Verlagsvorschau_Frühjahr_2022 by Kerber Verlag

Neuerscheinungen Frühjahr 2022 New Publications Spring 2022

HIGHLIGHTS

Christopher Winter

Ilya and Emilia Kabakov

Lisa Klein

Artists of the Year

Sebastian Jung

Hermann Nitsch

Alex Stoddard

THE OPÉRA

Nation, Narration, Narcosis

ART

PHOTO Mika Sperling

Andreas Trogisch

Andrea Wilmsen

Alex O’Dell

55 56 57

MINDBOMBS

Iris Friedrich

Kunstmuseum St.Gallen

Gisela Erlacher

Ben Willikens

Opera Opera

ars viva 2022

CULTURE

Emeka Ogboh

Zeithistorische Ausstellungen

Christine Ödlund

Suizid. Let’s talk about it!

Miguel Rothschild

Serena Ferrario

HERBST BESTSELLER FALL BESTSELLERS

Herbst | Fall 2021

Bildnachweis | Image Credits

Tim Sandow

Eja Siepman van den Berg

Man Ray

Dieter Huber

Johannes Brus

Laura Kärki

Rune Guneriussen

Zsolt Berszán

Gereon Krebber

atelierJAK

SoS

Das hätten wir nicht erwartet

Anne-Marie Sprenger

The Dialogics of Contemporary Art: Painting Politics

Auslieferungen und Vertretungen Distribution and Representation

Verzeichnis | Index

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Dear booksellers, friends of books, and art enthusiasts, Liebe Buchhändler*innen, Bücherfreund*innen und Kunstbegeisterte, auch im Verlagswesen hat die Coronakrise Spuren hinterlassen. Steigende Energiepreise und Engpässe in den Lieferketten haben Papier knapp und teuer gemacht. Dass wir in dieser Zeit dennoch ein Programm von hoher Qualität auf die Beine stellen konnten, erfüllt uns mit Stolz und Dankbarkeit. Wie gewohnt, zählen einige große Namen der zeitgenössischen Kunst zu unserem Programm: Ilya und Emilia Kabakov zeigen nie zuvor präsentierte Arbeiten im begleitenden Katalog zur Ausstellung im Dallas Contemporary. Die 20. Malaktion von Hermann Nitsch, die einen Meilenstein des Wiener Aktionismus darstellt, wird in einem neuen Band ausführlich dokumentiert. Gleich drei junge, bemerkenswerte Positionen präsentiert die Deutsche Bank im Begleitkatalog zur Ausstellung Artists of the Year. Das Frühjahr steht bei uns außerdem im Zeichen der fotografischen Neuentdeckungen. Der junge Amerikaner Alex Stoddard machte bereits mit seinen Selbstporträts auf Social Media auf sich aufmerksam und veröffentlicht nun sein erstes Buch INSEX. Mika Sperlings Werk Mother Tongue war bereits in den Deichtorhallen Hamburg und im FOAM in Amsterdam zu sehen und erscheint nun erstmals in Buchform. The Opéra, unser Magazin zur Aktfotografie, feiert sein zehnjähriges Bestehen mit einer spannenden Ausgabe, die das Thema Diversität zum Schwerpunkt hat.

the Corona crisis has also left its mark on the publishing world. Rising energy prices and supply-chain difficulties have made paper scarce and expensive. The fact that we have nonetheless been able to produce a high-quality program at this time thus fills us with pride and gratitude. As usual, a number of big names in contemporary art are part of our program: Ilya and Emilia Kabakov show never before presented works in the catalogue accompanying the exhibition at Dallas Contemporary. The twentieth painting action of Herrmann Nitsch, a milestone in Viennese Actionism, is documented in detail in a new volume. The Deutsche Bank presents three noteworthy young positions in the catalogue for the exhibition Artists of the Year. New photographic discoveries are also a focus for us in the spring. The young American Alex Stoddard has already attracted attention on social media with his self-portraits and is now publishing his first book, INSEX. Mika Sperling’s work Mother Tongue was presented already at the Deichtorhallen Hamburg and at FOAM in Amsterdam and is now being published for the first time in book form. The Opéra, our magazine on nude photography, is celebrating its ten-year anniversary with a fascinating issue focusing on the topic of diversity. We express our thanks to the artists, authors, curators, and other contributors for designing this program in cooperation with us. Close, trusting collaboration is what makes it possible for us to create unique publications that prove that the printed book can also survive difficult times.

Unser Dank gilt den Künstler*innen, Autor*innen, Kurator*innen und anderen Mitwirkenden, die dieses Programm gemeinsam mit uns gestalten. Nur in enger, vertrauensvoller Zusammenarbeit können wir einzigartige Publikationen erschaffen, die unter Beweis stellen, dass das gedruckte Buch auch schwierige Zeiten überdauern kann.

Christof Kerber 1

HIGHLIGHTS

Aktuelle Arbeiten des Künstlerehepaars in Dallas Current works of the artist couple in Dallas

Ilya und Emilia Kabakov, die seit drei Jahrzehnten als Ehepaar zusammenarbeiten, haben Angekündigt – noch nicht erschienen | Announced—not yet published:

den osteuropäischen Konzeptualismus auf besondere Art geprägt. In ihren großformatigen Installationen und Gemälden gehen Realität und Mythos nahtlos ineinander über und schaffen hyper-theatrale Umgebungen. Indem sie die visuelle Kultur der ehemaligen Sowjetunion aus den 1950er- bis 1970er-Jahren in das Vokabular der traditionellen Kunstgeschichte integrieren, thematisieren ihre Arbeiten universelle Ideen von Utopie, Fantasie und Hoffnung, aber auch von Angst und Unterdrückung. Working together as a husband-wife team for the past three decades, Ilya and Emilia Kabakov have defined and pushed Eastern European conceptualism to epic levels. Their large-scale installations and paintings seamlessly merge both reality and myth to create hyper-theatrical environments. By integrating the visual culture of the former Soviet Union from the 1950s to ’70s into the traditional lexicon of art history, their work addresses universal ideas of utopia,

Ilya Kabakov Paintings / Gemälde 2013–2021 Catalogue Raisonné, Vol. IV

fantasy and hope, as well as fear and oppression.

Ausstellung | Exhibition: Paintings about Paintings, 25.9.2021–13.2.2022, Dallas Contemporary, Texas

Die 10. Ausgabe der Programmreihe der Deutschen Bank The 10th edition of the Deutsche Bank program series

Artists of the Year Maxwell Alexandre, Conny Maier, Zhang Xu Zhan Herausgegeben von | Edited by: Deutsche Bank AG, Art & Culture Texte von | Texts by: Fernando Cocchiarale, Britta Färber, Anna Herrhausen, Marlene A. Schenk, Nobuo Takamori Gestaltung | Graphic design: Kerstin Riedel, Berlin 23,8 ∞ 28,5 cm, ca. | approx. 180 S. | pp., ca. | approx. 140 farb. Abb. | col. ills., Softcover Erscheint im März 2022 To be published March 2022

Vor einer Dekade initiierte die Deutsche Bank das Programm Artist of the Year. Anlässlich

isbn 978-3-7356-0828-4 Englisch (mit Übersetzungen der Texte in Brasilianisch, Deutsch und Chinesisch) | English (with translations of the texts in Brazilian, German, and Chinese)

des Jubiläums werden erstmals drei Künstler*innen ausgezeichnet: Maxwell Alexandre, Conny

Ca. | approx. 5 40,– (D) chf 52,–

kreisen um Gemeinschaft und Gewalt, Hip-Hop und Spiritualität. Conny Maier lebt und arbeitet

Maier und Zhang Xu Zhan. Alle drei verbindet, dass sie über ungewöhnliche Wege zur Kunst gekommen sind. Maxwell Alexandre wurde 1990 in Rocinha, Rio de Janeiros größter Favela, geboren, wo er auch heute noch lebt. Die Arbeiten des Künstlers afrikanischer Abstammung in Berlin und Portugal und ist eine der wichtigsten Entdeckungen in der aktuellen deutschen Malereiszene. Maiers Kunst reflektiert eine von Repräsentation und Materialismus bestimmte Welt, in welcher der Mensch die Kontrolle zu verlieren scheint. Zhang Xu Zhan wurde 1988 in Taiwan geboren. Er greift die Familientradition der Herstellung von Papierfiguren auf und setzt sie in Filminstallationen ein, die in das Reich von Naturgeistern und Dämonen führen. About a decade ago, Deutsche Bank initiated the Artist of the Year program. On the occasion of its tenth anniversary it is now, for the first time, giving the award to three artists at the same time: Maxwell Alexandre, Conny Maier, and Zhang Xu Zhan. What all three have in common is that they came to contemporary art via unusual paths and bring very specific life experiences and cultural influences with them. Maxwell Alexandre was born in Rocinha, Rio de Janeiro’s largest favela, where he still lives today. The paintings and installations of the artist of African descent revolve around community and violence, hip-hop and spirituality. Conny Maier lives and works in Berlin and Portugal and is one of the most important discoveries in the current German painting scene. Maier’s art reflects a world shaped by representation and materialism,

Ausstellung | Exhibition: Artists of the Year: Maxwell Alexandre, Conny Maier, Zhang Xu Zhan, 15.9.2021 – 14.3.2022, PalaisPopulaire, Berlin

in which people seem to lose control. Zhang Xu Zhan was born in 1988 into a family that has been making and trading in traditional paper figurines for over a century. His stop-motion films, staged in immersive installations, take us into the realm of nature spirits and demons.

Dokumentation einer bedeutenden Malaktion Documentation of an important painting action

Hermann Nitsch 20th Painting Action Vienna Secession Herausgegeben von | Edited by: Helmut Essl Texte von | Texts by: Dieter Buchhart, Hermann Nitsch, Otmar Rychlik Gestaltung | Graphic design: Florian Cerny, Nekta Brands, Klosterneuburg, Österreich | Austria 25 ∞ 29 cm, 108 S. | pp., 86 farb. Abb. | col. ills., Hardcover mit Schmuckschuber | with slipcase Erscheint im Februar 2022 To be published February 2022 isbn 978-3-7356-0823-9 Englisch | English 5 68,– (D) chf 88,50

Hermann Nitsch, 1938 in Wien geboren, ist Mitbegründer des Wiener Aktionismus und zählt zu den internationalen Pionieren der Performing-Art-Bewegung. Mit seinen weltberühmten Malaktionen hat der österreichische Universalkünstler Entscheidendes zur Entwicklung der Kunst nach 1945 beigetragen. Bis dato wurden mehr als neunzig Malaktionen verwirklicht, zuletzt jene für die Walküre bei den Bayreuther Festspielen im Sommer 2021. Die 20. Malaktion wurde 1987 in der Wiener Secession realisiert und ist die einzig vollständig verfügbare Malaktion des Künstlers. Entstanden im Haus unbedingter künstlerischer Freiheit symbolisiert dieser wichtige Werkkomplex den außergewöhnlichen Werdegang von Hermann Nitsch und ist ein unwiederbringliches Zeitdokument mit internationaler Strahlkraft. Hermann Nitsch, born in Vienna in 1938, is a co-founder of Viennese Actionism, and one of the international pioneers of the Performance Art Movement. This Austrian universal artist’s worldfamous painting actions have made a major contribution to the development of art post 1945. More than ninety of these painting actions have been staged thus far; the most recent were held at the Bayreuth Festival in the summer of 2021 to accompany a new production of the opera The Valkyrie. Nitsch’s twentieth painting action took place at the Vienna Secession in 1987 and is the only instance in which the artist’s action works have remained fully available. This is probably Nitsch’s most important integrated work of this kind. It symbolizes his extraordinary artistic development and constitutes an unrepeatable contemporary document which exudes an international radiance.

Zeitgenössische fotografische Allegorien Contemporary photographic allegories

INSEX ist die erste Monografie des amerikanischen Fotografen Alex Stoddard (*1993), in der er die Parallelen zwischen der Metamorphose in der Natur und dem menschlichen Erwachsenwerden untersucht. Durch inszenierte, stark stilisierte Bilder lädt Stoddard die Betrachtenden in eine farbig-düstere Welt der aufkeimenden Sexualität und der krabbelnden Insekten ein. Die bisher unveröffentlichte Serie von siebzig Bildern zeichnet ein surreales Bild der Adoleszenz in einem prächtigen Rausch von schwirrenden Hormonen und sprießenden Flügeln. Jede Szene zeigt ein jugendliches Subjekt – oft Stoddard selbst – in einem Zustand der Veränderung oder in Verbindung mit einem vielbeinigen Gegenüber. INSEX ist die erste abgeschlossene Werkreihe des Künstlers. INSEX is the debut monograph by the American photographer Alex Stoddard (*1993), in which he explores the parallels between metamorphosis in the natural world and human coming-of-age. Through staged, highly stylized images, Stoddard invites viewers into a colorfully dark world of budding sexuality and crawling insects. The previously unreleased series of seventy images paints a surreal picture of adolescence in a glorious frenzy of buzzing hormones and sprouting wings. Each scene features a youthful subject—often Stoddard himself—in a state of change or paired with a many-legged counterpart. INSEX marks the artist’s first cohesive collection of work. Ausstellung | Exhibition: INSEX, Frühjahr 2022 | Spring 2022, Fahey/Klein Gallery, Los Angeles, Kalifornien | California

Das Jubiläumsmagazin The Anniversary Edition

THE OPÉRA Volume X Herausgegeben von | Edited by: Matthias Straub Texte von | Texts by: Julie Buchik, Jimmy James & Larissa Barddal Fantini, Laura Müller-Sixer, Katja Wanke Gestaltung | Graphic design: Christina Rollny 24 ∞ 31 cm, 224 S. | pp., 50 S/W- und 117 farb. Abb. | 50 b&w and 117 col. ills., Klappenbroschur | Softcover with flaps isbn 978-3-7356-0813-0 Englisch | English 5 45,– (D) chf 58,50

Einmal im Jahr versammelt der Herausgeber Matthias Straub im Fotoband The Opéra die Werke internationaler Fotograf*innen. Im Fokus steht dabei die klassische und zeitgenössische Interpretation des menschlichen Körpers in all seinen Facetten, Perspektiven, Ausprägungen und Auslegungen. In der Jubiläumsausgabe erfindet sich das Magazin wieder einmal neu und bleibt dennoch seiner Haltung treu. Bei der Gestaltung war zum ersten Mal eine Frau federführend: Collector’s Edition (Vol. 1) Jo Schwab: 5 800,– (D) Bear Kirkpatrick: 5 1.500,– (D)

Christina Rollny (*1997) verleiht Volume X ein experimentelles und gleichzeitig erfrischend junges Erscheinungsbild. Der Band ist in einen klassischen und einen zeitgenössischen Akt unterteilt. Der klassische Teil weist zahlreiche Schwarz-Weiß-Strecken mit sehr feinfühligen Körperbetrachtungen auf, während der zeitgenössische Teil außergewöhnlich farbig

Künstler*innen | Artists: Evelyn Bencicova, Christophe Boussamba, Marius Budu, Markus Burke, Emanuele Centi, Jay Davies, Samantha Evans, Anna Försterling, Mia Macfarlane und | and Julien Crouigneau aka French Cowboy, Katja Heinemann, Horst Herget, Kenny Lemes, Dorian Ulises López Macías, Shinichi Maruyama, Sara Mautone, Mariam Medvedeva, Henny de la Motte, Justyna Nerang, Hanna Pallot, Julia Radionova, Remi Rebillard, Red Rubber Road, Ryuta Sakurai, Tobias Slater Hunt, Wolfie Slowak, Gordon Spooner & Louise Rocard, Maxim Vakhovskiy, Sean Patrick Watters, Roger Weiss, Dimitros Yeros, Lina Zangers

gestaltet ist. Once a year, the editor Matthias Straub brings together works by international photographers in the photo volume The Opéra. The focus is on classical and contemporary interpretations of the human body, with all its facets, perspectives, expressions and interpretations. The Opéra. Volume X is an anniversary edition that has been invented somewhat anew, but nevertheless remains true to its position. For the first time, a woman has been responsible for the design: Christina Rollny (*1997) has given Volume X an experimental and simultaneously refreshingly young look. The edition is divided up into a classic and a contemporary act. The classic section presents numerous sequences of black-and-white photos with very sensitive looks at the body, while the contemporary section is extremely colorful.

Ein transnationales Forschungs- und Ausstellungsprojekt im Hamburger Bahnhof A transnational research and exhibition project at Hamburger Bahnhof

Nation, Narration, Narcosis Collecting Entanglements and Embodied Histories Herausgegeben von | Edited by: Anna-Catharina Gebbers, Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin und | and Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin Texte von | Texts by: Sven Beckstette, Stefan Dreyer, Patrick D. Flores, Gridthiya Gaweewong, Anna-Catharina Gebbers, Pujita Guha, Gabriele Knapstein, Charlotte Knaup, Rosalia Namsai Engchuan, Ariel Orah, Grace Samboh, David Teh, Abhijan Toto, Sarnt Utamachote, Hortensia Völckers, June Yap Gestaltung | Graphic design: Studio Yukiko, Berlin 21 ∞ 26 cm, ca. | approx. 240 S. | pp., ca. | approx. 200 farb. Abb. | 200 col. ills., Softcover Erscheint im Frühjahr 2022 To be published Spring 2022 isbn 978-3-7356-0835-2 Deutsch | Englisch German | English Ca. | approx. 5 45,– (D) chf 58,50

Nation, Narration, Narcosis: Collecting Entanglements and Embodied Histories widmet sich dem Verhältnis von Kunst zu politischen Protesten, historischen Traumata und gesellschaftlichen Narrativen vom 19. Jahrhundert bis in die Gegenwart. Die Werke setzen sich mit den Auswirkungen von Nationenbildung, Kolonialismus oder dem Anthropozän auf Gemeinschaften, ihre Erzählungen und die Ökologie unseres Planeten auseinander. Ausgehend von Joseph Beuys' Konzept der Sozialen Plastik wird der im

Künstler*innen | Artists: Agan Harahap, Albert Samreth, Amanda Heng, Ampannee Satoh, Apichatpong Weerasethakul, Arahmaiani, Bruce Nauman, Bussaraporn Thongchai, Carl Schnebel, Charles Lim, Chulayarnnon Siriphol, Dolorosa Sinaga, Germaine Krull, Gregor Schneider, Gülsün Karamustafa, Hannah Höch, Ho Tzu Nyen, Holly Zausner, Jeroen de Rijke & Willem de Rooij, Joseph Beuys, Karl Hofer, Käthe Kollwitz, Kawita Vatanajyankur, Klaus Staeck, Korakrit Arunanondchai, Marcel Odenbach, Marina Abramović, Mary Wigman, Melati Suryodarmo, Ming Wong, Natalia LL, Natasha Tontey, Nguyên Bá Viet, Noa Eshkol, Orawan Arunrak, Öyvind Fahlström, Raoul Dufy, Ray Langenbach, Rudolf Jordan, Semsar Siahaan, Shane Bunnag & Pichet Klunchun, Soydivision, Stephanie Comilang, Sung Tieu, The Forest Curriculum, Tina HaimWentscher, Tita Salina, un.thai.tled, Valie Export, Vandy Rattana, Via Lewandowsky

Namen „Nationalgalerie“ enthaltenen Begriff der Nation mit alternativen Konzepten von Verbundenheit, Solidarität und Individualität konfrontiert. Nation, Narration, Narcosis: Collecting Entanglements and Embodied Histories at Hamburger Bahnhof is dedicated to the relationship between art and political protests, historical trauma, and social narratives from the 19th century to now. The works on display explore the effects of nation-building, colonialism or the Anthropocene on societies and their narratives, as well as the ecology of our planet. Departing from Beuys’s concept of the social sculpture, the exhibition confronts the notion of nation contained in the name “Nationalgalerie” with alternative concepts of connectivity, solidarity, and individuality.

Ausstellung | Exhibition: Nation, Narration, Narcosis: Collecting Entanglements and Embodied Histories, 28.11.2021 – 3.7.2022, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin

ART

Kunst und Terrorismus Art and terrorism

MINDBOMBS Visuelle Kulturen politischer Gewalt Visual Cultures of Political Violence Herausgegeben von | Edited by: Sebastian Baden, Larissa Diana Fuhrmann, Johan Holten unter Mitarbeit von | with assistance by Katharina Jörder, Kunsthalle Mannheim Texte von | Texts by: Sebastian Baden, Robert Dörre, Larissa D. Fuhrmann, Sebastian Gräfe, Christoph Günther, Daniel Hornuff, Katharina Jörder, Maryam Kirchmann, Charlotte Klonk, Farhad Khosrokhavar, W.J.T. Mitchell, Simone Pfeifer, Sylvia Schraut, Verena Straub Gestaltung | Graphic design: Jonathan Blaschke, Bruno Jacoby unter Mitwirkung von | with the collaboration of Anton Stuckhardt, Staatliche Hochschule für Gestaltung HfG Karlsruhe 17 ∞ 24 cm, 336 S. | pp., 72 S/W- und 93 farb. Abb. | 72 b&w and 93 col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0806-2 Deutsch | Englisch German | English 5 33,50 (D) chf 43,50

RAF, NSU und IS sind Akronyme terroristischer Gruppen, deren extremistische Propaganda und politische Gewalt die Bildenden Künste zu entschiedenen Reaktionen herausfordern. Die Ausstellung eröffnet deshalb eine hochaktuelle künstlerische Perspektive auf die Geschichte und politische Ikonografie des modernen Terrorismus. Erstmals werden in drei Sektionen vergleichend die Effekte des sozialrevolutionären, des rechtsextremen und des dschihadistischen Terrorismus auf die visuelle Kultur untersucht. Zwanzig Jahre nach dem 11. September 2001 und zehn Jahre nach der Entdeckung des NSU im Herbst 2011 gehen die Künstler*innen u. a. | Artists among others: Hiba Al Ansari, Khalid Albaih, Morehshin Allahyari, Francis Alÿs, Kader Attia, Walter Dahn & Jiří Dokoupil, Christoph Draeger, Hans-Peter Feldmann, Forensic Architecture, Chloé Galibert-Lâiné & Kevin B. Lee, Gregory Green, Johan Grimonprez, Richard Hamilton, Omar Imam, Christof Kohlhöfer, Susanne Kriemann, Jean-Jacques Lebel, Almut Linde, Georg Lutz, Édouard Manet, Paula Markert, Olaf Metzel, Henrike Naumann, Wolf Pehlke, Ariel Reichman, Gerhard Richter, Thomas Ruff, Ivana Spinelli, Klaus Staeck, Hito Steyerl, J.M. Volt

Ausstellung und die Publikation gemeinsam der Frage nach, wie sich politische Gewaltakte über die Medien auf das kulturelle Gedächtnis auswirken. RAF, NSU and IS are acronyms of terrorist groups whose extremist propaganda and political violence challenge the visual arts to react decisively. The exhibition therefore opens up a highly topical artistic perspective on the history and political iconography of modern terrorism. For the first time, three sections comparatively examine the effects of social revolutionary, far-right, and jihadist terrorism on visual culture. Twenty years after September 11, 2001, and ten years after the discovery of the NSU in the fall of 2011, the exhibition and publication together explore the question of how acts of political violence affect cultural memory through the media.

Ausstellung | Exhibition: MINDBOMBS – Visuelle Kulturen politischer Gewalt / Visual Cultures of Political Violence, 10.9.2021–24.4.2022, Kunsthalle Mannheim

Bedeutende Sammlungserweiterung Significant collection addition

Kunstmuseum St.Gallen Schenkungen aus der Sammlung Heiner E. Schmid Herausgegeben von | Edited by: Kunstmuseum St.Gallen Texte von | Texts by: Silvio Blatter, Ines Goldbach, Charlotte E. Remé, Dieter Schwarz, Toni Stooss, Roland Wäspe, Beat Wismer Gestaltung | Graphic design: textkurve, Baumgartner & Annaheim, Zürich 21,5 ∞ 27 cm, 176 S. | pp., 44 S/W- und 59 farb. Abb. | 44 b&w and 59 col. ills., Hardcover Erscheint im Frühjahr 2022 To be published Spring 2022 isbn 978-3-7356-0782-9 Deutsch | German Ca. | approx. 5 45,– (D) chf 58,50

Die vorliegende Publikation befasst sich mit einer der kohärentesten Schenkungen, die ein Schweizer Museum von einem privaten Sammler entgegennehmen durfte. In einfühlsamen Essays von Ines Goldbach, Dieter Schwarz, Toni Stooss, Roland Wäspe und Beat Wismer werden die erlesenen Werke mit großer Kompetenz behandelt und in den biografischen und kunsthistorischen Kontext gestellt. Mit dem Blick des Schriftstellers zeichnet Silvio Blatter ein vielschichtiges Porträt des Sammlers, und Charlotte E. Remé schildert die so außerordentliche Performance von Nam June Paik, die sie im August 1991 im Kunstmuseum St.Gallen miterleben durfte. Heiner E. Schmid, aufgewachsen am Bodensee, ermöglichte mit seinen Schenkungen dem Kunstmuseum St.Gallen eine sinnvolle Erweiterung der seit 1953 aufgebauten Museumssammlung von Werken der Moderne und der zeitgenössischen Kunst, die sich an internationalen Maßstäben orientiert. This publication deals with one of the most coherent gifts that a Swiss museum could receive from a private collector. The exquisite group of works is handled with great care and put into a biographical and art-historical context in sensitive essays by Ines Goldbach, Dieter Schwarz, Toni Stooss, Roland Wäspe, and Beat Wismer. Silvio Blatter draws a multilayered portrait of the collector with the gaze of an author, and Charlotte E. Remé describes the extraordinary performance by Nam June Paik that she had the opportunity to experience at the Kunstmuseum St.Gallen in August 1991. With his gift to the Kunstmuseum St.Gallen, Künstler*innen | Artists: Per Kirkeby, Mario Merz, Nam June Paik, Richard Serra, Thomas Virnich

Heiner E. Schmid, who grew up near Lake Constance, has facilitated a logical expansion of the museum’s collection of works of modern and contemporary art, which it has been developing since 1953 and which is oriented toward international standards.

Die große Einzelausstellung des deutschen Malers in der Albertina A major solo exhibition of the German painter at the Albertina

Seine großformatigen Gemälde, die zumeist streng komponierte, menschenleere Räume zum Hauptmotiv haben, machten Ben Willikens (*1939) in der zweiten Hälfte der 1970erJahre berühmt. Die Ausstellung und der dazugehörige Katalog zeigen knapp fünfzig Werke, die zwischen 1971 und 2021 entstanden sind, und spannen so einen Bogen über das gesamte Œuvre des Künstlers. Drei Werkgruppen bilden die Hauptsäulen: Die Anstaltsbilder der 1970er-Jahre, in denen Willikens einen düsteren Abschnitt seines Lebens motivisch verarbeitet, sowie die Serien ORTE und ORTE 2, die Willikens’ Auseinandersetzung mit der Architektur der NS-Zeit zum Thema haben. Darüber hinaus werden einige Arbeiten aus dem Zyklus Räume der Moderne präsentiert. His mostly precisely composed, large-format paintings, with deserted spaces as their main motif, made Ben Willikens (*1939) famous in the second half of the 1970s. The exhibition and accompanying catalogue present nearly fifty works created between 1971 and 2021 and thus span the artist’s entire oeuvre. Three groups of works form the central pillars: the Anstaltsbilder of the 1970, in whose motifs Willikens processes a dark chapter in his life, and the series ORTE (PLACES) and ORTE 2 (PLACES 2), which deal with Willikens’s examination of the architecture of the National Socialist period. There are also various works from the series Räume der Moderne (Spaces of Modernity). Ausstellung | Exhibition: Ben Willikens, 4.3. – 8.5.2022, Albertina Wien | The Albertina Museum, Vienna

Eine deutsch-italienische Kooperation A German-Italian cooperation

Opera Opera Allegro ma non troppo Herausgegeben von | Edited by: PalaisPopulaire / Deutsche Bank AG Texte von | Texts by: Johanna Dombois, Eleonora Farina, Anna Herrhausen, Hanru Hou, Giovanna Melandri, Bartolomeo Pietromarchi Gestaltung | Graphic design: Faible, Frankfurt am Main 20 ∞ 24,5 cm, ca. | approx. 176 S. | 176 pp., ca. | approx. 80 farb. Abb. | col. ills., Softcover Erscheint im Mai 2022 To be published May 2022 isbn 978-3-7356-0839-0 Deutsch | Englisch German | English

Oper – ein Wort, das sich vom italienischen Begriff für „Werk“ ableitet – ist ein im ständigen

Ca. | approx. 5 40,– (D) chf 52,–

Wandel begriffenes Genre. Während die Oper für manche eine überholte bürgerliche Kultur repräsentiert, verkörpert sie für viele andere die ultimative Kunstform mit geradezu revolutionären Möglichkeiten. Unmittelbar neben der Staatsoper gelegen, zeigt das PalaisPopulaire 2022 in Kooperation mit MAXXI, dem römischen Nationalmuseum der Künste des 21. Jahrhunderts die Ausstellung „OPERA OPERA. Allegro ma non troppo.“ Die Schau widmet sich diesem uritalienischen Thema und greift dabei auf eine breit angelegte Auswahl von Hauptwerken der Museumssammlung zurück. Aus der Perspektive der bildenden Kunst wird dabei die Faszination und das Potenzial der Oper als theatralisches Gesamtkunstwerk untersucht. Die Künstler*innen beschäftigen sich mit körperlichem Ausdruck, Maskierung, Inszenierung, Performativität sowie Erfahrungen von Raum und Klang. Opera, whose name derives from the Italian word for “work,” is a genre in constant flux. While some see it as representing outdated bourgeois culture, for many others it embodies the ultimate art form with almost revolutionary possibilities. Situated next to the State Opera, the PalaisPopulaire, in cooperation with MAXXI—National Museum of XXI Century Arts in Rome, will present the exhibition “OPERA OPERA Allegro ma non troppo” in 2022. Based on a wide and significant selection of the Museum’s Collection,

Künstler*innen u. a. | Artists among others: Vanessa Beecroft, Monica Bonvicini, William Kentridge, Liliana Moro, Olaf Nicolai, Luigi Ontani, Susan Philipsz, Kara Walker

the show is devoted to a quintessentially Italian subject while at the same time exploring the fascination and potential of opera as a theatrical Gesamtkunstwerk from the perspective of global visual arts. The featured artists deal with physical expression, masking, staging, performativity, experiences of space, and sound.

Preisgekrönte junge Kunst Award-winning young art

ars viva 2022 Tamina Amadyar, Lewis Hammond, Mooni Perry Herausgegeben von | Edited by: Min-Young Jeon und | and Mathilda Legemah, Kulturkreis der deutschen Wirtschaft im BDI e. V. Texte von | Texts by: Osei Bonsu, Min-Young Jeon, Karin Laanso, Quinn Latimer, Mathilda Legemah, Lisa Marei Schmidt, Mira Shah Gestaltung | Graphic design: Studio Manuel Raeder, Berlin 21 ∞ 28 cm, 144 S. | pp., 85 farb. Abb. | col. ills., Softcover, mit Schutzumschlag | with clothbound isbn 978-3-7356-0817-8 Deutsch | Englisch German | English 5 38,– (D) chf 49,40

Der ars viva-Preis für Bildende Kunst wird seit 1953 an herausragende junge, in Deutschland lebende Künstlerinnen und Künstler vergeben, deren Arbeiten eine eigenständige Formensprache und ein Bewusstsein für gegenwärtige Fragestellungen erkennen lassen. In diesem Jahr ist der Preis mit Ausstellungen im Brücke-Museum, Berlin, und im Kai Art Center, Tallinn, Estland, verbunden. Der Kulturkreis der deutschen Wirtschaft zeichnet in diesem Jahr Tamina Amadyar (*1989), Lewis Hammond (*1987) und Mooni Perry (*1990) mit dem ars viva-Preis 2022 aus. Since 1953, the Kulturkreis der deutschen Wirtschaft has awarded the ars viva Prize to outstanding young artists based in Germany. The award honours work that demonstrates a distinct language of form and an awareness of contemporary issues. This year’s award includes exhibitions at Brücke-Museum, Berlin and the Kai Art Center, Tallinn, Estonia. The ars viva Prize 2022 will be awarded to Tamina Amadyar (*1989), Lewis Hammond (*1987) and Mooni Perry (*1990).

Ausstellung | Exhibition: ars viva 2022, 19.9.–28.11.2021, Brücke-Museum, Berlin / ars viva 2022, Frühjahr 2022 | Spring 2022, Kai Art Center, Tallin, Estland | Estonia

Eine Klanginstallation in Frankfurt am Main A sound installation in Frankfurt am Main

Emeka Ogboh This Too Shall Pass Herausgegeben von | Edited by: Friederike von Bünau, EKHN Stiftung Texte von | Texts by: Johann Hinrich Claussen, Juliane von Herz, Emmanuel Iduma Gestaltung | Graphic design: Bureau Sandra Doeller, Frankfurt am Main 23 ∞ 31 cm, ca. | approx. 128 S. | pp., ca. | approx. 80 farb. Abb. | col. ills., Hardcover Erscheint im Februar 2022 To be published February 2022 isbn 978-3-7356-0826-0 Deutsch | Englisch German | English Ca. | approx. 5 50,– (D) chf 65,–

Im Sommer 2021 verwandelte der nigerianische Künstler Emeka Ogboh (*1977) die Frankfurter Innenstadt an Land und auf dem Wasser in eine Klanglandschaft. Die Soundinstallation THIS TOO SHALL PASS ist der Stadt Frankfurt am Main gewidmet und eine mögliche Antwort auf ein krisengeschütteltes Jahr 2020. Für Emeka Ogboh ist Musik ein Medium, um Menschen zu verbinden, unabhängig von ihrer Sprache, Herkunft und Konfession. Der Katalog dokumentiert die Inszenierung von THIS TOO SHALL PASS in der Stadt und gibt mit begleitenden Textbeiträgen Einblick in die Entstehung und Konzeption des Werkes. Durch die Einbindung von Augmented-Reality-Elementen werden Teile der Soundinstallation zugänglich gemacht. In the summer of 2021, the Nigerian artist Emeka Ogboh (*1977) transformed the center of Frankfurt into a sound landscape on water and on land. The sound installation THIS TOO SHALL PASS is dedicated to the city of Frankfurt am Main and offers a possible response to the crisis-ridden year 2020. For Emeka Ogboh, music is a medium for connecting people, regardless of their language, background, or religious denomination. The catalogue documents the staging of THIS TOO SHALL PASS in the city and provides insights into the creation and conception of the work with accompanying text contributions. Parts of the sound installation are made accessible through the integration of augmentedreality elements. Ausstellung | Exhibition: THIS TOO SHALL PASS, 2021, Frankfurt am Main

Überwindung der Sprachbarrieren zwischen Menschen und Pflanzen Transcending language barriers between people and plants

Christine Ödlund Growing the Third Ear under the Great Astral Mother Tree Texte von | Texts by: Christine Ödlund, mit Beiträgen von | with contributions by Louise Belfrage, Ulrika Pilo, Christopher Scheer Gestaltung | Graphic design: Patrick Waters, Waters Löwenhielm Stockholm, Schweden | Sweden 24 ∞ 32,5 cm, ca. | approx. 180 S. | pp., ca. | approx. 102 farb. Abb. | col. ills., Hardcover Erscheint im März 2022 To be published March 2022 isbn 978-3-7356-0834-5 Englisch | English Ca. | approx. 5 55,– (D) chf 71,50

Christine Ödlunds (*1963) erste Monografie ist als kohärentes Ganzes komponiert, in dem jeder Teil mit dem nächsten interagiert und in Resonanz steht. Mit besonderem Augenmerk auf den angemessenen Umgang mit den vielfältigen Formen von Intelligenz, die uns umgeben, findet Ödlund eine unerschöpfliche Inspirationsquelle in dem Konzept des Deep Listening, das besagt, dass Zuhören bedeutet, sich seiner selbst als Teil eines universellen Ganzen bewusst zu werden. Die Werke sind das Ergebnis der Umsetzung von Klang in Form und Bild durch die Künstlerin, insbesondere durch die Verwendung von Pflanzenpigmenten. Wenn wir die botanischen Motive und die sanften Farben dieser Papierarbeiten betrachten, können wir uns dem Pflanzenreich nicht nur mit neuen Augen, sondern vielleicht auch mit neuen Ohren nähern. Christine Ödlund’s (*1963) first monograph is composed as a coherent whole, with each part interacting and resonating with the next. Paying particular attention to the proper way of interacting with the multiple forms of intelligence surrounding us, Ödlund finds an inexhaustible source of inspiration in the concept of Deep Listening which states that listening implies becoming aware of oneself as part of a universal whole. The works are the result of the artist transposing sound into form and image, notably through the use of plant pigments. By contemplating the botanical motifs and the soft colors of these works on paper, we might be able to approach the plant kingdom not only with fresh eyes but possibly also with fresh ears.

Apokalyptische Visionen Apocalyptic visions

Miguel Rothschild Premonition Herausgegeben von | Edited by: Miguel Rothschild Texte von | Texts by: Helen Adkins Gestaltung | Graphic design: Harri Kuhn, mischen, Berlin 21 ∞ 28 cm, 128 S. | pp., 50 farb. Abb. | col. ills., Hardcover, Leineneinband | clothbound Erscheint im Februar 2022 To be published February 2022 isbn 978-3-7356-0816-1 Englisch | English Ca. | approx. 5 48,– (D) chf 62,50

In der Monografie mit dem Titel Premonition (deutsch: Vorahnung) präsentiert Miguel Rothschild (*1963) eine Auswahl von Arbeiten aus seinen letzten beiden Serien. Der in Berlin lebende argentinische Künstler beschäftigt sich darin mit Geistern und der Apokalypse. Die mystisch konnotierten Fotografien des Himmels und der Wälder erhalten durch Brandlöcher eine zweite Ebene – sowohl inhaltlich als auch bildlich. Hier steigen die Waldgeister zwischen den Baumwipfeln empor, dort sind es die barocken oder romantischen Himmelansichten, die diese dämonischen und zugleich verführerischen Seelen empfangen. Rothschilds mehrdeutige Visionen fordern uns dazu auf, unsere Beziehung zur Natur zu hinterfragen. In the monograph with the title Premonition, Miguel Rothschild (*1963) presents a selection of works from his two most recent series. The Berlin-based, Argentine artist occupies himself in them with spirits and the apocalypse. The mystically connoted photographs of skies and forests are given a second level—in terms of both content and the visual—by means of burn holes. Here, the spirits of the forest ascend between the treetops, there it is a baroque or romantic sky that receives these demonic and at the same time alluring souls. Rothschild’s ambiguous visions prompt us to interrogate our relationship to nature.

Ausstellung | Exhibition: Premonition, Bendana | Pinel Art Contemporain, Paris, Frankreich | France

Katalog zum Horst-JanssenGrafikpreis 2021 Catalogue for the Horst Janssen Graphic Art Prize 2021

Serena Ferrario (*1986) ist die siebte Preisträgerin des renommierten Horst-JanssenGrafikpreises, der dieses Jahr erstmals in der Hamburger Kunsthalle vergeben wird. Der begleitende Katalog zur Ausstellung dokumentiert nicht nur die verschiedenen Facetten von Ferrarios Werk mit seinen raumgreifenden Installationen, in deren Mittelpunkt ihre grafischen Arbeiten, Collagen und Filme stehen, sondern wirft unter der Überschrift Where the Drawings Live explizit einen Blick hinter die Kulissen. Es handelt sich um einen offenen Prozess, der nicht nur Einblicke in ihre Atelierarbeit gibt, sondern vor allem die Verbindung zwischen den einzelnen Medien aufdeckt, in denen ihre Figuren – seien es gezeichnete oder reale im Film – leben. Serena Ferrario (*1986) is the seventh winner of the renowned Horst Janssen Graphic Art Prize, which this year will be awarded at the Kunsthalle Hamburg for the first time. The catalogue accompanying the exhibition not only documents the various facets of Ferrario’s work with its large-scale installations, with a focus on her graphic works, collages, and films, but also explicitly takes a look behind the scenes with the title Where the Drawings Live. It is about an open process that not only provides insights into her studio work, but also reveals in particular the connection between the individual mediums in which her figures—whether Ausstellung | Exhibition: Horst-Janssen-Grafikpreis der Claus Hüppe-Stiftung Hamburger Kunsthalle | Horst Janssen Graphic Prize of the Claus Hüppe Foundation Hamburger Kunsthalle, 2021

drawn or real in film—live.

Die erste Monografie des figurativen Malers The first monograph of the figurative painter

Tim Sandow Blind Date Herausgegeben von | Edited by: Tim Sandow, Patrick Droste/Galerie Droste, Düsseldorf, Berlin, Paris Texte von | Texts by: Nina Bausch, Zora del Buono, Bastian Günther, Daniela Hammer-Tugendhat, Harald Krobath, Kathrin Lagatie, Paul Mittler, PeterLicht, Katja Pfeiffer, Daniel Richter, Lucas Schmid, Momo Trommer Gestaltung | Graphic design: Tim Sandow 23 ∞ 28 cm, ca.| approx. 120 S. | pp., ca.| approx. 45 farb. Abb. | col. ills., Hardcover Erscheint im Frühjahr 2022 To be published Spring 2022 isbn 978-3-7356-0818-5 Deutsch | Englisch German | English Ca. | approx. 5 45,– (D) chf 57,–

Tim Sandow (*1988) vereint in seiner figürlichen Malerei das imaginierte Klischee eines Typus Mensch mit einer Überfülle an Details. Hierbei verführt uns die malerische Eindringlichkeit so weit, dass sich die Glaubhaftigkeit des Gezeigten infrage stellt. Scheinbar alltägliche Situationen wirken auf den zweiten Blick irritierend. Die Malereien vermitteln den Eindruck, als würden sie uns in ihre Welt einladen und lassen uns letztlich doch immer wieder an den leeren Blicken des Bildpersonals abprallen. So sucht der Blick immer wieder Halt im Parergon, das uns zumindest das trügerische Gefühl vermittelt, doch ein Teil dieser Welt zu sein. Tim Sandows erste Monografie bietet einen umfassenden Überblick über die Arbeiten der letzten Jahre. In his figurative painting, Tim Sandow (*1988) brings together the imagined cliché of a type of person with a superabundance of details. The painterly quality of forcefulness thus inveigles us to such an extent that the credibility of what is shown is called into question. Situations that seem to come from day-to-day life appear perplexing at second glance. The paintings give the impression that they are inviting us into their world and ultimately cause us to recoil again and again from the vacant stares of the people who populate the pictures. The gaze thus repeatedly looks for stability in the embellishments, which at least give us the deceptive feeling of being part of this world.

Ausstellung | Exhibition: Sexy Town, 2021, Galerie Droste, Düsseldorf

Tim Sandow’s first monograph provides extensive insights into his works of recent years.

Ein Lebenswerk für die Klarheit der Form A life’s work for the clarity of form

Die niederländische Bildhauerin Eja Siepman van den Berg (*1943) entwickelte in den frühen 1970er-Jahren ihr unverwechselbares Bildprogramm. Ihre Darstellungen des menschlichen Körpers in Bronze und Stein zeugen von ihrem Interesse an einer harmonischen Figuration und den Prinzipien der Abstraktion. Siepman van den Berg strebt nach einer Klarheit der Form, die das rein Dekorative und Entbehrliche weglässt. Hier offenbart sich auch ihr großes Interesse an den Kouroi der griechischen Archaik sowie an Bildhauer*innen des 20. Jahrhunderts wie Constantin Brâncuşi und Donald Judd. Diese prächtig bebilderte Publikation mit dem Anspruch eines Werkverzeichnisses erschließt das umfangreiche Schaffen einer der bedeutendsten Bildhauerinnen der Niederlande. The Dutch sculptor Eja Siepman van den Berg (*1943) developed her distinctive visual program in the early 1970s. Her representations of the human body in bronze and stone bear witness to her interest in a harmonious figuration and the principles of abstraction. Siepman van den Berg strives for a clarity of form that omits the merely decorative and superfluous. This also explains her broad interest in early Greek kouroi and in 20th-century sculptors such as Constantin Brâncuși and Donald Judd. This richly illustrated publication with the allure of a catalogue raisonné opens up the extensive body of work of one of the Netherlands’ major sculptors.

Eine Hommage an den „Poeten der Dunkelkammer“ A tribute to the “poet of the darkroom”

Man Ray Magier auf Papier und der Zauber der Dinge Magician on Paper and the Magic of Objects Herausgegeben von | Edited by: Christiane Ladleif, Thomas Levy Texte von | Texts by: Belinda Grace Gardner, Jochen Siemensa Gestaltung | Graphic design: Claas Möller, claasbooks.de, Hamburg 15,3 ∞ 21,5 cm, 160 S. | pp., 37 S/W- und 91 farb. Abb. | 37 b&w and 91 col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0802-4 Deutsch | Englisch German | English 5 26,50 (D) chf 34,50

Man Ray (1890–1976) gilt aufgrund der Vielschichtigkeit seines Werkes als avantgardistischer Impulsgeber für die Fotografie- und Filmgeschichte des 20. Jahrhunderts. Der Katalog begleitet die Ausstellung in der Kunsthalle Jesuitenkirche in Aschaffenburg und vereint um die hundert Werke unterschiedlichster Werkphasen und Medien. Ein besonderer Fokus liegt auf Man Rays „Rayographien“. Um 1919/20 begann der Künstler mit Fotogrammen zu experimentieren. Dabei legte er Alltagsgegenstände auf Fotopapier und setzte sie verschiedenen Lichtquellen aus. Die verschwommenen Konturen dieser „Fotos ohne Kamera“ fanden bei den Dadaisten und später bei den Surrealisten großen Anklang. Der Dichter Jean Cocteau bezeichnete Man Ray daher auch als „Poeten der Dunkelkammer“. Man Ray (1890–1976) is regarded based on the multifaceted character of his work as a person who provided avant-garde impulses for the 20th-century history of photography and film. The catalogue accompanies the exhibition at the Kunsthalle Jesuitenkirche in Aschaffenburg and brings together roughly a hundred works from various phases of work and media. One particular focus is on Man Ray’s “Rayographs.” Around 1919/20, the artist began experimenting with photograms. In doing so, he positioned everyday objects on photo paper and exposed them to various light sources. The blurred contours of these “photos without a Ausstellung | Exhibition: Man Ray – Magier auf Papier und der Zauber der Dinge / Man Ray – Magician on Paper and the Magic of Objects, 2021, Kunsthalle Jesuitenkirche, Museen der Stadt Aschaffenburg

camera” exerted a great appeal on the Dadaists and subsequently the Surrealists. The poet Jean Cocteau thus also described Man Ray as a “poet of the darkroom.”

Die Kunst des Liebens The art of loving

Dieter Huber AMANTI Spiele der Liebe Texte von | Texts by: Dieter Huber, Ivo Kranzfelder, Jidda Krishnamurti, Robert Pfaller Gestaltung | Graphic design: Dieter Huber 16 ∞ 12 cm, ca. je | approx. each 384 S. | pp., ca. je | approx. each 378 farb. Abb. | col. ills., Hardcover, 2 Lesebänder, gefärbter Schnitt | 2 ribbons, colored cut Erscheint im Februar 2022 To be published February 2022 isbn 978-3-7356-0837-6 (2 Bände im Schmuckschuber | 2 Volumes in slipcase) Deutsch | German Ca. | approx. 5 65,– (D) chf 84,50

Dieter Huber hat als bildender Künstler über Jahre die Kulturgeschichte nach Aspekten von Liebe durchforstet und die umfassende Arbeit AMANTI Spiele der Liebe mit 366 Bildern entwickelt. Die Texte zu AMANTI sind eine subjektive Sammlung über Zeit und Ort hinweg aus den Bereichen Philosophie, Poesie, Kultur, Soziologie, Kunst, Religion und Oper sowie aus Liebesbriefen und Songtexten. Bezugnahmen zu früheren Werkzyklen und visuelle Zitate aus der Kunstgeschichte vervollkommnen diese Spielarten der Liebe. Den Bildern werden in der zweibändigen AMANTI-Publikation jeweils die Autor*innen und die Passagen des verwendeten Texts gegenübergestellt. Die im Taschenformat gestaltete „Liebes-Anthologie“ ist als Impulsgeber gedacht, für eigene Fantasien und Erfahrungen im unbegrenzten sowie beglückenden Reich der Liebe. As a visual artist, Dieter Huber has sifted through the history of culture for aspects of love and developed the extensive work AMANTI Spiele der Liebe with 366 pictures over several years. The texts about AMANTI are a subjective collection from the fields of philosophy, poetry, culture, sociology, art, religion, and opera, as well as from love letters and song texts that transcends both time and place. References to previous cycles of works and visual quotations from the history of art round off these various forms of love. In the two-volume AMANTI publication, the pictures are presented opposite the respective author and the passages of texts used. This “anthology of love” in paperback format is conceived as a source of inspiration for one’s own fantasies and experiences in the boundless and exhilarating realm of love.

Experimentierfreudig und geistreich: Formenfinder Brus Experimental and inventive: shape finder Brus

Johannes Brus Fotoarbeiten und Plastiken Herausgegeben von | Edited by: Ute Bopp-Schumacher und die | and the Dr.-Hanns-Simon-Stiftung Bitburg Texte von | Texts by: Ute Bopp-Schumacher, Stephanie Kaak Gestaltung | Graphic design: Claas Möller, claasbooks.de, Hamburg 16,8 ∞ 23 cm, 144 S. | pp., 126 farb. Abb. | col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0822-2 Deutsch | German 5 30,– (D) chf 39,–

Johannes Brus (*1942) besitzt eine künstlerische Doppelbegabung. Als Bildhauer arbeitet er stets figurativ. Seine in Gips, Beton und Bronze realisierten Abgüsse mit sichtbaren künstlerischen Formulierungen wie deformierten Kanten und Gussnähten sind von nachhaltiger Präsenz. Als Fotograf betätigt sich Brus als Bildersucher und Alchemist, der mit Licht, Chemikalien, Solarisation und Farbe existierende Motive verwertet und nicht zuletzt aus zufälligen Strukturen neue Bilder kreiert. Der handliche Katalog begleitet die gleichnamige Ausstellung in der Neuen Galerie im Haus Beda, Bitburg. Neben Plastiken werden großformatige Fotoarbeiten vom Ruhrgebiet, von Tieren und Maharajas, Stillleben, frühe Selbstporträts, neuere Zeichnungen und große neu entstandene Fotogramme vorgestellt. Johannes Brus (*1942) has a double talent as an artist. As a sculptor, he always works figuratively. His castings realized in plaster, concrete, and bronze with visible creative formulations such as deformed edges and casting seams have an enduring presence. As a photographer, Brus acts as a seeker of pictures and an alchemist who exploits existing motifs with light, chemicals, solarization, and paint, and not least creates new pictures based on random structures. The handy catalogue accompanies the eponymously titled exhibition at the Neue Galerie im Haus Beda, Bitburg. In addition to sculptures, large-format photo works from the Ruhr Ausstellung | Exhibition: Johannes Brus – Fotoarbeiten und Plastiken, 3.10.2021 – 16.1.2022, Neue Galerie im Haus Beda, Bitburg

region, animals and maharajas, still lifes, early self-portraits, more recent drawings, and large, newly created photograms are also presented.

Familiäre Beziehungen im Fokus Family relationships in focus

Laura Kärki (*1978) ist eine bildende Künstlerin aus Finnland, die in Berlin lebt und arbeitet. Sie verwendet Keramik, Textilien und Fotografie, zeichnet, malt, schreibt Gedichte und erschafft Klangkompositionen. Kärki schätzt Fehler und Irrtümer, sie scheut sich nicht, Erfahrungen von Scham oder Unsicherheit in ihren Werken zu verarbeiten. Die Publikation enthält einen Artikel über Kärkis Arbeiten von der Intendantin des Museum of Contemporary Art Kiasma, Kati Kivinen, ein Gespräch zwischen Kärki und der Kuratorin und Autorin Christine Nippe und ein Vorwort des Kurators Veikko Halmetoja. Das Bildmaterial stammt aus der gesamten Schaffensphase mit einem Schwerpunkt auf neuere Werke. Laura Kärki (*1978) is a Finnish visual artist who lives and works in Berlin. She makes use of ceramics, textiles and photography; she draws, paints, writes poems and creates soundscapes. Kärki appreciates errors and misconceptions, and does not shy away from processing experiences of shame or uncertainty in her works. The publication includes an essay on Kärki’s art written by Kati Kivinen, the creative director of the Museum of Contemporary Art Kiasma, a discussion conducted by Kärki and the German curator and author Christine Nippe, and a preface by the curator Veikko Halmetoja. The visual material comes from the artist’s entire creative period, but focuses on more recent works.

Lichtobjekte in nordischen Landschaften Light objects in Nordic landscapes

Rune Guneriussen Lights go out Herausgegeben von | Edited by: Ulrike Wolff-Thomsen und | and Christiane Morsbach für das | for the Museum Kunst der Westküste, Föhr Texte von | Texts by: Katrin Hippel, Håvard Johansen, Christiane Morsbach, Klara Scheuren, Ulrike Wolf-Thomsen Gestaltung | Graphic design: Polina Bazir, Kerber Verlag, Bielefeld 28 ∞ 22 cm, ca. | approx. 112 S. | pp., ca. | approx. 39 farb. Abb. | col. ills., Hardcover Erscheint im Februar 2022 To be published February 2022 isbn 978-3-7356-0830-7 Deutsch | Englisch German | English Ca. | approx. 5 45,– (D) chf 58,50

Der norwegische Künstler Rune Guneriussen (*1977) verbrachte 2018 einen Aufenthalt als Artist in Residence am Museum Kunst der Westküste auf Föhr. An verschiedenen Standorten auf der Insel legte er den Grundstein für seine neue Werkserie Lights go out. Weitere Installationen entstanden daraufhin in dem dänischen Küstenort Skagen sowie in unterschiedlichen Landstrichen Norwegens. Guneriussen führt uns auf eine Reise in Wälder und Auen, an Gewässer und Küstenstreifen. Die selbst gebauten Lichtobjekte wirken technoid, erinnern an Hochhäuser, Wegmarkierungen oder Fabelwesen. Am Strand oder im waldigen Moos sind sie scheinbar lose verteilt oder streng komponiert und wurden im Dämmerlicht der blauen Stunde fotografisch festgehalten. Es zeigt sich, dass die oftmals anziehend wirkende Balance zwischen Menschgemachtem und Natur früherer Werke in der neuen Serie Lights go out zunehmend ins Wanken geraten ist. The Norwegian artist Rune Guneriussen (* 1977) was an artist-in-residence at the Museum Kunst der Westküste on the island of Föhr in 2018. He laid the cornerstone for the new work series Lights go out at several locations on the island. Further installations were subsequently created in the Danish coastal town of Skagen as well as in various regions of Norway. Guneriussen takes us on a journey through forests and wetlands, to bodies of water and stretches of coast. The self-constructed light objects look technoid and call to mind high-rise Ausstellung | Exhibition: Rune Guneriussen. Lights go out, 30.1. – 12.06.2022, Museum Kunst der Westküste, Föhr

buildings, route markers, or mythical creatures. On the beach or in forest moss, they seem to be loosely distributed or austerely composed, and are photographed in the twilight of the blue hour. It is shown that the often fascinating-seeming balance between the manmade and nature of previous works becomes increasingly unstable in the new series Lights go out. 37

Aktuelle Werke des rumänischen Künstlers Recent works of the Romanian artist

Zsolt Berszán Remains Herausgegeben von | Edited by: Anaid Art Gallery, Berlin Texte von | Texts by: Carsten Ahrens, Diana Dochia, Gerda Széplaky Gestaltung | Graphic design: Casandra Elefterescu 24 ∞ 30 cm, ca. | approx. 152 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im Januar 2022 To be published January 2022 isbn 978-3-7356-0827-7 Deutsch | Englisch German | English Ca. | approx. 5 48,– (D) chf 62,50

Der monografische Katalog Remains. Zsolt Berszán bietet einen umfassenden Überblick über die zwischen 2014 und 2021 entstandenen Werke des Künstlers (*1974). Rund hundert Arbeiten – Gemälde, Skulpturen und Mixed-Media-Objekte –, die von der Idee der Auflösung und des Verfalls geprägt sind, werden in drei Kapiteln präsentiert. Der Künstler deutet immer wieder den menschlichen Körper an, der in einem makabren Spiel aus Verdrehungen, Verrenkungen und zerrissenen Fragmenten sichtbar wird. Zsolt Berszán interessiert sich nicht für das Individuum an sich, sondern für die menschlichen Überreste, die selbst zum Thema werden. The monographic catalogue Remains: Zsolt Berszán provides in-depth insights into the works that the Rumanian artist (*1974) created between 2014 and 2021. Roughly one hundred artworks—paintings, sculptures, and mix-media objects—shaped by the idea of dissolution and decay are presented in three chapters. The artist again and again insinuates the human body, which becomes visible in a macabre play of distortions, contortions, and torn fragments. Zsolt Berszán in not interested in the individual itself, but in human remains, which themselves become the topic.

Abstrakte und biomorphe Strukturen Abstract and biomorphic structures

Gereon Krebber Keramocringe Herausgegeben von | Edited by: Skulpturenmuseum Glaskasten Marl Texte von | Texts by: Georg Elben, Maria Müller-Schareck Gestaltung | Graphic design: Andreas Koch, Bielefeld 22,2 ∞ 30 cm, 160 S. | pp., 179 farb. Abb. | col. ills., Hardcover, mit Schutzumschlag | dust jacket Erscheint im Januar 2022 To be published January 2022 isbn 978-3-7356-0836-9 Deutsch | Englisch German | English 5 45,– (D) chf 58,50

Smavos, Tnösis, Cephandrion und Graue Sonne: Hier handelt es sich nicht um Science-Fiction, hinter diesen Titeln stecken Keramiken von Gereon Krebber, gezeigt in der Ausstellung Keramocringe im Skulpturenmuseum Glaskasten Marl. Begleitet werden die Keramiken von raumgliedernden Arbeiten aus verbranntem Holz. Diese Publikation dokumentiert Skulpturen und Architektur im letzten Zusammenspiel vor dem Umzug des Museums. Ein ausführliches Gespräch zwischen dem Künstler und dem Museumsleiter Georg Elben erläutert Krebbers Arbeitsweise und die Wirkung seiner Werke. Die Kunsthistorikerin Maria Müller-Schareck zeigt im zweiten Text, wie entscheidend Ton als Schlüsselmaterial für das Verständnis von Krebbers Praxis ist. Smavos, Tnösis, Cephandrion, and Graue Sonne: These words do not come from science fiction, but are instead the titles of ceramics by Gereon Krebber that are being presented in the exhibition Keramocringe at the Skulpturenmuseum Glaskasten in Marl, along with room-dividing works made of burnt wood. This publication documents the sculptures and architecture in the final ensemble before the museum moves to its new location. An in-depth conversation between the artist and Georg Elben, the director of the museum, describes Krebber’s working method and the effect of his works. In the second text, the art historian Maria Müller-Schareck shows how pivotal clay is as a key material for understanding Krebber’s practice. Ausstellung | Exhibition: Gereon Krebber – Keramocringe, 2021, Skulpturenmuseum Glaskasten Marl

Neue Werke des multimedial arbeitenden Künstlerduos New works by the multimedia artist duo

Seit einigen Jahren arbeitet atelierJAK an dem Filmprojekt Soul Blindness. Hauptfigur des Films ist JAK, der an einer visuellen Agnosie leidet. Soul Blindness hat kein vorgefertigtes Drehbuch. Die Filmhandlung entwickelt sich mit jeder Ausstellung und mit jedem Kunstwerk weiter, bis final dreißig Filmabschnitte vorliegen, von denen jeder exakt drei Minuten lang ist. Dies ermöglicht, die Handlung wie auch den Schauplatz immer weiterzuentwickeln. Die Publikation gibt einen Einblick in die Ausstellung „FAULTY REVERIES.“ Gezeigt werden Skulpturen und Installationen, die in Interaktion treten, zu Requisiten werden und in ihrem Zusammenspiel die Kulisse für den Film bilden. Neben Skulptur, Zeichnung, Schrift und Sprache, spielt auch die Verwendung digitaler Verfahren eine entscheidende Rolle. atelierJAK has been working on the film project Soul Blindness for a number of years. The main character in the film is JAK, who suffers from visual agnosia. Soul Blindness does not have a preconceived script. The plot of the film develops further with each exhibition and each artwork, until there are finally thirty film clips, each of them exactly three minutes long. This makes it possible to continuously develop both the storyline itself and the setting ever further. The publication provides insights into the exhibition FAULTY REVERIES. It presents sculptures and installations that enter into interaction with one another, become props, and form the backdrops for the film through their interplay. Besides sculpture, drawing, writing, and language, the use of digital processes also plays a significant role.

Ein Dialog über Solidarität A dialogue about solidarity

SoS Soft Solidarity Herausgegeben von | Edited by: Bezirksamt Mitte von Berlin, Fachbereich für Kunst, Kultur und Geschichte | Berlin-Mitte District Office, Department of Art, Culture and History: Ute Müller-Tischler, Solvej Helweg Ovesen, Nataša Ilić Texte von | Texts by: Bini Adamczak, Ana Alenso, Alice Creischer, Rüzgâr Buşki, María do Mar Castro Varela, Övül Ö. Durmusoglu, Saraya Gomis, Nataša Ilić, Julian Irlinger, Solvej Helweg Ovesen, Rajkamal Kahlon, Gerhild Komander, Marie-Christin Lender, Ewa Majewska, Ute Müller-Tischler, Marina Naprushkina, Kathrin Pohlmann, Malte Roloff, Melanie Roumiguière, Konstanze Schmitt, Jan Tappe, Peter Voss-Knude Gestaltung | Graphic design: Miriam Busch und | and Elsa Westreicher 17 ∞ 24 cm, 152 S. | pp., 5 S/W- und 62 farb. Abb. | 5 b&w and 62 col. ills., Hardcover Erscheint im Frühjahr 2022 To be published Spring 2022 isbn 978-3-7356-0825-3 Deutsch | German Ca. | approx. 5 38,– (D) chf 49,40

SoS (Soft Solidarity) wurde von Nataša Ilić und Solvej Helweg Ovesen als Anknüpfung an die Ausstellungs- und Diskursreihe „POW“ und „UP“ in der Galerie Wedding konzipiert. In Berlin lebende Künstler*innen, Wissenschaftler*innen und Aktivist*innen waren eingeladen, um einen Dialog über Solidarität in Form von Ausstellungen, Performances und Vorträgen zu entwickeln. Wie und mit wem oder was zeigen wir uns solidarisch? Und wie kann dies in Berlin und in der Welt aussehen? Diese Fragen standen 2020 im Mittelpunkt der Veranstaltungsreihe von SoS Assembly und wurden um wichtige Reflexionen und Perspektiven in der Zeit der COVID-19-Pandemie erweitert. SoS (Soft Solidarity) was conceived by Nataša Ilić and Solvej Helweg Ovesen as a link to the exhibition and discourse series ‘POW’ and ‘UP’ at the Galerie Wedding. Artists, scientists, and activists based in Berlin were invited to develop a dialogue about solidarity in the form of exhibitions, performances, and presentations. How and with whom or what do we show our solidarity? And how can this look in Berlin and around the world? These questions were Künstler*innen | Artists: Ana Alenso, Rüzgâr Buşki, Alice Creischer, Burak Delier, Ieva Epnere, Runo Lagomarsino, Ada Van Hoorebeke, Okka-Esther Hungerbühler, Julian Irlinger, Rajkamal Kahlon, Cosima zu Knyphausen, Marina Naprushkina, Antoinette Yetunde Oni, Dane Komljen, Katrin Winkler, kate-hers RHEE, Konstanze Schmitt, Sissel Tolaas, Peter Voss-Knude

central to the event series of SoS Assembly in 2020 and were supplemented with important reflections and perspectives during the COVID-19 pandemic.

Kunst in einer ehemaligen Brauerei Art in a former brewery

Das hätten wir nicht erwartet Die Geschichte des Rosenhang Museums, seiner Gründer und jede Menge Überraschungen Herausgegeben von | Edited by: Rosenhang Museum gGmbH Texte von | Texts by: Lars Röper Gestaltung | Graphic design: Lars Röper / Rosenhang Museum gGmbH 17 ∞ 24 cm, 192 S. | pp., 29 farb. Abb. | col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0814-7 Deutsch | German 5 32,– (D) chf 41,60

Hat der hessischen Provinz gerade ein Museum für zeitgenössische Kunst gefehlt? Ja, natürlich. Es gab ja keines. Und ein solches schon gar nicht. Antje Helbig und Joachim Legner wandelten die Industriebrache der einstigen Brauerei August Helbig in ihr Rosenhang Museum um – einen großartigen, eigenwilligen und freigeistigen Ort der zeitgenössischen Kunst und Überraschungen. In Weilburg an der Lahn ist ein Zentrum für Kultur entstanden, das die Kunstwelt gleichsam verstört und fasziniert. Did the Hessian province lack a museum of contemporary art in particular? Yes, of course. There was no museum, and definitely not such a museum. Antje Helbig and Joachim Legner have transformed the industrial wasteland of the former August Helbig brewery into their Rosenhang Museum—a wonderful, idiosyncratic, and freethinking place for contemporary art and surprises. A center for art that quasi unsettles and fascinates the art world has been created in the town of Weilburg an der Lahn.

Schuhwerke Artwork about shoes

Anne-Marie Sprenger Schuhe, Spuren, Wege Texte u. a. von | Texts by among others: Björn Kuhligk, Jeannine Meighörner, Joachim Ringelnatz, Claus-Artur Scheier, Anne-Marie Sprenger Gestaltung | Graphic design: Katharina Beron, Lingenfeld 21 ∞ 21 cm, 80 S. | pp., 1 S/W- und 43 farb. Abb. | 1 b&w and 43 col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0809-3 Deutsch | German 5 30,– (D) chf 39,–

Seit einigen Jahren sammelt Anne-Marie Sprenger erlebte Geschichten mit Schuhen. Die Schuhgeschichten und -gedichte sind Geschenke von Menschen, die die Künstlerin ausschnitthaft an ihrem Leben teilhaben lassen. Das Thema „Schuh“ löst ungeahnte Assoziations- und Deutungsmöglichkeiten aus: Er steht als Symbol für Lebenswege, die oft verschlungen und nicht geradlinig, manchmal steinig, mit Irrwegen und Umwegen sind. Es entstanden Installationen in Verbindung mit realen Schuhen und Erinnerungsstücken. Anne-Marie Sprenger has been collecting stories experienced with shoes for a number of years. The shoe stories and poems are gifts from individuals who have allowed the artist to take part in excerpts of their lives. “Shoes” as a topic triggers unexpected possible associations and interpretations: they symbolically represent journeys in life that are often tortuous and not straightforward, at times stony, and with false paths and detours. This has resulted in the creation of installations connected with real shoes and reminiscences.

Kunst, Politik und Wissenschaft Art, politics and science

The Dialogics of Contemporary Art: Painting Politics Herausgegeben von | Edited by: University of Auckland, New Zealand Texte von | Texts by: Simon Ingram, Gregory Minissale, Caroline Vercoe und | and Victoria Wynne-Jones Gestaltung | Graphic design: New Public / Philip Kelly Studio 19 ∞ 27 cm, 304 S. | pp., 80 farb. Abb. | col. ills., Softcover Erscheint im März 2022 To be published March 2022 isbn 978-3-7356-0832-1 Englisch | English

Vorläufiges Cover | Preliminary cover

Ca. | approx. 5 50,– (D) chf 65,–

Dieses Buch lässt sich am besten mit Bezug auf das von Michail M. Bachtin entwickelte Konzept der dialogischen Beziehungen verstehen. Für Bachtin nimmt der Einzelne am Dialog „mit seinen Augen, Lippen, Händen, seiner Seele, seinem Geist, seinem ganzen Körper sowie seinen Handlungen“ teil. Künstler*innen haben schon immer von Aspekten ihres sozialen und politischen Milieus abstrahiert oder diese destilliert. Die meisten der in diesem Band vertretenen Künstler*innen tun dies auf unterschiedliche Weise, indem sie verschiedene Formen der Abstraktion, der Figuration, der Phänomenologie und des Affekts verwenden. Dieses Buch legt nahe, dass die Beziehung zwischen Kunst und Politik durch eine Interanimation des dialogischen Austauschs neu gedacht werden muss. This book can be best understood with reference to the concept of “interanimating dialogics” developed by Mikhail Bakhtin. For Bakhtin, in dialogue, individuals “participate Künstler*innen | Artists: Anoushka Akel, Mark Bradford, Stella Corkery, James Cousins, Graham Fletcher, Vibha Galhotra, Ayesha Green, Julian Hooper, Simon Ingram, Jasper Johns, Helen Johnson, Richard Killeen, Emily Karaka, Patrick Lundberg, Hugo Koha Lindsay, Vivian Lynn, Colin McCahon, Julian McKinnon, Julie Mehretu, Shannon Novak, Jenna Packer, Robert Rauschenberg, Gerhard Richter, John Robinson, Robert Ryman, Glen Snow, Imogen Taylor, Tracey Tawhiao

with their eyes, lips, hands, soul, spirit,” and with their bodies and deeds. Artists have always abstracted from or distilled aspects of their social and political milieu. Most of the artists in this volume do this in different ways, using various forms of abstraction, figuration, phenomenology, and affect. This book suggests that the very relationship between art and politics must be thought of anew through an interanimation of dialogical exchanges.

Eine Reise durch das Werk des britischen Künstlers A journey through the work of the British artist

Christopher Winter Archipelago of the Mind Herausgegeben von | Edited by: Christopher Winter, Ralf F. Hartmann für das | for the Bezirksamt Spandau von Berlin, ZAK – Zentrum für Aktuelle Kunst, Zitadelle, Berlin Texte von | Texts by: Amrita Dhillon, Mark Gisbourne, Ralf F. Hartmann, Dirk Lehr, Christopher Winter Gestaltung | Graphic design: Heiko Jansen, Grafische Konzeption & Gestaltung, Berlin 24 ∞ 30 cm, 96 S. | pp., 13 S/W- und 101 farb. Abb. | 13 b&w and 101 col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0807-9 Deutsch | Englisch German | English 5 36,90 (D) chf 48,–

Der britische Künstler Christopher Winter (*1968) ist ein figurativer Maler, Performance- und Installationskünstler. Seine Arbeit ist vor allem von Literatur, Film und Politik beeinflusst. Er hat ein besonderes Interesse an Märchen und Volksritualen und hinterfragt oft die Beschaffenheit unserer Realität. Winters Bilder sind geheimnisvoll, haben aber auch ein narratives Element. Dies ist die zweite Monografie über seine Malerei, die im Kerber Verlag erscheint. Sie soll die vorangegangene ergänzen und Winters bisher nicht gezeigtes installatives und performatives Werk beleuchten. Das Buch ist in thematische „Inseln“ gegliedert, die Werke sind nicht chronologisch geordnet. So sind die Leser*innen eingeladen, die „Libertine Island“, die „Deep Forest Island“ oder die „Reality Island“ zu besuchen, während sie durch The Archipelago of the Mind segeln. Eine Karte im vorderen Teil des Buches weist ihnen den Weg. British artist Christopher Winter (*1968) is a figurative painter, performance and installation artist. His work is influenced primarily by literature, film and politics. He has a particular interest in fairy tales, folk rituals and often questions the nature of our reality. Winter's paintings are mysterious yet also have a narrative element. This is the second monograph to be published on his painting by Kerber Verlag. It is aimed at complementing the preceding one and illuminating his previously unseen installation and performance work. The book is arranged in themed “Islands;” works are not organized chronologically. The reader is then invited to visit “Libertine Island,” “Deep Forest Island,” or “Reality Island” as they sail amongst The Archipelago of the Mind. A map at the front of the book guides our way.

Umfassender Einblick in das Werk der österreichischen Künstlerin Comprehensive insight into the work of the Austrian artist

Lisa Klein Ich schau es mir schön I look until it looks beautiful Texte von | Texts by: Anton Herzl, Lisa Klein Gestaltung | Graphic design: Atelier Lisa Klein, Wien l Vienna 22 ∞ 28 cm, 104 S. | pp., 62 S/W- und 40 farb. Abb. | 60 b&w and 40 col. ills., Hardcover, Halbleinenband | half-linen isbn 978-3-7356-0808-6 Deutsch | Englisch German | English 5 38,– (D) chf 49,40

In einem Loop aus analoger und digitaler Bilderzeugung umkreist Lisa Klein (*1958) ihren Anspruch auf das Schöne. Das Buch präsentiert die Werkgruppen Körperumkreisungen und Vorhandene Dinge. In ihrem Selbstinterview geht die Künstlerin auf Arbeiten ein, die größtenteils in den letzten zehn Jahren entstanden sind. Dieser fiktionale Dialog bezieht sich einerseits auf die gezeigten Arbeiten, andererseits auf den künstlerischen Werdegang und die Einstellung zur Kunst. Des Weiteren beinhaltet die Publikation einen Textbeitrag des Künstlerkollegen Anton Herzl, eine umsichtige Betrachtung von Lisa Kleins Arbeitsweise. Lisa Klein (*1958) circles around her aspiration to the beautiful in a loop consisting of analog and digital images. The book presents the groups of works Körperumkreisungen and Vorhandene Dinge. In her interview with herself, the artist examines works that were created for the most part in the past ten years. This fictional dialogue makes reference on the one hand to the works presented, and on the other to her artistic development and her attitude toward art. The publication also includes a text by the artist’s colleague Anton Herzl, a careful consideration of Lisa Klein’s working method.

Ausstellung | Exhibition: Ich schaue es mir schön / I look until it looks beautiful, 2021, Galerie Estermann+Messner, Wien

Künsterlischer Thinktank zum Thema Bioökonomie Artistic thinktank on the topic of bioeconomy

Sebastian Jung Bio Bio SUV Klimakrise, Bioökonomie und gesellschaftliche Mentalitäten Climate Crisis, Bioeconomy and Social Mentalities Herausgegeben von | Edited by: Dennis Eversberg, Sophia Pietryga, BMBF-Nachwuchsgruppe „flumen: Mentalitäten im Fluss. Vorstellungswelten in modernen bio-kreislaufbasierten Gesellschaften.“ Texte von | Texts by: Viola Bronsema, Dennis Eversberg, Holger Gerdes, Alex Giurca, Franz-Theo Gottwald, Christiane Grefe, Rafaela Hillerbrand, Sebastian Jung, Zoritza Kiresiewa, Monica Navas Males, Sophia Pietryga, Ulrich Schurr Gestaltung | Graphic design: Sebastian Jung, Leipzig 16,5 ∞ 23 cm, ca. | approx 96 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Softcover, Schweizer Broschur | swiss brochure Erscheint im Januar 2022 To be published January 2022 isbn 978-3-7356-0831-4 Deutsch | Englisch German | English

Wie begegnen wir dem menschengemachten Klimawandel? Kann Bioökonomie, deren Basis

Ca. | approx. 5 30,– (D) chf 39,–

eine Schlüsselrolle spielen? Oder müssen wir nicht vielmehr unsere gesellschaftlichen

nicht mehr fossile, sondern biobasierte Rohstoffe sind, bei der Bewältigung der Klimakrise Mentalitäten selbst auf den Prüfstand stellen? Das Kunstprojekt Bio Bio SUV von Sebastian Jung und der Forschungsgruppe flumen nähert sich diesen Fragen. Ausgangpunkt der künstlerischen Recherchen ist Sebastian Jungs Zeichnungsserie einer Auto-Stunt-Show. In einem achtköpfigen Thinktank werden Möglichkeiten und Unmöglichkeiten eines neuen Wirtschaftens aufgezeigt. In den Interventionen Jeder Vogel hat ein Auto und Die Pinguine am Starnberger See sind beinahe ausgestorben widmet sich Sebastian Jung dem menschlichen Blick auf Natur und Heimat. How will we deal with manmade climate change? Can the bioeconomy, whose foundation is no longer fossil- but rather bio-based raw materials, play a key role in coping with the climate crisis? Must we not instead scrutinize our social mentalities themselves? The art project Bio Bio SUV of Sebastian Jung and the research group flumen addresses these questions. The starting point for the artistic research is Sebastian Jung’s series of drawings of a car stunt show. The possibilities and impossibilities of a new economy are outlined by an eightperson think tank. In the interventions Jeder Vogel hat ein Auto (Every Bird Has a Car) and Die Pinguine am Starnberger See sind beinahe ausgestorben (The Penguins on Lake Starnberg Have Almost Become Extinct) Sebastian Jung devotes himself to the human view of nature and home. He creates productive irritations and invites viewers to interact with them.

PHOTO

Fotoessay über Multikulturalität und Familie Photo essay about multiculturalism and family

Mika Sperling Mother Tongue Texte von | Texts by: Mika Sperling Gestaltung | Graphic design: Ania Nałęcka-Milach / Tapir Book Design 20,5 ∞ 26 cm, 68 S. | pp., 30 farb. Abb. | col. ills., Hardcover Erscheint im Januar 2022 To be published January 2022 isbn 978-3-7356-0820-8 Englisch | English (mit weiteren Texten auf Deutsch, Russisch und Vietnamesisch | with additional texts in German, Russian and Vietnamese)

Auch als Sonderedition Available as special edition

Ca. | approx. 5 35,– (D) chf 45,50

In Mother Tongue erforscht Mika Sperling (*1990) anhand ihrer persönlichen FamilienAuch als limitierte Sonderedition mit TagebuchFaksimile und von der Künstlerin signiert erhältlich. | Also available as a limited special edition with diary facsimile and signed by the artist.

geschichte den Einfluss von Herkunft und Kultur auf die zwischenmenschlichen Beziehungen. Hierbei nimmt die Sprache eine Schlüsselrolle ein. Im Mittelpunkt der fotografischen Auseinandersetzung stehen ihre eigene kleine Tochter und ihre vietnamesische Schwiegermutter. Sperling experimentiert mit Perspektiven, Nahaufnahmen und reflektierenden Flächen und zeigt das Umfeld und persönliche Gegenstände der Porträtierten. In einer dokumentarischen Tradition ausgebildet, steht Sperling für eine neue Generation von Foto-Essayist*innen, die historische Bezüge aufgreifen und in unterschiedlichen Medien und Objekten verarbeiten, um stärker mit dem Publikum zu interagieren. In Mother Tongue, Mika Sperling (*1990) examines how origins and culture influence interpersonal relationships based on her personal family history. Language plays a key role in this. Her young daughter and her Vietnamese stepmother are the focus of the photographic examination. Sperling experiments with perspectives, close-ups, and reflecting surfaces and shows the surroundings and personal objects of the individuals portrayed. Trained in a documentary tradition, Sperling represents a new generation of photo-essayists that takes up historical references and processes them in various mediums and objects so as to engage more intensively with the audience.

Eine fotografische Schöpfungsgeschichte A photographic creation story

Andreas Trogisch Eight Days A Week. Seven And One Iteration Texte von | Texts by: Andreas Trogisch Gestaltung | Graphic design: Troppo Design, Berlin 24 ∞ 30 cm, 248 S. | pp., 63 S/W- und 14 farb. Abb. | 63 b&w and 14 col. ills., Hardcover, Japanische Bindung | Japanese binding isbn 978-3-7356-0824-6 Deutsch | Englisch German | English 5 68,– (D) chf 88,40

Fotografie erschafft Welten – oder wenigstens erst einmal Berge von Bildern. Eight Days A Week unternimmt den Versuch, aus den Bergen die Welt entstehen zu lassen, indem die Motive in eine Art naturhistorische Reihung gebracht werden. Sieben Anläufe werden dabei unternommen – ausgehend von dem Verdacht, dass die göttliche Schöpfung möglicherweise auch nicht auf Anhieb geglückt ist. Genauer gesagt sind es sieben Versuche plus ein Versuch, und in jedem dieser acht Versuche wird die Welt nicht an sieben, sondern an einem Tag mehr geschaffen. Nachdem nämlich die Originalschöpfung jedes Mal pünktlich zum Sabbat fertig ist, bricht am Tag 7+ das Anthropozän an. Photography creates worlds—or at least first of all mountains of pictures. Eight Days A Week tries to make the world emerge from these mountains by putting the motifs in a sort of sequence of natural history. Seven attempts at this are undertaken—starting from the suspicion that the divine creation also perhaps does not succeed on the first try. More precisely, there are seven plus one attempts, and in each of them, the world is no longer created in seven days, but instead has one additional day. After the original creation is completed each time punctually for the Sabbath, the Anthropocene dawns on Day 7+.

Close-Ups des Bode-Museums Close-ups of the Bode Museum

Die in Berlin und Chicago lebende Fotografin Andrea Wilmsen hinterfragt in ihren Fotografien des Bode-Museums in Berlin unsere Wahrnehmung von Innenräumen. Ihr fotografischer Fokus variiert von fragmentierten Ansichten architektonischer Details bis hin zu sorgfältig komponierten Nahaufnahmen von leeren Wänden und schafft so einzigartige Porträts des Museums. Wilmsen ist inspiriert von dem amerikanischen Philosophen und Kunstkritiker Arthur C. Danto und seinem Buch Die Verklärung des Gewöhnlichen, in dem er erforscht, was ein Objekt zu einem Kunstwerk macht. Die Künstlerin geht noch einen Schritt weiter und versucht zu ergründen, was es ist, das Kunsträume zu besonderen Bühnen für prestigeträchtige Kunstwerke macht. Im Zentrum steht dabei die Frage, wie wir bestimmte Kunstwerke gegenüber anderen priorisieren und wo die Grenzen liegen zwischen dem, was wir als Kunst betrachten und dem, was außerhalb der als Kunst etablierten Werke in einem Museum sichtbar ist. Berlin- and Chicago-based photographer Andrea Wilmsen challenges our perception of interiors in her photographs of the Bode Museum in Berlin, Germany. Her focus varies from fragmented views of architectural details to carefully composed close-up details of empty walls, creating unique portraits of the museum. Wilmsen is inspired by the American philosopher and art critic Arthur C. Danto and his book titled The Transfiguration of the Commonplace, which questions what makes an object a work of art. Yet she takes the question further and is driven to uncover what makes art spaces special stages for prestigious artworks. Wilmsen is driven by how we Ausstellung | Exhibition: B.ODE, 2021, Einzelausstellung | solo exhibition, Goethe Institut, Chicago

prioritize certain works of art over others, and further, where the boundaries lie between what we consider art and what is visible outside of the works that are established as art in a museum.

Fotografische Essays über den Klimawandel Photographic essays on climate change

Super Nature ist eine Sammlung von fotografischen Essays über den Klimawandel und ein Plädoyer für die Hoffnung. Das Buch besteht aus Originalfotografien und Archivbildern, die von einer Reihe kurzer Texte begleitet werden. Die Fotografien von Alex O’Dell führen uns durch die Arktis Alaskas, die Wälder Nordalbaniens bis hin zu einer Küstenmauer am Japanischen Meer und beschäftigt sich dabei mit der von uns wahrgenommenen Trennung von der Natur sowie mit unserer Beziehung zur Umwelt in der Vergangenheit. Die Publikation thematisiert, wie wir durch unsere gelebten Erfahrungen eine sich ständig verändernde Beziehung zum Planeten eingehen und ist zugleich eine Reflexion darüber, wie wir die Krise hinter uns lassen können. Super Nature is a collection of photographic essays on climate change and a case for hope. The book comprises original photography and archival imagery, accompanied by a series of short essays. The book takes readers through the Alaskan Arctic, and the forests of Northern Albania, to a coastal wall along the Sea of Japan, and along the way delves into our perceived separateness from nature and the ways in which we have adapted in the past to our environment. Super Nature is a story of how we perceive and relate through our lived experiences to an ever-changing relationship with the planet, and reflections for how we begin to move beyond crisis.

Fotografie und erweiterte Realität Photography and augmented reality

Die Fotografin Iris Friedrich (*1974) widmet sich der Momentaufnahme gewöhnlichster Objekte. Das persönliche Umfeld und anonyme urbane Areale werden fotografisch neu präsent. Die Anwesenheit des Menschen ist dabei selten – und wenn, dann überrascht und irritiert sie; leicht sind Parallelen zu aktuellen gesellschaftlichen Situationen erkennbar. Als spannungsreichen Kontrast zu den an Stillleben erinnernden Fotografien transferiert Iris Friedrich eine Reihe von ihnen in die virtuelle Realität. Mit dem Augmented-Reality-Tool „Artivive“ können einige Abbildungen im Buch mit dem Smartphone eingescannt werden. Dann erscheinen auf dem Display künstlerische Bewegtbilder und konzeptuelle Videos, die im wahrsten Wortsinne zu einer erweiterten Realität werden und Fragen danach aufwerfen, wie sich Realität, Wirklichkeit und Wahrheit in Relation zum jeweiligen (fotografischen) Abbild davon verhalten. The photographer Iris Friedrich (*1974) has devoted herself to taking snapshots of very ordinary objects. Her personal surroundings and anonymous urban sites are presented in a photographically new way. People are rarely present in them—and, if so, this surprises and bewilders; parallels to current situations in society are easy to recognize. As a fascinating contrast to the photographs reminiscent of still lifes, Iris Friedrich has transferred a series of them to the virtual reality. With the augmented reality tool Artivive, some of the pictures in the book can be scanned with a smartphone. What then appears on the display are artistic moving pictures and conceptual videos that become an expanded Ausstellung | Exhibition: GRAU MELIERT pepper and salt, 16.1. – 27.2.22, Kunstverein Oerlinghausen

reality in the truest sense of the word, and raise questions regarding how reality, the real world, and truth behave in relation to the respective (photographic) images.

Soziales Bauen – sozialkritische Fotografie Social building— socially critical photography

Mit den Gemeindebauten des Roten Wien wurde die Utopie realisiert, auch den Schwächeren einer Gesellschaft ein gutes Leben zu ermöglichen. Ursprünglich erbaut, um der Arbeiterschaft der 1920er-Jahre bezahlbaren Wohnraum zur Verfügung zu stellen, können durch das kommunale Wohnungseigentum auch heute Menschen integriert werden, die sonst eingeschränktere Chancen hätten. Die Relevanz für die aktuelle Situation besteht ebenso darin, dämpfend auf Immobilienspekulationen und steigende Mieten einzuwirken. Können Gemeindebauten in Zukunft auch Experimentierfeld für neue Wohn- und Lebensformen sein? Gisela Erlacher (*1956) folgt mit ihrer Kamera dem Parcours durch die Torbögen von Superblocks wie dem Sandleiten- und dem Karl-Marx-Hof. Sie porträtiert Bewohner*innen und Besucher*innen in ihrer Unterschiedlichkeit und gibt den Menschen Raum, sich jenseits klischeehafter Darstellungen zu zeigen. With the municipal buildings of “Red Vienna,” the utopia of enabling less privileged individuals in society to also have good lives was realized. The buildings were originally erected in the 1920s to provide affordable living space for the working classes; today, communal ownership of housing makes it similarly possible to integrate people who would otherwise have limited opportunities. The relevance of municipal ownership to the current situation also consists of the possibility to exert an attenuating influence on real-estate speculation and rising rents. With her camera, Gisela Erlacher (*1956) follows the parcours through the archways of Ausstellung | Exhibition: Gisela Erlacher. Superblocks, 17.2. – 18.3.2022, Bildraum 01, Wien | Vienna

superblocks such as the Sandleiten-Hof and Karl-Marx-Hof. She portrays residents and visitors in all their diversity and gives them space to present themselves beyond stereotyped depictions.

CULTURE

Ein Ausstellungsformat auf dem Prüfstand An exhibition format put to the test

Zeithistorische Ausstellungen Rück- und Ausblicke Herausgegeben von | Edited by: Stiftung Haus der Geschichte der Bundesrepublik Deutschland Texte von | Texts by: Iris Benner, Harald Biermann, Uta Bretschneider, Ralf Dehmer, Gundula Dicke, Manfred Fiévet, Lena Foerster, Olivia Griese, Peter Hoffmann, Hans Walter Hütter, Philip Kelčec, Lisa Kemle, Thorsten Krause, Judith Kruse, Tina Langner, Iris Lasetzke, Ellen Lehmann, Ralf Lieb, Kornelia Lobmeier, Mike Lukasch, Annett Meineke, Simone Mergen, Ursula Overath, Christian Peters, Annabelle Petschow, Dietmar Preißler, Carsten Reich, Diana Roschka-Meinerding, Ruth Rosenberger, Petra Rösgen, Monika Röther, Anne-Sophie Rüther, Thorsten Smidt, Hanno Sowade, Volker Thiel, Axel Thünker, Julia Ünveren-Schuppe, Helena von Wersebe, Kai-Ingo Weule, Katrin Wotzke, Markus Würz, Stefan Ziegler Gestaltung | Graphic design: JAHNDESIGN Thomas Jahn Werbung & Kommunikation, Erpel/Rhein 16,8 ∞ 24 cm, ca. | approx. 424 S. | pp., ca. | approx. 450 farb. Abb. | col. ills., Hardcover Erscheint im Februar 2022 To be published February 2022 isbn 978-3-7356-0801-7 Deutsch | German Ca. | approx. 5 45,– (D) chf 58,50

Die Publikation vereint die reflektierte Praxis und die praxisorientierte Theorie, wobei anhand praktischer Beispiele Theorien und Denkanstöße für die Zukunft entwickelt werden können. Unter anderem am Beispiel einer großen Wechselausstellung wird die Realisierung eines Ausstellungsvorhabens in den verschiedenen Schritten und unterschiedlichen Arbeitsbereichen dargelegt. Die Entwicklung – vor allem der aktuelle Status quo – kommt zum Ausdruck, mögliche Perspektiven in den einzelnen Bereichen werden ebenfalls aufgezeigt. In Hinblick auf die Zukunft werden Konsequenzen, die sich aus einem veränderten gesellschaftlichen Bewusstsein für bestimmte Bereiche ergeben könnten, aufgezeigt und Denkanstöße gegeben. The publication brings together reflective practice and practice-oriented theory, thereby enabling theories and thought-provoking impulses for the future to be developed on the basis of practical examples. For instance, based on the example of a large changing exhibition, the realization of an exhibition project is presented with its various steps and work areas. The development of the current status quo in particular is reflected on, and possible perspectives in individual areas are shown as well. Looking to the future, consequences that might arise from a changed social awareness of particular areas are presented and impulses provided.

Die Auseinandersetzung mit einem vermeintlichen Tabuthema The confrontation with a supposed taboo subject

Suizid Let’s talk about it! Herausgegeben von | Edited by: Dirk Pörschmann und | and Tatjana Ahle, Zentralinstitut und Museum für Sepulkralkultur / Reinhard Lindner, Universität Kassel Texte von | Texts by: Tatjana Ahle, Torsten F. Barthel, Linda Blincko, Annette Erlangsen, Georg Fiedler, Mark J. Goldblatt, Daniel Hornuff, Shelley Jacobson, Matthias Kettner, Andreas Kruse, Justus Lange, Thomas Macho, Michelle Mortimer, Ulrike Neurath, Chris Paul, Dirk Pörschmann, Malena Rotter, Meryam Schouler-Ocak, Guus Sluiter, Martin Teising, Birgit Wagner, Martha Wahl Gestaltung | Graphic design: Pascal Kress, The Floor Show, Berlin 17 ∞ 24 cm, 360 S. | pp., 18 S/W- und 47 farb. Abb. | 18 b&w and 47 col. ills., Softcover isbn 978-3-7356-0803-1 Deutsch | German 5 36,50 (D) chf 47,50

Suizid und Suizidalität sind oftmals verschwiegene Leiden in unserer Gesellschaft. Etwa 10.000 Menschen sterben jedes Jahr in Deutschland durch eigene Hand; die meisten in schweren psychischen, sozialen und körperlichen Notlagen. Das Schweigen, das ihr Sterben begleitet, wirkt tödlich. Deshalb ist das öffentliche Gespräch über den Suizid, seine Ursachen und seine Folgen ein gesellschaftliches Anliegen. Das Museum für Sepulkralkultur in Kassel widmet sich in dieser Publikation der Suche nach einer Sprache, die es uns auf individueller, gesellschaftlicher und fachlicher Ebene ermöglicht, verstehend und offen über Suizid und Suizidalität zu sprechen. Dieses Buch vereint Essays, Interviews und künstlerische Auseinandersetzungen zu einem Künstler*innen | Artists: Akachukwu Chukwuemeka Benjamin, Guido Cagnacci, Felix Dolah, Meinbert Gozewijn, Shelley Jacobson, Gert Jochems, Georg Kolbe, Steffen Kverneland, Edgar Martins, Bjørn Melhus, Til Mette, Otto Messmer, Johann Martin Pictorius, Thomas Plaßmann, Thijs Rijkers, Fiorentino Rosso, Ralph Rürup, Richard Sluijs, Pat Sullivan, Jaan Toomik, Nicola Torke, Alexander Voet d. J., Donna J. Wan, Francesca Woodman Ausstellung | Exhibition: Suizid – Let’s talk about it!, 10.9.2021 – 27.2.2022, Zentralinstitut und Museum für Sepulkralkultur, Kassel

vielstimmigen Diskurs. Suicide and suicidal tendencies are sufferings that are concealed in our society. Roughly 10,000 people die at their own hand in Germany each year, most of them in severe psychological, social, and physical distress. The silence that accompanies their passing has a deadly effect. That is why speaking publically about suicide, its cause and effect, is of importance to society. The Museum für Sepulkralkultur (Museum for Sepulchral Culture) in Kassel has dedicated this publication to the search for a language that enables us to speak with openness and understanding about suicide and suicidal tendencies on an individual, social, and professional level. This book brings together essays, interviews, and artistic examinations to generate a many-voiced discourse.

BESTSELLER

Fotografische Perspektiven zwischen den Weltkriegen Photographic perspectives between the World Wars

Neu Sehen New Ways of Seeing Die Fotografie der 20er und 30er Jahre The Photography of the 1920s and 1930s Herausgegeben von | Edited by: Kristina Lemke, Städel Museum Texte von | Texts by: Jens Bove, Wolfgang Brückle, Jeannine Fiedler, Kristina Lemke, Patrick Rössler, Rolf Sachsse, Birgit Schillak-Hammers, Steffen Siegel Gestaltung | Graphic design: Studio Tonique, Frankfurt am Main 24 ∞ 28 cm, 256 S. | pp., 148 S/W- und 5 farb. Abb. | 148 b&w and 5 col. ills., Softcover isbn 978-3-7356-0745-4 Deutsch | Englisch German | English 5 49,90 (D) chf 64,90

Wie in kaum einer anderen Zeit hat die Fotografie zwischen 1918 und 1939 die Kunstwelt und den Alltag geprägt. Vor dem Hintergrund einer intensiven Diskussion um Kontinuitäten und Tendenzen stilistischer Gestaltungsweisen in den 1920er- und 1930er-Jahren bietet der Katalog Neu Sehen einen Einblick in die Komplexität des Zeitgeschehens. In acht thematischen Kapiteln werden zentrale Aspekte der künstlerischen Beschäftigung mit Fotografie und deren Einsatz in verschiedenen Gebrauchskontexten in ihrer gesamten motivischen Bandbreite vorgestellt. Between 1918 and 1939, photography influenced the art world more than it had during hardly Künstler*innen u. a. | Artists among others: Hugo Erfurth, Alfred Erhardt, T. Lux Feininger, Hans Finsler, Heinz Hajek-Halke, Heinrich Hoffmann, Lotte Jacobi, André Kertész, Helmar Lerski, Lucia Moholy, Albert Renger-Patzsch, Leni Riefenstahl, Alexander Rodchenko, Willi Ruge, Erich Salomon, August Sander, Hugo Schmölz, Friedrich Seidenstücker, Sasha und | and Cami Stone, Carl Strüwe, Paul Wolff, Yva (Else Ernestine Neuländer-Simon), Willi Zielke

any other period. Keeping in mind the ongoing intensive debate about continuities and the different stylistic tendencies going in multiple creative directions during the 1920s and ’30s, this catalogue offers insight into the complexity of the era’s events. Eight thematic chapters introduce central aspects of art’s exploration of photography and the entire spectrum of motifs involved in employing it in various contexts.

Ausstellung | Exhibition: Neu Sehen. Die Fotografie der 20er und 30er Jahre, 30.6–24.10.2021, Städel Museum, Frankfurt am Main

Collector’s Edition

Jonas Burgert Leibe, 2020 Nur noch wenige Exemplare erhältlich! Only a few copies still available! Faksimile-Print auf Fuego 320 g, Facsimile print on Fuego 320 g, 85 ∞ 70 cm

Ausschließlich über den Verlag bestellbar. Order directly via the publisher.

Auflage | Edition: je 1/20–20/20 + 3 ap. p. + 2 p. p., nummeriert, signiert und datiert numbered, signed and dated 5 1.800,– (D) chf 2.340,–

Ein atemberaubender Erzähler zwischen den Zeiten A breath-taking storyteller between the times

Jonas Burgert Sinn frisst Herausgegeben von | Edited by: Jutta Mattern, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen Texte von | Texts by: Oliver Kornhoff, Jutta Mattern Gestaltung | Graphic design: Claas Möller, claasbooks, Hamburg 29 ∞ 34 cm, 240 S. | pp., 15 S/W- und 124 farb. Abb. | 15 b&w and 124 col. ills., Hardcover Wieder verfügbar Januar/Februar 2022 Available again January/February 2022 isbn 978-3-7356-0660-0 Deutsch | Englisch German | English

Wieder verfügbar! Available again!

5 78,– (D) chf 101,40

Jonas Burgert (*1969) ist einer der profiliertesten figürlichen Maler der Gegenwart und ein atemberaubender Erzähler zwischen den Zeiten. Die Bildräume seiner panoramischen und meisterlich gemalten Gemälde sind so weit wie die Fantasie und ein abgründig schillernder Spiegel des menschlichen Lebens. Durch die visuelle Dynamik der multifokalen Handlungsebenen ist man hineingeworfen in undeutbares Geschehen, begegnet mysteriösen Gestalten und Kreaturen. Das Buch zur Einzelausstellung im Arp Museum entfaltet Burgerts faszinierendes künstlerisches Universum, nicht zuletzt durch sieben neue Monumentalgemälde. Ausstellung | Exhibition: Jonas Burgert – Sinn frisst, 2020, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen

Jonas Burgert (*1969) is one of today’s most distinguished figurative painters and a breath-taking storyteller between the times. The pictorial spaces of his panoramic and masterly executed paintings are as vivid as imagination itself and an eternally enigmatic mirror of human life. One is thrown into the visual turmoil of their multifocal narrational layers, tossed about amidst mysterious happenings, strange figures and creatures. This book, accompanying Burgert’s comprehensive solo exhibition at the Arp Museum, unfolds his fascinating artistic universe, not least due to seven new monumental paintings.

Kulturgeschichte der Farben A cultural history of colors

Grüner Himmel, Blaues Gras Green Sky, Blue Grass Farben ordnen Welten Colour Coding Worlds Herausgegeben von | Edited by: Matthias Claudius Hofmann, Weltkulturen Museum, Frankfurt am Main Texte von | Texts by: Tomi Bartole, Chantal Courtois, Eystein Dahl, Roger Erb, René Fuerst, Frauke Gathof, Vanessa von Gliszczynski, Brigitta Hauser-Schäublin, Matthias Claudius Hofmann, Arno Holl, Eric Huntington, Olaf L. Müller, Eva Ch. Raabe, Gustaaf Verswijver Gestaltung | Graphic design: U9. Visuelle Allianz 16,8 ∞ 23 cm, 256 S. | pp., 1 S/W- und 126 farb. Abb. | 1 b&w and 126 col. ills., Klappenbroschur | Softcover with flaps isbn 978-3-7356-0750-8 Deutsch | German isbn 978-3-7356-0751-5 Englisch | English 5 29,90 (D) chf 39,–

(D)

Grüner Himmel, Blaues Gras – dieser Titel vermag zu irritieren: Ist nicht der Himmel blau und das Gras grün?

(E)

In alten japanischen Gedichten wird der Himmel zuweilen als grün, das Gras als blau beschrieben. Obwohl alle Menschen physiologisch auf dieselbe Art sehen, werden Farben anders wahrgenommen und in verschiedenen Kulturen nach unterschiedlichen Kriterien

Ausstellung | Exhibition: Grüner Himmel, Blaues Gras. Farben ordnen Welten | Green Sky, Blue Grass. Colour Coding Worlds, 1.4.2021 – 30.1.2022, Weltkulturen Museum, Frankfurt am Main

geordnet. Auch vielfältige gesellschaftliche und kosmologische Vorstellungen sind mit Farben verbunden. Die Publikation beleuchtet das Phänomen „Farbe“ aus interdisziplinären Perspektiven. Ethnologische Fallbeispiele stehen im Dialog mit Beiträgen aus der Philosophie, Linguistik und Physik. Green Sky, Blue Grass—this title is perhaps irritating: isn’t the sky blue and the grass green? In ancient Japanese poetry the sky is sometimes described as green, and the grass as blue. Even though all people see the same way, physiologically speaking, colors are perceived differently, and in various cultures they are ordered according to different criteria. In addition, many diverse social and cosmological ideas are linked to colors. This publication sheds light on the phenomenon of “color” from interdisciplinary perspectives. Anthropological case studies enter into a dialogue with essays from the fields of philosophy, linguistics, and physics.

Wiederveröffentlichung eines besonderen Projektes Re-publication of a unique project

Joseph Beuys – Lothar Wolleh Das Unterwasserbuch-Projekt The Unterwasserbuch Project Herausgegeben von | Edited by: Antoon Melissen, Lothar Wolleh Raum, Berlin Texte von | Texts by: Antoon Melissen Gestaltung | Graphic design: Stephan Holitschke, Büro für Visuelle Identitäten, München | Munich 22,7 ∞ 22,7 cm, 2 Bücher im Schuber, 64 S. und 80 S. | 2 books in slipcase, 64 pp. and 80 pp., 100 farb. Abb. | 100 col. ills. isbn 978-3-7356-0769-0 Deutsch | Englisch German | English 5 35,– (D) chf 45,50

Die erste Museumsausstellung von Joseph Beuys (1921–1986) außerhalb des deutschen Sprachraums fand im Januar 1971 im Moderna Museet in Stockholm statt. Der Fotograf Lothar Wolleh (1930–1979) begleitete Beuys auf seiner Reise nach Schweden und fotografierte den Aufbau der Ausstellung. Diese Fotografien bilden die Grundlage für ein Künstlerbuch beider Künstler, das unter dem Titel Unterwasserbuch Bekanntheit erlangte. Der erste Collector’s Edition 5 420,– (D)

Band der vorliegenden Veröffentlichung enthält die Neuauflage dieses Künstlerbuches. Im zweiten Teil wird die reiche Geschichte des Projektes rekonstruiert. Beide Bücher erzeugen ein Abbild des kreativen Diskurses der frühen 1970er-Jahre, erzählen jedoch auch die Geschichte zweier Seelenverwandter. In January 1971 Joseph Beuys’s (1921–1986) first museum exhibition outside of Germany took place at the Moderna Museet in Stockholm. The photographer Lothar Wolleh (1930–1979) accompanied Beuys on his journey and photographed the installation of this exhibition. These photographs formed the basis for an artist book by Beuys and Wolleh, which became famous under the title Unterwasserbuch. The present publication features a new edition of the Unterwasserbuch as well as the rich history of the Projekt Unterwasserbuch in two volumes, both in a single slipcase. The books tell the story of two soulmates, while also testifying to the creative discourse of the early 1970s.

Die Kultur des institutionellen Sammelns The culture of institutional collecting

Anja Nitz Depot Herausgegeben von | Edited by: GRASSI Museum für Völkerkunde, Leipzig Texte von | Texts by: Kevin Breß, Matthias Harder, Megan Krakouer, TeArikirangi Mamaku, Léontine Meijer-van Mensch, Laura Van Broekhoven Gestaltung | Graphic design: Büro Otto Sauhaus, Berlin 20 ∞ 28 cm, 144 S. | pp., 101 farb. Abb. | col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0754-6 Deutsch | Englisch German | English 5 40,– (D) chf 52,–

Die Berliner Künstlerin Anja Nitz (*1971) setzt sich in ihrer Fotoarbeit mit der Kultur des Sammelns auseinander. Durch ihren Blick verschwimmen die Grenzen zwischen den Sammlungsbeständen und den Arbeitswelten der Museumslager. Sammlungsobjekte treten am Ort ihrer Aufbewahrung und in der Verkleidung ihrer Verpackung ins Bild. Für die aktuelle Debatte um den Umgang mit dem kolonialen Erbe werden diese Fotografien zu Zeugen und ermöglichen einen transparenten Zugang zu den gegenwärtigen Depot- und Sammlungssituationen der Museen für Völkerkunde in Leipzig, Dresden und Herrnhut. In her photographic work about the storerooms of the Saxon State Ethnographic Collections, the Berlin-based artist Anja Nitz (*1971) confronts the collection’s culture. Through her gaze, the boundaries between the collection’s exponents and the work done in the museum’s repository blur. Clad in their wrappings, objects from the collections are photographed in the places where they are kept. These photographs are eyewitnesses to the current debates about how to deal with the legacy of colonialism and provide some transparency about the current situations of repositories and collections at the anthropological museums in Leipzig, Dresden, and Herrnhut.

Erstmals publiziert, sensationell, berührend! Published for the first time—sensational and touching!

Elisabeth Erdmann-Macke Tagebücher 1905–1948 Herausgegeben von | Edited by: Margarethe Jochimsen, Hildegard Reinhardt Texte von | Texts by: Elisabeth Erdmann-Macke, Margarethe Jochimsen, Hildegard Reinhardt Gestaltung | Graphic design: Polina Bazir, Kerber Verlag 17 ∞ 24 cm, 632 S. | pp., 70 S/W- und 30 farb. Abb. | 70 b&w and 30 col. ills., Hardcover mit eingelegter CD | with CD inserted isbn 978-3-7356-0664-8 Deutsch | German 5 39,90 (D) chf 51,90

Über vierzig Jahre zeichnete Elisabeth Erdmann-Macke (1888–1978) ihr bewegtes Leben auf: die kurze Ehe mit August Macke, die Heirat mit dem Publizisten Lothar Erdmann, die turbulenten 1920er-Jahre in Bonn und Berlin, die Machtergreifung und der grausame Tod Erdmanns im KZ Sachsenhausen, die Kriegsjahre und die Rückkehr nach Bonn. Als Nachlassverwalterin schrieb sie 1962 mit Erinnerung an August Macke einen Bestseller, 2009 erschienen ihre Begegnungen. Ihre berührenden und nun erstmals publizierten Tagebücher sind eine kleine Sensation. Die vollständige Textdokumentation ist dem Buch zudem als CD beigefügt. Elisabeth Erdmann-Macke (1888–1978) chronicled her eventful life for forty-three years: the brief marriage to August Macke, the marriage to the journalist Lothar Erdmann, the turbulent 1920s in Bonn and Berlin, the seizure of power and Erdmann’s gruesome death at the Sachsenhausen concentration camp, the years of the war, and the return to Bonn. As executor of Macke’s estate, she wrote a bestseller in 1962 entitled Erinnerung an August Macke, and her Begegnungen was published posthumously in 2009. Her touching Tagebücher, which are now being published for the first time, are a minor sensation. A complete transcript of the text also accompanies the book in the form of a CD.

100 Jahre Save the Children 100 Years of Save the Children

Ich lebe (2. Auflage) I Am Alive (2nd Edition) Wie Kinder Kriege überstehen. Ein Jahrhundertporträt. How Children Survived a Century of Wars Fotografien von | Photographs by: Dominic Nahr Texte von | Texts by: Mayte Carrasco, Amir Hassan Cheheltan, Martina Dase, Bertram Job, Anna Kerber, Ban Ki-moon, Aishe Malekshahi, Marcel Mettelsiefen, Anne-Sophie Mutter, Gerd Müller, Wole Soyinka, Jon Swain, Ulrike C. Tscharre, Margrethe Vestager, Anne Watts, Ingo Zamperoni Basierend auf Interviews und Reportagen von | Based on interviews and reportage by: Anna Mayumi Kerber Gestaltung | Graphic design: Harri Kuhn, mischen, Berlin 22 ∞ 26,5 cm, 324 S. | pp., 60 S/W- und 102 farb. Abb. | 60 b&w and 102 col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0632-7 Deutsch | German

426 Millionen Kinder wachsen aktuell in Kriegsgebieten auf. Seit 1919 schützt und fördert

isbn 978-3-7356-0635-8 Englisch | English

Save the Children deshalb Kinder in über 110 Ländern. Anlässlich ihres 100. Jubiläums

5 45,– (D) chf 58,50

Fotojournalisten Dominic Nahr zehn Kinder und ein „Baby der Hoffnung“ vor, die die Kriege

stellt die größte unabhängige Kinderrechtsorganisation der Welt zusammen mit dem Schweizer der vergangenen 100 Jahre überlebt haben. In diesem berührenden Bildband erzählen sie von ihren Schicksalen und dem Kriegsalltag, von Flucht und Vertreibung, aber auch, wie sie (D)

(E)

allen Widrigkeiten zum Trotz Hoffnung und ihren eigenen Weg gefunden haben. Today, 426 million children are growing up in war zones. Since 1919, Save the Children has been protecting and promoting the well-being of children in more than 110 countries. For its hundredth anniversary, this large global independent children’s rights organization has teamed up with the Swiss photojournalist Dominic Nahr to present the stories of ten children and a “baby of hope,” all of whom survived the wars of the past century. This touching illustrated volume tells of their fates, of everyday life in war, of escape and persecution, but also how they found hope and their own paths, despite the adversity they faced.

Neuerscheinungen Herbst 2021 New Publications Fall 2021

Ways of Seeing Abstraction

Joseph Beuys – Lothar Wolleh

Hg. | Ed. Deutsche Bank AG / PalaisPopulaire

Das Unterwasserbuch-Projekt The Unterwasserbuch Project

20 ∞ 27 cm, 256 S. | pp., 198 Abb. | ills., Softcover

Hg. | Ed. Antoon Melissen

isbn 978-3-7356-0775-1 Deutsch | English

1 40,– (D) chf 52,–

22,7 ∞ 22,7 cm, 2 Bücher im Schuber | 2 books in slipcase, 64 S. und 80 S. | 64 pp. and 80 pp., 100 Abb. | ills., Softcover isbn 978-3-7356-0769-0 Deutsch | English

Backlist: www.kerberverlag.com

Emily Gernild

Marc Brandenburg

Black Lemons

Hirnsturm II

Hg. | Ed. Milena Høgsberg, Grant Klarich Johnson

Hg. | Ed. Deutsche Bank AG / PalaisPopulaire

21 ∞ 27 cm, 80 S. | pp., 55 Abb. | ills., Hardcover

20 ∞ 24,5 cm, 200 S. | pp., 186 Abb. | ills., Softcover

isbn 978-3-7356-0772-0 English

isbn 978-3-7356-0764-5 Deutsch | English

1 36,– (D) chf 48,–

1 36,90 (D) chf 48,10

Nachume Miller

Ibrahim Mahama

Behind the Painting

Vanishing Points 2014–2020

Texte von | Texts by: Danny Miller, Jill Cole, George Leonidou

Hg. | Ed. Torsten Reiter, Alexander Bär

1 35,– (D) chf 46,50

Elisabeth Erdmann-Macke Tagebücher 1905–1948 Hg. | Ed. Margarethe Jochimsen, Hildegard Reinhardt 17 ∞ 24 cm, 632 S. | pp., 100 Abb. | ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0664-8 Deutsch

1 39,90 (D) chf 51,90

Georg Óskar Giannakoudakis Your Dream Is Dead – Georg Oskar’s Painting Hg. | Ed. Lu Mei, Migrant Bird Space 16,5 ∞ 23 cm, 148 S. | pp., 103 Abb. | ills., Softcover isbn 978-3-7356-0743-0 Deutsch | Chinese

1 32,– (D) chf 41,60

16,5 ∞ 23,5 cm, 176 S. | pp., 176 Abb. | ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0776-8 English

1 39,90 (D) chf 51,90

21 ∞ 29,7 cm, 88 S. | pp., 44 Abb. | ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0778-2 English

1 38,– (D) chf 49,40

new publications fall 2021

Elín Jakobsdóttir

Marta & Slava

Sabine Groß

Claire Morgan

In the First Place

Selected Projects 2009–2020

Show Time

Joy in the Pain

Hg. | Ed. Christine Nippe und | and Fachbereich Kultur Steglitz-Zehlendorf

Hg. | Ed. Marta Volkova, Slava Shevelenko

Hg. | Ed. Andrea Jahn, Stiftung Saarländischer Kulturbesitz

17 ∞ 24 cm, 96 S. | pp., 141 Abb. | ills., Hardcover

21 ∞ 28 cm, 120 S. | pp., 82 Abb. | ills., Softcover

21 ∞ 27 cm, 120 S. | pp., 78 Abb. | ills., Softcover

24 ∞ 30 cm, 160 S. | pp., 78 Abb. | ills., Softcover

isbn 978-3-7356-0797-3 Deutsch | English

isbn 978-3-7356-0785-0 English

isbn 978-3-7356-0788-1 Deutsch | English

isbn 978-3-7356-0790-4 Deutsch | English

1 25,– (D) chf 32,50

1 38,– (D) chf 49,40

1 30,– (D) chf 39,–

1 38,– (D) chf 49,40

Don’t Call It Art!

Bei Uns. Bei Euch!

Yafeng Duan

Contemporary Art in Vietnam 1993 – 1999

Ein künstlerisches Chemnitz Berlin Kontinuum

Hg. | Ed. Annette Bhagwati, Veronika Radulovic

Hg. | Ed. Alexander Ochs

17,5 ∞ 23 cm, 432 S. | pp., 1316 Abb. | ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0791-1 English

12,5 ∞ 18,8 cm, 104 S. | pp., 48 Abb. | ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0793-5 Deutsch

1 18,– (D) chf 23,50

Simone Zaugg Thoughts to Go

1 38,– (D) chf 49,40

Hg. | Ed. Kanton Bern, WERK-BUCH / ŒUVRE D’ARTISTE 17 ∞ 24 cm, 224 S. | pp., 120 Abb. | ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0773-7 Deutsch | English

1 38,– (D) chf 49,40

1 45,– (D) chf 58,50

neuerscheinungen herbst 2021

Patrick Kaufmann

> 1000 Worte > 1000 Words

Szilard Huszank

Elisabeth Mehrl

I Just Keep Painting

Dem Schönen

Hg. | Ed. Galerie Rothamel

Hg. | Ed. Robert Dress

Hg. | Ed. Walter Stolz

24 ∞ 30 cm, 72 S. | pp., 33 Abb. | ills., Hardcover

21 ∞ 28 cm, 120 S. | pp., 93 Abb. | ills., Hardcover

28 ∞ 21 cm, 104 S. | pp., 85 Abb. | ills., Hardcover

isbn 978-3-7356-0781-2 Deutsch | English

isbn 978-3-7356-0748-5 Deutsch | English

isbn 978-3-7356-0779-9 Deutsch

1 35,– (D) chf 45,50

1 36,– (D) chf 47,–

1 35,– (D) chf 45,50

Nähe

Dominik Schmitt

TNoA

Facing the Balkans

berühren – spüren – verführen

Ironisch | Ikonisch Ironic | Iconic

The Nature of Abstraction

Südosteuropa in Fotografien von Harald Schmitt

Frequencies Hg. | Ed. textkurve, Baumgartner & Annaheim, Zürich 23 ∞ 29 cm, 216 S. | pp., 224 Abb. | ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0770-6 Deutsch | English

1 40,– (D) chf 52,–

Hg. | Ed. Sabine Kampmann, Torsten Obrist/Galerie Obrist 20 ∞ 24 cm, 128 S. | pp., 102 Abb. | ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0780-5 Deutsch

1 36,– (D) chf 47,–

1 28,– (D) chf 36,40

20 ∞ 30 cm, 84 S. | pp., 73 Abb. | ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0777-5 Deutsch | English

1 35,– (D) chf 45,50

Hg. | Ed. Bayerische Staatsbibliothek 28 ∞ 23 cm, 176 S. | pp., 110 Abb. | ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0774-4 Deutsch

1 40,– (D) chf 52,–

new publications fall 2021

MOMENTA (E)

MOMENTA (F)

Jackie Nickerson

Biennale de l’image Sensing Nature

Biennale de l’image Quand la nature ressent

Salvage

Neu Sehen New Ways of Seeing

Texte von | Texts by Jackie Nickerson

Die Fotografie der 20er und 30er Jahre The Photography of the 1920s and 1930s

Hg. | Ed. MOMENTA Biennale de l’image

21,9 ∞ 29,2 cm, 164 S. | pp., 72 Abb. | ills., Hardcover

isbn 978-3-7356-0787-4 English

isbn 978-3-7356-0795-9 French

1 39,90 (D) chf 52,–

24 ∞ 30 cm, 96 S. | pp., 48 Abb. | ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0755-3 English

1 38,– (D) chf 49,40

1 49,90 (D) chf 64,90

Clara Brörmann

Tony Franz

Anthony Curri

Mirjana Vrbaški

Kopfbilder

2006–2020

Atlas Moksha

odd time

Texte von | Texts by Kito Nedo

Hg. | Ed. Tony Franz

Texte von | Texts by Anthony Curri

Texte von | Texts by Mirjana Vrba ški

21 ∞ 27 cm, 96 S. | pp., 41 Abb. | ills., Hardcover

19,5 ∞ 25 cm, 152 S. | pp., 68 Abb. | ills., Softcover

24 ∞ 30 cm, 128 S. | pp., 154 Abb. | ills., Hardcover

17 ∞ 22,2 cm, 64 S. | pp., 24 Abb. | ills., Hardcover

isbn 978-7356-0763-8 Deutsch | English

isbn 978-3-7356-0760-7 Deutsch | English

isbn 978-3-7356-0762-1 English

isbn 978-3-7356-0765-2 English

1 35,– (D) chf 45,50

1 38,– (D) chf 49,40

1 44,– (D) chf 57,50

1 27,50 (D) chf 36,–

neuerscheinungen herbst 2021

Beatriz Morales Hg. | Ed. Beatriz Morales, Zombori Art Media 21 ∞ 28 cm, 164 S. | pp., 140 Abb. | ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0766-9 Deutsch | English

1 40,– (D) chf 52,–

Niina Lehtonen Braun

Adrian Sauer

Anja Engelke

Mädchen lass los Let Go Girl

Foto Arbeiten

Room 125

Hg. | Ed. Gertrude WagenfeldPleister, Oldenburger Kunstverein und | and Galerie Klemm’s, Berlin

17 ∞ 22 cm, 56 S. | pp., 25 Abb. | ills., Hardcover

Texte von | Texts by Christine Nippe 16,8 ∞ 24 cm, 112 S. | pp., 90 Abb. | ills., Softcover isbn 978-3-7356-0789-8 Deutsch | English

1 28,– (D) chf 36,40

18,7 ∞ 25,7 cm, 256 S. | pp., 701 Abb. | ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0720-1 Deutsch | English

1 42,– (D) chf 54,60

isbn 978-3-7356-0730-0 Deutsch | English

1 28,– (D) chf 36,40

Angekündigt – noch nicht erschienen Announced—not yet published

London Underground Extension: Alexandre da Cunha

Michael Johansson

Re-Art

Flip

Readymade recycelt

New Works for the Northern Line

Texte von | Texts by Mika Hannula

Hg. | Ed. Overbeck-Gesellschaft

Hg. | Ed. Art on the Underground

Erscheint im Frühjahr 2022 To be published Spring 2022

17 ∞ 24 cm, ca. | approx. 152 S. | pp., Hardcover

24 ∞ 30,5 cm, ca. | approx. 128 S. | pp., Hardcover

isbn 978-3-7356-0794-2 English

isbn 978-3-7356-0799-7 Deutsch | English

Ca. | approx. 1 40,– (D) chf 52,–

Ca. | approx. 1 38,– (D) chf 49,40

Erscheint im Frühjahr 2022 To be published Spring 2022 21 ∞ 25 cm, ca. | approx. 180 S. | pp., Hardcover isbn 978-3-7356-0771-3 English Ca. | approx. 1 40,– (D) chf 52,–

Carola Ernst

Welt – Bühne – Traum Die „Brücke“ im Atelier

Hg. | Ed. Andrea Jahn, Saarlandmuseum, Moderne Galerie Erscheint im Frühjahr 2022 To be published Spring 2022 17 ∞ 24 cm, ca. | approx. 224 S. | pp., Softcover isbn 978-3-7356-0759-1 Deutsch Ca. | approx. 1 40,– (D) chf 52,–

backlist

Bildnachweis | Image Credits

Ilya and Emilia Kabakov

Charles Rosenthal: The Auction, 1927–1928, 1998, elektrisches System, Öl auf Leinwand | electrical system, oil on canvas, 388 ∞ 651 ∞ 25,2 cm, © Ilya and Emilia Kabakov und | and VG BildKunst, Bonn 2022 The Movement of Darkness #1, 2017, Öl auf Leinwand | oil on canvas, 284,5 ∞ 211 cm 6–7 Maxwell Alexandre Installationsansicht | installation view Artists of the Year – Maxwell Alexandre, Conny Maier, Zhang Xu Zhan, PalaisPopulaire 2021/2022, Foto | photo: Mathias Schormann, © A Gentil Carioca Conny Maier Installationsansicht | installation view Artists of the Year – Maxwell Alexandre, Conny Maier, Zhang Xu Zhan, PalaisPopulaire 2021/2022, Foto | photo: Mathias Schormann, © Conny Maier, Courtesy König Galerie Zhang Xu Zhan Installationsansicht | installation view Artists of the Year – Maxwell Alexandre, Conny Maier, Zhang Xu Zhan, PalaisPopulaire 2021/2022, Foto | photo: Mathias Schormann, © Zhang Xu Zhan, Courtesy des Künstlers und | courtesy of the artist and Project Fulfill Art Space 8–9

Hermann Nitsch

20. Malaktion | 20th painting action, Foto | photo: Heinz Cibulka, © Hermann Nitsch und | and VG Bild-Kunst, Bonn 2022 Aktionsmalerei mit Hemd | action painting with painting shirt, Öl/Blut auf Leinwand | oil/blood on canvas, 1987, 200 ∞ 300 ∞ 6 cm, © Hermann Nitsch und | and VG Bild-Kunst, Bonn 2022 10–11

Foto | photo: Alex Stoddard

Metamorphosis, Interrupted II, © Alex Stoddard Quiet Surrender, © Alex Stoddard 12–13 Lina Zangers Brust Blau, 2021, © Lina Zangers Evelyn Bencicova Debora, 2020, © Evelyn Bencicova 14–15 Kawita Vatanajyankur Dye, 2018, HD Video, Single Channel, 7:30 min., Courtesy Kawita Vatanajyankur, Sammlung | Collection: MAIIAM Contemporary Art Museum, Thailand 16–17 Tim Sandow Bobo Electra Stay Home, 2021, Acryl auf Leinwand | acrylic on canvas, 90 ∞ 125 cm, © Tim Sandow, Galerie Droste und | and VG Bild-Kunst, Bonn 2022

18 Christoph Draeger Das Versprechen (Beuys, ich führe persönlich Osama Bin Laden durch die Documenta XII), 2003–2021, Pressspanplatten, Holzlatten, Schuhe, Stroh, Acryl | pressed particle board, wooden slats, shoes, straw, acrylic, 200 ∞ 200 ∞ 40 cm, © Christoph Draeger, Foto | photo: Christoph Draeger 20 Per Kirkeby Ohne Titel | Untitled, 2000, Öl auf Leinwand | oil on canvas, 302 ∞ 502,5 ∞ 4,5 cm, Courtesy Kunstmuseum St.Gallen 21 Ben Willikens Raum 398, Studio Piet Mondrian, Paris, 2018, Acryl auf Leinwand | acrylic on canvas, 200 ∞ 270 cm, © VG Bild-Kunst, Bonn 2022 22–23 Michelangelo Pistoletto Quadro di fili elettrici, 1967, Foto | photo: Patrizia Tocci, Courtesy Fondazione MAXXI Vanessa Beecroft VB 74, 2014–2017, Foto | photo: Luis do Rosario, Courtesy Fondazione MAXXI Aldo Rossi Wettbewerb für die Planung und den Bau des Teatro Comunale dell’Opera Carlo Felice, Genua | competition for the design and construction of Teatro Comunale dell’Opera Carlo Felice, Genoa, 1982–1996, Holzmodell des Theaters (Foto: F2F Studio), Tanne, Abachi-Baum, Messing | wooden model of the theater (photo: F2F Studio), Fir, obeche, brass, © MAXXI Nationalmuseum der Künste des XXI. Jahrhunderts, Rom / MAXXI Architektursammlung / Aldo Rossi Archiv | MAXXI National Museum of XXI Century Arts, Rome / MAXXI Architecture Collection / Aldo Rossi Archive 24–25 Tamina Amadyar Overlook, 2020, Pigment, Kleber auf Leinwand | pigment, glue on canvas, 150 ∞ 130 cm, Foto | photo: Roman März, Courtesy: Tamina Amadyar und | and Galerie Guido W. Baudach Lewis Hammond Chimezie (rising and falling with the current), 2021, Öl auf Leinen | oil on linen, 230 ∞ 190 cm, Foto | photo: Gunter Lepkowski, Courtesy the artist und | and Arcadia Missa, London Mooni Perry Binlang Xishi, 3-Kanal-Video, VHS/8mm/4k, Stereo-Ton, 2021 (in Arbeit), Filmstill | 3 channel video, VHS/8mm/4k, stereo sound, 2021 (work in progress), film still, © Mooni Perry 26–27

Emeka Ogboh

This Too Shall Pass , 2021, MultimediaInstallation (Mehrkanal-Sound+Textil) | multimedia installation (multichannel sound+textile), Maße variabel | dimensions variable, Courtesy Günzel Rademacher This Too Shall Pass, 2021, MultimediaInstallation (Mehrkanal-Sound+Textil) | multimedia installation (multichannel sound+textile), Maße variabel | dimensions variable, Courtesy Günzel Rademacher

Christine Ödlund

Artemisia absinthium, 2019, Pflanzenpigmente (Artemisia absinthium), Acrylfarben und Bleistift auf Leinwand | plant pigments (Artemisia absinthium), acrylics and pencil on canvas, 200 ∞ 150 cm, Courtesy CFHILL 29 Miguel Rothschild Spirits in the Woodland, 2019–2021, Kunstdruck auf Hahnemühle Papier mit Verbrennungen | fine art print on Hahnemühle paper with burns, 90 ∞ 130 cm, © Miguel Rothschild und | and VG Bild-Kunst, Bonn 2022 30 Serena Ferrario L’estate scorsa, 2019, Installationsansicht, Kunsthalle Düsseldorf, Karl Schmidt-Rottluff Stipendium, Papier, Fotokopien, Fotos, Styropor, Karton, Alufolie, Lack | installation view, Kunsthalle Düsseldorf, Karl Schmidt-Rottluff scholarship, paper, photocopies, photos, styrofoam, cardboard, aluminum foil, varnish, Foto | photo: Katja Illner, © Serena Ferrario 31

38 Zsolt Berszan Ohne Titel 01 | Untitled 01, 2015, Öl auf Leinwand | oil on canvas, 140 ∞ 100 cm 39 Gereon Krebber Ausstellungsansicht linke Seite | exhibition view left side Keramocringe, Skulpturenmuseum Glaskasten Marl 40 atelierJAK Ausstellungsansicht | exhibition view, Courtesy Galerie Isabelle Lesmeister 41 Klangreise | sound trip, MINCO mit Visuals von | with visuals by Anton Kats, SoS Assembly 2020, Foto | photo: Joe Clark 42 Förderbänder in der Kunsthalle | conveyor belts in the Art Gallery

Tim Sandow

High Tide Updike, 2021, Acryl auf Leinwand | acrylic on canvas, 220 ∞ 180 cm, © Tim Sandow, Galerie Droste und | and VG Bild-Kunst, Bonn 2022 Night up Sharon, 2021, Acryl auf Leinwand | acrylic on canvas, 140 ∞ 100 cm, © Tim Sandow, Galerie Droste und | and VG Bild-Kunst, Bonn 2022 32

37 Rune Guneriussen A detached protector of antigrowth, 2019, Digital C-Print, Aluminium, Lack | digital c-print, aluminum, laquer, 120 ∞ 178 cm

Eja Siepman van den Berg

Zigzag, 1982, 8+4 E.A., Bronze, 90 ∞ 45,5 ∞ 48 cm, © Eja Siepman van den Berg und | and Siepman van den Berg Foundation Koude steen, 1992, 8+4 E.A., Bronze, 87 ∞ 45 ∞ 80 cm, © Eja Siepman van den Berg und | and Siepman van den Berg Foundation 33 Man Ray Ohne Titel | Untitled, 1924, Silbergelatine Print | silver gelatine print, 28,9 ∞ 21 cm, Sammlung | collection Marion Meyer 34 Dieter Huber AMANTI#139 / Kurt Schnitters, © Dieter Huber und | and VG Bild-Kunst, Bonn 2022 35 Johannes Brus Ohne Titel | Untitled, 1994/2012, Schwarz-WeißFotografie auf Barytpapier, farbig getont | black and white photograph on baryta paper, toned in color, ca. | approx. 79 ∞ 63 cm, Foto | photo: Mick Vincenz, courtesy Galerie Andreae Bonn, © Johannes Brus und | and VG Bild-Kunst, Bonn 2022 36 Laura Kärki Mother’s day in polished kitchen, 2020, DIBOND Aluminium | DIBOND aluminum, 30,4 ∞ 45 ∞ 0,3 cm, Courtesy Bernhard Ludewig

43 Anne-Marie Sprenger Ohne Titel | Untitled, Acryl, Ölkreide, Tusche mit Rohrfeder auf Leinwand, aus den Schuhserien von 2010–2015 und 2021 | acrylic, oil pastel, ink with reed pen on canvas, from the shoe series of 2010–2015 and 2021 44 Gerhard Richter Wolken | Clouds, 1982, Öl auf Leinwand | oil on canvas, 2 Teile, gesamt | 2 parts, in total: 200 ∞ 260 cm, © Gerhard Richter 45 Christopher Winter Dog Days, 2021, Acryl auf Leinwand | acrylic on canvas, 110 ∞ 140 cm, Foto | photo: Eric Tschernow, © Christopher Winter 46 Lisa Klein Dolly and Bolly get dressed 02, 2014, CromaLuxe art board, 70 ∞ 70 cm, © Lisa Klein und | and Bildrecht, Wien 2022 47 Sebastian Jung Aus der Serie | from the series Bio Bio SUV, © Sebastian Jung 48–49 Mika Sperling My Mother’s Curlers, 2020, 67,5 ∞ 90 cm, © Mika Sperling 50–51

Mika Sperling

Snoopy, 2020, 67,5 ∞ 90 cm, © Mika Sperling Touch, 2020, 67,5 ∞ 90 cm, © Mika Sperling 52 Andreas Trogisch Berlin, 2020, Pigment Print, 24,9 ∞ 16,6 cm, Courtesy Galerie Franzkowiak 53 Andrea Wilmsen B.ODE #8, 2019, Archival Fine Art print, 40 ∞ 60 cm, © Andrea Wilmsen

backlist

54–55 Foto | photo: Alex O’Dell Aus der Serie | from the series Super Nature, 2022, © Alexander O’Dell 56 Iris Friedrich Wohnwagenbar, 2018, © Iris Friedrich 57 Foto | photo: Gisela Erlacher Somogyihof + Maria, 2020, © Gisela Erlacher 58–59 Donna J. Wan Golden Gate Bridge #6, 2013, C-Print, 85 ∞ 110 cm, © Donna J. Wan 60 Axel Thünker Außenansicht Museum in der Kulturbrauerei | exterior view museum in the Kulturbrauerei, 2013, © Stiftung Haus der Geschichte der Bundesrepublik Deutschland/Axel Thünker 62–63

Nur besonders edle Charaktere werden

komplett in Schwarz gehalten, wie z. B. der Stratege Kresna, der enorme übernatürliche Kräfte besitzt, sowie der Spaßmacher und Gott Semar. Schenkung von Annegret Haake, 2019; und erworben von August Flick, 1989. Sammlung: Weltkulturen Museum, Foto: Wolfgang Günzel, 2020 | Only particularly noble characters are kept completely in black, such as the strategist Kresna, who possesses enormous supernatural powers, as well as the jester and god Semar. Donation by Annegret Haake, 2019; and acquired by August Flick, 1989. Collection: World Cultures Museum, photo: Wolfgang Günzel, 2020

Lothar Wolleh

Ohne Titel | Untitled (Joseph Beuys im Moderna Museet, vor seiner Arbeit | Joseph Beuys at the Moderna Museet, in front of his work Plastischer Fuß Elastischer Fuß, 1969), 1971, © Joseph Beuys / Oliver Wolleh, Berlin, für | for Lothar Wolleh Ohne Titel (Joseph Beuys im Moderna Museet, vor seiner Arbeit | Joseph Beuys at the Moderna Museet, in front of his work Das Schweigen von Marcel Duchamp wird überbewertet, 1964), 1971, © Joseph Beuys / Oliver Wolleh, Berlin, für | for Lothar Wolleh 72–73

74–75 August Macke Elisabeth Gerhardt auf grünem Stuhl, 1908, Öl auf Karton | oil on cardboard, 18 ∞ 14,5 cm, bez. auf RS von WM: Elisabeth Gerhardt/auf grünem Stuhl/1908, Heiderich G 79, Kunstmuseum Bonn, Dauerleihgabe aus Privatbesitz | permanent loan from a private collection August und Elisabeth Macke mit ihren Kindern Walter und Wolfgang in Bonn, Sommer 1913 | August and Elisabeth Macke with their children Walter and Wolfgang in Bonn, Summer 1913, Museum August-Macke-Haus, Bonn 76–77

Libanon, Informelle Siedlung | Informal settlement Rajiya, 15 Tage alt, geboren im Rohingya-Flüchtlingslager in Bangladesch | Rajiya, 15 days old, born in Rohingya refugee camp in Bangladesh

64 Yva Reise- und Segelanzug, Silbergelatineabzug | travel and sailing suit, silver gelatine print, 23,1 ∞ 16,6 cm, © Städel Museum, Frankfurt am Main 67 Jonas Burgert Ein einst, 2017, Öl auf Leinwand | oil on canvas, 240 ∞ 300 cm, © Jonas Burgert 68–69 Rollbild (Thangka). Tibet. Brokat und Leinwand, bemalt. Gesammelt von Hermann Niggemeyer, Frobenius-Expedition nach Indien 1955–1956. | Scroll painting (thangka). Tibet. Brocade and canvas, painted. Collected by Hermann Niggemeyer, Frobenius expedition to India 1955–1956. Holz mit Erdfarben bemalt. Maprik, Neuguinea. Gesammelt von Meinhard Schuster und Eike Haberland, Sepik-Expedition 1961. Sammlung: Weltkulturen Museum. Foto: Wolfgang Günzel, 2020 | Wood painted with earth colors. Maprik, New Guinea. Collected by Meinhard Schuster and Eike Haberland, Sepik expedition 1961. Collection: World Cultures Museum, photo: Wolfgang Günzel, 2020

backlist

AUSLIEFERUNGEN UND VERTRETUNGEN | DISTRIBUTION AND REPRESENTATION

KERBER Publikationen werden weltweit vertrieben und durch starke internationale Partner sowie ein dichtes Vertriebsnetz mit mehr als 30 Verlagsvertretungen aktiv in über 85 Ländern direkt vor Ort vermarktet. KERBER publications are distributed worldwide. Due to strong international partners and a vast distribution network with more than 30 local representation offices, the books are actively marketed in over 85 countries.

AUSLIEFERUNGEN | DISTRIBUTION

BARSORTIMENTE | WHOLESALERS

DEUTSCHLAND, SCHWEIZ & ÖSTERREICH GERMANY, AUSTRIA & SWITZERLAND

Deutschland, Österreich | Germany, Austria

Zeitfracht GmbH Barsortiment

Berlin, Brandenburg, Bremen, Hamburg, Mecklenburg-Vorpommern, Niedersachsen, Sachsen, Sachsen-Anhalt, Schleswig-Holstein, Thüringen Berlin, Brandenburg, Bremen, Hamburg, Lower Saxony, Mecklenburg-Western Pomerania, Saxony, Saxony-Anhalt, Schleswig-Holstein, Thuringia

Zeitfracht GmbH Verlagsauslieferung Sabine Riemann Industriestr. 23 70565 Stuttgart Germany +49 711 78 99 21 21 kerber-verlag@zeitfracht.de

Industriestr. 23 70565 Stuttgart Germany +49 711 78 600 info-medien@zeitfracht.de

Libri Schweiz | Switzerland AVA Verlagsauslieferung AG Centralweg 16 8910 Affoltern am Albis Switzerland +41 44 762 42 50 +41 44 762 42 10 (F) avainfo@ava.ch

USA ARTBOOK | D.A.P. 75 Broad Street, Suite 630 New York, NY 10004 USA +1 212 62 71 999 +1 212 62 79 484 (F) eleshowitz@dapinc.com

Welt (außer Deutschland, Österreich, USA, Schweiz) World (except Austria, Germany, Switzerland, USA) ACC Art Books Sandy Lane Old Martlesham Woodbridge, IP12 4SD UK +44 1394 38 99 50 +44 1394 38 99 99 (F) anna.pearce@accartbooks.com

Friedensallee 273 22763 Hamburg Germany +49 40 85 39 80 +49 40 85 39 87 802 (F) libri@libri.de

Umbreit Mundelsheimer Str. 3 74321 Bietigheim-Bissingen Germany +49 7142 59 60 +49 7142 59 62 00 (F) info@umbreit.de

buchart Verlagsvertretungen Peter Jastrow +49 30 44 73 21 80 service@buchart.org

Baden-Württemberg, Nordrhein Westfalen, Rheinland-Pfalz, Saarland Baden-Württemberg, North Rhine-Westphalia, Rhineland-Palatinate, Saarland Vertreterbüro Würzburg Michael Klein +49 931 17 405 klein@vertreterbuero-wuerzburg.de

Bayern, Hessen | Bavaria, Hesse Verlagsvertretung Felix Wegener Felix Wegener +49 89 76 72 93 95 wegener@sinolog.de

Schweiz | Switzerland Scheidegger & Co. AG Angela Kindlimann, Urs Wetli, Stephanie Brunner Obere Bahnhofstraße 10 A 8910 Affoltern am Albis Switzerland +41 44 762 42 41 +41 44 762 42 49 (F) a.kindlimann@scheidegger-buecher.ch u.wetli@scheidegger-buecher.ch s.brunner@scheidegger-buecher.ch

Österreich | Austria Seth Meyer-Bruhns +43 1 21 47 340 meyer_bruhns@yahoo.de

VERTRETUNGEN | REPRESENTATION

EUROPA (ACC) EUROPE (ACC)

Albanien, Armenien, Aserbaidschan, Bulgarien, Estland, Georgien, Kroatien, Lettland, Litauen, Polen, Rumänien, Slovenien, Slowakei, Tschechien, Ukraine, Ungarn Albania, Armenia, Azerbaijan, Bulgaria, Croatia, Czech Republic, Estonia, Georgia, Hungary, Latvia, Lithuania, Moldova, Poland, Romania, Slovak Republic, Slovenia, Ukraine Cristian Juncu +40 720 45 48 00 cristian@j4.ro

Südengland, Südwales Southern England, South Wales

Hongkong, Taiwan, Philippinen Hong Kong, Taiwan, Philippines

Signature Book Representation Colin Edwards + 44 1483 22 23 33 colin.edwards862@gmail.com

Asia Publishers Services Edward Summerson +852 25 53 92 89 aps_hk@asiapubs.com.hk

Midlands, Nordengland, Nordwales, Schottland Midlands, Northern England, North Wales, Scotland

Indien | India

Signature Book Representation Jim Sheehan +44 84 58 62 17 30 jim@signaturebooksuk.com

The Variety Book Depot Om Arora +91 11 41 51 71 01 varietybookdepot@gmail.com

Iran Belgien, Luxembourg, Niederlande Belgium, Luxembourg, The Netherlands Exhibitions International +32 16 29 69 00 orders@exhibitionsinternational.be

Frankreich | France Interart +33 1 43 49 36 60 commercial@interart.fr

Griechenland | Greece Padovani Books Isabella Curtis +30 210 72 18 995 isabella@padovanibooks.com

Italien | Italy Padovani Books Penny Padovani +39 575 61 43 38 penny@padovanibooks.com

Ostanglien | East Anglia Hawkins Publishing Services Gillian Hawkins gill.hawkins.hps@btinternet.com +44 1342 89 30 29

Japan, Südkorea | Japan, South Korea Irland | Ireland Robert Towers +353 1 28 06 532 rtowers16@gmail.com

ASIEN & AFRIKA (ACC) | ASIA & AFRICA (ACC) Ägypten, GKR Staaten, Irak, Libanon, Libyen, Sudan, Syrien | Egypt, GCC states, Iraq, Lebanon, Libya, Sudan, Syria Avicenna Partnership Bill Kennedy +44 7802 24 44 57 avicennabk@gmail.com

Portugal, Spanien | Portugal, Spain Padovani Books Jenny Padovani Frias +34 63 70 27 587 jenny@padovanibooks.com

Avicenna Partnership Claire de Gruchy +44 7771 88 78 43 avicenna-cdeg@outlook.com

Skandinavien | Scandinavia

Brunei, Indonesien, Kambodscha, Malaysia, Singapur, Thailand, Vietnam | Brunei, Indonesia, Cambodia, Malaysia, Singapore, Thailand, Vietnam

VEREINIGTES KÖNIGREICH & IRLAND (ACC) UNITED KINGDOM & IRELAND (ACC)

London, Cambridge, Oxford Tom Greig +44 7823 77 72 20 tom.greig@accartbooks.com

Yasy Murayama +81 48 77 02 003 yasy@yasmy.com

Südafrika | South Africa

Algerien, Israel, Jordanien, Malta, Marokko, Palestina, Tunesien, Türkei, Zypern Algeria, Cyprus, Israel, Jordan, Malta, Palestine, Morocco, Tunisia, Turkey

Gill Angell & Stewart Siddall Angel Eurosales Limited +44 1764 683781 info@angelleurosales.com

Vijeh-nashr Co. +98 218 89 10 429 info@vijehnashr.com

Words & Visuals Press William Tay +65 67 47 35 81 william.tay@wordsandvisuals.com

China China Publishers Marketing Pan Jie +86 21 54 25 95 57 benjamin.pan@cpmarketing.com.cn

Peter Hyde Associates +27 21 44 75 300 peterhydebooks@gmail.com

AUSTRALIEN & NEUSEELAND (ACC) AUSTRALIA & NEW ZEALAND (ACC)

Australien | Australia Peribo Michael Coffey +61 2 94 57 00 11 info@peribo.com.au

Neuseeland | New Zealand David Bateman Ltd Bryce Gibson +649 415 76 68 bryceg@bateman.co.nz

SÜDAMERIKA (D.A.P.) SOUTH AMERICA (D.A.P.)

Zentral- und Südamerika, Karibik Central & South America, Caribbean ARTBOOK | D.A.P. +1 212 62 71 999 eleshowitz@dapinc.com

backlist

Verzeichnis | Index

ars viva 2022 Artists of the Year atelierJAK

25 7 40

Berszán, Zsolt Brus, Johannes

38 35

Das hätten wir nicht erwartet

Erlacher, Gisela

Ferrario, Serena Friedrich, Iris

30 56

Guneriussen, Rune

Huber, Dieter

Jung, Sebastian

Kabakov, Ilya and Emilia Kärki, Laura Klein, Lisa Krebber, Gereon Kunstmuseum St.Gallen

5 36 46 39 20

MINDBOMBS

Nation, Narration, Narcosis Nitsch, Hermann

15 9

O’Dell, Alex Ödlund, Christine Ogboh, Emeka Opera Opera

55 28 27 23

Ray, Man Rothschild, Miguel

33 29

Sandow, Tim Siepman van den Berg, Eja SoS Sperling, Mika Sprenger, Anne-Marie Stoddard, Alex Suizid. Let’s talk about it!

31 32 41 51 43 11 61

The Dialogics of Contemporary Art: Painting Politics THE OPÉRA Trogisch, Andreas

44 13 52

Willikens, Ben Wilmsen, Andrea Winter, Christopher

21 53 45

Zeithistorische Ausstellungen

VERLAG Head Office Windelsbleicher Straße 166–170 33659 Bielefeld Germany +49 521 950 08 10 +49 521 950 08 88 (F)

Berlin Office · Showroom Rudi-Dutschke-Straße 26 10969 Berlin Germany +49 30 259 28 27 0 +49 30 259 28 27 2 (F)

Christof Kerber Verleger | Publisher

Birte Kreft Programmleitung | Program Director birte.kreft@kerberverlag.com

Jens Bartneck Herstellungsleitung | Production Director jens.bartneck@kerberverlag.com

Programm | Program

PR & Vertrieb | PR & Distribution

Herstellung | Production

Lydia Fuchs Projektmanagement | Project Management lydia.fuchs@kerberverlag.com

Anne Levke Vorbeck Press & Public Relations annelevke.vorbeck@kerberverlag.com

Martina Kupiak Projektmanagement | Project Management martina.kupiak@kerberverlag.com

Sandra Hampe Vertrieb national / international National / International Distribution sandra.hampe@kerberverlag.com

Polina Bazir Gestaltung, Lithografie, DTP Design, Lithography, DTP polina.bazir@kerberverlag.com

Verena Simon Projektmanagement | Project Management verena.simon@kerberverlag.com

Finanzen | Finances Marion Mühlnikel Finanzen, Büromanagement Finances, Office Management marion.muehlnikel@kerberverlag.com

Andreas Berkemeier Proofs, Druckformen, CTP Proofs, Printing Plates, CTP berkemeier@kerberverlag.com Bastian Bittner Lithografie, DTP, CTP Lithography, DTP, CTP bastian.bittner@kerberverlag.com Achim Backhaus, Waldemar Raabe Drucker | Printers Jürgen Nickel Buchbinder | Book Binder

Preisänderungen, Lieferbarkeit und Irrtümer vorbehalten. | Price changes, availability, and errors excepted. © 2022 Kerber Verlag, Bielefeld / Berlin, VG Bild-Kunst, Bonn 2021, sowie alle Rechteinhaber | and the copyright holders Titelabbildungen © Conny Maier, 2022 © Miguel Rothschild, VG Bild-Kunst, Bonn 2022

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