esencia y espacio
Documento de investigación de Proyecto de Grado para la obtención del título como Diseñadora Juanita Camacho Castilla Dirigido por: Carolina Obregón Universidad de los Andes 2019-2
e
esencia y espaci
io.
// DIC. 2019
FOTO
contenido. 05.
05. Brief 07. Introducciรณn
13.
Investigaciรณn 15. 23. 33. 43. 55.
Contexto. Le Corbusier. Mies Van der Rohe. Louis Kahn. Philip Jhonson.
67.
Interpretación 69. 71. 77.
Sentimientos. Conceptos. Propuesta.
Desarrollo 81. 87. 99. 111. 123.
78.
Referentes. Piezas Instituto Salk. Piezas Edificio Seagram. Piezas Casa de cristal. Photoshoot Colección.
05.
brief.
Diseño de una serie de piezas de joyería inspirada en las emociones que existen detrás de tres obras del Movimiento Moderno de la arquitectura. Este proyecto pretende apoyar físicamente a las personas a entender el significado de un edificio desde la reflexión.
06.
introducción. El origen de este proyecto nace del interés de unir la arquitectura y la joyería, las cuales existen y son creadas a partir de un eje común, la medida del hombre. En el antiguo Egipto, se tomó el cuerpo humano como base para las unidades de longitud como el codo, el dedo, la mano y el pie. A partir de estas medidas surgieron medidas como la milla que tuvo su origen en Roma y consistía en 1.000 pasos. Por otra parte, Leonardo Da Vinci, alrededor del año 1490, realizó el famoso dibujo del cuerpo humano llamado Hombre de Vitruvio o Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano, dentro del cual se estudiaron las proporciones del cuerpo humano a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, un arquitecto de la antigua Roma.
Da Vinci corrigió algunas de estas proporciones y añadió otras. A pesar de que en el año 1975 se estableció en Francia el Sistema Métrico Decimal y fue adoptado por la mayoría de países del mundo, las medidas del hombre se siguen teniendo en cuenta en gran parte dentro de la arquitectura y del diseño 07.
industrial gracias a una ciencia que se llama “ergonomía” la cual estudia la forma en que nos relacionamos con los objetos. (Neufert: Las más recientes noticias y obras de arquitectura, 2019) refiere que dos de los precursores de esta forma de percibir el mundo son el arquitecto Ernst Neufert y el
diseñador industrial Henry Dreyfuss, quienes escribieron el libro Architect’s Data en 1936. Las medidas del ser humano son el punto de partida de Neufert para su libro Arte de Proyectar en Arquitectura en 1936, en donde recopila una serie de dibujos y textos que dan un ejemplo de diseño con base a lo justo. El
arquitecto habla del rango de dimensiones funcionales en relación a sus usuarios: (El proyectista) tiene que saber de que medida son los objetos de los que se rodea el hombre (...), ha de saber cuánto sitio necesita el hombre, entre los muebles, para desarrollar
sus
tareas
con
comodidad,
pero
sin
desperdiciar inútilmente el espacio. (Neufert, 1936)
08.
En este sentido, se evidencia la importancia de la medida del hombre en los dos artes. La arquitectura procura satisfacer las necesidades habitables del hombre desde la composición de sus espacios, su materialidad, su estructura y demás, siempre teniendo en cuenta las alturas y áreas adecuadas para que el cuerpo del hombre se pueda mover por el espacio cómodamente. Por su parte, la joyería es un oficio cuidadoso con la adaptación que debe tener en el hombre ya que se define como un ornamento específicamente para el cuerpo. Sin importar si la joya tiene uso o es un ornamento, la joya debe tener la medida exacta para asegurar su comodidad, debe mantener una posición específica, tener un peso indicado según su ubicación y demás, para permitirle al hombre realizar los movimientos que requiera.
09.
Para este proyecto se toman como referencia tres arquitectos del Movimiento Moderno de los cuales se elige una obra de cada uno que demuestre su visión personal de la modernidad y en la cual sea evidente el dominio del material. Cada una de estas obras tiene una tipología y material protagonista diferente de las otras. Primero Louis Kahn con el Instituto Salk, demuestra el protagonismo que tuvo el hormigón armado en su vida y el dominio del arquitecto sobre el material para lograr esta obra escultórica. Luego Mies van der Rohe con el edificio Seagram en el cual se percibe el uso del acero como
principal dentro de la obra y el cual lo vuelve un edificio icónico para la arquitectura. Por último Philip Johnson con su Casa de Cristal en donde el arquitecto demuestra sus capacidades en el uso del vidrio y su protagonismo extremo dentro de la obra.
Tienen gran valor en las personas que la utilizan ya que es un objeto que se relaciona directamente a los gustos individuales de quien la utilice. Además, su elección no es al azar, se toma una decisión personal al momento de elegirlas. Por otra parte, la arquitectura le da al hombre el espacio que
Es relevante, también, definir el significado y la importancia de la joyería y la arquitectura para el ser humano. Las joyas tienen un significado de pertenencia para las personas ya que se consideran objetos de uso
necesita para poder vivir a gusto, por esto, tiene un significado de protección y comodidad. (69 Definiciones de Arquitectura, 2017) muestra la definición de la arquitectura según Dion Neutra sobre su importancia para
prolongado que, en el caso de joyas creadas con metales preciosos, pueden durar toda la vida. Estas piezas cargan consigo recuerdos y experiencias, y se usan para momentos especiales de la vida o de forma diaria.
el hombre: “La arquitectura es algo más que hacer una declaración desde la calle, es crear un ambiente para vivir” .
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Sin embargo, según Rybczynski en su libro How Architecture Works (2013) el hombre no se detiene a apreciar la arquitectura como un arte y su visión de los edificios es vacía. define: "La arquitectura es un arte, pero raramente concentramos nuestra atención en los edificios como lo hacemos en las obras de teatro, libros y pinturas" (p.3). La relación entre la edificación y el hombre es principalmente espacial, por lo que su conexión desaparece una vez se abandona el edificio, además las fachadas no siempre tienen relación con el espacio interior y son lo que genera más recordación en las personas. En cambio, las joyas tienen una cercanía particular con el hombre ya que su relación es física. Estas, a través las características del material y de la forma de la pieza, logran transmitir sensaciones diferentes en el hombre y al mismo tiempo crean una conexión única. Entendido así, el objetivo del proyecto es generar en el hombre un
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entendimiento reflexivo sobre la composición de la arquitectura a través de la joyería. Se elige la joyería ya que esta tiene las características, flexibilidad de creación y ubicación sobre el cuerpo que permite, a través de sus materiales, representar los sentimientos que evocan los edificios así como lograr una conexión con la persona que la usa. Para esto se tomará como referente la arquitectura del Movimiento Moderno. Se toma este movimiento ya que se caracteriza por su simplicidad y eliminación de ornamentos superficiales que no tienen otro propósito más que embellecer un edificio. Esto ayudará a enfocar la mirada del hombre hacia lo que realmente importa en una edificación: el pensamiento, ideas, inspiración y propósitos pensados para el edificio, y los sentimientos que evocan en las personas que lo habitan. A partir de los conceptos inspirados en los edificios se hacen un máximo de tres piezas de joyería por obra.
Las obras que se utilizan para presentar cada una de las edificaciones que se estudian en este proyecto son: Kahn: Louis I. Kahn: En el reino de la arquitectura, libro de David Gilson De Long y Grant Mudford (1998), el cual analiza el Instituto Salk desde sus inicios, siguiendo la trayectoria de su diseño y realización, actores que influyeron en su creación y comentarios del arquitecto. Para la presentación y análisis del edificio Seagram se hace uso del libro Building Seagram de Phyllis Lambert (2013), el cual cuenta la historia de la creación del edificio y aporta la importancia de éste en su época y hasta la actualidad. Philip Johnson de Johnson, Noble y Futagawa (1972) aporta las ideas que existieron detrás de la creación de la Casa de Cristal, así como pensamientos, ideas, problemas y soluciones del arquitecto junto con demás personas que hicieron posible esta obra. Además, se estudian los
Vista desde el interior de la Casa de Cristal.
aportes de Le Corbusier en el libro Le Corbusier 1910-65 de Boesiger, W., Girsberger, H., & Cirlot, J. E. (1988), los cuales influyeron en el pensamiento de muchos arquitectos que pertenecieron al Movimiento Moderno. Para entender el pensamiento del Movimiento Moderno de la arquitectura, se repasan los eventos anteriores que permitieron su nacimiento.
12.
contexto. Primera Revolución Industrial
1840
1850
1860
Primera Guerra Mundial
1870
1880
1890
1900
1910
1914
1918
Segunda Revolución Industrial
Siglo XIX Figura 1. Línea del tiempo del contexto del Movimiento Moderno de la arquitectura.
Siglo XX
1919
LĂ?NEA DEL TIEMPO
Movimiento Moderno
Bauhaus
1920
1925
Art Deco
1933
1939
1945
Segunda Guerra Mundial
16.
1965
La Segunda Revolución Industrial se dio entre los años 1850 y 1870. Durante este periodo sucedieron muchos cambios sociales y económicos debido al aceleramiento del proceso industrial. Esta revolución se expande a otros países y lleva avances tanto tecnológicos como científicos, así surgen potencias mundiales como Alemania y Estados Unidos. Debido a la nueva forma de producción llamada producción sistemática o en serie, aumenta el desempleo y la competitividad. Todos estos factores ayudaron a la industria de la construcción y lanzaron a la arquitectura a una nueva forma de construir de múltiples posibilidades. El descubrimiento de la electricidad en 1879 mejora la calidad de vida en todo el mundo. Se mejoró la comunicación entre las personas
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de todo el mundo gracias al invento del telégrafo y radio, las innovaciones en transporte como el avión y el automóvil. Un descubrimiento que cambió la forma en la que se desarrollaba la arquitectura fue el descubrimiento de nuevos materiales como el acero, que empezó a sustituir al hierro, el zinc, el aluminio, el níquel, el cobre, los explosivos y el cemento portland. En 1854 se dio la invención del hormigón armado y en 1856 se creó el procedimiento Bessemer para la elaboración del acero. Estas dos, tuvieron gran importancia en el mundo de la arquitectura. (La Segunda Revolución Industrial, 2017).
1. El edificio Bauhaus, diseñado en 1925 por Walter Gropius en Dessau, fue la segunda sede de la escuela.
En 1914 y hasta 1918 se dio la Primera Guerra Mundial, lo que implicó la aparición del régimen comunista ruso y aún más avances tecnológicos. La Bauhaus fue una escuela que se fundó en 1919 y se vio influenciada por los nuevos avances, así como afectada por la situación social y económica que se desencadenó después de la Primera Guerra Mundial. 18.
El arquitecto Walter Gropius fundó la Escuela Bauhaus en Weimar, Alemania, la cual ayudó a promover una arquitectura y diseños funcionales para bajar costos y ayudar a las personas que habían sido afectadas por la guerra. La Bauhaus fue mucho más que un estilo arquitectónico, representó una nueva forma de pensar. En la escuela los estudiantes aprendían a ver el mundo en una forma completamente nueva, Walter Gropius deseaba crear una nueva clase de artistas que se pudieran involucrar en todas las disciplinas. El secreto para que los estudiantes aprendieran fue cambiar los salones por talleres, y así ellos aprendían haciendo. Gracias a todo esto, La Bauhaus produjo gran diversidad de artefactos y todos los diseños se caracterizaban por ser funcionales, elegantes, simples y su simplicidad los hacía bellos. Estos diseños simplificados fueron revolucionarios ya que en esa época primaba la ornamentación. Así, se formó un movimiento de artistas con plena conciencia social e intelectual, jóvenes que no cayeron en lo típico. (Ackermann, U., & Fiedler, J., 2006).
2. Edificio de la Bauhaus en Dessau / Walter Gropius.
19.
Durante muchos años la Escuela se trasladó a diferentes ciudades debido a la presión del partido nazi y el desacuerdo con sus pensamientos. La escuela estuvo en Dessau en 1925, se traslada a Berlín en 1932 y cierra definitivamente en 1933 cuando Hitler llega al poder. En este momento, muchos arquitectos de la Bauhaus llegan a Estados Unidos para expandir el conocimiento.
20.
De acuerdo con los autores (Norberg-Schulz, C., Isasi, J., & Sainz, J., 2009), el Movimiento Moderno de la arquitectura surgió a principios del siglo XX. Entre los años 1925 y 1965 se le llamó Racionalismo o Estilo Internacional, y fue la principal tendencia arquitectónica de la época. Su arquitectura estaba fundamentada en la razón, las líneas sencillas y funcionales, se basaba en formas
Después, entre los años 1950 y 1970 surgió el Brutalismo, un estilo emergente del Movimiento Moderno. Su idea principal era mostrar los materiales en bruto. Fueron los arquitectos británicos Alison y Peter Smith quienes usaron el término “brutalismo” en 1953, del francés “béton brut” o “concreto duro”, una frase usada por Le Corbusier para describir el concreto vertido con
geométricas simples y materiales de orden industrial como el acero, el hormigón y el vidrio. Este estilo renuncia a la ornamentación excesiva y le da una gran importancia al diseño. Se buscaba lograr una superficie lisa y sin costuras, de materiales como el metal o el cristal, además el cromatismo se centraba en el color natural del material.
tablas que construyó muchos de sus proyectos después de la Segunda Guerra Mundial. Los edificios brutalistas están formados normalmente por geometrías angulares repetitivas, y a menudo permanecen las texturas de los moldes de madera que se emplearon para dar forma al material, que normalmente es hormigón.
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movimiento moderno. Este movimiento pretende expresar sus materiales como son, con las características que los hacen específicos. Una de sus características es que muestra, desde el exterior, las instalaciones auxiliares como tuberías de agua y ductos de ventilación (10 Obras Iconos De La Arquitectura Brutalista En Latinoamérica, 2017).
A continuación se presenta uno de los arquitectos más destacados del siglo XX y sus aportes al Movimiento Moderno, Le Corbusier.
22.
le corbusier. Villa Saboya
1887
1919
1925
Bauhaus
Siglo XIX Figura 2. LĂnea del tiempo de la vida de Le Corbusier
Siglo XX
1929
Ministerio de EducaciĂłn nacional y de Salud pĂşblica
Tribunales de Justicia Muerte
1933
1936
1945
1953
1956
Movimiento Moderno
24.
1965
Charles-Edouard Jeanneret, más conocido como Le Corbusier, nació el 6 de octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds y murió el 27 de agosto de 1953 en el Mediterráneo. Fue un arquitecto de gran importancia ya que, según Boesiger y Girsberger (1988) en su libro Le Corbusier 1910-65: “En 1922 comenzó una lucha por una arquitectura que habría de ser la expresión de nuestro tiempo y no un plagio de las culturas pasadas.”(p.14). Presentó en su “Plan para una ciudad contemporánea de 3 millones de habitantes” sus estudios de arquitectura y urbanismo, en la cual integró todos los elementos del urbanismo moderno como la separación del hábitat y de la circulación, de los lugares de trabajo; la construcción de casas en medio del césped y de barrios residenciales que rodean la villa como una ciudad jardín; edificios torre que sirven de locales y
administrativos, comerciales u de hoteles. El autor del libro expone un pensamiento de Le Corbusier con respecto a la nueva organización del urbanismo: “El primer deber de nuestra época es alojar a las masas de manera decente y humana.” (p.14). Según él, eso solo es posible con una fabricación de apartamentos estándar y con un urbanismo racional. Desde 1945 hasta 1952 Le Corbusier realiza la “unité d’habitation” para el Ministerio Francés de la Reconstrucción en Marsella. En este proyecto logra realizar de manera convincente su idea de siempre: la célula de vivienda fabricada en serie por procedimientos industriales. Gracias a su éxito, se provocó la construcción de otras unidades con el mismo principio (Boesiger y Girsberger, 1988). Uno de los logros más importantes de Le Corbusier fue la creación de los cinco puntos de una “arquitectura nueva”. Según Boesiger y Girsberger (1988) en Le Corbusier 1910-65 los puntos son:
25.
cinco puntos. Los pies derechos (“pilotis”): Casa que está en el aire apartada del suelo y no con locales oscuros ni humedad. El jardín pasa bajo la casa y también sobre la casa, en la terraza. Los techos-jardín: El hormigón armado permite la realización de una cubierta homogénea y se eliminan las estufas que calientan la casa. En lugar de procurar evacuar rápidamente el agua de lluvia, se quiere mantener una humedad constante en el hormigón de la terraza y con eso una temperatura constante en el hormigón armado. La medida de protección es arena y raíces, las cuales dejan filtrar el agua lentamente. La planta libre: Los pisos ya no se organizan según la ubicación de los muros, hay una gran economía del espacio y un empleo riguroso de cada centímetro. La ventana en anchura (o la pared acristalada): El hormigón armado trae consigo una liberación. Las ventanas pueden abrirse de un lado al otro de la fachada. La fachada libre: Las fachadas ya solo son ligeras membranas de muros aislantes o de ventanas, las ventanas pueden abarcar toda una fachada sin ser interrumpidas.
26.
villa saboya.
Algunas de sus obras destacadas que demuestran un dominio amplio de los materiales que caracterizan al Movimiento Moderno de la arquitectura son:
3. Vista de frente Villa Saboya
Construida en 1929 en Poissy, París. En este se plasman los cinco puntos de la arquitectura de Le Corbusier. La construcción se encuentra ubicada en un amplio terreno de pastos rodeado por un cinturón de árboles y arbustos. La casa no debe tener una fachada principal ya que se sitúa en la cima de una colina. El cuerpo principal de la casa de limita por cuatro muros los cuales tienen una franja a media altura de ventanas y corredores (Glancey, 2003). Esta casa fue influyente en los arquitectos posteriores a Le Corbusier, como Philip Johnson, quienes tomaron como punto de partida sus características en vidrio para crear casas modernas durante el siglo XX. 27.
ministerio de educación y salud.
Construido desde 1936 hasta 1945 en Río de Janeiro, Brasil. Para este, se planeó un terreno situado a la orilla del mar, sin embargo, fue rechazado ese terreno y el edificio fue adaptado a un lugar más estrecho. Para lograr la adaptación se encontraron soluciones como la liberación del sueño a partir del uso de pies derechos y parasoles, superficie acristalada, armazón independiente y terrado-jardín. “Poco a poco e invenciblemente, la técnica de los pies derechos y de los partesoles ha invadido todo el Brasil.” (Glancey, 2003, p. 126). Este edificio sirvió de inspiración para miles de edificios creados durante el siglo XX, Le Corbusier impuso una tipología que al parecer influyó en los diseños del arquitecto Mies van der Rohe. 28.
4. Ministerio de Educación nacional y de Salud pública
tr Los Tribunales de Justicia fueron construidos en 1956 en Chandigarh, India. Según Glancey (2003), Le Corbusier: “Creó una escultura que funcionaba como arquitectura”(p.201). Se tomó como consideración el agua que rodea al edificio y la intención de un refugio para el sol, por esto se construyen los Tribunales de Justicia al borde de un lago artificial. El uso del hormigón en la fachada forma una pantalla contra el sol que mantiene fresco el interior. Esta tipología de edificación monumental fue impuesta por Le Corbusier para crear obras “escultóricas” las cuales aparentemente sirvieron de influencia para Louis Kahn y sus obras en hormigón armado.
29.
a
ribunales de justicia
5. Vista desde el exterior de los Tribunales de Justicia
30.
arquitectos Mies van der Rohe
1886
1887
1901
1906
Le Corbusier
Siglo XIX
Siglo XX
Figura 3. LĂnea del tiempo de la vida de los arquitectos
Para este proyecto se escogieron 3 arquitectos que demostraron, a través de sus obras, un dominio amplio del material, ya sea por su manejo o por su importancia dentro de las construcciones. De cada uno de estos arquitectos se tomó una obra que fuera el paradigma del uso del material en la arquitectura del Movimiento Moderno. Además, se investigan las intenciones y sentimientos que cada arquitecto pretende representar y evocar con sus respectivas obras. Los arquitectos son: Mies van der Rohe, Louis Kahn y Philip Johnson. En ellos se puede ver la influencia que tuvo Le Corbusier para el Movimiento Moderno.
Philip Johnson
1953
1969
1974
Louis Kahn
32.
2005
Ludwig Mies van der Rohe, arquitecto y diseñador industrial alemán, nació el 27 de marzo de 1886 en Reino de Prusia y falleció el 17 de agosto de 1969 en Estados Unidos. Es uno de los representantes del racionalismo arquitectónico, muy influenciado por los nuevos conceptos vanguardistas de ortogonalidad, abstracción y fluidez en el espacio. En 1929, recibió el encargo del Pabellón Nacional de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona el cual se considera el más emblemático de su vida y en el que alcanza la máxima expresión de su estilo (Lambert, P., & Bergdoll, B., 2013).
Pabellón de Alemania
1886
1919
1925
Bauhaus
Siglo XIX
Siglo XX
Figura 4. Línea del tiempo de la vida de Mies van der Rohe
1929
mies van Seagram
1933
Movimiento Moderno
1946
1949 1951
1954
1958
Muerte
1965
1969
der rohe.
Casa Farnsworth
Apartamentos Lake Shore Drive
Entre sus obras más importantes se encuentran la Casa Farnsworth, el Edificio IBM, la Neue National Gallery en Berlín, el Seagram Building en Nueva York, el Parque Lafayette y el Centro Federal de Chicago, entre otras. Tras luchar en el frente de la Primera Guerra Mundial, dirigió la Bauhaus desde 1930 en Berlín hasta su cierre en 1933. “Deja como legado unos nuevos cánones arquitectónicos que expresan el espíritu de la era moderna: “Less is more” (“menos es más”) y “God is in the details” (“Dios está en los detalles”).” (Ludwig Mies van der Rohe Biography, 2019). 34.
En seguida se presentan dos obras conocidas del arquitecto las cuales fueron importantes durante su carrera y demuestran la percepción que tenía de la modernidad.
apartamentos lake shore drive. Chicago, Illinois, Estados Unidos. 1949. Según (Glancey, J., 2003) los bloques gemelos significaron llevar la máxima de Mies van der Rohe “menos es más” hasta el extremo. Estos edificios son conocidos por su absoluta simplicidad, la cual es el resultado de enormes reflexiones y cálculos. Los edificios se conforman de 2 bloques de 26 plantas que se sostienen mediante secciones de vigas en L de acero, de acuerdo con Glancey. Como dice el autor, los edificios “se sitúan mutuamente en ángulo al punto en que parece bailar el vals el uno alrededor del otro”. Estos edificios, como muchas obras de Van der Rohe, tienen una gran influencia en la arquitectura del siglo xx. 6. Vista exterior de los apartamentos de Lake Shore Drive.
35.
casa farnsworth.
7. Casa Farnsworth vista desde atrás.
Plano, Illinois, Estados Unidos, 1951. Esta casa fue un encargo del Dr. Edith Farnsworth para un refugio de fin de semana, en el Illinois rural de 1946. Según el autor, es una de las expresiones más perfectas del sueño del Movimiento Moderno: un pabellón de luz, transparencia, concisión e ingravidez. Se dice que es sencillo y sublime ya que flota libremente pero es “ tan tenso como un arco”, además es “etéreo pero sólido y sustancial”. La casa es solo una habitación dividida por una cocina y un cuarto de baño centrales. (Glancey,J., 2003).
36.
La obra destacada de Mies van der Rohe que se escogió para analizar para este proyecto es el edificio Seagram de Nueva York. Se considera que este edificio representa el dominio del arquitecto sobre el acero por la importancia y protagonismo de este material dentro de la obra. Además, este edificio significó un gran cambio e influencia por parte del Movimiento Moderno. El edificio Seagram es una obra de Mies van der Rohe que se destaca por ser un paradigma en cuando al uso del acero. Fue construido entre 1954 y 1958 en Nueva York, Estados Unidos. Es una sede de 38 pisos revestida de bronce la cual, según Glancey (2003) “Fue, y sigue siendo, uno de los mayores logros del Movimiento Moderno” (p.203). El edificio
Seagram es importante en la arquitectura ya que inspiró muchas más de mil sedes de empresas. De acuerdo con Glancey “El énfasis vertical del edificio es tan enfático como implacable.” y “los promotores de viviendas decían “Mies significa dinero” (p.203). El crítico de arquitectura español José Juan Barba define el edificio:
Es la versión más refinada del rascacielos de cristal moderno, y la mejor muestra es reconocer qué materiales se utilizaron para su construcción. Ubicado en Park Avenue dejando libre una amplia plaza de granito rosa Vermont, bordeada a ambos lados por láminas de agua y plataformas de mármol antiguo verd. La torre en sí es una estructura de acero envuelta en un muro cortina de vidrio de color rosa gris. Las juntas, montantes y vigas I, que se utiliza para modular la superficie de la piel de vidrio, son de bronce. Las paredes y los ascensores están revestidos con mármol travertino. (El Edificio Más Importante Del Milenio: El Seagram, 1998).
edificio
Según Glancey, el resultado del edificio es “prodigioso”, “se eleva sin esfuerzo” y “mira con desdén las concurridas calles y la aún más concurrida arquitectura que contempla.” En los últimos años del siglo XX Herber Muschamp (1947-2007), crítico de arquitectura estadounidense y uno de los más importantes de su época, escribió para The New York Times:
Durante gran parte de los últimos mil años, el
seagram.
péndulo del gusto arquitectónico occidental ha oscilado entre dos polos estéticos: gótico y clásico. Debido a que fusiona elementos de ambas posiciones en un conjunto supremamente elegante, el Seagram Building es mi elección como el edificio más importante del milenio. (18 de Abril de 1999).
8. Edificio Seagram y plaza.
Juan Barba habla del arquitecto y su visión del Movimiento Moderno cuando dice que “Mies una vez definió la arquitectura como la voluntad de una época traducido en espacio. Para su generación, significó la superación de la guerra de los estilos, que tenía una arquitectura fragmentada batallando en diferentes bandos ideológicos”. De acuerdo al análisis de Phyllis Lambert (2013) sobre el edificio en su libro Building Seagram, es la obra más llamativa del arquitecto ya que se concretan sus experiencias en un marco inmenso y a la última perfección. En este edificio adoptó el módulo 7.5m que favorece la organización de oficinas y ventanas. “... ha tenido y tendrá más influencia sobre sus contemporáneos que cualquier otra de sus obras” (p.199).
El análisis de Phyllis explica que la fachada está hecha completamente de vidrio menos por los bordes de los entrepisos que están revestidos con planchas de bronce. En este edificio se aplica por primera vez como terminación el bronce y el vidrio gris rosado. Se elige este color de vidrio ocre rosado que combina con el color castaño del bronce para evitar reflejos y para ocultar los elementos internos. “El aspecto del edificio parece ser de bronce macizo a comparación de los edificios de vidrio vecinos, aunque realmente tienen menos vidrio transparente que el Seagram.” (Lambert, 2003, p.199). 39.
9. Edificio Seagram de frente.
Para la entrada del edificio se ocupa la totalidad de la planta baja. Existe una noción de movimiento dentro del edificio: “el espectador recorre el edificio paso a paso y tiene distintas percepciones visuales…. exalta esta cualidad de la arquitectura mucho más de lo que pueden sospechar los que se acercan al
edificio.”, “La fachada flota por encima.” (Phyllis, 2003, p.203). Algunas de las características de la entrada del edificio son su tamaño y su claridad. De acuerdo con el autor, la entrada es visible y acogedora, no hay negocios ni galerías, tres pasos libres de la entrada. “La entrada está ubicada de manera destacada e inmediata. La plaza, que se considera como un “hall” de entrada, provoca mucha circulación diagonal en oposición a la línea recta regimentada” (p.203). 40.
La plaza que se creó para el Seagram es, de igual forma, de gran importancia para el arquitecto y su ubicación y espacio fueron planeados minuciosamente. La plaza se encuentra ubicada al frente del edificio en la entrada principal y está pavimentada con mosaicos de granito. En la plaza hay una fuente, árboles y bustos de mármol. Se toma la decisión de hacer una plaza al frente para alejar al edificio de la línea sobre el Park Avenue y así también, logra que se destaque la altura del edificio. Según el autor de Building Seagram (2003) “la plaza es una contribución al buen planeamiento urbano y además es un recurso para retirar el bloque del borde de la calle y así poderlo ver debidamente.” (p.199). Whyte afirma que la plaza del Seagram se consideraba “uno de los mejores espacios urbanos en el mundo”. Las personas van a leer, hablar, escribir, hacen picnic, a tomar el sol, a jugar cartas,.... 1972, en un artículo para el New York Times. Algunas características que resaltó son:
41.
1. Seagram es un teatro: Hay una relación con la calle y los sitios alrededor, no se diferencia la vida social de la calle y de la plaza. 2. Toda la periferia se puede usar para sentarse: Escaleras parcialmente elevadas invitan a sentarse. 3. La plaza ofrece una opción: La decisión de sentarse en sutil, las personas sienten los árboles como protección y enclosure 4. Hay una sensación permisiva: El agua da la idea de que puedo meter la mano o el pie y no va a llegar la policía a detenerme.
10. Plaza del Seagram.
De este edificio se puede concluir que predomina el sentimiento de grandeza. Desde abajo se admira y desde arriba se siente. Estar dentro del edificio da un aire de superioridad sobre todo lo que está más abajo, gracias, no solo a su altura, sino a su forma vertical que nos eleva hasta el cielo con facilidad. Sus líneas verticales apoyan esta sensación. 42..
Louis Isadore Kahn, arquitecto estadounidense de origen estonio, nació el 5 de marzo de 1901 en Estonia y falleció el 17 de marzo de 1974 en Estados Unidos. Fue uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX gracias a la poética monumental que desarrolló en sus edificios de ladrillo y hormigón (Leslie, T., & Kahn, L. I., 2005). Sus trabajos reflejan su interés por la luz y los materiales, a través de la simpleza y pulcritud del hormigón visto y el ladrillo acentúa el carácter monolítico de sus edificios. Definió su trabajo como la "construcción reflexiva de espacios", una máxima que queda patente al comparar los interiores de sus edificios con los exteriores, mucho menos dramáticos.
1901
1919
1925
1933
Bauhaus Movimiento Moderno
Siglo XX
Figura 5. Línea del tiempo de la vida de Louis Kahn
louis
kahn.
Instituto Salk Galería de arte de la Universidad de Yale
1951
1953
Academia Phillips Exeter
1964 1965
1967
Muerte
1972
1974
1982
Asamblea Nacional de Dhaka
Entre sus obras más importantes se encuentran la Galería de Arte para la Universidad de Yale, el Instituto Salk en La Jolla, California, el Kimbell Art Museum en Fort Worth, Texas, y el conjunto de la Asamblea Nacional en Dhaka. (Brownlee, D. B., & De, L. D. G., 1998). Estos autores definen la obra de Kahn como “ponderada, distante y misteriosa”, obra que, por encima de todo, son construcciones. 44.
En seguida se presentan dos obras conocidas del arquitecto las cuales fueron importantes durante su carrera y demuestran la percepción que tenía de la modernidad: Dhaka, Bangladesh, 1982. El rasgo principal del edificio es su carácter monumental ya que se conforma de una masa de hormigón alineada con tiras de mármol. La pared exterior se encuentra marcada con figuras geométricas ya que la intención de este edificio era producir una expresión ideal para la nueva democracia utilizando esas formas. El edificio se encuentra situado sobre un enorme lago artificial, de la misma forma que los Tribunales de Justicia de Le Corbusier. Según el autor, es una “masa de hormigón que se ha ido excavando y esculpiendo hasta lograr una perfecta entidad funcional” (Glancey, J., 2003).
asamblea nacional de dhaka.
11. Vista exterior de la Asamblea.
45.
12. Vista de lado de la
Exeter, New Hampshire. 1972. La biblioteca remarcaba que “lejos de ser un mero depósito de libros y revistas, a biblioteca moderna deviene un laboratorio para la investigación y experimentación…” (Biblioteca de la Academia Phillips Exeter, 2011). Este espacio es un refugio sereno para el estudio, lectura y reflexión, es el centro intelectual de la comunidad. Todo esto se da ya que evoca una cueva bajo las sombras, el espacio se define por una serie de formas euclidianas y por la expresividad de sus materiales bañados por luz directa (Brownlee, D. B., & De, L. D. G., 1998). Según los autores, esta biblioteca evoca la emoción de lo elemental y es el espacio que entiende la búsqueda del conocimiento como un proyecto espiritual.
biblioteca de la academia phillips exeter.
13. Interior de la biblioteca.
a Asamblea.
46.
La obra destacada de Louis Kahn que se escogió para analizar para este proyecto es el Instituto Salk para estudios biológicos. Se considera que este edificio representa el dominio del arquitecto sobre el hormigón tanto por la importancia de este material
instituto salk.
14. Vista desde el primer piso hacia el patio
47.
dentro de la obra como por la intervención y transformación de este por parte de Kahn. Además, la construcción parte de un diseño inspirado en las emociones que se quieren transmitir a través de ella, por lo que se analizan cuidadosamente sus detalles.
El Instituto Salk es un edificio que demuestra el dominio del arquitecto sobre el hormigón armado, siendo este el material principal usado en la construcción. El instituto fue diseñado por Louis Kahn y construido entre 1959 y 1965 en La Jolla, California. El edificio fue creado para Jonas Salk, el inventor de la primera vacuna eficaz contra la
básica que transmitían para aprender y por la necesidad concomitante de dar abrigo al aprendizaje en el seno de una comunidad que le servía de apoyo.”(p.136).
polio. Según Brownlee y De Long (1998) en el libro Louis I. Kahn: en el reino de la arquitectura, Salk buscaba una combinación entre la ciencia y las humanidades. Pensaba en un espacio en donde pudiera invitar a Picasso “Se quería la construcción de un centro que permitiera respaldar la investigación científica y fomentar el intercambio de ideas entre científicos…”(p.135). Hacía parte de “Las casas de la inspiración” que, según los autores, eran “lugares que se caracterizaban por la inspiración
autores las obras de Kahn eluden cualquier clasificación tipológica común. “Para Kahn, el primer paso de la planificación consistía en ir despojando los programas del cliente hasta llegar a la esencia de la actividad humana que éstos contenían.”. Para establecer el carácter de un edificio, Louis Kahn se basaba en sus propios sentimientos: “La creación de estas escuelas fue inevitable, puesto que forman parte de los deseos del hombre.”(Brownlee y De Long, 1998, p.137).
Kahn creó una arquitectura especial para estas instituciones basada en el orden natural y en la tradición. Según los
48.
Brownlee y De Long (1998) hablan de las intenciones del arquitecto detrás del diseño de los edificios. Según él, la contemplación tenía una trascendencia pedagógica universal y servía como ejemplo válido para la parte complementaria e independiente del aprendizaje. Además, tanto él como Salk tenían un interés por la creación de comunidades humanas. Los autores analizan los laboratorios del instituto, los cuales se conformaban en cuatro grandes edificios de dos pisos. Tenían vigas de cajón para hacer posible el paso de instalaciones de agua y un sistema de ventilación, a este espacio Kahn lo llamaba espacio servidor. Se organizaron estudios separados de los laboratorios, lo que creó la individualización funcional del espacio, los cuales tenían un ambiente de refugio solitario con vistas a los jardínes, que recreaba un entorno monástico. Como se había mencionado anteriormente, Salk quería unir las dos culturas: personas ajenas al ámbito científico entrarían en contacto con la comunidad científica. Por esto se creó unespacio que Kahn describía como “un lugar religioso ––un lugar que no tenía ningún significado, donde uno se sentía bien en él––” (Brownlee y De Long, 1998, p.141). Para dar la imagen de
integridad que quería Salk para su institución, se organizó la construcción de dos edificios, uno al frente del otro, que compartieran un espacio común. Los laboratorios estaban conectados por puentes y debajo de las torres, una pasarela 49.
En Louis Kahn se entiende el manejo y dominio que tuvo sobre el material, en este caso el hormigón. Kahn se preocupaba por los materiales, tuvo cuidado con los detalles y logró unos acabados excelentes. Sus acabados alcanzaron estándares en la puesta en obra del hormigón que no han sido superados. Con esto, le dio al hormigón la categoría de material elegante, algo que eclipsó la belleza del pavimento de travertino. La manera en que lo logró fue a partir de la revisión en los procesos de coloración, dosificación, compactación y curado del hormigón. Así el hormigón adquiere un inusual acabado superficial con juntas minuciosamente calculadas (Brownlee y De Long, 1998). También proyectó en este instituto una amplia serie de trabajos en madera como las puertas y persianas que fueron construidas en paneles eternos de teca. A través de la modificación de las características de los acabados de los materiales que utilizó creó un nuevo vocabulario para estos: Estos materiales normalmente se conciben como materiales con características opuestas, sin embargo aquí se complementan el uno con el otro. Ninguno de los dos puede pasar desapercibido.
15. Patio del Instituto Salk.
cubierta rodeaba el patio. Kahn quería lograr un aire sencillo de una casa de playa ya que eran unidades a escala doméstica, ubicadas en lo alto del acantilado bañado por el sol, “celdas monásticas con vista al patio” según los autores. 50.
El patio fue el eje central del proyecto, este daba la unión que Salk y Kahn buscaban entre los laboratorios. De acuerdo con Brownlee y De Long (1998) el diseño del patio fue influido por la imaginería monástica y empezó por plantearse como un jardín lleno de árboles y plantas para separarlo del paisaje árido de los alrededores. Sin embargo, después de una visita a la casa de Luis Barragán en la Ciudad de México en 1965, Kahn quedó impresionado con el vocabulario austero de barragán y sus fuertes conexiones con el estilo autóctono. Además visitó y tomó inspiración de la Plaza de las fuentes en CDMX (hoy llamada el Monumento a la Revolución). Así, invitó a Barragán para que lo aconsejara acerca del patio: “Yo no pondría ni un árbol, ni una brizna de césped en este espacio. Esto debería ser una explanada de piedra, no un jardín.”, “Si convertís este espacio en una plaza de piedra ganaréis una fachada, una fachada hacia el cielo.” (Brownlee y De Long, 1998, p.150).
16. Vista del patio de la casa de Luis Barragán en Ciudad de México.
51.
17. Vista del patio de día.
Louis Kahn tomó su consejo y la idea de los jardines mogoles en India y diseñó el patio con un canal central a través del cual el agua corría, bajo el eje del sol, hacia una cascada artificial que daba al mar. Según Brownlee y De Long, la plaza de pavimento duro era
una afirmación general sobre la distancia fundamental que un artista debía establecer entre su obra y la naturaleza. “La arquitectura es lo que la naturaleza no puede crear” - Kahn a una audiencia en Yale, 1963. (Brownlee y De Long, 1998).
52.
18. Vista hacia el patio de día.
19.Vista del Instituto Salk desde arriba.
Según Thomas Leslie (2005), el patio conecta las dos alas de laboratorios, lleva a la circulación libre e inspira el usos y las actividades en la plaza. La sensibilidad de la construcción y este espacio a los estados de ánimo del cielo y la atmósfera, van a hacer que la plaza sea un lugar cambiante, nunca estático, lleno de un sinfín de anticipaciones del 53.
atardecer y del amanecer. “El espacio final es uno de los más icónicos de la arquitectura moderna, pero la fuente de esa proporción exquisita, intensidad de color, enfoque en los materiales crudos, nacieron solamente como resultado del proceso de diseño que los rodea.” (Leslie, 2005, p.167). Además, el autor considera
20. Canal del patio alineado al sol.
que el instituto probó su valor de manera calculable, por las tareas técnicas a la mano, e incalculable, como un espacio inspiracional donde trabajar. El Instituto Salk no solo es un espacio de estudio científico sino de estudio personal. Aquí, las personas se 54.
encuentran a ellas mismas, reflexionan sobre ellos mismos acompañados del cielo y del mar, los cuales no tienen inicio ni fin. Gracias a la rotación de la Tierra se haya un sentimiento cíclico de cambio, cambio en nosotros mismos y en nuestros pensamientos.
Philip Johnson fue un filólogo y arquitecto quien nació el 8 de julio de 1906 en Estados Unidos y falleció el 25 de enero de 2005 en Estados Unidos. Es uno de los arquitectos más importantes de Norteamérica, que destacó por su rol importante en la introducción de dos movimientos claves del siglo XX en Estados Unidos: el modernismo y el posmodernismo, convirtiéndose en una pieza clave en la introducción de las vanguardias europeas dentro de la arquitectura norteamericana. Se destacó por el uso de materiales
Comenzó trayecto como arquitecto
Cas
1906
1919
1925
1929
1933
1942
Bauhaus Movimiento Moderno
Siglo XX Figura 6. Línea del tiempo de la vida de Philip Johnson
philip Lipstick Building
sa de Cristal
1949
Catedral de Cristo
Seagram
1954
1958
1965
1980
Muerte
1986
2005
johnson.
oria
lujosos, mucha dedicación a la composición y la diversidad de estilos que incorporó a lo largo de su carrera. Entre sus obras más conocidas se encuentran la Glass House, la Crystal Catedral o el Sony Building (ex AT&T) para los más posmodernos, los interiores del Seagram Building en Nueva York proyectado junto a Mies van der Rohe, el Kline Science Center en la Universidad de Yale, la Puerta de Europa y el Instituto de Arte Munson-Williams-Proctor. En 1978 fue galardonado con la Medalla de oro del Instituto Americano de Arquitectos y en 1979 obtuvo el primer Premio Pritzker de arquitectura, el mayor galardón en arquitectura (Johnson, P., Futagawa, Y., & Noble, C., 1972). 57.
p En seguida se presenta una obra conocida del arquitecto la cual fue importante durante su carrera y demuestra la percepción que tenía de la modernidad:
catedral de cristo. Garden Grove, California. 1980. La iglesia fue promocionada como “el edificio de vidrio más grande del mundo” según Glancey (2003). Tenía un sistema de cielo abierto y fue una hazaña de diseño que nunca antes se había intentado en una zona sísmica. La iglesia tenía las paredes y el techo de cristal transparente y claro, el cual permitía que el sol y las “chispas del cielo” entren a través del santuario. Según el autor, se utilizaron más de 10.000 paneles de vidrio templado. 21. Exterior de la Catedral de Cristo.
59.
22. Interior de la Catedral.
La obra destacada de Philip Johnson que se escogió para analizar para este proyecto es la Casa de Cristal. Se considera que esta casa representa el dominio del arquitecto sobre el vidrio no solo por la importancia y protagonismo de este material dentro de la obra sino por el éxito de lograr adaptar el espacio y volverlo habitable reconociendo las características del material.
Philip Johnson construyó la casa en 1949 en New Canaan, Connecticut. En esta
medida en los principios de Mies, sino porque difería mucho de ellos" (Johnson, Futagawa y Noble, 1972, p.7). “Johnson marcó un punto importante en la búsqueda de la transparencia y la flexibilidad de la modernidad que, sin lugar a dudas, representa el extremo de la desmaterialización de la arquitectura” (Johnson, Futagawa y Noble, 1972, p.7). La casa sigue la línea constructiva de la época, ya que se había comenzado a innovar con diferentes materiales como el acero, hormigón y vidrio en paneles, gracias a los avances tecnológicos que habían surgido en el momento. La Casa de Cristal posee una estructura metálica muy ligera que no oculta ni dificulta la visión hacia el exterior, ya que todas las paredes son vidriadas, permitiendo ver lo que pasa de un extremo a otro. A pesar de parecer anclada, la transparencia del cristal hace de este espacio un volumen muy ligero.
demostró el extremo que puede llegar a tener el uso del vidrio, y su capacidad de manejar el material para hacer de su casa un espacio habitable. El arquitecto se inspiró en la frase de Mies Van der Rohe «menos es más», base para el diseño de la casa, ya que su objetivo era lograr simplicidad y claridad en la obra. Sin embargo, en la obra se pueden ver muchas diferencias entre el pensamiento de Johnson y de Van der Rohe, Johnson quería alejarse del diseño de Mies a pesar de las similitudes que lo pueden asociar a él, como la decisión de hacer una base de ladrillo que ancla el edificio a la tierra, y las esquinas marcadas, a comparación del movimiento y flote que le daba Mies a sus edificios, y la intención que tenía de eliminar las esquinas de la casa. "Mies estaba muy disgustado con Glass House, no porque el diseño se basara en gran 59.
cristal
casa de
60.
23. Casa de Cristal.
De acuerdo con los autores, la casa se constituye de un cubo cuyo contorno se forma sólo a partir del trabajo de herrería de acero pintado de negro que hace que pase desapercibido en el paisaje, ya que la casa se encuentra dentro de un recinto rodeado de árboles, permitiendo que se mezcle con el entorno. La transparencia del material permite que el paisaje existente sea prácticamente el elemento que construye la imagen interior de la casa, que va variando durante las estaciones del año y adquiere distintos matices durante el día (Johnson, Futagawa y Noble, 1972). Explica en el artículo de 1965 in Perspecta, the Yale Architecture Journal. “Whence and Whither” su pasión por lo que él llama “procesión”. Se refiere a la experiencia de moverse caminando a través de un edificio o a una serie de edificios.
61.
Según Johnson, Futagawa y Noble (1972) el arquitecto se consideraba un rebelde ya que no estaba de acuerdo con el pensamiento de la Bauhaus y de Walter Gropius “la forma debe seguir la función”. “La apariencia de su edificio, no su función, lo que lo motiva” (p.8). Johnson participó en la creación del interior del restaurante Four Seasons en el edificio
24. Casa de Cristal de noche.
25. Vista de la casa y del lago.
Seagram, en el cual integró su forma “favorita”: el cilindro grueso, que también aparece en la Casa de Cristal. El arquitecto utiliza esta forma ya que las superficies curvas tienen la habilidad de reflejar la luz y ser escultóricas a la vez. Según Lambert (2013) en su libro Building Seagram, Philip llamaba al paisaje su “papel tapiz que cambia constantemente”. El arquitecto logró la creación de un espacio emocional desde medios casuales, como a través del control artificial de la luz. Además logró reunir el pictorialismo y el romanticismo en la atmósfera que encontró en Schinkel en el Museo Altes.
62.
26. Vista de la cocina y sala de la Casa de Cristal
El autor de Building Seagram explica como Richard Kelly desarrolló una solución para el reflejo de la luz dentro de la casa de cristal. “Una buena iluminación es parte vital de una buena vivienda.” Para eliminar luces que cansan el ojo, se decidió difundir las fuentes brillantes y sus alrededores, estos efectos podrían crear drama hasta en una sala. La vista es libre y surgen contrastes fuertes, la luz general es indirecta ya que llega desde fuentes sutiles. (Johnson y Noble, 1972, p.133). Hubo un inconveniente con respecto a la luz de la Casa de Cristal ya que de noche, cuando se 63.
prende un bombillo, el vidrio se vuelve completamente negro y refleja la luz muchas veces. Para este problema Kelly propuso la solución de poner reflectores en árboles cercanos y lejanos, algunos objetos como las plantas del rededor crean una silueta fuerte a partir del uso de reflectores. Según Kelly, son esculturas hechas para reflejar luz. Esto logra que la casa se vea transparente y, al poder ver más allá de la primera fila de árboles, da más perspectiva. Además de todo esto, Lambert (2013) explica que se pusieron
o
27. Vista desde el exterior del cuarto y estudio de la Casa de Cristal.
luz en el techo como “floodlights” para distribuir la iluminación por toda la casa. El flujo y continuidad entre el interior y el exterior eran lo principal: “iluminar el paisaje exterior balancea la iluminación interior”, “Limpiar las paredes con iluminación, continuidad y reciprocidad entre el interior y el exterior.” (Lambert, 2013, p.134). Esta casa es un espacio que redefine la intimidad con ayuda de la naturaleza. Se está a la vez solo y acompañado, a la vista 64.
y en privado. A pesar de que existe un límite físico que nos separa del exterior, la casa nos hace sentir sin refugio, expuestos, vulnerables. Gracias a la luz las paredes desaparecen y nos dejan en medio de la naturaleza sin poder sentirla, solo observarla como una pintura.
obras Para concluir con la investigación sobre la arquitectura moderna a continuación se organizaron las obras cronológicamente como se ve en la figura 7, primero se construyó la Casa de Cristal de Philip Johnson, después el edificio Seagram de Mies van der Rohe y por último el Instituto Salk de Louis Kahn.
Casa de Crist Philip Johnson
1919
1925
1933
Bauhaus Movimiento Moderno
Siglo XX Figura 7. Línea del tiempo de la construcción de las obras
1949
tal Seagram Mies van der Rohe
1954
1958
Insituto Salk Louis Kahn
1965
1967
66.
1972
sentimientos y emociones. Para entender mejor los sentimientos que evocan los edificios en las personas y no solo tener en cuenta las intenciones de los arquitectos al momento de diseñarlos, se mostraron diferentes fotografías de las obras a 10 personas que no habían estado allá y estas dieron su opinión en una o dos palabras sobre lo que se sentiría estar ahí. Los siguientes son los resultados (no se tienen en cuenta las palabras repetidas):
69.
Instituto Casa de Salk Cristal Calma
Relajación
Soledad Melancolía
Aislamiento Vulnerabilidad
Plenitud Motivación
Miedo Ansiedad
Interés Sorpresa
Confusión Abandono
Paz Tranquilidad
Soledad Inquietud
Serenidad Vacío
Inseguridad Curiosidad
Edificio Seagram Atención Admiración Nervios Inquietud Distancia Esperanza Seguridad Sorpresa Ansiedad Orgullo Pertenencia
A partir de los sentimientos encontrados tanto en los arquitectos como en las personas, se crean 3 conceptos que representan a cada edificación. Además se realiza un moodboard para cada uno, el cual reúne estos sentimientos y formas específicas de cada edificio. Se decide tomar en cuenta la forma de la obra ya que fue una decisión del arquitecto que influye en la intención de poder evocar las emociones que se querían.
70.
onceptos.
Un encuentro entre el exterior y el interior en donde la línea que los separa es tanto invisible como resistente. Esta línea invisible protege el interior solo físicamente y elimina cualquier intención de intimidad y privacidad. Únicamente la luz conecta estos dos mundos opuestos, la luz logra llevar el hogar a la naturaleza y la naturaleza al hogar. Así mismo, estos mundos pueden mezclarse y transformar este espacio, el cual, a través de los reflejos y la falta de ellos, logra eliminar sus límites y crecer indefinidamente.
Contradicción vulnerable entre la intimidad y lo visible (Glass House)
Figura 8. Moodboard conceptual de la Casa de Cristal.
onceptos.
Flotar en la transformaciĂłn hacia lo predominante (Seagram) Un espacio en lĂnea recta que crece con facilidad hacia el cielo e ignora la gravedad de la Tierra. Esta se admira inalcanzable desde abajo pero encuentra una perspectiva diferente desde arriba. A medida que se sube se entiende la superioridad sobre la ciudad, se ota sobre ella y se mira diminuta.
73.
Figura 9. Moodboard conceptual del Seagram.
onceptos. Figura 10. Moodboard conceptual del Instituto Salk.
Búsqueda de la identidad cíclica (Salk Institute)
En un espacio de serenidad se da un encuentro personal varias veces al día en donde nunca se ve el mismo cielo ni el mismo mar. Cada movimiento de la Tierra lo cambia todo y cada cambio trae consigo una reflexión diferente en nosotros mismos. Así, la plenitud que buscamos nunca se alcanza sino que se transforma con el ciclo del sol y de la luna, los cuales nos hacen diferentes cada vez.
propuesta.
77.
A partir del entendimiento de las emociones que inspiraron y que transmiten las obras de arquitectura representativas del Movimiento Moderno por el dominio del material, se va a crear una serie de joyas que representen los conceptos obtenidos. La forma de las piezas va a surgir de la experimentación entre los materiales y el cuerpo, teniendo en cuenta tanto las características de los edificios como los sentimientos que se quieren transmitir. Para la serie se utilizarán los materiales acero, vidrio, concreto que son los materiales principales del Movimiento Moderno.
78.
referentes. A continuación se presentarán los referentes que aportan a la construcción de las piezas ya sea por el uso del material, la conceptualización de la pieza o la técnica de ensamble que se emplea.
En su colección “Essence of the other” utiliza el proceso de construcción de la arquitectura
Amira Jalet se toma como referente para la construcción de las piezas ya que su técnica
en proporciones que se ajustan a la joyería. Con esto muestra la belleza de los materiales
demuestra un uso especial del material que logra ser resistente pero a la vez apto para la
de construcción convencionales, también la textura, intención y aplicación de materiales crudos en el mundo de la joyería.
joyería. Además se toma su intención de dejar el material en crudo y los acabados que le da.
(Contemporary Art Design). 81.
of the other.
Essence
amira jalet. 27. Piezas colección “essence of the other”.
referentes.
Su exposición habla sobre la ciudad en el siglo XXI. “Contrastes que van desde lo exquisito de
resina y pequeñas piezas de armado, así transforma los materiales para que adquieran
las piezas escultóricas en metal de Negret, hasta las interesantes expresiones efímeras y
las características que él busca. Además, utiliza diferentes tipos de ensambles para lograr la
anónimas del grafiti”. Sus piezas representan el contexto urbano en el que nos desplazamos desde una visión activa. Kiseno crea las piezas con materiales como cemento, plata, cobre,
unión de materiales con características opuestas. (Christian Kiseno: Creadores, Su Obra y Sus Piezas)
83.
christian kiseno.
Este diseĂąador le aporta al proyecto su forma de ensamble las cuales utilizan tornillos y remaches para unir diferentes materiales. TambiĂŠn se toma como referente por la utilizaciĂłn de cemento y piedra con metales y la forma en que logra que convivan en una misma pieza.
29. Piezas de Christian Kiseno.
referentes. 1981, Londres, UK. Encuentra inspiración en todas partes, desde películas hasta poesía. Introduce en sus piezas la escultura, incrustaciones de piedras, objetos encontrados como viejos lentes de microscopios, cintas, estampados, y más. (Hardy, J., & Cossons, M., 2012).
30. “unaware” broche, 2010. Druzy quartz, vintage ribbon and silver.
85.
31. “orbs” broche, 2010. Agate, ruby, anti
ique photograph, silver, 18-carat gold.
d p
32. “emotions” collar, 2010. Porcelain, antique glass beads from ghana and oxidized silver.
zoe arnold. Se toma como referente por su capacidad de unir materiales de gran diferencia en sus características y propiedades. Halla la forma de que dos materiales completamente diferentes encuentren un sentido al estar unidos. Además, es referente por sus diferentes técnicas de ensamble de materiales que hace ver cualquier objeto como una piedra preciosa.
86.
desarrollo del producto.
Para cada obra se realizarán tres piezas de joyería: dos piezas conceptuales y una pieza comercial,
para un total de nueve joyas. El proceso de creación consiste en bocetación, creación de planos, prototipado, primeras piezas y piezas finales. Durante este proceso se harán cambios y se corregirán errores hasta llegar al producto final. En seguida se mostrará el desarrollo de cada una de las piezas organizadas según las obras a las que representan.
instituto salk: Bocetación: Estas piezas se diseñan a partir del concepto “búsqueda de la identidad cíclica”. Se plantea el uso de concreto (cemento blanco y arena amarilla) y acero pintado de dorado para un broche, un collar y, como diseño comercial, unos aretes. Para el ensamble de las piezas de cemento se utiliza la técnica de engaste de garras como en los diseños anteriormente vistos de Zoe Arnold, esto ayudará a mantener la piedra firmemente en su lugar.
Boceto co
87.
Boceto broche Instituto Salk
ollar y dije Instituto Salk
Boceto aretes Instituto Salk
88.
instituto salk: Creación de planos: Se hará uso del corte láser para obtener las figuras en acero con la mayor exactitud posible. Para esto, se crean los planos de cada una de las piezas teniendo en cuenta las proporciones y el grosor de las piedras de concreto para calcular la longitud de las garras que las sostienen. Además, debido a que se utilizará acero, se plantean las piezas con la menor cantidad de puntos de soldadura posibles, así las piezas se pueden construir desde un solo corte.
Planos de corte collar y dije Instituto Salk 89.
Planos de corte broche Instituto Salk
Planos de corte aretes Instituto Salk 90.
instituto salk: Prototipado: Para entender la forma en que se arman las piezas desde los planos se hace un prototipado de estas en cartรณn paja. Esto ayuda a corregir algunas medidas.
91.
Prototipo colla
ar Instituto Salk
Prototipo broche Instituto Salk
92.
Prototipo aretes Instituto Salk
instituto salk: Primeras piezas: Estas primeras piezas sirven como prueba real de los errores que pueden ocurrir al momento del ensamble y armado de los materiales, así como para determinar el diseño definitivo después de los cambios realizados. Del collar se tuvieron que alargar las garras de la base para que alcanzara a sostener la piedra de cemento y se simplificó la parte de arriba. Para que la pieza de acero se uniera con la piedra se tuvo que poner al momento de verter el concreto en el molde. Del broche se tuvo que añadir la aguja de acero al resto de la pieza en el corte láser para evitar que la soldadura se soltara con la presión. Los aretes no tuvieron cambios.
93.
Primer dije Instituto Salk
Primer broche Instituto Salk
94.
Primer arete Instituto Salk
instituto salk: proceso piezas finales.
95.
96.
piezas finales.
98.
edificio seagram: Bocetación: Estas piezas se diseñan a partir del concepto “flotar en la transformación hacia lo predominante”. Se plantea el uso de acero como material principal, éste en su color natural, pintado de negro y dorado, además de algunas piezas de acrílico transparente que complementan las piezas. Con esto se propone un collar, un anillo y, como diseño comercial, unos aretes. Para el ensamble de las piezas de acrílico se utiliza la técnica de engaste de garras como en los diseños anteriormente vistos de Zoe Arnold, esto ayudará a mantener la piedra firmemente en su lugar. Para el collar se propone el ensamble con argollas de acero.
Boceto aretes Seagram
Boceto collar y dije Seagram
Boceto anillo Seagram
100.
edificio seagram: Creación de planos: Se hará uso del corte láser para obtener las figuras en acero y de acrílico transparente con la mayor exactitud posible. Para esto, se crean los planos de cada una de las piezas teniendo en cuenta las proporciones y el grosor de las láminas de acrílico para calcular la longitud de las garras que las sostienen. Además, se plantean las piezas con la menor cantidad de puntos de soldadura posibles, así las piezas se pueden construir desde menos cortes.
Planos de corte acero aretes Seagram 101.
Planos de corte acero anillo Seagram
Planos de corte acero collar Seagram
edificio seagram: Prototipado: Para entender la forma en que se arman las piezas desde los planos se hace un prototipado de estas en cartรณn paja. Esto ayuda a corregir algunas medidas.
103.
Prototipo aretes Seagram
Prototipo anillo Seagram
104.
Prototipo dije Seagram
edificio seagram: Primeras piezas: Estas primeras piezas sirven como prueba real de los errores que pueden ocurrir al momento del ensamble y armado de los materiales, así como para determinar el diseño definitivo después de los cambios realizados. En estas piezas también se hicieron las pruebas de la soldadura para asegurar que funcionara bien. Del dije del collar se tuvo que simplificar el borde y separarlo en dos piezas, además se le añadió un acrílico transparente entre las láminas plateada y negra. Del anillo se decidió pintar la lámina inferior de negro y añadirle una lámina de acrílico transparente a la pieza que sobresale. De los aretes tuvo que modificarse el archivo de corte láser para añadirle cortes ubicados en medio de las láminas y así poder doblar más fácil los ángulos. También se redujo el tamaño del hueco central.
105.
Primer anillo Seagram
Primer arete Seagram
106.
Primer dije Seagram
edificio seagram: proceso piezas finales.
107.
108.
109.
piezas finales.
110.
s
casa de cristal: Bocetación: Estas piezas se diseñan a partir del concepto “contradicción vulnerable entre la intimidad y lo visible”. Se plantea el uso de vidrio como material principal el cual se reemplaza por acrílico espejo ya que es un material que es más resistente a daños y tiene las mismas características. Para los soportes se utiliza acero pintado de negro matte. Con esto se propone un broche, un anillo y, como diseño comercial, unos aretes. Para el ensamble de las piezas de acrílico se utiliza la técnica de engaste de garras como en los diseños anteriormente vistos de Zoe Arnold, esto ayudará a mantener la lámina firmemente en su lugar.
Boceto anillo Casa de Cristal
Boceto aretes Casa de Cristal
Boceto broche Casa de Cristal
112.
casa de cristal: Creación de planos: Se hará uso del corte láser para obtener las figuras en acero y de acrílico espejo con la mayor exactitud posible. Para esto, se crean los planos de cada una de las piezas teniendo en cuenta las proporciones y el grosor de las láminas de acrílico para calcular la longitud de las garras que las sostienen. Además, se plantean las piezas con la menor cantidad de puntos de soldadura posibles, así las piezas se pueden construir desde menos cortes.
Planos de corte acero aretes Casa de Cristal Planos de corte acrílico espejo aretes Casa de Cristal
113.
Planos de corte acero anillo Casa de Cristal Planos de corte acrĂlico espejo anillo Casa de Cristal
Planos de corte acero broche Casa de Cristal Planos de corte acrĂlico broche Casa de Cristal
casa de cristal: Prototipado: Para entender la forma en que se arman las piezas desde los planos se hace un prototipado de estas en cartรณn paja. Esto ayuda a corregir algunas medidas.
Prototipo aretes Casa de Cristal
Prototipo anillo Casa de Cristal
116.
Prototipo broche Casa de Cristal
casa de cristal: Primeras piezas: Estas primeras piezas sirven como prueba real de los errores que pueden ocurrir al momento del ensamble y armado de los materiales, así como para determinar el diseño definitivo después de los cambios realizados. En estas piezas también se hicieron las pruebas de la soldadura para asegurar que funcionara bien. Del broche se tuvo que añadir la aguja de acero al resto de la pieza en el corte láser para evitar que la soldadura se soltara con la presión. Del anillo se modificaron la longitud de las garras que sostienen los acrílicos de la argolla para que no incomodara al ponérselo. De los aretes se arregló el archivo de corte del acrílico espejo para añadirle los huecos por los que atraviesa el poste de cada uno y evitar fisuras al momento de abrir el hueco con broca.
117.
Primer arete Ca
asa de Cristal
Primer anillo Casa de Cristal
Primer broche Casa de Cristal
edificio seagram: proceso piezas finales.
119.
120.
piezas finales.
s
conclusiรณn.
129.
Durante este proyecto se exploraron diferentes obras y se indagó profundamente sobre el proceso de creación de cada una. Gracias a esto se logró entender, desde la historia, los pensamientos, ideas, cambios, planes y sentimientos del arquitecto antes de terminar una construcción. A partir de la investigación se construyeron las piezas de joyería las cuales tuvieron un proceso extenso de desarrollo del cual se aprendió a manejar los materiales y a entender las personalidades y posibilidades de cada uno. Además, se plantea un diseño en el que exista la mínima cantidad de soldaduras posibles y la mayor exactitud para el momento de introducir las piezas externas ya sea el concreto, el vidrio o acrílico.
130.
referencias.
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