«Университетская жизнь» №4–5 2014 by Julie Khatsko

СОДЕРЖАНИЕ КОЛОНКА РЕДАКТОРА

АВТОРЫ

КОНСТРУКТ СВОЕЙ ЭПОХИ

Ретроспектива архитектурных стилей

НЕТ ДОМА БЕЗ ОГНЯ

Пожары, изменившие историю архитектуры

ПРОИЗВОДЯТ ВПЕЧАТЛЕНИЯ

ПОКАТЫЙ ВНУТРЕННИЙ МИР

Слово ректора В.Н. Ивановой

ВДОХНОВЕНИЕ И ТРУД

Директор ИСГТ о творчестве, опыте и креативном образовании в его Институте

ДАСТИШ ФАНТАСТИШ

КАФЕДРА

ГОЛОВА В ОБЛАКАХ 10 11

БЕЗ ПАЛЛИТРЫ НЕ РАЗБЕРЕШЬСЯ

МОСКВА ГЛАЗАМ НЕ ВЕРИТ

Обзор дизайнерских достопримечательностей столицы

О различных видах зарисовок и их роли в итоговом произведении искусства

ОСТОРОЖНО: ОКРАШЕНО

Работы французского иллюстратора Томача Ламадью, сочетающие в себе архитектуру, фотографию и любовь к Microsoft Paint

Секреты формирования творческого замысла

КНИЖНАЯ ПОЛКА КАФЕДРЫ

Реальные архитектурные объекты, ставшие частью научно-популярной культуры

Заведующая кафедрой и одна из студенток «Дизайна» об alma mater

ВЕЛИКИЙ ЗАМЫСЕЛ

Размышления о взаимовлиянии архитектуры и психологии личности

УРБАНИЗАЦИЯ: ТРУДНОСТИ ПЕРЕВОДА

КИНОКАРТИНА МАСЛОМ

О граффити и их роли в современном искусстве

Лучшие документальные ленты об искусстве, дизайне и архитектуре

КАКОВО

ПРОГРЕСС

Сайт, который помога- ет понять, куда можно добраться за 10 минут, анализируя движение пешеходов, и история создания Photoshop

Учить искусству детей с проблемами слуха

ИНТЕРВЬЮ С директором ММОМА Василием Церетели

СВЕТОМУЗЫКАЛЬНОЕ ОБОЗРЕНИЕ

ВАКАНСИИ 24

Самые впечатляющие постройки, возведенные к Олимпийским играм —на последней странице номера

Исследование сущности промышленного дизайна на стыке искусства и технологий

Д. РАМС ЭНД БЕЙЗ

НА ОБЛОЖКЕ

Работа Selfie Van Gogh аргентинского иллюстратора Мартина Орона (Martin Oroná), раскрывающая популярную тему рассуждений о Van selfie, то есть о том, что Винсент Ван Гог, написавший более десятка автопортретов, является первооткрывателем селфи. Источник: martinorona.deviantart.com

Об отце–основателе и лучших представителях промышленного дизайна

ДЫШИТЕ, НЕ ДЫШИТЕ

ОЛИМПСТРОЙ

О звуковых и световых дизайнерах

ИДЕНТИФИКАЦИЯ ПРОМА

О вдохновении и техниках креативного мышления 2

ОТ РЕДАКТОРА

ДИЗАЙН

Задумывая этот номер, редакторская команда была озадачена. О чем писать? Ведь за что ни возьмись, все предполагает дизайн. Тема столь интересна и столь обширна, что разбегаются глаза. Помимо основ дизайна, искусства и архитектуры, мы постарались включить в этот выпуск «Университетской жизни» наиболее интересные аспекты креативной деятельности. На последующих страницах вы можете научиться технике эскиза, выяснить мнение одного из самых влиятельных деятелей искусства России по поводу арт-менеджмента, познакомиться с отцом-основателем и современным гуру промышленного дизайна, а также научиться ловить вдохновение, где и когда вам это нужно. Номер откроет вам удивительный мир, сочетающий в себе не только красоту, но и удобство. Надеемся, после прочтения вам захочется прогуляться по музеям. Особенно по тем, в которых представлены шедевры современного искусства. Например, по ММОМА — Московскому музею современного искусства (подробнее о нем можно прочесть в интервью с Василием Церетели), по музею премии Red Dot в Эссене, Германия (об особенностях и экспонатах этого музея — в нашей статье «Идентификация прома»), по Третьяковской галерее, разумеется, где среди работ XX века можно найти знаменитый «Черный квадрат» Казимира Малевича (о том, за что его все так хвалят, вы можете выяснить в статье «Дышите, не дышите). Вдохновлялась редакция фразой «Каждый из нас дизайнер». Ведь люди каждый день украшают действительность вокруг них, начиная с самих себя. Наличие собственного стиля и вкуса определяет ежедневный выбор self look. Именно дизайн является воплощением внутреннего мира человека. Если попробовать на одно мгновение представить мир-утопию, где не нужно ничего выбирать, где одежда уже подобрана, дом — выстроен и задекорирован, а вокруг все унифицировано и все как у всех, то картинки в нашей голове, скорее всего, будут сильно напоминать мир Sims или кадры из фильмов «Эквилибриум» и «Меняющие реальность». Но это если мыслить шаблонами или стереотипами. Что само по себе странно, ведь дизайн — это вкус и создание идеального. Идеально удобного, комфортного, красивого, недостижимого. Дизайн — это прежде всего замысел, план. Словом, читайте и раскрывайте особенности и секреты дизайна. ЕГОР ЕГОРОВ Иллюстрация: картина «dantealighieri@ virgilio.it» современного художника Giuseppe Veneziano via giuseppeveneziano.it 3 2

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

АВТОРЫ

они попробовали нарисовать все, чтобы вам было интересно

ВАЛЕНТИНА ИВАНОВА, ректор МГУТУ имени К.Г. Разумовского, д.э.н., профессор, лауреат премии Правительства РФ в области образования «Хороший дизайнер всегда в курсе последних разработок в области технологий и материалов, социальных изменений и модных веяний, демографических сдвигов, влияющих на запросы общества, и исторических прецедентов, предоставляющих богатый материал для исследования и вдохновения. Кафедра дизайна предоставляет своим студентам знания и живую, динамичную среду обучения для принятия этих вызывов современного мира. Изучая дизайн, вы научитесь мыслить и смотреть на мир по-другому. Ведь творческие личности зачастую видят то, что ускользает от взглядов других людей. Кстати, именно поэтому дизайнеры — одни из лучших специалистов в принятии решений. Ведь перед ними всегда столько возможностей и альтернатив, из которых, в конце концов, всегда приходится выбрать что-то одно. На кафедре «Дизайн» вы изучите все стадии этого нелегкого творческого процесса — от выявления проблемы или потребности до выбора наиболее подходящего решения, которое позже станет объектом реального (или виртуального) мира», —

обращение ректора — статья «Производят впечатления», стр. 6

ЧТО ПОСМОТРЕТЬ, ЕСЛИ У ВАС ЕСТЬ ПЯТЬ МИНУТ...

18 36

29 48

ДИЗАЙН

СЕРГЕЙ ШИШОВ,

НАТАЛИЯ УЛЬЯНОВА,

главный редактор журнала «НИР. Социально–гуманитарные исследования и технологии», директор ИСГТ, зав. кафедрой «Педагогика и психология», доктор педагогических наук, профессор

профессор, член Союза художников МСХ и Союза художников России, зав. кафедрой «Дизайн», кандидат педагогических наук, профессор

Для этого номера написал статью «Вдохновение и труд» про ИСГТ (стр. 9)

СВЕТЛАНА СМИРНОВА, старший преподаватель кафедры «Дизайн»

«Художественные дисциплины и историко–искусствоведческие соединяются в едином образовательном процессе», — статья «Кафедра», стр. 10

РИММА ЮСУПОВА, член Союза художников Москвы и Союза художников России, доцент кафедры «Дизайн»

«Чтобы создать произведение, художнику недостаточно просто уметь писать и рисовать (хотя можно выразиться и так, если вкладывать в эти понятия очень глубокий смысл)», —

«И тогда она рассказала, что в определенный день он просто пришел домой и сразу же начал искать свой слуховой аппарат, заброшенный ранее», —

статья «Великий замысел», стр. 12

статья «Каково», стр. 18

ВЛАДИМИР БРИГИНЕЦ, корреспондент «УЖа»

ЮЛИЯ ХАЦЬКО, корреспондент и дизайнер «УЖа»

«Несмотря на то, что стрит-арт — искусство относительно новое, корнями оно уходит в историю человечества гораздо глубже, чем все остальные виды творчества: настенные надписи и рисунки находят не только в пещерах наших древних предков...» —

«Друдл является чем-то вроде каракулей и похож на картинки, которые обычно во время лекции машинально рисует студент. Однако в друдл авторы изначально закладывают вариативность его интерпретации», —

статья «Осторожно окрашено», стр. 17

статья «Дышите, не дышите», стр. 37

ТАКЖЕ НАД НОМЕРОМ РАБОТАЛИ:

Анна Рыжкова и Елена Шуваева, специальные корреспонденты «Университетской жизни»; Ирина Шадрина — фотограф «Университетской жизни». Журнал приносит свои благодарности Институту социально-гуманитарных технологий и кафедре дизайна за содействие в написании текстов. Для электронной версии также работала Александра Дегтерева, специальныЙ корреспондент журнала.

ОБРАЩЕНИЕ РЕКТОРА

ДИЗАЙН

ПРОИЗВОДЯТ ВПЕЧАТЛЕНИЯ Дизайн в наши дни — не просто красивая обертка. Хороший дизайн функционален и маркетингово успешен. О прикладных аспектах профессии дизайнера рассказывает ректор университета Валентина Николаевна Иванова Дизайн — великолепное поле для исследования — не только благодаря перспективе реализации творческих способностей и устремлений, но и с точки зрения социологии. Ведь дизайнеры — создатели окружающего нас мира. О том, как сильно среда влияет на людей, сказано многое, и в наше время это влияние — уже неоспоримый факт. Небоскребы, парки, фонтаны, гигантские ТВ-панели — все, вплоть до подсветки чайника, призвано впечатлять и вдохновлять нас. И у всего этого есть свои создатели — та или иная группа дизайнеров. Дизайнер — это специалист, создающий индивидуальность. Используя приемы, техники, знания и опыт, дизайнер из пустоты формирует объект, достойный внимания общеста; создает продукт, производство, обслуживание и использование которого приносит экономическую, эргономическую или эстетическую пользу человеку. Дизайн, особенно индустриальный, начинается с нужд и мотивации людей, но вовсе не заканчивается на

простом уменьшении размеров гаджетов или использовании нового материала при строительстве здания. Конкурентный рынок обязывает создавать продукты, способные впечатлять потребителей. Только так предложение может быть коммерчески успешным. Производители расстались с наивным представлением о том, что переживание — это шоколадная конфета и что чем больше конфет — тем больше удовольствия. В наше время внешний вид самой конфеты и дизайн ее упаковки прирабатываются и тестируются гораздо тщательнее, чем рецептура и процесс её производства. Такое положение дел обуславливает стабильно высокий спрос на людей творческих профессий среди самых различных компаний. А то, что людям свойственен постоянный поиск новых переживаний, делает профессию дизайнера еще и одной из самых перспективных на рынке труда. По данным ведущих служб по трудоустройству, наиболее востребованы дизайнеры интерьеров и специалисты

Подробнее о вдохновении читай в статьях «Дышите, не дышите» (стр. 22), а о влиянии дизайна на психологию людей — в статье «Покатый внутренний мир» в полной версии «Университетской жизни» на сайте mgutm.ru. Фото: Domenic Bahmann/stopthinkmake.com 6

в области полиграфического дизайна. Получив образование на Кафедре дизайна Института социально-гуманитарных технологий МГУТУ им. К.Г. Разумовского, Вы сможете разрабатывать дизайн–макеты интерьеров, экстерьеров, заниматься графическим дизайном, создавать объявления, буклеты, плакаты и многое другое. Хороший дизайнер всегда в курсе последних разработок в области технологий и материалов, социальных изменений и модных веяний, демографических сдвигов, влияющих на запросы общества, и исторических прецедентов, предоставляющих богатый материал для исследования и вдохновения. Кафедра дизайна даёт своим студентам знания и создаёт живую, динамичную среду обучения для принятия этих вызывов. Изучая дизайн, вы научитесь мыслить и смотреть на мир по-другому. Ведь творческие личности зачастую видят то, что ускользает от внимания других людей. Кстати, именно поэтому дизайнеры — одни из лучших специалистов в принятии решений. Ведь перед ними всегда столько возможностей и альтернатив, из которых, в конце концов, всегда приходится выбрать что-то одно. На кафедре «Дизайн» вы изучите все стадии этого нелегкого творческого процесса — от выявления проблемы или потребности до выбора наиболее подходящего решения, которое позже станет объектом реального (или виртуального) мира. Данное направление обучения также позволит вам завести интересные знакомства — с экспертами, творцами и такими же, как и вы, студентами, заинтересованными в привнесении прекрасного в этот мир и в создании полезных и поражающих воображение вещей. Вне зависимости от того, желаете ли Вы получить образование «для себя» или же ваша мечта — собственная студия дизайна, обучение в МГУТУ им. К.Г. Разумовского позволит Вам открыть в себе нечто принципиально новое, раскрыть и отполировать грани Вашего таланта и создать собственный, неповторимый стиль работы. Ведь дизайн — это, прежде всего, вдохновение и вкус. На кафедре Вас научат создавать, а что именно — это уже Ваше решение. Приходите за вдохновением!

ИНСТИТУТ

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

ВДОХНОВЕНИЕ И ТРУД Сергей Евгеньевич Шишов о роли гения, вдохновения и опыта в создании произведений искусства и том, как построены учебные и производственные процессы в Институте социально-гуманитарных наук Направление подготовки «Дизайн» в Институте социально-гуманитарных наук основывается на теории освоения окружающего мира по законам красоты промышленными средствами. Это так называемые идеи технической эстетики. Можно долго рассуждать о точном значении слова «дизайн»: оно в технических изобретениях, художественных решениях или только в первоначальной идее? Нередко дизайн охватывает все понятия и любые смысловые границы. Дизайн интересен и разнообразен, он присутствует в любой области человеческой деятельности — от микрочипов до больших архитектурных проектов. Необычность этого направления в том, что мы учим студентов создавать эстетически ценные продукты. Кафедра «Дизайн» образована в МГУТУ имени К.Г. Разумовского в 2002 году. С того времени берет начало и специальность «Дизайн». С 2010 года в университете развивается направление «Дизайн» с выделившимися профилями «Дизайн среды» и «Графический дизайн». Еще чуть позже возникло направление «Педагогическое образование» по профилю «Изобразительное искусство». Какова главная черта студентов– дизайнеров? Интерес к проблемам творчества. Эстетика быта, человеческого поведения, производства и научного творчества находится в поле зрения практической работы наших выпускников. Эта область эстетического знания пока слабо представлена в нашей стране, но у нее большое будущее, так как данная сфера интересов широка и многообразна. Эстетическая деятельность является составной частью практически-духовного освоения человеком действительности. Она содержит в себе важные творческие начала и связана с бессознательными элементами психики. Поэтому курс психологии занимает важное место в процессе подготовки наших студентов. Высшим, концентрированным, свободным от утилитарного начала видом образовательной деятельности наших студентов является художественная деятельность — создание конкретного произведения искусства. Такие произведения может создавать только тво-

рец, обладающий художественными способностями. Поэтому среди своих студентов мы признаем следующую иерархию художественных способностей: одаренность, талантливость, гениальность. Да, есть среди наших выпускников и такие! Гений по Канту — это духовная исключительность, это художественный талант, через который природа воздействует на искусство, проявляя свою мудрость. Гений создает образцы, на основании которых можно вывести определенные правила. Кант определяет гениальность как способность восприятия эстетических идей, т.е. образов, недоступных мышлению. Наши студенты постоянно находятся в поиске вдохновения, а оно, как известно, является результатом предшествующего напряженного труда. В акте вдохновения соединяются талант и мастерство художника, его жизненный опыт и знания. Для наших студентов особенно важным элементом является художественная интуиция. С ее помощью мир мож-

Подробнее о промышленном дизайне читай в статьях «Идентификация прома» и «Д. Рамс энд бейз» (стр. 22 и 24). Фото: Domenic Bahman 7

но созерцать целостно, в его непрерывном становлении, в уникальной единичности явлений. Творческая интуиция дает художнику возможность вкладывать в произведения максимум выразительности. Непосредственность восприятия помогает ему передавать свои ощущения. Творчество как непрерывное рождение нового составляет сущность жизни в противоположность деятельности интеллекта, не способного создавать новое и лишь комбинирующего старое. В процессе обучения будущих дизайнеров мы опираемся на мысль, воображение, фантазию, переживание, вдохновение, интуицию художника. Только на основе этого рождается по-настоящему художественный образ. Помимо практических и художественных форм эстетической деятельности мы опираемся и на духовные: эмоционально-интеллектуальные, вырабатывающие эстетические впечатления и представления, эстетические вкусы и идеалы, а также теоретические, вырабатывающие эстетические концепции и взгляды. Эти формы помогают нам формировать у студентов эстетическое сознание. Знания, получаемые при изучении дисциплин, закрепляются при выполнении проектных решений и задач. Подготовка студентов к проектной, художественно–творческой, выставочной, практико–ориентированной деятельности становится главной задачей научно-педагогических работников кафедры дизайна. В этом номере журнала мы расскажем вам о том, как можно стать дизайнером окружающей среды, о том, как он работает с вывесками, рекламными щитами, плакатами, указателями, знаками и схемами, которые мы в большом количестве наблюдаем вокруг нас каждый день, а также заботится об удобочитаемости необходимой нам информации на интернетсайтах, в журналах, газетах, листовках, на обложках книг и дисков, в ресторанном меню, каталогах товаров, на визитках и упаковках продуктов, промтоваров. Из этого краткого перечисления можно понять, что куда бы мы ни пришли, мы обязательно увидим разнообразные произведения дизайна.

ДИЗАЙН

КАФЕДРА

Текст: ВЛАДИМИР БРИГИНЕЦ. Иллюстрации: JON KRAUSE/ WORKBOOK.COM

Профессор Наталия Борисовна Ульянова, заведующая кафедрой дизайна, о широте применения творческих знаний и опыта и об обучении креативным специальностям в МГУТУ им. К.Г. Разумовского Зарождение дизайна как самостоятельной профессиональной деятельности связано с развитием массового производства и технологий в изобразительном искусстве. Дизайн включает факты из области архитектуры, графики, скульптуры, основ композиции, теории знаковых систем, искусствоведения, культурологии, рекламы и маркетинга. Образование художника, дизайнера и проектировщика — универсально. Оно позволяет трудиться в самых разных областях, разрабатывать логотипы, товарные знаки, упаковку, рекламу, малые формы (остановочные торговые павильоны, все элементы благоустройства), заниматься перепланировкой, реконструкцией, интерьером, и ландшафтом.

ландшафтом и web-дизайном. Универсальность обуславливается тем, что это — совокупность гуманитарно-социальных, экономических и общепрофессиональных дисциплин профиля. Художественные дисциплины и историко–искусствоведческие соединяются в едином образовательном процессе. Образовательный процесс в стенах МГУТУ им. К.Г. Разумовского направлен на всестороннее развитие личности дизайнера, максимальное приближение к реальному проектированию, что способствует формированию творческого проектного мышления. На кафедрах работают выпускники ведущих вузов страны, доктора и кандидаты наук, художники, архитекто8

ры. Преподаватели кафедр постоянно повышают свою квалификацию, накапливают педагогический опыт, оформленный в разнообразных изданиях и пособиях. Для обеспечения учебного процесса функционируют мастерские рисунка, живописи, скульптуры, проектирования, макетирования, техники графики. Имеется компьютерный класс. Преподаватели и студенты участвуют в целом ряде выставок и конкурсов международного, всероссийского, городского и окружного масштаба. Современная техническая база и развитая инфраструктура университета позволяют кафедре реализовать смелые замыслы и готовить специалистов по направлению «Дизайн». В свою очередь студенты могут проявить свои знания и навыки ещё в стенах университета, оформляя его залы и аудитории. У нас имеется довузовская подготовка. Также возможна ускоренная учебная программа для лиц, окончивших профильное учебное заведение. Государственный диплом о высшем образовании, полученный в университете, даёт право на ведение профессиональной деятельности не только в России, но и за рубежом. Секрет успешной деятельности нашей кафедры заключается в том, что наряду с освоением основ рисунка и живописи мы занимаемся формированием у студентов проектного мышления. А в основе дизайнерского проектирования лежат правила и законы изображения. Методические программы, созданные преподавателями кафедры, отвечают современным требованиям, базируясь на богатом творческом опыте художников-практиков. Большинство преподавателей кафедры — постоянные участники художественных выставок, члены творческих союзов художников, архитекторов и дизайнеров России и Москвы. Активная творческая позиция преподавательского коллектива направлена, прежде всего, на обучение грамоте изобразительного искусства. Практика показывает, что выпускники нашей кафедры — конкурентоспособные специалисты, обладающие творческим инновационным мышлением. Они не только быстро адаптируются в рыночной экономике, успешно работают в динамично изменяющейся среде, но и способны принимать участие в формировании новых эффективных высокотехнологичных кластерах экономики России.

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

Взгляд изнутри Что такое студенческая жизнь? Это бессонные ночи, это шутки в коридорах между пар, это множество лекций, общение с друзьями и прочие радости. А кто, как не студенты кафедры дизайна, радуется больше всех? Их жизнь полна красок и цветных картинок (в буквальном смысле этого слова), однако так ли просто и беззаботно проходит их обучение в университете? Задавшись целью разузнать побольше интересных нюансов, корреспондент «Университетской жизни» пообщался со студенткой 2-го курса, будущим графическим дизайнером Валерией Михайловой. Лера, почему ты поступила в на кафедру «Дизайн»? Родители посоветовали или сама решила? На самом деле, еще с детства любила рисовать. Родители мне пророчили место художника на Арбате, ну того самого, который рисует смешные шаржи за деньги. Я, вдохновленная этими словами, поступила на совершенно не привлекательную для себя специальность, но уже через полтора года художник в душе взыграл, и стало ясно, что не отвертеться. Бросила все сомнения и поступила на дизайн. Кстати, у меня в роду был пра-пра-прадед, окончивший Санкт-Петербургскую академию художеств, возможно, частичка его таланта передалась и мне, по наследству. Заканчивала ли ты специальные художественные школы перед поступлением в вуз? Или это природный талант? За один талант в университет не берут. От абитуриента в первую очередь требуется знание основ академического рисунка, а это долгое и скучное рисование гипсовых фигур, розеток и голов. До поступления в МГУТУ я проучилась три года в художественной школе и еще три на подготовительных курсах, но мой академический все равно не ахти (смеется). А вообще совершенству нет предела, поэтому мне кажется, что учиться чему-либо стоит постоянно. Знания таланту не помеха. Если вы хотите развить в себе настоящего художника, следует уделять этому занятию больше времени, практически не вылезая из студий и посещая различные семинары и художественные форумы по любимой тематике. Расскажи, пожалуйста, подробнее о процессе обучения. У нас здорово! Нет никаких скучных предметов. На первом курсе мелькала

ДИЗАЙН

предметов. На первом курсе мелькала экономика, но быстро закончилась. На занятиях царит атмосфера творчества. Коллектив весь не от мира сего, собственно, как и положено в нашей профессии. На парах сидим с чашкой чая — это своего рода обязательный атрибут, без него как-то не рисуется. Самое главное, от нас не требуют заучивания формул, решения различных математических задач. Основная работа сконцентрирована на приобретении опыта, постановке глаза. А вообще, я считаю, что если нравится профессия, на которую учишься – всегда будет интересно. И, конечно же, легко учиться только лентяям. Вот у меня в числе любимых предметов история искусств. Здесь много дат и имен, важных для каждого художника, поэтому нужно периодически включать голову, запоминать, анализировать, прибегать к хитростям. Расскажи о практике. Часто приходится выезжать куда-то с группой? Практика у дизайнеров все больше на компьютере. Т.е. приходишь домой, регистрируешься на каком-нибудь фриланс-сайте и начинаешь искать заказы, а может, и в конкурсах принимать участие. Словом, задача — набрать себе приличное портфолио. Вообще, в жизни художника важно уметь крутиться, в смысле находить нужные ракурсы, общаться с интересными людьми, посещать интересные места. Очень помогает в этом плане выезд за границу. Осмотр интересных достопримечательностей дарит вдохновение, которое впоследствии находит выход на холсте. Что вдохновляет тебя на творчество? Работодатель, а еще преподаватели. Не хочется перед ними опозориться, вот и приходится выкладываться на все сто. Как однажды сказал кто-то умный: «Творчество — это 80% работы и 20% вдохновения» (Очевидно, Валерия говорит о частном случае принципа Парето. Установить автора цитаты редакции не удалось. — Прим. «УЖа»). Кроме того, общение с друзьями дает мне силы на художественные подвиги. Часто рисую их портреты, так что в какой-то степени радость друзей дарит мне уверенность в своих способностях. Принимала ли ты участие в художественных выставках? Если честно, я только начинаю думать в этом направлении. Думаю, через пару лет мне уже будет чем похвастаться. У меня, по правде сказать, 9

сейчас все силы брошены на учебу. Когда за короткий срок необходимо сделать огромный объем работы, приходится жертвовать качеством выполнения. Поэтому всегда что-то недоработано или сделано на уровень ниже. Есть, конечно, работы, где явно прослеживается мой профессиональный рост, и я горжусь этим, но мне кажется, что любой человек со стороны не оценит моих трудов, ибо все требует доработки. А вообще, принимать участие в подобных мероприятиях крайне важно и даже нужно. Главное — суметь увидеть в проекте какую-то изюминку, перспективу для личного роста и сразу же действовать. Планируешь ли ты когда-нибудь устроить свою собственную выставку? Конечно! Я планирую прославиться и заработать много денег! По-моему, все об этом мечтают, разве нет? Если не мечтают — это плохо. Когда ставишь перед собой большие цели, больше шансов добиться в жизни понастоящему больших успехов, показать всему миру, на что ты способен. Какие планы на будущее? Хотелось бы воплотить свои проекты, т.е. работать на себя, организовывать разные выставки, принимать участие в международных форумах. По крайней мере, я стараюсь все делать для этого. Правда, на ближайшие два года моя жизнь будет целиком и полностью посвящена учебе, поэтому часто бываю на бесплатных лекциях, в музеях, стараюсь впитать все, что могут дать студенческие годы. Ближе к 4–му курсу начну активно набирать портфолио, так что все продумано. Кроме того, предложения по специальности поступают, стараюсь хвататься за все, что предлагают, чтобы были деньги на новые холсты и кисточки.

ДИЗАЙН

ИСКУССТВО

Иллюстрация: зарисовка «Мыслителя» Родена художницей Барбарой Тейлор

ВЕЛИКИЙ ЗАМЫСЕЛ Старший преподаватель кафедры «Дизайн» Светлана Александровна Смирнова о секретах формирования творческого замысла и тонкостях его реализации печатлеть лишь один миг, поэтому автор обязан уметь максимально выразить в этом мгновении свою идею, вложив в нее прошлое, настоящее и будущее. При взгляде на художественное произведение зритель должен иметь возможность самостоятельно дополнить её. В этом и заключается одна из великих тайн мастерства. В качестве примеров можно привести картины: «Утро стрелецкой казни» Василия Сурикова; «Боярыня Морозова», «Меншиков в Берёзове», «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года» Ильи Репина; «Сватовство майора» и «Анкор, ещё анкор» Павла Федотова; «Явление Христа народу» Александра Иванова и «Последний день Помпеи» Карла Брюллова, — где по определённым признакам мы можем раскрыть суть происходящего. Ничто в произведении не является случайным, ни одна деталь — всё имеет значение. Например, в «Иване Грозном» И.Е. Репина мы не видим сам процесс убийства, но понимаем происходящее и предвидим результат по позам фигур, по выражениям лиц, рук, по окружающей обстановке. Мы не видим борьбы, но видим её следы: смятый на полу ковер, брошенный жезл, напряженный колорит. В картине П.А. Федотова «Сватовство майора» — признанном шедевре не только отечественной, но и мировой истории искусства — окружающая обстановка также имеет огромное значение, по степени важности не уступая даже действующим лицам, обогащая и раскрывая произведение. И надо заметить, что к своим картинам авторы подходили исключительно серьёзно. Это видно по огромному количеству эскизов, которые также имеют большое художественное значение. Например, подготовительный этап к картине А.А. Иванова «Явление Христа народу» ценится не только не меньше самой картины, но, как считается, в значительной степени превосходит ее по художественной значимости и вкладу, внёсенному художником одним лишь этим подготовительным этапом в русское и мировое искусство. Об этом свидетельствует тот факт, что целый зал в Государственной Третьяковской галерее посвящен исключительно этюдам и эскизам автора. Из этого можно сделать вывод, что для достижения желаемого результата одного таланта недостаточно. Талант — это всего лишь инструмент, средство к достижению цели. Им надо научиться пользоваться, как мы учимся пользоваться карандашом, кистью или компьютерной графической программой. В основе успешной деятельности лежит и навык правильно организовать свою работу. Важно уметь подчинить чувство разуму. Необходимо знать законы композиции, имеющие отношение к законам восприятия, и уметь ими пользоваться Подготовительный труд имеет огромное значение. «Начинают и заканчивают по таланту, а в середине труд, труд и труд», — говорил художник, известнейший и величайший педагог XIX века Павел Петрович Чистяков. А ведь он создал уникальную и новаторскую для того времени систему преподавания, оказавшую огромное влияние на художественное образование в России на полтора столетия вперёд и взрастившую целую плеяду великих русских художников. К сожалению, сейчас многие относятся к подготовительной работе вообще и к эскизам в частности как к вещи маловажной, скорее формальной, подходя к ней очень поверхностно. И это, несомненно, отражается на качестве исполнения. Необходимо помнить и понимать, что такое эскиз и какие задачи он решает.

Создание художественного произведения — тяжелый и ответственный процесс, требующий от мастера полной самоотдачи. Чтобы создать произведение, художнику недостаточно просто уметь писать и рисовать (хотя можно выразиться и так, если вкладывать в эти понятия очень глубокий смысл). Ему необходимо уметь мыслить. Быть художником — значит быть философом, а не просто ремесленником. И к специалисту по дизайну это тоже относится. Произведение, будь то сюжетная картина, натюрморт, пейзаж или плакат, несёт в себе определённую мысль, некую идею, которую автор хочет донести до зрителя. В результате получается диалог художника со зрителем с помощью мысли, исполненной пластическим языком. Важно не только «что», но и «как». Произведение должно быть построено и выполнено таким образом, чтобы прочтение идеи оказалось возможным и доступным. На овладение художественным мастерством уходят годы. Освоив вначале азы, художник учится всю жизнь. Многое открывается и приходит лишь с опытом. Одних только знаний недостаточно для созидания. Надо уметь чувствовать, видеть и уметь учиться. Картина — не фильм, где действие разворачивается во времени, имея начало, основную часть и завершение. В художественном произведении возможно за10

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

ДИЗАЙН

КНИЖНАЯ ПОЛКА КАФЕДРЫ

дачи он решает. Итак, цель эскиза — это поиск и достижение нужного, единственно верного композиционного решения в малом размере, доступном для восприятия. Малый размер позволяет относительно быстро решить поставленную задачу, уделяя внимание только ей, не отвлекаясь на посторонние детали, чего невозможно было бы избежать, начав работу сразу на крупном размере. Малый размер позволяет понять и создать произведение в общем, как целое, уделяя внимание главному, минуя подробности, разрушающие композиционную структуру. Качество эскиза характеризуется понятностью, читаемостью содержания и цельностью восприятия — взгляд зрителя движется по произведению, управляется автором, за счёт чего действие раскрывается в необходимой последовательности, содержание приобретает чёткость и ясность. Автор, таким образом, манипулирует вниманием зрителя, выявляя свой замысел. Существует несколько показателей читаемости. Первое — композиционное расположение фигур, предметов или иных элементов в пространстве, эмоциональная и смысловая окраска, взаимодействие предметов в соответствии с содержанием, основной идеей. Важен для читаемости и колорит — эмоционально-смысловая окраска содержания, выраженная при помощи цвета, — а также тоновое решение, пятно. Все три компонента взаимодействуют друг с другом и не могут существовать отдельно. Между тем, высокая степень сделанности не является показателем или критерием качества. Необходима существенная составляющая художественного произведения, чёткое выявление главного и подчинение ему второстепенного. Размеры эскиза могут варьироваться в зависимости от величины предстоящей работы. Чем крупнее размер произведения, тем большая возникает потребность в её предварительном небольшом решении, поскольку глаз не способен охватить большое пространство с близкого расстояния, на котором вынужден находиться автор непосредственно в процессе работы. И хотя дизайнер почти всю работу выполняет на компьютере, это необходимо знать и ему, поскольку в его профессиональной деятельности также могут встречаться работы разных размеров, и они должны гармонично вписываться в среду, в которой они будут расположены. Невозможно объективно оценивать свою деятельность в процессе работы, не продумав её предварительно. Соответственно, для крупномасштабного произведения и эскиз должен быть крупнее, но при этом нельзя миновать стадию исполнения эскиза в маленьком размере. Поверхностное отношение к эскизу приравнивается к его отсутствию. Правда, одного лишь маленького эскиза может быть недостаточно, так как у него есть и обратная сторона медали — упущение некоторых важных моментов, касающихся точности в рисунке. На эскизе они не имеют большого значения, не бросаются в глаза и поэтому не учитываются, а при увеличении становятся недопустимыми. Поэтому эскизы к картине могут быть разного размера на разных стадиях, последовательность которых необходимо учитывать. Исполнение эскиза не является работой скучной, необходимой лишь человеку посредственному, неумелому, слабому. Чем талантливее человек, тем более он нуждается в грамотно продуманном ведении работы. Это логически естественный подход. Каждый мастер предъявляет к эскизу, помимо основных, также и свои собственные требования в зависимости от поставленных задач и профессионального уровня. Успех зависит не от скорости, а от окончательного результата, который в свою очередь зависит от внутренних и внешних факторов, таких как опыт, уровень мастерства, вкусы, отношение к теме, а нередко и случай.

«ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО», Ульянова Н.Б., заведующая кафедрой «Дизайн» Данное пособие состоит из пяти глав, в которых рассматриваются теоретические и практические основы живописи, а также изложен пропедевтический курс (основы композиции). Особое внимание уделено методологии работы с цветом, живописными и графическими материалами. Методическую ценность представляют вопросы и задания, направленные на контроль усвоения учебного материала. Пособие снабжено многочисленными иллюстрациями, представляющими собой конкретные примеры примене-ния теоретических знаний в реализации практических задач. Книга предназначена для студентов вузов, обучающихся по направлениям «Дизайн» и «Педагогическое образование». «ВВЕДЕНИЕ В ОСНОВЫ КОМПОЗИЦИИ», Фрейверт Л.Б., доцент кафедры «Дизайн» Книга предназначена в первую очередь для изучающих одноименный предмет, для студентов и магистрантов художественных, дизайнерских, искусствоведческих и культуроведческих специальностей. Она также может оказать помощь при изучении ряда теоретических и практических дисциплин: истории искусства и дизайна, эстетики, мировой художественной культуры и других. Пособие включает в себя подробную авторскую программу по дисциплине и четыре лекции по отдельным темам: «Типология контрастов в пространственных формах»; «Система «5 пар понятий» Г. Вёльфлина»; «Понятия современной лингвистики в их значении для искусства и дизайна»; «Композиция во внеположной среде: взаимоотношения материального «тела» произведения со средой и элементами внутри формы»; «Жанр и особенности композиции». «КОММУНИКАЦИИ И ИННОВАЦИИ В НАУКЕ И ОБРАЗОВАНИИ», ВАРТАНОВА Л.К., доцент кафедры «Дизайн» В сборнике представлена статья о том, как визуальный язык графики в виде знаковой символики может входить в контакт со зрителем, преодолевая языковый барьер. На примере некоторых студенческих работ, созданных на практических занятиях, показано, как на языке графического дизайна можно доступно передать информацию и даже воздействовать на зрителя, вызывая при этом художественно-эмоциональные образы. 11

ДИЗАЙН

ИСКУССТВО

Иллюстрации: INOSTRANKABOOKS.RU и BRAINPICKINGS.ORG

БЕЗ ПАЛЛИТРЫ НЕ РАЗБЕРЕШЬСЯ С помощью кафедры дизайна «УЖ» выяснил особенности создания разных видов эскизов и их роль в работе над будущими шедеврами живописи

В качестве иллюстраций Пейзаж, в особенности пленэрный этюд, удивительно точно отражает застывшую природу. Споиспользованы рисунки Анкойная торжественность или тревожное ожидание природы усиливаются манерой письма художника, туана де Сент-Экзюпери. его наблюдательностью и талантом. Но любая работа над художественным произведением наСлева: «Подготовка к отъезду», синий карандаш. чинается с эскизов. Это могут быть зарисовки, наброски, рисунки с натуры или уже упомянутые Справа: «Супружеская этюды — то есть любые подготовительные произведения, выполненные с натуры или по памяти. чета и ребенок в коротких штанишках», черный и Чтобы написать картину, художнику часто приходится сделать не один десяток эскизов. Так, в часткрасный карандаш. ности, у К. Брюллова, А. Иванова и В. Сурикова количество этюдов, сделанных для отдельных картин, переваливает за сотни. Справедливости ради стоит отметить, что порой художнику хватает и одного этюда. Чаще всего так происходит, если задуманная картины является пейзажем. Более того, удачно сделанный этюд может выглядеть как полноценное художественное произведение. НО ЧАЩЕ ВСЕГО ЭСКИЗЫ В ПРИНЦИПЕ И ЭТЮДЫ В ЧАСТНОСТИ — ЭТО ЛИШЬ ФРАГМЕНТЫ БУДУЩЕГО ПРОИЗВЕДЕНИЯ — СВОЕОБРАЗНЫЕ «ФОТОГРАФИИ» ВПЕЧАТЛИВШЕГО. Разумеется, написать картину можно и без предварительного этюда, как это делал И. Айвазовский. Но даже известный маринист время от времени делал небольшие зарисовки кораблей, деревьев, скал и пейзажей. Все остальное он брал из своего воображения и феноменальной памяти. Совсем другое дело — барбизонцы — группа французских художников, создававших свои произведения в деревне Барбизон, близ Парижа, в 1830–1860 гг. Они стремились писать все свои картины непосредственно на пленэре, то есть на природе. Позднее так стали работать и многие импрессионисты. Однако данный стиль работы вовсе не является доминирующим в художественной практике, и тому есть ряд очень серьезных объяснений. Во-первых, большие холсты неудобны при письме на пленэре. Во-вторых, нередко картины, написанные при естественном освещении, в помещении кажутся темными — в них не хватает света. Кроме того, природа не ждет живописцев, а они в большинстве случаев за ней не поспевают. В результате пейзаж или его отдельные части успевают несколько раз измениться до того, как картина закончена. В связи с этим принято разделять работу над зарисовкой или этюдом — фрагментом будущего произведения — на пленэре и работу над полноценной картиной в мастерской. Дело еще и в том, что даже этюд, написанный красками, по технике выполнения сильно отличается от картины. Последняя пишется в определенной последовательности: сначала делают подмалевок

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

ДИЗАЙН

среднего и переднего плана и, лишь дав работе просохнуть, приступают к детальной прописке. Такую систему работы нельзя использовать при письме этюда масляными красками, т.к., прорабатывая средний и передний планы, художник неминуемо будет задевать кистью непросохшие участки неба и дальнего плана, что приведет к смешиванию колеров и потемнению красок. В этюде следует начинать с главного объекта, стараясь по возможности его детализировать, и лишь затем переходить к второстепенным и маловажным участкам. Мелкие детали на этюде можно дописать, дав работе просохнуть. Эскизный поиск — важная часть полномасштабной деятельности, требующая знаний всего комплекса принципов композиции: симметрии, композиционного центра, доминирующего элемента, ритма, пластики и т.д. В работе над черно-белыми эскизами важно знать законы тональных взаимодействий. Примерами удачных «монохромных» работ служат произведения М.В. Добужинского, Г.Ф. Захарова, В.А. Фаворского и В.А. Серова. В работе над цветными эскизами очень важны цветовые отношения и соответствие законов композиции законам цвета. Существующая в эскизе динамика и пластика отрабатываются со временем. Эскизов следует делать как можно больше, с этой работой приходит понимание создания композиции. С каждым следующим наброском, зарисовкой или эскизом приходит умение и овладение художественным мастерством. Этюд, набросок, зарисовка — некий план по созданию будущего художественного произведения. Работая над каждым подготовительным элементом, будущий художник учится. Главное – от этюда к этюду, от зарисовки к зарисовке высказываться до конца, до тех пор, пока глаз в состоянии видеть в натуре все новые и новые стороны изображаемого. Уровень мастерства начинающего художника пропорционален степени затраченных усилий. Общение с природой и сам процесс рисования, как всякое созидательное действо, доставит радость, принесет знания, хотя не исключены трудности, преодолевать которые нужно постепенно — от урока к уроку, накапливая знания и опыт. В целом эскизы — этюды, зарисовки, наброски — являются важным этапом обучения художественной грамоте. Вопрос заключается лишь в разумном их сочетании. Работая только над длительными по времени этюдами, студент не приобретает навыков быстрой ориентации, умения моментально запечатлеть в эскизе главное. Поэтому важно разобрать отличительные особенности всех этих жанров живописи. ЕСЛИ В ГАЛЕРЕЕ ВЫ ВСТРЕТИЛИ НЕБОЛЬШУЮ КАРТИНУ С НАЗВАНИЕМ ВРОДЕ «ЗАКАТ», «ОБЛАКА», «ТРОПИНКА», «ПРИБОЙ», «СОСНА» И Т.П., ЗНАЙТЕ — ЭТО ЭТЮД. Краткость названия в данном случае — не столько сестра таланта, сколько намек на сущность этюда как жанровой категории, ведь главная его цель — успеть

зафиксировать самое главное и интересное. Все остальное можно и потом дописать. Успех работы чаще всего связан с умением художника быстро и точно определить цель и найти средства ее достижения. Начинающий художник может часами бродить по живописной местности в поисках подходящего вида и не обнаружить его, тогда как опытный живописец даже с крыльца своего дачного домика умудряется сделать до десятка выразительных этюдов, собирая материал для будущих картин, для него этюд — лишь фрагмент будущего произведения. Поэтому он так легко находит сюжеты: дорожка в саду, розовый куст, ветка яблони, крыша соседского сарая. Этюд для художника не является самоцелью, хотя иногда и воспринимается зрителем как законченное, самостоятельное произведение. Сам порядок работы над этюдом во многом отличается от метода создания художественного произведения. Исходя из главной цели ясно, что начинать надо с того эффекта или элемента в 13

Вверху: «Наряд вне очереди в казарме» и «Наряд вне очереди на кухне», вклеенные в альбом листы бумаги, угольный карандаш, синие чернила.Внизу слева: «Супружеская чета в вечерних нарядах», карандаш.Внизу справа: «Фигура в смокинге» (вероятно, автопортрет), карандаш.

ИСКУССТВО

БЕЗ ПАЛЛИТРЫ НЕ РАЗБЕРЕШЬСЯ

природе, который больше всего нравится и вызывает наибольший интерес. Его следует сделать доминирующим, сосредоточить на нем основное внимание. Не позаботившись о нем сразу, его можно попросту «потерять». Так может произойти в случае, если, желая, например, запечатлеть закат, вы начнете работу со второстепенных элементов композиции. Состояние заката меняется каждую секунду, и, если промедлить, этюд может не получиться. Допустим, существует прекрасный вид, но в этот момент интересную форму приняли облака. Важно сразу зафиксировать этот эффект. Если изображение облаков оставить напоследок и начать работу с прорисовывания поля, деревьев, тропинки, реки и т.п. в надежде, что облака опять приобретут столь же интересную форму к моменту их написания, возникает риск получить в итоге неинтересный, заурядный этюд, лишенный неповторимого своеобразия. Такие ошибки очень часты у начинающих художников, которые, выходя писать этюд, пытаются создать произведение, обладающее несколькими эффектами: красивым небом, голубыми далями, интересным средним и проработанным передним планом, как на картинах известных мастеров. Как правило, они не успевают закончить этюд, и он лишается выразительности.

Выполнять этюды можно не только масляными, но и акварельными, гуашевыми, темперными или акриловыми красками. В каждом отдельном случае технология работы над этюдом будет претерпевать значительные изменения, но общий принцип сохранится: максимально достоверная передача главного эффекта, наблюдаемого в природе. Порядок работы над этюдом можно проследить на конкретном примере. Вы увидели выразительно извивающуюся тропинку на лугу, освещенную солнцем. Не надо начинать работу с второстепенных элементов, приступайте к главному. Подберите на палитре цвет, соответствующий цвету освещенной части тропинки, и, используя этот колер, кистью напишите ее. Затем определите цвет теней и изобразите затененные части тропинки. Подберите общий цвет травы, окружающей тропинку, и, аккуратно обводя внешние края тропинки, напишите траву. Далее подобным образом проработайте полоску леса и небо. Затем можно переходить к детализации пятен травы, леса и неба. Если какие-то мелкие детали не удается прописать по сырой краске, их можно добавить позже. Еще один пример: вы остановились, пораженные красотой листвы осеннего клена. Принимайтесь за работу, и пусть вас не смущает, что дерево растет в промышленном районе и достойного окружения попросту нет. Вы работаете над этюдом, а значит, сосредоточьтесь на главном — пишите клен. Обратите внимание на многообразие оттенков листвы, постарайтесь подобрать всю гамму цветов и поочередно наносите их на холст, стараясь наиболее точно передать форму кроны дерева. Затем изобразите ствол и ветви, после чего можно зафиксировать то, что клен окружает. Следует отметить, что художники нередко «грешат» приемами дополнений. Для улучшения композиции вы тоже можете сдвигать отдельные элементы пейзажа или добавлять в него несуществующие детали. Не стоит пренебрегать следующей рекомендацией: каждый раз перед началом выполнения работы в цвете (любым материалом) делать цветовой эскиз небольшого размера. В таком этюде наряду с композиционным решением определяется цветовая гамма. Выполняется он в течение часа. Еще за более короткое время может быть выполнен так называемый «быстрый» этюд. По ряду обстоятельств художник нередко бывает вынужден ограничиться именно им, чтобы успеть передать главное — заинтересовавшее его явление природы или какое-то сильное впечатление. Главное в этом случае — учесть колористическую гамму и условия среды: свет и окружающее пространство. 14

Вверху слева: «Персонаж в коротких штанах», свинцовый карандаш. Вверху справа: Рисунок в письме Хедде Штерн, ручка. Внизу: «Много фигур в группе», ручка.

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

Вверху слева: «Женщина в облегающем платье, стоящая вполоборота», свинцовый карандаш, синий и красный карандаши. Вверху справа: «Погрудный портрет мужчины с квадратным подбородком», синий и красный карандаши. Внизу: «Плешивый старик с длинной бородой», свинцовый карандаш, синий и красный карандаши.

ДИЗАЙН

Для начинающего художника создание подобных этюдов полезны и необходимы. Кроме того, быстрый этюд интересен и с технической стороны исполнения. Чистота красок, общее впечатление свежести и сочности достигается в письме акварельными красками благодаря тому, что работа выполнена по сырой, увлажненной бумаге. Такие этюды могут иметь как подчиненное, так и самостоятельное значение: подчиненное — при выполнении предварительного эскиза перед длительным этюдом; самостоятельное — при решении специальных живописных задач (передача света, цветовых сочетаний), а также в случаях, когда требуется зафиксировать мотив или создать впечатление от увиденного. Художник, идущий писать этюды, чем-то похож на охотника, только вместо дичи он приносит зарисовки, из которых позднее получаются различные произведения. Хорошим примером подобной «подготовительной работы» служат великолепные зарисовки, наброски и кратковременные этюды А.В. Кокорина, Н.А. Соколова, Ю.И. Пименова, В.А. Серова, Б.М. Кустодиева, А.В. Коровина, вошедшие в историю мировой классики искусства. Образцами этюдов в жанре пейзажа можно считать произведения И.И. Шишкина, И.И. Левитана и В.А. Серова. НАБРОСОК — ЭТО РИСУНОК, СДЕЛАННЫЙ ЗА КОРОТКОЕ ВРЕМЯ. ОБЫЧНО НА ЭТОТ ВИД РАБОТЫ У ХУДОЖНИКА УХОДИТ ОТ НЕСКОЛЬКИХ СЕКУНД ДО НЕСКОЛЬКИХ МИНУТ. Наброски делаются, как правило, с животных, птиц или человека, реже с другой натуры. Можно делать наброски пейзажей, деревьев, построек, кораблей, автомобилей, но такие объекты позволяют работать над ними более продолжительное время и с большей детализацией, и тогда они называются зарисовками (о них речь пойдет ниже). Основная цель наброска — зафиксировать интересную сценку из окружающей жизни. Наброски можно делать чем угодно — карандашом, шариковой ручкой, фломастером, кистью или тушью. Также можно поэкспериментировать с сортами бумаги, фактурами и материалами. Выразительные наброски получаются, если их делать акварелью или тушью на специальной акварельной бумаге. Рисуя кистью, удается быстрее зафиксировать заинтересовавшую позу, а цветовая характеристика усиливает эстетическое воздействие наброска. Работа кистью над наброском полезна еще и тем, что помогает воспринимать фигуру как некое характерное пятно, вырабатывая привычку правильного видения. Особого внимания заслуживают работы, сделанные с фигуры, находящейся в движении. Позы, жесты и манера двигаться у каждого человека индивидуальны. Фиксируя различные положения, которые принимает человек в тех или иных ситуациях, художник может с большой степенью точности передать его характер, привычки, темперамент, социальное положение. Наброски, сделанные многими известными художниками, донесли до нас характерные особенности одежды и быта их современников. Различные позы людей, животных и птиц, схваченные карандашом мастера, становятся хорошим подспорьем в работе над иллюстрацией или жанровой картиной. Но без постоянной и настойчивой тренировки в рисовании набросков добиться успехов в этом деле трудно, поэтому необходимо уделять достаточно времени на подобные упражнения. Захватив с собой небольшой блокнот в твердом переплете и карандаш, вы можете с пользой для дела использовать любой свободный отрезок времени. Наверняка каждый хоть раз встречал в метро человека, быстро зарисовывающего лица сидящих напротив него пассажиров. У таких людей уже выработана правильная привычка рисовать в любой обстановке и при любых обстоятельствах — в общественном транспорте, в кафе, на крыльце галереи или у моря. Интересные наброски можно сделать в путешествии или поездке, стоит только взять с собой этюдник для акварели и сами краски (или черную тушь). Десятки интересных набросков можно сделать в зоопарке. Полезно начать работу с набросков отдельных частей животного, например с головы. Рисуйте их в нескольких ракурсах, чтобы при наброске всей фигуры изображение не вызывало затруднений. Еще хорошее 15

ИСКУССТВО

БЕЗ ПАЛЛИТРЫ НЕ РАЗБЕРЕШЬСЯ

упражнение — попытаться закомпоновать в листе несколько деталей и фрагментов, изучив их конструктивные особенности, характер и индивидуальность. Нередко начинающий художник, делая набросок, стремится зафиксировать контуры фигуры, забывая о большой форме, из-за чего фигура получается неестественной, лишенной движения. Работая в мастерской над рисунком фигуры длительное время, художник приобретает необходимые знания о пропорциях тела человека и его анатомическом строении. Но однообразные, статичные позы натурщиков малопригодны в таких творческих работах, как иллюстрирование художественных произведений или создание эскизов к многофигурной композиции живописной картины. А вот наброски, в отличие от официальных портретов и жанровой живописи, несут в себе силу жизненной правды и очарование сиюминутности. В искусстве наброска нет места фальши и надуманности, все образы здесь своеобразны, а окружение документально подлинно. Поэтому о наброске можно говорить как о самостоятельном виде искусства, который вызывает большой интерес у широкой зрительской аудитории. Среди известных художников, отличавшихся большой любовью к наброскам, можно назвать И. Репина, В. Серова, В. Кустодиева, никогда не расстававшихся с блокнотом и карандашом, использовавших каждую свободную минуту для творческого совершенствования. Большим мастером наброска был и Тулуз–Лотрек – французский художник, оставивший после себя большое количество гротескных изображений парижской богемы. Особая выразительность характерна для набросков французского художника Анри Матисса. Чтобы добиться лаконичности и изысканности в работах, он многократно переводил их через стекло, добиваясь легкости и четкости линии. ЗАРИСОВКИ — ЭТО ПОДГОТОВИТЕЛЬНЫЕ ГРАФИЧЕСКИЕ ПРОИЗВЕДЕНИЯ, ТО ЕСТЬ, ДЕЛАЯ ЗАРИСОВКИ, ХУДОЖНИК ПРЕСЛЕДУЕТ ТУ ЖЕ ЦЕЛЬ, ЧТО И ПРИ РАБОТЕ НАД ЭТЮДАМИ, — СОБРАТЬ МАТЕРИАЛ ДЛЯ ПОСЛЕДУЮЩЕЙ ТВОРЧЕСКОЙ ДЕЯТЕЛЬНОСТИ. Однако они помогают художнику зафиксировать те характерные или мелкие детали объектов, которые Вверху: «Король» (иллюстрация к «Возвращению маленького принтрудно передать живописью и которые часто ца», ручка,акварель. Внизу: «Судьбоносная сделка» (иллюстрация являются ключевыми в раскрытии темы. В отк «Маленькому принцу»), ручка, акварель. личие от наброска, который создается за очень короткое время, работа над зарисовкой может длиться довольно долго. Обычно — до нескольких часов. Поэтому само собой разумеется, что зарисовки делаются с неподвижных объектов. Делать зарисовки можно бессистемно и хаотично, запечатлевая все интересные предметы быта, архитектурные мотивы и пейзажи, накапливая тем самым творческий материал впрок. Обычно так работают начинающие художники, осваивая азы графической грамоты. Однако зарисовки могут быть и систематическего, целенаправленного характера, если художнику предстоит выполнить творческую работу на какую-то выбранную или заданную тему. Так, трудами художников созданы объемные атласы с зарисовками цветов, растений, деревьев, насекомых, птиц и животных. Чтобы справиться с подобными работами, необходимо иметь не только хорошие навыки в академическом рисунке, но и богатый опыт натурных зарисовок. Студенты художественных учебных заведений имеют возможность получить необходимые уроки в данной области в период летней практики. Однако это лишь знакомство с техникой натурных зарисовок. Чтобы достичь настоящего мастерства, необходимо заниматься зарисовками постоянно, используя для этого и свободное время. Зарисовки отражают и фиксируют общее впечатление от натуры. Иногда к рабочему материалу полезно добавлять и зарисовки по памяти. Они помогают усилить впечатление и создать более выразительный образ композиции. Зарисовки могут дополнять материал основного рисунка или этюда. Бывает, живописцу достаточно зарисовок и набросков, чтобы создать полноценное художественное произведение (вспомним уже упомянутого И.К. Айвазовского). Но даже несмотря на то, что зарисовки — это изображения, не предназначенные к экспонированию на выставках, это рабочий материал художника, порой они могут иметь собственную художественную ценность. Известно, например, что первый успех ожидал великого русского художника И.И. Шишкина вовсе не по случаю написания им живописной картины, а в связи с созданной серией натурных зарисовок, сделанных пером, которую он представил на выставке в Дюссельдорфе. Своими натурными зарисовками прославились также известные русские пейзажисты И.Е. Репин и Ф.А. Васильев. Совершив вместе с И.Е. Репиным поездку по Волге в 1870 году, Ф.А. Васильев привез оттуда целую серию великолепных зарисовок, многие из которых легли в основу его будущих картин. Знакомство с зарисовками великих русских и зарубежных мастеров принесет большую теоретическую пользу начинающему художнику и доставит эстетическое удовольствие простым любителям искусства. 16

ДИЗАЙН

ИСКУССТВО

Текст: ВЛАДИМИР БРИГИНЕЦ. Иллюстрации: GRAFFITINI.COM

ОСТОРОЖНО: ОКРАШЕНО Корреспондент «УЖа» изучил историю граффити и выяснил, стоит относиться к этому феномену как к баловству или как к внесистемному искусству Для многих город — просто множество зданий и километры асфальтированных дорог. Но для кого-то бетонные джунгли — это полотно, серый холст для создания картин, отличающихся от всех остальных видов искусства своей неповторимой атмосферой и художественной стилистикой. Нетрудно догадаться, что речь идет о граффитчиках. И несмотря на то, что некоторые и в XXI веке называют их вандалами и шпаной, сами уличные артисты позиционируют себя как представителей полноценного внесистемного авангарда, опирающихся исключительно на собственные ресурсы и эмоциональную поддержку общества. Несмотря на то, что стрит-арт — искусство относительно новое, корнями оно уходит в историю человечества гораздо глубже, чем все остальные виды творческой деятельности: настенные надписи и рисунки находят не только в пещерах наших древних нецивилизованных предков, но и в постройках античной Греции и Древнего Рима. Сам термин «граффити» вошел в обиход из истории искусств, где его обычно применяют для обозначения изображений, нацарапанных на поверхности. Однако знатоки и любители современного искусства до сих пор не пришли к единому мнению относительно того, с чем было связано зарождение движения граффити в современном его понимании. Одни считают, что первыми современными граффити можно считать рисунки и надписи, которыми в 1920-х годах помечали товарные вагоны, курсировавшие по США, или «метки» различных уличных группировок, которые изображениями на стенах разграничивали территории. Были еще и политических активисты, использовавшие граффити для распространения своих идей. Кроме того, существует легенда, что первой граффити была надпись «Kilroy was here», сделанная простым фабричным уборщиком на коробках с бомбами в самом начале Второй мировой войны. Эту идею впоследствии подхватили военные и на зданиях, выдержавших бомбежку, белой краской наносили ту же самую надпись. Фраза настолько вошла в массовую культуру, что ее даже выгравировали на Национальном мемориале Второй мировой войны в Вашингтоне (на фото). Позже, в середине 1960-х годов, в Филадельфии стали появляться разноплановые, замысловатые надписи, названные тегами («метками»). В каждом районе местные художники, именуемые «райтерами», наносили свой псевдоним и номер улицы на стены. То есть теги — это своеобразные информационные таблички, сообщавшие о том, что здесь проживает тот или иной райтер. Идея таких «указателей» моментально стала популярной среди всех подростков США, и через некоторое время их можно было встретить в каждом закоулке. Но революционным для стрит-арта стал период с 1968 по 1974 гг. Новым эпицентром распространения граффити стал Нью-Йорк. В 1968 году подросток по имени Деметриус (или Деметраки, Таки), проживавший на Манхэттене, вынес свой тег за пределы района, расписав множество объектов в Нью-Джерси и аэропорту имени

Кеннеди, а также многочисленные вагоны нью-йоркского метро, в котором, подрабатывая курьером, бывал каждый день. С того момента райтеры начали соперничать друг с другом, и смыслом их соревнования было написание своего имени максимальное количество раз во всевозможных местах. СМИ тут же обратили внимание на новое культурное явление. В 1971 году в газете «New York Times» появилась статья «Таки вызвал волну последователей». Именно она способствовала визуальному взрыву в американских городах. Райтеры стремились оставить свои теги везде, где только можно, притом максимальное количество раз. Соперничество райтеров за внимание стимулировало появление новых стилей и шрифтов, наиболее популярными из которых были «баббл» и «вайлд стайл». Первый обозначает пузыреобразные буквы, второй — практически нечитаемый текст. Развитие граффити как нового художественного явления, его повсеместное распространение и растущий уровень мастерства райтеров не могли остаться без внимания. В 1972 году Хуго Мартинес основал организацию «United Graffiti Artists» («Объединение Граффити Художников»), в которой состояло множество лучших граффитчиков того времени. Организация стремилась к тому, чтобы представить широкой публике произведения граффити в рамках арт-галереи. К 1974 году райтеры стали включать в свои работы изображения героев и сцен из мультфильмов. Поколение XXI века обнаружило в уличном искусстве неисчерпаемый потенциал обновления, не ограниченный никакими рамками. Стоит заметить что большинство работ уличных художников задуманы как альтернатива коммерческим устоям жизни, в частности рекламным билбордам. Именно по этой причине все больше людей начинают увлекаться данным движением, поднимая граффити на вершину современной молодежной культуры.

ДИЗАЙН

КАКОВО

Иллюстрация: ЮЛИЯ ХАЦЬКО

КАКОВО ЭТО – УЧИТЬ ИСКУССТВУ ДЕТЕЙ С ПРОБЛЕМАМИ СЛУХА Римма Юсупова, доцент кафедры «Дизайн» МГУТУ им. К.Г. Разумовского, о трудностях и радостях работы с глухими детьми

В группе, которую я курирую, четырнадцать человек. Из них семь — инвалиды по слуху, причем пять студентов абсолютно не слышат и только два — слабослышащие. Мое знакомство с ними началось на дне открытых дверей МГУТУ им. К.Г. Разумовского, где я подробно рассказывала о перспективах обучения творческим специальностям. Родители, пришедшие на эту встречу, с большим волнением рассказали, что их дети — инвалиды по слуху — оканчивают колледж с дизайнерским уклоном, и с интересом спрашивали о возможности для них обучаться графическому дизайну. Эти активные и заботливые родители вместе с их детьми для более подробного знакомства с учебным процессом были приглашены на кафедру рисунка, живописи и скульптуры, которую возглавляет к.п.н., профессор Наталия Борисовна Ульянова. Там им были показаны творческие работы студентов, а затем преподавате-

ли подробно рассказали посетителям о творческих дисциплинах и графическом дизайне. Для более успешной подготовки к экзаменам им было предложено посещать подготовительные курсы. Ребята и их родители были признательны радушному и внимательному отношению к ним и к их проблемам. В итоге они привели с собой друзей из колледжа. Так их стало семь. К тому моменту у меня уже был опыт преподавания в группах, где совместно со здоровыми студентами обучались в среднем по два студента– инвалида по слуху. А здесь сразу семь, т.е. половина группы. И они должны были обучаться со здоровыми однокурсниками. Обычно в начале своего обучения студенты–инвалиды по слуху очень замкнуты и неуверены в себе, общаются только друг с другом при помощи жестов и мимики. Как же обучать подобных студентов? Что с ними делать? Как найти к ним подход? Как заставить их поверить в 18

себя? Как помочь им преодолеть чувство страха и неуверенности в себе? Как воспитать достойных специалистов? И как подружить их с остальными однокурсниками, помочь общаться и создать благоприятную обстановку для обучения? Эти вопросы всегда стоят перед преподавателем относительно студентов вообще, а тут еще и неслышащие или очень слабослышащие студенты. Конечно же, со всеми студентами независимо от их здоровья необходимо быть доброжелательным, внимательным, компетентным, любящим свое предназначение преподавателем. Но самое главное — нужно быть большим мастером, профессионалом в своем деле — быть настоящим художником. В этом случае быть художником и преподавателем значит уметь вдохновить, показать, исправить, объяснить, заинтересовать. Убедившись в безукоризненном профессионализме и индивидуальности своего преподавателя, студент начинает проявлять доверие к

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

преподавателю и к его методике обучения. Такая взаимосвязь повышает уровень и качество образования. В самом начале обучения возникает много трудностей из-за низкой подготовки по академическим дисциплинам в колледжах. Большинство моих слабослышащих студентов практически не владели профессиональной терминологией художников, которой необходимо пользоваться не только в процессе обучения, но и в последующей работе. Не знали, например, что означает слово «автопортрет». Поэтому нужные термины или значения слов необходимо было писать и показывать на верхнем углу листа, на котором они рисовали. Один раз, например, речь шла о рефлексе (отсвете. — Прим. «УЖа»). Им ранее не встречалось это определение. И я начала очень доходчиво объяснять, что существует взаимозависимость цветов изображенных объектов, то есть цвет окружения отражается и влияет на цвет предмета, и наоборот. В углу листа при этом я писала знаки равенства, стрелочки, доступные слова. Зато студенты всегда счастливы, когда достигнуто понимание. В процессе кураторской работы в данной группе одной из основных задач, стоящих передо мной, было создание атмосферы взаимоподдержки и единого студенческого братства. Для достижения этой цели я постоянно проводила со всеми студентами группы воспитательные беседы на тему добра и взаимоуважения. Познакомившись, они обменялись номерами телефонов, завели свою группу в социальной сети и стали активно общаться, обмениваться впечатлениями. Сближали их и совместные посещения студенческих конференций, устраиваемых в нашем вузе. Им очень понравилась, например, колоритная встреча с представителями казачества. В конце того мероприятия я подошла к оратору и сказала, что их внимательно слушали, смеясь и аплодируя, совершенно не слышащие студенты. Это известие поразило гостя, так как до этого, восхищенный вниманием, интересом и активностью, возникшей в аудитории во время своего выступления, он и подозревать о таком не мог. Огромное значение в сплочении и адаптации группы, а значит, и в достижении успешного обучения, является и то, что я как преподаватель художественных дисциплин и как куратор их группы постоянно посещаю со студентами самые интересные художественные выставки. Мы, например, бы-

ДИЗАЙН

ли на юбилейной выставке Константина Коровина, проходившей в залах ГТГ на Крымском Валу. До этого я много рассказывала о выдающемся художнике, о его времени, показывала мои любимые произведения, активно жестикулируя для большей убедительности. К нашей группе присоединились множество других посетителей. Ребятам было приятно, что мои пояснения интересны не только им. По учебному плану у нас к тому времени уже велись такие предметы, как академическая живопись и академический рисунок. Поэтому буйство цвета увиденных картин привели моих студентов в полный восторг. Моя знакомая, которая была среди присоединившихся к нам слушателей, уже после посещения сказала, что у меня замечательные студенты. Когда же я ответила ей, что половина из них не слышит, она была изумлена и после продолжительной паузы сказала, что в это трудно поверить, ведь они так внимательно и участливо слушали. Подумав немного, она добавила замечательные слова, которые впечатлили уже меня: «Это, видимо, твоя миссия». «Да, — подумала я, — раз процесс обучения идет, раз есть доверие ко мне, есть потрясающие результаты адаптации, интерес и успехи в учёбе — значит, это моя миссия выполняется». Однажды мама одного из студентов рассказала, что у ее сына был очень строгий учитель в колледже — настолько строгий, что в случае непонимания мог не задумываясь обидеть. Поэтому молодой человек стал замкнутым, перестал носить слуховой аппарат, потому что ему хотелось быть «в себе» (если можно так сказать), замкнуться. Я обратила внимание на этого закрытого и необщительного студента. Он очень хорошо воспринимал мои замечания, которые я ему, как и другим, писала прямо на его листе сверху. Он все понимал. Чтобы его похвалить я поднимала большой палец вверх, показывая так свое одобрение. Он улыбался и с удовольствием продолжал старательно рисовать, учитывая мои требования. Через некоторое время я случайно обратила внимание, что он стал носить слуховой аппарат. Позже у нас с его мамой состоялся еще один разговор. И тогда она рассказала, что в определенный день он просто пришел домой и сразу же начал искать свой слуховой аппарат, который когда-то забросил за ненадобностью, что ему очень хочется слышать хотя бы шорох своего препо19

давателя и что ему очень нравятся наши занятия. Мне было очень приятно узнать об этом. А во время зачётного просмотра творческих дисциплин, когда студенты должны оформить в паспарту свои творческие работы, я с удовлетворением отметила, что мои студенты не стирают со своих работ написанные и нарисованные мною пояснения. Многие ребята с проблемами слуха умеют считывать с губ, но стесняются говорить. Я попробовала предложить им повторять вслух слова-термины. Впоследствии они перестали стесняться и начали понемногу говорить. Допустим, я показываю на изображаемый предмет и спрашиваю: «Что это означает?». Студент отвечает: «Рефлекс, чередование касаний». Или такой случай. Во время одного из занятий у меня зазвонил мобильный телефон. Не обращая на это внимание, я продолжала свои объяснения, а телефон все звонил. И вдруг неслышащий студент мне говорит: «У Вас телефон». Я была обескуражена и удивлена, а он довольно улыбался. В начале октября 2014 года мне было предложено подготовить со студентами творческие работы на тему «Православная Россия» в связи с 1025-летием Крещения Руси. Тема эта чрезвычайно интересна и в то же время ответственна. На подготовку к выставке было выделено меньше месяца, но я успела прочитать и показать своим студентам большой материал, посвящённый памятникам православной архитектуры и их стилям, чтобы вдохновить их и погрузить в заданную тематику. Большое внимание я уделяла иконописцам и художникам разных эпох. И сами студенты собрали много информации для предстоящей работы. Мною отбирались самые удачные варианты эскизов для дальнейшего художественного создания уникальных творческих работ. Мы усиленно и вдохновенно работали над интереснейшим проектом, стараясь успеть в срок. Было сделано более 30 замечательно оформленных работ, 15 из них были представлены на выставке, проходившей в стенах нашего вуза. Позже, в ноябре 2013 года, три работы этого цикла были выставлены в Центре Международного Дизайна в рамках Российской недели искусств. В прошедшем там международном конкурсе участвовало 806 художников. С гордостью могу сказать, что творческие работы моих студентов заняли на нем первые места.

ДИЗАЙН

ИНТЕРВЬЮ

Текст: АННА РЫЖКОВА. Иллюстрации: MMOMA.RU

ВАСИЛИЙ ЦЕРЕТЕЛИ Корреспондент «УЖа» расспросил директора ММОМА о современном искусстве, тонкостях арт-менеджмента и о поддержке молодых артистов в нашей стране

Василий Церетели — художник, продюсер и исполнительный директор Московского музея современного искусства (ММОМА) — родился в Тбилиси в 1978 году. До 8 класса жил с семьей в Грузии, затем переехал в Нью-Йорк, где окончил школу при ООН. Два года учился в Университете дизайна Parson School of Design, а затем — в нью-йоркской School of Visual Arts, где получил степень бакалавра изобразительных искусств. Вернувшись в Россию, активно принялся за обустройство русского художественного ландшафта. В списке пятидесяти самых влиятельных людей в современном российском искусстве, составленном журналом «Артхроника» в 2012 году, Василий занял первое место.

Василий, в этом году музей празднует круглую дату, поздравляем Вас и весь коллектив. Спасибо. Московский музей современного искусства в декабре 2014 года отмечает юбилей. 15 лет назад Зураб Церетели передал в дар городу здание и свою коллекцию искусства, которую он собирал в течение многих лет. Так появился первый в Москве музей современного искусства. Какие трудности пришлось преодолеть за эти 15 лет? Здесь можно привести пример с рождением ребенка. Надо постоянно думать о его развитии, комфорте, воспитании. Я возглавил музей спустя два года после его открытия. Очень важно было собрать достойную коллекцию, профессиональный коллектив, структурировать работу. Благодаря поддержке Зураба Церетели у музея появилось несколько новых помещений. И чем активнее мы работали, тем лучше нас поддерживал департамент культуры Москвы. В настоящее время нам выделяются средства на закупку произведений, на выставочную деятельность, на проведение Международного московского биеннале молодого искусства. Расскажите о выставках музея Мы проводим около 80 выставок в год. Многие международные музеи проводят в разы меньше. Наши выставки проходят и за пределами России, например в Венеции. Коллекция музея ориентирована, прежде всего, на российское искусство с начала XX века по настоящее время. Сколько у вас сейчас представлено экспонатов? В самой коллекции музея больше 10 000 работ. Особое внимание мы уделяем выставкам, которые всегда сопровождаются научной работой. Вообще выставка — это полноценное, самостоятельное произведение искусства. Для ее подготовки привлекаются кураторы, архитекторы, дизайнеры, выстраивается специальное освещение и производится застройка помещений. ММОМА не относится к тем музеям, которые делают экспозицию на несколько лет. Мы придерживались этой стратегии в самом начале, а потом приняли 20

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

ДИЗАЙН

решение каждые полгода представлять новую тематическую экспозицию. Это дает возможность по-новому взглянуть на произведения искусства. Сейчас у нас открыта выставка «Пути немецкого искусства с 1949 по сегодняшний день» в главном здании на Петровке, 25. Она посвящена послевоенному искусству Германии. Это очень важный проект, на котором представлено больше 400 экспонатов. После Москвы выставка будет показана в Красноярске. Вы как-то поддерживаете молодых художников? Безусловно. Московский музей современного искусства вместе с Государственным центром современного искусства организовывают Московский международный биеннале молодого искусства (этим летом он пройдет в четвертый раз), при ММОМА существует школа современного искусства, программа «Дебют». Художники присылают заявки на выставки, которые рассматриваются выставочной комиссией. Сейчас в здании музея на Гоголевском бульваре мы открыли выставку «Я бросаю вам вызов!» молодой, талантливой художницы Алы Лересто. В своем творчестве она исследует феномен грани и тему энтропии. Совсем недавно у нас завершился проект «Паша 183. Наше дело подвиг!». Было представлено искусство уличного художника, которого называли русским Бэнкси за талант, трудолюбие и неординарное мышление. Сам британский художник Бэнкси посвятил Паше 183 одну из своих работ, названную «P183. R.I.P».В 2012 году Павел Пухов стал известен всему миру благодаря публикациям в The Guardian, The Huffington Post, The Telegraph. К сожалению, в 2013 году он ушел из жизни.

В КАЧЕСТВЕ ИЛЛЮСТРАЦИЙ ИСПОЛЬЗОВАНЫ РАБОТЫ ИЗ ПОСТОЯННОЙ ЭКСПОЗИЦИИ ММОМА

Сколько времени нужно, чтобы подготовить такие выставки? Какие у Вас планируются в ближайшее время? Каждая выставка планируется больше года, а выставочный план музея расписан на 3 года вперед. В сентябре планируется выставка, посвященная великому художнику Василию Шухаеву. Он жил во Франции, потом был сослан в Магадан на 10 лет, после ссылки поселился в Тбилиси. Его работы представлены в Русском музее, в Третьяковской галерее и во многих других институциях. Сейчас мы нашли куратора, специалиста по тематике Шухаева, и работаем над созданием экспозиции. У нас было много разных исторических выставок. У музея есть собственный журнал «Диалог искусства», который выходит 6 раз в год. Мы издаем книги о выставках. У нас есть школа и лекторий. Мы работаем в разных направлениях не только как музей, но и как научно-образовательный центр.

«УТРО, ДЕНЬ, ВЕЧЕР, НОЧЬ» Холст на оргалите, масло, 60×85 см, 2002 год. Автор: Виктор Пивоваров — один из основоположников московского концептуализма и характерного для этого направления альбомного жанра. «REAL ВEAUTY» Холст, акрил, 100×85 см, 1996 год. Автор: Константин Латышев, как принято считать, — самый убежденный и последовательный российский поп-артист. «ЦИРК» Холст, масло, 151×131 см, начало 1920-х годов. Автор: Владимир Дмитриев — один из крупнейших художников советского театра.

Расскажите поподробнее о направлениях музея. С одной стороны, мы работаем над сохранением культуры и передачей ее будущим поколениям. С другой стороны, при музее функционирует школа для детей. Ребята в возрасте 4– 12 лет учатся рисовать, преподаватели рассказывают им об искусстве. Обучение проходит в игровой форме.

«ЖЕНЩИНА» Холст, масло, 81×66 см, 1916 – 1917 года. Автор: Борис Григорьев.Картина иконографически и тематически связана с рисунками, созданными художником под впечатлением от пребывания в Париже, вошедшими в альбом «Интимность»

Школа для взрослых пользуется популярностью? Молодые художники, которые только ищут свой путь, посещают школу «Свободные мастерские» Дарьи Камышниковой. 21

ДИЗАЙН

ИНТЕРВЬЮ

ВАСИЛИЙ ЦЕРЕТЕЛИ

Люди, которые мечтают стать кураторами, но не понимают, что для этого нужно, могут также прийти к нам. Мы научим создавать экспозиции. Вы учились в Университете Parson School of Design, окончили School of Visual Arts в Нью-Йорке. Вы очень разносторонняя личность, но что побудило Вас стать больше управленцем? Я художник, но, к сожалению, времени не всегда хватает заниматься своим творчеством. Мне всегда было интересна сфера управления — это тоже большое искусство. МБА менеджера управления я получил в Сколково. Одна из важнейших составляющих — умение привлечь профессионалов. У нас в коллективе около 400 сотрудников. Мы создаем интересные проекты, получая финансирование государства и привлекая партнеров. Безусловно, умение находить общий язык со спонсорами — важная часть работы. Долгое время мы сотрудничаем с компанией «Новатек», компания «Eon» поддержала немецкую выставку, многие другие организации оказывают поддержку современному искусству. Это дает свои результаты, в год музей посещают около 350000 человек — это хороший показатель. Выставку Маурица Эшера этой зимой посетило 115 000 человек. А в рамках «Ночи музеев» у нас было больше 13 000 гостей. Конечно, мы не собираемся останавливаться на этом. Исходя из этих показателей, как вы считаете, в России на данном этапе современное искусство востребовано?? Современное искусство — это олицетворение сегодняшней реальности. Безусловно, как любой язык, чем больше это на слуху, тем больше люди интересуются. Сейчас мы совместно с ГЦСИ работаем над биеннале молодого искусства, открытие которого состоится в конце июня. Участники — молодые художники до 35 лет со всего мира и, конечно, со всей России. В нашей стране есть прекрасные музеи современного искусства в Красноярске и в Перми. Они дают возможность расширить кругозор. Нельзя, допустим, просто изучать математику, физику и думать, что этого достаточно. Любой молодой человек должен быть разносторонне развит. Качественное образование — это формирование личности, взглядов. Чем больше в твоем багаже знаний из разных сфер, тем лучше ты ориентируешься в жизни. Слушать хорошую музыку, посещать выставки, заниматься спортом — все эти занятия развивают силу духа и воображение.

«ОКНО LXIV» Дерево, акрил, 110×90×12 см, 2002 год. Автор: Иван Чуйков — известный живописец–концептуалист, представитель так называемого «неофициального» искусства. «АПОФЕОЗ СТЕНЫ» Пластик, воланы, 150×150 см, 2004 год. Автор: Елена Берг. Выставлялась в рамках специального выставочного проекта ММОМА «Экспансия предмета». ИЗ СЕРИИ «ЛИНИИ» Фотобумага, печать по Спроцессу, 36,5×59 (в свету), 2003 год. Автор: Франциско Инфанте-Арана. «ОЙ» Световой объект. Металл, пластик, фанера, эмаль, 70×121×14 см, 1996 год. Автор: Татьяна Хенгстлер. «ПРОУН» Бумага на картоне, темпера, графитный карандаш, 28,3×61 см, 1923 – 1924 года. Автор: Эль Лисицкий. «ЖЕНЩИНА С РЫБОЙ» Холст, масло, 93×74 см, 1932 – 1934 года. Автор: Александра Экстер. ИЗ СЕРИИ «ACTION HALFLIFE» Цифровая печать на холсте, 150×187,5 см, 2005 – 2007 года. Авторы: группа АЕС+Ф (Татьяна Арзамасова, Лев Евзович, Евгений Святский, Владимир Фридкес).

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

ДИЗАЙН

Как вы считаете, современное искусство, политика и демократия — это взаимосвязанные вещи? Художник создает произведения о том, что его беспокоит. Кто-то концентрируется на социальной тематике, то есть бедности на улице, брошенных детях и т.д. Кого-то интересуют более глобальные вещи, такие как политика. Разные художники по-разному видят и чувствуют. Необязательно, что современное искусство — это всегда политика. У каждого музея свой интерьер, свой дизайн. Вы свои площадки оформляете исходя из чего? Музей показывает уровень развития города, страны. А музей современного искусства — это еще и инновационная привлекательность города. Очень важно, чтобы у музея было свое предназначенное для этого здание. Обычно выбирается архитектор, делается конкурс, и проект сам по себе становится произведением искусства, культурной ценностью. В нем учитывается и нагрузка на полы, и доступность инфраструктуры: кафе, магазин, гардероб. ММОМА же находится в исторических постройках, и это вызывает определенные сложности. За 15 лет музей три раза менял имидж — мы находились в поиске. Надеемся, что фирменный стиль, который мы изобрели сейчас, останется надолго. Но в то же время мы стараемся не стоять на одном месте, нужно постоянно двигаться, смотреть и учиться. Какие люди в сфере современного искусства Вас вдохновляют? Я очень уважаю Ольгу Львовну Свиблову. Она большой профессионал, энергична, умеет прекрасно создавать выставки, курировать. Также могу назвать Марину Девовну Лошак — директора ГМИИ им. А.С. Пушкина, Ирину Александровну Антонову. Михаила Борисовича Пиотровского — директора Эрмитажа. Как устроен у него музей — это фантастика. Можно назвать еще много имен. Успех проекта зависит исключительно от людей, которые его делают. Пожелайте что-нибудь студентам МГУТУ им. К.Г. Разумовского. Желаю реализовать свой потенциал и постоянно развиваться, полностью отдаваясь своему делу. Получать от искусства вдохновение и радость. Из блога Василия Церетелли на сайте Snob.ru: «Мне бы хотелось, чтобы публика воспринимала какието важные вещи более обостренно, чем до встречи с моим творчеством. Не участвуя в политических процессах напрямую, я оцениваю их средствами художника. Например, у меня есть видеоработа на тему теракта 11 сентября. Находясь тогда в Нью-Йорке, я был буквально шокирован огромным количеством белых бумажных листов, которые разлетелись по городу из разрушенных башенблизнецов. У меня эти листы вызвали ассоциации с несбывшимися мечтами погибших людей. В видеоинсталляции стопку бумаги сдувает вентилятор, и его звук напоминает звук моторов самолетов-убийц». 23

«КУРИЛЬЩИК» Холст, масло, 85,5×70,5 см, 1910-е годы. Автор: Иван Малютин. «БЕЗ НАЗВАНИЯ» Холст, масло, 81×63 см, конец 1920-х годов. Автор: Эдуард Криммер. Эта двусторонняя работа – одно из немногих дошедших до нас станковых произведений Криммера, созданная в период его сотрудничества со школой Малевича. «СПОРТЗАЛ» ИЗ СЕРИИ «ОНИ ВНУТРИ» Смешанная техника, видео, 40×35×39 см, 2010-х год. Автор: Марина Алексеева. ИЗ СЕРИИ «ГОЛОВЫ ГЕРОЕВ» Картон, масло, 190×102×17 см, 1991 год. Автор: Валерий Кошляков «БИТВА НА ПОЛОВЕЦКОМ ПОЛЕ» Холст, акрил, 120×100 см, 2005 год. Автор: Аглая Фенева.Полотно выявляет метод «двойной пародии». С одной стороны автор иронизирует в адрес традиционной батальной живописи (заметим, что работа парафразирует композицию знаменитой картины Виктора Васнецова «После побоища Игоря Святославича с половцами»), с другой — обыгрывает мотивы произведений американского художника Кита Харинга.

ДИЗАЙН

НОВОЕ

Текст: ЮЛИЯ ХАЦЬКО, АННА РЫЖКОВА.Фото: LIGHTFEST.RU

СВЕТОМУЗЫКАЛЬНОЕ ОБОЗРЕНИЕ Корреспонденты «УЖа» разобрались, что представляют из себя две новые, но малоизвестные отрасли креативной деятельности — свето- и звукодизайн и что нужно изучать, чтобы ими заниматься Представьте, в то время как глобализация объединяет целые страны, а мегаполисы стирают грань между различными общественными стратами, некоторые социальные аспекты нашей жизни расщепляются и диверсифицируются. Так, еще в начале XX века существовала профессия художника. Потом наравне с «деятелями искусства» появились дизайнеры, но уже сегодня, представившись просто дизайнером, можно выдать своей непрофессионализм или же показаться чудаком. Ведь в наше время креативщики участвуют в создании практически всех продуктов, и поэтому в каждой конкретной области требуется свой, специализирующийся на дизайне чего-то конкретного — сайта, мебели, печатных изданий и много чего еще. О ландшафтном, промышленном и веб–дизайне сегодня все уже наслышаны. Однако есть и более экзотичные направления креативной деятельности. Возможно, вы удивитесь, но некоторые дизайнеры предпочитают работать и с таким материалом, как звук. Существует несколько направлений звукового дизайна. Музыкальный звуковой дизайн — это создание уникальных тембров путем изготовления различных презетов (предустановок) для синтезаторов или создание новых акустических инструментов. Например, Diego Stocco создал инструмент Experibass, который позже был использован Хансем Циммером для создания саундтрека к фильму «Шерлок Холмс». Вторая разновидность звукового дизайна — создание звуковых эффектов для фильма, ролика или компьютерной игры. Саунд-дизайнер этого направления должен обязательно работать в постоянном контакте со сценаристами, а также с теми, кто рисовал персонажей и создавал визуальные эффекты. От него требуется узнать природу того или иного существа или механизма, узнать источник питания корабля и добавить всему этому еще больше реалистичности с помощью звука, и в то же время важно соблюдать единый стиль звучания всего фильма или игры. Звуковой дизайнер, разумеется, обязан обладать хорошим слухом. Но для успешного выполнения работы ему требуются и другие качества, такие как, например, усидчивость или воображение. Ведь зачастую ему приходится придумывать, как звучат вещи, аналогов которым в реальном мире просто нет — магические шары, лазерные мечи, драконы и еще много чего фантастического. Не менее важными для звукового дизайнера являются знания психоакустики. Эта наука разбирается в том, как человеческий мозг реагирует на услышанные звуки, какое влияние они оказывают на его психологическое состояние. Но слух и знание основ психики не гарантируют звуковому дизайнеру успеха 24

в работе, если у него нет профильного или хотя бы высшего технического образования и навыков инженерии, чтобы разбираться в физике звука. Так что можно с уверенностью сказать, что, умея лишь играть на том или ином музыкальном инструменте или даже сочинять музыку, звуковым дизайнером вы не станете. Саунд-дизайн — отдельная область, которую необходимо долго постигать. Например, на Западе ценят узкоспециализированных специалистов. И крайне редко на проектах можно встретить композитора и саунд-дизайнера в одном лице. Чтобы стать настоящим профессионалом, необходимо четко определиться, кто ты. Еще одна популярная сегодня креативная профессия — дизайнер по свету. У нас в стране о ней активно заговорили три года назад, когда в Москве в октябре 2011 года впервые прошел Международный фестиваль света. В ходе него жители столицы могли наблюдать более 350 мультимедийных показов и световых инсталляций на фасадах и ландшафтных территориях главных архитектурных объектов города. Тогда в организации фестиваля принимали участие мировые звезды мультимедийных технологий и светового дизайна, в том числе Джерри Аппельт — постановщик открытия Олимпийских игр в Сиднее, Евровидения-2011 в Германии и светового шоу на Кремлевской набережной, посвященного празднованию 65-й годовщины Дня Победы. С тех пор в столице каждый год проходит фестиваль «Круг света». Теперь в нем принимают участие и наши соотечественники. Что же это за профессия — светодизайнер? В самом общем виде, его задачей является проектирование освещения для пространства обитания человека. Чаще всего, конечно, создание происходит в рамках некоторого архитектурного объекта. При этом работа ведется в постоянном тесном сотрудничестве с архитекторами и со специалистами из других смежных областей, так или иначе имеющих отношение к освещению и к вопросам установки светильников. Профессионал в области освещения креативен и, возможно, даже имеет художественное образование. Но в то же время он обязан оценивать свои проекты и с практической точки зрения. Энергоэффективность — один из ключевых аспектов светодизайна. Специалисту этого направления необходимо понимать, нет ли переосвещенных поверхностей, нет ли освещения пустых мест без определенной смысловой нагрузки, не превышают ли значения освещенности, необходимые по нормативным документам или для выполнения эстетических и функциональных задач. Кроме того, светодизайнеру необходимо понимать метрику света. Опыт разработки театрального освещения наглядно показывает, что свет может быть использован для создания атмосферы и настроения. В плане эстетики главным для светового дизайнера является стремление повысить привлекательность освещаемого пространства, понять, как объект будет взаимодействовать с окружающим его фоном, какие эмоции при этом будет вызывать освещение. Дизайнер должен учитывать и тот факт, что объект будет виден не только ночью, но и днём. На фото: 3-D проекция на фасаде здания Большого театра в рамках фестиваля «Круг света», Москва, 2012 год. 25

ДИЗАЙН

ПРОМЫШЛЕННОСТЬ

Текст: ЮЛИЯ ХАЦЬКО, АННА РЫЖКОВА. Иллюстрации: OAKHILL.RU

ИДЕНТИФИКАЦИЯ ПРОМА Несмотря на дикую популярность, промышленный дизайнер — до сих пор одна из наименее четко описанных профессий и потому считается не слишком престижной. «УЖ» попытался выяснить, кто что думает об особенностях работы специалистов данной области и каковы они на самом деле 1

В качестве иллюстраций использованы фотографии некоторых проектов – лауреатов премии Red Dot Design Award 2013 года. Источник: red-dot.de. 1. КРЕСЛО ДЛЯ ЭКОНОМ-КЛАССА BASIC LINE 3520, Hartmut Schürg, USA. 2. НАПОЛЬНЫЕ ВАЗЫ CALIMERA, BAOBAB, TRIANGOLO, Plastia s.r.o., USA. 3. ДВЕРНАЯ РУЧКА BR4300, ERWE HandelsgesmbH. 4. ИНТЕРАКТИВНАЯ ИНСТАЛЛЯЦИЯ, KMS BLACKSPACE для Siemens Home Appliances Trade Fair Stand . 5. ГИБРИДНЫЙ МАТЕРИАЛ RESYSTA MARINE, Resysta International GmbH. 6. ТЕЛЕВИЗОР ДЛЯ УЛИЦЫ C SEED 201, Porsche Design Studio для C SEED Entertainment Systems GmbH

В мире бизнеса считается, что настоящий промышленный дизайн — только у Apple — или ещё жестче — промышленный дизайн во всех компаниях, кроме «яблочной», — это либо непонятная аналитическая деятельность, слишком дорогая и неэффективная, либо лиричное, снисходительное творение художника, которое не имеет ничего общего с поставкой изделия на массовый рынок. В восприятии большинства промышленный дизайн — это функцио-

мышленный дизайн — это функциональная смесь из инноваций и искусства. Общество промышленных дизайнеров Америки (IDSA) определяет эту деятельность как профессиональную услугу создания и разработки концепций и спецификаций, оптимизирующих функциональность, ценность и внешний вид изделий и систем на взаимную выгоду потребителя и изготовителя. Культовый дизайнер Том Келли идет еще дальше, называя про26

мышленный дизайн «искусством инновации». Инновации обещают новые изделия (неизменно с применением самых новейших технологий и часто с преображением целых компаний и бизнес-моделей). Искусство, включая большинство отдельных действий редакторов, которые мы можем наблюдать в СМИ и на дизайнерских выставках, — это тип дизайнерской работы, выполняемой для галереи и одновременно индиви-

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

дуальное выражение художника, который находит новые границы опыта и визуальных разработок. Или, как утверждает Аарон Бетски, голландский архитектурный критик, эксперт и член жюри четырнадцати архитектурных конкурсов, автор десяти книг по архитектуре и дизайну: «Дизайн в повседневной жизни должен делать то же, что делает искусство: поражать нас, пугать нас или восхищать нас, но при этом непременно открывать для нас новые миры в повседневной жизни». Данные нами определения нужно использовать с некоторыми оговорками. Промышленный дизайн — это инновации? Нет, это не так, по крайней мере — не всегда. Воспевание революционных идей в ущерб эволюционным решениям в большинстве случаев является потворством эго дизайнера. Клиент же идет на поводу, часто утрачивая индивидуальность (и деньги). Промышленный дизайн — это не наиболее продвинутая или прогрессивная идея. Промышленный дизайн — это правильная идея. Промышленный дизайн — это искусство? Опять же, не совсем. Форма и эстетика в разработке продукта — это инструменты, а не цель. Формальный, визуальный, эстетический и концептуальный элементы являются ключевыми инструментами для промышленного дизайна, однако они не должны ограничиваться исключительно индивидуальным «почерком» дизайнера. Существует множество других соображений, определяющих дизайнерское решение (от культурного наследия и семантики до возможности исполнения и практичности), и они не менее важны при разработке изделия, чем клеймо изготовителя. Ситуация усложняется еще и тем фактом, что даже внутри сообщества промышленных дизайнеров не существует точного определения. Но оно все-таки необходимо. Альтернатива, которая бы гарантировала, что вся сложность и красота этой профессии не сводилась бы только к «делу бизнеса» и «визуальному выражению». Можно представлять себе промышленный дизайн как двигатель идеи, утилитарный акт разработки изделия или же реквизит в истории, рассказываемой автором/создателем. Но здесь важны также доступность и соответствие изделия жизни обычного человека. А для более «продвинутых» изделий дизайн может послужить культурным интерфейсом, связывая и побуждая людей воспринимать технологии не только с утилитарной позиции.

ДИЗАЙН

не только с утилитарной позиции. Это многогранное определение промышленного дизайна может показаться непонятным для рынка, но оно необходимо для правильного восприятия. Стив Джобс как-то сказал: «В сознании большинства людей дизайн — это оболочка. Это художественное оформление внешнего вида. Это материал обивки дивана. Но для меня это самое неправильное определение дизайна. Дизайн — это душа человеческого творчества, которая выражается в многочисленных слоях изделия или услуги». Или, говоря другими словами, дизайн — это синтез визуального и эмоционального с функциональным. Это эмоции, прикрытые функциональной потребностью. Если пойти еще дальше, это объект желания, экипированный ощущением полезности. При этом молодым дизайнерам важно признавать значимость производственных процессов для их работы. Многие программы в школах дизайна уделяют большое внимание созданию собственного стиля, но это может обернуться катастрофой — особенно в начале карьеры — когда этих честолюбивых дизайнеров просят разработать что-то для реального рынка, для реальных людей. Многие не могут оценить возможность технического исполнения изделия и четко уловить и сформулировать разницу между, например, тостером за 200 долларов и тостером за 20 долларов. И проблема не только в незнании соотношений цены и определенных производственных процессов и материалов. Очень важно, чтобы изделие хорошо продавалось и было доступно максимально возможному числу покупателей, иначе оно потерпит неудачу. Но, скорее всего, самое важное — чтобы изделие можно было успешно и качественно тиражировать. Промышленный дизайн как вид деятельности включает в себя элементы не только искусства и технологии, но и маркетинга. Он охватывает широчайший круг объектов — от домашней утвари до высокотехнологичных, наукоёмких изделий. В традиционном понимании к задачам промышленного дизайна относится прототипирование бытовой техники, производственных установок и их интерфейсов, наземного и воздушного транспорта, а также разнообразного инвентаря. Особое место занимает дизайн мебели, посуды и других элементов интерьеров, разработка форм и концептов которых имеет глубокие исторические предпосылки. 27

ПРИЙТИ, УВИДЕТЬ, ПОСИДЕТЬ Лучшие образцы современного промышленного дизайна собраны, как это ни удивительно, в угольной шахте города Эссен в Германии. Шахта Цольферайн внесена ЮНЕСКО в золотой фонд культурного наследия как образец промышленной архитектуры. Именно здесь находится музей премии Red Dot Design Award — одна из самых авторитетных наград в области дизайна, присуждаемая европейским институтом — Центром дизайна Северного Рейна — Вестфалии (Design Zentrum Nordhein Westfalen). Искусство здесь в прямом смысле доступно — можно пройтись по керамической плитке, посидеть в кресле или открыть окно. Самое интересное — осознавать, что через какое-то время практически все эти экспонаты появятся в обычных магазинах. В этом музее учат видеть искусство в вещах прозаических, полет дизайнерской мысли — в предметах очень приземленных. Подумайте, какой еще музей выставит такой экспонат, как унитаз? А между тем, существуют различные манеры использования унитаза — европейская, когда садятся на него, или азиатская, когда склоняются над ним. Здесь мы видим промежуточную модель, которая будет удобна и для тех, и для других. Неподалеку стоит огнетушитель — пример шведского дизайна. Он называется «Огненный слон», и действительно у него есть хобот. Обычно все прячут огнетушители по углам, а этот может стать арт-объектом и стоять на видном месте. С целью международного промоушена конкурса была организована передвижная экспозиция выставки. В пользу космополитичности конкурса служит еще и тот факт, что ежегодно победителями становятся дизайнеры и компании из самых разных уголков планеты. Среди лауреатов прошлых лет есть и наши соотечественники.

ДИЗАЙН

ПРОМЫШЛЕННОСТЬ

Текст: ЮЛИЯ ХАЦЬКО, АННА РЫЖКОВА. Иллюстрации: OAKHILL.RU

Д. РАМС ЭНД БЕЙЗ Большую часть представителей вида homo sapiens уже давно не устраивает сидеть на простом табурете, разговаривать по абы какому телефону и мучить апельсины соковыжималкой неизвестного китайского производителя. Почему мы все хотим стул от Филиппа Старка, iphone и соковыжималку Brown? О людях, создавших базу для современного промышленного дизайна, — в нашей статье. Одни из самых модных и продаваемых гаджетов сегодня — конечно же, продукция компании Apple. Любовь потребителей они завоевали не только своими техническими параметрами, но и стильным видом. Правда, лишь единицы знают о том, кто разрабатывал и продолжает разрабатывать их дизайн. И «яблочников» это вполне устраивает: кроме команды дизайнеров во главе с Джонатаном Айвом доступ в закрытую дизайн–лабораторию Apple имеют всего несколько человек. Это самый законспирированный отдел одной из самых закрытых корпораций Силиконовой долины. В начале карьеры Айв часто менял места работы, пока не стал частью команды лондонского стартапа Tangerine, специализировавшегося на промышленном дизайне. Но отношения с руководством и со многими клиентами не складывались — они просто не разделяли эстетических принципов Джонатана. Да и разрабатывать внешний вид расчесок и зубных щёток будущей иконе дизайна не очень нравилось. Отдушиной работы в Tangerine для него стало консультирование по вопросам дизайна еще одного клиента — компании Apple. В 1992 году Айв достиг «точки кипения»: когда его дизайн биде и раковины для брюссельского производителя сантехники Ideal Standard был раскритикован начальником за «дороговизну и излишнюю современность». К тому времени Apple уже более года пыталась заполучить его в свой постоянный штат и, наконец, убедила Джонатана переехать в Сан-Франциско. В 1997 Айв был назначен вице-президентом по промышленному дизайну продукции Apple Inc., заменив на этом посту Роберта Бруннера, за рекомендацией последнего, и уже через год — в 1998 году — вышел iMac G3, и мир посмотрел на компьютеры по-другому. Сдвигом в мировоззрении потребители обязаны в том числе и революционному на тот момент дизайну гаджета. В девяностых годах прошлого века большая часть населения все еще настороженно относилась к компьютерной технике. Поэтому в Apple Inc решили, что внешний вид устройства должен расслаблять и привлекать потребителя. Тогда Айв вместо стандартной белой или серой коробки придумал для моноблока iMac обтекаемый корпус из цветного прозрачного пластика. Вскоре гаджет стал самым продаваемым компьютером в истории. После этого Стив Джобс решил, что дизайн будет главным преимуществом его компании. Вместе с Айвом они сформулировали принцип того, что дизайн — не просто завершающий этап работы, но процесс, который определяет функционал и интерфейс устройства. Началась целая серия экспериментов, результатом которых стал iPod. Те многие, кто пользовался этим плеером, помнят, насколько необъяснимо понятно он устроен. Во многом простота использования обусловлена изобретением сенсорного колеса click wheel. Именно оно отмеряет движения пальцев приятными щелчками. Конечная цель дизайна, согласно Айву и многим другим современным дизайнерам, — сделать внешний вид продукта

таким, чтобы потребитель, глядя на него, вообще не замечал наличие какого-либо дизайна. Джонатан назвал этот принцип undesigned. По его словам, не существует общей концепции внешнего оформления продуктов Apple — все они просто должны быть сдержанными и облегченными, какими и являются на самом деле. «Почему мы считаем, что простота — это хорошо? Потому что, когда мы имеем дело с предметами, нам важно чувствовать, что мы управляем ими. Упорядочивая хаос, вы находите способ подчинить себе предмет. Простота — это не только наглядный стиль. Это не минимализм или отсутствие беспорядка. Чтобы достичь простоты, необходимо прорыть туннель в недрах сложности. Чтобы быть по-настоящему простым, нужно добраться до самой глубины. К примеру, если вам не хватает каких-нибудь винтиков, вы рискуете создать нечто чрезмерно сложное и запутанное. Но куда лучше сосредоточиться на простоте, познать её, разобраться, из чего она состоит. Чтобы избавиться от второстепенного, нужно проникнуть в суть предмета», — объясняет Джонатан. Друзья Айва рассказывают, что залогом его успешного дизайна является латеральное мышление, отличающееся от традиционного тем, что ставит под сомнение изначальные данные. Или, как выразился создатель данного креативного метода мышления: «Вы не можете вырыть яму в другом месте, просто делая имеющуюся яму глубже». Упор в образовании всегда делается на логическое линейное мышление, которое многими считается единственно правильным использованием информации. Творчество же представляется как какой-то таинственный талант, антипод логики и часто сравнивается с интуицией, внезапным вдохновением или аутогенным состоянием человека. Латеральное мышление — не замена традиционному, а необходимое дополнение. Более того, латеральное мышление работает на более ранней стадии, чем логическое. Первое используется, чтобы перестроить паттерны восприятия, то есть изменить взгляд на ситуацию и найти идею. Второе — чтобы идею оценить и развить. Автор метода сравнивает латеральное мышление с задним ходом автомобиля, искусство владения которым может помочь выбраться из тупика, хоть использовать только его — невозможно, да и не нужно. Творческое, нешаблонное мышление не является чистым хаосом в сознании. Как отмечает Эдвард де Боно, главное отличие нешаблонного мышления от хаоса и мышления психически больных заключается в том, что процесс креативного мышления контролируется. И даже если нешаблонное мышление работает хаотически, этим хаосом можно управлять. Таким образом, главное различие между логическим и творческим мышлением состоит в том, что при шаблонном логическом мышлении логика управляет разумом, тогда как в процессе креативного мышления она играет лишь обслуживающую роль. Для понимания принципа латерального мышления не обойтись без экскурса в область теории, раскрывающую 28

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

ДИЗАЙН

В качестве иллюстраций использованы фотографии устройств, разработанных Дитером Рамсом или другими сотрудниками Braun под его руководством, а также для некоторых немецких мебельных фирм. Вверху: РАДИОПРИЕМНИК С ЧАСАМИ ABR 21, созданный Рамсом и Дьетрихом Лабсом в 1978 году . Автор: Koichi Okuwaki. Остальные фотографии в статье — иллюстрации к «10 законам хорошего дизайна» из книги Dieter Rams: As Little Design as Possible

обойтись без экскурса в область теории, раскрывающую научную суть изобретенной де Боно концепции. Именно он ввел понятие паттерна (от лат. patronus – модель, образец для подражания, шаблон, стиль, узор, выкройка), ныне часто употребляемого в психологии и социологии. Паттерн обозначает распределение процессов, стимулов в пространстве и времени, то есть структуру, в которой выделены как ее целостность, так и «моментальность», изменчивость. Рассматривая паттерны, ученый обнаружил разные их виды, в том числе и сдерживающие, а затем разработал инструмент, позволяющий перестраивать («реструктурировать») паттерны, уходя от ограничивающих и создавая благоприятные. Это и есть латеральное мышление. В противовес логическому, оно не предполагает обязательного пошагового движения мысли, при котором ошибка в исходной позиции или любом одном действии неминуемо приведет к неправильному выводу. Латеральное мышление позволяет делать «скачки» в любом направлении и допускает ошибку как промежуточный шаг, не приводящий, однако, к соответствующим последствиям для результата. Почему? Оно избавляет от стереотипов и создает новые модели — оригиналь-

ные, творческие, поскольку привлекает интуицию. Этот способ мышления составляют креатив плюс инсайт плюс... юмор. Он парадоксален, но эффективен. Новое мышление де Боно должно приводить к созданию чего-то нового из того, что уже известно. Другими словами, латеральное мышление должно из известной идеи (или нескольких идей) создавать абсолютно новую концепцию, смещая взгляд на исходные данные. Каким образом можно сместить или перенаправить мышление? Эдвардом де Боно было выделено множество способов описания процесса латерального мышления. В целом их можно свести к пяти методическим советам от изобретателя латерального мышления: уйдите от клише и установившихся моделей мышления; cомневайтесь в допускаемом; обобщайте альтернативы; хватайтесь за новые идеи и смотрите, что получится; находите новые точки входа, от которых можно оттолкнуться. Однако одной из самых интересных нам представляется методика де Боно, адаптированная маркетологом Филиппом Котлером и состоящая из 3-х этапов: выбора фокуса, генерирования латерального разрыва и установления связи. 29

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

ДИЗАЙН

Чтобы создать что-то новое, нужно обязательно выбрать область творческой деятельности и направление поиска. Другими словами, на первом этапе нам нужно найти известную идею, от которой мы будем отталкиваться. Без такой отправной точки просто невозможно двигаться дальше, и, чем лучше вы сфокусируетесь на этой идее, тем проще будет создавать что-то новое. После выбора направления творческих усилий мы должны осуществить разрыв в рам-

ках установленного фокуса, что является главным этапом латерального мышления. Из некоторой логичной идеи, сформулированной на первом этапе, важно сделать определенное смещение, нарушающее логику этой идеи. Другими словами, нам нужно модифицировать наш фокус и осуществить разрыв выбранного шаблона, то есть осуществить то, что де Боно называет «латеральным разрывом» или «латеральным сдвигом». Для создания этого сдвига нужно построить утверждение относительно объекта нашего фокуса, которое каким-то образом поменяет сам объект. Другими словами, мы должны подумать, как можно изменить объект или его отдельную характеристику. Существует множество методик создания подобных изменений, но большинство из них можно свести к шести базовым способам изменения чего угодно: 1) замена; 2) инверсия; 3)объединение; 4) гиперболизация; 5) исключение; 6) реорганизация. Все эти способы, их модификации и комбинации, по сути, могут описать практически любое изменение, которые мы можем совершить с чем угодно. Описание каждого способа, для наглядности, будем производить на примере изменения простого утверждения, которое возьмем в наш фокус. Каждому из нас в школе или даже в детском саду наверняка давали задание нарисовать акварелью натюрморт. Мы брали кисти и краски, ставили на стол фрукты и домашнюю утварь и приступали к работе. Давайте посмотрим, как можно креативно подойти к этому процессу, используя описанные выше техники разрыва шаблона. Итак, наш фокус: ваза с яблоками на столе. Теперь давайте посмотрим, как мы можем изменить этот фокус, используя шесть методик латерального смещения. Радио-фонограф BRAUN SK4, известный как «Гроб Белоснежки». Разработан в Дополнение состоит в добавлении одного или 1954 году Дитером Рамсом и Хансом Гугелотом. В продажу поступил в 1956 году по цене 295 немецких марок, в то время как средняя зарплата в Германии (для 45нескольких элементов к нашему объекту. Мы мочасовой рабочей недели) составляла 377 марок. жем: добавить к яблокам другие фрукты, разложить яблоки по нескольким вазам, придумать узор для вазы, нарисовать на яблоке ползущего червяка (прилетевшую птицу, лежащего кота, тянущуюся за яблоками руку), добавить любые другие элементы, свойства или детали. Удаление связано с исключением определенного элемента (или элементов) из нашего объекта. В случае с нашим примером, мы можем изобразить: натюрморт с пустой вазой, натюрморт с яблоками на столе, вазу с яблоками, падающую на пол (удаление стола), нарисовать пустой стол и назвать картину «здесь была ваза с яблоками», а также можно удалить любой объект, элемент объекта или определенное свойство: убрать вазу и оставить половинки яблок (удаление свойства целостности). Замена заключается в изменении одного или нескольких элементов нашего объекта. Замена, по сути, является комбинацией «удаления» и «дополнения». Так, на нашем рисунке мы можем: вместо яблок нарисовать груши или другие фрукты, вместо вазы положить фрукты на блюдо, вместо стола использовать стул, пол, подоконник или другие поверхности. Также можно поменять любые другие свойства: цвета, тени, материалы и многое другое. Например, вместо, скажем, акКатушечный магнитофон BRAUN TG 60, дизайн которого Дитер Рамс разработал в варели использовать карандаши, фломастеры 1965 году, до сих пор продолжает вдохновлять. Джонатан Айв не слишком скрыили масляные краски. вает тот факт, что внеший вид официального приложения Apple для прослушивания подкастов практически полностью повторяет дизайн этого устройства. Инверсия (переворот) состоит в поиске противо30

Д. РАМС ЭНД БЕЙЗ

ПРОМЫШЛЕННЫЙ ДИЗАЙН

положности объекту или его отдельным элементам. Так, ваLondon Evening Standard. — Важно понимать всю красоту и за может лежать на яблоках, пряча их от насекомых, вместо очарование вопроса «а что, если?», но в то же время нужно яблок в вазе могут лежать одни огрызки, ваза может быть требовать от себя полное фокусирование на контексте и на не белая, а черная или можно нарисовать натюрморт только том, что важно, на том, что действительно ужасно важно. в черно-белых оттенках без использования цвета. Также инВсе дело в противоречиях, в которых надо разбираться». версией может стать картина пустого стола (как это было Заслуга Айва — не только в создании «звездных» при «удалении»), а можно и вовсе изобразить, как выглядит устройств Apple, но и в том, что он серьезно поднял статус пишущий художник со стороны самого натюрморта. профессии промышленного дизайнера. Когда в прошлом Гиперболизация, как вы наверняка знаете из школьного курса литературы, заключается в увеличении или уменьшении одного или нескольких свойств объекта. В нашем случае: натюрморт можно нарисовать издалека, а стол сделать большого размера, ваза или яблоки могут быть другого размера, нарисовать гору яблок или, наоборот, только одно. Также можно усилить или ослабить яркость, цвета и прочие свойства объекта, например, все яблоки на нашей картине могут быть ярко-красными. Изменение порядка или последовательности одного или нескольких элементов объекта может дать нам, например, вазу, стоящую под столом (это, кстати, можно рассмотреть и как «инверсию»). Кроме того, несколько яблок могут находиться на столе, несколько — в вазе, или яблоки могут лежать рядом с вазой. После того как на втором этапе мы разорвали шаблон и получили измененное (чаще всего, абсурдное) суждение, нам потребуется уже в новом суждении найти что-то логичное. Это может оказаться довольно трудной задачей, для решения которой необходимо будет использовать немало творческого воображения, однако результат все окупит. Именно на этом этапе происходит настоящее творчество, и мы получаем что-то новое. Еще одним из примеров латерального мышления Дизайн этого домашнего «зубного центра» BRAUN OC 3 создал Петер Хартвейн — является техника «шести шляп» (белая — аналитиодин из сотрудников отдела промышленного дизайна Braun, которым руководил ческое мышление, красная — эмоциональное мышДитер Рамс. Устройство было выпущено в 1984 году, хотя его внешний вид, согласно официальному сайту компании, был представлен руководству в 1960-х гг. ление, чёрная — критическое мышление, жёлтая — оптимистическое мышление, зелёная — творческое мышление, синяя — мышление в большой перспективе). В метафорическом понимании, надевая каждую из шляп, человек может взглянуть на проблему с нескольких точек зрения. Ясно, что латеральное мышление не связано с порождением сомнений ради сомнений или хаоса ради хаоса. Из вышесказанного ясно, что оно признает чрезвычайную полезность порядка и паттерна. И в то же время оно подчеркивает необходимость их менять, чтобы они становились более адекватными и еще более полезными. Латеральное мышление особо подчеркивает опасность жестких паттернов, которые ум склонен создавать в силу метода, который он использует для обработки информации. Что, кроме латерального мышления, делает Айва законодателем мод промышленного дизайна? Джонатан черпает вдохновение отовсюду. На оригинальный разноцветный iMac его вдохновили обычные леденцы, на популярную прозрачную компьютерную мышь от Apple — удерживающиеся на поверхности капли долждя, а дизайн iPod, напоминающий пачку сигарет, — результат размышлений о том, что некоторые люди зависят от музыки, как другие от никотина. Каким должен быть великий дизайнер, по мнеРадио BRAUN RT20, сконструированное Дитером Рамсом в 1961 году. Всего было нию Айва? «Очень важно быть легким на подъем, выпущено 6600 моделей. Говорят, сегодня тем оригинальным моделям требуется до любознательным и заинтересованным в ошибках, — 10 минут, чтобы заиграть. Поэтому компания Braun недавно начала выпуск рассказывает он в интервью британскому изданию винтажной коллекции таких радиоприемников 31

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

ДИЗАЙН

году британский журнал «Face magazine» спросил Джонатана, почему компьютеры так завораживают его, в то время как многие дизайнеры предпочитают работать с машинами или одеждой, Айв ответил: «Ничто так не меняет функционал нашей жизни, как компьютер. iMac может быть музыкальным автоматом, инструментом для редактирования видео, способом организации фотографий и много еще чем другим. Вы можете использовать его для написания текстов

и для создания иллюстраций. То, что действие компьютеров — это всегда так ново, так переменчиво, позволяет нам использовать новые материалы и бесконечно создавать новые формы. Возможности бесконечны. И мне это нравится». Надо признать, что концерн Apple — отнюдь не первооткрыватель подобного подхода к дизайну. Технологический концерн в лучшем случае — лишь хороший ученик Дитера Рамса, придумавшего образ Apple за несколько десятилетий до прихода в компанию Джонатана Айва. 81-летний Дитер Рамс признан культовым дизайнером. Именно его концепция функциональной простоты продолжает вдохновлять нынешнее поколение дизайн–пуристов. Многие дизайнерские продукты Дитера Рамса представлены в Музее прикладного искусства во Франкфурте и, конечно, в музее современного искусства на Манхэттене. А на международной выставке «Less and More» ежегодно экс-понируются десятки его работ. В течение 40 лет Рамс работал на немецкий концерн Braun. За это время он придумал бытовую технику, которая демонстрировала свои функции потребителям максимально просто. Все переключатели, кнопки и циферблаты были сведены к минимуму и расположены наиболее логичным образом. Именно Рамс придумал простой, рассчитанный на интуитивное понимание визуальный язык техники. Дизайнер любит рассказывать историю о том, как на одной из вечеринок к нему подошел Филипп Старк и заявил, что Стив Джобс должен ему много денег за нарушение авторских прав, ведь Джонатан Айв практически полностью заимствовал дизайн некоторых предметов. Рамс ответил на это просто: «Имитация — это самый искренний способ лести». Цилиндрическая настольная зажигалка BRAUN T2 была разработана Дитером За время его работы в «Braun AG» более 500 разРамсом в 1968 году. Судя по заявлениям ее создателя в СМИ, эта кухонная утварь — до сих пор одно из его любимых творений.Её необычная акриловая нообразных проектов были выполнены самим версия BRAUN TFG 2 вышла в том же 1968 году. Рамсом или же при его непосредственном участии. Дитер создавал инновации, которые затем входили в обиход дизайна во всем мире. Например, именно он сделал кнопки управления на аппаратуре выпуклыми (раньше они, представьте себе, были вогнутыми), а позже важным нововведением стала цветовая кодировка элементов управления. Так, все кнопки на устройствах были однотонными черными или темно-серыми, кроме зелёной кнопки включения/выключения и чуть позже — красной кнопки записи. Придерживаясь этих цветовых условностей, Рамс обеспечил пользователям быстрое и эффективное ориентирование с новыми бытовыми приборами независимо от внедренных технических инноваций. Кроме того, он (внимание, девушки!) расположил ручку фена под углом для просушки волос сзади. Он же предложил самую распространенную ныне конструкцию кофеварки (цилиндр с фильтром и емкость для воды вставлены друг в друга) и сделал ее компактной. Если говорить коротко, то именно Рамс сделал инновационный дизайн таким доступным и привлекательным. Департамент дизайна, который он возглавлял, впервые в истории бизнеса начал привлекаться к принятию решений на самом высоком уровне. Интересно, что Дитер Рамс всегда чётко дистанПредставленный в 1962 году на Berlin Radio Fair приемник BRAUN 1000 сегодня цировался от статуса художника и сопутствуюявлется иконой промышленного дизайна и редким, но желанным приобретением щего мышления, предпочитая представлять себя для коллекционеров. Производство началось в 1965 году и было приостановлено в начале 1980-х. За это время было выпущено около 13 тысяч экземпляров. в качестве архитектора или инженера–конструк32

Д. РАМС ЭНД БЕЙЗ

ПРОМЫШЛЕННЫЙ ДИЗАЙН

тора. «Возьмите английское слово «дизайн», — говорил Рамс. — Оно означает строительство. Это не имеет ничего общего с «поп». Я часто говорю, что я не дизайнер, я скорее архитектор или конструктор». Вот и в предисловии к книге Dieter Rams: As Little Design as Possible Джонатан Айв пишет: «Его дизайн плееров, камер и кухонных предметов настолько прекрасен, что он каким-то образом даже улучшает их функциональность и расширяет чисто технические

возможности».«Дизайн не имеет ничего общего с искусством. Дизайн может помочь сделать продукты, которые мы используем каждый день меньше, но лучше. У нас достаточно продуктов. Если вы посмотрите, на рынке у вас есть десять или 20 видов кофеварок, которые в основном похожи, делая все то же самое: они делают кофе. Мы не нуждаемся в 20 из этих вещей, нам нужна одна хорошая», — объясняет сам Рамс.

УСПЕХ В ДЕТАЛЯХ В книге Dieter Rams: As Little Design as Possible Дитер Рамс приводит 10 принципов успешного дизайна, которых он всегда придерживался и которые он сам и разработал. «УЖ» приводит их с короткими пояснениями. Что делает дизайн хорошим? Существуют ли общие принципы? Что делает один дизайн лучше другого? Дитер Рамс искал ответы на эти вопросы. Его фраза «Меньше, да лучше» изначально читается как одобрение чистоты в дизайне. Предпочитая простое сложному, маленькое большому, незаметное броскому, уравновешенное экстравагантному, монохромное пёстрому, убеждён, что вещь должна быть сведена к кнопке. В чем еще он уверен? 1. Хороший дизайн инновационен. Технологическое развитие всегда предлагает новые возможности для инновационного дизайна. Но инновационный дизайн всегда развивается в тандеме с инновационной технологией и никогда не может быть самоцелью. 2. Хороший дизайн делает продукт удобным и полезным. Продукт куплен, чтобы использоваться. Он должен удовлетворять определенным критериям, не только функциональным, но и психологическим и эстетическим. Хороший дизайн подчеркивает полноценность продукта, игнорируя чтолибо, что могло бы отвлекать его. 3. Хороший дизайн эстетичен. Эстетическое качество продукта является неотъемлемой частью его полноценности, потому что продукты, которые мы используем каждый день, затрагивают нашу личность и наше благосостояние. Но только хорошо выполненные изделия могут быть красивыми. 4. Хороший дизайн делает продукт понятным. Он разъясняет структуру продукта. Хорошо, если это может сделать разговор о продукте. В лучшем случае — функционал очевиден. 5. Хороший дизайн ненавязчив. Продукты, выполняющие цель, походят на инструменты. Они не являются ни декоративными объектами, ни произведениями искусства. Поэтому их дизайн должен быть и нейтрален и сдержан, чтобы оставить место для самовыражения пользователя. 6. Хороший дизайн честен. Он не делает продукт более инновационным, сильным или ценным, чем это есть на самом деле. Он не пытается манипулировать потребителем с помощью обещаний, которые не могут быть выполнены. 7. Хороший дизайн не устаревает. Он избегает быть модным и поэтому никогда не кажется устаревшим. 8. Хороший дизайн проработан до последней детали. Ничто не должно быть произвольным или случайным. Забота и точность в процессе проектирования проявляют уважение к потребителю. 9. Хороший дизайн не конфликтует со средой и является экологически чистым. Дизайн вносит важный вклад в сохранение окружающей среды. Это экономит ресурсы и сводит к минимуму физические и визуальные загрязнения на протяжении всего жизненного цикла продукта. 10. Хороший дизайн — это как можно меньше дизайна. Меньше, но лучше. Это позволяет сконцентрироваться на существенных аспектах и задачах продукта. Назад к чистоте, назад к простоте. Конечно же, эти принципы подверглись критике, но у них гораздо больше поклонников. В независимом полнометражном фильме «Овеществление» режиссер Гари Хаствит рассказывает о творческой составляющей проектирования вещей: от зубных щеток до электронных устройств. И в нем Дитер Рамс приводит в пример Apple как компанию, которая опирается на его принципы при разработке дизайна устройств.

Проектор для слайдов PA 1, выпущенный в 1957 году, был первым сольным проектом Дитера Рамса в компании Braun. На фотографии вверху — следующая модель в серии — BRAUN PA 2, — дизайн которой Рамс завершил в 1965 году. В наши дни ее экземпляр выставляется в нью-йоркском MoMa.

Дизайн этого фотоаппарата BRAUN EF 2/NC Дитер Рамс разработал в 1958 году специально для набора Hobby Standart. В том же году была выпущена специальная акриловая версия этой модели, прозрачный корпус которой позволял видеть все внутреннее устройство камеры.

КРЕАТИВНОЕ МЫШЛЕНИЕ

ДЫШИТЕ, НЕ ДЫШИТЕ У каждого творческого человека свои источники идей и вдохновения. При этом каждый креативщик хотя бы раз находился в творческом тупике. О местах обитания музы и техниках ее призыва — в нашей статье

Фиг. 1: человек с газетой, воин в доспехах, хоккейный вратарь, мяч для гольфа и лунка (в разрезе), ангел, солнце над ущельем... Фиг. 2: две коктейльные палочки с оливками, воробьи на проводах, шашлыки, настольный футбол сверху, деревяные счеты, дорожки в бассейне, две шпаги, ноты, лезвия коньков, элементы схемы в физике... Какие варианты предложите вы?

Друдлы: 4brain.ru

В 1976 году два молодых человека — Стив Возняк и Стив Джобс — собрали в гараже компьютер и решили зарегистрировать свою компанию «Apple Computers». В качестве логотипа предлагалось изображение Ньютона, сидящего под деревом, на ветке которого болталось яблоко. Такой скучный логотип не понравился Джобсу, и он обратился к дизайнерам компании Regis McKenna. Дизайнер Роб Янов тщетно пытался придать «яблочному» логотипу особый смысл и, отчаявшись, сел в кресло и откусил яблоко. В тот же момент ему пришла в голову идея создания всем известного логотипа. Конечно, это скорее легенда, по некоторым источникам, яблоко было идеей самого Джобса, когда-то работавшего на яблочной плантации. По другой версии, безуспешно пытаясь найти креативное название, Джобс заявил коллегам, что, если никто не предложит ничего иного через 10 минут, он назовет компанию «Яблоком» (кстати, «Макинтош» — один из зимних сортов яблок). Как бы то ни было, каждый из нас, пожалуй, мечтал бы о такого рода озарении и о создании такого «яблока», перевернувшего мир. Каждый дизайнер хотел бы оказаться на месте Роба Янова в момент его внезапного вдохновения. В жизни же приходится сталкиваться с гораздо более прозаичными ситуациями: нет настроения, нет идей, в голове пусто, ни о чем не думается, в душе полное безразличие. В такие минуты хочется закутаться в теплое одеяло с чашечкой горячего шоколада, а не идти менять мир. И ведь именно в такие минуты слабости ваша творческая сущность вдруг оказывается востребована. Почему-то именно тогда, когда совсем не хочется не только творить, но и просто двигаться, ваше присутствие оказывается просто незаменимо на дачном участке клиента, которому срочно требуется сделать планировку, или в квартире новостройки, где хозяевам именно сегодня просто необходим дизайн-проект. Как быть в такой ситуации, откуда взять новые творческие идеи, чем вдохновиться на создание нового проекта? Проблема ведь даже не в том, что просто не хочется ничего делать, а в том, что нет того творческого подъема, того полета души, который многим из нас необходим хотя бы потому, что творчество — это работа. Нельзя же заставить себя из-под палки написать «Войну и мир» или построить «Саграда Фамилия», здесь необходимо определенное состояние души — то, что называется вдохновением. Вдохновленный человек все свои силы и знания направляет в единое русло, на достижение определенной творческой цели. В такие моменты человек способен повести за 34

собой других, убедить их и повлиять на них. Как же достичь этого состояния творческого подъема? Есть множество источников, пробуждающих желание творить, будоражащих мысли и чувства, но для каждого человека они индивидуальны. Порой идея может посетить вас совершенно неожиданно, как говорится, «кирпичом по голове». Или, как сказал художник Сальвадор Дали: «Комар, ранним утром впивающийся вам в ляжку, может послужить молнией, которая озарит в вашем черепе неизведанные ещё горизонты». А где взять этого самого комара? Ну, конечно, на природе! Шутки шутками, но природа действительно является источником эмоционального подъема и необыкновенного прилива сил, особенно если вы постоянно живете в городе. Пожалуй, у каждого человека вырастают крылья за спиной после прогулки босиком по траве или вдоль берега моря. У многих из нас вызывает необыкновенный душевный подъем и чувство комфорта плеск речки, шум ветра, созерцание величественности гор или необъятности степи, да просто прогулка с лукошком в лес за грибами. В эти минуты и душа отдыхает, и голова свободна для новых мыслей и идей, и, кстати, те самые комары тоже тут как тут. Удивительный и общепризнанный источник вдохновения — любовь. Именно любовь служила толчком к созданию уникальных творений. Сонеты Шекспира и Петрарки, поэзия Пушкина, да мало ли что еще можно перечислить. Лучшие творения человечества были созданы благодаря любви, иногда даже безответной, трагической, но все равно имеющей необыкновенную созидательную силу. Любовь во всех ее проявлениях: любовь к противоположному полу, к детям, к родным, к Богу, к Родине, к человечеству — является самым универсальным движителем творчества и развития мира в целом. Способно вдохновить человека и его окружение: семья, друзья, дети. Те, кто нам дорог, ради кого мы совершаем многое в жизни и в то же время от кого подпитываемся любовью и душевной энергией, сами того не подозревая, могут стать для нас первопричиной озарения. Любовь и забота домашних, наивная непосредственность и открытость детей, поддержка друзей — разве этого мало для вдохновения? Кстати, определенного душевного комфорта можно достичь и в общении с такими бесхитростными и преданными существами, как домашние животные, которые не умеют говорить, но так искренне любят нас и хотят помочь. Что же касается общения с людьми, то подвигнуть на новые достижения могут не только

Фиг. 1: уши животного или рога, гора и два дерева, ботинки с длинными носами (вид сверху), люди в мантиях (или призраки), часть спины динозавра, свинья сзади, неправильный нижний прикус... Фиг. 2: пицца, луна, сыр, шар для боулинга (с бликами), пораженная мишень, мячик, тарелка с едой, шляпка мухомора, блин, колобок с бородавками, окошко стиральной машины с пузырьками... Фиг. 3: истребитель из «Звездных войн», атлетическая штанга (в перспективе), трамплин, наклонный курсор, катамаран, иллюстрация к теореме «накрест лежащие углы равны»...

Текст: Анна Р., Юлия Хацько

друзья, но, как ни странно, и посторонние люди. Вы никогда не замечали, как заставляет трудиться и какому необыкновенному подъему сил способствует успех других? Тут может быть некая двоякость: от позитивного «он смог, и я смогу» до упрямого «а вот я назло им». Конечно, если это воспринимается не как положительный пример других, а как предмет для зависти, вряд ли такое чувство назовешь вдохновением — скорее стимулом. Зависть все-таки разрушает, и с ее помощью крылья за спиной не вырастут, но, по крайней мере, она может заставить двигаться вперед. Все-таки лучше вдохновляться чем-либо позитивным, например искусством. Кто-то слушает рок, кто-то идет в оперу. Один читает стихи, другой их пишет. Кого-то вдохновляет поход в театр, кого-то — просмотр любимого фильма. Одни любят книги, другие — живопись. Искусство в разных его проявлениях заставляет нас забыть о рутине бытия, а если к тому же вы человек творческий и сами связаны с искусством, то, без сомнения, оно может дать вам массу впечатлений, эмоций и, возможно, новых идей. Хорошо влияет на творческую струнку души смена обстановки. Когда изо дня в день происходит одно и то же, когда каждый день — как «день сурка», о вдохновении говорить сложно. Не зря же гении в период творческого кризиса уезжали на Кавказ, на воды, за границу, и не зря многие великие творения написаны именно в путешествии, где человек меняет свое окружение, свой образ жизни и привычки, он как будто вырывается из замкнутого круга, и это активизирует творческое начало человека. А если кто-то любитель активного образа жизни? Может быть, тогда стоит поискать новые идеи, как бы странно это ни звучало, на спортплощадке или в спортзале. Занятия спортом, будь то пробежка по парку или нагрузки в тренажерном зале, тем и хороши, что, давая физическую усталость, в то же время пробуждают силы душевные. Человек видит, как многое он может физически, и появляется желание достичь еще большего и душой, и телом. Скучно вдаваться в биологические процессы, которые происходят в человеческом организме во время занятий спортом, для нас важно то, что после них хочется творить и работать. Кстати, работа сама по себе — огромный источник вдохновения. «Вдохновение — это гостья, которая не любит ленивых», — говаривал Петр Ильич Чайковский. Ему вторит наш современник, культовый писатель Габриэль Гарсиа Маркес: «Вдохновение приходит только во время работы». Кому не знакома ситуация, при которой стоит только взяться за дело, может быть, даже через силу, как через некоторое время незаметно возникают идеи, появляются интересные мысли, та самая Муза как будто стряхивает остатки сна — и вот ее уже не остановить. Более того, чем сложнее задача, чем короче сроки и чем объемнее проект, тем все больше и больше сил и идей возникает, и вот уже кажется, что в сутках 25 ча35

сов, и вы готовы работать, не отрываясь. Любимая работа, милый сердцу процесс творчества — самый лучший стимул и самый надежный способ разбудить вдохновение и проникнуться новыми идеями. А вот что пишет об этом Артемий Лебедев в руководстве по вебдизайну «Ководство»: «Если мы попробуем описать своими словами любое известное нам явление, никакого дефицита слов не возникает. Кто-то опишет хорошо, кто-то плохо — это и определит уровень исполнителя. Но никто не сможет остановиться в поисках следующего нужного слова в простом повествовании. Кризис идей может возникнуть только в том случае, если дизайнер ставит перед собой цель придумывать что-либо оригинальное и необычное. Оригинальное и необычное нельзя придумать — оно может появиться только само в процессе работы над поставленной задачей. Точно так же отличается перечисление слов от рассказа. Творческий кризис — это тупик бессмысленного пути». Если вы не будете использовать ваше творчество и перестанете что-либо создавать, вы никогда не сможете его улучшить. Попробуйте что-нибудь новое, оригинальное, найдите профессию, которая требует творческого подхода и заставит вас непрерывно практиковать свои умения. Замечательно при этом было бы еще позитивно смотреть на творческий процесс, не делать работу из-под палки, потому что нет иного выбора, а думать о том, что эта работа любимая, интересная и, кстати, удовлетворяющая ваши насущные потребности, давая вам заработок. Справедливости ради стоит сказать, что среди творческих людей есть и такие, кто не смотрит позитивно на окружающий мир, кому не просто присущ негативный взгляд на жизнь, но кто и творить-то может только под влиянием перенесенной боли и страдания (достаточно вспомнить Федора Михайловича Достоевского). Для некоторых людей несчастье и лишения, тоска и депрессия — толчок к созидательному творчеству. Так, Эрих Мария Ремарк писал: «О счастье можно говорить минут пять, не больше. Тут ничего не скажешь, кроме того, что ты счастлив. А о несчастье люди рассказывают ночи напролет». Однако большинство из нас в не самые лучшие периоды своей жизни ни к творчеству, ни к вдохновенному труду не способны, поэтому не будем призывать друг друга вдохновляться через страдания. Постараемся смотреть на мир позитивно. И здесь нелишне будет вдуматься в то, что значит слово «вдохновение» с позиции звучания его названия: вдохновение. Получается, что это состояние, когда с каждым вдохом человек вбирает в себя новые веяния, когда он открыт этому новому и дышит полной грудью. А значит, к поискам вдохновения так и надо подходить — с открытой для нового душой (духом) и вдыхать это новое, и радоваться ему. У того, кто так смотрит на мир, нет нужды в особых поисках источников идей, идеи сами падают им на голову, как то яблоко на Исаака Ньютона.

ДЫШИТЕ, НЕ ДЫШИТЕ

Иллюстрации: VIRTUALDALI.COM, IBIBLIO.ORG WEB.UVIC.CA

КАЖДОМУ ПО СПОСОБНОСТИ Перед тем как переходить к средствам развития продуктивного воображения, важно отметить, что способность к творческому воображению имеется у каждого. У человеческого разума имеется важное свойство, которое заключается в наличие стимула устранения логических противоречий. К примеру, многие курящие люди, зная о серьезном вреде курения, всегда знают, как объяснить себе и окружающим людям причину, по которой они не отказываются от этой пагубной привычки. Получается, что курильщики сталкиваются с внутренним противоречием «курить полезно – курить вредно», которое в психологии называется когнитивный диссонанс. Это противоречие вызывает психологический дискомфорт, и люди вынуждены придумывать всевозможные способы устранить это противоречие, причем некоторые из них отражают высокие творческие способности человека. Практически у каждого курильщика есть свое собственное оправдание, которое вызвано логическим противоречием. Получается, что человек изначально запрограммирован бороться с противоречиями и искать выход из сложных ситуаций. ГАЛАКТИЧЕСКОЕ МЫШЛЕНИЕ

Техника заключается в том, чтобы черпать вдохновение из областей максимально удаленных от вашей непосредственной работы. Фэшн-дизайнеры — мастера межгалактического мышления, поэтому модные тренды заставляют людей выглядеть, как солдаты, заключенные или прищельцы.

СЕКУНДНАЯ СИЕСТА САЛЬВАДОРА ДАЛИ Великий живописец и скандалист тщательно старался сделать свою жизнь как можно более экстравагантной. Даже простую испанскую привычку поспать после обеда он переделал на сюрреалистический лад. Дали называл это «послеполуденный отдых с ключом» или «секундная сиеста». Художник садился в кресло, зажав между большим и указательным пальцами левой руки большой медный ключ. Рядом с левой ногой ставилась перевернутая металлическая миска. В этой позиции следовало попытаться заснуть. Как только цель была достигнута, ключ падал из разжавшейся руки, раздавался звон, и Дали просыпался. Он уверял, что секундный сон невероятно освежает, вдохновляет и дарит потрясающие видения. Кстати, не исключено, что под этим даже есть кое-какая научная основа. Современные исследования доказали, что в момент перехода между дремой, которая является первой фазой сна, и глубокой второй фазой творческий потенциал человека раскрывается, он способен предложить совершенно неожиданные решения проблем, которые казались неразрешимыми. Кстати, в 1949 году Дали написал картину «Четыре кресла в воздухе» (ее фрагменты — слева). Теперь вы знаете, что его на это вдохновило. УПРАЖНЕНИЯ ДЛЯ РАЗВИТИЯ ВООБРАЖЕНИЯ Воображение является ключевым фактором творческого мышления. Оно развивается постоянно: чем больше мы познаем мир — тем лучше развито наше воображение. Однако одного созерцания недостаточно. Важно думать о том, что мы видим, анализировать происходящее. Существует несколько упражнений, непосредственно связанных с познанием окружающего мира и способствующих развитию ассоциативных навыков (чем быстрее человек способен находить необходимые ассоциации у себя в голове, тем креативнее его идеи). Одно из них — придумывание названия и описание того или иного явления. Для развития творческого воображения старайтесь чаще описывать окружающие вас интересные вещи: картины, фотографии, музыку, еду и многое другое. Старайтесь чаще ходить в музеи, внимательно смотреть на экспонаты. Загадка «Черного квадрата» Казимира

Малевича, к примеру, заключается в том, что при наличии воображения и творческого восприятия мира в этой картине вы сможете увидеть для себя многое. Если же вы не утруждаете свою креативность, то увидете только геометрическую фигуру черного цвета, ничего не олицетворяющую. «Черный квадрат» является зеркалом вашего воображения. Но попробуйте для начала придумать название или подпись для картинки слева. Как нетрудно догадаться, это картина Пабло Пикассо, и называется она «Ночная рыбалка на Антибах». Кстати сказать, существует и другая модификация данного упражнения: во время поездки в общественном транспорте попытайтесь придумать имя, биографию или другие детали для незнакомых людей, которые едут с вами, основываясь лишь на их внешнем виде. Если вы путешествуете в компании друга, поделитесь своими с ним, а потом предложите ему сделать то же самое.

РАЗГАДАЙ-КА Друдлы — изобретение американского юмориста Роджера Прайса и продюсера Леонарда Стерна, впервые увидевшее свет в 1950-х годах. Термин droodle — это комбинация слов doodle (каракули), drawing (рисунок) и riddle (загадка). Друдл является чем-то вроде каракулей и похож на картинки, которые обычно во время лекции машинально рисует студент. Однако в друдл авторы изначально закладывают вариативность его интерпретации. Чтобы тренировать свое воображение с помощью друдлов, вам нужно дать как можно больше ответов на вопрос: «Что изображено на рисунке?». Также для развития воображения в рамках повышения своей креативности попытайтесь найти такое значение картинки, которое не сразу приходит на ум. Примеры друдлов и ответы к ним вы можете посмотреть слева от основного текста статьи. 36

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

ДИЗАЙН

«МЕНТАЛЬНЫЕ КАРТЫ» ТОНИ БЬЮЗЕНА Ментальные карты (иногда их еще называют: диаграммы связей, интеллект-карта и т.д.) — это теория, основанная Тони Бьюзеном, в которой делается упор на то, что креативный процесс тесно связан с памятью человека и ассоциатиным мышлением. Бьюзен предлагает написать ключевое понятие в центре листа, а все полезные ассоциации — вокруг него, на ветвях, идущих от главного слова. Далее каждая ассоциация обрастает своим кругом новых ассоциаций, что расширяет возможности создания новой идеи. Ассоциации можно также рисовать. Создание такой карты помогает придумывать новые ассоциативные связи, а образ карты гораздо лучше запоминается. SCAMPER Методика креативности, предлагающая список изменений, которые можно осуществить в работе над определенным объектом. Разработанная Бобом Эберле в 1997 году, она по сути дела является модификацией принципов латерального мышления, описанных в статье «Д. Рамс энд бейз». Техника заключается в том, чтобы последовательно ответить на вопросы о модификации поставленной задачи или имеющихся ресурсов. Использование методики SCAMPER предполагает такие модификации: substitute (замена чего-

АНАЛИЗ ФРИЦА ЦВИКИ

то, например компонентов, материалов, людей), сombine (комбинирование, например, с другими функциями, приборами), аdapt (добавление чегото, например новых элементов, функций), modify (изменение чего-то, например размера, формы, цвета или другого атрибута), рut (применение для чего-то другого, в другой отрасли), еliminate (удаление части или упрощение до главного), reverse (изменение мест частей, переворачивание, нахождение применения в чем-то противоположном). Особенно чудные результаты методика дает в рекламе.

ТРАДИЦИИ VS НОВОВВЕДЕНИЯ

Морфологический анализ Фрица Цвики основан на подборе возможных решений для отдельных частей задачи (так называемых морфологических признаков, характеризующих устройство) и последующем систематизированном получении их сочетаний. Другими словами, этот метод заключается в том, что исследуемый объект разделяют на элементы, из которых выбирают элементы с нужными характеристиками. А собирают новый элемент уже только с выбранными характеристиками.

АЗЪ, БУКИ, ВЕДИ

Способность людей эффективно искать решения логических противоречий тем лучше, чем больше у человека чувственного, эмоционального и интеллектуального опыта, представлений о различных моделях поведения и других знаний об окружающем мире. Естественно, универсальных рекомендаций по получению жизненного опыта нет, но можно обратить внимание на такие вещи, как расширение числа моделей мира и чтение. МОДЕЛИ МИРА

ЧТЕНИЕ

Термин «модель мира» используется нейролингвистами для описания различных подходов людей к интерпретации реальности. Разнообразие этих моделей обусловлено тем, что реальность воспринимается нами по-разному, и никто не может претендовать на объективные суждения о мире. К примеру, некоторые музыкальные произведения, которые вам нравятся, могут вызвать негативное отношение у других людей. Для развития творческого мышления нужно использовать репрезентативные особенности различных моделей мира. Другими словами, чем больше мы общаемся с разными людьми и стараемся их понять, тем качественно лучше будет наше творческое мышление.

Во время чтения происходит процесс активной визуализации. Так как кроме букв вы не получаете никакой дополнительной информации, то вам ненароком приходится представлять себе, что происходит. Особенно полезно для развития креативности читать фантастику, приключения, детективы и, конечно, поэзию. Однако влияние чтения книг на способность креативно мыслить не совсем однозначно. Хоть чтение и расширяет наши модели мира, но привычка искать истину в книгах ухудшает способность поиска креативного решения. А Шопенгауэр отметил, что чрезмерное чтение бесполезно, так как читатель получает готовыми чужие мысли и усваивает их хуже, чем если бы он пришел к ним самостоятельно. 37

Попробуйте в течение минуты назвать как можно больше вещей, которые сейчас находятся в комнате вместе с вами и начинаются на определенную букву. Посчитайте, сколько у вас получилось. Если постараться, то можно назвать более 50 вещей, а можно и более 100. Чтобы улучшить это упражнение, подумайте, какие группы окружающих предметов вы забыли включить. Например, на букву «В» можно назвать: вещи, вешалка (предметы), винты, введение в книге на полке (детали предметов), вольфрам нити лампы, войлок, вата, вискоза и т.д. (материалы), ворс на ковре, воск на паркете (покрытие), волосы, веки, веснушки, виски и т.д. (тело), воображение, восторг, волнение, возможность придумать что-то еще (ментальные понятия), воздух, ветерок, варианты слов, вы сами, все остальные (тоже на «в»).

ДИЗАЙН ЗДАНИЙ

ТЕКСТ: АННА РЫЖКОВА. ИЛЛЮСТРАЦИИ: ЮЛИЯ ХАЦЬКО

КОНСТРУКТ СВОЕЙ ЭПОХИ Памятники архитектуры характеризуют определенную эпоху и воспринимаются последующими поколениями как символ того или иного времени. Корреспондент «УЖа»рассказывает об основных этапах экстерьерной таймлайн.

Архитектура — это искусство в форме зданий и сооружений. Дизайн по отношению к архитектуре имеет своей целью обеспечить удобство зданий и их эстетическое восприятие людьми. Внешнее оформление зданий в литературе называют дизайном экстерьера, а создание функционального и эстетически приятного пространства внутри здания — дизайном интерьеров. Дизайн и архитектура, развиваясь во времени, несут в себе черты различных временных промежутков. Совокупность черт, характерных для архитектуры определенного времени и места, называют архитектурным стилем. Стиль имеет художественную и функциональную составляющую, выражается в определенных архитектурных приемах, в материалах, используемых для строительства, а также в конструкторских решениях. Вряд ли можно говорить о дизайне сооружений первобытной архитектуры, а вот романский стиль (X–XII вв.) уже имел узнаваемые особенности — массивность сооружений, простота форм и лаконичность отделки. Храмы, монастыри и замки выполняли функцию крепости, поэтому имели тяжелые своды, мощные стены и узкие оконные проемы. Пришедшая ему на смену готика (конец XII – начало XVI в.в.) характеризуется появлением новых типов зданий, основанных на каркасной конструкции. Для готической архитектуры характерны высокие вертикальные строения, арки с 38

заостренным верхом и узкие башни. Кроме того, готика отличалась от предшественника декором фасада: здания украшались многоцветными витражами, резными деталями, мозаиками и рельефами. Прекрасными примерами этого стиля служат Реймсский собор и известный всем собор Парижской Богоматери во Франции, собор Святого Витта в Праге, Кельнский собор в Германии. Для архитектуры эпохи Возрождения (XV — начало XVII вв.) характерно переосмысление античных традиций. Поэтому как в строительстве, так и в оформлении зданий доминируют античные формы, симметрия и пропорции. Характерными чертами становятся изящество отделки, применение орнаментов, арок, изгибов и крытых галерей, поддерживаемых колоннами. Зодчие того времени широко использовали штукатурки, в отделке применяли медь, олово, бронзу и лепнину. Классикой данного стиля можно считать собор Святого Петра в Риме, Дворец дожей в Венеции, галерею Уффици и собор Санта-Мария-дель-Фьоре во Флоренции. Последние две постройки относятся к кватроченто — эпохе итальянского искусства XV века, считающейся началом ренессанса. Одними из лучших образцов французского Возрождения являются корпус Франциска I королевского замка Блуа в бассейне Луары, замок Шамбор, также расположенный в долине Луары, и знаменитый парижский Лувр. Эволюция стиля Возрождения привела к появлению в конце XVI века «барокко» — стиля, основными признаками которого являются подчеркнутая представительность и живописность. Здесь мы уже можем говорить о серьезном «дизайне» зданий в виде богатых скульптурных и декоративных элементов. Архитектурные формы барокко отличаются многообразием деталей — пилястрами, колоссальными многоэтажными колоннами, полуколоннами, карнизами. В стиле барокко оформлено большинство фасадов Лувра, дворец Сан-Суси в Потсдаме, Петергофский дворец. В России стиль барокко традиционно связывают с именем архитектора В.В. Растрелли, хотя специалисты высказывают различные мнения. Многие видят в творчестве знаменитого зодчего смешение барокко и рококо. Последний вышел из позднего барокко и представляет собой его вычурное видоизменение. Если барокко — стиль экстерьеров, то рококо — стиль интерьеров, для которого характерно широкое использование арок, живописи, зеркал и орнамен-

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

ДИЗАЙН

Архитектурные памятники Ренессанса: 1. Купол собора Святого Петра в Риме, Италия, 1626 год. 2. Купол собора Санта-Мария-дель-Фьоре во Флоренции, Италия, 1296–1436 годы. 3. Часть здания Палаццо Медичи-Риккарди во Флоренции, Италия, 1444–1460 годы 4. Часть здания Палаццо Фарнезе в Риме, Италия , 1517–1589 годы. Фото на странице слева: городская публичная библиотека Сиэттла, 2004 год.

тов. Закат рококо в конце XVIII века связан с возвращением к классическим канонам, выразившимся в стиле «классицизм». Само название стиля говорит об обращении к классическим традициям, к образцам гармонии и простоты. Классицизм — это сдержанность в оформлении, симметрия и спокойное величие. В России эпоха классицизма связана с именами В.И. Баженова, М.Ф. Казакова и К.И. Росси. Образцы классицизма — дом Пашкова в Москве, Биржа и Адмиралтейство в СанктПетербурге, а также ансамбли Дворцовой и Сенатской площадей северной столицы. Считается, что ансамбли Санкт-Петербурга — это вообще вершина классицизма и ампира. Последний — вариация позднего классицизма, так называемый «имперский» стиль, возникший во Франции конца XVIII – начала XIX вв. Завершающим этапом классицизма или так называемым «высоким классицизмом» является стиль ампир. Он возник во второй половине XVIII века во Франции при Наполеоне Бонапарте, ознаменовав перерождение классицизма в насаждающийся сверху, официальный имперский стиль, сущность которого нашла отражение в его названии («ампир от фр. empire — «империя»). Стиль получил распространение во многих европейских государствах и активно развивался на протяжении трёх первых десятилетий XIX века. Для ампира характерна торжественность и некая театральность, применение в оформлении зданий лепных карнизов, колонн, пилястров, элементов античной архитектуры, таких как скульптуры грифонов, львов, сфинксов и т.д. Ампир — это Вандомская колонна в Париже, Исаакиевский и Казанский соборы в Петербурге, Триумфальная арка в Москве. Направление, последовавшее за ампиром, в российской истории архитектуры именуют эклектикой, в зарубежной — романтизмом и термином 39

«боз-ар». Этому течению, доминировавшему в 1830–1890 гг., присуще сочетание элементов нескольких архитектурных стилей в свободной вариации. В облике зданий одновременно используются барельефы и башенки, лепные и полихромные детали, богатый декор и громоздкость. Эклектика сочетает не сочетаемое, смешивает различные стили. Примерами боз-ара могут служить Опера Гарнье в Париже, Мариинский дворец в Петербурге и Храм Христа Спасителя в Москве. В 1810–1890 гг. в архитектуре доминировал стиль, известный в нашей стране под названием «модерн». На Западе он чаще всего именуется «ар-нуво», в США — «тиффани», в Германии — «югендстиль», в Австрии — «сецессион». Для этого стиля характерно широкое использование новых материалов (металла, стекла), переход от прямых силуэтов к плавным, природным очертаниям зданий, текучесть линий. В отделке зданий преобладают приглушенные тона: жемчужно-серые, пыльно-сиреневые, табачные и т.п. Архитектура модерна — это здания А. Гауди и В. Орта, Ф.О. Шехтеля и А.В. Щусева, это Саграда Фамилиа в Барселоне и здание компании «Зингер» в Петербурге. Стиль имел множество ответвлений, как в Европе, так и в России. Иногда модерн путают с модернизмом, последовавшим позже движением обновления форм и конструкций, движением отказа от традиций прошлого и стремления создать что-то новое. Общие черты всех направлений модернизма — применение современных строительных материалов, рациональный подход к пространственным решениям и отказ от украшательства — нашли воплощение в самых различных архитектурных течениях ХХ в. Некоторые из них стоит рассмотреть более подробно. Жизнь стилю ар-деко дала Международная выставка декоративного искусства и художественной промышленности, прошедшая в Париже в 1925 году. Название стиля art déco на французском означает буквально «декоративное искусство». Поэтому не сложно предположить, что для него характерны роскошь, шик, богатство цветов и орнаментов. Кроме того, отличительными чертами ар-деко являются ступенчатые формы зданий, широкие кривые линии, кристаллические, граненые формы, исполь-

КОНСТРУКТ СВОЕЙ ЭПОХИ

зование в отделке стекла, алюминия, нержавеющей стали, хрома. Выдающимися примерами этого стиля являются небоскреб Chrysler Building в Нью-Йорке, Театр Елисейских Полей в Париже и Kavanagh building — впечатляющий небоскреб недалеко от побережья в Буэнос-Айресе. Ар-деко оказал заметное влияние и на советскую архитектуру 1930-х годов, став одним из источников вдохновения для сталинской архитектуры. Сильное влияние этого стиля бесспорно в отделке станций Московского метрополитена первой очереди (Сокольническая линия) и нескольких станций второй очереди (Замоскворецкая линия, например станция «Аэропорт»). Однако международная популярность ар-деко стала сходить на нет во время подъема массового производства — стиль стали считать слишком кричащим, безвкусным и поддельнороскошным. Решительный конец ар-деко положили лишения Второй мировой войны. Еще одно направление модернизма — баухауз — это отражение немецкой практичности в архитектуре, простота, функциональность и одновременно эстетичность, удобство и комфорт. Баухауз — это сочетание в отделке природных и искусственных материалов, теплых и холодных цветов, это простые геометрические формы и минимум украшений. Отличный пример стиля — Музей Баухауз, а также многие другие здания Тель-Авива. Для интернационализма типично стремление отказаться от национальных культурных особенностей декора зданий в пользу железобетона, стекла и металла. Это архитектура индустриального общества с экономией на декоре, как на излишестве. Прекрасный образец данного стиля — штаб– квартира ООН в Нью-Йорке. Конструктивизм — исключительно советская ветвь модернизма 1920-х годов. Она характеризуюется строгостью и геометричностью форм и отказом от декора в пользу простых конструкций. Конструктивизм — в общем-то, разновидность европейского функционализма с его требованиями строгого соответствия оформления здания его предназначению. Ноу-хау обоих течений отлично укладывается в архитектурную концепцию Ле Корбюзье: «Дом – машина для жилья». В конце 1980-х годов конструктивизм найдет продолжение в деконструктивизме: появится нарочитая усложненность и изломанность форм, здания будут выглядеть кривыми, «ломающимися» или даже «танцующими». Еще одно ответвление модернизма — брутализм — появилось в 1950-х годах. О том, кто построил первое бруталистское здание, историки архитектуры могут спорить бесконечно, но известно, что первым, кто использовал прилагательное brut («животный, грубый, дикий») по отношению к зданию, был все тот же Ле Корбюзье. В

ДИЗАЙН ЗДАНИЙ

1952 году он закончил известный жилой дом Unite d’Habitation в Марселе, который многие исследователи считают первым бруталистским объектом. Это здание отличало использование бетона (как отделочного материала) и массивность конструкции. За Unite d’Habitation последовали другие здания, спроектированные по тем же принципам. Это были в основном государственные учреждения, общественные институции и учебные заведения. Для брутализма характерны подчеркнутая урбанистичность и функциональность, сложность композиционных решений. При этом экстерьер зданий не декорируется, а преподносится в естественном, природном виде. Пример архитектуры брутализма — Королевский национальный театр в Лондоне. Органическая архитектура — стиль, сформировавшийся, очевидно, под влиянием эволюционной биологии и характеризующийся стремлением вписать здания в окружающую среду и максимально раскрыть свойства природных материалов. Оформленные в этом стиле строения теряются в очертаниях ландшафта, дополняя его настолько, что кажутся неотделимой от окружающей природы частью. Органическая архитектура нашла продолжение в современных, постмодернистских, течениях в виде био-тека (бионики), стремящегося не просто копировать естественные природные формы, но и приспосабливать их для функционального использования. В отличие от био-тека, еще одно направление архитектуры и дизайна, возникшее на закате модернизма и популярное до сих пор — хай-тек — как будто спорит с природой. Самое важное, что нужно знать о хай-теке: это не название архитектурного стиля, а эпитет. Относиться он может к постройкам в близкородстенных стилях позднего модернизма, структурного

Одни из самых знаменитых зданий в стиле хай-тек: 5. Башня «Мэри-Экс, 30» в Лондоне, Великобритания, 2004 год. 6. Отель–парус «Бурдж-эль-Араб» в Дубае, ОАЭ, 1999 год. 7. Башня «Агбар» (или «Торре Агбар») в Барселоне, Испания, 2005 год

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

ДИЗАЙН

8. Новая башня госпиталя медицинского центра университета «Раш» в Чикаго, США, 2014 год. 9. Лаборатория и кампус Philips в Эйндховене, Нидерланды, 2007 год. 10. Хай-тек центр в Хельсинки, Финляндия, 2009 год. 11. Здание факультета фармокологии Лесла Дена Университета Торонто, Канада, 2014 год.

экспрессионизма, постмодернизма и даже неофутуризма. Здания в итоге сохраняют формообразующие признаки базового стиля, но приобретают и особые качества, которые заставляют зрителей восклицать: «Вот это хайтек!» Часть этих качеств архитектура высоких технологий унаследовала от брутализма. И те и другие стремились выставить конструктив здания напоказ. Но если бруталисты были ограничены возможностями бетона и максимумом, который они могли обнажить, были плиты перекрытий и лифтовые шахты, то к концу 1970-х годов, когда хай-тек достиг наивысшей популярности, строительные технологии ушли далеко вперед. Стало возможным сплошное остекление фасадов, модульные коммуникации и вентиляция, появился относительно дешевый и прочный пустотелый стальной профиль. Конечно, со всем этим экспериментировали и раньше: отец модернизма Людвиг Мис ван дер Роэ еще в 1949-м спроектировал первую башню из стали и стекла, а британская архитектурная группа Archigram рисовала вполне себе хай-тековские здания в самом начале 1960-х. Однако первым настоящим примером хай-тека все же считается центр Джона Хэнкока в Чикаго, построенный в 1969 году бюро Skidmore, Owings and Merrill. Для хай-тек строений характерно использование прямых линий и простых фигур, металлических и стеклянных конструкций, применение в оформлении насыщенных чистых цветов, чаще с металлическими оттенками. Хай-тек — это уклон в сторону простоты и лаконизма, геометрических форм и функциональности зданий. Вообще стремление отказаться от излишеств в оформлении в пользу элегантности и простоты является характерной чертой многих современных дизайнерских и архитектурных направ41

лений. Это и минимализм с его строгим чувством меры, тонкой игрой нюансов, с идеальными поверхностями и совершенством предметов интерьера, с решающей ролью света и воздуха, грамотно спланированными пространствами и немногочисленными выразительными, но не кричащими деталями. Это и популярное в последнее время направление лофт, выросшее из авангардного оформления чердачных помещений в стилизацию под промышленный дизайн. Таким образом, современный дизайн зданий часто исходит из простоты и аскетизма архитектурных форм. Но это отнюдь не значит, что работа дизайнера по оформлению зданий упрощается, напротив, появляется сложная задача: найти поэзию в утилитарном, отыскать пропорциональные и гармоничные сочетания конструктивных элементов архитектуры. Кроме того, у современной архитектуры есть несколько серьезных проблем, «преподнесенных» информационной эпохой. Архитектурный критик и писатель Николай Урусофф среди прочих выделяет следующие. Идеи быстро устаревают: архитекторы всегда работают с реальностью, с современными им проблемами. Однако на деле получается, что они всегда отстают, потому что даже если проект строится очень быстро, их идеи устаревают к моменту постройки здания. Другая важная проблема — зависимость архитекторов от крупных девелоперов. Им выгодно строить огромные, похожие друг на друга кварталы в кратчайшие сроки, в то время как большинство архитекторов понимают, что город — это пространство различных политических, социальных и национальных меньшинств и разнообразие — важное условие жизни в большом городе. Кроме того, многие известные архитекторы постоянно перемещаются по миру и строят в разных странах. Каждый раз они сталкиваются с незнакомой средой, в которой порой бывает непросто разобраться. Тех, кто в последнее время работал в странах Персидского залива, часто обвиняют в том, что их здания были построены только для привлечения туристов, служат средством правительственной пропаганды и не имеют ничего общего с особенностями той или иной страны.

ДИЗАЙН

ЗДАНИЯ

Текст: АЛЕКСАНДРА ДЕГТЕРЕВА. Фото: PINGALLERY.DEVIANTART.COM

НЕТ ДОМА БЕЗ ОГНЯ С точки зрения истории архитектуры, пожары — это тот самый случай, когда «нет худа без добра». Унесшие многичеслиенные памятники экстерьерного дизайна эти бедствия одновременно расчищают место для новых красот

Тысячелетиями огонь играл большую роль в архитектурной истории, разрушая бесценные артефакты, но иногда и предоставляя возможность возвести на пепле что-то новое. Так, пожар 2014 года в Школе Искусств Глазго, обошедшийся без жертв, но причинивший значительные разрушения зданию и выпотрошивший каноническую библиотеку постройки Чарльза Ренни Макинтоша, запомнится как трагическое событие, укравшее у нас один из лучших образцов модерна того времени. Учебное заведение выразило намерение восстановить здание в надежде, что придут поколения, для которых пожар будет забыт. А вот разрушенный огнем и пролежавший в руинах Рейхстаг после реконструкции Норманом Фостером в 1990-х

гг. (на фото вверху) стал символом новой демократичной Германии. Итак, пожары, изменившие историю архитектуры. ВЕСТМИНСТЕРСКИЙ ДВОРЕЦ, ЛОНДОН, 1834 Вестминстерский дворец был полностью разрушен огнем. Согласно традициям, Британский парламент имел право отстроить себе новое здание на том же месте. Хотя неоклассицизм был самым популярным архитектурным стилем в то время, он также имел некоторый революционный подтекст благодарности событиям в Америке, так что предпочтения Палаты лордов пали на более «консервативную» неоготику. Архитектурой занялся Чарльз Берри и декоративными элементами —

Огастес Пьюджин. Так появился один из самых популярных видов Лондона на открытках. ДВОРЕЦ ТЮИЛЬРИ, ПАРИЖ, 1871 В наше время посетители Лувра могут и не заметить кое-какую странность этой достопримечательности: историческая ось города, проходящая через Париж от Большой арки в деловом квартале Дефанс к Лувру, вообще-то не примыкает к фасаду музея. Объясняется это тем, что до 1871 года ось заканчивалась у дворца Тьюильри, служившего основной резиденцией французских монархов до постройки Версальского дворца. Внутренний двор Тьюильри отгораживал от оси Лувр, построенный под углом к ней в связи с закруглением Сены. В годы

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

Парижской коммуны Тьюильри был сожжен, и царивший тогда политический климат предотвратил восстановление символа монархии в городе. В результате мы получили Париж, который мы знаем сегодня. Однако в последние годы все чаще высказываются предложения восстановить дворец, чтобы возвратить совершенство оси и снабдить Лувр дополнительными комнатами для выставок его коллекций. ХРУСТАЛЬНЫЙ ДВОРЕЦ, ЛОНДОН, 1936 Без сомнений, Хрустальный дворец был одной из самых значительных построек последних двух столетий. Это хвастовство международного масштаба было сконструировано в Гайд–парке для первой Всемирной выставки («Великой выставки промышленных работ всех народов») в 1851 году. После выставки дворец был разобран и чуть позднее реконструирован на новом месте — в лондонском предместье Сиднем-Хилл. Более восьмидесяти лет оно служило местом для проведения выставок и конференций. Но, несмотря на архитектурную значимость, Сиднем-Хилльская реинкарнация дворца была менее удачна как функционально, так и финансово. Поэтому многие считают удачей его случайное уничтожение огнем в 1936 году. С другой стороны, в последние годы многие девелоперы представляют свои спорные планы по воспроизведению утерянного великолепия (или чего-то, приблизительно напоминающего). СОБОР СВЯТОЙ СОФИИ, КОНСТАНТИНОПОЛЬ (СТАМБУЛ), 532 Восстание «Ника» 532 года стало крупнейшим и одним из самых кровожадных бунтов в истории Константинополя (современного Стамбула) и всей Византии. В результате «Ники» была сожжена почти половина города, в том числе уникальная восьмиугольная площадь Октогон и важнейшие соборы, включая Айя-Софью. Несмотря на то, что Айя-Софья, или собор Святой Софии, был на тот момент лишь второй крупнейшей церковью в городе, и вопреки достаточно напряженной общественно-политической обстановке, император Юстиниан сразу после подавления восстания направил все ресурсы на восстановление данной церкви. Это было строительство почти с нуля самого большого по меркам того времени собора. И сейчас, 1500 лет спустя, Айя-Софья — все еще одно из самых впечатляющих

ДИЗАЙН

зданий в мире. Несмотря на некоторые существенные изменения и многочисленные реконструкции, пережитые землетрясения, войны и смены религий, собор все так же украшает Стамбул, являясь наивысшей точкой византийской архитектуры

РЕЙХСТАГ, БЕРЛИН, 1933 Поджог, совершенный коммунистом Маринусом ван дер Люббе спустя лишь четыре недели после прихода Гитлера к власти, возможно, более важен для мировой истории, чем для истории архитектурной: нацисты использовали его как предлог для сокращения гражданских свобод и распространения их правления по всей Германии. Но 80 лет спустя здание и без этого представляет большую ценность — уже для архитектуры. Оставленное нацистами наполовину разрушенным в целях пропаганды и не востановленное во время «Холодной войны» из-за разделения страны, Рейхстаг лишь в 1990-х стал символом новой демократии. Тогда реставрация Нормана Фостера включала установку стеклянного купола (фото вверху), представленного в качестве символа (буквально и фигурально) прозрачного здания правительства. ЭКВИТЕБЛ–ЛАЙФ–БИЛДИНГ, НЬЮ-ЙОРК, 1912 Это, возможно, самый уникальный пожар в списке — он разрушил памятник архитектуры и одновременно создал условия для появления еще одного. Изначально Эквитебл–Лайф–Билдинг, открывшее свои двери в 1870 году, достигало сорока метров в высоту. Нас это, конечно, не впечатлит, но по меркам того времени подобная высота была мировым рекордом, поэтому

некоторые даже считают Эквитебл первым небоскребом. После пожара 1912 года на его месте в короткие сроки был возведен 38-этажный небоскреб Эквитебл– Билдинг, расстроивший многих ньюйоркцев, лишив солнечного света существенную территорию к северу от него. Это стало причиной принятия резолюции, разделявшей город на зоны. Она в том числе требовала каскадность высоток. Результатом стали отличительные от остальных небоскребов фигуры Эмпайрстейт-билдинг и Крайслер-билдинг. ВЕЛИКИЙ ПОЖАР В ЛОНДОНЕ, 1666 Восстановление Лондона после Великого пожара было не настолько обширным, как хотелось бы сэру Кристоферу Рену: его проект обновленного Лондона включал в себя сеть широких бульваров. Однако после попытки выяснить, «кому в действительности принадлежат все эти дома и земли», такое расточительство городской площади было сочтено непрактичным. Тем не менее, архитектору поручили восстановление центра города, включая собор Святого Павла и еще более 50 церквей. Так появился национальный стиль английской архитектуры — реновский классицизм. Кроме того, пожар привел к принятию закона, запрещавшего постройку деревянных домов. Это привело к значительному снижению доли деревянных строений в эпоху Тюдоров и способствовало возникновению георгианской архитектуры. ВЕЛИКИЙ ПОЖАР В ЧИКАГО, 1871 Современную архитектуру невозможно представить без небоскребов и, по правде говоря, без пожара, сравнявшего всю центральную часть Чикаго в 1871 году. Если бы не это бедствие, строительство небоскребов могло бы пойти по совершенно другому пути. Во-первых, город стал домом для Хоум-иншуранс-билдинг, известное как первое высотное здание с металлическими каркасами. Во-вторых, возможности, предоставленные кампанией по восстановлению Чикаго, привлекли в город молодого Луиса Салливана, «узаконившего» архитектуру высотных зданий, помогая развивать «чикагскую школу» — стиль, адаптировавший другие существующие архитектурные стили для их наилучшего применения в дизайне вертикальных зданий. Салливан также стал наставником Фрэнка Ллойда Райта — создателя органической архитектуры.

ДИЗАЙН

ЗДАНИЯ

Перевод: ЮЛИЯ ХАЦЬКО. Иллюстрации: RIBA LIBRARY PHOTOGRAPHS COLLECTION

ПОКАТЫЙ ВНУТРЕННИЙ МИР «УЖ» публикует пост архитектурного журналиста и критика Гая Хортона о влиянии архитектуры на человеческую психологию и благосостояние ЗАМЕТКИ НА ПОЛЯХ: 1. Огастес Уилби Пьюджин (1812–1852 гг.) — английский архитектор, конструктор, страстный энтузиаст неоготики. В католичестве он нашел религиозное обоснование достоинств готики. Пьюджин ценил структуру, форму и функцию готического здания, а не только его живописные качества. Самая крупная его работа — здание парламента в Лондоне, для которого Пьюджин спроектировал все декоративные элементы, преобразившие основной проект Чарльза Бэрри. 2. Сontrasts: Or, A Parallel Between the Noble Edifices of the Fourteenth and Fifteenth Centuries and Similar Buildings of the Present Day. Shewing the Present Decay of Taste. Accompanied by Appropriate Text. Augustus Welby Northmore Pugin. Издано автором, 1836 год. 3. Понятие зависимости-независимости от поля (field-dependence и field-dependence соответственно) введено и разработано американским психологом Германом Уиткином (Herman Witkin), когда он изучал взаимозависимость персональных качеств человека с его способом восприятия окружающей действительности. Подробнее о его исследованиях можно прочитать в его книге Personality Through Perception: an Experimental and Clinical Study, New York, Harper, 1954. 4. Теодор Адорно — немецкий философ, социолог, композитор и теоретик музыки. Эссе «Функционализм сегодня» вышло в 1965 году.

В книге «Архитектура счастья» Ален де Боттон доказывает, что архитектура имеет огромное влияние на личность. Придавая форму окружающему нас миру, она врывается и в наше эмоциональное существование. Пойдем еще дальше и заявим, что мы одновременно уживаемся с архитектурой и с нашим внутренним миром, находя свое место как в физическом, так и в психологическом мирах. Но данный тезис совсем не нов. В недавно вышедшей книге «Религия для атеистов» уже упомянутый де Боттон наглядно показывает, что католики и протестанты подробно изучали эту тему столетиями. Окружающий мир влияет на наши мысли, чувства и восприятие. Без этого базового умозаключения архитектуры не было вовсе. «В спорах о важности архитектуры католицизм исходил из трогательного и одновременно тревожного закона нашего функционирования, — пишет де Боттон. — Смысл его в том, что мы высокочувствительны к окружающему нас пространству, что мы замечаем и попадаем под влияние всего, на что ложится наш взгляд. Протестантизм эту человеческую слабость предпочитал не замечать и оставался к ней безразличным». Британский архитектор Огастес Пьюджин1 в работе «Контрасты»2 с помощью иллюстраций продемонстрировал, как «протестанский» город, опрометчиво надстроенный над старым, более изящным «католическим» городом, сигнализирует о моральной деградации общества. Что делать, если мы все-таки страдаем сверхчувствительностью? Не стоит ли нам как-то притупить чувства? Не это ли первопричина того, что некоторые из нас становятся архитекторами? Может, нам всем нужна терапия и медикаментозное лечение восприимчивости? Здесь мы можем подключить к рассуждению когнитивную теорию зависимости от поля3. В осознании реальности и самих себя полезависимые люди полагаются в основном на внешний мир. Не получается ли тогда, что строения вокруг нас — это соревнование между полезависимыми и поленезависимыми личностями? Возможно, западная культура пронизана корнями двух противоположных духовно-пространственных концепций — средневековой католической и протестанской. В наше время протестанское виденье, очевидно, побеждает. Но давайте не будем просто винить во всем бедных протестантов. У них и без этого полно поводов для депрессии. Предлагаю использовать отличительные черты, выделенные мистером де Боттоном для разграничения эстетик католицизма и протестантизма, в качество умного подхода к исследованию статуса красоты в современной рукотворной среде. Протестанская эстетика с её функциональностью четко соответсвует индустриальному функционализму. В эссе «Функционализм сегодня» Адорно4, заявляет, что архитектура уже не способна создавать красоту, потому что она больше не может обернуть себя классическими орнаментами и стилями, — это практически цитирование Лоза5. Если верить Яэль Рейснер и архитекторам из её книги «Архитектура и красота»6, мы столкнулись со «сложными отношениями». Кант никогда не отрицал возможности красоты. В 1764 году вышла в свет его работа «Наблюдения над чувством прекрасного и возвышенного». В ней он, помимо всего прочего, рассматривает феномен эстетического релятивизма. Кант пишет: «Различные ощущения приятного или неприятного основываются не столько на свойстве внешних вещей, возбуждающих эти ощущения, сколько на присущем каждому человеку чувстве удовольствия или неудовольствия от этого возбуждения» 7. То есть влияние материального мира и пространства на человека универсально, в то время как нюансы этого влияния и вызываемых им чувств зависят от разницы культур.

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

ДИЗАЙН

Что нам необходимо, как мне кажется, опять возвращаясь к утверждениям де Боттона, так это больше Архитектуры — архитектуры с заглавной буквы, той, что может быть классифицирована как красивая. И давайте оставим Канту рассуждениями о том, что это может за собой повлечь. Потому что, в то время как определение красоты субъективно, мы можем создавать ее больше, используя все многообразие форм, вместо того, чтобы довольствоваться малым или сдаваться и создавать «мертвые», невпечатляющие здания, дизайн которых основан на уродстве. Наша одержимость архитектурой, неважно где и когда мы её замечаем, — это причина для беспокойства о современном состоянии окружающих пространств: чем больше мы радуемся отдельным произведениям архитектуры, тем более очевидна их нехватка. Настоящая «А»–архитектура — относительно редкое явление в коммерческом миазме рекламы, заправок, мотелей, автомоек, укрепленных, словно цитадель, офисных кампусов и прочих упущенных возможностей. Если мы хотим больше красоты, нам нужна более вдумчивая архитектура. Но изначальное и самое главное условие — наличие более вдумчивых законов, регулирующих внешний облик среды. Как могут сказать в Китае, «пусть сто форм красоты сосуществуют и выдавят все, что безобразно». Или, возможно, более дезинфицированная версия этого может звучать так: «Предотвращай безобразность при каждой возможности и позволь ста формам красоты расцвести». Очевидно, что общество еще не сделало красоту своим приоритетом и, тем более, не ассоциирует её с вопросом общественного здоровья и благосостояния. Существует много проектов, подобных «Изумрудным ожерельям» Фредерика Лоу Олмстеда8, направленных на «разрыв» городской сетки. Это дизайн городской среды, создающий прецеденты для включения красоты. Проедьтесь по любому бульвару, например, ЛосАнджелеса. Это длинные ряды детрита9 из того, что может быть считаться красивой, провокативной или волнующей архитектурой. Архитектура больше похожа на знаки препинания, чем на предложения, составляющие городской рассказ. Архитектура — дефицитное явление. В основном мы видим лишь цепочку скучных, убивающих душу зданий. Делает ли это нас менее хорошими людьми? Конечно, такая ситуация не прибавляет нам счастья и чувства благополучия. Если бы архитектура не была такой редкой, мы бы так на ней не зацикливались. В этом не было бы необходимости, как нет необходимости волноваться о нехватке деревьев, находясь в самом центре густого леса. Может ли кто-нибудь сказать, что, например, бульвар Линкольна больше красивый, чем безобразный? Несмотря на динамизм и постоянную вибрацию его коммерческой культуры, с архитектурной точки зрения он больше похож на дезоксидированный10 поток скучного мусора и распада. Он забит зданиями, но архитектуры там нет. На протяжении всей длины это протестанская, бессодержательная полоса, разделенная между поленезависимыми оппортунистами, ищущими место для вывесок и мусора. Вообще-то, он знаменит именно тем, что он — один из самых безобразных бульваров в городе. Такое пространственное доказательство свидетельствует о потере архитектуры и, следовательно, о потере для каждого гражданина. Как пишет де Боттон: «Имеет значение лишь тот, кто владеет землей, а не тот, кто вынужден смотреть на возведенное на ней сооружение и страдать из-за этого». Для продолжения его тезиса нам нужна обновленная «католизация» пространства, в котором глазам смотрящих предоставляется право на красоту. Давайте начнем этот крестовый поход с корректировки законодательной базы. У граждан есть право на красоту перед глазами в любое время суток для того, чтобы её позитивное влияние сделало из них хороших горожан. Будет ли у нас совершаться меньше преступлений? Будет ли у нас меньше юристов, больше артистов и поэтов? У нас точно будет больше архитекторов, и они будут постоянно заняты, потому что вокруг много безобразного, подлежащего искоренению. Нам следовало бы разобрать практически все и вновь начать сначала. Это отличный способ заставить экономику снова работать. Или же мы можем послать это все к черту и переехать в деревню, чтобы жить среди деревьев.

ЗАМЕТКИ НА ПОЛЯХ: 5. Адольф Лоз — австрийский и чехословацкий архитектор и теоретик архитектуры. Сыграл значительную роль в становлении интернационального стиля. 6. Яэль Рейснер — английская писательница, архитектор, дизайнер. Её книга «Архитектура и красота: Разговоры с архитекторами о сложных отношениях» (Architecture and Beauty: Conversations with Architects about a Troubled Relationship), вышедшая в 2010 году в издательстве Wiley, представляет собой сборник из шестнадцати интервью со знаменитыми архитекторами нашего времени. 7. В переводе цитируется по книге «Сочинения», И. Кант, 1964. — Т. 2. — М. — С. 127. 8. Фредерик Лоу Олмстед — американский ландшафтный дизайнер. Критиковал сетчатую систему улиц с прямоугольными блоками, в которых обычно находятся перенаселенные ряды домов. «Изумрудное ожерелье» — ансамбль шести парков Бостона, растянувшийся на много километров. 9. Дитрит — мёртвое органическое вещество, временно исключенное из биологического круговорота элементов питания, состоящее из останков беспозвоночных животных, выделений и костей позвоночных животных и др. 10. Дезоксидация — химическая реакция отнятия атомов кислорода из вещества, раскисление. В качестве иллюстраций использованы рисунки Огастеса Пьюджина из книги «Контрасты». На соседней странице: католический город в 1440 году (слева) и тот же город в 1840 году (справа). На этой странице: отель Angel Inn в Оксфорде (слева) и отель Angel Inn в Грэхэме (справа).

ДИЗАЙН

ЗДАНИЯ

Текст: LOOKATME.RU. Иллюстрации: ЮЛИЯ ХАЦЬКО

ДАСТИШ ФАНТАСТИШ Мария Рявина, руководитель проектов в архитектурном издательстве TATLIN, рассказывает о реальных архитектурных объектах, ставших частью произведений научно-популярной фантастики и массовой культуры в целом

Какие здания больше всего вдохновляют писателей-фантастов и благодаря им становятся частью поп-культуры? Рисуя мрачное будущее или создавая альтернативную реальность, многие авторы помещали своих героев в города, состоящие из бетонных зданий в бруталистском стиле. Эти массивные постройки выделялись среди других элементов городского ландшафта и поэтому не могли не воодушевлять художников. Подавляющие и зловещие бетонные громады стали источником вдохновения для авторов фантастических произведений. Работы Ле Корбюзье, Элисон и Питера Смитсонов и других архитекторов-бруталистов появлялись одновременно с фильмами о будущем, популярность которых постоянно росла после первой экранизации романа Оруэлла «1984» в 1956 году. Кто-то, как авторы «451º по Фаренгейту», снимал фильмы в окружении бруталистских зданий, а кто-то строил декорации, вдохновившись бруталистскими постройками, как, например, Ридли Скотт в «Бегущем по лезвию». Благодаря режиссёрам и писателям некоторые бруталистские постройки сами по себе стали настоящими «звёздами», превратившись в феномен массовой культуры. Мы выбрали пять наиболее популярные из них. TRELLICK TOWER. Башня в Лондоне, построенная по проекту Эрно Голдфингера, — одно из самых узнаваемых зданий в мире. Во многом её популярность связана с тем, что она часто мелькает на экране. Построенная в 1972 году башня успела появиться в пяти научно-фантастических

фильмах, семи телешоу и десятке клипов, среди которых видео Blur, Verve, Depeche mode, Hard Fi и Gorillaz. Кроме того, Флеминг даже назвал суперзлодея в седьмом романе о Джеймсе Бонде в честь её архитектора — Эрно Голдфингера. Но вершину своей «карьеры» здание достигло, когда в 1975 году британский фантаст Джеймс Баллард опубликовал роман «Высотка». В нём рассказывается о том, как сообщество жителей элитного дома деградирует в замкнутом пространстве — современники без труда узнали в этом сюжете историю Треллик, которая имела дурную славу из-за преступлений, совершавшихся в ней. После недавней реставрации башня вновь становится модным местом для жилья, так что есть вероятность, что увидим мы её еще не раз. SIMON FRASER UNIVERSITY. В Канаде снималось множество фантастических фильмов:стоимость съёмочного дня здесь ниже, чем в США, и есть множество бруталистских зданий. Безусловный лидер среди них — кампус университета им. Саймона Фрейзера в Ванкувере. Основная часть кампуса, так называемый «Академический квадрат» (The Academic Quadrangle), построенный в 1965 году, — один из самых ярких примеров канадского брутализма. Здесь проходили съёмки ремейка классического научно-фантастического фильма «День, когда Земля остановилась», а также картины «6-й день», авторы которой сделали бруталистский кампус частью мира будущего. Кроме того, «Академический квадрат» появляется в сериале «Звёздные врата», где становится местом обитания технологически продвинутой расы толланов, а также в сериале «Звёздный крейсер «Галактика». ROBARTS LIBRARY . Архитекторыбруталисты в основном строили разнообразные министерства и прочие государственные институции, а также учебные заведения и библиотеки. Одна из наиболее интересных — Robarts Library, библиотека университета Торонто, построенная в 1973 году. В фантастическом фильме ужасов «Обитель Зла-4: Жизнь после смерти» в

этом здании располагается тюрьма, которую окружают толпы зомби. При этом действие фильма происходит не в Торонто, а в центре Лос-Анджелеса. Кроме того, считается, что с Robarts Library Умберто Эко списал самую укреплённую и запутанную библиотеку Средневековья, в которой происходит действие романа «Имя Розы». GEISEL LIBRARY . Библиотека Калифорнийского университета в СанДиего — одно из самых безумных зданий эпохи брутализма. Построено оно было в 1970 году по проекту Уильяма Л. Перейра. Дом с пятью застеклёнными ступенчатыми террасами напоминает летающую тарелку или необычный космический корабль. Неудивительно, что здание привлекло внимание многих писателей и режиссёров. В библиотеке им. Теодора Сьюза Гейзеля происходит значительная часть действия романа «Конец радуг» Вернора Винджа, в 2007 году получившего одновременно две важные для писателей-фантастов премии — Hugo Award и The Locus Poll. Помимо этого, библиотека появлялась в сериалах «Как я встретил вашу маму»,

«Вероника Марс», «Миссия невыполнима» и «Simon&Simon». Также в ней располагаются исследовательские лаборатории из ужастика «Помидорыубийцы наносят ответный удар». LES ESPACES D’ABRAXAS . Парижский жилой комплекс, построенный в 1983 году известным модернистом Рикардо Бофилем, появляется в «Бразилии» Терри Гиллиама. Режиссёр искал место для съёмки своего opus magnum по всему свету, и это здание было выбрано по двум причинам: во-пер-

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

вых, из-за устрашающего вида, а вовторых, из-за того, что оно было неизвестно в США. Les Espaces d’Abraxas изображает сразу несколько мест в мире победившей бюрократии, созданном Гиллиамом. Здесь снимались сцены в жилище главного героя, а также часть эпизодов, происходящих в Министерстве информации (правда, большая часть экстерьеров этого учреждения — это электростанции в лондонском районе Кройдон).

Если эстетика брутализма оказалась близка авторам антиутопий, то с противоположной целью — представить светлый мир победившей технологии — обращались к хай-теку. Мечты о стеклянных башнях преследовали человечество задолго до того, как их смогли построить: еще у древних кельтов есть похожая легенда. На экране они впервые возникли, естественно, в виде макетов, в «Метрополисе» (1929). С середины 1970-х ставшие реальностью благодаря Норману Фостеру, Ричарду Роджерсу и Майклу Хопкинсу здания начали активно использовать в качестве декораций к научной фантастике. Любопытно, что продолжается это и поныне, правда чтобы усилить впечатление, их обычно виртуально накачивают стероидами, увеличивая в масштабе в два, а то и в три раза. Мы выбрали 5 знаменитых построек в стиле хай-тек, которые появлялись в фантастических фильмах и книгах. ЦЕНТР ПОМПИДУ. Здание Музея современного искусства в Париже было одним из первых примеров реального хай-тека, поразившего воображение людей всего мира и, естественно, первые годы считавшегося жутким уродством. Построено оно было в 1979 году архитекторами Ричардом Роджерсом и Ренцо Пиано. Выведенные на фасад яркие вентиляционные трубы и лестничные пролёты стали символом утилитарной архитектуры будущего. В кино первым использовал

ДИЗАЙН

это здание Льюис Гилберт, режиссер 11–го фильма бондианы «Мунрэйкер»: пятый этаж центра изображал космическую станцию, на которой укрылся главный злодей. Косвенно архитектура Центра Помпиду повлияла и на облик нуарного мира «Бегущего по лезвию». SEARS TOWER. С момента постройки и до 1898 года (почти 25 лет) чикагский небоскреб архитектора Брюса Грэма удерживал статус самого высокого здания в мире. Это, а также пугающие фасады из тёмного стекла и чернёного алюминия заставили многих кинорежиссеров обращаться к ней в поисках вдохновения. Башня появлялась в сериале «Звёздные врата» и в экранизации романа Айзека Азимова «Я, робот». И даже в последние годы, несмотря на давно потерянный статус «Крыши мира», небоскрёб не сходит с экранов: он появлялся во второй части «Трансформеров», в «Человеке из стали» и в «Дивергенте». W O R L D T R A D E C E N T E R . Башни Всемирного торгового центра, строительство которых завершилось в 1973 году, обычно относят к интернациональному стилю, однако обилие стекла и наружная стальная обрешётка позволяют и их описать термином хай-тек. Творение Минору Ямасаки не сходило с экранов с самого момента постройки и успело стать узнаваемым символом Манхэттена, которого режиссерам всегда было достаточно, чтобы обозначить место действия. Но и в фантастике их использовали довольно часто. Сид Мид, дизайнер «Бегущего по лезвию», рассказывал, что именно они были для него ключом к образу фантастического города будущего: «Я просто взял башни, увеличил их в три раза, и вышло то, что вышло». По башням лазал Кинг Конг в одноименном фильме 1976 года, с них взлетал Супермэн в 1978-м, и даже после разрушения они сумели появиться в экранизации «Хранителей» Алана Мура и в одном из фильмов о Человеке-пауке. HEARST TOWER. Сердце медийной империи Херста на Манхэттене — луч-

империи Херста на Манхэттене — лучший пример того, что заветы хай-тека живы и сегодня, спустя почти 40 лет после его появления. При проектировании данного небоскрёба Норман Фостер воспользовался такой причудой американского законодательства, как «право на воздух»: в 2003–2006 годах надстроил над старым 6-этажным зданием еще 36 этажей. Но и этого оказалось мало художникам сиквела полнометражного «Стар Трека» — для панорамы Манхэттена будущего они увеличили здание еще раза в два. Та же идея почти одновременно пришла в голову архитекторам корейского бюро SOM, которые сейчас строят практически такую же, как в «Стар Треке», башню в Сеуле. BANK OF CHINA. Хотя формально здание Национального банка Китая в Гонконге относят к экспрессионизму,

диагридная структура фасада указывает на знакомство архитектора Юй Мин Пея с лучшими образцами хай-тека. Интересно, что за рубежом это здание считается первым, где была применена перекрёстно-стержневая конструкция покрытия, хотя в России подобные структуры проектировал еще В.Г. Шухов в первой трети XX века. На экране здание появлялось лишь дважды: впервые в ребуте «Стар Трека» от 1995 года в качестве одного из подразделений звёздного флота. Второй раз — в недавнем «Морском бою», где оно было бесславно разрушено свалившимся с неба кораблем пришельцев. Впрочем, ничего подобного пока, кажется, не ожидается, а значит, у нас есть шанс увидеть творение Пея еще не раз. Разумеется, этот обзор охватывает лишь несколько архитектурных объектов, которые любят задействовать в своих работах авторы научно-фантастических произведений. Выделив из широкого круга таковых памятники брутализма и хай-тека, не стоит забывать о зданиях, построенных в других стилях, но также популярных в кино.

ДИЗАЙН

ГОРОД

Текст: ЮЛИЯ ХАЦЬКО. Иллюстрации: TLAMADIEU.WIX.COM

ГОЛОВА В ОБЛАКАХ Молодой французский иллюстратор Томас Ламадью придумал стиль, сочетающий в себе любовь к небу, архитектуре, фотографии и Microsoft Paint

Часто в городах, особенно европейских, нам не удается увидеть все небо целиком, сколько бы мы ни задирали голову — оно обрезано силуэтами зданий. Ламадью вписывает свои «клоустрафобные», как их часто называют, веселые и фантасмагоричные иллюстрации именно в эти ограниченные стенами и крышами кусочки неба. По словам Ламадью, идея «небесных рисунков» пришла ему в голову во время наблюдения за необычными трансформациями плывущих по небу облаков.

Авиньон

Париж

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

ДИЗАЙН

«Цель моего творчества — показать необычное восприятие городской архитектуры и ежедневного окружения, показать, что мы можем сконструировать, приложив толику воображения», — пишет Ламадью в своем творческом демарше. Делая снимки зданий под разными углами с помощью объектива Fisheye, а затем органично вписывая своих персонажей в «небесные» участки снимка, Томас создает свой уникальный стиль и одновременно учит нас смотреть на мир по-другому, выходить за рамки привычных форм, давая волю воображению. Кстати, в работе иллюстратор отдает предпочтение «доисторическому» Microsoft Paint. «Больше всего в этом программе мне нравится её «олдскульный дух», — признается Ламадью.

Гамбург

Авиньон

ДИЗАЙН

ГОРОД

ГОЛОВА В ОБЛАКАХ

Париж

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

ДИЗАЙН

Франкфурт

Авиньон

Монреаль

ГОРОД

Текст: ЕЛЕНА ШУВАЕВА. Фото: A-A-AH.RU

МОСКВА ГЛАЗАМ НЕ ВЕРИТ Чаще всего мы замечаем прекрасные дизайнерские и архитектурные решения в облике Москвы, только когда мимо с раскрытыми ртами проходят толпы китайских туристов. Но иногда полезно взглянуть на знакомые места с новой точки зрения. Наш корреспондент выяснила, на что стоит посмотреть в первую очередь. «Москва! Как много в этом звуке…», — писал великий русский поэт Александр Сергеевич Пушкин. А что возникает в вашем воображении при слове «Москва»? Красная площадь, стены Кремля, Спасская башня с часами, Исторический музей, Мавзолей, смена караула у Вечного огня — это общее для всех представление о столице. Москву любят за ее красоту и неповторимость, но едва ли не чаще ругают за суетность, толкотню и пробки. При этом, даже ругая, стремятся если не остаться здесь навсегда, то хотя бы побывать и увидеть. А посмотреть здесь есть на что.

В Москве достаточно мест, отличающих ее от других городов, — мест с неповторимым «московским» колоритом, по которому нашу столицу отличают от других городов (даже если при этом относятся к таким местам неоднозначно). Например, сколько бы ни спорили специалисты об архитектурной ценности «сталинских высоток», эти семь высотных зданий попрежнему остаются характерной достопримечательностью Москвы и символом советской монументальной архитектуры — «сталинского ампира». Группа архитекторов, разработавшая проекты этих зданий, наделила все 52

высотки уступчатым массивом с возвышающейся центральной частью — отличительной чертой, по которой данные памятники советской эпохи можно узнать не только среди всех зданий столицы, но и на фотографиях и открытках для туристов. Все семь московских высоток можно увидеть с Воробьевых гор — там на крутом берегу Москва-реки расположилось одно из красивейших мест столицы, подкупающее не только прекрасным панорамным видом с высоты птичьего полета. У подножия Воробьевых гор находится Андреевский монастырь, построенный в XVII веке, а через Москва-реку проложен метромост со станцией метро «Воробьевы горы». Сами «горы» могут похвастаться такими архитектурными памятниками, как здание главного корпуса МГУ им. М.В. Ломоносова (одна из тех самых сталинских высоток), здания Академии наук и Института химической физики (так называемая Мамонова дача). Наверное, каждый приезжающий в Москву считает своим долгом погулять по Воробьевым горам и посмотреть на панораму города сверху. Но мы в поисках других дизайнерских особенностей столицы спустимся с небес на землю. Вернее — под землю. Станции метро — еще одна достопримечательность столицы. Москвичи привыкли воспринимать «подземку» только как транспорт, а значит, замечать только неудобства. Между тем, иностранцы говорят, что московское метро намного удобнее, скажем, парижского или лондонского. К тому же многие станции удивительно красивы. Не зря же некоторые из них («Комсомольская», «Маяковская», «Киевская» и «Славянский бульвар») в 2013 году вошли в список двадцати двух красивейших станций метрополитена в мире по версии британского издания «Daily Telegraph». Всего же объектами культурного наследия признаны 44 станции. Действительно, посмотрите их интерьеры тогда, когда вы не спешите на работу в невыносимой давке. Поднимите глаза на мозаичные панно А. Дейнеки в куполах «Маяковской», рассмотрите красочные мозаики «Киевской»–кольцевой и майоликовое панно «Комсомольской». Потрите на удачу нос скульптуре бронзовой собаки пограничника на «Площади Революции», изумитесь тридцати двум витражам на пилонах «Новослободской», побывайте на самой глубокой станции — «Парк Победы»… В конце концов, не поленитесь проехать до новых станций, оформленных в стиле минимализма или хай-тек, и вы поймете, что

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

на московское метро стоит посмотреть с позиции архитектуры и дизайна. Еще одним культовым для Москвы местом является Старый Арбат — улица, превращенная в пешеходную зону, где, что ни шаг, то достопримечательность. Здесь и стена Виктора Цоя, и памятник Булату Окуджаве, и театр им. Евгения Вахтангова с фонтаном «Принцесса Турандот», и памятник уже упоминавшемуся нами Александру Пушкину и его жене Наталье Гончаровой. А в Кривоарбатском переулке архитекторов и дизайнеров привлекает всемирно известный дом архитектора Константина Мельникова. Это одноквартирное жилое помещение в форме двух разновысоких цилиндров, врезанных друг в друга, — прекрасный пример советского авангарда. Более низкий цилиндр со срезанной по вертикали южной частью завершён плоской крышей с открытой террасой. В центре срезанной части малого цилиндра находится единственный вход в дом, по сторонам которого расположены два крупных прямоугольных окна. Основную плоскость фасада здания занимает огромное окно-экран, протянувшееся на всю высоту второго этажа. Фасады заднего, северного цилиндра, его стены прорезаны 57 шестигранными вертикальными окнами, образующими единый орнамент со своеобразным ритмом повторяющихся элементов, расположенных пятью ярусами. Этот дом — несомненная достопримечательность Москвы и архитектурный шедевр, которому присвоен статус памятника культуры. Однако это необычное здание имеет весьма нелегкую судьбу: его техническое состояние плачевно, а продолжающиеся длительное время судебные тяжбы наследников Константина Мельникова не дают возможности городу принять участие в спасении шедевра. Достаточно необычным для Москвы фасадом может похвастаться знаменитый дом Перлова, более известный как «чайный дом» на Мясницкой, в 1896 году переоформленный К.К. Гиппиусом в китайском стиле. Кроме общеизвестных классических достопримечательностей, в последние десятилетия в Москве появилось много новых мест со своим неповторимым, иногда неоднозначным обликом. Самые оживленные дискуссии вызвала реконструкция Манежной площади. Строительство подземного торгового комплекса «Охотный Ряд» и каскад фонтанов в охранной зоне Московского Кремля, по мнению многих, свело на нет всю историческую и культурную ценность Ма-

ДИЗАЙН

нежной площади. Более того, скульптуры зверей из русских народных сказок прямо под стенами Кремля некоторые искусствоведы и архитекторы называют «зверинцем Церетели» — по имени скульптора, внесшего довольно заметную лепту в облик столицы конца ХХ в. Например, так же неоднозначно, а вернее — однозначно отрицательно, было воспринято и другое изваяние Зураба Церетели — огромная статуя Петра I на Москва-реке, расположившаяся между храмом Христа Спасителя и стрелкой «Красного Октября». Уникальное в техническом плане инженерное сооружение воспринимается многими как чуждое облику Москвы. Более того, памятник вошел в список самых уродливых сооружений мира. Жители столицы неоднократно проводили акции по сбору подписей и средств на снос памятника, но Петр и ныне там, привлекает к себе внимание туристов и является

продолжается до сих пор. Это ультрасовременное дизайнерское решение, предусмотренное генеральным планом развития столицы, но несколько выпадающее из привычного московского ансамбля, также имеет своих сторонников и противников. В новом европейском стиле оформлена и площадь возле Киевского вокзала, получившая название площади Европы. Этот российско–бельгийский проект был осуществлен в 2001 году и посвящен единству Европы. На площади — 48 колонн с флагами европейских стран и скульптура-фонтан «Похищение Европы». Высота данной конструкции — одиннадцать метров, а диаметр — все пятьдесят. Фонтан имеет прекрасную светодиодную подсветку, и наблюдать за его работой в вечернее время — одно удовольствие. К новым проектам московских архитекторов и дизайнеров следует от-

Фото вверху: оригинальные книжные лавки в саду «Эрмитаж» Фото на странице слева: одна из «сталинских высоток» — здание МИДа на Смоленско-Сенной площади, построенное по проекту В.Г. Гельфрейха и М.А. Минкуса одним из тех сооружений, по которым (к сожалению) узнают Москву. Справедливости ради стоит отметить, что ни одно из сооружений Москвы конца ХХ – начала ХХI века не воспринималось однозначно и безоговорочно. Различные мнения высказывались и по поводу архитектуры делового района «Москва-сити» на Пресненской набережной. Возведение комплекса зданий из башен-небоскребов, начавшееся еще в конце ХХ века со строительства «Башни 2000» и торгово-пешеходного моста «Багратион», 53

нести и мемориальный комплекс в честь победы в Великой Отечественной войне, возведенный на Поклонной горе. В него входят Центральный музей Великой Отечественной войны, главный монумент Победы и три храма, сооруженные в память о погибших. Аллея из фонтанов с подсветкой и огромные цветочные часы, большое количество асфальтированных склонов и дорожек сделали Парк Победы на Поклонной горе приятным местом для времяпрепровождения с семьей и детьми.

ГОРОД

МОСКВА ГЛАЗАМ НЕ ВЕРИТ

Фото вверху: летний павильон центра современной культуры «Гараж» в Парке Горького. Здесь работают библиотека, детская площадка, пинг-понг и кафетерий. Дизайн павильона был выбран в результате конкурса среди молодых архитекторов. По замыслу создателей не менее великолепно должна выглядеть столица со смотровой площадки еще одного творения последних лет — Живописного моста. Этот вантовый мост, открытый в 2007 году, очень необычен по конструкции: пилон имеет форму арки с вантами, расположенными веером. Наверху под аркой расположен эллипсоид, в котором и планируется создать смотровую площадку. Однако из-за недостатка финансирования работы, которые должны были завершиться в 2008 году, неоднократно останавливались. В Москве много и совершенно особых проектов — не столь масштабных, не столь глобальных, но от этого или, может быть, благодаря этому, не менее любимых жителями столицы и не менее привлекательных для туристов. К ним можно отнести, к примеру, Лужков мост, известный также как «Мост влюбленных» или «Поцелуев мост». Именно на этом пешеходном мосту появилось первое в Москве «Дерево любви» — металлическое дерево, предназначенное специально для того, чтобы молодожены, следуя недавно появившейся традиции, вешали на

него замки на счастье. Постепенно место превратилось в мекку для молодоженов, и властям города пришлось в срочном порядке «вырастить» еще несколько деревьев. Впрочем, и они довольно быстро «обросли» замками. В современной Москве с ее быстрым темпом жизни находится, тем не менее, очень много несуетных, милых сердцу мест. Уже упомянутый нами Старый Арбат — наиболее известная, но не единственная пешеходная улица столицы. Места для спокойных душевных прогулок есть в центре столицы (Камергерский, Лаврушинский, Столешников переулки, Кузнецкий мост), появились пешеходные зоны на Крымской набережной и в районе Третьяковской галереи (Большой Толмачевский переулок). Эти районы Москвы имеют не только особую архитектуру, но и, что не менее ценно, свое настроение, определенную душевность. То же самое можно сказать и о московских парках и садах. Многие из них имеют свои дизайнерские достопримечательности. В Кузьминках, например, есть небольшая копия Эйфелевой башни, в саду «Эрмитаж» — памятник влюбленным «Серебряное 54

сердце» и скамейки для поцелуев, в Нескучном саду — часы для влюбленных, на циферблате которых нет ни одной цифры. Более того, московские парки и сады постоянно меняются, обновляются, становятся любимым местом отдыха от шума и суеты городской жизни. В 2013 году как символ возрождения московских парков и знак любви к родному городу во многих московских парках были возведены стелы «Я люблю Москву», быстро ставшие любимым местом фотографирования горожан, необычным арт-объектом и поводом задуматься о своем отношении к столице. У каждого из нас своя Москва. Для одних это переполненный спешащими куда-то людьми центр, для других — ближайший к дому зеленый парк с аллеями и скамейками для поцелуев. Кому-то нравятся современные небоскребы, кому-то — старинные особняки. Один не мыслит себе жизни без московских музеев, другой — без шопинга в столичных бутиках… Москва разная, как и мы с вами. Поэтому каждый найдет в ней арт-объекты и диайзерские пространства по вкусу.

ГОРОД

Текст: URBANURBAN.RU. Иллюстрация: JACEK YERKA/ yerkaland.com

УРБАНИЗАЦИЯ: ТРУДНОСТИ ПЕРЕВОДА Урбанистика в России — занимательное явление. Никто особо не вдаётся в подробности, что такое урбанистика, но большое количество людей с энтузиазмом занимаются чем угодно, называя эту деятельность урбанистикой или урбанистическим «чем-то». Петр Иванов, колумнист журнала Urban urban, объяснил, что такое урбанистика и чем она отличается от архитектуры, городского планирования и дизайна среды Причина проблем кроется в том, что можно назвать издержками импорта. Как такового описания для действий, связанных с городом, будь то художественных, научных или архитектурно-планировочных, в России самостоятельно не сложилось, однако, когда началось активное привнесение различных практик и дисциплин, содержащих в себе прилагательное urban, к сожалению, всё это было названо урбанистикой. В английском языке нет такого явления, как «урбанистика». Есть urban studies, объединяющие широкий спектр наук, таких как география, социология, социальная психология, антропология, есть urban planning, в большей степени касающийся конкретной практики городского планирования, есть urban design, urban sociology и многое другое. Но никому в голову не приходит называть теоретические изыскания социальных географов, дизайн уличной мебели и акционистское искусство одним словом. В этом плане урбанистику можно сравнить с «русским роком» — обобщение настолько же дикое, насколько бессмысленное. Конечно, у социальных географов, дизайнеров уличной мебели и художников-акционистов есть точка пересечения — их область интересов так или иначе связана с городом. Более того, они могут работать вместе, используя городские интервенции художников как исследовательские инструменты для социальных психологов или используя дизайнерские наработки для реализации сложных планировочных решений. Нужно ли это всё называть одним словом? Сложный вопрос. Еще в англоязычном мире есть такое явление, как urbanism. Это не конкретная дисциплина, но целое семейство идеологий и общественно-философских течений. После Октябрьской революции в СССР тоже существовал свой урбанизм. На просторах Интернета можно найти книгу 1930-го года «Социалистические города», представляющую собой, как раз-таки, образец советского урбанизма. Автор пишет о том, как должны быть устроены города победившего пролетариата в соответствии с идеологическими требованиями. Это ни в

коем случае не архитектурный трактат и не руководство к действию. Это социальная философия в чистом виде. Утопическое конструирование идеального города в идеальных условиях, охватывающее всё — от внешнего вида домов до режима питания жителей. Однако советский урбанизм как феномен сугубо идеологический не имел продолжения после распада СССР. На Западе же урбанизм развивался и развивается до сих пор. По сути дела, у каждой социально-философской доктрины есть свой урбанизм, свой комплекс представлений о том, как и для кого строить города. Если не вдаваться в нюансы, то, безусловно, наибольшее распространение на Западе получил либеральный урбанизм. И именно либеральный урбанизм как гуманистическая доктрина, с одной стороны, и как набор определённых практик, с другой стороны, получает распространение в России сейчас под видом всё той же урбанистики. Именно из либерального урбанизма произрастают идеи, принимаемые российской новой урбанистикой как само собой разумеющиеся ценности — «удобный город», «пешеходная среда», «общественные пространства», «право на город». Планирование, основывающееся на мнениях жителей, на подсчёте повседневных практик и соображениях доступности — тоже оттуда. По сути дела, либеральный урбанизм — это демократия, только в измерении городского планирования. И, что немаловажно, эту идеологию разделяют чуть менее, чем все деятели российской урбанистики, будь они хоть эпатажными уличными художниками, хоть университетскими профессорами. Теперь мы подходим к самому важному: а что, собственно, должны делать все эти люди в рамках городского развития с точки зрения либерального урбанизма? Очевидно, что они не должны, подобно советским градостроителям, проектировать домостроительные комбинаты, производящие домостроительные комбинаты, строящие типовые панельные дома, которые заселяются «типовыми» советскими гражданами. Наоборот, их роль заключается в том, чтобы в каждом от55

дельно взятом случае собирать за столом переговоров жителей, представителей бизнеса и представителей власти и выстраивать между ними конструктивный диалог относительно тех или иных вопросов градостроения. Скажем, строить на пустыре парк или отдать его девелоперу под торговый центр? Расширять магистраль или пустить скоростной трамвай? Сносить заброшенный заводской цех или пригласить туда современных художников? Задача урбанистов в том, чтобы выявлять интересы жителей, бизнеса и властей и помогать им приходить к консенсусу, оказывая, где требуется, экспертную помощь. Звучит неплохо, во всяком случае, ничуть не хуже, чем честные выборы или независимый суд. Но, в силу того, что урбанистика в России забывает о важности обсуждения философских идей, стоящих за ней, признавая либеральный урбанизм как единственно возможную истину, то она предстаёт разновидностью религии или, в лучшем случае, общественного активизма. Давайте сделаем всё хорошим, чтобы всё плохое куда-нибудь исчезло, потому что когда всё хорошо — это просто замечательно. Ну, в смысле, когда всюду велодорожки, пешеходные зоны, город в масштабе человека и плитка симпатичная. А еще можно сделать так, чтобы с помощью айфона покупать билеты на самолёт прямо на трамвайной остановке. И покрасьте младенца в золотой цвет. Зачем? Будет круто!

ДИЗАЙН

ДОСУГ

Текст: ? и ЮЛИЯ ХАЦЬКО. Иллюстрации: FLICKR.COM

КИНОКАРТИНА МАСЛОМ «УЖ» составил список лучших документальных фильмов о дизайне, которые стоит посмотреть всем, особенно работающим в данной сфере деятельности

Г Е Н И А Л Ь Н Ы Й Д И З А Й Н (режиссёр: Крис Уилсон. 2010 год). Фильм по праву считается лучшей лентой об истории дизайна и его влиянии на нашу жизнь. Критики уверяют, что с просмотра именно этого фильма молодому специалисту стоит начать знакомство с дизайном вообще и промышленным дизайном в частности. Работа Уилсона состоит из пяти частей, каждая из которых посвящена определенному этапу развития дизайна в XX веке — с момента его зарождения во времена промышленной революции до приобретения им более волотильного статуса в современную эпоху. Несмотря на то, что первая же фраза напоминает вступление к «Ди-

зайну для чайников», «УЖ» настоятельно советует смотреть дальше. Лента, словно учебник, покрывает все важные вехи — от «Баухауза» и догматического швейцарского парня Ле Корбюзье, от техники Braun и молодого идеалиста Дитера Рамса до Apple и персонализированных компьютеров. Но что действительно отличает «Гениальный дизайн», так это закадровый текст, который, кажется, заточен чувствовать и подмечать все противоречия истории дизайна. Первая часть ленты — «Дух из машины» (аллюзия на театральный прием «Бог из машины» или «Чертик из табакерки») — рассказывает о том, как благодаря Тому Форду и его конвейеру кустарное, ручное производст-

во отошло на второй план и вместо индивидуальных изделий рынок наводнился однотипной продукцией. В связи с этим возникла острая необходимость придать этой безликой массе товара некую привлекательность, отличительные конкурентные черты. Так появилась профессия дизайнера, призванного с пониманием промышленной технологии создавать неповторимый облик предметов массового производства. Вторая часть — «Дизайн обихода» — посвящена периоду модернизма (20–30 гг. ХХ века) и, в частности, немецкой школе строительства и художественного конструирования «Баухауз», давшей начало одноименному течению в архитектуре. Модернистские

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

течения характеризовались разрывом с классическими направлениями, ломкой прежних традиций, провозглашением принципов функционализма — красиво то, что удобно и практично. Фильм рассказывает и о крахе модернизма, несмотря на значительный вклад данного направления в рационализацию дизайна. Третья часть — «Планы войны» — посвящена десятилетию, предшествовавшему Второй мировой войне, и стратегической роли дизайна в решении военных проблем. В период, когда музы, казалось бы, должны были молчать, дизайн сыграл существенную роль в проектировании военной техники, отражая своими средствами определенную идеологию. Фильм о том, как было пересмотрено отношение к созданию военной техники через призму дизайна и как менялись традиции дизайна в военный период. Четвертая часть — «Жизнь лучше благодаря химии» — рассказывает о второй половине ХХ века — эре «пластикового» дизайна, времени формирования в дизайне нового послевоенного мышления с идеями свободы и широких возможностей. Из эпизода можно узнать историю изобретения пластика, понять его производственный потенциал. Пятая часть — «Объекты вожделения» — повествует о современном дизайне конца XX – начала XXI вв., о принципах рациональности и функциональности, присущих дизайну ХХ века, и о смешении стилей, свободе самовыражения в дизайне века ХХI. Авторы делают вывод о том, что дизайн — это не только и не столько внешняя оболочка предмета, а скорее те ощущения, которые этот предмет вызывает у конечного потребителя. Через фильма красной нитью проходит дизайнерский принцип «от колыбели до колыбели» — принцип, следуя которому дизайнер должен не только нести новые идеи, но и учитывать традиции, стремиться не разрушить «до основанья» старое, а совершенствовать его. Фильм «Гении дизайна», без сомнения, должен посмотреть каждый, кто хотя бы немного интересуется дизайном, не говоря уже о специалистах. И С Т О Р И И Д И З А Й Н А (режиссёр: Кевин МакКлоуд. 13 сезонов, 1999–2013 годы). Строго говоря, это не документальный фильм, а серия передач британского дизайнера и писателя Кевина МакКлауда о необычных архитектурных проектах. В каж-

ДИЗАЙН

В качестве иллюстраций использованы фотографии мест, где можно встретить шрифт Helvetica, а также брендов, в написании которых используется этот шрифт Внизу: Бренд Olympus. На фото: фотоаппарат 25mm f1.8. На странице слева: Бренд Microsoft. На фото: рецепшн в «Гараже инноваций» (Garage of Innovation) компании, Редмонд, Вашингтон, США.

ГЕНИАЛЬНЫЙ ДИЗАЙН. ЭП. 3: «Вот, чему не учат в школах: во время войны дизайн востребован. Знания, в мирное время направленные на улучшение мира, на войне ищут лучшие способы убийства людей. Это можно назвать «позорной тайной». Во Второй мировой войне столкнулись идеология и политика. А в её сердце разразилась жестокая битва дизайна. В этой войне столкнулись качество и изобретательность, новаторство и промышленность. На кону была не только судьба мира, но и его форма. В предверии Второй мировой войны никто так не считался со стратегической силой дизайна, как нацисты. Нельзя понять, как им удалось захватить пол-Европы за короткий срок, если вы не знаете, как они умели манипулировать дизайном. Нацистам досталась индустриальная база, укрепившая превосходство их продукции через дизайн. Присвоенное превосходство самозваной расы «господ». Но Германия не всегда считалась вершиной качества».

дой серии автор знакомится с новыми людьми и рассказывает о создании необычных, интересных зданий от чертежа проекта до перерезания торжественной ленточки. В числе оригинальных творений архитекторов — водонапорная башня, дом с соломенной крышей, древний замок и т.п. Особенностью программы является выведение на экран 3D-модели будущего строения, с подробными объяснениями планировки, примерного расположения мебели и внешней отделки в самом начале передачи. «Истории дизайна» будут интересны и полезны как специалистам в области архитектуры и строительного дизайна, так и тем кто, например, строит свой собственный дом. В фильме можно найти много свежих и необычных идей. ДИЗАЙН-ТРИЛОГИЯ ГАРИ ХА СТВИТА («Гельветика» — 2007 год; «Воплощение» — 2009 год; «Урбанизированный» — 2011 год). Фильм «Гельветика» был приурочен к 50-летию создания одноименного шрифта класса нео-гротеск, широко используемого в графическом дизайне. Попытка проследить его историю превратилась в полноформатное исследование графического дизайна и визу-

ДИЗАЙН

ДОСУГ

ГЕЛЬВЕТИКА: «Хороший художник-шрифтовик всегда точно чувствует, каким должно быть расстояние между буквами.Мы думаем, что шрифт черно-белый. На самом деле он белый, вовсе не черный. На самом деле именно расстояние между черным составляет шрифт. Это своего рода музыка, не ноты, а расстояние между нотами создает музыку. Например, мы разработали логотип American Airlines. Мы объединили два слова в одно, тогда это было в новинку. AmericanAirlines вместо American Airlines, половина — красная, половина — синяя. Что еще можно придумать для США, кроме красного и синего? Так что получилось идеально. American Airlines — единственная авиакомпания, которая не меняла логотип на протяжении сорока лет. Авиакомпании появляются, исчезают, меняются... American Airlines остается неизменной. И нет необходимости ничего менять. У них и так есть лучшее: логотип на Гельветике».

КИНОКАРТИНА МАСЛОМ

альной культуры. В фильме, снятом во многих странах мира, исследуется восприятие людьми окружающих их надписей и влияние, которое на этот процесс оказывает типографика. Окружающий нас мир состоит из вывесок и заголовков, афиш и постеров, и во всем этом буквы и шрифты являются одними из ключевых элементов. Мы воспринимаем окружающую действительность в том числе и под их влиянием, пусть и не отдаем себе в этом отчета. В фильме вы увидите интервью известных специалистов в области графического дизайна и типографики: Вима Кроувела, Майкла Бьерута, Эрика Шпикермана и Массимо Виньелли. Они расскажут о взаимо-

Вверху: Многие СМИ используют helvetica в своем брендинге, например журнал Bloomberg businessweek. На фото: обложка журнала от 02.12.2010. Справа: Бренд питьевой воды Evian. Розовые ящики заметила фотограф Sophie Tajan/ sophietajan.com

действии людей и букв, об эстетике шрифтов. «Гельветика» демонстрировалась на различных фестивалях. Судя по отзывам, лента будет интересна не только специалистам в области графического дизайна, но и тем, кто интересуется окружающим миром вообще. Вот как сам Хаствит рассказывает о своем первом фильме: «Шрифта Helvetica придумали швейцарцы в качестве образца идеальной нейтральности, сказав: «Давайте не будем воздействовать на сообщение, не будем нагружать его дополнительными оттенками, эмоциями. Сделаем шрифт ясным и прагматичным». Это модернистский идеал. Но сейчас он утратил и этот смысл, потому что все исполь-

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

зуют его, не осознавая его происхождение. Большинство людей вообще не знают, откуда берутся шрифты — они думают, что они часть Microsoft Word. Мало кто догадывается, что кто-то рисует все новые шрифты, что за каждым стоит история. В фильме мне как раз хотелось сделать невидимое видимым, дать возможность увидеть впервые то, на что люди смотрят каждый день». Второй фильм режиссера — «Воплощение» — в оригинале называется «Objectified», что можно перевести на русский как «овеществление». После исследования графического дизайна Гари Хаствит занялся изучением дизайна промышленного как творческо-

ДИЗАЙН

го процесса изобретения и переосмысления. Одним из героев Хаствита в этом фильме является главный дизайнер Apple Джонатан Айв. Также в фильме участвуют дизайнеры BMW, Braun и работники Музея современного искусства в Нью-Йорке. Критики обычно рекомендуют этот фильм специалистам в области промышленного дизайна, однако он будет интересен и тем, кто просто интересуется процессом создания и оформления продукции массового производства: вторая часть трилогии получилась не менее захватывающей, чем первая, благодаря свежему и нестандартному взгляду автора на дизайн обычных предметов, на то, что можно понять о

людях, глядя на окружающие их вещи. Вот что пишет авторитетный американский журнал о фильмах и развлечениях The Variety об Objectified: «Пока дизайнеры со всех концов света излагают свою философию и подход к делу, камера Хаствита скользит по витринам гигантских универмагов в Токио, Стокгольме и Берлине, фиксирует стулья, кофейники, столовые приборы, словно объекты, обнаруженные на другой планете, функциональность которых неясна. Даже гигантские фабричные машины выглядят в кадре безукоризненно элегантно. Невероятно умное, увлекательное и мастерски сделанное кино». Заключительный фильм трилогии — «Урбанизированный» — посвящен архитектуре, строительству, планировке и стратегии развития дизайна современных городов, а также проблемам урбанизации. Известные архитекторы Рэм Колхаас, Норман Фостер, Оскар Нимейер, Алехандро Аравена, городские планировщики, политики, строи-

ВОПЛОЩЕНИЕ: «Хороший дизайн не обязательно должен давать наценку. Вероятно, он должен даже удешевить продукт. Но проблема в том, что дизайн для многих компаний стал удобным предлогом накинуть цену: он выполнен, следовательно, должен быть оплачен. Такой подход будет только развиваться, а товары в будущем при продаже будут позиционироваться с точки зрения их дизайна. Идеи элитарности и дизайна сливаются воедино и уже не стыкуются с культурой и демократизацией дизайна, из которых вышли. Цель встала в один ряд с поп-культурой и повлияла на восприятие дизайна и его преимуществ. Раньше основной идеей было «хороший дизайн — это то, что вы хотите, или то, что выделяет вас», что-то вроде вашего идентификатора. Если вы способны распознать хороший дизайн, то вы сами выделяетесь из толпы упрощенных и усредненных обывателей, живущих прошлым. С этого момента вы вступаете на новую тропу — тропу прогресса».

Вверху: Бренд одежды American Apparel. На фото: магазин компании в Нью-Йорке, США.

Внизу: Все указатели нью-йоркского метро, а также надписи на его платформах написаны шрифтом helvetica.

ДИЗАЙН

ДОСУГ

тели и философы со всего мира вместе ищут ответ на вопрос, кто отвечает сегодня за создание городов, и приходят к выводу, что, в отличие от других областей дизайна, город не создается кем-нибудь одним, он — не творение одного специалиста, на городскую среду может каждый его житель повлиять и изменить ее к лучшему. Исследуя разные примеры городского планирования по всему миру, фильм начинает дискуссию о будущем городов. В фильме поднимаются важные для всех нас вопросы: Почему некоторые города бурно растут, а другие сокращаются? Как сбалансировать общественное пространство? Поскольку большинство из нас живет в городах и, несомненно, имеет право оказывать влияние на их развитие, фильм будет очень интересен не только специалистам в области архитектурного дизайна. Вот что пишет газета The New York Times об Urbanized: «Невероятно насыщенный, полный идей фильм, исследование перспектив и проблем, которые ожидают мир в ближайшие 50 лет, когда две трети мирового населения переселится в мегаполисы. Для чего нужны велосипедные дорожки в колумбийской Боготе и специально освещенные пешеходные маршруты в предместьях Кейптауна, как застраивают Сантьяго-де-Чили и как устроены фавелы Рио-де-Жанейро, какие ошибки были допущены при застраивании столиц Бразилии и Аризоны». ВЫХОД ЧЕРЕЗ СУВЕН ИРН УЮ Л А В К У (режиссёр: Бэнкси. 2010 год). Наверное, самый знаменитый фильм в этом списке, отмеченный не только андеграудной молодежью, но и взыскательными критиками Канн, а также Британской и Американской киноакадемиями. Бэнкси — псевдоним реально существующего английского художника, самой загадочной фигуры в стритарте, имя и работы которого давно вышли из андеграунда и находятся под пристальным вниманием медийщиков, но сам Бэнкси удачно оставался за пределами досягаемости. И вот появляется этот фильм, и режиссер — сам Бэнкси. Он даже есть в фильме, правда, лицо скрыто и голос изменен. Фильм, который начинается как простой документальный фильм о

КИНОКАРТИНА МАСЛОМ

Вверху: Бренд Nestle.На фото: зонтики от солнца с логотипом компании в кафе на площади Хиральдо, город Эвора, Португалия.

стрит-арте, постепенно поднимает вопрос о достоверности и ценности современного искусства; но не беспокойтесь — никакого занудства, все делается почти в ироничной форме, что, в свою очередь, ставит под вопрос достоверность главного персонажа — Терри Гетта, который с развертыванием сюжета воспринимается как комический персонаж, почти диккенсовский, говорящий на ломаном английском с французским акцентом, с нелепыми бакенбардами. Постепенно мы начинаем все больше убеждаться, что фильм скорее псевдодокументален. Бэнкси приоткрывает дверцу в мир уличного искусства, но не развлечения для. Видео — своего рода посыл молодым художникам уличным и не только, в котором выражается отношение автора к коммерциализации арта. Терри пошел не по «православному» пути: в то время как окружающие его художники самовыражались в своем творчестве, он решил продавать. Для него искусство — это источник дохода, то, чем можно торговать. Фильм является обвинительным актом не сколько самому Гетто, сколько доверчивости в искусстве и разнице между продажей за нереальные сум-

ДИЗАЙН ПРОДУКТОВ ПИТАНИЯ: «Нас вполне удовлетворяют продукты, созданные в 1970-х или 1980-х годах, но ввиду высокой конкуренции, компании должны постоянно расширять ассортимент и поставлять на рынок новые продукты. Ранее новинки предназначались в основном для детей, но потом маркетологи обнаружили, что их рыночный потенциал гораздо шире. На рынок Европы ежегодно поступает 10 000 новых продуктов питания. В отделе разработок концернов пищевой промышленности постоянно идет работа над новыми продуктами. После выявления неосвоенных рыночных ниш маркетологи сообщают о них отделу дизайна и специалистам пищевого производства. Зрительные образы являются наиболее доходчивы, поэтому реализация готовой идеи начинается с разработки макета в Photoshop. Главная задача на этом этапе — подчеркнуть особенности будущего продукта, но не во вред эстетике».

мы и незаконным рисованием на стенах безо всяких ценников и счетов. Это подытоживают слова самого Бэнкси: «Раньше я побуждал всех заниматься искусством, но теперь уже не уверен, что буду это делать». Фильм достаточно спорный, неоднозначный, но людям, которых волнуют судьбы современного искусства, пусть даже в его неоднозначных проявлениях, он будет интересен и полезен. Кроме того, лента смотрится необычайно легко — всё живое, настоящее и непринужденное, а незаезженные шутки и остроумности мистера Бэнкси радуют и настойчиво просятся в цитатник. Д ИЗА ЙН П Р О Д УК ТО В П ИТА Н ИЯ (режиссёры: Мартин Хаблесрайтер, Соня Штуммерер. 2009 год). Все мы любим вкусно поесть. А задумывались ли вы о том, почему нам хочется съесть один продукт, а на другой мы не обращаем внимания? Почему от одного продукта питания мы получаем удовольствие, а от другого нет? Фильм рассказывает о том, что далеко не всегда дело только в способе приготовления пищи. Оказывается, над внешним видом продуктов питания тоже работают дизайнеры, понимаю-

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

щие, какое значение для человека имеет внешний вид, аромат и консистенция продукта. Именно благодаря дизайнерам пищевых продуктов в магазине мы видим, к примеру, макароны или шоколад в том виде, в каком к ним привыкли. Фильм в интересной форме рассказывает о том, почему продукты имеют именно такой вид и какое это имеет значение для потребителя. А поскольку многие из нас если не гурманы, то просто любители вкусного, этот познавательный фильм будет интересно посмотреть буквально каждому. «Дизайн продуктов питания» — неожиданно интересная, зрелищная, красочная, иногда даже остроумная кинолента о «продуктовых художниках». Правда, любителям диет следует быть поосторожнее — после просмотра фильма непременно захочется перекусить. П РО Е К ТИРО ВА Н ИЕ БУД УЩ Е Г О (режиссёр: Мартин Уильям Газецки. 2006 год). Жак Фреско — архитектор и футуролог, всю жизнь посвятивший созданию справедливого общества, живущего в гармонии с природой. Его называют современным Леонардо да Винчи, ведь он самостоятельно получил знания во многих областях науки. И это не случайно. Его детище — «Утопия ХХI века» — это, по сути, общество с ресурсо-ориентированной экономикой, где процесс принятия решений относительно общественной, экономической и политической жизни людей основан на научной методологии. Многие называют его утопистом, идеи отказаться от кредитно-денежной системы и политических институтов нереалистичными, но вспомните, что всех гениальных людей с их ещё более гениальными идеями и изобретениями общество практически никогда не понимало и не воспринимало или, еще хуже, — относило к безумцам. Возможно, и 97–летний дизайнер просто опережает свое время. Но идеи Фреско заинтересовали Уильяма Газецки, и режиссер снял отличное кино, в котором современный да Винчи наглядно показывает и рассказывает, как претворить в жизнь его идеи. Ленту стоит посмотреть не только дизайнерам, но и всем интересующимся философскими проблемами и стремящимся усовершенствовать наш несовершенный мир. Н А Ц И Я Х Э Н Д М Е Й Д А (режиссёр: Фейт Левин. 2009 год). Современный мир ручной работы — хэндмейда — появился как синтез принятых в прошлом техник и традиций с современной эстетикой, полити-

ДИЗАЙН

Внизу: Бренд American Airlines. На фото: офис компании в Каракасе, Венесуэла. Также helvetica использует австрийская авиакомпания Lufthansa.

ПРОЕКТИРОВАНИЕ БУДУЩЕГО: «Одним из интереснейших аспектов будущего мира станет тот факт, что, если вы отправитесь навестить старых знакомых через пару лет после последнего визита, вы обнаружите, что их дома изменились, потому что изменились сами люди, которые в них живут. Не будет такого понятия, как постоянный дом, в котором человек живет всю свою жизнь. Дом будет меняться вместе с ценностями человека, его взглядами на жизнь. По вашему желанию дом будет отражать форму, в которой вы предпочтете жить. Не все захотят жить в куполообразных домах. Мы рекомендуем купол лишь по той причине, что он требует минимум материала и покрывает максимальную площадь при наибольшей прочности. Эта форма широко распространена в природе. Наш мозг — купол. Черепная коробка — купол. И когда люди говорят: «Нет, я не хочу жить в куполе», — они забывают, что жили в нем всю свою жизнь».

кой, феминизмом и искусством. Прокатившаяся по всему миру волна увлечения этим направлением в искусстве и дизайне стала предметом исследования американской независимой художницы и режиссера Фейт Левин. В течение нескольких лет она колесила по Америке, встречаясь с дизайнерами, художниками и другими творческими людьми. В интервью Фейт выясняла, чем же ее собеседников не устраивает то, что можно купить в свободной продаже, почему современные молодые люди берутся за иголки, нитки, спицы и чем для них стала ручная работа. Примерно 80 часов отснятого материала и 50 интервью превратились в полуторачасовой фильм о возрождении ремесел и ручной работы, о вдохновении и творчестве современных художников, дизайнеров и просто любителей творить руками. В фильме рассказывается и о сообществах поклонников прикладного искусства, в том числе об их общении в социальных сетях и других интернетпорталах, а также о независимых галереях и ярмарках, выставляющих ручные работы. Посмотреть фильм будет интересно как дизайнерам, так и тем, кто любит творить или сам занимается каким-либо видом хэндмейда.

ДИЗАЙН

ПРОГРЕСС

ISOSCOPE Сайт, который помогает понять, куда можно добраться за 10 минут, анализируя движение пешеходов, велосипедистов и автомобилей по городу. Мы ездим в ближайший супермаркет, добираемся до спортзала на велосипеде, ходим в кафе по соседству ради милого разговора с друзьями. Передвижение — или мобильность — неотъемлемая часть нашей жизни. Создатели Isoscope, по их собственному признанию, были особо заинтересованы в ситуациях, когда наша мобильность ограничена — во время автомобильных пробок или, например, в связи с погодными условиями. Как эти ограничения влияют на наши путешествия по городу и на кого они влияют больше всего? Isoscope пытается ответить на вопросы выше путем сравнения различных видов транспорта и их чувствительности к ограничениям. Схема простая: на сайте проекта надо найти свой город, выбрать день недели и время дня, а потом задать интервал от 2 до 10 минут. Isoscope показывает, куда при установленных условиях можно успеть доехать на машине. По сути, Isoscope помогает избежать фрустрации, возникающей от несоответствия ожиданий (доехать до магазина) и реальности (из-за пробок дорога занимает двадцать минут вместо пяти). В рамках проекта траффик воспринимается как своеобразный пульс города, и Isoscope призван поймать этот ритм с его взлетами и падениями. Оказалось, что существует 24 типа форм, которые очерчивают зону досягаемости и меняются в зависимости от времени суток. На карте они показаны слоями. В результате Isoscope помогает понять, насколько в самом деле пробки на дорогах влияют на нашу мобильность, и сравнить, какие типы транспорта наиболее эффективны в городе. Автор проекта — Мартин вон Люпин из города Потсдама.

62 «УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101)

«УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ» №4–5 (100–101) 63

ПРОГРЕСС

ДИЗАЙН НА ДИВАНЕ: ИСТОРИЯ PHOTOSHOP Человек всегда тяготел к знаниям. С древних времен он старался стать лучше и успешнее своих собратьев во всем. Он самосовершенствовался, постигая те или иные науки. Стремился к прекрасному, пытаясь создать наскальный рисунок небывалой красоты. Шли годы, появились краски, холсты и специальные школы, обучающие любознательных граждан премудростям художественного ремесла. Но и тогда и сейчас неизменным оставалось одно: хочешь добиться успеха — добейся его самостоятельно. Однако не стоит забывать о том, что наши предки жили в века, когда о таких вещах, как планшет или мобильный телефон, никто и знать не знал. Но мы-то с вами живем в век высоких технологий. Специальные программы для создания уникального дизайн–проекта и сопутствующие им устройства — на любой вкус. К наиболее известным представителям так называемого «домашнего дизайна» можно отнести «Adobe Photos-

hop» — гениальный графический редактор, созданный братьями Томасом и Джоном Ноулл в 1987 году. Все началось с момента, когда Томас обнаружил, что недавно купленный им монитор Apple Mac Plus не отображал полутоновые изображения. Разочаровавшись в приобретенном новшестве, он, тем не менее, не опустил руки и решил создать программу, способную устранять этот недостаток. Через какое-то время Джон, пораженный успехами брата в данной области, решил объединить с ним усилия и создать более сложную, более совершенную программу Display. Спустя год братья сравнили свою программу с похожими иллюстраторами и поняли, что создали нечто намного более эффективное. Никто точно не знает, откуда взялось название «Photoshop». Говорят, оно было предложено одним из потенциальных издателей во время демонстрации программы. В то время только компании Adobe было по кар-

ману приобрести данный продукт. Через некоторое время программа была продемонстрирована арт-директору компании, который остался весьма доволен увиденным и настоял на немедленной покупке программного обеспечения. Начались долгие и бессонные ночи, в процессе которых братья старались усовершенствовать свое детище, придавая ему все больше новых функций. Наконец, в феврале 1990 года первая официальная версия Adobe Photoshop поступила на рынок. Выход первой версии увенчался успехом, даже несмотря на большое количество ошибок. Как и у Apple, ключевым маркетинговым посылом Adobe стала доступность работы в Photoshop для широкого круга пользователей, в отличие от большинства графических программных продуктов того времени, изначально разрабатывавшихся для специалистов. В процессе разработки версии 2.0 Adobe расширил штат программистов. В результате в Photoshop были добавлены новые «инструменты»: перо (Pen tool), работа с двухтоновыми изображениями, импорт и растеризация векторных изображений из Illustrator. Вдобавок вторая версия редактора поддерживала CMYK. Все это открыло Photoshop путь на профессиональный рынок полиграфических услуг. Версия 3.0 стала переломным моментом в истории компании. Проект мог провалиться или наоборот — навсегда занять место в истории графических редакторов. К счастью, все обошлось, и успех был на стороне создателей. Возможность работы со слоями (layers) стала огромным шагом в совершенствовании программы. Именно эта функция впоследствии склонила многих художников и дизайнеров к работе именно в Photoshop. Выход третьей версии программы стал началом эры Photoshop. Каждый офис, каждая организация стремилась приобрести данный продукт, высоко отзываясь обо всех его качествах, включая умеренную цену, выгодно выделяющую его на фоне подобных программ. Разработка программы не прекращается и по сей день и, скорее всего, не прекратится. Прежде всего, из-за высокой конкуренции огромного количества производителей программного обеспечения, многие из которых предлагают функциональные возможности Photoshop бесплатно. Что же будет дальше? К сожалению, Adobe не анонсирует. Photoshop — это драгоценный камень в короне Adobe, и аспекты его разработки тщательно скрываются. Текст: ВЛАДИМИР БРИГИНЕЦ Иллюстрация: Domenic Bahman/ stopthinkmake.com

УНИВЕРСИТЕТСКАЯ ЖИЗНЬ

МАРТ 2014

Фото: computermajors.com

ВАКАНСИИ Московский государственный университет технологий и управления объявляет конкурс на замещение вакантных должностей профессорско-преподавательского состава по кафедрам: Технология переработки зерна, хлебопекарного и макаронного производств: - доцент (0,5); - профессор (4,5); - старший преподаватель (0,5); Финансы и кредит: - доцент (2,5); - профессор (2); Технология бродильных производств и виноделия: - профессор (0,25) Экономика и управление территориальными кластерами: - доцент (2,75); Информационные технологии: - доцент (1); - профессор (1); - старший преподаватель (1); Педагогика и психология: - доцент (3,5); - профессор (1); - старший преподаватель (0,75); - ассистент (1) Кондиционирование и вентиляция: - профессор (1,5); - старший преподаватель (1); Биоэкология и ихтиология: - доцент (2); - профессор (2); Менеджмент: - доцент (2,5); - профессор (1); Технология продуктов из растительного сырья и парфюмерно-косметических изделий: - доцент (0,5); - профессор (1,5);

Физическое воспитание: - доцент (1); - профессор (1); - старший преподаватель (2); Технология кожи, меха и изделий из кожи: - доцент (2,75); Химические технологии и нетканые материалы: - доцент (0,25); - профессор (0,5); Технология товароведения швейных изделий: - доцент (4,25); Организация сервиса: - доцент (0,25); - профессор (0,25); Связи с общественностью и рекламные технологии: - старший преподаватель (0,25); Автоматизация и управление: - доцент (3); - профессор (2); - старший преподаватель (1,75); Управление персоналом: - доцент (1,25); - профессор (1); Финансы и кредит: - доцент (1); - профессор (1,5); Срок подачи заявления - месяц со дня публикации. Заявление и документы, согласно положению о конкурсах, отправляют по адресу: 109004, Москва, Земляной Вал, 73, МГУТУ им. К.Г. Разумовского Телефон: 8 (495) 915-29-09, 8 (495) 915-36-86.

Учредитель: ФГБОУ ВПО МГУТУ им. К.Г. Разумовского. Свидетельство о регистрации средства массовой информации Федеральной службы по надзору в сфере связи, информационных технологий и массовых коммуникаций ПИ NoФС77–36363 от 21 мая 2009 г. Выпуск № 3 (99) 2014 г. Подписано в печать: 1 июля 2014 года Типография: ООО «Типография Принт-сервис», Санкт-Петербург, Пироговская набережная, дом 17, корпус 6 литера А. Тираж 2000 экземпляров. Распространяется бесплатно. Главный редактор: Егор Егоров Дизайн и верстка: Юлия Хацько Фото: Ирина Шадрина Корреспонденты: Владимир Бригинец, Светлана Епишева, Юлия Хацько, Ксения Кузнецова, Вика Малеванная, Анна Зотова Адрес редакции и издателя: г. Москва, Земляной Вал, д. 73, каб. 38. Тел.: 8 (495) 640 5436 доб.166 e-mail: ug@mgutm.ru ПРИЕМНАЯ КОМИССИЯ: тел.: (495) 915–52–10 Журнал распространяется в городах: Волоколамск, Вязьма, Калининград, Липецк, Ложки, Мелеуз, Москва, Нижний Новгород, Омск, Орехово-Зуево, Ростов-на-Дону, Самара, Серпухов, Смоленск, Светлый Яр, Тверь, Темрюк, Ульяновск, Унеча Полная версия доступна на сайте mgutm.ru/jurnal

Это почти квадратное (66,35 х 66,75 м) сооружение помнит еще первую Олимпиаду 776 года до н.э.В центре находился двор площадью 41 м2, окруженный колоннадой из 72 колонн. Двор был засыпан песком, на котором тренировались атлеты. До наших дней сохранились только нижние части 32 колонн, сделанные из камня.

Проект этого громадного стадиона-трансформера с управляемой крышей, которую можно открывать и закрывать, принадлежал Роже Тайиберу. А наклонная башня по задумке выполняла роль опоры для многочисленных тросов, удерживающих свод стадиона. Но строительство затянулось, и Олимпиаду 1976 года стадион встречал без крыши и башни и с увеличенной вдвое сметой.

Стадион был построен в 566 году до н.э., а затем перестроен в мраморе в 329 году до н.э. Остатки древней постройки были раскопаны и восстановлены в середине XIX века и в 1870 году «Панатинаикос» стал площадкой для первых в современной истории Олимпийских игр. Сегодня стадион из 50 горизонтальных мраморных рядов вмещает около 80 тысяч болельщиков.

136-метровая башня была возведена в Олимпийском парке Барселоны для трансляции летних игр 1992 года. Архитектор Сантьяго Калатрава вдохновлялся образом атлета, держащего факел. Основание башни облицовано по технике «тренкадис», то есть «ломаной» мозаикой, составленной из фрагментов керамики (посуды и стекла, изобретателем которой был Антонио Гауди — знаменитый барселонский архитектор. Помимо своего прямого назначения, башня используется как огромные солнечные часы — по тени, падающей на площадь Европы, можно определять время.

Первоначально стадион был построен для соревнований по дзюдо к Олимпиаде 1964 года. Архитектор Мамору Ямада вдохновлялся дизайном одного из самых знаменитых храмов Японии —«Хорю-дзи». Повторяя его восьмиугольную форму, Будокан при этом достигает 42 метров в высоту и способен вмещать 14 тысяч зрителей.

Уникальный проект стадиона ANZ позволяет всего за 12 часов менять его конфигурацию из овальной в прямоугольную, что позволяет проводить соревнования по пяти видам спорта. Это впечатляет еще больше, учитывая, что на трибунах в 2000 году могло уместиться 110 тысяч человек. Правда, после добавления крыши вместимость стадиона уменьшилась и теперь составляет 83 тысячи.

Перед архитекторами стадиона стояла задача создать образ-антипод Олимпиады 1932 года, проходившей в нацистской Германии. Поэтому были использованы большие навесы из акрилового стекла и стальные тросы. Широкий и прозрачный купол символизирует новую, демократическую и оптимистичную Германию.

На дизайн пекинского стадиона, или, как его еще именуют, «птичего гнезда», архитекторов вдохновило изучение китайской керамики. «Мозаичное» переплетение стальных тросов на фасаде должно было поддерживать выдвигающуюся крышу, от которой было решено отказаться из соображений экономии (стадион и так обошелся в $9 млрд).

Лондонский бассейн был спроектирован Заха Хадид, одной из крупнейших мировых архитектурных звезд, лауреаткой Притцкеровской премии, еще в 2004 году — до того, как город выиграл право проведения Олимпиады-2012. Это было изящное сооружение, напоминающее застывшую в движении воду.К сожалению, зданию суждено было стать главной жертвой прижимистости организаторов соревнований. Проект подвергся значительной переработке в сторону сокращения затрат: габариты волнообразной крыши, главного и наиболее сложного элемента художественной композиции стадиона, были уменьшены, её форма — упрощена. В результате в его силуэте стали выделяться временные боковые трибуны. После игр их убрали, и вместимость стадиона сразу резко уменьшилась — с15 000 до 2 500 зрителей.