depuis ce temps,

points, traced and retraced this particular arc of art history.1

Intuit organise à peu près tous les cinq ans diverses

While it seems redundant, if not wanton, to write it again,

expositions examinant l’art et les artistes outsiders à

we do so for endlessly fresh audiences, humbly referencing

Chicago. Les essais perspicaces dans les catalogues de

writers who laid the path, while offering some fresh perspectives.

ces expositions ont tracés et retracés cette progression particulière de l’histoire de l’art de différents points de vue.1

Chicago has evolved into the center for the recognition,

Bien qu’il semble redondant, voire irréfléchi, de l’écrire de

scholarship, promotion, collection and exhibition of

nouveau, nous le faisons pour un public continuellement

non-mainstream art, historically and institutionally as well as

nouveau, en consultant avec humilité les auteurs qui

geographically.2 Intuit has been a core part of that evolution,

ont montré le chemin, tout en proposant de nouvelles

responding to a resounding and continuing need. Despite

perspectives.

the 130 exhibitions Intuit has hosted and the devoted gallerists who have promoted artists from the folk, self-taught,

Chicago a évolué jusqu’à devenir LE centre pour la

intuitive and outsider realms in the city for decades,3 the

reconnaissance, l’étude, la promotion, la collection et

artists and the genre have not yet been meaningfully

l’exposition de l’art non-conventionnelle, d’une manière

assimilated into the city’s museums. With the exception

historique, institutionnelle et géographique.2 Intuit est

of the Art Institute of Chicago’s 222 works by Joseph E.

toujours au centre de cette évolution, répondant à un

Yoakum, non-mainstream art is sparsely represented.4

besoin résonnant et continu. Malgré les 130 expositions animées par Intuit et les efforts des galeristes qui se consacrent à promouvoir les artistes de genre folklorique,

“WHY SO MANY GREAT SELF-TAUGHT/ OUTSIDER ARTISTS IN CHICAGO?”

autodidacte, intuitif et outsider dans la ville depuis des dizaines d’années,3 ni les artistes ni les genres sont assimilés dans les musées de Chicago d’une manière significative. À part la collection de 222 œuvres de Joseph E. Yoakum

Intuit wisely doesn’t hew to the idea of an “outsider”

à l’Art Institute de Chicago, l’art non-conventionnel reste

aesthetic or otherwise marginalize and sensationalize the

peu représenté.4

artists and the genre, as has happened elsewhere. And, important, Intuit is not a monolith; it’s an organization of inspired staff, members, supporters, appreciators and critics who hold widely divergent ideas about the art in question. Intuit supports and mediates an essential, ongoing

« COMMENT EXPLIQUER LA QUANTITÉ DE GRANDS ARTISTES AUTODIDACTES ET OUTSIDERS À CHICAGO ? »

conversation. This exhibition likewise does not focus on rectifying the art’s multitude of descriptors, including

Avec prudence, Intuit ne se définit pas par une esthétique

self-taught, outsider, visionary and the currently-condoned

« outsider ». Le musée ne marginalise ni ne sensationnalise

non-mainstream. As the exhibition and catalogue demonstrate,

les artistes et le genre, ce qui se passe facilement ailleurs.

such designations don’t always hold up, so we refer to

Encore plus important, Intuit n’est pas un monolithe. C’est

the artists here as artists, unqualified.

une organisation composée d’un personnel réceptif à l’art, d’adhérents, de sympathisants, d’appréciateurs et de

To avoid entrapping these artists in the supposed outsider

critiques qui ont des idées largement divergentes sur l’art

versus academic polarity, we might consider the concept

en question. Intuit est le soutien et le médiateur d’une

of a semantic ecotone as introduced by Robert Z. Melnick.

conversation continue et essentielle entre tous. De même,

In his search for a method for understanding vernacular

cette exposition ne cherche pas à corriger la multitude

landscapes, he wrote,

de descripteurs utilisés pour parler de cet art, comme

Cover of Exhibition of Paintings by Horace Pippin, 1941. Collection of The Arts Club Chicago.

SECTION TITLE

Verso, Museum of Contemporary Art Chicago poster for the 1969 exhibition Don Baum Says “Chicago Needs Famous Artists”.

“The concept of the semantic ecotone is purposefully

autodidacte, outsider, visionnaire et, le terme toléré pour

borrowed from the ecological concept of ecotone, the

le moment, de non-conventionnel. Comme l’exposition et

transition zone between two different plant or ecological

le catalogue le démontrent, ces désignateurs ne sont pas

communities…. An ecotone is characterized by vague

pleinement satisfaisants ; donc nous faisons référence aux

borders and boundaries and by the potential for both

artistes avec le mot « artiste » seul, sans qualificatif.

mutual dependence and competition…. A metaphor for examining these ideas might be taken from coastal waters—

Pour éviter de piéger ces artistes dans la polarité supposée

the oceanic tide pool. The tide pool contains organisms that

entre l’outsider et l’académique, nous pouvons considérer

not only thrive both in and out of water, but also rely upon

le concept de l’écotone sémantique de Robert Z. Melnick.

the cyclical regularity of the varying tides for nourishment

Dans sa recherche d’une méthode pour comprendre les

and sustenance. In language, as well as in thought, we may

paysages culturels vernaculaires il écrivit :

learn from this concept. Our understanding of nature and culture in the landscape might benefit from a set of variable

« Le concept de l’écotone sémantique est délibérément

conditions, rather than a fixed position. We could think

emprunté au concept écologique de l’écotone, la zone

metaphorically of a landscape as a tide pool of the mind,

de transition entre deux plantes ou communautés

ecologically rich and biologically diverse in a variety of

écologiques…. L’écotone est caractérisé par des frontières

settings, rather than limited to solid ground or robust ocean

et limites vagues et par un potentiel pour une dépendance

but never the edge between them.”5

et compétition mutuelle…. Cette idée peut être examinée avec la métaphore des eaux du littorale. La marée de l’océan

Melnick’s idea of a semantic ecotone allows us to reconsider

contient des organismes qui, non seulement prospèrent

the cultural construct of separate spheres—the academy

dans et hors de l’eau, mais aussi dépendent toutefois de la

and the not—that we superimpose on artists who occupy

régularité cyclique des marées différentes pour s’alimenter.

the same geographical and cultural landscape as the

De ce concept nous pouvons tirer une leçon en langage et

self-identified insiders. We might consider a tide pool-like

en pensée. Il se peut que notre compréhension de la nature

environment of art reception and criticism that accommodates

et culture dans le paysage profite d’un ensemble de

works from converse states of experience, where the

conditions variées plutôt que d’une position fixe. Nous

designations of insider and outsider become less distinct

pouvons penser métaphoriquement au paysage cultur el

and an ethic of inclusivity prevails.

comme étant une marée de l’esprit, écologiquement riche et biologiquement diverse dans différentes situations, plutôt

The perennial question, “Why so many great self-taught/

que limitée au sol ferme ou à l’océan robuste, mais jamais à

outsider artists in Chicago?” can be unraveled and clarified

la marge entre les deux. »5

by the history of receptivity that has characterized the city and its aesthetic tide pools. We can speculate: Would Lee

L’idée de l’écotone sémantique nous permet de reconsidérer

Godie have been championed as a “French Impressionist,”

la construction culturelle de deux sphères différentes—

had she set up shop on the steps of the Metropolitan

celle académique et celle non-académique—que nous

Museum of Art in New York, instead of the Art Institute of

superposons sur les artistes qui occupent le même paysage

Chicago? Would Wesley Willis have been welcomed into

géographique et culturel que ceux qui s’auto-identifient

and given studio space at the Yale School of Architecture,

comme insiders. Nous pouvons prendre en considération

as he was at Illinois Institute of Technology’s Crown Hall?

un environnement comme celui des eaux du littorale pour recevoir et critiquer l’art, un environnement qui accommode

Suppositions abound, but these 10 and many other artists

les œuvres d’expériences contraires, où les désignations

appeared in various places and at various times in the city.

d’insider et d’outsider deviennent de moins en moins

Their work held up to initial scrutiny and that holding up

distinctes et une éthique d’inclusion prévaut.

has not diminished over time. It astounded many and still does. The artists became ensconced, to varying degrees, in

La question perpétuelle, « Comment expliquer la quantité

Chicago’s elastic art scene, and several have become known,

de grands artistes autodidactes et outsiders à Chicago ? »,

appreciated, exhibited and collected in wider national and

peut être éclaircie par le passé de réceptivité qui caractérise la

ARTISTS CALL, CHICAGO ANSWERS LES ARTISTES LANCENT UN APPEL, CHICAGO Y RÉPOND

international spheres. For those who have yet to experience

ville et ses marées esthétiques. Nous pouvons spéculer : Lee

these artists, we’re excited to send this exhibition to partnering

Godie aurait-elle été acclamée « impressionniste française »

European museums.

si elle avait vendu ses pièces aux marches du Metropolitan Museum of Art à New York plutôt qu’à celles de l’Art Institute de Chicago ? Wesley Willis aurait-il été accueilli et lui aurait-on

T H E A R T WO R KS L E A D U S T H R O U G H

offert un studio au Yale School of Architecture, comme cela

DIMENSIONS OF FOCUS, FROM EXPRESSIONS

a été fait au Crown Hall Illinois Institute of Technology ?

OF FIERCE RESISTANCE IN SOUL-CRUSHING

Les suppositions abondent mais ces dix artistes et de

CIRCUMSTANCES, TO CONVENTIONAL

nombreux autres ont apparu à divers moments et en divers

IDEALS OF BEAUTY, AND MUCH IN BETWEEN.

endroits dans la ville. Leurs œuvres ont été à la hauteur des examens initials et cela n’a pas diminué avec le temps. Ceci continue d’étonner le public. Les artistes se sont installés, en

Chicago Calling was curated from Chicago collections.6 The

degrés variés, sur la scène artistique élastique de Chicago.

exhibition is by no means an exhaustive look at the artists

Plusieurs d’entre eux sont devenus connus, appréciés,

and collections of art in our region—celebrating this art and

exposés et collectionnés dans les domaines nationaux et

its artists is Intuit’s ongoing mission. Of the many artists

internationaux. Pour ceux qui n’ont pas encore reçu ces

we could have included, we distilled the roster to 10 whose

artistes, nous nous réjouissons d’envoyer cette exposition à

works and whose presence in the city represent fortuitous

nos musées partenaires en Europe.

moments in Chicago’s cultural orbit. The 79 works of art are a small fraction of the abundance of works held in Chicago collections. Intuit does an exemplary job showcasing art

LES ŒUVRES NOUS GUIDENT À TRAVERS DES

from Chicago holdings in its diverse exhibitions. Chicago

ÉTENDUES DIFFÉRENTES : DES EXPRESSIONS

Calling is a concentrated core sample.

FÉROCES DE RÉSISTANCE DANS DES CIRCONSTANCES DÉCOURAGEANTES, AUX

Given this moment in the confluence of appreciation and

IDÉES CLASSIQUES DE LA BEAUTÉ, ET BEAUCOUP

recognition of these artists and artworks, we felt released

DE CE QUI SE SITUE ENTRE LES DEUX.

from an expectation to sequester each artist within the realm of their own aesthetic. Rather, we chose to let the artworks lead us through dimensions of focus, from

Chicago Calling est organisée à partir de collections de

expressions of fierce resistance in soul-crushing

Chicago.6 L’exposition n’est en aucune manière un regard

circumstances, to conventional ideals of beauty, and much

exhaustif sur les artistes et collections d’art de notre région—

in between. Culled from 30 collections (and many more

la mission continue d’Intuit est de célébrer cet art.

examined), the show explores the commingled histories

Nombreux sont ceux que nous aurions pu inclure, mais

of a preponderance of outstandingly original artists.

nous avons affiné la liste à dix artistes dont les œuvres et la

All of them lacked a conventionally-accepted connection

présence dans la ville représentent des moments

to the artistic mainstream, but all eventually found a robust

bienheureux dans la sphère culturelle de Chicago. Les

audience that accepted them and a museum created to

quatre-vingt pièces représentent une petite partie de

support them.

l’abondance des œuvres tenues par les collections de Chicago. Intuit met en valeur l’art de Chicago à travers ses

Why (not) Chicago?

expositions diverses d’une manière exemplaire. Chicago Calling en est un bon exemple.

Chicago was described by Thomas Dyja, in his cultural

En ce moment d’appréciation et de reconnaissance de ces

history The Third Coast, as a city “whose purpose was to be

artistes et de leurs œuvres, nous nous sommes sentis

in the middle.” What happened in this middle?7 What is its

libérés de l’attente que les artistes soient séquestrés dans

significance? Dyja wrote,

le domaine de leurs propres esthétiques. Plutôt, nous laissons les œuvres nous guider à travers des étendues

“From 1945 to 1949, an explosion of creativity and destruction

différentes : des expressions féroces de résistance dans

and a flood of new faces energized Chicago: migrants

des circonstances décourageantes, aux idées classiques de

and émigrés; planners, architects and designers; ground-

la beauté, et beaucoup de ce qui se situe entre les deux.

breaking musicians and actors; innovators in technology

Sélectionnée parmi 30 collections (et beaucoup plus ont

and communications; leading minds in education, religion

été examinées) l’exposition explore les passés mêlés d’une

and philosophy; European intellectuals and dirt-poor

prépondérance d’artistes remarquablement originaux.

southern blacks—all came to the Third Coast to explore

Malgré leur manque de connexion conventionnelle au

the postwar future….

monde artistique traditionnel, ils ont tous finalement trouvé un public robuste qui les accepte et un musée créé pour

“Curator Katherine Kuh and the Art Institute of Chicago

leur apporter leur support et soin.

helped explain abstract art to America; artists Leon Golub and the reclusive Henry Darger moved toward figurative styles distinctly unfashionable in the face of New York

Pourquoi (pas) Chicago ?

Abstract Expressionism.”8 Thomas Dyja, dans son histoire culturelle The Third Coast, la To place Chicago beyond Chicago, into a national and

troisième côte, décrit Chicago comme étant une ville

international context, it’s necessary to note that the

« dont la raison d’être était d’être situé au milieu du pays ».7

acceptance, appreciation and positioning of self-taught

Qu’est-ce qui s’est passé dans ce milieu ? Quel est son sens ?

artists evolved along different paths in the United States

Dyja écrivit :

and Europe. The discovery, exploration and collection of art from outside the academy in Europe emerged with

« De 1945 à 1949, une explosion de créativité et de

the awareness of work by European artists who were

destruction et un déluge de nouveaux visages ont

institutionalized with psychiatric illness. These artists

énergisé Chicago : des émigrés ; des urbanistes, architectes

created compelling, expressive inventions of visual language

et dessinateurs ; des acteurs et musiciens révolutionnaires

within physical and mental confinement, mostly isolated

; des innovateurs en technologie et communication ; des

from society.

novateurs dans l’éducation, la religion et la philosophie ; des intellectuels Européens et des noirs du sud de l’Amérique extrêmement pauvres—tous sont venus sur la Troisième

“IT IS SIGNIFICANT THAT DUBUFFET MADE

Côte pour découvrir le futur de l’après-guerre....

MORE OF AN IMPACT IN ONE HOUR ON THE HARD CORE THAT PUSHED THROUGH

« La conservatrice Katherine Kuh et l’Art Institute de

THE SNOW THAT THURSDAY MORNING

Chicago ont fait comprendre l’art abstrait à l’Amérique ;

THAN HE HAD IN FIVE MONTHS ON ALL

les artistes Leon Golub et Henry Darger, le solitaire, se sont

THE NEW YORK ARTISTS...”

rapprochés des styles figuratifs nettement démodés au regard de l’expressionisme abstrait de New York. »8

Extraordinary collections were assembled by Dr. Hans

Si nous plaçons Chicago au-delà de Chicago, dans un

Prinzhorn at the University of Heidelberg (organized into

contexte national et international, il est nécessaire de noter

the Prinzhorn Collection) and Dr. Walter Morgenthaler,

que l’acceptation, l’appréciation et la position des artistes

whose collection is preserved at the Psychiatrie Museum

autodidactes a évolué le long de différents chemins aux

at the Waldau Clinic in Bern. French artist Jean Dubuffet

États-Unis et en Europe. La découverte, l’exploration et la

later discovered, acquired and solidified works by auteurs

collection d’œuvres d’art d’en dehors de l’académie en

(his preferred term) who were isolated from society into

Europe a émergé avec une prise de conscience de

the category he defined as Art Brut. Dubuffet’s legendary

l’existence d’œuvres d’artistes européens qui étaient

collection was first installed in Paris. He later exhibited the

internés dans des hôpitaux psychiatriques. Ces artistes

collection in the United States for 10 years (1952-1962) at

ont créé des inventions envoûtantes et expressives d’un

the East Hampton, New York, estate of artist Alfonso

langage visuel de leur détention physique et mentale, le plus souvent isolés de la société.

ARTISTS CALL, CHICAGO ANSWERS LES ARTISTES LANCENT UN APPEL, CHICAGO Y RÉPOND

Ossorio, expecting the collection to ignite the interest of

« IL EST CONSIDÉRABLE QUE DUBUFFET AIT

Abstract Expressionist artists. They were, for the most part,

FAIT PLUS GRANDE IMPRESSION EN UNE

unmoved. The collection is preserved today in the Collection

HEURE SUR LES FANATIQUES IRRÉDUCTIBLES

de l’Art Brut in Lausanne, Switzerland. All three European

QUI ONT PASSÉ À TRAVERS LA NEIGE CE

collections are brilliantly curated and interpreted.

JEUDI MATIN QUE SUR TOUS LES ARTISTES DE

Dubuffet was heralded in Chicago with exhibitions and acquisitions of his work into public and private collections

NEW YORK EN CINQ MOIS... »

and, perhaps, most notably for his legendary 1951 Arts Club lecture, “Anticultural Positions.” The lecture was sparsely

Des collections extraordinaires ont été montées par Dr. Hans

attended due to an inconvenient blizzard, but its impact has

Prinzhorn à l’Université de Heidelberg (plus tard compilées

become mythical, despite a lack of consensus about exactly

en la Prinzhorn Collection) et Dr. Walter Morgenthaler, dont

how. In the 1970 catalogue for the exhibition Dubuffet

la collection est préservée au Pyschiatrie-Museum à la

and the Anticulture, New York (formerly Chicago) gallerist

Waldau Clinic à Bern. Plus tard, l’artiste français Jean Dubuffet

Richard Feigen wrote,

découvrit, acquit et consolida les œuvres d’auteurs (son terme préféré) qui, isolés de la société, ont formé

“It is significant that Dubuffet made more of an impact in

la catégorie qu’il définit comme l’art brut. La collection

one hour on the hard core that pushed through the snow

légendaire de Dubuffet fut d’abord installée à Paris. Ensuite

that Thursday morning than he had in five months on all

il exposa la collection aux Etats-Unis pendant dix ans (1952-

the New York artists. The importance of the Chicago trip

1962) dans la propriété de l’artiste Alfonso Ossorio à East

was not for Dubuffet but for a small group of artists, critics

Hampton, dans l’état de New York. Dubuffet espérait que la

and amateurs who at that time formed the only pocket of

collection intéresserait les artistes d’expressionnisme

understanding for the revolution of which Dubuffet’s speech

abstrait. Mais pour la plupart d’entre eux, ils étaient

was the manifesto.”9

indifférents. Aujourd’hui, les œuvres sont préservées à la Collection de l’art brut à Lausanne en Suisse. Les trois

He continued, musing on the impact his exhibition would

collections européennes sont toutes brillamment organisées

have on Chicago artists, “It will show how a tiny group of

et interprétées.

Chicago artists were teased along the same savage paths where Dubuffet had been, and struggled while New York

Dubuffet fut acclamé à Chicago avec l’exposition et

splashed and dripped out the last easel paintings of the

l’acquisition de ses œuvres dans des collections publiques

forties and fifties, until Central European expressionism and

et privées et, peut-être surtout, de façon plus notoire, pour

surrealism were finally dead and Oldenburg went to the

son exposé légendaire « Anticultural Positions » en 1951

Lower East Side and preached the anticulture.”10

au Arts Club. L’exposé a été peu fréquenté à cause d’une tempête de neige perturbatrice mais l’effet qu’il a produit

In Chicago Dubuffet was in fertile, sympathetic territory.

est devenu mythique, malgré un manque de consensus sur

Rather than being the match that lit the fire of receptivity to

les raisons de ce phénomène. En 1970, le galeriste de New

works outside the academic mainframe, however, the effect

York (autrefois de Chicago) Richard Feigen écrit dans le

was more akin to a slow release fertilizer, nurturing soil in

catalogue de l’exposition Dubuffet and the Anticulture,

an established garden. As Feigen implied, Dubuffet was preaching to the choir, but his lecture anointed Chicago’s

« Il est considérable que Dubuffet ait fait plus grande

relationship with art from other realms and was delivered

impression en une heure sur les fanatiques irréductibles qui

in Chicago, not New York, Los Angeles or Paris. That

ont passé à travers la neige ce jeudi matin que sur tous les

mattered. Had Alfonso Ossorio lived on an estate near

artistes de New York en cinq mois. L’importance de ce

Chicago, Dubuffet’s collection might well be ensconced in

séjour à Chicago n’était pas pour Dubuffet mais plutôt pour

America’s heartland.

le petit groupe d’artistes, de critiques et d’amateurs qui étaient les seuls à ce moment-là à comprendre la révolution dont le discours de Dubuffet était le manifeste. » 9

In the United States, attention to non-mainstream art was

Feigen continua, songeant à l’impression que son exposition

initially rooted in the discovery and appreciation of folk art,

aurait sur les artistes de Chicago, “Elle montrera comment un

a broad and duly-debated term that generally refers to

minuscule groupe d’artistes de Chicago a été sauvagement

traditional crafts and the functional or purely artistic

moqué tout au long du même parcours féroce que Dubuffet,

“expressions of artists and artisans informed by ethnic,

et a dû lutter avec difficulté pendant que New York

community, family and/or religious traditions”. Folk art

éclaboussait et faisait dégouliner les dernières peintures

implies a connection to a “folk” population, made by and

sur chevalet des années quarante et cinquante, jusqu’au

generally for common people, outside of the realms of the

moment où l’expressionisme et le surréalisme d’Europe

academy or high culture. Traditional American folk art

central étaient finalement morts et où Oldenburg alla

encompasses a broad variety of 18th-, 19th- and early

prêcher l’anticulture dans l’est de Manhattan, New York. »10

20 -century objects that mostly reflected life in rural, th

pre-industrial America.

À Chicago, Dubuffet était en territoire fécond et sympathique. Plutôt que d’avoir incité immédiatement une vive réceptivité

Extensive studies have chronicled the modernist artists,

aux œuvres hors du courant académique, Dubuffet produisit

curators and collectors who embraced folk art, who were

un effet qui ressemble à celui d’un engrais qui se dispense

primarily on the East Coast in the early decades of the last

peu à peu, nourrissant la terre d’un jardin déjà établi. Comme

century. The ensuing exhibitions, collections and institutional

Feigen l’a insinué, Dubuffet prêchait des convertis, mais

involvement testify to the robust interest, not only in the

son exposé a consacré le rapport entre Chicago et l’art

many and sundry objects themselves, but in aesthetics that

d’autres domaines et il a été présenté à Chicago et non

were perceived to parallel modernist aesthetics.

à New York, ni à Los Angeles, ni à Paris. Ceci a compté. Si Alfonso Ossorio avait vécu à Chicago au lieu de New

The Great Depression knocked the wind out of the economy

York, la collection de Dubuffet se serait peut-être installée

and, therefore, just about everything else, but recovery

au cœur de l’Amérique.

efforts put many artists to work. The Index of American Design, an extraordinary New Deal project (under the

Aux Etats-Unis, l’attention portée à l’art non-conventionnel

Works Progress Administration’s Federal Art Project), set

a initialement pris ses racines dans la découverte et

out to establish a non-European “usable past” for America.

l’appréciation de l’art folklorique, un terme vague et dûment

Beginning in late 1935 and continuing for six years, nearly

débattu, qui en général réfère au travail manuel, et aux

a thousand artists were employed and rigorously trained

expressions fonctionnelles et artistiques des artistes et

in specific methods of rendering objects in watercolor.

artisans inspirés par des traditions ethniques, communautaires,

The artists eventually created more than 18,000 paintings

familiales et religieuses. L’art folklorique suppose un rapport

of examples of American folk art, in exceptionally precise,

avec une population « folklorique ». L’art est fait par et pour

photo-realist detail. The Index, a vast and marvelous

les gens du commun en dehors de l’influence de l’académie

trove of trompe l’oeil paintings, was rooted in the idea

et de la haute culture. L’art folklorique traditionnel

that folk art was America’s truly homegrown art form.

Américain comprend une variété d’objets des 18e, 19e siècles

The documentation of this enormous and varied genre

et du début du 20e siècle qui reflétaient la vie de l’Amérique

was intended to provide a foundation for a national

rurale et préindustrielle.

cultural identity.11 Des études importantes ont répertorié les artistes, In 1961, the Museum of Early American Folk Art (now the

conservateurs et collectionneurs modernistes qui ont

American Folk Art Museum) was established in New York.

embrassé l’art folklorique de la côte Est dans les premières

Initially, it focused on traditional folk art, but founder

décennies du 20e siècle. Les expositions et collections et la

and early curator Herbert Waide Hemphill, Jr., soon advocated

participation des institutions qui s’ensuivent témoignent

for the recognition and acceptance of works by 20th-century

de l’intérêt énergique pour les œuvres diverses et

self-taught artists (including works by unidentified makers),

nombreuses ainsi que pour les esthétiques qui semblaient

which was radical at the time and met with considerable

être parallèles aux esthétiques modernistes.

resistance. Hemphill and Julia Weissman co-authored

ARTISTS CALL, CHICAGO ANSWERS LES ARTISTES LANCENT UN APPEL, CHICAGO Y RÉPOND

20th Century Folk Art and Artists (1974), which explored

La Grande Dépression a déstabilisé l’économie, et donc

works by folk and self-taught artists and vernacular art

tout aux Etats-Unis, mais les efforts de redressement

environments, broadening the scope of folk and self-taught

économique ont mis de nombreux artistes au travail.

art into previously unrecognized realms. Hemphill notably

The Index of American Design, un projet du New Deal

came to Chicago to do research for the book, which

extraordinaire (mis en place par le Federal Art Project du

includes images from Chicago collections. Hemphill’s vision

Works Progress Administration) voulait établir un « passé

in redefining the field was paralleled by his outstanding

utilisable » et non-européen pour l’Amérique. À partir de la

collection, which ranged from traditional folk art to

fin de 1935 et pendant six ans, environ mille artistes furent

contemporary self-taught art, now a core collection in the

employés et rigoureusement formés à des méthodes

Smithsonian American Art Museum.

particulières d’aquarelles. À la fin, les artistes avaient créé plus de 18 000 peintures montrant le style art folklorique

Chicago’s postwar-to-the-present art history has been

américain au détail photo-réaliste exceptionnellement

thoughtfully chronicled by a number of art historians. Robert

précis. L’Index devint une mine vaste et merveilleuse de

Cozzolino’s succinct summation, in his exhibition Art in

peintures trompe l’œil. Il était enraciné dans l’idée que l’art

Chicago: Resisting Regionalism, Transforming Modernism

folklorique était l’art absolument d’origine américain.

(Pennsylvania Academy of the Fine Arts, 2006) wrote

La documentation de ce genre énorme et varié visait à

about artists, the city and “anti-mainstream instincts” as

fournir une base pour une identité culturelle nationale.11

“the leitmotif of 20 century art in Chicago.” th

En 1961, le Museum of Early American Folk Art (maintenant appelé American Folk Art Museum) fut fondé à New York.

CHICAGO ARTISTS, CRITICS, AND COLLECTORS

À l’origine le musée se concentrait sur l’art folklorique

VALUED RISK-TAKING AND A DEDICATION TO

traditionnel mais le fondateur et conservateur Herbert Waide

AUTHENTIC SELF-EXPRESSION AS EVIDENCE

Hemphill Jr. préconisa sous peu pour la reconnaissance et

OF AN AVANT-GARDE MINDSET.

réception des œuvres des artistes autodidactes du 20e siècle, incluant certaines dont les auteurs étaient inconnus. Ce geste était radical à l’époque et a fait face à une résistance

“While Chicagoans had first-hand access to what has been

considérable. En 1974, Hemphill écrit avec Julia Weissman,

considered canonical modernism, its art world consistently

20th Century Folk Art and Artists, un livre qui examinait

fostered assertive individuality rather than a codified style

les œuvres d’artistes folkloriques et autodidactes et les

as a measure of modernity. Chicago artists, critics, and

environnements artistiques vernaculaires, et ils élargirent

collectors valued risk-taking and a dedication to authentic

la portée de ces genres à des domaines auparavant non

self-expression as evidence of an avant-garde mindset.

reconnus. Notamment, Hemphill voyagea à Chicago pour

Many of the city’s artists derided the emulation of fashionable

faire ses recherches pour le livre qui inclut des images de

trends and established styles, organizing alternative groups

collections de Chicago. La vision de Hemphill de redéfinir

to aggressively reject the status quo. They expected

le domaine faisait parallèle à sa collection remarquable,

innovative form but demanded that art convey an emotional

dont les œuvres s’étendaient des genres folkloriques aux

intensity that approached the visceral.”12

autodidactes contemporaines. Elle a maintenant une place importante dans la collection du Smithsonian American

Being outside the mainstream need not always imply

Art Museum.

ignorance of it. A few artists in Chicago Calling, particularly Lee Godie, Drossos Skyllas and Pauline Simon, had

L’histoire de l’art de Chicago de l’après-guerre au présent

magnetic relationships to the Art Institute of Chicago,

a été documentée de manière réfléchie par de nombreux

reframing the supposed impassible chasm between

historiens de l’art. Dans son exposition Art in Chicago:

non-mainstream artists and the academy. We can look to

Resisting Regionalism, Transforming Modernism (Pennsylvania

the histories and legacies of the museum and the School

Academy of the Fine Arts, 2006) Robert Cozzolino parle

of the Art Institute of Chicago, and the city’s cultural

des artistes, de la ville, et « d’instincts non-conventionnels » comme étant le « leitmotiv de l’art du 20e siècle à Chicago. »

climate of risk taking (condescendingly referred to as

LES ARTISTES, CRITIQUES ET COLLECTIONNEURS

“eccentricity” by art critic Donald Kuspit).13

DE CHICAGO TENAIENT À UNE MENTALITÉ AVANT-GARDE QUI PRENAIT DES RISQUES

A brief overview of the environment of inclusion that was nurtured here must include renowned art historian and educator Helen Gardner, known for her radical Art Through

ET ÉTAIT CONSACRÉE À L’AUTO-EXPRESSION AUTHENTIQUE.

the Ages, the first history of world art in one volume. The classically trained and accomplished Gardner held various

« Tandis que les gens de Chicago avaient l’accès le plus facile

positions at the Art Institute of Chicago from 1919 to 1922

à ce qui est considéré comme le modernisme canonique,

(and periodically after), when she resigned to teach the

le monde artistique encourageait constamment une

history of art at the School of the Art Institute until her

individualité assurée plutôt qu’un style codifié pour mesurer

retirement in 1943. Her unusual approach was to encourage

la modernité. Les artistes, critiques et collectionneurs de

artists to focus on the aesthetic, rather than the historical,

Chicago tenaient à une mentalité avant-garde qui prenait

details of the art of the past and to study art history, so

des risques et était consacrée à l’auto-expression authentique.

they could be their own art critics. Professor Harold Allen

De nombreux artistes de la ville raillaient l’émulation de

recalled his beloved teacher and colleague in his essay

modes et styles établis et organisèrent des groupes

“Helen Gardner: Quiet Rebel.” He wrote,

alternatifs pour rejeter agressivement le statu quo. Ils espéraient voir apparaitre une forme novatrice mais

“Of many remarkable things Miss Gardner did, her greatest

exigeaient que l’art transmette une intensité émotionnelle

accomplishment by far was writing Art Through the Ages,

s’approchant du viscéral. » 12

a pioneering attempt to provide—in defiance of narrow tradition—a one-volume survey of the history of all art….

Être en dehors du monde de l’art conventionnel n’implique

It quickly became, and remained, the standard college text

pas en être ignorant. Quelques-uns des artistes de Chicago

for all art history surveys (there was no other, and never had

Calling, particulièrement Lee Godie, Drossos Skyllas et Pauline

been, in one volume)…. Gardner…told us that although dates

Simon, avaient des rapports magnétiques avec l’Art Institute

can be useful and might be mentioned from time to time,

de Chicago, ce qui met en question la fracture supposée

she did not value them as highly as she did the more

entre l’académie et les artistes non-conventionnels. Nous

fundamental things that art history could teach us—basic

pouvons étudier le passé et l’héritage du musée et de

and universal truths about design, which all artists have

l’École de l’Art Institute de Chicago (SAIC), et le climat

used in all times and places…. Miss Gardner…believed

culturel de Chicago qui encourage les prises de risques

devoutly that a choice coin or fabric can express a culture—

(ceci est désigné avec condescendance comme une

or move the sensitive viewer—as profoundly as monumental

« excentricité » par le critique Donald Kuspit).13

architecture or painting…. Un bref aperçu sur l’atmosphère d’inclusion qui était “Gardner was in the vanguard of a generation of art historians

entretenu à Chicago doit inclure l’historienne de l’art et

who learned to appreciate not only modern art with all its

l’éducatrice renommée Helen Gardner, connue pour son

surprises but also primitive, aboriginal, and folk art, and the

Art Through the Ages, un projet radical et la première

previously overlooked arts of Russia and Hispanic America,

histoire de l’art du monde en un volume. Gardner a reçu une

which, in spite of high aesthetic quality, had been largely

formation classique et a tenu diverses positions à l’Art

disdained by earlier scholars. Striving to broaden the

Institute de Chicago de 1919 à 1922 (et périodiquement

appreciation rather than to limit it, Miss Gardner reveals in

après), quand elle démissionna pour enseigner l’histoire de

her books a progressively more generous vision that

l’art à l’École de l’Art Institute jusqu’à sa retraite en 1943.

eventually embraced the whole world, all time, and both

Ses idées inhabituelles consistaient en aider les artistes à se

the major and ‘minor’ arts.”14

fixer sur les détails esthétiques, plutôt qu’historiques, de l’art du passé et d’étudier l’histoire de l’art avec le but de devenir leurs propres critiques d’art. Le Professeur Harold Allen s’est rappelé de son institutrice et collègue bien-aimée dans l’essai « Helen Gardner : Quiet Rebel ». Il écrivit :

ARTISTS CALL, CHICAGO ANSWERS LES ARTISTES LANCENT UN APPEL, CHICAGO Y RÉPOND

In the same essay Allen describes Gardner’s protégé, artist

« Des nombreuses choses remarquables faites par Mlle

and art historian Kathleen Blackshear, who taught at the

Gardner, son plus grand accomplissement est de loin l’écriture

School of the Art Institute from 1926 to 1961.

de Art Through the Ages, une tentative novatrice de fournir—défiant une tradition étroite—une enquête en un

“Miss Gardner was fortunate to have, during all her time at

volume sur l’histoire de tout art…. Son œuvre devint

SAIC, the ideal team teacher, Kathleen Blackshear….

rapidement, et resta, le texte universitaire standard pour

Where Miss Gardner was solid in Classical and Renaissance,

l’étude de l’histoire de l’art (jusqu’à ce moment il n’y a

Miss Blackshear was an enthusiastic missionary for

jamais eu un tel texte en un volume) …. Gardner…expliqua

Modern and Primitive. Together they taught History of

que bien que les dates soient utiles et citées de temps en

Art to a generation of SAIC students, and Miss Blackshear

temps, elle ne les estime pas aussi importantes que les

continued after Miss Gardner’s retirement till her own….

choses fondamentales que l’histoire de l’art pourrait nous

Miss Blackshear, a frequent exhibitor in the Chicago art

apprendre—des vérités de base universelles sur le design

community, also maintained valuable and intimate

que tous les artistes ont employées en tout temps et lieu….

connections with the rest of the school and its students.

Mlle Gardner…croyait sincèrement qu’une pièce de monnaie

She was for many years among the best and most

ou de tissu pouvait exprimer une culture—ou émouvoir le

sought-after teachers of painting and drawing….”15

spectateur sensible—aussi profondément que l’architecture ou la peinture monumentale….

Blackshear was a progressive teacher who encouraged her students in expansive studies and to explore cultures and

« Gardner était à l’avant garde d’une génération d’historiens

genres outside their own, particularly non-Western cultures.

de l’art qui a appris à apprécier non seulement l’art moderne

Following in Gardner’s and Blackshear’s footsteps, Whitney

avec toutes ses surprises mais aussi l’art primitif, aborigène,

Halstead and Ray Yoshida were profoundly influential as

folklorique, et les arts de la Russie et de l’Amérique Latine,

artists, teachers, prescient thinkers and collectors who

auparavant négligés par les érudits en dépit de grandes

exposed students to a wealth of non-mainstream art as art,

qualités esthétiques. S’acharnant à élargir l’appréciation des

unqualified.

arts plutôt qu’à la limiter, Mlle Gardner révèle dans ses livres une vision progressivement plus généreuse qui en fin de compte embrassa le monde entier, de tous les temps, et les

“CULTURE IS NOT SOMETHING THAT SITS

arts majeurs ainsi que les arts ‘mineurs’. » 14

ON ITS ASS IN A MUSEUM, ITS STATUS CONFIRMED BY PROFESSIONAL COGNOSCENTI,

Dans le même essai, Allen parle du protégé de Gardner,

BUT CAN HAPPEN ANYTIME ANYWHERE,

l’artiste et l’historienne de l’art Kathleen Blackshear, qui

WITH ITS GREATEST ENERGIES COMING FROM

enseignait à l’École de l’Art Institute de 1926 à 1961.

THE STREETS, NOT THE BOULEVARDS.”

« Mlle Gardner a eu la bonne fortune d’enseigner avec Kathleen Blackshear au long de sa carrière à SAIC…. Alors

James Yood encapsulated the cultural, intellectual, art

que Mlle Gardner était forte en art classique et art de la

historical placeness of Chicago, to which these educators

renaissance, Mlle Blackshear était une missionnaire

and many others contributed. “…it all comes down to an

enthousiaste pour le moderne et le primitif. Ensemble elles

expanded consciousness of what constitutes culture here,

ont enseigné l’histoire de l’art à une génération d’étudiants

the sense that its possibilities are everywhere embedded

SAIC, et Mlle Blackshear continua après la retraite de Mlle

in lives all around us, that culture is not something that sits

Gardner et jusqu’à la sienne…. Mlle Blackshear, qui exposa

on its ass in a museum, its status confirmed by professional

fréquemment dans la communauté artistique de Chicago,

cognoscenti, but can happen anytime anywhere, with

maintenait aussi des connexions précieuses et intimes avec

its greatest energies coming from the streets, not the

le reste de l’école et ses étudiants. Elle fut pendant de

boulevards.”16

nombreuses années comptée parmi les enseignants de peinture et de dessin les meilleurs et les plus recherchés…. » 15

Alex Wald, Laren Wilks and Michael Thompson. Exhibition announcement, Lee Godie, A French Impressionist, 1974. Postcard of Pierre-Auguste Renoir, Seated Nude with photo of head from Lee Godie, The Midwesterner. Courtesy of the Roger Brown Study Collection, the School of the Art Institute of Chicago.

ARTISTS CALL, CHICAGO ANSWERS LES ARTISTES LANCENT UN APPEL, CHICAGO Y RÉPOND

In 1974, former students of Whitney Halstead—the Chicago

Blackshear était une enseignante progressive qui encourageait

Imagist artists Roger Brown, Phil Hanson, Christina Ramberg

ses étudiants à faire des études expansives et à découvrir

and Barbara Rossi—traveled to Europe specifically to

des cultures et genres hors de leurs propres connaissances,

visit the Dubuffet collection, then in Paris; the Prinzhorn

particulièrement parmi les cultures non-occidentales. Suivant

Collection in Heidelberg, which was not officially open as a

les traces de Gardner et Blackshear, Whitney Halstead et

museum at the time; and works by Adolph Wölfli in Bern.

Ray Yoshida furent profondément influents en temps

All artists were deeply impressed by the treasures they

qu’artistes, professeurs, penseurs prescients et collectionneurs

encountered.

qui exposaient les étudiants à une abondance d’art non-conventionnel en tant qu’art, sans qualificatif.

Back in Chicago, Rossi was determined that works from the Prinzhorn and Wölfli collections should be shown in Chicago, where they would be enthusiastically embraced.

LA CULTURE N’EST PAS UNE CHOSE QUI SE

She urged the director of the Museum of Contemporary

POSE SUR SON DERRIÈRE DANS UN MUSÉE,

Art in Chicago to exhibit Wölfli’s work, and the exhibition

SON STATUT AYANT ÉTÉ CONFIRMÉ PAR DES

organized by the Wölfli Foundation was shown at the MCA

CONNAISSEURS PROFESSIONNELS, MAIS QUI

in 1978. Rossi was also determined to bring works from the

PEUT EXISTER EN TOUT TEMPS ET À TOUT

Prinzhorn Collection to Chicago and was instrumental in

ENDROIT, SES PLUS GRANDES ÉNERGIES VENANT

securing the exhibition The Prinzhorn Collection at the

DES RUES ET NON DES BOULEVARDS.

Smart Museum at the University of Chicago in 1985. Shown in the United States for the first time, works from the Prinzhorn Collection traveled to four museums and included

James Yood a résumé la spécialité de l’endroit culturel,

more than 300 objects—a small percentage of the

intellectuel, et artistique de Chicago, auquel ces éducateurs

collection’s holdings but a core sample of iconic works—

et de nombreux d’autres ont contribués. « …tout se résume

expanding its sphere of influence across the Atlantic.

en une conscience étendue de ce qui constitue la culture ici, le sens qu’elle est visible dans les vies autour de nous, que

The history of exhibitions of non-mainframe work in Chicago

la culture n’est pas une chose qui se pose sur son derrière

museums and galleries reveals local receptivity and national

dans un musée, son statut ayant été confirmé par des

and international mileposts, as well as artists’ involvement in

connaisseurs professionnels, mais qui peut exister en tout

the conversation (as Rossi’s hand in bringing European art

temps et à tout endroit, ses plus grandes énergies venant

to Chicago attests). An early instance of self-taught work

des rues et non des boulevards. » 16

presented alongside major mainstream artists occurred in the exhibition of works by Horace Pippin at the Arts Club

En 1974, les anciens étudiants de Whitney Halstead—les

of Chicago, alongside separate exhibitions of works by

artistes imagistes de Chicago, Roger Brown, Phil Hanson,

Salvador Dalí and Fernand Leger, 10 years before Dubuffet

Christina Ramberg et Barbara Rossi—voyagèrent en Europe

presented his “Anticultural Positions” lecture. The May 24,

précisément pour visiter la collection Dubuffet, à Paris à

1941, opening was reported in the Chicago Herald-American.

ce moment-là, la collection Prinzhorn à Heidelberg, lequel n’était pas encore officiellement un musée et les œuvres

“A third guest of honor, the quiet, retiring Negro painter

d’Adolph Wölfi à Bern. Les quatre artistes de Chicago

Horace Pippin, holding court in his little gallery among his

furent profondément impressionnés par les trésors qu’ils

painted lilies and homey snow scenes, but he would be

rencontrèrent.

the first to disclaim credit for the box office crowd. The crowd was there to see Dali and his works and they were

De retour à Chicago, Rossi avait décidé que les œuvres des

not disappointed.”17

collections Prinzhorn et Wölfi devraient être montrées à Chicago, où elles seraient embrassées avec enthousiasme. Elle pressa le directeur du Museum of Contemporary Art (MAC) à Chicago à exposer l’œuvre de Wölfi, et l’exposition organisée par fondation Wölfi prit place au MAC en 1978.

Alain Locke attended the opening and recounted that

Rossi était aussi déterminée à faire venir des œuvres de la

Pippin asked Dalí if he was an artist also, which Dalí took as

collection Prinzhorn à Chicago et eut un rôle déterminant

an insult and retreated in a snit. This suggests that insider

dans la venue de l’exposition The Prinzhorn Collection au

versus outsider, class and racial lines were present at that

Smart Museum à l’Université de Chicago en 1985. Montrées

early exhibition. However, the Arts Club deserves credit for

aux Etats-Unis pour la première fois, les œuvres de la

showing Pippin’s work in the context of fine art as opposed

collection Prinzhorn se sont rendues dans quatre musées

to folk, self-taught or other designations. The perennial

et incluaient plus de 300 objets—un petit pourcentage des

argument for isolating work by non-mainstream artists

pièces de la collection mais un échantillon représentatif

from their mainstream counterparts, among other things,

d’œuvres emblématiques—étendant sa sphère d’influence à

suggests that art is created in cultural cul-de-sacs and

travers l’Atlantique.

deserves or even benefits from being segregated. Cette histoire d’expositions d’œuvres non-conventionnelles In his essay in the catalogue for the 2015 exhibition Horace

dans les musées et galeries de Chicago révèle une

Pippin: The Way I See It at the Brandywine River Museum

réceptivité locale et des étapes nationales et internationales

(Chadds Ford, Pennsylvania), Chicago artist Kerry James

importantes, ainsi que la participation des artistes dans la

Marshall rightly states, “artists do not operate in a vacuum;

conversation (comme les efforts de Rossi pour faire venir

they never have.”18 Marshall explores thorny issues of black

de l’art Européen à Chicago en attestent). Une première

artists in relation to the inside/outside dichotomy, which

instance d’art autodidacte présenté à côté d’artistes grand

invites a larger view of the positioning of non-mainstream

public eut lieu avec l’exposition des œuvres d’Horace Pippin

artists of any color, in relation to modernism or any

au Arts Club de Chicago, en même temps que deux autres

mainstream “ism.” He wrote: “I know Pippin’s work is collected

expositions d’œuvres de Salvador Dalí et Fernand Leger, dix

in many of the finest art museums in the United States.

ans avant le discours « Anticultural Positions » de Dubuffet.

But does that mean Pippin’s work is the same as most other

Un reportage dans le Chicago Herald-American raconte

artworks we find there?”19

l’ouverture du 24 mai 1941.

He dissected the positioning of black artists in relation to

« Un troisième invité d’honneur, le peintre noire Horace

and by the mainstream, pondering whose interests are

Pippin, calme et réservé, trônait dans sa petite galerie parmi

served by the perennial insider/outsider debate. He posed

ses lys et paysages familiaux enneigés, mais il serait le

an analogy of Italian Futurists’ dynamic, machine-age

premier à renoncer à tout mérite pour la foule. La foule était

aesthetic being expressed in Ferrari and Maserati racing

présente pour voir Dali et ses œuvres et elle n’était

cars, embodying modernism across disciplines, and still

pas déçue. » 17

in currency today, and asked, “The cost to Black people worldwide for not being the drivers of this kind of

Alain Locke était présent à l’ouverture et raconta que Pippin

modernism has been very high since at least the 15th

demanda à Dali si lui aussi était artiste, ce que Dali considéra

century. Must we always be passengers carried along

comme une insulte et donc se retira avec irritation. Ceci

on the highways of progress, or can we drive ourselves

suggère que des délimitations entre insiders et outsiders,

toward tomorrow?”20

entre les classes et entre les races, étaient présentes à cette première exposition. Pourtant l’Arts Club mérite reconnaissance

The artists of color in this exhibition—William Dawson,

pour avoir montré l’œuvre de Pippin dans le contexte des

Mr. Imagination, Joseph Yoakum, Wesley Willis and Dr.

beaux-arts plutôt que le contexte folklorique, autodidacte

Charles Smith—were (or are, in the case of Dr. Charles

ou d’autres désignations. L’argument perpétuel pour

Smith) acutely aware of race and class discrimination, and

l’isolation des œuvres d’artistes non-conventionnels de leurs

they manage(d) their careers and their dignity with care.

homologues conventionnels suggère entre autres que l’art est créé dans un cul-de-sac culturel et mérite ou même bénéficie d’une ségrégation.

Poster for the exhibition Aldo Piacenza at the Hyde Park Art Center, 1971. Image drawn by Aldo Piacenza. Exhibition curated by Roger Brown. Photo ÂŠ John Faier.

The Collectors and Collections

Dans son essai pour le catalogue de l’exposition Horace Pippin: The Way I See It au Brandywine River Museum (Chadds Ford en Pennsylvanie) en 2015, Kerry James Marshall, un artiste de Chicago, déclare avec raison,

Many Chicago artists engaged with all manner of folk art,

« Les artistes n’opèrent pas dans une bulle ; ils ne l’ont

objects from material culture, and non-mainstream art.

jamais fait. »18 Marshall explore des questions épineuses des

A kind of “artist’s museum” collecting sensibility emanated

artistes noirs en relation avec la dichotomie insider/outsider,

from the School of the Art Institute of Chicago, where

ce qui propose une vue plus large sur la position des

assembling collections of source materials and living with

artistes non-conventionnels de toutes races, en relation au

objects of interest in great density was encouraged. In

modernisme ou à tout autre « isme » traditionnel. Il écrivit :

Chicago, this legacy is preserved and still performing at SAIC’s

« Je sais que l’œuvre de Pippin est collectionnée dans beaucoup

Roger Brown Study Collection, which Brown referred to as

des meilleurs musées d’art des Etats-Unis. Mais est-ce que

Artists’ Museum of Chicago. Ray Yoshida, who preferred the

ceci veut dire que l’œuvre de Pippin est la même que la

identity of responder, rather than collector, assembled an

majorité des autres œuvres d’art que nous y trouvons ? » 19

outstanding home collection, which he dubbed Museum of Extraordinary Values. Yoshida’s collection was the progenitor

Il disséqua la position des artistes noirs en relation avec le

of Roger Brown’s and, likely, many other artists’ collections

monde traditionnel, considérant à qui profite le débat

and is preserved at the John Michael Kohler Arts Center in

perpétuel insider/outsider. Il posa une analogie de

Sheboygan, Wisconsin.

l’esthétique dynamique de l’âge de la machine des Italiens futuristes, celle-ci étant exprimée par les voitures de courses

Collectors have and continue to play a critical role in the

Ferrari et Maserati, incarnant le modernisme à travers des

self-taught scene in Chicago. Myriad private collections are

disciplines et étant toujours en cours aujourd’hui, et demanda,

filled with work by self-taught, outsider and folk art from

« Le prix payé par les Noirs du monde entier pour ne pas

many cultures. There’s a very non-formal, non-Miesian,

être les conducteurs de ce genre de modernisme est très

living-with-art approach that favors salon style, more-is-

élevé depuis au moins le 15e siècle. Devons-nous toujours

more arrangements, in which genres are mixed and objects

être des passagers transportés sur les routes du progrès, ou

are in conversation. Many collectors are seriously drawn to

pouvons-nous nous conduire nous-mêmes vers demain ? » 20

objects from craft and material culture; Bill Swislow’s essay explores this collective fascination with objects, by artists

Les artistes de couleur dans cette exposition—William Dawson,

and by makers whose names are unknown. Most fortunately,

Mr. Imagination, Joseph Yoakum, Wesley Willis et Dr. Charles

a prevailing spirit of curiosity and generosity extends to

Smith—étaient (ou sont, dans le cas de Dr. Charles Smith)

benevolent lending habits. Chicago collectors are intimate

vivement conscients de la discrimination par race et classe,

with their art and open-hearted about sharing their treasures.

et ils ont géré leurs carrières et dignités avec soins.

“ARTISTS DO NOT OPERATE IN A VACUUM; THEY NEVER HAVE.”

Les collectionneurs et collections

Chicago Calling honors 10 artists who lived inventively and

De nombreux d’artistes de Chicago se sont impliqués dans

enriched Chicago, immeasurably, with artworks of great

l’art folklorique sous toutes ses formes, objets de culture

originality. Other than Henry Darger, who was reclusive and

matérielle et d’art non-conventionnel. Un genre de sensibilité

never connected with the art scene, the artists actively

envers la collection d’œuvres, menant à la création d’un

engaged with Chicago’s art-scape. They managed their

« musée de l’artiste », émana de l’École de l’Art Institute de

careers in original ways. Dawson, Godie and Yoakum took

Chicago, où deux habitudes—l’assemblement de collections

care not to be co-opted by their appreciators. Skyllas

de matériaux de source, et vivre avec une grande densité

ARTISTS CALL, CHICAGO ANSWERS LES ARTISTES LANCENT UN APPEL, CHICAGO Y RÉPOND

entered works and was accepted into three Exhibition by

d’objets d’intérêts—étaient encouragées. À Chicago, cet

Artists of Chicago and Vicinity shows at the Art Institute of

héritage est préservé et montré au Roger Brown Study

Chicago. Most, if not all, held court with faculty and students,

Collection au SAIC, lequel Brown dénomma le Artists’

interacted with galleries and collectors, and enjoyed

Museum of Chicago. Ray Yoshida, qui préférait l’identité

exhibitions of their work in their lifetimes. They took

de répondeur plutôt que de collectionneur, assembla une

pro-cultural positions. Intuit takes pro-cultural positions.

collection extraordinaire dans sa maison. Il le surnomma le

We are transient; the art is not. As Chicago’s relationship

Museum of Extraordinary Values. La collection de Yoshida

with non-mainstream art continues to be explored, we

était le précurseur de celle de Roger Brown et, sans doute,

eagerly anticipate how the positions will unfold. ✶

de nombreux autres artistes. Elle est préservée au John Michael Kohler Arts Center à Sheboygan dans le Wisconsin.

—————————

Les collectionneurs continuent de jouer un rôle critique dans la scène autodidacte de Chicago. Des myriades de

Titles are the same for the exhibitions and catalogues: Outsider Art: An

Exhibition of Chicago Collections (1996), The First Ten Years (2001), Take Me To The River (2006), The Architecture of Hope (2010) and Collective Soul (2014). Intuit’s very first show, in 1991, was called From Chicago; unlike the later exhibits, it did not include a catolague. The city is also the southern node of an axis of artistic inclusion along

collections privées sont remplies d’art autodidacte, outsider et folklorique de nombreuses cultures. Une approche non-formelle et non-Miesianne, dite vivre-avec-l’art, qui préfère le style des salons, avec un abord maximaliste, dans lequel les genres sont mélangés et les objets sont en

Lake Michigan’s western shoreline, culturally and regionally connected

conversation, est souvent exercée. De nombreux collectionneurs

to Milwaukee and Sheboygan, Wisconsin. The Milwaukee Art Museum

sont sérieusement attirés par des objets de cultures artis-

and John Michael Kohler Arts Center, respectively, have embraced folk, self-taught and vernacular art through exceptional collections and exhibitions. Please see Selected museum exhibitions of folk, self-taught and outsider

anales et matérielles ; l’essai de Bill Swislow explore cette fascination collective pour les objets, dont les artistes et fabricants sont souvent inconnus. Fort heureusement, un

art in Chicago, 1941-2018, p. 158. The count of 130 does not include

esprit de curiosité et de générosité prévalant s’étend aux

annual exhibits associated with educational programming. We note,

habitudes bienveillantes de prêts. Les collectionneurs de

sadly, that several galleries that exhibited non-mainstream art—some for decades—have exited, including those of Phyllis Kind, Judy Saslow, Ann Nathan, Aron Packer and Russell Bowman. As venues showing

Chicago sont intimes avec leur art et toujours prêts à partager leurs trésors.

non-mainstream art close, Intuit’s work becomes ever more important. The core collection of works by Yoakum in the Art Institute of Chicago’s

collection is the bequest of about 175 drawings and pieces of ephemera and four workbooks from Whitney Halstead, to which the museum has added over the years, bringing the current total to 222 works. 5

Chicago Calling fait honneur à dix artistes qui ont vécu de façon inventive et ont enrichi Chicago, incommensurablement, avec des œuvres d’art de grande originalité. À part Henry

Robert Z. Melnick, “Considering Nature and Culture in Historic Landscape Preservation,” Arnold A. Alanen and Robert Z. Melnick, Preserving Cultural Landscapes in America (Baltimore and London: The Johns Hopkins

« LES ARTISTES N’OPÈRENT PAS DANS UNE

University Press, 2000), 24-25. Note: the author’s idea of the analogy of

BULLE ; ILS NE L’ONT JAMAIS FAIT. »

the semantic ecotone was first presented in “It’s a Picture Already” The Anthony Petullo Collection by Lisa Stone (Munich London New York: DelMonico Books Prestel and the Milwaukee Art Museum, 2012), 40, 41. An exception was made for works by Dr. Charles Smith, which were

Darger, qui était solitaire, les artistes se sont activement engagés avec la scène artistique de Chicago. Ils ont géré

made outdoors and experienced his intentional process of weatherization.

leurs carrières de manières originales. Dawson, Godie et

Many works in private collections are in poor condition. Several

Yoakum ont pris soins de ne pas être cooptés par leurs

sculptures, conserved by Kohler Foundation, Inc., were borrowed from the John Michael Kohler Arts Center’s collection; other conserved works in the exhibition were gifted by the Kohler Foundation to Intuit. Thomas Dyja, The Third Coast: When Chicago Built the American Dream,

(New York: Penguin Books, 2013), xxi. Ibid., xxx, xxxi

Richard L. Feigen, “Dubuffet and the Anticulture,” Dubuffet and the

Anticulture (New York: Richard L. Feigen & Co., 1969), 6.

appréciateurs. Skyllas soumettait des œuvres et a été admis dans trois expositions du Exhibition by Artists of Chicago and Vicinity au Art Institute de Chicago. La majorité, si non tous, trônaient avec la faculté et les étudiants, interagissaient avec des galeries et collectionneurs, et ont pris plaisir dans l’exposition de leurs œuvres pendant leurs vies. Ils ont pris des positions pro-culturelles. Intuit prend des positions

Ibid., 7

pro-culturelles. Nous sommes transitoires ; l’art ne l’est pas.

See Virginia Tuttle Clayton / Elizabeth Stillinger / Erica Doss / Deborah

Alors que la relation entre Chicago et l’art non-conventionnel

10 11

Chotner, Drawing on America’s Past Folk Art, Modernism, and the Index of American Design (Washington, D.C., National Gallery of Art, 2002). Robert Cozzolino, “Chicago’s Modernism,” Art in Chicago Resisting

continue d’être explorée, nous prévoyons avec enthousiasme comment les positions vont se révéler. ✶

Regionalism Transforming Modernism (Philadelphia: Pennsylvania Academy of the Fine Arts, 2007), 10 Ibid, p. 11. Cozzolino quotes Kuspit’s “The ‘Madness’ of Chicago Art” in

—————————

the New Art Examiner 13, no. 9 (May 1986), 22-23, “Chicago is the example of a deliberate if risky attempt to make ‘mad art.’ It is an

Les expositions et catalogues portent les même titres : Outsider Art: An

artificed ‘outsider art.’ Chicago art acknowledges this self-contradictory,

Exhibition of Chicago Collections (1996), The First Ten Years (2001), Take

anxious condition of modern art by refusing to accept stylistic

Me To The River (2006), The Architecture of Hope (2010) et Collective

repression of its anxious self-doubt. It operates with no fixed sense

Soul (2014). La première exposition à Intuit, en 1991, s’appelait From

of style; it tends toward a condition of stylelessness rather than

Chicago ; contrairement aux expositions ultérieures, celle-là n’eut pas de catalogue.

stylization…. Hence its so-called ‘eccentricity.’” Harold Allen, “Helen Gardner: Quiet Rebel,” Lisa Stone and Jim Zanzi,

La ville représente aussi le nœud du sud d’un axe d’inclusion artistique

Sacred Spaces and Other Places: A Guide to the Grottos and Sculptural

au long de la côte ouest du lac Michigan. Elle est donc reliée à Milwaukee

Environments of the Upper Midwest, (Chicago: The School of the Art

et Sheboygan au Wisconsin d’une manière culturelle et régionale. Le

Institute of Chicago Press, 1993), 158-9.

Milwaukee Art Museum et John Michael Kohler Arts Center ont adopté l’art folklorique, autodidacte et vernaculaire avec des expositions et

Ibid., 160

collections exceptionnelles.

James Yood, “Chicago The Place,” Take Me To The River (Chicago: Intuit:

The Center for Intuitive and Outsider Art, 2006), unpaginated.

Veuillez voir le chapitre Museum and Gallery Exhibition History. Le

compte de 130 n’inclut pas les expositions annuelles associées avec

Judith Stein, “An American Original,” I Tell My Heart: The Art of Horace

Pippin (Philadelphia: Pennsylvania Academy of the Fine Arts, 1993), 23.

la programmation éducative d’Intuit. Nous notons, avec regret, que

This is the exhibition catalogue for the show of the same title, which

plusieurs des galeries qui ont exposé l’art non-conventionnel (dont

came to the Art Institute of Chicago, April 30-July 10, 1994.

certaines pendant de dizaines d’années) ne sont plus ouvertes. Parmi elles sont celles tenues par Phyllis Kind, Judy Saslow, Ann Nathan, Aron

Kerry James Marshall, “The Way I See Him,” Audrey Lewis, editor,

Packer et Russell Bowman.

Horace Pippin: The Way I See It (Chadds Ford, Pennsylvania, Brandywine River Museum of Art in Association with Scala Arts

La majorité des œuvres de Yoakum qui font partie de la collection de l’Art Institute sont le legs de près de 145 dessins et pièces éphémères et

Publishers, Inc., 2015), 1.

quatre cahiers donnés par Whitney Halstead. Cette collection a grandi

Ibid.

et contient maintenant 222 œuvres.

Ibid., 4.

Robert Z. Melnick, « Considering Nature and Culture in Historic Landscape Preservation, » Arnold A. Alanen et Robert Z. Melnick, Preserving Cultural Landscapes in America (Baltimore et Londres: The Johns Hopkins University Press, 2000), 24-25. Note : l’idée de l’écotone sémantique a été présentée pour la premier fois dans “It’s a Picture Already” The Anthony Petullo Collection de Lisa Stone (Munich London New York: DelMonico Books Prestel and the Milwaukee Art Museum, 2012), 40, 41. Une exception fut faite pour des œuvres de Dr. Charles Smith qui

étaient fabriquées à l’extérieur et ont connu les effets du temps, selon l’intention de l’artiste. Beaucoup des œuvres dans les collections privées sont en mauvaise condition. Plusieurs des sculptures conservées par le Kohler Foundation, Inc., sont empruntées à la collection du John Michael Kohler Arts Center ; les autres œuvres conservées de l’exposition ont été données par le Kohler Foundation à Intuit. Thomas Dyja, The Third Coast: When Chicago Built the American Dream

(New York: Penguin Books, 2013), xxi. Ibid., xxx, xxxi.

Richard L. Feigen, « Dubuffet and the Anticulture, » Dubuffet and the

Anticulture (New York: Richard L. Feigen & Co., 1969), 6. Ibid., 7.

À voir Virginia Tuttle Clayton / Elizabeth Stillinger / Erica Doss / Deborah

Chotner, Drawing on America’s Past Folk Art, Modernism, and the Index of American Design (Washington, D.C., National Gallery of Art, 2002).

ARTISTS CALL, CHICAGO ANSWERS LES ARTISTES LANCENT UN APPEL, CHICAGO Y RÉPOND

Robert Cozzolino, « Chicago’s Modernism, » Art in Chicago Resisting

Regionalism Transforming Modernism (Philadelphia: Pennsylvania Academy of the Fine Arts, 2007), 10. Ibid, p. 11. Cozzolino cite Kuspit’s « The ‘Madness’ of Chicago Art » dans

le New Art Examiner 13, no. 9 (May 1986), 22-23, « Chicago est l’exemple d’un essai délibéré et risqué de créer ‘l’art fou’. C’est un artifice de ‘l’art outsider’. L’art de Chicago reconnait cette condition d’art moderne contradictoire et anxieuse en refusant d’accepter la répression stylistique de ses doutes anxieux. Il fonctionne sans sens fixe de style ; il tend vers une condition de manque de style plutôt qu’une stylisation…d’où la prétendue « excentricité ». Harold Allen, « Helen Gardner: Quiet Rebel, » Lisa Stone and Jim Zanzi,

Sacred Spaces and Other Places: A Guide to the Grottos and Sculptural Environments of the Upper Midwest (Chicago: The School of the Art Institute of Chicago Press, 1993), 158-9. Ibid., 160.

James Yood, « Chicago The Place, » Take Me To The River (Chicago: Intuit:

The Center for Intuitive and Outsider Art, 2006), unpaginated. Judith Stein, « An American Original, » I Tell My Heart: The Art of Horace

Pippin (Philadelphia: Pennsylvania Academy of the Fine Arts, 1993), 23. L’exposition, que le catalogue représente, porte le même nom, et était à l’Art Institute de Chicago du 30 avril au 10 juillet 1994. Kerry James Marshall, « The Way I See Him, » Audrey Lewis, editeur,

Horace Pippin: The Way I See It (Chadds Ford, Pennsylvania, Brandywine River Museum of Art in Association with Scala Arts Publishers, Inc., 2015), 1. Ibid.

Ibid., 4.

Pauline Simon and Joseph Yoakum, Wabash Transit, an exhibit facility of the School of the Art Institute of Chicago, February 4-27, 1971. Photo ÂŠ John Faier.

SELECTED WORKS Å&#x2019;UVRES CHOISIES

William Dawson (American, 1901-1990). Untitled (Black cat), 1980. Acrylic on board, 14 x 19 1/2 in. (35.56 x 49.53 cm). Collection of Michael and Cindy Noland. Photo Â© John Faier.

SELECTED WORKS ŒUVRES CHOISIES

Lee Godie (American, 1908-1994). The Hessian, 1970s. Ink and watercolor on primed canvas, 18 x 13 1/2 in. (45.72 x 34.29 cm). Collection of David Lee Csicsko and David Syrek. Photo © John Faier.

Lee Godie (American, 1908-1994). Untitled (Soldier), c. 1970. Ink and watercolor on primed canvas, gelatin silver print attached, 13 3/4 x 18 in. (34.93 x 45.72 cm). Collection of John Cain. Photo ÂŠ John Faier.

SELECTED WORKS Å&#x2019;UVRES CHOISIES

Lee Godie (American, 1908-1994). Untitled (female nude torso with ivy leaves), n.d. Paint on canvas, 34 1/2 x 24 in. (87.63 x 60.96 cm). Collection of Cheri Eisenberg. Photo ÂŠ John Faier.

SELECTED WORKS ŒUVRES CHOISIES

Lee Godie (American, 1908-1994). Lee—I Keep Saying left side…, c. early-mid 1970s. Gelatin silver print, 4 3/4 x 3 3/4 in. (12.1 x 9.5 cm). Richard and Ellen Sandor Family Collection.

Drossos Skyllas (American, 1912-1973). Untitled (nude in chair, draped), c. 1960. Oil on canvas, 60 x 40 in. (154.2 x 101.6 cm). Collection of Robert A. Roth.

SELECTED WORKS ŒUVRES CHOISIES

Lee Godie (American, 1908-1994). Untitled (self-portrait with painting of daisies), n.d. Gelatin silver print, 4 3/4 x 3 3/4 in. (12 x 9.5 cm). Collection of Christopher LaMorte and Robert Grossett. Photo © John Faier.

Pauline Simon (American, 1898-1976). Untitled (woman with book), c. 1968. Acrylic on canvas, 32 1/2 x 24 1/2 in. (82.55 x 62.23 cm). Collection of Karl Wirsum and Lori Gunn. Photo Â© John Faier.

SELECTED WORKS ŒUVRES CHOISIES

William Dawson (American, 1901-1990). Untitled (female portrait pink face red downturned lips), early 1980s. Paint on carved wood, 9 3/4 x 7 1/4 x 3 in. (24.76 x 18.41 x 7.62 cm). Collection of David Kargl. Photo © John Faier.

Pauline Simon (American, 1898-1976). Untitled (woman and child), 1965. Acrylic on canvas, 31 1/2 x 23 1/2 in. (80.01 x 59.69 cm). Collection of Karl Wirsum and Lori Gunn. Photo ÂŠ John Faier.

SELECTED WORKS Å&#x2019;UVRES CHOISIES

Aldobrando Piacenza (American, 1888-1976). Untitled (Birdhouse cathedral campanile), 1960s. Wood, metal, and paint, 32 x 18 x 16 in. (81.28 x 45.72 x 40.64 cm). Collection of Stacy and Tim Bruce.

Joseph Yoakum (American, 1890-1972). The Mounds of Pleasure/ on JA Brimms Farm Near Walnut Groveâ&#x20AC;Ś, 1970. Ink and pastel on paper, 15 3/8 x 11 3/4 in. (39.05 x 29.85 cm). Richard and Ellen Sandor Family Collection.

SELECTED WORKS Å&#x2019;UVRES CHOISIES

Aldobrando Piacenza (American, 1888-1976). Untitled (Milan Cathedral), c. 1950-1970. Wood and paint, 25 3/4 x 13 x 15 in. (65.41 x 33.02 x 38.1 cm). Roger Brown Study Collection, the School of the Art Institute of Chicago, RBSC 919. Photo by Joe Tallarico.

Aldobrando Piacenza (American, 1888-1976). Untitled (Florence), n.d. Oil on board, 25 1/4 x 35 1/2 in. (64.14 x 90.17 cm). Collection of Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, gift of Michael Rooks and Jeffery Cassens, 2007.11. Photo ÂŠ John Faier.

SELECTED WORKS ŒUVRES CHOISIES

Aldobrando Piacenza (American, 1888-1976). Single Tower Cathedral, 1960. Wood, metal and paint, 28 x 13 x 19 in. (71.12 x 33.02 x 48.26 cm). Collection of Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, gift of Paula Giannini, 2014.4. Photo © John Faier.

Drossos Skyllas (American, 1912-1973). Untitled (Tree of life with cow and calf), c. 1950. Oil on canvas, 14 x 18 x 1/2 in. (35.56 x 45.72 x 1.27 cm). Collection of Jan Petry and Angie Mills, promised gift to Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art. Photo ÂŠ John Faier.

SELECTED WORKS Å&#x2019;UVRES CHOISIES

Mr. Imagination/Gregory Warmack (American, 1948-2012). Untitled (bottle cap frame with paintbrush portraits in niches), 1995. Bottle caps, paint brushes, wood putty and paint, 31 x 51 x 6 in. (78.74 x 129.54 x 15.24 cm). Collection of John Cain. Photo by Jillian Van Volkenburgh.

SELECTED WORKS ŒUVRES CHOISIES

Pauline Simon (American, 1898-1976). Cliff Raven, n.d. Acrylic on canvas, 29 3/4 x 22 1/2 in. (75.57 x 57.15 cm). Collection of Charles and Camille Baum. Photo © John Faier.

Pauline Simon (American, 1898-1976). Wife of Cliff Raven, n.d. Acrylic on canvas, 29 3/4 x 22 1/2 in. (75.57 x 57.15 cm). Collection of Charles and Camille Baum. Photo Â© John Faier.

SECTION TITLE

Left: Mr. Imagination/Gregory Warmack (American, 1948-2012). Untitled (Rose), 1991. Bottle caps, wood putty, fabric, paint, metal and wood, 17 1/2 x 8 x 3 1/2 in. (43.18 x 20.32 x 8.89 cm). Collection of Robert Alter and Sherry Siegel. Right: Mr. Imagination/ Gregory Warmack (American, 1948-2012). Untitled (Mr. Imagination), 1991. Bottle caps, wood putty, fabric paint, metal and wood, 16 x 8 x 3 1/2 in. (40.64 x 20.32 x 8.89 cm). Collection of Robert Alter and Sherry Siegel. Photo ÂŠ John Faier.

William Dawson (American, 1901-1990). Barrelhouse, 1981. Acrylic on carved maple, 10 x 18 x 3/4 in. (25.4 x 45.72 x 1.91 cm). Collection of David Kargl. Photo Â© John Faier.

SELECTED WORKS ŒUVRES CHOISIES

Wesley Willis (American, 1963-2003). The Chicago Skyline, Sears Tower, Chicago River…, 1986. Ballpoint pen and felt tip pen on board, 28 x 39 in. (71.12 x 99.06 cm). Collection of Rolf and Maral Achilles. Photo © John Faier.

Top: Wesley Willis (American, 1963-2003). Untitled (Massed grid of Chicago buildings, partially filled in), 1986. Ballpoint pen on board, 28 1/16 x 39 1/8 in. (71.28 x 99.38 cm). Collection of Rolf and Maral Achilles. Bottom: Wesley Willis (American, 1963-2003). Untitled (Art Institute of Chicago and Michigan Avenue), July 1989. Ballpoint pen and felt tip pen on board, 28 1/8 x 42 3/16 in. (71.44 x 107.16 cm). Collection of Andrew Reinke. Photos ÂŠ John Faier.

SELECTED WORKS ŒUVRES CHOISIES

Wesley Willis (American, 1963-2003). Untitled (Grid: Chicago skyline, Hancock tower…), n.d. Ballpoint pen and felt tip pen on board, 28 1/16 x 28 1/8 in. (71.28 x 71.44 cm). Collection of Rolf and Maral Achilles. Photo © John Faier.

Top: Wesley Willis (American, 1963-2003). The Chicago Skyline, 1988. Bic pen on board, 28 1/16 x 41 7/8 in. (71.44 x 106.36 cm). Collection of Rolf and Maral Achilles. Bottom: Wesley Willis (American, 1963-2003). Chicago 1986, 1986. Ballpoint pen and felt tip pen on board, 28 1/8 x 39 1/8 in. (71.44 x 99.38 cm). Collection of Rolf and Maral Achilles. Photos ÂŠ John Faier.

SELECTED WORKS ŒUVRES CHOISIES

Joseph Yoakum (American, 1890-1972). Mt. Mourner in Maritine Alps near Diane France by Joseph E. Yoakum, January 2, 1968. Colored pencil and ink on paper, 11 1/8 x 19 in. (30.16 x 19 cm). Collection of Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, gift of Martha Griffin, 2014.5.1. Photo © John Faier.

Joseph Yoakum (American, 1890-1972). Mr. Seple on Walgreen Coast of Marie Birdland, Oct. 3, 1969. Pencil, crayon and ink on paper, 12 x 18 3/4 in. (30.48 x 47.63 cm). Collection of Robert A. Roth.

SELECTED WORKS ŒUVRES CHOISIES

Joseph Yoakum (American, 1890-1972). Mt. Japro Peak in Himalaya Range Near Kohuna East India East Asia, Feb. 5, 1971. Colored pencil on paper, 19 x 11 7/8 in. (48.26 x 30.16 cm). Collection of Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, gift of Martha Griffin, 2014.5.2. Photo © John Faier.

Drossos Skyllas (American, 1912-1973). Eye of God, c. 1950-55. Oil on canvas, 14 1/2 x 18 in. (36.83 x 45.72 cm). Collection of Robert A. Roth. Photo Â© John Faier.

SELECTED WORKS Å&#x2019;UVRES CHOISIES

Joseph Yoakum (American, 1890-1972). Appalachian Mtn. Range Near Alleantown Vermont, Dec. 8, 1964. Pencil, crayon and ink on paper, 11 3/4 x 18 in. (29.85 x 45.72 cm). Collection of Robert A. Roth.

SELECTED WORKS Å&#x2019;UVRES CHOISIES

Henry Darger (American, 1892-1973). Untitled, n.d. Carbon transfer, watercolor and pencil on pieced paper, 18 x 70 in. (45.72 x 177.8 cm). Collection of Robert A. Roth. ÂŠ 2018 Kiyoko Lerner / Artists Rights Society (ARS), New York.

SELECTED WORKS ŒUVRES CHOISIES

Henry Darger (American, 1892-1973). Untitled (recto), c. 1940-50. Graphite, carbon, watercolor and pencil on paper, 19 x 24 in. (48.26 x 60.96 cm). Collection of Robert A. Roth. © 2018 Kiyoko Lerner / Artists Rights Society (ARS), New York.

Henry Darger (American, 1892-1973). Untitled (verso), c. 1940-50. Graphite, carbon, watercolor and pencil on paper, 19 x 24 in. (48.26 x 60.96 cm). Collection of Robert A. Roth. ÂŠ 2018 Kiyoko Lerner / Artists Rights Society (ARS), New York.

SELECTED WORKS Å&#x2019;UVRES CHOISIES

Dr. Charles Smith (American, b. 1940). Three Children, c. 1985-99. Concrete, paint and mixed media, 37 x 16 3/4 x 6 in. (93.98 x 42.55 x 15.24 cm). John Michael Kohler Arts Center, gift of Kohler Foundation, Inc.

Dr. Charles Smith (American, b. 1940). Like Father, Like Son—Eternal Slave, c. 1989-2002. Concrete, mixed media and paint, 21 x 9 x 10 in. (53.35 x 22.86 x 25.4 cm). Collection of Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, gift of Kohler Foundation, Inc., 2004.2.4 Photo © John Faier.

SELECTED WORKS Å&#x2019;UVRES CHOISIES

Dr. Charles Smith (American, b. 1940). Malcolm X, c. 1985-99. Concrete, paint and mixed media, 30 1/2 x 21 x 18 in. (77.47 x 53.34 x 45.72 cm). John Michael Kohler Arts Center, gift of Kohler Foundation, Inc.

Left: Dr. Charles Smith (American, b. 1940). Farmer Carrying Child, c. 1985-99. Concrete, paint and mixed media, 57 x 22 x 14 in. (144.78 x 55.88 x 35.56 cm). John Michael Kohler Arts Center, gift of Kohler Foundation, Inc. Right: Dr. Charles Smith (American, b. 1940). Pregnant Teenager, c. 1985-99. Concrete, paint and mixed media, 48 x 11 1/2 x 8 in. (121.92 x 29.21 x 20.32 cm). John Michael Kohler Arts Center, gift of Kohler Foundation, Inc.

SELECTED WORKS ŒUVRES CHOISIES

Mr. Imagination/Gregory Warmack (American, 1948-2012). Untitled (castings of the artist’s hands), 2009. Mixed media, right: 10 1/2 x 5 x 1 in. (26.67 x 12.7 x 2.54 cm.), left: 9 3/4 x 4 5/8 x 1 in. (24.77 x 11.75 x 2.54 cm.). Private Collection. Photo © John Faier.

Mr. Imagination/Gregory Warmack (American, 1948-2012). Women of Somalia, 1993. Bottle caps, wood putty, metal, paintbrushes and paint, 90 x 12 x 10 in. (228.6 x 30.48 x 25.4 cm). Collection of Cleo F. Wilson

SELECTED WORKS Å&#x2019;UVRES CHOISIES

Mr. Imagination/Gregory Warmack (American, 1948-2012). Untitled (totem), n.d. Composite stone on found objects, 80 x 32 x 30 in. (203.2 x 81.28 x 76.2 cm). Collection of Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, gift of Lyn M. Wolfson, 2006.20

William Dawson (American, 1901-1990). Untitled (head), n.d. Carved wood, 8 1/4 x 5 1/2 x 1 in. (21 x 13.97 x 2.54 cm). Collection of William Swislow and Janet Franz. Photo Â© John Faier.

SELECTED WORKS Å&#x2019;UVRES CHOISIES

SECTION TITLE

Lee Godie (American, 1908-1994). Chicago We Own It, c. 1980. Pen, pencil and watercolor paint on canvas, 78 x 32 in. (198.12 x 81.24 cm). Collection of Carl Hammer and Carl Hammer Gallery, Chicago. Photo Â© John Faier.

Chicago We Own It

Chicago c’est à nous

William Swislow

The area southwest of Chicago’s Loop, known through

Le quartier au sud-ouest du Loop de Chicago, surnommé le

its century-plus of perambulations as the Maxwell Street

Marché Maxwell Street, grâce aux activités qui y ont

Market, is most famous for the blues performed there by

demeuré pendant plus d’un siècle, est surtout connu pour

hundreds of musicians.

les centaines de musiciens de blues qui y jouent.

For our purposes, though, think of Maxwell Street as

Pour nos fins, cependant, pensez à Maxwell Street comme

something else: the most important art location in Chicago—

étant autre chose : le site artistique le plus important à

not the Art Institute or the Museum of Contemporary Art or,

Chicago—et non pas l’Art Institute, ni le Musée d’Art

even, 851 W. Webster Avenue (Henry Darger’s last address).

Contemporain, ni même 851 Ouest Webster Avenue

If there is a Chicago school of art collecting and making,

(la dernière adresse de Henry Darger). S’il y a une école de

Maxwell Street Market was its heart and soul, its spiritual

collection et de fabrication d’art à Chicago, le Marché

home and best example. There is a cleaned-up street fair

Maxwell Street était à un moment son cœur et son âme,

still called Maxwell Street, but I’m talking about the chaotic,

sa maison spirituelle et son meilleur exemple. Il existe

dirty, sprawling flea market of the 20th century, especially

toujours une foire à Maxwell Street, mais je parle du marché

after construction of the Dan Ryan Expressway in 1961

aux puces chaotique, crasseux et étendu du 20e siècle,

pushed it west of Halsted Street, stretching almost from

particulièrement après la construction de l’autoroute

Roosevelt Road (12th) to 15th Street.

Dan Ryan en 1961, qui le poussa à l’ouest de Halsted Street et l’étira de Roosevelt Road (12th) à 15th Street.

The place was long an embarrassment to city fathers, who tried for decades to shut it down. Yet, for many years, if you

Cet endroit fut pendant longtemps un embarras pour les

were a certain sort of artist or collector in Chicago, Maxwell

conseillers municipaux de la ville, qui ont pendant des

Street was part of your routine, with Sunday morning visits

décennies essayé de le faire disparaitre. Néanmoins,

the aesthetic highlight of most weeks.

pendant de nombreuses années, si vous étiez un certain genre d’artiste ou de collectionneur à Chicago, Maxwell

I discovered Maxwell Street in the late 1980s. I was already

Street faisait partie de votre routine, et sa visite du

a habitué of swap meets, junk shops and thrift stores, but

dimanche matin était le moment esthétique le plus marquant

nothing had prepared me for its scale and intensity. On any

de la plupart de vos semaines.

Sunday morning, 12 or so city blocks were covered with an

SECTION TITLE

Ron Gordon (American, b. 1942). The Last Days of Old Maxwell Market, 1987. Photograph, 8 x 10 in. (20.32 x 25.4 cm). Collection of Ron and Sallie Gordon. Photo by Ron Gordon, 1981.

100

CHICAGO WE OWN IT CHICAGO C’EST À NOUS

enormous, random and fascinating spread of merchandise

J’ai découvert Maxwell Street vers la fin des années 1980.

and people. Some vendors displayed their wares on tidy

J’étais déjà un habitué de rencontres de troc, de magasins

tables. Some sold from virtually permanent stores operating

bric-à-brac et de brocantes, mais rien ne m’avait préparé

out of shacks. Others just dumped their stuff out on

à la taille et l’intensité de ce marché. Les dimanches matin,

blankets. The gold chain guys carried their store around

douze pâtés de maisons étaient recouverts d’une étendue

with them.

énorme, aléatoire, et fascinante de marchandises et de personnes. Certains marchands étalaient leurs articles sur

IF THERE IS A CHICAGO SCHOOL OF ART COLLECTING AND MAKING, MAXWELL STREET MARKET WAS ITS HEART AND SOUL

des tables de façon bien ordonnée. Certains vendaient dans des magasins quasiment permanents situés dans des cabanes. D’autres déversaient simplement leurs affaires sur des couvertures posées à même le sol. Ceux qui vendaient des chaines en or transportaient leurs magasins sur eux.

It wasn’t just the stuff for sale there but the whole scene— the culture of it, the music, the food, the people, the craziness. It was one of the few places in Chicago where folks of all races and classes routinely interacted, thriving on entertainment as much as on buying and selling. But there was always plenty to acquire, especially if you were

S’IL Y A UNE ÉCOLE DE COLLECTION ET DE FABRICATION D’ART À CHICAGO, LE MARCHÉ MAXWELL STREET ÉTAIT À UN MOMENT SON CŒUR ET SON ÂME

not overly concerned with where the goods came from. As the saying went, “If your hubcaps were stolen Saturday

Ce n’était pas seulement les choses à vendre, mais toute la

night, you could buy them back at Maxwell Street Sunday

scène qui était remarquable—la culture, la musique, la

morning.”

nourriture, les gens, la folie. C’était un des rares lieux à Chicago où une foule composée de toutes races et classes

The Market supplied advanced training in finding the

interagissait régulièrement, se rassasiant des divertissements

exceptional amid the chaos, and it fed a taste for oddball

autant que des achats et ventes. Mais il y avait toujours

juxtapositions. On a frigid Sunday you could find a

beaucoup à acquérir, surtout si l’on ne se préoccupait pas

junkie selling Lee Godie drawings just down the block from

de la provenance des marchandises. Comme l’on disait,

a group of people warming themselves around a burning

« Si tes enjoliveurs étaient volés le samedi soir, tu pouvais les

television set. Someone might be offering an abandoned

racheter à Maxwell Street le dimanche matin. »

family photo album alongside a box of sex toys. One roving vendor was there every week peddling porn videos along

Le Marché procurait un apprentissage avancé dans la

with Illinois driver’s license test answers. This activity was

trouvaille de l’exceptionnel parmi le chaos, et il alimentait le

all amid spreads of produce that seemed exotic in the years

penchant pour les excentricités juxtaposées. Un dimanche

before Mexican groceries proliferated over much of the city.

glacial, on pouvait croiser un drogué vendant des dessins de Lee Godie dans la même rue qu’un groupe de personnes

Perhaps most important, the Market favored a picking

en train de se réchauffer autour d’un téléviseur en flammes.

sensibility focused on the object, its immediate presence

Quelqu’un pouvait offrir un album de photos de famille

and impact, rather than on its classification (and certainly

abandonné en plus d’une boîte de jouets sexuels. Un

not on a creator’s training or lack of it). Chicago artists

marchand vagabond était là toutes les semaines colportant

and collectors who frequented Maxwell Street developed

des vidéos pornographiques et les réponses à l’examen de

an aggressive but generous eye. Creativity and delight were

conduite de l’état de l’Illinois. Toute cette activité se faisait

more important than theories or artistic name brands.

en plein milieu d’étalages de produits maraichers qui semblaient exotiques en ces années qui ne connaissaient

The philosophical apparatus that thinkers like Jean Dubuffet

pas encore la prolifération des épiceries mexicaines dans la

built around a certain subset of creative objects was

plupart des quartiers de la ville.

interesting, and certainly lots of Chicagoans became familiar with it. The same was true of folklorists’ debates about

Peut-être le plus important, le Marché favorisait une

the categories and terminology appropriate to the work

sensibilité pour choisir un objet, fixée sur l’objet lui-même, sa présence et son impression immédiate, plutôt que sur

101

of vernacular artists. But, ultimately, love of things for their

sa classification (et certainement pas sur la formation,

own sake, the fun of finding, displaying and looking at them,

ou manque de formation, du créateur). Les artistes et

prevailed. Theory came later to help understand the art,

collectionneurs de Chicago qui fréquentaient Maxwell Street

not before; it fit the art, not vice versa.

développaient un regard généreux mais agressif. La créativité et le délice étaient plus important que les

The appreciation of quality alongside the non-ideological

théories ou les noms de marques artistiques.

appreciation of self-taught, eccentric and anonymous

La structure philosophique bâtie autour d’un certain

creativity is not unique to Chicago, of course, but it seems

sous-ensemble d’objets créatifs, par des penseurs comme

like a particularly important part of how Chicago values and

Jean Dubuffet, était intéressante et elle est devenue

collects art—and makes it.

familière à certainement beaucoup de personnes de Chicago. Il en fût de même pour les débats des folkloristes

It might be relevant that the city has long seemed to be

sur les catégories et terminologies appropriées pour les

particularly fertile for certain kinds of eccentric aesthetic

œuvres des artistes vernaculaires. Mais, en fin de compte,

wonderment. It has produced, or helped produce, a

l’amour des choses pour elles-mêmes, et le plaisir de

succession of artists who did things differently, like Ivan

trouver, d’exposer et de regarder ces choses prévalut. La

Albright, Gertrude Abercrombie, H. C. Westermann and

théorie est venue plus-tard, et non avant, pour aider à

Claes Oldenburg, among others. These are people whose

comprendre l’art ; elle correspond à l’art, non vice versa.

creativity can seem as far outside the artistic mainstreams of their times as the work of any outsider artist. And they

L’appréciation de la qualité en plus de l’appréciation

were followed in the late 1960s by the artists of the Imagist

non-idéologique de la créativité autodidacte, excentrique,

group, who also brought sensibilities at odd angles to the

et anonyme, n’est pas propre à Chicago, bien sûr, mais

dominant artistic narrative and who famously haunted

elle semble avoir une part particulièrement importante

places like Maxwell Street.

dans la façon dont Chicago donne de la valeur à l’art, le collectionne—et le fabrique.

Things didn’t just happen that way. In the 1960s and after, School of the Art Institute of Chicago teachers like Ray

Il serait peut-être pertinent de remarquer que la ville semble

Yoshida and Whitney Halstead are said to have encouraged

depuis longtemps être un lieu particulièrement propice

their students to explore the Market. Yoshida’s own very

à certains types d’émerveillement esthétique excentrique.

eclectic collection influenced artists and collectors beyond

Ceci a produit, ou a aidé à produire, une succession

his immediate circle of students and friends, including those

d’artistes qui faisaient les choses différemment, comme

Imagists.1 Its mixture of work by trained artists, outsiders,

Ivan Albright, Gertrude Abercrombie, H.C. Westermann et

anonymous creators, producers of pop culture media and

Clæs Oldenburg, parmi d’autres. La créativité de ces

makers of just plain interesting things perfectly encapsulated

personnes peut paraitre autant hors des milieux artistiques

the possibilities of collecting in the last third of the 20th

conventionnels de leurs temps que celle de tout artiste

century.

outsider. Ils ont été suivis vers la fin des années 1960 par les artistes imagistes, qui eux-aussi touchaient les sensibilités

In a similar way, if briefer, Oldenburg’s Mouse Museum

sous des angles étranges les conduisant au narratif

and Ray Gun Wing, both exhibited at the Museum of

artistique dominant et qui fameusement fréquentaient des

Contemporary Art in 1977, had to have both inspired and

lieux comme Maxwell Street.

validated a catholic aesthetic sensibility that could value kitsch objects and popular crafts right alongside fine

Ce n’est pas seulement comme ça que Chicago est devenue

art.2 Much like Yoshida, Oldenburg displayed an eclectic

un lieu propice pour la collection de l’art non-conventionnel.

combination of stuff united mostly by his interest and

On dit que dans les années 1960 et après, les enseignants

sensibility.

de l’École de l’Art Institute de Chicago, comme Ray Yoshida et Whitney Halstead, ont encouragé leurs étudiants à visiter

Just as important as the pedagogical support from School

le Marché. La collection personnelle éclectique de Yoshida

of the Art Institute teachers and the occasional exhibitions

a influencé des artistes et collectionneurs au-delà de ses

that stepped outside the mainstream were key logistical

étudiants et amis les plus proches, incluant les imagistes.1

factors: availability, findability and affordability. Compared

102

CHICAGO WE OWN IT CHICAGO C’EST À NOUS

John Dyer (American, 1943-85). Untitled drawing, n.d. Graphite on paper, 19 x 22 in. (48.26 x 55.88 cm). Collection of David Kargl. Photo © John Faier.

103

Top: Stanley Szwarc (American, 1928-2011). Untitled (plain vase), 1990s. Stainless steel, 3 x 3 x 7 1/2 in. (7.62 x 7.62 x 19.05 cm). Private Collection. Left: Stanley Szwarc (American, 1928-2011). Untitled (TT box), 1988. Stainless steel, 8 x 4 1/2 x 1 3/4 in. (20.32 x 11.43 x 4.45 cm). Private Collection. Right: Stanley Szwarc (American, 1928-2011). Untitled (pegged box), 1988. Stainless steel, 8 x 4 1/2 x 2 in. (20.32 x 11.43 x 5.08 cm). Private Collection. Photo ÂŠ John Faier.

104

CHICAGO WE OWN IT CHICAGO C’EST À NOUS

to a place like New York, where a vast corps of astute

Son mélange d’œuvres faites par des artistes formés, des

collectors made sure that objects of interest spent little time

outsiders, des créateurs anonymes, des producteurs de

in the open market, the ratio of interesting stuff to people

médias de la culture pop et des fabricants de choses tout

interested in it seemed much higher in Chicago, at least in

simplement intéressantes, contenait parfaitement les

the ’70s and ’80s.

différentes possibilités de collectionner dans le dernier tiers du 20e siècle.

You could see some of the finest outsider art available anywhere at the galleries of Phyllis Kind, Carl Hammer

D’une manière semblable, si non plus brève, les expositions

or Ann Nathan, and then go to Maxwell Street to find what

Mouse Museum et Ray Gun Wing de Clæs Oldenburg,

you could afford. And it was not just Maxwell Street

toutes deux exposées au Museum of Contemporary Art en

where all kinds of goods were available at easy prices.

1977, avaient dû inspirer et valider une sensibilité esthétique

There were thrift-store chains like Amvets (later Value

catholique qui pouvait mettre en valeur des objets kitsch

Village) and Unique Thrift, where the selection and prices

et artisanaux de même que des objets des beaux-arts.2

for collectible goods often rivaled the Market. For that

Tout comme Yoshida, Oldenburg exposait une combinaison

matter, Ted Frankel, with his Goodies (later Uncle Fun),

éclectique de choses unies principalement par son intérêt et

was an enabler of many collecting habits, making vintage

sa sensibilité.

toys, games, tchotchkes and generally crazy stuff available in quantity, and affordably.

Aussi important que le soutien pédagogique des professeurs de l’École de l’Art Institute et des expositions occasionnelles

Or you could track down Lee Godie in front of the Art

qui se concentraient sur le non-conventionnel, la disponibilité,

Institute or the Water Tower, where you didn’t need to know

la détectabilité, et l’abordabilité étaient des facteurs logistiques

someone to buy her pictures—you just needed her to like

clés. Comparée aux endroits comme New York, où un corps

you. Wesley Willis, likewise, was easy to find in the subway,

vaste de collectionneurs perspicaces veillait à ce que les

drawing his city scenes. And Stanley Szwarc’s metal boxes,

objets d’intérêts passent peu de temps sur le marché ouvert,

and, early on, Stanley himself, turned up frequently at flea

la proportion d’objets d’intérêt par rapport au nombre de

markets. These works found their way into the hands not

personnes intéressées semblait beaucoup plus élevée à

only of many artists and art collectors but all kinds of

Chicago, au moins pendant les années 1970 et 1980.

people in the city who had no previous affinity for collecting art. They were simply cool to see and easy to get.

On pouvait voir de l’excellent art outsider aux galeries de Phyllis Kind, Carl Hammer ou Ann Nathan, et ensuite aller

Out of this cultural soup came lofts and apartments and

au Maxwell Street pour trouver ce qu’on avait le moyen de

houses full of polyglot collections, much like Ray Yoshida’s.

payer. Mais ce n’était pas qu’au Marché Maxwell Street que

With contemporary art side by side with folk art, art brut,

toutes sortes d’articles étaient disponibles à bon prix. Il y

anonymous crafts, pop culture items and more spilling over

avait des chaînes de magasins d’occasion comme Amvets

into every available space, the horror vacui (fear of empty

(plus tard Value Village) et Unique Thrift, où les choix et

space), often seen as an attribute of art brut, was a defining

prix pour des articles de collection étaient souvent en

characteristic of these collections.

concurrence avec ceux du marché. Ted Frankel, avec son magasin nommée Goodies (plus tard Uncle Fun), était

These places were a revelation to me, when I first encountered

facilitateur de nombreuses habitudes de collection,

them in the mid-1980s, having lived away from Chicago

rendant des jouets, jeux, bibelots et d’autres folies antiques

for many years. I had an interest in old toys, mid-century

abordables et disponibles en grande quantité.

design, bottle cap figures and random bad paintings, and I knew Chicago was a treasure house for all that. But only

On pouvait aussi trouver Lee Godie devant l’Art Institute ou

after discovering Maxwell Street did I understand why, and

la Water Tower, où il ne fallait pas connaitre quelqu’un en

why it felt like those collections had an aesthetic dimension

particulier pour pouvoir acheter ses dessins—il fallait

beyond my modest accumulation of kitsch objects and

simplement lui plaire. De même, il était facile de trouver

thrift store art.

Wesley Willis dans le métro souterrain, en train de dessiner ses paysages de villes. Les boites en métal de Stanley

105

MAXWELL STREET HAD TRAINED US, HOWEVER,

Szwarc, et plus tôt Stanley Szwarc lui-même, apparaissaient

TO KEEP OUR EYES OPEN FOR THINGS

fréquemment aux marchés aux puces. Les œuvres de ces

THAT LOOKED SPECIAL WHEREVER THEY

artistes se sont trouvées entre les mains non seulement de

MIGHT BE FOUND

nombreux artistes et collectionneurs, mais de toutes sortes de personnes dans la ville qui auparavant n’avaient aucune

It was Maxwell Street, I think, that caused a friend and me

affinité pour la collection de l’art. Ces œuvres étaient

to understand something special was going on in the house

simplement sympathiques à voir et facile à obtenir.

once owned by Joe “40,000” Murphy. It was the kind of place that in other circumstances might have disgorged its

Emergeant de cette soupe culturelle apparurent des lofts,

contents into the Market, but that hadn’t happened, at least

maisons et appartements, pleins de collections polyglottes,

not yet. Maxwell Street had trained us, however, to keep

comme celle de Ray Yoshida. Ici l’art contemporain était

our eyes open for things that looked special wherever they

côte à côte avec l’art folklorique, l’art brut, des produits

might be found. Although at the time I didn’t understand

artisanaux anonymes et des articles de culture pop. Avec

the significance, we knew that those old photos and

ces objets qui se répandaient dans tous les coins, l’horreur

collages screwed to the walls of the back stairs were

du vide, souvent considérée un attribut de l’art brut, était

something cool and worth having.

une caractéristique déterminante de ces collections.

It also was Maxwell Street that made me notice Stanley

Ces lieux furent une révélation pour moi quand je les ai

Szwarc selling his highly ornamented metal boxes and

rencontrés pour la première fois au milieu des années 1980,

crosses for proportionately low prices at a smaller but

après avoir vécu loin de Chicago pendant de nombreuses

barely more respectable flea market in suburban Cicero.

années. J’avais un intérêt pour les vieux jouets, le design du

There were tube socks, rusty tools, dicey videos and CDs –

milieu du siècle, les figurines en bouchons de bouteilles, et

and Szwarc’s masterpieces. Szwarc ultimately sold

les mauvaises peintures de n’importe quel sujet et je savais

thousands of his stainless-steel creations, though mostly

qu’on pouvait trouver ces trésors à Chicago. Mais c’est

through informal channels. Like many artists who don’t

seulement après la découverte de Maxwell Street que je

associate with a gallery that can develop their reputations

compris la particularité de Chicago, et la raison pour laquelle

and manage their output, he cranked out the work and sold

il semblait que ces collections avaient une dimension

it for much less than its true value.

esthétique au-delà de mon amas modeste d’objets kitsch et d’art venant de magasins d’occasion.

At least Szwarc received some modest recognition in his lifetime, selling through the Illinois Artisans Gallery, for example, and having his work included in a few Intuit shows. But he has never made it into the canon of top Chicago artists, outsider or otherwise. His work might have seemed too funky and idiosyncratic to make it in the craft world,

CEPENDANT, MAXWELL STREET NOUS AVAIT APPRIS À GARDER NOS YEUX OUVERTS POUR LES CHOSES QUI SEMBLAIENT SPÉCIALES, OÙ QU’ELLES SOIENT TROUVÉES

and his functional jewelry boxes and vases could seem too crafty to qualify as art brut.

Ce fut le Marché Maxwell Street qui, je pense, fit naitre à mon esprit et à celui d’un de mes amis, la pensée que

Another Polish émigré, Bruno Sowa, made elaborate, highly

quelque chose de spécial se passait dans la maison autrefois

polished sculptures as well as paintings. A military veteran

possédée par Joe « 40 000 » Murphy. C’était le genre

who escaped from the Nazis, Sowa’s output included

d’endroit où, dans d’autres circonstances, le contenu aurait

anodyne birds as well as scenes of violence, both explicit

peut-être été régurgité au Marché Maxwell Street, mais

and implied. Like Szwarc, his work has been shown occasionally,

ceci ne s’était pas passé, du moins pas encore. Cependant,

but Sowa remains mostly under the radar.

Maxwell Street nous avait appris à garder nos yeux ouverts pour les choses qui semblaient spéciales, où qu’elles soient

Nick “The Barber” Greely landed even further under that

trouvées. Bien qu’à ce moment-là je ne comprenais pas

radar. He showed his poster-sized paintings, sometimes

leur importance, je savais que les vieilles photos et collages

106

107

featuring adult situations, in his barbershop on Wood Street

vissés aux murs des escaliers à l’arrière de la maison de

off Chicago Avenue. A pair of these paintings were included

Joe « 40 000 » Murphy étaient intéressants et méritaient

in the very first show mounted by Intuit in 1991. But,

qu’on les recueille.

otherwise, he remains mostly obscure, like many artists hidden in Chicago collections. They might deserve a wider

C’est également Maxwell Street qui m’a fait remarquer que

audience, but there might not be enough work in enough

Stanley Szwarc vendait aussi ses boites et croix en métal

hands for wide exposure. The material might be difficult,

richement ornées à des prix proportionnellement plus bas

appealing only to a limited few. A collector or dealer might

sur un marché aux puces, plus petit, mais à peine plus

be holding it back, waiting for just the right time and place

respectable, dans la banlieue Cicero. Là il y avait des

to show it. Or it might run afoul of those pesky categories,

chaussettes, des outils rouillés, des vidéos risquées, et

even in the polyglot world of Chicago collecting.

des CDs—en plus des chefs-d’œuvre de Szwarc. En fin de compte, Szwarc a vendu des milliers de ses créations en

Those barriers also could be the case with John Dyer,

acier, mais la plupart par des voies informelles. Comme de

an artist who has received no public recognition. Dyer’s

nombreux artistes qui ne sont pas associés avec une galerie

drawings reside in at least several collections but have not

qui les aiderait à développer leurs réputations et gérer

made it into an exhibition. Perhaps that’s partly because

leurs ventes, il produisait les œuvres et les vendait pour

he sold them around the School of the Art Institute, where

beaucoup moins que leur vraie valeur.

his parents taught—not a plus for his outsider credentials. Though apparently not officially a student, he was a regular

Au moins Szwarc reçut une reconnaissance modeste au

presence there. The drawings have a distinctly art brutish

cours de sa vie, vendant à travers l’Illinois Artisans Gallery,

look, mysterious in intent, and Dyer was certainly not a

par exemple, et ayant eu ses œuvres incluses dans quelques

professional artist himself. He was an example, though,

expositions d’Intuit. Mais il n’est jamais arrivé au canon des

along with Lee Godie and others, of apparent outsiders for

meilleurs artistes de Chicago, outsider ou autre. Il est

whom the city’s great art museum was a magnet and an

possible que son œuvre semblait trop étrange et de caractère

influence in one way or another.

trop singulier pour avoir du succès dans le monde artisanal, et que ses bijoux, boites, et vases fonctionnels semblaient

More like Szwarc than Dyer, Sylvia Roberti has made it into

trop artisanaux pour être qualifiés d’art brut.

many Chicago collections. Her colorful, often cheery, drawings of animals, faces and any number of other

Un second émigré polonais, Bruno Sowa, a fait des sculptures

subjects were made in the 1970s and earlier, typically noting

minutieusement polies ainsi que des peintures. Sowa était

her Italian descent as part of explanatory messages on the

un vétéran militaire qui avait échappé aux Nazis. Son travail

back. She must have made a lot of them; for a long time

incluait des oiseaux apaisants ainsi que des scènes de

they were available for a song at shops around the city and,

violence, les deux étaient explicites et sous-entendus.

perhaps, still are.

Comme Szwarc, les œuvres de Sowa ont été exposées de temps en temps, mais il reste principalement inconnu.

These discoveries all had actual names, but, at the Market and around, there was even more stuff from unknown artists

Nick « le Barbier » Greely était encore moins connu. Il

as well as creativity embedded in objects no one ever

exposait ses peintures sur affiche, figurant parfois des

intended as expression.

situations adultes, dans son salon de coiffure de Wood Street au coin de Chicago Avenue. Deux de ses peintures étaient

These could be craft objects like sock monkey dolls and

incluses dans la première exposition d’Intuit en 1991. Mais à

popsicle stick lampshades, kitsch items like sea shell lamps

part cela il reste obscur, comme de nombreux artistes cachés

and old greeting cards, or something that was both, like

dans les collections de Chicago. Peut-être qu’ils méritent un

the bottle-cap snack-tray figures that, for a few years, were

public plus large, mais il n’y a peut-être pas assez d’œuvres

ubiquitous in Chicago thrift stores. (I bought my first one

disponibles pour en faire une exposition étendue. Il est aussi

Left: Nicholas Greeley (American, 1894-1985). House of Blazes (detail), c. 1970s. Paint on board, 45 x 34 in. (114.3 x 86.36 cm). Collection of Mark Jackson. Photo © John Faier.

108

CHICAGO WE OWN IT CHICAGO C’EST À NOUS

as a joke gift for a friend; now I have more than 150). Any

possible que le matériel n’intéresse qu’un petit nombre

number of other instances of vernacular design were easy

de personnes, puisqu’il est quelquefois difficile. Un

to find in the Market or elsewhere around the city, from

collectionneur ou négociant est peut-être en train de

vintage snapshots to painted syrup bottles, from furniture

garder en réserve les œuvres, attendant le bon moment

made of sewing spools to hand-painted signs up and down

et endroit pour les montrer. Ou, peut-être, il y a la volonté

the city’s avenues, from kitschy salt-and-pepper shakers

de se détourner de ces pestes de catégories, même dans le

to folky quilts.

monde polyglotte de la collection à Chicago.

WHAT’S THERE IS WHAT THE CREATOR PUT INTO THE OBJECT, NO MORE OR LESS

Il est possible que ces obstacles prévalaient aussi avec John Dyer, un artiste qui n’a reçu aucune reconnaissance publique. Les dessins de Dyer résident dans plusieurs collections mais n’ont pas encore été exposés. Ceci est

Aesthetic boundaries don’t thrive around this kind of

peut-être parce qu’il les vendait à l’Ecole de l’Art Institute,

anonymous creativity. You can’t establish exclusionary

où ses parents enseignaient—ce qui n’est pas un atout

criteria about the sort of people who made the art, since

pour ses qualifications d’outsider. Bien qu’il n’en fût pas

you don’t know who they are. What’s there is what the

officiellement un étudiant, il avait une présence régulière

creator put into the object, no more or less. Intentions and

à l’école. Ses dessins ont un air distinct d’art brut, et sont

creative contexts, ethnicity, medical diagnoses, educational

mystérieux en intention, et Dyer n’était certainement pas un

backgrounds, art-historical positions—all are ciphers. In

artiste professionnel lui-même. Pourtant, il sert d’exemple,

place of biography, there is mystery, and the creative

en même temps que Lee Godie et d’autres, comme outsider

process must speak for itself to viewers who are as

pour qui le grand musée d’art de Chicago était un aimant et

anonymous to the artist as the artist is to them. At flea

un influent.

markets, thrift stores, yard sales and junk shops, in parks and on the streets, the audience and the art are left to

Plus comme celles de Szwarc que celles de Dyer, les œuvres

their own devices. In many respects, this is the absolute

de Sylvia Roberti sont présentes dans de nombreuses

essence of the Chicago school of collecting.

collections à Chicago. Ses dessins colorés et souvent gais d’animaux, de visages et de beaucoup d’autres sujets datent

That is not to say there’s no context for these objects. The

des années 1970. Les messages explicatifs au dos des

flea market imparts its own sort of meaning to everything

dessins dénotaient de ses origines italiennes. Elle a dû en

found there—whether creative artifacts, old tools, scratchy

produire beaucoup ; pendant longtemps ses dessins étaient

LPs, broken furniture or collectible jelly jars. The junk-scape’s

vendus très bon marché dans des magasins autour de la

mostly undifferentiated mass of mostly valueless objects

ville et ils le sont peut-être toujours.

unites to speak an ashes-to-ashes, all-is-vanity message, except in that magical moment when the right collector

Ces découvertes susmentionnées avaient toutes des noms

spots the right object—either recognizing inherent artistic

concrets, mais au Marché et ailleurs, il y avait encore plus

merit or making it so by choosing it.

d’articles d’artistes inconnus et de même encore plus de créativité enchâssée dans des objets que personne ne

That wonderful moment could happen at Maxwell Street,

considérait comme une forme d’expression.

or in the thrift stores, or just about any place in town. Regardless of what the seller thought their merchandise

Ceux-ci pouvaient être des objets artisanaux comme des

was, it came home as a work of art.

poupées-singes faites avec des chaussettes et des abat-jour en bâtons de sucette, ou des articles kitsch

Indeed, just as interesting as the stuff that could be acquired

comme des lampes en coquillages et d’anciennes cartes de

were the emphatically unavailable artistic creations. Mitch

vœux. Ou bien des objets artisanaux et kitsch, comme des

Szewczyk’s Cross House was outdoors and accessible to

figurines en bouchons de bouteilles qui servaient de plats d’apéritif. Celles-ci étaient pendant quelques années omniprésentes dans les magasins d’occasion de Chicago.

109

Left: Anonymous. Untitled (tall dog), 1950s. Bottle caps, paint and wood, 7 x 17 1/2 in. (17.8 x 44.45 cm). Private Collection. Right: Anonymous. Untitled (small dog), 1950s. Bottle caps, paint and wood, 5 x 14 in. (12.7 x 35.56 cm). Private Collection. Photo ÂŠ John Faier.

110

CHICAGO WE OWN IT CHICAGO C’EST À NOUS

anyone who happened to turn off Ashland Avenue onto his

(J’ai acheté ma première figurine comme cadeau pour

block, though the crosses and plaques that filled his tiny

rire à un ami ; maintenant j’en ai plus de 150.) C’était facile

front yard and covered the façade of his old Chicago home

de trouver un nombre illimité d’exemples de design

were gone by 2007.

vernaculaire au Marché ou autre part dans la ville : que ce soit de vieux instantanés ou des bouteilles de sirop peintes,

John Urbaszewski, who called himself Grandpa Moses,

des meubles faits de cannettes à couture ou des pancartes

might have been willing to part with some of his architectural

peintes à la main placées sur les avenues de la ville, des

models, but that was almost beside the point. Seeing them

salières et poivrières kitsch ou des couvertures folkloriques

all together in the giant dioramas he assembled in his old

en quilt et tout le reste.

funeral home on Ashland Avenue was the transcendent experience. The building is still there, but much of Urbaszewski’s work is said to have been lost in a flood.

CE QUE NOUS VOYONS, C’EST CE QUE LE CRÉATEUR A PRODUIT , NI PLUS NI MOINS

The most accessible of the city’s artistic environments is partly extant, in the miles of anonymous stone carvings and paintings that still line some of the Lake Michigan shoreline.

Les limites esthétiques ne prospèrent pas autour de ce

Arguably these carvings, on giant limestone blocks that

genre de créativité anonyme. On ne peut pas établir des

date to the 20th century, are one of Chicago’s artistic crown

critères d’exclusion au sujet des personnes qui ont créé l’art

jewels, despite lacking any special prominence in its artistic

si l’on ne sait pas qui elles sont. Ce que nous voyons, c’est

firmament. They’re a fine example of the tremendous aes-

ce que le créateur a produit, ni plus ni moins. Les intentions,

thetic resources that exist throughout the city, in the canon

contextes créatifs, ethnicités, diagnostiques médicaux,

or not—a rich visual world for which Maxwell Street served

formations éducatives, positions dans l’histoire de l’art—tous

as the perfect training ground and, you might say,

cela est secret. Au lieu de la biographie, il y a le mystère. Le

metaphor. ✶

processus créatif doit parler pour lui-même aux spectateurs qui sont aussi anonymes à l’artiste que l’artiste l’est à eux.

William Swislow curated Chicago We Own It, a companion

Aux marchés aux puces, dans les magasins d’occasion, les

installation included in Chicago Calling: Art Against the

ventes aux enchères et brocantes, dans les parcs et dans

Flow. It provided context for the main installation of 10

la rue, le public et l’art sont livrés à eux-mêmes. À de

major Chicago artists, about both the collecting world and

nombreux égards, ceci est l’essence absolue de la collection

the aesthetic environment in which many of those artists

de l’art à Chicago.

themselves lived. Cela ne veut pas dire qu’il n’y a aucun contexte pour ces In his curatorial statement Swislow wrote,

objets. Le marché aux puces transmet son propre sens à tout ce qui y est trouvé—que ce soit des objets créatifs, de

To say there is a Chicago school of art collecting may be

vieux outils, des LP rayés, des meubles cassés ou des pots

an overstatement, but there does seem to be a Chicago

de confitures à collectionner. Cet amoncellement camelote

style of collecting, characterized by an acquisitive eye and a

d’objets principalement sans valeur s’unit pour exprimer

hunger to spot creativity wherever and however it turns up,

un message de poussière-tu redeviendras-poussière,

no matter how unlikely the setting and without much regard

tout-est-vanité, sauf dans les moments magiques où le bon

to anxieties about aesthetic categories or theories.

collectionneur repère le bon objet—soit en lui reconnaissant un mérite artistique inhérent soit en le lui décernant du fait

It’s not hard to draw a direct line from that generosity of

de son choix.

taste to the discovery and cultivation of the artists featured in Chicago Calling—Henry Darger, Lee Godie, Wesley Willis,

Ces moments merveilleux pouvaient se passer à Maxwell

Joseph Yoakum and the others. That line also encompasses

Street ou dans les magasins d’occasion ou à peu près n’importe

a vast number of anonymous creators as well as artists who

où dans la ville. Peu importe ce que le vendeur pensait de sa marchandise, elle rentrait chez son acheteur en tant qu’œuvre d’art.

111

are known but haven’t won acclaim at the level of these

En effet, tout aussi intéressantes que les choses qui pouvaient

canonical geniuses. This other creativity can be just as

être acquises étaient les créations artistiques clairement

striking, and it has found entrée into many collections, if not

indisponibles. La Cross House de Mitch Szewczyk était

as many museums.

dehors et accessible à tous ceux qui arrivaient dans sa rue venant d’Ashland Avenue, quoique les croix et plaques qui

This style of collecting inspires a certain way of displaying

remplissaient son petit jardin et recouvraient la façade de sa

the stuff, epitomized by the homes of such influential

vielle maison de Chicago avaient disparu en 2007.

artist-collectors as Ray Yoshida, Roger Brown and others. Quantity makes packing shelves with objects a practical

John Urbaszewski, qui s’appelait lui-même Grandpa Moses,

necessity, and those crowded shelves, unified only by the

aurait peut-être été prêt à se séparer de certains de ses

collector’s eye, make an aesthetic statement in their own

modèles architecturaux, mais cela n’était pas la question.

right. So do the nearby paintings typically hung “salon

L’expérience transcendante était de les voir tous ensembles

style,” a euphemism for the kind of high-density display

dans les dioramas géants qu’il assemblait à sa vieille

seen in this Chicago We Own It exhibition. That title, it

entreprise de pompes funèbres d’Ashland Avenue.

should be said, is inspired by a favorite phrase of canonical

L’immeuble existe toujours, mais on dit qu’une grande partie

Chicago artist Lee Godie, which also serves nicely as a

de l’œuvre de Urbaszewski fut perdue dans une inondation.

slogan for those Chicago collectors to whose acquisitiveness we owe this show.

L’environnement artistique le plus accessible de la ville existe encore et comprend des kilomètres de gravures sur pierre et de peintures anonymes qui occupent toujours

—————————

une partie du littoral du lac Michigan. Ces gravures, sur des blocs géants en calcaire qui datent du 20e siècle, sont sans

Ray Yoshida’s home collection, which he referred to as his Museum of Extraordinary Values, is in the permanent collection of the John Michael

doute parmi les joyaux de la couronne artistique de Chicago, malgré leur absence dans le firmament artistique de la ville.

Kohler Arts Center, Sheboygan, Wisconsin, which saw fit to bring an

Ils sont un bon exemple des ressources esthétiques énormes

entire museum into their museum.

qui existent dans la ville, dans les canons ou pas—un monde visuel riche auquel Maxwell Street servit de terrain de

The Mouse Museum was first shown in 1972 at Documenta 5 in Kassel,

Germany.

formation parfaite et, l’on pourrait dire, de métaphore. ✶ William Swislow a organisé Chicago We Own It (Chicago c’est à nous), une installation artistique incluse dans Chicago Calling : Art Against the Flow. Cette installation présentait le contexte du monde de la collection de l’art et l’environnement esthétique dans lequel vivaient la plupart des dix artistes majeurs de Chicago pour qui était l’exposition principale. Dans sa déclaration curatoriale, Swislow écrivit, Dire qu’il y a une école de la collection de l’art à Chicago est peut-être une exagération, mais il semble toutefois exister un style de collection particulier à Chicago, caractérisé par un œil avide et un appétit pour repérer la créativité, peu importe où et quand elle apparait, peu importe l’invraisemblance de l’endroit, et pour faire cela sans aucune angoisse à propos des catégories ou théories esthétiques.

112

SECTION TITLE

Den, Roger Brownâ&#x20AC;&#x2122;s home collection (the Roger Brown Study Collection of the School of the Art Institute of Chicago since 1997). Photo by James Connolly.

113

114

CHICAGO WE OWN IT CHICAGO C’EST À NOUS

Il n’est pas difficile d’établir un lien direct entre cette générosité de goût et la découverte et l’entretien des artistes figurés dans Chicago Calling—Henry Darger, Lee Godie, Wesley Willis, Joseph Yoakum et les autres. Ce lien passe aussi par un vaste nombre de créateurs anonymes et par des artistes qui sont connus mais n’ont pas reçu d’acclamations au niveau de ces génies canoniques. Cette autre créativité peut être aussi frappante, et elle a trouvé l’entrée de nombreuses collections et de tout autant de musées. Ce style de collection inspire une certaine façon d’exposer les choses, incarnée par les résidences d’artistescollectionneurs influents comme Ray Yoshida, Roger Brown et d’autres. La quantité de choses rend l’entassement d’objets sur des étagères une nécessité pratique, et ces étagères surchargées, unies seulement par le regard du collectionneur, font une déclaration esthétique en leur nom propre. Et de même pour les peintures voisines, typiquement accrochées « style salon », un euphémisme pour le type de présentation très dense que l’on voit dans l’exposition Chicago We Own It. Ce titre, disons-le, est inspiré d’une des phrases préférées de l’artiste canonique de Chicago, Lee Godie. C’est une phrase qui sert aussi, bien à propos, de slogan pour les collectionneurs de Chicago dont l’avidité nous a permis de faire cette exposition.

—————————

La collection personnelle de Ray Yoshida, qu’il nomma son Museum of Extraordinary Values (Musée de valeurs extraordinaires), fait maintenant partie de la collection permanente du John Michael Kohler Arts Center en Sheboygan, Wisconsin, un musée qui a jugé bon d’accueillir un autre musée.

Le Mouse Museum était montré pour la première fois en 1972 à Documenta 5 à Kassel en Allemagne.

Right: Frances Caldwell (American, b. 1938). Christmas Morning (detail), November 24, 1952. Watercolor on paper, 26 x 18 1/2 in. (66.04 x 46.99 cm). Private Collection. Photo © John Faier.

115

116

SECTION TITLE

Henry Dargerâ&#x20AC;&#x2122;s room at 851 W. Webster Avenue, Chicago. Photo by Keizo Kitajim.

117

118

ARTISTS’ BIOGRAPHIES | CURATORS’ MUSINGS

Artists’ Biographies Dana Boutin

Curators’ Musings Kenneth C. Burkhart and Lisa Stone Following the biographies, the curators reflect on aspects of the artists’ creative lives within the social and historical context of the Chicago they occupied, and how their works were positioned in the exhibition. Rather than segregate works by individual artists in the exhibition installations, the curators allowed works of art to find each other, intermingle, and create unexpected interplays

Henry Darger, c. 1970. Photo by David Berglund.

and conversations.

Biographies d’artistes

Henry Darger (1892-1973)

Dana Boutin

Henry Darger’s works stand out in the scale, volume and ingenuity of his techniques. At 15,145 pages and with more

Réflexions de conservateurs

than 300 related collages, his most celebrated work, The Story of the Vivian Girls, in What Is Known as the Realms of the Unreal, of the Glandeco-Angelinian War Storm, Caused

Kenneth C. Burkhart et Lisa Stone

by the Child Slave Rebellion (often shortened to In the Realms of the Unreal), tells the epic tale of seven resilient

Suivant les biographies, les conservateurs conduisent une

young sisters, the Vivian Girls. These young heroines, noted

réflexion sur certains aspects des vies créatives des artistes

for their transcendent qualities and fluid gender, face many

dans le contexte social et historique du Chicago qu’ils ont

perils in their quest to free children from slavery. Darger

connu, et sur la façon dont les œuvres sont positionnées

collected images from various sources—magazines, coloring

dans l’exposition. Plutôt que de séparer les œuvres des

books, holy cards—and created photographic enlargements

artistes individuels dans l’exposition, les conservateurs

he then traced and collaged into panoramic landscapes,

ont laissé les œuvres se trouver, se mêler, et créer des

many spanning nine feet.

interactions et conversations imprévues. Born in 1892, Henry Darger grew up in Chicago. He lost his mother at the age of four. His father, a disabled tailor, struggled to take care of him, and he was sent to an orphanage. Described by his father as a precocious but “peculiar” youth, Darger was committed, at the age of 12, to the Asylum for Feeble-Minded Children in Lincoln, Illinois, an institution now known for corporal punishment and abuse. After attempts in 1908 and 1909, Darger successfully escaped and returned to Chicago, where he found work as a janitor at a Catholic hospital. He began writing In the Realms of the

119

Unreal during World War I. He was drafted into the army

retaining their power as compelling individual works of art.

but discharged for eye trouble. Darger was raised Catholic

His realms of the unreal express many realities he

and continued to attend mass, often several times a day,

experienced, including repetitive traumas and the abuse

throughout his life. Christianity, aspects of the Civil War

of children by people in power. Darger created a cyclical

and World War I, and literary allusions are central to his epic

rhythm of peace and aggression, wrapping his Realms,

and permeate his imagery.

alternatively, in ominous, cataclysmic weather events echoing human realms of destruction below, contrasting

Shortly before Darger passed away in 1973, his landlords,

with idyllic sun- and flower-filled lush landscapes beneath

Nathan and Kiyoko Lerner, found his work while emptying

billowing cloudscapes. The inverse relationship between

his apartment. In the Realms of the Unreal continues to

Darger’s confined living space and his expansive created

captivate audiences and inspire artists, resulting in the

world is cause for much wonder.

creation of films, plays, poems, songs and fashion designs based on the adventures of the Vivian Girls.

It is difficult to imagine life in the art world, and especially in the visionary art world, without the works of Henry Darger.

Henry Darger, Curators’ Musings

Had it not been for the sagacious eyes of Nathan Lerner and the careful stewardship of Kiyoko Lerner, this seminal

Nelson Algren wrote (on the back of a photo by Art Shay),

body of work clearly would have been lost forever. What did

“You never know how good it can be until you’ve found out

Chicago photographer and designer Nathan Lerner, who

for yourself how bad it can get.” Henry Darger found out,

came out of László Moholy-Nagy’s New Bauhaus, and

early on, how bad it can get. Darger endured the worst that

Japanese concert pianist Kiyoko Lerner see in this incredible

Chicago and his family had to offer and survived. Unlike

hoard of stacked refuse filling the small room of a man they

the other artists in this exhibition, Darger kept his distance

scarcely knew? As it unfolded, they saw nothing less than

from any discernable Chicago art community. His hermetic

an artist’s life’s work unraveled and revealed. For them,

behavior is oft-cited. However, the demanding scope of his

there was no less angst to the subject matter than what

work—epic by any standard—may be a factor in Darger’s

we still find for ourselves today. But most important, they

reclusiveness. Socially isolated as he was, Darger created

persevered in finding others who shared their curiosity

imagined sets of communities, beings of innocence

and appreciation for Darger’s opus magnum, and the rest

versus beings of evil, their actions playing out within

is history.

dramatic metaphorical backdrops of human action and weather events.

The exhibition includes works that feature a range of classic Darger moods and happenings. The burst of luminosity in

Posthumously, an extensive international community has

one central panel inspired the inclusion of a radiant Drossos

formed around his life and art, a level of attention and

Skyllas painting of water, land and sky, echoing Darger’s

renown on par with luminaries in modern and contemporary

visualization of the weather as a character in his dramas. We

art. Chicago might seem to be the obvious center of this

selected two small Darger works depicting horrific violence

activity, but Darger’s community is far flung. His work

to children by adult men. One wants to call such scenes

has been embraced in private and public collections

unimaginable, but Darger was no stranger to carnage.

internationally. Intuit’s Henry Darger Room preserves a place

He could imagine. Nearby we positioned sculptures by

for Darger in Chicago. The room and extensive collection

Dr. Charles Smith, expressive of childhood trauma and the

convey a sense for Darger’s personal and creative life

horrors of enslavement, alongside expressions of resistance

through authentic architectural features, furnishings and

and determination.

art-making miscellany experienced by countless visitors and Darger devotees.

Les œuvres de Henry Darger se remarquent par leur taille, leur volume et l’ingénuité de ses techniques. Avec

Darger’s artwork, bound in volumes to illustrate In the

15 145 pages et plus de 300 collages, son œuvre la plus

Realms of the Unreal, were cut from their bindings, forever

célébrée, The Story of the Vivian Girls, in What Is Known as

losing the sequence and continuity of the narrative, but

the Realms of the Unreal, of the Glandeco-Angelinian War

120

ARTISTS’ BIOGRAPHIES | CURATORS’ MUSINGS BIOGRAPHIES D’ARTISTES / RÉFLEXIONS DE CONSERVATEURS

Storm, Caused by the Child Slave Rebellion (souvent abrégé

Henry Darger, Réflexions de conservateurs

In the Realms of the Unreal), raconte l’histoire épique de sept jeunes sœurs courageuses, les « Vivian Girls ». Ces

Nelson Algren écrivit (sur le dos d’une photo par Art Shay),

jeunes héroïnes, connues pour leurs qualités transcendantes

« On ne sait pas à quel point les choses peuvent aller bien

et la fluidité de leur genre sexuel, font face à beaucoup de

avant d’avoir découvert par soi-même à quel point les

danger dans leur quête pour libérer les enfants de l’escla-

choses peuvent aller mal. » Henry Darger a découvert, tôt,

vage. Darger collectionnait des images de sources variées—

à quel point les choses pouvaient être mauvaises. Darger

magazines, livres de coloriage, cartes religieuses—et créait

endura le pire que Chicago et sa famille pouvaient offrir,

des agrandissements photographiques qu’ensuite il traçait

et il a survécu. Contrairement aux autres artistes de cette

et collait sur des paysages panoramiques, souvent couvrant

exposition, Darger se tenait éloigné de toutes communautés

jusqu’à neuf pieds de long.

artistiques perceptibles de Chicago. Son comportement hermétique est souvent cité. Pourtant, l’étendue exigeante

Né en 1892, Henry Darger a grandi à Chicago. Sa mère est

de son œuvre—épique par n’importe quelle norme—

morte quand il avait quatre ans. Son père, un tailleur

explique peut-être la réclusion de Darger. Malgré son

handicapé, avait du mal à s’occuper de son fils, et donc

isolement social, Darger a créé des communautés

Henry a été envoyé dans un orphelinat. Décrit par son père

imaginées, formées d’êtres de l’innocence versus d’êtres

comme un jeune précoce mais un peu « particulier », Darger

malfaisants, leurs actions se passant au sein de scènes

fut interné, à douze ans, à l’Asylum for Feeble-Minded

métaphoriques dramatiques d’actions humaines et

Children à Lincoln dans l’Illinois, une institution maintenant

d’évènements climatiques.

connue pour abus et infliction de châtiments corporels. Depuis sa mort, une communauté internationale étendue Après deux essais, en 1908 et 1909, Darger s’échappa de

s’est formée autour de sa vie et de son art, et lui porte

l’institution avec succès et revint à Chicago, où il trouva du

un niveau d’attention et de renom en égalité avec celui

travail en tant que concierge dans un hôpital catholique.

des lumières de l’art moderne et contemporain. Chicago

Il commença à écrire In the Realms of the Unreal pendant

semble peut-être le centre évident de cette activité, mais la

la première guerre mondiale. Il fut appelé à l’armée mais

communauté de Darger est vaste. Son œuvre a été adoptée

réformé à cause de problèmes avec ses yeux. Darger avait

dans des collections privées et publiques internationales.

été élevé dans la religion catholique et continua d’aller à la

La Henry Darger Room à Intuit préserve une place pour

messe, souvent plusieurs fois par jour, pendant toute sa vie.

Darger à Chicago. Cette chambre et collection importante

Le christianisme, certains aspects de la guerre civile et

transmettent une notion de la vie personnelle et créative

de la première guerre mondiale, et des allusions littéraires

de Darger aux visiteurs innombrables et passionnés par

sont les éléments centraux de son épopée et se propagent

l’artiste, à travers des éléments architecturaux, des meubles

dans ses images.

et des matériaux artistiques authentiques.

Peu de temps avant la mort de Darger, en 1973, ses

Les œuvres d’art de Darger, reliées en volumes pour illustrer

propriétaires Nathan et Kiyoko Lerner ont trouvé son œuvre

In The Realms of the Unreal…, ont été coupées de leur

pendant qu’ils vidaient son appartement. In the Realms of

reliure. L’ordre et la continuité du narratif sont donc perdus

the Unreal continue de fasciner le public et d’inspirer des

à jamais, mais leur pouvoir en tant qu’œuvres d’art

artistes, ceci résultant en la création de films, de pièces de

individuelles envoutantes demeure. Leurs domaines

théâtre, de poèmes, de musique et de stylisme, tous basés

de l’irréel expriment beaucoup de réalités que Darger a

sur les aventures des Vivian Girls.

connues, incluant des traumas répétitifs et l’abus des enfants par des personnes en position de pouvoir. Darger a créé un rythme cyclique entre la paix et l’agression, enveloppant ses Realms (domaines), alternativement, dans des évènements climatiques menaçants et cataclysmiques faisant écho aux domaines humains de destruction en dessous, mis en contraste avec des paysages succulents

121

idylliques et pleins de soleil et de fleurs en dessous de formations de nuages ondulants. La relation inverse entre l’espace de vie confiné de Darger et son monde inventé expansif est source de beaucoup d’émerveillement. Il est difficile d’imaginer la vie dans le monde de l’art, et surtout dans le monde de l’art visionnaire, sans les œuvres de Henry Darger. Sans l’œil perspicace de Nathan Lerner et la gérance soigneuse de Kiyoko Lerner, cette œuvre majeure aurait certainement été perdue à jamais. Qu’est-ce que le photographe et designer de Chicago Nathan Lerner, provenant du New Bauhaus de László Moholy-Nagy, et la pianiste concertiste japonaise Kiyoko Lerner ont vu dans cette réserve incroyable d’ordures empilées remplissant la petite chambre d’un homme qu’ils connaissaient à peine ? Comme elle apparaissait, ils n’ont vu rien de moins que l’œuvre de la vie d’un artiste qui se

William Dawson, 1988. Photo by Kenneth C. Burkhart and Russell B. Phillips

démêlait et se révélait. Il n’y eut pas moins d’angoisse envers les sujets de l’œuvre pour eux que pour nous aujourd’hui. Mais ce qui est le plus important, c’est qu’ils ont persévéré pour trouver d’autres personnes qui

William Dawson (1901-1990)

partageaient leur curiosité et appréciation de l’opus magnum de Darger, et le reste appartient à l’histoire.

Born in 1901, William R. Dawson grew up on his grandfather’s farm in rural Alabama. He and his wife came to Chicago in

L’exposition inclut des œuvres qui présentent un éventail

1923, where he worked as a produce distributor and became

des humeurs et évènements classiques de Darger. L’éclat

one of the first black members of the Teamsters Union.

de luminosité dans un panneau central a inspiré l’inclusion d’une peinture rayonnante de Drossos Skyllas montrant

After semi-retiring in 1965, Dawson enrolled in several art

l’eau, la terre, et le ciel, ce qui résonne avec la visualisation

classes at a local senior center but lost interest in them. He

de Darger du temps comme un personnage dans ses

began creating sculptures and, later, paintings in his own

drames. Nous avons sélectionné deux petites œuvres de

home studio, whittling found wood into farm animals he

Darger qui représentent une violence terrible infligée à

remembered seeing as a child, totems, ships, portraits of

des enfants par des hommes adultes. On veut dire que ces

figures from popular culture, his personal acquaintances and

scènes sont inimaginables, mais Darger n’était pas étranger

himself. Standing at attention, these figures are noted for

au carnage. Lui il pouvait imaginer. Près de là, nous avons

their distinctive style and penetrating incised eyes. Deeply

positionné des sculptures par Dr. Charles Smith, expressives

committed to his work, Dawson created a new piece every

de traumatisme de l’enfance et des horreurs de l’esclavage,

day, filling his home studio with sculptures he came to refer

à côté d’expressions de résistance et de détermination.

to as his “friends.” When a local library agreed to exhibit Dawson’s work, every piece sold. After seeing his work on display at a public library, collector Susann Craig organized the first solo exhibition of his work in 1976 at Columbia College, where she taught. Dawson’s work was included in a group exhibition of self-taught artists at the Museum of Contemporary Art Chicago in 1979. In 1982, his work was featured along with 20 other artists in the seminal national touring exhibition Black Folk Art in America, 1930-1980. At the opening

122

ARTISTS’ BIOGRAPHIES | CURATORS’ MUSINGS BIOGRAPHIES D’ARTISTES / RÉFLEXIONS DE CONSERVATEURS

reception, Dawson escorted First Lady Nancy Reagan

received his asking price, that was fine. What did, however,

through the exhibition on his arm, catching the attention of

cause him some consternation was that some of the

the press. He gained further recognition at the end of his

galleries still presented his work in a manner suggesting

life in a major retrospective, featuring 250 of his works, at the

they represented him. Ultimately, in his eyes, he did get the

Chicago Public Library Cultural Center in 1990, co-curated by

last laugh, since he noted in an interview from 1988 that

Kenneth C. Burkhart, David Kargl and Mike Noland. Dawson

smart collectors knew how to use the telephone book and

died later that year at the age of 88. In 2006, Intuit featured

would come to town and look him up to buy directly.

250 of his works in a solo exhibition. In several previous exhibitions, Dawson’s work has been William Dawson, Curators’ Musings

shown in massed installations, with crowds of figures, totems and animals reflecting his prolific output. We

William Dawson came to Chicago from Alabama in one of

intentionally allow Dawson to shine in single works,

the waves of migration from the south to the north. Unlike

deliberately placed to punctuate and amplify adjacent

many African Americans who came to Chicago and did not

themes and ideas. Four hybrids of fearless ferocity—both

find gratifying employment, Dawson had a satisfying career

animal and human, were installed as expressions of

at Chicago’s South Water Market, where produce was sold.

Dawson’s self-determination in three exhibition tableaux.

Like Lee Godie, Aldo Piacenza, Pauline Simon and Joseph

Dawson made masterful architectural abstractions,

Yoakum, Dawson began making art later in life, building a

and a few of these were positioned near Aldo Piacenza’s

serious studio practice in his retirement.

handmade birdhouse cathedrals and Wesley Willis’s ebullient renditions of Chicago’s architecture and

Dawson’s prodigious oeuvre is dominated by beguilingly

infrastructure.

original portraiture in free standing and bas-relief wood carvings and in paintings, instantly recognizable by their

Né en 1901, William R. Dawson a grandi à la ferme de son

deep features: almond shaped eyes, downturned mouths

grand-père dans l’Alabama rural. En 1923, il est arrivé avec

and formal stature. His portraits radiate poise and

sa femme à Chicago où il était distributeur de produits

solemnity, from dictator Idi Amin and his Pet Pig to the

agricoles et il devint un des premiers membres noirs du

character Chicken George from Alex Haley’s Roots. He

Teamsters Union.

made many works expressing memories of rural life in the South, with horses and other animals amid rolling

Après avoir pris sa semi-retraite en 1965, Dawson s’est

landscapes.

inscrit à plusieurs cours d’art dans un centre municipal pour personnes âgées mais il s’en désintéressa vite. Il commença

Five artists of color in the exhibition—Mr. Dawson, Mr.

à créer des sculptures et, plus tard, des peintures, dans

Imagination, Dr. Charles Smith, Wesley Willis and Joseph

son studio privé, taillant des morceaux de bois en formes

Yoakum—were to varying degrees wary of systems of

d’animaux de la ferme de son enfance, de totems, de navires

power, particularly with regard to sales and the management

et des portraits de personnages de culture populaire, de ses

of their art. All expressed dignity and daring in their work.

connaissances personnelles, et de lui-même. En formation au garde-à-vous, ces figures sont connues pour leur style

Dawson was keenly aware of his relationship to the gallery

distinctif et leurs yeux gravés pénétrants. Profondément

system, bringing into play a very singular approach after

impliqué dans son travail, Dawson créait une nouvelle pièce

his early encounters. He saw no personal benefit consigning

tous les jours, remplissant son studio avec des sculptures

works to galleries, especially when it tied up his “inventory,”

qu’il finit par appeler ses « amis. »

and he had to wait for payment after sales, which he described as getting “only half of what it was selling for!”

Quand une bibliothèque municipale consentit à exposer les

So he began to sell to the galleries outright, getting what he

œuvres de Dawson, toutes les pièces furent vendues. Après

felt was the fair market value for himself. He was perfectly

avoir vu son travail exposé dans une bibliothèque publique,

comfortable knowing that the galleries could do any

la collectionneuse Susann Craig organisa la première

markup on price that they wanted, but, as long as he

exposition personnelle des œuvres de Dawson en 1976 à

123

Columbia College, où elle enseignait. Le travail de Dawson

Dawson était vivement conscient de sa relation avec le

était inclus dans une exposition d’œuvres d’artistes

système de galeries, invoquant une approche singulière

autodidactes au Museum of Contemporary Art Chicago

après ses premières rencontres. Il ne voyait aucun

en 1979. En 1982, son œuvre a été représentée avec celles

avantage personnel à confier ses œuvres aux galeries,

de vingt autres artistes dans l’exposition séminale qui a

surtout quand son « inventaire » était détenu là et qu’il

fait le tour du pays, Black Folk Art in America 1930-1980.

devait attendre sa part de paiement après la vente de ses

Au vernissage, Dawson a capté l’attention des médias en

objets, ce qu’il décrivait comme recevoir « seulement la

faisant le tour de l’exposition avec la Première dame des

moitié du prix de vente ! » Donc il commença à carrément

Etats-Unis, à son bras, Nancy Reagan. Il a gagné davantage

vendre aux galeries, recevant ce qu’il considérait comme la

de reconnaissance à la fin de sa vie avec une rétrospective

valeur marchande juste. Il était parfaitement d’accord avec

majeure, figurant 250 de ses œuvres, au Chicago Public

le fait que les galeries pouvaient à leur tour vendre ses

Library Cultural Center en 1990, organisée en partie par

œuvres aux prix qui leurs plaisaient. Du moment qu’il

Kenneth C. Burkhart, David Kargl et Mike Noland. Dawson

recevait le prix qu’il demandait, ça ne l’embêtait pas.

est décédé la même année à l’âge de 88 ans. En 2006, Intuit

Cependant, ce qui le consternait c’était que quelques

présenta 250 de ses œuvres dans une exposition solo.

galeries présentaient ses œuvres d’une manière qui suggérait qu’ils représentaient aussi l’artiste. En fin de

William Dawson, Réflexions de conservateurs

compte, à ses yeux c’est lui qui a bien ri puisqu’il nota dans une entrevue de 1988 que les collectionneurs intelligents

William Dawson est venu à Chicago de l’Alabama dans une

savaient se servir de l’annuaire téléphonique et cherchaient

des vagues de migration du sud au nord. Contrairement aux

ses coordonnées quand ils arrivaient en ville pour lui

nombreux Africains-Américains qui sont arrivés à Chicago

acheter directement ses œuvres.

et n’ont pas pu trouver d’emploi convenable, Dawson eut une carrière satisfaisante au South Water Market de

Dans plusieurs expositions précédentes, l’œuvre de

Chicago, où les produits maraichers étaient en vente.

Dawson a été montrée dans des installations en masse,

Comme Lee Godie, Aldo Piacenza, Pauline Simon, et

avec des foules de figurines, totems et animaux reflétant sa

Joseph Yoakum, Dawson commença à créer de l’art plus

production prolifique. Nous permettons, intentionnellement,

tard dans sa vie, développant un travail de studio sérieux

que Dawson brille à travers ses œuvres individuelles,

pendant sa retraite.

placées volontairement de façon à ponctuer et amplifier les thèmes et idées attenants. Quatre hybrides d’une

L’œuvre prodigieuse de Dawson est dominée par des

férocité intrépide—à la fois animaux et humains, étaient

sculptures autonomes et bas-reliefs représentant des

installées comme expressions de l’auto-détermination de

portraits originaux d’une manière séduisante, tous deux

Dawson dans trois tableaux de l’exposition. Dawson a créé

taillés en bois. Elles sont immédiatement reconnaissables

des abstractions architecturales d’une grande maitrise, et

par leurs traits profonds : yeux en forme d’amandes,

quelques-unes de celles-ci étaient positionnées près des

bouches baissées et stature solennelle. Ses portraits

maisons d’oiseaux-cathédrales faites de la main d’Aldo

irradient la grâce et la solennité, allant du dictateur Idi Amin

Piacenza et près des interprétations exubérantes de

et son Pet Pig au personnage Chicken George, de Roots

l’architecture et de l’infrastructure de Chicago faites par

par Alex Haley. Beaucoup de ses œuvres expriment des

Wesley Willis.

souvenirs de la vie rurale dans le sud, avec des chevaux et d’autres animaux placés dans des régions vallonnées. Cinq artistes de couleur dans l’exposition—Mr. Dawson, Mr. Imagination, Dr. Charles Smith, Wesley Willis et Joseph Yoakum—étaient à des degrés variables, méfiants des systèmes de pouvoir, particulièrement en ce qui concerne les ventes et la gestion de leur art. Tous ont montré dignité et hardiesse dans leurs œuvres.

124

SECTION TITLE

125

Lee Godie in Chicago, 1985. Photo Â© Steve Kagan.

126

ARTISTS’ BIOGRAPHIES | CURATORS’ MUSINGS BIOGRAPHIES D’ARTISTES / RÉFLEXIONS DE CONSERVATEURS

materials and reinforced her position in relation to the artists in the museum. Describing herself as a French Impressionist, Godie asserted, “I’m much better than Cézanne.” Godie earned recognition during her lifetime, in the press and in exhibitions at the Chicago Cultural Center and Museum of Contemporary Art Chicago. Fiercely independent, she lived and worked on the streets of Chicago until 1990, when she moved to a nursing home due to ill health. She died in 1994 at the age of 85. A memorial service for Godie was held at The Arts Club of Chicago on May 24 that year. Lee Godie, Curators’ Musings As arguably the most inventive and self-invented artist in Photobooth self-portrait by Lee Godie

Lee Godie (1908-1994)

Chicago—a city of resourceful artists—Lee Godie turned the term “outsider” on its head, completely inverting its logic by becoming Chicago’s and the United States’ (albeit self-identified) “French Impressionist.” By living in the heart of the city, without the trappings of domestic comforts, Godie was attuned to the pulse of Chicago, intensified by the vulnerabilities she faced as a homeless woman.

Jamot Emily Godie was born in Chicago in 1908 but later

She made her “home” in areas of the city known as the

stated, “I don’t celebrate my birthday. I celebrate my status

Magnificent Mile and the Gold Coast, which functioned as

as an artist.” She suffered losses early in her life, including

her living room, her studio and her salon.

the death of two of her children. In the early 1960s, Godie began living on the streets of Chicago and, sometimes, in

Godie made her career at the epicenter of high culture, on

inexpensive hotels. She was first noted selling her work on

the steps of the Art Institute of Chicago in the years the

the steps of the Art Institute of Chicago in 1968. By this time,

museum housed the School of the Art Institute of Chicago

she had changed her name to “Lee” and fully embraced

(SAIC). She had a built-in audience, as well as patrons, in the

her persona as artist and businesswoman. Asked by a friend

art museum curators and staff; art school faculty, students

how she was doing, she replied, “Why don’t you ask me how

and staff; and visitors from all over the country and the

my art is coming along?” She promoted her paintings and

world. Becoming a French Impressionist and selling works

drawings, actively engaging a coterie of followers and

directly to an elite audience is a strategy (to our knowledge)

becoming, perhaps, the most widely-collected artist in

that no School of the Art Institute students or faculty

Chicago while prolifically recording her observations of

attempted in the 150 years of the institution. In a city where

nature, the cityscape and the people of the city.

mainstream artists bemoaned the art world ascendency of New York and Los Angeles, Godie called it out, proclaimed

In the 1970s and ’80s, Godie added photographic self-portraits

“Chicago We Own It” on many works. She owned it.

to her repertoire. Created in bus station photo booths,

She re-branded it.

these works offer a window into the artist exploring and forging her own identity. Altering with costume, props and

Godie was in the city as the architecturally iconic John

expressions and enhancing her image with hand-coloring,

Hancock Center was being built and, like many others,

Godie accentuated the feminine features that figure so

watched it rise. The construction, which was fraught with

prominently in her paintings. Godie sewed these photos

difficulties, was, nonetheless, dramatic for observers. To

onto her paintings and stitched together her canvases in

avoid the deafening noise of riveted steel construction, iron

a form reminiscent of photo booth multiples. Postcards of

members were welded, causing a spectacle of arc welding

paintings purchased at the Art Institute served as source

127

light spurts that drew attention to the dramatic cross-braced

Dans les années 1970 et 1980, Godie ajouta des autoportraits

form. The Hancock Center was completed on May 6, 1968,

photographiques à son répertoire. Créées dans les cabines

the year Godie appeared on the steps of the Art Institute.

photographiques de stations de bus, ses œuvres offrent

She employed the Hancock Center in countless paintings

une vue sur l’artiste en train de découvrir et de forger

as the architectural symbol for her Chicago. Her paintings

son identité. Modifiant son image avec des costumes,

expressed her experience as an artist connected with the

accessoires et expressions, et l’améliorant avec du coloriage,

city, deeply and fundamentally: She lived on the streets,

Godie accentuait les traits féminins qui figurent éminemment

slept in gardens and storefronts, cashed checks at Ultimo

dans ses peintures. Godie cousait ses photos sur ses

(an upscale Oak Street boutique), stored her belongings at

peintures et ensuite cousait les toiles ensemble avec une

the Greyhound Station, photographed herself in “the public

disposition qui rappelle les impressions multiples que font

camera,” and sold her works every day she cared to.

les cabines photomaton. Des cartes-postales de peintures achetées à l’Art Institute servaient de matériel de départ et

Godie was a genius of contradictions. Physically homeless,

renforçaient sa position par rapport aux artistes du musée.

she was by no means indigent. She managed her career

Se décrivant comme une Impressionniste française, Godie

completely on her own terms, with no need for the art

affirmait, « Je suis bien meilleure que Cézanne. »

world infrastructure—gallery, dealer, critic, bank—and only to people who did not offend her, something no other

Godie fut reconnue pendant sa vie, dans la presse et dans

gallerist may ever be able to claim. She held up a mirror to

des expositions au Chicago Cultural Center et au Museum

the art world. She was Chicago’s Diego Velasquez, a court

of Contemporary Art Chicago. Férocement compétitive, elle

painter who flattered her patrons, but with a searing edge.

vivait et habitait dans les rues de Chicago jusqu’en 1990,

We selected classic paintings of men—two spirited soldiers

quand elle rentra dans une maison de retraite en raison

and two dandies, Princes of the City. Her rare painting of

de sa mauvaise santé. Elle est décédée en 1994 à l’âge de

a female nude was paired with two paintings of classically

85 ans. Un service commémoratif a eu lieu au Arts Club of

idealized female nudes by Drossos Skyllas, who also

Chicago le 24 mai de la même année.

frequented the Art Institute and showed his work there three times, albeit in the galleries, not on the street.

Lee Godie, Réflexions de conservateurs

Jamot Emily Godie est née à Chicago en 1908 mais plus

Étant possiblement l’artiste la plus inventive et auto-inventée

tard a dit, « Je ne fête pas mon anniversaire. Je fête mon

de Chicago—une ville d’artistes ingénieux—Lee Godie

statut en tant qu’artiste. » Elle a subi des pertes d’êtres

a changé le sens du terme « outsider », inversant

chers tôt dans sa vie, y compris la mort de deux de ses

complètement sa logique en devenant « l’Impressionniste

enfants. Au début des années 1960, Godie commença à

française » de Chicago et des États-Unis (bien qu’auto-

vivre dans les rues de Chicago et, de temps en temps, dans

identifiée). En habitant au cœur de la ville, sans les

des hôtels peu chers. Elle fut remarquée pour la première

contraintes du confort domestique, Godie vivait au rythme

fois vendant ses œuvres sur les marches de l’Art Institute

de Chicago, intensifié par la vulnérabilité qu’elle connaissait

de Chicago en 1968. À ce moment-là, elle avait déjà changé

en tant que femme SDF. Elle élut domicile dans des coins

son nom en « Lee » et adopté entièrement son personnage

de la ville connus comme le Magnificent Mile et la Gold

d’artiste et de femme d’affaires. Quand un ami lui demanda

Coast, qui lui faisaient office de salle de séjour, studio et salon.

comment elle allait, elle répondit, « Pourquoi ne m’as-tu pas demandé comment allait mon art ? » Elle promouvait ses

Godie a fait sa carrière à l’épicentre de la haute culture, sur

peintures et dessins en engageant activement une coterie

les marches de l’Art Institute de Chicago pendant les années

de fans et devenant, peut-être, l’artiste la plus collectionnée

où le musée hébergeait l’École de l’Art Institute de Chicago

à Chicago et en même temps, elle enregistrait ses

(SAIC). Les conservateurs et le personnel du musée d’art lui

observations de la nature, du paysage urbain et des gens

étaient un public et des clients intégrés ainsi que la faculté,

de la ville d’une manière prolifique.

les étudiants et le personnel de l’école d’art et que des visiteurs du pays et du monde entier. Devenir une impressionniste française et vendre ses œuvres directement à

128

SECTION TITLE

129

Mr. Imagination in his studio, 58th and Union Street, 1983, Chicago. Photo by Cheri Eisenberg.

130

ARTISTS’ BIOGRAPHIES | CURATORS’ MUSINGS BIOGRAPHIES D’ARTISTES / RÉFLEXIONS DE CONSERVATEURS

un public d’élite est une stratégie que (à notre connaissance) aucun des étudiants ni membres de la faculté de l’École de l’Art Institute ont tenté pendant les 150 ans de l’institution. Dans une ville où les artistes traditionnels se lamentaient de la domination des mondes artistiques de New York et de Los Angeles, Godie le dénonça, proclamant « Chicago We Own It » (Chicago c’est à nous) sur de nombreuses œuvres. Chicago lui appartenait. Elle lui a donné une nouvelle image. Godie était dans la ville pendant la construction du John Hancock Center, iconique du point du vue architectural, et, comme beaucoup d’autres, elle l’a observé s’élever dans le ciel. Sa construction, qui a connu beaucoup de difficultés, était néanmoins dramatique pour ses observateurs. Pour éviter le son assourdissant causé par le rivetage d’une construction en acier, les éléments structuraux en fer étaient soudés, causant un spectacle de jaillissement de lumières qui attirait l’attention sur la forme dramatique des colonnes croisées. Le Hancock Center fut complété le 6 mai, 1968, l’année où Godie apparut sur les marches de l’Art Institute. Elle rappelait le Hancock Center dans

Mr. Imagination. Photo by Ron Gordon.

Mr. Imagination (1948-2012)

d’innombrables peintures comme le symbole architectural de son Chicago. Ses peintures exprimaient son expérience

Gregory Warmack, also known as Mr. Imagination, created

en tant qu’artiste connectée avec la ville, profondément

elaborately adorned sculptures echoing ancient and royal

et fondamentalement : elle habitait dans la rue, dormait

artifacts. Transforming everyday objects and found materials

dans des jardins et devantures de magasins, encaissait ses

into elaborate headdresses, totemic scepters, iconic head

chèques au magasin haut de gamme Ultimo sur Oak Street,

busts and thrones, Mr. Imagination said he preserved

entreposait ses possessions à la station de bus Greyhound,

discarded consumer goods in his work “to make people

se photographiait avec « l’appareil photo public », et

aware of the things we have used in history,” noting that

vendait ses œuvres quand cela lui plaisait.

many of the materials in his pieces are increasingly being replaced by plastic.

Godie était un génie de contradictions. Physiquement sans-domicile, elle n’était en aucun cas indigente. Elle gérait

Born in 1948, Mr. Imagination grew up on the South Side

sa carrière avec ses propres termes, sans regard pour

of Chicago. His large Baptist family encouraged his early

l’infrastructure du monde de l’art—galerie, négociant, critique,

interest in art making and spirituality. His creative life began

ou banque—et seulement avec les personnes qui ne

when, at a young age, he started painting on discarded

l’offensaient pas, chose à laquelle aucune autre galeriste ne

cardboard and stones. A resourceful teenager, he crafted

pourra probablement jamais prétendre. Elle tenait un miroir

jewelry, wooden canes and dashikis to sell at neighborhood

au monde de l’art. Elle était la Diego Velasquez de Chicago,

restaurants and bars. He received local recognition for

une peintre de la cour qui flattait ses visiteurs, mais avec

supporting the art of children in his neighborhood.

un côté caustique. Nous avons sélectionné des peintures classiques d’hommes—deux soldats pleins d’esprit et deux

Mr. Imagination continued to nurture creativity, especially in

dandys, princes de la ville. Une de ses rares peintures d’une

children, and spread his message of peace despite tragedies

femme nue a été jumelée avec deux peintures de femmes

he faced throughout his life. In 1978, he was shot during a

nues classiquement idéalisées de Drossos Skyllas, qui

mugging and spent six weeks in a coma. Following a long

fréquentait aussi l’Art Institute et a montré son œuvre là

recovery, he experienced an artistic and spiritual reawakening

trois fois, mais lui, dans les galeries et non pas dans la rue.

and adopted the name Mr. Imagination, a moniker given to him by a friend. His home and much of his work were

131

destroyed in two fires, in 1982 and 2009. After the death

corporate entertainment meccas, such as Disneyworld

of his brother, William Warmack, in 2001, he moved from

and House of Blues venues. Unlike the other artists in this

Chicago to Bethlehem, Pennsylvania, and later to Atlanta,

exhibition (except Dr. Charles Smith), Mr. I eventually moved

Georgia, where he continued to work until his death in 2012.

on from Chicago to find socially and artistically supportive homes and scenes in Pennsylvania and, finally, Georgia.

Gallerist Carl Hammer debuted the first official solo exhibition

On the ride through Atlanta neighborhoods in his funeral

of his work in 1983. His work has since been exhibited

cortege, mourning family and friends hesitated at

and installed widely in museums, galleries, rock clubs, at

Mr. Imagination’s home, where he created perhaps his most

the Olympics, and at the Venice Biennale. In 1997, he was

poignant and memorable work, The Garden of Peace. The

awarded Artist of the Year by the Folk Art Society of

cortege passed by convenience store-type marquees at

America. His grottos and embellished concrete settings

two churches and a school, reading “IN MEMORY OF

around the country delight and provide a spiritual respite

MR. IMAGINATION RIVERSIDE RESIDENT & FRIEND PRAISE

to visitors.

BE TO GOD,” “FAREWELL MR. I,” and “WE LOVE YOU MR. IMAGINATION.” The signs were a testament to how deeply

Mr. Imagination, Curators’ Musings

and widely Mr. I’s expansive spirit penetrated, wherever he was in the world.

Mr. Imagination came into Chicago’s art world as the consummate peacemaker, spreading love and goodwill

Works for the exhibition were selected to convey dual

through the bounty of his endless creativity. Like Lee Godie,

aspects of his expressive abilities and his personality, the

when he became an artist he became his artistic identity.

grand and the modest. Two imposing totem sculptures

He existed within and thoroughly through his work. Mr. I,

create larger-than-life-sized presences opposite settings

as he was affectionately known (he called himself Mr. Eye,

of doll-sized figures. Riffing on aspects of the doll in

as in the Eye of the Imagination), was a boundary-busting

material culture, their powerful portraits denote experience

emissary. Escaping with his life (barely) and from the

and maturity, not childhood. Using strands of bottle-caps

oppressive confines of the high-rise, low-income housing

for the limbs, Mr. Imagination subverted the racial imagery

project Robert Taylor Homes, he immersed himself in the

of the ubiquitous bottle-cap “snack-men” into figures of

fabric of many Chicago neighborhoods, into the art world(s)

dignity. A set of life casts of his hands give presence to the

and into our hearts.

artist who graced our world.

Like Wesley Willis, Mr. Imagination could be found almost

Gregory Warmack, dit Mr. Imagination, créait des sculptures

anywhere, but he had his regular haunts. As a consummate

minutieusement ornées évoquant des objets antiques

gift giver, he scattered his generous spirit like breadcrumbs

et royaux. Transformant des objets de tous les jours et

throughout the city, in the “sandstone” (actually, discarded

des matériaux trouvés en coiffes travaillées, sceptres

foundry core material) carvings of personal and business

totémiques, bustes et trônes iconiques, Mr. Imagination a

names and phrases that adorn shelves and counters of

dit qu’il se servait des biens de consommation jetés « pour

countless restaurants, bars and sundry shops around

sensibiliser les gens aux choses que nous avons utilisées

Chicago. The world was his studio. On his first airplane trip

dans le passé, » notant que de nombreux matériaux dans

in 1987, dressed in full, bottle-cap bedecked regalia and staff

ses pièces sont de plus en plus remplacés par le plastique.

(security agents just waved him through!), Mr. I enchanted nearby passengers, carving sandstone names for his

Né en 1948, Mr. Imagination grandit dans le sud de Chicago.

seatmates and for the flight attendants, spreading a

Sa grande famille baptiste encourageait l’intérêt qu’il a porté

celebratory atmosphere and leaving a pile of sand on the floor.

tôt à la réalisation de l’art et à la spiritualité. Sa vie créative débuta quand, à un jeune âge, il commença à peindre sur

Mr. Imagination’s career developed into larger and larger

des cartons jetés et des pierres. Adolescent ingénieux, il

spheres, and, like Dr. Charles Smith, he became an

fabriquait des bijoux, cannes en bois et dashikis pour vendre

environment builder, creating grottos and grotto-inspired

dans les restaurants et bars du quartier. Il reçut une marque

sculptures and structures, first in Chicago, later at

de reconnaissance locale pour avoir apporté son support à

communities and universities, and around the country at

l’art des enfants dans son quartier.

132

SECTION TITLE

Aldo Piacenza, Highwood, Ill., October 1974. Photo by Sam Hernรกndez with Jo Farb Hernรกndez.

133

134

ARTISTS’ BIOGRAPHIES | CURATORS’ MUSINGS BIOGRAPHIES D’ARTISTES / RÉFLEXIONS DE CONSERVATEURS

Mr. Imagination continua à promouvoir la créativité, surtout

son studio. Pendant son premier vol d’avion en 1987, avec un

chez les enfants, et à propager son message de paix malgré

accoutrement et un bâton, tous deux ornés de capsules de

les tragédies auxquelles il a fait face pendant sa vie. En 1978,

bouteilles (les agents de sécurité l’ont laissé passer !), Mr. I

il a été blessé par une balle pendant une agression et

enchanta les passagers assis près de lui, taillant des noms en

passa six semaines dans un coma. À la suite d’une longue

grès pour ses voisins et les agents de bord, répandant une

convalescence il connut un réveil artistique et spirituel et

ambiance de fête et laissant un tas de sable parterre.

adopta le nom de Mr. Imagination, surnom donné par un ami. Sa maison et beaucoup de ses œuvres ont été

La carrière de Mr. Imagination se développa dans des sphères

détruites par deux feux, en 1982 et en 2009. Après la mort

de plus en plus grandes et, comme Dr. Charles Smith, il

de son frère, William Warmack, en 2001, il quitta Chicago

devint bâtisseur d’environnements, créant des grottes et des

pour Bethlehem en Pennsylvanie, et plus tard pour Atlanta

sculptures et structures inspirées par les grottes, en premier

en Georgie, où il continua son travail jusqu’à sa mort en 2012.

à Chicago, plus tard dans des communautés et universités, et autour du pays dans des entreprises d’attractions, comme

Le galeriste Carl Hammer lança la première exposition solo

Disneyworld et le House of Blues. Contrairement aux autres

de l’œuvre de Mr. Imagination en 1983. Son œuvre a depuis

artistes de cette exposition, Mr. I a quitté Chicago pour

été exposée et installée vastement dans des musées,

trouver des domiciles et scènes offrant un soutien social

galeries, des boites rock, aux Jeux Olympiques, et à la

et artistique, en Pennsylvanie et, finalement, en Géorgie.

Biennale de Venise. En 1997, on lui a décerné le titre d’Artist

À sa mort, la famille et les amis en deuil, dans son cortège

of the Year du Folk Art Society of America. Ses grottes

funèbre à travers les quartiers d’Atlanta, s’arrêtèrent à la

et scènes en béton ornées dans différents endroits du pays

maison de Mr. Imagination où il avait créé son œuvre

ravissent les visiteurs et leur fournissent un répit spirituel.

peut-être la plus poignante et mémorable, The Garden of Peace. Le cortège passa devant deux églises et une école, qui avaient des panneaux accrochés comme les réclames

Mr. Imagination, Réflexions de conservateurs

dans les magasins sur lesquels on lisait « EN MEMOIRE DE

Mr. Imagination arriva dans le monde de l’art en tant que

GLOIRE À DIEU, » « ADIEU MR. I, » et « NOUS VOUS

conciliateur accompli, propageant l’amour et la bienveillance

AIMONS

MR. IMAGINATION RESIDENT ET AMI DE RIVERSIDE

à travers la munificence de sa créativité inépuisable.

MR. IMAGINATION. » Les enseignes étaient un témoignage

Comme Lee Godie, quand Mr. Imagination devint un artiste,

qui montrait comme l‘esprit expansif et généreux de

il devint son identité artistique. Il existait à fond au sein de

Mr. I s’infiltrait profondément et largement où qu’il soit

son œuvre. Mr. I, comme il était affectueusement connu

dans le monde.

(il s’appelait lui-même Mr. Eye, comme dans the Eye of the Imagination) était un émissaire novateur. Ayant échappé à

Les œuvres de cette exposition ont été sélectionnées pour

la mort (à peine) et s’étant échappé des confins oppressifs

transmettre les aspects doubles de ses aptitudes

du logement social Robert Taylor Homes, il s’est plongé

expressives et de sa personnalité, le grand et le modeste.

dans la trame de nombreux quartiers de Chicago, dans le(s)

Deux sculptures totems imposantes créent des présences

monde(s) de l’art et dans nos cœurs.

plus grandes que nature en face d’arrangements de figurines de la taille de poupées. Inspirés du rôle de la

Comme Wesley Willis, Mr. Imagination pouvait être trouvé

poupée dans la culture matérielle, leurs portraits puissants

presque n’importe où, mais il avait ses endroits préférés.

dénotent l’expérience et la maturité, non l’enfance. Se

En tant que donneur de cadeaux accompli, il répandait son

servant

esprit généreux comme des miettes de pain partout dans

de capsules de bouteilles sur fil pour leurs membres,

la ville, dans du « grès » (en réalité le matériau rejeté par

Mr. Imagination renverse les images raciales des « snack-

la fonderie) il faisait des gravures de noms personnels et

men » faits en bouchons de bouteille que l’on trouve

d’entreprises et des expressions qui ornent maintenant les

partout, en personnages de dignité. Une série de plâtres de

étagères et comptoirs d’innombrable restaurants, bars et

ses mains donnent une présence à l’artiste qui a honoré

magasins en tout genre autour de Chicago. Le monde était

notre monde de sa présence.

135

bought a house in 1944, and Piacenza installed a clay reproduction of his home, church and the campanile in Sant’Annapelago in their new front yard. Piacenza retired from the store in 1952 and dedicated more time to writing poetry, painting, and constructing bird-house models of churches and cathedrals, using photographs from postcards, newspapers and National Geographic, as well as his own memories, as sources for his work. “I took up a natural hobby which from my boyhood I had always liked and that was painting and so for many months it was my favorite pastime,” he said. His work reflects his interest in literature, history, nature and architecture and his Catholic upbringing. Piacenza covered the inside and outside of his home in murals and installed Aldobrando Piacenza. Photo by Roger Brown.

Aldobrando Piacenza (1888-1976) Born in the village of Sant’Annapelago, Italy, in 1888, Aldobrando Piacenza emigrated to the United States in 1903. He describes the pain of this uprooting from his family and village, “which even if poor still conserved [my] most precious memories,” in his memoirs. The importance of family and his Italian roots shine through in Aldo Piacenza’s tireless work as an entrepreneur and self-taught artist. Though he spoke no English when he arrived in the United States, Piacenza found employment in a factory, as a street vendor, and, later, worked in a hotel, bakery and saloon. While working, he managed to attend school at night and send money home to his family. In 1918, he enlisted in the army and served in Missouri, Washington, Iowa and Illinois before being discharged. When his father passed away, Piacenza returned to Italy, at the age of 31, and used money he had saved to pay his father’s debts, fix up the family home and then rebuild it after an earthquake. Piacenza traveled back and forth between America and Italy several times during the 1920s to the 1950s, working in America to send money home to his family. “Italy took the money away from me, but America gave it back,” he said. In 1925, he married the daughter of a neighbor in Sant’Annapelago, and two years later the couple had a son. In 1929, he opened a successful restaurant and store in Highwood, Illinois, selling Italian food, books, newspapers and magazines. The couple

the bird-house models outside his home in Highwood. In the early 1970s, art students and collectors began visiting Piacenza, leading to solo exhibitions at the Hyde Park Art Center and the Museum of Contemporary Art Chicago. Aldo Piacenza, Curators’ Musings A first-generation immigrant to the Midwest, Aldo Piacenza gave presence to his memories of Italy’s landscapes and sacred architecture by enlivening his home, inside and out, with paintings and sculptures. He painted many of the walls, niches and trim throughout the home with images ranging from countryside scenery to St. Peter’s Basilica and Square. He adorned garden and driveway spaces with clusters of cutout figures and his signature cathedrals, from modestlyscaled basilicas to the grand duomo of the Cattedrale de Santa Maria del Fiore of Florence—for birds. Piacenza delighted in the features of church architecture: entries, rose windows, planar adornment, ridgeline ornament and, especially, campaniles—bell towers for the birds. Constructed of scrap wood, sheet-metal roofing and glossy enamel paint—primarily white or cream with deep red and turquoise accents—he eschewed precision for a handmade quality. Sometimes the holes for bird egress were in the front, sometimes in the back; Piacenza said, “the birds didn’t care.” Piacenza’s work was introduced to an enthusiastic audience of artists, collectors and appreciators in a 1971 exhibition at the Hyde Park Art Center curated by artist Roger Brown. Brown was one year out of graduate school that year and had just returned from a trip around the country, visiting

136

SECTION TITLE

137

Pauline Simon in her studio. Photo by Mary Baber, c. 1974.

138

ARTISTS’ BIOGRAPHIES | CURATORS’ MUSINGS BIOGRAPHIES D’ARTISTES / RÉFLEXIONS DE CONSERVATEURS

several vernacular art environments featured in Gregg

maison en 1944, et Piacenza installa une reproduction

Blasdel’s 1968 Art in America article, “The Grassroots Artist.”

en terre de sa maison, de l’église et du campanile de

The genre of the home environment as a single work of art

Sant’Annapelago dans leur nouveau jardin.

was very much in his consciousness. Brown rejected the “white cube” curatorial trope and approached the

Piacenza prit sa retraite en 1952 et consacra plus de temps

exhibition as an artist. Respecting the context of Piacenza’s

à l’écriture de poésies, la peinture, et la construction de

work as critical to the presentation of it, he created a yard

cabanes d’oiseaux, maquettes d’églises et de cathédrales.

show installation, with picket fencing, plastic foliage and

Des photos venant de cartes postales, de journaux et du

a painted cloudscape.

magazine National Geographic, en plus de ses propres souvenirs, servaient d’inspiration à son travail. « J’ai repris un

Riffing on Brown’s installation 47 years later, a selection

hobby naturel que depuis mon enfance j’avais toujours aimé

of birdhouse cathedrals is situated on the idea of an Italian

et c’était peindre et donc pendant de nombreux mois c’était

hillside (actually, a cluster of pedestals cascading from a

mon passe-temps préféré, » dit-il. Son œuvre reflète son

corner), with paintings of St. Peter’s and the Florence

intérêt pour la littérature, l’histoire, la nature et l’architecture

Cathedral behind. The focus on architecture continues

et son éducation catholique. Piacenza recouvrit l’intérieur

with abstract carvings by William Dawson.

et l’extérieur de sa maison avec des peintures murales et installa les maquettes-cabanes d’oiseaux à l’extérieur de sa

Né en 1888 dans le village de Sant’Annapelago en Italie,

maison à Highwood. Au début des années 1970, des

Aldobrando Piacenza a émigré aux Etats-Unis en 1903.

étudiants et collectionneurs d’art commencèrent à visiter

Dans ses mémoires, il décrit la peine que lui causa le

Piacenza, ce qui entraina des expositions solos au Hyde

déracinement de sa famille et de son village, « lesquels

Park Art Center et le Museum of Contemporary Art Chicago.

conservaient mes souvenirs les plus précieux, malgré leur pauvreté, ». L’importance de la famille et de ses origines

Aldo Piacenza, Réflexions de conservateurs

italiennes apparaissent dans le travail sans répit d’Aldo Piacenza en tant qu’entrepreneur et artiste autodidacte.

Premier de sa famille à immigrer au Midwest, Aldo Piacenza donna une présence à ses souvenirs des paysages et

Malgré le fait qu’il ne parlait pas un mot d’anglais quand il

de l’architecture sacrée de l’Italie en animant sa maison,

arriva aux Etats-Unis, Piacenza trouva un emploi dans une

à l’intérieur comme à l’extérieur, avec des peintures et

usine en tant que vendeur ambulant, et, plus tard, travailla

sculptures. Il a peint de nombreux murs, niches et moulures

dans un hôtel, dans une boulangerie et dans un pub. Tout

autour de la maison avec des images allant de paysages

en travaillant, il réussit à aller à l’école le soir et à envoyer

campagnards à la Basilique et la place St. Pierre. Il orna

de l’argent à sa famille. En 1918, il s’est enrôlé dans l’armée

des espaces dans son jardin et sa voie privée avec des

et a servi dans le Missouri, le Washington, l’Iowa et l’Illinois

groupes de figurines découpées et ses cathédrales qui lui

avant d’être renvoyé à la vie civile. Après le décès de son

sont caractéristiques : des basiliques modestes en taille au

père, Piacenza retourna en Italie, à l’âge de 31ans, et se

grand dôme de la Cathédrale de Santa Maria del Fiore de

servit de ses économies pour acquitter les dettes de son

Florence—pour les oiseaux. Piacenza se délectait dans les

père, rénover la maison de famille et ensuite la reconstruire

particularités de l’architecture des églises : les entrées,

après un tremblement de terre. Piacenza voyagea entre

les rosaces, l’ornement planaire, l’ornement de la ligne de

l’Amérique et l’Italie plusieurs fois entre les années 1920 et

faîte et, surtout, les campaniles—les clochers pour les

1950. « L’Italie a pris mon argent, mais l’Amérique me l’a

oiseaux. Construits de bouts de bois, tôles de toit et

rendu, » disait-il. En 1925, il a épousé la fille d’un voisin à

peinture vernie—principalement de couleur blanche ou

Sant’Annapelago, et deux ans plus tard le couple eut un fils.

crème avec des traces de rouge et turquoise—il évita la

En 1929, il a ouvert un restaurant et magasin avec succès à

précision pour la qualité du fait-main. Quelquefois les trous

Highwood dans l’Illinois, vendant de la nourriture, des livres,

pour la sortie des oiseaux étaient à l’avant et quelquefois

journaux, et magazines Italiens. Le couple acheta une

à l’arrière ; Piacenza disait, « les oiseaux s’en fichaient. »

139

L’œuvre de Piacenza a été présentée à un public enthousiaste d’artistes, de collectionneurs et d’appréciateurs dans une exposition au Hyde Park Art Center en 1971, organisée par l’artiste Roger Brown. Brown avait fini ses études supérieures l’année précédente et rentrait juste d’un voyage dans tout le pays, pendant lequel il avait visité plusieurs environnements d’art vernaculaire qui avaient apparu dans l’article de Gregg Blasdel en 1968, « The Grassroots Artist », dans Art in America. Le genre de l’environnement du domicile comme une seule œuvre d’art était fortement présent dans sa conscience. Brown rejetait le trope « white cube » des conservateurs et son approche de l’exposition était celle d’un artiste. Avec respect pour l’importance du contexte de l’œuvre de Piacenza dans sa présentation, Brown a créé une installation ressemblant à un jardin, avec une clôture, du feuillage en plastique et des nuages peints. Inspirée de l’installation de Brown 47 ans plus tard, une sélection de cabanes d’oiseaux représentants des cathédrales est située sur l’image d’un flanc de côteaux italien (en fait, c’est un groupe de piédestaux de différentes hauteurs arrangés en cascade dans un coin), avec des peintures de la basilique St. Pierre et de la cathédrale de Florence derrière. La concentration sur l’architecture continue avec les gravures abstraites de William Dawson.

Pauline Simon. Photo by Mary Baber.

Pauline Simon (c. 1894-1976) Pauline Simon was born in Minsk, Russia (then Poland), around 1894 and grew up on an estate of Prince Radziwill. Her father taught Hebrew at a school on the estate. She credits her mother with artistic talent, remembering her tracing patterns from the frosted windows as a beginning for floral designs. She left home to attend high school in Warsaw and, around 1911-12, immigrated to the United States on her own. In Chicago, Simon did hairdressing for the theater. At the age of 22, she married a dental student, Herman Simon, and went on to manage her husband’s dentist office. The couple lived in the South Shore area of Chicago and had two daughters. Pauline’s sister also lived with the family. Simon’s husband died of a heart attack in 1961. He was a life member of the Art Institute of Chicago, and Pauline had enjoyed looking at the museum’s exhibition catalogues. After retiring at the age of 70, she enrolled in a members painting class at the Art Institute taught by Seymour Rosofsky. Asked if she liked looking at any other artists when she first started painting, she replied definitively, “I didn’t like any other artist at all.” She later came to love the work of Gustav Klimt, noting his paintings are like music. Simon subsequently took classes closer to home, at the Hyde Park Art Center, where she met her most influential teacher, artist and curator Don

140

ARTISTS’ BIOGRAPHIES | CURATORS’ MUSINGS BIOGRAPHIES D’ARTISTES / RÉFLEXIONS DE CONSERVATEURS

Baum. After seven or eight months, she stopped taking

In one exhibition tableau, portraits by Pauline Simon and

classes but continued to study with Baum, who would visit

Lee Godie, highlighting their concerns with beauty, fashion

her apartment to see her work, discussing her ideas more

and femininity, are arranged together. The paintings are

than techniques. Noting Simon’s dedication and how she

offset by a poignantly expressive female portrait carving by

thought constantly about her paintings, Baum said, “Pauline

William Dawson and a self-portrait photograph by Godie,

keeps the painting she’s working on in her room, so that,

hand-colored to highlight her exaggerated feminine features

when she wakes up in the morning, it’s the first thing she

and her clutch of daisies. Another tableau features a highly

sees.” Despite failing vision, Simon continued to paint until

textured Mr. Imagination assemblage, a staccato of bottle

her death in 1976.

caps and paintbrush portraits, with a pair of Pauline Simon portraits of pointillistically-rendered tattooed figures, Cliff

Pauline Simon, Curators’ Musings

Raven and Wife of Cliff Raven.

Here we must pause to applaud Don Baum (1922-2008) and

Pauline Simon est née à Minsk, en Russie (depuis, rendue à

his unparalleled commitment to Chicago art and artists for

la Pologne) vers l’année 1894 et a grandi dans une propriété

more than half a century. Baum made the scene in many

qui appartenait au Prince Radziwill. Son père enseignait

ways and had a magnanimous influence on Chicago’s artists

l’hébreu dans une école sur les terres de la propriété. Elle

and exhibition spaces. Baum’s ceaseless efforts to promote

attribuait des mérites artistiques à sa mère, se souvenant

the work of emerging artists, to bring new work to the front

d’elle traçant sur les fenêtres givrées des motifs comme

and center, was impassioned and rare. He was a bold and

points de départ de dessins floraux. Elle quitta la maison

adept curator who felt it was critical to show new work in

pour aller au lycée à Varsovie et, autour de 1911-1912,

new ways, and he loved to bring shows into being.

immigra seule aux Etats-Unis.

Baum put his stock in the futures of young artists of any

À Chicago, Simon était coiffeuse dans un théâtre. À l’âge

age. His genuine belief in Pauline Simon’s talent gave her

de vingt-deux ans, elle épousa un étudiant en médecine

the confidence to develop a visual vocabulary, informed by

dentaire, Herman Simon, et plus tard elle géra le cabinet

her experiences in the Art Institute’s collection (ostensibly,

dentaire de son mari. Le couple habitait dans le quartier

iconic works of impressionism, expressionism, pointillism),

South Shore de Chicago et eut deux filles. La soeur de

that she distilled into compositions all her own. Baum

Pauline habitait aussi avec la famille.

ushered Simon into the fold and made sure that her wildly original paintings were enthusiastically received. As a firmly

Le mari de Simon est décédé lors d’une crise cardiaque en

ensconced resident of Hyde Park, he was the ideal artistic

1961. Il était membre à vie de l’Art Institute de Chicago et

mentor for Simon. He just let her rip.

Pauline aimait regarder les catalogues des expositions du musée. Après sa retraite à soixante-dix ans, elle s’est inscrite

Pauline Simon made intriguing portraits of women that nod

dans un cours de peinture pour les membres du musée

to the history of the painted portrait. Works in the exhibition

de l’Art Institute, enseigné par Seymour Rosofsky. Quand

bring to mind the arrested solemnity of early American

on lui demanda si elle aimait regarder les oeuvres d’autres

folk portraits. Her Woman With A Book evokes Erastus

artistes quand elle commençait juste à peindre, elle répondit

Salisbury Field’s Woman With a Green Book (Louisa Gallond

d’un ton définitif, « Je n’aime aucun autre artiste du tout. »

Cook), of 1838, in the Art Institute’s collection. Her portraits

Plus-tard, elle développa un amour pour l’oeuvre de Gustav

resemble the flouncy renditions of affluent women by John

Klimt, notant que ses peintures étaient comme la musique.

Singer Sargent. Simon’s attention to patterns and textures of fabrics and lace bring to mind Sargent’s Mrs. George

Par la suite, Simon suivit des cours plus proches de chez

Swinton (Elizabeth Ebsworth), of 1897, which she most likely

elle, au Hyde Park Art Center, où elle rencontra le professeur

encountered in the Art Institute’s galleries.

qui l’a influencé le plus, l’artiste et conservateur Don Baum. Après sept ou huit mois, elle arrêta de suivre des cours mais continua à étudier avec Baum, qui visitait son appartement pour voir son travail, discutant ses idées plutôt que ses

141

techniques. Notant le dévouement de Simon et la façon

Dans un tableau de l’exposition, des portraits faits par

dont elle pensait constamment à ses peintures, Baum dit,

Pauline Simon et Lee Godie, soulignant leur intérêt pour la

« Pauline garde la peinture sur laquelle elle travaille dans

beauté, la mode et la féminité, sont arrangés ensemble. Les

sa chambre, de sorte que, quand elle se réveille, c’est la

peintures sont contrebalancées par un portrait sculpture,

première chose qu’elle voit. » Malgré une vue baissante,

expressif de façon poignante, d’une femme par William

Simon a continué à peindre jusqu’à sa mort en 1976.

Dawson, et par un auto-portrait photographique de Godie, colorié à la main pour souligner ses traits féminins exagérés

Pauline Simon, Réflexions de conservateurs

et sa poignée de marguerites. Un autre tableau comporte une collection de Mr. Imagination qui a beaucoup de

Nous devons nous arrêter et applaudir Don Baum (1922-

texture, un staccato de capuchons de bouteilles et de

2008) et son engagement sans pareil auprès de l’art et des

portraits sur pinceaux, avec deux portraits de Pauline Simon

artistes de Chicago pendant plus d’un demi siècle. Baum

de figures tatouées rendues par pointillisme, Cliff Raven et

fabriqua la scène de nombreuses manières et eut une

Wife of Cliff Raven.

influence magnanime sur les artistes et lieux d’exposition de Chicago. Les efforts incessants de Baum à promouvoir le travail d’artistes émergents, à mettre en avant de nouvelles œuvres, étaient remplis de passion et peu communs. C’était un conservateur intrépide et expert qui sentait qu’il était critique de montrer de nouvelles œuvres d’une nouvelle manière et il aimait faire vivre les expositions. Baum s’investit dans le future de jeunes artistes de tous les âges. Sa confiance sincère dans les talents de Pauline Simon donna à cette dernière la confiance de développer un vocabulaire visuel, cultivé par ses expériences avec la collection de l’Art Institute (apparemment des œuvres emblématiques de l’impressionnisme, de l’expressionnisme et du pointillisme), qu’elle distillait dans ses propres compositions. Baum fit connaître Simon et veilla à ce que ses peintures très originales soient reçues avec enthousiasme. En tant qu’habitant fermement installé à Hyde Park, il était le mentor artistique idéal pour Simon. Il l’encouragea à y aller à font. Pauline Simon a fait des portraits curieux de femmes qui font signe à l’histoire du portrait peint. Les œuvres de l’exposition font penser à la solennité entravée des premiers portraits folkloriques américains. Son Woman With a Book (Femme avec un livre) évoque Woman With a Green Book (Louisa Gallond Cook) (Femme avec un livre vert (Louisa Gallond Cook)), de 1838, dans la collection de l’Art Institute. Ses portraits ressemblent à des interprétations exagérées de femmes aisées par John Singer Sargent. Le regard de Simon pour les motifs et textures de tissus et de dentelle rappelle Mrs. George Swinton (Elizabeth Ebsworth) de Sargent en 1897, qu’elle a sûrement rencontré dans les galeries de l’Art Institute.

142

ARTISTS’ BIOGRAPHIES | CURATORS’ MUSINGS BIOGRAPHIES D’ARTISTES / RÉFLEXIONS DE CONSERVATEURS

exhibited, including a solo exhibition that included 25 of his paintings, organized by Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art in 1995. His work is in the permanent collections of the American Folk Art Museum, New York; Intuit; the Milwaukee Art Museum; and Roger Brown Study Collection at the School of the Art Institute of Chicago. Drossos Skyllas, Curators’ Musings School of the Art Institute of Chicago professor emeritus Jim Zanzi referred to Drossos Skyllas as “Chicago’s Vermeer.” The comparison is apt. Both artists employed meticulous techniques, creating—with supremely subtle paint strokes— scenes that cause viewers to halt in their tracks, to enter realms infused with unsettling emotional ambiance. Johannes Vermeer made 34 paintings, Drossos Skyllas Detail, Drossos Skyllas self-portrait

made 35. Skyllas also made studies, which are in Intuit’s collection, for a monumental, unrealized rendition of

Drossos Skyllas (1912-1973)

Leonardo da Vinci’s Last Supper. Skyllas and Dutch artist Johannes Vermeer were both masters of the exquisitely rendered, disquieting still life, the perplexing portrait. Skyllas painted effulgent, idealized landscapes that bring to mind

Drossos Skyllas’s work stands out from other celebrated

the metaphorical objectives expressed by American

self-taught artists due to his technical proficiency and the

landscape luminaries such as Albert Bierstadt, Thomas Cole

inspiration he drew from art history. With sources ranging

or Frederic Edwin Church—magnificent, albeit unreal,

from Byzantine mosaics to Playboy magazine, his nudes,

locations that embody human aspirations of their times.

portraits, landscapes and religious paintings take on an idyllic, iconic realism and uncanny perspective.

The exhibition brings together paintings of nude women by Drossos Skyllas and Lee Godie and a Godie self-portrait

Skyllas was born on the Greek island of Kalymnos. His father

photograph, all of which explore representation of female

discouraged his desire to pursue art. Instead, Skyllas studied

bodies, of feminine beauty. Skyllas’s precisely-painted, edgy

accounting and worked at his father’s tobacco company.

nudes are set against pristine, stylized landscapes, both

At the end of World War II, he emigrated to Chicago with his

perfections and confections. One model appears relaxed,

wife, Iola. Once in Chicago, Iola worked, so he could paint.

posing for the portrait but slightly irritated, ready for a

He educated himself with frequent visits to the Art Institute

break. The other is so stiffly posed, expressionless and

of Chicago and meticulously created at least 35 paintings

frozen, she appears to both assume and simultaneously

with fine brush strokes, making his own brushes, when he

reject her role as exemplar of “the male gaze.” Skyllas either

couldn’t find ones fine enough. Skyllas took his work very

intentionally or unwittingly captured what both his models

seriously, placing advertisements to seek commissions,

may have felt. The two paintings were positioned to flank

addressing potential patrons in his writing, and entering his

Lee Godie’s rare nude portrait, painted in profile against a

work into “Chicago and Vicinity,” a biannual exhibition of

decorative, wallpaper-like backdrop of ivy leaves. Where

area artists held at the Art Institute, in which he was included

Skyllas’s models are trapped in their tropes, Godie’s subject

in 1967, 1969 and 1973. There is no evidence he sold his work,

is poised, self-aware, perhaps dressing for an evening out,

likely due to the high prices he demanded.

with nothing but her earrings on so far. Where Skyllas’s models are (oddly) positioned within landscapes of haunting

After Skyllas’s death in 1973, William Bengtson, then director

grandeur, Godie’s backdrop of nature is a felicitous pattern.

for the Phyllis Kind Gallery, came across his work and featured

A self-portrait photo of Lee Godie shows the artist

it in a solo exhibition. His work has since continued to be

suggestively bare-shouldered, hair up Gibson Girl style, her expression not so much vamping “come hither,” as menacing

143

“try me.” Made in the considerable privacy—for a homeless

employaient des techniques méticuleuses, créant—avec des

woman—of the photo booth (which Godie referred to

coups de pinceau extrêmement subtils—des scènes devant

as being “in the public camera”), the self-portrait is

lesquelles le public ne peut s’empêcher de s’arrêter pour

characteristically self-reliant. She is, as usual, inherently in

pénétrer dans des domaines infusés d’une ambiance

control of her body and its representation.

émotionnelle et troublante. Johannes Vermeer a peint 34 tableaux, Drossos Skyllas en a peint 35. Skyllas a aussi fait

L’œuvre de Drossos Skyllas se distingue de celle d’autres

des études, lesquelles sont dans la collection d’Intuit, pour

artistes autodidactes célèbres en raison de son habileté

une interprétation monumentale, et non réalisée, de La Cène

technique et de l’inspiration qu’il tira de l’histoire de l’art.

de Léonard de Vinci. Skyllas et l’artiste Hollandais étaient

Issus de sources allant des mosaïques Byzantines au

tous deux des maîtres de la nature morte exquisément

magazine Playboy, ses nues, portraits, paysages, et peintures

rendue et troublante, du portrait incompréhensible. Skyllas

religieuses assument un réalisme idyllique et iconique et

peignait des paysages rayonnants et idéalisés qui rappellent

une perspective étrange.

les objectifs métaphoriques exprimés par les paysagistes luminaires américains, comme Albert Bierstadt, Thomas Cole

Skyllas est né sur l’ile grecque de Kalymnos. Son père

ou Frederic Edwin Church—des sites magnifiques, bien

découragea son désir de suivre la voie des arts. À la place,

qu’irréels, qui incarnent les aspirations humaines de leurs temps.

Skyllas étudia la comptabilité et travailla à l’entreprise de tabac de son père. À la fin de la deuxième guerre mondiale,

Cette exposition rassemble des peintures de femmes nues

il émigra à Chicago avec sa femme, Iola. Une fois à Chicago,

par Drossos Skyllas et Lee Godie et un autoportrait

Iola travailla, pour qu’il puisse peindre. Il s’éduqua lui-même

photographique de Godie, tous explorant la représentation

avec des visites fréquentes à l’Art Institute de Chicago et

des corps de femmes, de la beauté féminine. Les nues

créa méticuleusement au moins 35 peintures avec des coups

audacieuses et peintes avec précision de Skyllas sont

de pinceau fins, fabriquant ses propres pinceaux quand il

opposées aux pay-sages immaculés et stylisés, tous deux des

n’en trouvait pas de suffisamment fins. Skyllas prenait son

perfections et con-fections. Une des femmes apparait

travail au sérieux, faisant des annonces pour chercher des

détendue, posant pour le portrait mais un peu irritée, prête

commissions, s’adressant à des clients potentiels par écrit,

pour une pause. L’autre est si raide, inexpressive et glacée,

et soumettant ses œuvres dans « Chicago and Vicinity, »

qu’elle parait assumer le rôle exemplaire pour le « regard

une exposition semestrielle d’artistes locaux tenue à l’Art

mâle » tout en le rejetant. Skyllas a reproduit, soit avec

Institute, dans laquelle il fut inclus en 1967, 1969 et 1973. Il n’y

intention soit sans le vouloir, ce que les deux femmes ont

a aucune évidence qu’il ait vendu ses œuvres, probablement

peut-être senti. Les deux peintures étaient positionnées de

à cause des prix élevés qu’il demandait.

manière à encadrer le portrait rare d’un nu de Lee Godie, peint de profil sur un fond décora-

Après la mort de Skyllas en 1973, William Bengston, à ce

tif de feuilles de lierre rappelant du papier peint. Là où les

moment-là le directeur du Phyllis Kind Gallery, découvrit

modèles de Skyllas étaient piégés dans leurs tropes, le sujet

son travail et le présenta dans une exposition solo. Depuis,

de Godie est assuré, conscient de lui-même peut-être en

son œuvre continue d’être exposée, incluant une exposition

train de s’habiller pour une soirée, mais à présent ne portant

solo avec 25 de ses peintures, organisée par Intuit : The

rien de plus que ses boucles-d’oreilles. Là où les modèles de

Center for Intuitive and Outsider Art en 1995. Son travail fait

Skyllas sont (curieusement) positionnés dans des paysages

partie des collections permanentes de l’American Folk Art

de grandeur envoûtante, chez Godie, la nature en arrière-

Museum à New York ; Intuit ; le Milwaukee Art Museum ; et le

plan est un motif heureux. Un autoportrait photographique

Roger Brown Study Collection à l’École de l’Art Institute de

de Lee Godie montre l’artiste avec les épaules nues de

Chicago.

manière suggestive, les cheveux attachés du style Gibson Girl,

Drossos Skyllas, Réflexions de conservateurs

son expression moins vamp « viens ici, » que menaçante « cherche- moi ». Fait dans l’intimité considérable—pour une

Le professeur honoraire de l’École de l’Art Institute de Chicago

femme SDF—de la cabine photomaton (ce à quoi Godie

Jim Zanzi surnomma Drossos Skyllas le « Vermeer de Chicago.

se référait en disant « être dans l’appareil photo public »),

» La comparaison est convenable. Les deux artistes

l’autoportrait est typiquement auto-suffisant. Elle a, comme d’habitude, intrinsèquement le contrôle de son corps et de sa représentation.

144

SECTION TITLE

145

Dr. Charles Smithâ&#x20AC;&#x2122;s African American Heritage Museum and Black Veterans Archive, Aurora, Ill. Photo: Lisa Stone, c. 1996.

146

ARTISTS’ BIOGRAPHIES | CURATORS’ MUSINGS BIOGRAPHIES D’ARTISTES / RÉFLEXIONS DE CONSERVATEURS

the borders and hundreds of powerful figures—famous, historical and everyday—probing the African-American experience from the time of the diaspora to the present. This sculptural landscape continues to evolve as sculptures are exposed to the elements, removed for inclusion in exhibitions or sold to collectors and as Smith continues to add new figures responding to current events. Dr. Charles Smith, Curators’ Musings Dr. Charles Smith specializes in the complete transformation of his homes and yards into powerful historical, spatial and sculptural narratives. Beginning at his first property in Aurora, Illinois, and more recently in Hammond, Louisiana, home first became a stage, then an expanded, exploded Dr. Charles Smith. Photo by Fred Scruton.

Dr. Charles Smith (b. 1940)

museum expressing the impact that the entire arc of African-American history—from the diaspora to the present— had on his psyche. They became the very mutable African American Heritage Museum and Black Veteran’s Archive. Home equals studio/museum/archive, with strong reverberations of memorial echoing throughout.

One of four children, Dr. Charles Smith was born in 1940 in

The sites are both intense and impossible to experience

New Orleans and grew up in the Chicago area. His memories

complacently. Unlike exhibits of “objective truths” in

of attending the funeral of Emmet Till at the age of 15 and

conventional history museums, Dr. Smith’s artist’s museums

his experiences in combat as a marine in the Vietnam War

express history more viscerally rendered, as a stream of

had a profound impact on the artist and his work. Divinely

historical moments created from the stuff of everyday life.

inspired with a vision to direct into art his anger at the

Dr. Smith addresses the dichotomy of two realms—the

pervasive racism in America and his suffering from

collective and the personal—by rooting the arc of history

post-traumatic stress, Smith in 1986 began creating signs

into the plane of common experience. The enslavement of

and sculptures in tribute to the more than 7,000 African

African people is his essential story, the recurring theme

Americans who died in the Vietnam War. Located in Aurora,

woven throughout the environments. A fundamental aspect

Illinois, the site, which Smith named “The African-American

of his places is continuous change. All elements—sculptures,

Heritage Museum and Black Veteran’s Archive,” developed

landscape, architecture, borders—are altered, moved,

into a memorial rooted in the experiences of African American

transformed, weatherized, sold or vandalized on a regular

people and commemorating what art historian and

basis. Dr. Smith populates his compounds with an ever-

preservationist Lisa Stone has called “the pivotal moments

growing ocean of figural sculptures—layers of contemporary

in individual and collective life.” He adopted the title “Dr.”

life piled up like so much history. One might stumble upon

to convey the wisdom he drew from his experiences and

a profoundly visceral figure, an enslaved man, shackled,

studies of United States history.

whipped and bloodied. Large mirror shards on his back draw you in; seeing your reflection, you became complicit in

In 2000, the Kohler Foundation worked with Smith to

the act, your sense of history is instantly recalibrated.

conserve nearly 600 sculptures from his site in Aurora and gifted them to museums around the country. Since 2000,

In 1992, Intuit began taking groups to visit Dr. Smith, and

he has been working on a second art environment in

soon after classes of students from the School of the Art

Hammond, Louisiana. Like his environment in Aurora, the

Institute visited regularly. Dr. Smith became an artist

site includes a house, rocks and broken concrete fortifying

147

exemplar for many in his total commitment to his work, his

Ce paysage sculptural continue d’évoluer alors que les

unyielding teaching, and his militant determination to take

sculptures sont exposées aux éléments, sont retirées pour

us into the trenches and to set records straight.

des expositions ou sont vendues à des collectionneurs et que Smith continue d’ajouter de nouvelles figurines,

Dr. Smith has made many works expressive of love,

répondant aux actualités.

happiness and ordinary life—and far more sculptures expressive of aspects of pain in individual and collective

Dr. Charles Smith, Réflexions de conservateurs

lives. Works included in Chicago Calling include figural expressions of pain, poverty and defiance. In one tableau,

Dr. Charles Smith se spécialise dans la transformation

his work is paired with William Dawson’s spare portraits

complète de ses maisons et jardins en narratifs historiques,

of fierce self-determination. In another area, an array of his

spatiaux et sculpturaux de pouvoir fort. Commençant

sculptures, expressive of childhood trauma and the horrors

par sa première propriété à Aurora, dans l’Illinois, et plus

of enslavement, are positioned adjacent to a Henry Darger

récemment à Hammond, dans la Louisiane, le domicile

work picturing the brutalization of children.

devint tout d’abord une scène de représentation, et ensuite un musée agrandi et explosé exprimant l’effet qu’avait l’arc

D’une famille de quatre enfants, Dr. Charles Smith est né

entier du passé Africain-Américain—de la diaspora au

en 1940 à la Nouvelle-Orléans et a grandi dans la région

présent—sur son psychisme. La scène et le musée sont

de Chicago. Son souvenir d’avoir assisté aux obsèques

devenus les African American Heritage Museum et Black

d’Emmet Till à quinze ans et son expérience de combats en

Veteran’s Archive très modifiables. Son domicile est égal au

tant que marine pendant la guerre du Viêt Nam eurent un

studio/musée/archive, avec des réverbérations puissantes

effet profond sur l’artiste et son œuvre. Inspiré de manière

de mémorial se répandant partout.

divine par une vision l’incitant à diriger sa colère contre le racisme omniprésent en Amérique et sa souffrance du

Les sites sont tous deux intenses et impossibles à connaitre

stress post-traumatique vers l’art, Smith commença à créer

de façon satisfaisante. Contrairement aux expositions

des enseignes et sculptures en hommage au plus de 7.000

« de vérités objectives » dans les musées d’histoire

Africains-Américains morts pendant la guerre du Viêt Nam.

conventionnels, les musées des artistes de Dr. Smith

Situé à Aurora, dans l’Illinois, le site que Smith nomma

expriment l’histoire d’une manière plus viscérale, en tant que

« The African-American Heritage Museum and Black

courant de moments historiques créés à partir des choses

Veterans Archive, » se développa en un monument fondé

de la vie de tous les jours. Dr. Smith présente la dichotomie

sur les expériences des Africains-Américains et sur la

de deux domaines—le collectif et le personnel—en faisant

commémoration de ce que l’historienne de l’art et

partir les racines de l’arc de l’histoire du plan de l’expérience

preservationiste Lisa Stone appelle « les moments clés

commune. Son histoire essentielle est l’asservissement des

dans la vie individuelle et collective. » Il adopta le titre

Africains, thème récurrent, tissé à travers les environnements.

« Dr. » pour transmettre la sagesse qu’il tira de ses

Un aspect fondamental de ses présentations est le

expériences et études de l’histoire des États-Unis.

changement continu. Tous les éléments—sculptures, paysage, architecture, bordures—sont modifiés, déplacés,

En 2000, la Fondation Kohler a travaillé avec Smith pour

transformés, érodés, vendus, ou saccagés de façon régulière.

conserver près de 600 sculptures venant de son site à

Dr. Smith peuple ses terrains avec un océan toujours

Aurora et elle les a données aux musées autour du pays.

grandissant de sculptures figurales—des couches de la vie

Depuis 2000, il travaille sur un deuxième environnement

contemporaine empilées comme l’histoire. L’on peut tomber

d’art à Hammond, dans la Louisiane. Ressemblant à son

sur une figure profondément viscérale, un homme asservi

environnement à Aurora, le site inclut une maison, des

enchaîné, fouetté et couvert de sang. De grands éclats de

rochers et du béton cassé fortifiant les frontières et des

miroirs sur son dos vous attirent ; voyant votre réflexion,

centaines de figurines puissantes—célèbres, historiques

vous devenez complice dans l’acte, votre sens de l’histoire

et de tous les jours—explorant l’expérience Africaine-

est instantanément recalibré.

Américaine de l’époque de la diaspora au présent.

148

SECTION TITLE

149

Wesley on Rooftop, 1997. Photo by Carla Winterbottom (roommate and friend).

150

ARTISTS’ BIOGRAPHIES | CURATORS’ MUSINGS BIOGRAPHIES D’ARTISTES / RÉFLEXIONS DE CONSERVATEURS

En 1992, Intuit commença à emmener des groupes chez Dr. Smith et rapidement après cela des classes d’étudiants de l’École de l’Art Institute commencèrent à lui rendre visite régulièrement. Dr. Smith devint un artiste exemplaire pour de nombreuses personnes par son engagement complet dans son travail, son enseignement inébranlable, et sa détermination militante de nous faire descendre dans les tranchées et de rétablir la vérité. Dr. Smith a fait de nombreuses œuvres qui expriment l’amour, la joie et la vie ordinaire—et beaucoup plus de sculptures qui expriment des aspects de la souffrance dans les vies individuelles et collectives. Les œuvres dans Chicago Calling incluent des expressions figurales de la souffrance, la pauvreté et la défiance. Dans un tableau, son œuvre est mise en couple avec les portraits féroces d’autodétermination de William Dawson. Dans un autre endroit, un ensemble de ses sculptures, qui expriment le traumatisme de l’enfance et les horreurs de l’esclavage, est contigu à une œuvre de Henry Darger représentant la brutalisation des enfants.

Wesley Willis. Photo by Carla Winterbottom.

Wesley Willis (1963-2003) Wesley Willis was born in Chicago in 1963. One of 10 children, he lived in Chicago Housing Authority projects and in and out of foster homes on Chicago’s South Side. His drawings reflect his familiarity with the Chicago cityscape. Noted for his large presence, both physically and in his personality, Willis is remembered selling his work on the street. At the age of 18, he met architect and art collector Paul Young, who took notice of the drawing of buildings that Willis was carrying. Young invited Willis to attend his class at the Illinois Institute of Technology, which Willis did for five years, and where Willis interacted with architectural scholar Rolf Achilles. Noted Young, Willis “had a tremendous memory. He learned the buildings in Chicago, how many stories they were. He knew the important architecture. He also loved motion. Cars and trains and buses and helicopters. Anything that moved.” After a violent altercation with a drug addict, Willis began hearing what he called “demon voices” in his head, which he named “Heartbreaker,” “Nervewrecker” and “Meansucker.” At the age of 26, he was diagnosed with schizophrenia. In the early 1990s, Dale Meiners, a rock guitarist and employee of a favorite store where Willis came to draw, began to represent Willis and show his work in his apartment.

151

Willis began listening to, self-producing and performing music

Sit where the light corrupts your face.

set to Casio keyboard melodies and fronting the rock band,

Mies Van der Rohe retires from grace.

the Wesley Willis Fiasco. While record labels began releasing

And the fair fables fell.

his songs, Willis continued to independently produce albums he sold on the street or at music concerts, which he

“The light” most likely refers to the design of Crown Hall’s

regularly attended.

windows, opaque below, to block student’s views of the world outside, and open at the top to admit light. “Mies Van

Willis died in 2003 due to complications from leukemia.

der Rohe retires from grace” is a powerful critique of racial

Willis produced more than 100 albums and thousands of

patrimony and the erasure of a cultural Mecca and home

drawings during his lifetime and developed a large following

to many. “And the fair fables fell” refers to the 1893 World’s

in the underground music and self-taught art worlds. He has

Columbian Exposition, the international extravaganza that

been the subject of at least four documentaries.

precipitated the creation of the Mecca Flats as a luxury hotel for fair goers, and the fable the fair engendered: of

Wesley Willis, Curators’ Musings

prosperity for the wealthy and privileged, and a false promise for everyone else. Self-made artist of Chicago’s

Wesley Willis, artist of Chicago’s streetscapes and master

architecture, Wesley Willis restored a large measure of soul

delineator of the Dan Ryan Expressway, was positively pos-

to S. R. Crown Hall and its debatable history.

sessed by Chicago’s built landscape, particularly its skyscrapers, the pathway of the Chicago River, the roadways

Wesley Willis was embraced and loved by Intuit and

and all things built that connect the ground with the sky.

performed there on several occasions. His expansive spirit

Willis could be found just about anywhere, but, like

requires hyperbole—he was as large as, if not larger than,

Mr. Imagination and Lee Godie, he had his regular haunts.

life. His work was represented in a grid of nine drawings of the city—the Art Institute, the Chicago Theatre, the Dan

Early in his drawing career, he was given an “office” at S. R.

Ryan Expressway, Intuit on Milwaukee Avenue, the Sears

Crown Hall, Ludwig Mies van der Rohe’s 1956 masterwork

Tower, the Chicago River. His drawings are a staccato of

home for the College of Architecture at Illinois Institute of

Chicago-Chicago-Chicago, the city observed, condensed

Technology, formerly the Institute of Design and the home

and magnificently delineated.

of the New Bauhaus, which relocated to Chicago from Germany when it was shut down by the Nazi regime. Willis

For those blessed with the memory of watching Wesley

was welcomed and encouraged by Paul Young and Rolf

work, it was in itself a mesmerizing performance. Often

Achilles, who both taught at IIT. Willis settled into this icon

seen at the Wabash underground stop between Washington

of modernist architecture with ease, while making drawings

and Randolph Streets, he was hard to miss, given his large

at and of many other places in the city.

physical presence as well as his charismatic and continuous banter that filled the space around him. Whether directly

In an example of elliptical irony, part of the African American

engaging his audience or pontificating on some current

enclave of Chicago’s Bronzeville community, which some

event, he would often sing to the music blaring from his

described as “blight” and some experienced as home, was

boom box. Remarkably, at the same time he would

demolished, supposedly to clean up the city, but also to

spontaneously shuffle his hefty stack of large 30- x 40-

push the black community further south and to clear the

inch poster boards, one at a time, bringing to the top each

way for the Institute of Design campus. Crown Hall occupies

drawing, where he would add the necessary strokes needed

the footprint of the former Mecca Flats, built in 1891 at

for the moment then move on to the next unfinished piece.

34th and State Streets as a luxury hotel in anticipation of

Over and over, the top went to the bottom—draw, draw—top

the 1893 World’s Columbian Exposition. It later became a

to bottom—draw, draw—all the while rocking to and fro in

crowded home to many African American families and is

time with his bountiful chatter or song. His works are the

the subject of Gwendolyn Brooks’s legendary poem, In The

music of the city.

Mecca. The Mecca Flats was razed so Crown Hall could be built to educate architects. Brooks’s poem begins,

152

ARTISTS’ BIOGRAPHIES | CURATORS’ MUSINGS BIOGRAPHIES D’ARTISTES / RÉFLEXIONS DE CONSERVATEURS

Wesley Willis est né à Chicago en 1963. Il était d’une famille

Wesley Willis, Réflexions de conservateurs

de dix enfants, il habitait dans des logements sociaux Chicago Housing Authority et par intermittence dans des

Wesley Willis, artiste des paysages urbains de Chicago et

familles d’accueil dans la région au sud de Chicago.

maître traceur du Dan Ryan Expressway, était absolument possédé par le paysage construit de Chicago, particulièrement

Ses dessins reflètent sa familiarité avec le paysage urbain

par ses gratte-ciels, le chemin de la rivière Chicago, les

de Chicago. Remarqué pour sa grande présence physique

routes et par toutes choses édifiées qui relient la terre ferme

et forte personnalité, on se souvient de Willis en train de

au ciel. Willis pouvait être trouvé à peu près n’importe où,

vendre ses œuvres dans la rue. À dix-huit ans, il a rencontré

mais, comme Mr. Imagination et Lee Godie, il avait ses

l’architecte et collectionneur d’art Paul Young, qui remarqua

endroits préférés.

les dessins d’immeubles que portait Willis. Young invita Willis à participer à son cours à l’Illinois Institute of Technology,

Tôt dans sa carrière de dessinateur, on lui a donné un

ce que Willis a fait pendant cinq ans. Là, il voyait aussi

« bureau » au S.R. Crown Hall, la maison chef-d’œuvre de

l’érudit architectural Rolf Achilles. Young nota, Willis « avait

Ludwig Mies van der Rohe, construit en 1956 pour le College

une mémoire énorme. Il apprit l’architecture des immeubles

of Architecture à l’Illinois Institute of Technology (IIT),

à Chicago, combien d’étages ils avaient. Il savait l’importance

autrefois l’Institute of Design et le lieu du nouveau mouvement

de l’architecture. Il aimait aussi le mouvement. Les voitures

Bauhaus, transporté d’Allemagne à Chicago quand il fut

et trains et bus et hélicoptères. Tout ce qui bougeait. »

interdit par le régime Nazi. Willis fut accueilli et encouragé par Paul Young et Rolf Achilles, qui ont tous deux enseigné

Après une altercation violente avec un drogué, Willis commença

à IIT. Willis s’est installé avec aise dans cette icône

à entendre ce qu’il appelait « des voix de démons » dans sa

d’architecture moderniste, alors qu’il faisait ses dessins

tête, qu’il nomma « Heartbreaker » (Brise-cœur), Nerve-

de et dans beaucoup d’autres endroits de la ville.

wrecker » (Destructeur de nerfs) et « Meansucker » (Machin méchant). À vingt-six ans, il fut diagnostiqué schizophrène.

Comme exemple d’ironie elliptique, une partie de l’enclave Africaine-Américaine de la communauté Bronzeville à Chicago,

Au début des années 1990, Dale Meiners, un guitariste rock

laquelle était par certains décrite comme « un malheur »

et employé d’un magasin préféré de Willis où il allait

mais était domicile pour d’autres, a été démolie, soi-disant

dessiner, commença à représenter l’artiste et montrer son

pour nettoyer la ville, mais aussi pour repousser la

œuvre dans son appartement. Willis commença à écouter,

communauté noire plus au sud et faire de la place pour le

autoproduire et jouer la musique accompagnée par des

campus de l’Institute of Design. Crown Hall occupe l’espace

mélodies d’un clavier Casio et à diriger le groupe de rock

des anciens Mecca Flats, construits en 1891 au niveau de la

nommé le Wesley Willis Fiasco. Pendant que des labels

34th et State Street en tant qu’hôtel de luxe en vue de

discographiques commençaient à faire paraitre ses

l’Exposition universelle de 1893. L’ensemble des Mecca Flats

chansons, Willis continua à produire indépendamment des

est devenu plus tard surpeuplé par beaucoup de familles

albums qu’il vendait dans la rue ou à des concerts de

Africaines-Américaines et c’est le sujet du poème légendaire

musique, auxquels il assistait régulièrement.

de Gwendolyn Brooks, In The Mecca. Les Mecca Flats ont été rasés pour que Crown Hall puisse être construit pour

Willis est mort en 2003 de complications de la leucémie.

former des architectes. Le poème de Brooks commence par,

Willis a produit plus de 100 albums et des milliers de dessins pendant sa vie et eu de nombreux partisans dans le monde

Assieds-toi là où la lumière corrompt ton visage.

de la musique underground et de l’art autodidacte. Il est le

Mies Van der Rohe se retire de la grâce.

sujet d’au moins quatre documentaires.

Et les fables de foire tombèrent. La « lumière » fait probablement référence au plan des fenêtres de Crown Hall, opaques en bas pour cacher la vue du monde extérieur aux étudiants, et claires en haut pour laisser rentrer la lumière. « Mies Van der Rohe se retire de

153

la grâce » est une critique puissante du patrimoine racial et de l’effacement d’une Mecca culturelle et des logements de nombreuses personnes. « Et les fables de foire tombèrent » fait référence à l’Exposition universelle de 1893, l’œuvre à grand spectacle international qui précipita la création des Mecca flats comme hôtel de luxe pour les visiteurs de l’Exposition, et à la fable qu’elle engendra : de la prospérité pour les riches et les privilégiés, et une fausse promesse pour tous les autres. Artiste autodidacte de l’architecture de Chicago, Wesley Willis a redonné beaucoup d’âme au S.R. Crown Hall et à son passé contestable. Wesley Willis était accueilli et aimé par Intuit et il y a joué plusieurs fois. Son esprit expansif exige une hyperbole— il était aussi grand, si non plus grand, que nature. Son travail était représenté dans une grille de neuf dessins de la ville—de l’Art Institute, du Chicago Theater, du Dan Ryan

Joseph Yoakum, Whitney Halstead Papers, Institutional Archives, Courtesy The Art Institute of Chicago

Expressway, d’Intuit sur Milwaukee Avenue, du Sears Tower, de la rivière Chicago. Ses dessins sont un staccato de Chicago-Chicago-Chicago, la ville observée, condensée et tracée magnifiquement.

Joseph Elmer Yoakum (1890-1972)

Pour les chanceux d’entre nous qui ont le souvenir d’avoir observé Wesley en train de travailler, ceci était en soi-même

Joseph Elmer Yoakum was born in Ash Grove, Missouri, in

un spectacle envoutant. Souvent installé à l’arrêt du métro

1890. His mother was of French-American, Cherokee and

Wabash entre les rues Washington et Randolph, Wesley

African American descent, and his father was of Cherokee

ne se ratait pas, au vu de sa grande présence physique

and African American descent. He grew up on a farm,

ainsi que de son badinage charismatique et continu qui

receiving only four months of formal schooling. His first

envahissait l’espace qui l’entourait. Qu’il discutât directement

job was driving a delivery wagon for a grocer. Yoakum left

avec ses spectateurs ou qu’il pontifiât sur une actualité,

home around the age of 9. From 1900 to 1908, he worked

il chantait souvent pour accompagner la musique se déversant

for several circuses, including the Great Wallace Circus,

à plein volume de son radiocassette. Remarquablement,

Buffalo Bill Cody’s Wild West and Ringling Brothers, handling

en même temps il remuait spontanément son tas volumineux

horses and, later, posting bills with the advance team. In

de grands cartons d’affichage de 76 par 100 cm, un carton

1910, he married and found employment as an assistant to

à la fois, apportant sur le haut du tas chaque dessin, où il

the superintendent of the St. Louis & San Francisco Railway.

ajoutait les touches nécessaires au moment et ensuite

The family moved to his wife’s hometown of Fort Scott,

passait au prochain dessin incomplet. Encore et encore,

Kansas, in 1915, where Yoakum worked in the coal mining

le dessin du haut allait au bas de la pile—dessiner, dessiner—

industry. Yoakum was drafted in 1918 and served in

du haut au bas—dessiner, dessiner—tout en se berçant

France during World War I. He and his wife divorced upon

à tempo avec son bavardage abondant et sa musique.

his return.

Ses œuvres sont la musique de la ville. Yoakum saw much of the world while traveling with the circus, in the army, and, later, hopping and taking jobs on trains and ships. These adventures, along with National Geographic magazine, likely served as a source of inspiration for Yoakum’s watercolor, pen and pencil landscapes. “Girl, there’s nothing I haven’t suffered to see things first hand,” Yoakum told artist Christina Ramberg. Yoakum signed,

154

ARTISTS’ BIOGRAPHIES | CURATORS’ MUSINGS BIOGRAPHIES D’ARTISTES / RÉFLEXIONS DE CONSERVATEURS

time-stamped and included descriptions, in the upper

Unlike Lee Godie, Mr. Imagination and Wesley Willis, who

left-hand corner of his works of the rivers, mountains,

could be found on the streets around the city, artists visited

islands and mounds he drew, terrain from every continent.

Yoakum (and William Dawson and Aldo Piacenza) at his home and studio. And like other artists in the exhibition,

Yoakum settled in Chicago in the late 1920s, remarried, and

racial and economic lines were crossed in the reception

worked as a carpenter, mechanic, foundry worker and

and acceptance of Yoakum into Chicago’s art culture. Mr.

janitor. He retired in the 1950s and received a veteran’s

Yoakum created worlds that the audience could not resist

pension. He began making art in 1962, describing his

and, in dealing with his appreciators, he was very aware of

creative process as a “spiritual unfoldment.” In addition

his status as an artist of color (both African American and

to landscapes, Yoakum drew portraits of famous African

Native American). He was wary of the white art world and

Americans and modeled clay sculptures from kits, which he

especially careful not to be taken advantage of.

displayed in his storefront studio on Chicago’s South Side. Early appreciators of his work included John Hopgood, an

In Chicago Calling, Yoakum’s drawings are arranged in a

anthropologist and instructor; Edward Sherbeyn, Yoakum’s

flow from the ground up: drawings rooted in the earth,

first dealer; and Whitney Halstead, an art historian and

leading up to landscapes with sinuous roadways, leading up

professor who met Yoakum in 1967 and brought colleagues

to denser landscapes, leading up to works punctuated by

and many students to visit his studio. Halstead bequeathed

cloudscapes and Yoakum’s splendid suns. A central vein of

nearly 175 drawings to the Art Institute of Chicago.

works by Drossos Skyllas complement Yoakum’s drawings, with the same earth-to-sky compositional pathway: his cow

The Whitney Museum of American Art in New York and the

and calf/tree of life painting holding the ground plane, rising

Douglas Kenyon Gallery in Chicago held solo exhibitions

up to luminous cloud, sky and sunburst paintings. ✶

of Yoakum’s work in 1972. He died later that year on his birthday, Christmas Day. Yoakum created around 2,000

Joseph Elmer Yoakum est né à Ash Grove, dans le Missouri,

paintings and drawings during his lifetime. His works continue

en 1890. Sa mère était d’origine Franco-Américaine,

to be celebrated in major exhibitions and are in the permanent

Cherokee et Africaine-Américaine, et son père était

collection of museums throughout the United States. Joseph Elmer Yoakum, Curators’ Musings Where (in his visual work) Wesley Willis exclusively drew the

d’origine Cherokee et Africaine-Américaine. Il grandit dans une ferme, et a reçu seulement quatre mois d’éducation formelle. Son premier travail était chauffeurlivreur pour une épicerie. Yoakum quitta sa maison vers

city of Chicago from a bird’s eye view, Joseph Yoakum

neuf ans. De 1900 à 1908, il a travaillé pour plusieurs

nearly exclusively drew undulating landscapes—places

cirques, y compris le Great Wallace Circus, Buffalo Bill

around the globe—from a visionary point of view, mediated

Cody’s Wild West et Ringling Brothers, s’occupant des

by his memories. In the last decade of his life (1962-1972),

chevaux et, plus tard, placardant des affiches avec

Yoakum adopted a disciplined studio life, making nearly

l’équipe préparatoire. En 1910, il s’est marié et trouva un

a drawing a day or (we surmise) at least a few per week.

emploi en tant qu’assistant au surintendant du St. Louis

Drawing landscapes was a circulatory practice, drawing

& San Francisco Railway. La famille déménagea au

landscapes was in his blood. Created in the last chapter of

village d’enfance de sa femme, Fort Scott dans le

his life, the works represent distilled earlier experiences of wandering the country and distant lands into drawings that perfectly express ideas of the ineffable feeling of places on earth: all manner of land formations, foliate forms, waterways and oceans, and the realm above—cloudscapes

Kansas, en 1915, où Yoakum travailla dans l’industrie des mines de charbon. Yoakum a été appelé à l’armée en 1918 et a servi en France pendant la première guerre mondiale. À son retour, il a divorcé.

and his iconic suns.

Yoakum a vu une grande partie du monde pendant ses voyages avec le cirque, dans l’armée, et plus tard en prenant des emplois dans les trains et sur des navires.

155

Ces aventures, de même que le magazine National

onduleux—des lieux autour du globe—d’un point de vue

Geographic, ont probablement servi de sources

visionnaire, modérés par ses souvenirs. Dans la dernière

d’inspiration pour les paysages d’aquarelle, de stylo et

décennie de sa vie (1962-1972), Yoakum adopta une

de crayon de Yoakum. « Jeune fille, il n’y a rien dont

vie de studio disciplinée, faisant presque un dessin par

je n’ai pas souffert pour voir les choses de première

jour ou (nous présumons) au moins quelques-uns par

main, » dit Yoakum à l’artiste Christina Ramberg. Dans

semaine. Dessiner des paysages était une habitude

les coins en haut à gauche, Yoakum signait, marquait la

presque physiologique, il avait cela dans le sang. Créées

date et incluait des descriptions de ses œuvres, dessins

pendant le dernier chapitre de sa vie, les œuvres

du relief de tous les continents : des rivières, montagnes,

représentent des expériences précédentes de voyages

iles, butes.

dans la campagne et dans des pays lointains qui sont distillées dans des dessins qui expriment parfaitement

Yoakum s’est installé à Chicago à la fin des années 1920,

des idées de l’impression ineffable de différents endroits

s’est remarié, et travailla comme charpentier, mécanicien,

sur la terre : tout style de formations du sol terrestre, de

travailleur de fonderie et concierge. Il prit sa retraite

formes de feuillages, de cours d’eau et d’océans, et pour

dans les années 1950 et reçut une retraite de vétéran.

le monde du ciel - de nuages et de ses soleils iconiques.

Il commença à faire de l’art en 1962, décrivant son processus créatif comme un « déroulement spirituel. »

Alors que Lee Godie, Mr. Imagination et Wesley Willis

En plus de paysages, Yoakum dessinait des portraits

pouvaient être trouvés dans la rue et autour de la ville,

d’Africains-Américains célèbres et modelait des sculptures

les artistes rendaient visite à Yoakum (et William Dawson

en terre venant de kits, qu’il exposait dans la devanture

et Aldo Piacenza) chez lui et dans son studio. Mais

de son studio dans le sud de Chicago. Les premiers

comme pour d’autres artistes de l’exposition, des

appréciateurs de son travail incluaient John Hopgood,

barrières ethniques et économiques furent renversées

un anthropologue et professeur ; Edward Sherbeyn,

dans la réception et l’acceptation de Yoakum dans la

le premier marchant d’art de Yoakum ; et Whitney

culture d’art de Chicago. Mr. Yoakum a créé des mondes

Halstead, un historien de l’art et professeur qui a rencontré

auxquels les spectateurs ne pouvaient résister et, en

Yoakum en 1967 et faisait visiter le studio de Yoakum à

négociant avec ses appréciateurs, il était très conscient

ses collègues et à de nombreux étudiants. Halstead a

de son statut en tant qu’artiste de couleur (Africain-

légué presque 175 dessins à l’Art Institute de Chicago.

Américain et Indigène Américain). Il était méfiant du monde artistique blanc et veillait particulièrement

Le Whitney Museum of American Art à New York et le

prudemment à ne pas se faire exploiter.

Douglas Kenyon Gallery à Chicago ont tenu des expositions solos de l’œuvre de Yoakum en 1972. Il est mort plus

Dans Chicago Calling, les dessins de Yoakum sont

tard la même année le jour de son anniversaire, à Noël.

arrangés dans un acheminement du sol au plafond : des

Yoakum a créé autour de 2 000 peintures et dessins

dessins qui prennent racine dans la terre, menant à des

pendant sa vie. Ses œuvres continuent d’être fêtées

paysages de routes sinueuses, menant à des paysages

dans des expositions majeures et font parties des collections

plus denses, menant à des œuvres ponctuées par des

permanentes de musées autour des États-Unis.

formations de nuages et les soleils splendides de Yoakum. Une veine centrale d’œuvres de Drossos Skyllas

Joseph Elmer Yoakum, Réflexions de conservateurs

complémente les dessins de Yoakum, avec la même voie compositionnelle terre-à-ciel : sa peinture de la vache

Là où (dans son œuvre visuelle) Wesley Willis dessinait

et du veau/arbre de vie occupant le plan de base,

exclusivement la ville de Chicago vue du ciel, Joseph

montant vers des peintures lumineuses de nuages,

Yoakum dessinait presque exclusivement des paysages

de ciel et d’éclats de soleil. ✶

156

SECTION TITLE

From left: Whitney Halstead, Joseph E. Yoakum and Ray Yoshida gather for a picnic in friend Maxine Loweâ&#x20AC;&#x2122;s yard, c. 1971. Photo courtesy of Whitney Halstead estate, The Art Institute of Chicago.

157

158

SELECTED MUSEUM EXHIBITIONS OF FOLK, SELF-TAUGHT AND OUTSIDER ART EXHIBITIONS IN CHICAGO, 1941-2018

Selected museum exhibitions of folk, self-taught and outsider art in Chicago, 1941-2018

•

Phyllis Kind Gallery (1967-1998)

•

Carl Hammer Gallery (1979-present; opened as

This history of museum shows of folk, self-taught, outsider

•

Judy Saslow Gallery (1995-2015)

and non-mainstream art in Chicago and vicinity is lengthy,

•

Aron Packer Gallery, Packer Schopf Gallery (1992-2015)

and there are, no doubt, still more exhibitions that escaped

•

Russell Bowman Art Advisory (2003-2015)

Hammer & Hammer in 1979, changed to Carl Hammer Gallery by 1983.) •

Harvey Pranian Art & Antiques (1971-2018)

•

Ann Nathan Gallery (1980-2016, originally Objects Gallery)

our attention or selection criteria. We intend this list to serve as a foundation, illuminating the rich histories of this art in this place and encouraging others to help further develop the story. Dates are included when known. Including the many related gallery exhibitions was impractical

1941 Exhibition of Paintings by Horace Pippin. The Arts Club of Chicago, 24 May-14 June.

based on both the volume of shows and the availability of

1951

records. The following Chicago galleries robustly embraced,

Jean Dubuffet, “anticultural positions” lecture. The Arts Club

exhibited and promoted this work:

of Chicago, 20 December.

Sélection d’expositions d’art folklorique, autodidacte et outsider à Chicago, 1941-2018

1967 The Art Institute of Chicago Seventieth Exhibition by Artists of Chicago and Vicinity (included works by Drossos Skyllas). The Art Institute of Chicago, 3 March-2 April.

1968 The Body (included works by Pauline Simon). Hyde Park Art

Cet historique d’expositions par des musées d’art folklorique, autodidacte, outsider et non-conventionnel à Chicago et

Center, January.

dans ses environs est important et il y a, sans doute, des

1969

expositions qui ont échappé à nos soins ou critères de

Don Baum Says: “Chicago Needs Famous Artists”

sélection. Nous voulons que ce relevé serve de base, en

(included works by Sarkis Karakuzian, Pauline Simon and

éclairant les passés riches de cet art dans cet endroit, et

Joseph Yoakum). Museum of Contemporary Art Chicago,

qu’il encourage d’autres à participer dans le développement

10 March-13 April.

de l’histoire. Les dates connues sont incluses. The Faculty Collects (included works by Joseph Yoakum). Il n’était pas pratique d’inclure les nombreuses expositions

Illinois State University, Normal.

de galeries reliées à ce sujet en raison de la grande quantité d’expositions et de la disponibilité d’archives. Les galeries

The Art Institute of Chicago Seventy-second Exhibition by

de Chicago suivantes ont accueilli, exposé et promu ces

Artists of Chicago and Vicinity (included works by Drossos

œuvres avec conviction :

Skyllas), 22 March-20 April.

159

1971

1976

Pauline Simon and Joseph Yoakum, Wabash Transit, An

Twentieth Century American Folk Art (included works by

Exhibit Facility of the School of the Art Institute of Chicago,

Miles Carpenter, Peter Charlie Besharo, S. L. Jones, Gustave

February 4 - 27, 1971

Klumpp, George Lopez, Aldo Piacenza, Martín Ramírez, Pauline Simon, Lee Steen, Edgar Tolson and Joseph

Aldo Piacenza. Hyde Park Art Center, 12 November-

Yoakum). Evanston Art Center, Illinois.

18 December. Curated by Roger Brown. Historic Panoramic Abra Cadabra (included works by Carvings. Solo exhibition of Elijah Pierce. Krannert Art

Lee Godie and Aldo Piacenza). Hyde Park Art Center.

Museum, University of Illinois at Urbana–Champaign,

Curated by Don Baum.

12 December-2 January 1972. Naive Art in Illinois, 1830-1976 (included works by

1972 Joseph E. Yoakum: Drawings. Montgomery Ward Gallery, Chicago Circle Center, University of Illinois at Chicago.

Lee Godie and Joseph Yoakum). Illinois State Museum, 12 September-19 October. William Dawson solo exhibition at Columbia College,

1973

Chicago. Organized by Susann Craig.

The Art Institute of Chicago Seventy-fourth Exhibition by

1977

Artists of Chicago and Vicinity (included works by Drossos Skyllas), 30 March-6 May.

The Realms of the Unreal, solo exhibition of Henry Darger. Hyde Park Art Center, 25 September-5 November.

1974

Masterpieces of Recent Chicago Art (included works by

Pauline Simon Retrospective. Hyde Park Art Center, 22

Lee Godie and Joseph Yoakum). Chicago Public Library

February-16 March.

Cultural Center, 3 October-2 November.

Contemporary Still Life (included works by Pauline Simon).

1978

Renaissance Society at the University of Chicago, 8-26 October. Curated by Susanne Ghez.

Adolf Wölfli. Museum of Contemporary Art Chicago, 17 November-7 January 1979. Traveling exhibition organized by

1975

the Adolf Wölfli Foundation.

Joseph E. Yoakum: Drawings, 1886-1972. Gallery 200,

Contemporary American Folk Art and Naive Art: The

Northern Illinois University, DeKalb.

Personal Visions of Self-Taught Artists (included works by Joseph Yoakum and Martín Ramírez). The School of the

Made in Chicago: Some Resources (included works by

Art Institute of Chicago.

Lee Godie, Aldo Piacenza, Martín Ramírez, Pauline Simon and Joseph Yoakum). Museum of Contemporary Art Chicago, 11 January-2 March. Twentieth Century Folk Art: The Herbert Hemphill Jr. Collection (included works by Joseph Yoakum and Martín Ramírez). The Renaissance Society at the University of Chicago, 4 May-8 June. Curated by Russell Bowman. Drossos P. Skyllas. Evanston Art Center, Illinois, 14 September-13 October.

1979 Outsider Art in Chicago, works by Henry Darger, William Dawson, Lee Godie, Aldo Piacenza, Pauline Simon and Joseph Yoakum. Museum of Contemporary Art Chicago, 8 December-17 February 1980. Curated by Judith Kirshner and Pauline Saliga.

160

SELECTED MUSEUM EXHIBITIONS OF FOLK, SELF-TAUGHT AND OUTSIDER ART IN CHICAGO, 1941-2018 SÉLECTION D’EXPOSITIONS D’ART FOLKLORIQUE, AUTODIDACTE ET OUTSIDER À CHICAGO, 1941-2018

1982

1987

Selections from the Dennis Adrian Collection (included

Urgent Messages (included works by Henry Darger,

works by Aldo Piacenza, Pauline Simon, Joseph Yoakum,

Reverend Howard Finster, Jesse “Outlaw” Howard, Albert

and many Monster Roster and Chicago Imagist artists).

“Kid” Mertz, Sister Gertrude Morgan and Royal Robertson).

Museum of Contemporary Art Chicago, 15 January-14

The Chicago Public Library Cultural Center, 17 October-30

March. Catalogue with essay by Dennis Adrian.

December. Curated by Don Baum and Kenneth C. Burkhart.

1983

1988

Naive and Outsider Painting from Germany. Museum of Contemporary Art Chicago, 25 March-22 May. Curated by Mary Jane Jacob.

1984

Bill Traylor Drawings. From the Collection of Joseph H. Wilkinson and an Anonymous Chicago Collector. Randolph Gallery of The Chicago Public Library Cultural Center, 6 February-16 April. Traveled to Reynolda House Museum of American Art, the Delta Arts Center and North Carolina

Artists of the Black Experience (included works by Joseph

Museum of Art. Curated by Kenneth C. Burkhart and Gregory

Yoakum and Bill Traylor). University of Illinois at Chicago,

G. Knight. Catalogue with essay by Michael Bonesteel.

7-24 February. Forrest Bess. Museum of Contemporary Art Chicago, Black Folk Art in America, 1930—1980, (included works by

24 September-23 October. Organized by Hirschl & Adler

William Dawson and Joseph Yoakum). The Field Museum of

Modern, New York, a retrospective of 60 paintings from

Natural History, 14 April-15 July. Traveling exhibition

1934-1970. Curated by Matthias and Bruce Guenther.

organized by the Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C.

Catalogue with essay by Meyer Schapiro.

1985

1989

Two Centuries of American Folk Art. Terra Museum of

H.P.A.C. or Bust (included works by Stephen Warde

American Art, Evanston, Illinois, 10 February-21 April.

Anderson). Hyde Park Art Center, January.

The Prinzhorn Collection. Organized by the Krannert Art

Fred G. Johnson: Sideshow Banners. State of Illinois Art

Museum, University of Illinois, shown at The David and

Gallery, Chicago, 17 July 8 September. Curated by

Alfred Smart Gallery, University of Chicago, 10 March-21 April.

Randy J. Johnson.

Ray Yoshida’s Adoptive Home for Misplaced Muses A Chicago

1990

Artist’s Collection of Kitsch, Folk, and Primitive Art, April 13May 4, 1985. The School of the Art Institute of Chicago

The Artworks of William Dawson. The Chicago Public

Superior Street Gallery. Organized by the Museum and

Library Cultural Center, 27 January-7 April. Curated by

Cultural Practices Class (SAIC) taught by Judith Kirschner.

Kenneth C. Burkhart, David Kargl and Michael Noland.

1986

The Chicago Show (included works by Mr. Imagination,

The Heart of Creation: The Art of Martín Ramírez. Chicago

Library Cultural Center, 5 May-3 July. Co-hosted by City of

Public Library Cultural Center, 26 July-30 August.

Chicago, Department of Cultural Affairs; the Art Institute

Organized by the Goldie Paley Gallery at the Moore College

of Chicago; and the Museum of Contemporary Art.

David Philpot and Derek Webster). The Chicago Public

of Art and Design, Philadelphia. Palace of Wonders: Side Show Banners of the Circus and Tramp Art. Northern Illinois University Art Gallery, Chicago.

Carnival. Krannert Art Museum, University of Illinois at

Arranged by Joshua Kind and curated by Dan Mills.

Urbana–Champaign, 24 August-30 September. Curated by Glen C. Davies and Randy J. Johnson.

Chicago Draws. Hyde Park Art Center, ended 8 November.

161

Visions: Expressions Beyond the Mainstream from Chicago

Jesse Howard. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider

Collections (included works by Henry Darger, Drossos

Art (held at 200 W. Superior Street), 9-30 May.

Skyllas, Bill Traylor, Eugene Von Bruenchenhein, Robert Bannister, Reverend Howard Finster, William Edmondson

Birdhouse Show—New Art Forms. Intuit: The Center for

and Sister Gertrude Morgan). The Arts Club of Chicago, 17

Intuitive and Outsider Art (held at the New Art Forms

September-3 November. Curated by Don Baum

Exposition, Navy Pier), 17-20 September.

1991

Birdhouses. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider

Home Sweet Home (included works by Mr. Imagination). Columbia College. The Eye Stands for Mr. Imagination: A Retrospective Show. University of Illinois Chicago. Spirited Visions: Portraits of Chicago Artists by Patty Carroll (included Mr. Imagination). State of Illinois Art Gallery, Chicago.

Art (held at 1800 N. Clybourn Avenue), 25 September25 October. Healing Machines of Emery Blagdon. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art (held at 1800 N. Clybourn Avenue), 6 November-27 December. Curated by Dan Dryden and Don Christensen.

1993

Personal Voice: Outsider Art and Signature Style (included

Eureka! Recent Discoveries from Intuit Members’ Collections.

works by William Dawson, Lee Godie, Mr. Imagination

Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art (held

and Derek Webster). American Center for Design,

at 1800 N. Clybourn Avenue), 7 May-6 June. Juried by

10 September-1 November.

John F. Turner.

From Chicago (included works by Henry Darger, Drossos

Sacred Spaces and Other Places: The Artist in the Landscape

Skyllas, Mr. Imagination, Aldo Piacenza, William Dawson,

of the Upper Midwest. Betty Rymer Gallery, School of the

Joseph Yoakum, Lee Godie and Nick Greeley, among

Art Institute of Chicago, 29 August-13 October. Curated by

others). The first exhibition by Intuit: The Center for

Lisa Stone and Jim Zanzi.

Intuitive and Outsider Art, originally The Society for Outsider, Intuitive and Visionary Art, 20-22 September.

Eccentric Chairs. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider

Held at the New Art Forms Exposition at Navy Pier. Curated

Art (held at Corporate Art Source, Inc.), 1-30 October.

by Clay Morrison with Mike Noland and Aron Packer.

Curated by Jan Petry.

Thrift Store Paintings. Tony Fitzpatrick’s World Tattoo

Artist—Lee Godie, A 20-Year Retrospective. Chicago

Gallery, sponsored by Intuit: The Center for Intuitive

Cultural Center, 13 November-16 January 1994. Curated by

and Outsider Art, 5 December-4 January 1992. Curated

Michael Bonesteel.

by Jim Shaw.

1992

1994 Reclamation and Transformation: Three Self–Taught Chicago

Mr. Imagination. Illinois State Museum, Springfield,

Artists (Mr. Imagination, David Philpot and Kevin Orth).

19 January-15 March. Traveled to Forms of Contemporary

The Terra Museum of American Art, 5 April-31 July.

Illinois, State of Illinois Art Gallery, Chicago, 23 March-May 22, and Illinois State Museum Lockport Gallery, 7 June-28

African Hair Signs. Intuit: The Center for Intuitive and

August. Curated by Robert Sill.

Outsider Art (held at 200 W. Superior Street), 7 April-8 May. Curated by Jan Petry. Hyde Park Art Center 55th Anniversary Exhibition (included works by Aldo Piacenza and Pauline Simon). Hyde Park Art Center, 30 April-11 June.

162

SELECTED MUSEUM EXHIBITIONS OF FOLK, SELF-TAUGHT AND OUTSIDER ART IN CHICAGO, 1941-2018 SÉLECTION D’EXPOSITIONS D’ART FOLKLORIQUE, AUTODIDACTE ET OUTSIDER À CHICAGO, 1941-2018

I Tell My Heart: The Art of Horace Pippin. The Art Institute

le studio, l’atelier et le bureau de Brown du rez-de-chaussée

of Chicago, 30 April-10 July. Organized by the Pennsylvania

en une galerie et un bureau, et montrait la collection de

Academy of Fine Arts.

Brown dans le cadre des ressources d’Intuit.

“High Tea/Memorial Service for Lee Godie.” Held at The Arts

1996

Club of Chicago, 24 May. Organized by David Syrek. Crowning Achievements: The Crimped & Cutting Edge in Bottle Cap Sculpture. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art (held at insideART), 7 October-6 November. Curated by Aron Packer and William Swislow.

A Life Well Lived: Fantasy Coffins of Kane Quaye. Chicago Cultural Center, 27 January-4 March. The Art of Aldo Piacenza: Celebration of Church and Country. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 4 February-30 March. Curated by Bill Brooks.

1995

The Outsider Art of Fred Smith, Jack Ellsworth and Tom

Force of a Dream: The Drawings of Joseph E. Yoakum. The

Every. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art,

Art Institute of Chicago, 11 February-6 August. Curated by

14 April-16 June. Photographs of artist-built environments

Mark Pascale.

by Robert Amft.

Self: The Paintings of Drossos P. Skyllas. Intuit: The Center

Since the Harlem Renaissance: Sixty Years of African

for Intuitive and Outsider Art, 5 May-3 June. Held at

American Art (included works of Joseph Yoakum).

Corporate Art Source, Inc. Curated by David Russick.

Art Institute of Chicago, 18 May-25 August.

Bonnie Harris, 1870-1962. Hyde Park Art Center, 9 July-

Mose Tolliver: Early Works. Intuit: The Center for Intuitive

12 August.

and Outsider Art, 23 June-14 September. Courtesy of the Kansas Grassroots Art Association.

Fancy Work: The Domestic Textiles of Cora Meek. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art (held at Corporate Art

Time on Their Hands: The Tramp Art Tradition. Intuit:

Source, Inc.), 20 October-18 November. Curated by Barbara

The Center for Intuitive and Outsider Art, 29 September-

Manning and Lisa Stone.

4 January 1997. Curated by Jan Petry.

Ballyhoo. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art,

Art in Chicago, 1945-1995 (included works by Henry Darger,

December 3-27 January 1996. Curated by Randy J. Johnson

Lee Godie, and Joseph Yoakum). Museum of Contemporary

and Jan Petry.

Art., 16 November-23 March, 1997. Curated by Lynne Warren.

Note: Beginning with Ballyhoo and until late 1998, Intuit

Henry Darger, Aldo Piacenza, Pauline Simon and Derek

exhibitions were shown at its home at Roger Brown’s

Webster included in Don Baum Says: Chicago Has Famous

studio and home collection at 1926 N. Halsted Street. Intuit

Artists, Hyde Park Art Center, 17-18 November. Curated by

rehabbed Brown’s first floor studio, workshop and office

Don Baum and Ruth Horwich.

into a gallery and office, and showed his collection as part of Intuit’s resources.

Outsider Art: An Exploration of Chicago Collections. Chicago Cultural Center, 9 December-23 February 1997.

Note : Commençant par Ballyhoo et jusqu’à la fin de l’année

Organized by the Chicago Department of Cultural Affairs

1998, les expositions d’Intuit étaient montrées là où le

with Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art.

musée résidait, au studio et à la collection personnelle de

Curated by Kenneth C. Burkhart and Curatorial Assistant

Roger Brown à 1926 North Halsted Street. Intuit a réadapté

David Rowe. Catalogue with essay by Barbara Freeman.

163

1997 Personal Voice: The Ruth and Robert Vogele Collection of Self-taught Art. I-Space Gallery, University of Illinois Chicago, 10 January-1 February. Organized by Krannert Art Museum. Images in a Silent World: The Art of James Castle. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 19 January-15 March. Curated by Marjorie Freed. Outside In: What A Trip! Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 23 March-5 April. The first of a series of exhibitions featuring student work from Intuit’s Teacher Fellowship Program. The Creative Spirit. Art from the National Institute of Art and Disabilities in Richmond, California. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 13 April-31 May.

Henry Darger: Peering into the Realms. Museum of Contemporary Art Chicago, 8 August-10 January 1999. Curated by Alison Pearlman. Note: From October 1998 forward, Intuit exhibitions were held at its current location, 756 N. Milwaukee Avenue, Chicago. Note : Depuis le mois d’octobre 1998, les expositions d’Intuit sont tenues à son adresse actuelle, 756 N. Milwaukee Avenue, Chicago. Home: Places and Spaces. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 3 October-31 December. Donald Wainwright: Christian’s People. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 6 November-23 January 1999.

1999 The Shopworn Angel Movie Art (the art of Beatrice

Pauline Simon. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider

Socoloff). Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art,

Art, 8 June-30 August. Curated by Gladys Nilsson.

15 January-27 March. Courtesy of Miriam Socoloff.

Found: The Collector’s Eye. Found objects. Intuit: The Center

George E. Morgan: Maine Streets. Intuit: The Center for

for Intuitive and Outsider Art, 14 September-15 November.

Intuitive and Outsider Art, 5 February-10 April. Courtesy of

Curated by Eugenie Johnson.

Raymond Saroff.

Mary Eveland: Folk Artist of Illinois. Intuit: The Center for

Outside Looking In. Intuit: The Center for Intuitive and

Intuitive and Outsider Art, 23 November-24 January 1998.

Outsider Art, 2 April-29 May. Co-presented with Community

Curated by Corrine Riley.

Counseling Centers of Chicago.

1998

“I Make Pictures”: The Masterful Paintings of Rev. Johnnie

Getting There. Transportation theme. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 1 February-21 March. Henry Darger: The Unreality of Being. Chicago Cultural Center, 3 April-31 May. Co-presented by Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art and the Chicago Department of Cultural Affairs, courtesy of the University of Iowa Museum of Art. Curated by Steven Prokopoff. Reverend Samuel David Phillips. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 19 April-20 June. Collection of Turtel Onli. Within Reach: Northwestern Illinois Outsider Artists. Rockford Art Museum, Illinois, 8 May-19 July.

Swearingen. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 14 May-7 August. Courtesy of the African American Museum. Curated by Bruce and Julie Webb. See What I Say. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 11 June-4 September. Curated by Jan Petry. A Spiritual Journey: The Art of Eddie Lee Kendrick. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 17 September-18 December. Curated by Alice Rae Yelen of the New Orleans Museum of Art. American Masters (included works of Henry Darger, Drossos Skyllas and Joseph Yoakum). Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 3 December-31 August 2000.

164

SELECTED MUSEUM EXHIBITIONS OF FOLK, SELF-TAUGHT AND OUTSIDER ART IN CHICAGO, 1941-2018 SÉLECTION D’EXPOSITIONS D’ART FOLKLORIQUE, AUTODIDACTE ET OUTSIDER À CHICAGO, 1941-2018

2000

2002

E2K: Elyvisions 2000 (Elvis-inspired work by 50 artists).

American Stone Carving. Intuit: The Center for Intuitive and

Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art,

Outsider Art, 8 March-25 May. Curated by Michael Noland.

8 January-25 March. Curated by Patty Carroll. Eight from Europe: A Study Collection. Intuit: The Center for Art Outsider et Folk Art des Collections de Chicago.

Intuitive and Outsider Art, 19 April-April 2003. Curated by

Terra Museum of American Art, Chicago, 15 January-2 April.

Eugenie Johnson.

Organized by Halle Sainte Pierre, Paris, 14 September25 July 1999.

Soulful Pieces: Memory Jars and Improvised Quilts by Unknown Makers. Intuit: The Center for Intuitive and

William L. Hawkins. Intuit: The Center for Intuitive and

Outsider Art, 7 June-31 August. Curated by Martha Watterson.

Outsider Art, 7 April-26 August. Outside In: Self-Taught Artists and Chicago (included works American Masters. Intuit: The Center for Intuitive and

by Henry Darger, Lee Godie, Bonnie Harris, Aldo Piacenza,

Outsider Art, 1 September-1 September 2001.

Pauline Simon and Joseph Yoakum). The David and Alfred Smart Museum of Art, University of Chicago, 11 July-

Metamorphosis: The Fiber Art of Judith Scott. Intuit: The

15 September. Curated by Richard Born.

Center for Intuitive and Outsider Art, 8 September25 November. Courtesy of the Creative Growth Art Center,

Identity and Desire, Outsider Photography. Intuit: The Center

Oakland, California.

for Intuitive and Outsider Art, 13 September-30 November. Curated by David Syrek and Jessica Moss.

Without Ego: Anonymous Works. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 9 December-24 February 2001.

Levi Fischer Ames “Menagerie”. Intuit: The Center for

Curated by David Syrek.

Intuitive and Outsider Art, 13 December-1 March, 2003. Exhibition organized by and originated at the John Michael

2001 Haiti: Vodou Visionaries. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 9 March-26 May. Curated by Marilyn Houlberg.

Kohler Arts Center, Sheboygan, Wisconsin.

2003 A Century of Collecting: African American Art in the Art

Jim Work. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art,

Institute of Chicago (included Horace Pippin and Joshua

15 June-25 August. Courtesy of Sherry Pardee.

Johnson). Art Institute of Chicago, 15 February-18 May.

Rear Vision: The First Ten Years. Intuit: The Center for

Visions Realized: The Paintings and Process of Henry Darger.

Intuitive and Outsider Art, 7 September-24 November.

Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 14 March-

Catalogue with essay by Russell Bowman.

31 May. Curated by Jessica Moss.

Sam Doyle. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art,

Nitty Gritty Slim’s Bike and the Street Art of Curtis Cuffie

9 November-23 March 2002. Curated by Jan Petry.

and Wesley Willis. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 13 June-23 August. Curated by Jan Petry.

Prophecies: Adventist Charts from the Jenks Memorial. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art,

Gugging: An Artists’ House. Intuit: The Center for Intuitive

7 December-23 February 2002. Curated by Carol Crown.

and Outsider Art, 13 June-31 December. Icons and Intimates. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 12 September-29 November.

165

Albert Zahn “I’ll Fly Away.” Intuit: The Center for Intuitive and

The Intuit Show of Folk and Outsider Art. Intuit: The Center

Outsider Art, 12 December-28 February 2004. Exhibition

for Intuitive and Outsider Art (held at 847 W. Jackson

organized by and originated at the John Michael Kohler Arts

Boulevard; the fair included 39 galleries from across the

Center, Sheboygan, Wisconsin. Curated by Leslie Umberger.

country), 30 September-2 October.

2004

2006

Laura Craig McNellis: Inside Out, 1970-2003. Intuit: The

In the Eyes of Mr. Dawson. Intuit: The Center for Intuitive and

Center for Intuitive and Outsider Art, 12 March-4 June.

Outsider Art, 13 January-18 March. Curated by John Cain.

Curated by Frank Maresca and Roger Ricco. Accidental Mysteries: Extraordinary Vernacular Photographs Sistuhs: Four African American Self-Taught Artists. Intuit:

from the Collection of John and Teenuh Foster. Intuit: The

The Center for Intuitive and Outsider Art, April-26 June.

Center for Intuitive and Outsider Art, 13 January-29 April.

Curated by Cleo Wilson.

Curated by John Foster.

Outside the Lines: Ordinary Pastimes, Extraordinary Art.

Selections from the Permanent Collection (included Martín

Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 11 June-

Ramírez). Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 5

28 August. Curated by William Swislow and Cheri Eisenberg.

May-2 September.

Vibrant Spirits: The Art of Derek Webster. Intuit: The Center

Revelation! The Quilts of Marie “Big Mama” Roseman. Intuit:

for Intuitive and Outsider Art, 8 July-2 October. Curated by

The Center for Intuitive and Outsider Art, 5 May-2 September.

Marilyn Houlberg.

Curated by Doug Stock and Martha Watterson.

Genesis: Gifts and Promised Gifts from the Permanent

Drawn into the World (featured Henry Darger). Museum of

Collection. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art,

Contemporary Art Chicago, 8 July-15 October. Curated by

10 September-30 December. Curated by Jan Petry.

Lynne Warren.

Old World, New Country: The Art of Joseph Garlock. Intuit:

Cosmic Consciousness: The Works of Robert Bannister.

The Center for Intuitive and Outsider Art, 15 October-

Krannert Art Museum, University of Illinois at Urbana-

15 January 2005. Curated by Martha Watterson.

Champaign, 25 August-15 October. Curated by Glen C. Davies.

2005

Take Me to the River: A Celebration of Visionary Artists

FOUND: The Magazine, The Stuff. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 7-29 January. Tools of Her Ministry: The Art of Sister Gertrude Morgan. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art,

in the Early Years of Chicago Collecting (included Henry Darger, William Dawson, Lee Godie, Aldo Piacenza, Drossos Skyllas and Joseph Yoakum). Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 15 September-6 January 2007. Curated by Kenneth C. Burkhart.

11 February-28 May. Curated by William A. Fagaly for the American Folk Art Museum. Art from the Inside: Paño Drawings by Chicano Prisoners. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 17 June3 September. Curated by Martha Henry and Peter Joralemon. Singular Visions: Images of Art Brut from the Anthony J. Petullo Collection. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 16 September-31 December. Curated by Katherine Murrell.

2007 Ken Grimes: ELUSIVE MESSAGES. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 19 January-27 April. Curated by Jan Petry. Don’t Fence Me In: The Art of Daniel Watson. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 19 January-23 June. Curated by Mary Donaldson.

166

SELECTED MUSEUM EXHIBITIONS OF FOLK, SELF-TAUGHT AND OUTSIDER ART IN CHICAGO, 1941-2018 SÉLECTION D’EXPOSITIONS D’ART FOLKLORIQUE, AUTODIDACTE ET OUTSIDER À CHICAGO, 1941-2018

Lonnie Holley: Artist in Residence. Intuit: The Center for

Miradas: Mexican Art from the Bank of America Collection.

Intuitive and Outsider Art, 11 May-1 September. Intuit hosted

National Museum of Mexican Art, 23 January-30 August.

Holley over a two-week period as he installed site-specific

Exhibition included Martín Ramírez.

works created during his residency. Culprits, Innocents, and Outsiders: Heartland Visions. Intuit: Recent and Anniversary Gifts to the Permanent Collection.

The Center for Intuitive and Outsider Art, 29 April-29

Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 6 July-

August. Curated by Kevin Cole.

5 January 2008. Joseph Yoakum: Line and Landscape. The David and Alfred A.G. Rizzoli: Architect of Magnificent Visions. Intuit:

Smart Museum of Art, University of Chicago, 8 September-

The Center for Intuitive and Outsider Art, 14 September-

2 May 2010. Curated by Jessica Moss.

5 January 2008. Curated by Jo Farb Hernandez. Freaks and Flash. Intuit: The Center for Intuitive and Drawn from the Home of Henry Darger. The David and

Outsider Art, 11 September-9 January 2010. Curated by

Alfred Smart Museum of Art, University of Chicago, 22

Anna Freidman-Herlihy.

December-16 March, 2008. Curated by Jessica Moss. James Castle: A Retrospective. Art Institute of Chicago,

2008

10 October-January 3 2010. Organized by the Philadelphia Museum of Art. Curated by Ann Percy.

Least Wanted: A Century of American Mugshots, The Mark Michaelson Collection. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 18 January-12 April. Curated by Mark Michaelson.

2010 The Treasures of Ulysses Davis. Intuit: The Center for Intuitive

The Henry Darger Room Collection, a permanent exhibition

and Outsider Art, 12 February-15 May. Originated at the High

Curated by Jessica Moss and Lisa Stone, opened January 18,

Museum of Art, Atlanta. Curated by Susan Crawley.

with an accompanying exhibition of 13 collaged watercolors through June 28.

Life Lines: The Drawings of Charles Steffen. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 4 June-28 August.

Chris Hipkiss: Drawings. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 23 April-30 August. Curated by Annie Carlano. Sunday Painters: Discarded Paintings by Gifted Amateurs. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 11 July-9 January 2009. Works donated by the Ricco/Maresca Gallery and Richard Rubenstein. Finding Beauty: The Art of Lee Godie. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 12 September-3 January 2009. Curated by Jessica Moss and David Syrek.

2009

Curated by Eugenie Johnson. Almost There: A Portrait of Peter Anton. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 9 July-30 December. Curated by Dan Rybicky and Aaron Wickenden. Forget Me NOT: Self-Taught Portraits. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 10 September-31 December. Curated by Jan Petry. Stranger in Paradise: The Works of Rev. Howard Finster. Chicago Cultural Center, 24 July-26 September. Exhibition traveled from Krannert Art Museum at the University of Illinois at Urbana-Champaign. Curated by Glen C. Davies.

STICKS. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 16 January-18 April. Curated by Jan Petry.

Say Rah! Chicago Self-Taught Art from the Arient Family Collection. Schoenherr Art Gallery, Fine Arts Center, North

The Picture Tells The Story: The Drawings of Joseph E. Yoakum. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 16 January-9 January 2010. Curated by Mark Pascale.

Central College, Naperville, 1 October-7 November.

167

2011 Re: Chicago (included Henry Darger). DePaul Art Museum, 16 September-4 March 2012. Architecture of Hope—the Treasures of Intuit. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 21 January-14 May. Curated by Roger Manley. Esta Chido Todo: The Drawings of Raul Maldonado. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 3 June-

Beyond Influence: The Art of Little City. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 10 May-31 August. OHYOUKIDMERTZ. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 12 July-28 December. Curated by Susann Craig and Marjorie Freed. It Takes a Hard Heart: The Life Work of Eddie Harris. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 13 September-28 December. Curated by Laura Bickford.

3 September. Curated by Susan Matthews.

2014

You Better Be Listening: Text in Self-Taught Art. Intuit: The

Brewed in Belgium: The Collection of MADmusée. Intuit: The

Center for Intuitive and Outsider Art, 8 July-14 January 2012.

Center for Intuitive and Outsider Art, 17 January-26 April.

Curated by Matthew Arient.

Curated by Matthew Arient. (A companion show, Brewed in Chicago: The Collection of Intuit, curated by Pierre Muylle,

Eugene Von Bruenchenhein: From the Wand of the Genii.

was shown at MADmusée, Liège, 17 January-24 May.)

Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 16 September-14 January 2012. Curated by Lisa Stone.

Lost and Found: The Search for Harry and Edna. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 9 May-31 August.

2012 HEAVEN + HELL. Co-presented by Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art and Loyola University Museum of Art, 10 February-30 June. Curated by Jan Petry and Molly Tarbell. Karl Wirsum Eyeballs the Intuit Collection. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 13 July-1 September. Curated by Karl Wirsum. Ex-Static: George Kagan’s Radios. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 13 July-5 January 2013. Curated by Erik Peterson and Jeremiah Hulsebos-Spofford.

Curated by Jeff Phillips. Past Perfect: The Art of Eileen Doman. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 11 July-27 September. Curated by Kevin Cole. Collective Soul: Outsider Art from Chicago Collections. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 19 September-31 December. Curated by Robert Grossett and David Syrek. FOUND: P.S. Page Me Later. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 3 October-31 December.

Hawkins/Hawkins: One Saw Everything, One Saw Nothing.

2015

Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art,

Welcome to the World of Mr. Imagination. Intuit: The Center

14 September-5 January 2013. Curated by Jan Petry.

for Intuitive and Outsider Art, 9 January-25 May. Curated by Martha Henry.

2013 Kevin Blythe Sampson: An Ill Wind Blowing. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 11 January-20 April. Curated by Cleo F. Wilson. The Circus Collages of C. T. McClusky. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 11 January-25 May. Courtesy of John Turner.

EXPOSED!! Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, June 19-December 5 2015. Recent gifts. Palimpsest. Works by Badaskhan “Betty” Zakoian. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 10 July-26 September. Curated by Leonard Cicero and Heather Holbus.

168

SELECTED MUSEUM EXHIBITIONS OF FOLK, SELF-TAUGHT AND OUTSIDER ART IN CHICAGO, 1941-2018 SÉLECTION D’EXPOSITIONS D’ART FOLKLORIQUE, AUTODIDACTE ET OUTSIDER À CHICAGO, 1941-2018

dRAW. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 11 September-3 January 2016. Curated by Jan Petry.

Cross Purposes: Sculpture by Stanley Szwarc. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art., 2 December12 February 2017. Curated by Richard Bowen and

MAD AS HELL: The Collages of Richard Saholt. Intuit: The

William Swislow.

Center for Intuitive and Outsider Art, 2 October-3 January 2016. Curated by Michael Bonesteel. Surrealism: The Conjured Life (included works by Henry Darger, Joseph Yoakum, Martín Ramírez and Forrest Bess). Museum of Contemporary Art Chicago, 21 November-5 June 2016. Curated by Lynne Warren.

2016

2017 Unreal Realms. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 20 January-26 March. Curated by Jan Petry and David Syrek. Henry Darger: Author/Artist. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 20 January-4 June. Curated by Michael Bonesteel.

Caparena: The Clarence and Grace Woolsey Figures. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art,

Henry Darger: Source Materials. Intuit: The Center for

15 January-27 March. Curated by David Syrek.

Intuitive and Outsider Art, 2 March-23 July. Curated by Alison Amick.

Zinzinnati Ohio USA: The Maps of Courttney Cooper. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art,

Betwixt-and-Between: Henry Darger’s Vivian Girls.

5 February-29 May. Curated by Matt Arient.

Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 14 April-4 September. Curated by Leisa Rundquist.

The Wonderful World of Stephen Warde Anderson. Rockford Art Museum, Illinois, 12 February-30 May.

Henry Darger’s Orphans and the Construction of Race. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art,

Lee Godie: Self-Portraits. Intuit: The Center for Intuitive

14 July-7 January 2018. Curated by Jaimy Magdalena Mann.

and Outsider Art, 8 April-5 July. Organized by and originated at the John Michael Kohler Arts Center.

Darger + War. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider

Curated by Karen Patterson.

Art, 15 September-10 December. Curated by Alison Amick.

Steve Moseley: Patience Bottles. Intuit: The Center for

Mark Francis: Sculptures from the Inside. Intuit: The Center

Intuitive and Outsider Art, 12 April-5 July. Curated by

for Intuitive and Outsider Art, 3 August-8 October. Curated

Leonard Cicero.

by Alison Amick and Matt Collinsworth.

Post Black Folk Art in America, 1930-1980-2016. Intuit:

Dapper Bruce Lafitte: Kingpin of the Antpin. Intuit:

The Center for Intuitive and Outsider Art, 15 July-8 January

The Center for Intuitive and Outsider Art, 12 October-

2017. Curated by Faheem Majeed.

10 December. Curated by Matt Arient.

Private Eyes: Selected Artwork from the Kinsey Institute

In the Land of Pasaquan: The Story of Eddie Owens Martin.

Collection. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art,

Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art,

12 August-16 October. Curated by Blaise Cronin, Rebecca

22 December-11 March, 2018. The exhibition originated

Fasman, Garry Milius and Betsy Stirrat.

from the LaGrange Art Museum and made available by the courtesy of Columbus State University, Columbus State

Pop-Up: Mark Hudson. Intuit: The Center for Intuitive and

University Foundation, Inc., Pasaquan in Buena Vista,

Outsider Art, 20 October-27 November. Curated by

Georgia, and through a gift by the Kohler Foundation, Inc.

Matt Arient and Jan Petry.

Curated by Fred C. Fussell.

169

2018 Stephen Warde Anderson: Attention to Detail. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 26 January-13 May. Curated by Michael Noland and Keith Sadler. To Be Seen and Heard. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 23 March-17 June. Curated by Matt Arient and Tim Bruce. Chicago Calling: Art Against the Flow. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 29 June-6 January, 2019. Curated by Kenneth C. Burkhart and Lisa Stone. Chicago We Own It. Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, 29 June-6 January 2019. Curated by William Swislow.

170

Chicago Calling: Art Against the Flow Exhibition Checklist

Liste des oeuvres présentées dans Ici Chicago : l’art contre-flot

William Dawson (American, 1901-1990). Airforce Academy with Bird, 1986. Acrylic on carved poplar, 19 x 9 x 2 in. (48.26 x 22.86 x 6.99 cm). Collection of David Kargl William Dawson (American, 1901-1990). Untitled (bearded

Henry Darger (American, 1892-1973). Young Fairy Winged

creature with horns), n.d. Acrylic on paper, 13 1/2 x 13 in.

Blengian and Gigantic Fairy Winged Tuskorhorian, n.d.

(34.29 x 33.02 cm). Collection of Robert A. Roth

Watercolor and pencil on manila paper, 14 x 17 in. (35.65 x 43.18 cm). Collection Robert A. Roth

William Dawson (American, 1901-1990). Bushman, n.d. Carved wood, 15 1/2 x 7 1/4 x 3/4 in. (39.37 x 18.4 x 1.9 cm).

Henry Darger (American, 1892-1973). Untitled, c. 1940-50.

Arient Family Collection

Graphite, carbon, watercolor and pencil on paper, 19 x 24 in. (48.26 x 60.96 cm). Collection of Robert A. Roth

William Dawson (American, 1901-1990). Untitled (head), n.d. Carved wood, 8 1/4 x 5 1/2 x 1 in. (21 x 13.97 x 2.54 cm).

Henry Darger (American, 1892-1973). Untitled, n.d. Carbon

Collection of William Swislow and Janet Franz

transfer, watercolor and pencil on pieced paper, 18 x 70 in. (45.72 x 177.8 cm). Collection of Robert A. Roth

Lee Godie (American, 1908-1994). The Hessian, 1970s. Ink and watercolor on primed canvas, 18 x 13 1/2 in.

Henry Darger (American, 1892-1973). Untitled (study of

(45.72 x 34.29 cm). Collection of David Lee Csicsko

soldier strangling a girl), mid-20th century. Watercolor,

and David Syrek

carbon tracing and pencil on paper, 6 x 8 in. (15.24 x 20.32 cm). Collection of American Folk Art Museum, New York,

Lee Godie (American, 1908-1994). Untitled (red bird and

museum purchase. 2003.7.30

leaves), 1974. Paint on canvas and thread, 18 x 53 in. (45.72 x 134.62 cm). Collection of David Lee Csicsko and

William Dawson (American, 1901-1990). Untitled (abstract

David Syrek

architectural arch with head), 1980. Carved painted wood, 10 1/4 x 9 x 3/4 in. (26.04 x 22.86 x 1.91 cm). Roger Brown

Lee Godie (American, 1908-1994). Untitled (Dandy with

Study Collection, the School of the Art Institute of Chicago.

Mustache Looking Left), c. 1970s. Paint on canvas, 24 x 18 in.

RBSC 858

(60.96 x 45.72 cm). Collection of Scott H. Lang and Jo Ann Seagren

William Dawson (American, 1901-1990). Untitled (Black cat), 1980. Acrylic on board, 14 x 19 1/2 in. (35.56 x 49.53 cm).

Lee Godie (American, 1908-1994). Untitled (Dandy with

Collection of Michael and Cindy Noland

Mustache Looking Right), c.1970s. Paint on canvas, 25 x 18 in. (63.5 x 45.72 cm). Collection of Scott H. Lang

William Dawson (American, 1901-1990). Barrelhouse, 1981.

and Jo Ann Seagren

Acrylic on carved maple, 10 x 18 x /4 in. (25.4 x 45.72 x 3

1.91 cm). Collection of David Kargl

Lee Godie (American, 1908-1994). El Dorado, c. 1980. Paint on canvas, 26 x 21 1/2 in. (66.04 x 54.61 cm). Collection of Carl Hammer Gallery

171

Lee Godie (American, 1908-1994). Untitled (female nude

Mr. Imagination/Gregory Warmack (American, 1948-2012).

torso with ivy leaves), n.d. Paint on canvas, 34 1/2 x 24 in.

Untitled (Rose), 1991. Bottle caps, wood putty, fabric, paint,

(87.63 x 60.96 cm). Collection of Cheri Eisenberg

metal and wood, 17 1/2 x 8 x 3 1/2 in. (43.18 x 20.32 x 8.89 cm). Collection of Robert Alter and Sherry Siegel

Lee Godie (American, 1908-1994). Untitled (woman with mouth agape, 2 roses), n.d. Ink and watercolor on primed

Mr. Imagination/Gregory Warmack (American, 1948-2012).

canvas, 19 3/4 x 15 1/4 in. (50.17 x 38.74 cm). Collection of

Untitled (male figure, bottle cap legs and arms, frockcoat),

Tim Garvey

2004. Bottle caps, wood putty and paint, 18 1/2 x 8 1/2 x 2 in. (46.99 x 21.39 x 5.08 cm). Collection of Robert Alter and

Lee Godie (American, 1908-1994). Untitled (soldier), c. 1970.

Sherry Siegel

Ink and watercolor on primed canvas, gelatin silver print attached, 13 3/4 x 18 in. (34.93 x 45.72 cm). Collection of

Mr. Imagination/Gregory Warmack (American, 1948-2012).

John Cain

Untitled (female bottle cap doll), 2004. Bottle caps, wood putty, fabric, paint, 18 1/2 x 8 1/2 x 2 in. (46.99 x 21.39 x 5.08 cm).

Lee Godie (American, 1908-1994). Lee—I Keep Saying left

Collection of Robert Alter and Sherry Siegel

side…, c. early-mid 1970s. Gelatin silver print, 4 3/4 x 3 3/4 in. (12.1 x 9.5 cm). Richard and Ellen Sandor Family Collection

Mr. Imagination/Gregory Warmack (American, 1948-2012). Untitled (female bottle cap doll), 2004. Bottle caps, wood

Lee Godie (American, 1908-1994). Smiles, c. 1970-1975.

putty, fabric and paint, 18 1/2 x 8 1/2 x 2 in. (46.99 x 21.39 x

Mixed media and gelatin silver print on canvas,

5.08 cm). Collection of Robert Alter and Sherry Siegel

25 7/8 x 9 15/16 in. (66.04 x 25.4 cm). Collection of Eugenie and Lael Johnson

Mr. Imagination/Gregory Warmack (American, 1948-2012). Women of Somalia, 1993. Bottle caps, wood putty, metal,

Lee Godie (American, 1908-1994). Untitled (female portrait,

paintbrushes and paint, 90 x 12 x 10 in. (228.6 x 30.48 x

curly red hair flanked by striped vases), n.d. Paint and

25.4 cm). Collection of Cleo F. Wilson

shellac on canvas, 26 x 42 in. (66.04 x 106.68 cm). Collection of Lolli Thurm

Mr. Imagination/Gregory Warmack (American, 1948-2012). Untitled (bottle cap frame with paintbrush portraits in niches),

Lee Godie (American, 1908-1994). Untitled (female portrait

1995. Bottle caps, paint brushes, wood putty, and paint,

with John Hancock Tower), n.d. Paint on canvas,

31 x 51 x 6 in. (78.74 x 129.54 x 15.24 cm). Collection of

37 1/2 x 33 1/2 in. (95.25 x 85.09 cm). Collection of

John Cain

Christopher LaMorte and Robert Grossett Mr. Imagination/Gregory Warmack (American, 1948-2012). Lee Godie (American, 1908-1994). Untitled (self-portrait

Untitled (castings of the artist’s hands), 2009. Mixed

with painting of daisies), n.d. Gelatin silver print,

media, right: 10 1/2 x 5 x 1 in. (26.67 x 12.7 x 2.54 cm.), left:

4 3/4 x 3 3/4 in. (12 x 9.5 cm). Collection of Christopher

9 3/4 x 4 5/8 x 1 in. (24.77 x 11.75 x 2.54 cm.). Private Collection

LaMorte and Robert Grossett Mr. Imagination/Gregory Warmack (American, 1948-2012). Mr. Imagination/Gregory Warmack (American, 1948-2012).

Untitled (totem), n.d. Composite stone on found objects,

Chicago 1984, 1984. Foundry sandstone and paint,

80 x 32 x 30 in. (203.2 x 81.28 x 76.2 cm). Collection

5 3/4 x 7 1/2 in. (14.61 x 19.05 cm). Collection of Robert Alter

of Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, gift of

and Sherry Siegel

Lyn M. Wolfson, 2006.20

Mr. Imagination/Gregory Warmack (American, 1948-2012). Untitled (Mr. Imagination), 1991. Bottle caps, wood putty, fabric, paint, metal and wood, 16 x 8 x 3 1/2 in. (40.64 x 20.32 x 8.89 cm). Collection of Robert Alter and Sherry Siegel

172

CHICAGO CALLING: ART AGAINST THE FLOW EXHIBITION CHECKLIST LISTE DES OEUVRES PRÉSENTÉES DANS ICI CHICAGO : L’ART CONTRE-FLOT

Aldobrando Piacenza (American, 1888-1976). Untitled

Pauline Simon (American, 1898-1976). Untitled (woman

(birdhouse cathedral), c. 1950s-60s. Wood, metal, graphite

with book), c. 1968. Acrylic on canvas, 32 1/2 x 24 1/2 in.

and paint, 22 x 14 /4 x 9 /8 in. (55.88 x 36.20 x 23.18 cm)

(82.55 x 62.23 cm). Collection of Lori Gunn and Karl Wirsum

Collection of Eugenie and Lael Johnson Pauline Simon (American, 1898-1976). Untitled (landscape Aldobrando Piacenza (American, 1888-1976). Single Tower

with cannon), c. 1968. Acrylic on canvas, 27 1/2 x 36 1/2 in.

Cathedral, 1960. Wood, metal and paint, 28 x 13 x 19 in.

(69.85 x 92.71 cm). Collection of Lori Gunn and Karl Wirsum

(71.12 x 33.02 x 48.26 cm). Collection of Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, gift of Paula Giannini, 2014.4

Pauline Simon (American, 1898-1976). Cliff Raven, n.d. Acrylic on canvas, 29 3/4 x 22 1/2 in. (75.57 x 57.15 cm).

Aldobrando Piacenza (American, 1888-1976). Untitled (Milan

Collection of Charles and Camille Baum

Cathedral), c. 1950-1970. Wood and paint, 25 3/4 x 13 x 15 in. (65.41 x 33.02 x 38.1 cm). Roger Brown Study Collection,

Pauline Simon (American, 1898-1976). Wife of Cliff Raven,

the School of the Art Institute of Chicago, RBSC 919

n.d. Acrylic on canvas, 29 3/4 x 22 1/2 in. (75.57 x 57.15 cm). Collection of Charles and Camille Baum

Aldobrando Piacenza (American, 1888-1976). Untitled (Birdhouse cathedral campanile), 1960s. Wood, metal,

Drossos Skyllas (American, 1912-1973). Untitled (nude

and paint, 32 x 18 x 16 in. (81.28 x 45.72 x 40.64 cm).

in chair, draped), c. 1960. Oil on canvas, 60 x 40 in.

Collection of Stacy and Tim Bruce

(154.2 x 101.6 cm). Collection of Robert A. Roth

Aldobrando Piacenza (American, 1888-1976). Untitled

Drossos Skyllas (American, 1912-1973). Wisconsin Ice Cave,

(Florence Cathedral), 1960s-1970. Wood, metal,and paint,

1950. Oil on canvas, 24 x 30 in. (60.96 x 76.2 cm). Collection

39 x 22 1/4 x 14 in. (99.06 x 56.52 x 35.56 cm). Collection

of Robert A. Roth

of Jim Zanzi Drossos Skyllas (American, 1912-1973). Untitled (nude on Aldobrando Piacenza (American, 1888-1976). St. Peter’s, n.d.

pier), c. 1960. Oil on canvas, 24 x 18 in. (60.96 x 45.72 cm).

Oil on Masonite, 31 x 33 in. (78.74 x 83.82 cm). Collection

Collection of Robert A. Roth

of Stacy and Tim Bruce Drossos Skyllas (American, 1912-1973). Matterhorn, n.d. Aldobrando Piacenza (American, 1888-1976). Untitled

Oil on canvas, 19 1/2 x 23 1/2 in. (49.53 x 59.69 cm).

(birdhouse cathedral), n.d. Wood, metal and paint,

Collection of Robert A. Roth

39 x 17 x 14 in. (99.06 x 43.18 x 35.56 cm). Collection of Susann Craig

Drossos Skyllas (American, 1912-1973). Eye of God, c. 1950-55. Oil on canvas, 14 1/2 x 18 in. (36.83 x 45.72 cm). Collection of

Aldobrando Piacenza (American, 1888-1976). Untitled

Robert A. Roth

(Florence), n.d. Oil on board, 25 1/4 x 35 1/2 in. (64.14 x 90.17 cm). Collection of Intuit: The Center for Intuitive

Drossos Skyllas (American, 1912-1973). Untitled (Tree of Life

and Outsider Art, gift of Michael Rooks and Jeffery

with cow and calf), c. 1950. Oil on canvas, 14 x 18 x 1/2 in.

Cassens, 2007.11

(35.56 x 45.72 x 1.27 cm). Collection of Jan Petry and Angie Mills, promised gift to Intuit: The Center for Intuitive and

Pauline Simon (American, 1898-1976). Untitled (woman and child), 1965. Acrylic on canvas, 31 1/2 x 23 1/2 in. (80.01 x 59.69 cm). Collection of Lori Gunn and Karl Wirsum

Outsider Art

173

Dr. Charles Smith (American, b. 1940). Farmer Carrying

Wesley Willis (American, 1963-2003). Untitled (Massed grid

Child, c. 1985-99. Concrete, paint and mixed media,

of Chicago buildings, partially filled in), 1986. Ballpoint pen

57 x 22 x 14 in. (144.78 x 55.88 x 35.56 cm). John Michael

on board, 28 1/16 x 39 1/8 in. (71.28 x 99.38 cm). Collection of

Kohler Arts Center, gift of Kohler Foundation, Inc.

Rolf and Maral Achilles

Dr. Charles Smith (American, b. 1940). Malcolm X, c. 1985-99.

Wesley Willis (American, 1963-2003). The Chicago Skyline,

Concrete, paint and mixed media, 30 1/2 x 21 x 18 in. (77.47 x

1988. Ballpoint pen on board, 28 1/16 x 41 7/8 in. (71.44 x 106.36 cm).

53.34 x 45.72 cm). John Michael Kohler Arts Center, gift of

Collection of Rolf and Maral Achilles

Kohler Foundation, Inc. Wesley Willis (American, 1963-2003). Untitled (Art Institute Dr. Charles Smith (American, b. 1940). Pregnant Teenager,

of Chicago and Michigan Avenue), July 1989. Ballpoint pen

c. 1985-99. Concrete, paint and mixed media, 48 x 11 1/2 x

and felt tip pen on board, 28 1/8 x 42 3/16 in. (71.44 x 107.16 cm).

8 in. (121.92 x 29.21 x 20.32 cm). John Michael Kohler Arts

Collection of Andrew Reinke

Center, gift of Kohler Foundation, Inc. Wesley Willis (American, 1963-2003). Untitled (Grid: Chicago Dr. Charles Smith (American, b. 1940). Three Children,

skyline, Hancock tower…), n.d. Ballpoint pen and felt tip

c. 1985-99. Concrete, paint and mixed media, 37 x 16 3/4 x 6 in.

pen on board, 28 1/16 x 28 1/8 in. (71.28 x 71.44 cm). Collection

(93.98 x 42.55 x 15.24 cm). John Michael Kohler Arts Center,

of Rolf and Maral Achilles

gift of Kohler Foundation, Inc. Wesley Willis (American, 1963-2003). Untitled (Chicago Dr. Charles Smith (American, b. 1940). Head, c. 1986-2002.

Theater), n.d. Ballpoint pen and felt tip pen on board,

Concrete, mixed media and paint, 9 x 7 x 9 in. (22.86 x 17.8

33 x 44 in. (83.82 x 111.76 cm). Collection of Judith and

x 22.86 cm). Collection of Intuit: The Center for Intuitive and

Patrick Blackburn

Outsider Art, gift of Kohler Foundation, Inc., 2004.2.2 Wesley Willis (American, 1963-2003). The Dan Ryan Dr. Charles Smith (American, b. 1940). Like Father, Like

Expressway to Paul Young, 1985. Ballpoint (blue, red) and

Son—Eternal Slave, c. 1989-2002. Concrete, mixed media

felt tip pen on cardboard, 28 1/8 x 40 in. (71.44 x 101.6 cm).

and paint, 21 x 9 x 10 in. (53.35 x 22.86 x 25.4 cm).

Collection of T. Paul Young

Collection of Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, gift of Kohler Foundation, Inc., 2004.2.4

Wesley Willis (American, 1963-2003). The Dan Ryan Expressway 43rd St., n.d. Ballpoint and felt tip pen on

Dr. Charles Smith (American, b. 1940). Untitled (male portrait

cardboard, 28 1/8 x 39 1/16 in. (71.44 x 99.22 cm). Collection

bust), 1990s. Concrete, paint and mixed media, 21 x 13 x 8 in.

of T. Paul Young

(53.35 x 33.02 x 20.32 cm). Collection of Jim Zanzi Wesley Willis (American, 1963-2003). Untitled (Chicago Wesley Willis (American, 1963-2003). Chicago 1986, 1986.

Intersection: Chicago, Milwaukee, and Ogden Avenues), 1989.

Ballpoint pen and felt tip pen on board, 28 1/8 x 39 1/8 in.

Ink on board, 28 1/8 x 42 1/2 in. (71.44 x 107.95). Collection

(71.44 x 99.38 cm). Collection of Rolf and Maral Achilles

of Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, gift of Bill McCollum, 2004.4

Wesley Willis (American, 1963-2003). The Chicago Skyline, Sears Tower, Chicago River…, 1986. Ballpoint pen and felt tip

Joseph Yoakum (American, 1890-1972). Mr. Seple on

pen on board, 28 x 39 in. (71.12 x 99.06 cm). Collection of

Walgreen Coast of Marie Birdland, Oct. 3, 1969. Pencil,

Rolf and Maral Achilles

crayon and ink on paper, 12 x 18 3/4 in. (30.48 x 47.63 cm). Collection of Robert A. Roth

174

CHICAGO CALLING: ART AGAINST THE FLOW EXHIBITION CHECKLIST LISTE DES OEUVRES PRÉSENTÉES DANS ICI CHICAGO : L’ART CONTRE-FLOT

Joseph Yoakum (American, 1890-1972). Appalachian Mtn. Range Near Alleantown Vermont, Dec. 8, 1964. Pencil, crayon and ink on paper, 11 3/4 x 18 in. (29.85 x 45.72 cm). Collection of Robert A. Roth Joseph Yoakum (American, 1890-1972). Route # 41 Through Big Smokey Mts; Between Nashville Tennessee and Atlanta Georgia by Joseph Yoakum, 1965. Ink, colored pencil and watercolor on paper, 11 3/4 x 17 3/4 in. (29.85 x 45.09 cm). Cole Family Collection Joseph Yoakum (American, 1890-1972). The Beauty of Great West Great Falls Montana in Yellow Stone National Park. In Arrow River and Crater Lake, c. 1960s. Ink, watercolor and chalks on manila woven paper, 26 x 32 in. (66.04 x 81.28 cm). Collection of Scott H. Lang and Jo Ann Seagren Joseph Yoakum (American, 1890-1972). Mt. Mourner in Maritine Alps near Diane France by Joseph E. Yoakum, January 2, 1968. Colored pencil and ink on paper, 11 7/8 x 19 in. (30.16 x 19 cm). Collection of Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, gift of Martha Griffin, 2014.5.1 Joseph Yoakum (American, 1890-1972). Mt. Sassafras in Blue Ridge…, 1970. Ink and colored pencil on paper, 17 1/2 x 26 in. (44.45 x 66.04 cm). Collection of Robert Alter and Sherry Siegel Joseph Yoakum (American, 1890-1972). Mt. Japro Peak in Himalaya Range Near Kohuna East India East Asia, Feb. 5, 1971. Colored pencil on paper, 19 x 11 7/8 in. (48.26 x 30.16 cm). Collection of Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art, gift of Martha Griffin, 2014.5.2 Joseph Yoakum (American, 1890-1972). The Mounds of Pleasure/ on JA Brimms Farm Near Walnut Grove…, 1970. Ink and pastel on paper, 15 3/8 x 11 3/4 in. (39.05 x 29.85 cm). Richard and Ellen Sandor Family Collection

175

Chicago We Own It Exhibition Checklist

Oscar Martinez Garcia (unknown, 20th century). Untitled (blue plant with text), 2010. Ink and glitter on paper, 8 x 10 in. (20.32 x 25.4 cm). Collection of David Kargl

Liste des oeuvres présentées dans Chicago c’est à nous

Oscar Martinez Garcia (unknown, 20th century). Untitled (red plant with text ‘Salmo 3’), 2010. Ink and glitter on paper, 8 x 10 in. (20.32 x 25.4 cm). Collection of David Kargl Lee Godie (American, 1908-1994). Chicago We Own It,

Bandai America Incorporated. Daitetsujin 17, 1984. Paint,

c. 1980. Pen, pencil and watercolor paint on canvas,

plastic and metal, 3 /2 x 6 x 2 in. (8.89 x 15.24 x 5.08 cm).

78 x 32 in. (198.12 x 81.24 cm). Collection of Carl Hammer

Private Collection

and Carl Hammer Gallery, Chicago

Attributed to Jerry Brown (American, 1917-1998). Face Jug,

Ron Gordon (American, b. 1942). The Last Days of Old

1990s. Glazed stoneware, 3 /2 x 3 /2 x 3 in. (8.89 x 8.89 x

Maxwell Market, 1987. Photograph, 8 x 10 in. (20.32 x 25.4 cm).

7.62 cm). Roger Brown Study Collection, the School of the

Collection of Sallie and Ron Gordon

Art Institute of Chicago, RBSC 1012 Nicholas Greeley (American, 1894-1985). Birds, 1970s. Frances Caldwell (American, b. 1938). Christmas Morning,

Paint on board, 34 x 28 in. (86.36 x 71.12 cm). Collection

November 24, 1952. Watercolor on paper, 26 x 18 /2 in.

of Mark Jackson

(66.04 x 46.99 cm). Private collection Nicholas Greeley (American, 1894-1985). House of Blazes, Tony Davis (American, b. 1960). Apartment scene, 2015.

1970s. Paint on board, 45 x 34 in. (114.3 x 86.36 cm).

Pen and marker on illustration board, 45 x 34 in.

Collection of Mark Jackson

(114.3 x 86.36 cm). Collection of Mark Jackson Nicholas Greeley (American, 1894-1985). Untitled (street John Dyer (American, 1943-1985). Untitled (drawing), n.d.

corner), 1975. Paint on board, 36 x 18 in. (91.44 x 45.72 cm).

Graphite on paper, 19 x 22 in. (48.26 x 55.88 cm). Collection

Collection of Intuit: The Center for Intuitive and Outsider

of David Kargl

Art, gift of Ruth and Bob Vogele, 2004.41.3

John Dyer (American, 1943-1985). Untitled (drawing), n.d.

Nicholas Greeley (American, 1894-1985). Untitled (drunk),

Graphite and marker on paper, 21 /4 x 19 x 1 in. (55.245 x

n.d. Paint on board, 9 1/2 x 32 x 2 in. (24.13 x 81.28 x 5.08 cm).

73.66 x 2.54 cm). Collection of David Kargl

Collection of David Kargl

John Dyer (American, 1943-1985). Untitled (drawing), n.d.

Lanier Meaders (American, 1917-1998). Face Jug, 1960s-

Graphite on paper, 21 /2 x 18 /4 x 1 in. (54.61 x 47.625 x

1980s. Glazed stoneware, 9 x 9 x 8 in. (22.86 x 22.86 x

2.54 cm). Collection of David Kargl

20.32 cm). Roger Brown Study Collection, the School of

the Art Institute of Chicago, RBSC 119 Harvey Ford (American, 20 century). A Mountain of th

Beautyness, 1994. Paint on papier-mâché and Styrofoam,

Joe “40,000” Murphy, né Cerny (American, ca. 1897-1979).

6 x 11 x 6 in. (15.24 x 27.94 x 15.24 cm). Private collection

Forty Thousand Murphy’s Museum, 1946. Photograph, stickers and ink, 8 x 10 in. (20.32 x 25.4 cm). Private

Oscar Martinez Garcia (unknown, 20th century). Airplane, 2010. Ink and glitter glue on paper, 8 x 10 in. (20.32 x 25.4 cm). Collection of David Kargl

collection

176

CHICAGO WE OWN IT EXHIBITION CHECKLIST LISTE DES OEUVRES PRÉSENTÉES DANS CHICAGO C’EST À NOUS

Joe “40,000” Murphy, né Cerny (American, ca. 1897-1979).

Stanley Szwarc (American, 1928-2011). Untitled (stripped

It’s Sock It To Me Time, 1960s. Paper, newsprint and stickers

vase), early 1990s. Stainless steel, 8 x 8 x 14 in. (20.32 x

on collage, 25 x 17 in. (63.5 x 43.18 cm). Private collection

20.32 x 35.56 cm). Private collection

Joe “40,000” Murphy, né Cerny (American, ca. 1897-1979).

Stanley Szwarc (American, 1928-2011). Untitled (zigzag

Inspection, n.d. Watercolor on paper, 8 x 10 in. (20.32 x

vase), early 1990s. Stainless steel, 6 x 4 x 14 1/4 in. (15.24 x

25.4 cm). Private collection

10.16 x 36.83 cm). Private collection

Sylvia Roberti (American, 1910-1985). The Lady with the

Stanley Szwarc (American, 1928-2011). Untitled (plain vase),

Rose, 1968. Oil on board, 13 x 17 in. (33.02 x 43.18 cm).

1990s. Stainless steel, 3 x 3 x 7 1/2 in. (7.62 x 7.62 x 19.05 cm).

Collection of Robert Alter and Sherry Siegel

Private collection

Sylvia Roberti (American, 1910-1985). Untitled (a monsters

John Tignor (unknown, 20th century). Captain America,

face), September 1976. Watercolor, ink and colored pencil,

n.d. Paint on wood, 14 x 2 1/2 x 2 in. (35.56 x 6.35 x 5.08 cm).

12 /4 x 10 /4 in. (31.115 x 26.035 cm). Private collection

Collection of Keith Sadler

Sylvia Roberti (American, 1910-1985). Abstract, 1965. Ink,

John Tignor (unknown, 20th century). Standing woman on

crayon and colored pencil on paperboard, 19 1/2 x 22 1/2 x 3/4 in.

plinth, n.d. Paint on wood, 15 1/2 x 4 x 2 in. (39.37 x 10.16 x

(49.53 x 57.15 x 1.9 cm). Collection of David Kargl

5.08 cm). Collection of Robert Alter and Sherry Siegel

The Robinson-Ransbottom Pottery Company. ‘Oscar’ cookie

John Tignor (unknown, 20th century). Woman in White,

jar, 1940s. Ceramic, 7 x 9 x 7 in. (17.78 x 22.86 x 17.78 cm).

n.d. Paint on wood, 18 x 3 x 1 1/2 in. (45.72 x 7.62 x 3.81 cm).

Collection of Keith Sadler

Bruno Sowa (American, 20th century). Tan Devil, n.d. Paint

John F. “Grandpa Moses” Urbaszewski (American, 1912-

on wood, 26 x 8 1/2 x 9 in. (66.04 x 21.59 x 22.86 cm).

2002). Boat, 1984. Paint on wood and wire, 3 x 8 x 1 1/2 in

Collection of Intuit: The Center for Intuitive and Outsider

(7.62 x 20.32 x 3.81 cm). Collection of David Kargl

Art, gift of Eugenie and Lael Johnson, 2008.9.2 John F. “Grandpa Moses” Urbaszewski (American, 1912Bruno Sowa (American, 1914-1995). Untitled (buffalo relief),

2002). Rotating bridge, 1984. Paint on wood and wire,

1975. Paint on wood, 16 1/2 x 33 1/2 x 1 1/4 in (41.91 x 84.45 x

4 x 12 1/2 x 3 in (10.16 x 31.75 x 7.62 cm). Collection of

3.175 cm). Collection of David Kargl

David Kargl

Stanley Szwarc (American, 1928-2011). Untitled (face box),

John F. “Grandpa Moses” Urbaszewski (American, 1912-

1980s. Metal, 10 1/4 x 5 1/2 x 4 1/4 in. (26.035 x 13.97 x 10.795 cm).

2002). Platform with stairs, 1984. Paint on wood and wire,

Private collection

1 1/2 x 11 1/2 x 6 in. (3.81 x 29.21 x 15.24 cm). Collection of David Kargl

Stanley Szwarc (American, 1928-2011). Untitled (pegged box), 1988. Stainless steel, 8 x 4 1/2 x 2 in. (20.32 x 11.43 x

Uniroyal Global. Nauga, c. 1960s. Naugahyde (artificial

5.08 cm). Private collection

leather), 15 x 10 x 3 in. (38.1 x 25.4 x 7.62 cm). Collection of Keith Sadler

Stanley Szwarc (American, 1928-2011). Untitled (TT box), 1988. Stainless steel, 8 x 4 1/2 x 1 3/4 in. (20.32 x 11.43 x 4.45 cm). Private collection

177

William Warmack (American, 1941-2016). Purse, early 1990s.

Anonymous. Mask with crown and mustache, 20th century.

Folded wrappers, 23 x 9 in. (58.42 x 22.86 cm). Collection of

Gesso and paint on wood, 13 x 8 x 61/2 in. (33.02 x 20.32 x

Robert Alter and Sherry Siegel

16.51 cm). Roger Brown Study Collection, the School of the Art Institute of Chicago, RBSC 110

William Warmack (American, 1941-2016). Bra, n.d. Folded wrappers, 18 x 13 x 5 in. (45.72 x 33.02 x 12.7 cm). Collection

Anonymous. Ocean-going boat, n.d. Metal, paint and

of Keith Sadler

string, 14 x 32 x 6 in. (35.56 x 81.28 x 15.24 cm). Collection of Keith Sadler

Karl Wirsum (American, b. 1939). Untitled (Santa mask), 1980. Cardboard, 6 x 8 in (15.24 x 20.32 cm).

Anonymous. Untitled (blue woman), n.d. Photo, cardboard

Private collection

and colored pencil, 10 x 14 in. (25.4 x 35.56 cm). Private collection

Anonymous. Untitled (wedding couple), late 19th-early 20th century. Hand-colored gelatin silver print, 23 x 181/2 x 3/4 in.

Anonymous. Untitled (group portrait), n.d. Paint on board,

(58.42 x 47 x 1.9 cm). Roger Brown Study Collection, the

22 x 18 in. (55.88 x 45.72 cm). Private collection

School of the Art Institute of Chicago, RBSC 764 Anonymous. Untitled (head), n.d. Ceramic, 3 1/2 x 4 1/2 x 4 in. Anonymous. Untitled (small dog), 1950s. Bottle caps, paint

(8.89 x 11.43 x 10.16 cm). Collection of Keith Sadler

and wood, 5 x 14 in. (12.7 x 35.56 cm). Private collection Anonymous. Untitled (head), n.d. Ceramic, 2 1/2 x 3 x 4 in. Anonymous. Untitled (tall dog), 1950s. Bottle caps, paint

(6.35 x 7.62 x 10.14 cm). Collection of Keith Sadler

and wood, 7 x 17 1/2 in. (17.8 x 44.45 cm). Private collection Anonymous. Untitled (Jesus Saves sign), n.d. Painted wood, Anonymous. Silent Butler/Smoking Stand, 1950-1960s. Paint

22 x 9 1/2 x 7 in. (55.88 x 24.13 x 17.78 cm). Collection of

on wood and metal tray, 34 x 9 /2 x 12 in. (86.36 x 24.13 x

Keith Sadler

30.48 cm). Roger Brown Study Collection, the School of the Art Institute of Chicago, RBSC 965

Anonymous. Lamp, 1960s. Popsicle sticks, tile, lamp fixture and cord, 15 x 13 1/4 x 13 1/4 in. (38.1 x 33.65 x 33.65 cm).

Anonymous. Untitled (embracing couple), 1960. Wood,

Collection of Don Howlett

3 x 6 in. (7.62 x 15.24 cm). Collection of Mark Jackson Anonymous. Untitled (memory vase with plastic flowers), Anonymous. Untitled (pair of bottle cap figures), 1960s.

n.d. Mixed media, 10 x 5 1/2 in. (25.4 x 13.97 cm). Collection of

Bottle caps, plastic, paint and wood, 8 x 13 in. (20.32 x

Keith Sadler

33.02 cm). Private collection Anonymous. Untitled (monkey with cymbals), n.d. Mixed Anonymous. Untitled (Female figure), August 1964.

media, 11 x 10 x 8 in. (27.94 x 25.4 x 20.32 cm). Collection

Wood, 10 x 3 1/2 x 5 1/2 in. (25.4 x 8.89 x 13.97 cm).

of Keith Sadler

Collection of Keith Sadler Anonymous. Untitled (pair of Bert dolls), 1980s. Crochet, Anonymous. Bad Dog, 1990s. Oil based paint on metal

5 x 17 x 5 in. (12.7 x 43.8 x 12.7 cm). Private collection

panel, 18 x 24 in. (45.72 x 60.96 cm). Collection of Mark Jackson

Anonymous. Untitled (round object), n.d. Cigar bands and glass, 2 1/2 x 3 in. (6.35 x 7.62 cm). Collection of Keith Sadler

178

CHICAGO WE OWN IT EXHIBITION CHECKLIST LISTE DES OEUVRES PRÉSENTÉES DANS CHICAGO C’EST À NOUS

Anonymous. Untitled (sock monkey), n.d. Fabric, 10 x 18 x 4 in. (25.4 x 45.72 x 10.16 cm). Private collection Anonymous. Untitled (sock monkey), n.d. Fabric, 10 x 18 x 4 in. (25.4 x 45.72 x 10.16 cm). Private collection Anonymous. Untitled (spooky figure), n.d. Needlepoint, 4 x 8 in (10.16 x 20.32 cm). Private collection Anonymous. Untitled (tramp art box), n.d. Wood, 6 1/2 x 6 1/2 x 4 in. (16.51 x 16.51 x 10.16 cm). Private collection Anonymous. Untitled (tray), n.d. Cigar bands and glass, 6 x 6 x 6 in. (15.24 x 15.24 x 15.24 cm). Collection of Keith Sadler Anonymous. Untitled (tray), n.d. Cigar bands and glass, 6 x 6 x 6 in. (15.24 x 15.24 x 15.24 cm). Collection of Keith Sadler Anonymous. Untitled (woman posing), n.d. Wood, 7 1/2 x 4 x 2 in. (19.05 x 10.16 x 5.08 cm). Collection of Keith Sadler Anonymous. Untitled (woman posing), n.d. Wood, 6 1/2 x 3 1/2 x 1 1/2 in. (16.51 x 8.89 x 3.81 cm). Collection of Keith Sadler

179

Lenders to Chicago Calling: Art Against the Flow

Lenders to Chicago We Own It

Merci aux prêteurs des oeuvres de l’exposition

Ici Chicago: l’art contre flot

Chicago c’est à nous

Rolf and Maral Achilles

Robert Alter and Sherry Siegel

American Folk Art Museum, New York

Roger Brown Study Collection, the School of the

Robert Alter and Sherry Siegel

Arient Family Collection

Sallie and Ron Gordon

Charles and Camille Baum

Carl Hammer

Judith and Patrick Blackburn

Carl Hammer Gallery

Roger Brown Study Collection, the School of the

Don Howlett

Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art

Art Institute of Chicago

Stacy and Tim Bruce

Mark Jackson

John Cain

David Kargl

Carl Hammer Gallery

Keith Sadler

Cole Family Collection

Private Collection

Susann Craig David Lee Csicsko and David Syrek Collection Cheri Eisenberg Tim Garvey Lori Gunn and Karl Wirsum Intuit: The Center for Intuitive and Outsider Art Eugenie and Lael Johnson David Kargl John Michael Kohler Arts Center Christopher LaMorte and Robert Grossett Scott H. Lang and Jo Ann Seagren Michael and Cindy Noland Jan Petry and Angie Mills Private Collection Robert A. Roth Andrew Reinke Richard and Ellen Sandor Family Collection William Swislow and Janet Franz Lolli Thurm Cleo F. Wilson T. Paul Young Jim Zanzi

180

181

Intuit the Center for Intuitive and Outsider Art Founded in 1991, Intuit is a premier museum of outsider and self-taught art, art created by artists who are motivated by their unique personal visions and demonstrate little or no influence from the mainstream art world. The museum’s mission—celebrating the power of outsider art—is grounded in the ethos that the instinct to create is universal and the arts must embrace, represent and be accessible to all, regardless of education level or socioeconomic status. Intuit offers world-class exhibitions; a collection of 1,200 works of art; resources for scholars and students, such as the Robert A Roth Study Center, a non-circulating collection with a focus in the fields of outsider and contemporary self-taught art; and educational programming for people of all interest levels and backgrounds. Its centerpiece is its Henry Darger Room Collection, a permanent exhibition and archives, which attracts visitors and scholars worldwide.

Fondé en 1991, Intuit est un des musées majeurs de l’art outsider et autodidacte, un art créé par des artistes qui sont motivés par leurs visions personnelles uniques et qui sont peu ou pas influencés par le monde de l’art conventionnel. La mission du musée—célébrer la puissance de l’art outsider —est basée sur l’éthos selon lequel l’instinct de créer est universel et les arts doivent accepter et représenter tous et être accessible à tous, indépendamment du niveau d’éducation ou du statut socioéconomique. Intuit offre des expositions de classe mondiale; une collection composée de 1 200 œuvres d’art; des ressources pour des érudits et étudiants, tel que le Robert A Roth Study Center, une collection permanente centrée sur les domaines d’art autodidacte outsider et contemporain; et une programmation éducative pour ceux de tout niveau d’intérêt et de tout milieu. Sa pièce maîtresse est la Henry Darger Room Collection, une exposition et des archives permanentes, qui attirent des visiteurs et érudits du monde entier.

756 N. Milwaukee Ave. Chicago, Illinois 60642 USA +1 312.243.9088 www.art.org

In the world of self-taught art, Chicago is renowned as

Dans le monde de l’art autodidacte, Chicago est renommé

a center for the recognition of this genre. In fact, the

comme centre de la reconnaissance de ce genre. En fait,

emergence of self-taught and outsider art in the United

l’apparition de l’art autodidacte et outsider aux Etats-Unis

States is closely linked to Chicago, often cited as the

est liée à Chicago, souvent cité comme étant le premier

first place this historically under-appreciated art form

endroit où ce genre d’art, historiquement sous-apprécié,

gained a toehold in the American art scene. However,

pris pied dans le monde de l’art Américain. Toutefois, à part

outside the genre’s enthusiasts, Chicago has not been

les enthousiastes de ce genre, Chicago n’est pas suffisamment

well recognized for its leading role. The story of the

honoré pour son rôle prépondérant. L’histoire de l’impact

city’s impact on the acceptance of non-mainstream art

qu’a eu la ville sur l’approbation de l’art non-conventionnel

across the country and the world is finally told through

à travers le pays et le monde est finalement racontée

an exhibition and accompanying catalogue: Chicago

à travers l’exposition et le catalogue qui l’accompagne:

Calling: Art Against the Flow.

Ici Chicago : l’art contre-flot.

Detail, William Dawson at Home, 1988. Photo by Kenneth C. Burkhart.

pparition de l’art autodidacte et outsider aux Etats-Unis liée à Chicago, souvent cité comme étant le premier

droit où ce genre d’art, historiquement sous-apprécié,

s pied dans le monde de l’art Américain. Toutefois, à part enthousiastes de ce genre, Chicago n’est pas suffisamment

noré pour son rôle prépondérant. L’histoire de l’impact

a eu la ville sur l’approbation de l’art non-conventionnel

ravers le pays et le monde est finalement racontée

ravers l’exposition et le catalogue qui l’accompagne:

Chicago : l’art contre-flot.

CHICAGO CALLING: ART AGAINST THE FLOW ✶ ICI CHICAGO: L’ART CONTRE-FLOT

ns le monde de l’art autodidacte, Chicago est renommé

mme centre de la reconnaissance de ce genre. En fait,