Dominique Rousserie

ROUSSERIE NEW EDITION BOOK SOLO EXHIBITION AT MUBE SAO PAULO, BRASIL MAY 3 - MAY 27, 2012

Dominique Henri Rousserie

Terrae Incognitae Cecira Armitano

TABLE OF CONTENTS Introduction Mapping Toys R Us Skulls & Bones Sacred Chasing The Dragon Made In Japan Molecular Structures Biography Solo Exhibitions Contact: anna@inlandproject.com

Lysergic Notebook, 2009 - 2011 17 x 13 x 3 cm / 6.7 x 5.1 x 1.2 inches

Terrae Incognitae «J'écris pour me parcourir. Peindre, composer, écrire: me parcourir. Là est l'aventure d'être en vie», affirme Henri Michaux dans Passages, 1950.

«I write to run through myself. Paint, compose, and write: run through myself. That is the adventure to be alive», asserts Henri Michaux in Passages, 1950.

Creators and thinkers are not alone: they have friends, accomplices, and partners. Through the books they read, the movies they like, the sceneries they travel across, their fields of interest, their tastes and crazes are related to other works, other thoughts, with other times. These networks and affinities are what enrich their works of art and enable them to weave crossed speeches in an enormous energy flow.

Among Dominique Rousserie’s accomplices, Henri Michaux is one of the most loyal. The same way that the author of Un barbare en Asie, for Rousserie, trips constitute a privileged method to explore oneself. In his work we can observe the presence of a double vocation: to move and to explore, placing curiosity as the form of knowledge that takes him to other worlds, to other creatures different from those catalogued in the European horizon by tradition and customs. He searches in his numerous trips or in the tests his body undergoes, as well as in the work of the imaginary through his experience with hallucinogens, or by expressing himself through his «artistic situations»: pictorial work, installations and writings, aiming to establish contact with the mysterious reality which would be enough to achieve an indefinable enchantment, to express or to produce emotions, commotion, delight or to reach revelation. Dominique Rousserie invokes cosmogonies, not through the cultural norms that emerge but through the transgression that they entail.

MAPPING "I feel through color, it’s through color that my canvas is always going to be structured." Henri Matisse The paintings of the series “Mapping” seem to show us images from great heights. In these pieces, the artist unfolds his plastic art language, he enjoys it and it pleases him by pouring his ideas in the inexhaustible receptacle that is a piece of art. In these works the color equilibrium and the drawing is superb, he builds it over the oppositions between colors: blacks, grey whites and with the background-volume contrasts. Mountains reveal themselves through thick clouds, we have the illusion of a landscape of an island or a stylized cartography that shows us the physical view of the mountains profile of Saint Barth. The unquestionable expressive force of these pieces is directly connected to the artist’s emotion when he registered the geography of his “treasure island”.

Dominique has travelled all around the island’s territory over and over, questioning the landscape without the pretention of intervening with nature and he gathers answers that might require further questioning: the world is a mystery, even what seems obvious is a mystery: rocks, plants, animals, is “the aura” of nature. There is also the human print that inhabited the land, the remains of ancestors from other cultures, the remains of animals that accompanied them, what is their story, which was their end? He acts as an archeologist from the 21st century, a wild postmodern: to travel in order to get to know oneself and discover that we harbor in ourselves what is foreign and we find in it what is most familiar to us: Exoticism to our fellow man and proximity to what is distant, the worlds intertwine, and frontiers disappear. The corrosion of the link of the identity pushes the artist to question himself about what the limit could be. Since the culture basket is a basket with holes, in

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such a way that what seems to belong to one side of the frontier is also present on the other side of that same frontier that we designate as cultural barriers. Dominique Rousserie concludes with his interest in the dynamic positions that generate stimulating thoughts, those situations of an unstable balance that, in consequence, constitute real signs. He proposes to consider “diversity” as a happy condition of evolution and the “planetary mix” as his main mechanism.

TOYS ARE US Beyond references, these works represent a manifest in favor of the commitment of art with life. Interested in opening new possibilities of expression, Dominique Rousserie observes, explores and lives his time. With a sensitive eye he discovers that the object’s life escapes its manufacturer and it is in this way that he finds a series of objects from the US Army that belonged to the gear used during World War II, fragments of a story picked from a complex reality. Over these backgrounds, by no reason anodyne, the artist works with freedom and determination. He naturally combines the object with the pictorial representation, formally and historically linked. From a thematic point of view, the evidence of war and violence are imposed. In this case, the artist proposes a suppressed violence, frozen, cold but not for this reason weak or insubstantial.

The strength and originality of these works are constructed in the «high voltage» that is established between these two realities: the background reality, objects with an obvious utility and materiality, and a powerful historical and sentimental connotation with the exact coldness of the representations placed on them. They are reproductions of the novelty armaments represented in a hyper realistic way: super sophisticated weapons that annihilate at great distance without provoking any kind of emotion facing death like the Chey Tac rifle.

The image of those firearms resting on the stretcher shows the absent body and the acknowledgement of other weapons and other wars that brought death on those nursery stretchers.

Despite the distance that separates the artist to the events, Toys R Us intends to transcript the annotations taken after the battle, after the storm, while desolation was taking place. Without expressionist resources, without cries neither a shadow of fights, a dissected violence, motionless that takes to pieces the common cliché and strikes us.

ARAWAK «The disturbing strangeness». Between beauty and anxiety, fascination and dread, the visible world is manifested as a disturbing strangeness, according to the terms used by Freud.

«One evening I sat Beauty on my knees –And I found her bitter– And I reviled her». (A Season in Hell, Arthur Rimbaud, 1873) The Arawak installation was developed as a tribute to the ethnic groups that inhabited the islands of the “Caribbean arch” from the mouth of the Orinoco to the peninsula of Florida. Most traces have been found in the Dominican Republic and Cuba, although their presence is found in most of the Caribbean islands.

In one of his many exploration walks on the island of St. Barth, Dominique Rousserie discovers what appeared to be a cemetery of goat bones which he later used as his main material to build the twelve assemblies inspired in the Celtic and Inuit dream catchers that will form his installation in tribute to the Taínos and Arawak PreHispanic cultures. These works account for the veneration and the symbolic significance that these bones achieve, both in the Greek mythology as well as in the Christian New Testament. Connotations going from a goat being a nursing mother to Zeus, which later transforms her into a celestial constellation to degradation

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of her image in the evil field when she is marked by the Devil in the New Testament: Saint Matthews. Picasso and Braque represent goat skeletons in their cubist vanités, while Robert Rauschenberg uses a male goat in the Monograme (1955) of his first combine paintings.

The artist, with his creative sense, selects objects, icons, traditions, signs, symbols, a sentence, a souvenir, a color and he orchestrates them on the stage of the art piece. Everything becomes language and Dominique Rousserie creates his speech with it; he doesn’t vindicate but he cuts out a fragment of the deep world and shifts them to another semantic dimension. We can understand this as a postmodern task, but it is actually poetry in a plastic art space.

Beyond the representation of a ritual, this installation attempts to submerge the audience in the same space as the piece of art, inside the reality of a truth: situate them inside a meditation on dreams and death. The visual impact is strong and its powerful presence saturates the sensitive space of the audience, which is highly dramatic.

The absence and the silence that emerge from this vanitas intensify its theatrical and religious character; the disquieting beauty that emanates from it implies the essential questions on life, death, our passing life, and our stroller status.

The six paintings from six of the assemblies provide the same sublime drama as the installation. Together with the photographic record carried out for its publication, these works transform the original dream catchers into admirable images. We can consider them as real portraits, in this case of ornamented goat skeletons for a powerful ceremony.

Paradoxically, far from inspiring horror or anxiety, these pieces provide a strange beauty, disturbing and attractive, that is maintained at the edge of an aesthetic abysm, at the tipping point of falling into the terrible.

Inevitably, we find human features and parallelisms in them; because a skull is the future of the face, our face would lose its shape that, weaken and eroded, would become inexistent. Moreover, these bones, the feather decorations, the laces and cotton strings acquire a solemnity, another life, the life that the work of art provides them with.

SACRED The relationship with the sacred continues being the ongoing key to understanding the history of the modern and contemporary creation, besides participating in the invention of the current languages. The live forces of a possible re-enchantment are still there, in the ritual circle of the Shamanic ceremonies of the Amazon, in the ashmates shamans from Borneo or as in many other rituals. It is particularly to these spiritualities that Dominique Rousserie refers to in his work; although in these pieces he refers to a different spirituality, to another space inhabited by the sacred: the gothic cathedral, symbol of Christianity par excellence. A building created for the elevation of the spirit, absorbed by the sky. The best of all the arts of its time is there united, maximum exponent of the magnificence of the 12th to the 15th century, nowadays is going thru a great loneliness. It is precisely that great loneliness what we can see in these pieces, loneliness but not emptiness. Although the search for the sublime deserts from these spaces, in all cases, the presence of spirituality remains in them.

CHASING THE DRAGON «It was a misty night, and the fog resembled the shape of an enormous dragon, illuminated by the moon...» (Plants of the Gods: Origins of Hallucinogenic Use. Richard Evans Schultes and Albert Hofmann, 1979).

When approaching the series Dragons, the symbolic sense is imposed before us due to a double determination:

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he is intentional and at the same time extracted from the attribute of having a vast symbolic general lexicon.

A symbol is a sense that covers another sense that escapes knowledge opening its understanding field to a major perspective, like in a way to offer the audience with the possibility to slide and complete with their imagination the final meanings.

The symbolic connotations of the dragon figure are dense and numerous, not only in the eastern cultures but also in the oriental ones: from the terrifying and evil image present in the ancient Greek and Roman culture, when these creatures were considered as predators of Gods to the Christian Middle Ages when they constituted the image of the same Devil and of sin, or the essence of the fight between the dragon and a hero or a God. In the Los enigmas de la zoología de la alquimia mística the dragon represents the philosophical Mercury or the Ouroboros: circle formed when a beast bites his own humid tail and possesses itself. For the contrary, in the oriental cultures –China, Japan, Korea– the dragon benefits from a benevolent and elevated image. It’s a symbol of great wisdom and good fortune, of the supreme spiritual power, of the earthly and heavenly power, knowledge and strength.

Attracted by the evocativeness of this sinuous and dynamic figure, rich in expressive detailing, Dominique Rousserie subverts an antinomy that transcends the East-West dichotomy when facing the meanings of the dragon’s symbology. He acts, once more, as a symbols archeologist and connects the different meanings in enigmatic images. After experimenting with hallucinogens, the artist emphasizes his interest in the expression «chasing the dragon» popularized during the 18th century, related to the voluptuous shapes of the dragon’s movement, the expressive sinuosity of its tail and the dense smoke spirals that opium pipes give off.

The canvases in the Dragons series are very intriguing and take the central position of fantasy bestiary of Dominique Rousserie, they impose themselves with an obvious impact. Color plays an essential role; we submerge, we sink in the color, in a sensitive immersion that travels further than just visual. Over a background of thick and at the same time ethereal fire we find –we see the hypnotizing flames, we feel the heat, a treatment that only a great skillful colorist can achieve– a floating undulatory and sensual figure of a dragon; it slides in a sweeping dance, spreading like an appearance that generates a motionless ecstasy. In this way, a new poetry of perception emerges from that powerful symbol.

In other of his paintings, Rousserie covers the whole canvas surface with a dense and exuberant profusion of smoke spirals and inside of the dynamic composition all the expressive detailing of the dragon’s anatomy appear: the head, the reptile claws, the cat-like moustache, the vigorous teeth, the firry eyes, the winding tail. In these Dragons in a rectangular format, the image is generally developed in a vertical way, flat and with a lack of perspective; its neutral colors and its sinuous lines remind us of the pictorial tradition of the Celestial Mountains, light-tone paintings and ink on paper rollers that are a product of the sensitive observation of the world of the masters of the China Song. Like the taoist masters or the buddhist monks, in them, Rousserie gets lost in nature to run away from the world and dedicate himself to contemplate the wonders.

MADE IN JAPAN The unusual merge of paintings of Japanese pin up on skateboards are a good illustration of today’s elusive and risky freedom. The image of a swift gliding, dominated and independent, on top of a skateboard is closely associated to post-modernism: shifting thru knowledge, occupations, cultures, geographies, stories and human relationships.

Clearly appropriation of this support is not gratuitous. Furthermore, its raw and clear wood worked perfectly for the pin up’s skin that the artist wanted to represent with the marvelous black ink that was found, as well as the skateboards, in Osaka.

These works together with the ones painted over newspapers in that same period of time translate a urban expression of a rushed style, a decisive graphic rhythm, based in a media economy. The city’s agitated movement

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is imposed and these works capture it well; the gift of ubiquity is present everywhere: the skateboards quickly give us a ride thru the whole city, we read newspapers in cafés, on the subway, in the park, at home. Dominique Rousserie, once more, synthesizes with freedom and with a natural behavior the different auto-referential contributions in his work.

Although, beyond a possible experiential explanation for choosing those feminine images, it is much likely to project this version: In the mythical Japanese bestiary, in the Shinto religion, there are two vixens who are slaves to the Inari Goddess, Patroness of fertility, rice culture and of profitable transactions. These vixens are also feared wizards that covered by a seductive form of a vertiginous elegance, can lead to ruin a man, a clan or even a whole kingdom before they recover their ginger fur and disappear in the wood’s dark silence. These vixens originally from India, got to China and then Japan in the 7th century where they were named kitsune. They had a lot of offspring, those descendents become the incarnation of the naughty teasing and resounding spirit.

We can then think that the pin up, very spicy, from Rousserie’s skateboards, are the successors of those naughty kitsune.

MOLECULAR STRUCTURES «Le sens est invisible, mais l’invisible n’est pas contradictoire du visible: le visible a lui même une membrure d’invisible, et l’invisible est la contrepartie secrète du visible».

«Meaning is invisible, but it is not contradictory with what is visible: what is visible possesses in itself a part of the invisible, and the invisible is the secret counterpart of the visible». (Merleau Ponty, Le visible et l' invisible, 1959) Chair du monde-Chair du corps- Être «(…) Cela veut dire que mon corps est fait de la même chair que le monde (c’est un perçu) et que de plus cette chair de mon corps est participée par le monde, il la reflète, il empiète sur elle et elle empiète sur lui, ils sont dans un rapport de transgression et enjambement (…)». «(…) That means that my body is made out of the same substance as the world (its a perception) and that also, my body is shared with the world, one reflects the other, one bursts into the other and vice versa, both are in a transgression penetration relationship (…)». (Merleau Ponty, Le visible et l’invisible, 1959) In Molecular Structures two overlapping images represent, in an unusual way, the vegetable world. Among them there is a harmonious opposition: they differ in appearance but coincide in meaning. They are molecular structures of some hallucinogen substances and their corresponding vegetal manifestation. In them we find a contrast between the invisible, the molecular pattern of the hallucinogen plants represented as a foreground in a detailed and realistic way, and the visible, that will be the plant’s images: their leaves and stems represented as a vitalized and appealing background, with natural soft and undulatory forms. The pictorial style and the chromatics in semi-tones gather in their sensitivity both images with the explicit intention of the artist to link the visible with the invisible, the latent with the palpable.

While searching for the visual representation of the mental universe, Dominique Rousserie sounds out the hallucination experience and the intense feeling of opening-up and keening to the reflection that this experience triggers, activating the involuntary memory and reanimating the subversive lucidity, reviewing, inquiring about the ideal dream of synthesizing in a mathematic scheme the sense of our interior world. In Molecular Structures we can sense a proposition.

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In this publication we review seven different artistic proposals developed by Dominique Rousserie during the past five years, where the main interest is quality, his unquestionable contribution to originality and a proven reflection.

Dominique’s proposal is a visual collage in which the interpretation of his work is carried out with a tension between what is apparently incongruous. Even if we put it in perspective and we freely associate the different images that he sets out, we find common and structural axes in the whole of his work.

Standing before these pieces we have explored the Caribbean skies, the streets of Osaka or imagined the captivating opium hallucination. We have seen our interior project itself in worlds of darkness and joyfulness … we have bumped into terrible beauties, dangerous beauties, disturbing ones and, what’s most important, we have tried to understand them in their strangeness, in their impact power; we have tried to feel its vehemence, to see through his paintings and let ourselves overcome by his world.

In the previous texts we have traced some hints for interpreting, although nothing compares to the direct contact with the pieces in their materiality and their challenge to make visible what is intrinsically invisible.

Because art is enjoyment, knowledge, but it is also questioning and a contribution to new ways of apprehending the world. In the end, the art piece demands a redefinition of truth, thus an art piece is not truthful or beautiful because it is created according to a harmonious reality. What is really important is to comprehend it in its multiple dimensions: knowledge and sensitivity.

Cecira Armitano São Paulo, December 2011

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Lysergic Notebook, 2009 - 2011 17 x 13 x 3 cm / a6.7 x 5.1 x 1.2 inches

Lysergic Notebook, 2009 - 2011 17 x 13 x 3 cm / 6.7 x 5.1 x 1.2 inches

Terrae Incognitae «J'écris pour me parcourir. Peindre, composer, écrire: me parcourir. Là est l'aventure d'être en vie», affirme Henri Michaux dans Passages, 1950.

«Eu escrevo para viajar dentro de mim. Pintar, compor e escrever: viajar dentro de mim. Esta é a aventura de estar vivo», Henri Michaux, Passagens, 1950.

Criadores e pensadores não estão sozinhos: eles têm amigos, cúmplices e parceiros. Através dos livros que lêem, dos filmes que gostam, das paisagens que eles percorrem, seus campos de interesse, seus gostos e manias estão relacionadas a outras obras, outros pensamentos, à outros tempos. Estas redes e afinidades são o que enriquecem seus trabalhos artísticos e os habilita a tecer discursos cruzados em um enorme fluxo de energia.

Entre os cúmplices de Dominique Rousserie, Henri Michaux é um dos mais leais. Da mesma forma que para o autor de Un barbare en Asie, para Rousserie, viagens constituem o método privilegiado para explorar a se mesmo.

Em sua obra podemos observar a presença de uma dupla vocação: viajar e explorar, colocando a curiosidade como forma de conhecimento que o leva à outros mundos, para outras criaturas diferentes daquelas catalogadas no horizonte europeu pela tradição e pelos costumes. Ele busca em suas numerosas viagens ou nas provas as que submete seu corpo, assim como na obra do imaginário através de sua experiência com alucinógenos, ou se expressando através de suas «situações artísticas»: obra pictórica, instalações e escritos, visando estabelecer contato com a realidade misteriosa que seria suficiente para alcançar um encantamento indefinível, para expressar ou para gerar emoções, comoção prazer, ou para alcançar a revelação. Dominique Rousserie invoca cosmogonias, não através das normas culturais que emergem, mas através da transgressão que elas implicam.

MAPPING "Eu sinto através da cor, é através dela que a minha tela será sempre estruturada." Henri Matisse As pinturas da série “Mapping” parecem mostrar-nos imagens tomadas de grandes alturas. Nestas peças, o artista desdobra sua linguagem plástica, ele a saboreia e se satisfaz vertendo suas ideias no recipiente inesgotável que é uma obra de arte. Nestes trabalhos o equilíbrio de cores e o desenho são soberbos, ele os constrói sobre as oposições entre as cores: pretos, cinzas esbranquiçados em contraste com o volume da base. Montanhas se revelam através das nuvens densas, temos a ilusão da paisagem aérea da ilha ou de uma cartografia estilizada que nos mostra a visão física do perfil montanhoso de Saint Barth. A inquestionável força expressiva dessas peças está diretamente conectada à emoção do artista, quando ele registrou a geografia de sua "Ilha do Tesouro".

Dominique tem percorrido todo território da ilha exaustivamente, questionando a paisagem sem a pretensão de intervir com a natureza e ele colhe respostas que podem requerer questionamento futuro. O mundo é um mistério, até mesmo o que parece óbvio é um mistério: pedras, plantas, os animais, é a "aura" da natureza. Há também a marca dos seres humanos que habitavam a ilha, os vestígios de ancestrais de outras culturas, os restos de animais que os acompanhavam, qual é a história deles, qual foi o seu fim? Ele age como um arqueólogo do século XXI, um selvagem pós-moderno: viaja a fim de conhecer a si próprio e descobrir que abrigamos em nós mesmos o que é estrangeiro e que nele encontramos o que é mais familiar para nós: o exotismo do nosso companheiro, a proximidade do que é remoto. Os mundos se entrelaçam, e as fronteiras desaparecem. A corrosão do vínculo da identidade empurra o artista a se questionar sobre o qual poderia ser o limite. Já que a cesta da cultura é uma cesta vazada, de tal forma que o que parece pertencer a um lado da fronteira também está presente

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no outro lado desta mesma fronteira que nós designamos como barreiras culturais. Dominique Rousserie conclui interessando-se nas posições dinâmicas que geram pensamentos estimulantes, aquelas situações de um equilíbrio instável que, em consequência, constituem símbolos reais. Ele propõe considerar a "diversidade" como uma condição feliz da evolução e do "planetary mix" como seu mecanismo principal.

TOYS ARE US Além das referências, estas obras representam um manifesto em favor do compromisso da arte com a vida.

Interessado em abrir novas possibilidades de expressão, Dominique Rousserie observa, explora e vive seu tempo.

Com um olhar sensível, ele descobre que a vida do objeto transcende a do seu fabricante e é desta forma que ele encontra uma série de objetos do exército dos EUA que faziam parte dos equipamentos utilizados durante a Segunda Guerra Mundial, fragmentos de uma narrativa colhidos a partir de uma realidade complexa. Sobre estas descobertas, que não são anódinas por nenhuma razão, o artista trabalha com liberdade e determinação.

Ele combina de forma natural o objeto com a representação pictórica, unidos formal e historicamente. Do ponto de vista temático, a evidência da guerra e da violência são impostas. Neste caso, o artista propõe uma violência supressa, congelada, fria, mas não por isso fraca ou sem substância.

A força e originalidade destas obras são construídas na «alta tensão» que se estabelece entre estas duas realidades: a realidade contextual, de objetos com utilidade e materialidade óbvios, e uma potente conotação histórica e sentimental com a frieza precisa das representações colocadas sobre os mesmos. Eles são reproduções dos armamentos de ultima geração representados de uma forma hiper realista: armas super sofisticadas que aniquilam a grande distância sem provocar qualquer tipo de enfrentamento emocional com a morte, como o rifle Chey Tac. A imagem dessas armas de fogo repousando sobre a maca da o manifesto do corpo ausente e à certeza de outras armas e outras guerras que trouxeram a morte nestas macas de enfermaria.

Apesar da distância que separa o artista dos eventos, Toys R Us tem a intenção de transcrever as anotações feitas após o combate, após a tempestade, enquanto a desolação estava ocorrendo. Sem recursos expressionistas, sem gritos nem uma sombra de lutas, uma violência dissecada, imóvel, que parte em pedaços o trilhado clichê e nos ataca.

ARAWAK «A estranheza inquietante». Entre a beleza e a ansiedade o fascínio e o pavor, o mundo visível se manifesta como uma estranheza inquietante, de acordo com os termos usados por Freud.

«Uma noite, eu pus a Beleza sobre meus joelhos –e eu a achei amarga– E eu a insultei». (A Season in Hell, Arthur Rimbaud, 1873) A instalação Arawak foi desenvolvida como uma homenagem aos grupos étnicos que habitaram as ilhas do “arco Caribe” a partir da embocadura do Orinoco até a península da Flórida. A maioria dos vestígios foram encontrados na República Dominicana e Cuba, embora estejam presentes na maioria das ilhas do Caribe. Em uma de suas muitas caminhadas exploratórias na ilha de St. Barth, Dominique Rousserie descobriu o que pareceu ser um cemitério de ossos de cabra que ele mais tarde utilizou como material principal para construir os doze conjuntos inspirados nos coletores de sonhos Celtia e Inuit que geraram a sua instalação em tributo ao Taínos e as culturas pré-hispânicas Taínos e Arawak. Estas obras dão conta da veneração e do significado simbólico que estes ossos alcançam, tanto na mitologia grega, como no Novo Testamento cristão. Vão desde a cabra que serviu como uma mãe de leite para Zeus, quem mais tarde a transformará em uma constelação celestial; até a degradação de

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sua imagem no campo do mal quando ela é marcada pelo Diabo no Novo Testamento de São Mateus. Picasso e Braque representam esqueletos de cabra em suas vanités cubistas, enquanto Robert Rauschenberg utiliza um bode na Monograme (1955) uma de suas primeiras combine paintings (“pinturas objeto”).

O artista, com seu senso criativo, seleciona objetos, ícones, tradições, signos, símbolos, uma frase, uma lembrança, uma cor e os organiza no cenário da obra de arte. Tudo se torna linguagem e Dominique Rousserie cria seu discurso com ele. Ele não se esquiva, mas extrai fragmentos do mundo profundo e os desloca para outra dimensão semântica. Podemos entender isso como uma tarefa pós-moderna, mas na verdade, é poesia no espaço de artes plásticas. Além da representação de um ritual, esta instalação tenta submergir o público no mesmo espaço que o da obra de arte, dentro da realidade de uma verdade: situá-los dentro de uma meditação sobre os sonhos e a morte. O impacto visual é forte e a sua presença poderosa satura o espaço sensível do público, o que é altamente dramático. A ausência e o silêncio que emergem desta vanitas intensificam seu caráter teatral e religioso; a beleza inquietante que deles emana traz as perguntas essenciais sobre vida, morte, nossa vida passageira, e nossa condição de passeante. As seis pinturas de seis das montagens fornecem o mesmo drama sublime que a instalação. Juntamente com o registro fotográfico realizado para sua publicação, estes trabalhos transformam os coletores de sonhos originais em imagens admiráveis. Podemos considerá-los como retratos reais, neste caso de crânios de cabra ornamentados para uma cerimônia poderosa.

Paradoxalmente, longe de inspirar horror ou a ansiedade, essas peças proporcionam uma beleza estranha, perturbadora e atraente, que é mantida no limite de um abismo estético, no ponto de inflexão de cair no terrível.

Inevitavelmente, nelas encontramos características humanas e paralelismos, porque uma caveira é o futuro do rosto, nossa face, que perderá sua forma e, enfraquecida e erodida, se tornará inexistente. Porém estes ossos, decorados com penas, rendas e fios de algodão adquirem uma solenidade, outra vida, a vida que a obra de arte lhes proporciona.

SAGRADO A relação com o sagrado contínua sendo uma chave para o entendimento do curso histórico da criação moderna e contemporânea, além de participar na invenção de linguagens atuais. As forças vivas de um re-encantamento possível ainda estão lá, no círculo ritual das cerimônias xamânicas da Amazônia, nos xamãs ashmates de Bornéu ou como em muitos outros rituais. É particularmente a estas espiritualidades que Dominique Rousserie referese em seu trabalho, embora nestas peças ele se refira a uma espiritualidade diferente, à de outro espaço habitado pelo sagrado: a catedral gótica, símbolo da cristandade por excelência. Um edifício criado para a elevação do espírito, absorvido pelo firmamento. O melhor de todas as artes de seu tempo está ali reunido, expoente máximo da magnificência dos séculos XII ao XV, está passando hoje por uma grande solidão. É precisamente essa grande solidão que podemos ver nestas peças, a solidão, mas não o vazio. Embora a busca do sublime deserte desses espaços, a presença da espiritualidade neles permanece.

CHASING THE DRAGON «Foi uma noite de neblina, e o nevoeiro se assemelhava à forma de um dragão enorme, iluminado pela lua...» (Richard Evans Schultes e Albert Hofmann, Plants of the Gods: Origins of Hallucinogenic Use, 1979) Ao nos aproximarmos da série Dragons, o sentido simbólico se estabelece diante de nós, devido a uma determinação dupla: este é intencional e simultaneamente extraído do atributo da posse de um vocabulário simbólico geral vasto. Um símbolo é um sentido que abrange outro sentido fugido ampliando o campo de entendimento para

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uma perspectiva maior, como uma tentativa de oferecer ao público a possibilidade de assimilar e completar com a sua própria imaginação o significado final.

As conotações simbólicas da figura do dragão são extensas e numerosas, não só nas culturas orientais, mas também nas ocidentais: a partir da imagem aterradora e maléfica na antiga cultura greco-romana, quando estas criaturas foram consideradas como predadores dos Deuses, até a Idade Média cristã, quando foram consideradas ao mesmo tempo a representação do Diabo e do pecado, ou a essência da luta entre o dragão e um herói ou um Deus. Em Los enigmas de la Zoología de la Alquimia mística do dragão representa o Mercúrio Filosófico ou o Ouroboros: o círculo formado quando a besta morde seu próprio rabo úmido e possui a si mesma. Pelo contrário, nas culturas orientais –China, Japão, Coréia–, o dragão se beneficia de uma imagem benevolente e elevada. É um símbolo de grande sabedoria e boa sorte, de poder espiritual supremo, de poder terreno e celestial, conhecimento e força.

Atraído pela evocação desta figura sinuosa e dinâmica, rica em detalhes expressivos, Dominique Rousserie subverte uma antinomia que transcende a dicotomia Leste-Oeste frente aos significados da simbologia do dragão.

Ele age, mais uma vez, como um arqueólogo dos símbolos e conecta os diferentes significados em imagens enigmáticas. Porque tem experimentado os alucinógenos, o artista enfatiza seu interesse para a expressão «chasing the dragon» (perseguir o dragão) popularizada durante o século XVIII, relacionadas com as formas voluptuosas de movimento do dragão, a sinuosidade expressiva de sua cauda e as espirais de fumaça espessa que os cachimbos de ópio desprendem.

As telas na série Dragons são muito intrigantes e estão na posição central do bestiário fantástico de Dominique Rousserie, impondo-se com uma força de impacto evidente. A cor desempenha um papel essencial; nós submergimos, nós mergulhamos na cor, em uma imersão sensorial que vai além do campo visual. Sobre um fundo de fogo denso e ao mesmo tempo etéreo encontramos –vemos as chamas hipnotizantes, sentimos o calor, um tratamento que só um colorista excelente e habilidoso pode atingir– a figura ondulatória e sensual de um dragão; este se contorce em uma dança arrebatadora, se espalhando como uma aparição que gera um êxtase imóvel. Desta forma, uma nova poesia de percepção emerge deste símbolo poderoso.

Em outras de suas pinturas, Rousserie cobre toda a superfície da tela com uma profusão densa e exuberante de espirais de fumaça e no interior desta composição dinâmica todos os detalhes expressivos da anatomia do dragão aparecem: a cabeça, as garras do réptil, o bigode de gato, os dentes vigorosos, os olhos de fogo, a cauda sinuosa.

Nestes Dragons de formato retangular, a imagem geralmente é desenvolvida no sentido vertical, linear e com falta de perspectiva; suas cores neutras e suas linhas sinuosas nos remetem a tradição pictórica das Celestials Mountains, pinturas realizadas em tons claros e tintas sobre rolos de papel que são o resultado da observação sensível do mundo pelos mestres da dinastia Song na China. Como os mestres taoistas ou os monges budistas, neles, Rousserie perde se na natureza para escapar do mundo e se dedicar a contemplar as maravilhas.

MADE IN JAPAN A fusão incomum de pinturas pin-up japonesas em skates são uma boa ilustração da liberdade evasiva e arriscada dos dias de hoje. A imagem de um deslizamento rápido, dominado e independente, em cima de um skate está intimamente associada à pós-modernidade: a mobilidade através do conhecimento, profissões, culturas, geografias, histórias e relações humanas.

Claramente a apropriação desse suporte não é aleatória. Além disso, sua madeira clara sem tratamento e limpa funcionou perfeitamente para a pele das pin-up que o artista quis representar com a tinta preta maravilhosa que foi encontrada, bem como os skates, em Osaka.

Estas obras, juntamente com as outras pintadas sobre jornais no mesmo período, traduzem a expressão urbana de um estilo apressado, um ritmo gráfico preciso, característico de uma media economy (economia baseada em comunicação de massas). Impõe-se o movimento agitado da cidade e estas obras o apreendem muito bem; o

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dom da ubiquidade está presente em toda parte: os skates nos dão um passeio ligeiro por toda a cidade e lemos o jornal num café, no metrô, nos parques, em nossa casa. Dominique Rousserie, mais uma vez, sintetiza com liberdade e com naturalidade as diferentes contribuições auto-referenciais de seu trabalho.

Embora para além de uma possível explicação vivencial para a escolha destas imagens femininas, é provável imaginar esta versão: No bestiário mítico japonês, na religião xintoísta, existem duas raposas que são serventes da deusa Inari, a padroeira da fertilidade, da cultura do arroz e de transações lucrativas. Estas raposas também são bruxas temidas que sob a forma sedutora de uma elegância estonteante, podem levar à ruína um homem, um clã ou mesmo um reino inteiro antes que recuperarem sua forma animal e desaparecerem no silêncio escuro da floresta. Estas raposas, originárias da Índia, chegaram à China e posteriormente ao Japão no século VII, onde foram nomeadas kitsune e procriaram-se profusamente. Suas descendentes se tornaram a encarnação do retumbante espírito maldoso e impertinente.

Podemos então pensar que as super apimentadas pin-up dos skates criados por Rousserie, são as sucessoras daquelas maldosas kitsune.

ESTRUTURAS MOLECULARES «Le sens est invisible, mais l’invisible n’est pas contradictoire du visible: le visible a lui même une membrure d’invisible, et l’invisible est la contrepartie secrète du visible».

«O significado é invisível, mas não é contraditório com o que é visível: o que é visível possui em si mesmo uma parte do invisível, e o invisível é a contrapartida secreta do visível». (Merleau Ponty, Le visible et l' invisible, 1959) Chair du monde-Chair du corps-Être «(…) Cela veut dire que mon corps est fait de la même chair que le monde (c’est un perçu) et que de plus cette chair de mon corps est participée par le monde, il la reflète, il empiète sur elle et elle empiète sur lui, ils sont dans un rapport de transgression et enjambement (…)». «(...) Isso significa que meu corpo é feito da mesma substância do mundo (é uma percepção) e que também, meu corpo é compartilhado com o mundo, um reflete o outro, um irrompe no outro e vice-versa, ambos estão em uma relação de transgressão e penetração (…)». (Merleau Ponty, Le visible et l’invisible, 1959) Em Estruturas Moleculares duas imagens sobrepostas representam, de maneira incomum, o mundo vegetal.

Entre estas imagens há uma oposição harmoniosa: elas diferem na aparência, mas coincidem no significado. São imagens estruturas moleculares de algumas substâncias alucinógenas e sua manifestação vegetal correspondente.

Nelas encontramos um contraste entre o invisível, o padrão molecular das plantas alucinógenas representado em primeiro plano de uma maneira detalhada e realista, e o visível, que serão as imagens da planta: suas folhas e caules são apresentados como um fundo vitalizado e atraente, com formas naturais suaves e onduladas. O estilo pictórico e o cromatismo em semitons se unem em sua sensibilidade em ambas às imagens, com a intenção explícita do artista de ligar o visível com o invisível, o latente com o palpável.

Enquanto procurava a representação visual do universo mental, Dominique Rousserie pesquisa a experiência alucinatória e o sentimento profundo de abertura e agudeza para a reflexão que essa experiência desperta, ativando a memória involuntária e reanimando a subversão lúdica e critica para questionar sobre o sonho ideal de um esquema matemático de síntese o de nosso mundo interior em um esquema matemático. Em Estruturas Moleculares podemos perceber uma proposição.

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Neste catálogo nos examinamos sete propostas artísticas diferentes desenvolvidas por Dominique Rousserie durante os últimos cinco anos, aonde o principal interesse é a qualidade, sua contribuição inquestionável à originalidade e à reflexão comprovada.

A proposta de Dominique é uma collage (colagem) visual na qual a interpretação do seu trabalho é verificada através de uma tensão entre o que é aparentemente incongruente. Mesmo se o colocarmos em perspectiva e associarmos livremente as diferentes imagens que ele constrói, encontramos eixos comuns e estruturais em todo o seu corpo de trabalho.

Diante destas peças, temos explorado os céus do Caribe, as ruas de Osaka, ou imaginado a alucinação cativante do ópio. Vimos o nosso interior projetar-se em mundos de trevas e de alegria... batemos de frente com belezas terríveis, belezas perigosas, belezas perturbadores e, o mais importante, nós tentamos entendê-las em sua estranheza, no seu poder de impacto; tentamos sentir sua veemência, ver através de suas pinturas e nos deixar vencer pelo seu mundo.

Nos textos anteriores que traçamos algumas dicas para interpretação, embora nada se compare ao contato direto com as peças em sua materialidade e seu desafio para tornar visível o que é intrinsecamente invisível. Porque a arte é prazer, conhecimento, mas também é questionamento e contribuição para novas formas de apreensão do mundo. No final, a obra de arte exige uma redefinição da verdade, e assim sendo, uma obra de arte não é verdadeira ou bonita porque é criada de acordo com uma realidade harmoniosa. O que é realmente importante é compreendê-la em suas múltiplas dimensões: conhecimento e sensibilidade.

Cecira Armitano São Paulo, Dezembro 2011

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Lysergic Notebook, 2009 - 2011 17 x 13 x 3 cm / 6.7 x 5.1 x 1.2 inches

Lysergic Notebook, 2009 - 2011 17 x 13 x 3 cm / 6.7 x 5.1 x 1.2 inches

Terrae Incognitae «J'écris pour me parcourir. Peindre, composer, écrire: me parcourir. Là est l'aventure d'être en vie», affirme Henri Michaux dans Passages, 1950.

«Escribo para recorrerme. Pintar, componer, escribir: recorrerme. Allí está la aventura de estar en vida», afirma Henri Michaux en Pasajes, 1950.

Los creadores y los pensadores no están solos: tienen amigos, cómplices, socios. A través de los libros que leen, las películas que les gustan, los paisajes que recorren, sus campos de interés, sus gustos y sus manías están en relación con otros trabajos, otros pensamientos, con otros tiempos. Son estas redes y afinidades las que enriquecen sus obras y les permiten tejer discursos cruzados en un enorme flujo de energías.

Entre los cómplices de Dominique Rousserie, Henri Michaux es uno de los más fieles. Al igual que para el escritor de Un barbare en Asie, el desplazamiento constituye para Rousserie el método privilegiado para la exploración de sí mismo. En su obra observamos la presencia de una doble vocación: al movimiento y a la exploración, colocando la curiosidad como el modo de conocimiento que lo lleva hacia otros mundos, hacia otros seres diferentes a los que la tradición y las costumbres han catalogado en su horizonte europeo. Busca tanto en los numerosos viajes o en las pruebas a las que somete el cuerpo, como en el trabajo del imaginario a través de la experiencia con los alucinógenos, o bien expresándose con sus «situaciones artísticas»: trabajo pictórico, instalaciones y escritura, con el objetivo de establecer un contacto con la realidad misteriosa ; expresar o producir emociones, conmociones, deleite o alcanzar la revelación. Dominique Rousserie invoca cosmogonías, no por las reglas culturales que se desprenden sino por la transgresión que estas conllevan.

Mapping “Siento a través del color, es pues por él que se organizará siempre mi tela.” Henri Matisse Las pinturas de la serie “Mapping” parecen ofrecernos imágenes desde el vuelo. En ellas el artista despliega su lenguaje plástico, lo disfruta y se complace vertiendo sus ideas en ese inagotable receptáculo que es la obra de arte. En estos trabajos el equilibrio del color y el dibujo son soberanos, lo construye sobre las oposiciones entre color: negros, blancos grises y con los contrastes fondo –volumen. La montaña se nos revela entre nubes espesas, tenemos la ilusión del paisaje aéreo de la isla o bien una estilizada cartografía nos ofrece el plano físico del perfil montañoso de Saint Barth. Es indudable que la fuerza expresiva de estas obras se conectada directamente con la emoción del artista al registrar la geografía de “su isla del tesoro.”

Dominique ha recorrido una y otra vez todo el territorio de la isla, interrogando el paisaje sin pretender intervenir la naturaleza obtiene respuestas que tal vez requieren otras preguntas. El mundo es misterio, incluso lo que nos parece evidente es misterio: las rocas, las plantas, los animales, es “el aura” de la naturaleza. Mas también están las huellas del hombre que la habitó, los restos de antepasados de otras culturas, los restos de animales que les acompañaron ¿cual fue su historia, cual fue su fin?

Actúa como un arqueólogo del siglo XXI, un salvaje postmoderno: partir para conocerse mejor, y descubrir que albergamos en nosotros mismos lo extranjero y encontramos en él lo que nos es más familiar: Exotismo del prójimo y la proximidad de lo lejano, los mundos se entrelazan, las fronteras desaparecen. La corrosión del vinculo de identidad impulsa al artista interrogarse sobre lo que podría ser el limite. Pues el cesto de las culturas es un cesto horadado; tanto, que lo que parece pertenecer a un lado de la frontera existe también del otro, de

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esa frontera que llamamos barrera cultural. Dominique Rousserie concluye interesándose en las posiciones dinámicas que generan un pensamiento estimulante, esas situaciones de equilibrio inestable que constituyen, en consecuencia, verdaderas señales. De esta manera nos propone considerar la “diversidad” como una condición feliz de la evolución y la “mezcla planetaria” como su principal mecanismo.

Toys Are Us Más allá de las referencias, estos trabajos constituyen un manifiesto en favor del compromiso del arte con la vida.

Interesado en abrir nuevas posibilidades de expresión, Dominique Rousserie observa, explora, vive su época. Con un ojo sensible descubre que la vida de los objetos escapa a sus fabricantes y es así como encuentra un conjunto de objetos de la armada americana pertenecientes al equipo utilizado durante la Segunda Guerra Mundial, fragmentos de una historia arrancados a una realidad compleja. Sobre estos soportes, para nada anodinos, el artista trabaja con libertad y determinación. Con naturalidad concilia el objeto con la representación pictórica, ya unidos histórica y formalmente. En el plan temático, la evidencia de la guerra y la violencia se imponen. En este caso el artista nos propone una violencia sorda, congelada, fría, mas no por ello débil o inconsistente.

La fuerza y originalidad de estos trabajos se construye en la «alta tensión» que se establece entre estas dos realidades: la realidad del soporte, objetos con una utilidad y una materialidad obvias, y una potente connotación histórica y sentimental con la exacta frialdad de las representaciones colocadas sobre estos. Se trata de reproducciones del armamento americano de última generación representadas de manera hiperrealista: armas ultra sofisticadas que eliminan a gran distancia y sin provocar emoción frente a la muerte como el fusil Chey Tac. La imagen de esas armas posadas sobre las camillas pone de manifiesto el cuerpo ausente y la certeza de otras armas y otras guerras que llevaron la muerte sobre esas camillas de enfermería.

A pesar de la distancia que separa al artista de los hechos, Toys R Us parece transcribir anotaciones tomadas luego de la batalla, después de la tormenta, mientras vivía la desolación. Sin recursos expresionistas, sin gritos ni asomos de lucha, una violencia disecada, inmóvil desmonta el trillado cliché y nos golpea.

Arawak «La inquietante extrañeza». Entre belleza y angustia, fascinación y pavor, el mundo visible se manifiesta como una inquietante extrañeza, según los términos de Freud.

«Una noche, senté la Belleza sobre mis rodillas –y la encontré amarga– Y la insulté». (Una temporada en Infierno, Arthur Rimbaud, 1873) La instalación Arawak surge como un homenaje a las etnias que poblaron las islas del llamado «arco caribeño» desde la desembocadura del Orinoco hasta la península de Florida. Sobre todo se han encontrado vestigios en República Dominicana y Cuba, si bien su presencia queda registrada en la mayoría de las islas del Caribe.

En uno de sus numerosos paseos de exploración por la Isla de Saint-Barth, Dominique Rousserie halla lo que parecía un cementerio de osamentas de cabra, material con el que construye en su mayor parte los doce ensamblajes inspirados en los atrapasueños celtas e inuits que conformarán su instalación en tributo a las culturas prehispánicas taíno y arawak. Los trabajos dan cuenta de la veneración y la carga simbólica que estas osamentas alcanzan, tanto dentro de la mitología griega como en el nuevo testamento cristiano. Connotaciones que van desde la cabra como madre nodriza de Zeus, quien luego la transforma en constelación celeste, a la degradación de su imagen al campo del mal cuando es marcada por el Demonio en el Nuevo Testamento de San Mateo.

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Picasso y Braque representan cráneos de cabra en sus vanités cubistas, mientras Robert Rauschenberg utiliza un macho cabrío en el Monograme (1955) uno de sus primeros combine paintings.

El artista, con su sentido creador, selecciona objetos, íconos, tradiciones, signos, símbolos, una frase, un souvenir, un color, y los orquesta en el escenario de la obra. Todo se hace lenguaje y Dominique Rousserie arma su discurso con él; no reivindica sino que recorta un fragmento del frondoso mundo y lo coloca en otra dimensión semántica.

Podríamos entender esto como un quehacer postmodernista, pero se trata más bien de una poética del espacio plástico.

Más allá de la representación de un ritual, esta instalación pretende sumergir al espectador dentro del espacio de la obra, dentro de la realidad de una verdad: situarlo dentro de una meditación sobre los sueños y la muerte.

La sensación visual es fuerte y su poderosa presencia satura el espacio sensible del espectador, lo que la torna altamente dramática. La ausencia y el silencio que se desprenden de esta vanitas intensifican su carácter teatral y religioso; la belleza perturbadora que emana de ella porta en sí los interrogantes esenciales de la vida, la muerte, el vivir pasajero, nuestro estatus de paseantes.

Las seis pinturas de seis de los ensamblajes gozan del mismo sublime drama de la instalación. Junto al registro fotográfico realizado para su publicación, estas obras convierten los originales atrapasueños en imágenes admirables. Podemos considerarlas como verdaderos retratos, en este caso de cráneos de cabra ornamentados para una poderosa ceremonia.

Paradoxalmente, lejos de inspirar horror o angustia, estas piezas vehiculan una extraña belleza, inquietante y atractiva, que se mantiene al borde de un abismo estético, a punto de vacilar en lo terrible. Inevitablemente encontramos en ellas características y paralelismos humanos; y es que el cráneo es el futuro del rostro, nuestro rostro perderá su contorno que, debilitado y erosionado, devendrá inexistente. Mas estas osamentas, ornadas con plumas, encajes e hilos de algodón, adquieren una solemnidad, otra vida, la vida que les otorga la obra de arte.

Sagrado La relación con lo sagrado continúa siendo una clave para aprehender la historia de la creación moderna y contemporánea, además de participar aún en la invención de lenguajes actuales. Las fuerzas vivas de un posible re-encantamiento están todavía allí, en el círculo ritual de las ceremonias chamánicas del Amazonas, en los chamanes ashmates de Borneo o en tantos otros rituales. Es a estas espiritualidades a las que se refiere generalmente Dominique Rousserie en su trabajo, si bien en estas obras se trata de otra espiritualidad, de otro espacio donde habita lo sagrado: la catedral gótica, símbolo de la cristiandad por excelencia. Un monumento creado para la elevación del espíritu, aspirado por los cielos. En él se reúne lo mejor de todas las artes de su tiempo, máximo exponente de la magnificencia de los siglos XII al XV, que vive hoy una inmensa soledad. Es esa soledad grandiosa la que vemos en estas piezas. Soledad, más no vacío. Si la búsqueda de lo sublime deserta de estos espacios, en ellos perdura en ellos la presencia de la espiritualidad.

Chasing the Dragon «Era una noche de neblina, y la niebla parecía tomar la forma de un dragón enorme, iluminado por la luna…» (Plantas de los dioses: orígenes del uso de alucinógenos. Richard Evans Schultes y Albert Hofmann, 1979).

Al abordar la serie Dragons, el sentido simbólico se impone ante nosotros debido a una doble determinación: él es intencional y a la vez extraído de una suerte de léxico general de símbolos. El símbolo es un sentido que cubre otro sentido huidizo abriendo el campo hacia una perspectiva mayor, como una manera de ofrecer al espectador

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la posibilidad de deslizarse y completar con su imaginación los sentidos finales.

Las connotaciones simbólicas de la figura del dragón son densas y muy numerosas, tanto en las culturas occidentales como en las orientales: desde la imagen terrorífica y malévola presente desde la antigüedad griega y romana, cuando estas criaturas son consideradas como devoradoras de dioses, hasta el Medioevo cristiano, cuando constituyen la imagen misma del demonio y el pecado, o bien la esencia de la lucha entre el dragón y un héroe o un dios. En Los enigmas de la zoología de la alquimia mística el dragón representa el Mercurio filosofal o el Ouroboros: círculo formado cuando la bestia se muerde su cola húmeda y se posee a sí misma. Por el contrario en las culturas orientales –China, Japón, Corea–, el dragón goza de una imagen benévola y elevada. Es símbolo de gran sabiduría y buena fortuna, del poder espiritual supremo, del poder terrenal y celestial, el conocimiento y la fuerza.

Atraído por la plástica de esta figura sinuosa y dinámica, rica en detalles expresivos, Dominique Rousserie subvierte una antinomia que trasciende la dicotomía oriente-occidente ante las significaciones de la simbología del dragón. Actúa una vez más como un arqueólogo de símbolos y conecta los diferentes sentidos en imágenes enigmáticas. Por haber vivido la experiencia de los alucinógenos, el artista enfatiza su interés por la expresión «chasing the dragon» tan utilizada durante el siglo XVIII, relacionada con las formas voluptuosas del movimiento del dragón, la expresividad sinuosa de su cola y las volutas del humo espeso emitido por las pipas de opio.

Las telas de la serie Dragons son muy intrigantes y ocupan un lugar central en el bestiario fantástico de Dominique Rousserie, pues se imponen con una evidente fuerza de choque. El color juega un papel esencial; nos sumergimos, nos hundimos en el color, en una inmersión sensible que va más allá de lo visual. Sobre un fondo de fuego espeso y etéreo a la vez –vemos las llamas que hipnotizan, sentimos el calor, un tratamiento que sólo la maestría de un gran colorista puede lograr– flota la figura ondulante y sensual del dragón; éste se desliza en una danza envolvente desplegándose como una aparición que genera un éxtasis inmóvil. Surge así una nueva poética de la percepción de ese poderoso símbolo.

En otras pinturas Rousserie cubre toda la superficie de la tela con una densa y exuberante profusión de volutas de humo y dentro de la dinámica composición aparecen todos los detalles expresivos de la anatomía del dragón: la cabeza, las garras de reptil, los bigotes de gato, los dientes vigorosos, los ojos de fuego, la cola serpenteante.

En estos Dragons de formato rectangular, la imagen se desarrolla generalmente a la vertical, es plana y carente de perspectiva; sus colores neutros y sus trazos sinuosos nos remiten a la tradición pictórica de Montañas celestes, pinturas realizadas en tonos ligeros y tinta sobre rulos de papel que son producto de la sensible observación del mundo de los maestros de la China Song. Al igual que los maestros taoístas o los monjes budistas, en ellas Rousserie se pierde en la naturaleza para huir del mundo y dedicarse a contemplar las maravillas.

Made in Japan La insólita unión de pinturas de pin up japonesas sobre skateboard ilustra bien la libertad escurridiza y arriesgada de nuestra actualidad. La imagen del deslizamiento veloz, dominado e independiente, sobre un monopatín está estrechamente asociada a la posmodernidad: deslizamiento entre los conocimientos, entre las profesiones, entre las culturas, las geografías, las historias y las relaciones humanas.

Obviamente la apropiación de ese soporte no es gratuita. Además, su madera bruta y clara funcionaba bien como piel para las pin up que el artista quería representar con una maravillosa tinta negra encontrada, al igual que los skateboard, en Osaka.

Estos trabajos, conjuntamente con los realizados sobre papel periódico en esos mismos momentos, traducen una expresión urbana de factura apresurada y ritmo gráfico decidido basado en una economía de medios. El movimiento agitado de la ciudad se impone y estas obras lo traducen bien; con el don de la ubicuidad, los skateboard nos trasladan por toda la metrópoli y leemos el periódico en el café, en el metro, en los parques, en

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nuestras casas. Una vez más con naturalidad y libertad, Dominique Rousserie sintetiza diversas contribuciones autorreferenciales en su obra.

Sin embargo, más allá de una posible explicación vivencial sobre la elección de esas imágenes femeninas, es muy probable proyectar la siguiente versión: En el bestiario mítico japonés, dentro la religión Sintoísta, existen dos zorras, son las sirvientas de la diosa Inari, patrona de la fertilidad, la cultura de arroz y de las transacciones fructuosas. Estas zorras son también magas temidas que bajo una forma seductora de una elegancia vertiginosa, pueden conducir a un hombre, a un clan e inclusive a un reino a la ruina antes de que ellas retomen su pelaje rojizo y desaparezcan en el silencio nocturno del bosque. Provenientes de la India, estas zorras alcanzaron la China y luego el Japón en el siglo VII, donde las llamaron kitsune. Tuvieron mucha prole, esas descendientes se convirtieron en la encarnación de las bromas picantes y de ánimo estruendoso.

Podemos entonces pensar que las pin up, bien picantes, de los monopatines de Rousserie, son quizás las sucesoras de aquellas pícaras kitsune.

Estructuras moleculares «Le sens est invisible, mais l’invisible n’est pas contradictoire du visible: le visible a lui même une membrure d’invisible, et l’invisible est la contrepartie secrète du visible».

«El sentido es invisible, mas lo invisible no es contradictorio de lo visible: lo visible posee en sí mismo un miembro de lo invisible, y lo invisible es la contrapartida secreta de lo visible». (Merleau Ponty, Le visible et l’invisible, 1959) Chair du monde-Chair du corps-Être «(…) Cela veut dire que mon corps est fait de la même chair que le monde (c’est un perçu) et que de plus cette chair de mon corps est participée par le monde, il la reflète, il empiète sur elle et elle empiète sur lui, ils sont dans un rapport de transgression et enjambement (…)». «(…) Eso quiere decir que mi cuerpo está hecho de la misma carne que el mundo (es una percepción) y que además esa carne de mi cuerpo es compartida con el mundo, él la refleja, él desborda sobre ella y ella desborda sobre él, ambos están en una relación de transgresión y penetración (…)». (Merleau Ponty, Le visible et l’invisible, 1959) En Estructuras moleculares dos imágenes superpuestas representan, de manera inhabitual, el mundo vegetal. Entre ellas se instala una armoniosa oposición: difieren en apariencia y se identifican en su significación. Se trata del esquema molecular de algunas sustancias alucinógenas y sus correspondientes manifestaciones vegetales. En ellas se establece un contraste entre lo invisible, la estructura molecular de las plantas alucinógenas plasmada de manera muy detallada y realista en primer plano, y lo visible, que serán las imágenes de las plantas: sus hojas y tallos representados como fondo vitalizado y sugerente, con formas naturales suaves y ondulantes. La factura pictórica y el cromatismo en semitonos reúnen en su sensibilidad las dos imágenes con la manifiesta intención del artista de vincular lo visible y lo invisible, lo latente y lo palpable.

En la búsqueda de la representación visual del universo mental, Dominique Rousserie sondea la experiencia de la alucinación y las intensas sensaciones de apertura y agudeza en la reflexión que ésta desencadena, activando la memoria involuntaria y reanimando una lucidez subversiva, critica, para indagar en torno al soñado ideal de resumir en un esquema matemático el sentido de nuestro mundo interior. En Estructuras moleculares podemos intuir una proposición.

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En esta publicación se reseñan siete propuestas artísticas desarrolladas por Dominique Rousserie durante los últimos cinco años, cuyo principal interés es su calidad, su evidente aporte de originalidad y una aquilatada reflexión.

Dominique nos propone un collage visual gracias al cual la lectura de sus obras se construye sobre una tensión entre lo aparentemente incongruente. Mas al colocar en perspectiva y asociar con libertad las diferentes imágenes que plantea, encontramos ejes comunes y estructurales en el conjunto de la obra.

Frente a estas piezas hemos explorado los cielos del Caribe, las calles de Osaka o imaginado la alucinación envolvente del opio. Hemos visto a nuestro interior proyectarse en mundos de oscuridad o de jubilación… nos hemos topado con bellezas terribles, bellezas peligrosas, inquietantes y, lo más importante, hemos intentado comprenderlas en su extrañeza, en su potencia de impacto; hemos tratado de sentir su vehemencia, de ver con su pintura y dejarnos embargar por su mundo.

En los textos anteriores se han esbozado algunas pistas de interpretación, sin embargo nada puede subvertirse al contacto directo con las obras en su materialidad y su desafío por hacer visible lo invisible. Porque el arte es gozo, es conocimiento, pero también es cuestionamiento y aporte de nuevas maneras de aprehender el mundo.

Al final, la obra de arte nos exige redefinir la verdad, pues una obra no es verdadera o bella porque esté elaborada conforme a una realidad armoniosa. Lo importante será comprenderla en su dimensión múltiple de conocimiento y sensibilidad.

Cecira Armitano São Paulo, diciembre 2011

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Lysergic Notebook, 2009 - 2011 17 x 13 x 3 cm / 6.7 x 5.1 x 1.2 inches

MAPPING “Man is called by the ancients a world in miniature and certainly this name is well applied, for just as man is composed of earth, water, air and fire, so is the body of the earth. If man has in him bones which are the support and armor of the flesh, the world has rocks which are the support of the earth; if man has in himself the sea of blood, in which the lungs rise and fall in breathing, so the body of the earth has its oceanic sea which also rises and falls every six hours for the world to breathe. If from the said sea of blood spring veins which go on ramifying through-out the human body, similarly the oceanic sea fills the body of the earth with infinite veins of water.�

Leonardo da Vinci

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Mapping St. Barth, 2009 150 x 195 cm / 59 x 77 inches Pigments / Canvas

Montserrat North point, 2009 92 x 73 cm / 37 x 28 inches Pigments / Canvas

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Montserrat S.E. Point, 2009 92 x 73 cm / 37 x 28 inches Pigments / Canvas

Terrae Incognitae St. Barth, Codebar, 2009 70 x 195 cm / 27 x 77 inches Pigments / Canvas

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Plano fisico de la Nueva St. Barth, 2010 70 x 195 cm / 27 x 77 inches Pigments / Canvas

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Mapping - Carta el Architecto, Cartagena, 2010 17.5 x 14 x 2.5 cm / 7 x 5.5 x 1 inches Pigments / Copper and Glass

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El Plano Esoterico de la nueva St. Barth, 2010 87 x 245 cm / 34.3 x 96.5 inches Pigments & Japanese ink / Canvas

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1-12 Moon Phases over Colombier, 2009 20 x 30 cm / 7.9 x 11.8 inches (12 pieces) Edition of 1, Fine Art Print / Aluminium

Mapping Sea of Love, 2009 50 x 55 cm / 19.5 x 22 inches Pigments / Cotton

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The Treasure Island “I made the map of the island; it was elaborately and (I thought) beautifully coloured; the shape of it took my fancy beyond expression; it contained harbours that pleased me like sonnets; and with the unconsciousness of the predestined, I ticketed my performance Treasure Island. I am told there are people who do not care for maps, and I find it hard to believe. The names, the shapes of the woodlands, the courses of the roads and rivers, the prehistoric footsteps of man still distinctly traceable up hill and down dale, the mills and the ruins, the ponds and the ferries, perhaps The Standing Stone or The Druidic Circle on the heath; here is an inexhaustible fund of interest for any man with eyes to see, or tuppenceworth of imagination to understand with. No child but must remember laying his head in the grass, staring into the infinitesimal forest, and seeing it grow populous with fairy armies. Somewhat in this way, as I pored upon my map of Treasure Island, the future characters of the book began to appear there visibly among imaginary woods; and their brown faces and bright weapons peeped out upon me from unexpected quarters, as they passed to and fro, fighting and hunting treasure, on these few squares inches of a flat projection.�

Robert Louis Stevenson

T O Y S R US Archetypes of the Collective Unconscious “Whether primitive or not, mankind always stands on the brink of actions it performs itself but does not control.

The whole world wants peace and the whole world prepares for war, to take but one example. Mankind is powerless against mankind, and the gods, as ever, show it the ways of fate. Today we call the gods “factors”, which comes from facere, ‘to make.’ The makers stand behind the wings of the world-theatre.”

Carl Gustav Jung

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Toys are US - M4, 2008 70 x 170 cm / 27 x 67 inches Pigments / Canvas

Mask - Toys are US Series, 2010 45 x 43 x 13 cm / 18 x 17 x 5 inches Pigments / Ammunition Case

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MINE - Toys are US Series, 2010 45 x 43 x 13 cm / 18 x 17 x 5 inches Pigments / Ammunition Case

M16, US Army Stretcher, 2009 57 x 227 x 15 cm / 22 x 89 x 7 inches Pigments / Canvas

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Chey tac M200, US Army Stretcher, 2010 57 x 228 x 15 cm / 22 x 89 x 7 inches Pigments / Canvas

AGM 65 Maverick Missile, US Army Stretcher, 2010 57 x 228 x 15 cm / 22 x 89 x 7 inches Pigments / Canvas

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SKULLS & BONES Installation Arawak

The House of Tobacco Smoke “One day the youth who had arisen in the East spread out his arms and proclaimed his name: Domu Hokonamana Ariawara, “Creator Bird of the Dawn.”

With his left wing he held a bow and two quivering arrows, and his right wing shook a rattle. The plumes of his body chanted incessantly the new song that was heard in the East. The thoughts of the Bird of the Dawn fell now on a house-and immediately it appeared: a round, white house made of tobacco smoke. It looked like a cloud.”

Johannes Wilbert

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Terrae Incognitae, 2010 65 x 68 x 20 cm / 25.6 x 26.8 x 7.9 inches Mixed Media / Goat Skull

Terrae Incognitae, 2010 65 x 68 x 20 cm / 25.6 x 26.8 x 7.9 inches Mixed Media / Goat Skull

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DREAMCATCHER, 2010 80 x 24 x 24 cm / 31.5 x 9.4 x 9.4 inches Mixed Media / Mink Skull

N44, 2011 20 x 17 x 65 cm / 7.9 x 6.7 x 25.6 inches Mixed Media / Goat Skull

Mme Butterfly, 2010 23 x 13 x 40 cm / 9 x 5.1 x 15.7 inches Mixed Media / Goat Skull

Ta誰no, 2010 26 x 16 x 36 cm / 10.2 x 6.3 x 14.2 inches Mixed Media / Goat Skull

N45, 2011 90 x 23 x 36 cm / 35.4 x 9 x 14.2 inches Mixed Media / Goat Skull

N46, 2011 23 x 13 x 34 cm / 9 x 5.1 x 13.4 inches Mixed Media / Goat Skull

Dragon Arawak, 2010 29 x 11 x 29 cm / 11.4 x 4.3 x 11.4 inches Mixed Media / Goat Skull

N47 Spirit Catcher, 2011 60 x 80 x 20 cm / 23.6 x 31.5 x 7.9 inches Mixed Media / Goat Skull

N49, 2011 44 x 30 x 85 cm / 13.3 x 11.8 x 33.5 inches Mixed Media / Goat Skull

N52, 2011 43 x 33 x 27 cm / 17 x 13 x 10.6 inches Mixed Media / Goat Skull

N50, 2011 25 x 35 x 11 cm / 9.8 x 13.8 x 4.3 inches Mixed Media / Goat Skull

N48, 2011 27 x 15 x 59 cm / 10.6 x 5.9 x 23.2 inches Mixed Media / Goat Skull

N51, 2011 35 x 12 x 18 cm / 13.8 x 4.7 x 7.1 inches Mixed Media / Goat Skull

Jabuti Piranga, 2011 37 x 33 x 20 cm / 14.6 x 13 x 7.9 inches Mixed Media / Turtle Carbonaria

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Turtle Wax, 2010 12 x 10 x 6 cm / 4.7 x 3.9 x 2.3 inches Ursin Skeleton

78

SNAKE ON BIRD, Mobile, 2011 39 x 15 x 20 cm / 15.4 x 5.9 x 7.9 inches Mixed Media

Froggylegsoreus, 2011 58 x 22 x 7 cm / 22.8 x 8.7 x 2.8 inches Mixed Media

Mme butterfly portrait, 2010 92 x 73 cm / 36 x 28 inches Pigments and Graphite / Canvas

83

N52 Portrait, 2011 92 x 73 cm / 36 x 28 inches Pigments and Graphite / Canvas

N50 Portrait, 2011 92 x 73 cm / 36 x 28 inches Pigments and Graphite / Canvas

84

Ta誰no Portrait, 2011 92 x 73 cm / 36 x 28 inches Pigments and Graphite / Canvas

N51 PORTRAIT, 2011 87 x 245 cm / 34.3 x 96.5 inches Pigments and Graphite / Canvas

87

Ta誰no Butterfly, 2011 129 x 195 cm / 51 x 77 inches Pigments / Canvas

89

S A CRED

Chapel Installation, St. Barth, 2010

91

Dieu reconnaitra les siens, 2008 183 x 183 cm / 72 x 72 inches Pigments / Canvas

Requiem von Mozart, 2007 195 x 195 cm / 77 x 77 inches Pigments / Canvas

93

LISTENING PEARLS, 2009 150 x 117 cm / 59 x 46 inches Pigments / Silk

CH A S I N G T HE DR A G O N The Visions of Zosimos “The dragon slays itself, weds itself, impregnates itself.�

Argentum Vivum

LSD Dragon, 2008, 239 x 188 cm / 94 x 74 inches, Pigments / Canvas

Chasing the Dragon VII, 2009 130 x 97 cm / 51 x 38 inches Pigments / Canvas

96

Chasing the Chinese Dragon II, 2009 195 x 150 cm / 77 x 59 inches Pigments / Canvas

Chasing the Infinite Dragon I, 2011 100 x 300 cm / 39.4 x 118 inches Pigments / Canvas

99

100

Chasing the Infinite Dragon II, 2011 100 x 300 cm / 39.4 x 118 inches Pigments / Canvas

Chasing the Dragon with Lao Tzu, 2010 100 x 300 cm / 39.3 x 118 inches Pigments / Canvas

103

Chasing the Dragon through the Clouds, 2008 195 x 150 cm / 77 x 59 inches Pigments / Canvas

104

MADE IN JAPAN

107

Barcode Budo, 2009 70 x 198 cm / 27 x 78 inches Pigments / Canvas

Japanese Newspaper Series, 2008 54 x 38 cm / 21 x 15 inches Pigments / Paper

109

Skull II, 2008 Diameter 79 cm / 31 inches Pigments / Wood

110

Skull I, 2008 Diameter 79 cm / 31 inches Pigments / Wood

Made in Japan I - VIII, 2008 79 x 19 x 10 cm / 31 x 7 x 4 inches (8 pieces) Pigments / Wood (Skateboards)

113

M O L ECU L A R S T RUC T URES Chemical structures of Hallucinogens “That the important plant hallucinogens and the brain hormones serotonine and noradrenaline have the same basic structure cannot be due to mere chance. This astounding relationship may explain the psychotropic potency of these hallucinogens. Having the same basic structure, these hallucinogens may act at the same sites in the nervous system as the above-mentioned brain hormones, like similar keys fitting the same lock. As a result, the psychophysiological functions associated with those brain sites are altered, suppressed, stimulated, or otherwise modified. The ability of hallucinogens to produce changes in brain function is due not only to their having a particular chemical composition, but also to the peculiar spatial arrangement of the atoms in their molecules.�

Plants of the Gods Richard Evans Schultes and Albert Hofmann

AndoMorphine Molecular Structure, 2009 195 x 150 cm / 77 x 59 inches Pigments / Canvas

Mescaline Molecular Structure, 2008 92 x 73 cm / 37 x 28 inches Pigments / Canvas

116

Serotonin Molecular Structure, 2008 92 x 73 cm / 37 x 28 inches Pigments / Canvas

Adrenaline Molecular stucture (Norepinephrine), 2010 92 x 73 cm / 37 x 28 inches Pigments / Canvas

119

Dopamine Molecular Structure, 2010 92 x 73 cm / 37 x 28 inches Pigments / Canvas

XTC Molecular Structure, 2010 92 x 73 cm / 36 x 28 inches Pigments / Canvas

120

Tropane Alkalo誰d Molecular Structure, 2010 92 x 73 cm / 36 x 28 inches Pigments / Canvas

Serotonin Molecular Structure, 2010 195 x 150 cm / 77 x 59 inches Pigments / Canvas

Tradução MAPPING (p. 28) “A humanidade é chamada pelos antigos de o mundo em miniatura e certamente este nome é bem empregado, pois assim como o corpo humano é composto de terra, água, ar e fogo, asssim é o corpo da Terra. Se o homem possui ossos, que são o suporte e a armadura da carne, o mundo tem pedras, que são o suporte da Terra. Se o homem tem em si mesmo a maré sanguinea, nos quais os pulmões se levantam e abaixam durante a respiração, assim o corpo da terra tem as marés oceânicas que também se levantam e abaixam a cada seis horas para o mundo respirar. Se do dito mar de sangue saem veias que se ramificam através do corpo humano, de maneira similar as marés oceânicas enchem o corpo da terra com infinitas veias de água.”

Leonardo da Vinci Ilha do Tesouro (p. 43) “Eu fiz o mapa da Ilha; foi feito elaboradamente, e (eu pensei), com um colorido muito bonito; a forma que tomou expressava a minha fantasia para além das minhas expectativas; este continha portos que me agradavam como sonetos; e com a inconsciência dos predestinados nomeei o meu feito Ilha do Tesouro. Me disseram que existem pessoas que não ligam para mapas, e eu acho difícil de acreditar. Os nomes, as formas das florestas, o curso de estradas e rios, as pegadas dos homens préhistóricos ainda perfeitamente rastreáveis na subida da montanha e na descida do vale, os moinhos e as ruínas, os lagos e as balsas, quem sabe o Monolito de Pedra ou o Círculo Druídico no brejo; aqui se apresenta uma fonte inexaurível de interesse para qualquer homem com olhos para ver, ou dois centavos de imaginação para entender. Nenhuma criança se esquece de quando, pousando sua cabeça na relva, olhando fixamente para a floresta infinitesimal, via a população de seus exércitos de fadas crescerem mais e mais. Um pouco desta maneira, enquanto eu olhava os detalhes do meu mapa da Ilha do Tesouro, os futuros personagens do livro começaram a se delinear dentro dos bosques imaginários; e as suas faces escuras e armas brilhantes apareceram diante de mim em lugares inesperados, passando na minha frente e atrás de mim, lutando e caçando tesouros, nestas poucas polegadas quadradas de horizonte.”

Robert Louis Stevenson TOYS ARE US (p. 44) Arquétipos do Inconsciente Coletivo “Primitiva ou não, a humanidade sempre se encontra em situações limítrofes que ela mesma cria mas não domina. O mundo inteiro deseja a paz e o mundo inteiro se prepara para a guerra, « Si vis pacem, para bellum », para citar apenas um

exemplo. A humanidade é impotente contra si mesma, e os deuses, como sempre, lhe mostra os caminhos de seu destino.

Hoje em dia chamamos os deuses de “fatores”, palavra que vem de facere = fazer. São estes fatores que suportam as asas do teatro do mundo.”

Carl Gustav Jung SKULLS & BONES (p. 54) A Casa de Fumaça de Tabaco “Um dia o jovem que tinha surgido no leste abriu os braços e disse seu nome: Domu Hokonamana Ariawara, “Pássaro Criador da Aurora”. Em sua asa esquerda ele segurava um arco e duas flexas, e sua asa direita sacodia um chocalho. As plumas de seu corpo cantavam incessantemente a nova canção que era ouvida no leste. Os pensamentos do Pássaro Aurora recaiam agora em uma casa que apareceu imediatamente. Uma casa redonda, branca, feita de fumaça de tabaco. Parecia uma nuvem.”

Johannes Wilbert CHASING THE DRAGON (p. 94) As Visões de Zózimo “O dragão se mata, desposa a si mesmo e se auto-fecunda.”

Argentum Vivum MOLECULAR STRUCTURES (p. 114) Estrutura Química dos Alucinógenos “Que os alucinógenos da planta e os hormônios cerebrais serotonina e noradrenalina tenham a mesma estrutura básica não é devido do acaso. Esta surpreendente relação pode explicar o potencial psicotrópico destes alucinógenos. Possuindo a mesma estrutura básica, estes alucinógenos podem agir nas mesmas regiões do sistema nervoso que os hormônios cerebrais acima mencionados, como chaves similares para a mesma fechadura.

Como resultado, as funções psicofisiológicas associadas com estas regiões do cérebro são alteradas, suprimidas, estimuladas ou modificadas de alguma maneira. A habilidade dos alucinógenos em produzir mudanças nas funções cerebrais é devida não sómente à sua composição química característica, mas também a um arranjo espacial peculiar dos átomos de suas moléculas.”

Plantas dos Deuses Richard Evans Schultes and Albert Hofmann

Traducción MAPPING (p. 28) “Los antiguos llaman al hombre un mundo en miniatura, y por supuesto este nombre le viene bien, ya que al igual que el hombre está compuesto de tierra, agua, aire y fuego, también es así el cuerpo de la tierra. Si el hombre tiene huesos que son el soporte y la armadura de la carne, el mundo tiene rocas que son el soporte de la tierra; si el hombre tiene dentro de sí el mar de la sangre, a través del cual los pulmones suben y bajan al respirar, así también el cuerpo de la tierra tiene su mar oceánico que sube y baja cada seis horas para que el mundo respire. Si de este mar de sangre surgen venas que se ramifican por el cuerpo, de manera similar el mar oceánico llena el cuerpo de la tierra con infinitas venas de agua.”

Leonardo da Vinci La Isla Del Tesoro (p. 43) “Hice el mapa de la isla; estaba elaboradamente y (yo creía) maravillosamente coloreado; no puedo expresar cuanto me fascinó su forma; tenía puertos que me agradaban tal como si fueran sonetos; y con la inconsciencia de lo predestinado, le puse de nombre a mi representación La Isla del Tesoro. Me han dicho que hay personas a las que no les interesan los mapas, y yo encuentro esto difícil de creer. Los nombres, las formas de los bosques, el recorrido de los caminos, el curso de los ríos, las huellas prehistóricas del hombre que con facilidad todavía se encuentran en las colinas y los valles, los molinos y las ruinas, las lagunas y las barcas, tal vez el monumento prehistórico de Grandes Piedras o el Círculo Druídico en el brezal; aquí se encuentra un caudal sin fin de interés para cualquier hombre con ojos para ver o con un poco de imaginación para comprender.

No hay niño que no recuerde haber recostado su cabeza en la hierba, mirar el bosque sin fin, y contemplar como se iba poblando de ejércitos de hadas. De tal manera, al estudiar minuciosamente mi mapa de La Isla del Tesoro, los futuros personajes del libro empezaron a aparecerse allí visibles entre bosques imaginarios; y sus caras morenas y sus armas brillantes se asomaban de lugares inesperados para verme al pasar de aquí para allá, peleando y en búsqueda de tesoro, en estas pocas pulgadas cuadradas de una proyección plana.”

Robert Louis Stevenson TOYS ARE US (p. 44) Arquetipos del Inconsciente Colectivo “ Ya sea primitiva o no, la humanidad siempre se encuentra al borde de acciones que desempeña por sí misma pero que no controla. El mundo entero quiere la paz y el mundo entero se prepara para la guerra, « Si vis pacem, para bellum », éste

es sólo un ejemplo. La humanidad es impotente en contra de la humanidad, y los dioses, al igual que siempre, le muestran los designios del destino. Hoy en día llamamos a los dioses “factores,” esto viene de facere, ‘hacer.’ Los creadores están detrás de las alas del teatro del mundo.”

Carl Gustav Jung SKULLS & BONES (p. 54) La Casa de Humo de Tabaco “Un día el joven que se había levantado en el Este extendió sus brazos y proclamó su nombre: Domu Hokonamana Ariawara, “Ave Creadora del Alba.” Con el ala izquierda sujetaba un arco y dos flechas temblorosas, y con el ala derecha agitaba una matraca. Las plumas de su cuerpo cantaban sin cesar el nuevo canto que se escuchaba en el Este. Los pensamientos del Ave del Alba ahora cayeron en una casa y ésta inmediatamente apareció: una casa redonda, blanca, hecha de humo de tabaco.

Parecía una nube.”

Johannes Wilbert CHASING THE DRAGON (p. 94) Las Visiones de Zosimos “El dragón se mata a sí mismo, se casa consigo mismo, se impregna a sí mismo.”

Argentum Vivum MOLECULAR STRUCTURES (p. 114) Estructura Quimica de los Alucinogenos “No es un hecho casual que los alucinogenos mas importantes de las plantas y las hormonas cerebrales, serotonina y noradrenalina, tengan la misma estructura basica. Esta asombrosa relacion puede ayudar a explicar la potencia psicotropica de estos alucinogenos. Como tienen la misma estructura basica, estos alucinogenos pueden actuar en los mismos sitios del sistema nervioso que las ya mencionadas hormonas cerebrales, como si fueran llaves semejantes que abrieran un mismo candado. El resultado es que las funciones psicofisiologicas asociadas a estas zonas del cerebro se ven alteradas, suprimidas, estimuladas o modificadas de una u otra manera. La capacidad que tienen los alucinogenos de producir cambios en las funciones cerebrales, se debe no solo a su composicion quimica particular, sino tambien al arreglo espacial peculiar que tienen los atomos en estas moleculas.”

Plantas dos Deuses Richard Evans Schultes and Albert Hofmann

Catalina Hydra over St. Barth, 2011 35 x 83 cm / 13.7 x 32.7 inches Pigments / Paper

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Biography

1960

Born in Metz, France.

1979

Starts up an Action Painting group at the Cultural Center of Presles, France.

1980

Rousserie heads to Israel and the Red Sea and decides to paint the nuclear war shelter in the city of Urim.

The exhibition “Life and Death” is later exposed at the Cultural Center.

Study in Galles, Sri Lanka, of the variation of colors for gemmology by thermical and spectral action.

1981 - 1982

Rousserie sets out to focus his research on primitivism, signs and ancient symbols deciding to travel with his boat named “Shiva-Shakti” which serves as a traveling studio.

Rousserie leaves France. The compass is directed towards Cape Finistere, “Land‘s End”, in Galicia, Spain, the land of grand men that came from the sea. Study of the Celtic influence along the coast of “Rio de Padron”.

Further on in the Canary Islands, Rousserie discovers the Art of the Guanche people, descendants from Atlantis. Then travelling along the coast of Senegal, Gambia, Guinea and Sierra Leone and working with local artists in villages, bushes, forests, and lost islands, where Animism and Fetishism have not disappeared yet.

Canvases “Icones Animistes” are exhibited in Freetown, Sierra Leone.

1983

1984 - 1985

Rousserie sails across the Atlantic. Discovery of the use of latex and natural pigments in Bahia, Brazil and study of the influence of the African Fetishism in Bahia. Work is exhibited at the Museum of Modern Art in Rio de Janeiro. The rest of the year is spent in the Amazon jungle.

1986 - 1987

After visiting the coral atolls of Venezuela and Bahamas, Rousserie ends up in Florida, and prepares a trip to the Maya civilization in Belize, Guatemala and the Mexican peninsula of Yucatan. He parts with his boat.

1988 - 1989

Upon return to Brazil, Rousserie establishes his studio in an old fisherman‘s house in Paracuru. In the states of Amazonia and Ceara, he works and then exhibits the canvases. The concept of the “Pictorial Compressions” is based on water, fire, earth and air.

Back in Europe, exhibition of Brazilian canvases at “La Defense”, Paris. Studio established in Bagni di Lucca, Tuscany, Italy.

Study of Etruscan Art.

1990

1991

Study of archaeological graffiti in Stockholm, Sweden along with the rune stones of the Vikings. Exhibition of works at the Scandinavian Art Forum.

Birth of son, Charles.

1992

1993 On the south coast of Turkey, aboard the sailing boat “Sea Prince”, Rousserie visits the land of the Lycians, west of the Antalyan Gulf. His exhibitions are dedicated to the cryptograms and mythology of old civilizations.

He paints on the Catalan coast, Spain.

1994

Rousserie studies the Sumerian civilization and exhibits the Sumerian canvases in Sweden, France and Italy.

Time is also spent exploring the desert in the south of Tunisia.

Rousserie travels to the gate of the Kingdom Queen of Saba, Yemen and the Red Sea. Work done on the theme ”Spiritus Universalis” for the exhibition at the Museum of Contemporary Art Sofia Imber, Caracas, Venezuela.

Birth of daughter, Emma.

Preparation for an exhibition based on signs, for the museum of Prehistory in Bougon, France. The French Cultural Center of Barcelona, Spain, hosts the “Spiritus Mundi” exhibition.

1995

New studio established in Santa Fe, Caracas, Venezuela.

Rousserie returns to Mexico and United States and discovers new pigments in Margarita, Venezuela. Time spent at a foundation that protects sea turtles in Los Roques Islands.

While traveling to the coast and Center of Venezuela, Rousserie prepares a series of paintings called “Transmutation”. Later on, these works are exhibited in Los Angeles and Miami.

1996

127

1997

Following the exhibition of the “Time Track” concept in Buenos Aires, Argentina, Rousserie decides to travel through the Amazon jungle from Canaima, Venezuela, where the Table Mountains “Los Tepuyes” are located, to the delta of the Orinoco. Two studios opened in succession, one in Miami and the other one in St. Barthelemy, French West Indies.

1998

Visits India and Nepal in search of new fabrics to make his “Tankas”, and later on, paints them in the Miami studio. The concept “Indi” is a study of “Interior Views”, “Spiritual Transmutation” and “Shamanic” curative, and hallucinogen plants painted on large canvases. Rousserie named Honorary Member of the National Committee for Artistic Education of France.

1999

After a study about Mayan mushroom stones in Guatemala, Rousserie lives with Peruvian shamans in the Amazon and with them expands his knowledge about Plants of the Gods and their visions.

2000

Exhibition in Osaka, Japan and exploration of the use of the “Kyonoren”, hanging cloth curtain which typically graces many Japanese temple doorways. The Noren‘s symmetry will be seen in Rousserie’s tankas.

Time studying wild orchids in the North of Thailand and the islands of the Siam Gulf. Rousserie meets with Raoni, chief of the Kayapo Indians from the Xingu region of Brazil and completes a painting titled “Plant your tree!”

2001

The series “Botanic verses” travels through Argentina, United States and Ukraine. “The Cosmic Babies” are created in the Paris studio, representing humanization and enlightenment of the World.

2002

Time often spent with friend and writer Gerard Barriere, in conversation about how the world can be rethought through the ancient spirits. How do you become a naturalist with the “vegetalistos”? Painting in New York and studying at the American Museum of Natural History. Rousserie then leaves for the Caribbean.

2003

Studio set-up in Saline on the island of St. Barthelemy, where the Tainos used to find shelter. Studies mainly dedicated to Naturalism during this time. “Beyond Botanica” is exhibited in California and Colorado.

2004

Rousserie travels to the Dominican Republic, and studies the Art of the Taino and the orchids of the Botanical garden of Santo Domingo. He is invited in tribute to the “Miami Art Basel” to show the series “Dangerous Beauties”.

2005

Settled and painting in Ibiza. Work begins on the “Global Warming” series and “Subs”. Ibiza becomes the perfect Laboratory for the series “Chasing the Dragon” about the use of psychotropic substances.

2006

“The interior Geographies” are exhibited in Brussels, Belgium. Influenced by the world‘s armaments Rousserie paints “Toys are us”. Passion for Electro-music and as a tribute to the K&D Sessions, “Going under Machines” appears on Rousserie’s canvas.

2007

Time spent in Berlin, Germany studying the life of Alexander von Humboldt (1769-1859) who discovered the Delta of Orinoco in Venezuela. Rousserie follows the naturalist in the city, painting architectural details of the “Berliner Dom” and begins work on the “Mapping” series.

2008

Back in New York the “Mapping” series is extended to the “Terrae Incognitae” of the alchemists. Use of St. Barthelemy and Montserrat Islands cartography. Rousserie chases dragons in Chinatown and traps them on his canvases.

2009 Other backgrounds appear as the painted gun on the World War II US army stretcher for the series “Toys are us” and the poppy embroideries from the 18th century covered with intriguing “Molecular Structures” of mescaline and serotonin. “Esthetical Import” is shown in East Hampton and New York. Birth of son, Arthur.

2010

2011

Death of friend, writer and philosopher, Gerard Barriere. Rousserie meets indians Kogis along the Palomino river, in Tayrona territory, near by the Atlantic Colombian coast. Lysergic note book completed in Cartagena de las Indias where also the concept “Arawak” is drawn, composed of a series of interventions on goat skulls and shamanic objects.

“Goat”, “Snake on Bird” and “Dreamcatcher” mobiles are created in St. Barthelemy studio.

The installation “Arawak” is finalized with portrait series on canvas made with graphite on pigments.

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Biografia

1960

Nasce em Metz, França.

1979

Inicia um grupo de “action painting” no Centro Cultural de Presles, França.

1980

Vai para Israel e o mar vermelho. Decide pintar o abrigo de guerra nuclear na cidade de Urim.

Mais tarde, a exposição “Life and Death” é inaugurada no Centro Cultural.

Em Galles, Sri Lanka, estuda a variação de cores para gemologia por ação térmica e espectral.

1981 - 1982

Decide concentrar sua pesquisa no primitivismo, signos e símbolos antigos. Viaja em seu barco, chamado “Shiva-Shakti”, que utiliza como um estúdio itinerante.

Deixa a França. A bússola é dirigida para o cabo Finistere, “Land’s End”, na Galícia, Espanha, terra dos grandes homens que vieram do mar. Estuda a influência céltica ao longo da Costa de “Rio de Padron”. Adentrando as ilhas Canárias, descobre a arte do povo Guanche, descendentes da Atlântida. Viaja ao longo da Costa do Senegal, Gâmbia, Guiné e Sierra Leone. Trabalha com artistas locais em aldeias, arbustos, florestas e ilhas perdidas, onde o animismo e fetichismo ainda não desapareceram. Mostra suas telas “Icones Animistes” em Freetown, Sierra Leone.

1983

1984 - 1985

Navega através do Atlântico. Na Bahia, Brasil, ele descobre o uso do látex e pigmentos naturais. Estuda a influência do fetichismo africano na Bahia. Faz uma exposição no Museu de Arte Moderna, no Rio de Janeiro.

Passa o resto do ano na selva amazônica.

1986 - 1987

Depois de visitar os atóis de coral da Venezuela e Bahamas, vai para a Florida, onde prepara uma viagem a civilização maia em Belize, Guatemala e a Península Mexicana de Yucatán. Viaja em seu barco.

1988 - 1989 Quando volta ao Brasil, estabelece seu estúdio na casa de um velho pescador em Paracuru. Nos estados do Amazonas e Ceará, cria, e, em seguida, exibe suas telas. O conceito de sua “Pictorial Compressions” baseia-se na água, fogo, terra e ar.

1990

1991

Volta à Europa, onde exibe suas telas brasileiras em “La Defense”, Paris. Estabelece seu estúdio em Bagni di Lucca, Toscana, Itália.

Estuda a arte etrusca.

Em Estocolmo, na Suécia, estuda os graffitis arqueológicos e as pedras de Runa dos Vikings. Mostra seus trabalhos no Fórum de Arte Escandinavo.

Nascimento de seu filho Charles.

1992

Estuda a civilização Suméria e mostra suas pinturas sumerianas na Suécia, França e Itália. Explora o deserto no sul da Tunísia.

1993

Na costa sul da Turquia, a bordo do veleiro “Príncipe do Mar”, visita a terra dos Lícios, oeste do Golfo de Antalyan. Suas exposições terão como tema os criptogramas e mitologia das civilizações antigas. Pinta na costa catalã, Espanha.

1994

1995

Estabelece seu novo estúdio em Santa Fe, Caracas, Venezuela. Retorna ao México e Estados Unidos. Descobre novos pigmentos em Margarita, Venezuela. Passa uma temporada em uma fundação que protege as tartarugas marinhas nas ilhas Los Roques.

1996

Viajando pela costa e o centro da Venezuela, prepara a série de pinturas chamadas “Transmutation”. Mais tarde, estes trabalhos são exibidos em Los Angeles e Miami, Estados Unidos.

Viaja para o portão da Rainha do Reino de Sabá, no Iêmen, e o mar vermelho. Para a sua exposição no Museu de Arte Contemporânea Sofia Imber, em Caracas, Venezuela, trabalha sobre o tema “Spiritus Universalis”.

Nascimento de sua filha Emma.

Prepara uma exposição com base em signos, para o Museu de pré-história em Bougon, França.

O Centro Cultural Francês de Barcelona, Espanha, mantém sua exposição “Spiritus Mundi”.

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1997

Depois que o conceito de ”Time Track” é exibido em Buenos Aires, Argentina, viaja através da selva amazônica de Canaima, Venezuela, onde se encontram as montanhas de mesa “Los Tepuyes”, até o delta do Orinoco. Abre dois estúdios sucessivamente, um em Miami e o outro em St Barthelemy, nas Antilhas francesas.

1998

Vai para a Índia e Nepal em busca de novos tecidos para criar suas “Tankas”, que serão pintadas mais tarde em seu estúdio em Miami. O conceito “Indi” é um estudo de “Interior Views”, “Spiritual Transmutation” e “Shamanic” plantas curativas e alucinógenas pintadas em telas grandes. É nomeado membro honorário do Comitê Nacional de Educação Artística da França.

1999

Depois de um estudo sobre os cogumelos de pedra da civilização maia na Guatemala, vive com xamãs peruanos na Amazônia. Com eles, expande o seu conhecimento sobre plantas dos deuses e suas visões.

2000

Mostra suas obras em Osaka, no Japão e explora o uso do “Kyonoren”, uma cortina de algodão pendurada que normalmente adorna a porta de entrada de muitos templos japonêses. A simetria de Noren será vista no seus tankas. Estuda orquídeas selvagens do Norte da Tailândia e das ilhas do Golfo Siam. Se reúne com Raoni, chefe dos índios Kayapós da região do Xingú no Brasil e faz uma pintura intitulada “Plantar sua árvore”!

2001

A série “Botanic Verses” percorre Argentina, Estados Unidos e da Ucrânia. Em seu estúdio parisiense, cria “The Cosmic Babies” que representam a humanização e a iluminação do mundo.

2002

Encontra-se várias vezes com seu amigo, o escritor Gerard Barriere, e eles discutem como o mundo pode ser repensado através dos espíritos antigos. Como você se tornar um naturalista com o “vegetalistos”? Ele pinta em Nova York e estuda no American Museu of Natural History. Parte para o Caribe.

2003

Transfere seu estúdio para Saline, na ilha St Barthelemy, onde os Tainos costumavam encontrar abrigo. Dedica seus estudos principalmente ao naturalismo. “Beyond Botanica” é exibida na Califórnia e Colorado.

2004

Viaja para a República Dominicana, onde estuda a arte do Taino e as orquídeas do jardim botânico de Santo Domingo. Ele é convidado em tributo para o “Art Basel Miami” para expor a série “Dangerous Beauty”.

2005

Mora e pinta em Ibiza. Começa as séries “Global Warming” e “Subs”. Ibiza torna-se o laboratório perfeito para a série “Chasing the Dragon” sobre o uso de substâncias psicotrópicas.

2006

Exibe “The Interior Geographies” em Bruxelas, Bélgica. Seus pensamentos sobre o armamento do mundo o influenciam a pintar “Toys are us”. De sua paixão pela música Electro e como um tributo as “K&D Sessions”, suas “Going under Machines” aparecem em suas pinturas.

2007

Mora em Berlim, na Alemanha, onde estuda a vida de Alexander von Humboldt (1769-1859), que descobriu o Delta do Orinoco, na Venezuela. Segue os passos do naturalista na cidade, pinta detalhes arquitetônicos do “Berliner Dom” e começa a série “Mappings”.

2008

De volta a Nova Iorque amplia as séries “Mapping” para “Terrae Incognitae” dos alquimistas. Usa a cartografia das ilhas St. Barthélemy e Montserrat. Persegue dragões em Chinatown e os aprisiona em suas telas.

2009 Outros fundos aparecem como a arma pintada sobre a maca de exército da II Guerra Mundial dos Estados Unidos para a série “Toys are us” e as papoulas bordadas do século XVIII com intrigantes “estruturas moleculares” de mescalina e serotonina. A obra “Esthetical Imports” é exibida em East Hampton e Nova York.

Nascimento de seu filho Arthur.

2010

Morte de seu amigo, escritor e filósofo, Gerard Barriere. Conhece os índios Kogis ao longo do Rio Palomino, no território de Tayrona, perto da costa colombiana do atlântico. Conclui o seu livro lisérgico de notas em Cartagena de las Indias onde ele também desenvolve o conceito de Arawak, composta por uma série de intervenções em crânios de cabra e objetos xamânicos.

2011

“Goat”, “Snake on Bird” e mobiles de filtros de sonhos são criados em seu estúdio de St. Barthelemy.

A instalação “Arawak” é finalizada com a série de retratos sobre tela feitos com grafite em pigmentos.

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Biografia

1960

Nacido en Metz, Francia.

1979

Fundador de un grupo de Pintura de Acción en el Centro Cultural de Presles, Francia.

1980

Se marcha camino a Israel y el Mar Rojo. Decide pintar el refugio nuclear en la ciudad de Urim. Posteriormente, la exhibición “Life and Death” se expone en el Centro Cultural.

En Galle, Sri Lanka, estudia la variación de los colores en la Gemología causada por acciones térmicas y espectroscópicas.

1981 - 1982

Se propone centrar su estudio en el primitivismo, los signos y los símbolos antiguos. Decide viajar con su barco llamado “Shiva-Shakti” que a su vez se convierte en su estudio móvil.

Emprende su viaje desde Francia. Su compás apunta en dirección a Cabo Finisterre, conocido como el fin del mundo, en Galicia, España, tierra de grandes hombres que venían del mar. Estudia la influencia de los celtas a lo largo de la costa del Río de Padrón. Más adelante, en las Islas Canarias descubre el arte de los guanches, descendientes de Atlantis. Viaja a lo largo de la costa de Senegal, Gambia, Guinea y Sierra Leona. Trabaja mano a mano con artistas locales de pueblos, montes, bosques y islas remotas en donde el animismo y el fetichismo aún no han desaparecido. Expone sus lienzos “Icones Animistes” en Freetown, Sierra Leona.

1983

1984 - 1985

Cruza el Atlántico navegando. En Bahía, Brasil, descubre el uso del látex y los pigmentos naturales. Estudia la influencia del fetichismo africano en Bahía. Su trabajo se expone en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro. Pasa el resto del año en la selva Amazónica.

1986 - 1987

Después de visitar los atolones de coral de Venezuela y las Bahamas, acaba en la Florida donde se prepara para viajar a la civilización Maya de Belize, Guatemala y la península mexicana de Yucatán. Parte con su barco.

1988 - 1989

Cuando regresa a Brasil, establece su estudio en una antigua casa de pescador en Paracuru. Trabaja en los estados de la Amazonia y Ceará y posteriormente exhibe sus obras en ambos lugares. El concepto de sus “Pictorial Compressions” se basa en los cuatro elementos: agua, fuego, tierra y aire.

De vuelta a Europa, exhibe sus lienzos brasileños en “La Defense”, París. Establece su estudio en Bagni di Lucca, Toscana, Italia.

Estudia el arte etrusco.

1990

1991

En Estocolmo, Suecia, estudia los grafitis arqueológicos y las piedras rúnicas de los vikingos. Expone sus obras en el Scandinavian Art Forum.

Nacimiento de su hijo Charles.

1992

Estudia la civilización sumeria y expone sus lienzos sumerios en Suecia, Francia e Italia. Se dedica a explorar el desierto en el sur de Túnez.

1993

En la costa sud de Turquía, a bordo del velero “Sea Prince”, visita la tierra de los licios, en el oeste del golfo de Antalya. Dedica sus exposiciones a los criptogramas y a la mitología de antiguas civilizaciones. Pinta en la costa catalana de España.

1994

Viaja a las puertas del Reino de Saba, a Yemen y al mar Rojo. Se centra en la idea del “Spiritus Universalis” para su exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, Venezuela.

Nacimiento de su hija Emma.

Prepara una exhibición basada en los signos para el Museo de Prehistoria de Bougon, Francia. El Instituto Francés de Barcelona, España, acoge su exhibición “Spiritus Mundi”.

1995

Establece su nuevo estudio en Santa Fe, Caracas, Venezuela. Vuelve a México y a los Estados Unidos. Descubre nuevos pigmentos en Margarita, Venezuela. Pasa tiempo en una fundación dedicada a la protección de las tortugas marinas en el archipiélago de Los Roques.

1996

Viajando hacia la costa y el centro de Venezuela prepara una serie de pinturas denominadas “Transmutation”.

Posteriormente las obras se exponen en Los Ángeles y Miami, Estados Unidos.

131

1997

Después de exponer su concepto “Time Track” en Buenos Aires, Argentina, decide viajar a través de la selva Amazónica desde Canaima, Venezuela, donde están situadas las mesas, Los Tepuyes, hasta el Delta del Orinoco.

Abre dos estudios sucesivamente; uno en Miami y el otro en San Bartolomé, en las Antillas francesas.

1998

Viaja a India y Nepal en busca de nuevos tejidos para crear sus “tankas“ y posteriormente, los pinta en su estudio en Miami. El concepto “Indi” es un estudio de visiones interiores, transmutación espiritual, curaciones chamánicas y plantas alucinógenas representadas en grandes lienzos. Es nombrado miembro honorario del Consejo Nacional para la Educación Artística de Francia.

1999

Después de estudiar las piedras hongo de los mayas en Guatemala, reside con chamanes peruanos en la Amazonía. Junto a ellos, expande su conocimiento acerca de las plantas de los dioses y sus visiones.

2000

Expone en Osaka, Japón, y explora el uso de los “Kyonoren”, cortinas de tela que se cuelgan en las entradas de los templos japoneses para dar la bienvenida. La simetría de los noren se verá reflejada en sus “tankas”. Estudia las orquídeas salvajes en el norte de Tailandia y las islas del golfo de Siam. Conoce a Raoni, jefe de los indios Kayapó en la región del río Xingú en Brasil y realiza una pintura llamada “Plant your tree!”.

2001

La serie “Botanic verses” viaja a través de Argentina, los Estados Unidos y Ucrania. En su estudio de París crea “The Cosmic Babies” representando la humanización y la iluminación del mundo.

2002

A menudo se ve con su amigo el escritor Gerard Barriere y reflexionan sobre cómo se puede replantear el mundo a partir de los espíritus ancestrales. ¿Cómo te conviertes en naturalista con los vegetalistos? Pinta en Nueva York y estudia en el Museo Americano de Historia Natural. Parte hacia el Caribe.

2003

Establece su estudio en Saline, en la isla de San Bartolomé, lugar en el que los taínos encontraban refugio.

Principalmente centra sus estudios en el naturalismo. “Beyond Botanica” se expone en California y Colorado.

2004

Viaja a la República Dominicana donde estudia el arte de los taínos y las orquídeas del jardín botánico de Santo Domingo. Es invitado al “Miami Art Basel” para exponer su serie “Dangerous Beauties”.

2005

Se establece y pinta en Ibiza. Empieza la serie “Global Warming” y “Subs”. Ibiza se convierte en el laboratorio ideal para la serie “Chasing the Dragon” sobre el uso de sustancias psicotrópicas.

2006

La serie “The interior Geographies” se expone en Bruselas, Bélgica. Sus reflexiones sobre las armas en el mundo influyen en la creación de “Toys are us”. Desde su pasión por la música electro y como homenaje a las sesiones K&D, sus “Going-under Machines” aparecen en sus lienzos.

2007

Pasa tiempo en Berlín, Alemania, y estudia la vida de Alexander von Humboldt (1769-1859) descubridor del delta de Orinoco, Venezuela. Sigue los pensamientos del naturalista en la ciudad, dibuja detalles arquitectónicos de la “Berliner Dom” y empieza la creación de su serie “Mapping”.

2008

De vuelta a Nueva York expande su serie “Mapping” a “Terrae Incognita” de los alquimistas. Utiliza las cartografías de San Bartolomé y de las islas Montserrat. Caza dragones en Chinatown y los plasma en sus lienzos.

2009

Aparecen nuevos fondos como la camilla del ejército estadounidense en la Segunda Guerra Mundial con una arma pintada en la serie “Toys are us” y los bordados del siglo XVIII cubiertos de “estructuras moleculares” de mescalina y serotonina. “Esthetical Import” se expone en East Hampton y Nueva York. Nacimiento de su hijo Arthur.

2010

Fallecimiento de su amigo, escritor y filósofo, Gerard Barriere. Conoce a los indios Kogui a lo largo del río Palomino, en territorio Tayronas, cerca de la costa Atlántica de Colombia. Completa su cuaderno lisérgico en Cartagena de las Indias en donde también dibuja el concepto “Arawak”, compuesto por una serie de intervenciones en cráneos de cabra y objetos chamánicos.

2011

Crea los móviles “Goat”, “Snake on Bird” y “Dreamcatcher” en su estudio de San Bartolomé. Finaliza la instalación “Arawak” con una serie de retratos en tela elaborados con grafito sobre pigmentos.

132

Doogy Box, 2010 11 x 11 x 4 cm / 4.3 x 4.2 x 1.5 inches, Bone in Box

Solo Exhibitions

2012

MuBE, Brazilian Museum of Sculpture, Sao Paulo, Brazil.

Space SBH, St. Barthelemy, F.W.I.

2011

HLAA Gallery, New York, USA. Space SBH, St. Barthelemy. F.W.I. Inland Project, St. Barthelemy, F.W.I.

2010

HLAA Gallery, New York, USA. Inland Project, St. Barthelemy. F.W.I. Valentine de Badereau Gallery, St. Barthelemy, F.W.I.

2009

HLAA Gallery, New York, USA. To b.Art Gallery, St. Barthelemy, F.W.I.

2008

Bailly Gallery, Paris, France.

To b.Art Gallery, St. Barthelemy, F.W.I.

2007 To b.Art Gallery, St. Barthelemy, F.W.I. G. Brachot Gallery, Brussels, Belgium.

2006 To b.Art Gallery, St. Barthelemy, F.W.I. G. Brachot Gallery, Brussels, Belgium.

Hamiltons Gallery, London, UK.

Rambert Gallery, Paris, France.

2005 To b.Art Gallery, St. Barthelemy, F.W.I. G. Brachot Gallery, Brussels, Belgium.

Hamiltons Gallery, London, UK.

2004

Holly Hunt, Miami Art Basel, Miami, USA. To b.Art Gallery, St. Barthelemy, F.W.I.

2003

Scott White Gallery, La Jolla, California, USA. Scott White Gallery, Telluride, Colorado, USA. To b.Art Gallery, St. Barthelemy, F.W.I.

2002

Commenoz Gallery, Key Biscayne, Miami, USA. Contempora Gallery, Buenos Aires, Argentina.

Espace Nesle Gallery, Paris, France.

2001

Deko Gallery, Kiev, Ukraine.

Commenoz Gallery, Key Biscayne, Miami, USA. Contempora Gallery, Buenos Aires, Argentina.

2000

Tamenaga Gallery, Osaka, Japan.

Commenoz Gallery, Key Biscayne, Miami, USA. Beadleston Gallery, New York, USA. Sephora Gallery, Rockefeller Center, New York, USA.

134

1999

Miami Art Fair, Commenoz Gallery, USA. Coprim Foundation, Paris, France.

Tamenaga Gallery, Osaka, Japan.

Beck & Eggeling Gallery, St.Tropez, France.

1998

Espace 21 Gallery, St. Barthelemy, F.W.I. Commenoz Gallery, Key Biscayne, Miami, USA. Coprim Foundation, Paris, France.

1997 Gérald Piltzer Gallery, Paris, France.

Der Brücke Gallery, Buenos Aires, Argentina.

Tamenaga Gallery, Osaka, Japan.

Espace 21 Gallery, St. Barthelemy, F.W.I.

1996 Guest of honor of the Municipal Art School of Le Raincy, France.

Meza Fine Arts Gallery, Miami, USA.

University of Human Sciences Blaise Pascal, Clermont-Ferrand, France.

Chac Mool Gallery, Los Angeles, USA.

1995

Thorigny Gallery, Paris, France.

Altamira Gallery, Caracas, Venezuela.

Contemporary Art Fair of Caracas, Altamira Gallery, Caracas, Venezuela.

1994

The Museum of the “Tumulus de Bougon”, France.

Museum of Contemporary Art Sofia Imber, Caracas, Venezuela.

Cultural Center of Maracaibo, Venezuela.

The French Cultural Institute of Barcelona, Spain.

Diagonale Art Gallery, Barcelona, Spain.

1993

Cultural Center Paul Ricard, Paris, France.

Arttrait Gallery, L’Isle Adam, France.

1992 Institute of the French Embassy, Stockholm, Sweden.

Gummesons Gallery, Stockholm, Sweden.

Point Rouge Gallery, Paris, France.

Feretti Gallery, Viareggio, Italy.

1991

Cailleux Gallery, Saint-Ouen, France.

Cie Moderne et Contemporaine Gallery, Paris, France.

Scandinavian Art Forum, Stockholm, Sweden.

1990

Cnit, La Défense, Paris, France.

1989

Studio Sabino Pio, Paracuru, Brazil.

1988

Brito Gallery, Manaus, Brazil.

1984

Mamiyoko Gallery, Freetown, Sierra Leone.

The Korean Embassy, Freetown, Sierra Leone.

Cultural Center of Urim, Israel.

1980

135

Lethal Weapon, 2007 195 x 150 cm / 77 x 59 inches Pigments / Canvas

Group Exhibitions

2011

212Gallery, Aspen, USA.

2010

Scope Art Fair, BAO Art Foundation, Miami, USA. Valentine de Badereau Gallery, St. Barthelemy, F.W.I.

2008

To b.Art Gallery, St. Barthelemy, F.W.I.

2007

Espace Brachot, Brussels, Belgium.

To b.Art Gallery, St. Barthelemy, F.W.I.

2006

Commenoz Gallery, Key Biscayne, Miami, USA. Espace Brachot, Brussels, Belgium.

Hamiltons Gallery, London, UK.

2005

Commenoz Gallery, Key Biscayne, Miami, USA. Hamiltons Gallery, London, UK. To b. Art Gallery, St. Barthelemy, F.W.I.

2004

To b. Art Gallery, St. Barthelemy, F.W.I.

2003

Scott White Gallery, La Jolla, Colorado, USA.

2001

Contempora Gallery, Buenos Aires, Argentina.

2000

Europe Gallery, Paris, France.

1999 Kouros Gallery, New York, USA.

1998

Commenoz Gallery, Key Biscayne, Miami, USA.

1997

“New Acquisitions”, Museum of Contemporary Art, Sofia Imber, Caracas, Venezuela.

Iberoamerican Art Fair, Der Brücke Gallery, Caracas, Venezuela.

“Mémoire d’Outre Paysage”, Coprim Foundation, Paris, France.

1996

1995

“La Femme du temps jamais” Coprim Foundation, Paris, France.

“L’Eveil artistique” travelling exhibition, Paris - Le Mans - Saumur, France.

Ministry of Culture, Coprim Foundation, Lefranc et Bourgeois, La Source Foundation.

Cultural Center El Hatillo, Caracas, Venezuela.

1994

“Autoportraits” Coprim Foundation, Paris, France.

Iberoamerican Art Fair, D’Museo Gallery, Caracas, Venezuela.

1993

Cultural Center Nord-Sud, Clermont-Ferrand, France.

Contemporary Art Fair, Saint-Mandé, France.

1992

Abbey of Notre-Dame-du-Val, Mériel, France.

“Memory of a Season”, Point Rouge Gallery, Paris, France.

Gallery AA, Paris, France.

1991

Art Jonction International, Nice, France.

1990

Real Media Art Fair, Marly-le-Roi, France.

1985

Museum of Modern Art, Rio de Janeiro, Brazil.

137

Selected Bibliography Books and Catalogues Cecira Armitano, Terrae Incognitae, Dominique Rousserie, MuBE Editions, São Paulo, Brazil, 2012.

Thomas Schlesser, Anatomie de l’ivresse, Dominique Rousserie, Prenant Editions, Paris, France, 2006.

Eve Thérond, The Aesthete, Dominique Rousserie, Pure Magazine, St. Barthelemy, F.W.I., 2004.

Gérard Barrière, Rousserie, peintre alchimiste, La Revue Culturelle (nature et découvertes), Paris, France, 2003.

Forum, Frères de la Côte, Dominique Rousserie, Area Revue, Paris, France, 2002.

Rousserie, Botanic verses, Introduction by Gérard Barrière, Prenant Editions, Paris, France, 2001.

Artfolio, Dominique Rousserie, New York Contemporary Art Report, USA, 2000.

Valérie Biener, Primitive Urges, Channel Magazine, USA, 1999.

Rousserie, … and this legend is a secret, Introduction by Gérard Barrière, Prenant Editions, Paris, France, 1998.

Monica Garcia, Rousserie and Alquimia, Deco News Editions, Caracas, Venezuela, 1997.

Diana Lowenstein, Time Track, Der Brücke Editions, Buenos Aires, Argentina, 1997.

Rousserie, Le monde est une légende, Introduction by Gérard Barrière, Prenant Editions, Paris, France, 1996.

Christian Eclimont, Dominique Rousserie, Alquimia, Altamira Gallery, Caracas, Venezuela, 1995.

Emmanuel Daydé, Rousserie l’Alchimiste, Muséart, Paris, France, 1995.

Rousserie, Territoires Légendaires. Introduction by Fabien Ferrer-Joly, The Museum of the Tumulus de Bougon, France, 1994.

Christian Eclimont, Rousserie or Royal Art, La Galiote Editions, Thorigny Gallery, Paris, France, 1994.

Philippe Thomeret and Dominique Laude, Moment privilégié. Arttrait Gallery, l’Isle Adam, France, 1993.

Christian Eclimont, Rousserie, Point Rouge Gallery, Paris, France, 1993.

Christian Eclimont, Rousserie, Le présent-reflet, Studium Editions, Paris, France, 1992.

Monique Plisnier, Rousserie, The man and his painting, Cie Moderne et Contemporaine Gallery, Paris, France, 1991.

138

95

Museu Brasileiro da Escultura Av. Europa, 218 - S達o Paulo - Brasil 11 2594-2601 - mube@mube.art.br

Photography: Mo Hoffmann Studio Antoine Verglas / Eric Johanson Jean-Philippe Piter

Translations: Marina Bernal Gustavo Braga Sarah Elisabeth Sague Corson Natalie Clifford

Coordination: Anna Hansson

Layout: Studio Consigliere / Mo Hoffmann

Paper: Satimat by Antalis, 170g/m2 and 350 g/m2

Printer: La Galiote-Prenant, Paris