Kaleidoscopio "Arte y Creacion" Num. 0 by Revista Kaleidoscopio, Universidad del Claustro de Sor Juana

Kaleidoscopio

LA REVISTA VIRTUAL DE ARTE EN MEXICO

Número 0 - Marzo 2011

Artista Invitado: SAÚL KAMINER El pintor mexicano Saúl Kaminer nos habla sobre la creación y su proceso creativo. Página 7

Tiny Mary Ellen Mark La Galería Patricia Conde presenta la obra de Mary Ellen Mark, reconocida fotógrafa y documentalista estadounidense Página 5

MUERE TOSHIKO TAKAEZU (1922-2011) Página 6

Aproximaciones a la creatividad: Algunos mitos y verdades básicas

Aunque sea muy sabrosa, mi carne no te pertenece

MUSEO SOUMAYA:

SYLVIA NAVARRETE examina la obra de CLAIRE BECKER en su última exposición en el Museo del Arzobispado titulada “Carne”. Página 14

Página 5

Claudia Chibici-Revneanu Página 31

“Un día en mi estudio: Reflexiones”

La Creación que remata al arte : una

LESLIE ZAIDENWEBER

JOLANTA KLYSZCZ

Página 17

Página 29

breve lamentación

LA COLECCION PRIVADA MAS GRANDE DE LATINO AMERICA

ARTE Y CREACIÓN JULIEN CUISSET hace un análisis profundo sobre la relación entre el arte y la creación y su desarrollo a través de la historia. Página 20

¡¡¡CONCURSO DE ARTE!!! “Tu Kaleidoscopio” Página 35

Kaleidoscopio - EDITORIAL

TEMA “ARTE Y CREACIÓN” EDITORIAL ALGUNAS REFLEXIONES KALEIDOSCÓPICAS

Toda mirada, para ser humana, tiene que ser una mirada ad-mirada, que se hurta del anonimato. El origen de la vocación por el saber es el asombro, ruptura del ser y su aburrimiento, revelación de lo posible, palpitación inicial de libertad. No es pues la mirada la que hace que la realidad aparezca, sino la mirada ad-mirada. El prefijo denota intensidad, distancia y proximidad, dirección e intención, sobre todo tiempo; es decir, se trata de la mirada intencionada, la mirada consciente de la dirección hacia la que mira, la mirada que toma distancia y se da tiempo para asombrarse y nombrar su asombro, volviendo a sí misma hecha palabra. Por la palabra cumplimos nuestra vocación, hablamos de las cosas con intención de verdad, despertamos a la mirada de su letargo para que cuide el ser de las cosas, para que lo atienda, para evitar que pase in-advertido. Ese estar alerta, dispuesto al ser de las cosas es una forma de ser que se cultiva como vocación. La mirada-admirada mira alerta para evitar que las cosas caigan en el olvido. La ad-miración es como el amor que permite que el tiempo se origine por la experiencia de la conciencia que se distancia de sí para recuperarse, creando la duración propia, originando el tiempo presente que surge de sí, en la ruptura misma del tiempo. "El estremecimiento –dice Goethe- es la parte mejor de la humanidad. Por mucho que el mundo se haga familiar a sus sentidos, siempre sentirá lo enorme profundamente conmovido." Este estremecimiento de la mirada da nacimiento al presente. En la ruptura del tiempo que la mirada provoca se origina también la libertad porque reconoce lo otro, lo distinto, lo extraño, lo sagrado. El ser humano es el ser de la mirada, y porque es consciente de sí, de su tiempo, de su mortalidad, de su libertad, puede mirar intencionadamente para darle sentido a su ser, a su ser en el mundo, a su ser con los otros, a lo que lo trasciende; y después de la admiración puede generar ideas que lo expliquen y le den sentido. Pero, ¿por qué necesitamos ideas para existir? ¿por qué producimos y renovamos, en un acto eminentemente humano, ideas de nosotros mismos, de los otros, del mundo, del tiempo, de nuestras obras y su sentido, de lo que nos trasciende? ¿por qué preguntamos? ¿Cuáles son los motivos por los que tomamos una decisión y no otra, por los que optamos por una relación y no otra, un autor y no otro, una obra, una persona, un lugar, un tiempo, un color, una forma, una lectura, una cosa, una palabra y no otra? ¿Por qué nos gusta lo que nos gusta? En fin, ¿por qué elegimos una forma de ser, aun sabiendo que ese ser que somos cambia, aun sabiendo que somos tiempo, polvo, nada? Tal vez porque nuestro ser no está hecho de una vez y para siempre, porque somos seres menesterosos que cumplimos lo que somos en vinculación con los demás. Nuestro ser se cumple en el encuentro con el otro, nuestra identidad se afirma en el instante en que el otro nos mira; 2

el diálogo es el vínculo por excelencia ya que gracias a él el sentido se expande y la verdad aparece como posibilidad en el horizonte. Habitamos la libertad con la palabra, no somos indiferentes, no nos da lo mismo, somos seres capaces de valorar, somos seres capaces de darle sentido a la vida, a lo que somos, a lo que hacemos. El ser humano es el ser de la expresión y, debido a esto, el ser del sentido. Somos seres interpretativos. Y la interpretación, cuando nos aventuramos de manera inocente y gratuita, es un acto propiciatorio en el que el yo, el otro, el mundo nos es revelado y podemos vislumbrar mundos diferentes, del todo inciertos. En esa búsqueda comprometemos nuestro ser produciendo el sentido del tiempo de la coincidencia, adivinamos en ese diálogo con nosotros mismos, interlocutor cotidiano y a la vez desconocido, en ese conversar con el otro que somos, las múltiples, acaso inagotables, posibilidades del ser. Lo que nos define es justamente nuestra variabilidad, nuestra diversidad, nuestro ser tiempo, lo que nos define es nuestra libertad, y la libertad se ejerce sólo, como sugiere Nicol, para producir lo evanescente. Tal vez, efectivamente, la prueba existencial de la libertad es la autoconciencia, la libertad es una potencia de ser que aparece en el acto, que se manifiesta en la decisión, que se consuma en la vida, en una forma de vivirla. Tal vez por eso nos importa saber, para valorar y luego decidir bien. Tal vez también por ello buscamos las rimas, las consonancias, las formas, las armonías, los ritmos y los colores que nos explican, las correspondencias que nos dan sentido. Al ser humano se le conoce por lo que hace, por la manera como se conduce y como se vincula, por la forma como permanece en el tiempo, por lo que fabrica, por lo que crea, por lo que inventa, por lo que imagina o sueña, por cómo valora lo que hereda, por cómo cambia, por cómo recuerda, y valora su pasado y su presente, por lo que desea en su futuro, por cómo interioriza su vida. Al ser humano se le conoce por lo que expresa. El ser humano expresa su ser y lo hace de múltiples maneras, y este acto consiste en darse a conocer a través de lo que expresa. Toda expresión es relativa, nos relaciona con los factores de la acción. Hay muchas formas de hablar y muchas cosas de qué hablar. Podemos buscar un sentido vital a nuestra existencia, podemos negarlo o dudar de él. Lo dicho y lo hecho siempre tienen sentido, incluso cuando callamos o cuando no hacemos nada. El silencio tiene también sentido cuando es un silencio humano. Aun en la dimensión del silencio somos seres en diálogo, somos seres expresivos, y la expresión siempre es productora de sentido. El sentido se cumple en el diálogo con los otros, que interpretan lo dicho o lo hecho, el silencio o la inactividad, y al interpretarlo lo completan. La expresión implica una relación de comunicación a la que es inherente una multiplicidad de posibilidades de ser, de acción y, por tanto, de interpretaciones. Nos enfrentamos a una ambigüedad. Como se puede ser de varios modos, ontológicamente hablando, lo que se expresa puede entenderse de varios modos, semánticamente hablando. Fundada de ese modo la ambigüedad, en el lenguaje se presenta como ambigüedad de significaciones.

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Octavio Paz escribió en Los Privilegios de la Vista que “el ser es invisible y estamos condenados a verlo a través de una vestidura tejida de símbolos. El mundo es un racimo de signos, la representación significa la distancia entre la presencia plena y nuestra mirada: es la señal de nuestra temporalidad cambiante y finita, la marca de la muerte. Así mismo es el puente de acceso, ya que no a la presencia pura y llena de sí, a su reflejo; nuestra respuesta a la muerte y al ser, a lo impensable y a lo indecible. Si la representación no es abolición de la distancia- el sentido jamás coincide enteramente con el ser –es la transfiguración de la presencia, su metáfora.” Se trata de descubrir las relaciones secretas entre las cosas, proclamando aquello que tienen de irregular y único, permitiendo que aparezca un objeto insólito. Tal vez ese es el vértice de la intuición que se entiende como sim-pathía, por la cual, como dice Bergson, "nos transportamos al interior de un objeto para coincidir con lo que tiene de único y por consiguiente de inexpresable." El ser humano es un ser privilegiado, es un ser que disfruta del privilegio de los sentidos, es un ser que se conmueve de manera peculiar ante el tiempo, el color, la forma, el volumen, la línea, la textura, la sonoridad y la palabra, puede valorar aquello que ve, que oye, es sensible a esa manera de expresar lo mejor que somos: el arte. Hay muchas formas de expresión, como hay muchas maneras de ser, pero hay algunos seres humanos cuya expresión permite que nos reconozcamos en la intimidad milagrosa de sus obras, hay seres que nos permiten oír no sólo con los ojos sino con el espíritu, hay seres que tienen el “don de volver sensible lo impalpable y visible lo incorpóreo," como lo sugiere Paz. Acaso el arte permite que el ser humano cumpla de la mejor manera su libertad; hace que la realidad aparezca, consuma la apariencia del ser. Pero el tránsito de lo sensible a lo inteligible no se da al interior de la obra sino en un sistema de signos que encuentran su significación en otros sistemas. Los valores artísticos no son autónomos construyen siempre una representación sin la cual la obra no significaría. La obra sobrevive gracias a las interpretaciones de quien mira, de quien escucha, de quien atiende, de quien admira. “Esas interpretaciones -dice Paz- son en realidad resurrecciones, sin ellas no habría obra. La obra traspasa su propia historia sólo para insertarse en otra historia." Esa comprensión no puede ser sino aproximada: un vislumbre. Acaso el artista es algo así como un traductor, aunque la traducción sea una transmutación, una recreación, una tangencia que requiere que el otro mire, escuche, atienda, se conmueva, vibre, se cimbre, reaccione y responda, se admire. Hay muchas clases de acciones humanas, ya lo dijimos, y muchas maneras de interpretarlas, de definirlas, de darles sentido. Algunas se deben a ciertas causas, otras se adoptan para conseguir ciertos propósitos. La cuestión del arte es que no obedece exclusivamente a causas o a propósitos. El carácter variado de lo que denominamos arte es un hecho. El arte no sólo adopta formas diferentes según las épocas, los países o culturas; desempeña también funciones diferentes. Surge de motivos diferentes, satisface diferentes necesidades. © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

Lo primero que podemos decir es que el arte es una actividad humana, no es un producto de la naturaleza; es una actividad consciente, intencionada, no es producto del azar, aunque a veces éste intervenga. La cuestión está en cómo derivar del género próximo, a la diferencia específica; es decir cómo separar el arte de otras actividades humanas, conscientes, de otras expresiones de la cultura. Es difícil encontrar el común denominador entre un volumen, una rima, un giro, un trazo, una armonía. ¿Acaso el arte es esa actividad que produce belleza? pero la belleza es una noción ambigua, que responde a contextos a formas de sentir, de interpretar el agrado o la aprobación. Tal vez lo propio del arte sea representar o reproducir la realidad; pero nos vuelve a pasar lo mismo que con el concepto de belleza, es decir, ¿la representación es mera apariencia? ¿Es imitación? Acaso de lo que se trata con el arte es construir cosas, configurarlas, darle forma a algo. Lo que sucede con esta idea es que es demasiado amplia ya que no sólo el artista dota de forma a la materia. Sería necesario encontrar las cualidades de esa forma para que sea forma artística, con lo que nos complicamos de nuevo. Acaso el rasgo que distingue al arte es la expresión, la intención con que se hace; o tal vez de lo que se trata es de producir una experiencia estética, de identificar el efecto positivo que produce en el receptor. ¿Pero el arte debe siempre producir un efecto positivo? ¿Qué pasa cuando produce un choque, una perplejidad? ¿Cuando la experiencia es abrumadora, desconcertante, escandalosa? ¿Qué pasa cuando la obra impresiona? Bergson afirmaba que el arte aspira a imprimir en nosotros sentimientos, más que a expresarlos. ¿Cómo definir, pues, lo que el arte es? ¿Cómo establecer criterios que sean necesarios y suficientes para su comprensión? ¿Existe una propiedad que sea común a todas las obras de arte? ¿Y esta propiedad es válida en todos los tiempos y culturas, en todas las épocas y manifestaciones? ¿Cuáles son los criterios, las leyes, los cánones, los estándares, las reglas del arte? ¿Nace el arte de una inquietud metafísica? ¿Es un acto íntimo, es una expresión de la vida interior? ¿Cuál es la función del arte? ¿Es crear belleza? ¿Es representación? ¿Es expresión? ¿Es intención? ¿Es construcción? ¿Es experiencia? ¿Es forma? ¿Es impresión? ¿Es emoción? ¿Es perfección? ¿Es el arte imitación, descubrimiento, invención? ¿Es el ejercicio más pleno de nuestra libertad? ¿Es la expresión mejor lograda de la creatividad? ¿Cómo aproximarnos a lo que el arte es? ¿Según la intención? ¿Según el efecto? ¿Según el producto y su relación con la realidad? ¿Según el valor? ¿Según su permanencia en el tiempo? ¿Según el reconocimiento social que se hace de la obra o del artista? Si bien cada una de estas miradas sobre el arte tiene algo de razón, ninguna abarca la totalidad de esa actividad humana, consciente, que se denomina arte; cada una de ellas reduce lo que el arte es. ¿Es posible, es deseable definir lo que el arte es? ¿Es siquiera necesaria una definición del arte? ¿Por qué? Heiddeger afirmaba que la obra de arte es una cosa que cuando menos debe cumplir una de las tres funciones ontológicas, ya sea que 3

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manifieste, articule o reconfigure el estilo de una cultura desde la dimensión de esa cultura. Cuando la obra explica el mundo en un tiempo y en un espacio definidos, cuando articula la esfera de actividad práctica de una comunidad que se expresa por acciones voluntarias referidas al sistema y por tanto coherentes; cuando interactúa, influye, modifica y reconfigura la realidad, propiciando una nueva forma de pertenencia y de permanencia, una proyección de futuro una nueva forma de comprender el ser y el quehacer de una comunidad, entonces, dice Heidegger, nos encontramos frente a una obra de arte. Pareciera entonces que, para que una obra de arte se sostenga debe tener algún tipo de efecto social, cultural, político. George Steiner dice que “somos invitados de la vida. En este pequeño planeta en peligro debemos ser huéspedes … la palabra huésped denota tanto a quien acoge como a quien es acogido. Es un término milagroso. ¡Es ambas cosas! Aprender a ser el invitado de los demás y a dejar la casa a la que uno ha sido invitado un poco más rica, más humana, más justa, más bella de lo que uno la encontró. Creo que es nuestra misión, nuestra tarea… es nuestra vocación, nuestra llamada al viaje con los seres humanos, a ser siempre los peregrinos de lo posible.” Si el arte nace del asombro, de un deseo de insurrección, de una revuelta interna que, superando el narcisismo, aspira a cambiar el mundo comunicando lo que le da origen, logrando que el otro modifique su forma de ser, de pensar, de sentir, entonces el arte cumple el mandato de la hospitalidad: hacer de este mundo un mundo mejor, más habitable, más humano. Como una manera de cumplir su vocación humanística y el compromiso con la difusión y promoción del arte y la cultura, la Universidad del Claustro de Sor Juana y la Fundación Carmen Romano de López – Portillo abren un espacio de reflexión sobre el arte y los artistas; un espacio de encuentro, de diálogo y de interrogación sobre la experiencia artística, sobre las obras, los sitios de difusión y de promoción de las actividades artísticas. Este proyecto nació gracias a la inventiva, al talento y la tenacidad de una joven artista, Tatiana OrtizRubio, quien ha trabajado durante meses en la forma y en el fondo, en el diseño y en los contenidos, inventando imágenes, haciendo entrevistas y rompecabezas, inspirando a un grupo de alumnos que se animaron a apoyar la revista. A todos ellos, a Tatiana, a las alumnas María José Ballesteros, Sofía Llorente, Dafne J. Díaz de la Vega, Andrea Anaya, muchas gracias; así como al equipo del Colegio de Arte y Cultura, encabezado por su directora Soledad Galdames, y a los responsables de sistemas y de la página web de la Universidad. Quiero agradecer muy especialmente a los artistas, críticos y académicos que se sumaron al proyecto: a Saúl Kaminer quien inauguró el espacio del artista invitado, a Sylvia Navarrete, Julien Cuisset, Jolanta Klyszcz, Claudia Chibici – Revneanu y Leslie Zaidenweber sus textos. A los miembros del Consejo Editorial: Alberto Blanco, Andrés Carretero, Carmen Cuenca, Julien Cuisset, Daniel Liebsohn, Oscar Román, Rodrigo Rivero – Lake y Sally Yard, gracias por su apoyo.

Hemos llamado a esta revista Kaleidoscopio, escrito con “K” porque en griego kalós significa bello. El caleidoscopio es una metáfora del arte, reúne muchos de los elementos que lo explican: la belleza, la representación, la forma, la luz, al armonía y la proporción; la expresión, la intención y el sentido; la experiencia y la impresión, el azar, el caos y el tiempo conjugado, la duración y el presente; y sobre todo la necesidad del yo y del otro cuya ad-mirada le da sentido y luminosidad a esta revista. Deseamos, desde este Kaleidoscopio aproximarnos al arte, comprenderlo, tomar distancia, propiciar la mirada admirada, intencionada; deseamos crear caminos distintos, acaso más allá de los conceptos, construir a partir de la fluidez, de la disposición a moldearse sobre las huidizas formas de la intuición, una idea del arte, diálogo luminoso, plural, creativo, azaroso que sucumbe y nace de la seducción de la obscuridad rilkeana: Obscuridad de la que yo desciendo, te amo más que a la llama que al mundo pone límites.

Carmen Beatriz López-Portillo Romano Rectora Universidad del Claustro de Sor Juana

ÍNDICE NOTICIAS Nacionales p. 5 Internacionales p. 6

CRITICA Y REFLEXION Artista Invitado: Saúl Kaminer, México DF, 10.01.2011. p. 7

Aunque sea muy sabrosa, mi carne no te pertenece, Sylvia Navarrete, México DF, 04.02.2011. Pag. 14

Un día en mi estudio, Leslie Zaidenweber, México DF, 14.02.2011. p. 17

Arte y Creación, Julien Cuisset, México DF, 20.03.2011. p. 20

La creación que remata al arte: una breve lamentación, Jolanta Klyszcz, México DF, 25.03.2011. p. 29

Aproximaciones a la creatividad, algunos mitos y verdades básicas, Claudia ChibiciRevneanu, México DF, 25.03.2011. p. 31

COMUNIDAD Concurso de arte “Tu Kaleidoscopio” Pag. 35

BASES DE DATOS p. 36 - 38 MAS, MAS Y MAS ARTE p. 39

Kaleidoscopio - Noticias Nacionales

MUSEO SOUMAYA: LA COLECCION PRIVADA MAS GRANDE DE LATINOAMÉRICA Museo Soumaya será gratuito mano de obra requerida por las empresas constructoras. El siempre La colección privada más extensa no solo del país de México pero de toda Latino America, abre sus puertas con acceso gratuito a todos sus visitantes. Con 6 mil 200 obras expuestas, de las 66 mil que conforman la colección completa, Carlos Slim inaugura su museo honrando la memoria de su querida esposa Soumaya. A partir de abril las siguientes exposiciones serán: -Arte Mesoamericano -Monedas, Medallas y Billetes de los siglos XVI al XX -Artes Aplicadas - Corazón Sagrado (temporal) -México 1810-1910-2010 (temporal) -Dolores del Río, la encantadora de cámaras (auditorio) http://www.soumaya.com.mx

Circuito: Nuestras ciudades, nuestro futuro, Tacubaya, una cultura de tránsito. Federico Gama Del 10 de febrero al 10 de abril Centro Cultural España Tacubaya es el paso obligado para migrantes locales que llegan a la Ciudad de México. A partir del año 2000, se inició una nueva etapa en la construcción de edificios, torres y rutas en la Capital, esto propició la llegada de un gran número de individuos que ocuparon el lugar de la © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

proyecto de Federico Gama documenta las transformaciones de un grupo de migrantes procedente de las comunidades indígenas y rurales, y las formas en que éstos construyen una identidad urbana tomada de las culturas juveniles de la Ciudad de México. www.ccemx.org

Primitive: Apichatpong Weerasethakul

Del 26 de febrero al 5 de junio de 2011 Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) Este es el primer proyecto con el que participa el MUAC en el FICUNAM (Festival Internacional de Cine de la UNAM). Primitive es un proyecto que explora los conceptos de Foto de Carlos Cisneros historia y memoria de un pueblo del Noroeste de Tailandia. Lo integran 8 piezas de videoarte (de las cuales 7 están incluidas en instalaciones), 1 libro y 1 serie de fotografías. www.muac.unam.mx

artistas visuales emergentes. La exposición, hecha por curadores emergentes también, y planteada como una muestra express casi a modo de feria, durará tres días únicamente. La muestra se divide en tres curadurías y tres selecciones distintas de artistas. www.ArtRoomTalent.com Tiny: Mary Ellen Mark Galería Patricia Conde La Galería Patricia Conde presenta la obra de Mary Ellen Mark, reconocida fotógrafa y documentalista estadounidense cuyo trabajo ha sido publicado en revistas como The New Yorker, Rolling Stone y LIFE entre otras. En esta ocasión, la muestra presentará la serie de fotografías Tiny que ilustra la vida de los niños de la calle en la ciudad de Seattle durante la década de los 80.

Art Room Talent: Colectiva

27, 28 y 29 de abril 2011 Centro de Arquitectura y Diseño (CAD) Art Room Talent es un nuevo proyecto de promoción y exhibición para la obra de 5

Kaleidoscopio - Noticias Internacionales Nacionales

N O T I C I A S - I N T E R N A C I O N A L E S

Toshiko Takaezu (1922-2011) Bienal de Singapur Marzo.21.2011 13 de marzo-15 de mayo 2011 La Bienal de Singapur regresa en su tercera edición. Este año el título de la Bienal es Open House. La curaduría de la bienal está dividida en cuatro pabellones expositivos localizados en cuatro importantes espacios artísticos de la ciudad: el Museo de Arte de Singapur y 8Q, el Museo Nacional de Singapur, el antiguo Aeropuerto Kallang, y la Marina de Singapur que será la sede de exposiciones de arte público. Italia sin fondos Marzo.21.2011 Desde el verano pasado han existido una serie de acciones de protesta en contra de los recortes al fondo de cultura en Italia y el nivel tan bajo de mantenimiento de monumentos históricos. La última de estas protestas consistió de una cadena humana (de estudiantes, niños, y ciudadanos retirados entre otros) dándole la vuelta al Coliseo de Roma. Los recortes al fondo de cultura consisten del 40% de su presupuesto, lo cual significa $391 millones de dólares menos para el fondo de cultura en los siguientes tres años.

Dercon el el Tate Modern Marzo.21.2011

William Grimes del periódico New York Times.

Chris Dercon, quien fue director de Haus der Kunst museo de arte en Munich (2003-2010), dice tener muchos cambios en mente que implementará en cuanto tome su lugar como director del Tate Modern en Londres. En una entrevista con Müchner Merkur, Dercon profundiza al explicar cómo los programas para jóvenes y tours guiados han ido incrementando al igual que la participación. Esto, dice Dercon, es algo que no se debe ignorar, si no más bien, los museos deben reorganizarse para poder atender estas nuevas necesidades, “Mucho más que antes, la gente tiene una necesidad de aprender cosas nuevas y de hablar de ellas… Por lo cual, debemos trabajar de otras formas… El movimiento de la

participación es importante. La gente ya espera que el arte no solo esté colgando en las paredes mientras que la ven muy silenciosamente, si no que el museo opere como una universidad abierta, como un centro de educación adulta.”

Takaezu obtuvo su formación académica en la Academia de Arte de Honolulu, en la Universidad de Hawaii, y en la Academia de Arte Cranbrook, en Michigan, EUA. En 1955 decidió visitar su país de origen, y

viajó a Japón en donde estudió Budismo y cerámica tradicional Japonesa. Regresando de su viaje fue maestra por diez años en el Instituto de Arte de Cleveland, y posteriormente enseñó en la Universidad de Princeton por 25 años en donde recibió el título de doctorado honorario. Su obra, que varía desde objetos de porcelana tan pequeños que caben en la palma de la mano a esculturas de dos metros de altura, se encuentra en colecciones como la del Museo Smithsonian de Arte Americano, el Museo de Bellas Artes en Boston, y el Museo de Arte de Los Angeles, California.

Varias veces se le escuchó decir, “Yo no veo la diferencia entre crear vasijas, Muere Toshiko Takaezu (1922-2011) cocinar y cosechar verduras.” Takaezu consideraba su obra cerámica como Marzo.21.2011 proveniente de la naturaleza y con una interconexión entrañable con el resto de La reconocida ceramista JaponesaAmericana murió este pasado 9 de marzo su vida. en Honolulu, Hawaii, según lo reporta © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

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Saúl Kaminer El artista no es indispensable, pero lo que sí es indispensable es que haya creación. — Saúl Kaminer

Saúl Kaminer y su proceso creativo: una entrevista 10.01.2011 Tatiana Ortiz-Rubio Entrevistador: ¿Nos podrías platicar sobre el proceso por el que pasas para producir una obra? Me refiero al proceso interno y externo que te sucede al crear. Saúl Kaminer: El proceso creativo por el que yo paso, se ha ido transformando a lo largo de los años. Me acuerdo que mi primer encuentro con el proceso creativo fue a los 17 años. Tenía yo una especie de sentimientos almacenados. A

los 17 años, uno se quiere comer al mundo y trae uno una masa de sentimientos. Como en la Biblia leemos que al principio todo era un abismo y era un caos. Creo q u e a l principio, yo tenía un abismo y una serie de sentimientos caóticos que necesitaba sacar con una gran fuerza. Me acuerdo que agarré una pluma fuente, y sobre una cartulina empecé a aventar tinta. Por fin, cuando ya sentí que se me había salido algo, vi que había creado un universo, y entonces

le puse una mancha amarilla, y vi que eso era un sol. Por lo tanto, mi primera manifestación de la creación fue hacer un universo. Pero lo hice a partir d e l o s sentimientos, de esta cólera adolescente que uno no sabe muy bien qué es, y que luego a lo largo de la v i d a empiezas a diferenciar y a colocar en el amor, en la misericordia, en la humildad... Estos sentimientos los empiezas a ubicar y te das cuenta que la cólera y el enojo son fuentes del sentimiento

creativo. Pero hay que sublimarlos. En el libro Los Mitos de Creación de Marie Louise von Franz, quien fue colaboradora de Jung, se analizan las diferentes maneras de crear y de ver la creación desde múltiples culturas y, finalmente, cómo esas diversas visiones sobre la creación están relacionadas con las diferentes maneras de crear que se dan en cada artista. De manera que la creación del mundo, según la cultura China o Maya, no sólo son mitos de la creación del mundo si no que, además, nos ejemplifican maneras de crear materialmente las cosas. Por ejemplo, en la Biblia como nunca se menciona el nombre de Dios, se le dan muchas denominaciones. Se habla del 7

Kaleidoscopio - CRITICA Y REFLEXION

"Dios de la Creación" que es nombrado como "Elohim". En el libro del Zohar está escrito: Las letras de Mi (¿quién?) se unen a las de Eléh (esto) -es decir, lo que se toca, lo que se refiere a la materia, a lo inmanenteformando el nombre de Elohim (Eléh + mi). Elohim también es considerado como un aspecto materno del "Dios" de la creación. En resumidas cuentas, podemos interpretar y decir que Elohim (como un principio de creación) es la unión del ¿Qué? y del ¿Quién? , es decir de la materia y de la energía, o de lo inmanente y lo trascendente. Cuando se une lo inmanente con lo trascendente, la materia y la energía, se puede dar la creación. Pues bueno, ese fue mi primer ejemplo de la creación. La creación, después de 40 años de experiencia, tiene muchas fuentes de inspiración. Hubo un tiempo que venía de lo que yo veía en lo exterior, por ejemplo, la fotografía me inspiraba mucho. De ciertas fotografías sacaba imágenes, las trabajaba, y las incluía como elementos casi escenográficos en mis cuadros. Entonces, lo que ya estaba en el mundo, yo lo remitía a mi mundo. He tenido dos maneras de trabajar, una es tratando de absorber lo que está en el mundo exterior, filtrarlo dentro de mí y volverlo a sacar. Y luego la segunda, es un movimiento que es toda la elaboración interior y luego sacarla al mundo. Entrevistador: ¿Crees que la creación es un proceso consciente o, más bien, brota del subconsciente de manera espontánea? Saúl Kaminer: El primer impulso para mí dentro de la creación es totalmente subjetivo y está ligado con el proceso de la vida. De pronto, hay momentos en que se hace uno consciente, cosa que en la creación se hace consciente al hacer... Por ejemplo, tomemos esta pieza de barro (Babel, 2002). No tenía idea que es lo que iba a hacer. Entonces, lo primero que hice fue hacer una placa, pararla, y empezar a crear la forma con base a lo que la forma misma me decía a donde quería ir. ¿Qué quiere decir eso? En realidad, que mi subconsciente está dirigiendo el proceso creativo. Cuando yo he querido hacerlo conscientemente, la mayoría de las veces no me sale. Ahora bien, hay piezas, como esta escultura de metal (El tiempo y la 8

montaña) en donde todo lo que hay detrás de ella es subjetivo, sin embargo sí hay, antes de hacerla, un proceso racionalizado. Es decir, que pasó por un proceso de intuición, sensación, y de pensamiento y raciocinio, pero el concepto vino antes. En el momento de diseñarla, hay un equilibrio o desequilibrio interno que uno tiene en ese momento de creación. Esto es lo que sale en la gestualidad. Yo he tratado de pasar lo menos posible por un proceso mental a la hora de la creación, para mí es plenamente intuitivo. Entrevistador: Habiéndote formado en un ambiente surrealista como en el que estuviste en Paris con Roberto Matta, ¿cómo ha evolucionado tu concepto de la creatividad y el proceso creativo? Saúl Kaminer: En esencia no ha cambiado. Pero lo que ha cambiado es que ahora tengo una creación interna que no tenía cuando comencé a pintar. Yo empecé a pintar y oía del automatismo de los surrealistas, del cadáver exquisito, de

una serie de técnicas que usaban como el fumage de Wolfgang Paalen, el gratage, el frotage. Lo que pasaba con esas técnicas es que empezaban a liberar al artista del trabajo académico Lo que me pasó es que, desde el principio, usaba diversas técnicas y diversos lenguajes. Empecé con la necesidad de hacer todo un abanico en mi lenguaje, con la escultura, el grabado, dibujo, óleos, recortes. Pero no estaba tan conscientemente inspirado por las técnicas del surrealismo, aunque en un principio sí era lo que me interesaba más, también me interesaba Van Gogh y Gauguin por su posición dentro del arte. Tenían una gran pasión por el arte, estaban dispuestos a todo, hasta a cortarse una oreja, aunque qué bueno que yo tengo las dos. Me interesaba también Tamayo, Lam, y Matta, al principio de mi vida fueron mis faros. Cuando empecé a entrar en contacto con la obra de estos artistas, la primera pregunta que me surgió fue: “¿Cómo hicieron esto?” ¿Cómo fue capaz Tamayo de hacer esos colores? ¿Matta de

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tener esos movimientos que parecen nacer del origen del universo? ¿Y Lam dar cuenta de un mundo mítico de esa manera tan poderosa y moderna? En ellos tres se resumía lo que yo estaba buscando en ese momento. Al principio, empieza uno a tratar de encontrar un lenguaje propio. Entonces, yo no era consciente de lo que me estaba realmente aportando el surrealismo. Ahora sí estoy muy consciente de lo que me dio, y en muchos de los procesos que tengo si existe una conexión con eso; pero viene inconscientemente, no me lo propongo, simplemente me sale. Los primeros 10 años fue consolidar ese lenguaje, aprender a pintar mejor el óleo, conocer mi paleta de colores. Que eso es muy importante,

la paleta de uno sí va cambiando, pero siempre hay una esencia que es la misma. Los colores para mí son una © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

puerta a lo sagrado. Eso fue así para los primitivos, para la gente de la Edad Media, en el Renacimiento, y hoy día sigue siendo. El color es algo fundamental. Un artista que hace mezclas de colores que no tienen que ver con su autenticidad, suenan falsos. Pero cuando llegas a hacer algo que sí tiene que ver con tu autenticidad, tiene una energía poderosa que llega a los otros. En realidad, creo, que estamos poco conscientes de las energías que se mueven dentro del arte. Las intuimos, la sabemos, unos las saben más que otros, otros no saben para que sirve el arte que, por supuesto, no sirve para nada, pero por eso lo necesitamos tanto. Porque no es de servir, es una cosa que se da, que vincula energías inimaginables. Entrevistador: ¿Crees que tiene un propósito social el ser un artista, el

dedicarte a crear objetos que llamamos “arte”? ¿Qué valor tiene? Saúl Kaminer: Es una pregunta que se puede contestar en muchas direcciones, en realidad. En mi experiencia, creo que el arte no es el fin, pero el arte y ser artista es una manera de abordar el proceso de individuación del ser humano. Crear arte es una manera de volverse ser humano, en el sentido más amplio de la palabra. Ahora bien, en el proceso creativo, muchas veces las obras más poderosas, siento como si fuesen dictadas. No es uno el que las creó, pero son momentos de gran conexión que tiene el artista con el infinito, el universo, el mundo trascendente, y algunos podrían decir hasta Dios, que hay algo que es dictado y el artista lo logra transmitir. El artista es un médium para poder decir cosas que están ahí y que todos los demás no saben que saben. Por ejemplo, ahorita estamos viviendo momentos de cambio muy fuertes, cambio de siglo, han habido manifestaciones de la naturaleza terribles, que pareciera que estamos llenos de anuncios, de Apocalipsis. Un Apocalipsis en el sentido del mismo testamento, que quiere decir "revelación". Estamos en una época en donde se están revelando 9

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Oiseau Squelete de son Ombre, 2010, acero recortado, 31 x 10 x 42 cm. (derecha) Lutte Avec L’ange, 2010, óleo sobre tela, 64 x 155 cm. (abajo) Violoncello, (fondo)

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muchas cosas. El imaginario que nos mantenía y nos daba forma hasta ahora se ha colapsado, estamos en una nueva era. Y, entonces, esa es tarea de los artistas: ofrecer nuevas formas del imaginario para poder entender la nueva realidad que se ha estado gestando. Esa sí es tarea del artista. Hay que recordar las vanguardias del siglo XX: los Dadaístas, el Cubismo, el Expresionismo, todos estos movimientos vienen de un imaginario que se había colapsado por lo que comenzaron a proponer otras formas de ver la realidad. Creo que estamos en un momento muy parecido. Ahí el artista tiene una función crucial, en el sentido que todo lo que se cruza hay que darle forma. El artista se vuelve una especie de profeta que nos va a decir "Miren, vamos a tratar de ver esto a través de este filtro". Ahí queda claro, como decía el filosofo Bergson, "La realidad es una posibilidad de lo posible". Entonces, el artista no es indispensable, pero lo que sí lo es consiste que haya creación. En un mundo ideal, tendríamos que ser todos artistas, y en un mundo ideal yo creo que todos podríamos de alguna manera serlo. Todo mundo tendría que estar conectado con una parte creativa de él mismo, que puede ir en miles de direcciones. Yo creo que hasta el trabajo de un banquero podría ser más creativo, tomando en cuenta que el dinero es una energía y sería ver cómo hacerla circular para más gente, para todos. Falta que la creatividad, desde el punto de vista estético, se introduzca en todas las áreas de la vida social, hasta en la económica. Entrevistador: ¿Qué cambios has notado dentro de ti como resultado de todos los años que te has dedicado a producir arte? Por ejemplo, ¿qué te llevó cambiar a un estilo más abstracto? Saúl Kaminer: Yo estoy envuelto en este proceso de transformación del que estaba hablando. Yo, en mí, siento una transformación radical. Estoy empezando a ver las cosas de otra manera, estoy en un cambio de etapa, lo que estoy viviendo concuerda con lo que está pasando en el mundo exterior. Y mi obra se está transformando radicalmente, he

pasado de una visión figurativa a una más abstracta. Estoy ahorita trabajando el tema de las sombras. Las sombras, para mí, representan la parte no llevada a cabo del ser. Hace tres años, hubo un cambio muy fuerte en mi vida, y eso llevó a un encuentro conmigo mismo. Cada vez que

mundo, también son una proyección del ser humano. En el libro Los Mitos de Creación, de Von Franz, de pronto se ve que hay alguna sociedad que tiene su mito, su visión de cómo se creó el mundo, pero tienen que ver con cómo esa sociedad creaba.

hay un encuentro consigo mismo necesariamente hay un encuentro con las sombras de uno, con la parte no llevada a cabo, con los pendientes que conforme pasa el tiempo se acumulan. Todos pensamos que la gente, entre más grande es, más sabia, más experiencia tiene, que va resolviendo sus cosas, pero no todas. Muchas veces, la vida te va obligando a tener que resolverlas, hay momentos en que vas pasando de lo que son las ilusiones de lo que tú quieres hacer a lo que realmente vas concretando y lo que vas concretando tiene fuerza también. Pero tiene uno que ir eligiendo sus caminos. Entrevistador: Si ves la creación de la vida y del mundo como “El acto creativo”, como tantas religiones lo ven, ¿cómo crees que eso se relaciona con la creación del arte? Saúl Kaminer: Definitivamente hay una relación. Porque la idea que tienen las religiones de la creación de la vida y del

Entrevistador: ¿Cuáles, si es que las hay, son las influencias que has tenido para dedicarte a la creación? ¿Hay algún artista o persona que te ha inspirado especialmente? Saúl Kaminer: A lo largo del trabajo creativo uno va constituyendo un verdadero museo dentro de la memoria personal. Entonces, estamos habitados por un museo imaginario, hecho de arte de todas las épocas. Y cuando empecé eran Matta, Lam, y Tamayo, pero hoy podría crear una lista innumerable, como Henry Moore, Armando Morales, Lucas Cranach. Por ejemplo, El Greco antes no me gustaba y ahora es un pintor que me ha dado muchísimo. Entrevistador: ¿Qué papel ha jugado México en tu creación artística? ¿Cómo la ha influenciado/moldeado? Saúl Kaminer: La cultura mexicana en toda su complejidad me ha influenciado mucho. En el arte popular mexicano, lo que yo empecé a conocer en los años 70 y 11

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Estudio del artista, México.

80 habían artesanías fantásticas todavía poco conocidas en el ámbito social. También, he sido muy sensible al sentido religioso tan fuerte que existe en México. Me interesa lo que la gente siente. Yo no soy creyente, soy sintiente. Es decir, el fenómeno de lo religioso, me parece que es algo que se siente, que se mide a través de la experiencia. Entrevistador: ¿Crees que sea verdad que para un artista hay mayor creatividad en momentos de sufrimiento? Saúl Kaminer: De por sí para crear tenemos que substraernos del mundo. Por eso, no todo mundo es artista, porque son artistas los que logran ponerse en la disposición de crear sin tomar en cuenta el tiempo. De entrada, hay una renuncia al mundo, y ahí vienen muchos conflictos, muchos que, para lograrlo, pasan por el sufrimiento, pues uno tiene que reencontrar su mundo espiritual y de afecto en la creación. Tiene que vencer muchas oposiciones internas y miedos para poder crear. Antes de poder crear, la gente tiene que atravesar varios obstáculos y ya cuando empiezas a trabajar todavía tardas un rato, hasta que, por fin, empiezas a ligarte con esa parte de ti. No es sencillo, pero ya que estás creando, el acto mismo se vuelve el lugar de todos los acercamientos. Todos los dinamismos que están alrededor de uno empiezan a trabajar, unos a favor otros en contra, de las voces que nos habitan hay una que te guía, otras que se te oponen. Es una lucha. Y si el artista va logrando 12

su proceso de individuación y unificándose en una sola voz que lo induce en la creación, eso es una gran cosa. Pero es con toda una lucha interior. Y hay cuadros que sabes que van a salir, en donde hay gran claridad, pero depende. Me acuerdo, por ejemplo, que tenía que hacer una pieza de metal, y fui a hacer yoga y con los movimientos corporales sentí la sensación de la escultura dentro de mí. Fue como un equilibrio de las energías interiores que me dieron claridad. Pero, todavía, sabemos muy poco de eso, de las energías que nos mueven. Y es interesante poder preguntarnos esto y revelarnos el proceso. Levinás escribió un solo texto sobre crítica de arte que se llama "La Realidad y su Sombra" que traduje del francés, que apareció en la revista Fractal. Dice que el artista saca su parte monstruosa.

Todos sacamos en la creación nuestra parte monstruosa p o r q u e n o s c o n e c t a m o s c o n n u e s t r o subconsciente.

Entrevistador: Tu proceso creativo y tu concepto de la creación parecen estar atados a tu lado espiritual, ¿es así? Saúl Kaminer: Sí, pero es algo que aprendo a través de las obras, aunque sí tengo lecturas que me permiten reflexionar sobre esto. Cuando creo una obra, cada una me revela mundos que yo no conocía, pero que estaban dentro de mí. El arte y la creación claramente nos permiten entrar con lo que no sabemos que sabemos. Entrevistador: Si vemos la creación como el comienzo de algo, ¿cómo ves el concepto del fin, de la muerte? Específicamente, ¿qué piensas en la creación de la obra arte y su destrucción o fin? Saúl Kaminer: El poeta Edmond Jabés dice que "La creación es un combate con la muerte", quiere decir que es una lucha por dar vida. Hay gente que habla de la muerte y, aún cuando no sabe qué es, puede hablar de ella. Hoy día, sabemos muy poco qué cosa es la materia y la energía, y cómo se relacionan entre sí. Cuando ocurre la muerte, la materialización del cuerpo de pronto pierde la vida, pero se queda esa parte material. Los textos místicos de la Kabbalah dicen que eso que llamamos alma, que está compuesta de tres aspectos, se regresa al universo, a la gran alma. No tenemos el conocimiento de lo que es la muerte, pero lo que sí tenemos es la capacidad de hacer preguntas, como Edmond Jabés dice "Nacemos como

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respuesta, y morimos como pregunta". A lo largo de la vida, en realidad, lo que vamos haciendo es formular preguntas, porque ahí esa pregunta está afirmada a una forma, a un color, pero más allá de eso es una pregunta. Podríamos decir que cada obra de creación es una afirmación y una pregunta. Creo que en la vida nos toca vivir muchas muertes y muchos renacimientos. Todas las religiones nos hablan de estos procesos de muerte y resurrección. Y, claro, estamos llenos de miedos cuando se habla de la muerte. El arte, para mí, es una manera de transgredir o ir más allá del miedo a la muerte. En el judaísmo, por ejemplo, la idea de Dios viene de dos maneras, en uno de los rezos más importantes dice "Adonai Eloheinu, Adonai Ehad"; “Adonai” y “Eloheinu” son dos maneras diferentes de decir "Dios", entonces en una frase aparecen dos maneras de expresar a Dios. Una se refiere a lo que "tiene inicio y no tiene fin", o sea, Dios de nuestro lado, y la otra se refiere a lo que "no tiene comienzo y no tiene fin" que sería Dios de su propio lado. Entonces, creo que la creación, en este caso, la que hace el artista, es algo que tiene comienzo y no tiene fin. Aunque la obra se destruya, es una energía que una vez que uno la pone en el mundo, va a abrir cosas. Y a lo mejor la vieron tres personas, pero luego esas tres la van a transmitir a otras y se puede crear una ramificación hacia el infinito. Con todo y que la obra se destruya, creo que no es inútil cada una de las veces que se pone algo en el mundo. En el momento que entra en contacto con el otro, esa obra ya tiene sentido. Y la noción de otredad es © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

fundamental. La creación tiene sentido porque existe el otro; la obra tiene que ver con el mundo trascendente, con lo que tiene comienzo y no tiene fin. A la hora que uno lo muestra y lo mete en el concierto de lo humano es como si eso se conectara o uniera con lo que no tiene principio ni fin.

*Imágenes aportadas por Saúl Kaminer. 13

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Aunque sea muy sabrosa, mi carne no te pertenece Por Sylvia Navarrete Desde los años 1960, el tema del cuerpo en el arte conoció una boga apabullante, hasta que, a la vuelta del siglo, se fue disolviendo en la difusa estética relacional que promueven las tecnologías virtuales en ardua competencia. Algo anacrónica resulta, por ende, la exposición interdisciplinaria “Carne” (noviembrefebrero, Museo del Arzobispado de la SHCP), cuyas miras enciclopédicas se extravían además en una desconcertante falta de discernimiento. La muestra prioriza la pintura, la gráfica y la escultura contemporáneas, a las que confronta de manera inopinada a piezas de otras épocas. ¿Lo nuevo junto a lo añejo? Nada que rebatir. ¿Pero cómo poner a dialogar los desnudos de Manuel Álvarez Bravo y los close-ups pornos de Rogelio Cuéllar? Curiosamente, del desatino surge de pronto cierta sorpresiva gracia. En aras de profundizar las infinitas connotaciones del tema, y dar un giro científico al asunto, se incluyen objetos no artísticos que sin embargo confieren un atractivo insólito al conjunto. Más que un interés documental cobran las antiguas láminas anatómicas pertenecientes a la colección de Francisco Toledo, o los especímenes de teratología (resinas de siameses y otras anomalías) procedentes del taller de morfología de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca, los cuales no desentonan junto a las fotos de fetos en formol de Graciela Iturbide. Otras participaciones sobresalientes: las magníficas tallas en madera homoeróticas con que nos deleitaba en los años 1980 Reynaldo Velázquez, hoy injustamente olvidado; los exquisitos collages de Dr. Lakra; y 14

las alegorías de la mexicanidad abajada de Daniel Lezama. Pero, ¿por qué colgar siete cuadros de Arturo Rivera? Pero basta. Mi intención no es dilatarme en la pertinencia de esta exposición, sino tomarla como pretexto para introducir una de sus invitadas, la escultora francesa Claire Becker (París, 1964), a quien conviene sacar hoy de un anonimato autoimpuesto y demasiado prolongado. Llegar a México desde Nueva York hace trece años permitió a Claire

Lo que queda de Artemisa, 2003, bronce pulido, 30x26x26 cm. *

Becker dar más de una probada a una de nuestras especialidades nacionales: el machismo, la cual por ósmosis fue incorporándose como materia y motivo a su trabajo. Sin embargo, vivir y exponer su obra desde 1997, primero en Xalapa y ahora en el D. F., no la ha asimilado sino sesgadamente al medio cultural mexicano. Mantenerse al margen, por decisión propia, tiene sus bemoles: independientemente del jaleo mediático suscitado por la participación de Teresa Margolles en la Bienal de Venecia de 2009, ¿quién se acordó de que Claire Becker también exponía allí una escultura monumental, seleccionada por el curador Boris Brollo y el comité

artístico de la UNESCO para el proyecto colectivo “La città ideale” en la isla della Certosa? La pieza en bronce pulido presentada en Venecia, titulada El aire que respiramos, es una réplica de la fuente de 4 metros de alto que la autora estaba instalando entonces en un fraccionamiento de la capital veracruzana: una esfera gigantesca, en la que se ensamblan a ritmo concéntrico unos labios moldeados a escala descomunal, que remedan el ánimo risueño y el mohín perplejo, el rictus mustio y la invitación al beso, y muchas muecas más. De ese ramillete de bocas sobredimensionadas salen mangueras de aspersión que rocían el montículo de pasto en forma de pirámide que le sirve de base. Graciosa, contundente, ecológica: la obra es una metáfora de la gama de emociones que asaltan al ser humano, de su sensualidad y de los ciclos de la energía vital. Claire Becker ha recurrido de manera sistemática a fragmentos del cuerpo para armar su tipología simbólica del deseo, en una serie de objetos que van articulando una narrativa paródica del poder. Así, El soltero, un balero color de rosa de 80 cm de alto al que remata una gran pelota con improntas de vulvas depiladas, y que halla su exacta contrapartida en La esposada, que sobre un cojín yace encadenada a un garrote de estrangulación. Otro ejemplo: la hilera de simpáticos cochinitos de resina policroma retozando encima de una frase manuscrita que recalca la ambivalencia del placer y la sumisión (“Aunque sea muy sabrosa, mi carne no te pertenece”, “Aunque seas más fuerte, mi voluntad no te pertenece”, “Aunque dependa de ti, mi felicidad no te pertenece”…). La representación alterna con soltura los atributos zoomorfos y antropomorfos, sugiriendo que la misma semilla de violencia germina en ese anhelo a abusar del prójimo que se sustituye a la responsabilidad de cuidarlo. © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

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Detrás de una fiera ironía que evoca la que otra escultora, Louise Bourgeois, destilaba en sus tremebundas escenografías de la libido, no deja de percibirse aquí una inflexión moralista, por cierto no injustificada tratándose de una fábula sobre la tentación y sus trampas. La seducción, que en todas sus variantes transita del canibalismo sexual a la neurosis consumista, está emparejada con el engaño, conforme a su acepción etimológica. ¿Qué implica ceder a la satisfacción del impulso inmediato? ¿Qué precio ha de pagarse por ello: el agravio físico, la herida emocional, la carencia espiritual? La vida, parece insinuar la artista, no es cuanto hay: se desgasta en las quimeras del deseo, sin que uno sepa ni se preocupe por lo que viene después. En ese subordinarse a las expectativas ajenas ―léase masculinas—, se adquiere el aprendizaje de la carencia. ¿Suena este discurso a guía zen para el manejo de la adversidad? Un poco. Pero también se palpa en la obra de Claire Becker el impacto visceral de la agresividad experimentada en carne propia, no sólo en el tono de las palabras sino en el tratamiento táctil de los materiales. Sus piezas tampoco disimulan una franca aversión a la perversidad, sensación que confiere al conjunto una vehemencia desconcertante. El machismo, observa ella, hace estragos aquí y donde quiera que sea. La diferencia estriba en que si bien en Francia sus manifestaciones resultan veladas e insidiosas, en México su cultivo atávico y ubicuo lo vuelve más fácil de identificar. Quizá pueda deplorarse que cuantimás didáctica la argumentación de Claire Becker en sus esculturas e instalaciones, menos convincente resulta su resolución plástica. Por otra parte, hay una segunda vertiente de su producción que me parece más comprometida con la investigación de los complejos lenguajes tridimensionales, siempre desarrollada por medio de la alegoría. Se trata de piezas que organizan una geografía sexual del cuerpo andrógino, al hibridar los volúmenes respectivos de las anatomías femenina y masculina. Sinuosos contornos orgánicos

que desde cierta perspectiva configuran el pene enhiesto sobre los testículos, y bajo otro ángulo delinean las dadivosas curvas de senos y nalgas, y que en airosa espiral ascendente se disuelven en volutas abstractas… La descomposición de la figura y el lucimiento de sus líneas de fuerza sugieren una interpenetración dinámica de las formas y el espacio. Y si esa “falsa geometría”, como la define ella, logra conciliar la esfera, el triángulo y el cubo en efectos de anamorfosis que traducen la dimensión hermafrodita del erotismo, también delata inclinaciones formalistas que pueden concurrir a veces a un refinamiento un tanto aséptico.

los cuerpos de Rodin y la depuración de la línea a la Brancusi, pero sin que pueda confinársele en una u otra corriente actual de la creación escultórica en el país. De formación académica y carrera cosmopolita, esta artista ha optado por la trayectoria independiente. Una elección que ha estimulado su tendencia al eclecticismo y favorecido, paradójicamente, que se le comisione obras públicas en Europa y en México (donde, nos informa, los costos de material y mano de obra para tales encargos han aumentado hasta en 400% de diez años para acá). Quienes no conozcan el trabajo de Claire Becker ni asistieron a la exposición “Carne”, Lo interesante es que la aptitud a la tendrán que esperar la próxima movilidad plástica manifiesta en la oportunidad de presenciarlo. Ojalá sea escultura de esta ex bailarina convertida pronto. en escultora, condensa la inmediatez de

Fuente de las sonrisas, 2008-2009. Bronce, concreto y piedra. 400 x 110 x 130 cm.*

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Esfinge 2, 2009-2010. Bronce patinado, 90 cm de altura. (fondo)* Flor de piel, 2010. Bronce patinado y bronce pulido, 50 cm de altura. (izq.)*

* Le agradecemos a Claire Becker por las fotografĂas de sus obras. 16

ÂŠ Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

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Entrada I

Febrero 14, 2011

criticándolo, acariciándolo; aquél que cae en éxtasis, o que siente coraje o alegría al ver la

“Un día en mi estudio: Reflexiones”

obra; él también participa. Yo Leslie, pintora, me sumerjo entre colores, texturas, pinceladas, formas, y sentimientos, sin entender siempre hacia dónde voy o qué quiero comunicar. Entro a mi estudio y siento emoción,

~Leslie Zaidenweber !

el olor, el tiradero; mi espacio. Me gusta empezar a pintar temprano por la mañana, y es conforme va pasando el día que mi creatividad toma fuerza. Pareciera que se calentara el cerebro. Cuando pinto no existe el tiempo, pasan las horas, como si mi todo estuviera en otro momento del universo, a otro compás. No existen ruidos ni distracciones, solos estamos mi lienzo y yo …y la música… y es en un abrir y cerrar de ojos cuando la luz me avisa que ya es momento de descansar. Expreso mis sentimientos no sólo por el tema que estoy tratando, sino a través de la técnica que espontáneamente uso: echo mi lienzo al piso y aviento explosiones de colores. Los colores, para mí, son la magia, la fuerza, la delicadeza, los secretos. Porque en la pintura hay secretos, a veces ocultos en las manchas polícromas, y a veces expuestos a la imaginación de cada quién, a las vivencias del pintor y del espectador a la vez. Parte del placer de pintar es el romper las reglas y tratar de hacerlas mejor, pues cuando uno pinta

El arte es la manera excelsa, el procedimiento más

cambia, de pronto, la manera de ver la vida, y

sutil y quizás el más efectivo para dejarles a las

aquellos sucesos momentáneos quedan

generaciones por venir, una explicación, un cuento, una historia de su propio pasado. Es también la manera de comunicarle al futuro la forma, la intensidad y la profundidad del presente, pues las palabras solas no podrían lograrlo. El arte es ligar una generación con otra u otras, es decir, es sentir y hacer que se sienta cómo somos, dónde estamos, hacia dónde creemos ir. El arte no sólo lo produce el artista o el poeta o el escritor o el músico, también lo produce aquél que participa sintiéndolo, descubriéndolo, © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

plasmados. La pincelada para mi es aquella acción que aparenta ser espontánea pero en realidad llega de una forma decisiva de lo más profundo de mi ser. Es libertad, sensibilidad, humor, impacto. Es el poder que quiero dar a la obra, es la prerrogativa que uso para expresarme, todo eso es un reflejo de las experiencias de mi vida. El vivir en México es algo que tiene un gran impacto en mi persona. México es uno de los lugares mas ricos en el mundo para el arte, el 17

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artista y la inspiración. Es una cultura llena de

cuentan historias. Es de aquellos personajes y

colores, de significados tanto individuales como

mundos que creo desde mi imaginación y mis

universales, de rituales, de costumbres, de

vivencias, los que me llevan a crear algo profundo,

naturaleza, de controversias, de historia, de

a descubrir mi profundidad.

transparencia. Es en México en donde vivo, en

donde pienso, en donde temo, en donde río, en

volviendo cada vez más pequeña, me extiendo en

donde soy.

todos los sentidos y me olvido del lugar en donde

estoy, mi espacio se convierte sólo en mi lienzo

Desde que era pequeña me gustaba el

Cuando pinto, el área donde trabajo se va

sentimiento de expresarme por medio de la

Empezar una obra es la parte más difícil del

pintura. Me intrigaba descubrir la cantidad de

proceso, sobre todo porque muchas veces no sé

colores que se podían encontrar en algo que

que historia se va a contar. Es aquella tela en

parecía tener solo uno, y gozaba y sigo gozando

blanco la que veo por largo tiempo y trato de

sentir mis manos llenas de pintura, percibir su

hacerla mi amiga para contar la historia juntas, y

temperatura y sus moléculas que se van secando,

es de repente cuando la cercanía ya platicada

haciéndome consciente de mi piel. Me han dicho que mis cuadros

comienza a tomar su curso. Muchas veces me siento paralizada a

Kaleidoscopio - CRITICA Y REFLEXION

la hora de empezar, pero esta sensación se rompe en el momento en que pongo la primera mancha de color (aunque no niego que sensaciones parecidas ocurren más de una vez durante el proceso).

Una pintura se inicia por el gusto de hacerla, por la magia, por la intuición; pero para mi un cuadro nunca se termina, sólo se detiene su proceso al dejar de trabajarlo. La sensibilidad del pintor debe respetar la libertad de expresión de la obra misma y sólo así podrá reconocer el momento de su maduración. Como la vida, cada pintura toma un tiempo, tiene un tiempo compartido con su creador.

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ARTE Y CREACIÓN Por Julien Cuisset 20.03.2011 ! ! a relación entre Arte y ! Creación ha cambiado profundamente desde que el artista creó su primera obra, hace más de 30,000 años, durante la época paleolítica. Muchos consideran a la Venus de Willendorf, estatuilla andromorfa femenina, figura obesa, de vientre abultado y enormes senos, como la primera creación artística del hombre. Otra de las grandes referencias prehistóricas es la Cueva de Altamira en España, comparada como la “Capilla Sixtina de la Prehistoria”, por sus magnificas pinturas rupestres, representando escenas de la vida cotidiana de quienes las hicieron.

Venus de Willendorf 20

Cueva de Altamira

la segunda se acerca más al oficio del artista, quién necesita trabajar, poner en forma un material que preexiste a su acción de crear. Tener una idea no puede ser suficiente para que nazca su obra. En la Creación humana, Aristóteles nos recuerda que el sujeto es distinto del objeto. La forma es, por otra parte, el producto de su espíritu y de su inteligencia. El artista libera el poder de la creación y lo manifiesta a través de su potencial expresivo. Las definiciones y las percepciones del arte, y de su fuerza creativa, han evolucionado considerablemente a lo

Desde entonces, las definiciones y los niveles artísticos han ido cambiando de acuerdo a múltiples factores heterogéneos, muchos de ellos por la propia genialidad de un artista o por la invención de nuevos medios y técnicas: ¿Hasta dónde podemos considerar que una obra es arte? ¿El arte no objetal implicaría una reconsideración de la definición creativa del artista? ¿Cuáles son los factores que nos han llevado a apreciar y entender, hasta cierto punto, a reconocer las buenas obras, más allá del buen gusto, de la moda y de la tendencia del mercado « La Creación de Adan », de Miguel Ángel, Capilla Sixtina, 1511 largo de los siglos. Las prácticas del momento? artísticas tienen clasificaciones diversas según las culturas, autores y demás instituciones. Los inicios de la Durante mucho tiempo, no existían creación artística diferencias notables entre el artista y el artesano. Fue realmente durante el Para las religiones del Libro, la Renacimiento que el artista empezó a Creación es considerada como un acto emanciparse de las sociedades absoluto: crear a partir de la nada, corporativas para acercarse a las fuera de cualquier asunto referencial. academias. El Arte, tal como lo Las formas tienen que ser entendemos hoy, nace realmente determinadas desde el principio y durante el Siglo de las Luces, gracias a pasar de la nada a lo todo no sería más una nueva reflexión acerca del gusto y que el comienzo. Para la mayoría de de los sentidos, concepción basada en las demás religiones, la Creación la idea de la belleza, teorizada por depende en gran parte de la potencia Emmanuel Kant: el artista, a través de de la Naturaleza, de una Materia que sus obras, se enfoca primordialmente preexiste. Los griegos pensaban que la en nuestros sentidos y nuestras Naturaleza era inmortal, al igual que emociones. los dioses. De las dos interpretaciones, ! © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

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En el Arte Moderno y Contemporáneo, la idea de belleza y de estilo atemporal se desvanece para dar pie a otra visión artística de la creación humana, en una producción nueva que se identifica a su época. Así, el siglo XX representa una plataforma de ideologías y de novedosas prácticas que contestan la existencia de una esencia del arte que se podría encontrar en todas las civilizaciones. Pone en cuestión la idea de una definición universal de la creación artística.

El escándalo y el progreso artístico Desde el origen del arte, ha habido innumerables transformaciones, técnicas (mosaico, imprenta, pintura al óleo, perspectiva, fotografía, Internet…) que han nutrido nuestra manera de enfrentar el mundo, y de representarlo. En la mayoría de los

casos, los cambios importantes han sido aceptados con mucho escepticismo, por no decir con rechazo rotundo. Basta con recordar las reacciones suscitadas por las presentaciones de ciertas obras maestras y las luchas apasionadas — controversias, rechazos del público, criticas, censuras, juicios, encarcelamientos… - que emanaron de los grandes “escándalos” de la historia del arte. Tomemos unos ejemplos: ❖ “La Venus de Urbin”, de Titien (1538): El artista desacraliza a la diosa, representándola con un erotismo puro, de un gran belleza femenina, con fuerte connotación sexual y placentera. Más allá del gesto masturbador, el escándalo de la imagen estriba más en la mirada de la mujer hacia el espectador. ❖ “El juicio final” de Miguel Ángel (1536-1541): La presentación del fresco, en un lugar papal simbólico, causó fuerte indignación por su contenido “impúdico y sensual”.

« La maja desnuda », Francisco de Goya, 1800

« Le déjeuner sur l´herbe », Edouard Manet, 1863 © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

❖ “Inocencio

❖

X” de Diego Velázquez (1650): El artista abandona la idealización de las formas para resaltar toda la fuerza del realismo. Francis Bacon, quien hizo una interpretación libre de la obra en 1953, decía: “Velázquez ha encontrado el equilibrio perfecto entre la imagen ideal que tenía que reproducir y la emoción que inunda el espectador”. “La Maja desnuda”, de Francisco de Goya (1800): El artista refuerza el erotismo de la figura de la “Maja vestida” y sigue ofuscando a la Inquisición. “El almuerzo sobre la hierba”, de Edouard Manet (1863): Los espectadores solían evocar la incapacidad de Manet a crear una perspectiva y a saber dibujar, crítica fácil de los “enfants terribles” (Delacroix, Courbet…) que querían romper con los académicos.

« La Nona Ora », Maurizio Cattelan, 1999

« Fuente », Marcel Duchamp, 1917 21

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Podríamos seguir enumerando tantas obras que, por su creatividad, novedad, genialidad, han marcado grandes avances de la historia del arte: “El origen del mundo” de Gustave Courbet (1866); “Impresión” de Claude Monet (1873); “El grito” de Edvard Munch (1893) ; “Las señoritas de Aviñón” de Pablo Picasso (1907); “Fuente” de Marcel Duchamp (1917); “Cuadrado blanco sobre fondo blanco” de Kazimir Malevitch (1918); “La especialización de la sensibilidad en su estado puro” de Yves Klein (1958)…

“La spécialisation de la sensibilité à l'état de matière première en sensibilité picturale stabilisée”, Yves Klein galería Iris Clert, Paris, 1958.

Rechazadas por la comunidad artística en su momento, dichas obras tuvieron la aceptación merecida años más tarde, y muchas de ellas se volvieron icónicas, y portadoras de nuevas corrientes y tendencias, hasta de nuevos ideales. Lograron en su momento cuestionar hasta la definición propia del arte, y la credibilidad de ciertas prácticas creativas. André Breton solía decir que “cada obra es un temblor del futuro”.

La desacralización de la obra La noción del buen y del mal gusto ya no cobra la misma importancia; la idea de lo bello y de lo feo ya no parece trascendental; la reflexión y la contemplación ya no van necesariamente de la mano. Para 22

muchos, las pinturas de Kandinsky no representaban nada, las obras cubistas de Picasso no eran más que retratos chuecos y las superficies geométricas de Mondrian les parecían aburridas y sin sentido… Muchos cambios, estilísticos y conceptuales, nos han obligado a reconsiderar nuestra manera de “leer” las obras de arte. La metamorfosis ya estaba en marcha, la rica y no más ecléctica y caótica transformación ya estaba operándose. La década de los años sesenta se caracteriza por una inflación frenética de movimientos artísticos: happenings, performance, land art, body art, arte povera, arte conceptual… que promueven alternativas originales al circuito tradicional establecido. Laboratorios vanguardistas, dichas acciones e intervenciones lograron su meta revolucionaria: desacralizar la obra de arte, acercándose a la vida real, hasta llegar a la banalidad del cotidiano ordinario, donde la imagen se vuelve más y más obsesiva. “El arte es lo que convierte la vida en algo más interesante que el arte” decía el artista Robert Fillou. Al igual que Raymond Roussel, Marcel Duchamp, John Cage y otros, Fillou basaba su trabajo artístico en los lenguajes, las palabras, los sonidos y las imágenes con el fin de cuestionar los fundamentos de la creación. Dando un paso más adelante, el uso de ciertas materias (excrementos, sangre humana, animales vivos, uso de fi g u r a s s a g r a d a s … ) extiende los límites del arte y nuestro p r o p i o entendimiento del mismo. Algunas obras —urinario de Duchamp, tiburón en formol de Hirst, sopas Campbell de Warhol…- lograron

propiciar debates muy animados en torno al propio status de la obra y a hacer quedar, de manera irónicamente, sacralizadas sus objetos-mercancías. Pero nada como la religión para generar conflictos: a 400 años de diferencia, el fresco de Miguel Ángel, en 1536, y el meteorito aplastando al papa Juan Pablo II de Maurizio Cattelan de 1999, han enfrentado los estándares dominantes de su tiempo. Para Marcel Duchamp, el arte no era más que “un juego entre todos los hombres de todas las épocas”. Una caja de herramientas para “habitar” y “recargar” un interminable espacio narrativo. La relación objetal ocupa un lugar determinante en nuestra apreciación del arte después de la segunda guerra mundial, marcado por la liberación del pasado: Fluxus, el Pop Art, los ready-made, las acciones del grupo Dadá y tantos otros movimientos desplazaron nuestra relación con los objetos y sus referencias, para pasar de la representación a la presentación del objeto, de las botellas de Morandi a las latas de Warhol. Ese corte radical, simbolizado por el arte conceptual, surgido en los años sesenta, hace que la idea domine al objeto, que lo cerebral supere lo material. Muchos artistas (los precursores Marcel Duchamp y John Cage, pero también

« Monogram », Robert Rauschenberg, 1955-59 © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

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« Letter to my son », Asger Jorn, 1956-57

Robert Rauschenberg y Jasper Johns transformando sus pinturas con objetos cotidianos; Manzoni exhibiendo el planeta entero como obra de arte…); nuevas prácticas efímeras (Land art) e inmateriales (espacios vacíos de Klein); nuevos soportes (fotografías, videos, mails…) constituyeron el pedestal identitario de nuevas expresiones intelectuales.

La era de la postproducción

John Cage 4´33´´for piano (1952)

Marcel Duchamp

Con el tiempo, los límites de la creatividad artística se han extendido de manera gigantesca. La era digital propicia un nuevo espacio de interacción y de conexión entre los seres humanos. En su libro Posproducción, Nicolas Bourriaud nos presenta a la cultura como un escenario donde las artes visuales amplifican y extienden el anticipatorio concepto de ready made elaborado por © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

Marcel Duchamp. Según él, “La cultura global y la avalancha informativa borran cada vez más la consabida brecha entre autor y público. Ya no se trata de crear como tal para fabricar nuevas obras de arte, sino de encontrar el medio de inserción en las innumerables corrientes de producción”. Guy Debord, en Modo de empleo de desvío, escribe en 1956 que “Todos los elementos, tomados de cualquier parte, pueden ser objeto de nuevos abordajes”. Asger Jorn, por ejemplo, figura del grupo CoBrA e artífice de la teoría del desvío, piensa que los edificios y las obras deben de ser considerados como elementos de decoración o instrumentos lúdicos y festivos. Bourriaud afirma que “desde comienzos de los años noventa, un número cada vez mayor de artistas interpretan, reproducen, reexponen o utilizan obras realizadas por otros o productos culturales disponibles”. En este sentido, se pueden reprogramar obras existentes —Pierre Huyghe proyectando un film de Gordon MattaClark, Conical intersect, en los mismos lugares que su rodaje-, hacer uso de imágenes o de películas —24 hours Psycho de Douglas Gordon-, inspirarse de la moda —fotografías de Vanessa

Beecroft, instalaciones de Sylvie Fleury-… Los artistas-consumidores se convierten así en locatarios de la cultura.

Performance, Vanessa Beecroft http://www.vanessabeecroft.com Algunas nuevas formas de la práctica artística corren el riesgo de llevarnos a pensar que todo ya se habría hecho y que la “creación” del artista se tendría que limitar al reciclaje, a la apropiación de la obra del otro, a la conclusión siguiente: “¿Qué se puede hacer con…? y no ¿Qué es lo nuevo que se puede hacer con…? “ (Las cosas y las ideas, Gilles Deleuze). En este sentido, el artista se vuelve programador más que fabricante, un motor de búsqueda dispuesto a sustituir, parcial o totalmente, el mismo proceso creativo. 23

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Ilusión y desilusión estéticas Hoy en día, muchos artistas, buscan escandalizar, provocar, interpelar, pensando que el único hecho de cruzar las fronteras les otorgará una mayor visibilidad y un mejor posicionamiento; lo que en sí puede ser un juego prefabricado y un pretexto explícito de condenación propia. ¿Hasta dónde las copulaciones de Jeff Koons y de su esposa, la estrella porno la Ciccolina puedan crear controversia? ¡Hasta dónde la iniciativa de presentar obras kitsch del mismo Koons y unos mangas de Takashi Murakami en el Palacio de Versalles puedan ser un sacrilegio? ¿Hasta dónde la máquina digestiva de Wim Delvoye, productora de excrementos, envasados para su venta, pueda provocar rechazo y disgusto? ¿Hasta dónde los cuerpos, líquidos corporales y fragmentos humanos procedentes de la morgue de las obras de Teresa Margolles ponen el dedo en la herida y condenan la situación actual de su país? ¿El performance “Rap Scene” de Ana Mendieta no estaba rebasando las fronteras del arte, por apegarse al caso real de una estudiante de la Universidad de Iowa que había sido violada el mismo año? ¿Hasta dónde Damien Hirst, con su obra ”For the Love of God”, cráneo humano cubierto de platino e incrustado de 8601 diamantes de un valor de 50 millones de libras, se convierte en el emperador de la especulación comercial, hasta caer en la obscenidad? … Gilles Deleuze afirmaba que “todos los contenidos son buenos, a condición que construyan una lengua más al interior de su lengua”. El “nuevo” artista deambula por las épocas y estilos en el inmenso depósito, a la manera del demiurgo liberador y tutor, Picasso. Reanudar con el pasado para re interpretarlo, tal parece ser un eje construido por muchos artistas: declinar el mismo tema (Flower Power de Warhol), copiar (Richter con el “Desnudo bajando una escalera” de Duchamp), desviar (Maurrizio Cattelan y El concetto spaziale de Lucio Fontana). Revelar nuevas estructuras aparentemente invisibles no garantiza la fabricación de nuevas identidades y 24

la emergencia de nuevas obras per se. El artista nómada, “glocalizado”, va de información en información, de apropiación en reinterpretación, de micro comunidades al escenario planetario. Su capacidad de reinventar las cosas lo obliga a pasar del otro lado del espejo. En su libro, El complot del arte, Jean Baudrillard afirma que “Todas las utopías de los siglos XIX y XX, al realizarse, expulsaron a la realidad de la realidad y nos dejaron en una hiperrealidad vaciada de sentido, puesto que toda perspectiva final quedó como absorbida, digerida, y no dejó otro residuo que una superficie carente de profundidad”. Agrega: “estamos enfrentando un dilema: o bien la simulación es irreversible y no hay nada más allá de ella, no se trata ni siquiera de un acontecimiento, sino de nuestra banalidad absoluta, de una obscenidad cotidiana… o bien existe, de todos modos, un arte de la simulación, una cualidad irónica que resucita una y otra vez las apariencias del mundo para destruirlas.” Su visión no sería más que el fin de la estética, de la creación. El mundo moderno no sería más que una gran pantalla publicitaria, cuyos mensajes, artificiales y repetidos, no dejarían espacios algunos para la trascendencia artística. Nos limitaríamos al hacer-creer, al hacer-ver, al hacer-valer.

« Cloaca Original », Wim Delvoye, 1999

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« Balloon dog », Jeff Koons, Palacio de Versalles, 2008

« For the love of God », Damien Hirst, 2007 © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

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Los nuevos códigos: una creación sujeta a las influencias del mercado y de su microcosmos La mundialización de los intercambios y de las redes tecnológicas ha modificado considerablemente el mercado del arte. La demultiplicación de las obras, las nuevas plataformas, el peso de las casas de subastas y de los actores estrellas (artistas, dealersgaleristas, curadores, advisors, coleccionistas…) ejercen una nueva influencia y modifican radicalmente la relación entre el campo artístico y el campo comercial. Por ejemplo, el dealer ya no ocupa necesariamente un puesto de intermediación, sino que llega a participar activamente en la producción de las obras. El curador, en un protagonismo extremo, puede llegar a pretender sustituir al propio artista. En su libro Siete días en el mundo del arte, Sarah Thornton desnuda varios universos secretos del mundo del arte contemporáneo. Tomando como postulado las redes de subculturas superpuestas que florecen durante los años ochenta, nos abre las puertas de la recién expansión perversa del mundo del arte, a través de “sus microcosmos con leyes propias, personalidades “de leyenda” y eventos paradigmáticos”. Nos comenta que “surge un nuevo mundo del arte, que va de las subastas a las galerías newyorkinas, de las Bienales a los encendidos debates de la crítica, de las Ferias internacionales a la revalorización de los museos, de los coleccionistas y las grandes muestras. Dicho “cóctel fascinante de talento y glamour, de osadías vanguardias y especuladores financieros, de estrellas fugaces” altera la producción y la creación de los artistas, presionándolos a responder a la demanda creciente e 26

Pamela Anderson y Paris Hilton, Art Basel Miami, 2008

Subasta Sotheby´s Londres, Damien Hirst, 2008

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uniformizada del microcosmos. Un consultor ya es capaz de “crear un mercado” para un artista. También un artista ya puede subastar directamente sus obras sin pasar por intermedios, originando una autentica revolución. En plena crisis económica, Damien Hirst sacó a subasta en Sotheby´s, Londres en 2008, un lote de 218 obras, recaudando casi 200 millones de dólares. La frivolidad y el afán de dinero rebasan los límites y propician una mayor interacción entre los actores del mercado. El control del microcosmos es más importante que el poder que uno podría llegar a tener en el cerrado mundo del arte. Cruzando las Murakami no es más que un médium fronteras, vamos incrementando de esa gigantesca publicidad que nos nuestra “alfabetización visual”, impone su instantaneidad sembrando intereses compartidos y superficialidad. ganando popularidad y status. Parafraseando a Baudrillard Murakami dirige una empresa de 90 nuevamente, “Ya no creemos más en empleados entre Tokyo y Nueva York, el arte, sino sólo en la idea del arte”. haciendo arte y diseñando Llego a avanzar que “lo que se mercadería, y funcionando fetichiza en la mercancía no es el como representante, valor real, sino el estereotipo agente y productor de abstracto del valor. otros siete artistas Condenado a esta j a p o n e s e s . ideología decorativa, el También, realiza arte ya no tiene trabajos por existencia propia. Desde millones de esta perspectiva, dólares para podemos decir que varias industrias, cualquier cosa hará las rompiendo las veces de gadget estético: el barreras entre Takashi Murakami en el arte concluirá en el kitsch comercio y arte. Guggenheim de Bilbao, 2009 universal, una especie de lujo Firmó un contrato con efímero de la especie. la marca Louis Vuitton en 2002, rejuveneciendo la imagen de la casa de moda con diseños multicolores. La fusión entre el arte y Hacia una el consumo de masas lo llevará a alternativa a la presentar diferentes modelos de la sociedad del marca durante su retrospectiva en el museo Guggenheim de Bilbao. Según espectáculo Jeff Poe, dealer de Murakami, “La gente ve a esas obras como estrategia La sociedad de consumo actual se de marca y eso es aburrido; en asemeja a una sociedad del realidad, aplanan las distinciones entre espectáculo, a un modo de producción arte y bienes de lujo, alta cultura y social basado en la publicidad y la cultura popular, Oriente y Occidente”. imagen. El artista puede escoger entre Autodefino como “el Warhol japonés”, contribuir a la proliferación alienada © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

« 99 cent », Andreas Gursky, 2001

de nuevas imágenes, siguiendo el modelo establecido, o confrontarlo potencializando su expresión creativa. La fotografía más cara de la historia es una representación de góndolas de supermercado atiborradas de mercadería a 99 centavos. Irónicamente, una obra mostrando los artículos de menor valor en un comercio se ha convertido en la fotografía más costosa (más de 3 millones de dólares en Sotheby's, Londres en 2007, rompiendo el record del mercado fotográfico, triplicando su precio record). Para Guy Debord, “La alienación del espectador en beneficio del objeto contemplado (que es el resultado de su propia actividad inconsciente) se expresa así: cuanto más contempla menos vive; cuanto más acepta reconocerse en las imágenes dominantes de la necesidad menos comprende su propia existencia y su propio deseo. La exterioridad del espectáculo hace que respecto del hombre activo se manifiesta en que sus propios gestos ya no son suyos, sino de otro que lo representa. Por eso, el espectador no encuentra su lugar en ninguna parte, porque el espectáculo está en todas”. Los actores del mundo del arte, empezando por sus productores, enfrentan una situación crítica dónde la pérdida de valores y la relativa 27

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obediencia al “mainstream” los alejan de su vocación esencial: trascender los límites inherentes a la naturaleza y vigorizar su capacidad a (re)conquistar la dimensión de la creación artística. Romper con los dictados de la moda y los procesos uniformes de legitimación puede cerrar el abismo existente entre el mercado desenfrenado, reflejo de una época globalizada y de muchos intereses oportunistas y especuladores, y un espíritu mesurado, alejado del espectáculo cultural y concentrado en su vocación expresiva e creativa. Baudelaire nos incita y nos invita: “La fatalidad posee una cierta elasticidad que se suele llamar libertad humana”.

-Julien Cuisset

Dirección de videos mencionados: Pag. 21 - “La spécialisation de la sensibilité à l'état de matière première en sensibilité " picturale stabilisée”, Yves Klein, galería Iris Clert, Paris, 1958.

http://vodpod.com/watch/4506452-yves-klein-la-spcialisation-de-lasensibilit-ltat-de-matire-premire-en-sensibilit-picturale-stabilise-139april-12-may-12-1958

Pag. 22 - John Cage, 4´33´´for piano (1952)

http://www.youtube.com/watch?v=pcHnL7aS64Y&feature=related

Pag. 22 - Marcel Duchamp speaks about his work. http://www.youtube.com/watch?v=FiO8xFlid90&feature=related

Julien Cuisset. Director galería Le Laboratoire. www.lelaboratoire.com.mx. Calle Vicente Suarez 69, interior 2. Colonia Condesa, Delegación Cuauhtémoc, México D.F., CP 06140. Tel. (55) 5256 4360

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La creación que remata al arte:

Una breve lamentación Por Jolanta Klyszcz 2.14.2011 Hoy, la capacidad de innovar surgió como la habilidad más apreciada en la industria y en las instituciones. Completa uno de los objetivos de la modernidad ilustrada, que llevó al vertiginoso progreso de la civilización; a la vez, en el siglo XX, resultó en la superación de sus propios fines. Ahora, ya en el siglo XXI, la originalidad de las creaciones sirve no sólo para generar bienestar, sino, también, para comprender su uso como un derecho popular; por lo tanto, el objetivo de la creatividad ya no es de producir una obra de arte que ofrece un placer estético, accesible sólo para un limitado grupo de personas. El arte, en su forma vigente hasta el fin del modernismo, se fincaba en los preconceptos modernos, que a su vez, se originaron en el marco de la metafísica. Y estos siendo, p r e c i s a m e n t e , l o s c o n c e p t o s p r e v i o s , comprenden el orden social como jerárquico que devino de los cielos. Reconocemos este antiguo arreglo a través de toda la civilización humana y, todavía, hoy, persisten sus instituciones. Asimismo, el mito del artista inspirado por las musas aún marca su huella, aunque ya está desvaneciéndose. Concretizaciones de la ambición de crear según el mandato superior y, en fin, divino, que por lo mismo impacte al simple receptor, forjaron la historia humana. De este modo, al lado de los grandes tiranos, recordamos a los grandes artistas. Unos y otros se vieron inspirados y sus actos fueron reconocidos como legítimos, por © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

causa de sus dotes exclusivos. Ambos se mostraban como maestros del tejido social, porque al comprender el origen de los signos dominaban el significado de los lenguajes; fueron iniciados y practicantes de los ritos que dan partida a la cultura. Su conocimiento se conservó secreto, a modo de otros metalenguajes que s u b o r d i n a n l a s m a n i f e s t a c i o n e s d e l a comunicación común (hasta hoy: ¿quién conoce el uso de un script? Los hackers, que aspiran a un poder sobre el uso de la información, más, a menudo lo logran).

Hoy, en los tiempos de la realización de los ideales ilustrados, de la libertad, igualdad y fraternidad, la ética remarca y critíca el narcisismo de los “inspirados”. Junto con los llamados de la revolución francesa se completaron ciertas lecciones de cristianismo. La humildad y respeto, el labor a favor de los demás sin buscar la paga o fama, es lo que nos enseña el camino del Ungido. La fuerza de la razón ilustrada asentada sobre las bases de la fe cristiana, ya completando su misión en el siglo XX, delató al arte, acusándolo de discriminar sociedades enteras frente a los que abrazan el poder; denunció que discrimina a las mayorías privadas de educación y buen gusto, desvalora la cultura popular frente a la elevada. La educación, obligatoria para toda persona desde los inicios del siglo XX, asumió su responsabilidad, aunque difícil al dar la solución a su poder que sigue un patrón de exclusión en su insistente enseñanza de las formas correctas de ser, de actuar, de trabajar y en fin, de hablar y escribir. Pues, aunque es una manera de opresión y violencia, la conservación de tales f o r m a s c o r r e c t a s p e r m i t e n c u l t i v a r l a comunicación masiva, de otro modo llegarían a 29

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aislarse las lenguas y romper el discurso de una nación. Sin embargo, en los tiempos de la globalización, ya en el siglo XXI, surge la pregunta: ¿Son necesarias las naciones para que vivamos en paz? Quizás podemos confiar en la habilidad de auto-organización social, formación de aquellas redes locales de comunicación en el lenguaje propio de cada una comunidad. A lo mejor, ya podemos prescindir de la fuerza que se obtiene cuando la gente se une en grandes imperios, y establece una fuerza pacificadora exclusiva para el gobierno. Nacen, entonces, nuevas perspectivas para desarrollar una sociedad. Se mantienen como diseños. Sin embargo, nos permiten asomar a los aspectos del futuro.

¿Dónde quedó el arte? Mientras la creatividad despojada de su mito empieza a entrar como un tópico en la educación, el arte, desabrigado de su exclusividad, igual, se adjunta al uso popular. De algún modo, todavía la creatividad y el arte andan juntos, aunque su vínculo en las condiciones nuevas está distinto que antes. En su tiempo ya pasado, el arte servía para remarcar las diferencias sociales, reforzando la jerárquica orden social. La belleza, siendo un término polifacético y por fin incomprensible, dejaba su significado a los fines políticos de la interpretación. En aquello, tenemos que remarcar que el arte se construyó como cómplice de la política, al parecer, desde sus inicios. ¿Por qué ocurrió esta vinculación? La respuesta reza, que desde sus obras primitivas, el arte da imagen al mundo invisible, de este modo construye ficciones, que cumplen un rol importante. El mundo invisible se ha 30

desarrollado desde la pregunta sobre la desaparición, sobre la muerte, que es el foco del ritual y de la tal llamada “espiritualidad”. Desde los más primitivos ritos, lo invisible da significado a lo visible. De este modo, se constituye el poder de la lectura y de la interpretación, pues estos llevan a pronunciar el significado de lo que no podemos ver, porque lo mismo se afirma ausente por medio de su imagen. Hoy pregunto a quien encuentro ¿qué es la espiritualidad? No escuché una respuesta que d e f i n e a l g o c o m p r e n s i b l e p a r a l o s contemporáneos. Las definiciones son vagas, pero indican un sentir de culpa por el olvido y la falta de la vida espiritual. La causa es que la muerte dejó de mostrarse en los espíritus y se convirtió en un objeto de investigación científica o en el tema de juego y entretenimiento. Así, la muerte no se entiende como la vía de la trascendencia del espíritu que supera al perecedero cuerpo. Este lo analizamos hoy con medios de las ciencias, en búsqueda de saber sobre la vida; a pesar, que en la mesa de disección, la dichosa rana queda muerta, su muerte sale de foco y se nos olvida, que pone en manifiesto que la muerte vuelve al inconsciente donde siempre debería estar resguardada. Volvemos a la creatividad; hoy está confabulada con el arte sin considerar la mediación del más allá. La pieza (de hecho cualquier pieza) sólo significa, que ofrece una simple constatación acerca del estado de las cosas visibles y útiles. No refiere al invisible futuro, este gran desván azul que nos da el techo, sino extiende los discursos de los significantes y de este modo forja los inteligentes malentendidos. Pues hoy, comprendemos al ser humano como un animal que habla, con ello dando significado a las cosas para usarlas, y ya no es el animal, que por su tan lamentada desgracia, sabe que morirá.

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Aproximaciones a la creatividad: Algunos mitos y verdades básicas Claudia Chibici-Revneanu 25.03.2011

Mitos

Pigmalion y Galatea. Jean Léon Gérôme

Nuestra manera de pensar la creatividad ha sido influida por lo que podríamos llamar "la perspectiva del genio". La creencia de que para ser un verdadero artista es indispensable ser un genio; es decir, nacer como uno de los escasos seres elegidos para ser talentosos por naturaleza. Ahora, a partir de los estudios sobre creatividad (que se alimentan de disciplinas como psicología, estética y estudios literarios, entre otras), quiero demostrar qué tantos elementos © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

alrededor de la perspectiva del genio –y especialmente en lo que respecta al talento innato– son de hecho mitos. En realidad, la creatividad depende de varias habilidades y factores dinámicos que (sin descartar por completo la relevancia de la inclinación nata) pueden ser aprendidos.

práctica que otros. Pero nadie ha encontrado todavía un caso en el que una auténtica pericia a nivel mundial se haya logrado en menos tiempo.

La importancia del trabajo Una de las creencias básicas de la perspectiva del genio es que, aparentemente, los verdaderos creadores no necesitan entrenamiento alguno y su habilidad emerge sola durante su infancia o juventud. Varios autores, como Michael Howe o Malcolm Gladwell, han demostrado lo engañosa puede ser semejante suposición. De hecho, ambos enfatizan el descubrimiento, comprobado en numerosos estudios, de lo que podría llamarse la "regla de las 10 mil horas", la cual se refiere al tiempo que se necesita invertir para adquirir una destreza sobresaliente en cualquier campo. Como observa Gladwell: En estudio tras estudio, de compositores, jugadores de basketball, escritores de ficción... este número aparece una y otra vez. Por supuesto, esto no responde por qué alguna gente saca mayor provecho de sus sesiones de

Jackson Pollock por Hans Namuth

Gladwell demuestra incluso como Mozart, la quintaesencia del genio, necesitó una cantidad de práctica fenomenal que en buena medida adquirió de su padre Leopold, también músico. Muchas de sus composiciones tempranas pueden ser vistas como una forma de práctica, ya que sus obras maestras sólo emergieron tras años de desarrollo artístico. Aparte de proponer otros ejemplos adicionales para esta regla Howe, en su obra Genius Explained, también se refiere a un estudio el que tomaron parte varios individuos de habilidad promedio. Después de un 31

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periodo de entrenamiento intenso en distintos campos obtuvieron tales niveles de excelencia que todos, al finalizar, pensaron que contaban desde el principio con talento y habilidades especiales. Howe subraya que sería absurdo reivindicar a la práctica como el único factor de éxito, pero a la vez la cantidad de práctica formal parece ser el mejor indicador aislado para predecir el grado de destreza y logro.

Procesos conscientes e inconscientes

Sigmund Freud. Andy Warhol

Semejante información que destaca la importancia del trabajo podría hacer que la creatividad parezca algo mecánico y hasta tedioso. Aunque no todos los aspectos de la producción artística sean un asunto cautivador, nada más lejano de la verdad. Hay un amplio consenso tanto entre los artistas como entre los teóricos de que la actividad creativa depende esencialmente 32

de dos formas de pensamiento; aunque algunos investigadores como Robert Weisberg hayan cuestionado la validez de este argumento. Estos procesos mentales han recibido nombres como consciente e inconsciente, primario y secundario e incluso se les ha considerado como el "verdadero artista" y el manager. En cuanto al segundo, el mito del genio con su énfasis sobre la idea de i n s p i r a c i ó n frecuentemente oscurece el hecho de que los creadores también tienen que utilizar la parte consciente de su mente, sus habilidades críticas y organizativas, para revisar, completar su trabajo y buscar cómo hacerlo llegar al mundo. A la vez, para lograr consolidar la actividad creativa es igual de importante saber renunciar al orden y al control. Como destaca Dorothea Brande, escritora y ensayista sobre la escritura, con relación a los novelistas: "El inconsciente debe fluir libremente para traer todos los tesoros de la memoria, todas las emociones, incidentes, escenas, intimaciones de carácter y relaciones que tiene almacenado en sus profundidades". Este uso del inconsciente puede ser una experiencia tan intensa como

misteriosa; pero también puede asustar a mucha gente, quienes tienen que aprender a convocarla y aceptarla para aumentar su creatividad.

Prometeo. José Clemente Orozco.

Motivación interna Otra razón de por qué toda la práctica y el trabajo mencionados anteriormente no deben ser desalentadores es que, de acuerdo con la teórica Teresa Amabile y una buena cantidad de estudios, la creatividad llega a su punto culminante cuando lo que motiva a los artistas no es una recompensa (ya sea financiera o de reconocimiento) sino su motivación interna (por ejemplo, la pasión e interés por lo que hacen). Aunque hay excepciones a la regla, este descubrimiento enfatiza que el trabajo debe ser guiado por un espíritu de dedicación personal. De este modo puede ser una ruta de auto© Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

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descubrimiento o una manera de enriquecer profundamente la vida, y aunque el éxito no sea inmediato o no se dé la motivación interna convierte a la creación artística en su propia recompensa.

Persistencia y seguridad Salvador Dalí por Philippe Halsman

Ya que el rechazo es más bien la regla que la excepción entre quienes aspiran a una carrera en el mundo del arte, la motivación interna puede fortalecer la capacidad para seguir adelante contra viento y marea, así como desarrollar la perseverancia, otra habilidad que ha demostrado ser fundamental para el desarrollo artístico. D. K. Simonton, concluye que: "una inteligencia alta, mas no altísima, combinada con el más alto nivel de persistencia, puede conseguir

mejores resultados que el más alto nivel de inteligencia con una persistencia menor". En relación específica con la escritura la agente literaria estadounidense Betsey Lerner dice que, de acuerdo con su experiencia, la perseverancia entre autores ha sido "el mejor indicador a futuro de éxito". Finalmente, uno de los ingredientes clave de la creatividad parece ser la confianza en uno mismo. Por supuesto todo artista tiene inseguridades, una consecuencia natural de un oficio tan personal y a la vez tan expuesto a los demás. Al mismo tiempo, se considera sumamente útil cuando un artista puede desarrollar una férrea fe en sí mismo, sus ideas y su habilidad para lograr objetivos artísticos. Geoffrey Petty considera que la inseguridad sobre la capacidad creativa puede afectar la calidad de esta última, lo que a menudo encierra a la gente en un ciclo negativo. De acuerdo con Albert Bandura, sobreestimar el potencial propio puede de hecho ser benéfico para la creatividad. En su obra SelfEfficacy lo explica así:

nunca se fracasaría, pero tampoco se buscaría cumplir con aspiraciones más allá del alcance inmediato ni se daría el esfuerzo adicional para superar el desempeño ordinario.

Por lo tanto, a menos que se dé completamente fuera de proporción, los artistas pueden beneficiarse de esta confianza excesiva. Esto a la vez se relaciona con que la auto-estima fortalece casi todos los elementos que se han mencionado, tales como el deseo de crear, la motivación interna, la perseverancia y la confianza en las habilidades intuitivas y críticas.

Aún misteriosa e individual Hemos recorrido un largo trecho desde aquella idea de los creadores como seres talentosos y semidivinos a quienes los "meros

Cuando la gente se equivoca en la evaluación de sí mismos tienden a sobreestimar sus capacidades. Esto, en vez de una falla cognitiva que deba ser erradicada, actúa como algo benéfico. Si las creencias sobre la auto eficacia sólo reflejaran lo que uno puede lograr de manera rutinaria Hesíodo y la Musa. Gustave Moreau

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mortales" nunca pueden soñar con alcanzar. Naturalmente, después de haber presentado estos elementos fundamentales para una relación fructífera y gratificante con la creatividad, también es importante observar que el proceso artístico se mantiene como un asunto recóndito y altamente individual. Finlay y Lumsen concluyen que: "La mente creativa permanece como un territorio ignoto a pesar de los esfuerzos de varias disciplinas". También es evidente, y parte de la riqueza del mundo del arte, que la gente difiere en sus intereses e inclinaciones. De hecho, los estudiosos han llegado a ver en la fascinación de una persona por una actividad artística el elemento innato que los hace adquirir las habilidades creativas necesarias. Por lo tanto y para concluir, lo mejor es seguir los propios intereses y encontrar cualesquiera métodos (y creencias) permitan alcanzar las metas artísticas ideales de cada quién.

Gladwell, M., Outliers. The Story of Success (Londres y Nueva York: Allen Lane, 2008). Howe, M., Genius Explained (Cambridge: Cambridge University Press,1999). Lerner, B., The Forest for the Trees. An Editor’s Advice to Writers (Nueva York: Riverhead Books, 2000). Petty, G., How to Be Better At Creativity (Londres: The Industrial Society, 1997). Simonton, D. K., Origins of Genius: Darwinian Perspectives on Creativity (Oxford: Oxford University Press, 1999). Weisberg, R., Creativity. Beyond the Myth of Genius (Nueva York: W.H. Freeman, 1993). Weisberg, R., Creativity. Genius and Other Myths (Nueva York: W.H. Freeman, 1986). Weisberg, R., Creativity. Understanding Innovation in Problem Solving, Science, Invention and the Arts (Hoboken: John Wiley & Sons, 2006).

- Claudia Chibici-Revneanu

Amabile, T. M y B. A. Hennessey, ‘Conditions of Creativity,’ en R. Sternberg (ed.), The Nature of Creativity. Contemporary Psychological Perspectives (Cambridge: Cambridge University Press, 1988), pp. 11-38. Bandura, A., ‘Self-Efficacy’, en V.S. Ramachaudran (ed.) Encyclopedia of Human Behaviour, Vol. 4, (Nueva York: Academic Press, 1994), pp. 71-81. Brande, D., Becoming a Writer (Nueva York: Penguin Putnam, 1981). Finlay, C.S. and Lumsden, Charles, The Creative Mind (Londres: Academic Press, 1988) 34

Kaleidoscopio - COMUNIDAD

¡¡¡CONCURSO DE ARTE!!!

“Tu Kaleidoscopio”

Nombre Completo

Título de la obra

Núm. de Matrícula

Año de creación

Semestre Cursando

Dimensiones (cm, mins, etc.)

reproducción de obra

Pequeña descripción/justificación

(foto, video, mp3, etc.)

Pronto saldrá la primera edición de la revista virtual de arte “Kaleidoscopio”. Esta revista tendrá una sección para los alumnos de la UCSJ que hayan ganado los primeros 3 lugares del concurso de arte “Tu Kaleidoscopio”. Aceptamos artes plásticas, música, danza, teatro, literatura, poesía, obras sonoras, etc. Envíanos la información aquí enlistada para poder ser considerado en el concurso.

LA REVISTA VIRTUAL DE ARTE ESTE CONCURSO ESTA ABIERTO UNICAMENTE PARA ESTUDIANTES ACTUALES DE LA UNIVERSIDAD DEL CLAUSTRO DE SOR JUANA. SI ERES UN ESTUDIANTE DE LA UCSJ Y QUIERES PARTICIPAR POR FAVOR VISITA NUESTRA PAGINA WEB “WWW.REVISTAKALEIDOSCOPIO.COM Y ENTRA A LA SECCION DE COMUNIDAD > TUKALEIDOSCOPIO, Y SIGUE LAS INSTRUCCIONES PARA ENTRAR AL CONCURSO. SI TIENES CUALQUIER PREGUNTA O DUDA SOBRE EL CONCURSO POR FAVOR CONTACTANOS O A TRAVES DE LA PAGINA DE INTERNET DE LA REVISTA O DIRECTAMENTE A “INFO@REVISTAKALEIDOSCOPIO.COM” © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

KaleidoScopio - DIRECTORIO

D M U S E O S

MUSEO EXPERIMENTAL DEL ECO Sullivan 43 Col. San Rafael 06470 CENTRO DE LA IMAGEN 5535 5186 Plaza de la Ciudadela 2 Centro Histórico info.eleco@gmail.com 91724724 al 29 MUSEO FRANZ MAYER cimagen@correo.conaculta Hidalgo 45 Centro Histórico 06300 LABORATORIO ARTE ALAMEDA 5518.2266 Dr. Mora 7 Centro Histórico hrborrell@franzmayer.org.mx/ 5512-2079 rperez@franzmayer.org.mx arteaameda@correo.inba.gob.mx MUSEO JOSÉ LUIS CUEVAS MUSEO ARCHIVO DE LA FOTOGRAFIA Academia 13 Centro Histórico 06060 Guatemala 34 Centro Histórico 5522 01 56/ 5542 61 98 2616 7057 – 2616 6975 MUSEO MURAL DIEGO RIVERA mafmuseo@gmail.com Balderas y Colón s/n Centro Histórico MUSEO DE ARTE CARRILLO GIL 55215318 Av. Revolución 1608, esquina Altavista, Col. mmdr@correo.inba.gob.mx San Angel, C.P. 01000 MUSEO NACIONAL DE ANTROPOLOGIA 5550 6260/3983 -ext108 Paseo de la Reforma esq. Gandhi s/n Col.Bosque difusionmacg@gmail.com/ de Chapultepec 11580 prensa.macg@gmail.com 5286 2923 MUSEO DE ARTE MODERNO atencion.mna@inah.gob.mx Paseo de la Reforma esq. Gandhi s/n Col. MUSEO NACIONAL DE ARTE Bosque de Chapultepec 11580 Tacuba 8 Centro Histórico 5553-6233 5130 3400 direccion@mam.org.mx / daniel@mam.org.mx MUSEO NACIONAL DE LA ESTAMPA MUSEO DE LA CARICATURA Av. Hidalgo 39 Centro Histórico 06050 Donceles 99 Centro Histórico 55 10 49 05 5702-9256/5704-0459 MUSEO NACIONAL DE SAN CARLOS (INBA) someca@prodigy.net.mx Puente de Alvarado 50 Col.Tabacalera 06030 MUSEO DE LA S.H.C.P ANTIGUO PALACIO 5566-8522 /8085 DEL ARZOBISPADO mnsancarlos@correo.inba.gob.mx Moneda 4 Centro Histórico 06020 MUSEO TAMAYO 5536 88 1710 Paseo de la Reforma esq. Gandhi s/n Col.Bosque rafael_pérez@hacienda.gob.mx de Chapultepec 11580 MUSEO DEL ANTIGUO COLEGIO DE SAN 55 5286 6519 ILDEFONSO MUSEO UNIVERSITARIO DEL CHOPO Justo Sierra 16 Centro Histórico Dr. Enrique González Martínez 10 Col. Sta María La 5702-4221/ 4507/2664 Ribera 06400 5546 3471/ 5535 2186 prensa@servidor.unam.mx / chopo@servidor.unam.mx acsiexpo@servidor.unam.mx MUSEO UNIVERSITARIO DE CIENCIAS Y ARTES MUSEO DEL TEMPLO MAYOR (MUCA) ROMA Seminario 8 Centro Histórico 06060 Tonalá 51 Col.Roma 06700 5511-0925/ 5511-8867 5542-4943/5542-4787 mucaroma@servidor.unam.mx difusion.mntm@inah.gob.mx SALA DE ARTE PUBLICO SIQUEIROS MUSEO DEL PALACIO DE BELLAS ARTES Tres Picos 29 casi esq, Hegel Col Polanco 11560 Eje Central Lázaro Cárdenas y Ángela Peralta s/ 5203 5888 n, Juárez 4 5º piso Centro Histórico 06050 salasiqueiros@yahoo.com 5512-2593/5521-9251 exts: 335 y 336 5510-1388 G A L E R I A S museobellasartes02@hotmail.com ARRONIZ ARTE CONTEMPORÁNEO MUSEO DE LA CIUDAD DE MEXICO Plaza Río de Janeiro 53-PB Col.Roma 06700 Pino Suárez 30 Centro Histórico 5511-7965/ 5511-6723 55420083, 55229936 gustavo@arroniz-arte.com MUSEO DOLORES OLMEDO PATIÑO ALDAMA FINE ARTS Mexico 5843, La Galvia, la Noria, 16030 Palacio de Versalles 100 LB Col. Lomas de 5555 1016 Chapultepec 11930 difusion@mdop.org.mx 5247 8019 MUSEO EX TERESA ARTE ACTUAL info@aldama.com Lic.Primo Verdad 8 Centro Histórico 06060 ALFREDO GINOCCHIO 55222721 Arquímedes 175 Col.Polanco 11570 exteresa_arteactual@yahoo.com.mx/ 5254-8813 bgm.difusion@gmail.com info@ginocchiogaleria.com 36

ARTE TALCUAL Colima 326-A Col. Roma 06700 52(55)5514-9616 andresarred@gmail.com ARVIL Cerrada de Hamburgo 7 Col. Juarez 06600 5207 2900 arvil@arvil.com.mx AURA GALERIAS Explanada 720 Col.Lomas de Chapultepec 11000 5282 4833 AXIS MUNDI Blvd. Manuel Ávila Camacho 37 piso 8 Col. Lomas de Chapultepec 11000 52811246 atamayo@axismundi.com.mx BALANCE Monte Ararat 220 Col.Lomas de Chapultepec 11000 CAJA BLANCA Paseo de los Tamarindos 90 loc.27 PB Complejo Corporativo y Comercial Arcos Bosques 9135 0034 cajablanca@cajablanca.com.mx CHICO ZAPOTE Homero 906 Polanco 5280 8824 ext. 114 CIRCULO AZUL Francisco Sosa 363 Col. Sta Catarina 04100 5554 7665 EDS ESPACIO DE ARTE Atlixco 32 Col. Condesa 06140 5256-2316/ 5515103452 eds.info@gmx.net / eds@edsgaleria.com EL PALOMAR DEL MINOTAURO Dr. Mora 9 Centro Histórico palomar_del_minotauro@hotmail.com EMILIA COHEN Palmas 1320 Col. Lomas de Chapultepec 11000 ESTACION INDIANILLA Dr.Claudio Bernard 111 Col. Doctores 06720 5761-9058/5761-8923 estacionindianilla@gmail.com / info@estacionindianilla.com.mx ETHRA Londres 54 Col. Juarez 06600 5514 2710-55 5403 0079 ethra@galeriaethra.com FIZZ Seneca 61 Col Polanco 11560 2489 5579/81/82 csalexia@gmail.com / javierespinoruiz@gmail.com GALERIA JUAN MARTIN Dickens 33-B Col Polanco 11560 5280-0277 y 5280-8212 malublockm@yahoo.com.mx GALERIA ADN Molière 62 Col. Polanco 11540 5511 5521 adn.vintage@gmail.com © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

Kaleidoscopio - DIRECTORIO

GALERIA ALBERTO MISRACHI Hotel Nikko Campos Elíseos 204 1er piso/ Campos Eliseos 215 local E Col Polanco 11560 5280-1111/ 5281-7456 galeria.alberto@misrachi.com.mx galeria_amisrachi@yahoo.com.mx GALERIA DE ARTE LATINOAMERICANO Amberes 11 Col. Juarez 06600 5514 5030 galat@prodigy.net.mx GALERÍA DE LA CASA DE LA PRIMERA IMPRENTA Lic. Primo Verdad 10 esq. Moneda Centro Histórico 5522-1535 GALERÍA DE LA PLASTICA MEXICANA II Donceles 99 Centro Histórico 5574-5891 GALERIA DIGITAL EPSON Blvd. Manuel Ávila Camacho 389 Col. Irrigación 11500 1323 2057 galeria@epson.com.mx GALERIA ENRIQUE GUERRERO Horacio 1549 Col Polanco 11540. T 5280 2941 info@galeriaenriqueguerrero.com adriana@galeriaenriqueguerrero.com GALERíA ESPACIO NARET Durango 247- piso 5 Col.Roma 06700 5208-3216 espacio@naret.com.mx GALERIA FIFTY24MX Amatlan 105 Col. Condesa 06140 5256 1444 GALERÍA FLORENCIA RIESTRA Colima 166 Col.Roma 06700 5514-2537/5208-8597 florenciariestra@prodigy.net.mx GALERIA FOMENTO CULTURAL BANAMEX Madero 17, 2do. Piso Centro Histórico 12 26 02 47 cfernand@banamex.com GALERíA GARASH Álvaro Obregón 49 Col. Roma 06700 5207-9858 GALERIA JOSE MARIA VELASCO Peralvillo 55 Col. Morelos 06200 5526-9157 GALERIA KIN Paseo del Río 89-5 Col. Chimalistac 04100 5632 4539/ 5661 5556 lucateromario@gmail.com GALERIA LABOR Colima 55 esq. Frontera Col.Roma 06700 52085579 pamela@labor.org.mx/ alejandro@labor.org.mx GALERIA LE LABORATOIRE Vicente Suárez 69 depto 2 Col. Condesa 06140 5256 4360 julien@lelaboratoire.com.mx GALERIA LUIS ADELANTADO Laguna de Términos 260 Col. Anáhuac 11320 5545 6645-31/ 55 54 03 68 45 © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

info@luisadelantadomexico.com GALERIA MACHADO ARTE ESPACIO Sonora 178 Col. Condesa 06140 5211 0667 GALERIA MEDELLIN Medellin 174 Col. Roma 06700 minu@medellin174.com/ zinna@medellin174.com GALERIA METROPOLITANA (UAM) Medellín 28 Col. Roma 06700 5511-2761/5511-0809 GALERIA MEXICANA DE DISEÑO Anatole France 13 Col. Chapultepec Polanco 5280.3709, 5280.7188 GALERÍA NINA MENOCAL Zacatecas 93 Col. Roma 06700 55.64.72.09 galería@ninamenocal.com / graciela_kasep@ninamenocal.com GALERÍA OMR Plaza Río de Janeiro 54 Col. Roma 06700 5533-4224 direccionomr@galeriaomr.com/ miranda@galeriaomr.com GALERIA OSCAR ROMAN Julio Verne 14 Col. Polanco 11560 5280-0436 galeria@galeriaoscarroman.com.mx GALERIA PATRICIA CONDE La Fontaine 73, Col. Polanco, Masaryk 5290-6345/5290-6346

info@patriciacondegaleria.com

GALERÍA PECANINS Durango 186 Col. Roma 06700 5514-0621/5207-5661 galeríapecanins@hotmail.com GALERÍA RULLÁN Insurgentes Centro 132 Col. Tabacalera 06030 GALERIA URBANA Calzada de los Leones 195 Col. Las Aguilas 01710 5593 5998/ 5651 8460 info@galeriaurbana-df.com GAM Gob. Rafael Rebollar 43 Col. San Miguel Chapultepec 11850 5272 5529 info@artegam.com HECARO GALERÍA Antonio Caso 19 Col. Tabacalera 06030 5566 1854 galeriahecaro@gmail.com HILARIO GALGUERA Francisco Pimentel 3 Col. San Rafael 06470 5546 6703 hilariogalguera@galeriahiariogalguera.com HOUSE OF GAGA Durango 204 Col. Roma 06700 5525 1435 hello@houseofgaga.com KBK ARTE CONTEMPORANEO Privada Miguel de Cervantes Saavedra 42 Col. Ampliación Granada 11529 5203 29 65 info@kbkart.com.mx

KURIMANZUTTO Gob. Rafael Rebollar 94 Col. San Miguel Chapultepec 11850 5256 24 08 info@kurimanzutto.com LA MISCELANEA Tabasco 97 B Col. Roma 5584 8985 lamiscelanea.mx@gmail.com LOURDES SOSA GALERIA Ibsen 33-A Col. Polanco 11560 5280-6857/5282-2452 MYTO Gob. Diaz de Bonilla 24-2 Col. San Miguel Chapultepec 11850 52822131 y 52820980 info@mytogallery.com ORIGINAL MULTIPLE Tlacotalpan 33, P 8 Col. Roma Sur 06760 52640372 anaelena@originalmultiple.com ORIGINAL MULTIPLE Tlacotalpan 33, P 8 Col. Roma Sur 06760 52640372 anaelena@originalmultiple.com PROYECTOS MONCLOVA General León 31 Col. San Miguel Chapultepec 11850 5563 7156 info@proyectosmonclova.com SALÓN DE LA PLÁSTICA MEXICANA I Colima 196 Col.Roma 06700 5525-7274/ 5511 4826 TERRENO BALDÍO ARTE Orizaba 87 Col.Roma 06700 24544013 THE GALLERY Av. Pdte Masaryk 360 local 40 Pasaje Polanco Col. Polanco 11560 5282 0092/04455 3447 1187 ximena.carmona.collins@thegallery.mx TOCA GALERIA Colima 174 esq. Orizaba Col. Roma 06700 5525 7614 info@tocagaleria.com TOKIO 29 Tokio 29 Col. Juarez 06600 5525 2951/52 info@tokio29.com/ danielquinterob@gmail.com TRAEGER & PINTO Colima 179 Col. Roma 06700 5525-4500 traeger@traeger-pinto.com pinto@traeger-pinto.com URBAN GALLERY Av. México no. 33-B Col. Hipódromo Condesa 52 56 40 51 oscar@urbangallery.com.mx VERTIGO Colima 23-A Col. Roma 06700 5207 3590 YAUTEPEC Melchor Ocampo 154-A San Rafael 06470 52565533 info@yau.com.mx 37

Kaleidoscopio - DIRECTORIO

C A S A S

D E

C U LT U R A

ASOCIACIÓN MEXICO JAPONESA Fujiyama 144 Col. Las Aguilas 01710 5651 9382 kaikan@prodigy.net.mx ATRIO, ESPACIO CULTURAL Orzaba 127 Col.Roma 06700 10547250 ramaggio@prodigy.net.mx CASA DE LA CULTURA ARGENTINA Temistocles 103 Col.Polanco 11510 5280-4206 CASA DE LA CULTURA JAIME SABINES Ave. Revolución 1747 Col. San Ángel 01000 5550 3134 casajaimesabines@yahoo.com.mx CASA DE LA CULTURA JESUS REYES HEROLES Francisco Sosa 202 Barrio de Santa Catarina 04100 5659 3937/5658 5202 ccreyesheroles@culturaencoyoacan.gob. mx CASA DEL ARTE XOCHIMILCO Morelos 7 Barrio El Rosario 5676 4869 www.xochimilco.df.gob.mx mcorrales@xochimilco.df.gob.mx CASA DEL LAGO JUAN JOSÉ ARREOLA Casa del Lago, Antiguo Bosque de Chapultepec 1a sección Col. Bosque de Chapultepec 11850 5553-6362, 5211-6094 jose.paredes@servidor.unam.mx CASA DEL TIEMPO Pedro Antonio de los Santos 84, Col. San Miguel Chapultepec 118505515-8737 CASA LAMM Álvaro Obregón 99 esq. Orizaba Col.Roma 06700 5514-4899 /5525 elin_luque@yahoo.com.mx marchati@casalamm.com.mx CASA UNIVERSITARIA DEL LIBRO (UNAM) Orizaba 24 esq.Puebla Col.Roma 06700 52 07 93 90 y 52 07 98 71 CASA VECINA Regina esq. Callejón de los Mesones Centro Histórico 5709-1540 chajj@fch.org.mx ekaterina@fch.org.mx vinculación@fch.org.mx CENTRO (DISEÑO-CINE-TV) Sierra Mojada 415 Col.Lomas de Chapultepec 11000 5201-8870 CENTRO CULTURAL BENEMERITO DE LAS AMERICAS Jardín Centenario 16 Villa Coyoacán 04000 5659 2256 CENTRO CULTURAL BORDER Zacatecas 43 Col.Roma 55 22 69 48 43 / 55 33 99 36 43 eugenio@border.com.mx 38

julio@border.com.mx CENTRO CULTURAL DEL MEXICO CONTEMPORANEO Leandro Valle 20 Centro Histórico 5529-15-67/5732-3100 mmontelongo@ccmc.org.mx clorenzana@ccmc.org.mx CENTRO CULTURAL ESPAÑA Guatemala 18 Centro Histórico 5521-1925 CENTRO CULTURAL MEXICO ISRAEL Rep. de El Salvador 41 Centro Histórico 5709-8853 contacto@mexico-israel.org CENTRO CULTURAL SAN ANGEL Revolución s/n esq. Madero Sán Ángel 01000 5616 12 54 CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO – UNAM Insurgentes Sur 3000 5622-7100 CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO TLATELOLCO Ave. Ricardo Flores Magón 1 Col. Nonoalco-Tlatelolco 55 83 09 60 info@museoblaisten.com CENTRO NACIONAL DE LAS ARTES Río Churubusco No.79 esq. calzada de Tlalpan Colonia Country Club 04220 4155 – 0000 ext. 1035 contacto@correo.cnart.mx CLUB FOTOGRAFICO DE MEXICO Londres 75 esq. Insurgentes Col. Juarez 06600 55 25 43 30 info@clubfotomexico.org.mx ESTACION COYOACAN estacioncoyoacan@gmail.com lafactoriaestudio@mac.com FONDO CULTURAL CARMEN A.C Cracovia 54 San Ángel 01000 5550 6185/ 5550 1277 FUNDACIÓN SEBASTIAN Patriotismo 304 Col. San Pedro de Los Pinos 03800 5272 5539 mail@fundacionsebastian.org GARROS Chihuahua 135 local 16 Col.Roma 06700 INSTITUTO FRANCÉS DE AMERICA LATINA (IFAL) Río Nazas 43 Col. Cuahutémoc 06500 5566 0777 recepción_ifal@ifal.org.mx INSTITUTO GOETHE Liverpool 89, Col. Juarez 06600 5207-0487 director@mexiko.goethe.org / exposiciones@mexiko.goethe.org INSTITUTO MEXICANO DE LA JUVENTUD Serpaio Rendón 76 Col. San Rafael 06470 1500 1300 dirgral@imjuventud.gob.mx / cmendoza@imjuventud.gob.mx / pferreira@imjuventud.gob.mx POLYFORUM SIQUEIROS

Insurgentes Sur 710 esq. Filadelfia Col. Nápoles 03810 5536 4520 ext.117,119 y 124 infocultura@polyforumsiqueiros.com.mx / dircomercial@polyforumsiqueiros.com.mx

Kaleidoscopio - RECOMENDACIONES

Aquí podrás encontrar otras fuentes de información recomendables, desde libros, revistas, blogs, y diferentes sitios de internet. La información presentada aquí podrá cambiar según el tema actual de Kaleidoscopio. Libros y revistas: Las Gramáticas de la Creación. George Steiner. Ediciones Siruela. 2005. Texto de la contra-portada: "Steiner nos sumerge en las fuerzas directrices del espíritu humano para reflexionar sobre los diferentes modos que hemos tenido de nombrar el principio, de designar el acto creador, en contrapunto con el cansancio que pesa sobre el espíritu de final del milenio, con su cambiante gramática de discusiones acerca del fin del arte y del pensamiento de la civilización occidental. A través de diversos temas[...], Steiner examina la desesperanza que ha sembrado la duda racional a lo largo del siglo XX”. Mitos de la Creación. Marie-Louise von Franz. Shambhala Publications, 1995 Texto de contra-portada: "En este libro, una analista eminente de Jung examina los temas recurrentes que aparecen en los mitos de la creación alrededor del mundo y demuestra lo que nos enseñan sobre los misterios de la creatividad, los ciclos de renovación el la vida humana, y el nacimiento de la conciencia en la psyche del individuo”.

Los Creadores. Daniel J. Boorstin. Editorial Crítica. 2008. Texto de contra-portada: "Tras haber narrado en Los descubridores la búsqueda del hombre para conocer el mundo, Daniel J. Boorstin completa aquella imagen con la de Los creadores: los héroes de la imaginación que con sus visiones «han engrandecido, embellecido y adornado nuestra experiencia»”. D'Arte: Dossier de los sentidos. Editoral MATRO, S.A. de C.V. Una publicación especializada en arte y estilo de vida. Kaleidoscopio quiere promover aquellas publicaciones y © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

proyectos que promuevan las artes y la cultura en México, tales como la revista D'Arte. www.revistad-arte.com

Sitios en línea: Sobre Lo Nuevo. Boris Groys. 2002. Universitat Oberta de Cataluyna. Texto de resumen: "El presente artículo trata de demostrar cómo es la propia lógica interna de la colección en los museos, la que obliga a los artistas a introducirse en la "realidad, en la vida" y a hacer que el arte parezca como si estuviera vivo. A su vez, se intentará patentizar que "estar vivo" significa, de hecho, ni más ni menos que ser nuevo. El museo como constructor de representación histórica únicamente reconoce lo nuevo como aquello real, presente y vivo, y por ello precisamente sólo dentro de él será posible la innovación por cuanto permite introducir una nueva diferencia entre las cosas”. -Boris Groys http://www.uoc.edu/artnodes/espai/esp/ art/groys1002/groys1002.html Otras Voces del Ver, www.otrasvocesdelver.tumblr.com, Dana Blanco. Aquí encontrarás información sobre el Art Brut. Los artistas pertenecientes a esta clasificación encontraron procesos de creación auténticos gracias a su falta de conocimiento y entrenamiento formal en el arte. "Jean Dubuffet descubrió la magia que reside en los trabajos visionarios de locos, prisioneros, visionarios y niños. Obra poderosa que no llevaba firma al ser falta de una finalidad egoísta y de proyección personal. Construcciones fantásticas. Trabajo que, muchas veces, responde a llamados espirituales y cuestiones de orden divino, no museístico. Arte 100% selftaught, donde el artista no se considera como tal”. -Dana Blanco

eventos culturales, comida vegetariana gourmet, campamento de niños y mucho mas. La visión del Festival es enlazar Yoga, Arte y Sanación para poder vivir una amplia experiencia holística en los niveles espirituales, corporales y creativos. http://www.yogaartfestival.com/ Cobertura de Zona MACO por Kaleidoscopio Esta semana en el Centro Banamex tendremos la octava edición de una de las ferias de arte más importantes en toda Latinoamérica, Zona MACO Arte Contemporáneo. La feria viene este año presentando más de 90 galerías internacionales de arte y diseño con más de 900 artistas de un gran nivel. Así también conjunta a distintas publicaciones de arte que presentan sus proyectos. Kaleidoscopio estará presente en esta feria cubriendo este gran evento para compartirlo con todos nuestros lectores. ¡No se la pueden perder! www.zonamaco.com

Eventos: Yoga Art Festival, México 2011. Iztac Multidiversidad y Mirabai Ceiba. Celebración anual del despertar, explorando el potencial creativo humano. Una semana en las bellas faldas de la montaña sagrada Iztaccihuatl en donde habrá talleres creativos, Yoga, Kirtan (cantos sagrados), práctica de Sadhana, talleres de sanación, meditación, 39

KaleidoScopio - AGRADECIMIENTOS

Agradecimientos Queremos, sinceramente, agradecerle a aquellos enlistados aquí su apoyo y entusiasmo durante el proceso de creación de este proyecto tan amplio. Autores Invitados

Claudia Chibici-Revneanu Julien Cuisset Jolanta Klyszcz Sylvia Navarrete Leslie Zaidenweber

Artista Entrevistado Saúl Kaminer

Difusión Cultural Soledad Galdames Xatziri Peña Rodrigo Viñas

Colaboradores

Felipe Rodriguez - Apoyo Técnico Juan Naves - Apoyo Técnico

EDITOR revista@revistakaleidoscopio.com

Agradecimientos Especiales

Alberto Blanco Julien Cuisset Jose Manuel Fernandez de Castro Omar Jorge Kuri Saúl Kaminer Rafael Tovar y LopezPortillo

Conoce al Equipo Kaleidoscopico: El Equipo Kaleidoscopico consiste mayormente en un grupo de estudiantes de la UCSJ, que sin su esfuerzo y entusiasmo no hubiéramos logrado sacar adelante este gran proyecto. Kaleidoscopio es una revista que, entre muchas otras cosas, dará cuenta sobre noticas de arte, editoriales, calendarios de eventos y exposiciones, foros de discusión y recomendaciones, así como directorios de museos, galerías y casas de cultura. Con la intención de no ser definidos por una sola voz, si no más bien que sea un portal para muchas voces, los autores de la sección editorial serán especialmente invitados dependiendo el tema de la revista en cada ocasión. Por lo cual será una revista formada gracias a las colaboraciones de aquellos individuos amantes de las artes que comparten nuestra visión para la revista.

CONTACTOS:

INFORMACION O COMENTARIOS info@revistakaleidoscopio.com

UNIVERSIDAD DEL CLAUSTRO DE SOR JUANA www.ucsj.edu.mx

Izazaga 92, Centro Histórico, C.P. 06080, México D.F. Teléfonos: 51 30 33 00 Lada nacional sin costo: 01 800 57 02 128 Lada internacional sin costo (Estados Unidos y Canadá): 1 866 357 1671

Consejo de Redacción Carmen Beatriz López-Portillo — Rectora Sandra Lorenzano — Vicerrectora Académica Tatiana Ortiz-Rubio — Editora

Consejo Editorial Sally Yard Alberto Blanco Andrés Carretero Carmen Cuenca Julien Cuisset Rodrigo Rivero-Lake Oscar Roman

Edición y Corrección Maria José Ballesteros – Servicio Social UCSJ Sofia Llorente – Servicio Social UCSJ Dafne J. Díaz de Lavega- Servicio Social UCSJ Andrea Anaya - Servicio Social UCSJ Alan Saint Martin – Corrección de Estilo Vianet Murrieta - Diseño WP y Apoyo Técnico