Javier Zevallos-Architecture Portfolio-Historia del Arte(ENTREGA FINAL)-ULima-2021 by Javier Zevallos

PORTAFOLIO

CARCEDO, MARIA DE LA PALOMA

326

PROFESOR:

HISTORIA DEL ARTE JAVIER ZEVALLOS 20183472

ÍNDICE

1 PORTADA CONTRAPORTADA

2 INDICE GRAFICO

ACTIVIDAD 1

CG2-CG3

4 ACTIVIDAD 2 CG2-CG3

5 ACTIVIDAD 3 CG2-CG3

HISTORIA DEL ARTE-326

5 ACTIVIDAD 4 CG2-CG3

6 ACTIVIDAD 5 CG2-CG3

7 ACTIVIDAD 7 CG2-CG3

8 CV

9 INFORMACIÓN DE CURSO

J.ZEVALLOS PAG 1-2

ACTIVIDAD 1:

Este primer trabajo consistió en elegir una obra de las tres que aparecían en el PPT y responder las 5 que nos habia asignado la profesora.

TRABAJO N1 1- ¿Por qué elegiste esa diapositiva (foto o cuadro)? Elegí esta última fotografía debido a que me llamó la atención el hecho de ver dos personas besándose con una bolsa/tela en la cabeza para así no exista contacto alguno.

Al inicio este trabajo se me complicó, debido a que no conocia totalmente las obras mostradas, es por eso mismo que empecé a investigar una por una hasta que me decidí por la obra de “Les Amants”, que fue realizada por René Magritte en el año de 1928.

2- ¿Qué interrogantes te produjo cuando la observaste, qué te recordó y porqué Al observar la obra me pregunté, ¿Realmente las personas habrán realizado la acción vista en aquella época? y ¿Hoy en día las personas lo harán?,Además, me hizo recordar a una fotografía vista hace unos años atrás cuando surgió la gripe HN1N1 en el Perú, es una recreación de la obra, pero con personas reales. 3- ¿Qué crees que el autor quiso transmitir con ella? ¿En qué se inspiró? Considero que el autor quiso transmitir que con la acción de besar se puede trasmitir las enfermedades, por ello en épocas de pandemia es mejor no tener contacto físico con otra persona. Finalmente, el artista se inspiró en el suicidio de su madre, ahogada en un río, por eso los velos húmedos. 4-

Cuál es el contexto social que crees influenció al artista en su ejecución Considero que el artista ejecutó esta obra debido al suicidio de su madre, cuando él era una

Busqué la información en libros virtuales de confianza que me pudiesen brindar datos reales de la obra.

adolescente. En la mente de un artista de 13 años quedó la imagen de la ropa húmeda tapándole la cara a su progenitora y por ese motivo quiso reflejarlo. 5-

¿Crees que entenderías esa obra hoy en día si no conocieras la problemática de la pandemia del Covid-19? No, porque a primera vista percibí que la dos personas intentaban ocultar más su identidad para que ninguna persona pueda identificarlos. Además, la tela que los cubre y que no permite el

Finalmente, en este primer trabajo logré obtener una calificación 5/5 puntos.

HISTORIA DEL ARTE-326

contacto directo entre ellos dos a través del beso puede significar que es un amor prohibido.

DESCRIPCIÓN: Análisis de una obra de Arte elegida por el alumno

OBJETIVO:

1.Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental 2.Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto departida. 3.Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura.

OBRA: 6- Concluye tu comentario explicando “para conocer una obra de arte hay que conocer el momento histórico y social en que fue hecha”. Puedes comentar una o también comparar dos o las tres a la vez. Como mejor creas que puedes hacer el comentario En esta ocasión he tomado la imagen de la segunda diapositiva en la que se observa a dos mujeres tapadas desde la nariz hasta el mentón. Estoy de acuerdo en que para conocer una obra de arte hay que conocer el momento histórico y social en que fue hecha, ya que sin ella no la obra no puede ser estudiada, analizada o apreciada con más profundidad. En este caso, gracias al contexto podemos saber el porqué las dos personas están cubiertas y debido a sus expresiones no verbales puedo percibir que ambas sienten cierto miedo. REFERENCIAS: S.A. (2020). La belleza del día: “Los amantes”, de René Magritte. 08 abril 2021, de INFOBAE Sitio web: https://www.infobae.com/cultura/2020/04/21/la-belleza-del-dia-los-amantes-de-renemagritte/ Santos,M. (2016). Los amantes Esos velos húmedos aluden al suicidio de su madre, ahogada en el río.. 08 abril 2021, de Historia arte Sitio web: https://historia-arte.com/obras/los-amantesde-magritte

“Los amantes”-René Magritte https://historia-arte.com/obras/los-amantes-de-magritte

J.ZEVALLOS PAG 3-4

ACTIVIDAD 2:

Este segundo trabajo lo elaboré junto a una compañera de clase y consistió en realizar dos dibujos: un Zigurat de Mesopotamia y un templo egipcio, se nos recomendó hacerlo a mano como es en nuestro caso. Al iniciar el trabajo hicimos una revisión general de lo que habia que investigar para asi ambos tener conocimiento de lo que haria cada uno. Buscamos la información en libros virtuales de confianza que nos pudiesen brindar datos reales de las obras como también revisamos las clases grabadas para asi tener una mejor presentación.

HISTORIA DEL ARTE-326

Esta información consistia en datos generales, como la cultura, fecha de ejecución, materialidad y usos de las diferentes áreas de cada edificación. Luego, ambos buscamos una imagen de un Zigurat de Mesopotamia y de un templo egipcio, para asi poder dibujarlo de la mejor manera posible. Finalmente, una vez acabado lo ,anteriormente, mencionado hicimos un comentario por cada uno( Zigurat de Mesopotamia y un templo egipcio) como también uno general del trabajo. En este primer trabajo logré obtener una calificación 4/5 puntos.

DESCRIPCIÓN:

El alumno deberá realizar dos dibujos: un Zigurat de Mesopotamia, preferiblemente el de Ur, Sumeria, y un templo egipcio, preferiblemente el de Jonsù en Karnak , preferiblemente hecho a mano.

OBJETIVO: 1.Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental 2.Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto departida. 3.Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura. 4.Desarrollar habilidades básicas de investigación científica.

HISTORIA DEL ARTE: 2021-1 - Actividad 2

las energías emanadas por los y las diosas. Los artistas tuvieron que decorar las paredes de las tumbas para que la imagen del faraón lo pueda mantener vivo.

Zigurat de mesopotamia de ur Sumeria Templo egipcio de Jonsù en Karnak

una monumentalidad que intimida al espectador y concepción de algo imperecedero y hecho para la

Cultura y fecha de ejecución:

eternidad que reflejan

No se compartió la creencia religiosa de los

Cultura y fecha de ejecución:

egipcios. Su construcción comenzó durante

Su función es adorar a los distintos dioses

el IV milenio a. C. (período de Uruk), órdenes

del Pantéon. Su construcción comenzó

que dio el Rey Ur-Nammu.

durante el Imperio Nuevo bajo el mandato

Ubicación geográfica:

aunque

Se ubica en la ciudad de Babilonia. Se

remodelaciones

del faraón Ramsés III, hacia el 1150 a. C.

encuentran a 24 km al suroeste de Nasiriya,

fue

objeto hasta

de la

época era para ‘mantener vivos’ a los faraones egipcios, ya que era una manera de adoración a este.

varias dinastía

ptolemaica.

en el actual Irak.

Materialidad:

tanto los materiales utilizados, como su concepción arquitectónica, todas estas construcciones en la

Ubicación geográfica:

En el interior de la estructura está compuesta por ladrillos de adobe en sentido horizontal y en el

Se ubica en la región de Tebas, capital del Imperio Nuevo y forma parte del gran recinto religioso de

exterior se compone por ladrillos cocidos y secados al sol. Esta estructura está amurallada por un

Karnak junto con otros templos.

muro que estaría decorado con la técnica del ladrillo vidriado.

Materialidad:

Comentario del fragmento del capítulo 2: Según Gombrich, lo que intenta explicar es que el estilo egipcio es una ley que sigue una estructura, la cual los artistas desde jóvenes debieron cumplir. Un claro ejemplo es que los varones no podían tener la piel más clara que las mujeres, y si dibujaban a un dios, cada uno tenía una representación

Para su construcción se utilizaron sillares de roca caliza, perfectamente cortados y encuadrados, Usos de las diferentes áreas de cada edificación: Se trata de una torre escalonada que se conforma de tres plantas y en cada una de ellas tiene una

debieron emplearse canteros expertos para realizar las numerosas tallas, desde la avenida de los esfinges, hasta los capiteles y relieves del interior.

terraza. La primera planta tiene 11 metros de altura y en su explanada nos encontramos con un parapeto de poca altura en cuyo centro se levanta una segunda planta cuyas dimensiones serían

de un animal como halcón o un chacal. Debido a esta ley, tuvo como objetivo que cada estatua o pintura tenga un efecto de equilibrio y armonía.

Usos de las diferentes áreas de cada edificación:

menores a las de la primera. La tercera planta no se ha conservado, pero se sabe que ahí se

Al ingresar entran a un gran patio denominado como ‘Patio hípetro’(espacio arquitectónico que no

encontraría el templo o santuario dedicado a la diosa lunar. Para acceder a la estructura

está cubierto por un techo), a este le sigue una gran Sala hipóstila (recintos arquitectónicos) y

encontramos tres escaleras: dos laterales y una central.

finalmente, se encuentra una Sancta Sanctorum.

Comentario sobre su construcción:

Los zigurats son estructuras que están conformadas de manera piramidal porque hay una intención

De acuerdo al dibujo podemos mencionar que, a lo largo de su recorrido el templo disminuirá en

de tener una conexión con el cielo y las divinidades. Es una construcción que también es simbólica

altura e iluminación creando un efecto mágico que atraerá al creyente a la adoración o bien infundirá

pues sus formas son similares a las de una montaña que, dentro de la cosmogonía mesopotámica,

el temor de Dios. Como toda la arquitectura egipcia, los templos participarán de una serie de rasgos

tenía que ver con esa montaña sagrada o lugar sagrado desde donde se podía recibir los poderes y

característicos como la construcción arquitrabada, la representación simbólica del poder del faraón,

Referencias:

Algargos, (2014), El templo de Jonsu en Karnak, Recuperado el 6 de octubre del 2014, Alargos, Arte e historia. http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/el-templo-de-jonsu-en-karnak.html?m=1

Victor Cantos, (2015), Comentario Templo de Khonsu (Jonsu) en Karnak, Recuperado el 14 de diciembre

del

2015,

Aula

Historia.

https://www.auladehistoria.org/2015/12/comentario-templo-de-khonsu-jonsu-en.html?m=1

Victor Cantos, (2016), Zigurat de Ur comentario, Recuperado el 12 de enero del 2016. https://www.auladehistoria.org/2016/01/zigurat-de-ur-comentario.html

Zigurat de mesopotamia de ur Sumeria

Templo egipcio de Jonsù en Karnak

J.ZEVALLOS PAG 5-6

ACTIVIDAD 3:

Este tercer trabajo lo elaboré junto a una compañera de clase y consistió en comentar y criticar los elementos formales.Además, en realizar un comentario sobre las esculturas y los edicios mostrados. Para llevar a cabo este trabajo debimos hacerlo según a la lectura de “Analisis y comentario de una obra de arte”. Al iniciar el trabajo hicimos una revisión general de lo que habia que investigar para asi ambos tener conocimiento de lo que haria cada uno. En este trabajo obtuvimos calificación de 8/10 puntos.

1. El Laocoonte y sus hijos

Características formales: Es una figura con superficies lisas, finas y pulidas que nos aportan la sensación de dureza o tersura. El grupo presenta una concepción bidimensional, está concebido para ser visto de frente, y no para que el espectador de la vuelta en torno a él. En esta obra, se alcanza el máximo grado de barroquismo en la escultura, como se puede observar en la tensión y dramatismo de los rostros, cuerpos y el movimiento y la inestabilidad de todo el grupo. El personaje central, Laocoonte, de mayor tamaño, destaca por su estudio anatómico y del rostro. Tiene postura semisedente, que parece apoyarse en el asiento, del que cuelgan unos rígidos ropajes. Tiene la pierna derecha doblada y la izquierda retrasada, acentuando la idea de tensión. La composición, más que piramidal, se puede considerar triangular. Las figuras laterales, los hijos de Laocoonte, se abren en forma de ángulos rompiendo la verticalidad. Por lo tanto, nos encontramos ante un gran desequilibrio compositivo. El movimiento forzado y la tensión del conjunto se acentúan por la disposición de las serpientes que, con sus anillos de formas sinuosas con curvas y contracurvas a la vez cierran y abren el conjunto. El cuerpo desnudo de Laocoonte es un perfecto estudio anatómico, se trata de la anatomía de un atleta ya maduro, casi decadente, pero con una musculatura hiperdesarrollada (muy propio del helenismo), que contrasta con los cuerpos menos expresivos y más clásicos de sus dos hijos. En estas figuras, era bastante usual utilizar la policromía en las piezas de mármol. La intención era resaltar algunos elementos como el cabello, por ejemplo. En cambio, en las figuras en bronce, se utiliza pasta vítrea para los ojos y finas láminas de plata sonrosada para los labios.

2. Escultura de Cesar August

●

Periodo: Laocoonte y sus hijos es una escultura de mármol del periodo helenístico (323 a.C. – 31 d.C.)

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Fecha: (323 a.C. – 31 d.C.)

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Características: Laocoonte y sus hijos es una escultura tallada en mármol blanco y alcanza una altura de 2,42 metros. Se trata de un grupo escultórico con tres figuras humanas (un hombre adulto barbado y musculoso, de mayor tamaño, junto a dos niños o jóvenes pequeños) y dos serpientes enormes. En esta pieza se representa el momento exacto en que las serpientes marítimas se enroscan en el cuerpo del sacerdote troyano y sus dos hijos. Siguiendo los rasgos característicos del arte helenístico, la obra hace gala de un gran dinamismo y virtuosismo.

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Periodo: Augusto de Prima Porta es una estatua de Augusto que fue descubierta el 20 de abril de 1863 en la villa de Livia, en Prima Porta, un suburbio de Roma.

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Fecha: La escultura original apareció en Roma en 1863, cuando se excava un palacio que había pertenecido a la esposa de Augusto, en los alrededores de una zona conocida como Prima Porta.

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Características: Escultura en bulto redondo, de cuerpo entero en actitud de pie como dirigiéndose al público, realizada en mármol. Las superficies parecen lisas y pulidas aunque en su armadura se aprecian relieves de mucho trabajo. Se aprecia algo de frontalidad y su actitud es reposada y serena, con una posición de contraposto al estilo de la Grecia Clásica. La luz incide de forma homogénea y suave y no se aprecian restos de policromía. En cuanto a sus formas de expresión se aprecia un naturalismo acusado con algo de idealización. El parecido con la realidad es evidente pero en su rostro se ve al político sereno y seguro: realidad idealizada. La anatomía está muy bien trabajada al igual que los pliegues de sus ropajes. Todo está pensado para dar una dimensión temporal de eternidad.

una

La escultura mide aproximadamente dos metros de altura. Hay que ver en esta obra una intencionalidad política de propaganda como podemos observar en los relieves representados en la coraza donde, bajo la representación de la bóveda celeste aparece Tiberio, hijo de Livia e hijastro y sucesor de Augusto, recibiendo de los partos las águilas e insignias arrebatadas a las legiones romanas al mando de Craso. Así mismo, a ambos lados aparecen representadas las alegorías de las dos provincias incorporadas recientemente al Imperio como eran la Hispania (a la izquierda) y la Galia (a la derecha). En la parte inferior se observa a la Madre Tierra con Rómulo y Remo y el cuerno de la Abundancia, escoltado por Apolo y Diana, ambos dioses. Así mismo bajo los pies de Augusto aparece una representación de Cupido cabalgando a lomos del delfín (alegoría de Venus). Así mismo, el hecho de que aparezca Augusto con los pies descalzos, cosa que en la obra original en bronce no sucedía, nos informa sobre la consideración que recibe Augusto como "dios" y nos informa sobre la fecha de la obra, posterior a la muerte de Augusto pues éste no fue divinizado hasta después de su muerte. ●

HISTORIA DEL ARTE-326

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Características formales: Nos encontramos ante una estatua de bulto redondo, de cuerpo entero en actitud de pie del emperador Octavio Augusto, como dirigiéndose al público o arengando a sus tropas, al tener la mano derecha levantada. Está realizada en mármol y mide unos dos metros de altura. Parece que es una copia o duplicado en mármol, realizada una vez fallecido el emperador en el 14 d.C., de un original en bronce realizado en torno al año 19 o 20 a.C. Esta escultura conservada en el Museo Vaticano (Braccio Nuovo) es una reproducción encargada por su esposa Livia cuando enviudó, y fue encontrada en 1863 en las ruinas de la Villa llamada Ad Gallims Albas, en el lugar de Prima Porta, en un lugar suburbano cerca de Roma, junto a la Vía Flaminia, donde se retiró Livia tras la muerte de su esposo.

Las superficies parecen lisas y pulidas aunque en su armadura se aprecian relieves de mucho trabajo. En la obra aún se pueden observar restos de colores vivos como dorados, púrpura, azul y otros colores, con lo que la obra estuvo policromada. En la obra se aprecia algo de frontalidad y su actitud es reposada y serena, pero al ladear la cabeza y la posición de contraposto (apoyar todo el peso del cuerpo sobre una pierna y dejar la otra flácida) al estilo de la Grecia Clásica, trata de darle naturalidad y apartarse de las rígidas esculturas frontales de la antigüedad. En cuanto a sus formas de expresión se aprecia un naturalismo acusado con algo de idealización. El parecido con la realidad es evidente al representar las facciones de Augusto (el emperador aparece con la mirada sombría y el típico flequillo, así como su carácter introvertido, nervioso, melancólico, majestuoso, pero sin estridencias), pero en su rostro se ve al político sereno y seguro, prudente, frío, consciente y preocupado de sus pensamientos y palabras; es la realidad idealizada, algo normal que se inicia en el imperio, produciéndose el paso del retrato muy realista etrusco a los retratos que buscan la belleza idealizada y perfecta, de influencia helenística. La anatomía está muy bien trabajada al igual que los pliegues de sus ropajes, incluso se aprecia la técnica de los paños mojados para resaltar la musculatura de la figura. El emperador aparece descalzo. Todo está pensado para dar una dimensión temporal de eternidad.

●

Comentario: La escultura Laocoonte y sus hijos expresan el cambio de sensibilidad artística que caracterizó al período helenístico, pues deja atrás el equilibrio, la austeridad y la serenidad del período clásico mientras que la escultura de Cesar augusto un equilibrio entre el idealismo y el realismo. Según Morante y Ruíz (1997), El origen derivó de la escultura griega, principalmente a través de la herencia de la escultura etrusca. La escultura en la antigua Roma aportaron con una contribución original en la tradición, especialmente en el género del retrato cúal consiguió un gran prestigio, usando una gran técnica y alta expresividad. Y en la escultura decorativa de los grandes monumentos públicos, donde se desarrolló un estilo narrativo de gran fuerza y carácter típicamente romano. Por otra parte, la escultura de Laocoonte representa la muerte del sacerdote troyano Laocoonte, castigado por los dioses a morir estrangulado por serpientes marinas junto a sus dos hijos.

DESCRIPCIÓN: Grecia. Roma. Bizantino. Islam.

Paleocristiano

OBRAS: ●

Quién lo construyó: La construcción de una basílica sobre el lugar comenzó bajo las órdenes del emperador romano Constantino I.

●

Fecha: Entre 326 y 333, y se necesitaron 30 años para completarla.

3. Dibujo reconstrucción de la basílica Paleocristiana de San Pedro en el Vaticano

4. Vista exterior general de la iglesia de Santa Sofía en Estambul, Turquia

●

Usos de los espacios: Baptisterio Atrio Testero Nartex

●

Razones por la cual se construyó: El diseño era el típico de una basílica romana, adaptada para el culto cristiano. La iglesia mandada erigir por el Emperador ganó importancia durante los siguientes doce siglos, y se convirtió en un importante lugar de peregrinación. Las coronaciones papales comenzaron a celebrarse allí; también fue el lugar donde Carlomagno fue coronado, en el año 800. Gracias a su prestigio, el templo fue decorado con estatuas, mobiliario y mosaicos, y continuamente se agregan sepulcros y altares a sus costados.

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Usos de los espacios: Atrio Nartex Puerta principal Cúpula central Coro Abside Naves laterales Bapisterio

●

Razones por la cual se construyó: Santa Sofía fue la sede del patriarca ortodoxo de Constantinopla y el escenario principal de las ceremonias imperiales bizantinas, como las coronaciones. La basílica también ofrecía asilo a los malhechores.

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Quién lo construyó: La construcción de la Iglesia de Santa Sofía comenzó bajo las órdenes del emperador romano Constantino I.

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Fecha: Fue construida durante el mandato de Justiniano entre los años 532 y 537 y es una de las obras maestras del arte bizantino.

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Comentario: La construcción de la basílica Paleocristiana de San Pedro en el Vaticano y La iglesia de Santa sofía fue realizada por la misma persona, el emperador romano Constantino I, ambas tenían como uso las coronaciones de la épocas, además, la iglesia también sirvió como asilo para los malhechores mientras que la basílica no. Según Morante López y Ana María Ruíz (1997), la iglesia Santa Sabina era esencial para las reuniones y asamblea de los fieles que participaban en el sacrificio de la misa, su altar no estaba situado al aire libre como los ritos paganos, estaban los fieles debajo de un techo, estas estaban hechas en mármol originario como el de las islas de Proconesia. Referencias: ● Morante López, F y Ana María Ruíz Zapata (1997) Análisis y Comentario de la Obra de Arte estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. Grecia, Roma. Capítulo VI: Arte Bizantino. Editorial Edinumen. Madrid España. ● Morante López, F y Ana María Ruíz Zapata (1997) Análisis y Comentario de la Obra de Arte estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. Grecia, Roma. Capítulo V: Arte Paleocristiano. Editorial Edinumen. Madrid España. ● Andrea Imaginario. (2018).Escultura Laocoonte y sus hijos. Recuperado el 22 de mayo de 2021. Cultura genial. https://www.culturagenial.com/es/escultura-laocoonte-y-sus-hijos/. ● Sofia Vargas.(2019).Todo sobre ‘Laocoonte y sus hijos’: una obra maestra en mármol del periodo helenístico. Recuperado el 22 de mayo de 2021. My mother met en español:https://mymodernmet.com/es/laocoonte-y-sus-hijos-escultura/.

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● ●

Dalia Ventura (2020). Santa Sofía: la ingeniosa arquitectura que le ha permitido a la estructura bizantina más importante mantenerse en pie tras 1.500 años de terremotos, asedios y conquistas. Recuperado el 22 de mayo de 2021. BBC NEWS. https://www.bbc.com/mundo/noticias-53370770

Laocoonte y sus hijos

Escultura de Cesar August

Basilica paleocristiana de san pedro del vaticano

Iglesia de santa sofía en estambul

Tom Pérez. (2015). Historia Del Arte: Análisis de una escultura Romana. Recuperado el 22 de mayo de 2021, de Blogger: Historia del arte link.

J.ZEVALLOS PAG 7-8

ACTIVIDAD 4:

Este cuarto trabajo lo elaboré junto a dos compañeras de clase y consistió en elegir entre la pintura del matrimonio Alnolfini de Jan van Eych o la escuela de Atenas de Rafael Sanzio y de acuerdo a la alegida analizarla teniendo en cuenta los elementos formales y una vez terminado lo anterior hicimos un comentario teniendo en cuenta lo aprendido en clase. Al iniciar el trabajo hicimos una revisión general de lo que habia que investigar para asi ambos tener conocimiento de lo que haria cada uno. Buscamos la información en libros virtuales de confianza que nos pudiesen brindar datos reales de las obras como también revisamos las clases grabadas para asi tener una mejor presentación. En este trabajo obtuvimos calificación de 5/10 puntos HISTORIA DEL ARTE-326

una

DESCRIPCIÓN: Analizar las pinturas teniendo en cuenta los elementos formales y hacer un comentario teniendo en cuenta lo aprenido en clase.

OBJETIVO:

J.ZEVALLOS PAG 9-10

ACTIVIDAD 5:

Este quinto trabajo lo elaboré junto a dos compañeras de clase y consistió en Analizar y comentar las obras pictóricas mostradas. Para llevar a cabo este trabajo realizamos un análisis formal de ambas las obras, para este analisis tuvimos en cuenta la lectura de Morante y Ruiz (1997). Al iniciar el trabajo hicimos una revisión general de lo que habia que investigar para asi ambos tener conocimiento de lo que haria cada uno. En este trabajo obtuvimos una calificación de 4/10 puntos la cual no fue la esperada.

HISTORIA DEL ARTE-326

AR TES MÁS

EL DESEMBARCO DE MARIA DE MEDICIS EN EL PUERTO MARSELLA AUTOR: Rubens Peter Paul ESTILO: Barroco Centroeuropeo FECHA: 1622-1625 MATERIALES Y TÉCNICA: Pintura al óleo sobre tela.

COMPOSICION: La composición es descentrada, con un dinamismo típicamente barroco. Junto a los personajes históricos o reales del plano superior coexisten los personajes mitológicos en el mar: monstruos marinos, sirenas, ninfas, en los que abundan los opulentos desnudos y los colores cálidos típicos de la escuela veneciana. Son Neptuno y las nereidas, que han acompañado al barco para asegurar una travesía sin incidentes. De esta manera elimina las fronteras entre lo histórico, lo terrenal y las fuerzas eternas.

DESCRIPCIÓN:Uno de los lienzos más atractivos de la serie pintada por Rubens para el palacio de Luxemburgo de París es el que representa el desembarco de la recién casada María de Médicis en Marsella. El episodio tuvo lugar el 3 de noviembre de 1600. La novia llega al puerto de Marsella acompañada de su séquito, precedida por las trompetas de la Fama -la figura alada que encontramos en la parte superior de la composición- y en compañía de Neptuno, tritones y nereidas que han llevado el navío hasta buen puerto.

Allí María es recibida por las personificaciones de Francia -con los brazos abiertos, un manto decorado con la flor de lis y un casco- y de Marsella. En el barco se queda el comandante de la flota y los marineros, contemplando atentamente el espectáculo.La composición está divida en tres partes, ocupando la inferior las figuras marinas, en posturas escorzadas, que contrastan con el equilibrio de la zona media. El movimiento vuelve a la zona superior, en la figura de la Fama. La vitalidad de las figuras es una característica de la pintura del maestro flamenco mientras que la luz que baña la escena y el colorido empleado son claras referencias a la influencia de la escuela veneciana, especialmente Tiziano, cada vez mayor en la pintura de Rubens. La Boda de María de Medicis y el rey Enrique IV, La felicidad de la Regencia de María de Medicis y el Intercambio de princesas también forman parte de esta espectacular serie encargada por la propia María de Medicis para glorificar su mediocre reinado, tarea complicada que en manos de Rubens alcanza cotas difícilmente superables. CARACTERÍSTICAS: Este trabajo fue encargado por la propia María de Médicis la cual estuvo casada con el rey Enrique IV de Francia, para reforzar su soberanía y legitimidad. En el momento de la ejecución del cuadro era reina madre y regente ya que el rey había sido asesinado en 1610, año en que Luis XIII asciende al trono con 9 años. Esta obra representa un hecho histórico y es cuando María de Médicis llega a Marsella el 3 de noviembre de 1600 y de la ciudad la cumplimentan. Abundan los desnudos y los colores cálidos típicos de la escuela veneciana. Además coexisten en la pintura junto a los personajes reales algunos seres mitológicos como sirenas y ninfas, también acompañan al barco para asegurar la travesía Neptuno y las nereidas.

LA MUERTE DE MARAT AUTOR: Jacques-Louis David ESTILO: Neoclasicismo FECHA: 1793 MATERIALES Y TÉCNICA: Pintura al óleo sobre tela, lienzo. VALORACIÓN ESTILÍSTICA: El estilo es el del "Clasicismo revolucionario". David combina la habilidad para la estilización y la simplificación que su educación clásica le había enseñado. Se ha fijado una impresión directa y convincente con la más simple de las formas y un mínimo de medios. La sección superior del cuadro se ha dejado impresionantemente vacía, método que David había aprendido estudiando a Caravaggio o a su escuela. El espacio en que tiene lugar la acción se indica de manera concisa y con absoluta sinceridad. Un gran bloque o cajón de madera con la lacónica inscripción "A MARAT/DAVID/se l'an deux" adelanta hacia el marco del cuadro; detrás en segundo y último plano, se extiende la bañera de color pardo grisáceo, tres cuartos de la cual están cubiertos por un tablero de madera. La cabeza y los hombros de la víctima sobresalen de la larga y estrecha caja. El pecho, con una minúscula herida, está en sombra. La cabeza de Marat está inclinada hacia atrás por la agonía de la muerte, envuelta en una especie de turbante blanco grisáceo. Debajo de éste emerge el rosto entre luz y sombra, los ojos cerrados, la boca angustiada pero con una leve sonrisa; tiene una fuerza plástica extraordinaria; es también infinitamente conmovedor. Una sencillez tan grandiosa está conseguida tan sólo mediante una composición magistral. Los tonos grises, pardos y verde petróleo aplicados en planos lisos son igualmente sencillos; su austeridad y su calculada posición procede del caravaggismo. Y es precisamente mediante estos valores delicadísimos y con moderados contrastes de luz y sombra, como se consigue una impresión pictórica y llena de color, a pesar de la ejecución contenida. La composión está también muy estructurada, lograda con unas líneas geométricas simples, con una sobriedad y desnudez huérfana de todo elemento accesorio, enfatizando así rigurosa y magistralmente la claridad visual. Esta obra de David se caracteriza formalmente por el disgusto ante el ornamento innecesario y el deseo de simplicidad, claridad y gravedad. El artista creó una figura puramente ideal empleando solamente el material que le permitía realizar su idea.5 La definición del lugar, tan precisa en primer plano, va perdiendo su precisión a medida que se va más allá: más de la mitad del cuadro está vacía, es un fondo abstracto... El borde de la bañera, la mitad está cubierta por una tela verde y la otra mitad por una sábana blanca. El espacio queda definido por la sobria, casi esquemática, contraposición entre horizontales y verticales. En esa zona exigua, zona intermedia, muere Marat6. Testimonio mudo e inamovible son los objetos. La bañera en la que estaba introducido... una caja de madera sin barnizar hace de mesa... encima de la caja hay una asignación económica. Abajo, en el primer plano, aparecen el cuchillo y la pluma. En la parte superior podemos ver dos escritos distintos. No hay ninguna idealización formal: el lado de la mesa escritorio, que fija el plano límite del cuadro, es un eje en el que se ven, con la alucinante evidencia de un trompe-l'oeil, las vetas de la madera, los nudos, los agujeros de los clavos; en el papel se pueden leer las palabras escritas y la fecha. No existe aquí ese gusto por lo narrativo que David plasma en el resto de sus obras.

COMENTARIO Y ANALISIS FORMAL: En La muerte de Marat llama la atención el conjunto de la obra en total, con una parte inferior con símbolos y detalles frente a una superior completamente vacía. El estilo nos recuerda a Caravaggio, tanto en la utilización del color como en la composición de la misma. Respecto a las formas, las encontramos estilizadas y suaves, las cuales contrastan con el bloque de madera que se sitúa en el margen inferior izquierdo de la obra y la tabla sobre la bañera usada a modo de escritorio. El uso de la sombra parece heredado de Caravaggio y tiene un sentido fundamental en este obra, cuya escena se representa con suma teatralidad. La sombra sobre el pecho de Marat o sobre el suelo pretenden ocultar la violencia que el cuadro representa puesto que camufla deliberadamente la herida y el puñal. El uso del color está lleno de contrastes, hace una combinación efectiva de colores fríos y cálidos, encontrando en la obra tonos grises, pardos y verdes. Además, la mayor parte del cuadro se encuentra vacía, con un gran fondo oscuro que parece hacer las veces de escenario. Existe además un claro contraste entre luces y sombras, pero la habitación en la que se encuentra la escena no nos da muchas pistas sobre si la luz que aparece es natural o no. El autor quiso dotar a la escena de la sobriedad que merece la muerte e intentó no recargar en exceso la obra.

A pesar de no ser agraciado fisicamente, David lo representa con un desnudo heroico Fuerte claroscuro, la opacidad de fondo contrasta con la iluminacion intensa del politico

En la mano, la nota con la que su asesino pretendia llegar hasta el (nunca leyo Marat, es una licencia que se toma David) Las manchas de sangre acentuan el dramatismo

Escasez de elementos y los que hay con una fuerte carga simbolica. Cuchillo con el que fue asesinado cerca de su mano caida que sostiene la pluma, una simple caja vieja de pino le servia de escritorio, las sabanas con recomiendos, el tapete verde cubria la tabla que tenia sobre la bañera, un billete de asignado con una nota para entregar a una viuda con 5 hijos

Hay un recorrido con la sangre desde la nota, el agua enrojecida, la herida manando que llevan hasta el cuchillo ensangrentado

Simplicidad compositiva lineas geometricas ortogonales estructuran la composicion y la dotan de una sensacion estatica de intemporalidad (verticales y horizontales)

Tintero con pluma para significar la labor intelectual de Marat La caja, un volumen cubico perfecto hace las funciones de lapida A Marat, David. L´an Deux

DESCRIPCIÓN: Clasificación ambas obras pictóricas, señalando su autor, estilo y fecha de ejecución.

OBRAS: LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO AUTOR: Eugène Delacroix ESTILO: Romanticismo FECHA: 1830 MATERIALES Y TÉCNICA: Óleo (260 × 325 cm.)

COLOR: Las pinceladas son muy sueltas y onduladas.El azul y rojo del moribundo que mira a la libertad y de las polainas del muerto resaltan entre tonos apagados ocres y grises. Esos colores azules parecen formar como ya se ha expuesto una línea recta imaginaria que forma un eje central LUZ: Procede del lado izquierdo iluminando especialmente al muerto del primer plano ( camisa blanca ) al moribundo ( camisa azul) , a la libertad a los personajes que simbolizan la unión del pueblo, , mientras que otros personajes quedan difuminados , en el fondo vaporoso se recortan las torres de Notre Dame

VALORACIÓN ESTILÍSTICA:

PROFUNDIDAD: Utiliza diferentes recursos la perspectiva aérea con los colores difuminados del fondo, la perspectiva geométrica con disminución de las figuras a medida que nos alejamos del primer plano y mediante una sucesión de escorzos como los del primer plano

ANALISIS: La composición es abierta y tiene un eje central formado por los colores azules de la bandera, de la camisa del moribundo y de las polainas de los pies del muerto en la base del cuadro Se pueden observar varios planos en un primer plano los caídos en la barricada, en un segundo plano los símbolos de la unión del pueblo: el burgués ( posible autorretrato) , el menestral , el niño con pistola ; en un tercer plano el pueblo luchando y en el último plano difuminado la ciudad con la torre de Notre Dame. COMPOSICIÓN: Se puede observar un esquema piramidal que tiene su vértice en la mujer , símbolo de la libertad que lleva otros símbolos de la revolución el gorro frigio y la bandera tricolor ( en Gericault ondeaba una tela) , en uno de lo lados un moribundo en diagonal con los mismos colores de la bandera y en la base los muertos, que recuerdan la balsa de la Medusa, y los restos de la barricada.

ESPACIO: La perspectiva del cuadro es aérea, de influencia barroca, y el fondo es extremadamente importante ya que podemos experimentar la sensación de tragedia que nos quiere transmitir el pintor a través de los famosos paisajes sublimes característicos del romanticismo. La naturaleza, que observamos tan solo en el fondo, intenta ser un reflejo de las pasiones y sentimientos románticos representándonos, en este caso, una especie de escena tormentosa; estos paisajes provocan un sentimiento en el hombre imposible de racionalizar. FIGURAS: Las figuras de la obra son bastante fieles a la realidad sin estar en lo más mínimo idealizadas. El canon que se utiliza para dichas figuras es opulento, sobre todo en la anatomía del personaje principal, que es la libertad, la figura femenina, fuertemente influenciado por Rubens También observamos un canon hercúleo de influencia miguelangelesca y forma serpentinata en los demás personajes de la escena. Todas las figuras son profundamente dinámicas, enloquecidas y violentas en mitad de una revolución

El desembarco de maria de medicis en el puerto marsella COMENTARIO: La libertad guiando al pueblo es una obra realizada por el pintor Delacroix en 1830. Esta obra es de estilo romántico (primera mitad del siglo XIX) y retrata como tema la revolución de ese año, un tema histórico utilizado de una forma totalmente contraria al neoclasicismo de Canova. La época histórica en la que se realiza este cuadro no es para nada tranquila, el siglo XIX se caracteriza por la aparición de muchas revueltas contra el absolutismo tras el fracaso de la Revolución francesa en 1789. Surgen entonces movimientos individualistas contra el estado convencional que agobia y presiona al pueblo. Por lo tanto, olvidan el Neoclasicismo y surge el individuo como única verdad del Romanticismo.

La muerte de Marat

REFERENCIAS: Morante López, F y Ana María Ruíz Zapata (1997) Análisis y Comentario de la Obra de Arte estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. Grecia, Roma. Capítulo VI: Arte Bizantino. Editorial Edinumen. Madrid España. Morante López, F y Ana María Ruíz Zapata (1997) Análisis y Comentario de la Obra de Arte estudio de obras de pintura, arquitectura y escultura. Grecia, Roma. Capítulo V: Arte Paleocristiano. Editorial Edinumen. Madrid España. Desembarco de María de Medicis en Marsella. Recuperado el 24 de Junio del 2021,ArteHistoria:https://www.artehistoria.com/es/obra/desembarco-de-mar%C3%ADa-demedicis-en-marsella

La libertad guiando al pueblo.

J.ZEVALLOS PAG 11-12

ACTIVIDAD 7:

Este último trabajo lo elaboré junto a mi compañeras de clase y consistió en elegir una pintura perteneciente al impresionismo y otra al expresionismo las cuales representen un mismo tema Para llevar a cabo este trabajo la profesora nos entregó una plantilla donde realizamos una introducción, un resumen, un análisis formal de ambas las obras, para este analisis tuvimos en cuenta la lectura de Morante y Ruiz (1997) y finalmente, colocar palabras claves y una conclusión. Al iniciar el trabajo hicimos una revisión general de lo que habia que investigar para asi ambos tener conocimiento de lo que haria cada uno.Luego, procedimos a colocar la información en el documento.

HISTORIA DEL ARTE-326

Universidad de Lima Facultad de Ingeniería y Arquitectura Carrera de Arquitectura

TABLA DE CONTENIDO

ÍNDICE DE FIGURAS …………………………………………………………………………………………………………………….. ….2 INTRODUCCIÓN ……………………………………………………………………………………………………………………….……...3 DESARROLLO/ANÁLISIS DE LAS OBRAS …………………………………………………………………………………………...4 CONCLUSIONES ………………………………………………………………………………………………………………………………..6 REFERENCIAS …………………………………………………………………………………………………………………………………...6

ANÁLISIS DE OBRAS IMPRESIONISTAS Y EXPRESIONISTAS HISTORIA DEL ARTE-ACTIVIDAD 7 Valery Sofia Cama Zevallos, 20200371 Javier Alfonso Zevallos Oyague, 20183472

Profesora de Historia del Arte Paloma Carcedo de Mufarech Lima – Perú Julio de 2021

ÍNDICE DE FIGURAS 1-

Desnudo al sol,Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938)……………………………….………….1

La pubertad, Edward Munch(1884-1895) ………………...……………..……………………….2

TÍTULO “El expresionismo, el impresionismo y el desnudo: Análisis de la pintura de Max Pechstein y Ernst Ludwig Kirchner ”

Resumen:

El impresionismo obedecía a características concretas, tanto en la técnica como en la elección de motivos. En el impresionismo la pincelada es bastante suelta y pastosa, muchas veces en forma bien definida (lo que requiere verlos a la distancia para captar la impresión) la temática tendía a ir orientada al paisaje, temas campestres, como la figura humana. La predominancia en el impresionismo eran los efectos luminicos, por lo que predominan los colores luminosos y se rehuye del negro en la paleta. Por otro lado el expresionismo se preocupa más del gesto y la impronta en relación con la temática, en donde predomina la figura humana, como el paisaje, pero siempre en relación a esa cualidad expresiva que en virtud del discurso no escatimaba en modificar las formas para volverlas así más expresivas. Ejemplo: Edvard Munch. Palabras Clave:      

Impresionismo Desnudo al sol Renoir Pierre Auguste Expresionismo La pubertad Edward Munch

DESCRIPCIÓN: Elegir una pintura perteneciente al impresionismo y otra al expresionismo las cuales representen un mismo tema.

1. INTRODUCCIÓN:

3. Discusión/Análisis formal de las pinturas/ Desarrollo del trabajo:

El objetivo principal del estudio de este trabajo final de curso acerca de las dos obras, es para mostrar al lector cómo es que los autores representaban de manera gráfica cómo era la sociedad al mundo, cuáles eran las costumbres, la moda, clases sociales, etc.

Figura 1: “Desnudo al sol”-Renoir Pierre Auguste Año: 1875-1876 Museo: Museo de Orsay

Además, para poder saber qué llevó a los artistas a cambiar de un estilo impresionista a otro tan opuesto como el expresionista como también cómo es que se representan en ambos cuadros elegidos las corrientes impresionistas y expresionistas desde un análisis formal de las obras.

Fuente de la imagen: https://es.wikipedia.org/wiki/Torso,_efecto_de_sol

OBRAS:

Finalmente, mostrar al lector el impacto que pueden tener las obras en su vida social como a la vez laboral y así, este pueda entender los grandes cambios que ha mostrado nuestra sociedad a través de los años. 2. METODOLOGÍA:

Para llevar a cabo esta investigación, hemos coordinado en primer lugar, una hora específica del día para poder juntarnos y escoger una obra Expresionista e Impresionista que representen el mismo tema. Una vez elegidas las obras, nos pusimos de acuerdo en encontrar la mayor cantidad de información posible para realizar un análisis formal como fotografías, detalles, y todo aquello que sea necesario para el Análisis Formal de las obras. por ejemplo Morante y Ruiz(fecha) Gombrich(fecha) Finalmente, para poder culminar el trabajo comenzamos con la investigación acerca de cuáles son los principales cambios pictóricos formales que se producen entre los dos estilos a través de las pinturas elegidas, para ello, la profesora nos asignó 3 preguntas donde proyectamos lo previamente estudiado.

Pierre-Auguste Renoir es uno de los pintores del grupo impresionista, centrado a diferencia de la mayoría de sus colegas paisajistas, en la figura humana. Las técnicas de Renoir consistieron de trazos de pincel roto combinados con colores atrevidos al retratar la luz y el movimiento del sujeto. Por lo que Renoir se inspiró grandemente en pintar figuras, particularmente de mujeres. En este caso se muestra su obra “Desnudo al sol”(Figura 1) el cual se realizó entre las fechas de 1875 y 1876 con el estilo impresionismo. En este caso Renoir estudia el comportamiento de la luz solar sobre el cuerpo femenino. No acude a la técnica del claroscuro tradicional. Por ello, no utiliza el negro como sombra. Según Morante y Ruiz(1997) los impresionistas renuncian al negro por considerar que no existe en la naturaleza, para ellos la sombra era otro tipo de color. Por eso, en lugar del negro, Renoir opta por tonalidades violetas para crear el efecto de las sombras.(P. Número 5) Los elementos alrededor de la mujer carecen de importancia, pues se trata de un estudio. El pintor se ha fijado estrictamente en la luz y el cuerpo femenino. Puede verse el uso de una técnica pictórica basada en manchas y pinceladas gruesas, así como efectos de color por superposición de tonos directo en el lienzo.

“La pubertad”

Figura 2: “La pubertad” Autor: Edward Munch Año: 1895 Museo: Galería Nacional de Noruega (Noruega) y Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Pubertad_(cuadro_de_Munch)

profunda reflexión del alma, la visión de la mente» (Munch y el expresionismo alemán, página 34) por lo que el expresionismo se define como el arte alemán moderno Nos identificamos más con el Expresionismo, debido a que este nos permite expresar las emociones a través del arte. Además, es una de las maneras de expresarle al mundo como se evidencia las emociones de la vida de la forma más realista posible.

5. Referencias:

Ballestero Arranz, B. HISTORIA UNIVERSAL DEL ARTE Y CULTURA, EL IMPRESIONISMO. Gamonal TorresM. Ángel. (1992). El expresionismo y las vanguardias en Alemania. Morante Lopez , F. y Ana María Ruiz Zapata. CAPÍTULO XVI LAS ARTES PLÁSTICAS SEGUNDA MITAD DEL XIX. EDWARD MUNCH es fundamentalmente conocido en el mundo del Arte, por ser el antecedente directo y definitivo del Expresionismo Alemán.Su arte fue el resultado de una necesidad compulsiva de abrir su corazón, por ello su obra no pudo escapar a los avatares de su propia experiencia vital.(Munch y el expresionismo alemán, página 35) En este caso se muestra su obra “La pubertad”(Figura 2). Esta es la versión de 1985 pues, esta obra tuvo diversas versiones sobre este tema y no todas se conservan. El estilo al que pertenece la pintura es el expresionismo, caracterizado por la preferencia de grandes formatos en óleo sobre lienzo. Los trazos son violentos y presentan figuras poco definidas (como son la cama o la sombra de la pared), centrado en la figura principal de la obra que es la joven.

Morante Lopez , F. y Ana María Ruiz Zapata. CAPÍTULO XIV LAS ARTES PLÁSTICAS EN EL SIGLO XX.

“Desnudo al sol”-Renoir Pierre Auguste

“La pubertad”-Edward Munch

Morante Lopez , F. y Ana María Ruiz Zapata. CAPÍTULO XIX LAS ARTES PLÁSTICAS EN EL SIGLO XX. Munch,E.(2000). Munch y el expresionismo alemán. España: Arbor Kemp,M.( 600 a. C. - 2000 d. C.) El arte en la historia. Titivillus Woodford,S.Cómo mirar un cuadro. Barcelona. Gustavo Gili.

4. Conclusiones:

En conclusión los artistas Renoir Pierre Auguste y Edward Munch decidieron cambiar a un estilo completamente opuesto ya que una muestra escenas mas naturales con una fuerte carga de la representación de la luz a través del color y una gran varidead de paisajes pero no emociones que sí se evidencia en el expresionismo, es por eso que los artistas cambiaron de estilos a un lado más intuitivo donde predomine la visión del artista, esto se puede evidenciar en la obra “Desnudo al sol” (Figura 1) de Renoir se puede apreciar que el artista utiliza los colores violetas para realizar las sombras y no el color negro, como cualquier otra obra. Esto es debido a que según Morante y Ruiz (1997) los impresionistas renuncian al negro por considerar que no existe en la naturaleza, para ellos la sombra era otro tipo de color. Por eso, en lugar del negro, Renoir opta por tonalidades violetas para crear el efecto de las sombras. (Página 5).En cambio, en el caso del expresionismo es “La pubertad”(Figura 2) de Edward Munch el caso más resaltante en este cuadro es la preocupación que se evidencia en el rostro de la mujer de la obra, lo que te hace preguntar ¿A qué le tiene miedo?. Además, Su obra, la define él mismo, con estas palabras.* «Yo no pinto lo que veo, sino lo que recuerdo», «La obra de arte procede del alma del hombre, de la profundidad de su ser», «La naturaleza, no es solo lo que es visible para el ojo humano, es la

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REFLEXIÓN FINAL

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En conlusión, gracias a este curso pude tener un mayor conocimiento acerda de historia de arte, el cual me servirá en mi vida profesional como en mi día a día. A inicios de este ciclo, se me hacía complicado la resolución de los ejerciciós que nos dejaban, pero luego de estar en una constante práctica, asistir a las asesorias y revisar, nuevamente, las clases grabadas, pude acabar el ciclo de la mejor manera posible, con la capacidad de poder enseñarle a mi entorno lo increible que es la historia del arte.

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Estudiante de arquitectura de la Universidad de Lima,cursando el 6to ciclo. Contacto gmail: Javierzevallos2000@gmail.com Número:940294319 Fecha de nacimiento: 04-10-2000 Direccion: Calle max gonzales olaechea 155-San Miguel

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Me considero una persona capaz de resolver cualquier tipo de adversidades, siempre busco una solucion para todo y le miro el lado positivo a las cosas. Soy una persona responsable que cumple con todos los proyectos de la mejor manera posible,ademas, soy una persona puntual y correcta,capacidad de trabajar bajo presión.

CV DESCRIPCIÓN:

UTILIDAD ACADEMICA:

PROGRAMAS Autocad 2018 REVIT 2019 SKETCHUP 2020 ADOBE ILUSTRATOR ADOBE PHOTOSHOP

IDIOMAS INGLES CHINO ESPAÑOL

INTERESES CINE DIBUJAR DEPORTES

EDUCACIÓN 2005-2013 PRIMARIA COLEGIO JUAN 23 2013-2017 SECUNDARIA COLEGIO JUAN 23 ACTUALIDAD PRE-GRADO UNIVERSIDAD DE LIMA

RECONOCIMIENTOS/ PRACTICAS PROYECTO FINAL DEL CURSO PROYECTO DE ARQUITECTURA 1-SELECCIONADO PARA PRE PROF. EXPOSICIÓN.

DIAGRAMA Y PROYECTOS SAC CARGO:ASISTENTE DE AREA TECNICA J.ZEVALLOS PAG 17-18

CÓDIGO QR

HISTORIA DEL ARTE-326

I. SUMILLA El curso del Historia del Arte es una asignatura teórica obligatoria, que inicia los cursos de Historia y Teoría de la Arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

II. OBJETIVO GENERAL Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.

III. OBJETIVOS ESPECÍFICOS 1. Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental. 2. Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida. 3. Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura. 4. Desarrollar habilidades básicas de investigación científica.

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