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Carrara
MAGNIFICAT 路 ONDANOMALA Suite per bicicletta e orchestra VIVALDI. IN MEMORIAM
Orchestre Symphonique et Lyrique de Nancy Flavio Emilio Scogna conductor Carlo Guaitoli piano
Listener’s Guide Commissioned by the Emilia Romagna Festival, Magnificat was originally written for pedal piano and orchestra, and was premiered in Forlì on 13 September 2011. It starts in a remarkable fashion, with a feeling of suspension and intimacy that suggests prayer. Gentle and slightly Oriental in style, the sound gradually swells to herald the entry of the piano, played by the highly gifted Carlo Guaitoli. The return to the earlier, elusive undulation is then accompanied by the piano, initially joining in with the otherworldly atmosphere, and then preparing the way for more decisive sound. Mary’s words in praising the Lord during Elisabeth’s visit (from St. Luke’s Gospel) are evoked with deep-felt devotion in passages that are full of light and beauty, through to the powerful finale that ends the work like a warm spiritual embrace. Vivaldi. In memoriam was commissioned by the Maggio Musicale Fiorentino and was first performed on 13 November 2014. As the title suggests, it is a homage to Vivaldi, whose Sinfonia al Santo Sepolcro is the cornerstone on which Carrara has built his composition. With great originality he has worked on the ethereal, mystical atmosphere that Vivaldi captured in his score, with its sense of discontinued time and suspended breath. As Carrara himself relates in the notes that accompanied the premiere of the work, in writing for a typically baroque ensemble, his aim was to maintain the transparency of Vivaldi’s work and to transform the musical idiom freely, without distorting its content. While the overall mood remains diaphanous, certain instrumental traits soon come to the fore. Thus the sense of mysticism surrounding the sight of the Holy Sepulchre is accompanied by indications of the material nature of human experience that is both physical and spatial. These two aspects lead to a meditation on life and death that creates a musical bridge between the past (Vivaldi) and the present, because bygone time is part of the present, and our hic et nunc perceptions are but a tiny fragment of absolute time. Ondanomala (Strange Wave). Vajont 13 October 1963 was commissioned by the Teatro Lirico in Trieste as part of the 60-year commemoration of the Vajont tragedy, 2
when a dam burst in mountainous northeast Italy, unleashing a torrent of that flooded down onto the villages below killing 1,917 people. The work was premiered on 22 November 2013. Carrara’s father came from Vajont, and the music expresses intense emotional participation, more a narration of an experience than the description of a fact. With its focus on the mystery of events provoked by hostile nature, the piece embodies pain, despair and emotional involvement. The approach to the tragedy is religious, in the etymological sense of the term: in other words, the conviction that there is something that transcends man, his rationality and desire to prevail. The work is imbued with latent anxiety, an apprehension that the orchestra sometimes controls with detachment, and on other occasions surrenders to in impulsive waves of participation. In both situations, the masterful orchestration allows the music to recall an enigma, hide a secret, celebrate a prayer that invokes, implores, beseeches, questions: all of them emotional realities that Carrara’s refined, elegantly woven musical tapestry expresses with heartfelt participation. Suite per bicicletta e orchestra consists of four parts: Paesaggi, Pianure, Altezze and Traguardi. The suite is the fruit of a commission by the Orchestra Regionale Toscana for the 2013 UCI Road World Championships, the major international cycling event that centred that year on Florence. In fact the premiere performance took place on 26 November of that year. Although the work was originally conceived as a show comprising music, text and archive images of legendary cyclists, obviously the CD only records the music, which comes across as more decisive than in the earlier version from the point of view of melody, timbre and especially rhythm. The first movement evokes sweeping, serene views and landscapes, while the gentle, harmonious interweaving of sound of the second movement suggests the broad expanse of plain and heath. A deeply moving melody accompanies the transfiguration leading to the third section, in which the peaks of sound grow more dramatic in a succession of rapid figures that bring to mind the physical efforts of cyclists. As the sound of the instruments grows more shrill and brilliant, the listener almost has the 3
feeling of physically taking part in the competition, urged on by the vibrancy and energy that goad the riders to the finishing post. This ultimate goal is emphasized by music of great expressive eloquence, skilfully composed and impeccably orchestrated to create a work of great feeling. Carrara is a particularly gifted musician who seems to compose with great freedom and ease. His works are misleadingly simple, however, because they actually embody many highly refined ideas and solutions within an almost tonal universe. Occasional references to English music, especially Britten, come to the fore, along with echoes of the mystical composers of eastern Europe (Pärt), and of post-Minimalism (Adams). Diverse though these elements may be, Carrara manages to unite them within the flow of a melody that clearly belongs to the Italian tradition, thereby achieving a brilliantly handled stream of sound that embraces elegy and spiritual evocation. Last but not least, a word about performance. To interpret music is to take part in a multifaceted hermeneutic act involving cultural and analytical elements, and the sensibility of the individual musician and his or her particular ability to communicate. In this case all these various elements come together in practically ideal terms, because Flavio Emilio Scogna himself was a highly expressive, refined composer in his own right, before he decided to focus exclusively on his brilliant career as a conductor, rather as Boulez did before him. This is a sad loss, but also a fortunate gain. Scogna’s interpretation is elegant and profound, revealing skills and sensibilities that emerge with particular clarity in contemporary music. Because the music of our own times is less familiar to audiences, it requires great confidence and technical ability to communicate its deeply meaning messages. And this is precisely what happens here, in performances that border on perfection. Š Renzo Cresti Translation: Kate Singleton
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Guida all’ascolto Magnificat è nato da una commissione dell’Emilia Romagna Festival, fu scritto originariamente per pedal piano e orchestra ed eseguito in prima assoluta a Forlì il 13 settembre 2011. L’inizio è straordinario, suggestivamente sospeso e raccolto come dev’essere una forma di preghiera; una dolcezza di suoni, vagamente orientaleggiante, conduce a un crescendo che prepara l’entrata del piano del bravo e sensibilissimo Carlo Guaitoli; presto si ritorna all’ondeggiare vago e anche il piano si raccorda a questo clima celestiale per poi sollecitare altre sonorità più decise; le parole dette da Maria in lode del Signore, durante la visita a Elisabetta (dal Vangelo di Luca) sono qui evocate con commossa affettuosità, con momenti luminosissimi, di bellezza soave, fino al più vigoroso finale che conclude come un forte abbraccio spirituale. Vivaldi. In memoriam è una commissione del Maggio Musicale Fiorentino, prima esecuzione 13 novembre 2014; come dice il titolo, è un omaggio a Vivaldi, del quale Carrara riprende la Sinfonia al Santo Sepolcro e la rilegge con originalità; la Sinfonia è un lavoro etereo, mistico, che svela l’innata capacità di Vivaldi di fermare il tempo, quasi sospendendo il respiro, Carrara – come lui stesso dice nelle note di presentazione alla prima del brano - si è affidato alla trasparenza di questa partitura, mantenendo un organico tipicamente barocco, e trasformando liberamente il materiale musicale, senza forzarne le intenzioni. Al clima impalpabile vanno ad aggiungersi alcune profilature strumentali; attraverso un tessuto sonoro diafano la musica esprime un sentimento mistico, come conviene alla visione del Santo Sepolcro, ma all’eterea trascendenza si affianca la corporeità secolare, al tempo spazializzato quello fisico e pratico, due aspetti dell’umano vivere che portano a una meditazione sulla vita e sulla morte, che, anche musicalmente, si pone tra il passato (Vivaldi) e il contemporaneo, perché il tempo trascorso fa comunque parte di quello attuale e quello del presente storico è una piccola fetta del tempo dell’assoluto. Ondanomala (Strange Wave). Vajont 13 Ottobre 1936 è una commissione del Lirico di Trieste, in occasione dei 60 anni dalla tragedia del Vajont, prima esecuzione 5
22 novembre 2013. Il padre di Carrara proviene dal Vajont e nella musica si avverte la partecipazione emotiva, infatti, il brano è il racconto di un’esperienza piuttosto che la descrizione di un fatto, è un vagare nel mistero di un evento provocato da una natura matrigna, per questo la musica ha accenti dolorosi, oscuri e commossi. L’approccio alla tragedia è religioso, nel senso etimologico del termine ossia nel percepire che c’è qualcosa che oltrepassa l’uomo, la sua razionalità e volontà di dominio; vi è un’ansia sotto pelle che percorre tutto il brano, un’apprensione che l’orchestra a volte controlla con signorile atteggiamento, mentre altre volte si lascia andare a momenti più impulsivi e, in entrambe le situazioni, l’orchestrazione è magistrale. La musica richiama un enigma, nasconde un segreto, celebra una preghiera che invoca, implora, supplica, domanda, tutti momenti emozionali che il raffinato tessuto sonoro, elegantemente costruito da Carrara, mostra con complicità passionale. Suite per bicicletta e orchestra si suddivide in quattro parti: Paesaggi, Pianure, Altezze, Traguardi; si tratta di una suite nata da una commissione dell’Orchestra Regionale della Toscana per i campionati mondiali di ciclismo che si sono disputati a Firenze nel 2013 (prima esecuzione 26 novembre di quell’anno); in origine era uno spettacolo composto da musica, testo ed immagini storiche dei miti del ciclismo, ovviamente nel cd si ascolta la sola musica, la quale ha un tratto più deciso rispetto ai brani precedenti sia nella profilatura melodica sia in quella timbrica e soprattutto ritmica. Nel primo movimento i suoni si aprono all’enunciazione di scenari e panorami, larghi e sereni; l’intreccio dei parametri musicali è morbido, armonicamente disteso come le pianure del secondo brano, musicalmente una struggente melodia accompagna le trasfigurazioni dell’orchestra verso la terza sezione, le cui altezze costringono i suoni a diventare più concitati, un susseguirsi di figure scattanti richiamano l’agitazione fisica dei corridori, mentre la sonorità degli strumenti diventa squillante e dorata, partecipando emotivamente al loro affanno, come per sostenerli e sospingerli con la forza delle vibrazioni sonore, un’energia che 6
permette loro di giungere al traguardo – non senza fatica si giunge al fine! – la meta è giustamente sottolineata da una musica di grande eloquenza espressiva, sempre sapientemente costruita e con un’orchestrazione impeccabile, sorretta da un pathos delicato che diventa cifra stilistica. È una musica molto libera quella di Carrara che dimostra una strabiliante facilità di scrittura, apparentemente semplice ma raffinata e con sottili geometrie interne, in un ambito para-tonale; con qualche riferimento alla musica anglosassone (Britten) e a quella mistica dell’Europa dell’est (Pärt), ma anche al post-Minimalismo (Adams), riuscendo a unirli con la melodia della tradizione italiana, ottenendo un flusso sonoro visionario, ora elegiaco ora evocativo ora spirituale, sempre ben fatto. Un’ultima parola sulla qualità dell’esecuzione. Interpretare la musica è un atto ermeneutico che mette in gioco molti aspetti, da quelli culturali a quelli analitici, da quelli legati alla sensibilità dell’interprete alla sua capacità di comunicazione, ebbene, tutti questi aspetti risultano qui di altissimo pregio, raffinati e profondi, del resto Flavio Emilio Scogna è stato un compositore elegante ed espressivo, in anni recenti non scrive più, e se ne sente la mancanza, perché molto preso dalla sua magnifica attività di direttore, compiendo un percorso simile a quello di Boulez; la capacità di lettura e la reattività del gesto si percepiscono molto bene e sono doti essenziali sempre ma a maggior ragione per la musica contemporanea, la quale, essendo meno conosciuta, ha bisogno di sicurezze tecnico-formali e di una trasmissione del messaggio intensamente significativa, come avviene in queste perfette esecuzioni. © Renzo Cresti
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A Note on Cristian Carrara The American musicologist Richard Taruskin notoriously wrote that “The nice thing about an ism, someone once observed, is how quickly it became a wasm,” waggishly applying the remark to the atonal and serial twentiethcentury music that, as he would have it, survives only through the largesse of universities. The various isms of contemporary music—primitivism, serialism, neoclassicism, minimalism— were less terms that composers slavishly imposed upon their music than they were convenient labels allowing music historians, above all, to make some imperfect sense of a turbulent century of creativity. The utility of such terms quickly breaks down, however, when one is confronted with a composer who refuses the Procrustean bed the music historian makes for their music. Individuals like Rachmaninoff, Strauss, Britten, Shostakovich, and Meredith Monk are all examples, and it’s not surprising that historians have a hard time, in particular, when teaching their work in the classroom. Cristian Carrara (b. 1977) is another such composer. His earlier work Mater (2009) reminded me sometimes of 1940s Tippett, sometimes of Arvo Pärt; Federico Capitoni dubbed Carrara’s music a return to “simple clarity, which had been driven back under the wrong dictate of the avant garde.” Yes, in part. Like a number of the composers I mentioned above, his music has a lyrical, almost spontaneous quality 8
that eludes conventional analysis. The charming Suite per bicicletta e orchestra, an extract from a programmatic symphony commissioned to celebrate the World Cycling Championship, is the best example on this release. In the advent of such music, one must finally suspend the hopeless act of hasty classification and trust one’s feelings instead. By contrast, the 2011 Magnificat: Meditation for Pedal Piano and Orchestra, strikes a more hieratic tone. But more recent works like Vivaldi: In Memoriam (2014) and Ondanomala, Vajont 9 Ottobre 1963 (both included on this disc) explore darker expressive terrain with a concomitant employment of more complex harmonies and melodies. The lyrical heart of Carrara’s music remains, though, and the colorful orchestration and heartfelt energy of his music is perfectly conveyed here with the stunning playing of the Orchestre Symphonique et Lyrique de Nancy and its conductor, Flavio Emilio Scogna. In short, this music is moving and exalted; it makes me want to hear it again and again. A key to the effortless expansion in Carrara’s work may be found in the language of modern cinema, an art to which he has contributed. With film, we can see anything, from any perspective; time may slow down or speed up, and the seemingly accidental may wrest the story toward a new conclusion—but in the best films, what finally matters most is the expressiveness of the characters, the audience’s capacity to care about them. So it is, too, in the musical worlds of Cristian Carrara: no ism or manifesto—only ongoing, surprising, unforgettable experience. © Rob Haskins
Cristian Carrara. Qualche considerazione. E’ nota l’affermazione del musicologo americano Richard Taruskin secondo cui “La cosa divertente di un –ismo, qualcuno una volta ha osservato, è la velocità con la quale lo stesso termine diventa obsoleto”, riferendosi scherzosamente alla 9
musica atonale e seriale del 21° secolo che, come voleva intendere, sopravvive solo grazie alla lungimiranza delle università. I vari ‘-ismi’ della musica contemporanea – primitivismo, serialismo, neoclassicismo, minimalismo – erano non tanto termini imposti pedissequamente dai compositori alla loro musica, quanto comode etichette con le quali gli storici della musica conferirono un significato impreciso a un secolo di tumultuosa creatività. L’utilità di tali termini decade rapidamente, tuttavia, quando ci si confronta con un compositore che rifiuta il letto di Procuste che gli storici della musica hanno creato per la sua musica. Personalità come Rachmaninoff, Strauss, Britten, Shostakovich, e Meredith Monk ne sono esempio, e non sorprende che gli storici abbiano difficoltà, in particolar modo, a insegnare in classe le loro opere. Cristian Carrara (1977) è un altro di questi compositori. Mater (2009), una sua precedente composizione, mi ricorda qualcosa del Tippett degli anni ’40, e qualcosa di Arvo Pärt; Federico Capitoni ha individuato nella musica di Carrara un ritorno a una “semplice chiarezza, che il fraintendimento del dettato avanguardistico aveva occultato”. Ciò è vero, ma solo in parte. Come diversi tra i compositori sopra menzionati, la sua musica ha una qualità lirica, quasi spontanea, che elude le analisi convenzionali. L’incantevole Suite per bicicletta e orchestra, estratta da una sinfonia a programma commissionata per celebrare i Mondiali di Ciclismo, è il migliore esempio di questo genere. Con l’avvento di una simile musica, si dovrebbe in conclusione sospendere l’azione disperata di una classificazione frettolosa e confidare invece nel proprio sentire. Al contrario, Magnificat: Meditation for Pedal Piano and Orchestra (2011), colpisce per la sua maggiore ieraticità. Composizioni più recenti come Vivaldi: in memoriam (2014) e Ondanomala, Vajont 9 Ottobre 1963 (entrambe presenti in questo disco) esplorano territori espressivi più oscuri con un concomitante uso di armonie e melodie più complesse. Resta tuttavia il cuore lirico della musica di Carrara, e l’orchestrazione dalle tinte vivaci e l’energia sincera della sua musica sono qui perfettamente veicolate dalla 10
splendida esecuzione dell’Orchestre Symphonique et Lyrique de Nancy e del suo direttore, Flavio Emilio Scogna. In breve, è una musica toccante ed elevata; non smetterei mai di ascoltarla. Una chiave di lettura della naturale espansione nell’opera di Carrara può essere individuata nel linguaggio del cinema moderno, un’arte a cui egli ha contribuito. In un film, possiamo vedere ogni cosa da qualsiasi prospettiva: il tempo può rallentare o accelerare, e ciò che è apparentemente accidentale può traghettare la storia verso una inattesa conclusione – ma nei migliori films, ciò che conta di più è la capacità espressiva dei personaggi, la capacità del pubblico di interessarsi a loro. E’ quello che avviene, anche, nei mondi musicali di Cristian Carrara: nessun –ismo e nessun manifesto, solo una continua, sorprendente, indimenticabile esperienza. © Rob Haskins
Flavio Emilio Scogna was culturally and musically formed in the cities of Genoa, Bologna and Rome where he studied conducting and composition. He achieved his degree in Music at the University of Bologna. In 1982/83 he studied conducting with Franco Ferrara and from 1984 to 1988 he collaborated with Luciano Berio. Scogna’s works are performed in the most prestigious places (Accademia Nazionale di S.Cecilia, Teatro Comunale di Firenze, Centre Pompidou in Paris, Konzerthaus in Vienna, Auditorium Nacional in Madrid, Teatro dell’Opera di Roma) and they are recorded on RCA, BMG Ariola as well as broadcasted by the major european radios and televisions (RAI, 11
BC, RNE, BRT, Radio France amongst the others). In 1998 he represented the RAI television network at the Prix Italia, with the radio work “L’Arpa Magica” based on a text by E. Sanguineti. He has given lectures and seminars regarding his own compositions, in Europe and in several colleges in the United States. In October 2002 Flavio Emilio Scogna successfully conducted “La memoria perduta” (directed by PierAlli), work commissioned by the Rome Opera House. Besides being a composer, from 1990 he is an international acclaimed Orchestra Conductor both in the classical and operatic repertoire (He has revalued important classics and has often edited them personally, such as Pergolesi, Boccherini and Rossini), in the twentieth century and contemporary repertoire with a very large number of premieres (he is now considered one of the most popular conductors between tha major living composers) and in the historic twentieth century (Satie and Rota, for whom he pressed the first global record of the work “I due timidi”). He directed some of the most important international symphonic orchestras such as the Kiev Philharmonic Orchestra, the Rai Symphonic Orchestra, the RTVE Symphony Orchestra, the Rome Opera House Orchestra, the Hungarian State Symphonic Orchestra, the Raanana Sinfonietta of Israel, the Icelandic Symphonic Orchestra, the Orchestre Philharmonique de Nice, the Orchestre Symphonique et Lyrique de Nancy, the Pomeriggi Musicali di Milano Orchestra, the Sicilian Symphonic Orchestra, the Filarmonica Toscanini Orchestra and the National Academy Orchestra of Santa Cecilia, as well as internationally acclaimed ensembles such as Alternance in Paris, The Accademia Bizantina, Circulo in Madrid and the Ensemble Strumentale Scaligero. In 1995 he directed the opening concert for the celebration of the centenary of the International Music Festival of the Biennale di Venezia. From 1999 he conducts the Cantelli Orchestra and the Symphonic Orchestra of Italy in Milan for the concerts of the music festival NovecentoMusica with Luigi Pestalozza as artistic director. Flavio Emilio Scogna’s discography is very rich and comprises recordings for BMG (RCA Red Seal), Brilliant Classic, Curci, RicordiMediastore, FonitCetra, Dynamic, 12
Tactus and Bongiovanni. His CD recording of Schnittke’s works (Dymanic S 2030) gained the highest rating (10) given by the magazine Répertoire in the year 2000. From 2006 to 2009 he is conductor of the Ensemble Contemporaneo of the National Academy of Santa Cecilia and in 2009 he is Principal Conductor of the Bari’s Symphony Orchestra. In 2013 he received the Vittorio De Sica award (Premio De Sica) for Classical Music, award bestowned also to Abbado, Berio and Muti in the past years
Orchestre Symphonique et Lyrique de Nancy Founded on 27 June 1884, what was originally the Orchestre du Conservatoire de Nancy became the independent Orchestre Symphonique et Lyrique de Nancy in 1979, with a double focus on both symphonic music and opera. Since then, apart from international tours in Italy and Bulgaria, the orchestra has accompanied eminent soloists such as Christian Zaccharias, Bruno Léonard Gelber, Montserrat Caballe, Gundula Janowitz, Salvatore Accardo, Natalia Gutman, Alicia de Larrocha, Brigitte Engerer, and worked under the baton of conductors of the calibre of Woldemar Nelsson, Manuel Rosenthal, Stephan Kovacevitch, Armin Jordan, Heinz Wallberg, Louis Langrée, Evelino Pido, Christian Arming, Juraj Valcuha and Kirill Karabits. In September 1999, Sebastian Lang-Lessing was appointed musical director of the orchestra, a post he held through to 1 September 2006, when Paolo Olmi took over, conducting the orchestra through to 2010. Tito Muñoz was appointed chief conductor from 2011 to 2013, and Rani Calderon became the first guest conductor for the 201415 season. For the 2015-16 season Rani Calderon is the new Music Director.
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Carlo Guaitoli studied at the Conservatoire in Verona and at the Accademia Nazionale di S. Cecilia in Rome under Loretta Turci and Sergio Perticaroli. While still very young he made a name for himself in international piano competitions such as “A. Casagrande” in Terni, “F. Busoni” in Bolzano, “A. Rubinstein” in Tel Aviv, the “International Music Competition of Japan” in Tokyo, the “Unisa International Music Competition” in Pretoria, the “Cidade do Porto International Piano Competition” in Portugal. His concert career has taken him throughout Europe and to Japan, China, the USA, Canada, Israel and South Africa, with guest appearances in important theatres and music festivals such as the Auditorium Parco della Musica and the Istituzione Universitaria dei Concerti in Rome, the Società dei Concerti in Milan, the Teatro Ponchielli in Cremona, the Teatro Politeama in Palermo, the Teatro Filarmonica in Versona, the Teatro Valli in Reggio Emilia, the Teatro Regio in Turin, the Ruhr Piano Festival, the Teatro Real in Madrid, the Edmonton Music Festival, the Tokyo Metropolitan Hall, the Tokyo Kioi Hall, the Osaka Ikeda Civic Hall, Sapporo Sun Plaza, Hiroshima Music Hall, the Mann Auditorium in Tel Aviv, Linder Auditorium in Johannesburg, Cape Town City Hall, Beijing Concert Hall. He performs as a soloist with the Israel Philharmonic Orchestra, the Concertgebouw Chamber Orchestra, Tokyo Symphony Orchestra, Johannesburg Philharmonic Orchestra, Cape Town Philharmonic Orchestra, Edmonton Symphony Orchestra, the Stuttgart Philharmonic, Orchestra Sinfonica Siciliana, Orchestra Sinfonica Abruzzese, Orchestra di Padova 14
e del Veneto. With the Israel Chamber Orchestra he played the Mozart Double Concerto on tour with the Hungarian pianist Tamás Vásáry. In 2009 he debuted in China at the Beijing Concert Hall, in 2011 at the Accademia Nazionale di Santa Cecilia in Rome, and in 2012 at the Festival Pianistico Internazionale di Brescia e Bergamo, where he played the premiere performance of Carlo Boccadoro’s Seconda Sonata, which is dedicated to him. He also plays with soloists and chamber ensembles such as the Russian cellist Alexander Kniazev, the Quartetto d’archi della Scala, the Quintetto Bibiena and Nuovo Quartetto Italiano. He has recorded for Sony Music and EMI, and for the past two decades has worked closely with Franco Battiato, taking part in recordings and concerts throughout the world both as a pianist and as the conductor of orchestras such as the Royal Philharmonic and the English Chamber Orchestra. He teaches Piano at the Istituto Superiore di Studi Musicali “G. Briccialdi” in Terni, holds master classes in Japan, Canada and South Africa, and works regularly with New York University and Showa University in Tokyo. He is a member of the artistic committee of the “A. Casagrande” International Piano Competition in Terni.
Recording: 23-24 October 2014, Nancy, France Recorded by: Davide Corsato Mastering, engineer and editing: Matteo Costa Publisher: Casa Musicale Sonzogno, Milano Cover Image: Cristiano Crescenzi p & © 2015 Brilliant Classics
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