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Kaleidoscopio La revista virtual de arte en México

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Número 1 - Julio 2011

© Univerisdad del Claustro de Sor Juana, A.C. 2011

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ARTE Y COLECCIONISMO EDITORIAL

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“Yo muero, pero antes he poseído, Y venga lo que venga, he sido bendecido.”

Por: Tatiana Ortiz-­‐Rubio López-­‐Portillo

(“I die,-­-­but Hirst I have possess'd, And come what may, I have been bless'd.”)

Directora General Kaleidoscopio

-­-­ Lord Byron, El Giaour (l. 1,114)

La propiedad ha sido una gran fuerza impulsora en el avance de la sociedad humana. Poseer denota control, y por lo tanto, poder sobre el objeto apropiado. Ese es el objetivo de la posesión: el poder. Como el joven Karl Marx escribió una vez, "los objetos de los instintos [del hombre] existen fuera de él, como objetos independientes, sin embargo, estos objetos son los objetos que necesita -­‐ los objetos esenciales, indispensables para la manifestación y conSirmación de sus fuerzas esenciales." (Karl Marx, Manuscritos económicos y SilosóSicos de 1844) Ya se trate de un objeto precioso, una persona, un pedazo de tierra o de un país, el resultado Sinal es la ganancia o pérdida de poder. Pero la posesión es mucho más soSisticada aún: una vez que adquirimos algo, creemos que se convierte en una parte de nuestra identidad, en una extensión de lo que somos y de lo que representamos. Hay una inversión de uno mismo, no importa que tan abstracta sea la propiedad, en ella siempre se da una experiencia profunda de que la existencia propia adquiere un valor superior gracias a esta nueva extensión que el poder otorga. Incluso la colección de recuerdos, de conocimientos o información, de memorias imaginadas y reclutadas como entes vivos en la psique individual o colectiva ha sido fundamental en la cultura, en la política y en la psicología de los pueblos. La adquisición, posesión y colección como actos en sí mismos tienen connotaciones esenciales que penetran en las respuestas a los cuestionamientos últimos del valor de la existencia. Cuántas veces no encontramos, a través de la historia, gente dedicando sus vidas, su dinero y su energía a la adquisición de bienes para vivir a través de estos objetos o personas (como son los herederos) después de su muerte. La idea de que uno alcanza la inmortalidad a través de un heredero poseedor de un nombre o de un objeto, simplemente porque uno lo tenía en su sala de estar parece trivial y hasta extraño, pero toca las Sibras más sutiles del deseo de transcender. Aquí es donde las increíbles posibilidades de la mente humana entran en juego creando historias intrincadas que se fusionan con el objeto poseído, enriqueciéndolo con signiSicado, profundidad, estatus, y transformándolo en algo que llega a acercarse a la magia profunda de lo trascendente.

Más allá de las características positivas o negativas de la posesión, el acto mismo representa un factor impulsor de la psique humana, la creencia de que el aumento de la propiedad, el control y el poder equivalen a la posibilidad de incrementar el valor del individuo. En este estado mental nos convertimos en coleccionistas. Empezamos como recolectores de juguetes, © Universidad del Claustro de Sor Juana,A.C., 2011

entrenándonos en el parque coleccionando canicas, como Mariana R. Lorenzano menciona en su texto. Luego pasamos a ser colectores de relaciones, luchas y recuerdos como Alfonso Miranda relata en su entrevista sobre la colección de arte privada de Carlos Slim. Más tarde, a medida que avanza nuestro papel como coleccionistas, nos damos cuenta de que muchas de nuestras colecciones no han sobrevivido y no pueden sobrevivir el paso del tiempo: realmente lo que queda es una acumulación de estilos, de gustos, y un sentido más deSinido de nuestra identidad. Este proceso es profundizado por Ilana Boltvinik en su artículo "Conexiones y correlaciones: Colecciones Arte y real", como también es referido por Moisés Rosas en su entrevista sobre la colección privada de Carlos Monsiváis. ¿Qué sucede cuando un individuo o lo que produce se vuelve víctima al convertirse él mismo y su producción en "propiedades" y "colecciones"? El colector se convierte en la colección. ¿Cómo se puede vivir sabiendo que uno es visto como una extensión de la identidad de otra persona? El artista Fernando Llanos explora esta posibilidad en su entrevista con nosotros, y habla de las formas para poder lidiar con esta situación extraña pero común para el artista.

Mantener privada la propiedad de estas colecciones signiSicaría que otros no puedan participar en el proceso de enriquecimiento de los artículos adquiridos, y por lo tanto, los objetos empiezan a perder su signiSicado, ya que sólo la mente humana puede infundir a los objetos valor y estatus. Es entonces cuando algunas personas deciden compartir sus propiedades con la sociedad, haciendo sus colecciones públicas. Alfonso Miranda analiza este proceso y nos hace reSlexionar sobre el valor de dicha acción. Si hay poder en la propiedad, entonces, ¿cuándo alguien comparte su riqueza, esa persona pierde poder? ¿O será ser que aquel propietario gana más poder en el acto de compartir lo que posee en lugar de mantener su colección privada, pues ahora adquiere más valor su nombre y lo que éste representa?

Son precisamente estas preguntas y dilemas que intentamos examinar en esta edición, "Arte y Coleccionismo". Nos embarcamos en una travesía por la psicología humana examinando las formas en que deSinimos y nos deSinimos dependiendo de la cantidad, tamaño, estilo y contenido de las colecciones que creamos a través de nuestras vidas. Ya que el arte es un espejo de los estados psicológicos de la sociedad y del individuo, se convierte en una puerta ideal para ahondar en esta exploración profunda de la creación de la identidad y la cultura.

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ARTISTA INVITADO

FERNANDO LLANOS

La impresionante carrera y producción dentro de más de una industria y en muchos países es lo que posiciona a Fernando Llanos como lo que es, un artista y emprendedor, generador de exitosos proyectos y una figura del arte audiovisual en México.

El equipo editorial de Kaleidoscopio tuvo la oportunidad de reunirse con él para platicar acerca de su obra y carrera así como escuchar su opinión sobre las lógicas y sistemas de coleccionismo, mercado y venta de arte en el país.

Ingresar al lugar de trabajo del artista audiovisual y plástico Fernando Llanos es desde el principio u n a presentación y síntesis de su p ro d u c c i ó n . É l m i s m o l o

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describe como “un departamento que funciona como bodega, se presume como oficina, se jacta de estudio y realmente, es un pequeño palacio."Y justo en este espacio fue en donde Llanos, orgullosamente originario de Ciudad Satélite, nos recibió para platicar de arte, producción, soportes, proyectos, mercado y coleccionismo.

De su obra, lo audiovisual. ¿Por qué elegiste como soporte de creación lo audiovisual? ¿Cuál es el beneficio que ves en este tipo de manifestaciones y qué permite en tu trabajo?

“Al llegar a ese punto donde uno debe decidir qué hacer con su vida, qué va uno a estudiar y a qué le va a echar uno más kilos, opté (por el simple hecho de tener más tiempo dentro de

esa actividad) por dedicarme a las artes plásticas [...] Pero al conocer al video como propuesta artística y sus diferentes autores, dije: "¡Guau!...este es el medio más idóneo, sobre todo para narrar con los recursos que a mí más me interesan: audio e imagen (y el movimiento que se implica en este medio)".

Llanos ha sido premiado en el campo del video, pero su producción también incluye otros campos, sobre todo el dibujo. Ante la pregunta de porqué trabaja el formato del video, responde: “Me funciona, aunque no hago solamente eso, la respuesta es: porque puedo trabajar ahí tanto el audio como la imagen. Tengo una cuestión con la música, estudié en el conservatorio, quería ser músico. Pero también tenía la inquietud de ser artista visual, quería ser 3

Kaleidoscopio - CRITICA Y REFLEXION

pintor de toda la vida. Así que le aposté a eso ya que tenía más oportunidad, y más tiempo trabajando. Y cuando descubrí el video me metí de lleno porque podía trabajar lo sonoro y lo visual.”

De lo audiovisual y el coleccionismo.

Ya que tu obra está enfocada principalmente a la imagen en movimiento y a lo sonoro, ¿Cuál ha sido tu relación y la de tu obra con el fenómeno del coleccionismo en México y en el mundo?

“Soy un artista de video que ha experimentado con muchas maneras de hacer y de entender el video. Muchas de ellas se vinculan con cuestiones tecnológicas, así que entramos en lo que es el arte electrónico, en el cual me parece que el coleccionismo es nulo en este país, y es bastante complicado en otras latitudes también, por obvias razones.

Son piezas hechas para Internet, o con requerimientos t é c n i c o s m u y e s p e c í fi c o s (servidor, sistema operativo,

sincronización etc.)”

El coleccionismo de obras audiovisuales no sólo es complicado por los requerimientos técnicos, sino porque se trata de piezas que tienen lugar en el tiempo y a tr av é s d e un a te c n ología especifica lo que las hace mas difíciles de coleccionar, de exhibir y de aprehender que una obra plástica.

El video requiere de toda la atención del espectador por toda la duración de la obra, ya que un vistazo no es suficiente

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para asimilar la pieza en su totalidad.

La imagen en movimiento detona una experiencia estética diferente, pues no sólo apela al sentido de la vista, sino al del oído también y los conjunta en una suerte de sinestesia. “[El coleccionismo] es fetichismo, querer tener ahí el objeto. No estoy en contra de eso, pero te vas dando cuenta de que hay una distancia de la esencia de la pieza, con lo que realmente la gente está adquiriendo o con lo que realmente la gente puede adquirir. Con toda la historia de los 70, con los performance, ahora te venden la tela con sangre, o el chicle que masticó, el registro, la documentación.

Es muy complicado meter [estas piezas] en colecciones, en museos. Soy un artista de medios y son justamente los videos y la cuestión digital lo que me es más difícil de

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vender, y lo que más vendo son dibujos, y esculturas”.

C o m e rc i a l i z a c i ó n d e l a s obras. ¿Cuáles son las lógicas de mercado que se aplican al arte sonoro y al video arte?¿En qué se diferencian con los mecanismos que rigen el mercado de las artes plásticas?

“Toda la camada de artistas que trabajamos con la tecnología, con plataforma digital, somos gente que está muy acostumbrada a trabajar en freelance para compañías.

Nos prestamos muy fácilmente para trabajos ‘freelanceros’ porque como no vendemos piezas... [hay que buscar otras fuentes de ingresos].

La gente que hace pintura y escultura lo ve como prostitución. Yo no vendo pinturas, pero tengo que pagar la renta y comprar equipo, así

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que aceptar hacer piezas comisionadas no esta mal visto.

Cada quien tiene que usar sus herramientas, pero es muy general, el 99% de los artistas que trabajan con tecnología, con alta tecnología, con aparatos, con video, con este tipo de talento, no tiene ningún problema con hacer este tipo de concesiones. Yo les llamo ejercicios creativos.

Finalmente son trabajos bien bonitos. Imagínate que Absolut te da el presupuesto que ningún museo te va dar y te pide siete cortometrajes. Es una escuela. Porque entonces tú haces lo que tú quieras. Si no, ¿Quién te paga el crew, quién te paga el viaje a Acapulco, quién te paga los modelos, quién te paga el dolly? [...] A mí me parece que es bien padre aprovechar eso, y no verlo como que te estás “prostituyendo”, sino que estás aprendiendo con ciertas flexibilidades.”

(Entrevistador) ¿En tu opinión, el video se sitúa en un punto medio entre “el arte por el arte” y la industria cultural? Como el cine, por ejemplo. “¡Claro! ¿Cuándo has visto que los grandes directores le digan que no a Mercedes Benz? Cuando es una industria las cosas son menos azotadas.”

Curiosamente, el arte es un ámbito que, por lo menos en México, aún es en gran medida dependiente de las políticas gubernamentales y de fondos públicos, por lo que sigue

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existiendo en nuestro país una idea de que el arte y el concepto de “industria” están necesariamente peleados.

“Por otro lado ves personajes como Pipilotti Rist que es muy famosa, que le va muy bien, y ella no solo vende los videos, sino que vende los stills impresos de los videos. Eso es un mercado.

¿Cómo generas un mercado acá de esta línea? La Colección Jumex sí compraría un still de Pipilotti Rist, pero te apuesto que no comprarían uno de Sarah Minter, o de Ximena Cuevas.

Le dije una vez a Iván Abreu que organizáramos una subasta con el Laboratorio Arte Alameda. Si hay tanta

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producción de arte electrónico, pues por lo menos había que hacer una subasta. Una colección empieza con una pieza. Si haces una subasta y se venden algunas piezas, por lo menos ahí hay colecciones potenciales, pero no hemos hecho este tipo de cosas.

Hay otro mercado, hay una industria. Por eso te digo que somos artistas que trabajan con una dinámica menos de taller, más de oficina. Un buen ejemplo es Rafael Lozano Hemmer.

Cuando lo entrevisté para Curare, le preguntaba “cómo le haces con la lana?” [...]

También hace esculturas pequeñas que la gente puede comprar para su casa, además de sus piezas audiovisuales. Ha sido muy inteligente en c o n s e g u i r d i n e ro d e muchas partes. Hay que inventar esas oportunidades, ya que hay mucha oportunidad.”

R e p ro d u c t i b i l i d a d y originalidad.

Con respecto a la posible reproductibilidad de obra y más en estos tiempos ¿Cómo es que se protege la originalidad y el valor comercial de tus obras para el autor y para el coleccionista?

“Hay mucha obra que está en línea, [por lo que] la originalidad se vuelve medular, pero la idea de “el” original es irrelevante.

Sobre todo si

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el coleccionismo como único mecanismo de posicionamiento en el mercado y menos en el circuito público.

El mercado del público ¿Cuál es tu opinión personal sobre el circuito tradicional de coleccionismo en el país?

haces video y quieres vender el original. Es absurdo. La gente quiere tener “uno de la serie”, entonces vendes uno de cinco o uno de diez, a un precio absurdo.”

La naturaleza misma del arte en video o el arte sonoro, permite su reproductibilidad masiva y por lo tanto, en cierto modo, anula el concepto de originalidad. Al adquirir una pieza de video, lo que el coleccionista está adquiriendo realmente es sólo el soporte, el disco que contiene la información, los datos, que conforman la obra de arte. Esta información puede ser grabada una y otra vez en cientos de discos. Más aún si está en Internet, se puede reproducir miles de veces alrededor del mundo.

“Si el colectivo de net-art más importante del mundo, Jodi, no pudo vender una página de Internet, ¿Quién va a poder?

Además es absurdo, ¿quién va comprar una página de Internet que sólo él pueda navegar? La propia naturaleza de la obra no lo permite, [...] si no existe esa interacción no existe la obra.”

En este sentido, el video es una forma de arte que no considera

Llanos se ha ocupado de generar un vínculo entre la producción artística y el público que no tiene acceso a las obras más que durante las

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exposiciones en museos y galerías.

“La Cooperativa de Arte en Video, es la primera recopilación de arte en video mexicano que la gente puede comprar en Gandhi y en los museos, la hice con esa finalidad. Ahí tienes a los mejores artistas de video de e s t e p a í s ( S a r a h M i n t e r, Ximena Cuevas, Héctor Falcón, Mauricio Alejo... entre otros). Si quieres comprar sus videos en la galería cuestan mucho dinero, esta es una manera de sacar un tiraje mayor, en beneficio de la

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comunidad, creas un foro y un canal de distribución”.

Este ejercicio resulta una apuesta interesante por buscar una legitimación del arte ya no por parte de la institución o del mercado sino del público, permitiendo entonces una apertura del mundo del arte.

“Estoy más preocupado por esos coleccionismos, más accesibles. Como sacar 2,000 libros de Cursiagridulce, con 200 dibujos y textos, ahí se entiende diferente el coleccionismo” Este tipo de “piezas editoriales” son una propuesta diferente de coleccionismo ya que no se basa en la escasez de piezas y el afán por poseer algo único, sino en hacer que el arte sea de conocimiento público, que la gente pueda acceder a una pieza artística en su cotidianidad, sin considerarla un objeto inalcanzable, casi sagrado.

“Me ha ido muy bien con proyectos que tienen que ver con generar comunidades en línea, o hacer intervenciones en la calle. Tengo una marcada búsqueda por llegar a la gente.

Hace años hicimos los Videomails, la primera comunidad de video en línea antes que Youtube existiera, con eso armé el primer sitio web de video de un artista latinoamericano. Luego hice Videoman, que justamente busca llegar a la gente en su cancha: las calles. Después Animasivo, el foro de Animación Contemporánea que inventé para el Festival de México, que, desde el nombre, saber que busca llegar a las masas: presentamos animaciones en el Zócalo ante

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56,000 personas, en el Auditorio Nacional, o en el Metrobús.

Creo que en un país con tantos millones de habitantes, es necesario este tipo de soluciones, hay que ser más incluyentes [ya que así] las cosas adquieren su propio lugar, ubicas mejor el panorama [del arte].” ...Y la gestión ¿Cómo manejas y gestionas tu trabajo hacia afuera?

“Soy muy autónomo en comunicación, en gestión, etc.

Imagínate si no me moviera tanto, si esperara a que me invitaran a exhibiciones, me llamarían una o dos veces al año.

Creo que [el trabajo de los curadores] es muy válido pero creo que se necesitan más gestores que curadores, porque hay que generar oportunidades, no nada más aprovecharlas.

Yo propongo y planeo mis exhibiciones, mis talleres. Si tienes con qué venderte y sabes cómo venderte, pues adelante, échale la mano al país, no esperes que el FONCA te resuelva las cosas.

Nunca le he echado la culpa a nadie para no hacer las cosas.

Hay que tener planes a corto, mediano y largo plazo. Porque el objeto artístico no son tacos, no está en la canasta básica, es en muchos casos un producto de lujo, puedo esperar a que me venda alguien más, pero también ayudo a que pasen las cosas buscando mis propias oportunidades.”

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El artista coleccionista ¿Tú coleccionas algo? “ C o l e c c i o n o r i n o c e ro n t e s porque me gusta mucho ese animal. Los colecciono desde los 16 años, están en casa de mis papás. Tengo muchos; de cristal, de oro, de plástico, de cerámica. Me gusta su fuerza, su dirección, su intensidad, su perseverancia, es un icono que me representa.

Cuando quería ser pintor, en La Esmeralda mis compañeros me decían Rino, porque sólo hacía rinocerontes en acuarela, en acrílico, en grabado, puros rinocerontes. El primer video que hice, es en el zoológico de Morelia agarrándole el cuerno a un rinoceronte, el tercero es mi colección de rinocerontes grabada. Ahora están presentes en mi blog, Rinostalgias, que está jalando muy bien tenemos mas de 80, 000 visitas y ya estamos planeando su publicación impresa.”

Contacto: w w w . fl l a n o s . c o m www.rinostalgias.wordpress.com (1) Y... porqué video?, Fernando Llanos, Condesa, México D.F.,1999 http://www.fllanos.com/txt

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Arte actual y colecciones.

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Considero que la única forma de inteligencia posible es la duda. Dudas, contradicciones y revelaciones: eso es mi colección.

Por: Ilana Boltvinik

que todos, de una manera u otra coleccionamos, sobre todo si pensamos que una de las estrategias para generar nuestra identidad es coleccionando recuerdos. A diferencia de la mera acumulación, pareciera que el coleccionismo es una condición humana necesaria para asir, comprender y darle sentido al mundo.

Según los criterios de Susan M. Pearce (1), existen tres tipos de colecciones, las que se constituyen de recuerdos, las elaboradas a partir de objetos fetiches o las colecciones entendidas como sistemas. Para fines de este artículo me referiré solamente a la primera y a la tercera. Las primeras hacen referencia directa al dueño, y en general tienen una atadura especial a su historia, están llenas de cuentos y narrativas que nos permiten acceder a ciertas memorias, pero no revivirlas. En muy pocas ocasiones son lo suficientemente interesantes

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For it is invariably oneself that one collects. - Jean Baudrillard

Conexiones y correlaciones:

Me resulta inevitable imaginar

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como para sostenerse sin ese vínculo con su creador, aunque en momentos estas colecciones de recuerdos han servido como estrategias curatoriales. Tal es el ejemplo del Museo y Galería de Arte de Walsall (2) en Inglaterra, que en 1990 montó una exhibición titulada “The Peoples Show” donde reclutaron a través de una convocatoria, distintas colecciones de los habitantes de Walsall. Otro ejemplo es el Museo Peatonal de María Alós y Nicolás Dumit Estévez, proyecto itinerante en donde los artistas acopian una serie de objetos en el espacio público donados por los transeúntes que cruzan el camino, conformando así una colección de objetos cotidianos, la memoria de un sitio transitado.

Este proyecto se presentó, entre otros lugares, en el marco de una exposición que preparó el Museo Universitario de Ciencias y Artes de la UNAM, precisamente para reflexionar de manera crítica sobre el coleccionismo ( 3).

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- Amalia Iglesias Serna Por otro lado las colecciones sistemáticas dependen de principios de organización, que parten de la operación de observación y razón.

“Systematic collecting, therefore, works not by the accumulation of samples, as fetishistic collecting does, but by the selection of examples, intended to stand for all the others of their kind and to complete a set”(4). Mientras los dos primeros modelos son más estáticos y congelados, el tercero funciona como una representación abstraída, aunque Pearce deja claro en su ensayo que estas tres aproximaciones del coleccionista no son excluyentes: “many individual collectors and collections show elements of more than one mode, either at the same time or reflecting successive phases of activity”(5).

El origen Latín de la palabra, colligere, nos remite a juntar y recolectar, que indica una dinámica de seleccionar. “It is the idea of series or class which creates the notion of the collection”(6), y en ese sentido 8

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queda claro que es necesario tener un lógica de elección y una estrategia de clasificación para poder agrupar, bajo criterios de semejanza o diferencia, los objetos pertenecientes a la colección. En la introducción del libro The Cultures of Collecting, John Elsner y Roger Cardinal nos dejan claro que para pensar en el coleccionismo es necesario primero referirnos a la clasificación: “if classification is the mirror of collective humanity's thoughts and perceptions, then collecting is its material embodiment. Collecting is classification lived, experienced in three dimensions”(7). En ese sentido podríamos pensar que las tipologías que plantea Pearce hacen referencia precisamente al tipo de clasificación que se usa para generar una colección.

Para que una colección tenga significación social o trascendencia histórica, podríamos establecer que debe haber una suerte de equilibrio entre los valores subjetivos y objetivos encontrados en esa serie de piezas; entre la pasión que tenemos por una cosa y su valor objetual, es decir, su valor de intercambio, regulado por un criterio social y cultural. Así, la pieza coleccionable es única, pero paradójicamente forma parte de una serie de objetos similares, sin embargo el coleccionista, a partir de su obsesión personal encuentra singularidades. Suena lógico que alguien tenga un profundo afecto y una obsesión por, digamos, un cuadro de Picasso.

El equilibrio entre el deseo subjetivo y la valoración social tiene concordancia; pero ¿qué

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pasa cuando el equilibrio entre ambos valores se rompe? Si se tiene, por ejemplo, un hondo lazo con la basura, o cualquier otra cosa que comúnmente consideramos repulsivo como sociedad, o con muchas de las producciones de arte actual que contienen elementos efímeros o que caducan, ¿Cómo hacerle para convertir una pasión puramente personal en una colectiva?, ¿Cómo conservar lo perecedero?

Estas preguntas se vuelven significativas si observamos que el arte contemporáneo ha roto con una serie de paradigmas y normas, tradiciones y técnicas, que han transfigurado el sentido mismo del arte, de su materialidad, de su presentación, y por lo tanto, de su conservación. Esto supone una serie de revalorizaciones y restruccturaciones en la concepción misma de una colección. Ciertamente en algún momento se generó la idea de registros, tanto fotográficos como en video, para poder preservar ciertas obras, tal es el caso del Land Art de Richard Long, o los performances de Marina Abramovic, pero ¿Cómo nos enfrentarnos de manera más arriesgada o contemporánea a piezas poco duraderas y estables?

Una de las cosas que tienen en común algunas manifestaciones del arte actual y las colecciones es la idea de lo incompleto (8): "what makes a collection transcend mere accumulation is not only the fact of its being culturally complex, but the fact of its incompleteness, the fact that it lacks something"(9), mismo que sucede con el arte relacional, donde la idea de base es que la

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obra sea completada por el espectador, quien se convierte en participante, "desde hace algunos años los proyectos artísticos sociales, festivos, colectivos o participativos se multiplican, explorando numerosas potencialidades de la relación con el otro”(10). Hay un sentido de constante construcción en la significación de la pieza. Sería interesante encontrar una colección que le dé peso al proceso de coleccionar (reactivando uno de los valores del arte actual), considerando que una colección también es una forma de construir conocimiento, de darle sentido al mundo, de sistematizarlo.

“The myth of the truly tasteful collector, the one who creates taste instead of merely promulgating it, is that one is collecting rather recherché things or that one has a different approach from everyone else"(11). Y es allí donde la combinatoria de estrategias planteadas por Pearce, por un lado la pasión íntima -que en muchas ocasiones está vinculada al recuerdo al fetichey la sistemática, puede fortalecer la adaptación de una colección a esta visión del arte contemporáneo y exacerbar su sentido procesal o su sentido incompleto. Para María Dolores Jiménez-Blanco y Cindy Mack, autoras del libro Buscadores de belleza, historias de los grandes coleccionistas de arte: Los objetos que un coleccionista guarda tienen, para ellos, significados especiales, ocultos.

Podemos decir que la obra de arte y el coleccionista se influyen: desde el mismo momento que entra en la colección, el objeto se convierte en algo más que una obra de 9

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arte. En ese sentido, el coleccionista es un artista, alguien capaz de transformar al objeto con su mirada, con su elección. (12) O en un caso más extremo, como bien establecieron Natalie Bookchin y Alexei Shulgin en su texto Introducción al net-art: “ To d o s e n U n o : [ . . . ] Desintegración y mutación entre las figuras de artista, curador, escritor, audiencia, galería, teórico, coleccionista de arte y museo”(13).

(1) Profesora en estudios de museos y directora del Departamento de Estudios de Museos de la Universidad de Leicester. Es editora de Museum Studies in Material Culture (Smithsonian Institution Press, 1992), autora de Archaeological Curatorship (Smithsonian Institution Press, 1990) y On Collecting (1995), entre otros.

(2) Para una revisión más puntual sobre este evento se puede consultar el capítulo The people s show: Towards a more democratic museum? En: Pearce, Susan M., y Paul Martin, The collector s voice: critical reading in the practice of collecting, Inglaterra, Ashgate Publishing Ltd., 2002. Pp.73-77.

(3) Paul, Carlos, Invita el MUCA Roma a reflexionar de manera crítica sobre el coleccionismo, La Jornada, sección cultural, Miércoles 15 de septiembre de 2004. http:// www.jornada.unam.mx/2004/09/15/07an1cul.php?origen=cultura.php&fly=1 (27-junio-2011) (4) “Por ende, la colección sistemática no trabaja a través de acumulación de muestras, como lo hace la colección fetichista, pero mediante la selección de ejemplos, cuya intención es representar a todos los demás de su especie para completar un conjunto”. Pearce Susan M. Collecting reconsidered, en: Pearce Susan M (ed.), Interpreting objects and collec- tions, Londres, Routledge, 1994.p.201.

(5) “Muchos coleccionistas y colecciones individuales muestran elementos de más de un modo, ya sea al mismo tiempo o reflejan fases sucesivas de la actividad”. Pearce Susan M. ibid .p.203.

(6) “es la idea de series o clases la que genera la noción de colección”. Pearce Susan M. The urge to collect, en: Pearce Susan M (ed.), Interpreting objects and collections, Londres, Routledge, 1994. p.157.

(7) “si la clasificación es el espejo de los pensamientos y percepciones humanos, entonces coleccionar es su corporalidad materializada.

Coleccionar es una forma de vivir la clasificación, de volverla experiencia en tres dimensiones”. Elsner, John y Roger Cardinal (eds.), The Cultures of Collecting, Londres, Reaktion Books, 1997. p.2.

(8) Para muchos autores las colecciones giran más en torno al falto, es decir, la esencia de una colección es siempre estar incompleta para así poder estar constantemente rellenando los huecos, conservándola viva, de otra manera mueren. Como establece Susan Sontag en El Amante del Volcán: “Las grandes coleccio-es son vastas, no completas. Incompletas: motivadas por el deseo de que sí sean completas. Hay siempre una pieza más” o como expresa Jean Baudrillard en The System of Collecting: “the acquisition of the final item would in effect denote the death of the subject, the absence of this item still allows him the possibil- ity of simulating his death by envisaging it in an object, thereby warding off its menace”.

(9) “lo que hace que una colección trascienda la mera acumulación no sólo es el hecho de que sea culturalmente más compleja, sino el de estar incompleta, el hecho de que le falta algo”. Baudrillard, Jean, The System of Collecting en: Elsner, John y Roger Cardinal (eds.), The Cultures of Collecting, Londres, Reaktion Books, 1997. p.23.

(10) Bourriaud, Nicolás, Estética Relacional, Argentina, Adriana Hidalgo Editora, 2006. p.73. (11) “El mito del coleccionista de verdaderamente buen gusto, aquel que crea gusto y no solamente lo promulga, es que uno colecciona cosas estudiadas o que uno tiene una aproximación distinta a todos los demás.“ Elsner, John y Roger Cardinal (eds.), The Cultures of Collecting, Londres, Reaktion Books, 1997. p.2.

(12) Pérez Bergliaffa, Mercedes, Los coleccionistas de arte o la manía de enriquecerse con la mirada, periódico Clarín, domingo 6 de abril, 2008. http:// edant.clarin.com/diario/2008/04/06/sociedad/s-05601.htm (25 junio, 2011). (13) Bookchin, Natalie y Alexei Shulgin, Introducción al net.art, 1994-1999, en: http://aleph-arts.org/pens/intro-net-art.html (28-jun-2011).

BIBLIOGRAFIA 1.

Belk, R. Wallendorf, M., Sherry, J. Holbrook, M., Collecting in a consumer culture, Utah, Association for Consumer Research, 1990.

2.

Bookchin, Natalie y Alexei Shulgin, Introducción al net.art, 1994-1999, en: http://aleph-arts.org/pens/intro-net-art.html 3.

Bourriaud, Nicolás, Estética Relacional, Argentina, Adriana Hidalgo Editora, 2006.

4.

Durost, W. Children’s collecting activity related to social factors, Nueva York, Bureau of Publications, Teachers’ College, Colum- bia University, 1932.

5.

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coleccionismo se relaciona con el artista y cómo ha ido cambiando esa relación a través del tiempo.

Entrevista con Alfonso Miranda

A l f o n s o Miranda: Sí, q u i z á tendríamos que ver ese panorama en occidente desde la época de la Cámara Tesauros, en la Grecia Clásica. Es la Por: Tatiana Ortiz-Rubio idea del propio Partenón, tener un espacio donde un objeto Kaleidoscopio: adquiere un meta-valor El tema de este número es Arte y simbólico el cual va mas allá Coleccionismo, lo cual abarca que el objeto que está muchísimo.... representando. Una vasija no es una vasija, representa un Alfonso Miranda: Si, es un receptáculo para vino que va a universo muy grande, ser ofrendado a tales fuerzas especialmente en América indicadoras de la naturaleza.

Latina en donde no es tan fácil En ese sentido, ese valor insertarse en la gran vertiente simbólico del objeto, tiene una de coleccionismo, como la ha carga que culturalmente tenido Europa o a principios de siglo Estados Unidos.

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Museo Soumaya

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empieza a abrazarse y aunque en un principio no estaba dispuesto para el público, tenían ese respeto por el valor y la carga colectiva que pudiera dársele a cada uno de estos objetos.

De esta manera va evolucionando la idea de un espacio, un centro de experiencia y de intercambio.

Esto se ve desde Tolomeo... lo que implicaba esta idea -que de ahí viene el término 'museo'“de las musas”, que son las que van experimentando una relación entre Dioses y hombres.

Se ve entonces que el valor que tiene un objeto no está nada más en su función si no en la red de comunicantes que tiene, que eso es lo más atractivo. No solamente se conserva el objeto sino también la memoria de ese objeto.

Y es el gabinete eclesiástico que va a permitir esos centros

Latinoamérica es un panorama muy atractivo para el coleccionismo ya que no se ha explorado desde una vía sistemática, ni ha existido un estudio académico al igual que el coleccionismo en México,eso de pronto es triste porque hay extraordinarios artistas, no solamente contemporáneos, pero digamos que tradiciones como la meso-americana dan unas posibilidades más que atractivas.

Kaleidoscopio: Nos interesa también explorar cómo el © Universidad del Claustro de Sor Juana, SA de CV., 2011

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monásticos donde tienen el cumulo de historia que abraza el pasado Griego, Egipto, trasladado a un mundo occidentalisado y se va resignificando ese conocimiento. Por otro lado después vendrá la biblioteca de los Medici, con Don Lorenzo que decía que "el poder implicaba conocimiento y ese conocimiento derivaba también en sabiduría, y por lo tanto si se sabe se tiene control". Esta es una idea muy fuerte, que de pronto se debate hasta en los centros universitarios, en como estar involucrándonos con el pensamiento que se esta originando pero que también que se esta controlando.

Pero saltándonos un poco en el tiempo al siglo XVII estará el primer museo universitario, el

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Ashmolian Museum, que representa esa posibilidad de tener objetos dispuestos en un espacio. Después en el siglo IX aparecerá el museo del Louvre. El Louvre como una institución en donde se disponen los objetos a la comunidad y se crea ese sentido de conocimiento, sin duda está vinculado al coleccionismo por que parten de cómo se abrazan esas colecciones, de cómo se re significan y cómo van transportándose de un lugar a otro, a través del atesoramiento, saqueos, conquistas,

Pero más allá de esto, finalmente por lo que apuesta el museo como institución es por que esas colecciones tengan un sentido mayor que el del atesoramiento... esa es la parte central, la de compartir, y compartir donde el conocimiento se hace público, y en ese nuevo contexto el objeto adquiere una nueva dimensión. Por que finalmente ya se descontextualizó. El museo no estaba diseñado, pensado, ni dispuesto para estar en una sala de un espacio cultural como hoy en día, en realidad era diseñado con un tinte religioso o a lo mejor social, en fin la función que aya tenido ahora ya no la tiene.

Entonces hay que resignificar

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esa función, y como espectadores tratar de abordar esos sentimientos, pasiones, evocar cuestiones desde sensualidad hasta imaginarios simbólicos que van entretejiendo una historia que es la nuestra, pero esa carga que tiene el objeto es poderosa.

El coleccionismo sin duda adquiere nuevos tintes cuando vemos las colecciones del siglo XX, que las permiten unos procesos culturales tan trágicos como las guerras y conquistas entre otras cosas. De pronto aquellos objetos adquieren un sentido otro por que ya no están en donde se pensaron estar, perdieron cualidades y ganaron cualidades en el paso del tiempo. ¿Cómo se conserva la función para la que fue creada un cuadro? En realidad tienen hoy un sin-sentido dentro esas paredes blancas de un espacio museal, hoy en día, ¿qué nuevos sentidos envisten

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podríamos llamarle cultura aun que no fueron diseñados para eso.

Ese objeto cotidiano que nosotros lo vemos en todo momento sin ninguna investidura al momento de estar en otro espacio pareciera que se ha sacralizado. Y no es en realidad que haya pasado nada, simplemente es que se sacó del lugar para el que fue pensado.

ese objeto? Hasta desde nuestros propios objetos cotidianos hay que valorar ese coleccionismo, donde el objeto hace memoria. ¿Qué dice de nuestro pasado común un objeto que se guarda con recelo en la casa de los abuelos y que con el cual crecimos?

Es nuestra historia y al ser nuestra se vuelve parte de la historia colectiva, de una sociedad, de un momento, y de un espacio determinado.

Hoy en día esas colecciones tendrán que buscar nuevos sentidos para poder pervivir en esa memoria colectiva de cultura, de otra manera se quedan en simples destellos de un tiempo pasado.

Si no los atraemos a nuestra propia experiencia, ya sea estética o histórica, el engranaje

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no esta funcionando y simplemente nos quedamos como espectadores. Pero nosotros no somos espectadores de nuestra propia realidad, ni de nuestras propias colecciones, nosotras las hemos formado y forjado, y en ese ir de un objeto al otro, atesorándolo habla de identidad, de quienes somos.

Por que finalmente, si nos mudamos de una casa, no conservamos todas las cosas, si nos mudamos de una pareja tampoco conservamos las mismas cosas ni de nosotros ni del otro. Entonces con lo que nos quedamos es el principio básico de la reliquia, en sentido estricto reliquia es basura, eso lo que queda. Pero esa basura es también lo que somos, y ese residuo nos constituye, entonces al momento de ver ese valor en el relicario nos damos cuenta de que tiene una red de significantes que nos permitirá entendernos, mas que nada a entendernos a nosotros mismos.

Es crear memoria, es realmente conmemorarnos a través de los objetos, de los sentimientos que se depositan en esos objetos. Y esas cargas emotivas sin duda son subjetivas, no obstante al momento de hacer esas sumas tienen coherencia y tienen un trasfondo que finalmente hoy © Universidad del Claustro de Sor Juana, SA de CV., 2011

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Kaleidoscopio: ¿Es y ha sido la intención de la familia Slim y la tuya como director de educar al compartir esta colección?

Alfonso Miranda: No sé si educar. El museo como agente educador, y quizá en un museo de arte, no sé si ese sea el estricto sentido de su función.

Porque ese papel lo tiene el estado, la escuela y la familia.

Nosotros no nos desprendemos de la educación, tenemos un departamento muy sólido al que le llamamos Comunicación, y en cierto sentido es Comunicación Educativa porque estamos comunicando con elementos que pueden derivar en educación o cultura, pero no obstante ¡todo lo deriva!

El mundo nos forma, nos construye y desconstruye, en ese sentido no sé si sea el

pero sí hay un acto sin duda de la familia Slim de generosidad.

Kaleidoscopio: ¿Cómo se fue creando la colección hasta llegar a la apertura de un museo?

A l f o n s o M i r a n d a : To d o comienza por un interés de la Sra. Soumaya Slim. En el matrimonio Slim-Domit, hay un énfasis por el arte, hay una búsqueda de esa sensibilidad de emociones traducidas desde un objeto. Entonces, para un regalo de aniversario, la Sra. Soumaya estando en Europa decide adquirir una obra flamenca (siglo XVI o XVII) de un artista anónimo que representa una cacería de leones, es una escena quizá no más diáfana pero si con fuerza. A partir de ahí empieza un viaje extraordinario hacia el arte y hacia el coleccionismo.

principio básico la educación © Universidad del Claustro de Sor Juana, SA de CV., 2011

Es poco a poco que las piezas van sumandose a una cifra de más de 60 mil en la Fundación Carlos Slim. Y entonces la gente la critica diciendo "pero si tiene tanto es porque compra por lote y eso es equívoco porque no hay un énfasis en el objeto por el objeto mismo" y eso es falso. La mayoría de nuestras colecciones han

sido compradas de una a una pieza y esto le da su carácter a la colección. Hemos también rescatado fondos, por ejemplo, cuánta pasión y cuánto esfuerzo tuvo el abogado Eliseo Lagos al poder concretar la colección de monedas virreinal más importante de México, incluso superior a la del banco de México, y de pronto tener la oportunidad de comprarla completa. De otro modo pues empieza como muchas colecciones a desmembrarse, se heredan, se tienen intereses diferentes.... unos la conservan, otros la venden y otros la exponen. Y ahí ya se perdió la homogeneidad que tenía la colección. Lo mismo con Richheimer el señor de las cucharas que persuasivamente estuvo en diálogo con la fundación para poder poner a disposición la colección de cucharas. Una colección también extraordinaria que habla de las pasiones, desde recoger como se hacía ancestralmente un poco de agua con las manos y cucharearla, hasta un receptáculo para capturar el agua del rocío, hasta los mayas de tener una pequeña cuchara de jadeita y poder ofrendarla a la divinidad.

A partir de los ochentas, el matrimonio Slim-Domit busca 14

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la adquisición de una de las piezas que forjó la colección y en muchos sentidos habla de quienes somos como fundación, como museo, como institución, y como un grupo empresarial anclado en la realidad mexicana. Es un artista que transita del romanticismo a la modernidad. Un artista que logró transformar la visión del volumen de hacer acentos de luz y sombra, creando formas libres y expresivas, August Rodin.

Es una de las colecciones sin duda más fascinantes que hay de este artista en nivel internacional. Y una de las obras es la máscara del hombre de la nariz rota. Con esa pieza quiso participar Rodin en los salones de exposición de Paris donde todos los artistas mas notables estaban. ¿Y qué tiene de bonito un hombre que ha perdido la estética de su nariz?

Pues Rodin contesta, “el carácter y la fuerza.” Pero lo rechazan. dice Rodin, en esa aparente fealdad habrá que indagar hay que encontrar la belleza, y en lo que aparentemente es bonito tendríamos que apostar por descubrir esa fealdad. Es un ir y venir.

Esa mascara que habla también sobre la identidad, de la proyección del yo, y pues con eso va muy de la mano de la colección. Es encontrar grandeza donde aparentemente no la hay como en una cuchara.

Pero un museo no tiene que ser ese templo sagrado que tantos creen que es. Hay que desacrilizarlo. Y hay que poder platicarlo, y sentarnos en el

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piso, y dialogar y jugar en él abiertamente y poder acercarse lo mas posible a una pieza, claro siempre procurar la conservación del objeto, pero si es posible incluso tocar una escultura en bronce y empezar a dialogar de otra manera con estos objetos. Y eso es lo que comenzó en ese espacio del museo Soumaya en Plaza Loreto.

Hoy ya son 16 años de estar en la escena Mexicana y LatinoAmericana y desde aquí vemos cómo ha crecido la colección y que tenemos una p re s e n c i a d e a r t i s t a s q u e difícilmente podíamos ver en el escenario latino-americano anteriormente.

Para algunos es muy difícil viajar, e incluso si se ha tenido la oportunidad de viaje, no lo podemos hacer tan seguido. Y entonces, ¿Cómo nos enteramos de lo que sucede en ese marco de universalidad del arte?

Tenemos en México colecciones con cierta presencia europea, pero muy poca, por ejemplo, los

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maestros europeos son difíciles de encontrar.

Entonces los antiguos maestros fue una colección que le interesó al Museo Soumaya, se empezó a consolidar adquiriendo obras de muchos periodos, desde el siglo XV hasta el siglo XVIII. Kaleidoscopio: ¿Y que opinan de toda la crítica que han recibido, como han lidiado con eso?

En los diálogos de hoy en día parece que la critica los ha juzgado sin conocerlos, que eso también es interesante de como el papel del critico de arte pude hablar sin el establecer ese contacto. La mayoría, y es triste decirlo, de los críticos que han p ro n u n c i a d o p a l a b r a s d e l museo no conocen el espacio, o lo conocieron en construcción, o tangesialmente, es un acto de irresponsabilidad por que pueden hacerle daño a la colección. Al momento, y la quiero mucho a la maestra Raquel Tivol, y que digo "es que hay falsos en la colección", ¿Cuales? Díganme! Como todos los museos tenemos obra que esta estudiándose pero no esta expuesta. Y hemos tenido sistemáticamente un estudio de las colecciones a partir de la realidad que este estudiándose en ese momento.

Kaleidoscopio: ¿Hay una intención en motivar a otras colecciones privadas para volverse abiertas al público?

Alfonso Miranda: Yo creo que es paradigmático el ejercicio que se está haciendo a través de la Fundación de Carlos Slim y desde el Grupo Carso. Cuando 15

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vemos como se construye una colección privada, notamos que hay una responsabilidad del coleccionista, de decir ¿hasta qué punto es mi colección? y ¿hasta qué punto lo que tengo puedo compartirlo? También es válido no hacerlo, es su derecho y su colección, pero nos estamos perdiendo de nuevos significantes en esas obras, de nuevas redes conceptuales, de nuevos mapas mentales, de nuevas formas, pasiones y miedos reflejados en esas sombras. De nuevas frustraciones y de nuevos enamoramientos intensos, ojalá que esto sirva y ojalá que pudiéramos verlos. La colección ha ayudado, el año pasado abrió el Museo del Objeto del Objeto, la colección de Newman en la colonia Roma, en 2011 abrió el Museo Soumaya en Plaza Carso, y en 2012 espero que ya se pueda abrir al público el Museo de la Fundación Jumex. Si, vamos viendo que hay un interés en compartir.

Kaleidoscopio: ¿Qué relación buscan con su público?

Alfonso Miranda: Acá queremos liberalizar la relación entre museo y público, perderle miedo al espacio y también perderle miedo al decir "pues no me gustó". Debemos preguntar "¿Por qué no te gustó? ¿Por qué te sorprendió? ¿Porque te movió algo que no sabes qué es?”

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Yo siempre les digo a mis alumnos que se detengan en esas piezas que no les gustan por que van a descubrir cosas.

Es atreverse a vulnerarse, que no es fácil pero en esa capacidad se encuentra lo más rico de mirar.

Lo que nos interesa es que se atrevan a acercarse a entender

qué estamos haciendo, dicen del museo "es que es una mezcla de cosas"... bueno, pues la globalidad es una mezcla de cosas también, el mundo al que nos enfrentamos es una mezcla de cosas, las redes sociales son una mezcla de cosas.

Es como cuando dice Umberto Eco que la obra es abierta a interpretaciones, siempre hay que pensar que cada una de esas traducciones se va a ganar algo y a perder algo. Es el principio básico de cualquier traducción.

Lo que estamos traduciendo aquí son comunicaciones entre siglos, comunicaciones entre las propias colecciones del museo.

Siempre hay dialogo, es un proceso en donde todavía hay mucho que construir y que hacer, sin embargo si vemos esa posibilidad otra de discurso. En

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ese sentido por que no abordamos temas, y de esos temas por que no los cruzamos, ¿que influenció el manierismo en nuestros novo-hispanos si finalmente son contemporáneos?

Es subjetivo, no necesitamos a un curador, a un critico, ni siquiera a un museo, necesitamos esa relación entre la obra y nosotros como sujetos. Lo que apostamos es establecer un nuevo dialogo en una colección. Una colección que ademas en Latinoamérica es referencial. Que nos permite situarnos, y no es lo mismo leer un libro de arte o esperar una exposición temporal, aquí lo podemos ver gratis, y todos los días!

A pesar de que estemos ante una colección clásica su presentación, su discurso, su dialogo, es muy actual es muy contemporáneo.

Carlos Slim tiene una posición económica, política y social que es de referencia a nivel mundial entonces como cualquier persona que tenga una posición como la suya va a ser blanco de múltiples cuestiones, que también son validos. Pero el estudio sistemático de la colección y como se fue forjando habla de una realidad Mexicana del siglo 20, una realidad que nos vio nacer y en ese sentido habla de nosotros, de injusticia social, de política, de economía, de procesos de 16

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globalización, de intercambios, de tolerancia, de respeto, de una suma de factores y en esa dinámica es quizá lo más a t r a y e n t e , l o q u e re s u l t a fundamental para establecer una relación con una colección contemporánea como la es la de Fundación Carlos Slim. Cada ves más tendremos que verla como una oportunidad y no como una cuestión demagógica o política. Es una colección que se abrió punto.

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en las realidades que ya no se pueden separar, seria absurdo.

Para poder aprender a resignificar esas colecciones de amores, y dolencias, y pasiones para establecer una nueva posición, quizá eso también es propio de hablar de coleccionismo y más hacerlo en un ámbito museal.

Establezcamos esa relación con la colección, tenemos la oportunidad de tener a estos artistas, entonces animémonos a dar ese paso. Queremos que se acerquen y vean la pincelada de Rubens, y ver como esta pintando Renior sus paisajes, sus mujeres, a sus hijos mismos.

Hay que transformar el c o l e c c i o n i s m o radicalmente en algo cotidiano por que de otra manera estamos perdiendo ese rescate de lo que nos es significativo de lo que nos constituyo como lo que somos. Coleccionar miedos y pasiones, retos y encararlos, y de pronto es esa posibilidad fantástica de colección.

De una colección como un mosaico, que eso lo entendemos bien en México por que tenemos estas mezclas raciales y ancestrales donde hay universos simbólicos anclados © Universidad del Claustro de Sor Juana, SA de CV., 2011

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Entrevista con Moisés Rosas Director del Museo del Estanquillo Por: Tatiana Ortiz-Rubio Kaleidoscopio: ¿Cómo se originó la idea de crear una colección como esta?

Moisés Rosas: Bueno, es importante aclarar que esta no es una colección de arte popular sino de historia de México.

Es una colección que Carlos Monsiváis hizo a lo largo de su vida. Desde muy joven empezó a coleccionar, lo primero que compró fueron unos grabados de Miguel Covarrubias y a partir de eso realmente comenzó la creación de una colección enorme, con cientos de fotografías, grabados, documentos raros y significativos para la historia de México, y mucho más.

Pero es una colección sobre la historia de México, donde efectivamente hay un componente de arte popular pero no es una colección de arte popular.

Es una colección que se originó y tiene que ver con parte de la vida de Monsiváis, es como una crónica de las que él escribía, como sus conferencias pero llevada al nivel de objetos. Se objetiva la crónica, lo que él pensaba del país, lo que él decía del país. Es una colección que habla de la historia de México de un punto de vista cultural, político y social.

Kaleidoscopio: Dice que empezó desde que Carlos Monsiváis era muy joven, entonces, ¿Esta colección fue creándose a como él vivía la historia de México o trató de hacerlo a través una perspectiva más general y objetiva?

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Moisés Rosas: Yo creo que Monsiváis fue construyendo un discurso. El tenía una concepción del país, y de lo que le importaba de México y lo que le importaba señalar de la historia de México, sobre ese concepto construyó la colección.

Es una colección que no es una colección de arte en sí, mucha gente compra por que son Diego Riveras o Fridas, pero lo que él seleccionaba eran aquellos objetos u obras de arte que le hablaban de ciertos eventos de la historia de México. Entonces así se construyó, con ese concepto.

También creo que así como Monsiváis escribió de tantos temas tan variados, sus intereses de coleccionista eran iguales. Muchos escritores tienen sus temas muy marcados, Monsiváis no tenía un tema, hablaba de todo, y tal vez hasta coleccionaba cosas que materialmente no tengan tanto valor pero culturalmente son invaluables para la historia de México. Carlos tenía una visión muy compleja que se refleja en su colección. Una colección que solo un hombre como Monsiváis podría crear.

Kaleidoscopio: ¿Se sabe si Monsiváis fue creando esta colección con la intención de compartirla? ¿O eso fue algo que vino después?

Moisés Rosas: Yo creo que al principio su intención no era compartirla. El compraba y juntaba porque quería y lo gozaba. A través de los años le comenzaron a proponer exposiciones de su colección, por ejemplo en el MUNAL hubo una 18

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sobre Posada, entonces la gente comenzó a saber que él tenía una c o l e c c i ó n interesante y variada. Carlos tenía todo en su casa que era como una bodega, entonces la gente comenzó a pedir algunas obras u objetos para exposiciones y realmente no fue hasta que entre Manuel LópezObrador y Carlos Slim lo convencieron de hacer un museo. El que era jefe de gobierno dio este edificio y Carlos Slim lo restauró para que fuera museo. Yo creo que la idea vino de muchas personas,no solo de ellos dos, pero digamos que ellos son los que logran concretar la idea de que haya un museo, museo entendido como el espacio donde un coleccionista privado comparte públicamente su colección socialmente.

Kaleidoscopio: ¿Cómo ha impactado a la sociedad esta colección, han creado algún dialogo con la gente que los visita?

Moisés Rosas: Pues es importante comentar que en su mayoría los visitantes son jóvenes.

El primer diálogo que existe es el de conocer bien a la persona de Carlos Monsiváis y ver qué es lo que coleccionaba, por que los jóvenes en general no conocen realmente quien era Monsiváis, y ya de ahí nace un interés más profundo e interesante. Como no hay exposición permanente de la colección, todas son temporales, la gente entonces no sabe lo que hay, realmente lo busca más por quien era él. Pero es muy agradable ver como al crear ese primer vínculo, la gente regresa sorprendida por la colección tan rica y compleja, una colección de arte y objetos que les toca profundamente por que habla de su historia y cultura, de la historia y cultura de sus antepasados.

Kaleidoscopio: ¿Ha crecido la colección o se ha mantenido como la dejó Monsiváis? ¿Existe algún plan para crecerla? © Universidad del Claustro de Sor Juana, SA de CV., 2011

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Moisés Rosas: Si ha crecido. Es más, se tuvo todavía al final de la vida de Carlos contacto con algunas personas interesadas en donar sus colecciones. De hecho va a haber una exposición en el Auditorio Nacional de fotografías de Armando Herrera, una colección que ha sido recientemente incluida a la nuestra y hasta nos enseñaron un documento en donde se puede ver que ya estaba en pláticas con Monsiváis la posibilidad de esta donación.

También una nueva adquisición fue la de Alberto Isaac, un caricaturista, que nos donó también alrededor de cuatro mil de sus caricaturas. El curador Rafael Barajas, también cuando hay nuevas exposiciones a veces busca nuevas piezas que puedan enriquecer la exposición. Entonces sí, va creciendo pero poco a poco.

Kaleidoscopio: ¿Y cómo crece una exposición de este tipo, una tan variada en objetos, artistas y tiempos históricos? ¿Cuál es el criterio y proceso?

Moisés Rosas: El criterio es el de Monsiváis, y hemos respetado eso, y lo que hemos añadido ha sido con la ayuda del “Fisgón” Rafael Barajas, que era muy amigo de Carlos y que compartía con él los sábados y domingos para ir a comprar estos objetos. Ahora hay una línea ya trazada, lo que se

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obtenga tiene que ser algo relacionado con la historia del país.

También es importante mencionar que las grandes firmas están, hay obras de Siqueiros, de Diego Rivera, de Roberto Montenegro, los grandes artistas plásticos y fotógrafos están. Las grandes firmas están en la colección, lo que pasa es que hay algo que hay que distinguir, Carlos Monsiváis era un coleccionista que no compraba por firma, compraba por la imagen. Pero aún así están las grandes firmas en la colección. Esta variedad tan amplia es la razón por la que le puso "El Estanquillo", porque normalmente las colecciones son muy específicas como de arte colonial, de fotografía, de arte contemporáneo, y Monsiváis tenía de todo, todo lo que tenga que ver con la historia de México. Porque son colecciones muy variadas, y por eso son Las Colecciones de Carlos Monsiváis.

Kaleidoscopio: ¿Tiene algún mensaje o algo que quiera compartir con nuestros lectores, algo que podrá profundizar su conocimiento de la colección Carlos Monsiváis?

Moisés Rosas: Pues que la gente no crea que es arte popular por que esto realmente es una colección mucho más amplia y profunda de la historia de México. Sí tenemos objetos populares pero esos no definen la colección, no tenemos los luchadores, ni corcholatas, ni etiquetas. Esto es un enorme contenido cultural que tenemos gracias a Monsiváis, de una profundidad y densidad cultural y visión de México impresionante. Pero hay una cuestión en el imaginario colectivo donde pareciera que todo es arte popular y no es. Creo que la imagen que se le dio al museo desde el principio en donde todo era con muñequitos pues claro que eso generó esa idea de que todo era arte

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popular y ahora estamos haciendo un gran esfuerzo por tratarle de cambiar la imagen.

Kaleidoscopio: ¿Qué tienen ahora en su itinerario de exposiciones?

Moisés Rosas: Ahora tenemos la exposición de Posada, del cual hay por ahí de mil grabados y Monsiváis obtuvo alrededor de la mitad, unos cuatrocientos, osea que realmente vale la pena venir a ver la exposición. Tenemos también la exposición de fotografía en el Auditorio, también llevaremos la exposición del Centenario a Guadalajara y la de Alberto Isaac la llevaremos a Colima. En este año tenemos varias exposiciones simultáneas, el 3 de junio se inaugura una exposición en Salamanca, el 16 de junio abrimos en el Auditorio Nacional la exposición de las fotografías que le donaron a Carlos Monsiváis de Armando Herrera el fotógrafo de las estrellas, y luego a finales del mes inauguramos la exposición del fascismo. ¡Vamos a tener 3 en un mes! Pero la colección de Carlos da para eso y para más, es como un cáliz que tiene el don de la ubicuidad.

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Coleccionar arte no es coleccionar canicas Por: Mariana R. Lorenzano “El coleccionista puede hacer que algo fuera de moda o ignorado, se vuelva central en su cultura contemporánea” - Charlotte Gere & Marina Vaizay, Great Women Collectors Cualquiera puede ser coleccionista. ¿Quién no tuvo canicas de niño? Uno se jugaba las suyas para ganar las de sus amigos, pues tenían algo que las nuestras no tenían (¿eran de vidrio de colores? ¿más grandes? ¿eran canicas cuadradas?). Había unos compañeritos que tenían cinco o seis canicas y preferían no arriesgarlas, pero había otros que no podíamos quedarnos de brazos cruzados jugando con nuestras pocas bolitas. Esos éramos los niños coleccionistas. Había (y sigue habiendo) un espíritu de recopilación dentro de nosotros, ese espíritu que no nos dejaba parar, aunque en la escuela nos prohibieran ese objeto de obsesión.

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obra en manos privadas, empieza a convertirse en instituciones culturales abiertas al público.

El mundo contemporáneo ofrece posibilidades aún más democráticas de adquisición privada, pues no se necesita ser poseedor de grandes reinos ni elegido de los dioses para empezar a

“El coleccionismo es algo en lo que hay que autoeducarse” - Eduardo Costantini

conseguir obra con un sentido prácticoestético. Igual que las canicas, ahora podemos obtener estos productos culturales de muchas formas: “apostarlas” en subastas, con anticuarios, teniendo fe en algún artista e m e rg e n t e y c o m p r á n d o l e c re a c i o n e s

Parece que la misma personalidad tienen los coleccionistas de arte; la diferencia está en el conocimiento de la calidad del producto y el capital (no sólo económico sino también simbólico y social) invertido en el mismo. Pero no hay que olvidar el factor temporal.

Recordemos que el Louvre se convierte en el primer museo que surge de una colección real (obviamente privada) en 1793, cuatro años después de la Revolución Francesa. A partir de ahí, la destinación de los grandes conjuntos de © Universidad del Claustro de Sor Juana, SA de CV., 2011

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encontrar ciertos parecidos en su idea de arte, conservación y difusión.

La primera de la lista nació en el ambiente privilegiado de la aristocracia judía, en el Nueva York de principios de siglo XX. Habiendo heredado una pequeña fortuna de joven, cuando ya se había iniciado en la vie bohème, empezó a comprar o adquirir obra con asesoría de sus múltiples y talentosos amantes, que como cuenta en sus memorias Confesiones de una adicta al arte, de ellos aprendió de arte moderno; sus conocimientos previos, relata, no iban más allá del Impresionismo.

directamente, etc. Siempre habrá alguien con mayor sentido de calidad que el nuestro; sin embargo, depende de la dedicación de cada uno construir y formalizar un patrimonio para la posteridad.

Te n i e n d o e n c u e n t a e s t e s e n t i d o d e adquisición, me parece que una de las diferencias entre los grandes coleccionistas y los medianos o los más pequeños, es la noción de futuro que se le atribuye al proyecto de v i d a . To m e m o s d o s e j e m p l o s d e importantísimos personajes de historia cultural contemporánea, que de formas muy distintas lograron hacer que el albergue de su patrimonio material se convirtiera en destino turístico obligatorio: Peggy Guggenheim en Venecia y Eduardo Costantinien Buenos Aires.

Aunque hay una vida (y un mar) de separación entre ellos, no podemos evitar © Universidad del Claustro de Sor Juana, SA de CV., 2011

Cuando mostró sus adquisiciones en la primera Bienal de Venecia después de la segunda Gran Guerra, los críticos no sabían si reír o llorar, si amar a Peggy o destazarla públicamente. Parece que el espectador europeo no estaba tan listo como decía para conocer, absorber y apreciar el arte postvanguardista. Ella, narra personalmente, insegura desde niña por su gran nariz, se dejó asesorar por todos los hombres que la rodeaban –como Marcel Duchamp o Piet Mondrian-, su trabajo y talento iban enfocados a escoger a dichos hombres, más que las obras en sí.

Antes de morir estipula, después de haber donado mucha de su obra a museos neoyorquinos, que su misión quedaría completa al “servir al futuro en vez de recordar el pasado” del arte. Logra esto dejando claro qué quiere que se haga con su patrimonio: abrir un museo (ahora calificado como una de las pequeñas joyas del arte moderno) en su antiguo palazzo veneciano sobre el Gran Canal, donde el público pueda siempre apreciar la obra de esos hombres que marcaron su vida, y que si no hubiese sido por ella, tal vez nunca les hubiéramos puesto ese 22

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aura de genios, como sucedió con Jackson Pollock. Al mostrar una colección tan arraigada a su vida personal, dejó claro que el acervo de dicho museo nunca podría crecer ni disminuir en tamaño. Su historia ya estaba escrita, y nadie tenía el derecho a modificarla.

Por otro lado y casi media década después del nacimiento de Peggy, aparece en escena Eduardo Costantini, magnate argentino y amante de Nueva York al igual que la adicta al arte. No sólo posee edificios de lujo y grandes empresas; no sólo factura millones de dólares al año, sino que es el dueño de la colección que alberga el Museo Malba, abierto en 2001 por la Fundación F. Costantini (sin fines de lucro) en el corazón de Buenos Aires.

También privilegiado por venir de una familia que favorecía el estudio, gana su fortuna él mismo después de graduado, después de ampliar su primer negocio, la venta de bufandas. Dice que quería desde el principio hacer una colección de arte latinoamericano digna de ser mostrada al mundo. Siempre supo que iba a ser donada; él no estaba dispuesto a ser un coleccionista “que se iba a quedar con sus obras encerradas en su casa”, comenta en una entrevista en 2010 para un diario argentino. Sin embargo, no fue hasta mucho después que surgió la idea de un museo.

El propósito de acumular obra latinoamericana es para Costantini una forma de inventarse y reinventarse a sí mismo. Fue creciendo su colección con compras de gusto personal. Comenta, al igual que Peggy, la gran influencia de sus parejas al momento de escoger y definir su gusto y educación © Universidad del Claustro de Sor Juana, SA de CV., 2011

artística. Ahora su colección descansa en un edificio financiado por él mismo, altamente criticado por su afrancesamiento clásico en un mundo tan distinto al del contexto del estilo original.

Qué ironía las conexiones de ideales y estilos de vida de estos dos coleccionistas. Fácilmente podríamos integrar más en la lista: Peabody en Norte América, Thyssen-Bornemisza en España, Franz Mayer en México, entre muchos otros. Y así, como con las canicas, entendemos que el juego de azar de la vida se puede volver algo que controlamos, como lo hicieron Eduardo Costantini y Peggy Guggenheim cada uno por su lado. Gracias a estos juegos de apuesta de canicas se democratiza la apreciación artística, y entre todos podemos seguir conociendo y construyendo un futuro para la sociedad entera.

Bibliografía Eduardo Costantini. “El arte se hace fortuna”, en: La Nación, 22 de agosto de 2010. http:// www.lanacion.com.ar/1296856- eduardocostantini-el-arte-de-hacer-fortuna Guggenheim, Peggy. Confessions of an Art Addict, Ecco Press: New Jersey, 1997

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Coleccionismo y mercado en México Entrevista con Zelika García Directora de Zona MACO Por: María José Ballesteros y Sofía Llorente

En la actualidad, el arte es considerado como un

producto con un valor no sólo intangible, sino uno tangible, mercantil. El arte es parte de una lógica de mercado, es decir que se rige por las reglas de la oferta y la demanda entre compradores y vendedores. La diferencia es que este es un mercado especializado, y no se trata sólo de querer comprar una pieza, sino de conocer los productos, (los artistas, sus obras, las galerías), y los criterios en los que se basan tanto los coleccionistas como los vendedores para atribuir un valor a una obra determinada.

Al respecto, el equipo editorial de Kaleidoscopio conversó con Zelika García, directora de Zona MACO, la única feria de arte que se realiza en México desde el año 2004, y que con cada edición se expande convocando una gran cantidad de público y albergando hasta 90 galerías y 900 artistas de todas partes del mundo.

“Desde que cerro Expo Arte Guadalajara pensé que había dejado un espacio vacío ya que había que continuar con la labor que comenzó y la manera fue

El coleccionista es el pilar financiero que sostiene la industria del arte, lo que lo convierte en el principal activador del mercado. Es él quien, en cierta medida, marca la pauta del mercado contribuyendo a la legitimación de artistas, posicionamiento de galerías, y establecimiento de precios y valores en subastas, galerías, y ferias.

En este artículo nos interesa hablar particularmente del modelo de la feria de arte como un espacio que fomenta el coleccionismo a partir de una activación de mercado, así como un evento que ubica artistas y galerías en la escena comercial, y finalmente como una plataforma para que el público se acerque a la producción artística contemporánea desde un punto de vista distinto al de la institución (museo, academia, etc.) © Universidad del Claustro de Sor Juana, SA de CV., 2011

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crear Zona MACO, que a la fecha es la única feria internacional de arte en México y la más importante de America Latina,” comenta García acerca de la posición de Zona MACO en el mundo del arte en México.

Una feria de arte es el espacio en dónde los distintos agentes del mercado se conjuntan y generan intercambios tanto comerciales, como intelectuales que activan el movimiento en el mundo del arte, pues la feria reúne a artistas, curadores, críticos, galeristas, público y especialmente coleccionistas en un espacio artístico, social, y económico. Al respecto, Zelika García señala: “Zona MACO es un evento comercial donde los expositores están para hacer negocio. Pero la feria también sirve como plataforma cultural. Hay curadores invitados que cierran algunas exposiciones en la feria, intercambios de artistas entre las mismas galerías, y proyectos paralelos. Este intercambio sucede entre galerías, coleccionistas, curadores y otros profesionales que desarrollan proyectos a partir de Zona MACO. [...]”

Las ferias de arte son eventos en dónde no solo los coleccionistas de toda la vida pueden encontrar lo que buscan, sino que a través de abrir el espacio al público, una feria se convierte en una formadora de nuevos coleccionistas y al mismo tiempo crea una conciencia en el público espectador acerca del valor comercial del arte y el funcionamiento de ese mercado.

“Muchas personas compran su primera pieza en Zona MACO, otros que son coleccionistas profesionales aprovechan esta oportunidad para ver la producción más reciente de ciertos artistas o también descubrir a nuevos talentos jóvenes,” apunta la directora de la feria.

Una feria de arte puede observarse desde muchas perspectivas, además de ser un espacio en donde se conjuntan varios agentes, también funciona como un escaparate de promoción e impulso para artistas y galerías emergentes que permite a estos compartir el escenario con artistas consagrados y ser vistos por el resto del mundo del arte.

© Universidad del Claustro de Sor Juana, SA de CV., 2011

“La ventaja es que hay más apoyo y promoción para el arte en nuestro país y a nivel internacional. [...]

Algunos de nuestros patrocinadores, apoyan a través de premios e incentivos a artistas para seguir desarrollando su carrera y a la vez les dan publicidad.” Comenta García a propósito de la contribución de patrocinadores que apoyan Zona MACO y a los artistas participantes.

Por otro lado, Zelika García concibe la feria no sólo como un espacio comercial, sino como una oportunidad nueva y diferente para el público de acercarse al arte y familiarizarse con este mundo.

“Paralelo al mercado, sucede la promoción de las artes.

La feria es abierta al publico, tenemos una gran campaña de publicidad y promoción para los que participan, a la vez invitamos a estudiantes con pases gratuitos, y los medios dan una muy buena cobertura, todo esto ayuda a la promoción de las artes también.” Y añade: “Una feria es un evento más amigable para el público que una exhibición en una galería o en un museo. Desde luego las ferias son un evento comercial que no se puede comparar con una exhibición, pero el acceso es más fácil e invita al visitante a un evento donde pueden ver a mas de 1000 obras expuestas de artistas internacionales en un solo lugar.”

Sin embargo, las ferias de arte no pueden pensarse como un espacio”democrático”, al ser un lugar para la venta y competencia y a la vez una presentación de lo mejor para ofrecer a los 25

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coleccionistas, las ferias cuentan con un factor importante en la creación de su imagen, estatus y elección de participantes: un comité de selección.

Zelika García nos habla de la función y la utilidad de este consejo de expertos: “Por medio de un Comité de Selección se controla la calidad. En una feria hay muchísimas opciones y de todos los precios, tenemos artistas jóvenes hasta los más establecidos y de muchísimos países. Es la manera más fácil de encontrar y descubrir una buena obra o un artista nuevo.”

Este comité y cada uno de sus miembros son los que crean de la feria un evento donde se elige y analiza a sus participantes, se parte de criterios de selección, mediante los cuales se establece un perfil y un valor agregado que legitima las obras escogidas y a sus autores y promotores. La feria es entonces un escaparate que ofrece estatus y validación de la producción artística, del coleccionismo, e incluso del visitante, desde el punto de vista comercial, artístico y social.

“Lo más importante de todo es que tenemos el apoyo de las galerías locales, los coleccionistas, los curadores, la prensa y por supuesto el público. Esto es un proceso que tomó tiempo para ganarnos la confianza de todos los que están involucrados como participantes y como visitantes,” agrega García.

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como una plataforma de iniciación al arte contemporáneo para el espectador y ha conseguido posicionar a México a la vanguardia dentro de la industria del arte a nivel mundial.

La labor de Zelika García dentro del mundo del arte contemporáneo ha catapultado el mercado y la promoción del mismo hacia espacios que antes no se concebían en México como viables para el coleccionista o el galerista. Zona MACO es uno de los mejores ejemplos de cómo la buena gestión y la apuesta por la calidad a partir de un evento puede reactivar o crear un nuevo mercado en un país en donde la producción de arte es tan grande y no había sido explotado desde un punto de vista comercial.

“Nuestro objetivo es mantener y mejorar cada año el nivel de la feria. Ofrecer al público la mejor calidad en todos los rangos de precios y no perder la frescura que caracteriza a Zona MACO. Queremos crecer despacio y de acuerdo al mercado local, que es muy importante.

Estamos en proceso de crear la Fundación Zona MACO, y por medio de ésta apoyaremos a artistas jóvenes en diferentes proyectos,” concluye García.

En conclusión, una feria de arte es un evento integral que involucra y echa a andar los diferentes mecanismos involucrados en el mundo del arte: el aspecto comercial, el aspecto artístico y el aspecto cultural. Desde la exhibición, compra y venta de obras de arte, el apoyo a las artes e incluso la difusión cultural tienen l u g a r e n l a s f e r i a s de a r t e alrededor del mundo.

Tal es el caso de Zona MACO, una feria que ha logrado destacar lo mejor de la producción artística contemporánea nacional e internacional, y llevarlo tanto a las altas esferas del mercado artístico, como al conocimiento del público espectador. Zona MACO se ha erigido © Universidad del Claustro de Sor Juana, SA de CV., 2011

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Aquí podrás encontrar otras fuentes de información recomendables, desde libros, revistas, blogs, y diferentes sitios de internet. La información presentada aquí podrá cambiar según el tema actual de Kaleidoscopio.

LIBROS Collecting Contemporary Art, (2010) (Coleccionando Arte Contemporáneo) De: Adam Lindenmann Palabras del sabio. Consejos desde dentro acerca de como guiarse en el mercado del arte como un profesional.

“El arte trata de la vida, el mercado del arte trata de dinero.” -Damien Hirst Ya seas un fan, un aficionado o un coleccionista de arte, este libro totalmente único debería estar en tu lista de lecturas obligadas.

El Gabinete de un Aficionado- Georges Perec Novela francesa acerca de un hombre que se da cuenta que es parte de un cuadro de su propia colección de arte.

Lo puedes conseguir en Editorial Anagrama.

Great Collectors of our Time: Art Collecting Since 1945 De: James Stourton Great Collectors of Our Time es el primer estudio de este tamaño sobre el coleccionismo contemporaneo y sus coleccionistas desde la publicación Great Private Collections de Douglas Cooper de 1963.

PELICULAS/VIDEO The Art of the Steal (2009) Documental que sigue la lucha por el control de la colección del Dr. Albert C. Barnes (valiendo alrededor de 25 billones de dólares) de arte moderna y post-impresionista.

Director: Don Argott http://www.imdb.com/title/ tt1326733/ Collectomania-Video. Coleccionistas hablan de su experiencia y sus gustos. © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

http:// www.youtube.com/ watch?v=t6qVQ-FSP6A;

Garcia, Zona MACO se ha posicionado como la única y más sólida feria de arte contemporáneo. www.zonamaco.com

SITIOS EN LINEA Rincón del Coleccionista - Espacio de compra-venta de antigüedades y curiosidades… ¡Para el coleccionista de corazón! www.rincondelcoleccionista.com Fernando Romero Arquitectura – página oficial del arquitecto creador del nuevo Museo Soumaya en la Plaza Carso www.fr-ee.org/ Guía Práctica de Coleccionismo, Arte y Mercado http://www.arteymercado.com/ coleccionismo.html Fernando Llanos - artista plástico y audiovisual mexicano. www.fllanos.com www.rinostalgias.wordpress.com Vértigo Galería - ¡Un buen espacio para comenzar a coleccionar! www.vertigogaleria.com/ Colima 23 local A , C.P. 06700 Morton Subastas - gran casa de subastas en México, página oficial con noticias e invitaciones a los eventos. www.mortonsubastas.com/ Revista Arte Al Día nº 45 pg. 12Entrevista con Roberto Borlenghi (coleccionista).

En www.facebook.com/ artealdiamexico puedes pedir que te manden la revista por mail en formato PDF. GRATIS! O si prefieres el formato impreso, llama al 2876-2854 EVENTOS /PROYECTOS Zona MACO, México Arte Contemporáneo – Dirigida por Zelika

Programa Jóvenes Coleccionistas por Taller Multinacional: El Programa es una incitativa de artistas en colaboración con TALLER MULTINACIONAL | Buró de Proyectos de Arte Contemporáneo de iniciación al coleccionismo de arte a través de un modelo de mecenazgo dónde se genera un círculo de relación personal y cercanía entre los coleccionistas, el artista y su proyecto. http://www.tallermultinacional.org/ jovenes-coleccionistas COLECCIONES Colección Andres Blaisten http://www.sdmart.org http://www.museoblaisten.com La Colección Jumex – una de las colecciones privadas más grande de arte contemporáneo en Latinoamérica www.lacoleccionjumex.org/ Museo del Juguete Antiguo México (MUJAM)- Pretende ser un museo honesto en donde se beneficiará a la sociedad mexicna, a través del fomento de la cultura popular, para lograr así un refuerzo en la identidad nacional y en los lazos entre mexicanos, una mayor comunicación de nuestro pasado, presente para así cambiar el futuro de nuestro país. museodeljugueteantiguomexico.blogsp ot.com Dr. Olvera No. 15, Col. Doctores Colección FEMSA: Importante colección privada de arte contemporáneo fuera del Distrito Federal. www.colecionfemsa.com

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MUSEO EXPERIMENTAL DEL ECO Sullivan 43 Col. San Rafael 06470 CENTRO DE LA IMAGEN 5535 5186 Plaza de la Ciudadela 2 Centro Histórico info.eleco@gmail.com 91724724 al 29 MUSEO FRANZ MAYER cimagen@correo.conaculta Hidalgo 45 Centro Histórico 06300 LABORATORIO ARTE ALAMEDA 5518.2266 Dr. Mora 7 Centro Histórico hrborrell@franzmayer.org.mx/ 5512-2079 rperez@franzmayer.org.mx arteaameda@correo.inba.gob.mx MUSEO JOSÉ LUIS CUEVAS MUSEO ARCHIVO DE LA FOTOGRAFIA Academia 13 Centro Histórico 06060 Guatemala 34 Centro Histórico 5522 01 56/ 5542 61 98 2616 7057 – 2616 6975 MUSEO MURAL DIEGO RIVERA mafmuseo@gmail.com Balderas y Colón s/n Centro Histórico MUSEO DE ARTE CARRILLO GIL 55215318 Av. Revolución 1608, esquina Altavista, Col. mmdr@correo.inba.gob.mx San Angel, C.P. 01000 MUSEO NACIONAL DE ANTROPOLOGIA 5550 6260/3983 -ext108 Paseo de la Reforma esq. Gandhi s/n Col.Bosque difusionmacg@gmail.com/ de Chapultepec 11580 prensa.macg@gmail.com 5286 2923 MUSEO DE ARTE MODERNO atencion.mna@inah.gob.mx Paseo de la Reforma esq. Gandhi s/n Col. MUSEO NACIONAL DE ARTE Bosque de Chapultepec 11580 Tacuba 8 Centro Histórico 5553-6233 5130 3400 direccion@mam.org.mx / daniel@mam.org.mx MUSEO NACIONAL DE LA ESTAMPA MUSEO DE LA CARICATURA Av. Hidalgo 39 Centro Histórico 06050 Donceles 99 Centro Histórico 55 10 49 05 5702-9256/5704-0459 MUSEO NACIONAL DE SAN CARLOS (INBA) someca@prodigy.net.mx Puente de Alvarado 50 Col.Tabacalera 06030 MUSEO DE LA S.H.C.P ANTIGUO PALACIO 5566-8522 /8085 DEL ARZOBISPADO mnsancarlos@correo.inba.gob.mx Moneda 4 Centro Histórico 06020 MUSEO TAMAYO 5536 88 1710 Paseo de la Reforma esq. Gandhi s/n Col.Bosque rafael_pérez@hacienda.gob.mx de Chapultepec 11580 MUSEO DEL ANTIGUO COLEGIO DE SAN 55 5286 6519 ILDEFONSO MUSEO UNIVERSITARIO DEL CHOPO Justo Sierra 16 Centro Histórico Dr. Enrique González Martínez 10 Col. Sta María La 5702-4221/ 4507/2664 Ribera 06400 5546 3471/ 5535 2186 prensa@servidor.unam.mx / chopo@servidor.unam.mx acsiexpo@servidor.unam.mx MUSEO UNIVERSITARIO DE CIENCIAS Y ARTES MUSEO DEL TEMPLO MAYOR (MUCA) ROMA Seminario 8 Centro Histórico 06060 Tonalá 51 Col.Roma 06700 5511-0925/ 5511-8867 5542-4943/5542-4787 mucaroma@servidor.unam.mx difusion.mntm@inah.gob.mx SALA DE ARTE PUBLICO SIQUEIROS MUSEO DEL PALACIO DE BELLAS ARTES Tres Picos 29 casi esq, Hegel Col Polanco 11560 Eje Central Lázaro Cárdenas y Ángela Peralta s/ 5203 5888 n, Juárez 4 5º piso Centro Histórico 06050 salasiqueiros@yahoo.com 5512-2593/5521-9251 exts: 335 y 336 5510-1388 G A L E R I A S museobellasartes02@hotmail.com ARRONIZ ARTE CONTEMPORÁNEO MUSEO DE LA CIUDAD DE MEXICO Plaza Río de Janeiro 53-PB Col.Roma 06700 Pino Suárez 30 Centro Histórico 5511-7965/ 5511-6723 55420083, 55229936 gustavo@arroniz-arte.com MUSEO DOLORES OLMEDO PATIÑO ALDAMA FINE ARTS Mexico 5843, La Galvia, la Noria, 16030 Palacio de Versalles 100 LB Col. Lomas de 5555 1016 Chapultepec 11930 difusion@mdop.org.mx 5247 8019 MUSEO EX TERESA ARTE ACTUAL info@aldama.com Lic.Primo Verdad 8 Centro Histórico 06060 ALFREDO GINOCCHIO 55222721 Arquímedes 175 Col.Polanco 11570 exteresa_arteactual@yahoo.com.mx/ 5254-8813 bgm.difusion@gmail.com info@ginocchiogaleria.com

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ARTE TALCUAL Colima 326-A Col. Roma 06700 52(55)5514-9616 andresarred@gmail.com ARVIL Cerrada de Hamburgo 7 Col. Juarez 06600 5207 2900 arvil@arvil.com.mx AURA GALERIAS Explanada 720 Col.Lomas de Chapultepec 11000 5282 4833 AXIS MUNDI Blvd. Manuel Ávila Camacho 37 piso 8 Col. Lomas de Chapultepec 11000 52811246 atamayo@axismundi.com.mx BALANCE Monte Ararat 220 Col.Lomas de Chapultepec 11000 CAJA BLANCA Paseo de los Tamarindos 90 loc.27 PB Complejo Corporativo y Comercial Arcos Bosques 9135 0034 cajablanca@cajablanca.com.mx CHICO ZAPOTE Homero 906 Polanco 5280 8824 ext. 114 CIRCULO AZUL Francisco Sosa 363 Col. Sta Catarina 04100 5554 7665 EDS ESPACIO DE ARTE Atlixco 32 Col. Condesa 06140 5256-2316/ 5515103452 eds.info@gmx.net / eds@edsgaleria.com EL PALOMAR DEL MINOTAURO Dr. Mora 9 Centro Histórico palomar_del_minotauro@hotmail.com EMILIA COHEN Palmas 1320 Col. Lomas de Chapultepec 11000 ESTACION INDIANILLA Dr.Claudio Bernard 111 Col. Doctores 06720 5761-9058/5761-8923 estacionindianilla@gmail.com / info@estacionindianilla.com.mx ETHRA Londres 54 Col. Juarez 06600 5514 2710-55 5403 0079 ethra@galeriaethra.com FIZZ Seneca 61 Col Polanco 11560 2489 5579/81/82 csalexia@gmail.com / javierespinoruiz@gmail.com GALERIA JUAN MARTIN Dickens 33-B Col Polanco 11560 5280-0277 y 5280-8212 malublockm@yahoo.com.mx GALERIA ADN Molière 62 Col. Polanco 11540 5511 5521 adn.vintage@gmail.com

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KURIMANZUTTO Gob. Rafael Rebollar 94 Col. San Miguel Chapultepec 11850 5256 24 08 info@kurimanzutto.com LA MISCELANEA Tabasco 97 B Col. Roma 5584 8985 lamiscelanea.mx@gmail.com LOURDES SOSA GALERIA Ibsen 33-A Col. Polanco 11560 5280-6857/5282-2452 MYTO Gob. Diaz de Bonilla 24-2 Col. San Miguel Chapultepec 11850 52822131 y 52820980 info@mytogallery.com ORIGINAL MULTIPLE Tlacotalpan 33, P 8 Col. Roma Sur 06760 52640372 anaelena@originalmultiple.com ORIGINAL MULTIPLE Tlacotalpan 33, P 8 Col. Roma Sur 06760 52640372 anaelena@originalmultiple.com PROYECTOS MONCLOVA General León 31 Col. San Miguel Chapultepec 11850 5563 7156 info@proyectosmonclova.com SALÓN DE LA PLÁSTICA MEXICANA I Colima 196 Col.Roma 06700 5525-7274/ 5511 4826 TERRENO BALDÍO ARTE Orizaba 87 Col.Roma 06700 24544013 THE GALLERY Av. Pdte Masaryk 360 local 40 Pasaje Polanco Col. Polanco 11560 5282 0092/04455 3447 1187 ximena.carmona.collins@thegallery.mx TOCA GALERIA Colima 174 esq. Orizaba Col. Roma 06700 5525 7614 info@tocagaleria.com TOKIO 29 Tokio 29 Col. Juarez 06600 5525 2951/52 info@tokio29.com/ danielquinterob@gmail.com TRAEGER & PINTO Colima 179 Col. Roma 06700 5525-4500 traeger@traeger-pinto.com pinto@traeger-pinto.com URBAN GALLERY Av. México no. 33-B Col. Hipódromo Condesa 52 56 40 51 oscar@urbangallery.com.mx VERTIGO Colima 23-A Col. Roma 06700 5207 3590 YAUTEPEC Melchor Ocampo 154-A San Rafael 06470 52565533 info@yau.com.mx © Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011 29

Kaleidoscopio - DIRECTORIO

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ASOCIACIÓN MEXICO JAPONESA Fujiyama 144 Col. Las Aguilas 01710 5651 9382 kaikan@prodigy.net.mx ATRIO, ESPACIO CULTURAL Orzaba 127 Col.Roma 06700 10547250 ramaggio@prodigy.net.mx CASA DE LA CULTURA ARGENTINA Temistocles 103 Col.Polanco 11510 5280-4206 CASA DE LA CULTURA JAIME SABINES Ave. Revolución 1747 Col. San Ángel 01000 5550 3134 casajaimesabines@yahoo.com.mx CASA DE LA CULTURA JESUS REYES HEROLES Francisco Sosa 202 Barrio de Santa Catarina 04100 5659 3937/5658 5202 ccreyesheroles@culturaencoyoacan.gob. mx CASA DEL ARTE XOCHIMILCO Morelos 7 Barrio El Rosario 5676 4869 www.xochimilco.df.gob.mx mcorrales@xochimilco.df.gob.mx CASA DEL LAGO JUAN JOSÉ ARREOLA Casa del Lago, Antiguo Bosque de Chapultepec 1a sección Col. Bosque de Chapultepec 11850 5553-6362, 5211-6094 jose.paredes@servidor.unam.mx CASA DEL TIEMPO Pedro Antonio de los Santos 84, Col. San Miguel Chapultepec 118505515-8737 CASA LAMM Álvaro Obregón 99 esq. Orizaba Col.Roma 06700 5514-4899 /5525 elin_luque@yahoo.com.mx marchati@casalamm.com.mx CASA UNIVERSITARIA DEL LIBRO (UNAM) Orizaba 24 esq.Puebla Col.Roma 06700 52 07 93 90 y 52 07 98 71 CASA VECINA Regina esq. Callejón de los Mesones Centro Histórico 5709-1540 chajj@fch.org.mx ekaterina@fch.org.mx vinculación@fch.org.mx CENTRO (DISEÑO-CINE-TV) Sierra Mojada 415 Col.Lomas de Chapultepec 11000 5201-8870 CENTRO CULTURAL BENEMERITO DE LAS AMERICAS Jardín Centenario 16 Villa Coyoacán 04000 5659 2256 CENTRO CULTURAL BORDER Zacatecas 43 Col.Roma 55 22 69 48 43 / 55 33 99 36 43 eugenio@border.com.mx 38 Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011 ©

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julio@border.com.mx CENTRO CULTURAL DEL MEXICO CONTEMPORANEO Leandro Valle 20 Centro Histórico 5529-15-67/5732-3100 mmontelongo@ccmc.org.mx clorenzana@ccmc.org.mx CENTRO CULTURAL ESPAÑA Guatemala 18 Centro Histórico 5521-1925 CENTRO CULTURAL MEXICO ISRAEL Rep. de El Salvador 41 Centro Histórico 5709-8853 contacto@mexico-israel.org CENTRO CULTURAL SAN ANGEL Revolución s/n esq. Madero Sán Ángel 01000 5616 12 54 CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO – UNAM Insurgentes Sur 3000 5622-7100 CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO TLATELOLCO Ave. Ricardo Flores Magón 1 Col. Nonoalco-Tlatelolco 55 83 09 60 info@museoblaisten.com CENTRO NACIONAL DE LAS ARTES Río Churubusco No.79 esq. calzada de Tlalpan Colonia Country Club 04220 4155 – 0000 ext. 1035 contacto@correo.cnart.mx CLUB FOTOGRAFICO DE MEXICO Londres 75 esq. Insurgentes Col. Juarez 06600 55 25 43 30 info@clubfotomexico.org.mx ESTACION COYOACAN estacioncoyoacan@gmail.com lafactoriaestudio@mac.com FONDO CULTURAL CARMEN A.C Cracovia 54 San Ángel 01000 5550 6185/ 5550 1277 FUNDACIÓN SEBASTIAN Patriotismo 304 Col. San Pedro de Los Pinos 03800 5272 5539 mail@fundacionsebastian.org GARROS Chihuahua 135 local 16 Col.Roma 06700 INSTITUTO FRANCÉS DE AMERICA LATINA (IFAL) Río Nazas 43 Col. Cuahutémoc 06500 5566 0777 recepción_ifal@ifal.org.mx INSTITUTO GOETHE Liverpool 89, Col. Juarez 06600 5207-0487 director@mexiko.goethe.org / exposiciones@mexiko.goethe.org INSTITUTO MEXICANO DE LA JUVENTUD Serpaio Rendón 76 Col. San Rafael 06470 1500 1300 dirgral@imjuventud.gob.mx / cmendoza@imjuventud.gob.mx / pferreira@imjuventud.gob.mx POLYFORUM SIQUEIROS

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Insurgentes Sur 710 esq. Filadelfia Col. Nápoles 03810 5536 4520 ext.117,119 y 124 infocultura@polyforumsiqueiros.com.mx / dircomercial@polyforumsiqueiros.com.mx

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KaleidoScopio - AGRADECIMIENTOS

Agradecimientos

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Queremos, sinceramente, agradecerle a aquellos enlistados aquí su apoyo y entusiasmo durante el proceso de creación de este número.

Consejo de Redacción Carmen Beatriz López-Portillo — Rectora Sandra Lorenzano — Vicerrectora Académica Tatiana Ortiz-Rubio — Directora General

Consejo Editorial Sally Yard Alberto Blanco Andrés Carretero Carmen Cuenca Julien Cuisset Rodrigo Rivero-Lake Oscar Roman

Autores Invitados Alfonso Miranda Moises Rosas Mariana R. Lorenzano Zelika García Ilana Boltvinik Artista Entrevistado Fernando Llanos

Edición y Corrección Maria José Ballesteros – Editora Sofia Llorente – Servicio Social UCSJ Dafne J. Díaz de Lavega- Servicio Social UCSJ Vianet Murrieta - Webmaster

Difusión Cultural Siddhartha García García Rodrigo Viñas

Conoce al Equipo Kaleidoscopico: El Equipo Kaleidoscopico consiste mayormente en un grupo de estudiantes de la UCSJ, que sin su esfuerzo y entusiasmo no hubiéramos logrado sacar adelante este gran proyecto.

Kaleidoscopio es una revista que, entre muchas otras cosas, da cuenta sobre noticas de arte, editoriales, calendarios de eventos y exposiciones, foros de discusión y recomendaciones, así como directorios de museos, galerías y casas de cultura.

Con la intención de no ser definidos por una sola voz, si no más bien que sea un portal para muchas voces, los autores de la sección editorial serán especialmente invitados dependiendo el tema de la revista en cada ocasión. Por lo cual será una revista formada gracias a las colaboraciones de aquellos individuos amantes de las artes que comparten nuestra visión para la revista.

© Universidad del Claustro de Sor Juana, A.C., 2011

CONTACTOS:

EDITOR revista@revistakaleidoscopio.com

INFORMACION O COMENTARIOS info@revistakaleidoscopio.com

UNIVERSIDAD DEL CLAUSTRO DE SOR JUANA www.ucsj.edu.mx

Izazaga 92, Centro Histórico, C.P. 06080, México D.F. Teléfonos: 51 30 33 00 Lada nacional sin costo: 01 800 57 02 128 Lada internacional sin costo (Estados Unidos y Canadá): 1 866 357 1671

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