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Historia del Arte Renacimiento Manierismo Barroco Neoclasicismo

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003 ǀ Renacimiento 009 ǀ Manierismo 015 ǀ Barroco 020 ǀ Neoclasicismo

Edicion y Montaje Karla Betancourt 002 ǀ

Movimiento cultural que surge en Europa el siglo XIV, caracterizado por un renovado interés por el pasado grecorromano clásico y especialmente por su arte.

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Arquitectura La Arquitectura del Renacimiento se caracteri por el empleo de proporciones modulares, de cpulas colosales, hechas de conchas con aristas, con tambores de ventanas redondas, y linternas que cubren la apertura del domo inspirado del panten romano.

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R

eaparece el arco de medio punto,

las bvedas de canon y de aristas.

Aparecen las columnas adosadas con capiteles clsicos, los fustes lisos, los pilares cuadrados decorados, los techos artesonados. En exterior, los edificios estn frecuentemente coronados por una balaustrada y sobre sta se colocan estatuas.

Las fachadas, inicialmente son austeras, mas se puede observar el dibujo de las piedras que subraya las dovelas y les da continuidad . Las ventanas estn divididas por un partelu de piedra, terminadas por un frontn encerrado en un arco ciego decorativo.

Se usa piedra blanca mrmol o gris claro. Hay armona y buen uso de elementos.

La lnea ascendente, expresiva de la espiritualidad medieval es sustituda por el equilibrio de verticales y horiontales.

Destacan como representantes de la arquitectura de sta poca:

Philipo Brunelleschi, Leone Batista Alberti, Donato Bramante y Miguel ngel

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Pintura El periodo fundamental de la pintura renacentista se centr en elementos nuevos y clsicos en armona.

El claroscuro es una tcnica que contrasta la lu y la oscuridad en la pintura. Durante este periodo, los sujetos humanos en el arte se representaban como las mediciones.

El "Hombre de Vitruvio" de Leonardo da Vinci retrata con precisin esta idea porque su sujeto tiene proporciones iguales.

Los pintores del Renacimiento tambin se centraron en la produccin de posturas, movimientos realistas y emociones en su trabajo.

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Escultura Al igual que las dems artes, refleja el humanismo, ambiente exaltando la bellea del cuerpo humano, utiliando los nuevos conocimientos anatmicos y los canones griegos.

El hombre es el tema principal y el contraposto aparece de nuevo, adems, la escultura se caracteria por su expresividad y la perfeccin de las formas, tanto en el bajo relieve como en la estatuaria.

El bajo relieve constituye la clave en la escultura arquitectnica. Su principal progreso se encuentra en el uso de las leyes de la perspectiva redescubiertas por Loreno Ghiberti.

Si, indudablemente, otros escultores notables merecen mencin como Jacopo de la Quercia, Nanni de Banco y Luca de la Robia. Los innovadores son: Donatelloy Verrocchio aunque, definitivamente, la escultura del Renacimiento es dominada por el genio sin paralelo de Miguel ngel.

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El

término manierismo se aplica la estilo

empleado por algunos escultores de finales del siglo XVI, que trabajaban a la "maniera" de Míguel Ángel, es decir que seguían las tendencias marcadas por él.

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Arquitectura La arquitectura manierista es aquella fase de la arquitectura renacentista que se extiende entre el final de la arquitectura renacentista y el comienzo de la arquitectura barroca.

El término maniera, usado en el siglo XV para indicar el estilo de cada artista, fue empleado por Giorgio Vasari en el siglo posterior para describir uno de los cuatro requisitos de las artes (orden, medida, estilo y maniera), refiriéndose especialmente a las obras de Miguel Ángel, también fue utilizado de manera peyorativa para definir el arte italiano entre el Renacimiento y el Barroco.

El manierismo rechazó el equilibrio y la armonía de la arquitectura clásica, concentrándose en el contraste entre norma y transgresión, naturaleza y artificio, signo y subsigno.

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Si la arquitectura del Renacimiento la fábrica de los edificios a menudo denuncia su propia conformación interna, las obras manieristas generalmente se alejan de esta tendencia, escondiendo su propia estructura de base. Desde el punto de vista decorativo, asume gran importancia el tema grotesco, un tema pictórico en tiempos del imperio romano, redescubierto a finales del siglo XV, durante algunas excavaciones arqueológicas.

El punto de partida de la arquitectura manierista es la Villa Farnesia de Roma, construida por Baldassarre Peruzzi alrededor de 1509. Presenta una planta en U con dos alas que encierran una parte mediana en que, en el puso inferior, se abre un pórtico construido por cinco arcos de medio punto. En una sala del piso superior el propio Peruzzi pintó algunas columnas y paisajes, con el fin de dilatar el paisaje arquitectónico.

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Pintura La pintura Manierista se distingue fundamentalmente por la ausencia de naturalismo en su representación de la realidad; sus efectos visuales algo exagerados que se reflejan en colores llamativos y artificiales, iluminación poco natural, cierto desequilibrio, contraste, desproporción en las figuras, extremidades y rostros algo alargados, cabezas más bien pequeñas y adopción de posturas forzadas o complejas; tratamiento irreal del espacio; predominio de la técnica imitativa; puesta en cuestión del ideal clásico de belleza y equilibrio del Alto Renacimiento; entre otros rasgos.

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Escultura La escultura presenta un contenido dramático, formas mucho más elegantes, rebuscadas y artificiosas.

Lo que caracteriza a todas las esculturas manieristas es el empleo de la línea serpentinata, que consiste en el movimiento giratorio de un cuerpo sobre un imaginario eje interior; el resultado produce un contrabalanceo de la figura y una sensación de inestabilidad y movimiento permanente.

Esto da como resultado que exista una multiplicidad de puntos de vista, no se halla un delante ni un detrás, esto hace que la obra gire como un espiral, las figuras se retuercen y prolongan, dándole un dinamismo a las obras.

Hay una reverencia por los temas mitológicos, los personajes en las esculturas están desnudos y se continua con el arte religioso o alusivo a escenas bíblicas ARTEWEB.COM

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Uno de los rasgos esenciales de este amplio período artístico es que durante su apogeo las artes plásticas lograron una integración total: la arquitectura es monumental, con fachadas pletóricas de mármoles y estucos, caracterizadas por la proyección tridimensional de planos cóncavos y convexos, que sirvieron de marco teatral ideal a las apoteósicas pinturas y a las dramáticas esculturas de mármol blanco que decoraban sus exteriores e interiores, llegando a ser excesiva la decoración.

En síntesis, el Barroco es el estilo de la grandilocuencia y la exageración.

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Arquitectura En la arquitectura barroca, los conceptos de volumen y simetría vigentes en el renacimiento son reemplazados por el dinamismo y la teatralidad. El producto de este nuevo modo de diseñar los espacios es una edificación de proporciones ciclópeas en la que, más que la exactitud de la geometría, prima la superposición de planos y volúmenes, un recurso tendente a lograr diferentes efectos ópticos y contrastes

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cromáticos y lumínicos, tanto en las fachadas como en el diseño de los interiores. Hay que añadir, además, el interés por el movimiento, el papel destacado de la decoración, etc. Las proporciones antropomórficas de las columnas renacentistas se vieron duplicadas, orden gigante, para poder recorrer ininterrumpidamente las nuevas fachadas de doble planta, siguiendo los primeros arquitectos barrocos, como Maderno, el modelo de la fachada de la Iglesia del Gesú de Roma, de Giacomo della Porta.

A partir de 1630, comienzan a proliferar las plantas elípticas y ovaladas de menores dimensiones, lo que pronto se convertiría en uno de los rasgos arquitectónicos típicos del barroco. Son las iglesias de Bernini y Borromini, en las que las formas redondeadas reemplazaron a las anguladas, y los muros parecen curvarse de adentro hacia afuera y viceversa, en sucesión cóncava y convexa, dotando al conjunto de un fuerte dinamismo.

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Pintura Las obras pictóricas barrocas, liberadas de la geometría de los cuadros del renacimiento, se caracterizaron por la composición radial, en la que personajes y objetos parecían salir disparados desde el punto central hacia las diagonales, que se cruzan indefinidamente en planos diferentes, creando la sensación de que los personajes se escaparán del cuadro.

Las formas son voluptuosas y exageradas y las figuras cobran expresividad y, envueltas en mórbidas telas, se abrazan las unas a las otras en actitudes patéticas y dramáticas, a veces, incluso imposibles.

Se busca representar la realidad mediante un acentuado naturalismo, recurriendo para ello incluso a lo feo o viejo.

El color se convierte en el principal protagonista de la pintura, dejando definitivamente al dibujo en un segundo plano. Los contornos se esfuman en rápidas pinceladas.

Hegemonía de la luz en las composiciones, creándose el espacio mediante el extremo contraste del claroscuro, el tenebrismo.

El dominio de la tercera dimensión, del volumen y la profundidad, es absoluto.

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Escultura La estatuaria barroca cumplió un papel muy importante en la decoración arquitectónica tanto interna como externa. A diferencia de las equilibradas y axiales esculturas del renacimiento, parecen posarse vivas sobre la base de piedra, prestas a salir de ella en cualquier momento. Los rostros sufren, se esfuerzan, apretando los labios o abriéndolos para gemir, los músculos se encuentran en tensión y las venas parecen latir bajo la piel, incluso cabellos y barbas, despeinados, plasman un estado de ánimo.

El movimiento se convierte en una auténtica obsesión de los escultores barrocos, captando siempre en plena acción, hacia afuera, mediante composiciones abiertas en las que ropajes y miembros se proyectan violentamente hacia el exterior, en las que desaparece la simetría, en las que predominan las líneas sesgadas y los escorzos, en las que se multiplican los pliegues, los contrastes lumínicos, los puntos de vista, etc.

Por doquier aparecen ángeles y arcángeles, santos y vírgenes, dioses paganos y héroes míticos.

Los materiales que mejor expresaban estos sentimientos eran el mármol blanco y el bronce ARTEWEB.COM

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El arte neoclásico llega motivado por la nueva atracción que despierta el mundo clásico, el interés surgido por la arqueología, las excavaciones de Herculano y Pompeya y el rechazo hacia las formas del barroco

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Arquitectura Neoclasica La arquitectura neoclásica reproduce las formas generadas por los griegos y los romanos, mas no tarda en suprimir toda referencia a las medidas del cuerpo, prefiriendo el nuevo sistema métrico adoptado por los franceses y favoreciendo la monumentalidad.

Tras el Barroco y el Rococó, el neoclasicismo representa una simplificación: las líneas rectas dominan sobre las curvas, existen menos contrastes de volúmenes, menos adornos, dinteles y columnas reemplazan los arcos. Los frontones triangulares sustituyen los circulares y las balaustradas reaparecen sobre los edificios. Vemos en definitiva formas más sencillas y simétricas, hay mayor racionalidad compositiva, sobriedad decorativa y orden, que concuerda a la perfección con los valores de la burguesía y las necesidades del despotismo ilustrado.

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Arquitectura Neogótica

La arquitectura Neogótica emplea sillares de piedra bien labrados.

Sus elementos esenciales son el arco apuntado y la bóveda de crucería, compuesta por arcos que se cruzan diagonalmente, llamados nervios, con una clave central. Este tipo de bóveda concentra los esfuerzos en cuatro puntos determinados en que apoyan los nervios cruzados, lo que permite prescindir de los muros macizos del Románico, sustituidos por amplios ventanales con vidrieras, de mayor luminosidad. Es más ligera al completarse los espacios entre los nervios con plementería, lo que permite elevar el conjunto. Al evolucionar el Gótico se emplean otros tipos de arcos (conopial, carpanel) y de bóvedas más complejas y decorativas (sexpartitas, de terceletes, de abanico, estrelladas, etc) .

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Arquitectura Exótica Es una tendencia en el arte y el diseño, la influencia de algunos grupos étnicos o civilizaciones de finales del siglo 19. Primero estimulado por el comercio del Este en los siglos 16 y 17, el interés por el arte no occidental se hizo más y más popular siguiente colonialismo europeo. El llamado arte "oriental" emanado de un tipo de fantasía primitiva de la sociedad occidental, lo que refleja los gustos cada vez más exóticos de Europa. .

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