Costo 200bsf / Edición n°1 / Noviembre 20
Cruz Diez El movimiento
Futurista ¿Qué es el Dadaismo?
Editorial: Alive A帽o 2015 Diagramaci贸n Coolaboraci贸n: Wilmarys Aguilar Yurmaley Su谩rez Jhorbis Torres Banco de imagenes: Google
¿Que es el
Cubismo? El cubismo es un movimiento artístico que se manifestó sobre todo en la pintura, aunque también se dió en otras artes como la literatura o la escultura. El objetivo principal del cubismo era el de alejarse de la representación naturalista (véase impresionismo) y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos, intentando conseguir una
cuarta dimensión. Se caracteriza, además de por plasmar de manera simultánea un mismo objeto desde diferentes ángulos, por el empleo de figuras geométricas como triángulos, cuadrados, rectángulos y cubos. Es de esta última figura de donde proviene el nombre del movimiento, debido a que en 1908 el crítico Luis Vauxcelles opinó que los cuadros de Braque estaban compuestos de cubos.
Grapes - Juan Gris
Gorge Braque Juan Gris Su cubismo es fundamentalmente sintĂŠtico y coloreado. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Esta mezcla de suavidad y energĂa la observamos en la ordenaciĂłn de sus bodegones, realizados a base de planos muy violentos. Los elementos que aparecen son vasos, botellas, diarios, fruteros, pipas, arlequines, elementos musicales.
El movimiento Futurista y su propuesta para la sociedad moderna
El futurismo impulsado por Filippo Tommaso Marinetti se considera el primer movimiento de vanguardia europeo. El 20 de febrero de 1909 vio la luz el manifiesto futurista publicado por Filippo Tommaso Marinetti en la primera página del periódico parisino Le Figaro. Aunque con anterioridad ya se había publicado en el diario boloñés de la Gazzetta dell’Emilia, el día 5 de febrero, fue necesaria su inclusión en el medio francés para que encontrase la repercusión internacional que el escritor buscaba. En ese momento Marinetti tenía 32 años en los que había desarrollado su capacidad creativa a lo largo de diversas revistas literarias, especialmente relacionadas con el campo de la poesía. Aquella motivación le había llevado a fundar cuatro años antes en la ciudad de Milán la revista Poesia de la que llegó a editar un número con 40.000 ejemplares al gastar sumas cuantiosas para conseguir difundir a gran escala la publicación. Los gastos no supusieron un esfuerzo grande a Marinetti debido a la posición social cómoda que le propició su patrimonio familiar.
Sin embargo, la obra de Marinetti estuvo marcada por una crítica bastante permanente en torno a su producción y por la consideración que hacia él realizaron el resto de intelectuales de la época. Éstos prefirieron considerarlo, al menos una mayoría de ellos, como un agitador cultural por encima de otras valoraciones.
movió la difusión de su texto por toda Europa como modelo con el que construir una nueva cultura que alcanzase todas las modalidades expresivas: el arte, la literatura, la música, la pintura, la escultura, la arquitectura, la fotografía o, incluso, la danza. Su objetivo era acabar con los movimientos artísticos que durante el siglo XIX se habían desarrollado al amparo de los ambientes académicos. Sin embargo, con el estallido de la Primera Guerra Mundial la oportunidad de ampliar la dimensión del futurismo se mostró en todo su esplendor. Especialmente por la identificación de la guerra con los valores de la modernidad y de éstos con la ruptura del pasado. Así, el futurismo se mostró como un movimiento nuevo, de renovación, dispuesto a acabar con las tradiciones que serían sustituidas por los elementos que a partir de este momento merecían la pena idealizar: la velocidad, las máquinas, el amor por el peligro o la glorificación de la guerra. Podrían destacarse, de manera especial, dos de sus principios programáticos: la ruptura con la tradición y la refundación de la cultura y de la sociedad moderna.
A pesar de su trascendencia posterior, el origen del propio futurismo está relacionado con un incidente fortuito que Marinetti se encargó de elevar a la categoría de relato literario con carácter iniciático. En este caso se trató de un accidente ocurrido en los alrededores de la ciudad de Milán en el que acabó con su vehículo en la cuneta, el 15 de octubre de 1908, al tratar de evitar el atropello de dos ciclistas. Ese hecho sirvió a Marinetti para realizar una eugenesia interna sobre su cosmovisión del mundo proponiendo una transformación de los valores por los que éste se regía. Durante los años siguientes a la aparición del manifiesto, Marinetti pro-
Formas únicas de continuidad en el espacio, Umberto Boccioni (1913)
Un manifiesto que rompe con la tradición Desde un punto de vista teórico los intelectuales adscritos al movimiento futurista mostraron una actitud crítica y negativa hacia los valores clásicos y tradicionales. En su búsqueda de la belleza apostaron, como piedra angular, por la originalidad por encima de cualquier otro principio, aunque esto se saldase con ciertos tintes de irracionalidad en sus argumentos. Para los futuristas la hermenéutica del mundo moderno les llevaba a realizar una oda a la tecnología creada por la sociedad capitalista como culmen del fenómeno de la industrialización. En línea con lo anterior, los futuristas atacaron a aquellos sectores de la burguesía, por así decirlo, más anclados con la vida tradicional. En el centro de la crítica se situó la burguesía dedicada a aspectos de la economía que poco tenían que ver con la difusión del maquinismo como, por ejemplo, la burguesía terrateniente de buena parte de Europa; especialmente de las regiones meridionales. Para dar a conocer su proyecto el movimiento recurrió a la elaboración de manifiestos en los que vertebrar sus ideas, inaugurando una práctica que repetirían el resto de vanguardias del momento. En un momento de interés por incrementar los niveles de lectura y acceso de la información a un público mayor, a la masa social, con estas proclamas se pretendía una difusión que incrementase el impacto de sus ideas y que éstas no quedasen restringidas a una minoría de intelectuales. Por ello, los futuristas utilizaron los lenguajes de masas que permitían los medios de comunicación: prensa, cine, radio o fotografía. Pero quizás desde el punto de vista cultural el aspecto más destacado que dieron a conocer los futuristas fue el de la ruptura agresiva y destructora contra los espacios que habían sido creados de manera oficial para custodiar el arte y el saber de las sociedades. De tal modo, y sin ningún espacio para la duda, optaban por llevar a cabo una ilimitada destrucción de instituciones tan insignes como los museos,
las bibliotecas o las academias nacionales.
El culmen de estos cambios venía representado por la ciudad y la expansión de la vida urbana ligada al crecimiento industrial que necesitó nuevos modelos de desarrollo económico y político.
La refundación de la cultura A partir de 1909 se fueron incorporando nuevos nombres del campo de la cultura a la corriente futurista. Todos ellos mostraron su compromiso mediante la elaboración de manifiestos que repetían la fórmula expuesta por Marinetti. El 8 de marzo de 1910 apareció el Manifiesto de la Pintura Futurista en la localidad de Turín llamando a una renovación general de esa modalidad del arte y a la eliminación de los críticos que vivían de él. Ese desprecio por los críticos llevó aparejada una revaloración de la cultura popular, considerándola una cultura genuina que huía de las leyes del mercado artístico imperante. Tras varias exposiciones en Italia, nuevamente fue París la que proporcionó reconocimiento al movimiento, en este caso pictórico, gracias a la organización de una muestra celebrada en 1912 en la galería BernheimJeune donde se pudo ver la adhesión de pintores como Giacomo Balla, Umberto Boccioni o Gino Severini, quienes también explorarían el mundo escultórico.
El movimiento futurista quiso establecer una renovación total en el campo de la cultura y de la política de inicios del siglo XX que determinase el nacimiento de la sociedad moderna. Este cambio estuvo ligado a la consolidación de los cambios industriales y las nuevas posibilidades tecnológicas. Sin embargo, Marinetti no pudo sacudirse su estigma de propagandista, tanto cultural como político, y muchos de sus compañeros evolucionaron hacia otros postulados, restando fuerza al movimiento. Con todo, no hay que quitar importancia a las ideas de Marinetti y a su influencia dentro de un mundo moderno que se había transformado notablemente gracias a los progresos científicos, técnicos y culturales.
EXPOSITORES MAS IMPORTANTES DEL FUTURISMO Filippo Tommasso Marinetti, fundador del movimiento cultural conocido “futurismo”, nació en Alejandría (Egipto) el 22 de diciembre de 1876; y murió de un ataque cardíaco en Bellagio, Como, el 2 de diciembre de 1944. Umberto Boccioni (Regio de Calabria, 19 de octubre de 1882 - Sorte, Verona, 16 de agosto de 1916) fue un pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista. Gino Severini (Cortona, 7 de abril de 1883 – París, 26 de febrero de 1966), fue un pintor italiano y uno de los líderes del movimiento futurista. Carlo Carrà (Quargnento, 11 de febrero de 1881 - Milán, 13 de abril de 1966) fue un pintor italiano, uno de los líderes del movimiento futurista junto con Marinetti, que floreció en Italia a principios del siglo XX. Además de sus numerosas pinturas, escribió diversos libros relacionados con el arte. Giacomo Balla (Turín, 18 de julio de 1871 - Roma, 1º de marzo de 1958), pintor y escultor italiano, uno de los fundadores del movimiento futurista. Luigi Russolo (30 de abril de 1885 - 4 de febrero de 1947) fue un pintor futurista, compositor italiano, y autor del manifiesto El arte de los ruidos (1913).
CINETISMO El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo. Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento. El nombre tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación que existe entre los cuerpos y las fuerzas que sobre ellos actúan El arte cinético engloba todas a q u e l l a s manifestaciones artísticas que
están dotadas de movimiento. Entre estas podemos distinguir varios grupos: Obras de dos o tres dimensiones que están dotadas de movimiento real. 2) Obras que son estáticas pero que, con el movimiento del espectador, permiten más de una lectura. 3) Obras que no tienen movimiento real pero que, mediante algún efecto óptico, dan la sensación de tenerlo. Es lo que llamaríamos pop art.
Cruz Diez Sus inicios se remontan al Movimiento Cinético de los años 50 - 60. El desarrollo de su reflexión plástica ha modificado las nociones sobre la percepción del color en el arte. La propuesta de Carlos CruzDiez se fundamenta en el color concebido como una realidad autónoma, desprovista de anécdotas, que evoluciona en el tiempo y el espacio reales sin ayuda de la forma y aún sin necesidad de soporte. La proposición artística de Carlos Cruz-Diez se fundamenta en sus ocho investigaciones que ponen de manifiesto los diferentes comportamiento del color: Couleur Additive, Physichromie, Induction Chromatique, Chromointerférence Transchromie, Chromosaturation, Chromoscope y Couleur dans l’espace.
Arte posmoderno
Es el arte propio de la postmodernidad, teoría socio-cultural que postula la actual vigencia de un periodo histórico que habría superado el proyecto moderno, es decir, la raíz cultural, política y económica propia de la Edad Contemporánea, marcada en lo cultural por la ilustración, en lo político por la Revolución Francesa y en lo económico por la Revolución Industrial. Asi pues, los artistas posmodernos se afanan en desmitificar la imagen, en desproveerla de su sentido icónico, representativo, conceptual. Artistas como Sherrie Levine, Jeff Koons, Julian Schnabel, David Salle, Mike Bidlo, Louise Lawler y Jeff Wall buscan despojar a la imagen de su sentido convencional, dándole nuevos significados basados en la descontextualización, en el orden-desorden estético. Algunos artistas posmodernos se comprometerán más con la sociedad de finales del siglo XX, incorporando a sus obras referencias relativas a los nuevos conceptos de reivindicación social: la sexualidad, el feminismo, la diversidad étnica, el medio ambiente, etc.
HABLEMOS UN El surrealismo es; un movimiento que presenta un poético, plástico artístico que incluye la realización de las fases psicológicas que a sus vez se subdivide en inconsciente y subconsciente que sostienen la teoría de Sigmund Freud. El surrealismo fijan esquemas y reflexiones para expresar lo absurdo, lo insólito, lo inconsciente, lo imaginario.
SURREALISMO
En los cuadros se representas estados o espacios de absoluta soledad, sombras que se alargan, estatuas rotas y enigmáticas, perspectivas sin fin y figuras fantásticas. Plásticamente son obras que muestran un dibujo académico y cuidadoso, un dominio técnico de la perspectiva y un uso adecuado del color y el claroscuro. Se manejan con maestría y soltura los recursos tradicionales del dibujo y la pintura. Entre los pintores EUROPEOS destacan, Salvador Dalí, (1904- 1989) Max Ernst (1897-1994), Joan Miró (1893-1983) Como antecedentes del surrealismo se consideran las obras de Jerónimo Bosech (El Bosco), Alberto Durero, Francisco de Goya y William Blake.interior”, la fantasía y la irracionalidad.
DALÍ AL NATURAL
Dalí es uno de los pintores, escultores y pensadores más importantes de la cultura del siglo XX. Considerado uno de los máximos representantes del surrealismo es famoso tanto por su pericia artística como por su excentricidad y su impactante manera de ver la realidad. En 2013 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid montó la exposición “Todas las sugestiones poéticas y todas las posibilidades plásticas”, que proponía “revalorizar al Salvador Dalí como pensador, escritor y creador de una particular visión del mundo”. Fue un éxito absoluto y más de 700.000 personas disfrutaron de la considerada como el mayor éxito de público de los últimos años. Aquí te mostramos algunas de las obras más famosas del artista que pudieron verse en directo durante los cuatro meses que permaneció abierta al público.
POCO DE ARTE La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de los años cuarenta con el Action Painting y con el Colour-Field Painting. Estas tendencias fueron suplantadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista que inició un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura, periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos artistas inspirados por las más variadas motivaciones.
Vasili Kandinsky Vasily Kandinsky (1866-1944) es el gran teórico del arte abstracto. Escribe “De lo espiritual en el arte”, donde expone sus ideas y reflexiones sobre el arte, lo que es y lo que es la obra de arte. En él realiza una declaración de principios. Su pintura tiene como objetivo despertar la emoción del espectador, en el que deben actuar sólo los sentimientos. Pone a sus cuadros títulos abstractos, intrascendentes, actitud que más tarde imitaron los demás pintores. entre sus obras, destacamos Puntas de arco, En alto, Lírica, Impresión V, Improvisación, Juicio universal; Amarillo, rojo,
ABSTRACtismo
El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX. El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con unos siginificados variados. En sus inicios, el arte abstracto dio lugar a grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso del tiempo se ha convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad como un arte propio. El lenguaje que se utiliza está basado en las experiencias fauvistas y sensaciones del autor, exaltando normalmente la fuerza del color. También existe la expresión con estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.
Dadaísmo: Nada está prohibido El movimiento dada nació simultáneamente en Suiza y Estados Unidos en 1916. Se expandió desde Zurich hacia Alemania y de allí hacia Francia para convertirse en el movimiento de moda en París en 1923. El movimiento dada se define por su rebelión contra todas las expresiones artísticas y literarias previas a la Primera Guerra Mundial, al mismo tiempo que buscan desmitificarlas. En 1916, en Zurich, un grupo de artistas de distintas corrientes vanguardias se instalaron en una cervecería un pequeño cabaret, y lo llamaron “Cabaret Voltaire”. Entre los fundadores del movimiento estaban el filósofo Hugo Ball, el poeta Tristan Tzara, el pintor marcel Janco y el pintorJeans (Hans) Arp. De ese encuentro surgieron varias actividades en el cabaret, entre ellas la edición de una revista que denominarían “Dada”. Las versiones respecto al origen de la palabra son variadas, ya que algunos sostienen que proviene del ruso Da (si), única palabra que los camareros suizos del cabaret entendían mientras que otros sostienen que los intelectuales fundadores eligieron aleatoriamente del diccionario. El dadaísmo no tardó en convertirse en un fenómeno sumamente popular
Los espectáculos del café Voltaire se volvieron famosos, primero en Suiza y luego en Europa en cuestión de pocos meses, debido a su enorme grado de provocación, agresividad y propuestas ilógicas y absurdas. En 1917 Francis Picabia, un pintor francés trabaja con Tzara para crear el Manifiesto dada de 1918, que se volvería el documento más importante del movimiento dadaísta instalado en Zurich. Luego del fin de la guerra, el dadaísmo cautivó a la vanguardia artística de París, llevando a un resurgimiendo en su popularidad y también al fin del grupo Zurich. La Gran Guerra llevó a muchos otros refugiados a New York donde se integraron con corrientes vanguardias que se originaron en Harlem, Greenwich Village y Chinatown. Nueva York pronto dio lugar a otra versión del movimiento y en 1915 nació la revista 291, que era dirigida por los artistas Duchamp, Picabia, Jean Crotti, entre otros, y quienes también lideraban el grupo americano junto a los artistas estadounidenses Man Ray, Morton Schamberg, entre otros.
Representantes y obras importantes Tristán Tzara, Siete manifiestos dadá. Hans Arp, La Forma. Kurt Schwitters, Merz-Säule. Richard Hulsenbeck Hugo Ball, Caravana. El dadaísmo, más que constituir un movimiento artístico concreto, trata de reflejar una disposición particular del espíritu, representa una negación intelectual violenta, un acto extremo de antidogmatismo, por lo que se vale de cualquier medio para llevar adelante su batalla. Más que la obra, es el gesto lo que interesa a los dadaístas, gesto que va más allá de los puros canales de expresión artística para manifestarse en la política, en las costumbres, en la misma sociedad, siempre que este gesto sea entendido como provocación contra el sentido común, la moral, la ley y cualquier normativa u ortodoxia. De
aquí que el escándalo fuera el instrumento preferido para hacer públicas sus acciones. El dadaísmo va más allá del puro significado o la simple noción de un movimiento artístico para llegar a proponer una forma de vivir. Muchos consideran que el movimiento alcanzó su cenit en 1923 para iniciar una decadencia progresiva que culminaría con la Segunda Guerra Mundial mientras que otros apuntan a que el dadaísmo simplemente evolucionó para dar paso al arte abstracto de los 50 y 60, el postmodernismo y muchas otros estilos que buscan la desconstrucción del establishment y que contribuyen a refrescar las tendencias de la moda y el arte gracias a sus críticas. El dadaísmo estará para siempre asociado con la Primera Guerra Mundial pero su influencia se siente hasta nuestros días en el humor absurdo y abstracto que se ha convertido en parte de la vida diaria y que aceptamos de manera casual, mostrando como las ideas del movimietno han permeado el tejido de la sociedad
occidental. Sin duda, Dadá consiguió provocar escándalo, pero en el aspecto positivo, y como muchos de los demás movimientos, hizo que la gente mirara las imágenes de una manera distinta. Las pinturas y los objetos Dadá obligaban al observador a poner en tela de juicio las realidades aceptadas y a reconocer el papel del azar y de la imaginación.