KOOSS MAGAZINE SEPTIEMBRE 2020 (Versión en Español) by KOOSS MAGAZINE

FW2021

DISSE M BLE EVE N THOUGH

S N A P

it hurts

KOOSS Magazine 02 Print edition -- - - 00-09-2020

IS H

Print edition -- -- 00,09,2020

iSSUe 02 www.koossmagazine.com

CEO

Manuel Sanchdell & Judith Moreno

Desde

2016

EDITOR Manuel Sanchdell

REDACCIÓN

María Muñoz - Cristina Sardón - Alexandra Xanló - Ana Pérez Ana Laura Oliveira - Marta MaroTo - Hristiyana Ivova - Rebeca Doménech Marta Alberca - Iris Mogollón - Paola González - Nuria Bernardos

TRADUCCIÓN

Camila Belén Hilale Paola Giordani

COLABORA Samretouch

www.samretouch.com

Contact info@koossmagazine.com

GRACIAS

Nuria Sánchez Susana Montilla

@KOOSSMAGAZINE

KO O S S M A G A Z I N E

ILUSTRACIÓN - - - Por Ana Regina

samretouch POST PRODUCTION IMAGE www.sam retouch.com

samretouch www.sam retouch.com

ONLINE

www.koossmagazine.com

ONLINE

Escribo versos para destrozar palabras que jodieron mi estancia en el balcón de tus pestañas. Que cada lágrima se haga poema para que riegue de poesía tus mejillas sonrojadas. Hablar de éxito es hablar de volar sobre tu mismo ego escupiendo corazones desde el sol explotando contra el cielo. Busqué la libertad encerrando a mis mil pájaros con mis mil doscientos miedos, lucharon hasta morir, ¿y quién ganó? mis dos mil doscientos retos. Las flores de mi arcoíris están viviendo una película de color en blanco y negro, sueño realidad con pinceladas de amor y sexo en una pildorita mojadita en el veneno caducado por los celos. Creo por crearme, inventar para inventarme, las metáforas de tu envidia al tocarme se convierten en café para activarme. Dar paz entre fusiles de palabras, pido dos manos de perdones, un abrazo en la distancia, los amigos siempre están y no por no hablar se marchan. el corazón como baúl de recuerdos que me calman y te calman, ábrelo cuando me hagas, te haga falta. Siempre estaré para el que supo abrazar sin pedir nada por ayudarme a nadar en esta pecera de pirañas folclóricas que amenazan y no muerden por miedo a tener un poco de

MAGIA @MANUE LSANCH DE LL

ratando de ser uno mismo y esquivando mil miedos, puedo decir que estoy contento por seguir en este proyecto. Que año más extraño, parece un combate entre la realidad y la ciencia ficción. Mis mejores profesores siguen siendo los errores y esos pequeños grandes comentarios que a pesar de todo siguen haciendo daño. Sé que voy a perder muchas cosas y me da miedo pensarlo, pero supongo que irá cicatrizando. No puedo cargar con los pesos de otros cuentos ni sentirme culpable por querer vivir a mi manera. No soy un gigante del sector, llegué de casualidad y por curiosidad me muevo en este mundo de pájaros que creen volar limpio dejando el paisaje lleno de cagadas tan gordas como las mías. Muchas veces no soy claro con mi entorno ni conmigo mismo, intento dar de mi todo lo que puedo para construir y crear para divertirme, porque competir me resta. Este número lo he creado por gusto y con la ayuda de un equipo de redactoras muy implicadas para que salga adelante. Estaba deseando sacarlo y veo mil quinientos fallos que me encantan, ¿o acaso las pipas del pan de las hamburguesas estan perfectamente alineadas?. A comer se ha dicho. No, la revista no da aún frutos económicos. No da dinero, hago esta revista desde un rincón de mi casa hasta que dan las once de la noche y me pongo una serie o una película en Netflix. Gestionar todo esto es mucho y a veces el caos me rodea de tal manera que algunas cositas se me escapan. SORRY. Cierro diciendo que este año va a ser jodido para todos, estemos con gente o solos, en Madrid o en Bali, con trabajo o sin trabajo nos está tocando vivir algo... cómo lo diría, una puta mierda de situación. Ahora más que nunca tenemos que consumir arte, teatro y cine, pintad y escuchad música porque es lo único que realmente nos da la vida.

Hártate de arte hasta que vomites tu mejor versión

Manuel Sanchdell CEO KOOSS MAGAZINE

APE RITIVO

TANIA

MAFILITO

ANA REGINA

Veo el diseño como una herramienta de comunicación.

Me inspira la vida, el amor, la naturaleza, la moda y las mujeres

FEDERICA BUCCI

Entrevista a la artista fotógrafa

CARLA LÓPEZ ART

MAKSIM SAMSONOV Creando historias mágicas

RICHARD RAMOS

BAKER

MAGNETISMO INTIMISTA

Entrevista al fotógrafo “La belleza se siente, se agarra a tus huesos”

4 photographers Shoot one model

Disfruta la experiencia de 4 disparos diferentes sobre una modelo

Tania Mafilito Soy Tania Mafilito, tengo 25 años de edad y nací en Maracaibo Venezuela.

Me inspira la vida, el amor, la naturaleza, la moda y las mujeres. Crecí rodeada de mujeres luchadoras y aprendí mucho de ellas. Me gusta expresarme, realmente pinto lo que siento en el momento, tristeza, amor, alegría, nostalgia etc... Es por eso que mis cuadros se ven siempre con un mood distinto pero conservan la misma esencia.

Desde niña he sentido atracción por el arte en todas sus expresiones.

Pinto mujeres, son personajes de mi imaginación. Me gusta representarlas a ellas en entornos distintos, con distintos sentimientos.

Estudié comunicación social, mención audiovisual en la universidad Rafael Belloso Chacín (URBE) en Maracaibo. Allí aprendí sobre fotografía, cine, televisión, radio y muchas cosas más. Modelo desde los 16 años y actualmente soy instructora de Modelaje y Expresión Corporal a través de la plataforma @modelupgeneration

vivir desde el amor y con pasión.

Tengo una fascinación por los ojos porque creo que comunican mucho. Para mí representan honestidad, sólo basta una mirada para entenderlo todo. Mi meta con el arte es inspirar a muchas personas a través del amor, pero sobre todo, inspirar a muchas mujeres que hoy en día reprimen sus sentimientos por miedo al que dirán.

Siempre me ha gustado pintar, fue mi madre quien me enseñó a hacerlo, aunque era Médico, también era muy buena creando maravillas con las manos.

Sentir, llorar, amar y extrañar es natural. Una mujer triste no es menos mujer, pero una mujer que no tiene miedo a expresar lo que siente, lo ha alcanzado todo.

Ella falleció hace dos años de cáncer y me atrevo a decir, que fue por reprimir sus sentimientos... Con su partida, entendí que la vida se vive sin reservas, que hay que hacer lo que amas, disfrutar de cada cosa, hasta de lo más sencillo, que por supuesto hay que

--- ---- - --- -- --- -- -NO hay después

@INSTATANIAM

@joanarealm

Joana Real

sti lista de moda de 31 años afi ncada e n Madri d desde e l 2014. Amo a la gente que se viste como se viste porque quiere. No existe el bien vestido y el mal vestido; existe la transmisión de una idea, la intencionalidad y sobre todo la personalidad. Para mí, eso es el estilismo y así es como lo uso cuando trabajo. Proyecto una historia a través de los diferentes looks que compongo, plasmando, a la vez, un poco de mí misma. Algo esencial para cada trabajo que empiezo es hacerme mi propio moodboard. Una sola imagen que refleje la idea principal del proyecto para poder interiorizarlo y hacerlo mío. Mis mayores fuentes de inspiración son la gente, la calle, los videoclips y películas de todas las épocas. Nunca busco esa inspiración como tal, sino que ella viene a mí. De pronto, veo algo, un detalle diferente que llama mi atención y automáticamente juego con ello en mi mente, dándole otra vuelta, pensando cómo utilizarlo, adaptarlo, dónde podría encajar…”

LA magia de l makeup

esde que tengo uso derazón mi vocación ha sido el arte.Siempre quise ser pintora y pasaba más tiempo con un folio y un lápiz que con las Bratz que se acumulaban en el baúl. Me licencié en Bellas Artes y me especialicé en pintura y fotografía, mi vocación siempre fue pintar por lo que me definía como artista plástica, pero hace poco en una conversación con mi amigo Damián Perea, director de cine, llegamos a la conclusión de que cuando eres una persona pluridisciplinar la principal necesidad es la de poder expresarse y comunicar, independientemente del formato, ya sea a través de la pintura, la fotografía, actuando o el maquillaje. Estamos en una época en la que se está produciendo un neo renacimiento del artista, así que la palabra que definiría mejor sería artista creativo. Mi crecimiento en Instagram comenzó hace unos años más motivada por aspectos de moda alternativa y lifestyle. Si bien a veces subía algún maquillaje artístico. La cuarentena para mí supuso un encuentro más cercano con el maquillaje al estar lejos de mi zona de confort respecto al material artístico del que disponía. En parte resultó una especie de cuerda por la que, en tiempos de covid en los que en dos meses cualquiera se cuestionan aspectos sobre quién es uno mismo, la casa se vuelve un espacio más íntimo respecto a lo psicológico. Esto me ayudó a encontrar esa adrenalina artística del resultado y también una ventana de feedback con todas las personas que de igual modo pasaban la cuarentena en sus casas. El entretenimiento artístico ha sido muy importante para todos, tanto para los que lo producen como para los que lo consumen (pese a lo que digan algunos políticos). Nos hubiéramos vuelto locos sin arte, música o audiovisuales.

Por otra parte, más allá de la cuarentena y en lo cotidiano, para muchas personas entre las que me incluyo, el maquillaje también nos habla de la identidad de una persona. Puede ser algo con lo que juegues, con lo que te transformes, sí; pero por poner un ejemplo, nadie se puede imaginar a Cleopatra sin su famoso delineado del ojo, o los aspectos culturales y simbólicos que suponen algunos maquillajes tribales africanos, el maquillaje de las geishas etc. El maquillaje nos habla de la forma en la que te quieres expresar al mundo y cómo defines tu personalidad a través de él. Esto hoy, se ha entrelazado con mi obra pictórica ya que he decido reenfocar mi trabajo de investigación al maquillaje como identidad, y me encuentro produciendo una serie de obras al óleo sobre este concepto. Aunque mi objetivo principal de vida es estar produciendo obra pictórica o trabajar con galería, no descarto el poder profesionalizarme como maquilladora más allá de las rrss, puesto que es algo que disfruto haciendo.

@carlalopezart

Carla López

Nace

Styloso

e l proyecto de l esti lista Victor Blanco con e l que de mocratizar la moda

Con tan solo 18 años, Victor Blanco, tuvo claro que en la moda estaba su pasión y en el estilismo, su profesión. Natural de Barcelona, Blanco es ya conocido como el estilista de las estrellas. Aitana, Ester Expósito, Nieves Álvarez, Nicole Kimpel y Jon Kortajarena son algunas de las celebridades a las que ha tenido la oportunidad de vestir. Después de varios años de experiencia en España, de más de 3 años de formación en Estados Unidos (LA) y de alrededor de 15 años de trayectoria en las grandes alfombras rojas del mundo (Los Goya, Oscars, Cannes, Venecia…), el artista tiene clara la definición de éxito: “vivir de lo que te gusta, te apasiona y te hace soñar”. Hace algunas semanas, en plena crisis sanitaria por el Covid-19, Blanco compartía en sus redes sociales

@VICTORBLANCOSTUDIO que la idea de tener un proyecto propio iba a convertirse en una realidad. Y así nació Styloso. A partir de ahora, cualquiera podrá ponerse en sus manos para encontrar la “versión mejorada de uno mismo”. No únicamente las celebridades tendrán acceso a todos los servicios. “Queremos llegar a todos los rincones que internet nos ofrece para que desde cualquier país, pueblo o zona rural tengan acceso, podamos hacerles soñar y ayudarles asentirse mucho mejor”. Democratizar la moda para que todo el mundo tenga las mismas oportuni dades es el principal objetivo de este novedoso lanzamiento. Styloso estará en el día a día de todo aquel que busque disfrutar de la moda y pulir su estilo. En qué invertir, cómo crear un nuevo fondo de armario o cómo reciclar piezas, son cuestiones que se podrán resolver con la ayuda de este apasionado de la moda. “Incluso ofrecemos una master class donde durante dos horas ofreceré mis conocimientos, trucos y anécdotas que puedan interesar, de manera que así mis nuevos clientes puedan iniciarse en este mundo”, añade. Blanco aclara que no hay una propuesta como Styloso actualmente en el mercado y que no ofrece un servicio de personal shopper.

Victor Blanco By Rebeca Domenech

“Yo tengo mi trabajo y mi carrera. Esto es un añadido a todos aquellos que desde hace años que quieren sentirse mejor y más felices disfrutando de la moda, y gastando en lo que verdaderamente necesitan”, algo que como Blanco comparte, en el mundo actual, es primordial.

T N Nai ha J Laiz C E uando me piden una biografía para alguna presentación, siempre me siento desnuda. Me pasa por la cabeza toda mi vida, porque además de un currículum vitae soy una mezcla de vivencias, decisiones y experiencias a través de las que me voy definiendo por momentos. Soy actriz y mi relación con el arte empieza en la conexión con la naturaleza. Siempre recurro a ella cuando estoy inmersa en un proceso creativo, y si puede ser en las montañas del norte, donde me crié escalando riscos, mejor que mejor. Elegí ser actriz sin saberlo, cuando saltaba en la cama recitando textos durante mi primera infancia. El flechazo absoluto llegó una tarde que, siendo aún niña, mi abuela materna me llevó al teatro Arriaga a ver “Bodas de sangre”. Me sentí tan llena de vida al ver a aquellos actores sobre el escenario, que entendí que tenía sentido devolver al mundo esa sensación. A los trece años empecé a estudiar teatro en Bilbao, mi ciudad natal. Desde entonces, mi compromiso con la actuación está puesto en el agradecimiento y en la necesidad de expandir la conciencia y el mundo de quienes puedan acercarse a ver mi trabajo. Esto quizás resulte muy amplio, o poco concreto, pero

en realidad es muy sencillo: si alguien del público sale de la representación o de la sala de cine con una pregunta nueva que hacerse en su vida, es cuando más sentido tiene mi trabajo. Tras años de amor y crecimiento en el teatro, llegó a mi vida el cine para quedarse. He tenido la suerte de recorrer escenarios de grandes capitales, plazas de pequeñas aldeas, y un amplio espectro de rodajes de diferentes niveles de producción. Cuando no estoy delante de la cámara o en un escenario sigo creando personajes a través de la escritura. Escribo desde antes de aprender a hacer trazos sobre papel porque para mi, escribir – igual que actuar - es mucho más que juntar palabras o interpretar un personaje: Es crear vida a través de las historias. Cada día aprendo más del ser humano gracias al arte, y afino mi relación con el arte buceando en las profundidades de lo humano. Intentaron educarme como a una persona “normal” pero eso no existe…en la casa de mi pueblo aún entro y salgo por la ventana. Puertas, ¿para qué os quiero?

www.nahialaiz.es @nahialaiz

TODO LO QUE NO NOS DIJE RON QUE E RA LA MOd Todo lo que no nos

dijeron que era la

m o d a

illing Eve, después de haber estrenado la tercera temporada en HBO, es una serie policiaca en la que Villanelle -interpretada por Jodie Comer- es una asesina a sueldo con un gusto impecable para vestir, perseguida por una investigadora del MI6. Al igual que el juego del gato y el ratón que se desarrolla durante toda la serie entre las dos protagonistas, Villanelle y la moda asumen una jugada paralela en la que, al contrario que con la investigadora, ambas siempre ganan. Sí, el éxito de la serie probablemente se deba a este tercer protagonista encubierto. Sin embargo, este éxito es de doble flujo. Villanelle también ha hecho triunfar a la moda. Y no solo hablamos de repercusión mediática o económica, hay algo que va más allá de eso. Una asesina a sueldo que se permite el lujo de ir a matar con un traje de Dries Van Noten dice mucho más aparte de que ser asesina puede resultar rentable. Romper los clichés de la masculinidad, incluso de la propia feminidad, sin necesidad de usar unos tacones para sentirse más femenina y, paradójicamente, sin dejar

de lado su excéntrica y versátil forma de vestir que la aleja de todos los estándares de género con los que siempre ha ido fusionado su trabajo- si es que se puede calificar como tal-. Después de tantos años siguiendo la estela de musas imposibles y estereotipadas podríamos hacer una lista de porqué la villana de Killing Eve se ha convertido en el referente más real y contemporáneo. Antes de que apareciera, Blair Waldorf ya nos había enseñado las reglas a seguir si queríamos transformarnos en una femme fatale. Carrie Bradshaw nos hizo soñar con convertirnos en escritoras de éxito; porque todo el mundo sabe que escribir una columna semanal en un diario da el suficiente dinero como para pagarse un apartamento en Manhattan, un vestidor de ensueño y unos cuantos bolsos de Chanel. De ellas aprendimos que la moda era lujo, poderío. De Villanelle sin embargo aprendimos que la moda no es solo para mujeres exitosas y elegantes. Ella ha hecho evolucionar la moda hacia

un momento social que se asemeja mejor con la mujer actual: real e independiente. Juega con las expectativas de género hasta destrozarlas. En la mayoría de sus apariciones utiliza diseñadores emergentes, no tan conocidos. Su estilo ha puesto en la palestra nombres como Molly Goddard , con un ya famoso vestido de tul fucsia que la protagonista lleva en una de sus revisiones psicológicas; Dice Kayek, con un sobrio traje de chaqueta y pantalón en azul metalizado o The Vampire’s Wife, que le ha dado el nombre de la personaje a uno de sus vestidos. Incluso a la hora de enamorarse, haciéndolo de una mujer, despelleja todas las pautas que quedaban para definir el perfil de un amante de la moda. Sin duda, lo mejor que pudo enseñarnos Villanelle es que la moda no tiene ni limitaciones ni personalidad. Todo eso lo aportamos nosotros, y es algo maravilloso. By MarTa MaroTo

La “revolución”

de las risas

esde las risas enlatadas a los géneros experimentales Las ‘sitcoms’ son series de televisión conocidas por su brevedad, unos 30 minutos por capítulo, y sus aires de comedia que permiten saltarse las reglas de la continuidad de la trama. El género de la comedia en el cine siempre ha estado un escalón por debajo de las tramas dramáticas o de terror, las cuales solían llevarse la mayoría de galardones de la crítica, dejando atrás a esta clase relegada al ámbito del entretenimiento y no del reconocimiento del público. Sin embargo, desde la década de los 90 algunas ‘sitcoms’ han conseguido dejar huella en la cultura popular del momento, prolongando sus “legados” hasta el día de hoy. Ejemplos como ‘Friends’, con sus risas enlatadas, o ‘The Office’, rompiendo constantemente y sin miramientos la cuarta pared, son las series de referencia que lideran los podios más altos en la escala de esta categoría. Estas se consideran las “excepciones a la regla” conforme se venían haciendo las cosas en el sector. Tomando como borrador inicial las bases de su éxito, se han ido construyendo sus sucesoras, actualmente también conocidas a nivel mundial: el frikismo de ‘The Big Bang Theory’ o la cotidianidad de ‘Modern Family’. Experimentación y cruce de dedos. En la última década, con la llegada de los canales en streaming y las grandes producciones que la “nueva televisión” ha llevado a lo más alto, tales como ‘Juego de Tronos’ o ‘Breaking Bad’, el género del sarcasmo se veía en una encrucijada difícil de resolver, por lo que la única carta bajo la manga que quedaba era la innovación, con las dos simples opciones que ello acarreaba: triunfo o fracaso. Por suerte, la reinvención del género ha sido muy bien acogida por el público, tanto que la gama de tramas se ha ido extendiendo a tales dimensiones llegando a la fusión con otras categorías, aptas para todo tipo de gustos:

By MarTa Alberca

Los dibujos para adultos No todo se quedó en ‘Los Simpson’, sino que la censura ya es algo del pasado y el lenguaje tosco es la nueva orden del día en las series de esta calaña: ‘Rick y Morty’ o ‘Bojack Horseman’, son las más aclamadas por la crítica; ésta última galardonada con varias nominaciones a los Premios Emmy. El “cajón desastre” de los buenos resultados Mezclar varios tipos de series en una sola, de primeras, no suena muy bien, pero un buen guión y el tono sarcástico puede hacer que todo esto quede en el olvido. Los casos más famosos son ‘The Good Place’, las lecciones de vida se alinean con las más absurdas ideas y situaciones de los personajes. Mientras, en ‘Lo que hacemos en las sombras’, el clásico terror a los vampiros se fusiona con una especie de documental al estilo de la oficina de Michael Scott, en el cual intentan conquistar el “nuevo mundo” al estilo transilvánico. Los “altibajos” del amor Las comedias siempre llevan consigo historias de amor inolvidables, y estas también han sufrido grandes cambios levantando un terremoto tras su paso: La exitosa ‘Fleabag’vuelve a romper la cuarta pared con una protagonista inestable y un humor extridente; le sigue ‘Crazy Ex Girlfriend’, la locura de la protagonista enrevesada con un musical que parece no tener fin le dan a la serie una frescura sorprendente. Por último, ‘Dead to Me’una apuesta de humor negro se enreda en las bases del amor de una amistad que todo lo puede, superando incluso los inconvenientes de las muertes que rodean a las protagonistas.

orge JStasny

Director publicista y, para nuestra suerte, artista plástico. ¿Quién se encuentra detrás del lienzo: el publicista, el artista, o ambos?

Realmente hay un niño travieso que creció pobre en un barrio de ricos, un pelirrojo en un país de morenos, un ateo en un colegio de monjas y un disléxico en la carrera de filosofía. Siento que hay en mí un mundo interior que me ha costado verbalizar, y la manera de poder expresarme ha sido a través de las manos y de las imágenes. Siempre me he sentido más observador que interlocutor en todas las situaciones de mi vida. He trabajado en decenas de proyectos inverosímiles y aparentemente inconexos, pero todos ellos me han dado la capacidad de ser una esponja, absorbiendo todo lo que sucedía a mi alrededor. El lienzo es para mí un espejo donde intento reconocerme y entenderme. Como artista plástico siento que trabajo con la parte más inconsciente de mi ser, mientras que como publicista trabajo con mi lado más racional.

Defines tu estilo como una mezcla de pop y étnico. Queda claro, al observar tu obra, que ésta encaja perfectamente grafiteada en alguna pared de la ciudad, o reproducida masivamente en camisetas. Trasladas lo urbano al lienzo pero, ¿por qué precisamente el lienzo? ¿Cuál es tu propuesta artística y cuáles son los límites de ésta?

Durante una larga época pintaba sobre soportes de madera que me encontraba por la calle: puertas, contraventanas, tablas y cajas. Después de numerosas mudanzas este formato dejó de ser práctico. El lienzo se presentaba como opción más liviana. Tengo que decir que mi primer contacto con un lienzo de grandes dimensiones, todo blanco, me infundió bastante respeto. Los lienzos no son baratos y ya no daba igual si había errores. Por suerte, me deshice rápidamente de esta traba a la libertad creativa y traté el lienzo como si fuera un folio.

do, esta traducción, será diferente cada vez.

Desde pequeño utilicé el método mnemotécnico sin saber ni lo que era. Tenía grandes dificultades para aprender de la misma manera que mis compañeros. Hoy en día estaría, lo más seguro, diagnosticado de TEL (Trastorno Específico del Lenguaje). Las personas con este trastorno tienen gran dificultad para memorizar todo lo que son secuencias; por ejemplo, los meses del año o incluso los días de la semana eran un dolor de cabeza para mí, ni te quiero explicar el abecedario. Mi amor por la iconografía étnica, por el simbolismo de la pintura clásica y el arte pop viene por esta capacidad de esconder detrás de cada imagen un concepto asociado a él. Yo dibujaba al lado de los textos para poder recordar los conceptos. Está claro que si quieres entender cada una de mis creaciones deberías saber las asociaciones entre los símbolos y sus significados, cosa casi imposible. Respecto a la anterior pregunta, en 1968 Roland Barthes, pensador y semiótico francés, anuncia la muerte del autor. Extrapolando esto al mundo del arte, ahora es tarea del espectador interpretar la pieza que tiene enfrente y, sin embargo, cuando nos topamos con obras como las expuestas en Synkretismos, nos resulta extremadamente difícil extraer de ella su significado. Un contexto y una explicación se vuelven necesarios para poder entender y disfrutar cada obra.

¿Cuál crees que es, entonces, el papel del artista en el siglo XXI respecto a su obra, a sus espectadores, y a sus críticos? Desde mi propia experiencia nunca me he sentido autor, sino más bien un instrumento o un vehículo. Considero que hay algo que nos trasciende; ya puede ser nuestro inconsciente o el inconsciente colectivo que se apodera de nosotros y nos utiliza para manifestarse. Creemos que somos dueños y creadores pero somos simples ejecutores.

El mérito del autor reside, en mi opinión, más en el hecho de la acción y de la concreción que en el contenido. Depende de lo conectados que estemos y de la técnica o sensibilidad que tengamos para ser mejores o peores reproductores de eso que realmente nos supera. En mi caso concreto es difícil explicar de dónde salen todas estas representaciones, incluso a veces me es difícil repetirlas. Creo que estamos en una época donde la narrativa ha dejado de ser tan importante y nos movemos más por emociones y sensaciones. Nuestra capacidad de atención ha disminuido drásticamente y los impulsos tienen que hacernos vibrar en milésimas de segundos. Lo nuevo, lo auténtico, rompe con la tradición escolástica y hoy la vida nos está pidiendo a gritos que seamos nosotros mismos. Las personas que luchan por defender su identidad acaban puliendo el diamante que somos cada uno de nosotros. Cuando uno se autocensura, preguntándose si lo que hace es bueno o malo, deja de ser un buen vehículo para el arte.

By Ana Laura Oliveira

Si te fijas en mis obras hay muchas marcas de lápiz que no dejan de ser la constatación y reconocimiento a nuestros fallos y dudas. Ambos forman parte del juego, el valor es asumirlos y seguir. Pintar en lienzos de gran formato tiene algo que nos hace trascender el espacio. La sensación es de pérdida de contacto con el entorno y de sumergirse en la obra. Al utilizar la pintura como método mnemotécnico, condensas en cada cuadro una historia y, a su vez, en cada icono, un concepto. Esto nos deja una incógnita interesante respecto a la memoria; si la memoria es imperfecta, y de cada cuadro debemos extraer significado mediante la palabra, entendemos que este significa-

¿Cómo vives como artista esta problemática? ¿Cómo concilias el icono, la palabra y la memoria para que tu obra resulte completa? ¿Se puede prescindir completamente de la palabra?

Tu obra se distingue por su uso característico del color: bloques sólidos y brillantes, siempre en constante contraste. Sin embargo, una de tus obras expuestas presenta una visión más monocroma del mundo. Se trata de “Al otro lado”, donde sólo usas dos colores. ¿Podrías decirnos el porqué de este cambio?

Suelo pintar con cascos puestos y la música fuerte. Es una de mis estrategias para distraer a la parte racional del cerebro y dejar que la parte más intuitiva e irracional tome el control. Seguramente cuando pinté esa obra estaría pasando por algún tipo de emoción o escuchando algo diferente. Yo mismo de repente me vi dentro de ese otro lado y me dejé llevar. De inmediato surge esa vocecita que oímos todos, que Walt Disney representó maravillosamente como un diablillo en el hombro cerca de nuestra oreja, que nos susurra: ¿Estás seguro?¿Quieres decir que ese cambio es bueno? Nuestro poder está en escucharla y entenderla, pero no hacerle caso. Mis obras, aunque estén llenas de representaciones que son difíciles de entender, lo que vemos lo reconocemos como parte de nuestras culturas; en cambio, en “Al otro lado” hay algo raro, nos situamos en un mundo, quizás, más onírico.

Adentrándonos un poco más en tus obras, “El tío Alga” (The uncle Kelp) tiene detrás una historia interesantísima. ¿Te importaría compartirla con nuestros lectores?

Es verdad que alguna de mis obras empiezan con un concepto que luego se enriquece con elementos que en principio no consideraba. En este caso, la historia del Tío Alga nace mientras surfeaba junto a uno de mis hijos: por un momento le dio miedo una zona del mar donde había muchas algas. Se me ocurrió contarle una historia de un surfista que era un hombre alga que vivía en el fondo del mar y que comía zanahorias compulsivamente como él. Era el protector de los bañistas y surfeaba mejor que nadie. La gente lo quería tanto que lo llamaron Tío Alga. Le dije que cada vez que veas algas ahí estará el Tío Alga para cuidar de nosotros. Funcionó un par de años. En la obra puedes ver además de mi gorra de NY, a un Mickey Mouse calavérico, símbolo de un sistema capitalista famélico.

@JORGE_STASNY

Muchos artistas han confesado la falta de motivación y de inspiración que han sufrido durante el confinamiento. ¿Cómo has vivido estos últimos meses como artista? Yo he sentido una energía descontrolada. Según como advierten muchos astrólogos, es el momento de ser fieles a nosotros mismo. El valor de vivir el momento (estar presentes en el aquí y ahora) ha pasado de ser un concepto que siempre me ha rondado a convertirse en una práctica diaria. He podido crear muchísima obra y estar muy focalizado en la misma. Es curioso que muchas veces necesitemos sentir en peligro nuestras vidas para aprender a vivir. Sobre todo he conseguido eliminar las barreras que nos solemos poner nosotros mismos por miedo al fracaso, confiando profundamente en que el universo es abundancia y que hay que abrirnos a ella.

¿Cuál ha sido tu fuente de inspiración estos últimos días?

Me he empapado de la cultura de los años 80 de los EE.UU., el origen del hip hop y la lucha de la comunidad trans con series documentales como Hip Hop Evolution, The Defiant Ones o Marsha. Estas series documentales están llenas de personajes que luchan contra todo un sistema que les rechaza y les maltrata. Cada paso que dan para defender sus derechos e identidad y la de los suyos hace que brille todo su ser y lleguen a la esencia de ellos mismos, convirtiéndose en auténticos personajes. Vidas intensas con un sentido. He escuchado mucho hip hop tanto de la Costa Este como de la Costa Oeste, pero también me han acompañado Bejo, Locoplaya y Kase O.

¿Cuáles son tus próximos planes de futuro? ¿Algún proyecto que puedas compartirnos para abrirnos el apetito? Como apuntabas antes, mi obra tiene un claro potencial de ser utilizada para mil aplicaciones y ahí hay un camino todavía por explorar. El siguiente desafío que tengo en mente es llevar mis personajes al mundo del Toy y posiblemente el año que viene tenga producida una serie.

Jorge Stasny (Madrid, 1974), artista plástico y realizador publicitario, presentó el pasado 18 de junio “Synkretismos” en la galería La Plataforma (Barcelona). “Synkretismos” se abre un hueco entre el pop urbano y la iconografía étnica, y busca reducir a iconos la proliferación de imágenes, información y recuerdos.

Maksi m

¡Qué tal! Mi nombre es Maksim Samsonov, soy fotógrafo de moda ruso y Embajador de la firma Fujifilm. Puedes encontrar mis creaciones en muchas revistas alrededor del mundo y en exhibiciones en Rusia. Hoy hablaré de mis comienzos y de cómo me infiltré en el mundo de la moda. Entre mis trabajos, pueden encontrar un gran número de campañas publicitarias y proyectos creativos interesantes. Estas son campañas para Sisley, United Colours de Benetton, Mango y otras tiendas de ropa en Rusia. Me encanta hacer portadas de álbumes para Apple Music y Google Music, incluso videoclips. Colaborar con gente creativa siempre trae parejado resultados buenísimos. Actualmente, disfruto mucho de las sesiones de fotos para revistas y me encuentro haciendo algo poco tradicional. La fotografía es mi pasión, mi amor, mi vida. Después de todo, la fotografía pone delante de nosotros un mundo de perfección, belleza y armonía ilimitada. Me enamoré de la fotografía en mi infancia, mientras hojeaba álbumes familiares. La magia de las fotografías en blanco y negro me fascinaba. Recuerdo encontrar dos cámaras de origen soviético que eran de mi padre. No sabía cómo se arreglaban ni cómo funcionaban. Me atraían sus formas y colores. Cuando tenía 6 o 7 años, o incluso menos, recuerdo que revelé un par de carretes y eché a perder unos papeles fotográficos. Me interesaba ver como cambiaban con la luz del sol. Claro que en aquel entonces mis padres no estaban para nada contentos. De todas maneras, ahora creo que están más que felices porque me dedico al mejor trabajo del mundo – la fotografía. Compré mi primera cámara cuando todavía era muy joven. Ahorré y pos-

tergué mis estudios para poder comprarla. Recuerdo cómo todos los días pasaba por la tienda aguardando ese momento que se convertiría en algo tan mágico. Y finalmente, la compré. Mi primera cámara fotográfica de origen soviético, una Zenit. Era algo como mi actual cámara Fujifilm. Recuerdo el momento en el que coloqué el carrete, puse de fondo unas sábanas y le hice unas fotos a mis hermanas. Tengo la suerte de formar parte de una familia muy numerosa, Tengo cuatro hermanas. Fueron momentos muy lindos, mis primeras emociones producto de la fotografía. Increíble no puedo creer que esto sucediera hace casi 20 años. En el 2012, empecé con la fotografía comercial cuando compré mi primera cámara digital SRL. Al principio, fotografiaba absolutamente todo. Es difícil encontrar un estilo propio. Fotografiaba gente común en el estudio o en las calles, mientras viajaba a otros países, fui mi propio modelo e incluso incursioné en la fotografía de bodas. Un día me topé con la suerte. En el 2015, atravesé la mitad de Rusia para trabajar con unos recién casados muy poco convencionales. El look del novio tenía mucho estilo. Vestía un traje de Calvin Klein con un corte muy peculiar. La novia usaba un vestido de lino hecho a mano. Cada una de las partes del estampado del vestido había sido bordada a mano también. Era muy hermoso. Gracias a la ropa que usaron, esta boda fue diferente a todas.

Me sentí inspirado. En cuanto regresé a mi casa, y mostré mis fotos, me dijeron que no parecían fotos de una boda, sino que lucían como fotos de campaña publicitaria de moda para revistas. Imagínense, había estado buscando mi género fotográfico por años, y alguien viene, simplemente mira una de mis fotos y me dice que debo enfocarme en la fotografía de moda. Obviamente, así lo hice. Mi hermana Daria Samsonova trabajó con United Colours de Benetton y Sisley. Viajó a desfiles en Italia. Una vez, Benetton necesitaba hacer una publicidad de ropa y Daria pensó en mí. Era mi primera sesión fotográfica de moda. Estaba muy preocupado por cómo todo iba a salir y,

por lo tanto, me preparé varias semanas antes. Hice mis moodboards, busqué una localización para la sesión y reuní a un equipo. Daria manejaba la cuestión de estilo. Se encargaba de seleccionar y combinar las prendas adecuadas para lograr un total look. Y lo logramos. Fue una sesión genial. Unos días después, nos ofrecieron trabajar para la campaña de la nueva colección de Sisley en Rusia. Llevamos un montón de maniquíes y papel film transparente. Lo dispusimos todo sobre un piso blanco y envolvimos al modelo que usaba prendas de la marca con film y le indicamos que se colocara entre los maniquíes. Esta sesión fue incluso mejor que la anterior. Así fue como comencé. Desde el principio, quise crear algo inusual. Y desde ese momento, junto con Daria, comenzamos a crear ideas únicas y experimentar. Siempre creo algún elemento con mis propias manos para las sesiones. Por ejemplo, para esta publicación de Kooss Magazine, hice aperturas en las extremidades de los maniquíes, corte partes de un maletín y los sujeté a los agujeros que había hecho en los maniquíes. Entonces es cuando notas que puede ser tanto un corset, un maletín o una mochila. Es una idea muy descabellada. Por cierto, el asa del maletín en el lugar de la boca simboliza un mensaje importante para todo el mundo. Hoy en día es muy importante tener una voz, ser escuchado, y es por eso que la boca se ve tan abierta. Creo que la idea en la fotografía es uno de los aspectos más importantes. Una vez usamos recipientes de uso médico para pegarlos a los cuerpos de los modelos y le pedimos a otro que usara una pecera como casco. En otra sesión, pegué gemas de vidrio a una máscara protectora. En otra ocasión, nos pegamos flores secas en el rostro usando vaselina. Y cuando realizábamos la tapa de un álbum para un artista, untamos su cara con mermelada de frutilla y lubricante íntimo mezclado con maquille rojo. Siempre obtenemos un resultado único. Cada sesión de fotos es una nueva idea. Esa es nuestra regla principal. Gracias a esas ideas, mi trabajo es interesante para las personas del otro lado del globo. El año pasado, viví en China por varios meses y realicé varias sesiones allí. Gracias a mi estilo fotográfico y, junto con Fujifilm, di una serie de charlas en Rusia y otros países. Quiero agradecer especialmente al equipo de Kooss Magazine por darme esta gran oportunidad de hablar acerca de mis fotos. Quiero agradecer también a mi familia. Tengo dos hermosas hijas y una bellísima esposa con quien cree una marca de ropa. Gracias a mi equipo por estar siempre presente. Gracias también a la estilista Daria Samsonova por sus ideas y creación de estilo en el set. Gracias a la maquilladora Elena Zamorina por su excelente trabajo y a la modelo Elena Svyazhikova por su tremenda predisposición. Y un último gracias para todos aquellos con quienes trabajo.

@maksi msamsonov

Photograph e r Maksi m Samsonov

Stylist Daria Samsonova

Makeup artist E le na Zamori na

Mode l E le na Svyazh i kova

Sticke r artist Vale riya Saln i kova

Las veces que conviertes tu maqui llaje

tu e n e m igo en

By Hristiyana Ivova

a barra de labios que has encontrado en ese bolso que llevas años sin ponerte no es un billete de 5 €. Y la paleta de sombras que te regalaron hace años, más que un apaño te puede meter en un apuro. Granitos, puntos negros, rojeces, eccemas, conjuntivitis... Probablemente la solución no esté comprando cremas y potingues en la farmacia, sino deshaciéndote de los productos de maquillaje que tienes en casa. 12 meses suele ser el promedio de duración de cualquier cosmético, pero siendo sinceros, cuanta más agua lleve un producto más probabilidad tiene no solo de estropearse sino también de pasar a ser el hogar de diferentes bacterias y hongos. Eso sí, el maquillaje en polvo pueden pasar de los dos años si se conserva en la nevera. Aquí os dejamos un pequeño desglose sobre cómo elegir, comprar y mantener cada uno de los básicos que forman parte de tu rutina de make-up. Adelantamos que los parabenos deberían de quedar totalmente descartados, ya que se ha demostrado en numerosos estudios que son un componente cancerígeno, aunque por desgracia muy barato y utilizado en todo el sector cosmético.

Pi ntalabios

Es el que te acompaña en esos días que te sientes atrevida. El toque de color que puede transformar cualquier look con su sola presencia. El que acentúa o suaviza tus rasgos. Y es por esto que siempre tendemos a tener muchos y en todos los colores. Imposibles de usar hasta acabarlos en un solo año. ¿Cómo elegirlo? Evita las siliconas y apuesta por los aceites naturales. Se estropean antes y cuestan más, pero están libres de componentes cancerígenos, respetan el medio ambiente así como la propia piel de tus labios.

¿Cómo conservarlo?

Antes que nada, es muy importante que sepas que es uno de los productos que con mayor facilidad puede ocasionarte un disgusto, porque casi como acto reflejo solemos dejarlo en cuanto nos lo piden. Por ello te recomendamos que absolutamente siempre utilices una espátula para coger la cantidad de labial que desees, y luego ya utilices una brocha o tus dedos. Exceptuando los momentos del año donde el calor es insufrible, no haría falta mantener tu barra de labios en la nevera, siendo más que suficiente tenerla a temperatura ambiente en un lugar seco.

¿Cuándo deshacerte de él?

Lo ideal sería que no tuvieras la paleta entera de colores en tu neceser, sino solo un par de tonos, pero compuestos en su mayoría de elementos naturales. Como ya hemos comentado, la caducidad de estos es mayor, pero al menos podrás relamerte los labios con total seguridad de no ingerir cosas tan desagradables como el petróleo. Aún así, cuanto menos natural su composición mayor durabilidad (y probablemente menor precio), por tanto, a no ser que cambie su textura o sabor podría aguantar a lo máximo tres años.

MÁSCARA DE PESTAÑAS

Bien es cierto que raro es el rímel que no se acaba secando según lo que nos parece antes de tiempo. Pero realmente no es así. Este producto a lo sumo debería de aguantar seis meses. Esto se debe a su alto contenido en agua y a la zona de la cara que va destinado. Los ojos son una parte muy delicada y propensa a coger infecciones.

¿Cómo elegirla?

Generalmente incluso rímeles caros llevan ceras y aceites sintéticos, componentes como acetano de retinol o derivados del aluminio y el petróleo, que dan buenos resultados pero a la larga perjudican no solo a tus pestañas sino a tu salud. Apuesta por un rímel que contenga colágeno, aceite de ricino, keratina, etc.

¿Cómo conservarla?

Lo más importante es que sepas que el aire es el enemigo numero uno de todo rímel, por tanto, cuando vayas a aplicarlo lo ideal es que cojas una buena cantidad para evitar meter y sacar varias veces el pincel del recipiente, y por supuestísimo cerrarlo bien al terminar.

¿Cuándo deshacerte de ella?

Máximo a los seis meses, aunque se recomienda cambiarla cada tres. Recuerda que por muy bonitas que queden tus pestañas, pueden quedar eclipsadas por un pequeño y molesto orzuelo. En el caso de que se haya secado antes de tiempo, puedes revivirla añadiendo unas gotas del aceite que prefieras, pero te advertimos que aún así no quedará como nueva y tiende a manchar bastante.

- - ¿Quién no sueña con tener la piel de un tono uniforme, libre de puntos negros y rojeces, sin poros abiertos ni granitos?

Las bases de maquillaje hacen maravillas y son capaces de arreglar las noches de insomnio o pequeñas imperfecciones de un brochazo. ¿Cómo elegirla?

Evidentemente según tu tipo de piel y la cobertura que de-

sees. Evita a toda costa componentes muy comunes como el sulfato de sodio o el aluminio así como las fragancias. Cuanta más agua lleve, mejor se adaptará a tu piel, y una vez más aceites naturales como el de jojoba son un plus.

¿Cómo conservarla?

Si es líquida deberías de hacerle un hueco en tu nevera. Bien sellada y lejos de lugares húmedos como tu baño.

¿Cuándo deshacerte de ella?

Generalmente su duración es de un año, y a parte

de secarse el problema que suele presentar es la separación de sus ingredientes, algo fácil de detectar cuando aparece un visible capa de aceite.

Productos en polvo Aquí abarcamos la familia de los coloretes, bronceadores, fijadores y sombras entre otros. Los productos más longevos y que más tendemos a estirar su tiempo útil.

¿Cómo elegirlos?

El muy presente polvo de talco es un enemigo directo de tu salud. Recomendamos también evitar el uso de Mica, puesto que es un material que se obtiene en su mayoría en base a la explotación infantil.

¿Cómo conservarlos?

Son los más longevos por algo, y es que a parte de la humedad y de que se puedan romper no tienen porque fallarte antes de tiempo. La nevera le suma días de vida. Como habrás visto en muchos videos en las RRSS, si tu colorete favorito impacta contra el suelo, basta con cuartearlo del todo, prensarlo, y añadir unas gotas de alcohol para que quede como nuevo.

¿Cuándo deshacerte de ellos?

No nos vamos a engañar... Prácticamente no hay fan del maquillaje que no guarda en el baúl de los recuerdos (o en el cajón olvidado del baño) una paleta de sobras “por si acaso”, que además acumula más años que veces de uso. Dependiendo de la cantidad de ingredientes orgánicos que formen estos productos, su duración varía entre doce meses y dos años, pudiendo llegar a los tres como máximo. Así que por favor, nada de manías de diógenes cuando se trata de nuestra cara. Lo ideal es comprar productos de buena calidad que sepamos que vamos a utilizar, y los caprichos de “solo en ocasiones especiales porque es muy caro” o “me lo llevo porque esta de oferta, pero no sé muy bien para qué es” en el mundo de la cosmética deben quedar vetados. Si cuidamos adecuadamente la piel de nuestra cara, acabaremos ahorrando en maquillaje porque habrá cosméticos que terminaremos por no necesitar. Una vez más, menos es más.

Photo by Ian dooley

El MAKEUP de VIVIANNER ¿Quién es @vivianner (Vivianne Raudsepp) y cómo se inició en el maquillaje?¿Cómo se convirtió en maquilladora profesional?

Soy maquilladora y estilista profesional, trabajo de manera freelance y vivo en Los Angeles, California. Siempre tengo mis maletas listas a la espera de nuevas aventuras, y una mente curiosa que adora recorrer el mundo. Comencé a trabajar como modelo desde muy pequeña en Asia, y luego terminé estudiando moda y belleza. El hecho de poder descubrir culturas, ser creativa con gente alrededor del mundo es sencillamente algo muy especial, por lo menos para mí.

¿Existe una relación entre la belleza y la salud?

Sí, creo que hay una relación; cuando te sientes bien, luces bien. Cuando luces bien, te sientes bien. Creo que mi estilo es natural más que otra cosa, me gusta resaltar este tipo de belleza en las personas. Además, creo en el equilibrio, que es importante en todos los aspectos de la vida.

Cuando llegaste a L.A., ¿Cómo comenzaste a maquillar?

El haberme mudado a L.A. fue pura y exclusivamente con el objetivo de perseguir un eterno verano. Siempre he soñado con vivir en un lugar cálido, rodeada de palmeras, montañas y el océano. Pensé... ¿por qué no hacerlo? Creo que cuando uno realmente quiere algo, lo consigue. Entonces decidí tramitar el visado y me puse en contacto con varias personas, (esa cosita maravillosa a la que conocemos como Networking o crear una red de contactos).

¿Cómo te topaste con el mundo del maquillaje?

Me inicié en el maquillaje a través de mis trabajos como modelo. En realidad, nunca fui la típica chica que quería ser modelo, pero a través de este trabajo podía viajar, conocer nuevas personas y explorar nuevas culturas. Cuando realmente disfrutaba era cuando me maquillaban para las sesiones de fotos, me sentía como una niña en una fábrica de golosinas. Eso lo explica todo...

¿Qué es lo que no puede faltar en la producción para que te sientas cómoda mientras maquillas?

¡Buena pregunta! Creo que todo se resume al trabajo en equipo. Presto mucha atención a las vibras del ambiente, de las personas. Al fin de cuentas, creo que lo que más me gusta de mí profesión son las personas que me rodean, pero también, que haya un buen lugar donde desplegar mis materiales, y es fundamental que haya buena luz para sentirme cómoda; por consiguiente, todo esto conduce a la obtención de buenos resultados.

¿Crees que es importante retocar las fotografías?

Bueno, ¿no crees que la belleza es algo que todos amamos? Porque yo sí. Y, de alguna manera, creo que todos retocamos varios aspectos de nuestra vida, ¿o no? Decoramos nuestros hogares, nos obsequiamos con tratamientos faciales, nos teñimos el pelo, nos hacemos tatuajes, compramos ropa, joyas, etc. Decoramos nuestros alrededores y a nosotros mismos, entonces... ¿por qué no retocar una imagen?, solo un poco...

¿Cómo es el proceso creativo desde el momento en que surge la idea hasta la obtención del resultado final?

Creo que cada creativo tiene su propio estilo a la hora de ponerse manos a la obra, y la producción es el momento en que todos nos juntamos para hacerlo. En función de mi experiencia, el proyecto va tomando forma a lo largo del proceso ya que depende de cada proyecto en sí, y también de los creativos involucrados.

e n p n p a i e v s i d V Rau By Manuel Sanchdell

¿Cuáles son los instrumentos y productos de cosmética que no pueden faltar en tu set? Para ser honesta, mi set es bastante pequeño. Me encantan los looks frescos y naturales, por eso tengo una gran variedad de utensilios y productos para la piel, procuro mantener mis productos siempre en orden y limpios.

¿Viajas mucho? ¿Cuál es tu lugar favorito en el mundo?

Sí, viajo mucho. Visité casi 40 países. Hay muchos lugares y culturas increíbles y diferentes, realmente hermosos cada uno a su modo, pero debo admitir que Australia tiene un lugar especial en mi corazón.

¿Pasas mucho tiempo en busca de nuevas oportunidades laborales y contactos para vivir del maquillaje?

Me encanta toparme con nuevas personas, así que creo que sí. Veo oportunidades por doquier. ¡Tanto para hacer, tanto para ver! Y las redes sociales realmente me han ayudado a lo largo de mi profesión.

¿Dónde encuentras la inspiración? Las personas me inspiran. La belleza me inspira. El bienestar me inspira. Y, lo creas o no, el miedo también me inspira.

¿Vas de seguido al cine?

Curioso que preguntes porque de hecho no suelo ir al cine. Pero desde que me mudé a L.A. me di cuenta que es algo de lo que debería saber más. Me interesa mucho el storytelling (narración de historias cortas). Detrás de toda gran película o de todo gran libro se encuentran los pensamientos de alguien. La experiencia de alguien. Algo que aprender.

¿Consumes arte?

Quiero aprender más. ¡Más, más, más!

¿Cuál es tu comida preferida?

Prefiero lo dulce, siempre. Y amo la comida. Mi favorita... digamos que la comida asiática.

¿El sueño hollywoodense es real? Y, según tu opinión, ¿qué es lo más importante de tu profesión? Los Ángeles y Hollywood son algo que entiendes solo si vives aquí. Claro que no es para cualquiera. Desde que vivo aquí, me siento en una película todos los días de mi vida. Lo más importante para mí es vivir, aprender y recibir con los brazos abiertos toda la creatividad que yace en nosotros. Tener la mente abierta y sentirse libre.

¿Cuál es tu próximo objetivo?

Tengo un objetivo para cada aspecto de mi vida. Los últimos años me han convertido en una soñadora. Me siento una simple chica de pueblo en el país de las maravillas. Pero mi objetivo más próximo es acomodarme y establecerme aquí en L.A. para transformarlo en mi verdadero hogar y encontrar el éxito en mi campo.

¿Tienes alguna frase de cabecera?

Fluir. Aprendí a no forzar las cosas y a evitar controlarlas tanto. Simplemente, hay que tener en claro quién eres y cuáles son tus objetivos, y confiar que todo sucederá tarde o temprano mientras sigas empujando hacia adelante.

Photo by Lari Heikkilä Model Olivia Mäkelä (Brand Model Management) Makeup & Hair by Vivianne Raudsepp using YSL Beauty

@VIVIANNER

FASH ION I N TI M E

OF CRISIS Photographer

Julio Bรกrcena & ร scar Latorre-Bosch @juliobarcenastudio & @oscarandthecat The Catwalk Studio @thecatwalkstudio

GUCCI by BLS FASHION Rings - ARISTOCRAZY

Whatch - ARISTOCRAZY

Bag ANNA CORTINA Watch ARISTOCRAZY

Bag DIOR by COTTON VINTAGE Rings - ARISTOCRAZY & PDPAOLA

Bag - MIETIS Ring - ARISTOCRAZY

LUPO - BARCELONA Chain - ARISTOCRAZY

Nail Artist

Belén Flores Nuñez @velenporella

Art direction & styling

In Crime @incrimecontent

Art & styling asis Laia Alfocea @laiaalfocea

Bag - OFF WHITE by BLS FASHION Rings - FERNANDO RODRIGUEZ & PDPAOLA Crystals - SWAROVSKI

Diamond Setter

¿En qué momento tuviste claro que querías dedicar tu vida al arte? En torno al 2020 descubrí que podía dibujar retratos muy detallados, fue algo que me sorprendió mucho, por lo que me decidí a retratar algunas imágenes que saqué de una revista de música, aunque lo hice por un periodo de tiempo breve, ya que estaba más enfocado en mi carrera como DJ y productor musical. En 2018, comencé a pintar de nuevo, y resultó ser un viaje muy beneficioso y de introspección.

Entiendo que fuiste autodidacta y que no recibiste formación técnica sobre arte. ¿Esto influyó en tu carrera de alguna forma?

Durante casi dieciséis años fui Dj a tiempo completo, así que la mayoría de las cosas las aprendía por mi cuenta. No fui a la universidad, pero es algo de lo que me alegro, ya que, en mi experiencia, el aprender por mi mismo me llevo a expandir mi mente y en el proceso descubrí diferentes modos de desenvolverme, que aunque pueden ser considerados no convencionales, generalmente acarrean resultados únicos.

¿Cuál fue tu primer proyecto y qué significó para ti?

Diseñé un par de sandalias y una cartera en un cinturón a juego en la zapatería de mi padre, hace ya veinte años. Tenía diecisiete o dieciocho años y estaba cansado de guardar todas mis cosas en los bolsillos o en riñoneras que lucían bastante mal, entonces diseñé mi propia cartera unida al cinturón, una prenda que ahora es tendencia.

¿De dónde viene el pseudónimo “Diamond Setter”?

Cuando dejé el instituto, decidí dedicarme a la joyería para poder independizarme, ya que podía aprender rápido y ganar mi propio dinero. De adolescente era fanático de la música, así que convertirme en DJ era el resultado lógico. Dedicaba gran parte de mi salario como joyero a comprar discos, y gracias a ese trabajo pude acabar dedicándome a ser DJ. Así obtuve mi pseudónimo “Diamond Setter” (un trabajo específico que realiza un joyero.)

¿Podrías contarme alguna anécdota en este escenario?

“The Basement” fue la primera discoteca que comenzó a contratar regularmente DJ internacionales en Beirut, y uno de esos espectáculos fue el de José Gonzalez. Después de la presentación, fuimos a la casa de JADE a pasar el rato. JADE se fue a comprar el desayuno y, mientras esperábamos, Jose y su banda nos pidieron tomar té. Mi otro amigo y yo, que estábamos algo ebrios, fuimos a la cocina a prepararlo. Pero sin querer, les preparamos té laxante. No sabemos quépasó con ellos al día siguiente pero seguramente culparon al desayuno libanés.

@iamdiamondsetter

KEVORK KESH ISH IAN By Nuria Bernardos

La música, el dibujo, las ilustraciones e ilustraciones de moda, la fotografía... de todos los campos en los que te has desenvuelto, ¿cuál te ha sentado mejor?

Siempre me he sentido atraído por disciplinas creativas diferentes, experimentar con diferentes técnicas se ha vuelto casi una obsesión, y cada una de esas disciplinas me transmiten mucha paz.

¿Qué artistas admiras, te gustan o son una influencia en tu trabajo? Los artistas que me inspiran lo hacen a través de su filosofía y enfoque hacia la creativi dad, más allá de su trabajo.

Las líneas y los colores destacan en tus trabajos, en los cuales a veces se mezclan el arte fi-gurativo y abstracto; Cuéntanos más sobre tu estilo.

No sé si tengo un estilo determinado, he realizado muchas obras en los últimos dos años; me guío más por las vibraciones que por el estilo, algo que sobresale en mis trabajos.

¿Es el concepto importante en tus obras?

No necesariamente, porque, por lo general, persigo los sentimientos y vibraciones del trabajo donde no hay exactamente un concepto sino una atracción y, por lo tanto, no trato de entender el cómo o el porqué. Es como escuchar una melodía sin letra.

¿Cómo se le ocurrió la idea de “Gallery” a tu amigo Paulo y con qué fin?

Gallery fue fruto de una extrema necesidad de mostrar libremente nuestra expresión creativa, a nivel personal, musical y artístico, para mí y para Paulo. Ambos éramos DJ residentes en una discoteca en Dubái donde nos hicimos grandes amigos. Nos sentíamos muy frustrados al estar enmarcados todo el tiempo, pero entonces, llegó una noche en la cual la dirección musical fue muy amplia y diversa, sin nadie que marque el flujo natural de la noche. La intención y dirección de la obra era resaltar y hacerse a un lado de todo lo que sucedía.

¿Imaginabas, en tus comienzos, alcanzar lo que has logrado en tu carrera profesional, a día de hoy?

Durante mi adolescencia, jamás pensé en convertirme en DJ, dibujante, o lo que sea que hago hoy en día. Quería diseñar joyas en un principio. Todo se dio naturalmente, una cosa llevo a la otra. Mis sentimientos se transformaron en el compás que me llevó por los diferentes caminos de la vida.

¿Cuáles son tus planes de futuro? ¿Algún proyecto en mente?

Tengo una serie de pinturas con las que me gustaría crear una experiencia audiovisual, obviamente, en el marco de una exhibición tradicional. Pero más que nada, trato de vivir el día a día dada la situación actual.

Raúl Bateman es un fotógrafo español nacido en Madrid. Va y viene de Madrid y Barcelona, pero cuando quiere alejarse un poco del bullicio de la ciudad, encuentra su paz detrás de los ancestrales muros romanos de la ciudad de Ávila.

RAuL BATE MAN Raúl proviene de una familia de artistas – su hermana es cantante de ópera,- y añade que sus padres siempre apoyaron su constante búsqueda de la creatividad. Raúl se inició como ilustrador, sin embargo, sentía que este no era un medio que le permitiera expresarse por completo; así comenzó su transición hacia el mundo de la fotografía. Por esa época, perdió a su mejor amigo, lo que causó un gran impacto en su crecimiento en la fotografía. Su arte se convirtió entonces en una gran ayuda para descargar todo lo que ese trauma le había traído .. Por esta razón, la fotografía de Raúl no es lo a lo que denominaríamos ‘comercial’. “Siempre he sido autodidacta, y comencé como asistente de fotografía, pero al no tener una formación académica tuve que pagar el derecho de piso. Aunque creo que he aprendido más de mis amigos y colegas experimentados que de lo que hubiera aprendido en cualquier institución. Por eso soy un gran defensor de aquellos que forjan caminos.

@raulbateman

¿Cómo fue tu experiencia como asistente?

Comencé a trabajar en un estudio de mucho prestigio en Madrid. Trabajé a destajo y aprendí mucho desde que entré. Mi primera sesión fue junto a Rafa Gallar, un fotógrafo a quien admiro por su obra tanto como por su esencia. A partir de aquella sesión me di cuenta de que quería dedicarme a la fotografía. Ser asistente es una tarea intensa e infravalorada, por esa razón, respeto mucho a quienes se dedican a ella. Los asistentes son las personas ideales para tener a tu lado mientras trabajas, son quienes se encargan de que todo salga bien y al mismo tiempo procuran tener siempre listos los materiales de trabajo para que uno pueda crear.

¿Cuál es tu género fotográfico preferido?

Probablemente, mi favorito sería el de la moda de los años 70’ a los 90’, pero también el periodismo fotográfico (periodismo gráfico o fotoperiodismo) y la fotografía de autor, porque logran capturar imágenes muy reales y muy humanas.

¿Fotógrafos a los que admiras?

Peter Hugar, Paolo Nozolino, Helmut Newton, Peter Lindbergh, Francesca Woodman, Vivian Maier, Michael Ackerman, Robert Capa, entre otros..

¿Fotografía analógica o digital? Me gustan ambas, pero la analógica tiene algo más místico y artesanal. Personalmente, trabajo con lo digital porque es más fácil, aunque resulta efímero.

¿Cómo describirías el tema en tus fotografías?

La moda desde un punto de vista menos comercial y más humano, la belleza de los cuerpos, especialmente la de los pies, son mi “fetiche culposo”, y también ser capaz de relacionar una historia con una imagen.

¿A qué celebridades te gustaría fotografiar?

Muchísimos. Keaunu Reeves creo que es el primero en mi lista. Me encantaría fotografiar a Christian Bale, Tom Hardy y Gal Gadot. En cuanto al escenario local, elegiría a Úrsula Corberó, Najwa, Bunbury... Hubiera deseado trabajar con Pau Donés, tenía un rostro único y hermoso lleno de amor y carisma.

By Cristina Sardón

¿Hay algún diseñador de moda con quien te gustaría trabajar?

Hubiera sido más que un honor trabajar con Azzedine AlaÏa, y me encantaría hacerlo con Givenchy o Yves Saint Laurent.

Si pudieras encargarte de la escenografía de una película o director, ¿con cuáles sería? Cualquiera de Nicholas Winding Refn, Stanley Kubrick, o Tarkovski.

¿Cuál es tu cámara preferida para trabajar?

Soy muy básico como fotógrafo, me encuentro feliz con mi cámara 60D o mi 17-85mm, y creo que ninguna más en realidad.

¿Hay algún tipo de fotografía que no te agrade?

No tolero la fotografía de fantasía (o fantástica) porque luce como una ilustración. La gente que hace fotos con fondo verde y le hace retoques, añadiendo objetos fantásticos desde mi punto de vista, no son fotógrafos; son ilustradores. En mi opinión la fotografía debe ser simple: una captura de microsegundos, con eso es suficiente. Es cierto que, si creas un editorial, es ficticio, pero tiene que ser realizado de manera tal que los retoques sean mínimos.

¿Cuál es tu objetivo a largo plazo con la fotografía?

Seguir haciendo lo que amo sin tener que preocuparme si llego a fin de mes. Ayudar a quienes me rodean. Me encantaría publicar un libro algún día, o hacer una exposición, pero no tengo prisa. Todos siempre andan buscando ser productivos; esta actitud puede ser perjudicial. Terminas haciendo un trabajo superficial cuando debería priorizarse la calidad a la cantidad. Daré un paso adelante cuando esté listo, quiero ver al resto de las personas satisfechas con mi trabajo.

¿Has tenido malas experiencias con tus clientes?

Todos hemos tenido malas experiencias tanto con clientes como con modelos que no respetan el trabajo que uno hace. He conocido a muchas personas y los he conocido a todos, personas difíciles, personas empáticas y personas egocéntricas. Por eso, les recomiendo algo a todos los fotógrafos: trabajen con contrato de por medio, si desean recibir su dinero. A veces las personas se cansan prematuramente y no pueden llegar al final del camino.

Fre e dom Photographer: Messi Schneider by Creative Management

Stylist: Guvanch

Makeup: Ju Ritondaro Hair: Simone Petinatti Retouch: Samretouch by Sande&Moore

Models:

Kristina Sheiter - Celina Krogmann Renee Bhagwandeen - Fernanda Abbott

Blazer - 2WN Shirt - Kutnia Thights - Calzedonia Head band - Prada

Blazer - Guvanch Shirt - Kutnia Thights - Calzedonia Head band - Prada Necklace - Celine

Blazer - 2WN Feather top - Khoman Room Thights - Calzedonia Hat - Mi Miele

Tights - Calzedonia Corset - Ezie Design Cape dress - Litkovskaya Swimwear - Napa swim Hat: Mi Miele

Bรกrbara Fialho Photographer: Leandro Franco Stylist: Diogo Brasiliano & Isabella Estevez (AgTout) Stylist assistant: Larissa Salinas MUAH: Renato Mardonis MUAH Assistant: Juliana Bonfim Hair(Bumble and Bumble Makeup Mac Cosmetics) Retouch: Samretouch by Sande&Moore Model: Bรกrbara Fialho (Mega Models BR)

Shirt - Manzan Overall - Loft 747

Hat - Nath Hats . Dress - Ido Concept

Top - S Club Earrings - Mellina Machado

Dress - Eduarda Galvani Rings & Earrings - Mellina Machado

Top - Razzo Beret - Chanel by Trash Chic Earrings - Vintage by Trash Chic Velo - Matilda

Aire

Photographer Robert Guzman

Stylist: Walkiria Beltran MUAH: Keren Murillo Modelo: Masha tevdoradze

waistcoat - Mรกxima Ponce Leggins - Anthony Rivera

Dress - Blanco Abrajan Shoes - Cecy Von

Coat - MGV Shirt - Rcano Skirt - Edher Gin Leggins - Calzedonia Shoes - Cecy Von

Dress - Juan Worley

ana

Regi na By Nuria Bernardos

veo el diseño como una herramienta de comunicación, siempre debe haber un mensaje. La forma en que lo haces más evidente o no, dependerá del proyecto. Puedes transmitir ideas con un estilo determinado de ilustración o uniendo conceptos, aún así siempre habrá algo que decir.

¿Qué fue lo que te llevo a querer dedicarte al diseño gráfico?

En realidad no sabía qué quería dedicarme a esto. Desde pequeña me interesé mucho por la pintura y mis padres hacían un esfuerzo enorme para llevarme a clases. En el momento de decidir una carrera en la universidad lo ví como lo más cercano a lo que me gustaba, pero en realidad no sabia bien que era un diseñador gráfico. Durante los años de estudio, no tuve dudas. Siempre hay complicaciones. Creo que profesionalmente hubo una época después de graduarme que fue la peor para encontrar trabajos, y de ese momento que surgió nuestro proyecto RedChambelon como una iniciativa para mantenernos vinculados y financiar nuestras propias ideas.

Después de haber trabajado en varios países ¿qué te ha hecho quedarte en España?

Cuando tomé la decisión de emigrar, se me hizo tan difícil el camino y el dejar tantas cosas atrás, que la perspectiva y la forma de ver la vida me cambió totalmente. Estoy en España porque me gusta la vida aquí y he encontrado una estabilidad y una tranquilidad por el momento, pero podría volver a hacerlo y vivir en otro sitio, quién sabe.

¿Cómo definirías tu estilo?

Yo no diría que tengo un estilo, yo diría que tengo cosas que me gustan y a veces, se repiten. Desde la carrera siempre me dijeron que tenia q encontrar mi estilo, pero la realidad laboral me ha enseñador que todos los trabajos de diseño no se abordan de la misma forma y el estilo es un recurso más con el que trabajar. Cada proyecto tiene su propia alma y diferentes objetivos de comunicación por lo que lo varío en funciónde esto.

¿En qué o en quién te inspiras? ¿tienes algún referente?

En mi caso los referentes van variando siempre. No obstante, hay cosas que siempre miro, aunque no necesariamente estén reflejados en mis ilustraciones y una de ellas es la vanguardia surrealista. La obra de Leonora Carrington me encanta, siempre es un lugar a donde ir a inspirarse. Los grabados de Belquis Ayón y los carteles de cine cubano en general. Luego me encanta descubrir nuevos artistas más contemporáneos. Últimamente me ha inspirado mucho la obra de María Herreros. También tengo muchos amigos diseñadores a los que admiro y también los siento mis referentes porque están trabajando mucho y haciendo cosas realmente buenas: @cmondeja @afrodreak @lmgraffiti @polo_vader_1105 @miguel_monkc @guillomoreno35 @chelsymooncat @mimo92ami

Sabemos que actualmente trabajas en grandes medios de comunicación como son El País y la revista SMODA ¿Qué ha supuesto profesionalmente para ti?

Trabajar en Smoda está siendo una escuela. Los niveles de detalles y exigencias son muy profe-

sionales. Me queda mucho camino por delante y muchas cosas que aprender, pero siento que aquí doy pasos de gigante. Cada día es un reto y eso siempre me motiva.

Sabrías decirnos ¿cuál es el trabajo que más satisfacción te ha producido realizar?

El trabajo donde mejor me he sentido es en nuestro proyecto redchambelon. Trabajar con personas que quieres y a la vez admiras profesionalmente es lo máximo.

Redchambelon ¿podrías hablarnos de este proyecto? REDCHAMBELON ES UNA MARCA DE DISEÑO CUBANA CREADA EN 2017 por tres amigos Carlos Mondeja, Leonardo Perez y yo. Surgió impartiendo experiencias artísticas en nuestro estudio y a lo largo de estos tres años hemos tenido 3 exposiciones totalmente autofinanciadas. Es un proyecto interdisciplinar que integra el arte, la ilustración y las artes gráficas. Como visión futura queremos abrirnos al mundo de la moda y la venta online de nuestros productos.

Futuro proyecto

Estamos trabajando ahora mismo en la tienda online y en la colección para el próximo año, de la mano de unos maravillosos asesores que son Inés e Iván de La Casita de Wendy.

@disena_dora_laexploradora

“El secreto no es ver más, sino mirar diferente“

MI MOTTO DE VIDA Y TRABAJO

clara de N A D A L

By Manuel Sanchdell

e riodista, Coolh unte r y Consultora de marcas.

Clara De Nadal Trias es Periodista, Coolhunter [analista y experta en tendencias] y Consultora de marcas, nacida en Barcelona, con 15 años de experiencia en Medios offline y digitales y especializada en sector Moda, Retail y Lifestyle [viajes-experiencias] y habla de 6 idiomas. Fundadora de www.coolhuntinglab.com, agencia y laboratorio creativo de contenido, investigación de tendencias, marketing de experiencia, cambios sociales y comportamiento del consumidor para ayudar a marcas, empresas y negocios a mejorar su branding, imagen y contenido para conectar más y mejor con sus clientes. Además desde Abril 2020, soy creadora del primer curso descargable y clases online de Coolhunting Digital accesible a todos los públicos y desde cualquier lugar del mundo. Por último, desde hace 8 años soy profesora e imparto Masterclass de Coolhunting y tendencias en las principales Universidades y escuelas de moda de España, México y algunas en USA; y también creo city-tours y rutas de tendencias para marcas, agencias y medios.

Tras estudiar periodismo en la universidad; trabajar en televisión; agencias; para varios diseñadores de moda y pasarela; aprender idiomas; viajar y vivir en varios países… Decidí volcarme en mi pasión: la moda y las tendencias, volver a estudiar y hacer un Master en Comunicación y Diseño de moda en Barcelona. Mientras cursaba el Master en 2009, un día descubrí la profesión de Coolhunting durante una conferencia en la escuela, tuve un pálpito y desde aquel instante supe que había nacido para ello. Convencida, se lo dije a mis padres y me marché a Londres para especializarme como Coolhunter en la escuela Central Saint Martins y desde entonces no he parado.

Descubrir nuevas tendencias es un trabajo bastante desconocido y del que poca gente conoce el trasfondo. ¿Qué proceso desarrolla un coolhunter? ¿En qué se basa su trabajo? En general, la mayoría de la gente piensa que analizar e investigar tendencias se refiere únicamente al mundo de la moda. Pero la realidad es que detectar tendencias puede hacerse no sólo en la moda sino en cualquier sector, mercado o ámbito, susceptible de ser investigado: arquitectura, diseño, gastronomía, hostelería, ocio… E independientemente del tema o sector que se vaya a analizar, primero se debe hacer estudio de campo a nivel macro (social, político, económico, cultural, comportamiento del consumidor, hábitos de consumo, etc.) para luego acotarlo al nicho de mercado que te interesa investigar. Según mi experiencia de 15 años como periodista y 11 años como experta en tendencias; cada coolhunter tiene su propio método personal de desarrollar su trabajo, pero por lo general el proceso de investigación se inicia con: observación, detección de puntos de tensión, recogida de información a todos los niveles, constatación de fuentes, detectar a los influenciadores, encontrar los centros de gravedad donde normalmente suceden las tendencias, analizar resultados, etc. Al final, el objetivo de un coolhunter es o debería ser, analizar la sociedad, predecir sus cambios, entender el comportamiento de los consumidores y encontrar las necesidades faltantes y oportunidades del mercado con anticipación; para ayudar a que las personas, marcas y empresas a conectar más y mejor con sus clientes y que entre todos creemos un mundo mejor.

Has creado un método para hacer que las marcas conozcan el camino al éxito. ¿De qué trata tu método?, ¿Cualquier empresa o público puede acceder a él?

Así es. Tras 15 años trabajando para medios, marcas y multinacionales, hace ahora dos años decidí emprender y crear mi propia empresa que es www.coolhuntinglab.com y uno de los servicios que ofrezco es el Método Branding 360º, que básicamente consiste en: ayudar a cualquier tipo de marca, empresa y negocio a desordenar ideas para volver a ordenarlas; refrescar y dinamizar su branding, identidad y comunicación de marca; establecer una imagen y coherencia estética en todas sus plataformas y a la vez que conseguir que sus clientes conecten y consuman más y mejor de una forma efectiva y orgánica. Ahora más que nunca, especialmente tras el confinamiento, es el momento de replantear y redefinir las estrategias e identidad de las marcas para seguir siendo relevantes. Y recordar que “las marcas tienen que estar donde están sus consumidores”, que traducido al aquí y ahora, significa estar en el mundo digital y sobre todo en los dispositivos móviles.

Estamos acostumbrados a oír “tendencia” en el mundo de la moda, pero, ¿Qué tendencias están pegando fuerte ahora y cómo están cambiando según está nueva pandemia de COVID19?

En este punto podríamos estar días y días hablando; porque lo cierto es que teniendo en cuenta que aunque las tendencias no dejan de sucederse continuamente, la pandemia ha supuesto un catalizador incesante de tendencias sin precedentes; y desde el punto de vista de investigación es un momento apasionante. De entre todas las tendencias que podría mencionar que han surgido, que se mantendrán o que evolucionarán hacia otra dirección… Quizás los nuevos hábitos sociales y de consumo son las tendencias más destacables. Gracias o por culpa del Covid19, hemos adquirido nuevos hábitos de vida como la redistribución de espacios en el hogar, aprendiendo a aprovechar y dividir mejor los espacios: zona de ocio, zona de trabajo, zona de estudio, zona de relax o zona de deporte en los mismos metros cuadrados. En la misma línea, podríamos hablar de la misma de redistribución de espacios pero esta vez por parte del sector turístico y su afán por reinventarse. Así, muchas empresas hosteleras se han visto forzadas a innovar para encontrar soluciones a la falta de viajeros. Por ejemplo aquí podríamos hablar de la cadena B&B Hoteles, que, con 33 establecimientos en España, ha convertido en oficinas gran parte de las habitaciones que no llenaba. O en temas de compras y retail, un buen ejemplo es la recién inaugurada tienda de la archiconocida marca de moda Off-White en el Design District de Miami, la cual se ha concebido como mucho más que un espacio para moda, con una avenida para charlas y conferencias, desfiles en vivo, eventos de arte y música… Otra gran tendencia es la creciente consciencia nutricional, como consecuencia del haber tenido que quedarnos encerrados en casa, no poder ir a comer afuera y por consiguiente empezar a aprender a cocinar, cocinar más que antes y ser más conscientes de qué y cómo comemos y de dónde vienen nuestros alimentos. Por otro lado, en general, hemos adquirido y aposentado como tendencia el consumo consciente: más local, más sostenible, de proximidad, más duradero, más consciente. Aquí también podríamos hablar de la tendencia de incluir nuevas prioridades, [Re]use o reutilizar más, invertir en segunda mano, revender y una nueva dirección hacia la economía circular. Por ejemplificarlo, mencionar el concepto del made-to-order o pre-order, cada vez más común en muchos modelos de negocio, donde las marcas producen en función de la demanda y no en función de la oferta. De esta forma no sólo se produce sin excesos y se contamina menos; sino que además los productos adquieren connotación de exclusividad y la marca deja de perder beneficios causados por el exceso de stocks, que terminan almacenados o malvendidos al por mayor.

Otra gran tendencia es el Back to the roots donde cada vez está más en alza el replanteamiento de cómo vivimos y cómo queremos vivir. Y es que por un lado, muchos de los que hemos tenido que vivir el confinamiento encerrados en pisos pequeños y en ciudades con poca fauna y flora; ahora valoramos más la naturaleza y buscamos un acercamiento a mejorar nuestra calidad de vida y volver a la vida rural. Vaya, como el propio título de la tendencia indica, volver a los orígenes. Y como última tendencia mencionaré el nuevo ahora. Cada vez son más las personas en todo el mundo que reflexionan sobre su vida, el futuro, hacia dónde vamos, la conciliación familiar y laboral, cómo nos relacionamos, cómo nos tratamos, etc. Y de ahí el acercamiento hacia nuevas técnicas de evasión, esoterismo y conexión con la Madre Tierra como la meditación, el yoga, la danza consciente, la astrología, el horóscopo… Incluso empezar nuevos hobbies, cambiar de trabajo y dedicarnos a lo que realmente nos hace feliz. Poco a poco, intentar ir hacia un modelo de vida más sano y sostenible por dentro y por fuera, basado en el “aquí y ahora”.

Muchas empresas nacen con la idea de triunfar en un periodo corto de tiempo, pero la mayoría fracasa por puntos tan importantes como la investigación de tendencias. ¿Cuánto tiempo hay que invertir ahora en investigar para reinventar lo establecido y conseguir el éxito de tu negocio? Hace unos meses leí una entrevista a un Consultor, que afirmaba que “la autenticidad está sobrevalorada y que lo importante ahora es ser consistentes”, pero yo no estoy de acuerdo. Hoy en día, y sobre todo tras los efectos del Covid19, ser o no consistentes es lo de menos. Por el contrario, lo importante ahora y para el futuro cambiante que nos espera es: estar bien informados y de la mano de profesionales. Que las marcas, las empresas, los mercados y los nuevos modelos de negocio sean auténticos y honestos con lo qué hacen y cómo lo hacen [por que los consumidores no somos tontos]. Y sobre todo, ser rápidos y adaptables al cambio. Esa es la clave del éxito a medio-largo plazo: “estar bien informados, ser autenticos y honestos, adaptables al cambio y hacerlo con la mayor agilidad posible”.

Para un coolhunter, un mundo lleno de posibilidades es literalmente un mundo más lleno aún de posibilidades. ¿Cómo funcionas en tu día a día? ¿Desconectas con facilidad?

Buena pregunta. Si soy 100% sincera, no desconecto nunca. No puedo evitarlo, jajaja... Constantemente estoy haciendo asociaciones y mapas mentales, observando y escuchando la sociedad, a la gente y todo lo que ocurre a mi alrededor, esté cerca o lejos. Además duermo poco y las horas que estoy despierta estoy siempre indagando, curioseando, leyendo, hablando con gente, siguiendo mi intuición, descubriendo lo antiguo y lo nuevo… Pero es cierto que cuando viajo, consigo evadirme un poco de mi rutina, o por lo menos lo intento, dejar de pensar un poco en “mis cosas” y sólo centrarme en relajarme y disfrutar. Luego lo que ocurre es que, viajar es tan inspirador, que al final no consigo desconectar del todo y la cabeza vuelve a ser un hervidero de ideas apasionantes… Y vuelta a empezar.

¿Qué proyectos nuevos crearán tendencias en tu ámbito profesional de aquí a pocos años?

Uy, podría hablarte de muchos… Pero por direccionar un poco la respuesta te diré que “el tema del Coliving y todo lo que tiene que ver con nuevas formas de vivir con mayor calidad de vida, en comunidad, compartiendo más y retroalimentándonos unos a otros, creando más sin destruir, más cerca de la naturaleza…” Por ahí van los tiros.

¿Qué aficiones tienes?

Pues la verdad es que tengo varias y bastante dispares. Mi mayor pasión es sin duda viajar y escribir sobre mis viajes y mis descubrimientos en arte, diseño, ocio, gastronomía, estilo de vida, etc. Y viajando es también como me inicié en mi otra gran pasión, ahora hace 15 años, que es colaborar activamente en la conservación de animales de extinción, viajar y convivir en junglas con primates salvajes y concretamente ahora y desde hace dos años, también con Fundació Mona -fundación de rescate y conservación de chimpancés y macacos-, a una hora y media en coche de Barcelona. También soy una apasionada de comer y sobre todo comer bien, la cocina basada en el producto y hace muchos años que aprendo sobre macrobiótica – el equilibrio en cada plato. Y por último soy una gran aficionada del deporte. Desde pequeña he hecho gimnasia rítmica, básquet y volley (aunque con deportes de pelota soy realmente malísima jajaja…) Estuve muchos años haciendo spinning, gimnasio, yoga… Hasta que un día mi padre me regaló un bono para probar Pilates; y mi vida cambió completamente gracias a mi trainer, Master en Pilates Authentic y ahora también amiga Sònia A. Cuando empecé me llamaban loca porque no lo practicaba casi nadie, hace ahora casi 14 años, y desde la primera sesión se convirtió en una obsesión y una medicina que me ha cambiado física y mentalmente y ya “nunca” lo podría dejar.

@claradenadaltrias - -- - - @coolhuntinglab

www.coolhuntinglab.com/cursos

PHOTO BY MARINA

Nina, Denise, Verana y yo, Marina, nos conocimos en el evento ‘Cherrydeck meets MK Retouching’ en noviembre del 2019. Fue muy claro desde aquel momento que nos agradábamos y que nos volveríamos a ver. Nos volvimos a ver un par de veces en Munich en busca de un encuentro creativo, unas tazas de café y un buen momento juntas. Después de dedicarle mucho tiempo a mi canal de YouTube.

4 photograph e rs SHOOT 1 MODE L

Cada una de las fotógrafas podíamos elegir un atuendo completo, el maquillaje, el estilo y un set. Al finalizar cada sesión las comparábamos. El resultado fue que cada una se comunicó con la modelo y la fotografió a su manera, en poses diferentes, con su estilo, con una iluminación determinada y así fue como, en los mismos sets, se obtuvieron los resultados más diversos.

Como propuse la idea, empecé en primer lugar. En mis fotografías, la autodeterminación femenina y la femineidad iban de la mano con la idea de una mujer fuerte y confiada. Por eso el look que elegí fue deportivo y sexy y fotografié a la modelo, Julia, en una cancha de baloncesto. Mi objetivo era combinar los rasgos suaves y femeninos de Julia con el aspecto crudo y urbano que brinda el baloncesto callejero. El desafío te obliga a reinventarte una y otra vez en el menor tiempo posible. Uno prevé las ideas propiamente dichas y en estas circunstancias te ves expuesto no solo a tus presiones, sino que también a las presiones que los otros fotógrafos ejercen sobre ti. Ciertamente, eso te coloca bajo mucha presión emocional y, de momento, sientes que caes en picada. Pero como es de esperarse, los diamantes en bruto así se obtienen, con esfuerzo. Lo que me gustó más acerca del desafío fue el proceso creativo, que acelera mucho su ritmo de operación. Te ves forzada a alejarte de tu zona de confort, de tu rutina.

PHOTO BY MARINA

Mari na @geckeler_photography

El siguiente look lo creó Denise. En este caso, ella eligió un lugar retirado del Hirschpark en Múnich para realizar la sesión y, Julia, la modelo, usó un vestido claro con flores. “Con el atuendo que escogí, quería crear un look atemporal y femenino que logró ser perfectamente representado por Julia. Ante todo, su naturalidad y su cabello escarlata armonizaron divinamente con la locación. Me alegró mucho trabajar con estas chicas, en este proyecto en el Día Internacional de la Mujer. ¡Estábamos repletas de buena energía ese día! Fue muy interesante y bello apoyarnos entre nosotras y descubrir cómo cada una de las ideas que nos surgían se distinguían una de la otra. ¡Ya no puedo esperar a que llegue la Edición de Verano!” - Denise Gligor.

PHOTO BY DENISE

de n ise

@denisegligor

El atuendo que eligió Verena fue un traje negro y el set, un terreno con garajes. “Para mí, como siempre, se trata de conservar un estilo sencillo y directo en tonos monocromáticos con un poco de transparencias. No me sentía incómoda en los sets que plantearon mis contrincantes, todo lo contrario. Los diferentes enfoques de mis colegas, junto con los pequeños y sutiles matices que presentaron, marcaron la diferencia y dieron fe del trabajo individual. Además, el tiempo te corre en cinco minutos y te obliga a salir de tu zona de confort e ir al grano, sin rodeos. Sin el tiempo necesario para planear, caes en viejas rutinas, pero también trae aparejado nuevos aspectos puesto que no estás en tu elemento. Es increíble cuanto puede variar un concepto (en nuestro caso el concepto de la moda) y las diferentes dinámicas que se pueden desarrollar en el equipo. Solo podría recomendar este proyecto a aquellos dispuestos a salirse del molde, a ser audaces.”- Verena Mandragora.

PHOTO BY VERENA

ve@verenamandragora re na

n i na @ninamasic

PHOTO BY NINA

El cuarto look quedó en manos de Nina, eligió un peinado y un maquillaje provocador, un atuendo minimalista y la entrada de un patio cubierto para la locación. “El desafío fue una experiencia muy divertida y retadora en sí misma. Fue muy interesante ver como cada una de nosotras presentó un estilo y una estética diferentes. Contando únicamente con cinco minutos para cada sesión, creo que hicimos un gran trabajo. A veces, es bueno salir de la zona de confort y ampliar nuestros límites. Eso se podía sentir en el aire y, definitivamente, ¡lo volvería a hacer!” – Nina Masic.

PHOTO BY DENISE @julia.srge (model) @annaca.sh (make up artist) @danielpetz (camera man) @michaelstelz (music producer) www.geckeler.myportfolio.com www.denisegligor.com www.ninamasic.com www.mandragora.at

MODEL JULIA S.

HAIR & MAKE-UP ANNA

Pero el desafío no era únicamente un nuevo terreno para nosotras como fotógrafas, nuestra modelo Julia Strege de la agencia Modelwerk tuvo que acomodarse a cada una de las sesiones. “Aunque fueron un desafío los cambios entre cada sesión y lidiar con la presión por el tiempo, lo disfruté mucho y fue una muy buena experiencia.”- Julia Strege. También tuvimos la oportunidad de conocer a nuestra maquilladora, Anna Glaser, en el evento Cherrydeck y, al igual que nosotras, estaba muy entusiasmada con el proyecto. “Para mí, como maquilladora profesional, fue genial y emocionante ver cuantos perfiles diferentes veía cada una de ellas en Julia. De modo tal que gracias a las especificaciones sobre el maquillaje y

peinado y debido a los diferentes estilos representados, en cada una de las sesiones nacía una nueva creación. El proyecto me ha dado un gran incentivo creativo.” - Anna Glaser. Quiero agradecer también a nuestro camarógrafo, Daniel Petz de The Three Seven, quien nos acompañó durante todo aquel día. “Fue especialmente emocionante estar cerca de esta enorme cantidad de creatividad concentrada en un ambiente armonioso y al mismo tiempo competitivo. Los diferentes enfoques y la presión emocional que cada fotógrafa acumuló era, en ocasiones, casi palpable. Creo que la presión que sintieron hizo de ese día algo tan especial.” – Daniel Petz.

PHOTO BY NINA

TH E M E MORY OF FORGOTTE N TH I NGS Photograper: Verena Mandragora Assistant: Isabel Hoestermann Wardrobe & Styling: Fanny Forster Make up & Hair: Laura Trotta Model: Anneka (Pars Management)

Photographer:

Judith Moreno Producer: Manuel Sanchdell Stylist: Joana Real

Stylist Assistant: Lara Ontiveros MUAH: Roberto Avellán & Patricia Ceballos

Models: Minú RAO - Natalia Koroleva ( River ) Luisa Cortés ( Francina Models ) & Diego Domínguez Photo Asistant: Fernando Jiménez Thanks: Ana Isabel Boñal & Allegra Scena

Sweater & Dress - Loreak Mendian . Skarf - Friperie . Earrings - Verbena Madrid . Bag - Unisa

Diego Sweater - ShoopClothing Pants - Simun Necklace white cross - Albert Coll Natalia Coat & Shirt - Anonyme Pants - Reveligion Bag - Laia Alen Earrings Papiro Madreperla - CoolLook Necklace - Lola Casademunt.

Diego Shoes - Camper

Minú Capa - Reveligion Dress - Anonyme Glasses - Nina Mûr Earrings - Musula Ring Erebus - CooLook Diego Sweater- ShoopClothing Pants - Simun Trench Coat Burberry & Scarf - Friperie Necklace white cross - Albert Coll

Luisa Coat - Anonyme Dress - Alicia Rueda High neck t-shirt - Loreak Mendian Earrings - Lausett Pearl Necklace - Lola Casademunt Ring - CoolLook Red Bag - Virginia Henkart Diego Jacket - ShoopClothing Red Sweater - Custo Barcelona Pants - Friperie

Luisa Coat - Anonyme Dress - Alicia Rueda High neck t-shirt - Loreak Mendian Earrings - Lausett Pearl Necklace - Lola Casademunt Ring - CoolLook Red Bag - Virginia Henkart

Minú Dress Flowers - Juan Millán Black Earrings - Musula Black Necklace - CoolLook Silver Ring - Unode50 Ring 3 treasures malaquita - Victoria de la Calva

Diego Jacket - Fred&Perry Pants & Bag - Timberland Socks - Jimmy Lion Shoes - Camper Glasses String ParĂs Gold - La Morenita Necklace Judas sin flor - La Morenita

Natalia Dress - Alicia Rueda Jacket - Juan Millรกn Flip Flops - Fran Jul Chรณquer Tyl - Gabriela Mora Bird Earrings - Lausett

MinĂş White Shirt - Reveligion Pants - Anonyme Shoes - Unisa Glasses - Etnia Barcelona Hat &S carf - Friperie Earrings - Musula

Federica Bucci

By Cristina Sardón

Federica Bucci nació en Italia, sin embargo ha vivido por todo el mundo: Roma, Florencia, Londres, Edimburgo, Nueva York y Los Angeles. La descubrí hace un tiempo mientras miraba Instagram. La seguí, ella me dio follow back , y nos hemos mantenido en contacto desde entonces. Descubrimos que teníamos vidas paralelas. Ambas somos chicas de origen Mediterráneo y, al igual que ella, yo también he vivido en diferentes ciudades del mundo. Ambas crecimos mirando MTV, impregnándonos de la cultura pop Americana. Ambas somos fanáticas de las películas de David Lynch. Y ambas tenemos una pareja que dejaron Los Angeles para comenzar una nueva vida a nuestro lado acá en Europa. Siempre he querido tener el cerebro de Federica y aprender más sobre su visión de fotografía. Si no estás familiarizado con su trabajo, es único y oscuro, pero al mismo tiempo lleno de vida y macabro.

@scvmrat

¿Tu infancia te ha ayudado a desarrollar tu carácter artístico? Yo diría que sí. Crecí en una pequeña ciudad de Italia, con una cultura mayormente conservadora y religiosa, y desde que era pequeña me sentía oprimida. Mientras crecía descubrí que podia ser libre a traves de diferentes formas de arte, las cuales tenia que “descubrir” por mí misma. Recuerdo escabullirme a la azotea para escuchar las cintas de Nirvana, Nine Inch Nails y Marilyn Manson compradas con el cambio que me daban mis padres. Este fue mi primer encuentro con la cultura Americana de los 90 y MTV lo que me llevo a sumergirme mas en la música, el arte y la fotografía. Cuando tenia 12 años me hice amiga de un niño americano que asistió a mi escuela aproximadamente un año, él se había mudado de Seattle con su familia. Nos llevamos bien de inmediato, y empezamos a intercambiar historias sobre nuestros diferentes estilos de vida y cultura. Tuve en mis manos algunas revistas eróticas punk y vintage que él había comprado en Estados Unidos. Estas imágenes me impactaron de repente, movieron algo dentro de mí. Sentí que había mucho más por descubrir. ¿Cuándo decidiste empezar con la fotografía? Era una niña. Probablemente entre 9 o 10 años, veía a mi padre filmar durante todas nuestras vacaciones y reuniones familiares con su vieja grabadora yashica fx3, iba con él a la tienda a revelar las fotografías y el proceso me intrigaba mucho. Recuerdo pensar que podía parar el tiempo al hacer una foto de un momento en particular y que este momento estaría conmigo para siempre. Fue en ese entonces que tuve mi primera cámara,

una Polaroid Rosada muy guay. ¿Tus influencias? Ser parte de los “marginados” me ha influenciado de cierta forma ... la cultura gótica y punk son las raíces de dónde nace mi trabajo, pero también mi país me dió mucha inspiración para “profanar lo sagrado” y así conseguir mi propia voz creativa. A partir de ese momento empecé a explorar mi sexualidad y me di cuenta que podía expresarla, nunca sin ser juzgada por la sociedad que me rodea.

¿Cuál es tu película favorita? Películas. Películas románticas. Misteriosas. Impredecibles. Tienen un tipo de emoción que viene desde lo desconocido de fotografiar con cámara analógica. Teniendo en cuenta que Instagram es una plataforma visual, ¿tiene un efecto negativo o positivo en tu fotografía? Es una espada de doble filo. Muchas personas sacan conclusiones sobre mi trabajo, la mayor parte es descrito como fetichista o erótico. Esa no es necesariamente mi intención, al mismo tiempo no quiero imponer ningún tipo de interpretación. ¿Hay algún tema específico que predomina en tu trabajo? Ciertamente. Libertad de decisión y expresión. Si tuvieras que elegir una música para tu trabajo, ¿cuál seria? Sería una música inquietante y sensual, como en las películas Giallo (un género italiano de literatura y cine del siglo XX. ¿Sientes una conexión especial con otros medios visuales? Si la tengo, me gusta mucho el expresionismo alemán, así como el Giallo y las películas eróticas italianas. Si pudieras hacer la fotografía para cualquier película, ¿cuál sería? Mi sueño seria trabajar en una película de Dario Argento. ¿La fotografía es tu trabajo a tiempo completo? Ha sido una pasión por muchos años. Nunca pensé que podría hacerlo un trabajo. A pesar de todos los contratiempos hoy en día me dedico solo a la fotografía. Si pudieses viajar en el tiempo, ¿cambiarias algo en tu trayectoria? No hubiera guardado mis fotografías para mí misma por tantos años. Era insegura y tenía miedo de que me juzgaran.

ROOM 707 Photographer: Dasha Parker Stylist: AnthonyÂ BermudezÂ MUAH: Brazil Raine Model: Stephanie Peterson (Wilhelmina Miami) Retouching: Samretouch

Black Velvet Dress - Missguided

Sparkle Skirt - H&M Color Necklace - Chanel

Sparkly Cut Out Dress - Fashionkilla

Sparkly Star Dress - ASTR the Label Earrings - Chanel

Metallic Dress - ASTR the Label

Printed Dress By -Zara Blazer - Yumi Embellished

Black Leather Dress - Mango Black Ankle Boots - Z_Code_Z

Sparkle Mini Dress - ASOS

USE

Photographer & Stylist: Sergi Padial MUAH: Patricia Sรกnchez Model: Urte (Two Management BCN)

Pendientes - Elisheva & Constance Vestido Ana Locking

Camisa - Bibian Blue Anillo - Fernando RodrĂguez Pendientes - Thalata

Vestido - Bibian Blue Pendientes - Fernando RodrĂguez

Pendientes - Fernando RodrĂguez Vestido - Ana Locking

Blazer - Corina + Irina Choker - Next Couture

RICHARD RAMOS “La belleza se siente,

se agarra a tus huesos”

¿Cómo un ingeniero informático termina siendo fotógrafo?

Hace mucho que tomé esa curva y ya casi la tengo olvidada. Supongo que siguiendo el camino natural que lleva de donde estás a donde quieres estar. Escuchando a tus tripas.

¿Cómo llegó la fotografía de moda a tu vida y por qué se quedó?

Quería ser fotógrafo, pero no sabía qué tipo de fotógrafo quería ser. Acabé en moda por lo mismo que mueve la mayoría de nuestras vidas: Una combinación de azar y suerte. Me alegro de que haya sido así.

¿Cuál fue tu primer trabajo?¿Y de fotografía?

El primer trabajo serio (excluyo los trabajos juveniles de mi época de estudiante) fue desarrollar un videojuego. En fotografía, como la mayoría de mis colegas, un test que acabó publicándose. Hablamos de 2003.

@richardramosstudio

¿Cuándo te diste cuenta de que tu estilo fotográfico estaba empezando a quedarse en ti? Todavía hoy no lo tengo claro. El estilo es una cosa muy fácilmente reconocible para los demás y muy difícil para uno mismo. Al menos en mi caso.

Hoy en día el retoque ha evolucionado hasta el punto de ser lo más natural posible. ¿Cómo de importante ves la postproducción en tu trabajo? Es muy importante, incluso aunque ahora se trate de ser lo menos invasivo posible. De hecho, nunca he sido demasiado partidario de modificar la foto original con un retoque exagerado. Claro que hay casos donde se exige integración, modificaciones grandes, etc. Hoy en día encuentro que la postproducción está más enfocada a dar un acabado convincentemente natural. Retoque sin retoque, dicho de otro modo. Es un punto delicado.

¿Cómo sientes que está cambiando la industria de la moda en fotografía?, ¿Qué se ha perdido, que echas de menos y qué crees qué está por venir? Los editoriales para revistas son un género que lleva agonizando un tiempo. Los presupuestos se han ido reduciendo año tras año, a medida que las publicaciones en papel empezaban a luchar por su subsistencia en un mundo cada vez más digital y orientado a la mirada lo más fugaz posible. Y en eso estamos. No creo que las revistas de moda mainstream desaparezcan, pero tendrán que cambiar (ya lo están haciendo) para seguir siendo relevantes. Espero que encuentren la fórmula, porque el editorial de moda es el rincón de esta industria donde todavía se puede desarrollar la creatividad sin demasiados límites. Esto también está cambiando: Muchos editoriales son directamente sponsorizados por marcas concretas, lo que ya limita la libertad del estilista y el fotógrafo. Vamos a una sustitución del editorial hecho para publicar en revista por el "editorial monomarca" hecho para alimentar el contenido de una plataforma de venta digital.

¿Tienes alguna meta propuesta que nos quieras contar? Establecer una sólida carrera más allá de España. Y hacerme rico, claro.

¿Qué es la belleza para ti?, ¿Tienes algún personaje o modelo que te inspire? Definir la belleza es tan difícil como fácil es percibirla. No hay necesidad de estrujarse mucho la cabeza: La belleza se siente, se agarra a tus huesos, te invita a vivir en un espacio mental más rico, más vasto. Es una energía inagotable y poderosa. Y todos la percibimos, más allá de gustos concretos. Es una experiencia universal y humana que nos iguala a todos.

¿Quiénes han sido tus referentes y que personas han sido las que más te han inspirado en tu camino hacía la fotografía de moda?

No voy a ser muy original aquí. Los maestros de este oficio son Richard Avedon, Helmut Newton, Guy Bourdin, Irving Penn, Edward Steichen, Nina Leen, Sarah Moon... La lista es larga. Aunque el que más me impresionó cuando comencé a interesarme por este mundo fue Javier Vallhonrat. Además he tenido la suerte de conocerlo y tratarlo en persona.

¿Con quién sería un sueño trabajar? Con Franca Sozzani. Pero ya no podré. ¿Tomas decisiones tras mucho pensar o te lanzas al precipicio?

Soy de maduración lenta y ejecución rápida. Puedo estar años dando vueltas a un proyecto, y cuando se dan las circunstancias, lanzarme de cabeza en un segundo.

¿Una ciudad para trabajar? Londres

¿Para vivir?

Algún cruce entre Los Ángeles y Miami

¿Un artista?

Mis hijos. Son dos, sorry.

¿Frase que te acompaña? "No siempre será así"

By Manuel Sanchdell & Alessandra Xanló

E l magn etismo i nti m ista de

Damon Bake r C onocido por su uso dramático del retrato, el fotógrafo Damon Baker crea imágenes poderosas e íntimas, que cautivan por su sencillez y a través de las cuales revela la fuerza y la vulnerabilidad de aquellos a los que retrata. Su capacidad para capturar lo inesperado es lo que lo hace destacar como artista.

By Iris Mogollón

Damon Baker es un conocido fotógrafo británico de retratos. Abandonó el instituto a los 17 años y se mudó a Nueva York para seguir con su pasión por la fotografía. A los 18 años, Jed Root, una de las principales agencias de gestión de artistas del mundo, lo descubrió e hizo su debut como fotógrafo profesional en 2008. Desde entonces ha fotografiado a numerosas celebridades y modelos muy conocidas y ha tenido la oportunidad de colaborar con importantes revistas del mundo de la moda como Vogue, Vanity Fair, GQ, InStyle Magazine, French Numero, Wonderland, Sunday Times STYLE, i-D, Stern, entre otras; y de trabajar en campañas publicitarias para marcas como Omega, Karl Lagerfeld,L’Oreal y Emporio Armani.

@damon_baker

A lo largo de los años, Baker ha desarrollado un enfoque estético único para sus fotografías. Y esa es precisamente una de sus cualidades artísticas más singulares: su estética. Las tres cosas que impresionan al instante de su fotografía son la naturalidad que parece aportar a aquellos a los que retrata, la sensación retro y la impresión de que hay una narrativa en las fotografías. Su cámara los capta como si estuviera retratando sus alter ego, resaltando las profundidades más oscuras e íntimas de sus personalidades, creando fotografías que rezuman vulnerabilidad, magnetismo, autenticidad y un sentido de sexualidad cruda que atrae al público. Capta toda su belleza de una manera muy íntima.

Damon odia todo lo superfluo e intenta crear tomas limpias y minimalistas de una forma muy intensa. De ahí su preferencia por las fotografías en blanco y negro (aunque también ha estado experimentando con el color) que eliminan las distracciones, por lo que la atención solo se centra en la expresión de las personas y sus rasgos faciales. Del contraste distintivo de sus imágenes obtiene un retrato crudo y magnético. Otra de sus características es que a menudo le gusta pasar blando con el modelo antes de que comience la sesión, solo una idea de su personalidad y sus antecedentes. Baker dice co» para obtener las fotografías que desea, es hablar para sientan completamente cómodos el uno con el otro.

una hora hapara tener que su «truque ambos se

Además, ha sabido sacar provecho de sus plataformas de redes sociales para conectar con sus seguidores y darles acceso «entre bastidores» al pensamiento y la intención que hay detrás de sus fotografías. La relación que crea con ellos es lo que sigue aumentando su popularidad entre jóvenes y mayores por igual. A medida que crece la visibilidad de Baker, su impacto en la cultura popular y la industria de la moda crecen con ella. Y no hay duda que seguirá dando que hablar y sorprendiéndonos.

DAN ICASTIÃ&#x2018;EIRAS EL By Manuel Sanchdell

Persona, ilustrador, creador de imágenes. Crecí en la Sierra de Madrid, actualmente vivo más cerca del centro. Tengo 27años y un humor tirando a ácido, esto último me viene de familia. En mi tiempo libre quedo con amigos para tomar cervezas y conversar en alguna terraza o visitamos exposiciones. También me gusta pasear por la naturaleza. Por lo último que me ha dado es por las plantas. ¿Cuánto tiempo llevas dedicándote al arte y a construir un estilo? Profesionalmente dos días como quien dice. No me considero un artista como tal, soy ilustrador y es el medio que he usado en las exposiciones que he hecho. Me gustan las imágenes en general, el diseño, la fotografía, la animación, el cine, etc. Mis intereses van más ligados al arte popular, supongo que Warhol tiene algo de culpa en eso. Es difícil fijar una fecha pero creo que fue en Bellas Artes hace seis-siete años cuando me decanté por un estilo de dibujo cartoon. Desde entonces empecé a avanzar en una dirección concreta en cuanto a estilo personal. Cada vez intento simplificar más las formas en mis ilustraciones, menos es más en diseño. Por otra parte, trato de probar técnicas nuevas en cada proyecto. Si siempre haces lo

@danielcastineiras

mismo dejas de experimentar y por lo tanto de aprender. Opino que hay que intentar ser versátil y saber adaptar tu estilo a cada proyecto.

¿Qué es esencial para ti en una creación? Concepto y buen gusto. Vivimos una saturación de información visual. Una buena idea hace que la persona se detenga a ver la imagen al menos unos segundos más antes de hacer scroll. La técnica es algo que se entrena en cualquier disciplina, a base de práctica vas mejorando, es "echarle horas a la máquina". En cuanto al gusto creo que es algo que también se entrena, a base de ver muchas imágenes y desarrollar una visión crítica vas mejorando tu gusto estético. Cuando una imagen me llama la atención trato de pensar qué es lo que está funcionando, si es el uso del color, la composición...

¿Cómo llega la inspiración para un proyecto personal? Desde cualquier parte, viendo una película, a raíz de una conversación, viendo el trabajo de otros artistas, de tu entorno, en la ducha.... Donde toman forma las ideas es haciendo bocetos y desarrollando las ideas iniciales. El concepto es el primer paso en el proceso creativo. Desde que te sientas en la silla y piensas ¿y qué dibujo hoy? A mí me funciona hacer brainstormings y hacer bocetos directamente a rotu. Generar todas las imágenes que puedo sobre el tema o la opinión que quiero ilustrar. En esta fase no hay criba. El objetivo es generar el mayor número de bocetos rápidos. Después es cuando elijo que ideas son las mejores. Cuando ya tienes un par de imágenes que crees que pueden funcionar pruebo distintas composiciones o maneras de contar esa misma idea, esta vez con bocetos más elaborados. Estos son los que suelo llevarme a Digital. Otras veces hago el trabajo de línea entero en papel y lo escaneo.

¿Viajas?

Siempre me ha encantado viajar, visitar paises nuevos, conocer culturas nuevas... En los viajes suelo llevar una cámara de fotos con un 50 mm o una libreta y un rotulador. Tiro fotos de arquitectura o lo que me va llamando la atención del lugar o pillo algún apunte rápido si tengo más tiempo. Mi novia, que es con quien más viajo, tiene que mirar de vez en cuando para atrás a ver si me he quedado parado sacando una foto. Este año con el tema del Covid todavía no hemos viajado. A ver como evoluciona la situación estos siguientes meses.

¿Qué tipo de arte, cine, obras, musica consumes?

Exposiciones locales de fotógrafos, pintores, cartelería...me interesan los comics y novelas gráficas y los ilustradores de los años 30. En música, hip-hop, panorama indie, salsa y con especial cariño la etapa de los 60's -70's. En cine me gustan directores como Billie Wilder, Scorsese, Kubrick, Hitchcoock, Lynch, Tim Burton... Pero también películas contemporáneas, con plataformas como Netflix, Filmin o HBO tienes para encontrar muchas producciones de alto nivel.

¿Dónde crees que se valora más el diseño y el arte? En función del sueldo Estados Unidos, sea en este u otro campo tiene salarios más altos que Europa. En México y Argentina en cambio no está tan bien pagado pero cada vez veo más artistas realmente buenos, especialmente los muralistas. En Europa diría Reino Unido, Holanda y Alemania.

¿Crees que España es tu lugar? Sí, lo bueno de la Ilustración es que puedes trabajar para distintos países con sede donde tú quieras. Y creo que cuanto más viajas, más aprecias los detalles de tu propio país.

¿Cuál es tu proyecto a largo plazo? Seguir creciendo en el campo de la ilustración. He de decir que llevo un tiempo con la animación rondándome la cabeza. Y en el ámbito personal me gustaría mudarme a una zona más rural dentro de unos años. Ahora que vivimos una etapa de cambios en lo social y con el auge del teletrabajo cada vez somos más los jóvenes que tenemos en mente salir de las ciudades. España tiene muchos rincones más allá de Madrid y Barcelona.

¿Si pudieses cenar con algún artista vivo o muerto, con quién sería? Mmmmm...me vienen varios a la cabeza pero si respondo con lo primero que he pensado está entre Goya o el Greco. Ambos son genios adelantados a su época, sería muy divertido poder conversar con ellos.

Lugares donde encontrarnos

By Ana Pérez

Dentro de este verano tan peculiar en el que hemos cambiado nuestras prioridades, miramos con más cariño los lugares y destinos de nuestra geografía. En ella nos encontramos restaurantes y terrazas con un denominador común estar a gusto. Cada uno de ellos nos dan muchos motivos para visitarlos, descubrimos sus encantos.

La Postrería

En la Coruña nos encontramos La Postrería, un restaurante que cuenta con una cuidada selección del producto en el que prima la sostenibilidad. Su carta es una propuesta amena y divertida, especializada en cocina dulce. Sus platos entran por la vista tanto como la maravillosa decoración del local donde cada rincón está pensado al detalle.

Lolita Tapería Lolita Tapería es parada obligatoria en Barcelona, situada en el barrio de San Antoni ofrecen las tapas de toda la vida a las que les han dando su toque personal. Local canalla donde se puede comer en la barra y en mesa. Se agradece mucho su vermuteo de los fines de semana, y poder disfrutar de esta tradición en su terraza.

The Duke

Las islas son siempre un buen destino y en Palma de Mallorca encontramos The Duke, un restaurante desenfadado, con un ambiente divertido, en el que la decoración llena de color refleja la pasión de sus dueños por el surf. Su carta fusión en la que combinan sabores del mundo te hacen viajar por las mejores playas persiguiendo la gran ola.

San Francisco Bar Dentro del parque natural de las Salinas en Ibiza, se encuentra un restaurante con unas vistas increíbles, San Francisco Bar. Comida casera con una carta muy variada donde conviven tanto platos más elaborados como deliciosos bocadillos más informales. Un espacio que conquista por su envidiable ubicación donde disfrutar del ambiente y la maravillosa luz de la isla.

Pe rsona

By Ana laura oliveira

sta antología de cortos se estrenó en 2019 y aunque pasó medianamente desapercibida en occidente, su temática y la ejecución de la misma podrían considerarse atemporales y sin fronteras. ¿Quién se atrevería a decir que la cuestión de la naturaleza humana podría quedar zanjada con cuatro cortos de veinte minutos cada uno? Resulta imposible y, más que resolver, lo que se hace en Persona es plantear preguntas que a duras penas pueden responderse. Pero, ¿no es ese el objetivo de toda buena obra? Persona reúne a los directores surcoreanos Jeon Go Woon, Kim Jong Kwan, Lee Kyoung Mi y Yim Pil Sung con la famosa cantante y actriz IU (Lee Ji Eun), que dará vida a cuatro protagonistas distintas. El proyecto permite a los directores proponer sus distintivas visiones del mundo, mientras que para IU el filme se convierte en una oportunidad de demostrar sus dotes como actriz en un rango más serio y con unas intenciones artísticas más claras que las de sus pasados proyectos. La antología se divide en cuatro episodios que exploran el amor, los celos, la rivalidad, la amistad, la muerte y el dolor con una cohesión admirable, a pesar de que cada corto conserva una marcada individualidad que los distingue y los hace singulares. También el estilo de los directores influye en el tratamiento de los temas y, de esta forma, “Love Set” (Lee Kyoung Mi) y “Kiss Burn” (Jeon Go Woon) juegan con el humor (el primero se caracteriza por un humor que busca incomodar al espectador, mientras que el segundo presenta un humor negro, casi amargo); por otro lado, “Collector” (Yim Pil Sung) y “Walking at Night” (Kim Jong Kwan) se instalan en el reino de lo fantástico, lo onírico, lo poético. Mientras que “Collector” y “Walking at Night” se han erigido como las favoritas del público, “Love Set” y “Kiss Burn” merecen que se rompa una lanza a su favor; sobre todo “Love Set”, en apariencia simple por su trama directa y su metáfora trillada, pero que da pistoletazo a la antología con muchas más capas de significado de lo que podría pensarse al principio. En “Love Set” encontramos a una IU joven y caprichosa que se enfrenta, con una petulancia histriónica, a la prometida de su padre (Bae Doona: Cloud Atlas, Sense8) en un partido de tenis que decidirá el futuro de ambas rivales. Resulta interesante el ejercicio de metaficción inicial, que ya debería ponernos en guardia: los personajes comparten nombre con las actrices que las interpretan. De esta forma, si gana IU (¿qué IU?), Doona debe renunciar a la boda; mientras que si gana Doona, es IU la que debe renunciar a la infantil posesividad hacia su padre. Sin embargo, este enfrentamiento esconde un millón de sentimientos, rencores e interpretaciones subyacentes, y es posible que los celos, que tan claros nos parecen al principio, se dirijan hacia una dirección que no habíamos tenido en cuenta inicialmente. Por separado, cada corto puede existir por sí sólo, pero es el conjunto el que hace de este proyecto algo tan interesante; a fin de cuentas, los sentimientos humanos no pueden encapsularse en su totalidad en 90 minutos, mucho menos en 20. Por suerte, Netflix tiene planeada una segunda temporada.

Euphoria ha roto todas las normas de belleza convencionales. Los fantásticos maquillajes de la exitosa serie de HBO son tendencia y la expectación que rodea a este fenómeno es innegable. Message: Es casi imposible ver Euphoria, la aclamada serie de HBO protagonizada por Zendaya que se convirtió en uno de los fenómenos más comentados del verano pasado, sin detenerse a pensar en su maquillaje.

uphoria ha hecho del uso del maquillaje una herramienta para contar historias que nunca antes se había visto en la televisión: es su propio personaje, el centro de atención. Demuestra que no solo se trata de encubrir inseguridades y de ocultar defectos, sino que puede ser divertido, puedes jugar con él y puedes usarlo como una forma de expresar tu estilo e identidad. Las maquilladoras Doniella Davy @donni.davy y Kirsten Sage Coleman @kirinrider crearon cada look en colaboración con los actores utilizando el maquillaje para transmitir elementos de las personalidades de los personajes que el diálogo y el vestuario no son capaces de expresar. Su trabajo es una fascinante representación de las cuentas de Instagram de la Generación Z, así como de la estética de finales de los 60 de la supermodelo Twiggy, Nina Simone (con su look de cejas con diamantes de imitación) y los momentos Glam Rock de los años 70. «La Generación Z está redefiniendo por completo lo que el maquillaje puede y debe hacer, adoptando una libertad total de expresión y desafiando las normas de belleza y maquillaje», dice Davy. Y no hay duda de que la intención de estas dos maquilladoras ha tenido éxito; el maquillaje de cada personaje fluye en perfecta sintonía con el arco de su historia. Vemos colores y texturas intensas durante escenas fuertemente emocionales y miradas despejadas y desnudas para reflejar momentos de vulnerabilidad y tranquilidad. Cada look es completamente diferente y siempre incorporan algo fuera

de lo común. Algunos de los looks más populares de Euphoria incluyen pedrería. Por ejemplo, los diamantes de imitación y los ojos de gato se han convertido en una firma del personaje de Maddy (Alexa Demie), cuya personalidad feroz se muestra a través de su maquillaje y vestuario. Otro de sus looks incluso incluyó cadenas de oro como eyeliner, para que sepas que no tiene miedo de correr riesgos. El color también es muy importante en el maquillaje de la serie. Las sombras de ojos y los eyeliners brillantes y atrevidos se ven en varios personajes, pero para el personaje de Jules (Hunter Schafer) en concreto, su maquillaje adquiere un enfoque más artístico al jugar con formas y dibujar con el eyeliner. Su maquillaje de ojos casi se parece a una pintura. Las maquilladoras realmente tuvieron en cuenta las personalidades del personaje cuando crearon los looks para la serie, tratando de hacer coincidir sus apariencias externas con cómo se sienten por dentro. El espíritu libre de Jules (Hunter Schafer), la inocencia de Cassie (Sydney Sweeney), la feroz Maddy (Alexa Demie), la deprimida Rue (Zendaya) y las inseguridades de Kat (Barbie Ferreira) se expresan a través del maquillaje. Además, la serie ha demostrado tener un impacto impresionante en los looks que estamos viendo en Instagram (el hashtag #EuphoriaMakeup ya ha acumulado más de 42.000 publicaciones), en YouTube, en las alfombras rojas y ahora en la pasarela (como en la Semana de la Moda de Nueva York para diseñadores como Anna Sui, Cynthia Rowley, Marc Jacobs, Pyer Moss, entre otros). Y no solo eso, sino que hace poco han conseguido una nominación a los Emmy en la categoría de maquillaje (Outstanding Contemporary Makeup, non-prosthetic). Es fantástico ver cómo un programa de televisión puede revolucionar la forma en que las personas se acercan a su propia apariencia y las anima a probar algo diferente.

E u p h Euphoria o r i a By Ir

is M ogo llรณn

E l E fecto

By Marta MoraTo

Molly Goddard

o cómo ser princesa por un día Siluetas oversize, kilómetros de tul y formas románticas. Una mezcla contradictoria para una mujer contradictoria. Vestidos de princesa que se pueden llevar con deportivas y meter a la lavadora. A sus treinta y un años, Molly Goddard se ha convertido en uno de los mayores talentos británicos del panorama actual. Desde que irrumpió en la Semana de la Moda de Londres, allá por 2014, su popularidad ha aumentado a una velocidad estratosférica. Con influencias del estilo punk británico de los años setenta, Goddard ha sabido desvincular la moda del concepto inicial y hacer de sus desfiles algo más que presentaciones: modelos que van descalzas, bailando, bebiendo e incluso fumando. Modelos que sonríen. Ya lo hicieron marcas como Gucci o Versace. Ahora Molly Goddard se ha apuntado a la magia de la moda con mensaje; y es que usar algo tan influyente como la industria de la moda para lanzar un mensaje en una botella, es algo tan poderoso como inusual. Goddard ya ha sido coronada como la progenitora del feminismo en la moda; y no por su supuesta apología a las drogas, sino por lo que esto significa. Las mujeres bebemos, fumamos y podemos vestirnos de princesas si queremos. Todo a la vez. La diseñadora británica ha sido la elegida por personalidades como Rihanna o Zendaya. A lo largo de su corta carrera profesional, su éxito se ha reflejado en premios como el British Emerging Talent de los British Fashion

Awards que ganó en 2016 y fue finalista del premio LVMH destinado a jóvenes talentos en 2017. En 2018, la aparición de la protagonista de Killing Eve con uno de sus vestidos hizo que su popularidad subiera como la espuma. En sus primeras colecciones, la artista reflejó una mujer más joven, desentendida y rebelde. Sin embargo, en las últimas, el perfil ha ido evolucionando hacia una mujer más segura, romántica y sensual, sin dejar de lado esa rebeldía que distingue un

vestido con la firma de Goddard del resto de vestidos. Aunque esto evolucione, hay algo que sigue intacto en las colecciones de la diseñadora desde el primer día: su estética rompedora. Es difícil evolucionar cuando partes de una base tan drástica; hacerlo sin decepcionar a nadie, y que siga resultando un concepto original, inesperado. Y es por eso por lo que el trabajo de Goddard triunfó desde el mismo día que empezó; sus vestidos siempre nos harán soñar pero nunca de la misma manera.

carlos mondeja @cmon deja

samretouch POST PRODUCTION IMAGE www.sam retouch.com