TAMBIร N 5ยบ Aniversario
DIRECCIÓN
Rodrigo Borrás Delgado
CURADURÍA DE LA EXPOSICIÓN EQUIPO
Brenda Luna Lobato
Andrea Walther Mendoza Ana Cristina Ortego
Vicente Antonio Jiménez Casimiro
Exposición
Miguel Castro Leñero Mauricio Cervantes Víctor Guadalajara Alfonso Mena Pacheco Éric Pérez Adrián Procel Roberto Turnbull Emi Winter
YO TAMBIÉN
5º Aniversario
AGRADECIMIE NTOS Cinco años parece un periodo corto; sin embargo, mantener un proyecto como el que representa Galería Ethra no es fácil, celebramos este aniversario porque es el resultado de trabajo y lucha constante, de convicción y fe en los artistas que promovemos y de compromiso con el público al que ofrecemos este espacio dedicado al arte. Haber cumplido un año más nos permite agradecer con este homenaje a todas las personas que han sido parte de este proyecto; a nuestros artistas —amigos y cómplices—, a nuestros clientes y al público que, poco a poco, se ha acercado a la galería. Todos los involucrados en este proyecto llamado Galería Ethra le dan sentido y son el motivo para continuar con esta labor en la que todos los días consolidamos un espacio para la cultura y el arte.
Exposición
YO TAMBIÉN Después de cinco años de entrega y trabajo constante, Galería Ethra se ha consolidado como un espacio dedicado al arte; no sólo a su comercialización, sino a la promoción y posicionamiento de los artistas con los que se ha comprometido. Ethra promueve propuestas culturales contemporáneas involucrándose en el proceso artístico y de difusión, con la misión de acercar el arte a un público amplio. Como proyecto artístico y cultural, Galería Ethra ha mostrado desde sus inicios una clara vocación por apoyar la producción de las artes visuales, mediante una selección de artistas cuyas propuestas se destaquen por su calidad artística y su lenguaje creativo. Con esta idea en mente, para celebrar su quinto aniversario, en los últimos meses la galería desarrolló un proyecto capaz de comunicar su visión como espacio dedicado a la promoción y comercialización del arte. Visión que parte de una línea estética clara que se basa en el apoyo a la producción de artes plásticas.
Así, la exposición Yo También tiene como principal objetivo rendir homenaje a la plástica mexicana mediante una selección de ocho grandes maestros: Miguel Castro Leñero, Mauricio Cervantes, Víctor Guadalajara, Alfonso Mena Pacheco, Éric Pérez, Adrián Procel, Roberto Turnbull y Emi Winter. Para enfatizar dicho homenaje, se tomó en cuenta que todos los artistas que conformaran la muestra hubieran obtenido algún reconocimiento en la Bienal de Pintura Rufino Tamayo1, ya que Galería Ethra reconoce este evento cultural como una plataforma que impulsa y promueve a artistas jóvenes con propuestas de gran calidad artística y técnica. Las obras presentadas en la exposición son reflejo de la visión estética de la galería y representan el compromiso, tanto de los artistas como de Ethra, de ofrecer al público piezas con gran calidad, originalidad y propuesta artística. La Bienal de Pintura Rufino Tamayo se llevó a cabo por primera vez en Oaxaca en 1982, gracias al incansable interés del artista Rufino Tamayo por promover el trabajo de artistas jóvenes. 1
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Ahora bien, en muchas ocasiones se ha hablado de la muerte de la pintura, o de su desgaste en cuanto a posibilidad de comunicar o expresar; muchas corrientes o propuestas artísticas afirman que la pintura se ha convertido en una técnica muy limitada para transmitir ciertas ideas. Hay diversas teorías y fundamentos para discutir este argumento aunque éste no es el espacio adecuado para defenderlo o refutarlo. Sin embargo, parece necesario reconocer que la pintura, como todo el arte, es un lenguaje y, como tal, sus posibilidades son infinitas. La obra de los ocho artistas que dan vida a Yo También, es el testimonio de las ilimitadas posibilidades que tiene la pintura de producir lenguajes y, además, nos permite evidenciar que la pintura tiene un lugar y espacio importante en la producción artística contemporánea en México. Óleos, acrílicos, collages, mezclas innumerables de colores, figuras, formas y tamaños dialogan en las cinco salas de Galería Ethra, mostrando al espectador lenguajes distintos
que le permiten establecer cierta complicidad con la obra y el artista. Cada pieza reclama su espacio y su tiempo, su disposición crea en las salas un fenómeno en el que convergen diálogos distintos que producen múltiples lenguajes; ya sean pictóricos, líricos, imaginarios, poéticos, musicales o cualquier otro. Por otro lado, las lecturas que pueden surgir a partir de esta exposición son innumerables. El objetivo no se limita a celebrar el aniversario de la galería con un homenaje a la plástica mexicana, sino persigue que el espectador descubra las infinitas posibilidades de la pintura y viva experiencias a partir de las obras que conforman Yo También. Ana Cristina Ortego Curadora
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Miguel Castro Leñero
El hombre nunca mira al cielo porque siempre lo tiene a la vista. Jean de Monet
Nació en la Ciudad de México en 1956. Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Ha expuesto de manera individual y colectiva en museos y galerías de todo el mundo. Su obra forma parte de importantes colecciones de México y el extranjero. En 1982 y 1986, su trabajo fue reconocido en la Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Miguel Castro Leñero parte de formas elementales, figuras o señales, signos y símbolos presentes en nuestra vida cotidiana: casas, columpios, animales, árboles, nubes —por mencionar algunos— y los deconstruye dotándolos de un nuevo significado al recontextualizarlos en el lienzo. Una gran influencia en su obra es la calle; el artista entiende la ciudad como un “laboratorio de imágenes de situaciones paradójicas y poéticas que estimulan su trabajo”. Así, en su proceso creativo no sólo deconstruye y observa meticulosamente su contexto, también parte de su
imaginación, pues, al imaginar, Miguel obtiene muchos de los temas de su pintura representando ese entramado de elementos cotidianos e imaginarios. Además, Castro Leñero, intenta erigir escenarios personales, basándose en la selección y apropiación de imágenes existentes; afirma que “utiliza material visual neutro y con ello se desenvuelve una obra personal”. Las texturas, la superposición de planos, el manejo impredecible de la paleta cromática son algunas de las características que podrían definir formalmente la propuesta de Castro Leñero, quien además encuentra en la pintura una técnica fascinante, sumamente compleja y misteriosa. Miguel Castro Leñero es un artista que convierte elementos cotidianos en figuras únicas, en su obra hace un análisis de la sociedad contemporánea y la forma de desenvolverse en su entorno.
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Paisaje interior IV
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Ă“leo sobre tela 160 x 200 cm
2006
Construcción equivocada I
Óleo sobre tela 160 x 130 cm 2013
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Mauricio Cervantes El tiempo saca a luz todo lo que está oculto y encubre y esconde lo que ahora brilla con el más grande esplendor. Horacio Nació en la Ciudad de México en 1965. Desde hace ya varios años vive en San Agustín Etla, Oaxaca. Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (enap). Ha participado en un sinfín de exposiciones individuales y colectivas en México y el extranjero. Su obra forma parte de diversas colecciones públicas y privadas. En 1994 fue acreedor de una mención honorífica en la IX Bienal de Pintura Rufino Tamayo. De manera personal, Mauricio Cervantes tiene un especial interés por los procesos físicos y químicos que transforman la materia con el paso del tiempo; interés que se ha visto reflejado en su trabajo ya que parte fundamental de su técnica es utilizar procesos de erosión y oxidación como elementos visuales que componen formas simbólicas en sus piezas. Este artista construye metáforas, historias o símbolos, invitándonos a descubrir el paso del tiempo en una obra que, paradójicamente, es actual. El uso de baldosas hidráulicas, técnica utilizada por Cervantes en los últimos años, alterando químicamente la superficie con agentes corrosivos, le ha permitido potenciar la metáfora que envuelve su propuesta. Él define este soporte como una “versión contemporánea del fresco”.
La silueta es aquella forma que articula su obra temáticamente; siluetas que funcionan como sombras y le dan a las figuras un carácter atemporal, lo que intensifica la idea del paso del tiempo. Otro aspecto medular de sus piezas es la presencia de lo femenino como parte de una condición humana universal; de ahí que muchas veces los contornos o ciertas figuras presentes en sus obras nos remitan a dicho concepto. Así, Mauricio rinde un homenaje a la idea de lo femenino como elemento ontológico. Cervantes nos induce a descubrir un no lugar en el que dialogan ciertos elementos que nos remiten al origen de la vida y del paso del tiempo; origen y temporalidad se conjugan en sus piezas invitándonos a reflexionar sobre nuestra condición humana, y son también un homenaje a la vida y al transcurrir del tiempo. Por otro lado, con su innovadora técnica, Mauricio descubre “las posibilidades que tienen las prácticas pictóricas al rebasar los límites convencionales”, como él afirma. De esta manera, nos mueve a descubrir, a imaginar y a inventar en un espacio atemporal. 11
Ciclista sobre friso NazarĂ
Agentes oxidantes sobre baldosas hidrĂĄulicas
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240 x 240 cm
2013
Ciclista sobre friso de Isis
Agentes oxidantes sobre baldosas hidrรกulicas
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240 x 240 cm
2013
Víctor Guadalajara La obra de Víctor Guadalajara nos lleva a ver fuera del cuadro. Nos obliga a mirar hacia el otro lado, a descubrir otros caminos, a ensayar formas nuevas de percepción. Antonio Espinoza Nació en la Ciudad de México en 1965. Estudió Diseño Gráfico en el Instituto Nacional de Bellas Artes. Ha participado en diversos salones de pintura, bienales y exposiciones colectivas tanto en México como en el extranjero. En el 2000 recibió mención honorífica en la X Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Ha sido becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (fonca) para Jóvenes Creadores y del Sistema Nacional de Creadores de Arte (snca). A través de la escultura, el dibujo, la gráfica y la pintura, Víctor Guadalajara crea obras abstractas basadas en composiciones geométricas. Experimenta con las formas y su significación, apropiándose de ellas e introduciéndolas a un plano imaginario en el que explota su capacidad semiótica. Así, los cuadrados o los triángulos se vuelven orgánicos,
oníricos o humanos. Sus piezas entablan un diálogo con el espectador mediante la repetición de formas que gestan a su vez otras nuevas. Víctor Guadalajara desarrolla sus ideas a partir de la construcción con lo fragmentado, existe en su obra “un deseo de fragmentar y unir”, cita Teresa del Conde. Así, su trabajo es tridimensional; se trata de “escultopinturas”, cargadas de geometría y formas orgánicas que se originan en la naturaleza. Su propuesta es el resultado de una profunda observación del entorno, y una exacta comprensión de aquella medida perfecta que compone cada objeto presente en la naturaleza: la medida áurea. Cada pieza tiene una identidad poética y rítmica única. Transita por una ambigua zona cercana al arte-objeto sin abandonar su carácter pictórico.
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Fragmento espiral
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Encรกustica sobre tela
180 x 220 cm
2013
Sin tĂtulo
EncĂĄustica sobre madera
120 x 170 cm
2013
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La simulación […] parte del signo como reversión y eliminación de toda referencia. Jean Baudrillard
Alfonso Mena Pacheco
Nació en la Ciudad de México en 1961. Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Su obra ha sido expuesta en galerías y museos de todo el mundo con gran éxito. En 1994 obtuvo mención honorífica en la VII Bienal de Pintura Rufino Tamayo. El trabajo de Mena Pacheco se presenta como una especie de mapa arqueológico compuesto de signos ocultos que el espectador debe “desenterrar” entre texturas, elementos gráficos y degradación de color. Al descubrir dichos signos, se revela un lenguaje abstracto exquisito que narra su leitmotiv como si el entramado de texturas, colores y signos nos cantaran al oído en un momento de gran intimidad. Así, la superposición de elementos, las texturas, la presencia o ausencia de color, los contrastes de luz y sombra, y la maestría en el manejo cromático son elementos que conforman la obra de Mena Pacheco y, a partir de los cuales, el espectador puede descubrir y crear lecturas metafóricas de cada pieza.
Este particular entramado que caracteriza el trabajo de Alfonso es capaz de transmitir su proceso mental con un lenguaje que se activa cuando el espectador ve la obra; se revela la intención del artista de crear un lenguaje de señas y formas que pongan a prueba las emociones de quien mira. De ahí que al estar frente a sus piezas, de pronto parezca que no hay nada más, como si nos abstrajeran de todo nuestro contexto reclamando atención absoluta para lo que tiene que decirnos. De esta manera, Mena Pacheco nos invita a descubrir signos, a inventar lenguajes. Crea simulacros que nos abstraen de toda referencia contextual envolviéndonos en su juego de elementos con un ritmo cálido; como si escucháramos una sinfonía en donde la técnica, las texturas y el color son los instrumentos que nos llevan a escuchar su obra y a descubrir sensaciones implícitas en ella.
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Sin título III. De la serie "Comenzar" Óleo y caolín sobre lino
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180 x 140 cm
2013
Sin Título IV. De la serie "Comenzar"
Óleo y encáustica sobre lino
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180 x 140 cm
2013
Éric Pérez Somos nuestra memoria, somos ese quimérico museo de formas ese montón de espejos rotos. Jorge Luis Borges Nació en la Ciudad de México. Estudió Artes Plásticas e Historia del Arte. Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas; la más reciente es Panorámica. Paisajes 2013-1969 en el Museo del Palacio de Bellas Artes. En 2006 ganó el premio de adquisición de la Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Paisajes: bosques, selvas, llanuras, vistas marinas, el reventar de las olas, el desierto, por mencionar algunos, son el tema aparente de la obra de Éric Pérez. Se trata de pintura figurativa lograda con una maestría ejemplar, con sólo mirarlas, sus piezas nos transportan a otro lugar, a veces podemos ponerle nombre, otras se trata de un espacio indefinido. Éric Pérez busca convertir en cuadros imágenes mentales que surgen a partir de experiencias de la vida cotidiana. Así, la memoria es un elemento fundamental en su proceso creativo, las vivencias que decide someter a esa alquimia de pintar, afirma el artista, “son aquellas en que la naturaleza y el ser humano están conectados de manera simbólica”.
Para el artista, la pintura figurativa es el vehículo perfecto para resignificar las imágenes contenidas en la memoria, imágenes cuyo significado se activa al ser vistas creando un diálogo con el espectador que propicia una experiencia onírica compartida. La acción de interpretar el entorno que nos ofrecen las piezas de Éric Pérez involucra una interiorización de lo externo; materializan una vivencia íntima de lo que nos rodea. Al comprender el proceso creativo de este artista, nos damos cuenta de que no es un paisajista, pues éste pinta lugares mientras que Éric Pérez nos ofrece paisajes personales llenos de significados simbólicos; su obra es una ventana a su interior, a su memoria, a sus sentimientos y percepciones. Al ver su producción, descubrimos esa dinámica de pintar, ese proceso en el que el artista se apropia de la obra. Inevitablemente pienso en aquel poema de Federico García Lorca: “Con mi roce descubro los colores de los fondos dormidos”.
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Alquimia
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Ă“leo sobre tela
190 x 300 cm
2008
Crรกter
ร leo sobre tela
60 x 180 cm
2008
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Adrián Procel La creatividad liberada en la construcción de todos los momentos y acontecimientos de la vida cotidiana es la única poesía que podemos reconocer, la poesía hecha por todos. Guy Debord Nació en la ciudad de Monterrey en 1974. Estudió Artes Visuales en la Universidad Autónoma de Nuevo León. Sus obras han sido reconocidas no sólo en México sino también en otros países. Realizó una estancia artística en Nueva York. En 2008 fue ganador de la XIV Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Ha expuesto en México, Estados Unidos, España e Israel. Ha participado en diversas bienales y ferias en México y el extranjero. Su obra forma parte de la colección de pintura del Museo Rufino Tamayo. Comenzó su carrera como rotulista, actividad que influyó en su trabajo como artista, pues afirma que dicha actividad “tiene mucho que ver con el orden, lo geométrico, la precisión del trazo y la pulcritud”, características que fácilmente podemos reconocer en toda su obra. Procel admite un interés por el trabajo de los Situacionistas, del errabundeo, por la obra de John Baldessari, Ed Ruscha, Edward Hopper, Bill Viola y el cine de David Lynch; elementos que reconocemos como influencia en su trabajo.
La pintura de Adrián Procel reta la mirada mediante el realismo fotográfico con el que es ejecutada. Sus obras representan momentos de la vida cotidiana sublimados a través de un simulacro técnico que toma la fotografía como referente. El artista se ha interesado por el espacio vacío; lugares cotidianos plagados de personas en los que él omite a los personajes deliberadamente; sitios “donde la acción a desarrollarse es el fin de sus pinturas, algo que no se encuentra dentro del cuadro”, afirma Procel. Así, su obra es original e irrepetible, en ella el tiempo discontinuo crea la esencia de cada pieza, pues evidencia una actividad no representada: un momento invisible es aquello que le da a cada pintura su razón de ser. De esta manera, Adrián crea una experiencia en cada situación que plantea como pintura; acerca su arte a la vida cotidiana. Adrián Procel desdibuja las fronteras entre la experiencia y su representación.
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Pausa de relato II AcrĂlico sobre tela 56 x 86 cm 2013
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Pequeño recuerdo de atardecer
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Acrílico sobre tela
56 x 86 cm
2013
Roberto Turnbull Alcanzar metáforas visuales que den forma a los cambiantes descubrimientos de su propia subjetividad. Raquel Tibol
Nació en la Ciudad de México en 1959. Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Su obra ha sido reconocida en exposiciones individuales y colectivas en México y el extranjero. En 1992 y 1998 fue acreedor del Premio de Adquisición de la Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Roberto Turnbull es un artista al que difícilmente se le podría etiquetar en “algún estilo”. Su obra es una constante exploración de técnicas y temas elegidas al azar por los intereses que en un momento determinado le inquietan. En esta constante búsqueda y experimentación, siempre hay un objetivo común; en palabras del curador Carlos Ashida sobre la muestra “Caza Furtiva” en el Museo de Arte Moderno: “hay una inclinación […] por poner a prueba la sensibilidad del espectador”. Por esta razón, la fructífera producción de Turnbull siempre logra sorprendernos. Algunas veces mediante una
divertida y fortuita experimentación con texturas, otras invitándonos a descubrir los efectos que nos produce la fragmentación del espacio que nos hace conscientes de un lugar determinado, o bien mediante una inquietante explosión de colores que dan lugar a formas que se hacen presentes al mirar la obra. Esa autonomía un tanto rebelde que caracteriza el trabajo de Turnbull es el elemento que, como espectadores, nos cautiva y nos envuelve en una imperiosa necesidad de colocar las emociones que nos provoca descubrir sus piezas en algún lugar de nuestro cuerpo. Dialogar con la obra de Roberto nos pone en medio de un torbellino de sensaciones, pues si algo comparten sus piezas es que, sin excepción alguna, todas encierran en sí un carácter impulsivo.
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Objeto Volador
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Ă“leo sobre tela
160 x 110 cm
2012
Hometheater
AcrĂlico sobre tela
195 x 200 cm
2013
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Emi Winter Todo fluye, nada se inmoviliza. Heráclito
Nació en la ciudad de Oaxaca. Estudió Artes Visuales en Oberlin College, Ohio. También estudió Pintura e Historia del Arte en Florencia, Italia. Actualmente la artista méxicoamericana estudia su maestría en Bard College, en Nueva York. A lo largo de su carrera ha expuesto en museos y galerías a nivel nacional e internacional. En 2011 ganó el Premio de Adquisición de la XV Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Aunque actualmente Emi se encuentra en un periodo de transición en el que está buscando una síntesis entre la abstracción y la figuración, en esta muestra hicimos una selección de obra abstracta. Al mirar la producción de Emi Winter nos cautiva una sensación de infinitud y trascendencia, las piezas despiertan la necesidad de entender qué hay detrás de esas capas de pintura que se revelaban unas sobre otras con un ritmo cálido y constante, como si la emoción que produce descubrir un color en sus lienzos fuera rápidamente sepultada por la aparición de otro tono.
La explosión de colores, contenida en el lienzo con trazos abstractos, crean un diálogo íntimo con el espectador, ya que el dominio técnico del acrílico y el aerógrafo nos permite conocer el proceso de trabajo que la artista busca evidenciar las piezas. De esta manera, se genera una complicidad exquisita entre la obra y quien la mira. Observar el trabajo de Emi Winter es entregarse de pronto a un flujo constante de emociones. Sus piezas remiten a esos trazos de grafiti que, inevitablemente, nos obligan a mirar esos trazos en un sitio que pasaría desapercibido de no ser por su presencia. Al descubrir esta relación entre el grafiti y la obra de Emi —aproximación, aclaro, muy personal— encuentro en sus piezas una lectura intrigante y fascinante; como si éstas fueran una especie de catalizador que crean cierta conciencia del espacio en el que las miras; así, las obras se apropian del muro en el que se exponen y del espacio en sí, envolviendo al espectador en una posibilidad infinita de descubrir.
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Paisaje (Eternidad)
AcrĂlico sobre tela
200 x 170 cm
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2011
Sin tĂtulo. De la serie "Trama y Urdimbre"
AcrĂlico sobre tela
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160 x 110 cm
2010
CATÁLOGO Coordinación edi tor ial: Ana Laura Delgado Cuidado de la edición: Angél ica Antonio Textos: Ana Cristina Ortego Corrección de est ilo: Sonia Zenteno Diseño: Javier Morales Obra de Miguel Castro Leñero: Pedro Hiriart Obra de Víctor Guadalajara: César Flores El resto de las imágenes son del archivo personal de cada artista.
YO TAMBIÉN:
Exposición 5º Aniversario Galería Ethra se impr imió en el mes de agosto de 2013 en los talleres de Offset Rebosán, con domicilio en avenida Acueducto núm. 115, colonia Huipulco Tlalpan, C. P. 14370, México, D. F. • Se ut il izaron las famil ias Verlag y Verlag Compressed • Se impr imieron 700 ejemplares en papel couché mate de 150 gramos, con encuadernación rúst ica • El cuidado de la impresión estuvo a cargo de Ediciones El Naranjo.