Segundo tomo Glice Art

GLICE ART HISTORIA DEL COMIC ESTILOS DE STREET ART

SORPRENDETE CON LAS OBRAS DE TRAN NGUYEN

SUMARIO ILUSTRATE OBRAS VIDA DE UN ILUSTRADOR ENTREVISTA

LITOGRAPHIC PROCESO DE LA LITOGRAFIA EXPONENTES LITOGRAFICOS TIPOS DE LITOGRAFIA

STREET ART ESTILOS DE STREET DIFERENCIAS ENTRE STREET ART Y GRAFFITI

FOTOGRAFIX PROCESO FOTOGRAFICO FOTO DE ESTUDIO BARRIDOS DIA A DIA

COMIC´ON PASO A PASO COMIC JAPONES ENTREVISTA

EDITORIAL

En nuestra segunda Ediciòn de Glice Art queremos darte a conocer cada una de las aportaciones que tienen las obras de la gran ilustradora Tran Nguyen en cada una de sus ilustraciones tendras un encuento interesante de emociones universales que nos encontramos todos los dìas de grandes emociones que son escondidas dentro de nuestras mentes.

Cada una de nuestras secciones van dirigidas en este tomo a un artista en particular que nos dejara cautivos con sus grandes obras y con ganas de querer ver màsz a fondo cada una de ellas.

Nuestro lector pueda saber a profundidad cada uno de sus exponentes favoritos de cualquier ramo que exponemos en esta revista,Asì que le deceamos a nuestro querido lector que disfrute cada una de nuestras secciones ya que es muy enriquecedor cada obra y te llevas un deleite visual y cultural de cada una de ellas.

De ante mano esperemos que sea de su total agrado nuestra Segunda edición. ¡¡¡¡Hasta la próxima edición!!!

Editora Ana Karen Hernàndez Lòpez

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Tran Nguyen

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ncuentro interesante el ilustrar las emociones universales que nos encontramos todos los días—emociones que son escondidas, dentro de nuestros mentes.’ Tran Nguyen es una artista basada en Georgia. Nacida en Vietnam y criada en EUA, ella se graduó del Colegio de Arte y Diseño de Savannah en el 2009. en el 2009. Ella esta fascinada con crear visuales que pueden ser usado cono vehículo de soporte para psicoterapias, cambiando los paisajes surreales de la mente. Sus pinturas son creadas con delicada calidad usando lápices de colores y detalles de acrílico sobre papel.

La obra de Tran ha sido expuesta en galerías de Nueva York, Los Ángeles, Miami, Londres y Barcelona.

les que pueden ser

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Centrándose en delicado, etéreas figuras femeninas en su trabajo, Tran Nguyen y Stella Im Hultberg, se hizo con forman una pareja perfecta para sus dos personas muestran, “prestados Recuerdos”, estrenando en Thinkspace en Culver City el 29 de septiembre. Tran de Nguyen retratos tomar un enfoque barroco, envolviendo personajes femeninos en las capas de las flores y vestidas con telas. Mientras tanto, Stella el Im de nuevas bellezas fracturarse en formas de gota lienzos.

E

sta joven de 24 años quien provoca a través de sus piezas un ambiente de introspección gracias a metáforas visuales e imágenes simbólicas que invitan a reflexionar sobre la vida y el subconsciente. Los rombos amarillos que aparecen en sus obras, demuestran su admiración por el arte Moderno y la influencia de Klimt. Sus tensas emociones y tribulaciones me inspiran para ilustrar estas condiciones humanas. Trato de localizar el concepto detrás de cada uno de mis cuadros hacia una emoción.

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Proceso Creativo Tran Nguyen

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T A

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Entrevista TRAN NGUYEN

Por favor, hablenos sobre usted y lo que espera comunicar a través de su obra.

Mi nombre es Tran, pronunciado “tron” (l ike la película). Nací en Vietnam y criado en Georgia, donde estudió ilustración en el Savannah College of Art and Design. En la universidad, me encontré con un libro de terapia de arte titulada “ Arte y alma “por Bruce Luna y conceptualmente cambió el rumbo de mi trabajo para el mejor. Ayudar a entender el aspecto psicológico del arte, me he vuelto cada vez más intrigado por terapéutico imágenes - arte por y para la mente y el espíritu. ¿Puede compartir un poco sobre los temas detrás de su nuevo cuerpo de trabajo?

“La sinapsis entre aquí y allá” desarrolla el concepto detrás de mi anterior espectáculo ‘Cuidando el Alma Uneased’. Pero en lugar de centrarse en las duras pruebas universales de la vida, he hecho hincapié en la condición de la mente. Por definición, una sinapsis es “la región en la que un impulso nervioso pasa de una neurona (en este caso) a otro (allí).” Creo que este es el lugar donde se encuentran las reacciones crudas y viscerales de nuestra psique. En mi nuevo cuerpo de trabajo, cada cuadro representa metafóricamente la mente en respuesta a una circunstancia particular. Se está dando forma a un impulso psicológico, con un toque de surrealismo y una pinta de fantasía. ¿Cuándo supiste que querías seguir el camino de ser un artista de la pista a tiempo completo ar?

Fue muy brusco. Un día, durante mi último año en la escuela secundaria, se acaba de hacer clic. Me dije a tener confianza, perseguir algo exagerado, y van ser artista.

Por favor describa su proyecto de sueño si el tiempo y el dinero no fuera problema.

Cuando sea mayor, quiero dedicar 5 años de mi vida artística de crear arte que beneficiará a los pacientes y el personal de un hospital. Me gustaría pasar al menos 1 año en la investigación de los pacientes regulares, conserjes, personal de enfermería y médicos, para saber lo que ellos interpretan como visualmente terapéutico. Al final de los 5 años, voy a colgar los cuadros en las salas de recuperación. Si se considera un éxito en ayudar a los pacientes y miembros del personal, fomentando el bienestar, la nutrición mental, o simplemente distrae su mente a medida que sanan físicamente entonces voy a continuar con la práctica en otros hospitales. Si se considera exitosa, entonces todavía estoy muy lejos de donde quiero estar.

Tema favorito en tu estudio?

Mi copia firmada de “El arte de Yoshitaka Amano :. Hiten “Es mi depósito de inspiración, sobre todo cuando me tocado fondo y succión. ¿Hay alguien en artista en particular, o no, que le gustaría dar un grito a aquí?

Me gustaría expresar mi gratitud a Juan Foerster, profesor SCAD y mentor, quien me ayudó a lo largo de mi carrera. Y como siempre, con el apoyo incondicional de mi familia / amigos para lidiar con el temperamento rabietas / infierno que he dado de la tensión en la creación de este nuevo cuerpo de trabajo.

Los programas o proyectos especiales que vienen después de su exhibición con nosotros aquí en 10

Thinkspace le gustaría mencionar?

Aunque

LITOGRAPHIC

Proceso Litografico E

l proceso de la litografía fue inventado por Aloys Senefelder en el año de 1798. El principio del proceso se basa en el hecho de que la grasa y el agua no se mezclan. La litografía es impresa a partir de una superficie plana, puede ser una piedra o una lámina. El artista utiliza material grasoso para crear su imagen de modo directo sobre la superficie.

Con posterioridad ésta es tratada químicamente para que solo la imagen dibujada acepte tinta. El efecto de este procedimiento químico llamado “acidulado” no es para grabar la superficie, sino para separar químicamente las áreas con dibujo de las áreas sin dibujo.

Una litografía se inicia con la idea del artista y llega a su término con la imagen impresa en una hoja de papel. Entre la idea del artista y la impresión final existen varias consideraciones: el tipo de piedra o lámina a usarse, las diferentes técnicas y materiales para el dibujo, el procesado químico de la imagen, la impresión, el papel, y la estampa misma.

Existen varios tipos de piedras litográficas.

Las que provienen de Solnhofen en Bavaria, son consideradas óptimas.

La superioridad de estas piedras se debe a su fina y uniforme estructura molecular que conduce a una estable y consistente reacción de los procesos de dibujo, acidulado e impresión.

Antes del dibujo, la piedra debe ser “nivelada” y “graneada”. El proceso de graneado se hace

El disco se gira contra la superficie de la piedra junto con grano de carbourundum (altamente abrasivo) y agua. El propósito del graneado es preparar la superficie de la piedra para que pueda ser dibujada y cumple dos funciones; nivelar la piedra para que pueda ser impresa adecuadamente y para desengrasar la superficie de la piedra para que acepte adecuadamente los materiales de dibujo. Se utilizan granos de carborundum de diferentes tamaños; el grano grueso se utiliza al principio del graneado para desbastar la piedra con mayor facilidad y el grano más fino generalmente se utilizan para terminar el graneado ya que producen una textura fina en la superficie de la piedra lo cual ofrece la posibilidad de obtener un trazo de dibujo extremadamente fino y delicado.

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Salvador Dali

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Angelina Bellof

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Hesiquio Iriarte

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Tipos de Grabados U

GICLEE

na de las últimas técnicas desarrolladas dentro del mundo del grabado artístico es el giclée, tendencia que cada día gana más adeptos. A este nuevo método se le denomina en ocasiones ‘Iris’, en referencia a la impresora Iris 3047, la primera con la que se experimentó esta técnica. Las primeras reproducciones giclée, palabra francesa que significa pulverizar un líquido, son del año 1989. Las imágenes son escaneadas y digitalmente almacenadas para luego ser enviadas a una impresora inkjet de muy alta resolución.

El proceso parte de una imagen digitalizada a muy alta resolución, de tal manera que proporcione cerca de 1800 dpi visuales en el formato de salida, para lo cual se debe emplear naturalmente un escáner también de elevadas prestaciones, perfectamente calibrado, lo mismo que el monitor, en particular si se trabaja en color. El autor de la obra -o el operador de la computadora- procede entonces a realizar los ajustes y correcciones para finalmente guardar el archivo en un CD-ROM o en cualquier otro sistema de alta capacidad. Las imágenes deben ser escaneadas a 300 ppi en formato de salida, así que una copia de 75 x 100 cm ocupa 432 Megabites.

La impresora utiliza tintas especiales de altísima calidad, que son pulverizadas en gotas microscópicas por un capilar más fino que el grosor de un cabello, a

En el caso de la Iris, el papel va montado en un cilindro que gira a una velocidad de 250 a 375 cm por segundo, tardando aproximadamente una hora para hacer una impresión de 80 x 110 cm. A simple vista el trazo de la impresión no se aprecia.

El giclée ofrece una alta calidad de impresión en trabajos de arte que puede sustituir a las copias en papel de bromuro de plata en muchas aplicaciones. Las posibilidades creativas y el hecho de que todas las copias son idénticas, hace que sea ilimitado.

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RELIEVE E

l relieve es la forma de grabado más Antigua. Los grabados en relieve más antiguos se remontan a las xilografías chinas, que datan del siglo VIII. La xilografía aparece en Europa mucho después, en el siglo XV. El principio básico del grabado en relieve es crear una imagen en papel a partir de una superficie elevada de la matriz. El artista dibuja en la matriz o plancha y retira las áreas que no forman parte de la imagen. Estas áreas son partes negativas de la imagen, o espacios alrededor de los cuales veremos la imagen. La tinta solo alcanzará las áreas que el artista no toca. La plancha se entinta y se extiende sobre un pliego de papel. El artista podrá entonces presionar el papel utilizando su propia mano o pasarlo por una prensa de impresión. La imagen reproducida en el papel es como el reflejo en un espejo de la que hay en la plancha. La xilografía y los linocuts son los ejemplos más comunes de los grabados en relieve.

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INTAGLIO E

l Intaglio es precisamente lo opuesto al grabado en relieve. En este proceso el artista plasma la imagen mediante incisiones en la matriz y a continuación aplica tinta sobre estas líneas incisas, asegurándose de que las áreas que no se dibujaros quedan limpias de tinta. En la técnica del intaglio, el papel se humedece previamente con agua. Cuando se extiende sobre la matriz y es presionada por la imprenta, el papel es empujado hacia las ranuras de la plancha, lo que hace que la imagen se transfiera en el papel. Muchas técnicas de intaglio implican crear las incisiones mediante ácidos se comen la plancha de metal, con lo cual se protegen con ceras las áreas que no deben ser plasmadas en el papel. Las variantes de la técnica del intaglio incluyen: la puntaseca, el aguatinta, el grabado, la mezzatinta, fuerte.

y el agua-

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SERIGRAFIA T

odas las obras serigráficas se basan en el concepto del estarcido.La técnica del estarcido emplea una fina hoja de un material resistente con un diseño recortado en ella.

Esta lamina se coloca sobre una superficie receptora (papel, lienzo, etc.). Una vez que la pintura se aplica sobre la superficie de la lamina, solo alcanzará la parte de la superficie receptora colocada bajo la zona donde el diseño ha sido recortado.

Las técnicas de estarcido se desarrollaron en la Serigrafía en el Reino Unido de los años 20. Sin embargo, no se utilizó plenamente hasta los años 60, cuando el Pop Art tuvo su debut con Andy Warhol.

Actualmente la serigrafía en seda es la técnica más conocida de las serigrafías. Esta técnica se emplea en numerosos objetos cotidianos como posters, camisetas, tejidos estampados... el uso más famoso de esta técnica se puede ver en las obras de Andy Warhol.

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STREET ART

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WEATH PASTE

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s un genero utilizado desde hace mucho tiempo y que es conocido como pasta de harina, arroz, pasta, pegamento marxista, entre otros el cual consiste en un adhesivo utilizado para pegar los carteles y cuya funci贸n es la de no maltratar las superficies en las cuales se vaya a utilizar al colocar el adhesivo, y que adem谩s se usa en otras artes como el decoupage, collage y papel mache, inclusive algunos activistas y diversas subculturas proponentes suelen utilizar esta adhesivo para colgar la propaganda y la obra de arte en las zonas urbanas y cerca de las zonas de trafico de las ciudades.

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JAMMERS S

e le ha llamado un movimiento de resistencia a la hegemonía cultural, mientras que algunos dicen que el tema o la definición de esta cultura es un bloqueo individualista de atascos que no se definen por ninguna posición política, ni siquiera de alguna posición cultural o por manifestar un tipo de mensaje. Es un homogéneo popular a la cultura de guerrilla y la comunicación. El hilo común es sobre todo un deseo de diversión asoma dicha homogeneidad existente dentro de la cultura popular ya que a menudo se usa por medio de la guerrilla de comunicación, es decir, comunicación no autorizada o que se encuentran en oposición al gobierno o de otros particulares.

Inclusive podría definirse como un movimiento artístico, aunque esto también puede ser insuficiente para cubrir todo el espectro de actividades identificadas como la cultura de atascos. Este género de cultura de bloqueo se ha caracterizado como una forma de lucha publica que en general está en oposición al comercialismo, y a los vectores de una imagen corporativa. Por otro lado está el arte de madera el cual consiste en que se pinta en una pequeña porción de madera o algún material similar de bajo costo y que se adjunta a la calle signo puesto con las saetas. Mientras que las instalaciones por lo regular se han considerado como el arte convencional de la calle que es sinónimo de graffiti utilizando las superficies o muros, sin embargo existe otro tipo como son “las instalaciones de la calle “que se realizan con el uso de objetos 3D y consiste en utilizar un espacio para interferir con el medio ambiente urbano, mientras que otros pueden apreciar los retos y los riesgos que están asociados con la instalación ilícita de obras de arte en lugares públicos.

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STREET ART

ARTE DE INTERVENCION E

s una interacción con una obra de arte ya existente, entre el público o lugar / espacio. Es un arte meramente conceptual o un arte de performance. También se ha conocido por el hecho del gran uso de la Stuckists que se encarga de afectar la percepción de otras obras de arte que se oponen, y son como una protesta contra una intervención existente.

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STICKERS ART

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l sticker art y no es más que la pegatina de arte, también conocido como etiqueta de bombardeo, etiquetado bofetada o la etiqueta de marcado, en el que una imagen o un mensaje se muestra públicamente mediante pegatinas. Esta forma de arte callejero que permite al graffiti de etiquetas el ser colocadas al instante en cualquier lugar de forma accesible con un riesgo mucho menor de aprehensión y menos daño a la meta de superficie que es posible en otros tipos de arte callejero. Existen muchos tipos de adhesivos que se utilizan para crear la etiqueta de arte y que son aquellas que pueden ser adquiridos a bajo costo.

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STENCIL

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s un proceso de stencilling supone la aplicación de la pintura atreves de una plantilla para formar una imagen sobre una superficie más adelante. A veces, múltiples capas de plantillas se utilizan en la misma imagen para añadir colores o crear la ilusión de profundidad. Para algunos, es un fácil método para producir un mensaje político, muchos artistas aprecian la publicidad de sus obras de arte que pueden recibir. Y algunos solo quieren que su trabajo sea visto, dado que la plantilla permanece uniforme a lo largo de su uso, es más fácil para un artista reproducirlo rápidamente lo que podría ser una pieza complicada en una tasa muy rápida, en comparación con otros métodos convencionales de marcado.

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STREET ART

FLY POSTING

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s una técnica de publicidad utilizado por la mayoría de las pequeñas empresas y ha sido usado en la promoción de conciertos y como fines de activismo político, y para otros grupos, pero habido ocasiones en que las empresas internacionales realizan la subcontratación local para agencias de publicidad fly postyng con puestos de trabajo a fin de no quedar atrapados en el comportamiento ilegal. Pero también encontramos la proyeccion de video y esta técnica consiste en aplicar video tratado como materia sobre la fachada de edificios o de distintas morfologías como teatros, ayuntamientos, museos, palacios u hoteles, jugando con sus formas y volúmenes. Se adapta perfectamente a cualquier tipo de acto: presentaciones, aniversarios, inauguraciones, exposiciones, fiestas populares, eventos culturales y conciertos, y nos permite crear autenticas ambientaciones nocturnas y da al evento un valor artístico excepcional mezclando la arquitectura monumental y las nuevas tecnologías.

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STREET ART

DIFERENCIAS STRET ART Y GRAFFITI

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STREET ART

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l street art es todo el arte desarrollado en los espacios públicos es decir, “en las calles”, aunque el termino generalmente se refiere al arte de un acto ilícito de naturaleza, a diferencia de las iniciativas patrocinadas por el gobierno, otros ven a la calle como el espacio urbano con un formato sin explotar para fines personales de crear obras de arte, mientras que otros pueden apreciar los retos y los riesgos que están asociados con la instalación ilícita de dichas obras en lugares públicos. Sin embargo, el tema universal en la mayoría si no es que en todo el street art, es la adaptación de obras de arte visual en un formato que se utiliza el espacio público, y permite que los artistas que de otro modo se verían privados puedan llegar a una audiencia mucho más amplia que la tradicional obra de arte de galerías que normalmente permiten. Por estas mismas razones surgen distintos géneros que se desprenden de esta corriente y que cada uno maneja una visión distinta de hacer el arte en la calle

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l graffiti esta considerado una forma de arte urbano y expresion juvenil. Los artistas graffiti pintan en las calles para expresar un sentimiento artistico. e llama grafiti (palabra plural tomada del italiano graffiti, graffire, a su vez del latín scariphare, es decir, “incidir con el scariphus”, el estilo o punzón con que escribían los antiguos en las tablillas1 o pintada a varias formas de inscripción o pintura, generalmente sobre mobiliario urbano. La Real Academia Española define como «grafito» una pintada particular, y su plural correspondiente es “grafitos”, aunque esta palabra es específica de las inscripciones arqueológicas.

Su origen son las inscripciones que han quedado en paredes desde los tiempos del Imperio romano, especialmente las que son de carácter satírico o crítico.

Su origen son las inscripciones que han quedado en paredes desde los tiempos del Imperio romano, especialmente las que son de carácter 27

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FOTOGRAFIX

SCOTT STUBERG S

cott Stulberg es el fotógrafo del deslumbramiento. Uno de esos artistas o cronistas de la vida multiforme que busca la belleza, la verdad y la emoción en cada toma. Parece creer en el milagro de la lentitud: sabe, o intuye, que el paisaje, un rostro o un grupo de animales salvajes, de tierra, agua o aire, le darán la gran oportunidad que busca. En este ins­tante, él está allí: con su técnica, con su talento y con su creatividad. Y en él creatividad es sinónimo de imaginación y de intuición.

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FOTO DE Publicitaria

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e utiliza una amplia drama de técnicos especialistas con el fin de que las imágenes serán atractivos para el consumidor, y así ser una elemento de menor influenza sobre el televidente.

La fotografía sirve como inspiración e influye en las ideas políticas y sociales de la gente. Por ellos alrededor de 1920 se empezó a utilizar como un componente más de la publicidad.

La creación publicitaria se vió apoyada por nuevos software y entró con fuerza la post producción, de hecho antiguamente las fotos “publicitarias” eran las llamadas de “ arte final”, ya que eran realizadas de una vez o retocadas con aerógrafo sobre la emulsión, trabajo de por sí para expertos. La fotografía también sigue las nuevas tendencias que impone la moda y el cine, el uso de lentes o tendencias de “color”. Con la llegada de las cámaras digitales, se empieza a perder lo que en esencia es la foto profesional (formato medio, cámara técnica) tomas realizadas con película tradicional (negativo, diapositiva), aunque los grandes fotógrafos siempre usan formatos grandes, por la calidad final y si además son digitalizadas en scaner de alta resolución, los resultados son fabulosos.

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BARRIDOS

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COMICON

MANGA E

s la palabra japonesa para designar a las historietas en general. Fuera de Japón, se utiliza exclusivamente para referirse a las historietas niponas.

El manga abarca una amplia variedad de géneros, y llega a públicos diversos y personas adultas. Constituye una parte muy importante del mercado editorial de Japón y motiva múltiples adaptaciones a distintos formatos: series de animación, conocidas como Anime, o de imagen real, películas, videojuegos y novelas. Cada semana o mes se editan nuevas revistas con entregas de cada serie, al más puro estilo del folletín, protagonizadas por héroes cuyas aventuras en algunos casos seducen a los lectores durante años.1 Desde los años ochenta, ha ido conquistando también los mercados occidentales

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caracteristicas A

diferencia de las otras dos grandes escuelas de historieta (la franco-belga y la estadounidense), en el manga las viñetas y páginas se leen de derecha a izquierda, al igual que en la escritura tradicional japonesa. El más popular y reconocido estilo de manga tiene también otras características distintivas, muchas de ellas por influencia de Osamu Tezuka, considerado el padre del manga moderno.

Scott McCloud señala, por ejemplo, la tradicional preeminencia de lo que denomina efecto máscara, es decir la combinación gráfica de unos personajes caricaturescos con un entorno realista, como también sucede en la línea clara.3 En el manga es frecuente, sin embargo, que se dibujen de forma más realista alguno de los personajes u objetos (éstos últimos para indicar cuando sean necesario sus detalles).

McCloud detecta también una mayor variedad de las transiciones entre viñetas que en los comics occidentales, con una presencia más sustancial del tipo que denomina «aspecto a aspecto», en la que el tiempo no parece avanzar.

También hay que destacar el gran tamaño de los ojos de muchos de los personajes, más propio de individuos occidentales que japoneses, y que tiene su origen en la influencia que sobre Osamu Tezuka ejerció el estilo de la franquicia Disney.

Lectura de Manga

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HISTORIA E

l manga nace de la combinación de dos tradiciones: La del arte gráfico japonés, producto de una larga evolución a partir del siglo XI, y la de la historieta occidental, afianzada en el siglo XIX. Sólo cristalizaría con los rasgos que hoy conocemos tras la Segunda Guerra Mundial y la labor pionera de Osamu Tezuka. [editar]La tradición gráfica japonesa Las primeras características del manga pueden encontrarse en el Chōjugiga (dibujos satíricos de animales), atribuidos a Toba no Sōjō (siglos XI-XII), del que apenas se conservan actualmente unos escasos ejemplares en blanco y negro.

Durante el período Edo, el ukiyoe se desarrolló con vigor, y produjo las primeras narraciones remotamente comparables a los géneros actuales del manga, que van de la historia y el erotismo a la comedia y la crítica. Hokusai, una de sus figuras, implantaría el uso del vocablo manga en uno de sus libros, Hokusai Manga, recopilado a lo largo del siglo XIX.

Comparación de Charles Wirgman (arriba) y Kōtarō Nagahara (abajo) en 1897.

Durante el siglo XIX, en plena transición de la era feudal a la industrializada, los artistas occidentales se maravillaban del ukiyo-e, gracias a la exótica belleza que transmitía.

Con todo, los verdaderos inicios del manga moderno no se debieron al esteticismo del arte del período Edo, sino a la expansión de la influencia cultural europea en Japón.6 Fueron Charles Wirgman y George Bigot (ambos, críticos de la sociedad japonesa de su tiempo), quienes sentaron las bases para el desarrollo ulterior del manga. La revista británica Punch (1841) fue el modelo para la revista The Japan Punch (1862-87) de Wirgman, como lo había sido antes para otras revistas similares en otros países. También en 1877 se publicó el primer libro infantil extranjero: Max y Moritz del alemán Wilhelm Busch. ado. Si

Nacimiento del manga moderno (1945) Tras su rendición incondicional, Japón entraría en una nueva era.

El entretenimiento emergió como industria respondiendo a la necesidad psicológica de evasión ante una cruda posguerra. La falta de recursos de la población en general requería de medios baratos de entretenimiento, y la industria tokiota de mangas basados en revistas vio surgir competidores.

Apareció así el Kamishibai, una especie de leyendas de ciego, que recorría los pueblos ofreciendo su espectáculo a cambio de la compra de caramelos. El Kamishibai no competía con las revistas, pero sí otros dos nuevos sistemas de distribución centrados en Osaka: Las bibliotecas de pago, que llegaron a constituir una red de 30.000 centros de préstamo que producía sus propios mangas en forma de revistas o tomos de 150 páginas. trasladó a un edificio de la capital llamado Tokiwasi, al que peregrinarían los nuevos autores. Hay espacio, sin embargo, para autores como Machiko Hasegawa, creadora de la tira cómica Sazae-san (1946-74), Kon Shimizu 35

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