XXI Muestra de Arte del Principado de Asturias by jorge lorenzo

veintiuna edici贸n de la muestra de artes pl谩sticas del principado de asturias de dos mil diez.

éste es el catálogo.

consejera de cultura y turismo.

Mercedes Álvarez González. director del instituto asturiano de la juventud.

Guillermo Martínez Suárez. equipo técnico de programas culturales.

Mª José Baragaño Castaño.

fotografías.

Pelayo González Arbués.

Alicia González-Lafita Pérez. Noé Baranda.

Adrián Cuervo.

Noemí Iglesias Barrios.

Iraida Lombardía Alonso. Lucía Rivero.

Marga Llamas Cuesta.

selección de artistas realizada por.

Benjamin Weil. Comisario-Jefe de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial.

Ana Botella Díez del Corral. LABoral Centro de Arte y Creación Industrial. 6

Francisco Crabiffosse Cuesta. Critico de arte y comisario de exposiciones. Jaime Luis Martín. Crítico de arte y gestor cultural.

imprime.

Imprenta Narcea S.L. depósito legal.

AS-5025/10

exposición. comisariado.

Coruño SL. enmarcación.

Guillermina Caicoya. Galería Guillermina Caicoya.

Texu.

catálogo.

Catalana-Occidente.

textos.

Mercedes Álvarez González. Guillermo Martínez Suárez.

Francisco Crabiffosse Cuesta. Benjamin Weil.

seguros.

promueve.

Consejería de Cultura y Turismo. colaboran.

Cajastur. Injuve.

diseño gráfico.

Jorge Lorenzo. Diseño y Comunicación Visual. traducción.

Caroline Lelanchon (Francés). Lambe y Nieto (Inglés).

La Muestra de Artes Plásticas es una actividad realizada por el Programa Culturaquí. Instituto Asturiano de la Juventud. Consejería de Cultura y Turismo. Principado de Asturias.

índice.

pag 8.

Mercedes Álvarez González. Consejera de Cultura y Turismo.

pag 10.

Guillermo Martínez Suárez. Director del Instituto Asturiano de la Juventud.

pag 12.

Francisco Crabiffosse Cuesta. Comisario de Exposiciones.

pag 20.

Benjamin Weil. Comisario Jefe de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial.

pag 32.

obras.

pag 98.

trayectorias.

mercedes álvarez gonzález es la consejera de cultura y turismo del principado de asturias. éste es su texto.

Desde finales del pasado siglo, la referencia XXI ha ido unida a todo lo novedoso, a lo que parecía suponer un paso adelante; inducía a presuponer una ruptura con lo anterior, que en comparación venía a quedarse, si no obsoleto, superado por el sello que la modernidad, en términos fundamentalmente tecnológicos, venía a significar. La XXI Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias no supone una quiebra con las veinte anteriores. Es, en lugar de eso, continuación de un proceso que no tiene por qué interrumpirse, porque en ningún momento se había quedado oxidado. La Muestra, en una metamorfosis constante, ha sabido soslayar el paso del tiempo y permanecer en una actualidad perenne, acogiendo de forma natural tendencias innovadoras y el poso preciso de experiencia que, en conjunto, constituyen la clave esencial para que, tras veintiuna ediciones, sigamos fieles a este acontecimiento absolutamente arraigado en el calendario artístico de Asturias. Nuestra felicitación más cordial para el grupo de artistas seleccionados, a quienes deseamos un camino plagado de éxitos.

mercedes álvarez gonzález est la ministre de la culture et du tourisme du gouvernement autonome de la principauté des asturies. dont voici le texte.

mercedes álvarez gonzález is head of dept of culture & tourism of the principality of asturias. this is her text.

Depuis la fin du siècle dernier, la référence XXI a toujours été associée à l’idée de nouveauté, à ce qui semblait être ou annoncer un progrès ; une perspective qui présupposait une rupture avec tout ce qui avait précédé qui, en comparaison, finissait par devenir si non obsolète, au moins dépassé par ce que le sceau de la modernité, dans une perspective fondamentalement technologique, semblait signifier.

Since the end of the last century, the number 21 has come to be associated with everything new, with what was going to be a step into the future; it led us to believe that there would be a complete break with the past, which, by comparison, would become, if not obsolete, then at least superseded by the stamp which modernism, in fundamentally technological terms, was going to bring about.

Or, la XXI Muestra de Artes Plásticas de la Principauté des Asturies n’est pas en rupture avec les vingt éditions précédentes. C’est plutôt la prolongation d’un processus qui n’a pas de raisons de s’interrompre puisqu’à aucun moment il n’a semblé rouillé. La Muestra, est une constante métamorphose, elle a su s’accorder au rythme du temps, et s’installer dans une actualité pérenne, accueillant avec naturel les tendances innovantes et l’indispensable acquit d’expérience qui sont, justement combinés, la clef essentielle de notre fidélité, après vingt et une éditions, à cet événement absolument enraciné dans le calendrier artistique des Asturies.

That said, the 21st Plastic Arts Exhibition of the Principality of Asturias is not a complete break from its twenty preceding editions. Instead, it is a continuation of a process that has no reason to be interrupted, because at no time has it had time to rust. In constant metamorphosis, the Plastic Arts Exhibition has shown that it knows how to keep abreast of passing time and remain constantly up-to-date, naturally picking up on happening tendencies and the precise traces of experience that, taken together, are a key factor in ensuring that, after twenty-one editions, we remain faithful to this event which is so firmly rooted in the art calendar in Asturias.

Nos félicitations les plus cordiales au groupe d’artistes sélectionnés à qui nous souhaitons un chemin jalonné de succès.

Our congratulations to the group of artists selected, to whom we wish a career strewn with success.

guillermo martínez suárez es el director del instituto asturiano de la juventud. éste es su texto.

La creación artística asturiana, un año más, continúa de enhorabuena. Es grato comprobar cómo se consolidan propuestas que hemos visto nacer y que no se traicionan las perspectivas halagüeñas que habíamos percibido en jóvenes creadores que, en distintas ediciones de la Muestra, han ido demostrando de qué son capaces y que su horizonte no va a detenerse dentro de nuestras fronteras. Las fronteras interiores, muchas veces, son las más difíciles de superar. Con la Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias, si algo pretendemos y algo estamos seguros de conseguir, es derribarlas.

guillermo martínez suárez est le directeur de l’institut asturien de la jeunesse.

guillermo martínez suárez is director of instituto asturiano de la juventud.

dont voici le texte.

this is his text.

La création artistique asturienne a, cette année encore, de bonnes raisons de se féliciter. Il est heureux de vérifier que les propositions que nous avons vu naître se consolident et que les perspectives prometteuses que nous avions perçues chez de jeunes créateurs n’ont pas été déçues au fil les différentes éditions de la Muestra, ils ont prouvé ce dont ils étaient capables et démontré que leur horizon ne va pas se restreindre à nos frontières.

The art scene in Asturias has reason to celebrate yet again this year. We are delighted to see how projects we had seen in their infancy are finally materialised without betraying the promising prospects we had perceived in the young artists who, over the years in this Plastic Arts Exhibition, have demonstrated their ability and proven that their sights are set on horizons further afield than our immediate boundaries.

Si les frontières intérieures sont souvent les plus difficiles à renverser, nous nous sommes fixé l’objectif, au travers de la Muestra d’Arts Plastiques de la Principauté des Asturies, de contribuer à les démolir.

Very often, it is our inner boundaries which are the hardest to overcome. If this latest edition of the Plastic Arts Exhibition of the Principality of Asturias has one ambition, and one we are certain of achieving, it is to break down those barriers.

francisco crabiffosse cuesta es comisario de exposiciones. él escribió este texto para la muestra: arrepentimientos.

Ella, una rusa de tercera generación, parece hablar de la fatalidad del exilio cuando la cámara acompañada de sus palabras recorre las estancias cargadas de recuerdos familiares. La memoria domesticada aparece en cada espacio a modo de rememoración constante de las contribuciones del bisabuelo y de ese hijo que hizo uso de la pértiga para saltar fronteras asediado por la persecución de los revolucionarios hasta alcanzar una tierra prometida en la que depositar los frutos de su genio. Para María Victoria es fácil sumar herencia con experiencia hasta poder concluir en la madurez que su lema es el sólido cimiento sobre el que han ido levantando generación a generación el templo familiar: Ars Gratia Artis. Una suma, interpreta, del poder de lo inconcebible y misterioso con esos deslumbramientos que son señales seguras que envía el faro de la sensibilidad a quienes, tocados por la gracia, les toca navegar sobre la aguas siempre peligrosas del día a día. De ahí que enarbole su pabellón de apariencia corsaria con la seguridad de que todo error puede transformarse en segura victoria, siempre que se distraiga el desaliento y se frene la tentación del retroceso: “Nunca arrepentimientos, sólo esperanzas”.

Ese aplomo, esa declaración indisimulada de certeza, contrasta con la duda, con las inseguridades y vueltas que todo creador conoce hasta que concluye en lo temporalmente definitivo, cuando en la autoconfesión se da por satisfecho de la obra realizada. Pero toda creación tiene enmienda y retorno, y por ello los arrepentimientos son las huellas de los errores tentados, las soluciones idóneas a los quiebros de la idea y su materialización que hacen sustrato vivo de lo que fue y no ha sido. 13

Lillian Hellman utilizó el pentimento como metáfora de esa visión retrospectiva de lo que había sido su peripecia vital y la de los que la acompañaron. Pide indulgencia por los errores y los silencios conscientes, avisando que la primitiva concepción, al ser reemplazada por una preferencia posterior, es una manera de ver y luego ver una vez más, y que si se pretende una recuperación del tiempo fugado ocurre como cuando la pintura envejece ocultando en el sustrato el tesoro de las formas primitivas: lo que supuso aquella gente en un periodo concreto y lo que supone en el ahora con la mirada retrospectiva. “Ahora la pintura ha envejecido…”, escribe Hellman al hilo del recurso conceptual que le da pie a narrar su vida, tal vez en la seguridad de que pese a sus indulgencias e imposturas, a sus silencios y maquillajes, sería descubierta a no mucho tardar, y que esos arrepentimientos

escondían verdades que pronto serían pregonadas para mostrárnosla tal cual fue en la verdadera trayectoria de su vida. La literatura de viajes entronca con lo autobiográfico y nos lleva a un irresistible empleo del arte, de la pintura, como recurso imaginativo y eterno de la construcción de la memoria. La aparición de una nueva edición del Diario de viaje a Italia de Michel de Montaigne coincide con la Asturias para Vera, que Menéndez Salmón subtitula entre paréntesis como Viaje sentimental de un padre escritor. Edición extraña que desde la cubierta remite a lo familiar, a lo doméstico, como ofrenda del padre a la hija para la iniciación y el aprendizaje de todas las patrias que se encierran en Asturias. Necesariamente parcial y subjetivo, el viaje resulta poco fiable para entender las encrucijadas históricas del país, pero sí verosímil para comprender en todos sus extremos la necesidad de la búsqueda propia de una explicación del paisaje físico y humano que nos ha conformado, y que en gran medida nos ha hecho como somos. Tal vez en el origen de la última obra del escritor, La luz es más antigua que el amor, hallemos esa misma inquietud por desentrañar un misterio, por desbrozar la imaginería del arte para, al menos, encontrar la senda que nos llevará en un viaje iniciático a la búsqueda de la verdad del arte. Menéndez Salmón parte de la denuncia de un “cierto”

discurso cínico y desencantado que se conforma, casi a secas, con la muerte del arte. La frivolidad del mensaje incomoda y desazona al narrador por lo que conlleva de desprecio a la esencia de una creación, que no solo conmueve en el orden estético, sino en la que también subyace a modo de “arrepentimiento” o “pentimento” un sentido ético irrenunciable. Esa conjunción de valores estéticos y éticos es la que da sentido a la vigencia de un arte cuya agonía pregonada por los paladines de la provocación vacua no ha acabado aún en esquela, funerales y tumba. La fórmula narrativa combina la ficción con un núcleo de sólido ensayo acerca de un reivindicado Mark Rothko como emblema de la razón última de la creación artística, en el que obra y vida ejemplarizan la vigencia de un modo eterno de ser artista. La transmisión de la tensión creadora, de la duda como silente compañera de viaje que fuerza el retorno obsesivo sobre el logro de esa luz nacida del color que nos hace temblar, es el mapa de una espiritualidad contemporánea que niega desde sus maestros esa cacareada muerte tantas veces anunciada. Leyendo estas páginas también yo he vuelto a mi primer encuentro con Rothko, al descubrimiento de esa inquietud casi mística que pedía aprehender el fulgor de una llama o fundirse con el silencio de una fuerza en expansión que

no conocía control ni límites. He seguido fiel a esa motivación primera del estremecimiento desde una memoria pedagógica y recurrente, que me acompaña siempre como maestra de auténtica vida, y que me hace celebrar el caudal inagotable de ese manantial que, decían los antiguos, saciaba la sed del alma. Ahora, sentado ante la pantalla, inicio el viaje purificador que ofrecen nuestros artistas más jóvenes y cercanos en esta Muestra que pasa del veinte. Ante el mar y el cielo solemnes de Cuervo, que hipnotizan en la horizontalidad móvil de lo que se nos antoja inmóvil, paso al vértigo mecánico y lumínico de González-Lafita como quien despierta a la fragilidad física. Con Lucía Rivero hago ruta en el bosque violado con fondo del ave desplumada. Baranda abre la cortina a la escena del sueño y la aventura, y Lombardía ejemplariza como las “vánitas” la frugalidad de toda materia y toda belleza. Iglesias escribe los pasos del camino con el cuento rural de la infancia; Lara, fiel a la pintura, se hace más combativo y narrativo, y Griñón hace espejismo de la imagen con la fotografía que escapa a lo verosímil.

francisco crabiffosse cuesta est commissaire d’expositions. il a écrit le texte suivant pour la muestra : repentirs Elle, une russe de la troisième génération, semble parler de la fatalité de l’exil quand la caméra que sa voix accompagne parcourt les pièces chargées de souvenirs familiers. La mémoire domestiquée se manifeste dans chaque salle comme une remémoration constante des contributions de l’arrière-grand-père et de ce fils poursuivi par les assauts des révolutionnaires, qui se servit de la perche pour franchir les frontières en quête d’une terre promise où déposer les fruits de son génie. 15

Pour María Victoria, il est facile de mêler héritage et expérience et de conclure, depuis la maturité, que sa devise est le ciment solide sur lequel s’est bâti, génération après génération, le temple familial : Ars Gratia Artis. Une conjonction, interprète-t-elle, entre le pouvoir de l’inconcevable, du mystère, et ces éblouissements qui sont des signaux irréfutables que le phare de la sensibilité envoie à tous ceux qui, touchés par la grâce, doivent naviguer sur les eaux toujours dangereuses du jour le jour. Et elle arbore son pavillon d’apparence corsaire, dans la certitude que toute erreur peut devenir une victoire sure si l’on sait distraire le découragement et renoncer à la tentation de recul : « Jamais de repentir, éternellement l’espoir ». Cet aplomb, cette manifestation non dissimulée d’assurance, contraste avec le doute, les incertitudes et les détours que tout créateur affronte avant d’aboutir au temporairement définitif, lorsque dans un auto-aveu, il s’estime satisfait de l’œuvre réalisée. Mais toute création porte en elle la possibilité d’amendement et de retour. Les repentirs sont les empreintes des erreurs tentées, des solutions qui ont répondu aux incartades de l’idée et permis sa matérialisation, qui transforment en substrat vivant ce qui fut ou n’a pas été.

Lillian Hellman a recours au pentimento comme métaphore de ce regard rétrospectif sur ce qu’a été sa péripétie vitale et celle de ceux qui l’ont accompagnée. Elle demande l’indulgence pour les erreurs et les silences conscients, et explique que la conception primitive, lorsqu’elle est remplacée par une référence postérieure, est une manière de voir et de revoir plus tard ; et dans la récupération du temps écoulé, il se produit la même chose que lorsque la peinture vieillie occulte dans le substrat le trésor des formes primitives : ce que ces gens supposaient à une époque concrète et ce qu’ils supposent aujourd’hui, avec un regard rétrospectif. « Maintenant, la peinture a vieilli… », écrit Hellman au gré de ce procédé conceptuel qui est prétexte à raconter sa vie, sachant peut-être que ses indulgences et ses impostures, avec leurs silences et leurs fards, allaient être découvertes sans trop tarder, et que ces repentirs cachaient des vérités qui bientôt seraient ébruitées et nous la montreraient telle qu’elle était véritablement, sur le tracé réel de sa vie. La littérature de voyages est apparentée à l’autobiographie et mène à une utilisation irrésistible de l’art, de la peinture, comme ressource imaginative et éternelle de la construction de la mémoire. L’apparition d’une nouvelle édition du Journal de voyage en Italie de Michel de Montaigne coïncide avec l’œuvre Asturias para Vera de Menéndez Salmón soutitrée par l’auteur comme Viaje sentimental de un padre escritor (Voyage sentimental d’un père écrivain). Étonnante édition qui, dès la

couverture, renvoie au domaine du familial, du domestique ; le cadeau d’un père qui initie sa fille et lui raconte les multiples patries que les Asturies recèlent. Nécessairement partiel et

subjectif, le voyage s’avère peu fiable eu égard aux complexités historiques du pays mais en revanche vraisemblable pour comprendre, dans toute son ampleur, le besoin de chacun de trouver une explication au paysage physique et humain qui nous a forgés et qui a, en grande partie, fait de nous ce que nous sommes. Il y a certainement aussi, à l’origine de la dernière œuvre de l’écrivain La luz es más antigua que

el amor (La lumière est plus ancienne que l’amour) ce même vouloir percer le mystère,

débroussailler l’imagerie de l’art, pour trouver ne serait-ce que le chemin qui nous mènera, en un voyage initiatique, à la recherche de la vérité de l’art. Menéndez Salmón part de la dénonciation d’un « certain » discours cynique et désenchanté qui se satisfait en quelque sorte de la mort de l’art. La frivolité du message incommode et déçoit le narrateur par ce qu’il véhicule de mépris envers l’essence d’une création qui, non seulement, émeut dans l’ordre de l’esthétique, mais dans laquelle un sens éthique inéluctable est partout sous-jacent, comme une espèce de « repentir » ou « pentimento ». C’est cette conjonction de valeurs esthétiques et éthiques qui donne son sens à la permanence d’un art dont l’agonie annoncée par les paladins de la provocation vide n’a pas encore abouti au faire-part de décès, aux funérailles et à la tombe. La formule narrative combine la fiction et un noyau d’essai solide sur Mark Rothko, emblème revendiqué de la raison ultime de la création artistique, dont l’œuvre et la vie donnent en exemple la validité d’une façon éternelle d’être artiste. La transmission de la tension créative, du doute, ce compagnon de voyage silencieux, qui oblige au retour obsessionnel sur la saisie de cette lumière née de la couleur qui nous émeut, c’est la cartographie d’une spiritualité contemporaine qui nie, dans la lignée de ses maîtres, ce mauvais augure de mort si souvent annoncée. La lecture de ces quelques pages m’a renvoyé, moi aussi, à ma première rencontre avec Rothko, à la découverte de cette inquiétude quasi mystique qui porte irrésistiblement à appréhender

la fulgurance d’une flamme ou à se fondre avec le silence d’une force en expansion sans contrôle ni limites. Je suis resté fidèle à cette raison première de l’émoi depuis une mémoire pédagogique et récurrente, maîtresse de vie authentique qui m’accompagne toujours et me fait célébrer le débit inépuisable de cette source qui, disaient les anciens, étanchait la soif de l’âme. Aujourd’hui, assis devant l’écran, j’entreprends le voyage purificateur que nous procurent nos artistes les plus jeunes et les plus proches dans cette Muestra qui franchit le seuil des vingt éditions. Face à la mer et au ciel solennels de Cuervo qui hypnotisent par l’horizontalité mobile de ce que l’on pense immobile, je bascule dans le vertige mécanique et luminique de GonzálezLafita, comme quelqu’un qui s’éveillerait à la fragilité physique. Avec Lucía Rivero, je fais route dans la forêt violée sur un fond d’oiseau plumé. Baranda lève le rideau sur le tableau du rêve et de l’aventure, et Lombardía illustre comme les “vanitas” la frugalité de toute matière et de toute beauté. Iglesias écrit, pas à pas, le chemin du conte rural de l’enfance ; Lara, fidèle à la peinture, se fait plus combatif et narratif ; et l’image devient mirage là où la photographie de Griñón échappe au vraisemblable.

francisco crabiffosse cuesta is a curator. he wrote this text for the exhibition: repentance.

A third generation Russian, she seemed to be speaking about the fate of exile as the camera accompanying her words travelled through rooms full of family memories. The domesticated memory appears everywhere like a constant reminder of the contributions of her great-grandfather and that son who used a pole vault to cross borders to escape persecuting revolutionaries until finally reaching a promised land in which he could rest the fruit of his genius. For María Victoria it is easy to add inheritance to experience until being able to conclude in maturity that the slogan, Ars Gratia Artis, is the solid foundation on which the family temple has been raised generation after generation. An addition, she interprets, of the power of the inconceivable and mysterious with those flashes which are sure signs emitted by the lighthouse of sensibility to those, touched by the hand of grace, who have to sail on ever dangerous waters day after day. And from there she raises a pavilion with a corsair appearance in the certainty that all mistakes can be transformed into certain victory, as long as one is determined to forswear all things disheartening and to refuse any temptation to withdraw: “Never repent, always hope”.

Such composure and undisguised declaration of certainty contrasts sharply with the doubt, the uncertainty and the beating about the bush in which every artist indulges until ending up in the provisionally definitive, when they finally admit to being satisfied with the work done. Yet all creation is open to correction and revision, and therefore repentance leaves traces of trial and error, the ideal response to unpredicted twists of the idea and its materialisation that uses what was and what was not as a living substratum. For Lillian Hellman pentimento was a metaphor of a retrospective vision of what had been her own life journey and that of people who had coloured or influenced her life. She begs indulgence for mistakes made and conscious silences, warning that an initial conception, on being replaced by a later preference, is a way of seeing and then seeing again, and that if one wishes to recover lost time, the same happens as when old paint hides in its substratum the treasure of earlier forms: what those people thought at a certain time and what they think in the here and now with the retrospective gaze. “The paint is aged now…”, Hellman wrote in the conceptual recourse she uses to narrate her life, perhaps with the certainty that despite her

indulgences and masquerades, her silences and makeovers, she will be discovered before too long, and that these repentances or pentimentos will be found to have been hiding truths that would soon be made public and reveal the real story of her life. 18

Travel literature dovetails with autobiography and leads to an inevitable use of art, of painting, as an imaginative and eternal resource in the construction of the memory. The appearance of a new edition of The Journal of Montaigne’s Travels in Italy by Way of Switzerland and Germany in 1580 and 1581 coincides in time with Asturias para Vera [Asturias for Vera], which Menéndez Salmón subtitles in brackets Viaje sentimental de un padre escritor [Sentimental

journey of a father writer]. A strange book whose very cover conjures up ideas of the family, the domestic realm, as a father’s offering to his daughter for an initiation into and a learning of all the motherlands or homelands that Asturias contains in it. Necessarily partial and subjective, the journey is as unreliable for a proper understanding of the historical crossroads of the country as it is crucial for an understanding of the extremes one is willing to go to in the personal quest for an explanation of the physical and human landscape that has shaped us and which is largely responsible for making us what we are. Perhaps in the origin of La luz es más antigua que el amor [Light is older than love], the latest book by Menéndez Salmón, we can find this same desire to unravel a mystery, to clear

away the undergrowth of the imaginary of art in order to uncover a path that might at least lead us on a voyage of initiation and a search for the truth of art. Menéndez Salmón starts out by protesting against a “certain” cynical and disillusioned discourse that seems to consist of nothing more than proclaiming the death of art. The frivolousness of the message unsettles and disheartens the narrator inasmuch as it bears with it a disdain for the essence of creation, which not only moves us on an aesthetic order, but also contains an essential ethical meaning in the form of “repentance” or “pentimento”. This conjunction of aesthetic and ethic values is what gives meaning to the validity of an art whose death throes, announced by the champions of vacuous provocation, have not yet been accompanied by obituaries, funerals and gravestones. The narrative formula combines fiction with a core of serious rehearsal for something Mark Rothko advocated as an emblem of the ultimate reason behind artistic creation, in which life and work exemplify the validity of an eternal way of being an artist. The transmission of a creative tension, of doubt as a silent travel companion that forces the obsessive return to the achievement of that light born from colour that makes us tremble, is the map of a contemporary spirituality whose masters refute the much-trumpeted death so often announced. Reading these pages I too have returned to my first encounter with Rothko, to the discovery of this almost mystic quest that wished to grasp the brightness of a flame or become one

with the silence of a force in expansion that knows no control or limits. I have remained true to this first motivation of the shuddering from a pedagogical and recurrent memory, that is always with me as a guide to life lived authentically, and makes me celebrate the inexhaustible source of this spring which, as the ancients put it, sated the thirst of the soul. Now, sitting in front of the screen, I set out on the purifying voyage outlined by the best of our local young artists in this exhibition now reaching its coming of age in its twenty-first edition. From Cuervo’s solemn sea and sky, which hypnotise on the mobile horizontality of what we believe to be immobile, to González-Lafita’s mechanical and luminous vertigo which seems like an awakening to physical fragility. I travel with Lucía Rivero on a path in a violated forest and find a plucked bird along the way. Baranda raises the curtain on a stage of fantasy and adventure, while Lombardía exemplifies in “vanitas” the frugality of all matter and all beauty. Iglesias lays the steps on a path to a rural childhood story; faithful to painting, Lara becomes more belligerent and narrative, and Griñón creates mirages of images with photography that eschews the true-to-life.

benjamin weil es comisario jefe de laboral centro de arte y creación industrial. él escribió este texto para la muestra: una exploración del panorama del arte contemporáneo asturiano.

20 20

Para un comisario, la tarea de participar en un jurado, con la misión de seleccionar artistas emergentes para una exposición, supone todo un privilegio ya que, durante el proceso de revisión de propuestas, va haciéndose una idea cabal sobre qué cosas interesan a la nueva generación de creadores y cómo insertan su trabajo dentro del continuum de la historia del arte. El Premio Arte Joven, que tiene lugar cada año, ofrece la oportunidad de asomarse con regularidad a las últimas tendencias de la práctica artística en Asturias, permitiendo también observar en qué medida el trabajo de los creadores asturianos difiere y a la vez se parece, en cuanto a preocupaciones conceptuales y formales, al de los artistas que trabajan en otros lugares de España o del extranjero. En un mundo cada vez más proclive a la globalidad y en el que ideas y tendencias viajan a gran velocidad, se vuelve más interesante si cabe echar una ojeada a lo que sucede a nivel regional, aunque no sea más que para comprobar hasta qué punto la dinámica entre los contextos locales y globales continúa creando un terreno abonado al servicio de los artistas emergentes. Muchos de ellos, formados en otros lugares, conservan fuertes vínculos con la región; otros, que todavía no han gozado de la oportunidad de explorar otros parajes, se han impregnado, gracias a la ubicuidad de sistemas de suministro de información cada vez más sofisticados, de cuanto tiene lugar por ahí fuera.

Contemplando la obra de los artistas seleccionados constatamos, en primer lugar, la asombrosa libertad de que disfrutan en cuanto a formatos y soportes. En ese sentido, la exposición que nos ocupa presenta obras realizadas en prácticamente todos los medios disponibles, en todo tipo de combinaciones y con abundantes referencias a los últimos cien años en la historia del arte y la cultura en general. El siglo XX fue rico en la apertura de vías a nuevas formas, bien en la esfera de los medios de comunicación de masas, bien en el territorio—más escogido—de la “alta cultura”. Se desarrollaron nuevas aproximaciones a la creación artística y, en la estela de la Revolución Industrial y de la cada vez mayor presencia de lo mecánico en nuestras vidas, la mano y la noción de

lo artesanal cedieron paso, poco a poco, a otras ideas, como las de la manipulación, apropiación o contextualización. Con su invención del ready-made, Marcel Duchamp situó el concepto de intención artística en el corazón mismo de la práctica creativa. Desde ese momento, dejó de ser necesario que la formalización de las ideas se vinculara a siglos de una práctica artística basada en la destreza en la pintura, el grabado, el dibujo o la escultura. En lugar de ello, la experimentación formal se volvió clave para definir una práctica artística que, “en la era de la reproducción mecánica”, por usar el título del célebre ensayo de Walter Benjamin, debía ser reflejo de nuestro tiempo. Cien años de rica experimentación han transcurrido, en los que la noción del arte visual ha perdido su anterior con-

figuración formal; en los que el sonido, el teatro, la fotografía y el cine han impregnado el terreno; en los que el proceso de creación artística ha llegado a ocupar una posición más central, si no más importante, que el propio producto artístico. Paulatinamente, en el decurso del tiempo, aquella libertad formal que se abrió camino en los primeros años del pasado siglo fue dando paso a combinaciones de medios más complejas y ricas en un espectro que va de la acción a la instalación. Una libertad formal que ha afectado también a prácticas clásicas como el dibujo, la pintura o la escultura, aunque no sea más que porque, optar por aferrarse a esas vías más canónicas equivale, de por sí, a una declaración conceptual. La mayor parte de la producción cultural se encuentra hoy sometida a intermediación, es decir, que para acceder a ese tipo de trabajo se precisa de un ordenador, de una pantalla o de cualquier otra forma de equipamiento. En cambio, aquellas formas clásicas permanecen y despuntan por su cualidad intrínseca. Como ocurriera con el desarrollo de una nueva práctica sonora en la que la noción de remix se volvió esencial, las ideas de ensamblaje, collage y reaplicación, ya presentes en el siglo xx, cobran hoy una nueva dimensión, con los artistas tomando prestados y recontextualizando fragmentos de vocabulario formal que encuentran en la obra de sus predecesores; algo que, de alguna manera, sería consecuencia de la om-

nipresencia del ordenador, introductor del concepto del “corta y pega”. Y si la cita siempre constituyó un elemento fundamental de relación con la historia—pensemos, por ejemplo, en la representación que Pablo Picasso hace de Las Meninas de Diego Velázquez—la práctica actual se acerca más, en forma y espíritu, a la idea musical del remix: no se requiere una identificación clara de los fragmentos apropiados y es la combinación la que, en sí misma, genera un nuevo significado. Durante la década pasada asistimos a una vertiginosa aceleración del proceso de globalización del planeta. La aparición de la computación y telecomunicación móvil ha alterado profundamente las nociones de tiempo y espacio. No debe sorprendernos que, en combinación con las condiciones antes apuntadas, este estado de cosas haya influido en cómo los artistas conciben su práctica y en el tipo de trabajos que lanzan al mundo. Además de la libertad formal, es posible hoy comprobar la emergencia de temas y preocupaciones que dan fe del efecto de la velocidad, la miniaturización y el espacio así como del fenómeno que resulta de eso que hemos dado en llamar “virtualidad” y “realidad aumentada”. En un mundo en el que “el aquí y el ahora” se ve constantemente aumentado por “el ahí y el ahora”, en donde es posible mantener simultáneamente una conversación en un mismo espacio y en un lugar remoto, nuestra forma de rela-

cionarnos entre nosotros, con los acontecimientos, con el transcurso del tiempo y con la experiencia vital ha dado lugar a múltiples cambios en la percepción. El trabajo de los artistas que participan en la presente exposición refleja el estado del mundo y en qué medida la práctica artística se ha impregnado de la tecnología de uso corriente, por no hablar de las preocupaciones conceptuales que se derivan de este estado de cosas.

Las inquietantes esculturas mecánicas de Alicia González-Lafita Pérez remiten a los experimentos formales de Jean Tinguely; no obstante, el contexto en el que esta artista trabaja es muy diferente del que rodeaba al afamado creador helvético. Hoy, la idea de lo mecánico ha evolucionado y nuestra capacidad para descifrar visualmente el funcionamiento de la máquina se ha vuelto imposible. Con el advenimiento de la micromecánica, dependemos de máquinas (teléfonos móviles, ordenadores, etc.), cuyo proceso mecánico jamás seremos capaces de comprender como comprendemos, por poner un ejemplo, los fundamentos mecánicos de la bicicleta. Tampoco persisten los ecos del discurso distópico sobre la tecnología que se escuchaban durante el siglo xx. Es como si hubiéramos asumido el carácter irreversible de la era de la información. La engañosa simplicidad de esos constructos poéticos nos recuerda la preeminencia de las máquinas, hoy desaparecidas tras unas “interfaces de usuario” más y más seductoras.

En una suerte de forma “analógica” similar, Noemi Iglesias compone unos relieves escultóricos a partir de objetos encontrados. Sus performances en el espacio público evocan aquellas acciones llevadas a cabo a finales de los cincuenta: nos viene aquí a la mente la obra realizada en Japón por los miembros del Grupo Gutai, y más tarde en toda Europa y en las Américas, en la que el cuerpo deviene en instrumento con el que crear nuevas formas de obras efímeras con el consiguiente cuestionamiento acerca de la naturaleza y el significado del objeto artístico. Con todo, la incorporación del territorio local a su obra ofrece a la artista la oportunidad de interrogarse sobre sus lazos con el lugar y, con ello, de reflexionar sobre la trascendencia de ese vínculo en nuestras vidas. Tanto Manuel Griñón como Santiago Lara han optado por la tinta, la pintura y el collage para producir unas obras alusivas al espíritu del surrealismo pero sin dejar por ello de apuntar, eficaz y humorísticamente, a la absurdidad del mundo presente. Ejecutadas con destreza, sus piezas reflexionan también sobre el gesto implícito en la creación artística, evocando a la vez imágenes atemporales de monstruos y sueños; un mundo imaginario impregnado también del espíritu del simbolismo. Una “alter-realidad” también presente en la obra de Noé Baranda, que recurre a la fotografía para poner en escena,

en un entorno decididamente artificial, un personaje femenino. El decorado es teatral y la escala claramente distorsionada, propiciando la aparición en nuestra mente de toda clase de referencias: de cuadros clásicos de la era romántica a imágenes contemporáneas de la publicidad. Un enfoque más canónico de la fotografía define la obra de Iraida Lombardía, cuyas clásicas naturalezas muertas parecen remitirnos a una tradición varias veces centenaria.

La investigación desarrollada por Lucía Rivero se basa en una atenta observación de su entorno; una investigación que parte de sus propias narrativas, desarrolladas a partir de objetos o situaciones encontrados. Su gama de recursos la forman imágenes estáticas y en movimiento, por lo general ensambladas en unas intrincadas instalaciones. Los vídeos de Adrián Cuervo parecen cuestionar nuestra forma de relacionarnos con lo real, así como la posibilidad de que esa realidad no sea, de hecho, otra cosa que un constructo. Distorsionando y recomponiendo material filmado en vídeo, Cuervo crea un estado de conciencia que desencadena una reflexión sobre la representación. Tanto Rivero como Cuervo ponen en entredicho cómo nuestra vivencia— cada vez más intermediada—de lo real altera nuestra comprensión mental y física del mundo en que vivimos.

Y si no es posible realmente contemplar esta muestra como la clásica exposición colectiva, la selección de artistas y el proceso curatorial aplicado a la contextualización de las piezas revela con claridad los intereses y preocupaciones comunes a esta nueva generación de artistas, así como su capacidad para contribuir, con gran riqueza, a la esfera del arte contemporáneo. Pero además, representa una gran oportunidad para mostrar el dinamismo del panorama artístico local.

benjamin weil est le commissaire de laboral centre d’art et de création industrielle. il a écrit le texte suivant pour la muestra : une exploration du panorama de l’art contemporain asturien.

Pour un commissaire d’exposition, participer à un jury pour sélectionner des artistes émergents en vue d’une exposition est un véritable privilège. L’étude de leurs propositions de candidature permet en effet de se faire une idée plus précise de l’état de la pensée d’une nouvelle génération de créateurs, et de la façon dont ceux-ci positionnent leur travail dans le continuum de l’histoire de l’art. Décerné chaque année, le Prix Arte Joven offre d’une part l‘opportunité de se pencher régulièrement sur les dernières tendances de la pratique artistique dans les Asturies, et d’autre part, celle de vérifier dans quelle mesure le travail des créateurs asturiens diffère et se rapproche, en termes de préoccupations conceptuelles et formelles, de celui des artistes qui travaillent ailleurs, en Espagne ou à l’étranger. Dans un monde de plus en plus globalisé, où les idées et les tendances se transmettent avec une rapidité toujours plus grande, il parait d’autant plus intéressant d’observer ce qui se passe à une échelle régionale, ne serait-ce que pour évaluer dans quelle mesure la dynamique entre les contextes locaux et globaux continue de créer un terrain fertile, et favorable aux artistes émergents. Beaucoup d’entre eux sont partis ailleurs faire

leurs études, tout en maintenant des liens forts avec la région ; quant à ceux qui n’ont pas encore eu l’opportunité d’une expérience autre part, ils n’en demeurent pas moins au courant, du fait de l’ubiquité des systèmes de plus en plus perfectionnés de transmission de l’information. En observant le travail des artistes sélectionnés, l’on découvre en premier lieu la grande liberté dont ils jouissent pour ce qui concerne la forme de leur travail. Il est en effet intéressant de noter que les œuvres exposées ici offrent un panorama formel qui couvre tous les types de supports disponibles à ce jour, et que les artistes piochent librement dans un inventaire de références qui couvre plus d’un siècle d’histoire de l’art et de la culture en général. Le XXème siècle a été riche en inventions formelles dans le domaine des arts, et tout autant dans la sphère des moyens de communications. De nouvelles approches à la création artistique ont été adoptées, et dans le sillage de la Révolution Industrielle et d’une mécanique toujours plus présente dans nos vies, la main et la notion d’artisanat ont peu à peu cédé le pas à d’autres bases formelles et conceptuelles, telles que la manipulation, l’appropriation ou la re-contextualisation.

Avec l’invention du Ready-Made, Marcel Duchamp a situé le concept d’intention artistique au cœur même de la pratique créative. Dès lors, la formalisation des idées n’était plus nécessairement assujettie à des siècles d’une pratique artistique fondée sur la maitrise de la peinture, la gravure, le dessin ou la sculpture. L’expérimentation formelle est au contraire devenue cruciale pour définir une pratique artistique qui, « à l’ère de la reproduction mécanique » - pour citer le titre du fameux essai de Walter Benjamin, se devait d’être le miroir de notre temps. Cent années riches d’expérimentations se sont écoulés, au cours desquelles la notion d’art visuel a peu à peu été reformulée, pour y intégrer les influences d’autres pratiques créatives comme le son, le théâtre, la photographie ou le cinéma. Le processus de création artistique s’est progressivement mis à occuper une position majeure, voire plus importante que celle du produit artistique lui-même. Au fil du temps, la liberté formelle conquise dans les premières années du siècle dernier, a permis l’émergence de pratiques artistiques de plus en plus complexes et riches, dans un spectre qui va de l’action à l’installation. Les pratiques classiques telles que le dessin, la peinture ou la sculpture, ont été affectées par ces nouvelles

approches, ne serait-ce que parce que choisir de s’attacher à cette pratique plus « canonique » est en soi une position conceptuelle. En effet, la production culturelle d’aujourd’hui est de plus en plus soumise à l’intermédiation : pour y accéder, il faut disposer d’un lecteur (ordinateur, DVD, etc.), d’un projecteur, d’un écran, haut-parleur, etc. Les formes classiques, elles, perdurent et se distinguent par leur qualité intrinsèque. Comme cela s’était produit lors du développement d’une nouvelle pratique sonore où la notion de remix était devenue essentielle, les idées d’assemblage, de collage et réutilisation, déjà présentes au XXème siècle, acquièrent aujourd’hui une nouvelle dimension au travers des artistes qui extraient et recontextualisent des fragments de vocabulaires formels qu’ils empruntent à l’œuvre de leurs prédécesseurs; une pratique qui serait, d’une certaine manière, la conséquence de l’omniprésence de l’ordinateur, promoteur du concept de « copié – collé ». Or, si la citation a toujours constitué un élément fondamental de lien avec l’histoire – on peut penser, par exemple, aux Ménines de Pablo Picasso, interprétation du tableau éponyme de Diego Vélasquez – la pratique actuelle se rapproche davantage, par sa forme et son esprit – de l’idée musicale du remix : les fragments ainsi

appropriés ne doivent pas nécessairement être identifiés et c’est la combinaison qui, en ellemême, génère un nouveau sens. Au cours de la dernière décennie, le processus de mondialisation de la planète s’est considérablement accéléré. L’ordinateur portable et les outils de communication mobile ont profondément altéré les notions d’espace et de temps. Il n’est donc guère surprenant de s’apercevoir que cet état de fait, combiné aux conditions évoquées plus haut, a influencé la façon dont les artistes conçoivent leur pratique et le type de travail qu’ils présentent. Audelà de la liberté formelle, on peut également constater l’émergence de thèmes et de préoccupations qui témoignent des effets de la vitesse, de la miniaturisation et de l’espace reformulé, ainsi que de l’émergence de ce qu’il est convenu d’appeler « la virtualité » et « la réalité augmentée », qui en résulte. Dans un monde où « l’ici et maintenant » est constamment amplifié par le «là-bas et maintenant », dans lequel on peut simultanément tenir une conversation ici et ailleurs, les relations humaines, et la perception que chacun peut avoir du temps ou bien de la vie en général se trouvent profondément modifiées. Le travail des artistes qui participent à la présente exposition

témoigne de ce nouvel état du monde et de la façon dont la pratique artistique s’est imprégnée de l’omniprésence de la technologie, sans parler des préoccupations conceptuelles dérivant de cet état des choses. Les mystérieuses sculptures mécaniques d’Alicia González-Lafita Pérez renvoient aux expérimentations formelles de Jean Tinguely ; le contexte dans lequel cette artiste travaille est cependant très différent de celui qui entourait le célèbre artiste suisse. Aujourd’hui, l’idée de la mécanique a évolué et notre capacité à déchiffrer visuellement le fonctionnement de la machine est devenue illusoire. Depuis l’avènement de la micromécanique, nous dépendons de machines (téléphones portables, ordinateurs, etc.), dont nous ne serons jamais en état de comprendre le processus mécanique comme nous étions capables de comprendre, par exemple, le fonctionnement de la bicyclette. Le discours dystopique sur la technologie tel qu’il existait à la fin du siècle dernier n’a plus le même écho. C’est un peu comme si le caractère irréversible de l’ère de l’information avait été intégré par tous. La simplicité de ces constructions poétiques nous rappelle la prééminence de machines aujourd’hui dissimulées derrière des interfaces graphiques toujours plus séduisantes.

Dans un même ordre d’idées, Noemi Iglesias compose des reliefs sculpturaux à partir d’objets trouvés. Ses performances dans l’espace public évoquent certaines actions menées à la fin des années cinquante : on pense par exemple au travail du collectif japonais Gutaï, puis à celui des membres de Fluxus, ainsi qu’à de nombreux individus en Amérique du nord et en Europe, qui tous avaient choisi le corps comme outil pour créer de nouvelles formes d’œuvres éphémères ; celles-ci remirent en question de la nature et du sens de l’objet artistique. L’incorporation du territoire local dans l’œuvre de cette artiste lui permet de s’interroger sur ses rapports avec le lieu et, de ce fait, de réfléchir à la transcendance de ce rapport dans nos vies.

Manuel Griñón, tout comme Santiago Lara, a choisi l’encre, la peinture et le collage pour produire des œuvres qui font allusion à l’esprit du surréalisme sans pour autant renoncer à viser, efficacement et avec humour, l’absurdité du monde contemporain. Exécutées avec adresse, leurs pièces réfléchissent aussi au geste qui est implicite dans la création artistique, et évoquent des images atemporelles de monstres et de rêves ; un monde imaginaire également imprégné de l’esprit du symbolisme. Une “alter-réalité” également présente dans l’œuvre de Noé Baranda, qui a recours à la photographie pour mettre en scène un personnage féminin, dans un environnement décidément artificiel. Le décor est théâtral et l’échelle clairement distorsionnée, favorise l’apparition, dans nos esprits, de toute sorte de références : des tableaux classiques de l’époque romantique aux images publicitaires contemporaines. Une approche plus canonique de la photographie pourrait définir l’oeuvre d’Iraida Lombardía, dont les natures mortes classiques semblent nous renvoyer à une tradition plusieurs fois centenaire. La recherche menée par Lucía Rivero est fondée sur une observation minutieuse de son environnement de vie ; elle construit ses narrations à partir de situations vécues et

d’objets rencontrés. Sa « palette » est constituée de photographies et de vidéo, le plus souvent assemblées dans des installations complexes. Les vidéos d’Adrián Cuervo semblent réfléchir sur notre relation à la notion de réalité, et pose la question de ses liens avec la fiction, pour suggérer que celle-ci est toute aussi construite. Il transforme et dénature du matériel filmé sur vidéo, pour provoquer un état d’alerte chez le spectateur, qui le pousserait à une réflexion sur la notion de représentation. Rivero, tout comme Cuervo se demandent si la façon – de plus en plus intermédiée – dont nous vivons la réalité n’altère pas notre compréhension mentale et physique du monde qui est le nôtre. Si cette exposition ne peut pas véritablement être visitée comme une exposition collective classique, le choix des artistes et le processus curatorial appliqué à la contextualisation des pièces révèle néanmoins clairement les intérêts et les préoccupations communes à cette nouvelle génération d’artistes, et leur capacité à contribuer, avec une grande richesse, au monde de l’art contemporain. Elle constitue en outre une belle opportunité de témoigner du dynamisme du panorama artistique local.

benjamin weil is chief curator of laboral centro de arte y creación industrial. he wrote this text for the exhibition: probing the asturian contemporary art scene.

For a curator, the duty of sitting on a jury, whose task it is to select emerging artists for an exhibition, is a precious privilege. Indeed, through the process of reviewing portfolios, one gradually gets a sense of what the new generation of artists is interested in and how they insert their work within the continuum of art history. The yearly occurrence of Premio Arte Joven is an opportunity to be regularly acquainted with the latest trends of art practice in Asturias. One can also see how the work of artists in Asturias is different and yet similar in its conceptual and formal concerns to the one of artists elsewhere, whether in Spain or abroad. In a world that tends to be increasingly global, where ideas and trends travel really fast, it is all the more interesting to take a look at what is happening at the regional level, if only to see how the dynamics between the local and the global contexts continues to create a rich turf for emerging artists. Many of them have studied elsewhere, and maintain a strong tie with the region, whereas others have not yet had the chance to explore other places in depth, but are nonetheless permeated by the activity that takes place outside, thanks to the ubiquity of ever more sophisticated information delivery systems

Upon observing the work of the selected artists, the first conclusion that comes to mind is the incredible freedom they have when it comes to the formats and media they use. Indeed, pretty much every available media is represented in this exhibition, in any combination, and with numerous references to the past hundred years of art history as well as to culture in general. The twentieth century has been rich in pioneering new forms whether in the sphere of mass media and communication or in the more rarefied sphere of “high culture”. New approaches to art making have been developed. In the wake of the industrial revolution and the increasing presence of the mechanical in our lives, the hand and the notion of craft has gradually given way to the notion of manipulation, appropriation and contextualization. With the invention of the readymade, Marcel Duchamp put the notion of artistic intent at the core of the art making practice. From that moment onwards, the formalization of ideas no longer needed to be attached to centuries of an artistic practice predicated by the mastery of painting, etching, drawing or sculpture. Rather, formal experimentation was key to the definition of an artistic practice that was to reflect our times, “in the age of mechanical reproduction”, per the title of Walter Benjamin’s famous essay.

One hundred years of rich experimentation has elapsed, wherein the notion of visual art has no longer been delineated formally as it was, wherein sound, theatre, photography and cinema have permeated the field, wherein the process of art making has become as core if not more important than the art product itself. Gradually, over the course of the time, the formal liberty pioneered in the early part of last century has given way to ever more complex and rich combinations of media, ranging from action to installation. Classical practice such as drawing, painting, or sculpture have also been affected by formal freedom, if only because choosing to stick to these more canonical ways is in itself a conceptual statement. Indeed, most cultural production today is mediated; that is, one needs a computer, a screen or any other form of equipment to access that kind of work. Those classical forms remain, and stand out because of this intrinsic quality. As with the development of new sound practice, wherein the notion of remix became crucial, the idea of assemblage, collage, and repurposing that had already existed in the twentieth century, has now taken a new dimension, wherein the artist borrows and re-contextualizes fragments of formal vocabulary they have encountered in the work of their predecessors. In a way, this results from the ubiquity of computers, which introduced the notion of “copy and paste”. Whereas quotation has always been an integral part of relating to history – one may for instance think of Pablo Picasso’s depticon of Diego Velazquez´s Meninas – the current practice is closer in form and spirit to the musical notion of remix. Borrowed fragments need not be as clearly identified, and the combination may altogether be what creates new meaning.

During the past decade, the globalization of the world has enormously accelerated. With the advent of mobile computing and telecommunication, the notions of time and space have been profoundly modified. It is not a surprise if, combined with the aforementioned conditions, this state of things has affected the way artists consider their practice and the kind of work they put out in the world. Aside from the formal freedom, one can increasingly see the emergence of topics and concerns that mark the effect of speed, miniaturization, space, and the resulting development of what we now know as “virtuality” and “augmented reality”. In a world where the “here and now” is constantly augmented by the “there and now”, where one can simultaneously be conducting a conversation in the same space and remotely, our way of relating to each other, to the events, to the passing of time, and to the experience of life has generated multiple perceptual shifts. The work of all the artists on view in the exhibition reflects the state of the world, the way artistic practice has been permeated by mainstream technology, and the formal and conceptual concerns that arise from this state of things. The eerie mechanical sculptures of Alicia González-Lafita Pérez evoke the formal experiments of Jean Tinguely. However the context in which she works is very different from the one of the famed Swiss artist. Today, the notion of the mechanical has evolved, as the ability to visually decipher the workings of a machine has become impossible. With the advent of micromechanics, we depend upon machines (cell phones, computers, etc.), whose mechanical process we will never be able to comprehend as we do for instance the mechanical principles of a bicycle. Also, the dystopian discourse about

technology no longer resonates as it did in the twentieth century. It is as if we have accepted the irreversible nature of the information age. The deceptive simplicity of those poetic constructs reminds us of the pre-eminence of machines, which however have disappeared behind ever more seductive “user interfaces”.

In a similar, “analog” kind of way, Noemi Iglesias composes sculptural reliefs out of found objects. Her public space performances evoke the actions carried out as early as the late 1950’s – one thinks here of the work carried out in Japan by the members of the Gutai Group – and later all over Europe and the Americas, wherein the body becomes the instrument to create new forms of ephemeral works, and hence, question the nature and signification of the art object. Yet, her engaging the local territory creates opportunities to question her ties to the place and hence, reflect upon the importance of these ties in our lives. Manuel Griñon and Santiago Lara each have chosen to work with ink, paint, and collage, producing works that allude to the spirit of surrealism, and yet efficiently and humorously point to the absurdity of our current world. The works are executed skilfully, and also reflect upon the gesture of art making, while evoking timeless images of monsters and dreams, an imaginary world that is also permeated by the spirit of Symbolism. This “alter-reality” can also be found in the work of Noé Baranda, who has chosen photography to stage a female character in an environment that is decidedly artificial. The setting is theatrical, and the scale, clearly distorted. All kinds of references come to mind, ranging from classic paintings from the romantic era to contemporary

images in advertising. A more classical approach to photography characterizes the work of Iraida Lombardía, whose classical still lifes seem to refer to a centuries-old tradition. A keen observation of her environment is at the basis of the investigation carried out by Lucia Rivero, who derives her own narratives out of found objects or situations. Her palette consists of still and moving images, usually assembled in intricate installations. The videos of Adrian Cuervo seem to question the way we relate to the real, and how in fact reality may altogether be a construct. The artist distorts and re-engineers video footage, so as to create a state of awareness that prompts a reflection on representation. Both artists question the way our increasingly mediated experience of the real has changed our mental and physical understanding of the world we inhabit. While the exhibition cannot really be understood as a classical group show, the selection of the artists and the curatorial process applied to the contextualization of these works clearly reveals the common interests and concerns of this new generation of artists, and their ability to richly contribute to the sphere of contemporary art. This is also a great opportunity to demonstrate the dynamism of the local art scene.

alicia gonzález-lafita pérez. noé baranda ferrero. adrián cuervo. manuel griñón montes. noemí iglesias barrios. santiago lara. iraida lombardía alonso. lucía rivero. 32

obra.

alicia gonzález-lafita pérez. es la ganadora de la veintiuna edición de la muestra. 34

nació en oviedo en 1989. su mail es ali_lafita@hotmail.com ésta es su obra.

1/2/3/4/5. hooke vs. newton.

instalación 220 x 70 x 60 cm / 2009

hooke vs newton. Durante la segunda mitad el siglo XVII y principios del XVIII Sir Isaac Newton y Robert Hooke convivieron en el Reino Unido. Ambos estuvieron interesados en desvelar la naturaleza de la luz. Newton sostenía que la refracción de luz blanca a través de un prisma daba lugar al resto de los colores mientras Hooke pensaba que con la combinación de distintas cantidades de rojo y azul se podían obtener todos los demás colores. La instalación consta de dos partes. Una de ellas, que representa la teoría de Hooke, intenta combinar luz roja y azul mientras que en la parte que representa a Newton, la luz blanca se refracta a través

Fotomontaje de Hooke VS Newton en la Royal Society

de prismas para así conseguir el resto del espectro de luz visible. Mantuvieron una relación de rivalidad y sólo tuvieron contacto a través de sus cartas. Filtraban su información y nunca llegaban a contarse todo lo que sabían. Una pantalla divide la instalación en dos partes, ocultando la información de un lado a otro. Los dos científicos mostraron su fascinación y pasión por la mecánica. La instalación consiste en dos sistemas de poleas que están conectados por un reloj de cuerda. Tanto Hooke como Newton fueron miembros de la Royal Society de Londres. La instalación está diseñada para la Council Room de esta entidad.

TeorĂas en alzado:

Newton

Neutral

TeorĂas en plano:

Newton

Neutral

Hooke

Filtraci贸n de las cartas

Newton

Hooke

Hooke Vs. Newton

no茅 baranda ferrero.

naci贸 en gij贸n en 1978. su mail es noe@noebaranda.com 茅stas son sus obras.

1. s/t. Serie Un metro cuadrado de tristeza.

3. s/t. Serie Un metro cuadrado de tristeza.

5. s/t. Serie Un metro cuadrado de tristeza.

2. s/t. Serie Un metro cuadrado de tristeza.

4. s/t. Serie Un metro cuadrado de tristeza.

6. s/t. Serie Un metro cuadrado de tristeza.

lambda print sobre dibond 100 x 100 cm / 2010 lambda print sobre dibond 100 x 100 cm / 2010

lambda print sobre dibond 100 x 100 cm / 2010 lambda print sobre dibond 100 x 100 cm / 2009

lambda print sobre dibond 100 x 100 cm / 2009 lambda print sobre dibond 100 x 100 cm / 2010

adrián cuervo.

nació en gijón en 1981. su mail y web son info@adriancuervo.es y www.adriancuervo.es éstas son sus obras. 1. horizonte.

vídeo 16:9 video en soporte dvd bucle / 2010 / edición. 1 de 5 2/3. la mar.

vídeo 16:9 / díptico. 2 vídeos en soporte dvd 1min.30 seg. / 2010 edición. 2 de 5

4/5. la huella.

arte generativo imac, quartz composer, micrófono, proyector 200 x 200 cm / 2010

6/7. el mar cotidiano.

vídeo instalación sobre arquitectura 1 dvd, 2 proyectores, espejos 12 x 3 metros cada proyección bucle 6/7 / 2010

manuel griñón montes.

nació en luarca (valdés) en 1981. su mail y sus webs son manugrinon@hotmail.com y www.flickr.com/manugrinon y www.jerseyparalosmonos.com éstas son sus obras.

1. con quién, dónde, de qué y con qué frecuencia hablan y se reúnen.

4. puede extenderse y cubrir cualquier cosa.

2. repoblaron de árboles el campus.

5. coloso controlado por una computadora.

collage y dibujo 30 x 20,5 cm / 2010 collage y dibujo 30 x 20,5 cm / 2010 3. en contra de la creencia general.

collage y dibujo 30 x 20,5 cm / 2010

6. criatura monstruosa a punto de comerse a la humanidad .

collage y dibujo 13 x 18 cm / 2010

7. tengo una corazonada.

collage y dibujo 13 x 18 cm / 2010

noemí iglesias barrios.

nació en riaño (langreo) en 1987. su mail es noe_ noe_500@hotmail.com éstas son sus obras.

1. capiellín colloráu.

3. villalaz.

2. capiellín colloráu. proceso de realización

4. lutxana. proceso de realización

140 x 62 cm técnica mixta 2010

técnica mixta / arena 2009

120 x 100 x 60 cm técnica mixta 2010 técnica mixta / carboncillo 2009

santiago lara.

nació en tomelloso en 1975. su mail es santiagolara1@ yahoo.es éstas son sus obras.

1. parking.

3. cruzando el rio.

2. la misión.

4. el perro rojo.

acrílico sobre tabla 40 x 30 cm / 2009 acrílico sobre lienzo 50 x 70 cm / 2009

acrílico sobre lienzo 100 x 100 cm / 2010 acrílico sobre tabla 65 x 54 cm / 2010

5. nido.

acrílico sobre tabla 65 x 54 cm / 2010

iraida lombardĂa alonso.

naciĂł en laviana en 1977. su mail es iraidalombardia@ msn.com ĂŠstas son sus obras. 1. ostras, copas y frambuesas sobre cama.

3. mesa de desayuno.

2. corzo muerto y otros trofeos.

4. pan, sardinas en aceite y vino.

lambda sobre papel rc 100 x 100 cm / 2010 lambda sobre papel rc 100 x 100 cm / 2010

lambda sobre papel rc 100 x 100 cm / 2010

5. cadĂĄver de cisne y desechos.

lambda sobre papel rc 100 x 100 cm / 2010

lucía rivero.

nació en gijón en 1984. su mail y web son lucrivero@gmail.com y www.luciarivero.com éstas son sus obras.

1/2/3/4/5. horror movie. serie de 5 piezas

acrílico sobre lienzo 50 x 76 cm / 2010 6/7. franky.

dvd video, pal loop, 2010

THE SHOW MUST GO ON THE SHOW MUST GO ON Inside my heart is breaking, my make-up may be flaking, But my smile still stays on On with the On with the show versi贸n libre de The Show Must Go On, Queen

alicia gonzález-lafita pérez. noé baranda ferrero. adrián cuervo. manuel griñón montes. noemí iglesias barrios. santiago lara. iraida lombardía alonso. lucía rivero. 98

trayectoria.

alicia gonz谩lez-lafita p茅rez. naci贸 en oviedo en 1989. su mail es ali_lafita@hotmail.com actualmente estudia arquitectura superior en the bartlett school of architecture, del university college of london.

exposiciones individuales. 2009 119 cerillas. Sala Borr贸n, Oviedo. exposiciones colectivas. 2010 Bartfest. Londres (U.K.) 100

2009 Bartfest. Londres (U.K.)

noé baranda ferrero. nació en gijón en 1978. su mail y web son noe@noebaranda.com y www.noebaranda.com es técnico superior de artes plásticas y diseño en fotografía artística por la escuela de artes y oficios de oviedo.

exposiciones individuales.

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2009 Casa de fieras. Galería Mediadvanced, Gijón. 2008 S/T. Galería Mediadvanced, Gijón. 2007 Carelia. Aquí el otoño no dura tanto. Sala Borrón, Oviedo / Los hombres huecos. Casa municipal de cultura de Avilés. 2006 Entre las flores. Itinerante. 2005 Los hombres huecos. Espaciu Astragal, Gijón. 2004 Soledades habitadas. CMAE, Avilés. 2003 Standby. Sala Lai, Gijón. 2002 Standby. Centro Cultural El Foro, Pozuelo de Alarcón, Madrid. exposiciones colectivas. 2010 X Premio de fotografía Universidad de Murcia, Espacio ES/UM, Murcia / XIV Certamen Arte Joven Latina. Sala Itinerante, Madrid. 2009 II Premio Nacional de Arte Gráfico Ciudad de Gijón 2008. Centro de Cultura “Antiguo Instituto”, Sala 1, Gijón. 2008 Proyecto Cabina. 10º Aniversario Espaciu Astragal en colaboración con LABoral Centro de Arte. / Colectiva fondos de la galería. Galería Mediadvanced. Gijón / Proyectos lazos verdes. Universidad de Ciudad Juárez, México / Arte AlNorte. Centro Cultural Cajastur Palacio Revillagigedo, Gijón / ¿Qué arte? Discursos sin fronteras. Edificio Histórico de la Universidad de Oviedo.

2007 Identidá y Memoria nes Artes d’Asturies 37 Festival Interceltique. Lorient. Francia. /…si os asustan los lápices sin punta…, Luzbit Festival de Imagen Fotográfica. Museo Barjola. Gijón. / II Concurso Nacional de Fotografía Calzarte. Museo del Traje. Elda. / Artistes pola oficialidá. Auditorio Príncipe Felipe. Oviedo. 2006 Héptasis 06+1. Serie antes de la lluvia. Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias. Itinerante / I Concurso de Fotografía ASBRU-ASMA. Casa de Asturias Bruselas / Archivo abierto. Sala Lai. Gijón / Artistes pola oficialidá. Organizada por el Foru Arte Ciudá. Palacio Valdecarzana, Avilés y Espaciu Astragal. Gijón / Caminos de hierro. Federación de Ferrocarriles Españoles. Itinerante. 2004 Óptica. Proyecto Explora. Espaciu Astragal, Gijón / sine die: I edición artefímera. Espaciu Astragal. Gijón. 2003 Transformar el formato. Miradas a través de la ventana. Sala Lai, Gijón. 2001 Caminos de hierro. Federación de Ferrocarriles Españoles. Itinerante. 2000 Cuerpos fotografiados: el sujeto con-tenido. Escuela de Artes de Oviedo / Bla, Bla, Bla. Sala de exposiciones del conseyu de Mocedá de Xixón, Espaciu Astragal. / VIII Salón Nacional de Fotografía. Sala de Exposiciones del Puerto Deportivo, Gijón.

obra en colecciones. Ayuntamiento de Cabranes. Asturias. Archivo Fotográfico Municipal de Langreo. Asturias. Galería Mediadvanced. Instituto Asturiano de la Juventud. Consejería de Cultura, Comunicación Social y Turismo Obra en colecciones privadas. premios y becas.

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2010 Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias / X Premio de Fotografía Artes Plásticas Universidad de Murcia. Seleccionado. 2009 ArtNalón. Fotografía / VI Certamen Internacional de Fotografía sobre patrimonio Industrial. 2007 Jóvenes Artistas Plásticos. Sala Borrón. 2006 Beca a la Producción III Bienal de Arte Emergente Comarca de la Sidra / Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias. 2005 VI Premio Astragal. 2004 Beca de Proyectos Expositivos Noveles AlNorte. 2000 Premio Principado de Asturias Color en el VIII Salón Nacional de Fotografía. publicaciones. Catálogo Lazos verdes ISBN: 978-607-7623-458.Edit: Universidad Autónoma de Ciudad Juárez. Catálogo Certamen Arte Joven Latina 2009 D.L: M-4552-2010. Edita Ayuntamiento de Madrid. Catálogo Patrimonio y paisajes de cine. D.L: AS4566-09 Catálogo Cabina. D.L:AS-998-09. Edita Conseyu de Mocedá de Xixón y LABoral Centro de Arte.

Catálogo Arte Gráfico Litografía 2008. D.L: AS1382/09. Edita Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular de Gijón. Axenda L’arte mozo n’Asturies. D.L: AS-6.681 /2008. Edita Gobierno del Principado de Asturias. Consejería de Cultura y Turismo.

Catálogo Arte AlNorte. D.L: AS-4669-08. Edita CajaAstur.

Catálogo ¿Qué Arte? Discurso sin fronteras. Edita Universidad de Oviedo. D.L: AS-13/08.ISBN: 978-84-8317-686-3 Catálogo Identidá y Memoria nes Artes d’Asturies AS-4450-07

Catálogo …si os asustan los lápices sin punta… Edita Servicio de Publicaciones del Principado de Asturias. D.L: AS- 2.222/2007. Catálogo III Bienal de Arte Emergente Comarca de la Sidra. D.L: AS-6294/2006

Catálogo VI Premio Astragal. Los Hombres huecos. Edita Conseyu de Mocedá de Xixón D.L: AS5398/2006 Catálogo Primer concurso de fotografía AsbruAsma 2006. Edita ASBRU Catálogo XVII Muestra de Artes Plásticas 2006. Edita Consejería de Cultura, Comunicación Social y Turismo. D.L: AS-4754/06 Catálogo CAMINOS DE HIERRO 2006. ISBN 84-89649-05-7. Editado por Fundación de los Ferrocarriles Españoles.

Catálogo AlNorte 2004, III Semana Nacional de Arte Contemporáneo. Edita El Comercio S.A. D.L:AS-4484/05 Catálogo DOMUS MEDITERRÁNEA 2004. Edita Federación Española de Empresarios e Industriales del Mueble. D.L:VA-786/04. Catálogo DOMUS MEDITERRÁNEA 2003. Edita Federación Española de Empresarios e Industriales del Mueble. D.L: VA-804/03.

Memorias del Arte Intimo STANDBY. D.L: As. 2617/98.Edita Asociación Plástica Luzernario Taller de Arte Actual. Catálogo CAMINOS DE HIERRO 2001. ISBN 84-88675-4. Editado por Fundación de los Ferrocarriles Españoles. Libro de Artista SIGNOS. ISBN: 84-699-22726.Editado por Valle Baranda Ferrero

adrián cuervo. nació en gijón en 1981. su mail y web son info@adriancuervo.es y www.adriancuervo.es es licenciado en bellas artes por la facultad alonso cano, universidad de granada.

exposiciones individuales. 2010 La imagen-velocidad. MeBAS, Museo de Bellas Artes de Santander. exposiciones colectivas. 103

2010 Blue Ocean Goes Gren. Día Marítimo Europeo. Capilla de Laboral Ciudad de la Cultura en colaboración con LABoral Centro de Arte y Creación Industrial./ El proceso como paradigma. LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón.

2009 XX Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias. Itinerante / VIII Premio y Concurso de Artes Plásticas Gobierno de Cantabria. Casa Museo de Jesús del Monasterio, Casar de Periedo, Cantabria / Textno?gicos. Sala Alonso Cano, Granada / ENT 09. Granada. 2008 Arenas Movedizas. LABoral Ciudad de la Cultura, Gijón. 2006 MEM 04. La necesidad de lo real. Bilbao. becas y premios. 2010 Premio LAB_Joven_Experimenta / XXI Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias / Beca Erasmus, Université Paris 8, París / Beca Séneca. Universidad del País Vasco, Bilbao / Beca Museo Thyssen-Bornemisza. Curso Verbigratia, Isidoro Valcárcel Medina, Madrid.

2009 XX Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias / VIII Premio Gobierno de Cantabria de Artes Plásticas. Premio adquisición. 2008 Beca de Producción. Fundación Municipal de Cultura de Gijón.

obra en colecciones públicas. Colección del Gobierno de Cantabria.

Colección del Museo de Bellas Artes de Santander. otros. 2010 Miembro del proyecto de innovación docente LitiumLab. Laboratorio de arte interactivo con software libre. Universidad de Granada, Granada / Cofundador de Mademotion, Madrid. Colectivo organizador de eventos y actividades de creación contemporánea, cultura visual y disciplinas transversales /Coordinación del proyecto Homeward Journeys seleccionado en Playlab de MedialabPrado /Ponente en el debate “El futuro de las artes en una sociedad tecnológica”. Universidad Internacional Menéndez Pelayo, Santander / Participación en el montaje de escénicas y nuevas tecnologías “Vapor de sueño”, de LitiumLab. 2009 Colaboración con el departamento de Audiovisuales. Facultad Bellas Artes, Granada.

manuel griñón montes. nació en luarca (valdés) en 1981. su mail y sus webs son manugrinon@hotmail.com y www.flickr.com/manugrinon y www.jerseyparalosmonos.com cursó un año de fotografía profesional, ha realizado estudios superiores de diseño gráfico en la escuela arte 10 y de grabado calcográfico en el taller de josé rincón de madrid. en 2010 ha asistido a un taller de encuadernación de beatriz moreno y a un curso de introducción a la serigrafía, ambos en madrid.

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exposiciones individuales. 2010 ¿Pezuña?. Casa Municipal de Cultura, Avilés. 2010 ¿Pezuña?. Sala Borrón, Oviedo.

2009 Dibujos y Pinturas. Galería Online Ajimez, Asturias / Tu furor es un misterio. Miscelánea, Barcelona / Intervención mural The Weirdest Neighbours. Escuela Arte 10, Madrid / 10 dibujos de Manuel Griñón. Tienda Ewan, Gijón / Pareces salvaje del monte. Tienda-Galería Botón, Oviedo

2008 Don’t you see this entire bit weird?. Galería Rojo Máquina, Madrid / Remendar es antisocial. Escuela Arte 10, Madrid / Pareces salvaje del monte. Tienda-galería Botón, Oviedo.

2008 Remendar es antisocial. Escuela Arte10, Madrid. exposiciones colectivas. 2010 Even my mum can make a book. Galería Manzara Perspectives, Estambul / 7ª Bienal de arte Leandre Cristófol, Centro de Arte La Panera, Lérida / De Zines. La Casa Encendida, Madrid / Exposición conjunta con David Fdez. Serrano The weirdest neighbours. Escuela Arte10, Madrid / Exposición colectiva de donaciones. Espacio dos, Centro Conde Duque, Madrid.

2009 Expresividad colectiva. Galería Espacio Líquido, Gijón / Feed forward. LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón / XX Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias. Itinerante / Galería MadisMad, Madrid / Certamen Jóvenes Creadores. Calcografía Nacional, Madrid / Dfest ´09. Matadero, Madrid / Taller de grabado José Rincón, Madrid / Espontánea Colectivo Ja, Madrid/ ¿Que haces en la escuela?. Escuela Arte 10, Madrid / Licenciatura en fetichismo. Sala Aifos, Universidad de Alicante. 2008 Festival Edición Madrid de Jóvenes Creadores. Casa de Vacas, Madrid / Fetiche, Mutxamel, Alicante. 2007 Duduá se va al mar. Barco Naumon, Barcelona. 2003 Sociedad Fotográfica ITT Tralee, Irlanda. becas y premios. 2006 Premio especial del Jurado Concurso de Fotografía EFTI, Madrid. otros. Autoedición del fanzine de ilustraciones “Remendar es antisocial” y edición y distribución de publicaciones de ilustración y literatura bajo el nombre de “Jerseys para los monos”.

noemí iglesias barrios. nació en riaño (langreo) en 1987. su mail es noe_noe_500@hotmail.com realizó los estudios de bellas artes en la universidad del país vasco entre los años 2005 y 2010, con beca erasmus en athens school of fine arts. estudio del maquillaje de efectos especiales en la escuela de cine kinema en bilbao en el año 2007.

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exposiciones individuales. 2010 Next. Montehermoso, Vitoria / Meriñan. Pinacoteca Municipal de Langreo “Eduardo Úrculo”. 2007 Proyecto Departamento de escultura St. Martins School, Byam Shaw. Londres. exposiciones colectivas. 2010 Τεχνοπολια. Keramicos, Atenas / το σχεδιο σοτιρια. Katehaki, Atenas. 2009 Super Pop. Kultur Etxea, Archivo Histórico, Vitoria.

2008 IV Certamen Internacional de Fotografía. Testimonios y paisajes de Hierro. 2004-2005 Casa de la Cultura, La Felguera (Langreo) premios y becas. 2009 Premio Cuenca del Nalón de Artes Plásticas “Art Nalón”. La Felguera.

2004 Segundo premio III Certamen Carmen y Severo Ochoa, Luarca (Valdés)

santiago lara. nació en tomelloso en 1975. su mail es santiagolara1@yahoo.es licenciado en bellas artes. u.c.m madrid, especializado en pintura, con beca erasmus en faculté d’arts plastiques, université michel de montaigne. asiste a varios cursos de litografía, video arte y nuevas tendencias, así como a diversos seminarios de arte y compagina su trabajo pictórico individual con su participación en el colectivo laramascoto.

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exposiciones individuales. 2009 Galería Guillermina Caicoya, Oviedo. 2008 Kleingarten. Sala Borrón, Oviedo.

2007 Casa Municipal de Cultura de Avilés / Museo Antonio López Torres, Tomelloso (Ciudad Real) / Galería Cornión, Gijón /Galería Espacio Liquido, AlNorte´07, Gijón.

2006 Galería Mediadvanced, Gijón / Galería M. Mar, Águilas, Murcia / Galería Dasto, Oviedo. exposiciones colectivas. 2010 Proyecto Circo. La Habana (Cuba) / Lumen-ex. Cáceres / Re-Cre-Ación. Museo López-Villaseñor, Ciudad Real y LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón.

2009 Arte Lisboa / Arte Santander / Showdown Winners. Saatchi-Gallery, Londres / Kunstraum Bethanien Kreuzberg, Berlín / Foconorte. Santander / XII Certamen de Pintura Villaviciosa / V Certamen Nacional de Pintura Contemporánea C. Baragaña, Siero.

2008 Palacio de Revillagigedo. Arte AlNorte, Gijón / Galería Dasto, Oviedo.

2007 Foirexpo´07. Niort (Francia) / Galería Amaga, Avilés / Certamen de Pintura UGT, Fundación Asturias, Oviedo / ÓPTICA Video Art Internacional Festival, Gijón / Video Art Loop. Sala Lai, Gijón / Galería Cornión, Gijón. 2006 Galería Dasto, Oviedo / Galería Amaga, Avilés /Galería Espacio Liquido, Gijón. 2005 Museo Antonio López Torres, Tomelloso (Ciudad Real) 2004 Certamen de Pintura Iberdrola. Alicante / Sala El Trinquet UPV Pintura para el fondo. Valencia / Certamen Nacional de Dibujo Gregorio Prieto, Valdepeñas (Ciudad Real) / Museo de la Ciudad, Madrid.

2003 Obra Gráfica y pintura. Micalet I. Valencia. 2002 Certamen de Artes Gráficas Galileo Galilei. Valencia.

2001 Certamen Internacional de Pintura y Fotografía. Alcazar de San Juan (Ciudad Real) / Certamen Nacional de Pintura Ciudad de Quintanar, Toledo. 2000 Galería Triangle. Burdeos (Francia) / Maison des Arts, Burdeos (Francia).

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premios y becas. 2010 Beca Cajastur de Artes Plásticas.

2009 Ayuda para la producción artística. LABoral. Berlín - Gijón / Showdown. Saatchi-Gallery, Londres. 2008 Residencia en Glogauer Kunstlerhaus. Berlín / Premio “Francisco Carretero”. Certamen Nacional de Pintura “Ciudad de Tomelloso” (Ciudad Real) / Premio-adquisición. Certamen Ángel Andrade. CEX, Diputación de Ciudad Real.

2007 Subvención al proyecto Hombre-Medicina. Ayuntamiento de Gijón / Beca AlNorte 2007. Gijón. 2005 Premio Antonio López García.

2002 Beca Leonardo Da Vinci. Atelier Globex Arts, Paris / Primer Premio de Dibujo. Galería Gregorio Prieto, Ciudad Real. 2001 Premio “Francisco Carretero”. Diputación Provincial de Ciudad Real.

2000 Mención de Honor. Certamen Nacional de Pintura “Ciudad de Quintanar”, Toledo / Seleccionado para la Red de Arte Joven de la Comunidad de Madrid.

obra en colecciones. Museo de Bellas Artes de Asturias. Almacén de las Artes, Santander.

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón. CEX Centro de Exposiciones, Diputación de Ciudad Real. Universidad Politécnica de Valencia.

Universidad Complutense de Madrid.

Ayuntamiento de Tomelloso (Ciudad Real)

iraida lombardía alonso. nació en laviana en 1977. su mail es iraidalombardia@msn.com licenciada en derecho. realiza cursos de fotografía profesional en efti y cev. durante el año 2003 un máster en teoría y práctica del arte contemporáneo en la bbaa de ucm. asiste a diversos cursos y seminarios de fotografía, video arte y nuevas tecnologías. en 2010 finaliza el máster photoespaña de fotografía. en la actualidad está realizando el doctorado en el departamento de imagen y tecnología y diseño en la bbaa. ucm e imparte cursos y talleres como docente.

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exposiciones individuales. 2009 El paisaje interferido. Centro de Arte Joven de la Comunidad de Madrid / Sobre cómo plantar un árbol del revés y preguntarse si sigue siendo un árbol. Casa Municipal de Cultura, Avilés / El origen de mi mundo. Pinacoteca Municipal de Langreo “Eduardo Úrculo” exposiciones colectivas. 2009 Premio Fundación Villalar.

2008 Artes Plásticas. Premio Joven. ILC, León. 2007 Stockartist. Galería Open, Berlín.

2006 Mostra de video colectiva. Museo de Historia Natural, Lisboa (Portugal) / BAC’06. CCCB, Barcelona

festivales de vídeo. 2007 Monterrey Internacional Film Festival, México / 20º Edition. Les Instants video. Gaza, Beyrouth, Avignon, Marselle, Valence. 2006 Mostra de video colectiva. Museo de Historia Natural, Lisboa / BAC’06. CCCB. Barcelona./ EXIS Experimental Film and Video Festival. Seúl /D-NEEF. Muestra Internacional de Cine. Vitoria-Gasteiz / Abstracta ‘06. Roma. 2005 Images contra nature. Festival Internacional de Video Experimentale. Marsella (Francia) / Mínima. Mostra de video curt. Valencia. becas y premios. 2008 Accésit Certamen Jóvenes Creadores del Ayuntamiento de Madrid / Seleccionada en el Premio Jóvenes Creadores, Fundación Complutense. 2004 Premio Día de Asturias del Festival Internacional de Cine de Gijón.

lucía rivero. nació en gijón en 1984. su mail y web son lucrivero@gmail.com y www.luciarivero.com licenciada en bellas artes por la universidad complutense de madrid, en 2007, con beca erasmus en el institut supérieur de photo sain luc, lieja, bélgica. en 2010 finaliza el ma fine arts byam show, central saint martins en londres.

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exposiciones individuales. 2010 El perro Romántico (video-instalación). Premio Astragal’09. Espaciu Astragal, Gijón. exposiciones colectivas. 2010 MA Byam Shaw Final Show. Byam Shaw School of Arts, Central Saints Martins, London / MA Byam Shaw Interim Show. Byam Shaw School of Arts, Central Saints Martins, London / 126 Days. The Crypt Gallery, Londres. 2009 Arte en la Calle-Plásticas, Gijón / The house of Curious Behaviours. SHUNT, London Bridge, Londres.

2008 Óptica Festival ´08. Centro Cultural “Antiguo Instituto”, Gijón / Pic-Nic. Cátedra Juan Gris. Invitados: Juliao Sarmiento y Christiane Löhr. Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid / Arenas Movedizas. LABoral Ciudad de la Cultura, Gijón / Residencia´2. Centro de Investigación Artística Ladines, Asturias / Garish Barish. The Cubicle Art Gallery, Manila /Cinekatipunam. Magnet Gallery, Manila.

publicaciones. 2010 MA Byam Shaw Final Show. Catálogo. Londres. 2010 El Perro Romántico. Catálogo de exposición, Gijón.

2008 Noche de los muertos vivientes.Video musical con Cristina Pedreira como Producciones Cucas. Indienella. 2009 Dinamo. Video musical. Valetudo.

2008 Pijama. Video musical. Silencioso.

2006 “U9” Fotografías promocionales para Indienella, Flor y Nata Records.

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alicia gonzález-lafita pérez, noé baranda ferrero, adrián cuervo, manuel griñón montes, noemí iglesias barrios, santiago lara, iraida lombardía alonso y lucía rivero son la ganadora y seleccionados para formar parte de la veintiuna edición de la muestra de artes plásticas del principado de asturias de dos mil diez. éste es el catálogo.