HISTORIA DEL ARTE
ELABORADO POR ISELA ELIZABETH HERNÁNDEZ FERMÍN ARTE Y DISEÑO 301 HISTORIA DEL ARTE
En el virreinato de Nueva España (México) en el siglo XVIII, se puso de moda entre los miembros de la sociedad más adinerados un género de pintura que reflejaba la diversidad racial de las colonias: las llamadas "pinturas de castas". Es probable que gran número de estos cuadros estuvieran destinados también a exportarse a España. La palabra casta designaba a los grupos raciales resultado de la mezcla de europeos, americanos y africanos en las colonias, donde pronto surgió un sistema para clasificar las diferentes permutaciones. Esta clasificación estaba relacionada
designaciones,
en
preocupación
variar de región a región. Al mismo
española por la llamada limpieza de
tiempo que este sistema reflejaba un
sangre (la noción de que una persona
profundo racismo, también reflejaba
con antepasados judíos o moros no
la
podía considerarse cristiano viejo y
sociedad
por consiguiente de sangre limpia).
tendencia durante el siglo XVIII de
Los términos más familiares hoy en
buscar orden entre la complejidad.
día para designar a individuos de
Este popular género de pintura era
ascendencia
mestizo
una respuesta estética al sistema de
(mezcla de europeo e indio) y mulato
castas: una celebración acaso de la
(europeo y africano). Para la segunda
diversidad
mitad
también
parte
del
con
la
mixta
siglo
son
XVIII,
se
había
innegable
desarrollado un complejo esquema
jerarquías
clasificatorio
categorías
con
muchas
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colonial
de una
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de
la
creciente
colonias
pero
reafirmación
de
sociales raciales
basadas
en
arbitrarias.
Pintura de Castas en la AmĂŠrica Colonial Francisco Antonio Lorenzana, Siglo XVII
La ideologĂa de Javier Sicilia
Notablemente la diversidad racial en estas obras
Miguel Cabrera. De negro e india. China cambuja
En Claremont McKenna College, el Consulado General de Mﾃｩxico en Los ﾃ］geles, y Los Angeles County Natural History Museum,
Reflexiﾃｳn sobre una pintura de castas
De espa単ol a mulato (artista desconocido)
Blas Esteban Barranco
Testimonios de lengua prerromana en territorio riojano Autor: Jurgen Untermann
Atribuido a Juan Rodríguez Juárez
Pintura de Castas Identidad y Estratificación Social en el México.
De español y negra, mulata, 1763, by Miguel Cabrera. Private collection
“De castizo y española, produce española”, Atribuido a Juan Rodríguez Juárez.
Museo Nacional de Antropología (Madrid).
Artista Juan Rodríguez Juárez (México, 1675 - 1728
El arte tequitqui es un término propuesto por José Moreno Villa en su texto Lo mexicano en las artes (1949), y se refiere a las manifestaciones artísticas realizadas por indígenas del área mesoamericana luego de la Conquista de México. Se puede decir que es la mezcla del arte indígena con el arte cristiano y se puede ver el proceso de transculturación entre los indígenas y los españoles. En el arte tequitqui, su puede ver algunos elementos indígenas en la obras que ordenan los españoles, de lo cual se puede inferir que aun y cuando se llevaba a cabo la evangelización, los indígenas aún se aferraban a sus creencias y tradiciones. CARACTERISTICAS
Cruz atrial En la arquitectura tequitqui se encuentran templos, monasterios y conventos. Podemos encontrar ciertas características que son parte del este arte, como los atrios, que fueron grandes espacios abiertos que estaban rodeados por muros y servían de amplia nave a las capillas abiertas que eran para evangelizar a los indígenas. También se incluían capillas posas, que estaban colocadas en las esquinas de los cuadrángulos atriales y en centro del atrio se colocaba una cruz atrial. Los templos suelen tener unas sola nave y a lado un monasterio. Dentro del claustro se encontraban pinturas murales. Los conventos se planeaban con base en la localización del monasterio.
Claustro Los conventos desde los primeros que se fundaron existieron como centros de irradiación religiosa, en donde se ensenaba la doctrina cristiana, al igual que la escritura alfabética, la gramática, el castellano, etc. Pero a la vez en los conventos se aceptó la presencia de la cultura indígena, también el arte de hacer libros y mapas al modo indígena.
Los Frailes gustaban de la pintura mural que se había desarrollado desde el siglo XIII, como decoración de los muros y ábsides de los templos prehispánicos. Los autores que
decoraban los murales de los conventos, se llamaban tlacuilos
(Indígena mesoamericano) y
utilizaron su mismo trabajo para entrenar
aprendices, según la tradición tanto europea como mesoamericana. Algunos elementos decorativos eran imágenes de santos, escenas de sus vidas o de las narraciones bíblicas.
Arte tequitqui: pintura mural en el claustro de Oxtoticpac, Estado de M茅xico.
Coixtlahuaca
Puede apreciarse en la portada principal el conjunto formado por San Juan Bautista, flanqueado por San Pedro y el Ap贸stol Santiago
Realizado en Nueva España durante el siglo XVI. Arte mestizo
San Agustín), Acolman, México
Templo de San Francisco, hoy la Catedral de Tlaxcala.
Por José Moreno Villa en su texto el mexicano y su arte1949.
San Agustín de Acolman, fachada de su iglesia.
Ejemplo de relieve en cantera: Parroquia de Santiago Tequixquiac, Estado de México.
Las condiciones de desarrollo del arte colonial mexicano.
El tequitqui en Yucatán
Casa de Montejo, Casa de Francisco de Montejo Mérida Yucatán
Ejemplos del arte tequitqui. Es Cristo que redime a la humanidad, y al mismo tiempo es el dios del maíz, "en ese sentido Cristo es el Dios del maíz”.
Santo Domingo de Guzmán. Escultura de piedra de estilo Tequitqui que se encontraba en el Convento. Hoy en el Museo del Obispado.
Apaxco, Estado de México, friso tequitqui en el convento franciscano
Los tlacuilos fueron artistas indígenas que se dedicaban a la pintura mural y de códices antes de la Conquista y que realizaron diversas obras en los primeros conventos del siglo XVI. A raíz de la constitución de las escuelas de artes y oficios, se generó un grupo de indígenas que eran encomendados para representar las imágenes religiosas, extremadamente requeridas, para la conformación de la Nueva España.
Tlacuilos como Fernando Colli y Pedro Xóchmitl quienes realizaron el cuadro de las "Catorce obras de Misericordia" para la cárcel de México en 1569.1 Algunos años antes, surgió el pintor indígena Marcos de Aquino , también llamado Marcos Cípac, quien fue citado por Bernal Díaz del Castillo como uno de los más destacados artistas. Una de sus obras más importantes fue el retablo de la Capilla de San José de los Indios en el Convento de San Francisco. Dicho retablo se componía de siete cuadros que representaban las escenas de El Calvario, San Buenaventura, San Luis Obispo, San José, San Francisco, San Antonio de Padua y el Cenáculo.2
El tlacuilo más importante de esta época fue Juan Gerson del que se pensó que era proveniente de Flandes cuando se descubrieron las pinturas en la iglesia de Tecamachalco en el estado de Puebla. Las últimas propuestas afirman que era de origen indígena puesto que la técnica de dichas pinturas al temple tiene como soporte papel amate. Únicamente los tlacuilos de la época utilizaban este material para pintar.
La obra de Gerson es indiscutiblemente sensible y bella; el artista pudo imprimir una rica y colorida iconografía extranjera con admirada maestría. Las pinturas datan de 1562 y se encuentran en el sotocoro de la iglesia que perteneció a la orden franciscana. Las escenas ahí representadas provienen del Antiguo Testamento y el Apocalipsis; algunas son El Arca de Noé, Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis y San Juan Devorando el Libro, entre otras.
Pareciera ser que el rico colorido y la intención de Gerson por representar fielmente el mensaje del Apocalipsis han permitido que estas pinturas se distingan de otras obras realizadas por indígenas con distinto tema. El significado apocalíptico iba de acuerdo con la cosmovisión indígena de la comunicación entre las divinidades y los seres humanos. Según María Elena Landa, la religión indígena comprendía mensajes esotéricos que se manifestaban a través de sucesos míticos, visiones, voces y apariciones que lograban una fácil correspondencia entre el género apocalíptico y la religión prehispánica.
La misa de san Gregorio, anónimo.
Juan Gerson, El sacrificio de Isaac, La Torre de Babel, La mujer vestida de sol y el dragón, Los ángeles encadenados al Éufrates.
Tecamachalco
Sincretismo religioso del convento franciscano de Tecamachalco
Sincretismo religioso del convento franciscano de Tecamachalco
Los cuatro jinetes del Apocalipsis de Juan Gerson
Calavera de Don Quijote de José Guadalupe Posada
Fray Diego de Valadez - Fraile enseñando indígenas
Juan Gerson
Hidalgo; Ex convento de san Andr茅s Ap贸stol en Epazoyucan
Retablo del Arzobispo don Sancho de Rojas. Tabla de la misa de San Gregorio (detalle) Temple sobre tabla
Aprendiendo en la Cultura Anahuaca.
Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis y San Juan Devorando el Libro
Asunci贸n de nuestra se帽ora Tecamachalco
Sincretismo religioso del convento franciscano de Tecamachalco
Término que ha tenido cierto sentido que surge de la definición que críticos del siglo XVII dan de los pintores que buscan la perfección a la "maniera" de los grandes maestros del Renacimiento. Dando al término una acepción histórica, manierismo es el período artístico que va desde 1515 hasta 1610 en toda Europa. Se representan temas religiosos con lirismo y fervor, temas mitológicos, que permiten expresar mejor ciertos sentimientos propios de la época, y temas alegóricos que ejemplifican los hechos históricos. El arte manierista es cortesano, intelectual y teatral. Insumisión a la verosimilitud. Las obras reflejan una tensión interior que terminan con el irrealismo, convencionalismo en el color, proporciones y disposiciones o posturas de las figuras humanas pintadas o esculpidas. El manierismo es una de las tendencias artísticas más importantes de América Latina. Podríamos decir que el Renacimiento no llegó a este continente. La pintura del Virreinato recibió la influencia directa de Zuccari y de Vasari, y la arquitectura, la de Sebastian Serlio. En lo que concierne a la pintura, esta influencia fue introducida por el jesuita Bernardo Bitti (1575), Mateo Pérez de Alesio (1588) y Angelino Medoro (1600). Únicamente Bernardo Bitti vivió en Charcas, trabajó en las misiones jesuitas del Lago Titicaca. CARACTERISTICAS Se caracteriza, en su estado más puro, por composiciones en las que se rompe el
equilibrio,
líneas
diagonales
quebradas,
espacios
inestables,
estilizamiento de los cuerpos, con cabezas pequeñas y extremidades desproporcionadas, que ocupan todo el cuadro y que contrastan con otras pequeñas figuras en la lejanía, audaces escorzos. Gusta la línea enroscada, los colores de tintas discordantes y efectos extraños de luz. Los paisajes son irrealeales.
Manierismo de los Países Bajos
El manierismo en la escultura, La tendencia al desgarramiento propio de este estilo aparecen en la exagerada musculatura de “Perseo con la cabeza de Medusa”
El manierismo es el nombre que se da al estilo artístico que se inicia en Italia en la tercera década del siglo XV
arquitectura manierista
La arquitectura manierista
Manierismo en la pintura
Y MAS PINTURAS MANIERISTAS
Manierismo - Casa Vasari
Virgen con el Niño Santa Inés y Santa Martina
Manierismo
Manierismo religioso holandĂŠs por Van Haarlem.
Manierismo - Casa Vasari
Manierismo
manierismo en la escultura
Manierismo acadĂŠmico por el maestro italiano Naldini
Es un tipo de arte con dos núcleos distintos: el norte dominado por la reforma protestante y el sur por la contrarreforma católica. A su vez responde a los intereses de dos tipos de clientes: la nobleza cortesana imperante en Europa (así como también los monarcas absolutos) y la Iglesia Católica que reclama obras de arte como elemento de propaganda de la fe contra los protestantes. Forma parte entonces de los componentes del arte Barroco, su condición de arte propagandístico (como afirmación de la monarquía absoluta y como afirmación del catolicismo en su lucha contra el protestantismo).
En sus orígenes el término “barroco” tuvo un sentido despectivo, designando lo “extraño”, lo contrario a las normas clásicas. El siglo XX lo afirmó como un estilo artístico con características propias, resinificando el término.
En mérito a ese carácter propagandístico, es un arte de persuasión, que apela a las emociones del espectador, para ello en las representaciones busca capturar el momento de mayor dramatismo, por lo que debe abandonar los principios claves del clasicismo renacentista de simetría, proporción y armonía, para recurrir al movimiento, a la asimetría, a las líneas diagonales, a los recursos escenográficos, a las formas exuberantes, al efectismo con la luz.
En líneas generales, como estilo artístico, podemos sostener que los cambios que introduce en el gusto y en la cultura artística de la Europa del Seiscientos, son el abandono de la idea renacentista del arte como representación e imitación de la realidad en un riguroso sistema de relaciones proporcionales y armónicas, y la afirmación, al mismo tiempo, de una nueva relación de naturaleza emocional con
el espectador, en que el artista intenta sobre todo conmover y persuadir mediante los recursos de la imaginación que parece no conocer límites, la elocuencia, la extrema agudeza realista y sensorial de las imágenes y los más complicados y espectaculares efectos escenográficos, la interacción de todas las artes, la nueva concepción del espacio, de la naturaleza y de la renovada relación entre ésta y el hombre. Estos elementos ya se encontraban presentes en las experiencias más significativas de los primeros decenios del siglo y se convirtieron más tarde en las características de la producción artística del siglo XVII, a pesar de la presencia de aspectos muy diversos y a menudo divergentes.
Roma va a ser el centro de toda esta renovación, donde la nueva tendencia del gusto que se puede definir como barroco se impone rápidamente adaptándose, en sus manifestaciones más opulentas y fastuosas, a las exigencias de prestigio y ostentación de la sociedad aristocrática de su tiempo y sobre todo a los ideales espirituales y temporales de la corte papal. Más que en obras de pintura o escultura destacadas, los caracteres más significativos del barroco romano se manifiestan en la tendencia a la fusión de las diversas formas artísticas, en la definición de nueva estructura espacial, en las obras arquitectónicas y, principalmente, en la nueva concepción urbanística que dio lugar a una imagen unitaria de la ciudad. La imagen de la Roma barroca desde la columnata de San Pedro a la plaza Navona, plaza del Popolo, plaza de Spagna, de Santa Maria Maggiore, de Trevi y los complejos de Letrán y del Quirinal, hasta otros múltiples ámbitos urbanos, en una secuencia escenográfica y admirable que relaciona organismos monumentales y ejes viarios, fue la creación de un nutrido grupo de artistas. El prestigio de la “ciudad eterna” y la política cultural del papado, contribuyeron a una rápida y extensa difusión del barroco en Italia y en toda Europa -desde Polonia a Bohemia, desde Austria a Alemania meridional y a la península Ibérica- hasta América Latina. La primacía cultural italiana, en la Europa de principios del siglo XVII, alcanzó a los más diversos campos de la cultura, desde el teatro hasta la música, de la poesía a la ciencia y además y sobre todo a
las artes visuales. En especial se difundió la nueva concepción de un espacio creado dinámicamente, sometiendo los muros a un juego de alternancias de salientes y entrantes, unas veces contraídos, otras ilusoriamente dilatados con lo que queda anulada la antítesis “interior”-”exterior”. Junto a la nueva concepción espacial se extendió el riquísimo repertorio decorativo de los artistas romanos, indisolublemente ligado a la arquitectura por los estucos, los frescos, y las tallas, también aplicado a los muebles, a los tejidos, a la orfebrería, a los montajes festivos y a la escenografía. ENTRE SUS PRINCIPALES CARACTERISTICAS… En arquitectura La línea curva, dinámica es la dominante, elipses, parábolas, hipérbolas, cicloides, sinusoides, hélices, sustituyen al perfecto equilibrio del medio punto romano. Abundancia de arcos formas variadas. Uso de diferentes tipos de cúpulas. Uso de soportes dinámicos: el fuste de las columnas se retuerce (columna salomónica) y a veces generan por su forma especial sensación de inestabilidad, soportes extremadamente estrechos en su parte inferior (estípite barroco); uso de cariátides, de pilastras. Abundancia de elementos decorativos: los frontones se parten y adquieren formas curvas o mixtilíneas, abundancia de nichos, hornacinas, ventanales con forma ovoide (oculi) enmarcados... - Los muros pierden el sentido plano y se curvan dejando de cruzarse en ángulo recto, buscando todo tipo de perspectivas y efectos luminosos. Aunque se mantiene la tradicional planta rectangular (planta jesuítica), aparecen las plantas elípticas, circulares y mixtas.
PINTURA BARROCA
El siglo XVII ha sido el siglo de oro de la pintura, como dan muestra explícita de ello no sólo el elevado número de grandes pintores que dio el siglo, sino también el dominio técnico que se consiguió, la diversidad temática que reflejan los lienzos barrocos, la capacidad de reflejar minuciosamente y con exactitud la realidad, etc. Es preciso aludir a la perfección que se conseguirá en las técnicas pictóricas del fresco y el óleo. Sin embargo, no menos destacables son la exactitud con que se plasma la realidad y el predominio del color sobre la línea, en contraposición a la supremacía que se otorgó al dibujo en detrimento del color durante el renacimiento. Es también fundamentales el papel que se confiere al movimiento y el empeño de los artistas por las composiciones complejas, asimétricas e irracionales, si se comparan con las utilizadas en el período inmediatamente anterior. Pero si hay algún elemento que determine de forma especial la estética barroca, ese es la luz y el uso de la técnica del claroscuro introducido por Caravaggio. Es este elemento plástico el encargado de trazar los contornos de las figuras y objetos o, por el contrario, de diluirlos, y a él se debe también la definición de atmósferas y de ambientes. Al igual que ocurre con la escultura y la arquitectura, la pintura barroca no está ausente de teatralidad y de búsqueda incesante de emociones. En cuanto a los temas que se tratarán en los cuadros serán distintos en función de los intereses de la clientela: la Iglesia, la realeza, la nobleza o la burguesía comercial que se ha ido enriqueciendo paulatinamente. En los países católicos la temática más usual será la de carácter religioso, destinada a evidenciar la veracidad del catolicismo y a fomentar la fe y la devoción, aunque también hay que destacar la pintura de tema histórico, con la que se enaltecían las monarquías absolutas, o las de carácter mitológico o alegórico. En cambio, cuando es la burguesía la que encarga obras a los artistas, aparecen los retratos individuales o de grupo y el paisaje como temas fundamentales.
Arte Barroco en EspaĂąa
Domenichino: El Arco Triunfal de las AlegorĂas
Michelangelo Merisi (II Caravaggio) Judith y Holofernes, hacia 1595.
Pintura del arte Barroco
El sueño de San José.
Caravaggio
Caravaggio
En Espa単a muchas esculturas fueron Arte Barroco
Barroco
Antonio de Pereda - El sue帽o del caballero
Barroco en america
Desde Italia, donde recibieron su formaci贸n los destacados artistas de la fase, el barroco se propag贸 vertiginosamente por el norte de Europa.
Arte Barroco
El barroco es la continuaci贸n al manierismo italiano que prevalece durante la primera mitad del siglo XVI.
Y m谩s arte barroco
Juan de Villalobos
Juan Salguero
Juan de Herrera
PERSONAJES DE LA….MUSICA Antonio de Salazar
PERSONAJES DE LA LITERATURA José López Avilés
*Poetas novohispanos *Viridarium poeticum *Triunfo patenico
Matías Bocanegra * El gran duque de Gandía * Comedia de san Francisco de Borja * Canción a la vista de un desengaño
Don Carlos de Sigüenza y Góngora * Las Glorias de Querétaro * Libra astronómica * Trofeo de la justicia española en el castigo de la alevosía francesa Alevosía francesa.
Sor Juana Inés de la Cruz *La Sentencia del Justo
Firma Pilatos la que juzga ajena Sentencia, y es la suya. ¡Oh caso fuerte! ¿Quién creerá que firmando ajena muerte el mismo juez en ella se condena? La ambición de sí tanto le enajena Que con el vil temor ciego no advierte Que carga sobre sí la infausta suerte, Quien al Justo sentencia a injusta pena. Jueces del mundo, detened la mano, Aún no firméis, mirad si son violencias Las que os pueden mover de odio inhumano; Examinad primero las conciencias, Mirad no haga el Juez recto y soberano Que en la ajena firméis vuestras sentencias *Sentimientos de Ausente *Nacimiento de Cristo
Esta es la parroquia del Espíritu Santo Puebla de los Ángeles, México y este majestuoso edificio pertenece al arte tequitqui porque además de estar presente en una parroquia tequitqui se pueden observar
ya que las manifestaciones del arte principalmente en las portadas de los
templos cristianos, cruces atriales que en este caso están en las ventanas circulares superiores de la parte superior izquierda y murales en los
claustros y capillas abiertas de los conventos
en este caso no se pueden
observar porque está es la parte exterior de este edificio
pero
las
esculturas que se encuentran en la parte superior media es muy parecida a la de los
motivos indígenas
en mezcla
con las tradiciones cristianas
característica principal del arte tequilquil. Las manifestaciones del arte tequitqui se pueden observar principalmente en las portadas de los templos cristianos, cruces atriales y murales en los claustros y capillas abiertas de los conventos. Además de los detalles que aparecen adornando la parte baja de esta parroquia son muy similares a las grecas que se usaban en algunos objetos de uso cotidiano en las culturas prehispánicas. Y además tiene la muy famosa cruz atrial que esta visiblemente colocada en la parte superior del arco medio. La decoración en relieves de toda la fachada del edificio es muy característica
de
algunas
piezas
artísticas
prehispánicas
pero
sin
permanecer ausente algunos aspectos de arte español es realmente una combinación de ambos que da como resultado una construcción de estilo tequitquil.
MANIERISMO Estilo artístico que surgió en Italia a comienzos del siglo xvi y que se caracteriza por la abundancia de las formas difíciles y poco naturales.
BARROCO La pintura barroca es la pintura relacionada con el movimiento cultural barroco. El movimiento a menudo se le identifica con el absolutismo, la Contrarreforma y el renacimiento católico, pero la existencia de importante arte y arquitectura barrocos en países no absolutistas y protestantes TEQUITQUI Se refiere a las manifestaciones artísticas realizadas por indígenas del área mesoamericana luego de la Conquista de México.
TLACUILOS Fueron artistas indígenas que se dedicaban a la pintura mural y de códices antes de la Conquista y que realizaron diversas obras en los primeros conventos del siglo XVI.
PINTURA DE CASTAS Reflejaba la diversidad racial de las colonias, es decir , designaba a los grupos raciales resultado de la mezcla de europeos, americanos y africanos en las colonias, donde pronto surgi贸 un sistema para clasificar las diferentes permutaciones.
FIN