Composición Fotográfica

FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL Guía del estudiante Elaborado por el formador

Ignacio A. Tovar Pereira

Instituto Colombiano de Aprendizaje INCAP Programa Técnico Laboral en Diseño Gráfico Publicitario INCAP- INSTITUTO COLOMBIANO DE APRENDIZAJE 2

EL SIGUIENTE MATERIAL SE PREPARÓ CON FINES ESTRICTAMENTE ACADÉMICOS, DE ACUERDO CON EL ARTÍCULO 32 DE LA LEY 23 DE 1982, CUYO TEXTO ES EL SIGUIENTE:

TABLA DE CONTENIDO

ARTÍCULO 32: “Es permitido utilizar obras literarias, artísticas o parte de ellas, a título de ilustración en obras destinadas a la enseñanza, por medio de publicaciones, emisiones o radiodifusiones, o grabaciones sonoras o visuales, dentro de los límites justificados por el fin propuesto, o comunicar con propósito de enseñanza la obra radiodifundida para

1. Conceptos básicos de la fotografía.

La historia de la fotografía.

La cámara fotografíca.

Elementos básicos de la fotografía.

2. Utilización del cuarto oscuro.

FOTOGRAFIA ANÁLOGA Y DIGITAL Instituto Colombiano de Aprendizaje Elaborado por:

Ignacio A. Tovar Pereira Diseño de caratula:

Ignacio A. Tovar Pereira

Editado por: Instituto Colombiano de Aprendizaje INCAP

Los planos y la composición fotográfica.

Cuarto oscuro.

Proceso de revelado blanco negro.

Proceso de ampliación blanco negro.

3. La fotografía digital e iluminación.

Qué es la fotografía Digital.

Conoce los diferentes tipos de iluminación para fotografía.

© Prohibida la reproducción parcial o total bajo cualquier forma (Art. 125 Ley 23 de 1982) Bogotá – Colombia Versión 01 - Enero 2010

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5 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

APRECIADO ESTUDIANTE: Usted escogió al INCAP para que lo oriente en el camino de la formación profesional. La institución le proporcionará un formador, quien le ayudará a descubrir sus propios conocimientos y habilidades.

El INCAP, le ofrece además, recursos para que usted alcance sus metas, es

decir, lo que se haya propuesto y para ello dispondrá de módulos guía, audiovisuales de apoyo, sistemas de evaluación, aula y espacios adecuados para trabajos individuales y de grupo. Éste módulo guía que constituye además un portafolio de evidencias de aprendizaje, está distribuido de la siguiente manera: PRESENTACIÓN: Es la información general sobre los contenidos, la metodología, los alcances la importancia y el propósito del módulo.

CONTENIDOS: Son el cuerpo de la unidad y están presentados así: Unidad • Logro de competencia laboral • Indicadores de logro: Evidencias GUÍA METODOLÓGICA: Orienta la • Didáctica del método inductivo práctica pedagógica en el desarrollo Activo para el desarrollo de las del proceso de formación evaluación y competencias: se complementa con el documento de la didáctica para la formación por com- FDH: Formador dice y hace, petencias de manejo del formador.

FDEH: Formador dice y estudiante hace, DIAGNÓSTICO DE ESTILO DE EDH: Estudiante dice y hace.

APRENDIZAJE: Que le permitirá utilizar la estrategia más adecuada para construir sus propios aprendizajes.

BIBLIOGRAFÍA RECOLECCIÓN DE EVIDENCIAS DE APRENDIZAJE: Permite registrar las evidencias de los logros obtenidos en cada una de las unidades.

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GUÍA METODOLÓGICA La estrategia metodológica del INCAP, para la formación técnica del aprendiz mediante competencias laborales, comprende dos caminos: 1. Las clases presenciales dictadas por el Formador haciendo uso del método inductivo – activo 2. El trabajo práctico de los estudiantes dirigido y evaluado por el Formador, a través de talleres, desarrollo de casos, lecturas y consultas de los temas de clase etc. Con esto, se busca fomentar en el estudiante el análisis, el uso de herramientas tecnológicas y la responsabilidad.

Los módulos guía utilizados por el INCAP, para desarrollar cada uno de los cursos, se elaboran teniendo en cuenta ésta metodología. Sus características y recomendaciones de uso son: 1. A cada unidad de aprendizaje le corresponde un logro de competencia laboral el cual viene definido antes de desarrollar su contenido. Seguidamente se definen los indicadores de logro o sea las evidencias de aprendizaje requeridas que evaluará el Formador.

2. Glosario: Definición de términos o palabras utilizadas en la unidad que son propias del tema a tratar.

3. Desarrollo de la unidad dividida en contenidos breves seguidos por ejercicios, referenciados así: FDH (El Formador dice y hace ): Corresponde a la explicación del contenido y el desarrollo de los ejercicios por parte del Formador.

FDEH (El Formador dice y el estudiante hace ): El estudiante desarrolla los ejercicios propuestos y el Formador supervisa.

EDH (El estudiante dice y hace ): Es el trabajo práctico que desarrollan los estudiantes fuera de la clase, a través de talleres, desarrollo de casos, lecturas y consultas de los temas, los cuales deben ser evaluados por el Formador.

Al final de cada unidad se puede presentar un resumen de los contenidos más relevantes y ejercicios generales.

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PRESENTACIÓN El curso de Fotografía Análoga y Digital que forma parte del programa Técnico Laboral en Diseño Gráfico Publicitario, comprende el estudio de la importancia de la fotografía en el Diseño, la manera adecuada de tomar una buena fotografía o imagen, como influye la luz, el ambiente, escenarios y demás elemento que intervienen en ella. De la misma manera brinda las bases para el desarrollo técnico para la toma de fotografía, teniendo en cuenta aspectos como la composición, los personajes, la iluminación y el manejo de la cámara, entre otros aspectos que son importantes para la captura de fotografías.

El propósito del presente Módulo es servir de guía de aprendizaje, de consulta y de ayuda para las prácticas específicas para cada uno de los temas tratados.

El texto presenta en un lenguaje apto, los temas referentes a la fotografía análoga y digital que todo diseñador requiere para el desarrollo de su labor creativa e ilustrativa mediante el uso de herramientas de diseño en cuanto a pre-producción, producción y pos-producción de fotografía. Por ello mismo cada una de las prácticas y talleres hace referencia a una aplicación de tipo empresarial.

Para la elaboración del presente texto, se ha recopilado información referente a las actuales exigencias del campo laboral en cuanto a la fotografía artística y publicitaria se refiere, de igual manera se ha seleccionado la bibliografía mas adecuada para hacer aun mas sólidos y actualizados los contenidos.

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9 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

DIAGNÓSTICO INFORMACIÓN GENERAL Regional_______________Programa____________________Módulo___________ Estudiante_____________________________Formador______________________ EVALUACIÓN DIAGNÓSTICA Estilo de aprendizaje__________________________________________________

CONCEPTOS BÁSICOS DE LA FOTOGRAFÌA

Logro: Conoce y aplica los conceptos básicos de la fotografía

Indicadores de logros:

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Evidencia de

1. Identificar qué es la fotografía y su importancia

Conocimiento

2. Identificar cuáles son los tipos de fotografía

Conocimiento

3. Maneja adecuadamente la velocidad y el diafragma

Desempeño

HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA Es un resumen de 2.400 años de historia de la evolución del cuarto oscuro hasta la popularización de la fotografía.

Comienza con la primera descripción del cuarto oscuro creado por Aristóteles en el siglo IV A.C. Da Vinci usó este método para lograr calcar y dibujar paisajes en la época del Renacimiento Italiano. En esta época la “cámara” era tan grande como para albergar hasta cuatro personas.

El cuarto oscuro se fue reduciendo hasta llegar a ser una pequeña caja con objetivo, enfoque y vidrio esmerilado especial para calcar paisajes y pequeños objetos.

En 1727 el Sr. Shultze dedujo que algunos compuestos de plata se oscurecían al contacto de la luz.

La primera relación entre la cámara y la imagen fija se debe a Niepce quien en 1826 logró la primera fotografía. Con la evolución de la química fotográfica y el perfeccionamiento de los procesos, el Sr. Eastman atrapó las nuevas técnicas de 1880 y aplicó la fabricación en serie de cámaras, revelado y copiado.

A partir de este momento la fotografía se popularizó y masifícó. Apenas 54 años después de haberse logrado la primera fotografía, la Kodak invade el mundo.

La cámara estaba “inventada” desde que existe el hombre: en realidad, el ojo humano es el más perfecto de todas las cámaras, la más auténtica y robusta que existe.

La primera descripción de algo parecido a una cámara fotográfica la dejó escrita Aristóteles en el siglo IV a.c. Describió cómo se formaban las imágenes en el interior de un recinto cuando la luz del sol se filtraba por una rendija. Este efecto y otras aplicaciones que posteriormente se hicieron del mismo, dieron nombre más tarde a la cámara fotográfica.

Representación de un eclipse solar en cámara oscura. Año 1544.

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El estudio de la naturaleza y del fenómeno de la visión es casi tan antiguo como la civilización misma. En los últimos años los conocimientos acerca de la luz, el ojo, la visión y la fotografía han llegado a una gran precisión y han alcanzado un espectacular crecimiento. Resulta asombroso hoy día ver las fotografías de los pioneros, incluso los primeros ensayos de imágenes en color; tienen una gran perfección, pese a los escasos conocimientos que entonces se poseían sobre óptica, naturaleza de la luz, composición, entre otros.

Las más antiguas descripciones de la cámara oscura las encontramos en el siglo XVI, muy detalladas por cierto. Leonardo da Vinci se sirvió de ello, lo mismo que Alberto Durero, para dibujar. En tiempo de ambos artistas era un instrumento conocido y muy utilizado.

En 1558, el napolitano Juan Bautista Della Porta, hizo una descripción minuciosa de un aparato de este tipo y lo recomendó, en un extenso tratado, a pintores no muy expertos. Las posteriores ediciones de su libro Magia Naturalis, en el cual da cuenta del sistema, han hecho que se considere a Della Porta el inventor de la cámara oscura como instrumento destinado a un fin definido, aunque como curiosidad científica era ya conocida desde muy antiguo. Della Porta inventó así mismo el objetivo.

En el siglo XVII, las cámaras oscuras habían dejado de ser auténticas habitaciones; las más grandes eran semiportátiles o desarmables, las pequeñas habían sido reducidas a un mueble de uso común; es sorprendente que la moderna cámara reflex tenga su antecedente en esa época. El espejo redujo notablemente su tamaño.

Incluso otro religioso austriaco, Johann Zhan, inventó un aparato totalmente portátil y con innovaciones apreciables, tales como el cristal esmerilado para el enfoque; además, estaba pintado en negro por dentro. El conjunto se parecía notablemente a una cámara fotográfica auténtica, pero la fotografía aún no había llegado. Faltaban casi doscientos cincuenta años para que los primeros fotógrafos se interesaran en “dibujar con luz”.

Cámara oscura del siglo XVII. El interior estaba formado por una pared de papel traslúcido.

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EL DESCUBRIMIENTO BÁSICO De los precursores a los inventores ¿Dibujar con luz?

Sí, éste es el significado etimológico de la palabra fotografía: Fotos = luz; grafein = dibujar, en griego.

La fotografía se “inventó” cuando la Química y la Física evolucionaron hasta saltar al plano de la ciencia con un fundamento científico; hasta ese momento sólo eran Alquimia y Filosofía.

podría aplicarse al trabajo de Hellot, ya que sus experimentos incluían la escritura “ secreta “ con nitrato de plata sobre papel blanco, que permanecía invisible hasta ser expuestos a la luz. El primero en aplicar la idea de los compuestos sensibles de la luz a la cámara oscura fue Thomas Wedwood, quien llevó a cabo sus propios experimentos haciendo siluetas de hojas y alas de insectos sobre cuero blanco cubierto de nitrato de plata.

El primer paso hacia la fotografía propiamente dicha fue dado en 1727 por Juan Henrique Schultze. Lo dió en el terreno de la química, puesto que en el de la cámara ya se había avanzado notablemente para que la misma estuviera lista y perfeccionada, a fin de convertirse, a su tiempo, en cámara fotográfica.

Shultze, profesor de Anatomía cerca de Nuremberg, había observado que algunos compuestos de plata se oscurecían y dedujo que este fenómeno conocido anteriormente y descrito por los alquimistas hacía ya siglos no se debía a la intervención del calor o del aire, como hasta entonces se suponía. Experimentalmente llegó al convencimiento de que la luz era la causante del fenómeno.

En experimentos sucesivos aumentó la cantidad de plata de la mezcla y la expuso al aire y al calor; llegó a la conclusión de que el oscurecimiento sólo se producía por efecto de la luz y que se debía sin duda a la presencia del nitrato de plata.

Shultze, como acabamos de señalar, no descubrió nada nuevo. Tan sólo extrajo conclusiones de un hecho conocido desde mucho tiempo atrás.

En los siglos XVI y XVII ya se utilizaba el nitrato de plata para ennegrecer la madera, el marfil, las pieles y hasta para el teñido de barba y cabellos. El cloruro de plata era llamado por los alquimistas “Luna córnea”, y era conocida su propiedad de ennegrecerse al ser expuesto al aire libre.

La primera relación entre la imagen realizada con luz y una cámara oscura se debe a los hermanos Niepce, y aunque para el relato cuenta más Juan Nicéforo Niepce como protagonista del descubrimiento. Para la historia fue la labor de éste y de su hermano Claudio, conjuntamente, la que llevó al primero a figurar como inventor de la fotografía.

Otro entusiasta, Jean Hellot, aplicó nitrato de plata a un papel en 1737. Unos 40 años después, un químico suizo llamado Carl Scheele experimentó con el cloruro de plata, y descubrió que era particularmente sensible a la luz violeta.

Estos primeros descubrimientos relativos a la sensibilidad a la luz de las sales de plata eran una novedad. El termino “ fotografía “ que significa “ escribir con luz “

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Diseño de Cámara oscura de 1769.

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NIEPCE, EL PADRE DE LA FOTOGRAFÍA

Este ingenioso procedimiento permitió usar la cámara por primera vez para obtener una imagen sin recurrir a siluetas o a grabados como originales. Niepce llamó al procedimiento heliografías (helio = sol, graphos = escritura).

La fotografía comienza con Niepce y no con Daguerre como muchos suponen.

Niepce fue el último eslabón en la larga cadena del descubrimiento, Daguerre fue más bien el primero de los fabricantes, el primer fotógrafo “comercial”, sin que por ello dejase de investigar y aportar un estimable caudal de soluciones a los problemas presentados en el desarrollo de la nueva ciencia, del nuevo arte.

La imagen más antigua que se conserva es posiblemente una naturaleza muerta o “bodegón”, que podría ostentar el título de “primera fotografía”, aunque sus biógrafos y su propio hijo sostienen que la primera imagen fue una vista del patio de la casa del inventor, tomada desde una ventana del laboratorio. En esta fotografía, fechada, al parecer por error, más tarde, por el propio Niepce (12 de junio de 1826), se representan unos tejados con un palomar y un árbol al fondo. Se da en ella un efecto curioso; la luz baña los edificios en lados opuestos, lo cual es normal si se tiene en cuenta que la exposición según relata el autor en sus notas duraba ocho horas a pleno sol.

Niepce conocedor, como ya hemos dicho de las experiencias de otros investigadores, sabía la particularidad que tiene el betún de Judea, especie de asfalto usado por grabadores que posee la propiedad de endurecerse e insolubilizarse por la acción de la luz. Esta propiedad había sido descrita por el físico Senebier, pero nunca había sido explotada en el sentido en que lo hizo Niepce por vez primera.

José Nicéforo Niépce, hacia 1826, inventor de la fotografía.

Niepce utilizó sucesivamente soportes de papel, cuero y metal, concretamente cobre pulido, y más tarde plateado. La superficie pulida se recubría con betún de Judea mezclado con aceite de espliego. Una vez seca se exponía a la luz y se utilizaba como original para reproducir grabados impregnados de parafina con el objeto de hacerlo traslúcidos.

Las primeras imágenes logradas no fueron, pues, auténticas fotografías, sino reproducciones de grabados que su autor hacía por “contacto”, es decir, poniendo el original en contacto con la superficie sensibilizada y sometiendo el conjunto a la acción de la luz. Posteriormente “revelaba” la imagen disolviendo el betún con el aceite de espliego y petróleo. Con ello se conseguía que el betún expuesto permaneciera sobre el soporte, mientras que el no expuesto desaparecía con el solvente En un momento dado, Niepce se sirvió de la cámara oscura para obtener imágenes de la vida real, prescindiendo de las reproducciones de grabados.

Con la cámara y sus materiales de cobre y aleaciones de estaño conseguía imágenes negativas que debían ser reproducidas a su vez para poderlas ver en “positivo”. Precisamente éste fue uno de los escollos con los que tropezó. Una vez expuesta la placa era sometida a la acción de vapores de yodo; con ello la plata de las zonas donde no había dado luz se ennegrecía.

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Vista desde de la ventana del laboratorio de Niépce.

Francia, 1826.

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SANTIAGO DAGUERRE Como muchos paisajistas y pintores de la época, Daguerre se servía de la cámara oscura para facilitar la labor del dibujo: en cierto momento pensó en utilizarla para imprimir de alguna manera la imagen que la cámara reflejaba sobre el cristal esmerilado. Hizo tentativas mediante ideas y experiencias que recogió de terceros. No obtuvo, al parecer, ningún éxito, aunque en algunas ocasiones afirmara lo contrario.

La lentitud de la impresión le hizo pensar en un “agente revelador” que acelerase la aparición de la imagen. Mediante un ensayo con el vapor de mercurio y una placa sensibilizada con yoduro de plata, observó que el metal líquido sólo se depositaba en los lugares donde había incidido luz.

Encontró también que la imagen así obtenida se fijaba con un lavado de agua caliente y sal común.

Daguerre había descubierto un nuevo procedimiento fotográfico del que se sentía satisfecho, por lo que planeó presentarlo a la Academia de Ciencias Francesa.

EL DAGUERROTIPO Al principio, el daguerrotipo no era útil para obtener un retrato ya que su sensibilidad obligaba a “poses” muy prolongadas. No obstante, pronto se perfeccionó, convirtiéndose en una moda avasalladora. En 1850, en la ciudad de Nueva York, pese a su distancia de París, había ya 71 establecimientos destinados a “retratos” mediante el nuevo procedimiento. Tener un daguerrotipo era entonces un signo de distinción. Los estudios estaban provistos de amplios ventanales para la entrada de la luz, con techos de cristal azulado.

Eran las primitivas “galerías” que han dado nombre a los estudios de los actuales profesionales dedicados al retrato. Las cámaras eran impresionantes: equipos pesados y construidos por expertos ebanistas y ópticos.

A pesar de que los tiempos de exposición se habían reducido considerablemente, aún se contaban en minutos, lo cual obligaba a los “modelos” a posar inmóviles durante INCAP- INSTITUTO COLOMBIANO DE APRENDIZAJE 18

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EL FIN DE UNA ÉPOCA: EL CALOTIPO

un tiempo muy largo. He ahí la razón de que su postura resultara artificialmente estática.

Tenían que apoyarse en pesadas columnas, en sillones duros provistos de dispositivos para sujetar la cabeza, etc. Era frecuente que los ojos no salieran nítidos debido al pestañeo, los retratos de niños pequeños aparecían borrosos a causa del movimiento.

El daguerrotipo no permitía ver la imagen si no era orientándola en determinado sentido; no permitía tampoco copias, ni ampliaciones y por otra parte resultaba costoso, pero estaba de moda.

En 1840, Chevalier presentó su modelo “Fotógrafo”, sin duda el más perfeccionado de la época, que logró hacer historia. Consistía en un equipo provisto de la totalidad de los accesorios para tratamiento de las placas sensibilizadas, productos químicos incluidos. La “cámara” propiamente dicha era plegable y de un tamaño considerable.

La producción normal para algunos daguerrotipistas famosos llegaba a los dos o tres mil daguerrotipos por año, es decir, casi una media de 10 al día. Como dato anecdótico, señalaremos que la imagen del daguerrotipo estaba invertida: representaba el lado derecho a la izquierda. Por esta razón algunos tipos de retrato por ejemplo, un militar uniformado, con sable y condecoraciones exigían el cambio de tales insignias y armas al lado opuesto antes de ser retratados.

Entre los procedimientos contemporáneos del daguerrotipo sólo el calotipo fue un rival para el invento de Daguerre. Su inventor, Fox Talbot, era un rico aficionado, poseedor de una gran cultura. Arqueólogo y matemático, se servía de la cámara oscura para sus actividades.

En 1841 fue patentado como uno de los más perfectos y logrados medios de reproducir imágenes. Talbot lo llamó calotipo, y consistía en un papel corriente sensibilizado con sales de plata, yodo y ácido gálico. Del negativo obtenido se producían copias por contacto con gran facilidad y a un costo muy bajo. El procedimiento negativopositivo, entonces incipiente, fue el origen de todos los avances posteriores.

Los calotipos o talbotipos, como también se les llamó, llegaron a poseer una calidad inigualable. Se intentó la publicación de una obra ilustrada sólo con calotipos; únicamente aparecieron cinco números de la misma.

Fox Talbot y su calotipo, juntamente con otros autores que rondaban alrededor de procedimientos similares más o menos afortunados señalaban ya otro cambio, otra etapa de la historia de la fotografía.

El primer negativo: Fue realizado por Fox Talbot en 1935. Era una vista de una ventana de su casa en Lacok Abbey. Inglaterra.

El primer daguerrotipo fue una naturaleza muerta tomada en un rincón del estudio de Daguerre.

Cámara Daguerrotipo construida en 1839.

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Fox Talbot, inventor del calotipo. Año 1870.

Silla con sujetador para el cuello.

Empleo de luz artificial. 1875.

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EL COLODIÓN Tres factores básicos ocupaban a los primeros experimentadores en fotografía: permanencia, definición y rapidez. La permanencia fue gradualmente lograda por Niepce, Daguerre y Fox Talbot, quienes idearon diferentes procedimientos para fijar las copias.

La definición llegó con la mejora de los objetivos y, en cierta medida, de las emulsiones.

La mejor calidad de los objetivos colaboró también para acortar el tiempo de exposición.

Los siguientes progresos fueron obra de un escultor londinense, Frederick Scott Archer, que había aprendido el proceso del calotipo para ayudarse en la obtención de un mayor parecido con los modelos. Deseando un papel más sensible que el de yoduro de plata o albumen, Archer empezó a experimentar con otras emulsiones.

Ensayó con una substancia relativamente nueva: algodón de pólvora disuelto en éter, originalmente usado para cubrir las heridas de guerra. Lo llamó colodión, de la palabra griega kolla “pegar”.

El papel no era una buena base para el colodión, y Archer probó con el vidrio, cubriéndolo con una emulsión de colodión yodado. Otros habían experimentado con el colodión dejándolo secar antes de aplicar la capa de yoduro de plata.

Archer le añadió yoduro potásico, sumergió el vidrio en un baño de nitrato de plata, y lo expuso, todavía húmedo ya que había descubierto que al secar tenía lugar una considerable pérdida de sensibilidad. De hecho, la nueva emulsión húmeda era tan sensible que fueron posibles exposiciones de menos de tres segundos. La placa se revelaba con ácido pirogálico o con sulfato ferroso, fijándose bien con cianuro potásico, o con tiosulfato sódico. El proceso de la placa húmeda no sólo exigía experiencia fotográfica, sino también conocimientos de química.

Como las exposiciones estaban rígidamente ligadas al proceso en el laboratorio, los fotógrafos debían llevar su equipo con ellos, incluyendo una tienda, cajas de placas y docenas de frascos. Las cámaras grandes de “paisaje” que daban placas de 30,5 x 40,6 cm, y pesaban hasta 13,6 kg. no eran raras, ya que es el tiempo anterior a la introducción de la ampliadora, y las imágenes grandes tenían mucha demanda.

Como producto secundario del proceso del colodión, Archer introdujo el ambrotipo en colaboración con un colega, Peter Fry. Los ambrotipos eran delgados

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negativos impregnados de colodión sobre vidrio, blanqueados con ácido nítrico y colocados contra un fondo obscuro que invertía los tonos y daba el aspecto de un positivo.

Resultaban comparables al daguerrotipo en que eran imágenes únicas de tamaño semejante, y se hicieron muy populares como técnica de retrato.

Por lo que respecta a la fotografía, la época victoriana fue de intensa actividad y renovación. A consecuencia de la manía por las imágenes estereoscópicas, aparecieron cámaras multiobjetivos a la par que el invento americano del ferrotipo. Los ferrotipos eran similares a los ambrotipos, pero en vez de vidrio como base para el colodión se usaban delgadas placas de metal barnizadas.

Los materiales eran baratos y el método de obtención de ferrotipos era más rápido que la técnica de la placa de vidrio.

Fotografía de moda realizada en el siglo XIX.

Arriba, daguerrotipo esteroscópico y visor de 1.854. La fotografía presenta una típica escena victoriana.

Las fotos eran montadas en cartón y los lentes tenían diferentes graduaciones.

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FOTOGRAFIA PARA TODOS: LA REVOLUCIÓN KODAK Aunque la mayor parte del invento ya estaba hecho, hacía falta un proceso más sencillo que el del colodión húmedo. Era el método de fotografiar más rápido nunca inventado, pero resultaba sucio, engorroso y exigía una práctica y destreza considerables.

El problema de aumentar la sensibilidad y facilitar la exposición, y el revelado ocupó a los fotógrafos durante muchos años. Para ello trataron de preservar las placas cubriéndolas con diversas substancias; miel, cerveza, vino de jenjibre y jerez: las placas podían guardarse durante seis meses o más, pero su sensibilidad se reducía.

En la década de 1880 se comercializaron diversas cámaras; muchas de ellas eran novedades o curiosidades diseñadas para expresar la pericia del fabricante. Las disfrazadas de bastones, relojes, libros y otros pequeños objetos se conocían como “cámaras de detective”, porque en 1881 se hicieron dos de ellas para la vigilancia policial.

Durante varias décadas todas las cámaras pequeñas se llamaron de “detective”, hasta el cambio de siglo cuando el nombre más frecuentemente asociado a ellas era “Kodak”.

En 1888 George Eastman lanzó la cámara “Usted aprieta el botón, nosotros hacemos lo demás”: la famosa Kodak. Esto marcó el comienzo de Eastman Kodak.

Eastman escogió el nombre Kodak para que pudiese pronunciarse fácilmente en todo el mundo. La cámara reunía todas las cualidades necesarias para la producción masiva y el atractivo popular. Era ligera, compacta y el fotógrafo no tenía que revelar las fotos.

El creador de la Kodak.

George Eastman, inventor de la famosa cámara Kodak de cajón. Eastman ideó la palabra “Kodak” para que pudiese recordarse fácilmente y usarse en casi cualquier lenguaje. También fue el pionero de la película el rollo con fondo de papel y emulsión de gelatina – bromuro que se colocaba dentro de la cámara.

A la izquierda está G. Eastman con una de las primeras cámaras, fotografiado en un viaje a Europa alrededor de 1890.

Por vez primera una cámara podía cargarse con película en rollo, de la que se desplegaba el papel que actuaba como base para la emulsión en el momento de copiar, y que valía para cien exposiciones. La cámara se devolvía al fabricante, que revelaba la película y transfería cada negativo a una placa de vidrio para la copia por contacto.

A continuación se volvía a cargar la cámara y se enviaba a su propietario junto con las copias de la película anterior.

Aunque producida masivamente, la kodak era una buena cámara de precisión que incorporaba características únicas. En 1889 se introdujo la primera cámara con rollo de celuloide, olvidándose rápidamente la base de papel antes usada.

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Al principio de este siglo, cualquiera era un fotógrafo en potencia. Kodak satisfacía la demanda de cámaras baratas, siguiendo a su primer éxito de la “Brownie” en 1900, y la “cámara de fuelle plegable” en 1903.

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LA CÁMARA FOTOGRÁFICA TIPOS DE CAMARA 35 MM Son las más usadas por aficionados y profesionales. Por su versatilidad y rapidez de uso es la preferida por los reporteros gráficos.

Las hay de todos los tipos, desde las desechables hasta las sofisticadas autofocos electrónicas.

Poseen objetivos intercambiables y una gama casi infinita de accesorios.

Marcas más comunes: Kodak - Canon - Nikon - Minolta - Zenit - Sony.....

Medio formato Usadas por profesionales. Las más sencillas tienen dos objetivos con lente fijo y de objetivos y chasis intercambiables. Todas usan rollo 120 y el formato del negativo puede ser de 6x7 cm, 6x6 cm y 6x4.5 cm. Tienen la cualidad de ser de fácil manejo, transportables y relativo poco peso.

Marcas más comunes: Rolley – Yashica – Hasselblad - Mamilla.

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Técnica o de estudio Usadas principalmente para publicidad. Admiten negativos de hasta 20 x 24 cm., son sumamente costosas, de complicado manejo, voluminosas y pesadas por lo que su uso se limita a grandes estudios.

Producen imágenes de alta calidad y permiten grandes ampliaciones. Muy pocas personas tienen acceso a estas cámaras.

Polaroid Muy usadas en estudios fotográficos para foto-carnet al minuto. En publicidad se usa para corregir la composición y la iluminación del producto.

Por el alto costo del paquete de película, su uso no está muy difundido.

Marca única: Polaroid.

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Submarinas Existen estuches de plexiglas donde pueden instalarse cámaras de 35 mm o formato mediano y que aguantan presiones de hasta 30 metros de profundidad.

También hay cámaras de 35 mm. provistas de grandes angulares y flases estroboscópicos que usando película normal obtienen imágenes excelentes.

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Digitales Son la nueva generación de cámaras, no usan los rollos convencionales sino que captan la imagen en alta y baja resolución en una tarjeta, pudiéndose ver la imagen en el monitor de la cámara, en la computadora o en el TV. La capacidad y calidad se define por los pixeles de la cámara.

Se clasifican en dos grandes grupos: normales o compactas, y de alta definicion o profesionales, estas son las SLR o Reflex Digital.

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ELEMENTOS BASICOS Elementos de la cámara Todas las cámaras son cajas herméticas de luz de diferentes tamaños, con cinco elementos esenciales: 1.- Un objetivo con un pequeño orificio para enfocar los rayos de luz divergentes del sujeto hacia la película.

2.- Una abertura o diafragma para controlar la cantidad de luz que llega a la película.

3.- Un obturador para controlar cuándo, y durante cuánto tiempo la luz llega a la película.

4.- Un visor para poder determinar lo que aparecerá en la fotografía, y 5.- Un soporte o plano focal para la película y un mecanismo de arrastre que coloque el material sensible en el plano correcto y poder mover la parte de la película, todavía sin impresionar, a la posición exacta para la siguiente fotografía.

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EL OBJETIVO En su forma más simple es un trozo de vidrio pulido de forma que sea más grueso por el centro que por los bordes (convexo).

El primer objetivo fue citado en 1550, como invención usada para corregir la vista defectuosa. Las lentes italianas eran bi-convexas y de allí que la gente observó su parecido con las lentejas que comían, viniendo esta palabra «lente» que en latín significa lenteja.

En 1657, en Alemania, se inventó una cámara que tenía 2 objetivos y foco ajustable que funcionaba por medio de dos cajas una de las cuales se deslizaba dentro de la otra.

Un siglo después se creó el objetivo telescópico formado por dos elementos (uno cóncavo y otro convexo) para conseguir una imagen ampliada. En éste momento cercano a 1750 ya los físicos no podían hacer mucho para mejorar la óptica.

Era el momento de los químicos. El objetivo es el ojo del fotógrafo y la parte más importante de cualquier cámara.

Todos los objetivos tienen elementos de cristal con una curvatura que refractan los rayos de luz sobre el plano focal.

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LOS PRINCIPALES OBJETIVOS Gran angular

Los objetivos de gran angular son aquellos cuya longitud focal es menor que la considerada normal para un formato dado. Para la misma distancia entre el sujeto y la cámara abarcan más espacio pero el tamaño de la imagen es menor y la profundidad de campo aumenta. El incremento de la profundidad de campo los hace particularmente útiles cuando se tiene poco tiempo para enfocar con precisión.

La longitud focal es la distancia de la lente a la película, y cuando más corta es la longitud focal, la lente está más cerca de la película.

35 mm.

Algunos fotógrafos prefieren utilizar normalmente el objetivo de 35 mm que uno de 50 mm. Suele ser adecuado para muchos tipos de fotografía y no distorsiona demasiado la imagen.

Tiene un ángulo de visión de 62 grados y se fabrican generalmente con una abertura de F2.8, F2 e incluso de F1.4.

28 mm.

24mm.

Este objetivo incluye unas cuatro veces el área de la lente estándar de 50 mm y es, con toda probabilidad, el objetivo de gran angular más utilizado en fotografía de prensa.

Es muy manual y útil cuando se tienen que hacer tomas deprisa y no hay tiempo para enfocar. Como su ángulo de visión produce una perspectiva exagerada puede dar una sensación de imágenes dramáticas si los objetos están cerca de la lente.

De 20 a 14 mm.

Estos objetivos se reconocen porque tienen un elemento frontal protuberante especialmente en las longitudes focales más cortas. La exagerada perspectiva que producen resulta útil para fotos inusuales, pero su uso indiscriminado puede resultar repetitivo.

Ojo de pez

Son objetivos de una longitud focal extremadamente corta con un ángulo de visión que puede sobrepasar los 180 grados. Producen imágenes típicas en las que las líneas que no pasan por el centro de la imagen sufren la distorsión de barril. La lente tradicional de ojo de pez produce una imagen circular.

Esta es la siguiente opción en anchura. Estos lentes se pueden se puede conseguir con una abertura de F2.8 o F2. Anteriormente se utilizaba mucho pero recientemente ha dejado paso a la optica de 24 mm.

Lente 25mm

Lente 10-22mm

Lente 50mm INCAP- INSTITUTO COLOMBIANO DE APRENDIZAJE 32

Lente Ojo de pez 10-24mm 33 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

TELEOBJETIVOS 85 mm.

Este es el primer objetivo por encima del normal y generalmente existe en F2 o F1. 4, incluso un fabricante lo ofrece en F1.2. Es un buen objetivo para hacer retratos, con una limitada profundidad de campo. Se usa mucho para noticias generales.

105 mm.

Se utilizó mucho cuando se afirmaba que un fotógrafo siempre debería tener un objetivo que fuera dos veces mayor que el siguiente más corto, el 105 es dos veces el normal de 50 mm, pero ya no se utiliza mucho. Puede tener una abertura máxima de F2. lo cual la hace muy útil cuando la luz es débil. Los fotógrafos aficionados solían utilizarlo a menudo antes de que los teleobjetivos con zoom tuvieran un precio razonable y una calidad óptica aceptable.

108 mm Es el objetivo favorito entre los profesionales de la fotografía. Normalmente su abertura máxima es de F2.8 y es muy utilizado en noticias, deportes y pasarelas por su capacidad de enfocar sólo un plano dejando los fondos desenfocados.

200 mm Su tamaño y peso hacen que no sea el más adecuado para llevarlo encima todo el tiempo a no ser por alguna razón específica.

300 mm Los de abertura F2.8 se pueden utilizar para una gran variedad de fotografías con películas lentas y luz débil.

400 mm Se fabrica con abertura F2, F3.5 y F5.6. Son, de hecho, objetivos especializados para fotografías de prensa, deportes y naturaleza, y dependiendo de su abertura pueden costar varios miles de dólares.

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LOS OBJETIVOS DEL PROFESIONAL ZOOM Los objetivos zoom cubren una variedad de longitudes. Las longitudes focales típicas de un zoom cubren entre 20-30,28,35-70,35-200,80-200 y 180-600 mm.

Son raros y costosos los objetivos de zoom para cámaras que utilicen película de 120.

Un objetivo zoom tiene más elementos que un objetivo de distancia focal fija y el movimiento interno de las lentes que lo constituyen ha de controlarse con precisión. Durante mucho tiempo algunos profesionales de la fotografía se mostraban recelosos al uso de objetivos zoom, pensaban que sus resultados eran ópticamente inferiores a los objetivos de distancia focal y fija y, además, eran más delicados.

Algunos de estos problemas se han superado. Diversos fabricantes producen objetivos de 80-200 mm con una abertura máxima de F2.8 en toda la gama focal.

Si se combina su empleo con un objetivo de 35-70mm de abertura F2.8 significa que la gran mayoría del trabajo de un fotógrafo de prensa puede hacerse con sólo dos objetivos.

Hace veinte años pocos profesionales de la fotografía utilizaban el zoom con regularidad. El hecho de que muchos los utilicen en la actualidad es un tributo a la capacidad de los diseñadores.

35 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

DIAFRAGMAS Y NUMERO F

EL OBTURADOR La primera fotografía tomada por Niepce en 1826 tuvo una velocidad de obturación de 8 horas. El Daguerrotipo permitió exposiciones rápidas de hasta 1/2 hora en 1878. Al producirse las gelatinas de placas secas, la velocidad ya era de 1/25seg, suficiente para prescindir del trípode.

Como vemos, el obturador es el tiempo que puede actuar la luz en la película.

La velocidad de obturación puede ser controlada desde el cuerpo de la cámara o desde el objetivo.

DIAFRAGMAS Y NUMERO F La superficie sensible sobre la que ha de reproducir la imagen proporcionada por el objetivo se impresiona en razón de la cantidad de luz que llega a la misma; por otra parte, esta cantidad varía de un sujeto a otro; para limitar el paso de la luz, los objetivos están previstos de dispositivos tales como obturador y diafragma.

El diafragma es, como acabamos de decir, un dispositivo mecánico que limita el paso de los rayos de luz. Este efecto, primitivamente se conseguía con láminas de metal taladradas con círculos de diferentes diámetros.

Cada óptico y fabricante disponía de una escala de orificios que obedecían las más de las veces a una escala graduada arbitrariamente en milímetros o centímetros, sin mayor significación, la sensibilidad limitada y única de los escasos tipos de “emulsiones” no hacían muy difícil determinar la cantidad de luz necesaria, establecida siempre mediante tanteos previos.

Los objetivos poseen una clara referencia a estos números y a otros valores de interés; en su montura, generalmente cerca de la lente frontal, figuran los datos técnicos, nombre del fabricante, tipo de objetivo, etc.

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Actualmente se alcanzan velocidades de hasta 1/8000 seg. Lo normal es que las cámaras funcionen a velocidades máximas de una milésima de segundo.

Con el obturador podemos seleccionar el tiempo de exposición necesario para obtener la imagen fotográfica correctamente expuesta.

Existen dos posiciones básicas de obturadores: central y de plano focal.

El central va colocado normalmente en la misma óptica o cerca de ella y el de plano focal en la zona donde se forma la imagen.

La serie de velocidades que se indica y la lectura de las mismas siempre se refiere a un segundo dividido por la cifra indicada. Estas son 1, 2, 4, 8, 15, 30, 60, 125, 250, 500, 1000, 2000, 4000 y 8000. Entre ellas existen una diferencia lumínica del doble o la mitad

37 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

según vaya creciendo o decreciendo. Es decir, si tenemos una velocidad de 125 y deseamos el doble de luz, usaremos una velocidad de 60 y por el contrario, si deseamos la mitad de luz utilizaremos una velocidad de 250.

Además de las velocidades indicadas, algunos obturadores poseen también la posición B. En la posición B el obturador permanece abierto tanto tiempo como se esté apretando el botón o cable de disparo.

El tiempo de obturación y el fotógrafo

Otro factor que determina la velocidad de obturación es si la fotografía se realiza a mano alzada o con trípode. Como término medio es mejor usar el trípode cuando la velocidad de obturación es igual o menor de 1/60 seg.

EL VISOR El visor es el elemento de la cámara dónde componemos el objeto a ser fotografiado.

Hay muchos tipos de visores; existen los de la cámaras Reflex dónde lo que se ve es lo que capta el negativo. En las cámaras de visores fijos hay una pequeña separación entre lo que se ve y lo que capta el plano focal.

Existe el visor de cintura para hacer fotos con perspectivas diferentes.

Las cámaras técnicas tienen un enorme visor de capucha donde se observa la imagen invertida y, hay visores deportivos dónde se logra encuadrar imágenes sin acercarse a la cámara.

Binomio Diafragma - Obturador

Cuando realizamos una fotografía debemos combinar siempre un número de diafragma y relacionarlo con la velocidad de obturación. Esta combinación depende de muchos factores, entre ellos: intensidad lumínica, profundidad de campo, sensibilidad de la película, etc.

A un número mayor de diafragma (f11) corresponde una velocidad de obturación relativamente lenta (1/8 seg.) o viceversa, a un número pequeño de diafragma (f2) corresponde una velocidad de obturación relativamente rápida (250 seg.).

Diafragma f:1,2 f: 2 f: 2.8 f: 4 f: 5.6 f: 8 f: 11 Velocidad 500 250 125 60 30 15 8 Debemos, ante todo, analizar las características de esta serie de combinaciones y analizar las características del trabajo que vamos a realizar.

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PLANO FOCAL Es la superficie sobre la que se forma la imagen nítida del sujeto. Mientras se toma una fotografía, la película está extendida a través del plano focal. Cuanto más cerca está la cámara del sujeto, más lejos está el plano focal del objetivo.

Por tanto es necesario algún mecanismo de enfoque para alejar o acercar el objetivo a la cámara y así obtener imágenes nítidas tanto de sujetos lejanos como de cercanos.

Todas las cámaras están diseñadas de forma que cuando están bien enfocadas, el plano focal coincida con la superficie de la película.

39 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

LONGITUD FOCAL O DISTANCIA FOCAL

EJE FOCAL

Se define como la distancia existente entre el centro del objetivo y el punto focal posterior, cuando el sujeto enfocado está situado en el “infinito.”

La utilidad inmediata que tiene el manejo de esta definición no está en saber dónde se forma la imagen fotografiada, sino en conocer el tamaño que tendrá y, en todo caso, en poder variar el tamaño y la perspectiva de dicha imagen.

En la práctica, el fotógrafo recurre a cambiar el objetivo de la cámara por otro de distancia focal diferente, a utilizar otra cámara en caso de que el objetivo sea fijo y no pueda cambiarse.

Esta necesidad de cambiar el objetivo se comprende fácilmente si consideramos que cuanto mayor sea su capacidad concentradora, la imagen se proyecta más cerca, resultando la proyección más pequeña. Por el contrario, cuando el poder de convergencia del objetivo es escaso, la imagen es proyectada más lejos, con lo cual su tamaño es mayor.

Se define como la distancia existente entre el objeto a fotografiar y el plano focal.

Es una línea imaginaria que atravieza el centro de un objetivo. Un rayo luminoso que coincida con este eje debe viajar en línea recta hasta el plano focal.

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PROFUNDIDAD DE CAMPO Intimamente unido al concepto de distancia focal está el concepto de profundidad de campo.

Cuando es enfocado un objeto con el fin de que su imagen resulte lo más nítida posible, esta nitidez es ciertamente máxima en el objeto enfocado, sin que por ello desaparezca total y bruscamente más allá de esta zona de enfoque preciso. La pérdida de nitidez en la imagen es gradual a medida que nos alejamos del objeto enfocado, tanto hacia atrás como hacia adelante. Existe, no obstante, una franja donde esta disminución de la nitidez es tan mínima que apenas puede considerarse como tal.

La zona en cuestión se denomina profundidad de campo. Cada objetivo tiene la suya propia y está en función de la distancia focal del mismo y de su “abertura”.

Cuanto más corta sea la distancia focal, mayor será la profundidad de campo.

Asimismo, cuando más cerca esté el sujeto, menor será esta profundidad. Es decir, que la profundidad de campo disminuye cuanto mayor es la distancia focal.

41 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

EVALUACIÓN • Defina qué es el cuarto oscuro y realice una breve descripción de el. ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ • ¿Quién y en qué año se logra la primera fotografia? ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ • Describa qué es daguerrotipo. ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ • Describa cuál fue el proceso que masificó la cámara fotográfica. ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ • ¿Cuáles son los diferentes tipos de cámaras? ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________

• ¿Qué es el Diafragma? ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ • ¿Qué es velocidad de Obturación? ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ • ¿Qué es profundidad de Campo? ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ • ¿Qué es Plano Focal? ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ • Elabore un ensayo de dos paginas sobre la importancia de la fotografía en el diseño.

• Elabore una cámara estenopeica teniendo en cuenta las indicaciones del formador.

• ¿Cuáles son los cinco elementos que componen la cámara fotográfica? __________________________ __________________________ __________________________ __________________________ __________________________

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43 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

UTILIZACIÓN DEL CUARTO OSCURO

Logro: Conoce el funcionamiento del Cuarto Oscuro para proceso de revelado Blanco y Negro.

Indicadores de logros:

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Evidencia de

1. Identifica el procedimiento para revelado blanco y negro

Conocimiento

2. Elabora ampliaciones fotográficas de diversos tamaños proceso blanco y negro

Desempeño

LOS PLANOS Plano es el espacio escénico que vemos en el marco del visor de la cámara. El tamaño de los planos se establece tomando como referencia básica de la figura humana.

Plano Panorámico También denominado Gran Plano General se utiliza para dar una visión panorámica de un paisaje. Se puede usar para contrastar elementos de muy distinto tamaño y ofrecer una visión completa de la acción.

Dicen que el nombre de plano americano viene de los tiempos en los que triunfaban las películas del género Western o, como las llamaba yo de pequeño, de indios y vaqueros.

En estas películas era importante que las armas que llevaban los protagonistas en las cartucheras, a la cintura un poco caídas, se vieran suficientemente bien, y esto es lo que marcaba la línea de corte.

Algunos lo llaman también plano tres cuartos.

El plano americano corta al protagonista aproximadamente a la altura de la rodilla o por el muslo. En función de si el protagonista está recostado o sentado, la tolerancia baja algo, llegando hasta un poco por debajo de las rodillas.

Generalmente muestra un paisaje, donde la perspectiva y el ángulo de cámara son los protagonistas. Abarca grandes extensiones como campos, ciudades, bosques, mares, etc.

Plano General En retrato, éste es el plano en el que aparece todo el cuerpo.

Por tanto, tendremos un plano entero si a quien o quienes estamos fotografiando aparecen completos, desde los pies a la cabeza, sin secciones, en nuestra foto.

En el caso de la foto que hemos utilizado para el ejemplo, se aprecia cómo se ve el cuerpo de el modelo completo, sin ningún tipo de recorte.

Este es el plano más lejano que podemos tomar. A partir de aquí, veremos como nos podemos acercar en nuestros retratos.

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Plano Americano/Tres Cuartos

Es ideal para encuadrar en la fotografía a varias personas interactuando.

Plano Medio El plano medio cubre hasta la cintura, recogiendo la línea de corte entre el ombligo hasta casi la entrepierna.

En caso de estar sentado el protagonista, la tolerancia baja hasta aproximadamente la mitad del muslo.

Este tipo de encuadre se suele utilizar para resaltar la belleza del cuerpo humano, por lo que es un tipo de plano muy utilizado en fotografía de moda.

También es adecuado para mostrar la realidad entre dos sujetos, como en el caso de las entrevistas.

47 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

Plano detalle El Plano detalle en el retrato recoge una pequeña parte del cuerpo, que no necesariamente debe corresponder con el rostro.

Plano Medio Corto El plano medio corto, también conocido como plano de busto o primer plano mayor, recoge el cuerpo desde la cabeza hasta la mitad del pecho.

En esta parte se concentra la máxima capacidad expresiva, y los gestos se intensifican por la distancia mínima que existe entre la cámara y el protagonista, permitiendo enfatizar el detalle que deseamos resaltar.

Este plano nos permite aislar en la fotografía una sola figura dentro de un recuadro, descontextualizándola de su entorno para concentrar en ella la máxima atención.

LA COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA

Primer Plano El Primer plano, también llamado primer plano menor o de retrato, recoge el rostro y los hombros.

Este tipo de plano, al igual que el plano detalle y el primerísimo primer plano que veremos a continuación, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al personaje.

Primerísimo Primer Plano El Primerísimo primer plano capta el rostro desde la base del menton hasta la punta de su cabeza.

Igual que a un pintor, la capacidad de percepción y selección del fotógrafo le hará escoger los componentes que más le agraden, existen ó informen. Según la experiencia, gusto y consideración del sujeto,el fotógrafo eligirá el punto de vista, la cámara, la óptica, el tipo de película y la iluminación.

Al encuadrar se excluye de la imagen cualquier zona o detalle que interfiera o sea extraña al sujeto principal. A veces puede colocarse el sujeto en relación con el entorno, en el que los muebles y elementos decorativos se disponen en orden a lograr el mejor resultado. En cualquier caso, ésta siempre debe considerarse desde la posición de la cámara, teniendo en cuenta la longitud focal u óptica empleada.

Una vez tomada la fotografía, puede trabajarse la imagen durante el revelado y la ampliación para destacar aún más al sujeto.

La formulación de la composición de imágenes como ciencia se basa en reglas similares a las que rigen la estructura de las frases. Las imágenes como las palabras, deben ordenarse de alguna forma si se pretende una comunicación eficaz.

La composición es elemental, ayuda a comunicar el significado de la imagen con tanta efectividad como sea posible y de esta forma ayuda a obtener una respuesta emocional del espectador.

Existen dos tipos de composición: la simétrica y la asimétrica. La primera es aquella cuyos elementos están dispuestos de igual forma arriba que abajo; a la derecha que a la izquierda. Da la impresión de fuerza, equilibrio y estabilidad. La composición asimétrica presenta una estructura irregular, ágil y dinámica muy utilizada actualmente por la nueva generación de fotógrafos y diseñadores gráficos.

Con este tipo de encuadre, el primerisimo primer plano consigue también dotar de gran significado a la imagen.

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49 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

La lectura de la imagen

Equilibrio y proporciones

En nuestra cultura occidental, el sistema de lectura de una imagen, cuando los elementos están en un mismo plano, es siempre de izquierda a derecha y de arriba abajo. Una vez el ojo ha hecho estos desplazamientos, analiza la figura en diagonal.

Manifiesta Rudolf Arnheim que: “el equilibrio es el estado de distribución de las partes por la cual todo ha llegado a una situación de reposo. En una composición equilibrada, todos los factores se determinan entre sí de tal forma que no parece posible ningún cambio y la totalidad manifiesta el carácter de necesidad de todas las partes”.

El peso de un elemento aumenta proporcionalmente a su distancia del centro de equilibrio. Un elemento grande pesará más que uno pequeño, un tono brillante más que uno oscuro y un elemento situado en la parte derecha o arriba pesa más que uno colocado a la izquierda o parte inferior de la imagen.

Estas consideraciones son básicas si queremos obtener un perfecto equilibrio, ya que una imagen mal equilibrada es generalmente rechazada por el observador y, por lo tanto, su misión de comunicar puede quedar anulada.

Situaciones y proporciones

Una imagen compuesta de forma optima es aquella que permite al ojo caminar de elemento en elemento, con un cierto orden, para analizar todo el sujeto. En primer lugar y siguiendo las líneas dominantes sobre el elemento principal (ver gráfico), permite ver el motivo fundamental, y después, los complementarios.

La armonía de las proporciones es a veces material y evidente, pero otras es inmaterial e intuitivas. Los antiguos egipcios, al construir sus monumentos, lo hicieron siguiendo principios rigurosamente geométricos y realizaron un triángulo rectángulo cuyos lados tienen una proporción de 3,4 y 5 que fue llamado más tarde “triángulo de Pitágoras”.

Existe el llamado “Rectángulo de oro” cuya razón entre longitud y anchura es 1,618.

Esta proporción relaciona las partes con el todo y fue usada por la mayoría de los pintores del renacimiento, perdurando hasta nuestros días.

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51 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

Existe un sistema más simple para lograr una composición asimétrica equilibrada.

Se divide el área en tercios vertical y horizontalmente. La línea del horizonte deberá estar siempre situada en una de las líneas bien en el tercio superior o en el inferior,

1

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EL CUARTO OSCURO DISEÑO SENCILLO DE UN CUARTO OSCURO

Horizontal

Vertical INCAP- INSTITUTO COLOMBIANO DE APRENDIZAJE 52

53 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

ELEMENTOS QUE COMPONEN UN LABORATORIO FOTOGRÁFICO 1. Interruptor de luz 2. Ventilador 3. Tanque de lavado 4. Papel desechable 5. Cubetas 6. Repisa 7. Tobo 8. Papelera 9. Luz de seguridad 10. Luz principal

11. Armario 12. Ampliadora 13. Esmaltadora 14. Lámpara de seguridad 15. Banco 16. Guillotina 17. Marginador 18. Reloj de ampliadora 19. Archivo 20. Gavetas archivadoras

REVELADO DE LA PELÍCULA Revelar con un químico recién preparado ó con menos de un mes y medio de preparación.

• Debes tener en cuenta la concentración, la temperatura, el tiempo de revelado más o menos es de 10 minutos.

• La agitación del tanque en intrevalos de 3 minutos.

• El tiempo de lavado debe ser por lo menos un minuto.

• El tiempo de fijado no debe ser menos de 5 minutos, más o menos de 12 minutos.

• El lavado final un mínimo de 5 minutos con agua corriente.

REVELA Y COPIA TUS PROPIAS FOTOS El tiempo para dictar este taller ha sido muy corto.

En estos cuatro módulos anteriores han visto los principios teóricos de la fotografía.

Ya sabes algo de historia, de cámaras, de iluminación y muchos términos fotográficos pero todo es teoría. Aprende bien la teoría y en la práctica lo harás mejor.

El revelado y copiado es sumamente sencillo; siempre digo que es una receta de cocina. Si un rollo B&N de 100 ASA es tomado en condiciones normales de iluminación, el revelado y copiado deberá ser muy sencillo. Para el revelado de película debes tener en cuenta lo siguiente: • • • •

Total oscuridad.

Tener el rollo, el espiral y el tanque de revelado a mano.

El espiral debe estar completamente seco.

Mientras menos contacto y menos roce tengas con la película virgen cuando la introduces en el espiral , tendrás mejores resultados.

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El secado del rollo es importante. No debe tener contacto con ninguna superficie.

Si no tienes secadora no importa, el baño es un buen sitio; cierras la ventana y la puerta para que no entre polvo ni corriente de aire. El rollo debe ser colgado con un contrapeso porque se enrolla y el manejo se dificulta. Si usas un secador de pelo a velocidad lenta y tibio se facilita toda la operación. Cuando esté totalmente seco inmediatamente lo cortas en tiras de 6 tomas y los archivas.

Copiar fotos es muy sencillo. Existen papeles de fotografía de muchas marcas, texturas y gradaciones. ¿Qué significa gradaciones?......Gradación es el grado de contraste que tiene el papel ¿ Y, esto para qué sirve?.....Si el negativo es muy

55 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

oscuro (denso, contrastado) se usa un papel de poco contraste, por ejemplo; grado uno. Sí el negativo tiene una gama de grises aceptable usamos papel de contraste normal, grado dos o tres.

Y si el negativo es muy claro usamos el grado cuatro o cinco.

fibra debemos quintuplicar el tiempo de fijado y lavado final.

¿CÓMO AMPLIAR TUS FOTOGRAFÍAS B & N? Para la ampliación no hace falta una total oscuridad, éste paso es mucho más flexible que el revelado del rollo.

Hace falta un bombillo rojo de 25 w situado a cierta distancia del sitio de trabajo.

Existen lámparas de filtros de seguridad para el mismo fin. La forma más sencilla, casera y barata es enrollar teipe rojo (de electricidad) en un tubo de neón. Se coloca el tubo a unos 2 metros y se hacen las pruebas de seguridad. Toma una moneda y colocala sobre el papel virgen con la luz de seguridad encendida, deja la moneda sobre el papel unos tres minutos. Revela el papel, si hay indicios del círculo, aleja la luz de seguridad, o la mesa de trabajo de la luz.

Para copiar hace falta: Ampliadora, 3 bandejas o recipientes, luz de seguridad, pinzas (no es indispensable), químicos y papel.Uno de los procesos más satisfactorios de la fotografía es el proceso de revelado.Debes estar perfectamente organizado porque los errores son difíciles de corregir.

Trabajar en el cuarto oscuro (no hace falta que sea permanente) es fácil una vez que la vista se ha acostumbrado.

Para secar el papel basta que lo coloques sobre periódicos. Puedes acelerar el proceso secándolo con una tela de algodón y pasándole un secador de pelo a alta velocidad y mucho calor, pero desde lejos tratando de que en aire caliente cubra uniformemente toda la zona del papel.

Los papeles vienen de varios tamaños, el más usado es el 8x10 (20x24cm). Le sigue el de 30x40cm, 50x60cm y la bobina que es de 120 cm. X 10mts.

No es preciso disponer de agua corriente por lo que la instalación puede ser en la cocina ó en el comedor siempre que trabajemos de noche. En este caso la temperatura puede variar y no importa que sobrepase los 20°C. En nuestro país siempre sobrepasa los 20°C.

¿Cómo es el proceso?

Se expone una hoja de papel a la imagen negativa proyectada por la ampliadora.

El primer baño, el revelador, debe actuar un minuto ó hasta que la imagen que ha estado apareciendo posea una completa gama de grises.

Una vez revelada la copia, se lleva a la bandeja con agua. Es bueno agregarle un chorrito de vinagre a este proceso ya que actúa como baño de paro e interrumpe la acción del revelador. Tras unos segundos se pasa al fijador dónde se deja unos 10 minutos.

El lavado con agua corriente es la última etapa y es fundamental prolongarlo una media hora para eliminar los restos de fijador. Si usamos un papel con base de INCAP- INSTITUTO COLOMBIANO DE APRENDIZAJE 56

57 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

EVALUACIÓN

• ¿Cuáles son los planos de toma? ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ • Explique el proceso de revelado ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________

TALLER

• De acuerdo a lo visto realice la toma de 36 fotografías en blanco y negro según las indicaciones del formador.

• Realice el revelado de las fotografías tomadas en el Cuarto Oscuro según el proceso.

• Después haga el proceso de ampliación de las fotografías según indicaciones del formador.

• Explique el proceso de ampliación ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________

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59 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

FOTOGRAFÍA DIGITAL E ILUMINACIÓN

Logro: Conoce qué es la Fotografía Digital y los tipos de Iluminación Indicadores de logros:

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Evidencia de

1. Diferenciar la importancia de la fotografía digital en el diseño grafico

Conocimiento

2. Conocer los diferentes tipos de iluminación para fotografía.

Conocimiento

3. Crea imágenes fotografícas acorde a la necesidades del cliente (artísticas, publicitarias, o reportaría)

Desempeño

LA FOTOGRAFÍA DIGITAL

directo) al no estar colocados a la altura del objetivo que es el que capta la imagen tienen un error que llamamos de paralaje.

Durante mas de 150 años hemos conocido la fotografía como un proceso químico, donde la película estaba compuesta de unos haluros de plata que se procesaban con un revelador para que la imagen latente se hiciera visible, y se positivaba con la ayuda de una ampliadora.

Hoy en día el laboratorio fotográfico ha cambiado bastante con el paso a la fotografía digital donde sustituimos la película por fotosensores, retocamos nuestras fotos con un ordenador y somos capaces de enviarlas con un teléfono móvil, Internet o imprimirlas en nuestra propia casa.

Laboratorio digital: Igual que el laboratorio químico tiene sus herramientas y sus procesos el digital tiene los suyos propios, aunque siempre veremos las similitudes entre un proceso y otro, por que al fin y al cabo la forma de tomar las fotografías es prácticamente las mismas.

- Cámara digital: La base para tomar una imagen digital, su apariencia es la

de una cámara convencional, porque básicamente lo es.

- Tarjetas de Memoria: Podríamos decir que es el sustituto del negativo digital, en lo que afecta al almacenamiento de las fotografías, no en lo que respecta a la parte sensible del negativo.

- Escáneres: Son otra forma de obtener una imagen digital, los hay de diferentes clases, como los escáneres planos que son básicamente los que todos tenemos en casa, lo escáneres de película, para película negativa de 35mm etc y los escáneres de tambor, que son lo que escáneres profesionales.

- Ordenador: Es el instrumento con el que editamos, modificamos nuestras imágenes digitales, para los diferentes usos que podemos darles.

- Impresoras: Con ellas llegamos al formato final o tradicional en papel, las hay de inyección de tinta, láser, sublimación.

La cámara digital: No difiere mucho de la cámara tradicional e igual que ella podemos dividirlas por clases: - Compactas: Son las cámaras más sencillas, normalmente con visor directo, de pequeño tamaño y en las que no suele existir ningún control manual sobre la exposición (manipulación de obturados y diafragma) y suelen tener unos programas prefijados, para la exposición. Los visores de estas cámaras (visor INCAP- INSTITUTO COLOMBIANO DE APRENDIZAJE 62

Compacta digital

- Semi-reflex: Por así llamarlas, son muy parecidas a las anteriores pero nos permiten tener control manual en la exposición, sensibilidad ISO, etc.

- Reflex digital: o SDLR, son una replica exacta a las cámaras reflex tradicionales, con su espejo, penta prisma y objetivos intercambiables, etc

Reflex digital

- Formato medio: Cámaras manuales, reflex, pero con fotosensores de mayor tamaño, se usan para trabajos profesionales, moda, publicidad etc, el fotosensor se aloja en un respaldo externo que se acopla a la cámara.

- Gran formato: No existe referente digital hoy por hoy.

63 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

Elementos de la imagen (fotosensores): El fotosensor, es la parte de la cámara que sustituye al negativo convencional, es un elemento sensible a la luz, que transforma esta, en carga eléctrica. La imagen generada por estos fotosensores depende del tamaño de estos, en píxeles.

Imaginemos un área rectangular dividida en celdas donde todas las celdas que la forman son iguales, pues esa es la forma que tiene una imagen digital, cada celda que conforma el área es la unidad mas pequeña, que se llama píxel (Picture element) y su abreviatura “pix”. A la cantidad de píxeles que tiene una imagen la llamamos resolución que sale de multiplicar la cantidad de píxeles de ancho por los que tiene de alto. A mayor cantidad de píxeles, mayor resolución y a su vez mayor calidad, aunque esta no solo depende de la resolución si no que también de la calidad óptica y del sistema de compresión de color, etc.

La resolución también viene expresada en puntos por pulgada (ppp) cantidad de píxeles que entran en una pulgada. Se suele aceptar que la resolución equivalente a la del ojo humano ronda los 120 megapixepes, y que la resolucion equivalente a la película tradicional de 35 milímetros es de 40 megapixeles.

Los fotosensores sólo son capaces de recibir información de la cantidad de luz que reciben, cuanta más luz, más carga eléctrica y esto lo traduce en blanco, cuanta menos luz menos carga y esto lo traduce en negro, con lo cual solo generan imágenes en escala de grises.

Para solucionar el problema del color, los fotosensores son divididos en cuadriculas de 4x4 píxeles y recubiertos con filtros de colores, concretamente con los colores basicos rojo, verde y azul (sus siglas en ingles R,G,B) concretamente un píxel de la cuadricula es rojo, uno azul y dos verdes para simular la sensibilidad del ojo humano a ese color.

INCAP- INSTITUTO COLOMBIANO DE APRENDIZAJE 64

Básicamente solo hay dos clases de fotosensores, los CCD y los CMOS: - CCD (Charge-Coupled Device) dispositivo de carga acoplada, son mas lentos en transferir la imagen y mas caros de producir en resoluciones grandes, a su favor tienen que en nivel de ruido es menor, es el mas común.

- CMOS (Complementary Metal Oxide Semiconductor) Semiconductor complementario del óxido de metal, consumen menos, son más rápidos, más baratos y tienen mayor resolución, pero en su contra, generan más ruido.

Una vez trasferida la imagen del fotosensor a la cámara, esta la interpreta con unos cálculos matemáticos y luego es comprimida (o no, según la configuración de la cámara) en un archivo informático para ser almacenada en la tarjeta de memoria. Interpolando o rellenando la información que falta con datos «inventados» a partir de un algoritmo específico.

Normalmente los fotosensores son mas pequeños que sus correspondientes en película tradicional, cuando el fotosensor tiene el mismo tamaño que el fotograma de una película convencional lo llamaremos full frame.

Profundidad de color: La información que procede del conjunto de sensores CCD o CMOS es una analógica, consiste en una serie de mediciones de las cargas eléctricas generadas por los fotosensores.

Para almacenar estos datos en un formato que puedan leer los ordenadores e impresoras deben convertirse a formato binario.

Un ordenador solo reconoce dos estados: encendido o apagado, a estos estados se les asigna los valores de 1 y 0 respectivamente. Un número binario es simplemente una cadena de dígitos binarios 1 y 0, o “Bits”.

El valor de cada bit depende de su posición dentro de la cadena. Contando desde la derecha el primer valor es 1, el segundo 2, el tercero 4, el cuarto 8 y así sucesivamente, esto significa que el número binario “1010” representa 8+2, es decir, 10.

La mayor parte de la fotografía digital se basan en cadenas de 8 dígitos (8 bits) “11111111” representa 128+64+32+16+8+4+2+1 es decir 255. Además el ordenador también reconoce “00000000”, por lo que se pueden formar 256 valores diferentes a partir de la cadena de 8 dígitos.

Esto significa que la información de cada píxel se puede almacenar como un valor entre 0 y 255, representando así uno de los 256, tonos de gris diferentes.

No obstante si existe un grupo de píxeles con filtros rojos, verdes y azules, se estará reuniendo tres lotes de datos. En vez de una cadena de 8 bits, tenemos tres cadenas o 24 bits, que definen el color y el brillo del área del píxel.

65 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

Al número de bits se le suele llamar profundidad de color. ¿Cuántos colores diferentes son posibles con una profundidad de color de 24 bits?

Multiplique 256x256x256, la respuesta es algo mas de 16 millones de colores.

Esto proporciona una representación del sujeto que el ojo humano cepta como colores verdaderos.

Con una tasa de compresión baja obtenemos una calidad muy parecida a la del original, y un fichero mayor.

Esta pérdida de calidad se acumula. Esto significa que si comprime una imagen y la descomprime obtendrá una calidad de imagen, pero si vuelve a comprimirla y descomprimirla otra vez obtendrá una perdida mayor. Cada vez que comprima y descomprima la imagen esta perderá algo de calidad.

El algoritmo de compresión JPEG se basa en dos defectos visuales del ojo humano, uno es el hecho de que es mucho más sensible al cambio en la luminancia que en la crominancia, es decir, notamos más claramente los cambios de brillo que de color. El otro es que notamos con más facilidad pequeños cambios de brillo en zonas homogéneas que en zonas donde la variación es grande, por ejemplo en los bordes de los cuerpos (entiéndase por cuerpo cualquier cosa y no un cuerpo humano) JPEG/JFIF es el formato más utilizado para almacenar y transmitir archivos de fotos en la Web. Pero la compresión con pérdida del formato no conviene a diagramas que incluyen textos y líneas. El formato de ficheros JPEG o JPG fue creado por un grupo independiente, llamado JFIF (JPEG File Interchange Format), quienes se encargan sólo de la utilización del algoritmo JPEG para almacenar imágenes. Existen otros formatos de fichero que también utilizan el algoritmo JPEG, el más conocido de ellos es JNG.

TIFF (Tagged Image File Format) es un formato de archivo de imágenes.

Archivos de imágenes informáticas: JPEG (Joint Photographic Experts Group) es un algoritmo diseñado para comprimir imágenes con 24 bits de profundidad o en escala de grises. JPEG es también el formato de fichero que utiliza este algoritmo para comprimir imágenes. JPEG sólo trata imágenes fijas, pero existe un estándar relacionado llamado MPEG para videos.

El formato de archivos JPEG se abrevia frecuentemente JPG debido a que algunos sistemas operativos sólo aceptan tres letras de extensión.

JPEG es un algoritmo de compresión con pérdida. Esto significa que al descomprimir la imagen no obtenemos exactamente la misma imagen que teníamos antes de la compresión.

Una de las características que hacen muy flexible el JPEG es el poder ajustar el grado de compresión. Si especificamos una compresión muy alta se perderá una cantidad significativa de calidad, pero, obtendremos ficheros de menor tamaño.

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La denominación en inglés “Tagged Image File Format” (formato de archivo de imágenes con etiquetas) se debe a que los ficheros TIFF contienen, además de los datos de la imagen propiamente dicha, “etiquetas” en las que se archiva información sobre las características de la imagen, que sirve para su tratamiento posterior.

Estas etiquetas describen el formato de las imágenes almacenadas, que pueden ser de distinta naturaleza: • Binarias (blanco y negro), adecuadas para textos, por ejemplo.

• Niveles de gris, adecuadas para imágenes de tonos continuos como fotos en blanco y negro.

• Paleta de colores, adecuadas para almacenar diseños gráficos con un número limitado de colores.

• Color real, adecuadas para almacenar imágenes de tono continuo, como fotos en color.

Un aspecto muy práctico del formato TIFF es que permite almacenar más de una 67 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

imagen en el mismo archivo.

Un mito que ha de desterrarse es la idea de que el formato TIFF no permite comprimir las imágenes. No obstante, algunas cámaras fotográficas digitales ofrecen la opción de grabar fotos en el formato TIFF, lo cual suele entenderse como sin compresión. Fue desarrollado por Aldus y Microsoft, y es actualmente propiedad de Adobe Systems.

AdobeDNG en la industria fotográfica, así como entre algunos fabricantes de cámaras. En el campo semiprofesional, son las marcas Samsung (Pro 815) y Ricoh (GR Digital) las primeras. En el segmento profesional son tanto Leica (Digitalmodul-R) como Hasselblad/Imacon (H2D) las primeras.

La utilidad del formato raw

• Mayor flexibilidad al poder trabajar con las fotos en cualquier sistema. Con el sistema raw propietario puede darse el caso de que únicamente puedas editar en tu propio ordenador, por no disponer del software de la cámara en ningún otro cuyo propietario no posea una cámara similar y por tanto sus controladores.

• Mayor garantía de durabilidad en el tiempo. Podría ser muy probable que tras unos años, el fabricante deje de dar servicio para un modelo de cámara y que el software futuro (en solo 5 o 10 años) no reconozca el formato específico de una cámara determinada. Al crearse un estándar la probabilidad de poder trabajar con cualquier software las fotos de una cámara en concreto se multiplica.

• DNG emplea compresión efectiva sin pérdida de calidad.

Si disparamos dos fotos del mismo motivo, una en jpg con baja compresión (alta calidad) y otra en raw, a priori, seguramente se verá mejor la tomada en jpg : Mejor nitidez/enfoque, mejor contraste, mejor iluminación, mejores colores, etc.

Esto es debido a que una cámara digital suele aplicar distintos filtros digitales para mejorar la imagen. Sin embargo el formato raw nos muestra la foto tal y como el sensor la capturó, sin ningún filtro de mejora. Se verán unos colores más neutros, menos saturados, un enfoque más blando, y una iluminación que dependerá más de la exposición que hicimos, más visiblemente sobre o subexpuesta si fuera el caso.

Sin embargo, una foto en jpg tiene 24 bits/píxel frente a 36 bits/píxel que suele contener el modo raw 24 bits serán suficientes para ver toda la gama de colores posible, pero serán claramente insuficientes cuando queramos realizar ciertos ajustes (iluminación, corrección tonalidades, etc) a la imagen. Por otro lado, a partir de una imagen en formato raw, aunque en apariencia parezca más pobre, contiene muchísima más información y será muy manipulable al ajustar luces y colores.

DNG (del inglés: Digital Negative) es un formato abierto, aunque su propietario, Adobe Systems Inc. hizo público en septiembre de 2004, para ficheros de fotografías de tipo RAW.

Surge por la necesidad de crear un estándar para los archivos de fotografía de tipo RAW, puesto que cada marca utiliza un formato propio de archivo e incluso diferentes entre modelos. En 2005 la cantidad de formatos raw diferentes supera la centena. Si a ello se añade que fabricantes como Nikon y Sony han comenzado a encriptar sus archivos raw, la tarea de terceros fabricantes de software relacionado con la fotografía se dificulta. A ello se suma el temor de que si un fabricante deja de ofrecer servicio a un modelo obsoleto (puede ser tras 5 años) podamos vernos en un futuro en la situación de no poder ver o manipular nuestras antiguas fotos tomadas en raw.

Por todo ello, a finales de 2005 comienza a establecerse el formato raw abierto INCAP- INSTITUTO COLOMBIANO DE APRENDIZAJE 68

Las ventajas de un formato estándar como Adobe-DNG son:

Tarjetas de memoria: Una tarjeta de memoria es un sistema de almacenamiento informático para dispositivos portátiles como cámaras digitales, reproductores de MP3 o impresoras.

También las actuales consolas de videojuegos hacen uso de tarjetas de memoria específicas para cada una.

Estas tarjetas suelen tener una memoria de tipo flash, aunque en algunos casos, como en las Compact Flash, se le puede incluir un minidisco duro, que aunque almacena más información, es más sensible a los golpes y consume más energía.

Clases de tarjetas: 69 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

• Compact flash y Microdrive: Las más rápidas y de más capacidad se

• • • •

pueden encontrar de 8 Gigabytes y hasta 12 Gigabytes. Los Microdrives son discos duros que se acoplan a las ranuras CF y pueden llegar a los 6 Gigabytes.

SD y MMC: Secure digital y Multimedia Memory Card, rápidas, económicas y se pueden encontrar capacidades de 2 a 4 Gigabytes.

Memory Stick: tarjeta de memoria propietaria de SONY. Rondan los 2 a 4 Gigabytes y pueden tener teóricamente en el futuro 32 Gigabytes y aunque el mercado es cambiante, normalmente mas cara.

XD: tarjeta de memoria propietaria de Fuji y Olympus. Menos capacidad que las anteriores 1 Gigabyte y normalmente mas caras.

Smart Media: tarjeta de memoria flexible de poca capacidad y ya casi en desuso.

Exposición: La combinación entre el diafragma y el obturador, o lo que es lo mismo, cantidad de luz y tiempo de exposición, se conoce con el nombre de par obturador-diafragma y será la que nos dé la exposición correcta para que la película o fotosensor quede adecuadamente impresionada con la escena elegida. No debemos olvidar que la variación de la luz se produce en la misma proporción al cambiar tanto el diafragma como el obturador. Esto significa que con distintos ajustes de intensidad (diafragma) y tiempo (obturador), siempre que dichos ajustes varíen en la misma proporción, uno suministrando más luz y el otro menos, se pueden conseguir idénticas exposiciones. Es lo que se denomina un Valor de Exposición o VE (en ingles EV o Exposure Value) que se expresa con un número.

Para saber la combinación correcta de obturador-diafragma tenemos un aparato denominado Exposímetro que nos dará dicho valor según los diferentes factores: Iluminación, Intensidad y distancia de la fuente de luz.

• Propiedades del sujeto. Cantidad de luz que refleja, tonalidad, color, superficie (desde un gato negro sobre un montón de carbón, hasta una botella de leche sobre la nieve).

• Sensibilidad de la película. Medida en grados ISO, los fotosensores no reaccionan a la luz de la misma manera que lo hace la película convencional pero es posible comparar su sensibilidad a la luz con un grado ISO equivalente, la sensibilidad de los fotosensores puede alterarse con equivalentes ISO estándar 100, 200, 400 ISO, a mayor número ISO más sensible a la luz y viceversa.

• Interpretación personal de la escena.

Unidades de capacidad Informática: • • • • •

8 bits= 1Byte 1024 Bytes = 1 Kilobyte 1024 Klilobytes = 1 Megabyte 1024 Megabytes = 1 Gigabyte 1024 Gygabytes = 1 Terabyte

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Los modelos más habituales de cámaras digitales y réflex que podemos encontrar en el mercado llevan incorporado un exposímetro (existen modelos de mano) para que podamos controlar la exposición, Podemos medir la luz de dos maneras basicas: • Lectura general de la luz que hay en toda la escena. Tendremos que tener cuidado pues tendrá más relevancia sobre la medición final las áreas de luz predominantes.

• Una medición parcial de las zonas claras y oscuras mas importantes por separado para luego establecer en los controles de la camara unos valores intermedios a los obtenidos.

71 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

Modo creativo La mayoría de cámaras digitales y reflex electrónicas, poseen una rueda para los modos creativos de la exposición, donde se encuentra el modo Manual, donde ajustamos manualmente el par diafragma obturador, el modo prioridad de obturador donde podemos ajustar el obturador y la cámara elije la abertura de diagrama necesaria, el modo prioridad de abertura, donde podemos elegir la abertura y la cámara elije la velocidad de obturación y luego tenemos otros modos donde la cámara tiene prefijados unos valores de fabrica para diferentes escenas, nocturno, deportes, nieve, interiores, retratos, etc.

En esta rueda de modos, una posibilidad que ofrecen las cámaras digitales es la grabación de video con audio (según modelo y marca) y otras posibilidades como la fotografía panorámica uniendo varias fotos.

Las cámaras digitales en su mayoría incorporan una pantalla donde podemos observar los distintos cambios que se producen en el ajuste de la exposición y nos informa también de diferentes factores, desde la resolución hasta el estado de las baterías, difieren según fabricante y modelo en su tamaño y tecnología empleada (LCD, TFT, OLED).

Teoría de la Luz

LA LUZ

La luz es simplemente el tipo de radiación electromagnética a la que es sensible el ojo humano, esta energía radiante, se emite a partir de muchas fuentes bien sean naturales o creadas por el hombre, que incluyen al sol, yacimientos radiactivos, transmisores de radio, lámparas eléctricas, velas, etc. Este tipo de radiación puede ser considerada como un espectro continuo que incluye además de la luz, las ondas de radio, el radar, los rayos X, los rayos gamma y otras formas de energía radiante. Lo que diferencia a cada una de estas formas de radiación es la longitud de onda, la distancia que hay entre una cresta de una onda hasta la siguiente, que puede oscilar entre muchos metros hasta la cienmillonésima parte de un metro. Sólo las longitudes de onda visibles se definen como luz, ese rango es al que llamamos espectro visible y todas las demás se denominan simplemente radiaciones.

Algunas cámaras tienen la posibilidad de sobreexponer o subexponer las tomas automáticamente, entendemos que:

• Sobreexponer: exponer a la luz el fotosensor mas de lo indicado,

darle mas luz (imagen mas clara) • Subexponer: exponer a la luz el fotosensor menos de lo indicado, darle menos luz (imagen mas oscura).

Foto Sobreexpuesta

Foto Subexpuesta

Foto Normal INCAP- INSTITUTO COLOMBIANO DE APRENDIZAJE 72

73 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

El espectro visible se encuentra en la estrecha banda de longitudes de onda que se extiende desde los 400 hasta los 700 nm, (nanómetros), entendiendo nanometro como la millonésima parte de un milímetro. Dentro de esta gama, la longitud de onda determina el color de la luz que percibimos, comenzando por el ultravioleta, en las longitudes de onda mas cortas y siguiendo por el azul, el verde el amarillo y el rojo. Más allá del rojo del espectro visible se encuentra la región del infrarrojo invisible, y las longitudes de onda más cortas que el violeta se denominan ultravioleta, también invisible. Tanto la radiación ultravioleta como la infrarroja son capaces, sin embargo, de exponer la mayoría de emulsiones fotográficas y fotosensores, al igual que otras formas de radiación, como los rayos X.

Luz Incidente y Luz reflejada Cuando la luz alcanza una superficie, puede ser transmitida a través de ella, absorbida o reflejada. Si la sustancia es transparente, tal como el vidrio de una ventana, la mayor parte de la luz será transmitida, aunque parte se pierda inevitablemente por reflexión y absorción. Un material translucido como el plexiglás o el papel de seda, tiene una transparencia considerablemente menor, y difunde la luz que lo atraviesa, en tanto que los materiales opacos no transmiten radiación visible. La proporción de luz que se transmite, absorbe o refleja, depende con que frecuencia de longitud de onda, si ciertas longitudes se transmiten o se reflejan en mayor medida que otras, percibimos un color característico para ese objeto.

• Luz Incidente: Los objetos que vemos están iluminados por la luz inci-

dente que cae sobre ellos proveniente del sol o del cielo, o de fuentes de luz artificial. La luz incidente, o iluminancia, puede medirse en unidades de candelas-pie, que originariamente se referían a la iluminación proporcionada por una vela normal a una distancia de un pie de una superficie.

Un exposímetro de luz incidente se emplea para medir la cantidad de luz que cae sobre un sujeto con objeto de determinar su exposición con la cámara. Este tipo de exposímetros llevan una semiesfera o un disco difusor sobre la fotocélula, que hace “un promedio” de toda la luz que incide sobre él. El exposímetro de luz incidente se sostiene en la posición del sujeto y se dirige normalmente hacia la cámara, de modo que toda la luz que incide sobre el lado del sujeto que se vaya a fotografiar queda integrada en una única lectura.

• Luz Reflejada: En la mayor parte de la fotografías registraremos la INCAP- INSTITUTO COLOMBIANO DE APRENDIZAJE 74

luz reflejada desde el sujeto, el lugar de la luz que incide sobre él. La forma de abordar la fotografía implica controlar las relaciones entre las luminancias (la luz reflejada) del sujeto, y los valores de la copia que se desea representar de esas áreas. Utilizando un exposímetro de luz incidente se pasa completamente por alto la medida de la luz reflejada que forma en realidad la imagen sobre la película o fotosensor, y por tanto, limita seriamente la posibilidad de evaluar determinadas áreas del sujeto y de aplicar ciertos controles para conseguir una imagen visualizada, creativa. La evaluación cuidadosa de la luz reflejada es un enfoque mucho mas positivo. la luminancia de un área determinada de un sujeto se mide en unidades de candelas metro cuadrado. La luminancia total de una superficie viene determinada por la cantidad de luz que incide sobre ella y una propiedad de la superficie conocida como su reflectancia. La reflectancia de una sustancia se expresa como un porcentaje que indica la proporción de la luz incidente que es reflejada por ese material. Debido a las diferencias en la reflectancia, percibimos ciertos objetos como “blancos” y otros como “negros”, con independencia de que los veamos con luz de dia intensa o con bajos niveles de iluminación. Un material negro oscuro puede reflejar menos del 2 por ciento de la luz incidente, en tanto que una sustancia blanca puede reflejar mas del 95 por ciento de. Ningún material, sin embargo, tiene una reflectancia del cien por cien, dado que se pierde inevitablemente algo de luz por absorción y dispersión. con la luz incidente uniforme, la gama de luminancias en un sujeto está determinada por la gama de reflectancias, la cual, como acabamos de señalar, puede variar desde menos del 2 por ciento hasta mas del 95 por ciento. Véase que el ratio de estas dos cifras es aproximadamente de 1:50, de manera que este es aproximadamente el máximo ratio posible de luminancias para superficies difusas si la luz incidente es totalmente uniforme.

• Reflexión especular y difusa: La luz reflejada tiene normalmente

una calidad difusa, es decir, la reflexión se produce aproximadamente en todas las direcciones por igual a partir de una superficie mate o con textura. Las superficies pulidas espejadas también producen reflejos especulares allí donde la mayor parte de la luz es reflejada como un haz, el brillo a la luz del sol de un cromado de un coche, por ejemplo pero ejemplos menos extremos podemos encontrarlos en la naturaleza, en la que numerosas superficies producen reflexiones tanto especulares como difusas. Cualquier superficie que aparezca “brillante”, como ciertas hojas o la superficie de las rocas, o el pavimento húmedo, pueden dar lugar a ciertas luces especulares, al igual que las sus75 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

tancias cristalinas como el hielo, la arena o la nieve. Dado que estos destellos son reflejos directos de la fuente de la luz son mucho más luminosas que un área difusa, y pueden aportar cierta sensación de luminosidad a una fotografía.

• Tono: (hue), matiz o croma es el atributo que diferencia el color y por • • • •

la cual designamos los colores: verde, violeta, anaranjado.

Saturación: (saturation) es la intensidad cromática o pureza de un color Valor: (value) es la claridad u oscuridad de un color, está determinado por la cantidad de luz que un color tiene. Valor y luminosidad expresan lo mismo.

Brillo: (brightness) es la cantidad de luz emitida por una fuente lumínica o reflejada por una superficie.

Luminosidad: (lightness) es la cantidad de luz reflejada por una superficie en comparación con la reflejada por una superficie blanca en iguales condiciones de iluminación.

Temperatura de color.

Estudios de Color.

A lo largo de la historia se desarrollaron muchos estudios sobre el color y la composición de la luz. Se elaboraron distintas teorías y modelos de color para el arte y la ciencia.

Pitágoras, Aberti, Da Vinci, Kircher, Newton, Lambert, Goethe, Runge, Chevreu, Hering, Munsell, Ostwald, la Cie System, Muller, Din System, Ncs System, son algunas personas o instituciones que se ocuparon del tema.

El color es la respuesta perceptiva que nuestro ojo da a la recepción de la luz. La luz en sí misma no tiene color, es una radiación electromagnética que estimula el ojo, la retina.

La percepción de las diferencias de color depende de los distintos contextos en que la luz es percibida y las diferencias de mayor o menor reflectancia de las superficies en que incide.

Nosotros sólo somos capaces de ver menos del 1% del total de radiación electromagnética emitida por el sol. Esta radiación se propaga por el espacio y se mide de acuerdo a su longitud de onda en nanometros.

Sin entrar en un estudio fisiológico del ojo humano, diremos solamente que cuenta con tres tipos de receptores de larga, media y corta longitud de onda que reciben los estímulos de la luz y decodifican la información enrojo - verde - azul (RGB). A partir de esta estructura, se interpretan perceptivamente millones de colores

Propiedades del color: Tono, saturación, brillo.

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Se define como la dominancia, o no, de alguno de los colores del espectro lumínico, visible o invisible, sobre los demás; de tal modo que altera el color blanco hacia el rojo o hacia el azul en dicho espectro.

No se observa a simple vista por un ojo no experimentado, a no ser mediante la comparación directa entre dos luces como podría ser la observación de una hoja de papel normal bajo una luz de tungsteno (lámpara incandescente) y a otra bajo la de un tubo fluorescente (luz de día) simultáneamente.

Se mide en Kelvin según una norma internacional, 77 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

que coloca la luz del día teóricamente perfecta en unos 5.500 K. Un día nublado eleva esa temperatura hacia el color azul hasta unos 12.000 K, por ejemplo. La luz del hogar resultaría en los 2.500 K aproximadamente.

escenas iluminadas con bombillas domésticas. Éstas suelen ofrecer una temperatura de color muy baja (inferior a los 3.200 ºK) y ello comporta una dominante anaranjada. Este ajuste aplica un filtraje electrónico azulado que restablece el equilibrio de color.

- Nublado: En los días nublados, en sombras claras, en paisajes de alta montaña y en la nieve, se suelen producir dominantes de color azuladas. Ello es debido a la alta temperatura de color, muy por encima de los 6.000 ºK. En estas situaciones, el ajuste de Cloudy (nublado) corrige las dominantes aplicando un filtro cálido que contrarresta la dominante azulada.

- Flash: Cuando se acciona el flash, o se ajusta la posición de flash en el ba-

lance de blancos, es un ajuste equivalente a la luz de día, es decir, a la luz del sol . La temperatura de color que ofrece el flash es equivalente a la luz del sol a mediodía, unos 5.500 ºK. Ello permite combinar el flash con la luz de día (flash de relleno, por ejemplo) sin que se produzcan dominantes de color.

Balance de blancos El balance de blancos es el control manual o automático de la cámara que ajusta el brillo de los colores rojo, verde y azul para que la parte más brillante de la imagen aparezca de color blanco.

A diferencia de lo que sucede con la fotografía química, las cámaras digitales incorporan un sistema de detección de la temperatura de color y una corrección automática, manual o de ambos tipos, denominada balance de blancos (white balance). Esta opción permite al usuario realizar fotografías con un equilibrio de color que se aproxima a su visión de la escena. En algunas cámaras se puede escoger entre el modo automático, en el que la cámara realiza el balance según parámetros prefijados para conseguir una corrección del color, y el modo manual, en el que el fotógrafo escoge entre un abanico de fuentes de luz. Las más habituales son: Fine (sol), Incandescent (lámparas domésticas de tungsteno), Fluorescent, Cloudy (nublado) y Flash. Se debe destacar que casi todas las cámaras ofrecen resultados más que aceptables en el modo automático.

- Alterar el color a voluntad: La manipulación del balance de blancos puede

resultar de gran utilidad no sólo cuando se quiera corregir una determinada dominante, si no también cuando se desee potenciar o alterar el color de la escena.

Por ejemplo, si en una toma en exteriores de un paisaje marino se ajusta el balance de blancos para luz incandescente, la dominante será azulada, potenciando así el color del agua y el cielo.

También en una toma al atardecer o nocturna se puede potenciar, con el mismo ajuste, la dominante azulada. Ello provocará la sensación de frialdad y de que la escena se encuentra iluminada por la luna.

Por el contrario, si se desea potenciar la dominante cálida, muy adecuada en tomas de paisaje otoñal y retratos, se puede utilizar el ajuste para días nublados o luz de fluorescente. Las fotografías aparecerán cálidas y agradables a la vista.

Si la cámara no contempla la posibilidad de hacer ninguna clase de balance de blancos, existen en el mercado filtros para las lentes de la cámara o filtros gel, para alterar la temperatura de color de las lámparas.

- Fine (sol): Las tomas realizadas a pleno sol y a mediodía, coinciden con la

temperatura de color que equivale a lo que en términos fotográficos se denomina luz de día (unos 5.500 ºK) y, por tanto, el ajuste Fine (o sol) es el adecuado.

- Incandescente: Este ajuste es necesario cuando las tomas se realizan en INCAP- INSTITUTO COLOMBIANO DE APRENDIZAJE 78

79 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

Calculo de la exposición Toda la finalidad de la iluminación fotográfica es producir en el negativo o fotosensor una impresión que reproduzca la luz y la sombra del objeto original, no necesariamente como este era en la realidad, si no como lo dispuso el gusto estético del fotógrafo. La exposición es, posiblemente, el tema más discutible y discutido que existe en la técnica fotográfica. Hasta cierto punto, se le puede reducir a términos científicos como la reproducción, dentro de una escala de tonalidades de luz que representa la escena que fotografiamos. De todos modos, infinidad de factores estéticos y prácticos demuestran que ningún modelo constituye la palabra final en la materia.

Desechemos de una vez por todas la ilusión de que la exposición incorrecta puede ser compensada siempre durante el procesado de la imagen, tanto de la película en el revelado, como del archivo informático en programas de retoque.

Ciertamente si tenemos una imagen que ha recibido poca exposición, a medida que avanza el revelado o retocamos niveles en un programa de retoque, las luces mas intensas aumentaran gradualmente en densidad, pero las sombras continuaran sin experimentar modificación o lo harán en menor medida. De igual modo, si el negativo o fotosensor ha recibido un exceso de exposición, podrá ser posible evitar que las altas luces se bloqueen. En ambos casos será difícil conseguir una copia satisfactoria. En caso de duda a la hora de exponer, es preferible hacerlo por exceso que por defecto.

Cuanto mayor es la escala de intensidades de un objeto, más cuidadosa debe ser la exposición. La exposición de un objeto con una escala de intensidades ideal variará de 10 a 1 (diferencia entre la intensidad más alta del blanco y la más baja del negro) y así obtendremos una imagen con luces muy vivas y buen detalle en las sombras. En cambio si tenemos un objeto con una gradación más extensa, la exposición debe ser precisa (decidiendo qué sombras pueden aparecer negras sin detalle y procurando que no aparezcan en el encuadre altas luces que se puedan bloquear).

• Propiedades de la película o fotosensor: Sensibilidad. La respuesta

de los materiales sensibles a la luz se verá afectada por la sensibilidad al color relativa a la fuente de luz del sujeto. El valor ISO es inferior cuando los tiempos de exposición no son los normales, que suelen abarcar desde 1 a 1/1000 (a esto se le conoce como error de reciprocidad). La latitud de la emulsión fotografica o del fotosensor • Variará respecto a los logaritmos que utiliza la cámara para comprimir el color y la imagen digital.

• Consideraciones interpretativas.

Recuerde que la exposición se le comunica al fotosensor o película mediante una combinación de:

• Intensidad: Abertura del diafragma. Dicha elección afectará a la profundidad de campo y a la definición final de la imagen en positivo (cuánto más cerrado sea el diafragma mayor serán ambas) • Tiempo: Velocidad de obturación. Plasma cualquier movimiento del sujeto o de la cámara congelándolo o reflejándolo.

Factores que determinan la exposición Los factores que determinan la exposición son: • Iluminación: La intensidad, la distancia y el color de la fuente de luz, te-

niendo en cuenta cualquier perdida de luz originada por un difusor, filtros, etc, o las condiciones atmosféricas existentes entre la fuente y el sujeto.

• Propiedades del sujeto: la cantidad de luz que refleja (su tonalidad, color, textura).

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81 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

LA ILUMINACIÓN Los factores que determinan la iluminación La luz es un elemento básico en el mundo fotográfico, ya que sin ella resultaría imposible ver los objetos e impresionar la película.

Según la fuente de la que provenga la luz, podemos distinguir entre: luz natural y luz artificial.

La dirección de la luz Iluminación frontal: Los resultados son muy confiables y es la iluminación más

fácil de usar. Aporta mayor brillantez a los colores. Abarca totalmente el lado del sujeto, al mismo tiempo que proyecta las sombras detrás de él, de modo que no aparecen en la toma fotográfica.

La luz natural es más difícil de controlar a causa de los cambios que sufre respecto a sus cualidades (intensidad, dirección, calidad y color).

En luz artificial todas estas cualidades se pueden controlar. No obstante, presenta el inconveniente de ser más cara e incómoda de usar, además de limitar la extensión de la superficie iluminada.

Los principales factores definen la iluminación son: El Origen, natural o artificial: Se considera luz natural aquella que proviene del sol, la luna y las estrellas. La luz artificial puede ser continua (bombillas) o discontinua (flash).

Número de las fuentes luminosas: Es la que influye en el contraste y modelado de la imagen.

La dirección de la luz: respecto a la cámara y al objetivo.

Luz lateral: Resalta el volumen y la profundidad de los objetos y destaca la textura. Da mucha fuerza a la fotografía pero las sombras pueden ocultar ciertos detalles. Ilumina un costado del objeto aportando mayor dimensión.

Difusión: Se refiere a la forma de emanar y llegar al objeto. De forma directa, difusa etc. Ésta es la que determina la dureza o suavidad de la imagen.

Duración : Ya sea de forma (continua o instantánea) e intensidad.

Intensidad: De la forma que intensifica en colores y objetos.

Color: Definido por la longitud de onda de la luz y por el color del objeto.

La iluminación, dependiendo de su dirección puede clasificarse de las siguientes formas:

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83 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

Contraluz: Si se sabe aprovechar es excelente. Ilumina toda la parte posterior

del sujeto. Proyecta sombras hacia la cámara que dan mayor profundidad a la escena. Delinea al sujeto con un halo de luz que lo hace resplandor.

Iluminación por todas partes: Luz suave e uniforme en todo el individuo.

No se producen sombras y mejora mucho el aspecto de las personas. Produce colores muy sutiles o Iluminación triangular.

Iluminación desde arriba: Esta fuente de iluminación hace que las partes inferiores de un objeto permanezcan en sombra, pero por otro lado ilumina los detalles más sobresalientes.

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Iluminación Doble Lateral

85 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

EJEMPLOS FOTOGRÁFICOS

EVALUACIÓN

• Explique en qué se diferencia la fotografía Digital a la analógica ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ • ¿Numere y explique los archivos en que se puede guardar una fotografía digital? ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ • Describa y explique las propiedades del Color ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________ ______________________________________________________________

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87 MODULO DE FOTOGRAFÍA ANÁLOGA Y DIGITAL

BIBLIOGRAFÍA • MANUAL COMPLETO DE FOTOGRAFÍA. Ronald P. Lovell, Fred C. Zwahlen y James A. Folts.

• MANUAL DE TÉCNICA FOTOGRÁFICA. Jhon Hedgecoe.

• FOTOGRAFÍA CREATIVA. Jhon Hedgecoe.

• TÉCNICAS DE LOS GRANDES FOTÓGRAFOS. Brian Coe, Amy Bedik, Terence Pep per.

• FOTOGRAFÍA PARA PROFESIONALES. Joaquín Moya, Miguel Galmes, Jordi Gumi.

• EL REVELADO. C.I.Jacobson.

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