New Publications Fall 2019 by Kerber Verlag

Neuerscheinungen Herbst 2019 New Publications Fall 2019

HIGHLIGHTS

PHOTO

Local Histories

MOMENTA Biennale de l’image

Mitra Tabrizian

Tim Mitchell

Peter Knoch FAHRBEREITSCHAFT

Micro Era

Janina Wick

Ulrich Wüst

Anja Putensen

Paco Knöller

August Eriksson

Große Realistik & Große Abstraktion

Florian Schwarz

André Butzer

Eric Mistler

Nepal Art Now

Andreas Walther

Pierre Cardin

Andreas R. Kremer

100 Jahre Bauhaus

Stiftung Bauhaus Dessau

CULTURE Connecting Afro Futures

ART

ONLINE

Dieren op maat /

Robert Indiana

Creatures made to measure

M+M

Back to the Future

Raul Walch

BESTSELLER

Frühjahr | Spring 2019

Special Offers

Collector’s Editions

Guido van der Werve

René Hüls

Sebastian Neeb

ars viva 2020

Sylvie Ringer

Anna Leonhardt

Daniel Hausig

Comeback

Miriam Vlaming

Petra Sterry

Sean Scully

Allen Jones

In the Cut

Werner Berges

Heribert Heere

Bildnachweis | Image Credits

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Veranstaltungen | Events

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Verzeichnis | Content

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Herbert Golser

Asmund Havsteen-Mikkelsen

Künstlerhaus Lydda

Ein Stück Bauhaus

Auslieferungen und Vertretungen

Malereikonkrethochdrei

Distributions and Representatives

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Dear Book Dealers, Dear Readers, Liebe Buchhändlerinnen und Buchhändler, liebe Leserinnen und Leser,

This fall we take you along on numerous fascinating journeys of discovery!

in diesem Herbst nehmen wir Sie mit auf zahlreiche spannende Entdeckungsreisen! Durchstreifen Sie die Neupräsentation der Sammlungen der Berliner Nationalgalerie und des Hamburger Bahnhofs. Lernen Sie eine junge Generation afrikanischer Designerinnen und Designer kennen. Lassen Sie sich ein auf die beeindruckende Ausstellungstätigkeit der FAHRBEREITSCHAFT. Erleben Sie die Nachkriegsmoderne durch die Augen Nepals und mit Cao Fei, Fang Di, Lu Yang und Zhang Peili die chinesische Medienkunst. Ulrich Wüst fotografiert ostdeutsche Architekturrealitäten vor und nach der Wende. Janina Wick gewährt uns Einblicke in jugendliche Lebensentwürfe am Rande der Großstadt. Anja Putensen geht auf die Suche nach der verschwindenden Gutshauskultur. Florian Schwarz reist an die Ränder der Welt. Und Eric Mistler schreibt eine ergreifende fotografische Liebeserklärung an Paris und Buenos Aires. Das gesellschaftskritische Potenzial der Medien befragen Raul Walch, Guido van der Werve sowie M+M. Tim Mitchell fordert einen ethischen Kompass für die globale Modewelt, und die MOMENTA Biennale Montréal vermutet, dass wir inzwischen nur noch in Bildern leben. Zugleich ist es ein Herbst der Zeichnung mit einer großen Retrospektive von Paco Knöller im Museum Morsbroich, dem neuen Sammlungskatalog der Zeichnungen des Städels, Sylvie Ringers poetischen Landschaften und der „Entdeckung“ von André Butzers Werken auf Papier. Begegnen Sie darüber hinaus den neuen ars viva-Preisträgerinnen und Preisträgern und betreten Sie die skurrilen Bildwelten von Sebastian Neeb, Peter Knochs filmische Installationen und den Kosmos von Pierre Cardin …

Wander through the new presentation of the collections of the Nationalgalerie and Hamburger Bahnhof in Berlin. Get to know a young generation of African designers. Engage with five years of impressive exhibition activities at the FAHRBEREITSCHAFT. Experience postwar modernism through the eyes of Nepal and learn about media art in China with Cao Fei, Fang Di, Lu Yang, and Zhang Peili. Ulrich Wüst photographs the architectural realities in East Germany before and after reunification. Janina Wick gives us insights into the lifestyles of young people on the edge of the metropolis. Anja Putensen sets out on a search for the vanishing Baltic manor house culture. Florian Schwarz travels to the edges of the world and Eric Mistler writes a photographic declaration of love to Paris and Buenos Aires. Raul Walch, Guido van der Werve, and M+M interrogate the socio-critical potential of the media. Tim Mitchell calls for an ethic compass for the global fashion world, and the MOMENTA Biennale Montréal conjectures that we have meanwhile come to live solely within pictures. Simultaneously, it is a fall dedicated to drawing, with a vast retrospective of the work of Paco Knöller at the Museum Morsbroich, the new collection catalogue of the drawings of the Städel Museum, Sylvie Ringer’s poetic landscapes, and the “discovery” of André Butzer’s works on paper. In addition, encounter the new awardees of the visionary ars vivaprize, and enter into the fantastical pictorial worlds of Sebastian Neeb, Peter Knoch’s film installations, as well as into the cosmos of Pierre Cardin … I wish you great pleasure with these books and many others!

Mit diesen Büchern und vielen anderen mehr wünsche ich Ihnen viel Vergnügen!

Christof Kerber

HIGHLIGHTS

Local Histories Werke aus der Friedrich Christian Flick Collection im Hamburger Bahnhof, der Sammlung der Nationalgalerie und Leihgaben Works from the Friedrich Christian Flick Collection at Hamburger Bahnhof, the Nationalgalerie Collection and loans Herausgeber | Editors: Matilda Felix, Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin Texte von | Texts by: Diedrich Diederichsen, Matilda Felix, Irina Hiebert Grun, Brigitte Kölle, Catherine Nichols, Monika Sprüth, Dorothee Wagner, sowie historische Textbeiträge von | as well as historical text contributions from: Donald Judd, Bruce Nauman, Liam Gillick und Rirkrit Tiravanija Gestaltung | Graphic design: Nlf-Team, Berlin / Hamburg 24 ∞ 30 cm, ca. | approx. 152 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Softcover Erscheint im Juni 2019 Will be published in June 2019 isbn 978-3-7356-0585-6 Deutsch isbn 978-3-7356-0590-0 English Ca. | approx. 5 40,– (D) chf 52,–

„Things can only be diverse and should be diverse“, schreibt Donald Judd 1964 über die New Yorker Kunstszene und wendet sich damit gegen eine eindimensionale kunsthistorische Ordnung zugunsten einer offenen Begegnung mit Kunstwerken. In diesem Sinn treten die Werke dieser experimentellen Sammlungspräsentation entlang ihres spezifisch lokalen Künstler | Artists: Josef Albers, Carl Andre, Bernd und Hilla Becher, Lee Bontecou, George Brecht, John Chamberlain, Hanne Darboven, Dan Flavin, Isa Genzken, Jenny Holzer, Richard Jackson, Donald Judd, Allan Kaprow, Manfred Kuttner, Barbara Kruger, Louise Lawler, Sol LeWitt, Konrad Lueg, Walter De Maria, Paul McCarthy, Robert Morris, Bruce Nauman, Claes Oldenburg, Sigmar Polke, Charlotte Posenenske, Jason Rhoades, Gerhard Richter, George Segal, Cindy Sherman, Tony Smith, Robert Smithson, Frank Stella, Wolfgang Tillmans, Rikrit Tiravanija, Rosemarie Trockel, Lawrence Weiner

Kontextes in Beziehung miteinander: Situative „Momentaufnahmen“ von den 1960ern in New York und Düsseldorf über die 1980er in Köln bis zu den 1990ern in Berlin und Los Angeles, die in den Essays dieses Ausstellungskataloges vertieft und weitergedacht werden. “Things can only be diverse and should be diverse,” wrote Donald Judd in 1964 about the art scene in New York, and hence rejected a one-dimensional ordering of art history in favor of an open encounter with works of art. In this sense, the works in this experimental collection presentation are set in relation to one another along with their specific local context: situational “snapshots” from the 1960s in New York and Düsseldorf, to the 1980s in Cologne, and up to the 1990s in Berlin and Los Angeles, which are deepened and thought further in the accompanying essays of this exhibition catalogue.

Ausstellung | Exhibition: Local Histories. Werke aus der Friedrich Christian Flick Collection im Hamburger Bahnhof, der Sammlung der Nationalgalerie und Leihgaben, 15.12.2018–29.09.2019, Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin

Unwirkliche Szenen im unscheinbaren Alltag Unreal Scenes in Everyday Reality

Mitra Tabrizian Texte u. a. von | Texts among others by: Parveen Adams, David Bate Gestaltung | Graphic design: Kerber Verlag 28,3 ∞ 24,5 cm, ca. | approx. 120 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im Oktober 2019 Will be published in October 2019 isbn 978-3-7356-0613-6 English Ca. | approx. 5 40,– (D) chf 52,–

Aus dem gewöhnlichen Alltag schafft die britisch-iranische Fotografin und Filmemacherin Mitra Tabrizian beunruhigende Bildwelten. Atmosphärisch ruft sie unwirkliche Szenen hervor, die die Realität und ihre Bewohner in eine ungreifbare Innenwelt zu versetzen scheinen. Ihr Ausgangspunkt ist das Alltägliche, vermeintlich Nebensächliche. Doch ihre Werke reichen tiefer. Mit unverwechselbarem Blick befragt sie die komplexen gesellschaftlichen Rollen des Individuums, enthüllt allzu oft Übersehenes und ringt mit den gewohnten Vorstellungen des heutigen Lebens. Das Buch umfasst sämtliche Werke seit 2012. British-Iranian photographer and filmmaker Mitra Tabrizian creates an unsettling imagery out of ordinary daily life. Atmospherically, she evokes almost unreal scenes which push reality and its inhabitants into the sublime realm of a fathomless emotional interior. She addresses the incidental and mundane, yet her agenda reaches deeper. With a unique perspective, she inquires the complex social roles of the individual. And by revealing too often unnoticed phenomena of contemporary living she challenges our established conceptions of the world. The book presents all of her works since 2012.

Berghain, Kindheitsmythen und Chansons Berghain, Childhood Myths, and Chansons

Peter Knoch Hotel garni Herausgeber | Editor: Isabelle Meiffert Texte von | Texts by: Isabelle Meiffert, Susanne Prinz, mit einem Gespräch zwischen | with an interview between Max Dax und | and Peter Knoch Gestaltung | Graphic design: Detlev Pusch, Berlin 24 ∞ 28 cm, 128 S. | pp., 9 S/W- und 57 farb. Abb. | 9 b&w and 57 col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0587-0 Deutsch | English 5 35,– (D) chf 45,50

Hotel garni ist die erste Monografie zum Werk von Peter Knoch (*1961). Großzügig und in geradezu filmischen Bildfolgen werden alle wichtigen Werkgruppen der vergangenen 25 Jahre vorgestellt – darunter Installationen, Keramiken, Holzschnitte und Malerei. Das Buch zeigt ein poetisches Gesamtwerk, das existenzielle Fragen von Einsamkeit, Krankheit oder Tod verhandelt. In ihren begleitenden Texten arbeiten Susanne Prinz und Isabelle Meiffert wiederkehrende Motive heraus. Gegenüber Max Dax erzählt Knoch von seinem Schaffensprozess zwischen Berghain, Kindheitsmythen und selbstgeschriebenen Chansons. Hotel garni is the first monograph on the work of Peter Knoch (*1961). All the important groups of works of the past twenty-five years—including installations, ceramics, woodcuts, and paintings—are lavishly presented in almost filmic sequences of pictures. The book shows a poetic oeuvre that deals with existential questions of loneliness, illness, and death. In its accompanying texts, Susanne Prinz and Isabelle Meiffert elaborate on recurring motifs and, in a conversation with Max Dax, Knoch tells of his creative process between Berghain, childhood myths, and the chansons he writes.

Kein Ort, nirgends: 5 Jahre für die Konzeptkunst No Place, nowhere: 5 Years for Conceptual Art

FAHRBEREITSCHAFT Herausgeber | Editors: haubrok foundation Texte von | Texts by: Katharina Sophia Hardt, Axel Haubrok, Konstantin Haubrok, Karin von Hülsen, Hans Weigand, Luisa Weyrich, Michel Würthle, Heimo Zobernig Gestaltung | Graphic design: Konstantin Haubrok, Berlin 21 ∞ 29,7 cm, 304 S. | pp., 95 farb. Abb. | 95 col. ills., Steifbroschur | Stiff cover isbn 978-3-7356-0592-4 Deutsch | English 5 45,– (D) chf 58,50

2013 gründeten Barbara und Axel Haubrok auf dem Gelände des ehemaligen Fuhrparks der SED die FAHRBEREITSCHAFT für ihre herausragende Sammlung internationaler Konzeptkunst. Umgeben von Kfz-Werkstätten, Kleinstgewerben und Künstlerateliers entstand im behutsam entwickelten Zusammenspiel von Menschen, Architektur und Geschichte ein Ort, der eindrücklich Kunst und Zivilgesellschaft miteinander verband. Nachdem das Bezirksamt Berlin-Lichtenberg im April 2018 jeglichen weiteren Ausstellungsbetrieb untersagte, zeigt dieses Buch noch einmal das innovative Potenzial und die anregende Vielfalt der FAHRBEREITSCHAFT. In 2013 Barbara and Axel Haubrok established the FAHRBEREITSCHAFT on the premises of the former motor pool of the SED for their outstanding collection of international conceptual art. Surrounded by automobile workshops, small businesses, and artists’ studios, what came into being in a carefully developed interplay of people, architecture, and history is a place that connected art and civil society with each other in a vibrant way. After the administration of the district of Berlin-Lichtenberg banned any further exhibition activities in April 2018, this book once again shows the innovative potential and the inspiring diversity of the FAHRBEREITSCHAFT.

Ästhetik und Kritik: Architektonische Realitäten Aesthetics and Critique: Architectural Realities

Ulrich Wüst Public and Private: East Germany in Photographs by Ulrich Wüst Herausgeber | Editor: Gary van Zante, MIT Museum, Cambridge / MA Texte von | Texts by: Gary Van Zante Gestaltung | Graphic design: studio lindhorst-emme, Berlin 21 ∞ 27 cm, ca. | approx. 200 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im Herbst 2019 Will be published in Fall 2019 isbn 978-3-7356-0584-9 English Ca. | approx. 5 40,– (D) chf 52,–

Ulrich Wüst (* 1949), ausgebildeter Stadtplaner, begann in den 1970ern, ostdeutsche Städte zu fotografieren. Seine Werke waren eine kompromisslose Kritik an Öffentlichkeit und Städtebau in der ehemaligen DDR und gelten heute als eine der mutigsten ästhetischen Aussagen ihrer Zeit. Auch nach 1990 widmete sich Wüst den architektonischen Realitäten im zwischen umsichtiger Stadtplanung und rücksichtsloser Immobilienentwicklung zerrissenen Berliner Osten. Mit nahezu 200 Abbildungen, seltenen Archivalien und einem eingehenden Gespräch wird Wüsts Werk in einer umfangreichen Monografie gewürdigt. Ulrich Wüst (* 1949), a trained urban planner, began photographing East German cities in the 1970s. His work was an uncompromising critique of the public realm and city building in the former GDR. Today, it is recognized as one of the boldest aesthetic statements made in the socialist state. Since 1990, Wüst has continued to focus on the architectural realities in the eastern districts of Berlin, torn between urban planning and real estate development. Including almost 200 images, rare ephemera and an in-depth interview, this monograph on Wüst, examines his work from multiple perspectives.

30 Jahre, 15 Werkzyklen, 1 Künstler 30 Years, 15 Work Cycles, 1 Artist

Paco Knöller Zeichnungen | Drawings 1989–2018 Texte von | Texts by: Eugen Blume, Fritz Emslander, Sebastian Kleinschmidt, Hubertus von Amelunxen Gestaltung | Graphic design: Peter Nils Dorén, Berlin 23 ∞ 28 cm, ca. | approx. 224 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im Juni 2019 Will be published in June 2019 isbn 978-3-7356-0603-7 Deutsch | English Ca. | approx. 5 45,– (D) chf 58,50

Paco Knöller ist einer der profiliertesten „Malerzeichner“ der Gegenwart. Anlässlich seiner großen Ausstellung Paco Knöller – Zeichnungen und Holzschnitte 1989–2018 im Museum Morsbroich erscheint die erste umfassende Publikation zu seinem zeichnerischen Werk. 15 Werkzyklen aus 30 Schaffensjahren zeigen Knöllers von Anbeginn konsequente zeichnerische Praxis und sein ungebrochenes schöpferisches Potenzial. Seine Auseinandersetzung mit der Zeichnung wird ergänzt durch Essays von Hubertus von Amelunxen, Eugen Blume, Fritz Emslander und Sebastian Kleinschmidt. Paco Knöller is one of today’s most renowned “painter-draftsmen.” On the occasion of his major exhibition Paco Knöller—Zeichnungen und Holzschnitte 1989–2018 (Drawings and Woodcuts) at the Museum Morsbroich, the first extensive publication on his drawings. Fifteen cycles of works from thirty years of creation reveal Knöller's from the very beginning consistent drawing practice and unwavering imaginative potential. His examination of drawing is supplemented with essays by Hubertus von Amelunxen, Eugen Blume, Fritz Emslander, and Sebastian Kleinschmidt.

Collector’s Edition in Vorbereitung Collector’s Edition is in the making Ausstellung | Exhibition: Paco Knöller – Zeichnungen und Holzschnitte 1989–2018, 26.5.–1.9.2019, Museum Morsbroich, Leverkusen

Das 20. Jahrhundert in der Zeichnung The 20th Century on Paper

Große Realistik & Große Abstraktion Zeichnungen von Max Beckmann bis Gerhard Richter Herausgeber | Editor: Städel Museum Texte von | Texts by: Jenny Graser Gestaltung | Graphic design: Peter Nils Dorén, Berlin 23 ∞ 28 cm, ca. | approx. 312 S. | pp., ca. 290 farb. Abb. | approx 290 col. ills., Klappenbroschur | Softcover with flaps Erscheint im November 2019 Will be published in November 2019 isbn 978-3-7356-0580-1 Deutsch Ca. | approx. 5 30,– (D) chf 39,–

Große Realistik & Große Abstraktion. Zwischen diesen beiden Polen bewegt sich der etwa 1800 Blätter umfassende Bestand an deutschen Zeichnungen des 20. Jahrhunderts in der Graphischen Sammlung des Städel Museums. Künstler | Artists: Gerhard Altenbourg, Georg Baselitz, Thomas Bayrle, Willi Baumeister, Max Beckmann, Joseph Beuys, Karl Bohrmann, Carl Buchheister, Lyonel Feininger, Otto Freundlich, Max Ernst, Werner Gilles, Hermann Glöckner, Karl Otto Götz, Gotthard Graubner, Otto Greis, Johannes Grützke, Erich Heckel, Antonius Höckelmann, Jörg Immendorff, Anselm Kiefer, Ernst Ludwig Kirchner, Paul Klee, Heinz Kreutz, Norbert Kricke, Markus Lüpertz, August Macke, Otto Mueller, Ernst Wilhelm Nay, Rolf Nesch, Emil Nolde, Max Pechstein, A.R. Penck, Karl Georg Pfahler, Sigmar Polke, Arnulf Rainer, Gerhard Richter, Christian Rohlfs, Peter Sorge, Werner Tübke, Karl SchmidtRottluff, Eugen Schönebeck, Bernard Schultze, Emil Schumacher, Fred Thieler, Hann Trier, Wols Ausstellung | Exhibition: Große Realistik & Große Abstraktion. Zeichnungen von Max Beckmann bis Gerhard Richter, 13.11.2019–16.2.2020, Städel Museum, Frankfurt am Main

Der Katalog spiegelt anhand einer repräsentativen Auswahl von etwa 100 Werken die historisch gewachsenen Schwerpunkte der Sammlung wider. Den Auftakt bilden Zeichnungen von Max Beckmann und Ernst Ludwig Kirchner. Diese frühmoderne Bildsprache, oszillierend zwischen Gegenstandsnähe und Abstraktion, findet ihre Fortsetzung in den figurativen und abstrakten Tendenzen der Nachkriegszeit, vertreten durch Arbeiten etwa von Karl Otto Götz, Georg Baselitz und Gerhard Richter. Great Realism & Great Abstraction. The holdings of German drawings of the twentieth century of the Städel Museum’s Department of Prints and Drawings include around 1800 sheets that occupy a realm between these two poles. Based on a representative selection of some 100 works, the catalogue mirrors the emphases of the collection that have taken shape over the course of its history. Drawings by Max Beckmann and Ernst Ludwig Kirchner form the prelude. This early modern pictorial language, which oscillated between the near-representational and abstraction, finds its continuation in the figurative and abstract tendencies of the postwar period, represented, for instance, by works by Karl Otto Götz, Georg Baselitz, and Gerhard Richter.

Von Munch, Walt Disney und Matisse über die Gegenwart hinaus From Munch, Walt Disney, and Matisse into the Present and Beyond

André Butzer Werke auf Papier 2001–2019 Works on Paper 2001–2019 Herausgeber | Editor: Nino Mier Gallery, Los Angeles Texte von | Texts by: Gwen Allen, Hannah Eckstein, Kay Heymer Gestaltung | Graphic design: Studio Martin Steiner, Berlin 24 ∞ 34 cm, 320 S. | pp., 139 farb. Abb. | 139 col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0593-1 Deutsch isbn 978-3-7356-0594-8 English 5 78,– (D) chf 101,40

André Butzer ist einer der originärsten und international einflussreichsten Maler der Gegenwart. Anhand von 139 nie zuvor gesehenen Werken auf Papier von 2001 bis 2019 zeigt ihn dieser aufwendig gefertigte Band erstmals von einer nur wenig bekannten Seite. Neueste Forschungsbeiträge geben ein lebendiges Bild seiner wichtigsten Themen – und es ist möglich, seine künstlerische Entwicklung über die Jahre hinweg nachzuverfolgen. „Auf Papier“, sagt Weitere erhältliche Publikationen Further available publications

Butzer, „sind die Dinge leichter … notizenhafter, sporadischer, beiläufiger, schneller“.

André Butzer Being and Image 1994–2014 isbn 978-3-7356-4033-8 5 29,90 (D) chf 39,–

André Butzer is one of today’s most distinctive and influential painters. For the first time,

André Butzer Sein und Bild 1994–2014 isbn 978-3-86678-719-3 5 38,– (D) chf 49,40

this precious volume reveals a little-known side of his œuvre: 139 never-seen-before works on paper from 2001 until 2019. New and high-spirited scholarship sheds light upon his predominant themes and motives. Following his breakthrough works in the early 2000s, throughout the years, one is able to witness the artistic verve and intimacy, which bring forth his uncompromising mature style. “On paper,” Butzer says, “such things have more ease … like a note, they are more sporadic, incidental, faster.”

Collector’s Edition 5 1.500,– (D) Ausstellung | Exhibition: André Butzer – Goethe komischer Mann, 2019, Nino Mier Gallery, Los Angeles

Lokal, national, global Local, National, Global

Nepal Art Now Herausgeber | Editors: Swosti Rajbhandari Kayastha, Christian Schicklgruber Texte von | Texts by: Robert Beer, Claire Burkert, Christian Schicklgruber, Sangeeta Thapa Gestaltung | Graphic design: Nina Fuchs, Wien 24,5 ∞ 29,5 cm, 222 S. | pp., 3 S/W- und 282 farb. Abb. | 3 b&w and 282 col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0588-7 Deutsch isbn 978-3-7356-0589-4 English 5 38,– (D) chf 49,40

Die Kunstwelt ist in Bewegung. Im Zuge einer kritischen Neubewertung der europäischamerikanischen Kunst im internationalen Kontext erlangen viele bislang marginalisierte Schauplätze nun die ihnen angemessene Aufmerksamkeit – so auch die nepalesische Hauptstadt Kathmandu. In einem großen Bogen von der Moderne bis in die pulsierende jüngste Gegenwart würdigt das Weltmuseum Wien die herausragende Kunst Nepals. Die Ausstellung zeigt, wie sich lokale und globale Kulturen beständig durchdringen, und zugleich, wie nepalesische Künstlerinnen und Künstler ihrer eigenen Identität Ausdruck geben.

The art world is on the move. As part of a critical reassessment of European-American art in an international context, many previously marginalized showplaces have been gaining the attention they are due—hence, also the Nepalese capital, Kathmandu. In a large arc from modernism to the vibrant most recent present, the Weltmuseum in Vienna is honoring the outstanding art of Nepal. The exhibition shows how local and global cultures continuously pervade one another and, simultaneously, how Nepalese artists give expression to their own identity.

Ausstellung | Exhibition: Nepal Art Now, 11.4.–6.11.2019, Weltmuseum Wien

Der kreative Kosmos des legendären Modeschöpfers The Creative Cosmos of the Legendary Fashion Designer

Pierre Cardin Fashion Futurist Herausgeber | Editor: Barbara Til Texte von | Texts by: Ingeborg Harms, Barbara Til, Maria Zinser Gestaltung | Graphic design: Monika Plass, Kerber Verlag bereits angekündigt already announced

23,5 ∞ 28,5 cm, ca. | approx. 180 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im September 2019 Will be published in September 2019 isbn 978-3-7356-0574-0 Deutsch Ca. | approx. 5 45,– (D) chf 58,50

Der französische Modedesigner Pierre Cardin (*1922) gilt als Fashion-Futurist und Pionier der Prêt-à-porter-Mode. Als Couturier arbeitet er wie ein Bildhauer: Die Idee der Plastizität bestimmt seine Entwürfe. Seine geometrische Formensprache und dreidimensionalen Designs sind bis heute unverwechselbar. Der Kunstpalast widmet dem international bekannten Modeschöpfer die erste umfangreiche Präsentation in Deutschland. Die Schau zeigt Cardins großen kreativen Kosmos: Kleidung und Accessoires der 1950er- bis 1990er-Jahre, Fotos und Filmmaterial. Die begleitende Publikation gibt Einblicke in die wundervolle Welt des Pierre Cardin. The French fashion designer Pierre Cardin (*1922) is regarded as a fashion-futurist and pioneer of prêt-à-porter fashion. As a couturier, he worked like a sculptor, with his designs defined by the idea of plasticity. His geometric language of forms and three-dimensional designs are still distinctive today. The Kunstpalast has dedicated the first extensive presentation in Germany to the internationally famous fashion designer. The show provides an overview of Cardin’s large, creative cosmos: clothing and accessories from the 1950s to the 1990s, photos, and film material. The accompanying publication offers insights into the wonderful world of Piere Cardin.

Ausstellung | Exhibition: Pierre Cardin, 19.9.2019–5.1.2020, Kunstpalast Düsseldorf

100 Jahre Bauhaus Unsere Titel zum Jubiläum! Our anniversary titles!

Auch als Paket zu Sonderkonditionen bestellbar Also available as a package at special rates

Bauhaus und Amerika Experimente in Licht und Bewegung Bauhaus and America Experiments in Light and Movement

Handwerk wird modern Vom Herstellen am Bauhaus Craft Becomes Modern The Bauhaus in the Making

Carl Fieger. Vom Bauhaus zur Bauakademie Carl Fieger. From Bauhaus to Bauakademie

24 ∞ 30 cm, 272 Seiten | pages, 309 Abbildungen | illustrations, Hardcover

21 ∞ 29,7 cm, 252 Seiten | pages, 142 Abbildungen | illustrations, Hardcover

21 ∞ 29,7 cm, 184 Seiten | pages, 141 Abbildungen | illustrations, Hardcover

isbn 978-3-7356-0508-5 Deutsch

isbn 978-3-7356-0342-5 Deutsch

isbn 978-3-7356-0439-2 Deutsch

isbn 978-3-7356-0511-5 English

isbn 978-3-7356-0343-2 English

isbn 978-3-7356-0440-8 English

5 55,– (D) chf 71,50

5 45,– (D) chf 58,50

Bauhaus und die Fotografie Zum Neuen Sehen in der Gegenwartskunst Bauhaus and Photography On New Visions in Contemporary Art

Haus Gropius || Zeitgenössisch Haus Gropius || Contemporary

Ein Stück Bauhaus A Little Piece of Bauhaus

210 ∞ 297 mm, 144 Seiten | pages, 166 Abbildungen | illustrations, Softcover

16 ∞ 23 cm, ca. | approx. 144 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Softcover

isbn 978-3-7356-0524-5 Deutsch

isbn 978-3-7356-0606-8 Deutsch | English

isbn 978-3-7356-0525-2 English

Ca. | approx. 5 30,– (D) chf 39,–

240 ∞ 310 mm, 264 Seiten | pages, 140 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0547-4 Deutsch | English

1 58,– (D) chf 75,40

1 35,– (D) chf 45,50

Große Pläne Big Plans 21 ∞ 29,7 cm, 224 Seiten | pages, 123 Abbildungen | illustrations, Hardcover

isbn 978-3-7356-0184-1 Deutsch isbn 978-3-7356-0185-8 English 5 39,95 (D) chf 52,–

Gemalte Diagramme Bauhaus, Kunst und Infografik Painted Diagrams Bauhaus, Art, and Infographics 230 ∞ 297 mm, 352 Seiten | pages, 243 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0553-5 Deutsch | English

1 65,– (D) chf 84,50

100

Jahre Bauhaus

Stiftung Bauhaus Dessau Die Sammlungen The Collections Herausgeber | Editor: Stiftung Bauhaus Dessau Texte von | Texts by: Peter Bernhard, Torsten Blume, Monika Markgraf, Lutz Schöbe, Josipa Spehar, Wolfgang Thöner, Sylvia Ziegner Gestaltung | Graphic design: Herburg Weiland, München 21 ∞ 29,7 cm, ca. | approx. 500 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im August 2019 Will be published in August 2019

Stiftung BauhauS DeSSau Die Sammlungen

isbn 978-3-7356-0558-0 Deutsch isbn 978-3-7356-0559-7 English Ca. | approx. 5 59,– (D) chf 79,80

Vorläufiges Cover | Preliminary cover

bereits angekündigt already announced

Das Bauhaus war eine der bedeutendsten Schulen für Kunst, Design und Architektur. Seine visionären Entwürfe gelten noch heute als Ikonen der Moderne. In diesem Band wird die zweitgrößte Bauhaussammlung weltweit erstmals umfassend präsentiert. Gezeigt werden Objekte aus allen Phasen und Bereichen der berühmten Institution, wie Schülerarbeiten von Marianne Brandt, Josef Albers oder Marcel Breuer und Werke von Paul Klee, Wassily Kandinsky oder Gunta Stölzl. Auch Gegenstände und Materialien der in Dessau befindlichen Bauhausbauten werden gezeigt: des Bauhausgebäudes, der Künstler | Artists: Anni Albers, Josef Albers, Alfred Arndt, Herbert Bayer, Max Bill, Marianne Brandt, Marcel Breuer, Franz Ehrlich, Friedrich Engemann, Lyonel Feininger, Carl Fieger, Walter Gropius, Ludwig Hirschfeld-Mack, Johannes Itten, Wassily Kandinsky, Peter Keler, Paul Klee, Benita Koch-Otte, Otto Lindig, Gerhard Marcks, Hannes Meyer, Ludwig Mies van der Rohe, Lucia Moholy, László Moholy-Nagy, Walter Peterhans, Grete Reichardt, Hajo Rose, Reinhold Rossig, Hinnerk Scheper, Oskar Schlemmer, Joost Schmidt, Lotte Stam-Beese, Gunta Stölzl, Otto Umbehr, Wilhelm Wagenfeld Neue Sammlungsausstellung | New collection exhibition: Versuchsstätte Bauhaus. Die Sammlung, ab | from 9.9.2019, Bauhaus Museum Dessau

Meisterhäuser, des Arbeitsamtes sowie der Siedlung Dessau-Törten. Darüber hinaus stellt der Band eine Einführung in die Geschichte und Entwicklung der Schule dar. The Bauhaus was one of the most important schools of art, design, and architecture, whose visionary designs continue to be regarded as icons of modernity today. This book provides an in-depth presentation of the second-largest Bauhaus collection in the world. It includes objects from all the phases and fields at the renowned institution, including student works by Marianne Brandt, Josef Albers, or Marcel Breuer, as well as works by Paul Klee, Wassily Kandinsky, or Gunta Stölzl. Objects and materials found in the Bauhaus buildings in Dessau—the Bauhaus Building, the Masters’ Houses, the Employment Office, and the Dessau-Törten estate—are presented as well. The book also provides an introduction to the history and development of the school.

ART

Die letzte SkulpturenRetrospektive der Pop-Art-Ikone The Definite Sculpture Retrospective of the Pop Art Icon

Robert Indiana A Sculpture Retrospective Herausgeber | Editor: Joe Lin-Hill Texte von | Texts by: Douglas Dreishpoon, Joe Lin-Hill, Robert Hobbs, Aaron Ott, Simon Salama-Caro jetzt erschienen available now

Gestaltung | Graphic design: Verena Gerlach, Berlin 24,5 ∞ 30,5 cm, 240 S. | pp., 30 S/W- und 180 farb. Abb. | 30 b&w and 180 col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0441-5 English 5 50,– (D) chf 61,40

Robert Indiana (1928–2018) hat einige der eingängigsten Kunstwerke weltweit geschaffen. Voller hochgradig persönlicher Kombinationen universaler Symbole – Ziffern und Lettern, Sterne und Räder – sind sie unschwer mit der Bewegung der Pop-Art in Verbindung zu bringen. Robert Indiana: A Sculpture Retrospective enthält ungewöhnliche Varianten der für den Werdegang des Künstlers entscheidenden Skulptur LOVE, die zu den prägnantesten Kunstikonen des 20. Jahrhunderts zählt, und bietet eine gründliche Neubewertung seines bildhauerischen Schaffens von den frühesten Assemblagen in den 1950er-Jahren bis zur jüngsten Serie markanter bemalter Bronzen. Robert Indiana (1928–2018) has created some of the world’s most immediately recognizable works of art. Filled with intensely personal combinations of universal symbols—numbers and letters, stars and wheels—they are most readily associated with the Pop art movement. Including extraordinary examples of his career-defining LOVE sculpture, one of the twentieth century’s most iconic works of art, Robert Indiana: A Sculpture Retrospective offers a thorough reassessment of the artist’s work in sculpture, from his earliest assemblages of the 1950s to his most recent series of remarkable painted bronzes.

Ausstellung | Exhibition: Robert Indiana: A Sculpture Retrospective, 2018, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

Eine hochaktuelle Reflexion über die Sprache der Medien A highly topical Reflection on the Language of the Media

M + M Fan der Menschheit Fan of Man Herausgeber | Editor: Frédéric Bußmann, Kunstsammlungen Chemnitz Texte von | Texts by: Sebastian Baden, Frédéric Bußmann, Joanna Straczowski Gestaltung | Graphic design: Felix Kempf, München 20 ∞ 26 cm, 120 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im Juni 2019 Will be published in June 2019 isbn 978-3-7356-0599-3 Deutsch | English Ca. | approx. 5 30,– (D) chf 39,–

M+M, Marc Weis (*1965) und Martin de Mattia (*1963), bearbeiten Fragen der Architektur, Ökologie, Politik und des Körpers. Ihr Panic Room ist seit 2001 eine installative Bestandsaufnahme sozialer Konflikte und deren medialer Darstellung. Zusammen mit den Serien in front und tessuti steht er im Zentrum der Ausstellung Fan der Menschheit der Kunstsammlungen Chemnitz. Durch den Einbezug aktueller politischer Themen und Debatten, wie die zur Flüchtingskrise seit 2015 oder die Ausschreitungen in Chemnitz im Sommer 2018, entsteht eine hochaktuelle Reflexion über die manipulative Sprache der Medien. M+M, Marc Weis (*1965) and Martin de Mattia (*1963), process questions regarding architecture, ecology, politics, and the body. Since 2001, their Panic Room has been an installative stocktaking of social conflicts and their representation in the media. Along with the series in front and tessuti, it stands at the center of the exhibition Fan of Man at the Kunstsammlungen Chemnitz. The incorporation of current urgent political topics and debates, such as the European refugee crisis since 2015, or the clashes in Chemnitz in the summer of 2018, gives rise to a veryup-to-date reflection on the manipulative language of the media.

Ausstellung | Exhibition: M + M. Fan der Menschheit, 2.6.–22.9.2019, Kunstsammlungen Chemnitz

Kunst als gesellschaftliche Intervention Art as Social Intervention

Raul Walch It’s a Great Pressure To Be Here Herausgeber | Editor: Lukas Feireiss Texte von | Texts by: Lukas Feireiss, Francesca Gavin, Fiona Shipwright Gestaltung | Graphic design: Korbinian Kainz, Basic09, Berlin 20,5 ∞ 27,5 cm, ca. | approx. 240 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im Juni 2019 Will be published in June 2019 isbn 978-3-7356-0610-5 English Ca. | approx. 5 40,– (D) chf 52,–

Raul Walch ist ein Bildhauer und Konzeptkünstler, der in seinen ortsspezifischen Interventionen zu einem kritischen Forscher, Performer und Aktivisten wird. It’s a great pressure to be here ist zugleich Werküberblick sowie ironischer Kommentar auf die globalisierte Gegenwart, das menschliche Dasein und aktuelle gesellschaftliche Fragen. Ergänzend zeigen ein thematisches Glossar zu Einflüssen, Entwürfen, Personen und Orten, Essays sowie ein Interview, dass künstlerisches Engagement in der Analyse und möglichen Transformation der sozio-politischen Wirklichkeiten durchaus maßgeblich sein kann. Raul Walch is a sculptor and conceptual artist. Yet, in his site-specific interventions, he turns into a critical investigator, performer, and activist as well. Aside from being a survey of his artistic practice, It’s a great pressure to be here, is a wry comment on the globalized present, the human condition, and contemporary societal issues. A topical glossary, encompassing inspirations, ideas, people, and places, scholarly essays, and an interview convey how artistic engagement can become instrumental in the examination and possible transformation of the given socio-political realities.

Poesie unter Extrembedingungen Poetry under extreme Conditions

Guido van der Werve Number eight, nine, twelve, thirteen, fourteen, seventeen Herausgeber | Editor: Markus Hannebauer Texte von | Texts by: Michael Maizels, Jenny Johnson, Isabel de Sena in conversation with Guido van der Werve Gestaltung | Graphic design: Jörg Adam, Adayto Berlin 20 ∞ 25 cm, 120 S. | pp., 196 farb. Abb. | col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0601-3 English 5 32,– (D) chf 41,60

Anlässlich der Eröffnung der Berliner Fluentum-Sammlung stellt Number eight, nine, twelve, thirteen, fourteen, seventeen sechs performance-basierte Werke des niederländischen Künstlers Guido van der Werve vor. Nach Design-, Archäologie- und Kompositionsstudien schafft er seit 2000 elegische und eindringliche Filme, Videos und Künstlerbücher, die ebenso von existenziellen Gefühlen wie trockenem Humor getragen sind. Das umfangreiche Buch verortet seine künstlerische Praxis im Kontext von Athletik, Kunst sowie Musik, und zeigt, dass selbst noch unter den extremsten Bedingungen Poesie entstehen kann. On the occasion of Fluentum collection’s inaugural exhibition, Number eight, nine, twelve, thirteen, fourteen, seventeen presents six performance-based works by Dutch artist Guido van der Werve. After having studied industrial design, archaeology, and composition, since 2000 he has created elegiac, and stunning films, videos, and artist’s books that evoke existential feelings and, at times, deadpan humor. The comprehensive book situates his artistic practice within the context of athleticism, visual art, and musical composition, conveying poetic meaning even under the most extreme conditions.

Ausstellungen | Exhibitions: Guido van der Werve – Number eight, nine, twelve, thirteen, fourteen, seventeen, fluentum, 25.4.–22.6.2019, Fluentum, Berlin

Die Kunst und das Soziale Art and the Social

René Hüls Opera Aperta Herausgeber | Editor: Uwe Schramm, Kunsthaus Essen Texte von | Texts by: Baharak Omidfard, Julia Reich Gestaltung | Graphic design: Charlotte Rohde, Amsterdam 26 ∞ 19,5 cm, ca. | approx. 80 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im Juni 2019 Will be published in June 2019 isbn 978-3-7356-0609-9 Deutsch | English Ca. | approx. 5 30,– (D) chf 39,–

Opera aperta, offenes Kunstwerk: Der Bildhauer und Konzeptkünstler René Hüls konfrontiert in seinem Werk drängende gesellschaftspolitische Fragen mit der Situation des von diesen betroffenen Individuums. Verwoben mit biografischen Impulsen und narrativen Strategien, die er der romantischen Fabel entlehnt, schafft er erstaunliche Konstellationen, in denen sich Klang, technische Artefakte sowie zeitgenössische Diskurse überlagern und zu Sinnbildern unserer post-industriellen und post-humanen Gegenwart werden. Das Buch gibt einen eindringlichen Überblick über Hüls’ künstlerische Entwicklung. Opera aperta, open artwork: in his work, the sculptor and conceptual artist René Hüls skillfully juxtaposes sociopolitical questions with the situation of the individual affected by them. Interwoven with biographical influences and narrative strategies borrowed from the romantic fable, he creates astonishing constellations in which sound, technical artifacts, and contemporary discourses are overlaid and become allegories for our postindustrial and posthuman present. The book provides a vivid overview of Hüls’s artistic development.

Ernsthaft?! Kunst, Komik und Gegenwartskritik Seriously?! Art, Humor, and a Critique of the Contemporary

Sebastian Neeb The Problem With The Wooden Wurst. Manipulation through Entertainment Herausgeber | Editor: Torsten Reiter, REITER Berlin / Leipzig Texte von | Texts by: Sean Eibenstab, Sebastian Neeb Gestaltung | Graphic design: Sebastian Neeb 24 ∞ 30 cm, ca. | approx. 208 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im August 2019 Will be published in August 2019 isbn 978-3-7356-0616-7 Deutsch | English Ca. | approx. 5 50,– (D) chf 65,–

Mit subtiler Komik schaut Sebastian Neeb auf die Gegenwart und balanciert die Malerei auf Leisten. Beispielsweise entwirft er goldene Trophäen für Nonsens-Leistungen wie das „Zurückwinken“. Oder er schafft Porträts, die an die Renaissance oder den Barock erinnern, und konterkariert diese mit skurrilen Objekten wie gefalteten Papiernasen oder geschnitzten Holzwürsten. Sein vielschichtiger künstlerischer Kosmos wird in dieser umfangreichen Publikation erstmals vorgestellt. Ein ergänzendes Gespräch mit dem Künstler beantwortet darüber hinaus einige drängende Fragen; etwa: Warum die Wurst? Sebastian Neeb looks at the present with subtle humor and balances painting on its edge. He, for example, designs golden trophies for nonsensical achievements such as “waving back.” Or he creates portraits that call to mind the Renaissance or the Baroque and juxtaposes them with whimsical objects such as folded paper noses or carved wooden sausages. His multifaceted artistic cosmos is being presented for the first time in this extensive publication. A supplementary conversation with the artist moreover answers a few pressing questions such as: Why the sausage?

Ausstellung | Exhibition: Sebastian Neeb, REITER Berlin prospect, 11.9.–3.11.2019, Berlin

Entdeckungen für die Zukunft Future Discoveries

ars viva 2020 Karimah Ashadu, Thibaut Henz, Cemile Sahin Preisgekrönte junge Kunst Prize-winning young art Herausgeber | Editor: Kulturkreis der deutschen Wirtschaft im BDI e. V. Gestaltung | Graphic design: HIT, Berlin 21 ∞ 28 cm, ca. | approx. 128 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Softcover Erscheint im Oktober 2019 Will be published in October 2019 isbn 978-3-7356-0617-4 Deutsch | English

Detail

Ca. | approx. 5 30,– (D) chf 39,–

Der ars viva-Preis für Bildende Kunst wird seit 1953 an herausragende junge, in Deutschland lebende Künstlerinnen und Künstler vergeben, deren künstlerische Arbeiten eine eigenständige Formensprache und ein Bewusstsein für gegenwärtige Fragestellungen erkennen lassen. Der Kulturkreis der deutschen Wirtschaft im BDI e. V. vergibt den Preis in diesem Jahr an Karimah Ashadu (*1985), Thibaut Henz (*1988) und Cemile Sahin (*1990). Die Publikation begleitet die Ausstellungen der Preisträgerinnen und Preisträger im Kunstverein in Hamburg und in der Galerie für Zeitgenössische Kunst in Leipzig.

Since 1953, the ars viva Prize for Visual Arts has been awarded each year to outstanding young artists living in Germany, whose artistic works show an individual style of language and an awareness of contemporary questions. This year the Kulturkreis der deutschen Wirtschaft im BDI e. V. (Association of Arts and Culture of the German Economy at the Federation of German Industries) has awarded the prize to Karimah Ashadu (*1985), Thibaut Henz (*1988) and Cemile Sahin (*1990). The publication accompanies the awardees’s exhibitions at the Kunstverein in Hamburg and at Ausstellung | Exhibition: ars viva 2020: Karimah Ashadu, Thibaut Henz, Cemile Sahin, Oktober | October 2020, Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig; 2020, Kunstverein Hamburg; 2020, Künstlerresidenz, Fogo Island / Kanada

the Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig.

In Zeichnung verwandelte Landschaften Landscapes transformed into Drawings

Sylvie Ringer Crab, Rock, Stick, Loss Texte von | Texts by: Belinda Grace Gardner Gestaltung | Graphic design: Gesa Hansen, Hamburg 23 ∞ 33 cm, ca. | approx. 96 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im Oktober 2019 Will be published in October 2019 isbn 978-3-7356-0586-3 Deutsch | English Ca. | approx. 5 35,– (D) chf 45,50

Zwischen Alltag und Traum, Geformtem und Formlosem, zwischen Erinnerung und Vorstellungskraft bewegt sich Sylvie Ringer in ihren Zeichnungen. Ausgangspunkt für ihr Buch Crab, Rock, Stick, Loss war ein mehrjähriger Aufenthalt auf Malcolm Island, einer nördlich von Vancouver Island gelegenen Insel. Im unmittelbaren Umgang mit der Natur entstanden ihre Zeichnungen auf Papier und Leinwand. In ihren eindrücklichen Bildwelten werden Elemente aus Geschichte und Legenden, historische und mythologische Stätten ebenso wie die unberührte Landschaft zu fantastischen Motiven, Metaphern und Symbolen. In her drawings, Sylvie Ringer moves between day-to-day life and dreams, the formed and the formless, between memory and imaginative power. The starting point for her book Crab, Rock, Stick, Loss was a stay of several years on Malcolm Island, to the north of Vancouver Island. Her drawings on paper and canvas were created in direct and intuitive communication with nature. In her haunting pictorial worlds, elements from history and legends, historical and mythological sites as well as unspoiled nature become fantastical motifs, metaphors, and symbols.

Die atmosphärischen Räume der Malerei The Atmospheric Spaces of Painting

Anna Leonhardt Lights Herausgeber | Editor: Anna Leonhardt, MARC STRAUS Gallery Texte von | Texts by: Barry Schwabsky, Mathias Wagner Gestaltung | Graphic design: Denise Walther, Dresden 21 ∞ 28 cm, ca. | approx. 120 S. | pp., ca. 80 farb. Abb. | approx 80 col. ills., Hardcover Erscheint im August 2019 Will be published in August 2019 isbn 978-3-7356-0581-8 Deutsch | English Ca. | approx. 5 38,– (D) chf 49,40

Die Gemälde von Anna Leonhardt verlangen Zeit. Denn erst nach und nach tritt aus der schroff aufgetragenen, expressiven Farbe ein erstaunliches Licht hervor, das den Bildräumen Klarheit und Schärfe verleiht. Ihre Bilder sind ganz unmittelbar, doch stammen sie aus der Erfahrung. Anna Leonhardts Malerei ist getragen von Stimmungen und Empfindungen, die sich in ihrem Strich und ihrer Farbe entfalten. Bloße Flächen werden zu weiten, atmosphärischen Räumen, einzelne Farben versetzen sich gegenseitig in Schwingung und erfassen uns Betrachter. Das Buch stellt ihr malerisches Werk erstmals umfassend vor.

The paintings of Anna Leonhardt take time. Little by little, an astonishing light that gives the pictorial spaces clarity and definition emerges from the roughly applied, expressive paint. Her pictures are very direct, but based on experience. The atmospheres and sensations unfolded by its lines and its paint carry Anna Leonhardt’s painting. Mere surfaces become broad, atmospheric spaces, while individual colors begin to vibrate reciprocally and enthrall us as viewers. The book presents her painterly work for the first time.

Das Licht zur Aufführung bringen Performing Light itself

Daniel Hausig dynamic light Herausgeber | Editor: Kunstmuseum Celle und | and Museum Ritter Texte von | Texts by: Julia Otto, Michael Schwarz, Barbara Willert Gestaltung | Graphic design: Isabelle Kirsch, c/o HBKsaar, Saarbrücken 28 ∞ 24 cm, 160 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Softcover Erscheint im Oktober 2019 Will be published in October 2019 isbn 978-3-7356-0618-1 Deutsch | English Ca. | approx. 5 45,– (D) chf 58,50

Das Arbeitsmaterial des Schweizer Künstlers Daniel Hausig ist das Licht. Seit über 30 Jahren ist er maßgeblich an der Entwicklung der Lichtkunst beteiligt und seine ortsspezifisch entwickelten Installationen und Skulpturen beziehen sich auf Architekturen, Geschichte und Mythen sowie auf ökologische Fragestellungen. Jüngst entstehen „performative Installationen“, die ihren jeweiligen Ort durch einen präzise und individuell angeordneten Lichtschlauch neu interpretieren. Das umfangreiche Buch begleitet die Ausstellung Daniel Hausig – dynamic light im Kunstmuseum Celle und im Museum Ritter Waldenbuch. The working material of the Swiss artist Daniel Hausig is light. He has been significantly involved in the development of light art for over thirty years, and his site-specific installations and sculptures reference architectures, history, and myths as well as to ecological questions. He has recently been creating “performative installations,” which interpret the respective location anew by means of a precise and individually arranged light tube. The extensive book accompanies the exhibition Daniel Hausig—dynamic light at the Kunstmuseum Celle and the Museum Ritter Waldenbuch.

Ausstellung | Exhibition: Daniel Hausig – dynamic light, 23.6.–8.9.2019, Kunstmuseum Celle; 13.10.2019 – 19.4.2020, Museum Ritter, Waldenbuch

Ein Selfie mit der Vergangenheit A Selfie with the Past

Comeback Kunsthistorische Renaissancen Herausgeber | Editor: Nicole Fritz, Kunsthalle Tübingen Texte von | Texts by: Nicole Fritz, Zita Hartel, Johannes Meinhardt, Klaus Speidel Gestaltung | Graphic design: BUERO NOC, Berlin 22 ∞ 28,5 cm, ca. | approx. 176 S. | pp., ca. 90 farb. Abb. | approx. 90 col. ills., Hardcover Erscheint im August 2019 Will be published in August 2019 isbn 978-3-7356-0595-5 Deutsch Ca. | approx. 5 40,– (D) chf 52,–

Alles kehrt wieder. Gerade in ungewissen Zeiten des Umbruchs wächst die Nostalgie. In Werbung und Mode überlagert eine verklärte Historie die Gegenwart und auch in der Kunst kommt die Kunstgeschichte zurück. Entlarvte die Appropriation Art der 1980ern die Strategien moderner Bildkultur noch mit ironischer Distanz, findet sich heute allerdings ein freierer Umgang mit der Vergangenheit. In malerischen, fotografischen, filmischen und performativen Aneignungen aktualisieren Künstlerinnen und Künstler die „mnemischen Energien“ (Aby Warburg) historischer Werke für ein neues Verständnis der Jetztzeit. Everything returns. Nostalgia increases especially in uncertain times of upheaval. A romanticized Künstler | Artists: Philip Akkerman, Irene Andessner, José Manuel Ballester, Glenn Brown, Leo Caillard, Wim Delvoye, Slawomir Elsner, Hans-Peter Feldmann, Jochen Flinzer, Christian Jankowski, Liane Lang, Liza Lou, Pia Maria Martin, Brigitte Maria Mayer, Jean-Luc Moerman, Chantal Michel, Yasumasa Morimura, Ciprian Muresan, Agathe Pitié, Ged Quinn, Antoine Roegiers, Markus Schinwald, Cindy Sherman, Yinka Shonibare, Hiroshi Sugimoto, Kehinde Wiley

history has been superimposed on the present in advertising and fashion, and art history has also made a return in art. While the appropriation art of the 1980s exposed the strategies of modern image culture with ironic distance, a freer handling of the past is found today. In painterly, photographic, filmic, and performative appropriations, artists are updating the “mnemic energies” (Aby Warburg) of historical works for a fresh understanding of the present.

Ausstellung | Exhibition: Comeback. Kunsthistorische Renaissancen, 20.7.–10.11.2019, Kunsthalle Tübingen

… nicht der Sonne zu nah und auch nicht dem Meer … … not too close to the Sun, not too close to the Sea …

Miriam Vlaming Vertigo Texte von | Texts by: Teresa Bischoff, Jutta Desel, Anne Diestelkamp, Martin Oswald Gestaltung | Graphic design: studio lindhorst-emme, Berlin 23 ∞ 29,5 cm, 92 S. | pp., 36 farb. Abb. | 36 col. ills., Hardcover, mit | with DVD isbn 978-3-7356-0583-2 Deutsch | English 5 40,– (D) chf 52,–

Vertigo – ausgehend vom antiken Ikarus-Mythos hat Miriam Vlaming (*1971) eine neue Werkgruppe geschaffen, in der sie den alten Menschheitstraum vom Fliegen mit der maßlosen menschlichen Hybris vereint: Phantomhafte Gestalten bewegen sich durch traumartige Landschaften und Szenerien. In schwindelerregendem Taumel, mit haltlosem Sog in nächste Nähe und weiteste Ferne erschafft Miriam Vlaming eine fantastische Bildwelt zwischen Anwesenheit und Abwesenheit, Geschichte und Gegenwart. Vertigo—starting from the Icarus myth of antiquity, Miriam Vlaming (*1971) has created Weitere erhältliche Publikationen Further available publications

a new group of works in which she brings mankind’s ancient dream of flying together with excessive human hubris: phantomlike figures move through dreamlike landscapes and sceneries. In a dizzying frenzy, with a groundless pull into the close range and the farthest distance, Miriam Vlaming creates a fantastical pictorial world between presence and absence, history and present.

Miriam Vlaming Human Nature isbn 978-3-7356-0245-9 5 36,– (D) chf 46,80 Ausstellung | Exhibition: Miriam Vlaming. Vertigo, 2019, Museum Abtei Liesborn

Existenz zwischen Selbstbehauptung und Selbstverlust Existence between the Assertion and the Loss of Self

In ihren Zeichnungen und Textarbeiten erforscht Petra Sterry psychische Befindlichkeiten, spontane Empfindungen und rationalisierte Gefühle. In der Werkserie Elastic Punch untersucht sie grundlegende menschliche Zustände wie Unbehagen, Trauma, Angst, Lethargie oder Freude mittels der Sprache. Ausgehend von Franz Xaver Messerschmidts „Charakterköpfen“ zeigt Sterry die Brüchigkeit der Existenz, die jedes Ich zwischen Selbstbehauptung und Selbstverlust bewältigen muss. Ergänzend rückt das partizipatorische Projekt Das elastische Ich das besondere Erleben von betagten Menschen in den Mittelpunkt. In her drawings and text-based works, Petra Sterry explores psychological sensitivities, spontaneous impressions, and rationalized feelings. In the Elastic Punch series of works, she examines fundamental human states such as discomfort, fear, lethargy, or joy using language. Starting from Franz Xaver Messerschmidt’s “character heads,” Sterry shows the fragility of existence that every I has to overcome between assertion and loss of self. The participatory project The Elastic I focuses in addition on the experience of aging individuals.

Ausstellung | Exhibition: Die sich fügende Ordnung, 3.4.2019–30.6.2019, Bayerisches Nationalmuseum, München

Sehen, fühlen, malen: Der figürliche Sean Scully Seeing, Feeling, Painting: The Figurative Sean Scully

Sean Scully Eleuthera Herausgeber | Editor: Klaus Albrecht Schröder Texte von | Texts by: Elisabeth Dutz, Werner Spies Gestaltung | Graphic design: Maria-Anna Friedl, Wien 24,5 ∞ 28 cm, 160 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0565-8 Deutsch

jetzt erschienen available now

isbn 978-3-7356-0566-5 English 5 38,– (D) chf 49,40

Für Sean Scully drückt die Malerei nicht bloß das aus, was man sieht, sondern gerade auch jenes, das man fühlt. In seinen unverwechselbaren Bildern vertraute er dabei allein auf die Farbe – unmittelbar und mit starkem Gestus vorgetragen, vor allem aber abstrakt. Die Albertina zeigt Sean Scully nun von einer bislang unbekannten Seite: eine Serie figürlicher Gemälde von seinem Sohn Oisín bei Spielen am Strand der Bahamas-Insel Eleuthera. Umfangreiches Material aus Scullys privatem Archiv sowie detaillierte Aufsätze von Werner Spies und Elisabeth Dutz erschließen diese neugewonnene malerische Freiheit. For Sean Scully, painting not only expresses what one sees, but also specifically what one feels. His inimitable pictures thus rely solely on paint—applied with a strong, but above all abstract gesture. The Albertina is now presenting Sean Scully from a hitherto unfamiliar side: a series of figurative paintings of his son Oisín playing on the beach of Eleuthera, an island in the Bahamas. Extensive material from Scully’s private archive as well as in-depth essays by Werner Spies and Elisabeth Dutz elaborate on this newly obtained painterly freedom.

Ausstellung | Exhibition: Sean Scully. Eleuthera, 7.6.–8.9.2019, Albertina Wien

Faszination und Tabu: Der große britische Pop-Künstler Allure and Taboo: The great British Pop Artist

Allen Jones Werkverzeichnis der Grafik. Teil II Catalogue raisonné of the Graphic Works. Part II Herausgeber | Editor: Thomas Levy Gestaltung | Graphic design: Claas Möller, claasboks.de, Hamburg 24,1 ∞ 29,2 cm, ca. | approx. 120 S. | pp., ca. 100 farb. Abb. | approx. 100 col. ills., Softcover Erscheint im Herbst 2019 Will be published in Autumn 2019 isbn 978-3-7356-0624-2 Deutsch | English Ca. | approx. 5 48,– (D) chf 62,40

Allen Jones ist einer der international bedeutendsten Protagonisten der britischen Pop-Art. Im Aktionsrahmen von Bühne und Tanz, Sport und Werbung setzt er seine provokante Auseinandersetzung mit dem medialen Bild der Frau und den traditionellen Geschlechterrollen spannungsvoll zwischen Figuration und gestischer Abstraktion in einer Vielzahl von Medien um. Das Werkverzeichnis der Grafik. Teil II verzeichnet Arbeiten von 1995 bis 2018 und veranschaulicht die herausragende Stellung des grafischen Œuvres im gesamten künstlerischen Schaffen, das hier seinen technisch-kompositorischen Ursprung hat. Allen Jones is one of the internationally most important protagonists of British Pop Art. Upon the field of stage and dance, sport and advertisement, he plays out his provocative examination of the medial image of the woman and traditional gender roles in a variety of media, in full suspense between figuration and gestural abstraction. The Catalogue raisonné of the Graphic Works. Part II is comprised of works between 1995 and 2018, highlighting the prominent rank of his graphics upon which he developed his complete artistic œuvre, both technically and compositionally.

Sexuelle Selbstbestimmung und künstlerische Autorität Sexual Self-Determination and Artistic Authority

In The Cut Der männliche Körper in der Feministischen Kunst The Male Body in Feminist Art Herausgeber | Editor: Andrea Jahn, Stadtgalerie Saarbrücken Texte von | Texts by: Andrea Jahn, Amelia Jones, Richard Meyer, Rachel Middleman Gestaltung | Graphic design: Nicolas Zupfer, Stuttgart 21 ∞ 27 cm, 304 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Softcover

jetzt erschienen available now

Erscheint im Juni 2019 Will be published in June 2019 isbn 978-3-7356-0514-6 Deutsch | English Ca. | approx. 5 40,– (D) chf 52,–

Sexualität als zentrales Thema in der Kunst war bis in die 1970er-Jahre vornehmlich vom männlichen Blick auf den weiblichen Körper beherrscht. Auch feministische Künstlerinnen konzentrierten sich auf den eigenen Körper, während der (hetero-)erotische Blick auf den Mann bis heute eine Ausnahme darstellt. Wenn feministische Künstlerinnen ihren begehrlichen Blick auf den männlichen Körper werfen, brechen sie damit gleich mehrere Tabus. Mit ihren Männerbildern erheben sie Anspruch auf sexuelle Selbstbestimmung und künstlerische Autorität. Gleichzeitig stellen sie klassische Rollenzuschreibungen infrage. Die begleitende Publikation zur Ausstellung in der Stadtgalerie Saarbrücken gibt spannende Einblicke in diese neue Sichtweise. Sexuality as a central theme in art was, until the 1970s, dominated primarily by the male view Künstler | Artists: Louise Bourgeois, Sophie Calle, Anke Doberauer, Tracey Emin, Alicia Framis, Kathleen Gilje, Eunice Golden, Anna Jermolaewa, Herlinde Koelbl, Mwangi Hutter, ORLAN, Aude du Pasquier Grall, Julika Rudelius, Carolee Schneemann, Joan Semmel, Susan Silas, Jana Sterbak, Betty Tompkins, Paula Winkler

of the female body. Feminist artists also concentrated on their own body, while a (hetero-) erotic view of men is still an exception today. When feminist artists cast their desiring gaze at the male body they consequently break various taboos. With their pictures of men, they assert a claim to sexual self-determination and artistic authority. They simultaneously call classical role attributions into question. The publication accompanying the exhibition at the Stadtgalerie Saarbrücken provides fascinating insights into this fresh point of view.

Ausstellung | Exhibition: In The Cut – Der männliche Körper in der Feministischen Kunst, 2018/2019, Stadtgalerie Saarbrücken

Pop Art wird abstrakt Pop Art becomes Abstract

Werner Berges Auch mal so For a Change Herausgeber | Editor: Thomas Levy, Ralph Kleinsimlinghaus Texte von | Texts by: Belinda Grace Gardner, Anna Heinze Gestaltung | Graphic design: Claas Möller, Hamburg 22 ∞ 27 cm, 136 S. | pp., 1 S/W- und 127 farb. Abb. | 1 b&w and 127 col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0600-6 Deutsch | English 5 36,– (D) chf 46,80

Werner Berges (1941–2017) ist ein Pionier der deutschen Pop Art. Gegenüber seinen bekannten, seriellen Raster-Bildern der 1960er, in denen der weibliche Körper vielfältig ornamentalisiert wird, zeigt dieser Katalog 100 abstrakte Gemälde, entstanden zwischen 1970 und 2000, in denen sich Figuration und Abstraktion filigran verschränken. Diese Weitere erhältliche Publikationen Further available publications

zentrale, bislang jedoch im Hintergrund gebliebene Werkgruppe ist entscheidend für das

Werner Berges isbn 978-3-7356-0387-6 5 36,– (D) chf 46,80

Würdigung.

Collector’s Edition 5 160,– (D)

Verständnis von Werner Berges’ Gesamtœuvre und erfährt erstmals eine umfassende

Werner Berges (1941–2017) was a pioneer of German Pop art. Juxtaposed with his wellknown serial grid pictures of the 1960s in which the female body is ornamentalized in various ways, this catalogue included 100 abstract paintings, created between 1970 and 2000, in which figuration and abstraction are interwoven in a filigree way. This central group of works, which has, however, up to now remained in the background, is crucial to understanding Werner Berges’s œuvre as a whole and has been appraised in-depth for the first time.

Collector’s Edition 5 120,– (D) Ausstellung | Exhibition: Werner Berges – Auch mal so / For a Change, 26.3.–1.5.2019, LEVY Galerie, Hamburg; 19.5.–30.6.2019, Villa Goecke, Krefeld

Schönheit in all ihren Facetten Beauty in all its Aspects

Heribert Heere Schönheiten. Ein Künstlerbuch Texte von | Texts by: Heribert Heere Gestaltung | Graphic design: Olga Funk, Köln 18 ∞ 25 cm, 224 S. | pp., 7 S/W- und 104 farb. Abb. | 7 b&w and 104 col. ills., Klappenbroschur | Softcover with flaps Erscheint im Juni 2019 Will be published in June 2019 isbn 978-3-7356-0598-6 Deutsch Ca. | approx. 5 40,– (D) chf 52,–

Die Gemälde, Aquarelle und Collagen des Münchner Künstlers Heribert Heere (*1948) sind Expeditionen in die „künstlichen Paradiese“ historischer und gegenwärtiger Schönheitsvorstellungen. Von der Antike bis in die Gegenwart liefern Gedichte, Mythen und Populärkultur die Motive, von denen sich er sich zu glamourösen, dämonischen, erotischen, philosophischen oder auch religiösen Exkursen über sämtliche Facetten des Schönen anregen lässt. Schönheit ist dabei für Heere ein utopisches Ereignis, das verheißungsvoll und strahlend sein kann, im selben Augenblick aber ebenso trügerisch und ernüchternd. The paintings, watercolors, and collages of the Munich-based artist Heribert Heere (*1948) are expeditions into an “artistic paradise” of historical and contemporary notions of beauty. From antiquity to the present, poems, myths, and popular culture have provided the motifs that inspire him to create glamorous, demonic, erotic, philosophical, or religious excursuses on all the facets of the beautiful. For Heere, beauty is thus a utopian occurrence that can be propitious and radiant, but also deceptive and disillusioning at the same moment.

Holz, Stein, Metall: Die Sprache des Materials Wood, Stone, Metal: Material Language

Herbert Golser Formwandeln Changing Shape Herausgeber | Editor: Galerie Frey / Galerie Rosenfeld Porcini Texte von | Texts by: Silvie Aigner, Carl Aigner, Katharina Blaas, Martina Berger-Klingler, Herbert Golser, Christine Humpl-Mazegger, Martin Hochleitner, Cornelia Offergeld, Günther Oberhollenzer, Burghart Schmidt, Andreas Steinwendtner Gestaltung | Graphic design: Dennis de Kort, Salzburg 24 ∞ 28 cm, ca. | approx. 176 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im Juli 2019 Will be published in July 2019 isbn 978-3-7356-0611-2 Deutsch | English Ca. | approx. 5 45,– (D) chf 58,50

Im Spannungsfeld von Gewachsenem und Konstruiertem arbeitet der Bildhauer Herbert Golser mit der Natur. Wesentlich für die Formwerdung seiner Skulpturen ist das Zusammenspiel von natürlich-zufälligen und technischen Materialien, sodass Holz, Stein und Metall in seinen Werken sozusagen nochmals „aufblühen“. Das Buch stellt in drei Kapiteln – Baum, Fels, Transform – Golsers erstaunliches Schaffen vor, darunter auch erstmals seine Arbeiten im öffentlichen Raum. Ergänzt wird dies durch Texte zahlreicher Autorinnen und Autoren, die sein Werk in den vergangenen zwei Jahrzehnten begleitet haben. The sculptor Herbert Golser works with nature between the poles of the grown and the constructed. The interplay of naturally occurring and technical materials is essential for how his sculptures take shape, so that wood, stone, and metal quasi “come to bloom” in his works. In its three chapters—Tree, Rock, Transform—the book presents Golser’s astonishing work, including for the first time his works in public space as well. This is supplemented with texts by numerous authors who have accompanied his work over the past two decades.

Ausstellung | Exhibition: Herbert Golser – Formwandeln, Juli–August | July–August 2019, Galerie Frey, Salzburg

Gemalte Architekturvisionen Painted Visions of Architecture

Mentalscapes ist die erste internationale Monografie zum Werk des dänischen Malers Asmund Havsteen-Mikkelsen. Seit über zehn Jahren malt er modernistische Architektur. Mit erstaunlichem Gespür für ihre utopischen Eigenschaften wie auch für ihr monumentales Scheitern konstruiert er sowohl atmosphärisch dichte, surreale als auch nahezu aufgelöste Räume. Mit klarem Sinn für ihre historischen Vorbilder, erschaffen seine Mentalscapes eine komplexe multidimensionale Version der Wirklichkeit. Mentalscapes is the first international monograph to present the works of Danish painter Asmund Havsteen-Mikkelsen. For more than a decade, he has depicted modernist architecture. With an uncanny sense of its utopian properties as well as its monumental failures, he constructs both atmospherically dense, almost surreal and loosely dispersed spaces. With acute awareness of the historical models upon which the paintings are based, his Mentalscapes create a complex multidimensional version of the given reality.

Das große Jubiläumsbuch: 50 Jahre Künstlerhaus Lydda The big Jubilee Book: 50 Years Künstlerhaus Lydda

Innenlicht 50 Jahre Künstlerhaus Lydda

Innenlicht 50 Jahre Künstlerhaus Lydda Herausgeber | Editor: Jürgen Heinrich, Merit Böger, Stiftung Bethel Texte u. a. von | Texts among others by: Friederike Fast, Carine Fol Gestaltung | Graphic design: Roman Girsikorn, Bielefeld 24 ∞ 30 cm, ca. | approx. 352 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im Dezember 2019 Will be published in December 2019 isbn 978-3-7356-0621-1 Deutsch Ca. | approx. 5 45,– (D) chf 58,50

Am 6. Dezember 1969 eröffnete das Künstlerhaus Lydda seine erste Ausstellung und wurde in der Folge zu einer wichtigen kulturellen Institution in Bethel und Bielefeld sowie weit darüber hinaus. Am 6. Dezember 2019 feiert das Künstlerhaus sein 50. Jubiläum mit einer großen Ausstellung. Das reichhaltige Jubiläumsbuch Innenlicht zeichnet die Entwicklungen des Künstlerhauses in fünf Jahrzehnten nach, stellt wichtige Werke vor und lässt die Künstlerinnen und Künstler selbst zu Wort kommen. Dazu berichten zahlreiche Autorinnen und Autoren von ihren Eindrücken und Begegnungen an diesem besonderen Ort. The Künstlerhaus Lydda opened its first exhibition on December 6, 1969, and soon became an important cultural institution in Bethel and Bielefeld as well as in the broader region. The Künstlerhaus is celebrating its fiftieth anniversary with an extensive exhibition on December 6, 2019. The big anniversary book, Innenlicht (Inner Light), traces the development of the Künstlerhaus over five decades, presents important works, and gives the artists themselves a chance to have their say. Numerous authors also tell of their impressions and encounters at this special venue.

Ausstellung | Exhibition: Innenlicht – 50 Jahre Künstlerhaus Lydda, 6.12.2019, Galerie Lydda, Bielefeld

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Jahre Bauhaus 80 Years New Bauhaus in Chicago

Ein Stück Bauhaus A Little Piece Of Bauhaus Herausgeber | Editor: Goethe-Institut Chicago, Friends of Goethe Chicago Texte von | Texts by: Franz Anton Cramer, Ingrid Zeller, Kristina Lowis, Petra Roggel Gestaltung | Graphic design: Mischen, Berlin 16 ∞ 23 cm, ca. | approx. 144 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Softcover Erscheint im September 2019 Will be published in September 2019 isbn 978-3-7356-0606-8 Deutsch | English Ca. | approx. 5 30,– (D) chf 39,–

2017: 80 Jahre New Bauhaus in Chicago – 2019: 100 Jahre Bauhaus in Deutschland. Anlässlich dieser zwei Jubiläen initiierte das Goethe-Institut Chicago von 2016 bis 2018 eine Ausstellungsreihe. Ausgehend von der interdisziplinären Bauhaus-Idee waren zehn Künstlerinnen und Künstler aus Chicago und Deutschland eingeladen, situativ und ortsspezifisch A Little Piece of Bauhaus / Ein Stück Bauhaus zu gestalten. Das GoetheInstitut wurde so zu einer offenen Plattform für grenzüberschreitende künstlerische Dialoge zwischen dem „alten“ und dem „neuen“ Bauhaus, zwischen Vergangenheit und Zukunft. 2017: 80 years of the New Bauhaus in Chicago—2019: 100 years of the Bauhaus in Germany. In connection with these two anniversaries, the Goethe-Institut in Chicago organized a series of exhibitions from 2016 to 2018. Starting from the interdisciplinary Bauhaus idea, ten artists from Chicago and Germany were invited to create A Little Piece of Bauhaus / Ein Stück Bauhaus in a situational and site-specific way. The Goethe-Institut Künstler | Artists: Heike Albrecht, Assaf Evron, Doug Fogelson, Anke Loh, Luftwerk, Christina Wildgrube, Rebecca Wilton, Serene Wise, Monika Wulfers Ausstellung | Exhibition: A Little Piece Of Bauhaus, 2016–2018, Goethe-Institut Chicago; 19.9–22.9.2019, EXPO Chicago; September 19.9.2019–5.1.2020, CAB Chicago Architecture Biennial

thus became an open platform for boundary-transcending artistic dialogues between the “old” and “new” Bauhaus, between past and future.

Malerei wird Raum Painting becomes Space

Malereikonkrethochdrei Vom Bild zum Raum Herausgeber | Editor: Holger Kube Ventura, Kunstmuseum Reutlingen / konkret Texte von | Texts by: Holger Kube Ventura Gestaltung | Graphic design: Thomas Schmid, Christiane Hemmerich Konzeption und Gestaltung, Tübingen 19 ∞ 21 cm, ca. | approx. 100 S. | pp., 60 farb. Abb. | 60 col. ills., Softcover isbn 978-3-7356-0582-5 Deutsch 5 20,– (D) chf 26,–

Die Geschichte der Malerei ist eine Geschichte der Überschreitung. Seit der Moderne durchbrachen Künstlerinnen und Künstler wieder und wieder die Zweidimensionalität der Fläche, bis das Bild schließlich als objekthaftes „Ereignis“ in den realen Raum vorstieß. Malereikonkrethochdrei stellt zwölf internationale Künstlerinnen und Künstler vor, die diese Geschichte maßgeblich mitgeschrieben haben. Im direkten Vergleich der unterschiedlichen Auffassungen und Konzepte bietet dieses Buch einen Schlüssel für das Verständnis raumbezogener bzw. räumlicher Malerei im Kontext der zeitgenössischen Kunst. The history of painting is a history of transgression. Starting at the beginning of modernity, artists again and again broke through the two-dimensionality of the surface, until the picture finally thrust out into real space as an object-like “event.” Malereikonkrethochdrei presents twelve international artists who made a significant contribution to this history. With its direct comparison of the different viewpoints and concepts, this book provides a key to compreKünstler | Artists: Bernard Aubertin, Paul Uwe Dreyer, Hermann Glöckner, Jon Groom, Gottfried Honegger, Russell Maltz, John Meyer, Guido Molinari, Aurélie Nemours, John Nixon, Erich Reusch, Andrea Staroske

hending space-related and/or spatial painting within the context of contemporary art.

Ausstellung | Exhibition: Malereikonkrethochdrei. Vom Bild zum Raum, 16.3.–30.6.2019, Kunstmuseum Reutlingen / konkret

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Was sind Bilder heute? Die Biennale de l’image Montréal What are Images today? The Biennale de l’image Montréal

MOMENTA Biennale de l’image The life of things La vie des choses Herausgeber | Editor: MOMENTA | Biennale de l’image Texte von | Texts by: Amanda de la Garza, Anne-Marie Dubois, Sara Knelman, Maude Johnson, Dominique Quessada, María Wills Londoño Kapwani Kiwanga, und | and Maryse Larivière haben jeweils eine Reihe von Kunstwerken konzipiert, die nur für diese Veröffentlichung gelten | have each conceived of a series of artworks exclusive to this publication Gestaltung | Graphic design: Jean-François Proulx balistique, Montreal 21,9 ∞ 29,2 cm, ca. | approx. 170 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im September 2019 Will be published in September 2019 isbn 978-3-7356-0607-5 English isbn 978-3-7356-0608-2 Français Ca. | approx. 5 38,– (D) chf 49,40

Die Massenproduktion hat die Grenzlinien zwischen vermeintlich passiven Dingen und dem Menschen, dem einzigen handelnden Subjekt, grundlegend verschoben. Sogar Bilder sind davon betroffen. Sie treten mehr und mehr aus ihrer bisherigen Zweidimensionalität heraus und werden selbst zu Objekten. Die MOMENTA Montréal erforscht die Universen, die sich zwischen Individuen und ihrer materiellen Umgebung bilden, und betont die neuartigen Wechselbeziehungen zwischen Subjekten und Objekten. Kapwani Kiwanga und

Künstler | Artists: Laura Aguilar, Francis Alÿs, Jonathas de Andrade, Kader Attia, Elisabeth Belliveau, Karen Paulina Biswell, Maeve Brennan, Hannah Doerksen, Patricia Domínguez, Chun Hua Catherine Dong, Alinka Echeverría, Peter Fischli & David Weiss, Jeneen Frei Njootli, Marina Gadonneix, Gauri Gill, Maggie Groat, Raphaëlle de Groot, Felicity Hammond, Jérôme Havre, Laura Huertas Millán, Lola Keyezua, Kapwani Kiwanga, Anouk Kruithof, Maryse Larivière, Taus Makhacheva, Ana Mendieta, Izumi Miyazaki, Bridget Moser, Meagan Musseau, Rafael Ortega, Juan Ortiz-Apuy, Celia Perrin Sidarous, Miguel Angel Ríos, Jamie Ross, Victoria Sin, Cauleen Smith, Batia Suter, Camille Turner

Maryse Larivière haben zudem eine Reihe von Kunstwerken exklusiv in dieser Publikation geschaffen. Mass production is tending to re-define the lines between supposedly inert and passive material things and human beings, considered the only subjects endowed with agency. Even images are far from being impermeable to this and spread presently beyond the twodimensional space, becoming objects in themselves. MOMENTA Montréal thus explores the universes built between individuals and their material environment, highlighting the reciprocal relations between subject and object. In addition, Kapwani Kiwanga and Maryse Larivière have conceived of a series of artworks exclusive to this publication.

Ausstellung | Exhibition: MOMENTA | Biennale de l’image: La vie des choses / The Life of Things, 2019, Montreal

Für ein neues Warenbewusstsein For new Values of Commodities

Tim Mitchell Product Herausgeber | Editor: Alistair Robinson, Northern Gallery for Contemporary Art Texte von | Texts by: Luc Boltanski & Arnaud Esquerre, Mike Crang, Nicky Gregson, Emily McMehen, Helen James, Carol McKay, Michalis Nikolakakis, Lucy Norris, Alistair Robinson Gestaltung | Graphic design: Brighten the Corners, London / Frankfurt am Main 17 ∞ 24 cm, ca. | approx. 368 S. | pp., ca. 230 farb. Abb. | approx. 230 col. ills., Hardcover Erscheint im August 2019 Will be published in August 2019 isbn 978-3-7356-0602-0 English Ca. | approx. 5 45,– (D) chf 58,50

Wissen wir unser Leben überhaupt noch zu schätzen? Seit 15 Jahren studiert der Fotograf Tim Mitchell Alltagsobjekte des 21. Jahrhunderts. Als genauer Beobachter fragt er in seiner ersten Monografie Product nach ökologisch nachhaltigen und ethischen Produktions- und Gebrauchsmodellen und thematisiert anhand der sich rasant ändernden Warenwelt den allgemeinen sozialen Wertewandel. Mit weiterführenden ökonomischen, soziologischen und kunsthistorischen Aufsätzen zeigt das Buch das glamouröse Chaos der Pariser Fashion Week ebenso wie die globalen Auswirkungen des Bekleidungsrecyclings und der griechischen Finanzkrise. How do we value the life we are living? For 15 years, photographer Tim Mitchell has studied 21st century objects and commodities, as their transformation testifies to our ever-changing everyday values. He is a poignant observer of social and environmental issues and in his first monograph Product, he asks what sustainable, ethical models of production and utilisation could be. The book addresses the glamourous chaos of Paris Fashion Week as well as the repercussions of global clothes recycling and the financial crisis in Greece; economical, sociological and art historical essays provide further context. Ausstellung | Exhibition: Tim Mitchell – Product, 31.8.– 3.11.2019, Northern Gallery for Contemporary Art, Sunderland

Sind Videos demokratisch? Geist, Körper und Technologie in der chinesischen Medienkunst Are Videos democratic? Mind, Body, and Technology in Chinese Media Art

Micro Era Medienkunst aus China Media Art from China Cao Fei, Fang Di, Lu Yang, Zhang Peili Herausgeber | Editor: Anna-Catharina Gebbers / Udo Kittelmann, Nationalgalerie Berlin – Staatliche Museen zu Berlin, Yu Zhang (张彧), Gesellschaft für Deutsch-Chinesischen kulturellen Austausch e. V. (GeKA e. V.)

Detail

Texte u. a. von | Texts among others by: Anna-Catharina Gebbers, Pi Li, Victor Wang , Yang Beichen Gestaltung | Graphic design: StudioKrimm, Berlin 19 ∞ 24 cm, ca. | approx. 128 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im September 2019 Will be published in September 2019

Gemeinsam realisieren die Gesellschaft für Deutsch-Chinesischen kulturellen Austausch

isbn 978-3-7356-0620-4 Deutsch | English | Chinese

übergreifend der chinesischen Medienkunst seit den 1990ern widmet. Im Verhältnis von

Ca. | approx. 5 45,– (D) chf 58,50

die klassische Filmsprache bis zum japanischen Anime. Kritisch fragt die Ausstellung nach

(GeKA e. V.) und die Nationalgalerie Berlin die Ausstellung Micro Era, die sich generationenGeist, Körper und Technologie reicht die Auseinandersetzung vom Dokumentarfilm über dem demokratischen Potenzial der Medien sowie nach der Art und Weise, wie gegenwärtig Bilder produziert, konsumiert oder als Instrument der Erkenntnis eingesetzt werden. Jointly, the Association for German-Chinese Cultural Exchange (GeKA e. V.) and Nationalgalerie Berlin realize the exhibition Micro Era, cross-generationally dedicated to Chinese Media Art since the 1990s. The four participating artists explore the relationships between mind, body, and technology, examining documentary film images, the adapted use of classic film language, and the aesthetics of Japanese anime. Critically, the exhibition inquires the democratic potential of media as well as the way in which today’s visual culture is being produced, consumed, or employed as a means of knowledge gain.

Ausstellung | Exhibition: Micro Era: Medienkunst aus China / Media Art from China, 5.9.2019–26.1.2020, Kulturforum, Berlin

Jugend am Rande der Hauptstadt: Eine andere Gegenwart Youth on the Capital’s Verges: An Alternate Present

Verfallende Industriebauten aus der Gründerzeit und verwilderte Brachflächen entlang der Spree lassen erahnen, dass der Berliner Ortsteil Schöneweide einstmals eine andere Gegenwart erlebt hat. Heute bieten die zahlreichen verlassenen Orte vielen Jugendlichen Raum, um sich ungestört zu treffen. Über drei Jahre hinweg hat Janina Wick Kontakt zu diesen Jugendlichen aufgebaut, sie immer wieder aufgesucht und fotografiert. Gemeinsam mit ihnen hat sie die leer stehenden Areale erkundet und dabei auch die Veränderung vor Ort fotografisch festgehalten. Ihre einfühlsamen Beobachtungen zeigt dieses Buch. Crumbling industrial buildings from the Wilhelmine Period and overgrown wastelands along the Spree River suggest that the Berlin city district of Schöneweide once experienced a different present. Today, the numerous abandoned sites provide a place for many young people to meet undisturbed. Over three years, Janina Wick established contact with such young people and visited and photographed them again and again. Along with them, she explored the abandoned sites and also captured the changes there in photos. This book presents her perceptive observations.

Die poetische Suche nach einer verschwindenden Welt The Poetic Search for a Vanishing World

Anja Putensen Das Gut – Auf den Spuren baltischer Gutshauskultur The Manor – On the Trail of the Baltic Manor House Culture Texte von | Texts by: Anja Putensen Gestaltung | Graphic design: Kathrin Haas, Hamburg 19,5 ∞ 15,5 cm, ca. | approx. 84 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im Dezember 2019 Will be published in December 2019 isbn 978-3-7356-0597-9 Deutsch | English | Estnisch | Latvian Ca. | approx. 5 35,– (D) chf 45,50

Die ländlichen Gebiete Estlands und Lettlands sind geprägt durch zahlreiche Gutshäuser. In den vergangenen Jahrzehnten wurden wenige renoviert, der Großteil verfällt. Anja Putensens Das Gut ist eine subjektive fotografische Recherche, die an jene historischen Orte baltischer Gutshauskultur führt. Wie auch die Erinnerung oft aus teils faktischen, teils fiktiven Blickrichtungen besteht, ist auch ihre Perspektive eine poetisch-magische. Ergänzt wird diese durch zahlreiche historische estnische, lettische und deutschbaltische Kindheitserinnerungen. The rural areas of Estonia and Latvia are characterized by numerous manor houses. In the past decades, a few of them have been renovated, but the majority of them have fallen into disrepair. Anja Putensen’s The Manor is subjective photographic research that leads to these historical locations of Baltic manor house culture. Just as memory often consists of in part factual, in part fictitious lines of vision, her perspective is also a poetic, magical one. The photos are also supplemented by numerous historical Estonian, Latvian, and German-Baltic childhood memories.

Gehen, Sehen und der Sinn des Lebens Walking, Seeing, and the Meaning of Life

August Eriksson Circling the Mountain Gestaltung | Graphic design: August Eriksson, Stockholm 21 ∞ 14,5 cm, ca. | approx. 20 S. | pp., Hardcover, Künstlerbuch, nummeriert und signiert, handgebundener Leporello in Schuber | artist book, numbered and signed, hand-bound leporello in slipcase Erscheint im Juni 2019 Will be published in June 2019 isbn 978-3-7356-0596-2 English Ca. | approx. 5 100,– (D) chf 130,–

Nacht für Nacht läuft ein japanischer Mönch um den Berg Hiei, um seinen Geist zu leeren und zu einem „lebenden Buddha“ zu werden. Zuletzt wird er eine Strecke zurückgelegt haben, die dem Umfang der Erde entspricht. Für dieses besondere, handgefertigte Künstlerbuch ist der schwedische Fotograf August Eriksson (*1971) ebenfalls zum Berg Hiei gereist, um denselben Weg zu gehen und vielleicht sogar auf den sagenumwobenen Mönch zu treffen. Zwei Fragen drängten ihn: Wie die eigene Wahrnehmung mit der Bewegung zu tun hat und ob sich der Sinn des Lebens in etwas Nichtigem wie Im-Kreis-Laufen finden lässt. Night after night, a Japanese monk walked around Mount Hiei in order to empty his conscious mind and transform into a ›living Buddha‹. By the end, he had walked a distance equivalent to the Earth’s circumference. For this unique artist book, being publication and sculpture alike, Swedish Photographer August Eriksson (*1971) travelled to Mount Hiei as well, to undertake the same walk and maybe find the legendary wandering monk. Two questions were prompting him: how perception is related to one’s movement and if there is existential meaning in something as seemingly futile as moving-in-circles.

Der Mensch: ein Weltraum nach innen. (Arnold Stadler) Man: an inwards Universe. (Arnold Stadler)

Florian Schwarz A handful of dust Herausgeber | Editor: Christoph Bauer, Kunstmuseum Singen Texte von | Texts by: Boris von Brauchitsch, Martin Dominik, Arnold Stadler Gestaltung | Graphic design: Hans Gremmen, Amsterdam 24 ∞ 31 cm, ca. | approx. 192 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im August 2019 Will be published in August 2019 isbn 978-3-7356-0591-7 Deutsch | English Ca. | approx. 5 40,– (D) chf 52,–

Das Wissen um das Universum wächst, doch das Menschsein wird immer fragwürdiger. Dieses Paradox ist das Leitmotiv von A handful of dust, einer fotografischen Recherche von Florian Schwarz. Vier Jahre lang reiste er zu Observatorien an den entlegensten Orten der Erde. Einfühlsam verbindet er den Fernblick in die Weiten des Alls mit der Nahsicht auf die Menschen, die im Umfeld jener Institute leben. Er spannt den Bogen von den staubig kargen Enden dieser Welt bis ins Zentrum des Universums, wo auch unsere Mitte liegt – da wir, wie neueste Forschungen zeigen, selbst zu 97 Prozent aus Sternenstaub bestehen. Knowledge of the universe is growing, but human existence is increasingly being called into question. This paradox is the leitmotif of A handful of dust, a photographic research project by Florian Schwarz. Over a period of four years, he traveled to observatories in the most remote places in the world. Schwarz insightfully links the distant view into the expanse of space with close-up views of the people who live in the surroundings of these institutes. He covers a spectrum from the dusty, bleak ends of this world to the center of the universe, where our center is also situated—since we, as the most recent research has shown, consist of up to 97 percent stardust.

Eine Liebeserklärung an Paris und Buenos Aires A Love Letter to Paris and Buenos Aires

Eric Mistler Paris Buenos Aires Herausgeber | Editor: Matthieu Lauriot Prévost Texte von | Texts by: Jean-Louis Buchet , Eric Mistler, Bruno Podalydès Gestaltung | Graphic design: Maxime Ruiz, Paris 29 ∞ 24 cm, ca. | approx. 128 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im September 2019 Will be published in September 2019 isbn 978-3-7356-0622-8 Français | English | Español Ca. | approx. 5 50,– (D) chf 65,–

Paris, Buenos Aires. Zwei Städte, zwei Geschichten. Gesehen durch die Augen des Fotografen Eric Mistler. Das Buch stellt jeweils zwei Fotografien gegenüber, eines von jeder Stadt, ihren Bewohnern, ihren Gemeinsamkeiten und Gegensätzen. Paris Buenos Aires ist die Geschichte einer doppelten Identität zwischen zwei Kulturen, die Fantasie und Neugierde weckt. Eric Mistler wurde in Buenos Aires geboren, übersiedelte früh nach Paris und kehrte erst 2018, nach mehr als 50 Jahren, in seine Geburtsstadt zurück. Paris Buenos Aires ist eine Liebeserklärung an die beiden Städte, die ihn prägten. Paris, Buenos Aires. Two cities, two stories. Seen through the eyes of photographer Eric Mistler. On every double page, the book shows two photographs, one of each city and their people, telling stories of similarities or oppositions, and stimulating the reader’s imagination and curiosity. Paris Buenos Aires is a personal story of a double identity between two cultures, as Eric Mistler was born in Buenos Aires and soon after relocated to Paris, only to return to his native city in 2018, more than fifty years after leaving it. Paris Buenos Aires is a love letter to the two cities that made him.

Ausstellung | Exhibition: Eric Mistler – When you dream about Paris, 12.9–5.10.2019, Galerie Hélène Nougaro, Paris; Eric Mistler – When you dream about Buenos Aires, 4.11–16.11.2019, Patronage laïc Jules Vallès, Paris

Kunst im interkulturellen Dialog zwischen Europa und Asien Art in the intercultural Dialogue between Europe and Asia

Andreas Walther Vom Wandern im Offenen Texte von | Texts by: Lin Chi-Ming, Chen Kai-Huang, Johanna Liu, Renate Puvogel, Jens Rösler, Pan Xiao-Xue Gestaltung | Graphic design: anjinshan.net, Heuchelheim 24 ∞ 31 cm, 104 S. | pp., ca. | approx. 37 Abb. | ills., Hardcover Erscheint im Juli 2019 Will be published in July 2019 isbn 978-3-7356-0614-3 Deutsch | Chinese Ca. | approx. 5 35,– (D) chf 45,50

Vom Wandern im Offenen zeigt 20 Jahre der künstlerischen Arbeit von Andreas Walther sowie seine Mitgestaltung des interkulturellen Dialogs zwischen Europa und Ostasien. Ausgehend von Medienkunst und Medientheorie ist es insbesondere die daoistische Kultur, die den Künstler zu einem ganz eigenen Umgang mit der digitalen Fotografie inspiriert. Das Buch skizziert die Entwicklung seiner fotografischen Arbeiten seit 2010, seine ebenfalls vorgestellten Videoarbeiten reichen bis ins Jahr 2002 zurück. Vertiefende Betrachtungen namhafter Autoren aus Deutschland und Taiwan ergänzen die Publikation. Vom Wandern im Offenen (On Wandering in the Open) presents twenty years of the artistic work of Andreas Walther and his contribution to the design of the intercultural dialogue between Europe and East Asia. Based on media art and media theory, it is Daoist culture in particular that inspires the artist in his very personal handling of digital photography. The book outlines the development of his photographic works since 2010, while the video works of his that are also presented go back to 2002. In-depth considerations by renowned authors from Germany and Taiwan supplement the publication.

Ausstellung | Exhibition: Andreas Walther – vom hier und dort sein, 2018, Museum of Contemporary Arts, Taipei

Tokio: Eine Reise in Bildern Tokyo: A Journey in Images

Andreas R. Kremer Tension Texte von | Texts by: Andreas R. Kremer Gestaltung | Graphic design: Andreas R. Kremer 21 ∞ 29,7 cm, ca. | approx. 160 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im September 2019 Will be published in September 2019 isbn 978-3-7356-0623-5 English

Vorläufiges Cover | Preliminary cover

Ca. | approx. 5 40,– (D) chf 52,–

Auf seinen Reisen nach Tokyo waren die enormen gesellschaftlichen Gegensätze für den Fotografen Andreas R. Kremer eine besondere Herausforderung. Einfühlsam drückt seine Bildsprache sowohl das Staunen als auch den Respekt vor der fremden Kultur aus. Die Spannung von Intimität und Öffentlichkeit, Kontrolle und Exzess, Individuum und Masse leitet seinen Blick. Mit intuitivem Vertrauen auf das Unerwartete zeigt Kremer eine Welt der Bilder, lebendig, überraschend und sinnlich. In seiner vielschichtigen Dramaturgie wird das Buch zu einem eindrucksvollen Bekenntnis für die Offenheit gegenüber dem Anderen. On his trips to Tokyo, the huge social contrasts were a particular challenge for the photographer Andreas R. Kremer. His visual vocabulary sensitively expresses both amazement and respect for the foreign culture. The tension between intimacy and public display, control and excess, individual and mass guide his eye. Kremer presents a world of pictures—lively, surprising, and sensual—with intuitive trust in the unexpected. With his multilayered dramaturgy, the book becomes an impressive commitment to openness to the other.

CULTURE

Selbstbewusst und selbstbestimmt: Junges afrikanisches Design Self-reliant, Self-determined: Young African Design

Connecting Afro Futures Fashion ∞ Hair ∞ Design Herausgeber | Editor: Claudia Banz, Cornelia Lund, Beatrace Angut Oola, Kunstgewerbemuseum, Staatliche Museen zu Berlin, Preußischer Kulturbesitz Texte u. a. von | Texts among others by: Claudia Banz, Tamar Clarke-Brown & Isaac Kariuki, D. Denenge Duyst-Akpem, Nadine Hounkpatin, Jaqee, Cornelia Lund, Mwangi Hutter, Simon Njami, Mazzi Odu, Beatrace Angut Oola, Noliwe Rooks, Moses Serubiri, Cheikha Sigil, Jacqueline Shaw, Ken Aicha Sy Gestaltung | Graphic design: Charlene Janecek 21 ∞ 25 cm, ca. | approx. 132 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Softcover Erscheint im August 2019 Will be published in August 2019 isbn 978-3-7356-0615-0 Deutsch | English Ca. | approx. 5 30,– (D) chf 39,–

Connecting Afro Futures. Fashion ∞ Hair ∞ Design erscheint zur gleichnamigen Ausstellung im Kunstgewerbemuseum Berlin. Der Katalog nimmt die dort gezeigten Positionen aus den beiden Projekthubs in Dakar und Kampala auf und erweitert sie durch diskursive und visuelle Beiträge wie Essays, Interviews, Fotostrecken und Illustrationen. Mode und Haar im afrikanischen Kontext sowie die im Projekttitel aufgeworfene Frage der Afro Futures werden weniger aus ethnologischer Sicht, sondern vielmehr aus einer dekolonialen Perspektive auf globale Designentwicklungen diskutiert und visuell in Szene gesetzt. Connecting Afro Futures: Fashion ∞ Hair ∞ Design is published in connection with the eponymous exhibition at the Kunstgewerbemuseum in Berlin. The catalogue takes up the positions presented in it from the two project hubs in Dakar and Kampala and expands on them with discursive and visual contributions such as essays, interviews, photo spreads, and illustrations. Fashion and hair in the African context as well as the question of Afro Futures that is posed in the title of the project are discussed and staged visually not so Künstler u. a. | Artists among others: Bull Doff, Diana Ejaita, Meschac Gaba, José Hendo, Lamula Nassuna, Adama Paris. Ken Aicha Sy, Gloria Wavamunno

much from an ethnological perspective as from a decolonialized perspective on global developments in design.

Ausstellung | Exhibition: Connecting Afro Futures. Fashion ∞ Hair ∞ Design, 24.8.–1.12.2019, Kunstgewerbemuseum Berlin

Unnatürliche Tiere? Unnatural Animals?

Dieren op maat Design tussen mens en dier

Creatures Made to Measure Animals and Contemporary Design Herausgeber | Editor: Design Museum Gent und | and Tanja Seiner, Marta Herford gGmbH Texte von | Texts by: Evelien Bracke, Elio Caccavale, Katrien Laporte, Roland Nachtigäller, Richard Pell, Tanja Seiner Gestaltung | Graphic design: Johannes Tolk, Berlin 12,4 ∞ 19 cm, 208 S. | pp., 3 S/W- und 79 farb. Abb. | 3 b&w and 79 col. ills., Softcover isbn 978-3-7356-0604-4 Dutch | English 5 15,90 (D) chf 20,80

Künstler | Artists: Martin Avila, BLESS, Melanie Bonajo, Karin Borghouts, The Center for Genomic Gastronomy, Kurzgesagt – In a Nutshell, Center for PostNatural History, Marcus Coates, Thalia de Jong, Theo Deutinger, Aleksandra Domanović, Konstantin Grcic, Christine Herdin/Katharina Wahl, Marlene Huissoud, Max Kosoric/Sanne Pawelzyk, Silvia Knüppel, Kuang-Yi Ku, Dietrich Luft, Lisa Ma, Christien Meindertsma, Next Nature Network, Ana Rajcevic, Veronica Ranner, Peter Schäfer, Johanna Schmeer, Basse Stittgen, Susana Soares, Sputniko, ThreeASFOUR, Thomas Thwaites, Koen Vanmechelen, Marije Vogelzang, Pinar Yoldas Weitere erhältliche Publikationen Further available publications Kreaturen nach Maß Creatures Made to Measure isbn 978-3-7356-0528-3 5 15,90 (D) chf 21,–

Tiere sind seit jeher Begleiter des Menschen – ob als Nahrungsmittel, Arbeitskraft oder als soziale Gefährten. Während die Anzahl der Haustiere und Serviceangebote für Vierbeiner jährlich steigen, verschwinden „echte“ Tiere immer weiter aus dem Blickfeld. So können Tiere heute nahezu ganz nach der Vorstellung des Menschen optimiert werden: Sie entstehen im Labor, werden als Organspender gezüchtet und ihr Fleisch wächst in einer Petrischale heran. Wie verändern sich dadurch die gängigen Auffassungen von Tieren? Die Designer- und Künstler*innen der Publikation begeben sich auf die Suche nach dem „richtigen Maß“ der Gestaltung dieser Kreaturen. Dabei spielen sie Möglichkeiten der Mensch-Tier-Beziehung durch und entwerfen zugleich Szenarien einer anderen Zukunft. Animals have always been accompanied people—whether as food, labor, or social companions. While the number of house pets and services for four-legged animals are growing every year, “real” animals are increasingly disappearing from view. Today, animals can be optimized almost entirely based on the ideas of people: they are created in the laboratory, bred as organ donors, and their flesh grown in petri dishes. How are common perceptions of animals changing as a result? The designers and artists in the publication go on a search for the “right degree” in designing such creatures. They therefore run through the possibilities of the human-animal relationship and

Ausstellung | Exhibition: Creatures made to Measure. Animals and Contemporary Design, 17.5.–29.9.2019, Design Museum Gent

simultaneously through design scenarios for a different future.

Im letzten Augenblick: Die Rettung des Dias None too soon: Saving the Slide

Back to the Future Riding the Slide Carousel Im Karussell der Diakonservierung Herausgeber | Editor: Barbara Sommermeyer und | and Claartje van Haaften, Hamburger Kunsthalle Texte von | Texts by: Tiziana Caianiello, Lénia Oliveira Fernandes, Claartje van Haaften, Martina Haidvogl, Brigitte Kölle, Francesco Leonelli, Katrin Pietsch, Barbara Sommermeyer, Tina Weidner, Babette Marie Werner Gestaltung | Graphic design: Polina Bazir, Kerber Verlag 14,8 ∞ 21 cm, ca. | approx. 180 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Softcover Erscheint im September 2019 Will be published in September 2019 isbn 978-3-7356-0541-2 Deutsch | English

Vorläufiges Cover | Preliminary cover

Ca. | approx. 5 30,– (D) chf 39,–

Die analoge Dia-Technik steht kurz vor dem Aussterben. Von 2015 bis 2018 initiierten die Restauratorinnen und Restauratoren der Hamburger Kunsthalle deshalb ein Forschungsprojekt, das sich dem akuten Erhalt des Mediums sowie der vorausschauenden Konservierung zeitgenössischer Werke widmete. Ergänzt um vergleichende kuratorische und kunstwissenschaftliche Positionen stellt dieser hochaktuelle Band die Ergebnisse und Forschungsbeiträge vor und legt damit die erforderlichen Grundlagen für die zukünftige restauratorische Auseinandersetzung mit medialen, fotografischen und Dia-basierten Kunstwerken. Künstler | Artists: ANT Farm, Robert Barry, Lothar Baumgarten, Matthew Buckingham, Peter Fischli / David Weiss, Geert Goiris, Nan Goldin, Michaela Melián, Hilka Nordhausen, Anthony McCall, Otto Piene, Gerhard Rühm, Ross Sinclair, Michael Snow, Ger van Elk, Tris Vonna-Michell

The analogue slide technique is on the verge of extinction. From 2015 to 2018, the restorers at the Hamburger Kunsthalle thus conducted a research project dedicated to the urgent preservation of the medium and the forward-looking conservation of contemporary works. Supplemented with comparative curatorial and art-historical positions, this highly topical volume presents the results and research contributions and hence lays the foundations necessary for future restoration-related examination of media, photographic, and slidebased artworks.

Ausstellung | Exhibition: Ergebnisse des Diakonservierungsprojektes (2015–2018) und des Diakonservierungsworkshops (2018) der Hamburger Kunsthalle | Findings of the slide conservation project (2015–2018) and the slide conservation workshop (2018) at Hamburger Kunsthalle

BESTSELLER

Bauhaus and America

Bauhaus und die Fotografie

Grey is the New Pink

THE OPÉRA

Experiments in Light and Movement

Zum Neuen Sehen in der Gegenwartskunst

Momentaufnahmen des Alterns

Magazine for Classic & Contemporary Nude Photography – Volume VII

Hg. | ed. Hermann Arnhold

Bauhaus and Photography

240 ∞ 300 mm, 272 Seiten | pages, 309 Abbildungen | illustrations, Hardcover

On New Visions in Contemporary Art

Hg. | ed. Alice Pawlik, Weltkulturen Museum

Hg. | ed. Matthias Straub

Hg. | ed. Corina Gertz, Christoph Schaden, Kris Scholz

170 ∞ 230 mm, 240 Seiten | pages, 145 Abbildungen | illustrations, Softcover

240 ∞ 310 mm, 208 Seiten | pages, 191 Abbildungen | illustrations, Softcover

240 ∞ 310 mm, 264 Seiten | pages, 140 Abbildungen | illustrations, Hardcover

isbn 978-3-7356-0491-0 Deutsch

isbn 978-3-7356-0463-7 English

1 29,90 (D) chf 39,–

1 40,– (D) chf 52,–

isbn 978-3-7356-0511-5 English

1 55,– (D) chf 71,50

isbn 978-3-7356-0547-4 Deutsch | English 1 58,– (D) chf 75,40

Johannes Brus

Rebecca Sampson

Terje Nicolaisen

For Your Pleasure

Apples for Sale

No More Jokes

The Art of Being a World Culture Museum

Hg. | ed. Wolfgang Gmyrek und | and Clément Chéroux

Hg. | ed. Rebecca Sampson

Hg. | ed. Johanne Nordby Wernø

Futures and Lifeways of Ethnographic Museums in Contemporary Europe

220 ∞ 260 mm, 144 Seiten | pages, 92 Abbildungen | illustrations, Hardcover

205 ∞ 270 mm, 208 Seiten | pages, 198 Abbildungen | illustrations, Hardcover

Hg. | ed. Barbara Plankensteiner, Weltmuseum Wien

isbn 978-3-7356-0534-4 Deutsch | English

isbn 978-3-7356-0468-2 English | Norwegian

220 ∞ 297 mm, 240 Seiten | pages, 211 Abbildungen | illustrations, Hardcover

1 35,– (D) chf 45,50

1 38,– (D) chf 49,40

230 ∞ 280 mm, 128 Seiten | pages, 63 Abbildungen | illustrations, Softcover isbn 978-3-7356-0529-0 Deutsch | English | Français

1 40,– (D) chf 52,–

isbn 978-3-7356-0512-2 English

1 45,– (D) chf 58,50

Angekündigt – noch nicht erschienen Announced—not yet been published

Claudia Schmitz Invisyllables Bild | Luft | Linie

Paul Goesch „von zweifellos künstlerischem Wert“ – Paul Goesch und seine Werke zwischen Anstalt und Avantgarde

Die Künstlerfreundschaft zwischen Carlfriedrich Claus und Ilse und Pierre Garnier Briefwechsel 1963–1998

Hg. | ed. Patricia Feise-Mahnkopp, Thomas Röske

Hg. | ed. Frédéric Bußmann, Brigitta Milde, Kunstsammlungen Chemnitz

Erscheint im Sommer 2019 Will be published in Summer 2019

Erscheint im Juni 2019 Will be published in June 2019

170 ∞ 250 mm, ca. | approx. 192 Seiten | pages, Hardcover

240 ∞ 300 mm, ca. | approx. 260 Seiten | pages, Hardcover

isbn 978-3-7356-0466-8 Deutsch

isbn 978-3-7356-0573-3 Deutsch | Français

Ca. | approx. 1 35,– (D) chf 45,50

Ca. | approx. 1 48,– (D) chf 62,40

Henrik Placht Paintings and Bridgebuilding Travels from 2002–2019 Erscheint im Juni 2019 Will be published in June 2019 240 ∞ 300 mm, ca. | approx. 204 Seiten | pages, Hardcover isbn 978-3-7356-0570-2 English | Norwegian Ca. | approx. 1 35,– (D) chf 45,50

Angekündigt – noch nicht erschienen Announced— not yet been published

Von der Idee zur Form Domeau & Pérès. Dialoge zwischen Design und Handwerk Herausgeber | Editor: Katia Baudin, Kunstmuseen Krefeld Texte von | Texts by: Katia Baudin, Fabienne Bideaud, Michael Erlhoff, Oliver Reneau Gestaltung | Graphic design: Tino Graß, Köln 21 ∞ 24,5 cm, 180 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im Sommer 2019 Will be published in Summer 2019 isbn 978-3-7356-0545-0 Deutsch | Français 5 38,– (D) chf 49,40

Die Firma Domeau & Pérès ist weltweit bekannt für hochwertige Designer-Möbel in streng limitierter Auflage. Doch wie entstehen diese einzigartigen Stücke? Der Katalog Von der Idee zur Form lüftet das Geheimnis um die spannende Entstehungsgeschichte: Von der Skizze bis zur finalen Umsetzung gibt er einen umfassenden Einblick. Die Publikation zeigt eindrucksvoll, wie bei Bruno Domeau und Philippe Pérès handwerkliche Tradition und gestalterische Innovation zusammenkommen, um zeitgenössisches Design zu entwickeln. Sie haben mit vielen der bedeutendsten französischen Designern der letzten Jahrzehnte zusammengearbeitet, wie beispielsweise Ronan & Erwan Bouroullec, matali crasset oder Martin Szekely. Dadurch ist der Katalog auch ein Spiegel des französischen Designs der 1990er- und 2000er-Jahre. Domeau & Pérès is a company that known around the world for its high-quality designer Künstler | Artists: Bruno Domeau, Philippe Pérès, Ronan & Erwan Bouroullec, matali crasset, Eric Chevallier, Odile Decq, Jérôme Gauthier, Eric Jourdan, François Mangeol, Christophe Pillet, Elodie Descoubes und Laurent Nicolas, Martin Szekely, Michael Young, Sophie Taeuber-Arp Ausstellung | Exhibition: Von der Idee zur Form. Domeau & Pérès. Dialoge zwischen Design und Handwerk, 2018, Kaiser Wilhelm Museum, Krefeld

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furniture in extremely limited editions. But how are these unique pieces created? The catalogue From Idea to Form reveals the secret of the fascinating history of their development by providing a comprehensive look, from the sketch to the final execution. The publication impressively shows how craft tradition and design innovation come together in the work of Bruno Domeau and Philippe Pérès to create contemporary design. They have collaborated with many of the most important French designers of the past decades, for instance Ronan & Erwan Bouroullec, matali crasset, and Martin Szekely. The catalogue is hence also a mirror of the French design of the 1990s and 2000s.

Angekündigt – noch nicht erschienen Announced— not yet been published

Dale Grant Fading Beauty Texte von | Texts by: Jörn Jacob Rohwer Gestaltung | Graphic design: Mathias Lempart 22,5 ∞ 29 cm, ca. | approx. 120 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover Erscheint im Juni 2019 Will be published in June 2019 isbn 978-3-7356-0542-9 English Ca. | approx. 5 38,– (D) chf 49,40

In seiner Fotoserie Fading Beauty fängt Dale Grant die unverwechselbaren Züge ein, die Blumen während ihres Lebenszyklus zeigen. Alle Arten von Blumen scheinen sich zu Beginn ihres Lebens zu ähneln. Erst ab jenem Augenblick, in dem sie welken und vergehen, die Lebhaftigkeit ihrer Farben zurücktritt und ihre Blüten transparent werden, offenbaren sie ihre individuelle Schönheit. Dale Grant versteht seine „Blumenbilder“ als Porträts und regelrechte Charakterstudien, in denen er der Einzigartigkeit und dem beständigen Wandel des Lebens nachspürt. Dale Grant’s Fading Beauty is a collection of photographs capturing the distinctive features which flowers display during their life cycle. Flowers all begin life looking rather similar but it is at the moment when they begin to wither and after some time die, that their true individual beauty can be witnessed as the vivid colors of their petals eventually become transparent and muted in tone. Dale Grant sees his images of flowers as portraits and in this direction he sets out to explore life’s uniqueness and constant change.

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Neuerscheinungen Frühjahr 2019 New Publications Spring 2019

Reinhard Becker Irrawady. Lifeline for Myanmar Texte von | Texts by Reinhard Becker 350 ∞ 246 mm, 304 Seiten | pages, 288 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0496-5 English

1 78,– (D) chf 101,40

Backlist: www.kerberverlag.com

Alfred Schmela

Ina Gerken

zum 100. Geburtstag A Centenary Exhibition

Hg. | ed. Ina Gerken

Hg. | ed. Susanne Gaensheimer, Doris Krystof, Linda Walther

195 ∞ 255 mm, 200 Seiten | pages, 92 Abbildungen | illustrations, Hardcover

170 ∞ 240 mm, 80 Seiten | pages, 49 Abbildungen | illustrations, Softcover

isbn 978-3-7356-0531-3 Deutsch | English

isbn 978-3-7356-0546-7 Deutsch | English

1 40,– (D) chf 52,–

1 24,– (D) chf 31,–

Emeka Ogboh

Bauhaus und die Fotografie

Alle

Lagos Soundscapes

Zum Neuen Sehen in der Gegenwartskunst

Künstlerinnen und Künstler in der Overbeck-Gesellschaft Lübeck 1918–2018 Artists in the Overbeck-Gesellschaft Lübeck 1918–2018

Hg. | ed. Ugochukwu-Smooth C. Nzewi

Bauhaus and Photography

170 ∞ 240 mm, 216 Seiten | pages, 154 Abbildungen | illustrations, Hardcover

Hg. | ed. Corina Gertz, Christoph Schaden, Kris Scholz

Hg. | ed. Oliver Zybok

isbn 978-3-7356-0530-6 English | Français

240 ∞ 310 mm, 264 Seiten | pages, 140 Abbildungen | illustrations, Hardcover

240 ∞ 300 mm, 480 Seiten | pages, 467 Abbildungen | illustrations, Hardcover

isbn 978-3-7356-0547-4 Deutsch | English 1 58,– (D) chf 75,40

isbn 978-3-7356-0556-6 Deutsch | English

1 35,– (D) chf 45,50

On New Visions in Contemporary Art

1 68,– (D) chf 88,40

The World on Paper Hg. | ed. Deutsche Bank AG 200 ∞ 270 mm, 260 Seiten | pages, 222 Abbildungen | illustrations, Softcover isbn 978-3-7356-0516-0 Deutsch | English

1 40,– (D) chf 52,–

new publications spring 2019

2 Editions: Deutsch + English

George Grosz in Berlin Hg. | ed. Tobias Hoffmann, Ralph Jentsch

Haus Gropius || Zeitgenössisch Haus Gropius || Contemporary Hg. | ed. Claudia Perren und | and Alexia Pooth, Stiftung Bauhaus Dessau

220 ∞ 260 mm, 176 Seiten | pages, 161 Abbildungen | illustrations, Hardcover

210 ∞ 297 mm, 144 Seiten | pages, 166 Abbildungen | illustrations, Softcover

isbn 978-3-7356-0520-7 Deutsch | English

isbn 978-3-7356-0524-5 Deutsch

vergriffen | out of stock

isbn 978-3-7356-0525-2 English

1 35,– (D) chf 45,50

Bärenzwinger Berlin Spuren – Architekturen – Projektionen Traces—Architectures— Projections Hg. | ed. Ute Müller-Tischler, Sabine Weißler 170 ∞ 240 mm, 152 Seiten | pages, 56 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0563-4 Deutsch | English

1 30,– (D) chf 39,–

Helmut Middendorf Studio South

isbn 978-3-7356-0480-4 Deutsch | English

1 65,– (D) chf 84,50

Galerie Wedding Space for Contemporary Art Berlin Hg. | ed. Ute Müller, Fachbereich Kunst und Kultur, Galerie Wedding – Raum für zeitgenössische Kunst 170 ∞ 240 mm, 304 Seiten | pages, 164 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0579-5 English

1 30,– (D) chf 39,–

British Pop Art

Silvia Bächli

Uwe Hand

Meisterwerke massenhaft aus der Sammlung Heinz Beck

Shift

Maler | Painter

Hg. | ed. Kirsten Claudia Voigt, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe

Hg. | ed. Thomas Zapletal

Hg. | ed. Christine Vogt 220 ∞ 280 mm, 128 Seiten | pages, 176 Abbildungen | illustrations, Hardcover

245 ∞ 307 mm, 112 Seiten | pages, 110 Abbildungen | illustrations, Hardcover

isbn 978-3-7356-0568-9 Deutsch

isbn 978-3-7356-0575-7 Deutsch | English

1 39,95 (D) chf 52,–

1 40,– (D) chf 52,–

Hg. | ed. Kerber Verlag 240 ∞ 310 mm, 320 Seiten | pages, 272 Abbildungen | illustrations, Hardcover

Pow Up

240 ∞ 300 mm, 208 Seiten | pages, 144 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0577-1 Deutsch | English

1 45,– (D) chf 58,50

neuerscheinungen frühjahr 2019

1 40,– (D) chf 52,–

Gemalte Diagramme Bauhaus, Kunst und Infografik

Painted Diagrams Bauhaus, Art, and Infographics Hg. | ed. Theres Rohde, Simone Schimpf 230 ∞ 297 mm, 352 Seiten | pages, 243 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0553-5 Deutsch | English

Franz Radziwill

Capturing the Moment

Inszenierte Bildräume

BMCA Collection 2013–2018

Hg. | ed. Birgit Denizel, Franz Radziwill Gesellschaft e. V.

Hg. | ed. Xiaohui Guo

240 ∞ 210 mm, 88 Seiten | pages, 81 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0571-9 Deutsch

238 ∞ 285 mm, 264 Seiten | pages, 194 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0549-8 English | Chinese

1 45,– (D) chf 58,50

1 26,80 (D) chf 32,90

1 65,– (D) chf 84,50

Die Macht der Vervielfältigung O Poder da Multiplicação

Nele Gülck

Slater Bradley

Terje Nicolaisen

Der Baum des Paradieses The Tree of Paradise

Sundoor

No More Jokes

Texte von | Texts by Rachel Baum, Slater Bradley, John Major Jenkins

Hg. | ed. Johanne Nordby Wernø

Hg. | ed. Goethe-Institut

Texte von | Texts by Sabine Danek, Nele Gülck

180 ∞ 250 mm, 248 Seiten | pages, 79 Abbildungen | illustrations, Softcover

210 ∞ 266 mm, 96 Seiten | pages, 160 Abbildungen | illustrations, Softcover

isbn 978-3-7356-0552-8 Deutsch | Portuguese

isbn 978-3-7356-0551-1 Deutsch | English

1 40,– (D) chf 52,–

1 28,– (D) chf 36,40

165 ∞ 240 mm, 144 Seiten | pages, 89 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0526-9 English

1 40,– (D) chf 52,–

205 ∞ 270 mm, 208 Seiten | pages, 198 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0550-4 English | Norwegian

1 38,– (D) chf 49,40

new publications spring 2019

2 Editions: Deutsch + English

benandsebastian

Annedore Dietze

vorWand und entTäuschung

Department of Voids

Corpus

Hg. | ed. Martin Stather

Hg. | ed. benandsebastian (Ben Clement & Sebastian de la Cour)

Hg. | ed. Gisbert Portsmann

Armin Lindauer

Evert Thielen Hg. | ed. Dagmar Thielen

200 ∞ 250 mm, 112 Seiten | pages, 55 Abbildungen | illustrations, Softcover isbn 978-3-7356-0523-8 Deutsch | English

1 25,– (D) chf 32,50

210 ∞ 260 mm, 112 Seiten | pages, 72 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0564-1 Deutsch

1 35,– (D) chf 45,50

240 ∞ 310 mm, 232 Seiten | pages, 177 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0557-3 Deutsch isbn 978-3-7356-0576-4 English

1 60,– (D) chf 78,–

1 40,– (D) chf 52,–

Käthe Wenzel

Albert Hien

RaumBildung

Sebastian Heiner

Mixed Systems

Sculptura Poetica 1982–1990

Rainer Nummer, Werner Schlegel, Ernst Thevis

Moloch City

Hg. | ed. Käthe Wenzel

Hg. | ed. Walter Storms

190 ∞ 240 mm, 224 Seiten | pages, 72 Abbildungen | illustrations, Hardcover

210 ∞ 280 mm, 248 Seiten | pages, 84 Abbildungen | illustrations, Hardcover

isbn 978-3-7356-0522-1 Deutsch | English

isbn 978-3-7356-0517-7 Deutsch | English

1 40,– (D) chf 52,–

1 48,– (D) chf 62,40

227 ∞ 307 mm, 136 Seiten | pages, 88 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0527-6 Deutsch | English

1 36,– (D) chf 46,80

isbn 978-3-7356-0535-1 Deutsch

1 36,– (D) chf 46,80

neuerscheinungen frühjahr 2019

Alexander Nickl Mentagramm III Schiele, Eros und die Kunstmaschine KD-L47 Schiele, Eros and the Art Machine KD-L47 Hg. | ed. Neoprojektionstheater Wien 165 ∞ 240 mm, 200 Seiten | pages, 119 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0533-7 Deutsch | English | Japanese

Jutta Haeckel Matter and Illusion Hg. | ed. Gregor Jansen, Magdalena Kröner, Susanne Wedewer-Pampus 235 ∞ 284 mm, 80 Seiten | pages, 104 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0572-6 Deutsch | English

Dieter Huber

Dieter van Slooten

Paletten

2012–2017

Hg. | ed. Dieter Huber

Hg. | ed. Elke van Slooten

240 ∞ 240 mm, 144 Seiten | pages, 115 Abbildungen | illustrations, Hardcover

210 ∞ 297 mm, 104 Seiten | pages, 45 Abbildungen | illustrations, Hardcover

isbn 978-3-7356-0548-1 Deutsch | English

isbn 978-3-7356-0578-8 Deutsch | English

1 30,– (D) chf 39,–

1 36,– (D) chf 46,80

1 35,– (D) chf 45,50

5 28,– (D) chf 36,40

Rebecca Sampson

Axel Grünewald

Frank Gaudlitz

John Peter Askew

Apples for Sale

Bankett

Russian Times 1988–2018

Hg. | ed. Rebecca Sampson

Hg. | ed. Axel Grünewald

Hg. | ed. Alistair Robinson

220 ∞ 260 mm, 144 Seiten | pages, 92 Abbildungen | illustrations, Hardcover

250 ∞ 305 mm, 180 Seiten | pages, 92 Abbildungen | illustrations, Hardcover

Texte von | Texts by Svetlana Alexijewitsch, Igor Kroitzsch, Carmen Schliebe

isbn 978-3-7356-0534-4 Deutsch | English

isbn 978-3-7356-0532-0 Deutsch | English

1 35,– (D) chf 45,50

1 55,– (D) chf 71,50

250 ∞ 280 mm, 200 Seiten | pages, 94 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0562-7 Deutsch | English

1 45,– (D) chf 58,50

240 ∞ 168 mm, 384 Seiten | pages, 164 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0543-6 English

1 40,– (D) chf 52,–

new publications spring 2019

Frederik Pajunk Mitte des Lebens

Kelly Richardson Pillars of Dawn

Kabbalah

Kreaturen nach Maß Tiere und Gegenwartsdesign

Hg. | ed. Frederik Pajunk

Hg. | ed. Alistair Robinson

Hg. | ed. Domagoj Akrap, Klaus Davidowicz, Mirjam Knotter

Animals and Contemporary Design

235 ∞ 190 mm, 336 Seiten | pages, 132 Abbildungen | illustrations, Hardcover

216 ∞ 267 mm, 128 Seiten | pages, 30 Abbildungen | illustrations, Hardcover

210 ∞ 270 mm, 254 Seiten | pages, 188 Abbildungen | illustrations, Softcover

Hg. | ed. Tanja Seiner, Marta Herford gGmbH

isbn 978-3-7356-0515-3 Deutsch

isbn 978-3-7356-0544-3 English

isbn 978-3-7356-0518-4 Deutsch | English

1 40,– (D) chf 52,–

isbn 978-3-7356-0519-1 English | Dutch

124 ∞ 190 mm, 176 Seiten | pages, 82 Abbildungen | illustrations, Softcover

5 39,90 (D) chf 52,–

Creatures Made to Measure

isbn 978-3-7356-0528-3 Deutsch | English

1 15,90 (D) chf 20,80

Rolf H. Krauss

Love, Sweat and Tears The Years 2005–2011

Anna lehrt Maria das Lesen – Zum Annenkult um 1500

Unsere Geschichte

Ich sammle, also bin ich. Sammeln als Lebensentwurf Hg. | ed. Rolf H. Krauss

Hg. | ed. Christian Schiller, David Spaeth, Matthias Straub

Hg. | ed. Dagmar Preising, Michael Rief, Christine Vogt

170 ∞ 240 mm, 288 Seiten | pages, 84 Abbildungen | illustrations, Hardcover

165 ∞ 240 mm, 214 Seiten | pages, 268 Abbildungen | illustrations, Softcover

220 ∞ 280 mm, 128 Seiten | pages, 98 Abbildungen | illustrations, Hardcover

Hg. | ed. Stiftung Haus der Geschichte der Bundesrepublik Deutschland

isbn 978-3-7356-0554-2 Deutsch

isbn 978-3-7356-0567-2 Deutsch | English

isbn 978-3-7356-0569-6 Deutsch

1 32,– (D) chf 41,60

1 35,– (D) chf 45,50

Deutschland seit 1945

220 ∞ 258 mm, 368 Seiten | pages, 380 Abbildungen | illustrations, Hardcover isbn 978-3-7356-0536-8 Deutsch

1 39,90 (D) chf 52,–

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Max Beckmann und Berlin Max Beckmann and Berlin Herausgeber | Editor: Thomas Köhler und | and Stefanie Heckmann, Berlinische Galerie; Landesmuseum für Moderne Kunst, Fotografie und Architektur Texte von | Texts by: Barbara C. Buenger, Anna-Maria Heckmann, Stefanie Heckmann, Catherin KlingsöhrLeroy, Thomas Köhler, Janina Nentwig, Nina Peter, Olaf Peters, Barbara Werr, Dirk Weilemann, Stephan von Wiese, Kurt Winkler, Christiane Zeiller Gestaltung | Graphic design: Lilla Hinrichs, Anna Sartorius e o t . essays on typography, Berlin 23 ∞ 27 cm, 280 S. | pp., 17 S/W- und 137 farb. Abb. | 17 b&w and 137 col. ills., Softcover isbn 978-3-7356-0142-1 Deutsch isbn 978-3-7356-0143-8 English 5 44,90 (D)

5 22,– (D)

Vorliegend wird erstmalig die Bedeutung Berlins für die Kunst Max Beckmanns thematisiert. Beckmann profilierte sich als junger Künstler vor dem Ersten Weltkrieg von 1904 bis 1914 in Berlin und lebte noch einmal von 1933 bis 1937 nach der Machtübernahme der Nationalsozialisten bis zu seiner Emigration nach Amsterdam in der Stadt. Aber auch in seinen Frankfurter Jahren, von 1915 bis 1933, reiste er oft in die Stadt und prägte die Kunstszene Berlins entscheidend mit. Der Katalog spiegelt den Stand der Beckmann-Forschung zum Thema wider und versammelt Werke des Künstlers, die in Berlin entstanden, die inhaltlich mit der Stadt verknüpft sind oder die in großen Ausstellungen in Berlin vertreten waren. This is the first time that Max Beckmann’s work has been examined in relation to Berlin, and its significance for his art. He lived there as a young artist, between 1904 and 1914, and again between 1933 and 1937, only emigrating to Amsterdam when the Nazis seized power. During his Frankfurt years, between 1915 and 1933, he often travelled to Berlin and was part of its Art Scene, which he helped to form. This catalogue represents the latest research into Beckmann and features numerous important works of his, which were either created in Berlin, or are connected to the city through their subject, or were shown in major Berlin exhibitions.

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Mel Ramos Catalogue Raisonné der Bilder Catalogue Raisonné of the Paintings 1953–2015 Herausgeber | Editor: Thomas Levy Texte von | Texts by: Belinda Grace Gardner Gestaltung | Graphic design: Claas Möller, claasbooks.de, Hamburg 24 ∞ 31 cm, 320 S. | pp., 58 S/W- und 615 farb. Abb. | 58 b&w and 615 col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0283-1 Deutsch isbn 978-3-7356-0284-8 English 5 44,95 (D)

5 25,– (D)

Anfang der 1960er-Jahre wendet sich Mel Ramos dem zentralen Thema seines Schaffens zu und entwickelt die für ihn so bezeichnende Bildsprache: Nackte Damen dekoriert auf überdimensionalen Werbeartikeln bevölkern seine bunten, flächigen Ölbilder. Damit arbeitet Mel Ramos auf zweifacher Ebene, denn seine Werke sind Ausformulierungen einer erotischen Fantasie, die ein grundlegendes Werberaster für Marketingstrategien darstellt. Diese Publikation verzeichnet erstmalig Mel Ramos' malerisches Gesamtwerk von den ersten Arbeiten in den 1950er-Jahren bis heute und veranschaulicht damit seine bleibende Position in der Pop-Art. At the beginning of the 1960s, Mel Ramos devoted himself to the central theme in his oeuvre, and developed the visual vocabulary that is so very characteristic for him: naked women adorning oversize advertising articles populate his colorful, two-dimensional oil paintings. Mel Ramos thus works with double entendre, since his works are formulations of an erotic fantasy that represents a fundamental pattern of marketing strategies in advertising. This publication records Mel Ramos´s entire painterly oeuvre, from the first works in the 1950s until today, hence demonstrating his enduring position in Pop Art.

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Ferdinand Hodler Maler der frühen Moderne Herausgeber | Editor: Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland GmbH, Bonn Texte von | Texts by: Monika Brunner, Christina Feilchenfeldt, Thomas Gaethgens, Sandra Gianfreda, Laurent Langer, Franz Müller, Viola Radlach, Rein Wolfs 24,5 ∞ 28 cm, 256 S. | pp., 24 S/W- und 179 farb. Abb. | 24 b&w and 179 col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0398-2 Deutsch 5 44,95 (D)

5 25,– (D)

Ferdinand Hodler (1853–1918) zählt zu den bedeutendsten Schweizer Künstlern des frühen 20. Jahrhunderts. Innerhalb des Symbolismus und des Jugendstils entwickelte er einen unverwechselbaren Stil. Die Ausstellung Ferdinand Hodler. Maler der frühen Moderne in der Bundeskunsthalle ist seit fast 20 Jahren die erste umfangreiche Werkschau in Deutschland und findet in Kooperation mit dem Kunstmuseum Bern statt. Mit rund 100 Gemälden erlaubt die Schau einen Einblick in das Schaffen des Künstlers an der Schwelle zur Moderne. Hodlers Tendenz zum Ornament und die formalen Wiederholungen galten unter zeitgenössischen Kritikern als neuartig. Die begleitende Publikation zeigt das künstlerische Spektrum dieses Ausnahmekünstlers. Ferdinand Hodler (1853–1918) is among the most important Swiss artists of the early twentieth century. He developed an unmistakable style within Symbolism and Art Nouveau. The exhibition Ferdinand Hodler: Early Modern Painter at the Bundeskunsthalle is the first extensive presentation of his works in Germany in nearly twenty years and is taking place in cooperation with the Kunstmuseum Bern. The exhibition provides insight into the artist’s work on the threshold of the modernism with around one hundred paintings. Hodler’s penchant for ornament and formal repetition were considered novel among contemporary artists. The accompanying publication presents the artistic spectrum of this exceptional artist.

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5 14,– (D)

Die Serie Maîtresse des britischen Pop-Art-Künstlers Allen Jones hat ihren Ursprung in einem 1976 entstandenen Gemälde, das Jones für ein Filmplakat zum gleichnamigen und kontrovers diskutierten Film von Barbet Schroeder über eine verführerische in Leder gekleidete Domina schuf. In vielfacher Ausführung und im Spiel mit Posen, Farben und Raum hat sich das Motiv der Maîtresse bis 2015 zu einer eigenständigen Werkgruppe in Jones’ Œuvre entwickelt. Der Katalog versammelt großformatige Arbeiten auf Leinwand, Zeichnungen, Studien auf Papier, eine neu entstandene Siebdruckserie, ein skulpturales Werk sowie Archivmaterial. The Maîtresse series by the British Pop artist Allen Jones has its origins in a painting that Jones created in 1976 for a film poster for Barbet Schroeder’s eponymous and controversially debated film about a seductive, leather-clad dominatrix. In the years until 2015, the Maîtresse motif developed—in various executions and in play with poses, colors, and space—into a self-contained group of works within Jones’s oeuvre. The catalogue brings together large-format works on canvas, drawings, studies on paper, a newly created silkscreen series, a sculptural work, as well as archival material.

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Bernini Erfinder des barocken Rom Herausgeber | Editor: Museum der bildenden Künste Leipzig Texte von | Texts by: Giovanni Morello, Sebastian Schütze, Jeannette Stoschek, Barbara Jatta, Tod Marder Gestaltung | Graphic design: Harald Richter, Hamburg 23 ∞ 28 cm, 368 S. | pp., 12 S/W- und 277 farb. Abb. | 12 b&w and 277 col. ills., Hardcover isbn 978-3-7356-0001-1 Deutsch 5 65,– (D)

5 32,– (D)

Gian Lorenzo Bernini (1598–1680), tätig unter sechs Päpsten, wurde zu Lebzeiten als Bildhauer, Architekt, Maler, Autor, Theaterregisseur und als äußerst begabter Zeichner geschätzt. Sein langjähriges Wirken als Erfinder und Gestalter des barocken Rom war vorbildhaft für die Entwicklung der Barockkunst in ganz Europa. Gut 200 Zeichnungen Berninis und seiner Werkstatt sind im Besitz des Museums der bildenden Künste Leipzig. In der Ausstellung und im begleitenden Katalog werden die Leipziger Bestände zusammen mit wichtigen Exponaten aus dem In- und Ausland präsentiert – die facettenreiche Bandbreite des zeichnerischen Œuvre Berninis wird auf diese Weise eindrucksvoll nachvollziehbar. Gian Lorenzo Bernini (1598–1680), who served under six popes, was highly esteemed during his lifetime as a sculptor, architect, painter, author, stage director and exceptionally gifted draughtsman. His many years of work as an inventor and designer of the Roman Baroque were exemplary for the development of Baroque art throughout Europe. A good two hundred drawings by Bernini and his studio are in the possession of the Museum der bildenden Künste in Leipzig. The exhibition and accompanying catalogue present the Leipzig inventory together with important exhibits both domestic and foreign, thereby rendering the multi-faceted range of Bernini’s drawn works impressively comprehensible.

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Cornelia Schleime Ein Wimpernschlag A Blink of an Eye Herausgeber | Editor: Thomas Köhler, Stefanie Heckmann Texte von | Texts by: Stefanie Heckmann, Thomas Köhler, Claus Löser, Annelie Lütgens, Kim Mildebrath Gestaltung | Graphic design: e o t . Hinrichs + Sartorius GbR 23 ∞ 27 cm, 156 S. | pp., 28 S/W- und 124 farb. Abb. | 28 b&w and 124 col. ills., Softcover isbn 978-3-7356-0293-0 Deutsch | English 5 35,– (D)

5 18,– (D)

Cornelia Schleime (* 1953) erhält 2016 den Hannah-Höch-Preis des Landes Berlin für ihr Lebenswerk, verbunden mit einer Retrospektive in der Berlinischen Galerie. Ausstellung und Katalog geben Einblicke in ihr Schaffen von den 1980er Jahren bis heute. Die Künstlerin gehörte während des Studiums in Dresden einer jungen Kunstszene an, die sich als Gegenbewegung zur offiziellen Kunstdoktrin der DDR formierte. Nach mehreren Ausreiseanträgen siedelte die Künstlerin 1984 von Ost- nach West-Berlin über. Bekannt geworden ist die Künstlerin in den 1990er Jahren mit großformatigen Gemälden, Porträts und Figurenbildern, die sie bis heute beständig weiterentwickelt, sowie mit Zeichnungen und Aquarellen. In 2016, Cornelia Schleime (*1953) received the Hannah-Höch-Preis of the State of Berlin for her life’s work, connected with a retrospective at the Berlinische Galerie. The exhibition and catalogue provide insights into her work from the nineteen-eighties until today. During her studies in Dresden, the artist was part of a young art scene that formed as a countermovement to the official art doctrine of East Germany. After several applications to emigrate, the artist moved from East to West Berlin in 1984. She became known in the nineteen-nineties with large-format paintings, portraits, and figure paintings, which she continuously develops further until today, as well as with drawings and watercolors.

Collector’s Editions Um unser umfangreiches Angebot an limitierten und signierten Editionen angemessen präsentieren zu können, finden Sie diese in einem eigenen Programmheft. In order to present our extensive array of limited and signed editions we’ve created a special, exclusive catalogue, which will give you the opportunity to acquire unique editions that have been produced in close collaboration with the artists. www.kerber-collectors-edition.com

New Collector’s Editions Andre Butzer Ohne Titel #1, #2, 2019 Offset-Lithografie auf Hahnemühle Bütten | offset lithograph on Hahnemühle 300 g, 100 ∞ 71 cm Auflage | Edition: 1/25–25/25, nummeriert, signiert und datiert | numbered, signed and dated 5 1.800,– chf 2.340,– (ungerahmt | unframed) 5 2.450,– chf 3.185,– (gerahmt | framed)

Werner Berges Auch mal so, 2019 Middlesex: Auch Affentheater, 2019 Offset-Lithografie auf | offsetLithograph on Hahnemühle FineArt Museum Etching 300 g, 25 ∞ 20 cm Auflage | Edition: 1/100–100/100 + 10 a. p., nummeriert, signiert und datiert | numbered, signed and dated 5 120,– chf 156,–

Ausschließlich über den Verlag bestellbar Order directly via the publisher 97

Judy Millar The Rainbow Loop, 2012 Acryl auf Papier | acrylic on paper, 29,7 ∞ 41,7 cm Auflage | Edition: 80, nummeriert, signiert und datiert | numbered, signed, and dated 5 190,– chf 247,– K. H. Hödicke Offset-Lithografie | Offset-Lithograph, 21 ∞ 29 cm Auflage | Edition: 50 + 5 a.p., nummeriert, signiert und datiert | numbered, signed, and dated 5 550,– chf 715,–

James White Indoor Nature II, 2011 Offset, partiell UV-lackiert auf | partially UV-coated on Galaxi Keramik 300 g, 50 ∞ 50 cm Auflage | Edition: 1/30–30/30 + 5 a. p., nummeriert, signiert und datiert | numbered, signed and dated 5 800,– chf 1040,– (ungerahmt | unframed) 5 1100,– chf 1430,– (gerahmt | framed)

Henning Strassburger Shore Break, 2015 Offset-Lithografie auf | Offset-Lithograph on Hahnemühle Photo Canvas 320 g, 26,7 ∞ 20 cm Auflage | Edition: 1/8–8/8 + 2 a. p., nummeriert, signiert und datiert | numbered, signed, and dated 5 350,– chf 429,80 (ungerahmt | unframed)

Julius von Bismarck Landscape Painting (Desert), 2015 Fine Art Print, 24 ∞ 24 cm Auflage | Edition: 1/20–20/20 + 5 a. p., nummeriert und signiert | numbered and signed 5 550,– chf 675,40 (ungerahmt | unframed) 5 800,– chf 1.040,– (gerahmt | framed)

backlist

Bildnachweis | Image Credits

2–3 Peter Knoch Tierläufer (Walk-Around Characters), 2016, Installation, Mixed Media, Form und Größe variabel | form and dimensions variable, Foto | photo: Lukas Stiller 4 Cindy Sherman Untitled #123, 1983, © Stefan Altenburger / courtesy of the artist and Metro Pictures, New York / Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin, Friedrich Christian Flick Collection 6–7 Mitra Tabrizian Film stills, 2018, C photographic prints, je | each 152 ∞ 122 cm, © Mitra Tabrizian / VG Bild-Kunst, Bonn 2019 8–9 Peter Knoch Stonewall Inn, 2006, Installation, Mixed Media, Form und Größe variabel | form and dimensions variable, Foto | photo: Uwe Boek Schwarzer Wald (Black Forest), 2010/11, Installation aus ca. 60 Skulpturen, Keramik glasiert und Sand | installation of approximately 60 sculptures, glazed ceramics, sand, Foto | photo: Dennis Kuhlow 10–11 Christopher Williams, Clockwise from manufacturer (…) (lightbox), 2017, Außenansicht Haus 12 | outside house 12, Foto | photo: Ludger Paffrath Werkstatt Haus 4 | house 4 Lackiercentrum Berlin Lichtenberg, Foto | photo: Ludger Paffrath 12–13 Ulrich Wüst Berlin, 1985, © Ulrich Wüst und | and Loock Galerie, Berlin Karl-Marx-Stadt, 1984, © Ulrich Wüst und | and Loock Galerie, Berlin Berlin, 1983, from Stadtwanderung, © Ulrich Wüst und | and Loock Galerie, Berlin 14–15 Paco Knöller Aufwachraum, Detail, 2017, Bleistift und Kugelschreiber auf Papier | pencil and pen on paper, 30 ∞ 35 cm, © Kupferstichkabinett Staatliche Museen zu Berlin Der See, 2004, Bleistift und Farbstift auf Papier | pencil and colored pencil on paper, 25 ∞ 35 cm, © National-Bank Sammlung

16 Ernst Ludwig Kirchner Berliner Straßenszene, 1914, Pastellkreiden und Kohle auf beigem geripptem Büttenpapier | pastel chalks and charcoal on beige ribbed handmade paper, 67,7 ∞ 50,3 cm, © Städel Museum, Frankfurt am Main 18 André Butzer Ohne Titel | Untitled, 2017, Aquarell auf Papier | watercolor on paper, 255 ∞ 151,5 cm, © André Butzer, courtesy of Nino Mier Gallery, Los Angeles Ohne Titel | Untitled, 2019, Acryl auf Papier | acrylic on paper, 71 ∞ 56 cm, © André Butzer, courtesy of Nino Mier Gallery, Los Angeles Ohne Titel | Untitled, 2017, Acryl auf Papier | acrylic on paper, 15,5 ∞ 24 cm, © André Butzer, courtesy of Nino Mier Gallery, Los Angeles Ohne Titel | Untitled, 2011, Aquarell und Bleistift auf Papier | watercolor and pencil on paper, 30 ∞ 42 cm, © André Butzer, courtesy of Nino Mier Gallery, Los Angeles Ohne Titel | Untitled (Verloren), 2003, Kugelschreiber auf Papier | pen on paper, 23,5 ∞ 20 cm, © André Butzer, courtesy of Nino Mier Gallery, Los Angeles 20–21 Sunil Sigdel The Kali-Odalisque, 2017, Acryl auf Leinwand | acrylic on canvas, je | each 120 ∞ 90 cm (Triptychon | triptych), © Sunil Sigdel Sanjeev Maharjan From Kathmandu. Different Time Different Place, 2014, © Sanjeev Maharjan Gopal Kalapremi Shrestha 2017, Keramik | ceramics, © Gopal Kalapremi Shrestha Manish Harijan Peace Owners II, 2015, Acryl auf Leinwand | acrylic on canvas, 100 ∞ 173 cm, © Manish Harijan, courtesy of Prithivi Bahadur Pande 22–23 Cardine dresses, haute couture collection, 1968, Archives Pierre Cardin Cocktailkleider mit konischen Brüsten | cocktail dresses with conical breasts, 1966, Archives Pierre Cardin 26–27 Raul Walch The Sceptical Chemist, Andalusia, 2018 Video still, video 15:02 Min.

100

28–29 Robert Indiana Love, 1966–98, polychromes Aluminium | polychrome aluminium, 243,8 ∞ 243,8 ∞ 121,9 cm, collection Albright-Knox Art Gallery, © The Buffalo Fine Arts Academy Meteor, 2000, Gesso, Öl, Holz und Eisen auf Holz | gesso, oil, wood, and iron on wood, 40,6 ∞ 62,2 ∞ 35,6 cm, Privatbesitz | private collection, © The Buffalo Fine Arts Academy 30 M + M Panic Room, 2019, Pergamonmuseum, Installationsansicht | installation view, Foto | photo: Heinrich Hermes 31 Raul Walch Spherical Semaphore, Wolfgangsee, Austria, 2018, Textilfarbe auf Segeltuch | textile color on sailcloth 32–33 Guido van der Werve Number twelve, 2012, 18 ∞ 32 cm, courtesy Studio Guido van der Werve Number fourteen, 2012, 18 ∞ 32 cm, courtesy Studio Guido van der Werve Number fourteen, home, 2012, Kirche des Heiligen Kreuzes in Warschau, Polen | Church of the Holy Cross in Warsaw, Poland, courtesy Studio Guido van der Werve 34 René Hüls Industrie 4.0, 2009, Metall, Holz, Kunstoff, Beamer, Video-Loop, Elektrik | metal, wood, plastic, video projector, video loop, electrical system, 183 ∞ 34 ∞ 37 cm 35

Sebastian Neeb

The Blue Sausage ..., 2018, Öl und Autolack auf Holz, geschnitzte Birnen und Nussholzwürste teils farbig gefasst, Mahagonirahmen | oil and car paint on wood, carved pears and walnut sausages, partly colored, mahogany frames, 80 ∞ 53 ∞ 5 cm, © Sebastian Neeb 36–37 Thibaut Henz Ohne Titel | Untitled, Violette, 2018, Print, 70 ∞ 50 cm, © Thibaut Henz Karimah Ashadu Red Gold (woman scoops), 2016, HD-Video, 18 Min., © Karimah Ashadu Cemile Sahin Center Shift #0.3, Detail, 2018, Prolog einer fünfteiligen Mini-Serie | prologue of a five-part mini-series, HD-Video, 16 Min., © Cemile Sahin

38 Sylvie Ringer Dog Days, 2018, Kohle, Blei, Ölpastell, Tusche, Farbstifte auf Papier | charcoal, lead, oil pastel, ink, coloured pencils on paper, 46 ∞ 61 cm 39 Anna Leonhardt Architecture Dream, 2019, Öl auf Leinwand | oil on canvas, 129,5 ∞ 101,6 cm, courtesy of the artist and MARC STRAUS Gallery 40–41 Daniel Hausig Paradies № 4, 2016, Farbdiapositiv hinterleuchtet | color slide backlit, 123 ∞ 88 cm, © Daniel Hausig / VG Bild-Kunst, Bonn 2019 Unterwegs № 1, 2015, Farbdiapositiv hinterleuchtet | color slide backlit, 70 ∞ 100 cm, © Daniel Hausig / VG Bild-Kunst, Bonn 2019 Neonflex № 3, 2013, Farbdiapositiv hinterleuchtet | color slide backlit, 88 ∞ 123 cm, © Daniel Hausig / VG Bild-Kunst, Bonn 2019 42–43 Chantal Michel Die Töchter vom Aeschenried, 2010, Fotografie hinter Plexiglas, Auflage 3 | photography behind Plexiglas, edition 3, 130 ∞ 97 cm, © Chantal Michel Leo Caillard Hipster in Stone XII, 2017, art print, 120 ∞ 180 cm, © Leo Caillard 45 Petra Sterry Ohne Titel | Untitled, 2010, Tusche auf Papier | ink on paper, 200 ∞ 152 cm, © Petra Sterry 46–47 Sean Scully Eleuthera, 2017, Öl auf Aluminium | oil on aluminium, 215,9 ∞ 190,5 cm, © Sean Scully Eleuthera, 2017, Öl auf Aluminium | oil on aluminium, 215,9 ∞ 190,5 cm, © Sean Scully 48 Allen Jones Rehearsal, 2007, Siebdruck | silkscreen, 183 ∞ 104 cm, © Allen Jones Yours (Between the Sheets series), 2007, Farblithografie, 82 ∞ 65 cm, © Allen Jones 51 Heribert Heere Garten der Lüste, 2011, Öl auf Leinwand | oil on canvas, 80 ∞ 80 cm 52 Herbert Golser Nicht ohne Stütze, 2019, Birnholz | wood, 36 ∞ 20 ∞ 175 cm, Foto | photo: Stefan Zenzmayer

backlist

53 Asmund Havsteen-Mikkelsen Channeling Forces, 2018, Öl auf Leinwand | oil on canvas, 132 ∞ 96 cm, © Asmund HavsteenMikkelsen 54–55 Tom Brecht Ohne Titel | Untitled, 1992, Mischtechnik auf Holz | mixed media on wood, 60 ∞ 60 cm, © Künstlerhaus Lydda Schanna Saranzew Ohne Titel | Untitled, 2018, Öl auf Nessel | oil on nettle, 100 ∞ 100 cm, © Künstlerhaus Lydda Edith Zagefka Wohnhaus, 1983, Lackfarben auf Sperrholz | lacquer on plywood, 50 ∞ 50 cm, © Künstlerhaus Lydda 56 Doug Fogelson Forms and Records BW, 2014–2015, SilbergelatineFotogramm | silver gelatin photogram, 51 ∞ 41 cm, © Doug Fogelson 57 Malereikonkrethochdrei Installationsansicht | installation view, Foto | photo: Holger Kube Ventura 58–59

Tim Mitchell

Aus der Serie | from the series Clothing Recycled, 2004–13, C-Print, © Tim Mitchell 60–61 Jérôme Havre, Cauleen Smith und | and Camille Turner Triangle Trade, 2017, Video Still, © Jérôme Havre, Cauleen Smith und | and Camille Turner Elisabeth Belliveau Still Life aus der Serie | from the series Itoshima, 2017, Video Still, © Elisabeth Belliveau 62 Tim Mitchell Aus der Serie | from the series Fashion Week, 2005, C-Print, © Tim Mitchell Aus der Serie | from the series Fashion Week, 2004, C-Print, © Tim Mitchell 63 Lu Yang Delusional Mandala, 2015, Einkanal-Video | single-channel video, 16:27 Min., © Lu Yang & Société 64–65

66–67 Anja Putensen Ohne Titel | Untitled, 2015–2018, © Anja Putensen 69 Florian Schwarz Hernán, back in daylight, 2016, Pigmentdruck | archival pigmentprint, 60 ∞ 90 cm, © Florian Schwarz 70–71

72 Andreas Walther Unbenannt #1, 2015, Pigmenttinte, Velvet Fine Art Papier, Schutzlack, MDF-Platte | pigmented ink, Velvet Fine Art paper, protective varnish, MDF board, 53 ∞ 80 cm, © VG Bild-Kunst, Bonn 2019 73 Andreas R. Kremer Tension, 2019, © Andreas R. Kremer 74–75 Gerhard Rühm Bleistiftmusik, 1980, Detail, Teile des Kunstwerks bei der Dokumentation auf einem Leuchttisch | parts of the artwork during documentation on a light table, © Gerhard Rühm, Hamburger Kunsthalle, Foto | photo: Claartje van Haaften 76–77 Lamula Andersson Fro Dress, Kollektion | collection Enviri, © Magic Owen Adama Paris © Warner Fury 82 Sofa au mètre (nach Maß) von Éric Chevallier und fünf Siebdrucke der Mappe Metastabile Kompositionen (1963, Slg. Kunstmuseen Krefeld) von Günter Fruhtrunk in der Ausstellung Von der Idee zur Form. Domeau & Pérès: Dialoge zwischen Design und Handwerk, Kaiser Wilhelm Museum Krefeld | Sofa au mètre (custommade) by Éric Chevallier and five serigraphies of Metastable Compositions (1963, Coll. Kunstmuseum Krefeld) by Günter Fruhtrunk in the exhibition From Idea to Form. Domeau & Pérès: Dialogues between Design and Craft, Kaiser Wilhelm Museum Krefeld, 2018, Foto | photo: Volker Döhne 83 Dale Grant Untitled, 2018, © Dale Grant

Foto | photos: Janina Wick

101

Paris

VERANSTALTUNGEN | EVENTS Wir sind auf folgenden Veranstaltungen vertreten: We are at the following events: Athens Photo Festival Beijing International Book Fair Peking BuchQuartier, Wien Frankfurter Buchmesse London Book Fair Paris Photo Unseen, Amsterdam

Frankfurt

Amsterdam

k Fran

furt

Paris

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102102

Amsterdam

SOCIAL MEDIA COMMUNITY-AKTIONEN UND GEWINNSPIELE AUF COMMUNITY ASSIGNEMENTS AND GIVEAWAYS ON

Verzeichnis | Content

100 Jahre Bauhaus ars viva 2020 Ashadu, Karimah Back to the Future Berges, Werner Bismarck, Julius von Butzer, André Cao, Fei Cardin, Pierre Comeback Connecting Afro Futures

24 36–37 36–37 79 50, 97 99 18–19, 97 63 22–23 42–43 76–77

Leonhardt, Anna Local Histories Lu, Yang M+M Malereikonkrethochdrei Micro Era Millar, Judy Mistler, Eric Mitchell, Tim MOMENTA Biennale de l’image

30 57 63 98 70–71 62 60–61

Neeb, Sebastian Nepal Art Now

35 20–21 66–67

Dieren op maat / Creatures made to measure

Putensen, Anja

Ein Stück Bauhaus Eriksson, August

56 68

Ramos, Mel Ringer, Sylvie

FAHRBEREITSCHAFT Fang, Di

10–11 63

Golser, Herbert Große Realistik & Große Abstraktion

52 16–17

Hausig, Daniel Havsteen-Mikkelsen, Asmund Heere, Heribert Henz, Thibaut Hödicke, K. H. Hüls, René

40–41 53 51 36–37 98 34

In the Cut Indiana, Robert

49 28–29

Jones, Allen Knoch, Peter Knöller, Paco Kremer, Andreas R. Künstlerhaus Lydda

48 8–9 14–15 73 54–55

39 4–5 63

Sahin, Cemile Schwarz, Florian Scully, Sean Sterry, Petra Stiftung Bauhaus Dessau Strassburger, Henning Tabrizian, Mitra Vlaming, Miriam Walch, Raul Walther, Andreas Werve, Guido van der White, James Wick, Janina Wüst, Ulrich Zhang, Peili

98 38 36–37 69 46–47 45 25 99 6–7 44 31 72 32–33 99 64–65 12–13 63

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backlist

Auslieferungen und Vertretungen | Distributors and Representatives

Auslieferung international (außer Schweiz und USA) Distributors international (except Switzerland and USA) Koch, Neff & Oetinger Verlagsauslieferung GmbH Sabine Riemann Industriestraße 23 D-70565 Stuttgart Tel. 0049 (0) 711 / 789 920 10 Fax 0049 (0) 711 / 789 910 10 www.kno-va.de Kerber-Verlag@kno-va.de USA, Lateinamerika | Latin America ARTBOOK | D. A. P. 75 Broad Street, Suite 630 New York, NY 10004 Tel. 001 / 212 / 627 19 99 Fax 001 / 212 / 627 94 84 elizabethg@dapinc.com Schweiz | Switzerland Scheidegger & Co. AG Obere Bahnhofstrasse 10 A CH-8910 Affoltern am Albis Tel. 0041 (0) 44 / 762 42 41 Fax 0041 (0) 44 / 762 42 49 u.wetli@scheidegger-buecher.ch

Barsortimente Retail book trade Koch, Ne¤ & Volckmar GmbH Industriestraße 23 D-70565 Stuttgart (Vaihingen) Tel. 0049 (0) 711 / 78 60 0 Fax 0049 (0) 711 / 78 92 201 vertrieb@knv.de Libri GmbH Friedensallee 273 D-22763 Hamburg Tel. 0049 (0) 40 / 8 53 98 0 Fax 0049 (0) 40 / 8 53 98 78 02 libri@libri.de Barsortiment Könemann Vertriebs GmbH Friedensallee 273 D-22763 Hamburg Tel. 0049 (0) 23 31 / 62 58 0 Fax 0049 (0) 23 31 / 62 58 222 mail@koenemann-bs.de Umbreit Barsortiment Mundelsheimer Straße 3 D-74321 Bietigheim-Bissingen Tel. 0049 (0) 71 42 / 5 96 0 Fax 0049 (0) 71 42 / 5 96 200 info@umbreit.de

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