KOOSS ABRIL

#17/ABRIL

SARA RIVERO

ALBERT

WATSON Retratando

NOS CUENTA...

JESU YÁÑEZ Nos queda alucinados

HISTORIA

POP ART

E Carlos Sadness JOAQUIN VIÑA XPLOSIÓN de Color

Conoce

NUEVOS DESTINOS Quién hace los efectos especiales de HOLLYWOOD?

¿

Alucina conCAROLINA JIMÉNEZ

Pablo Picasso & Eugenio Recuenco

DOS GENIOS DEL ARTE Collage Sofía Fernández

@fetencollages

“La vida

es una gran obra maestra, que no estropeen tu cuadro�

K

EQUIPO

iSSUe 17

CEO/ EDITOR FUNDADOR info@koossmagazine.com Manuel Sánchez & Judith Moreno REDACCIÓN redaccion@koossmagazine.com Marina Salas DIRECTOR MAKEUP/HAIR Roberto Avellán DIRECTORA ESTILISMO Sonia Hernández DIRECTORA DE FOTOGRAFÍA Judith Moreno photography@judith-moreno.com ARTES GRÁFICAS Pablo Ezquerra Sofía Fernández

COLABORADORES

since

13-Marzo-2016 KOOSS es un magazine online trimestral con nacimiento en España un día de marzo de 2016.

Gracias a todos aquellos que hacen posible cada publicación.

KOOSS ofrece al lector entrevistas, reportajes y editoriales de moda.

En su interior, personajes de la escena de la moda, la música y el arte en general, donde nos cuentan proyectos profesionales y personales.

Contacto info@koossmagazine.com redaccion@koossmagazine.com comunicacion@koossmagazine.com

Fotografía . Judith Moreno @judith.moreno .

Sergio Almarcha @sergioalmarcha . Pacho Fandiño @pachophoto . Pratdesabaescoda @ pratdesabaescoda . Diego Blade @diegoblade .

Alina Belozerova @madebyzavtra Estilismo Sonia Hernández @soniahstylist . Teresa Serrano @teinternational . Maite Da Luz . Oksana Aksenova @aksenovastylist . Lourdes Cañizares @lc_segovia . SushiPop @sushipoppop . Victoria Nogales @mardy_nogales Maquillaje y Peluquería Roberto Avellán @roberto_avellan . Marta Torres @marttytorres . Olesya Oleksyuk @makeup_ole . Olga Gofman @olalagofman Modelos . Anisia Sugar @sugarsugarok . Katyrudakova @katyrudakova . Alina . Sarah Victoria @sarahvictoriaofficial . Claudia Collado @claudialc_ . Rachel Scott @itsrachscott . Carlton Ruth @carlton_ruth Agradecimientos Nuria Sánchez . José Luis Torreño

Número 17 / Abril 2018 Edición Primavera/Verano www.koossmagazine.com

Cumplimos 2 aĂąos, con esta portada comenzĂł todo.

Gracias

Carta del

director

Sánchez Manuel

POR AMOR AL ARTE

“No tienes ni idea de moda” Es cierto que no se los nombres de todos los fotógrafos del mundo, ni de todos los diseñadores o modelos del mundo, pero tengo hambre de ello, y cada vez que descubro algo nuevo me sorprende mucho, por eso prefiero no saber todo.

H

“Estarás ganando pasta”

Tener que vivir con esa pregunta en la cabeza constantemente y conseguir levantar cada día con una nueva historia positiva que contar es lo que nos alimenta.

Estos tres meses han sido algo intensos, he vuelto a experimentar sentimientos que tenía guardados, he vuelto a escribir poesía porque algo dolía y no sabía, vi a parte de mi familia dentro de un hospital justo antes de entrar al quirófano y eso es lo único que en realidad merece la pena.

Pero queremos más, tenemos hambre de éxito y deseos que no sostiene nadie. Un amigo está en un momento duro profesional y económico, pero sigue soñando aún que buscando otras alternativas para sobrevivir, como todos claro. Sin embargo otro amigo es muy positivo, viaja y conoce, me anima y ¡me ayuda mucho!.

Siempre me dicen: “No pienses en lo que la gente puede llegar a decir, creer o pensar”.

“¡No me lo creo!, ¿cómo vas a hacer esto por amor al arte? Un tiempo vale, ¿pero vas a seguir así toda la vida?

oy me siento reparado pero con la incertidumbre de saber si todo irá bien. Pero sabes que nunca todo va a salir como quieres, despedimos a gente que queremos preguntándonos el porqué sabiendo que jamás tendremos respuesta.

A partir de ahora lo siento, pero voy a ser más frío.

A la gente que no le guste lo que hago, cómo lo hago y por qué lo hago que no me llame, que no me escriba y que no trate de darme lecciones. Hago las cosas como concibo desde mi punto de vista, no soy nadie pero tú tampoco, ni tú, ni tú.

Existen mil maneras de hacer las cosas, no hay una ley ni nada escrito, aprendí a hacer lo que hago a base de caer, y voy a seguir cayendo para mejorar.

Llevo dos años haciendo una revista que ha experimentado los mismos cambios que números han salido a la luz.

No he visto un céntimo por nada, todo lo que se hace en KOOSS es por amor al arte.

Por amor al arte es eso exactamente, haré esta revista mientras me llene, me dé ganas de vivir, de aprender, de emprender y por supuesto mi objetivo es ganar mucho dinero. Pero si no sigo caminando no sabré si el objetivo será alcanzado. Cuando empiezas un proyecto por amor al arte, con ilusión y ves que no te renta, no te da dinero y por ello pierdes esa ilusión, es que no crees en tu proyecto. ¡Pero no solo yo! En este proyecto cree más gente, lo hace más gente y si ellos no se cansan es por que creen en él, y en cierta manera creen en mí y yo no puedo dejarles tirados.

No sé si tenemos la mejor calidad, los mejores textos, la mejor información, no sé si lo que hay interesa, ni siquiera sé que voy a hacer en el siguiente número.

Pero me divierte, me tranquiliza, me levanta el ánimo y eso es un objetivo cumplido. ¿Qué más puedo pedir? E-vo-lu-ción es el camino.

Si ves evolución, sientes el objetivo.

FELIZ 2º ANIVERSARIO a todos los que hacen KOOSS Magazine.

Vamos a seguir divirtiéndonos.

FotografĂ­a de Judith Moreno para LEXDEUX

¿Qué ver?

NEWS

ITALY IN HOLLYWOOD

FUTURISMO ITALIANO CONDES DE WINDSOR LORDLOFT

MI LIBERTAD MONARCHY Carlos SADNES

ALBERT WATSON MODEL News ANEL Yaos LEXDEUX Sara RIVERO

ArTE

Jesu YÁÑEZ PABLO SALVADOR AndrÉS ToRRES JOAQUIN VIÑA

CLAUDIO PARENTELA

MODA phOto EDITORIAL CINE CAROLINA JIMÉNEZ

ESTRENOS LOST iN SpACE THE RAIN CAMARÓN TABIB

TRAVEL

PROPONIENDO Destinos

DESCUBRIENDO

DISFRUTA DE

LA MEJOR MÚSICA www.dreambeach.es

DREAMBEACH2018 NewEra

E

n estos tiempos tan cambiantes, las historias de éxito van y vienen con sorprendente regularidad. A los apenas 20 años de edad, sin embargo, Martin Garrix ha demostrado su asombrosa habilidad para moverse con experiencia por la industria del entretenimiento competitivo y se ha establecido como un gigante en el mundo de la electrónica y el pop. Esto demuestra su talento, madurez y visión.

Si 2013 fue su año de lanzamiento, 2016 fue el año en el que se convirtió en algo más que un artista de la música dance. De hecho, la música dance sigue siendo su amor y su objetivo, pero tras su éxito #1 “In the name of love” con Bebe Rexha, los horizontes de Garrix se han ampliado considerablemente.

Este gran éxito también le sirvió para marcar el comienzo de un acuerdo global con Sony Music Internacional y para lanzar su propio sello STMPD RCRDS en 2016 para lanzar sus temas y colaboraciones originales: ya ha comenzado a apoyar y lanzar nueva música de otros grandes artistas y talentos emergentes por igual.

Convertirse en mentor de otros artistas a la edad de 20 años es solo otra de las hazañas de Garrix y su compromiso de utilizar su posición para atraer nuevos talentos es admirable. “Yo quiero hacer mi sello más diverso”, afirma.

Su debut en 2013, Animals, fue el número 1 en el Reino Unido, un verdadero éxito que se creó con la pista de dance en mente. Rápidamente, se dio a conocer por todo el mundo, colaborando con estrellas como Tiësto, Avicii y Usher.

“In the name of love” marcó el próximo capítulo de sus éxitos, incluyendo una aparición en The Tonight Show protagonizado por Jimmy Fallon, donde actuó

en directo con la guitarra. También ganó dos premios en los MTV Europe Music Awards, donde una vez más trajo su guitarra. Las varias actuaciones en directo son prueba del talento musical que tiene. En enero de 2017, lanzó otro single de éxito: “Scared to be Lonely “con Dua Lipa.

Sin embargo, él mantiene la cabeza fría, pensando siempre en su próximo movimiento. No ha seguido ninguna ruta establecida de camino al éxito: en su lugar, está rompiendo con las reglas y haciendo lo que cree.

A pesar de todas estas nuevas y emocionantes oportunidades y desafíos, Garrix no puede dejar de lado su trabajo como DJ. La sinergia entre su estudio y los shows en directo es innegable. Esto lo llevó al puesto #1 en DJ Mag’s Top 100 DJs Poll en 2016, tan solo tres años después del lanzamiento de su debut cuando aún no era conocido. Pero esto no es todo: también ha participado en los mayores festivales del mundo tales como Coachella, Lollapalooza, Ultra Music Festival y Tomorrowland.

La guinda del pastel son sus residencias masivas en las capitales de la música dance: Ibiza y Las Vegas. Después de un verano de éxito en Ushuaïa, Ibiza, el año pasado, Martin regresará para el icónico club al aire libre, así como para empezar una residencia en el evento de la nueva marca Hï, dándole la oportunidad perfecta para disfrutar aún más de sus deseos creativos.

“Este año no tendré una, sino dos residencias en mi isla favorita – Ibiza”, dice.

Forjando una carrera espléndida que contradice su edad, en tan solo cuatro años, Martin Garrix ha logrado lo que muchos solo podrían haber soñado en toda su vida. Para alguien que todavía no ha cumplido los 21 años, una cosa es cierta: este es solo el principio de Garrix.

"Italia en Hollywood"

Museo Salvatore Ferragamo

L

a fuente de inspiración para la próxima exposición del Museo Salvatore Ferragamo son los años que pasó el fundador de la firma en Estados Unidos, concretamente en Santa Bárbara, California de 1915 hasta 1927. Se inspira también en el trabajo de Salvatore Ferragamo con los directores más famosos del momento, como DW Griffith y Cecil B. DeMille, en la apertura de su tienda en Hollywood y la tienda de Ferragamo en Hollywood Boulevard, que frecuentaron algunas estrellas del calibre de Mary Pickford, Pola Negri, Charlie Chaplin, Joan Crawford, Lillian Gish y Rudolph Valentino. “Siempre he sentido un paralelismo entre la industria del cine y mi trabajo. Tal y como la industria de hacer películas ha crecido y evolucionado desde esos tambaleantes inicios, espero que también lo haya hecho la mía” La biografía de Salvatore Ferragamo es la base de la exposición. En esta destaca la migración italiana a California y la influencia que los mitos y la cultura que este hermoso país tuvieron en el estado. Una importante parte de la exposición está dedicada a producciones cinematográficas que se grabaron en California en las que se observa una gran influencia italiana. La exposición se centra en el mundo del arte, los artesanos y el entretenimiento, que son los pilares fundamentales de la creatividad de Ferragamo. Estos elementos los presenta como si fueran la trama de una película.

Maurizio Balò se ha inspirado en los estudios cinematográficos estadounidenses de los años veinte para diseñar una exposición que hará que los visitantes sientan que están en el rodaje de una película real.

Durante la década que pasó Salvatore Ferragamo en California, las películas mudas italianas regalaron a Hollywood potenciales dioses del cine como Lido Manetti, Tina Modotti, Frank Puglia o Lina Cavalieri. Esta última aparece en la exposición junto con 40 de los 300 famosos retratos que Pietro Fornasetti hizo de ella en placas de cerámica. Otros jóvenes italianos, como Rodolfo Valentino, usaron su carisma para impulsarse a la fama, creando el actual concepto de diva.

En la exposición destacan también nombres y personalidades de figuras ilustres menos conocidas, pero que hicieron grandes contribuciones a la música italiana, esclareciendo la opinión contradictoria de la cultura WASP (White Anglo-Saxon Protestant) (Protestante anglosajón blanco) sobre los ítalo-americanos. Los californianos estaban divididos entre su consideración positiva sobre la historia y tradición italiana, y su percepción negativa sobre algunos estereotipos italianos como su tendencia a actuar de manera excesivamente instintiva, pasional y sentimental. Ciertos intérpretes lograron equilibrar a la perfección la relación existente entre naturaleza y cultura, como Enrico Caruso, que aprovechando al máximo los talentos naturales de su voz y cuerpo, los perfeccionó a través de la técnica y el arte.

Con fotografías, clips de películas, trajes de las mismas y representaciones artísticas, la exposición ilustrará las relaciones y el papel desempeñado por los italianos y el arte italiano en el nacimiento del cine mudo. De hecho, el proyecto "Dos jóvenes italianos en Hollywood" organizado por Lo Schermo dell'Arte Film Festival es una parte importante de la exposición, en la que dos jóvenes artistas italianos con base en Los Ángeles, Manfredi Gioacchini y Yuri Ancarani, fueron invitados a contribuir en un proyecto original con una serie de fotografías y vídeos que tratan la presencia de Italia en Hollywood. Han pasado cien años y ¿quiénes son los italianos que trabajan en Hollywood a día de hoy? ¿qué es lo que impresiona de California a los artistas llegados de Italia?

Esta exposición no se habría podido llevar a cabo sin la contribución de museos y colecciones públicas y privadas de Italia y Estados Unidos, los cuales han cedido prestigiosas obras. También se ha contado con el experto y generoso asesoramiento de reconocidos institutos de historia y cine. En la exposición también se da lugar a producciones estadounidenses filmadas en Italia en esta época, como Ben Hur y Romola, protagonizada por Lillian Gish y filmada en Florencia en los Estudios de Cine Rifredi.

La exposición acaba con una sala dedicada a Salvatore Ferragamo, en la que el museo recrea de manera fiel el Hollywood Boot Shop que el gran artesano italiano abrió en 1923. Una instalación audiovisual que mostrará cortos sobre la vida en Hollywood en los años veinte.

En aquella época, Hollywood era poco más que una pequeña ciudad. Había solo unos pocos estudios de cine y eran pequeños, con presupuestos aún más bajo. Pero cuando Ferragamo dejó Estados Unidos en 1927, todo esto había cambiado.

Città Nuova

ARQUITECTURA E INTERIORES El Futurismo es una tendencia actual de la arquitectura e interiorismo que pretende mediante la utilización de nuevos materiales, nuevos elementos tecnológicos y una estética rompedora, plantear unos edificios e interiores originales y vanguardistas. Relacionada con esta tendencia está el Retrofuturismo, la visión que en el pasado se tenía del futuro.

El actual Futurismo tiene su origen y antecedente en una Vanguardia Artística de inicios del siglo XX, el Futurismo italiano. Las Vanguardias artísticas, también llamadas Vanguardias formales o ismos, fueron una serie de movimientos artísticos y de diseño (entre ellos el Cubismo, Surrealismo, Dadaísmo …) que transformaron el concepto del arte y rompieron con las tendencias academicistas y clasicistas del siglo XIX. Trajeron la modernidad al arte, arquitectura y diseño.

El Futurismo Italiano fue una tendencia innovadora, vanguardista, rompedora, que surgió en la primera década del siglo XX. Rechazaba el mundo clásico. Reivindicaba la modernidad, el mundo nuevo de la industria y la máquinas. Se desarrolló en los campos del arte, literatura, moda, diseño gráfico, arquitectura y urbanismo. Su líder fue Filippo Tomasso Marinetti (1876-1944), un poeta italiano, que en 1909 publicó el manifiesto del movimiento, el Manifiesto Futurista. Pertenecieron a él artistas y diseñadores como Umberto Boccioni, Gino Severini, Carlo Carra y Giacomo Balla. A partir de los años veinte perdió fuerza y parte de sus miembros se integraron en el movimiento fascista italiano.

Podemos marcar como inicio de la arquitectura futurista el año 1914. En esta fecha Sant’Elia publica el Manifiesto de la Arquitectura Futurista.

Antonio Sant’Elia (1888-1916) era un arquitecto y urbanista italiano. Fue profesor de Diseño Arquitectónico y formó el grupo Nuove Tendenze.

Su interés por las vanguardias y su relación con miembros del futurismo le llevaron a realizar el manifiesto. En él se expresaban sus nuevas ideas sobre la arquitectura y las ciudades del futuro

Una arquitectura y unas ciudades que no debían tener nada que ver con las de los siglos pasados.

La arquitectura futurista se basaba en la funcionalidad, era dinámica, daba una importancia absoluta a la tecnología, utilizaba como materiales el hormigón armado, cristal y el hierro, dejaba de lado la ornamentación, utilizaba un violento colorido y no buscaba la monumentalidad. Una arquitectura inspirada en un mundo mecánico-industrial. Esta nueva arquitectura suponía también un nuevo urbanismo. Sant’Elia planteó un proyecto de nueva ciudad, Città Nuova. Una ciudad que funcionaba como una máquina dinámica. Con calles bajo tierra a diversos niveles; con edificios comunicados por pasarelas, cintas mecánicas y ascensores; en que se eliminaba la noche mediante gigantescos focos o soles artificiales volantes…

Los interiores futuristas siguieron los conceptos de la arquitectura. Así en su proyecto de Casa Futurista Vicenzo Fani, partía de una distribución de habitaciones a distintos niveles y la casa dispondría de un motor para girar sobre sí misma y aprovechar mejor la luz solar. Giacomo Balla realizó el interior de su propia casa en Roma, partiendo de las bases del estilo. La Casa Zampini (Macerata) de Ivo Pannaggi (1926), es seguramente el mejor ejemplo de interiores futuristas.

El mobiliario futurista utilizó colores intensos y brillantes, dejó de lado la ornamentación. Muestra de ellos son los muebles realizados por Giacomo Balla.

El futurismo italiano, aparte de ser la base de la actual tendencia futurista, influyó en el Movimiento Moderno, sobre todo en el estilo De Stijl holandés y el Racionalismo italiano. El Brutalismo, por otra parte, ha adoptado elementos de su estética.

Texto Fausto Sánchez Cascado

Futurismo Italiano

C

WINDSOR

CONDES DE

Texto Marina Salas

@mthenaked

uando el rey Eduardo VIII decidió renunciar a su trono para estar con el amor de su vida, Wallis Simpson, norteamericana divorciada, todo el mundo consideró que era la mejor historia de amor que podía existir. Una historia con un tono de polémica detrás.

Cuando los duques de Windsor dejaron Inglaterra, y se mudaron a su nuevo hogar, Francia, comenzaron una vida inútil, sin qué hacer, y muy pero que muy frívola. Comenzó su nueva vida juntos después de su lujosa vida en el Castillo Candé a Monts, intercambiándose unas alianzas realizadas por Cartier, en cuyas esferas se sujetaba una esmeralda de 20 quilates, con una inscripción donde ponía “Ahora somos 27X36” refiriéndose a su fecha de boda.

Vivían a las afueras de París en una residencia algo más que lujosa se podría decir. Pasaron su vida viajando de país en país, asistían a fiestas y a torneos de golf, como cualquier society que se precie. Les llegaron a pagar por asistir a tales eventos.

Tuvieron contacto con Adolf Hitler gracias a su amiga Diana Milford, otra society cuya su vida y la del resto de sus hermanas merecen mención también. Está claro que tuvieron contacto con todo tipo de personas y que fueron influyentes de una forma u otra en la historia.

Su vida estuvo llena de regalos y joyas, el duque de Windsor era un cliente continuo de Cartier, ya que llenó a Wallis de regalos, aunque luego a posteriori nos hemos podido enterar de que muchas de esas joyas fueron impagadas, probablemente otra de sus frivolidades, viviendo en un mundo de lujos y placeres que no era necesario que ellos mismos se costearan.

Todo esto se pudo ver en una pitillera y una polvera de Cartier que los duques tenían, en las cuales podía verse grabado el mapa de Europa y en el que por cada ciudad que visitaban, en sus primeros años de matrimonio, la marcaban con una piedra de colores e iban uniendo con líneas de esmaltes azules y rojas su recorrido.

Cuando los viajes se relajaron y tan solo viajaban para ir de fiesta en fiesta, la pareja se convirtió en el principal foco de la prensa rosa: Wallis era una y otra vez portada de Vogue, haciendo que todas las mujeres se muriesen por vestir como ella y copiasen su estilo; y el duque se convirtió en icono de estilo masculino. Si querías ser un hombre elegante tenías que seguir los códigos estéticos del duque de Windsor. Llevaba trajes de tweed, el tradicional Kilt escocés en la misma ciudad, los jerséis fair isle que llevaba una y otra ver marcaron tendencia, también las combinaciones que vestía -que se podían considerar fuera del código estético al mezclar cuadros con rayas, el rosa y el azul...- fueron admiradas.

Se le considera el creador del nudo Windsor, el duque sabía llevarlo y además hacer que muchos otros también quisieran usarlo. Cada una de sus prendas se las hacían en los mejores talleres de costura masculina. Está claro que el duque de Windsor era el mejor vestido de la época.

Su casa tampoco se alejaba del gran lujo, decorada íntegramente por Wallis, todo en el conocido como azul Windsor, combinado con gris o azul más oscuro. Cada estancia de la casa tenía un olor diferente, gracias a los pebeteros de Guerlain que se repartían por cada lugar.

También se pudo ver su excentricidad y gusto por el lujo en la sesión de fotos que le hizo el gran Cecil Beaton en su hogar.

La pareja demostró muchas cosas en sus años juntos. Hucieron que les amasen y les odiasen, que todo el mundo estuviese pendiente de cada uno de sus movimientos y que un gran sector de la sociedad quisiese ser como ellos. Seguramente si en esos años hubieran existido las redes sociales,hubiesen desbancado a cualquiera en cuanto a número de seguidores.

Eran lo más hacia mediados del siglo pasado y su leyenda hace que lo sigan siendo.

LORD LOFT a medida de una vivienda

REFORMA PARA UN ‘SINGLE’

Os presentamos el Lord Loft, nuestro último trabajo de interiorismo con sello 100% Tiovivo creativo: la reforma a medida de una vivienda para un ‘single’ en Valencia. En el estudio somos especialistas en diseños que dotan de identidad propia a cada espacio, por eso, tras conocer las necesidades y la personalidad del propietario de este loft destinado a oficinas, ubicado la Ciudad Gran Turia conocida antes como Ciudad Ros Casares, el reto lo tuvimos claro. La vivienda para un ‘single’ exigente y detallista, apasionado de la libertad, del ciclismo, la naturaleza, y poco amigo de los convencionalismos, debía reflejar su identidad en cada detalle para que se lo sintiese como su auténtico hogar.

Un romántico del siglo XXI que necesitaba conciliar en un mismo espacio su vida social y privada.

Todo ello aderezado con una optimización del espacio y un diseño funcional que ofreciera soluciones de almacenaje, ya que se partía de un espacio de tan sólo 60m2.

Materiales nobles, techos señoriales, grandes lienzos y espejos, iluminación decorativa, sala de trofeos, vistas al jardín… son algunos de los elementos con los que hemos jugado para crear un ambiente palaciego.

La reforma de la vivienda ha sido integral, ya que carecía de revestimientos, pavimentos, y acceso a la zona superior del loft dúplex. Primeramente, se amplió el altillo para hacerlo habitable y ubicar la zona privada de la vivienda: dormitorio, vestidor, baño, y zona de estudio. Los espacios del altillo, la planta baja y terraza, se unificaron gracias a una escalera metálica diseñada para conectarlos y realizar, a su vez, la función de mueble de TV y soporte de huerto urbano en la terraza exterior.

Las huellas de la escalera se han realizado con suelo vinílico, simulando el aspecto de fibras textiles trenzadas, añadiéndole calidez y confort a la pisada, además de hacer referencia a las elegantes alfombras de pasillo clásicas.

Al tratarse de un espacio tan reducido, las diferentes alturas del espacio han jugado un papel esencial en la zonificación de la vivienda, ya que su acceso principal se encuentra en la planta baja, destinada a las zonas comunes, quedando el altillo reservado para las zonas privadas. La planta baja cuenta con una cocina totalmente equipada, un gran salón, módulos de almacenaje, cuarto de limpieza, aseo de invitados, y gimnasio.

MI LIBERTAD MI LIBERTAD MI LIBERTAD MI LIBERTAD MI LIBERTAD MI LIBERTAD PODRÍA IR DESNUDA POR LA CALLE QUE NO ME TIENES QUE DECIR NADA.

Texto Marina Salas

@mthenaked

Para mí la moda es un arte, una vía de escape para todo. Vestirte y conseguir que cambie tu estado de ánimo completamente, hace que la ropa se convierta en una herramienta indispensable en nuestra vida. Al final la ropa dice un poco de lo que somos, de quiénes somos, cómo somos, qué sentimos, y hasta de qué podemos pensar. Lo primero que ven de nosotros es nuestra imagen, y se crea una idea preconcebida. Es así.

Pero todas las noticias que están apareciendo en los medios me han hecho pensar. ¿La ropa que me pongo puede decir a alguien que busco algo? ¿Que estoy dispuesta a cualquier cosa? ¿Que pueden decirme algo sobre mi aspecto? ¿Que pueden tocarme? ¿Si esto es así tengo que dejar de vestirme como yo quiero para evitar todos esos pensamientos, actos, comentarios... ?

Yo creo que no. La verdad es que nunca he dado valor a la desnudez, todos los cuerpos son hermosos. Una mujer puede mostrar su cuerpo como quiera, ya sea explicitamente o no, mediante su ropa.

Hoy decidí ponerme un vestido que me cubría del cuello hasta los tobillos, pero marcaba mi figura. Cuando salí a la calle me sentía segura, bien, pero eso fue disminuyendo mediante pasó el día gracias a los comentarios desafortunados de una persona sobre mi pecho y mi cuerpo. Eso hizo que mi ánimo decayese y me sintiese mal por ir marcando mi figura por la calle. ¿Eso es justo? Pensar que me van a mirar o van a decirme algo no puede determinar cómo me visto o me maquillo, ni a mí ni a nadie.

También pienso en aquellas veces en las que las mujeres somos machistas con nosotras mismas por la ropa que llevamos, esto es inconcebible. Nosotras tenemos que ser las primeras que luchemos por este tipo de comportamientos, y corregirlos.

Todo esto me hace reflexionar en cómo deben sentirse todas esas mujeres que han sufrido un acoso sexual más fuerte y han tenido que permanecer en silencio, que han sido violadas, incluso que han muerto. ¿Puede que fuese la ropa que llevaba en ese momento la que incitase ese comportamiento en el hombre? Y si fue así, ¿por qué? ¿Qué hace que una falda incite a alguien a agredir a otra persona? No logro entenderlo, y me da tanta pena...

Sin embargo hemos visto cómo los personajes públicos han usado la ropa para reivindicar todo esto. El color negro inundaba la alfombra roja de los diferentes premios: los vestidos, los esmóquines, los trajes, todo era negro. Y el negro nunca brilló tanto por tantas mujeres. O incluso cuando los actores han repetido look en una misma alfombra roja, la de los premios Feroz, con el traje de Ernesto Artillo, para hacer eco de algo que tenía que ser gritado.

Nuestra ropa tiene que hacernos sentir bien, preciosas, no inseguras. No importa el largo, el escote, el tejido, todo eso no importa. Nada justifica ningún tipo de acoso sexual, ningún comportamiento que nos haga sentir mal. Me pongo lo que quiero, cuando quiero y como quiero, no tienes por qué decirme nada ni tocarme. Podría ir desnuda por la calle, que no tienes que decirme nada.

Imagen Pablo Ezquerra

@blosky

MONARCHY “MID:NIGHT”

Su nuevo single y video dirigido por Alberto Van Stokkum y protagonizado por la actriz Ana Rujas La nueva canción del dúo de synth-pop anticipa y titula su nuevo álbum de estudio que se publicará antes de verano.

En el vídeo puede verse a la actriz española Ana Rujas protagonizando una historia de amor reprimido en una comunidad bizarra y deshumanizada Tras superar los 2 millones de reproducciones en plataformas digitales y hacernos bailar con su último single “Hula Hoop 8000” (que resultó ser una de las canciones más radiadas en 2017), Monarchy, el dúo de synth-pop formado por los australianos Ra Blacky Andrew Armstrong, presenta ahora “mid:night”, canción que anticipa y titula supróximo álbum de estudio, cuya publicación está prevista para antes de verano."mid:night" ya está disponible para escucha y descarga aquí.

Sobre el proceso de creación de “mid:night” Ra Black comenta: “la primera semilla de esta canción surgió tras volver a Londres después de un largo viaje y de caer profundamente enamorado. Ese bello y vertiginoso sentimiento que ocurre cuando ves a la persona que deseas en cada objeto animado o inanimado. Pero en este momento también estaba atravesando una situación difícil, con multitud de adversidades y la esperanza rota. Entonces comencé a correr para mantener mi mente sana, pero en algunas ocasiones todo era demasiado complicado de procesar… entonces creé “mid:night”, el lugar que representa un santuario para mi cabeza. Cierro los ojos y me traslado al espacio, donde me siento pequeño pero en paz entre las estrellas.”

Andrew Armstrong añade: “para esta canción quise usar la voz de Ra también como un instrumento que añadiese dinámica a través de toda la canción. Es por eso que hay sonidos vocales, coros, el gran momento “outro” e incluso elementos de percusión creados a partir de la voz de Ra. El resto es una exploración de los sonidos funk-disco franceses llevados al estilo de Monarchy.”

La canción “mid:night” se acompaña de un videoclip dirigido por Alberto Van Stokkum, reputado fotógrafo reconocido por sus trabajos para grandes firmas y publicaciones internacionales de moda.

“Para este vídeo he querido mezclar dos universos totalmente antagónicos como son los amish y el latex; al unirlos se crea una estética oscura e inquietante, en este contexto hemos situado una historia de amor prohibido entre dos chicas (con la actriz Ana Rujas como protagonista) en una comunidad bizarra y deshumanizada. La banda toca en esta comunidad haciendo que experimenten la música como nunca antes, haciéndolos entrar en trance.”, comenta Alberto. El diseño de vestuario ha corrido a cargo de la estilista Julia Gándara con diseños y prendas de Jara Maldonado, que también ha diseñado en exclusiva la capa que muestra en el vídeo el cantante de Monarchy, Ra Black. Ana Locking también ha colaborado en el vestuario y la firma MadRubb ha fabricado las prendas de latex. @avanstokkum

@monarchysound

@ana_rujas

Carlos Sadness

D

esde hace unos años siguiendo la pista de este músico-ilustrador, para mí el terreno más destacado fue la música ya que es donde le conocí, aunque poco a poco vas descubriendo el resto de sus facetas, e ilumina todas ellas.

Entonces decidí que podríamos conócele un poco más, ya que ahora ha salido su nuevo disco y es una oportunidad para saber un poco más de él, sus éxitos, sus sueños, etc.

Entrevista Marina Salas

@mthenaked

Lo primero, quiero saber un poco más, ¿Quién es Carlos? Y una pequeña duda que tengo ¿Por qué Sadness?.

Lo de Sadness es por una confusión de un profe del instituto aunque también me gustaba el Infinite Sadness de Smashing cuando era adolescente. Se juntaron varios factores sin tener muy en cuenta el significado que, a la vista está, no pega del todo. Sobre quién soy, es una pregunta que requiere un viaje y un paisaje para su respuesta.

Tu música e ilustraciones parece que siguen una poesía parecida o incluso la misma ¿Qué ha supuesto el éxito en ambos terrenos? ¿Cambió algo en ti? ¿Has podido cumplir tus sueños?.

Si te refieres a entre ellas, sí, es coherente, porque las hace la misma persona y hay elementos que encontrarás en ambos lados. No me considero un ilustrador exitoso, no me dedico a ello. Hice el libro porque soy un personaje medianamente conocido que hizo pensar a una editorial que eso le haría vender libros. Si no fuera conocido, quizás no hubiera existido nunca ese libro de ilustraciones que para mí, sí es un sueño cumplido. Supongo que las gracias se las tengo que dar a mi faceta de cantante.

Si empezamos un poco por la ilustración ¿Qué significa para ti poder expresarte mediante la ilustración? ¿Qué esperas que los demás vean cuando ven alguna de tus ilustraciones?.

Para mí tiene un punto terapéutico y canalizador, no tan expresivo como la música, por lo menos en mi caso es menos explícito. No pienso mucho en eso, pero estoy en una etapa “bonitista”. ¿Esperabas que tus ilustraciones te diesen lo que te han dado? Es decir poder crear un libro. con el motivo esencial las ilustraciones, poder vender las litografías, ilustrar tus discos,…

Nunca pensé que sería algo a lo que me dedicase exclusivamente, y así ha sido, me parece un complemento a la música muy rico. Y eso me hace feliz la verdad. ¿Cómo has definido tu estilo a la hora de dibujar? ¿Crees que serás siempre fiel a tu estilo o que evolucionará con el paso del tiempo?.

A lo largo de mi vida ha cambiado. Hay una esencia, pero ha cambiado y ahora está en un momento muy naif del que estoy experimentando cómo salir. Esta etapa ha sido muy bonita porque venía de un lugar muy oscuro, pero siento que la he agotado prác-

ticamente.

Los fans siempre son una parte fundamental de cualquier movimiento artístico que se muestra al exterior ¿Qué han supuesto para ti? ¿Hay diferencia entre tus fans españoles y los latinoamericanos? ¿Qué significa Latinoamérica para ti?.

Sí, hay diferencia, es curioso. El español se adapta mejor a la experimentación, es menos conservador. El latino siempre tiene miedo a lo nuevo, se aferra mucho a lo que le gustó y parece que te enfrente a ti mismo, como si no fueras el mismo creador. Pero por otro lado el latino es muy apasionado y cuando algo le gusta lo ama casi para siempre y no lo abandona con facilidad, por eso me gusta tocar cosas antiguas en México. El español consume más deprisa. Pero bueno, esto son impresiones que tengo con mi música, no sé si significa que sean realmente así. Y obvio, generalizo.

Hay quien le da poca importancia, pero a mí me ha cambiado la vida. Voy y hago cosas increíbles.

Allí se toman muy en serio la música y los artistas han sido majísimos conmigo, ha sido un gustazo incluir toda esa parte del mundo en mi vida.

Y ahora toca la música ¿Qué color tiene para ti? ¿Por qué haces música?.

En la portada de mi disco se ve el color de la música para mí. Por qué la hago es difícil de responder, porque yo pensé que iba a ser pintor o algo así, pero se cruzó la música y encontré el canal perfecto para mover toda mi inquietud creativa. Forma parte de mí desde siempre, quizás no la música, pero sí el arte y la creatividad, desde que tengo uso de razón esa es mi motivación en la vida y lo que me ha distinguido siempre, estuviera donde estuviera.

El amor es un tema recurrente en tus letras ¿Qué otros sentimientos o experiencias esperas transmitir con tu música?.

El Amor engloba muchos sentimientos, tiene muchos matices, hay canciones que detrás del amor tienen otros mensajes. Cada canción es un mundo. ¿Cómo sientes la evolución de tu música?.

Creo que en los últimos 5 años se ha movido menos que en los 8 anteriores, pero se ha movido y hay canciones como Semitransparente que no

hubiera hecho hace 3, o Física moderna, que tiene cosas de toda la vida y otras muy nuevas. Este disco recoge muchas cosas aprendidas en más de diez años, antes de dedicarme así a esto. ¿El porqué de tus letras? ¿Vienen solas o las creas a partir de algún motivo?.

Todo lo digo por algo, claro, las letras es lo más importante para mí. Igual por eso no son súper diferentes entre sí, porque son muy mías y no escribo simplemente para rellenar la canción.

La verdad es que personalmente te vengo siguiendo un tiempo, y por ejemplo Perseide o Houdini para mi son canciones muy especiales. ¿Para ti cuál es esa canción que te hace sentir algo especial?.

Perseide también lo es para mí. Pero a mí me hacen sentir todas. Feria de Botánica, Sebastian Bach, Amor Papaya, son de mis preferidas.

Hablando de Houdini, que hay de Lupita, tu Ukelele ¿Qué hay detrás de ese instrumento? ¿Hay algún otro instrumento que te haga sentir algo especial?.

Houdini habla de un ukelele que me robaron, Lupita es otro, que me ha acompañado el último año porque Houdini tiene ciertos temblores

que ensucian su sonido. Tengo pendiente arreglarlo. A ambos les tengo cariño, pero tengo una acústica de 120€ colgada en casa con la que compuse toda La Idea Salvaje a la que también le tengo cariño y me fastidiaría perder.

Y ahora vamos a pensar un poco más en el presente, en tu nuevo disco, tu reciente creación ¿A qué sabe tu nuevo disco? ¿Qué pretendes mostrar con este nuevo trabajo?.

Creo que es luminoso, exótico y emocionante. Me gusta hacer canciones movidas con algo de emotivo y creo que aquí han salido unas cuantas así. No hay una pretensión tan clara, pero es un reflejo de mis últimos tres años, con conexiones a momentos imborrables de la infancia. ¿Para ti cuál es la canción principal de este nuevo trabajo? ¿La que más te gusta o la que crees que gustará más? ¿Cuál es la canción que tiene un mayor significado para ti?.

Para mí, la que lo define es Física Moderna, pero hay mucha variedad y es difícil que una lo represente al completo. Todas lo tienen las canciones tienen un significado, unas de una forma más existencial que otras, por ejemplo, Te Quiero un poco es una canción satírica, de diversión y obviamente tiene menos componente de corazón, pero lo tiene de mi sentido del humor, que es otro tipo de sensibilidad con la que me gusta trabajar.

He notado como algunas canciones tienen un toque más fresco, como las canciones que te gustan escuchar en verano ¿Ha sido intencionado o simplemente ha salido así? El proceso creativo te ha llevado a eso.

Es que también compongo en verano jajaja, de hecho ha sido un peligro estar tanto en México porque allí siempre ha hecho muy bueno.

¿Qué esperas que pase con él? Ya tienes entradas agotadas en algunos de los conciertos ¿Crees que será algo más grande que el resto? ¿Qué implica para ti este nuevo trabajo? ¿Y qué crees que va a suponer?.

De momento mi carrera siempre ha sido evolutiva, qué alegría. Ha sido nº2 en ventas superado por Operación Triunfo y no lo esperaba, La Riviera se agotó con mucha antelación y hay 30 y pico festivales cerrados en buena posición y condiciones. Creo que es un momento de recoger el curro que nos dio La Idea Salvaje, trabajo con un equipo de personas fantástico y ahora todo lo que parecía imposible, parece más fácil. Soy malísimo adivinando el futuro de los discos, pero espero que sea bonito. La idea Salvaje me dio cosas increíbles que ni siquiera había soñado.

Ahora escuchar su nuevo disco, Diferentes tipos de Luz y todas sus canciones pueden provocar estados de ánimo diferentes, pero la verdad que todos alegres, sus letras provocan cosas especiales y merece la pena que eso ocurra.

Texto Isabel Diz

Retratando historia “ Tenía la voluntad de dedicar mi vida a algo que me gustara. No creo que intentara expresar nada en concreto, sólo quería aprender” Albert Watson, fotógrafo (Edimburgo, 1942), y su clara y certera visión de lo que significa para él la fotografía.

ALBERT WATSON

Hijo de un boxeador y una maestra, tuvo claro al terminar sus estudios en el instituto hacia donde iba a encaminar sus pasos. Decidió apuntarse a una escuela de arte en Dundee, con la intención de convertirse en profesor de pintura o escultura. Sentía la llamada del arte.

Le hacía disfrutar. Watson pintaba cuadros y hacía cerámica. Simplemente, porque aquello le hacía sentirse bien.

Cuando su mujer, como regalo por su 21 cumpleaños, le regaló una cámara, el universo entero cambió para Watson. Estas palabras durante una de sus entrevistas definen a la perfección ese momento: “ recuerdo que cuando empecé a hacer fotos, me obsesioné inmediatamente y ya no pude parar”. Y le estamos eternamente agradecidos, porque este escocés con semblante amable y aire bohemio, se ha convertido en uno de los grandes iconos en fotografía de moda y celebridades de la última mitad de siglo.

La moda y sus modelos son una de sus pasiones. Albert Watson es conocido por su defensa a ultranza de la figura de la modelo, y ha conseguido captar con su objetivo a las más importantes. En su extensa lista, destacamos a su hipnótica Christy Turlington, Naomi Campbell, y por supuesto Kate Moss, quien ha protagonizado algunas de sus más célebres instantáneas, modelo por la que es sabido y reconocido siente verdadera devoción.

“Cuanto más grande es una personalidad, más sencilla es la foto” Así explicaba Watson la esencia de esta sesión fotográfica con su adorada Kate Moss. La mirada de la modelo refleja esa percepción por completo. La forma en la que el autor utiliza la luz, es también parte de ese planteamiento.

Apenas maquillaje en el rostro de Moss, su cabello natural, sin vestimenta que sirva de artificios. El resultado es el más difícil de captar, la naturalidad. Albert siempre sacaba lo mejor de ella. “ Pareces una ninfa del bosque”, dedicó a Kate durante esta sesión.

Mitos como Andy Warhol, Michael Jackson, David Bowie han pasado por su objetivo. Y también personajes como la reina de Inglaterra y Steve Jobs, de quien asegura “ odia a los fotógrafos”. Su imagen captada por Watson se ha convertido ya en su imagen oficial.

“Conseguí conectar emocionalmente con una persona que venía a regañadientes” Cuenta Albert Watson, que durante su sesión con Steve Jobs, le comentó: “ tengo una buena noticia, no voy a necesitar una hora, sólo necesitaré media”, a lo que Jobs, encantado, contestó: “se lo agradezco, porque tengo muchas cosas que hacer “. Y asegura el autor que desde ese momento el señor Jobs estuvo más receptivo.

Algunas curiosidades... ¿Sabías que Albert Watson nació ciego de un ojo? “ Tuve la suerte de escoger una disciplina donde hasta la llegada del iPhone, sólo necesitaba un ojo para mirar por el objetivo”. Afirmaba en una de sus entrevistas, y desde luego, nos sirve de ejemplo para no dejar que nada limite nuestras capacidades creativas, (ni ninguna otra).

Entre sus trabajos, destacan también decenas de carteles que Watson diseña para el cine.

Encontrarás sus trabajos en los carteles de Kill Bill, El código Da Vinci, Las horas, Chicago...

Podríamos seguir y seguir escribiendo de alguien de quien resulta tan fácil aprender, pero quizás necesitemos otro capítulo para seguir ahondando en esta inmensa figura. Hasta entonces, podemos resumir su espíritu con esta declaración suya, en respuesta a la pregunta que un periodista le dejó caer: ¿Piensa en la jubilación? Watson: “Esa palabra está prohibida. Para un fotógrafo, retirarse nunca forma parte del trato”. Simplemente, nos encanta este genio.

Tupac Shakur 1991 New York

Christyn Turlingten 1990 New York

@claudiamartin97

MO

DEL

Claudia Martín

A sus 21 años la madrileña Claudia Martín se posiciona como uno de los nombres de referencia participando en importantes desfiles en Paris y Milán.

Tras su paso por Madrid Fashion Week, donde ya es uno de los rostros habituales, Claudia Martín ha regresado a la Semana de la Moda de Milán donde ha participado en desfiles tan consagrados como Genny o Elisabetta Franci. París también se ha dejado seducir nuevamente por los encantos de Claudia, participando (por segunda edición consecutiva) en el desfile del japonés Yohji Yamamoto , siendo la modelo que ha clausurado su desfile, y para Comme des Garçons.

Pero Claudia no solo destaca entre las pasarelas, y esta temporada nos sorprende como imagen de John Galliano.

Con unas credeciales de 1,78m de estatura y con unas medidas de 84/59/90 cm.

Sin lugar a dudas Claudia destaca por su look rockero de melena corta y rizada, sus labios carnosos y su uso adecuado de las redes sociales (@claudiamartin97 en ig). Lo que la convierte en una modelo de su tiempo.

Y para el día que el teléfono deje de sonar con ofertas laborales Claudia tiene su particular plan B preparado, para ello estudia Administración y Dirección de Empresas en la Universidad Carlos III.

@rodrilaguna

LNE

WS

Rodrigo Laguna

Gran personalidad, un chico de 21 años que nació en Madrid y jamás pensó que la moda sería su vida y pasión. Con sus rasgos físicos Rodrigo Laguna demuestra personalidad y carácter allá donde pisa.

Ana Locking, Ion Fiz y Juanjo Oliva lo han vestido para la pasarela Madrid Fashion Week. Ha podido realizar trabajos para la firma de cosméticos MAC y está continuamente realizando editoriales de moda para diferentes revistas.

París y Milán han sido destinos de su prometedora carrera como modelo, se considera inquieto y creativo, por ello estudia publicidad y relaciones públicas en la universidad Rey Juan Carlos, pero siempre desde su casa, ya que así puede complementarlo con su trabajo como modelo.

Con su 1,87m de estatura y con unas medidas de 90/74/90 cm. Rodri Laguna destaca por sus facciones duras, masculinas, pelo largo, maneras de posar y sus características cejas que lo hacen único. Lo pueden comprobar en sus redes sociales (@rodrilaguna en ig). Modelo actual y moldeable a cualquier situación, está siempre preparado para ello, se lanza a la piscina con el apoyo de muchos que lo han visto crecer.

Rodri es un tio con clase.

Fotografías Kristen Wicce @kristenwicce

Anel Yaos

A

nel Yaos siempre ha querido transmitir lo surrealista de las cosas y mirar desde otro punto de vista, desde el cual muy pocas personas han mirado. Busca constantemente alzar a ese personaje enigmático sin sexo creado en su mente a una posición muy elevada. No por su estatus social, sino por su forma de ser. Ese personaje imaginado puede, a su vez, aliviar la angustia buscando un modo propio de expresión que represente cómo se siente en cada momento; y que no pertenezca a un grupo en particular para ser aceptado, sino a un grupo único. En el proceso creativo y estudio de las colecciones, Anel Yaos siempre tiene presente los maravillosos años 70 y 80, lo ambiguo, la evolución, los volúmenes, y sobre todo lo más importante, “llamar la atención”. En 2005, Anel Yaos se forma en la Escuela de Arte de Sevilla; en 2007, estudia Escaparatismo en la Escuela de Arte de Sevilla; en 2009, Diseño y Gestión de la Moda en la Escuela Ceade-Leonardo, Sevilla; en 2014 Moda y Comunicación (innovación, creatividad y nuevos retos profesionales) en la Escuela Pablo de Olavide, Sevilla; y en 2014, un Máster en estilismo, dirección de arte y publicidad en la Escuela Superior de Diseño y Moda, Felicidad Duce, Barcelona. Tras sus logros en un corto periodo de tiempo Anel Yaos, empieza a trabajar, como Director Artístico y Creativo en varias plataformas de comunicación y firmas de moda; teniendo un gran número de apariciones en la prensa destacada del sector, tanto nacional como internacional.

A

nel Yaos presenta su primera colección O/I 13-14 “The other side of heaven” en la pasarela Andalucía de Moda, en la que gana el premio a mejor diseñador joven de Andalucía.

Con la misma colección gana un segundo premio a mejor colección en el concurso Lesley Nicole Sekulich Awards; desfilando también con esta en ZONA D de Valencia Fashion Week. Repite en Valencia Fashion Week con su segunda colección P/V 14 “Rohumine”, y gana el premio a mejor diseñador emergente, lo que le abre las puertas a la pasarela principal de VFW en ediciones posteriores con su tercera colección P/V 15 “2255” (veintidós cincuenta y cinco), desfilando también en South Cádiz. Presenta su colección P/V 16 “2256” (veintidós cincuenta y seis) secuela de la colección “2255”, junto con la colección O/I 16-17 “Coven”, en el showroom EGO Mercedes Benz Fashion Week Madrid. Y repite en la pasarela South Cádiz con la colección “Coven”. Vuelve a presentar en el showroom EGO Mercedes Benz Fashion Week Madrid, su nueva colección cápsula P/V 17 “XXLS”. Presenta su colección O/I 17-18 “Odaxelagnia”, en la pasarela 080 Barcelona Fashion y también en el showroom EGO Mercedes Benz Fashion Week Madrid. Por último presenta su nueva colección “Ansia”, en la pasarela y showroom Samsung EGO Mercedes Benz Fashion Week Madrid.

¿Quién es Anel Yaos?.

Creo que es un loco viviendo en un mundo en el que a veces es muy incomprendido, un mundo en el que a veces se le hace muy pequeño y otras veces demasiado grande. Pero lo más importante un mundo que le hace sentir. ¿Cuál es la filosofía de tu marca?.

Anel Yaos siempre ha querido transmitir lo surrealista de las cosas y mirar desde otro punto de vista, desde el cual muy pocas personas han mirado.

Busca constantemente alzar a ese personaje enigmático sin sexo creado en su mente a una posición muy elevada. No por su estatus social, sino por su forma de ser.

Ese personaje imaginado puede, a su vez, aliviar la angustia buscando un modo propio de expresión que represente cómo se siente en cada momento; y que no pertenezca a un grupo en particular para ser aceptado, sino a un grupo único.

En el proceso creativo y estudio de las colecciones Anel Yaos siempre tiene presente los maravillosos años 70 y 80, lo ambiguo, la evolución, los volúmenes, y sobre todo lo más importante, “llamar la atención”. ¿Qué resaltarías de Anel Yaos? ¿Qué tienes que se diferencie del resto?.

Eso mismo me pregunto, tras observar las colecciones del resto veo que tienen estilos muy marcados o siempre la misma línea. Al observar mis colecciones veo que no tienen nada que ver unas con las otras, ya que cada concepto o inspiración que siempre llevo a cabo van dirigidas por mis sentimientos o por lo que estoy viviendo en ese momento. Si estoy bien o viviendo algo bonito pues mi creación tiene un estilo más romántico; si estoy mal o perdido pues mi creación es un caos. Tras meditarlo observando todos mis trabajos creo que mi estilo mezcla lo visionario, la innovación, el exceso en ocasiones, el más es más, el llamar la atención… Pero siempre con ese toque romántico, melancólico y tradicional. Siempre quise tener un estilo definido, pero tras los años me di cuenta que me encanta mi versatilidad y que nunca sabré que haré en el siguiente proyecto.

¿En qué encuentras la inspiración para una colección?.

Como dije anteriormente encuentro la inspiración en mi sentimientos, y en lo que este viviendo en ese momento, ya que mi creación es mi forma de expresión y el mundo al que amo, y si yo no siento no puedo crear. ¿Qué es lo más bonito del proceso creativo y lo que eliminarias?.

Lo más bonito es cuando se comienza a crear el concepto, buscar formas, ideas, materiales, estilismos… Aunque en ocasiones es una locura porque por ejemplo voy en la búsqueda de tejidos o materiales y me gusta todo, y para mí todo vale. Y empiezo a acumular tejidos, estilismos y ya le voy dando forma a todo. Y lo que eliminaría es cuando ves un look que en tu cabeza y en el boceto queda genial y cuando lo ves terminado y puesto en la modelo es un horror. ¿Qué supone una gran pasarela para ti? ¿Estar presente en Samsung EGO que puertas reales te brinda como diseñador?.

Pues estar en esta pasarela supone un gran escaparate para dar visibilidad a tu trabajo y que el público pueda verlo en primera persona. Las puertas que te brinda pueden ser muy diversas, aunque salen cosas muy interesantes y conoces a gente muy peculiar, y todo lo nuevo y diferente suele captar mucho mi atención.

Una persona que se inicia en el diseño de moda, ¿qué obstaculos se encuentra a la hora de crear?.

Creo que los obstáculos que se pueda encontrar sean los que esa persona quiera encontrarse, porque si haces lo que realmente quieres sin importarte el qué dirán o las “normas” que ponga la sociedad, y sobre todo creer en ti y tu trabajo irá todo sobre ruedas. Hay otros obstáculos más importantes como el económico, si no tienes dinero no puedes hacer nada.

Para poder triunfar en la moda según tu punto de vista, ¿cuál es el porcentaje de creación y cuál el de marketing y comunicación en tiempo invertido?.

Bueno, ya sabemos que sin un buen marketing y comunicación es difícil seguir adelante, pero también es importante que tu producto sea bueno y diferente al mercado que hay. Aunque también un buen marketing y comunicación puede hacer que un producto no muy bueno llegue lejos. Así que yo diría que 50% cada uno, tener un buen producto y un buen plan de marketing y comunicación. ¿Cómo defines tu obra? y, ¿cómo crees que está la moda en España hoy día?.

Mi obra la defino como surrealista, al fin y al cabo hago lo que quiero, lo que me nace, sin regirme por nada ni nadie, y sin ver si una cosa pega con la otra, creo que me gusta lo absurdo, que nada tenga que ver con nada, aunque para mí todo lleva un hilo conductor y una gran armonía en el resultado final. Y la moda en España digamos que va poco a poco, aunque todavía queda mucho por recorrer. ¿Opinas que para vivir como diseñador tienes que hacer ropa comercial? ¿Dónde triunfa la ropa menos comercial?.

Realmente siempre he pensado eso, o eso me han hecho creer que piense, aunque la mayoría de mis prendas que se han vendido son las más imposibles, diferentes o peculiares. Creo que la gente está cambiando el concepto y quieren comprar prendas innovadoras, especiales y sobre todo únicas, que no salgan a la calle y la misma prenda la lleven 1.000 personas. Aunque en España, como dije anteriormente, queda mucho camino por recorrer. ¿Qué harás este año para liberar tensiones?.

Escuchar música y viajar lo que pueda, la suma de estas dos cosas me hacen estar en continua inspiración y tener los sentimientos a flor de piel, y si no siento no puedo crear.

FotografĂ­as Judith Moreno @judith.moreno

MI OBRA: Es un reflejo de lo que soy. De mis inquietudes y gustos. Mi ideal de belleza.

Un trabajo con vistas al futuro pero sin olvidar la tradición.

LEXDEUX

Desde pequeño sentía curiosidad por los tejidos y la moda en general.

Siempre he tenido claro que quería dedicarme a ello. Esto es algo vocacional.

Los que nos dedicamos a esto lo hemos sabido; digamos casi todos por si acaso.

Igual que la persona que quiere ser arquitecto y empieza a formarse y leer revistas especializadas en arquitectura, o simplemente mirarlas para cultivar la mirada, a mí me pasaba igual con los especiales de costura, las revistas de mi hermana o los tejidos en los cuadros del Prado.

Así que decidí formarme en la escuela de artes de Madrid y al terminar empiezo en el taller de Ángel Schlesser. Trabajé cerca de 5 años y en el 2007 me traslado a Barcelona donde me adentro en el mundo del retail. Ya en el 2014 empiezo a darme cuenta de que tengo que volver a la idea original. Diseñar y crear una firma.

LEXDEUX es un nombre que como palabra no significa nada.

Es la variante que di a “les deux” - “los dos” en francés. Originalmente en el proyecto estábamos dos personas. Y nos hacía gracia la referencia a nosotros y al momento en el que estás solo en la habitación delante del armario con tu ropa pensando que ponerte. ¿Cómo nace en ti la idea de coser y diseñar ropa?.

Sentía curiosidad por los tejidos, las texturas. Sin darme cuenta llegaban a mí publicaciones de moda, revistas y especiales de costura o programas de televisión con especiales de las semanas de la Moda de París, Milán...

Aunque también creo que tiene algo que ver una tía de mi madre que era la mejor modista de Talavera. ¿El gusto que tienes, es inspiración de?.

De cualquier momento o cosa que haya vivido o visto y me haya provocado una reacción positiva o negativa.

De todo se aprende algo, como en la experiencias.

El arte, las vanguardias, por ejemplo son un continuo referente en mis colecciones sobre todo para los colores. En esta de verano que acabo de presentar la paleta cromática viene marcada por un cuadro de Rothko. O la silueta limpia, de líneas depuradas combinadas con la nueva costura. ¿Qué es lo más importante a la hora de crear?.

Lo que trato es dar a las prendas una vida funcional. Que se usen, que sean bellas, armónicas, que sienten bien, que estén bien acabadas y que la clienta se sienta cómoda.

¿Cómo es el acabado de tus prendas para hacerlas ocultas?.

La parte artesanal de la firma, los acabados a mano, o el querer ocultar las costuras interiores (algo casi maniático) es algo que he querido mantener desde que empecé. Tengo la “obsesión” de que los interiores de las prendas tengan tanto protagonismo como el exterior. Es dar a la prenda un valor añadido en su aparente simplicidad. ¿Que es la belleza para Lexdeux?, ¿Donde está el equilibrio perfecto?.

Un conjunto de armonía en formas, colores, tejidos y de pequeños detalles.

Yo confío siempre en no cargar la silueta, en encontrar un volumen controlado y que seas tú quien lleves la prenda y no al contrario.

¿Te veremos desfilando en MBFWM?.

Cualquier tipo de FW es buena y la proyección mediática es mayúscula, eso no hay que olvidarlo. Y ya simplemente por eso es muy favorable para un diseñador o firma estar allí. Pero organizar un desfile es mucho más trabajo que ir, desfilar, saludar y fotos en en kissingroom . Y creo que todo tiene que hacerse a su tiempo, sin prisas y bien. Las cosas tienen sus tiempos naturales y no hay que forzarlos.

Por el momento trabajo en presentaciones con prensa y personas que se identifican con la firma y amigos que me apoyan. Por ejemplo, la colección de invierno fue en el Almacén de decoración Alquian & Hóptimo y esta de verano 2018 es en la joyería Barcena de Madrid. Lugares que me ayudan a Ambientar la colección y donde las prendas pueden verse mucho más al detalle que en un desfile.

Háblanos de SS18.

En esta colección no hay más trasfondo que hacer una colección equilibrada, con prendas especiales y muy funcional. Sin más.

Trabajada de manera completamente diferente a las otras dos primeras. No hay una historia que contar y ni ningún trasfondo personal.

¿En quien confías para tu día a día en ese proyecto?.

Mi familia y amigos. Sin duda son ellos lo que tiran de mí en los momentos más bajos. Su apoyo y confianza incondicional es a veces mayor que la mía propia. Sin ellos nada de esto sería posible.

Está compuesta por prendas muy versátiles y vestidos como prenda estrella.

Dos siluetas marcadamente diferenciadas: una primera con cinturas engomadas que recuerdan a los acabados en la ropa deportiva y una segunda mucho más fluida y ligera.

En cuanto a los colores este año los he limitado a gris y blanco y la combinación de un lima y rosa.

Viendo la colección y sus líneas encuentras referentes del Nueva York de los 90, las working girl del centro financiero y del mundo del arte.

¿Qué inquietudes, aficiones y cosas despiertan en ti para estar donde estás?. ¡Todo! Música, cine, arte, decoración, prensa del corazón, la numerología, las energías... Hay que estar abierto a cosas nuevas que llegan y que desconoces.

Puedes aprender cosas nuevas que incluso pueden cambiarte la idea de vida que hasta el momento llevabas. ¿Qué amas y que odias?.

Amo a mi entorno. Y no odio nada. No me gusta generar un sentimiento negativo en mí.

Total Look BASARRATE Pendientes LAUSETT

Sararo e v i R Fotografía Judith Moreno Maquillaje y Peluquería Roberto Avellán Estilismo Victoria Nogales Actriz Sara Rivero

SARA

RIVERO En el último cortometraje de Eduardo Casanova interpretas a una Jackie Kennedy muy poco convencional. ¿Qué nos puedes contar de “Lo siento mi amor”?.

Pues que ya hemos terminado los efectos especiales y la postproducción puedo decir que el resultado es una auténtica maravilla. Es una obra de arte, como todo lo que hace Eduardo. Trabajar con él es un salto al vacío tan gozoso, divertido, salvaje y a la vez seguro, porque Edu tiene un control minucioso sobre cada detalle. Puedes arriesgarte, entregarte por completo, porque sabes que todo va a salir bien. Y así ha sido. Un salto mortal.

Respecto a El cíclope, la obra de teatro con la que actualmente estás de gira, ¿Cómo estás viviendo el proyecto?.

El cíclope es un proyecto muy bonito que todos estamos viviendo de una forma muy amorosa y muy especial. Es lo que suele pasar con las giras tan largas, que se forman lazos muy íntimos y muy sólidos. Ahora arrancamos una tercera fase hasta finales de junio con muchos destinos y estamos ansiosos, porque funciona muy bien. Logramos conectar mucho con el público hasta el punto de que muchos nos esperan tras las funciones para poder hablar sobre sus emociones y lo que les ha hecho sentir. Ahí te das cuenta de la utilidad del teatro, del sentido transmisor y la aportación al colectivo, lo que para mí da sentido a lo que hacemos.

Cuando interpretas mucho tiempo el mismo papel, ¿te mimetizas con el personaje? ¿Te quedas para ti cosas de él?.

Sí, siempre sucede aunque a un nivel sutil. Pasar mucho tiempo con un personaje supone lo mismo que pasar mucho tiempo con un amigo. Te acostumbras a unas palabras y unas formas que empiezan a formar parte de tu imaginario. Yo lo noto sobre todo en el lenguaje, cuando sin darte cuenta comienzas utilizar palabras o expresiones que no solías usar, pero que a base de escucharlas o decirlas las incorporas en tu día a día. Los actores somos sensibles, permeables, por eso somos capaces de ofrecerle todo lo que tenemos a un personaje, recibiendo en dirección contraria lo que el Entrevista Marina Salas

“Dame TODOS los papeles” personaje trae para nosotros. Me parece de lo más bonito de nuestro trabajo. ¿Qué han supuesto tus personajes en tu evolución como actriz? ¿Hay alguno que haya sido más especial?.

Los personajes que pasan por tu vida son como las personas que pasan por tu vida: todas te modifican de algún modo. Unas aportan, acompañan, arropan, otras te ponen al límite, a unas las sientes de cerca, a otras te cuesta mucho entender… Y sí, por supuesto unas son más especiales que otras, pero yo siempre trato con personajes y personas, centro en en la que está conmigo aquí y ahora y que nuestra comunicación e implicación sea lo más bonita que pueda ser, a pesar de la diferencia o la dificultad. ¿Qué tipo de papeles te gusta interpretar?

El arte en general es un aspecto importante de tu vida.

Dámelos todos, papi.

El arte en general es un aspecto importante de tu vida, ¿Cuáles son los campos menos conocidos y con los que te desarrollas, relajas o disfrutas?.

Pues como has dicho, “el arte en general” es una fuente para mí. La pintura, la danza o la música son los lugares donde encuentro la belleza y la nutrición. Es ahí donde me gusta mirar y relacionarme. Pero ¡ojo!, que arte también son las manos de mi abuela pelando tomates. Arte es lo que te conecta, lo que te conmueve, por encima de cualquier esnobismo.

Si no fueras actriz, ¿a qué te habrías dedicado?.

Es curiosa esta pregunta, porque no se le suele hacer al medico o al taxista. El que es actor, es actor y si no fuera actriz, sería otra persona. ¿Qué es lo que te espera en el futuro?. ¡Ay el futuro! Lo único que se, es que sea lo que sea, estoy preparada.

@mthenaked

Total Look BASARRATE Zapatos MASCARÓ Pendientes PAPIROGA

Total Look GUESS MARCIANO . Pendientes LAUSETT

Total Look GUESS MARCIANO . Pendientes LAUSETT

Total Look MM6 MAISON MARGIELA . Pendientes PAPIROGA

J

La ciencia ficción del arte UN ARTISTA QUE TE DEJARÁ CON LA BOCA ABIERTA

esu Yáñez

nace en A coruña en 1993, es graduado en Bellas Artes por la Universidad Complutense, con matrícula de honor en su proyecto de Fin de Grado. Actualmente trabaja y reside en Madrid. Su obra gira en torno a cuatro pilares fundamentales: la vida (y como consecuencia, la muerte), el sexo como fenómeno originario de la vida, el influjo de la ciencia y la tecnología en la sociedad contemporánea así como la configuración de las relaciones sociales. Yáñez bebe del registro artístico y antropológico de las culturas universales, sus mitos y creencias, para configurar un reflexivo entramado de alegorías a los orígenes de las inquietudes humanas.

derville la metáfora entre las sociedades apícolas y las humanas para adentrarse en conceptos como la pérdida de la identidad y la individualidad en pro de una masa informe, el “avispero” situacional en el que vivimos o la disolución de las fronteras geopolíticas. Además, con estos “encapsulados” en resina, profundiza tanto a nivel teórico como práctico sobre el ejercicio de la conservación de la materia orgánica, (con todo el interés biológico que pueda conllevar), una práxis científica pero que en muchas ocasiones (y esta no es una muy diferente) con lo que Mircea Elíade identificaría como el interés religioso de trascendendencia de la carne.

Todas ellas, propuestas desde un punto de vista muy personal, marcadas por experiencias traumáticas en una infancia fácil, como la doble separación de sus padres y la muerte prematura de su entonces novia Carlota. Así, se podría hablar de su trabajo práctico y teórico como una estratificación de conceptos que van adentrándose en la reflexión sobre las consecuencias del influjo científico, histórico, tecnológico y social en esa entelequia que es lo Humano. Por poner un ejemplo, en algunas de sus piezas de ámbar hace partícipes a miles de abejas muertas por consecuencia de los pesticidas y el calentamiento global.

Lejos de limitarse a la propia problemática ambiental que caracteriza nuestra época y en concreto la catástrofe de las abejas -, comparte con Aristóteles, Hume o Man-

No en vano Jesu adjunta con estas obras un documento mediante el cual autoriza a la comunidad científica internacional a utilizarlas bajo cualquier circunstancia de necesidad con fines de investigación, ya sea biológica, química, tecnológica...

Todo ello, que él denomina como la ciencia-ficción del arte contemporáneo, se configura bajo una serie de pautas estéticas que tienen su origen en su interés por la naturaleza y la ciencia, encontrando en su método una forma de estructurar formalmente su trabajo, que se caracteriza por la organización en series, y por la repetición y clasificación. Su obra se puede ver en varias colecciones privadas y fundaciones como La Gaceta de Salamanca o la Fundación Caja Duero.

@jesu.yanez

¿De qué trata tu obra?.

Aunque en principio no lo parezca mi trabajo es muy autobiográfico y se estructura como el sistema copernicano, por capas. Aborda diversos temas de carácter metafísico pero que en realidad son inquietudes muy mundanas y que a todos nos atañen. Yo empecé a pensar en ellos a partir de la muerte de mi ex novia Carlota.

Por lo general estos temas a muchos les genera incertidumbre o miedo. Como la preocupación por el tiempo, las dicotomías efímero/eterno, el origen de la vida o la problemática de la muerte. Esto es positivo, viene por un gran amor por la vida, por el sentido de supervivencia. Es un estigma consecuencia de la naturaleza humana. Pero como no somos capaces de entenderlo, nos causa sorpresa. De ahí que haga encapsulados en resina, como para inmortalizar momentos. El otro día me decía un amigo que soy como un egipcio y estoy bastante de acuerdo. El hecho de que utilice animales sociales como abejas u hormigas es algo de la infancia, cuando veraneaba en Navamorisca y veía esas ingentes filas de legionarios desfilando hacia el hormiguero, o aquellos aviadores que nos hacían correr si nos pillaban por delante. Siempre me han parecido micromundos y me han llevado a pensar si no nos ocurrirá a nosotros lo mismo, si no habrá algo observándonos sin que nos demos cuenta. Si toda nuestra pequeña realidad no será un escenario diseñado por un ente mayor. El utilizar fetos hace referencia al concepto de origen. Es un tema entre la mística y la filosofía que me parece divertido. Además abarca mucho, desde el concepto religioso de demiurgo observador a la estructura de las interacciones sociales. Los tonos amarillos que le doy a las resinas vienen del paisaje de secano castellano; y los azules, del mar gallego.

¿Qué hay detrás de toda la creación?. ¡Un niño curioso e inquieto! Sin él ni los viajes ayudarían. ¿El gusto por inmortalizar seres?

Un miedo apabullante al olvido y a la ley de la entropía. Es casi como un síndrome de Diógenes exacerbado pero muy selectivo, no encapsulo cualquier cosa. Pero tampoco inmortalizo sólo seres, lo último que he inmortalizado ha sido un huevo frito... En realidad se trata de esa intención muy humana por congelar ciertos momentos de la vida. Es en lo que se ha basado hasta ahora todo el arte, la fotografía, los monumentos... Haciendo auto psicoanálisis creo que viene sin duda del momento en el que me enfrenté a la muerte de Carlota, fue muy impactante para mi ver la parte efímera de la vida, en una edad en la que te otorgas ciertas connotaciones de un dios, y te das cuenta de lo frágiles que somos. De niño era fan de los fósiles y las antigüedades. Cuando tenía seis años quería ser paleoarqueólogo. Incluso tengo una buena colección de monedas romanas, de fósiles de ámbar y de antigüedades precolombinas, que a día de hoy continuo. Son una huella en el tiempo de la misma forma que lo pueden ser mis trabajos, que por cada año que pasa por ellos aumenta su valor simbólico y conceptual un 100%. ¿Cómo enfrentas la crítica?, ¿puedes contarnos a nosotros y a quien piense mal de tu obra el cómo y el porqué de tu arte?.

Tengo una buena anécdota al respecto: hace unos años, durante los Encontros de Artistas Novos en Santiago tuve que presentar mi trabajo habiendo sido previamente seleccionado por Rafael Doctor. Allí, el mismo Rafael y una artista invitada amiga suya, Ruth Montiel, se ensañaron conmigo delante de todo el público.

Ruth me llegó a decir que lo único que preten-

día era generar polémica. Yo respondí que la polémica se originó en el momento en el que ella empezó a atacarme. Es decir, que no la buscaba yo, si no ella. En el momento fue una situación tensa porque me estaban atacando dos personas desde una posición privilegiada de poder cuando yo a penas tenía veintidós años, pero ahora lo recuerdo con diversión. Todo fue por utilizar materia animal en mi trabajo, a pesar de que ningún animal haya muerto con el fin de que yo lo realice. Más bien al revés. Me dio pena porque hasta los planteamientos discursivos que seguimos yo con mi trabajo y ellos con sus ideales se mueven en líneas similares, pero ellos adoptaron un papel de inquisidores al más puro estilo Torquemada. De hecho, ese mismo año había ido a la manifestación en defensa de los animales organizada en Puerta del Sol y que curioso, PACMA (Partido Animalista Contra el Maltrato Animal) utilizaba animales muertos en señal de protesta.

Lo que quiero decir con esta anécdota es que lo que mueve las críticas en la mayoría de las ocasiones no es más que el postureo, la mecha corta. Gutenberg fue muy criticado cuando inventó la imprenta. Lo mismo le ocurrió a Galileo, a Copérnico y a tantos otros.

Bukowski decía que si lo que haces le gusta a todo el mundo algo estás haciendo mal. La crítica es necesaria, y siempre está ahí cuando haces algo arriesgado, pero la crítica destructiva y que no aporta nada no me importa lo más mínimo la verdad. Prefiero quedarme con la gente que le interesa mi trabajo o que al menos quiere entenderlo. Con el tiempo espero que todo el mundo lo entienda. ¿Tus famosos cuadros de las abejas cuantas horas te ha llevado?, ¿Cómo se te ocurre la idea y que mensaje trasmite?.

Me hace gracia cuando me preguntan por el tiempo invertido en esta pieza o aquella. Yo siempre respondo lo mismo: ¡toda la vida! Porque de una forma u otra he ido mascando ese trabajo a lo largo de mis experiencias. Mi momento más fructífero es metido en la cama, justo antes de dormir. Siempre verás mi movil al lado de la cama preparado para que apunte algo. El sexo también ayuda a mi creatividad. Volviendo a lo de las abejas, había leído sobre la catástrofe que está ocurriendo con ellas, que se estaban muriendo por millones debido a los pesticidas y el calentamiento global.

Así que me puse en contacto con José López, un apicultor de APISCAM, y él me fue dando poco a poco

todas las que se le iban muriendo. Era increíble, al cabo de unos meses tenía un saco de patatas lleno de abejas muertas. Luego ese proyecto evolucionó en este otro y empecé a meterlas en ámbar, y que estén ahí momificadas para siempre. Pero no sólo me limito a hablar de temas medioambientales, la serie de obras con abejas en ámbar son un símil con la sociedad humana, y mirar a través de estas piezas parece que estuvieras viendo la historia con perspectiva, toda la gente que ha vivido, los que viven, y los que vivirán. ¿Cómo te defines? ¿Por qué eres artista?.

Soy egocéntrico, caprichoso, detallista, perfeccionista, observador, meditativo, impulsivo, calculador, paranoico, extrovertido e introvertido a partes iguales, y tremendamente ambicioso. Me contradigo constantemente debido a una vida de inestabilidades. Mis padres se separaron dos veces, he vivido en varias ciudades, lo que me ha llevado a cambiar varias veces de ambientes y estilos de vida... con esos ingredientes junto a mi TDAH incisivo tienes un estofado de artista bastante completo.

También, cuando tenía seis años, en el recreo del colegio siempre me sentaba a dibujar, por lo general dibujos analíticos como las especies humanas primitivas, los cráneos de diferentes primates, dinosaurios, herramientas paleolíticas... aunque también hacía retratos de las chicas que me gustaban. Un día una chica se acercó y se puso a ver mis dibujos. Me dijo que un día me haría famoso por ellos... jaja a día de hoy sigo teniendo contacto con esa chica, y todavía nos reímos cuando recordamos. Aquella anécdota. Yo creo que de alguna forma marcó mis ambiciones. ¿Tienes cerca nuevas exposiciones y proyectos? Cuéntanos.

Ahora mismo estoy en una etapa muy bonita de mi vida porque estoy al borde de un punto de inflexión. Es muy posible que a lo largo de este año me vaya a Nueva York, que es la ciudad donde ahora quiero pasar un tiempo. También he empezado a investigar con en una técnica nueva, las CGI, imágenes generadas por ordenador con pro-

gramas de 3D y VFX. Es maravilloso, puedes crear todo lo que te imagines a partir de unos programas. Literalmente hacer mundos nuevos. Si existe alguna forma de Dios, es muy posible que haya utilizado herramientas similares para crear el nuestro. También tengo un proyecto ambicioso para el que estoy buscando financiación, porque es de gran envergadura y muy costoso, pero que si lo consigo podría sacudir el panorama nacional del arte.

Es un proyecto de vida. Pero no puedo decir nada más hasta que no lo ponga en marcha. ¿Cuál es tu papel como artista en el planeta? ¿Cómo deberíamos concebir tu obra?.

Todavía es pronto para contestar a esa pregunta, soy muy joven como para decir qué papel puedo desempeñar, porque puede ser ninguno o puede ser uno importante. Todo dependerá de los agentes externos, que lamentablemente aquí en España están bastante dormidos. Faltan visionarios y mucho mecenazgo. Pero por mi parte como he dicho tengo varios planes y creo que podría aportar cosas trascendentes. ¿Qué es lo que más adoras hacer?.

Pensar y trabajar para el futuro.

Pero cuando me canso de eso, disfruto mucho yendo a la playa de Barrañán con la tabla a coger unas olas, y luego tomar unas cañas. ¡Ah! Y empezar algo nuevo.

Pablo

SALVADOR RETRATANDO PINCELADAS

“Observar el mundo en profundidad aportando una gran variedad de conversaciones silenciosas” @pablosalvadorm “Observar el mundo en profundidad aportando una gran variedad de conversaciones silenciosas”.

Me considero un artista polivalente gracias a la gran variedad de campos que he experimentado.

Nací en Madrid en 1985 y tras pasarme media infancia dibujando tenía mas o menos claro por donde quería maniobrar. Estudié bellas artes en la universidad Complutense de Madrid donde me especialicé en escultura y arte digital.

A su vez, años mas tarde cursé un Máster Internacional de fotografía en la escuela Efti de Madrid por lo que mi mundo visual se desarrolla entre estos 2 campos paralelos.

He trabajado como director de arte en diversos medios digitales e impresos pero también como artista Freelance. En realidad siempre me he movido entre el mundo del arte y el editorial. Combinando las posibilidades que ambos proporcionan he podido publicar y mostrar mi obra ( y sigo haciéndolo) tanto en revistas como en galerías y salas de exposiciones.

Mis imágenes combinan mi evolución como fotógrafo, pintor e ilustrador.

Con ellas busco a nivel conceptual dar un paso hacia el interior de cada persona. Por lo que utilizo técnica mixta entre ilustración y pintura digital como el medio que me permite manipular y adentrarme en sus capas mas profundas como una forma de escultura atemporal. Pudiendo vagar junto a ellos en un universo misterioso, sutil y volátil.

Trabajo con personas de todo el mundo y en general activas en redes sociales tanto del universo del arte como de la moda en este caso. Gente que utiliza su imagen a diario como modo de vida.

Reflexionando sobre la desvinculación del mundo físico que nos facilita la tecnología actual .

S-DOR

de la Torre

ANDRÉS

Buscando la psicología en la naturaleza

¿Quién es Andrés y qué se considera?.

Soy el resultado del choque de dos grande continentes, mis padres. Han sido visionarios en todas las disciplinas, mi padre con sus pinturas, mi madre con su sensibilidad infinita.

Me considero un artesano, mi evolución es cercana a la comprensión de los materiales con los que trabajo, y de mí mismo. Cuanto más se retuerce el metal, más lo hace la vida. ¿Qué es lo más importante, lo que más valoras en tu vida y en tu día a día?.

El espacio, la manera de entenderlo. Las limitaciones que nos separan a unos de otros, tanto en lo físico como en lo psíquico. Al igual que se coge temperatura con el sol, el espacio también templa lo sentimental y lo visionario como una puerta para alcanzar nuevos retos. Eso en el día día, sería el horizonte. ¿Cómo te defines? ¿Un artista nace o es fruto de su trabajo?.

El arte es una educación de lo más primitivo de nuestra alma, una conversación directa con Dios. Así que creo que todos podemos desarrollar sensibilidad, pero no todos están preparados para hacerlo.

Tu arte es bello, describe aquello que sientes por la naturaleza y, concretamente, con tu obra de árboles y espejos... ¿Nosotros somos un reflejo de la naturaleza? ¿Es lo que refleja tu obra?.

No intento encontrar un vínculo al imponer las formas geométricas a las naturales, es más una búsqueda dentro de lo psicológico. Al utilizar algo tan noble como estos troncos parece difícil escapar a esa definición sobre el equilibrio de lo natural. ¿Qué es un árbol?.

Es todo aquello que hemos olvidado.

No todo lo bello es bonito, ¿por qué? ¿Elque crea está dolido? ¿Inspira el dolor?.

Al contrario, creo que la belleza sí está ligada a esa recompensa visual que tiene “lo bonito”. Otra cosa es el proceso creativo necesario para llegar a ella. El arte tiene que doler para que sea creíble, si

no, se convierte en un pasatiempo. ¿Qué es para ti la moda y qué podemos encontrar dentro de tu tienda SONAMBULA?.

La moda es arte. Creo que decir esto ahora no debería de asustar a nadie, hoy en día ya ha tomado una dimensión de un atractivo tal que no solo sirve para vestirse, es un ritual sobre todo aquello que expresamos de manera interna.

Sonámbula es el espacio donde se dan cita firmas internacionales que entran dentro de mi filosofía de la belleza, como hablamos antes. Donde también se expone arte sin vergüenza, una plataforma creativa para todo tipo de artistas. ¿Cómo emprendes ese proyecto?.

Por la necesidad. Imaginar un espacio donde puedan ocurrir todas estas cosas era sin duda un reto. Durante los últimos cuatro años han pasado muchos artistas que han hecho más grande el proyecto.

J

JOAQUÍN VIÑA

@joaquin_popart

oaquín Viña, 1975. Candás, Asturias.

Artista Plástico del Pop Art. Ya desde la infancia, Viña comienza a despuntar dentro del dibujo artístico. El dibujo fue su “refugio”. Además de los juegos en la calle con sus amigos, leía aquellos cómics (que el Artista devoraba), recreándose en un mundo lleno de superhéroes y aventuras, los cuales crearon un universo repleto de fantasía en su mente, plantando la semilla de lo que en unos años llegaría.

Durante años cursó estudios en su pueblo natal, Candás, villa marinera del norte de España. Joaquín Viña, podemos decir que ha nacido dibujando: aquellas ideas, sus personajes, con sus historias y aventuras, siempre quedaban reflejadas en un papel. Hasta el día que se le pasó por la mente la idea de llevar aquellas viñetas a tamaño grande y colgarlas como decoración en su casa. Unos pocos cuadros y la idea de exponer, hicieron que Viña se decidiese a solicitar un espacio para mostrar dichas ideas en su primera muestra pictórica.

Expuso por primera vez en La Casa de la Cultura de Candás en 2002, siendo ésta una revisión de varios estilos artísticos, además de ser el momento en que se da cuenta de que los 5 lienzos que consigue vender son del estilo Pop Art, decidiéndose desde ese instante a seguir por esa línea. Poco después entra a formar parte de una galería de arte privada, Centro de Arte Dasto, donde realmente conoce este mundo y cómo funciona.

Numerosas exposiciones durante los siguientes cuatro años, individuales, colectivas, centros de cultura, etc… pasan factura y el cansancio y la falta de ideas hacen que Viña se plantee la idea de dejarlo por tiempo indefinido. Y así ocurre.

Durante cuatro años, Viña deja de pintar.

Es en 2010 cuando este artista vuelve a retomar su obra a través del encargo de unos murales para el Teatro “Prendes” de Candás. Allí se plantea la idea de volver a exponer.

Después de 3 años , Viña completa su Colección “PopEye” y la presenta en el Museo “Antón”.A partir de ahí surgen nuevas galerías de arte en las que expone en los siguientes 4 años. Son cuatro las Colecciones expuestas a nivel nacional e internacional. Ferias de arte como “DONOSTIARTEAN”, “ST-ART STRASBOURG”, “ART FAIR MÁLAGA”, “CULTUR3 CLUB”, “FERIA DE ARTE OVIEDO”, etc… le abren paso a la venta dentro y fuera de España.

A finales del año 2017, Viña da un cambio de registro en su obra, pasando de ser pop clásico a ser un pop más urbano y grafitero. La utilización de bases de collage para luego fusionar varias capas de aerosoles y acrílicos crean un nuevo concepto en la estética del Pop a la que nos tenía acostumbrados. Ésta se inspira en pinturas grafiti urbanas utilizando aerosoles de colores vivos y fluorescentes fusionados con el pincel más acrílico. “SMELLS LIKE POP SPIRIT” es una colección conceptual, figurativa y, como siempre en las pinturas del artista, con un mensaje y un porqué más allá de la mera estética, dándole sentido final a la imagen. Una exposición en la que cada una de las 10 piezas guarda una línea común incluso en el formato: 120x120 es el tamaño elegido por Viña, dando una sensación de orden lineal y, en conjunto, de visión muralista.

En lienzos como “GlamBells” se deja ver la alargada sombra de Warhol, usando varios conceptos del maestro: una lata “customizada”, esta vez de sopa de banana, y su archiconocido plátano, portada de un disco de Velvet Undengraund and Nico, fusionados con las geometrías de Mondrian.

También es visible su obsesión por el mundo del Cómic en varios de sus lienzos. Una prueba de ello es “LOVE IS IN THE AIR”, donde se ve a un Superman besando a Batman.

Imágenes del cine y la publicidad también forman parte de la

Colección. “SE MASCA LA TRAGEDIA” recrea la imagen de un muñeco de Michelín antes de un combate de boxeo contra el muñeco de parecida estética Marshmallow de los Gosthbusters.

Una Colección contemporánea, fresca y viva, de colores estridentes fusionados perfectamente con objetos y personajes de la cultura popular, llenos de mensajes y moralejas... así es el Pop Art. Joaquín Viña está en plena involución artística y ha regresado a la adolescencia. Ya no busca la madurez pictórica sino su propia vitalidad en la que ha abandonado el “enfado” de colecciones anteriores, con mensajes políticos y sociales, y ha regresado a las calles para aportar un poco de alegría. En ese viaje personal que le ha llevado por el camino inverso al de su propia existencia, el artista regresa a la rebeldía individual. En su anterior colección, “Contempopráneo”, Viña mostraba, siempre desde su estética de pop-art, toda la crueldad de la que es capaz la sociedad de consumo, viajaba al mensaje originario de esta corriente artística y lo hacía en contraposición a sus obras anteriores, repletas de belleza estética y de superhéroes capaces de salvar el mundo.

“Smells like pop spirit” se presenta ahora como una fiesta, como si de nuevo sonase el himno de la Generación X y los adolescentes se olvidasen de sus renuncias y se entregasen a un baile frenético mientras suena el “Nevermind” de Nirvana. Cuando Kurt Cobain escribió “Smells like teen spirit” no quería decir nada: “simplemente cogí algo de poesía y basura y material que me interesaba por aquel entonces”, confesó. La canción no pretendía tener ningún sentido, no quería llamar la atención de nadie sobre nada en concreto, simplemente quería hacer un buen tema. La intención de Joaquín Viña es la misma: ninguna.

Viña ha utilizado el primer corte del “Nevermind” para poner título a su colección y de este modo ha elevado la composición y por extensión a Kurt Cobain y a Nirvana a la categoría de iconos pop, de referencia más allá de lo musical. Ha decodificado el significado en la historia de

la música de la banda de Aberdeen (Estados Unidos) para extrapolarlo y convertirlo en una referencia que sobrepasa lo cultural. Ha seguido los mecanismos del pop-art para convertir un producto de consumo masivo como fue el “grunge”, aquel sonido sucio de principios de los 90 en arte, si es que no lo era ya.

De ahí esa vuelta del artista a una adolescencia en la que no se busca la trascendencia sino la diversión. Los lienzos que componen “Pop spirit” son como aquellas canciones que invitaban a ponerse a pegar saltos. Son composiciones igual de sucias que las guitarras de Seatle, obras en las que se superponen distintas capas para construir una explosión final que da sentido a la mezcla.

Viña ha enmarcado el “grunge” y lo ha hecho como tenía que hacerse, a través del grafiti, del aerosol. La imagen de un Joaquín Viña con el pelo largo y sucio y un bote de spray en cada mano se hace más real en esta colección que la de un artista maduro en la soledad de su estudio.

El artista viaja a su pasado personal y musical para traerlo al presente completamente modificado pero manteniendo esa esencia festiva. Es ese regreso a la adolescencia con la sabiduría de la madurez lo que le permite ponerse “grafitero” y gamberro y desarrollar una colección en la que lo único importante es la sensación de explosión festiva de un buen riff de guitarra.

CLAUDIO PARENTELA

LO QUE LE DA LA GANA

UN ARTISTA HACE

@claudioparentela62

GO! Fotografía Sergio Almarcha & Pacho Fandiño Art Digital Judith Moreno Asistente Digital Juan G Couder Maquillaje y Peluquería Marta Torres Estilismo Teresa Serrano Asistente de estilismo Maite Da Luz Modelo Anisia Sugar (Trend Models) Estudio The Art Valley

Chaqueta HABEY Vestido KLING Joyas GABRIELA MORA

Chubasquero KLING . Bazer BERSHKA . Falda HABEY . Bolso UTOPIAN DREAMERS . Joyas GABRIELA MORA

Bomber & Gorra NEW ERA . Vestido & Pendientes HABEY . Bolso UTOPIAN DREAMERS

YOU CALLED

ME?

Blusa BECOMELY Gorro BARTS

Jersey & Pantalรณn EUPHEMIO FERNร NDEZ . Sombrero NANA GOLMAR . Joyas GABRIELA MORA

Traje LA CONDESA Jersey EUPHEMIO FERNÁNDEZ Cinta de pelo BARTS Joyas GABRIELA MORA

TOP GUESS Pendientes THOMAS SABO

Subtle Fotografía Diego Blade Maquillaje y Peluquería Olesya Oleksyuk Estilismo Lourdes Cañizares Modelo Katy Rudakova

Camisa & Chaqueta ESSENTIEL . Sneakers CHANEL . Pendientes THOMAS SABO

Gabardina ESSENTIAL . Pendientes THOMAS SABO

Mono GUESS

Vestido GUESS . Zapatos CHRISTIAN LOUBOUTIN

RSUNSE ockT Fotografía Pratdesaba&Escoda Maquillaje & Peluquería Sushi Pop Estilismo Sushi Pop Modelo Carlton Ruth (Francina Models)

Cazadora piel DANCASSAB Pañuelo AERONAUTICA MILITAR Gafas AZZURE Anillo GALAPAGOS

Camiseta MALAHIERBA Jeans GUESS Chaqueta AMERICAN VINTAGE Cinturรณn GUESS Foular AMERICAN VINTAGE

Traje chaqueta GALO MARTIN . Camiseta GUESS . Sleepers JAVIER MORATO

Cazadora jeans SANDRO PARIS . Pantalรณn CUSTO BARCELONA . Calcetines H&M . Sleepers JAVIER MORATO . Camiisa JNORIG . Camiseta tirantes AMERICAN VINTAGE

Camisa AMERICAN VINTAGE . Pantalรณn BIKKEMBERGS . Esclavas de Plata PURA . Pulseras GALAPAGOS . Zapatillas VANS

Rain

e c a l a P IN the

Fotografía Judith Moreno Maquillaje y Peluquería Roberto Avellán Estilismo Sonia Hernández Modelos Sarah Victoria . Claudia Collado . Rachel Scott (Casta Models)

Vestido WOM&NOW

Vestido ESPIRIT

Vestido BLUGIRL FOLIES

Vestido HOTEL PARTICULIER

Vestido LIU-JO . Zapatos ANA MARTIN

Vestido LIU-JO

Spring O f Youth FotografĂ­a Alina Belozerova Estilismo Oksana Aksenova Maquillaje y peluquerĂ­a Olga Gofman Modelo Alina (Renessans Model Management) Estudio 4YOUSTUDIO

Vestido & Pendientes PUDRA FOR GIRLS

Boina, Vestido, Chaqueta & pendientes PUDRA FOR GIRLS . Botas ASOS

Vestido LADY Pendientes H&M Chaqueta PUDRA FOR GIRLS Botas ASOS

Vestido, Abrigo & Gafas DIOR Cinturรณn LADY Pendientes PUDRA FOR GIRLS

Blusa, Broche, Falda Rosa & Falda Red PUDRA FOR GIRLS . Sombrero ZARA

Total Look LADY

Carolina Jiménez

UNA MUJER DE CINE Artista de efectos especiales

I

¿Quién es Carolina Jiménez?.

Pues Carolina Jiménez soy yo, una madrileña que se dedica profesionalmente a los efectos visuales digitales para el cine. Actualmente vivo en Vancouver, Canadá, donde trabajo en un estudio de VFX (como también se llama mi profesión por sus siglas en inglés). Me entusiasman el cine, la ciencia y el frikismo en general, así como hablar de todo lo que me gusta hacer. Dedico parte de mi tiempo libre a escribir artículos y hacer vídeos educativos sobre el arte de hacer cine y sobre los entresijos de mi profesión.

Fotografía Kerp

He trabajado a las ordenes de George Miller, Peter Jackson o Ridley Scott, entre otros.

Me apasionan la ciencia y su divulgación, el cine y su docencia y el frikismo. Colaboradora oficial de Naukas, miembro de Science in Spanish y del Círculo Escéptico. Y con otros mil proyectos entre manos.

@kerpphotography

nfografista de profesión, escéptica de mente y científica de corazón. Estudié arquitectura pero el 3D y el diseño audiovisual me enamoraron rápidamente. Nací en España. Me formé en CICE para ser una profesional de efectos digitales para cine. He vivido en Australia, Nueva Zelanda, Reino Unido, Estados Unidos... y actualmente resido en Vancouver, Canadá, donde trabajo como Layout Artist en Scanline.

¿Cuán difícil es llegar a tocar el cielo de las grandes producciones como “El Hobbit”, “Star Trek”, “El amanecer del planeta de los simios”, y tantas películas con las que el público se ha emocionado tanto? ¿Qué has hecho para llegar ahí?.

Pues es difícil porque requiere constancia y cierto arrojo. Puede dar mucho vértigo lanzarse a una aventura como esta. Pero desde luego no es imposible. Si yo he podido cualquiera con ganas de lograrlo puede.

Dar el salto al cine tras la escuela de 3D no fue fácil. Y dar el salto al cine internacional fue incluso más difícil. Después de acabar mis estudios trabajé en cualquier proyecto que me permitiera practicar mis habilidades en animación y 3D, en el ámbito que fuera. Cobrando o no. Trabajé para bancos, escuelas, arquitectos, agencias de publicidad y hasta dentistas. Cada vez que mejoraba mi portfolio lo enviaba todo el mundo buscando más retos y más experiencia que me pudieran acercar más al mundo laboral audiovisual. Así surgió un primer encargo importante, colaborando con el estudio de diseño que estaba trabajando en los entornos virtuales de la serie de TVE Águila Roja.

Ese fue un buen empujón que me dio mucha experiencia y me abrió la siguiente puerta importante, permitiéndome trabajar en mi primera película, la producción española de animación Planet 51.

Tras conseguir trabajar en el cine español, una experiencia inolvidable, aun me costó un par de años de perseverancia trabajando en otros sectores en 3D en España, mejorando la reel, aprendiendo mucho, trabajando duro, y sobretodo bombardeando a todos los estudios de animación y VFX del mundo con mi material hasta conseguir una oportunidad firme. Los primeros en mostrar interés fueron Dreamworks, pero las leyes de inmigración estadounidenses son especialmente duras, y a pesar de que pasé las entrevistas y pruebas, mi aun escasa experiencia laboral hizo imposible la tramitación de un visado de trabajo

para poder trabajar con ellos. Tras este contratiempo parecía que la ocasión no llegaría nunca, pero finalmente los estudios de George Miller, Dr. D, que se encontraban en Sydney, Australia, en plena producción de Happy Feet; se fijaron en mí y me dieron la tan ansiada oportunidad de saltar al cine internacional.

No sin un buen susto en el cuerpo hice maletas y lo dejé todo atrás, incluido un contrato fijo con un buen sueldo al lado de casa, para irme unos pocos meses a la tierra de los canguros a trabajar con uno de los directores que ya más admiraba y unirme a su equipo dando vida a sus pingüinos bailarines. Tras esta experiencia las cosas fueron ya algo más sencillas a la hora de encontrar mi hueco profesional en el cine internacional.

Tras Australia llegó la ocasión de trabajar en Londres, en películas como Prometheus y World War Z. Y estando allí finalmente Weta, el estudio que varios años antes me había inspirado tanto con su trabajo en El Señor de los Anillos;, al fin contestó al email que les mandé con mi curriculum actualizado. Querían ofrecerme unirme al equipo que en ese momento se encontraba trabajando en la primera película de la trilogía de El Hobbit. No me avergüenza reconocer que lloré de emoción al leer su respuesta. Así que para allá que nos fuimos mi chico y yo tras cerrar el piso, vender los coches y dejarlo todo atrás, a vivir y trabajar a nuestras antípodas a Nueva Zelanda, la mismísima Tierra Media. ¿Con qué personajes de la historia del cine te quedas?, ¿y del presente?, ¿A quién has podido conocer para darnos envidia? (risas).

Me quedo con Ellen Ripley, a Sarah Connor y a Ellie Arroway.

Y si quiero daros envidia solo tengo que enseñaros esta foto mía junto a Ian McKellen, mi querido Gandalf. ¿Cual es el siguiente sueño que esperas alcanzar?.

Profesionalmente hablando me gustaría algún día ser supervisora de Layout o de VFX. Pero he entrado

hace relativamente poco en una fase comunicadora y educadora muy interesante que me está dando muchas alegrías. Quiero seguir avanzando y mejorando. ¿Qué super-poder tendrías? (risas).

Todos tenemos un súper-poder. Todos. El mío es de lo más inútil. Tengo una memoria auditiva que a veces hasta a mí me asusta. Me aprendo una canción antes de acabe al oírla por primera vez, reconozco a una persona o actor por la voz incluso si se la distorsionan, y reconozco canciones con oír una o dos notas. Es la cosa más inútil del mundo, pero es muy divertido ponerla a prueba. Mi chico se divierte retándome. ¿Qué efecto especial te gustaría crear en el mundo?.

Pues aunque pudiera parecer banal, quisiera que ya tuviéramos tele-transporte. Y no solo por un interés personal, ya que podría visitar a mi familia en España sin pasarme casi un día entero de avión en avión, sino porque creo que arreglaría muchos de los problemas del mundo. Pensadlo: Se acabarían los accidentes de tráfico, se reduciría muchísimo la polución, la ayuda en caso de emergencia o desastre podría llegar al instante en cualquier condición, se podría hacer llegar materias de todo tipo a lugares necesitados... Cada vez que veo como en Star Trek se ‘bimean’ a casi cualquier parte instantáneamente pulsando un botón, me muero de envidia. Ese es el efecto especial que me gustaría ver en la vida real. ¿Cuál es la mayor dificultad?, la presión con la que trabajas para que el resultado sea optimo, estar lejos de la familia y cambiar de ciudad cada poco tiempo...

Cada etapa tiene sus retos. Sin duda salir de tu entorno y tu zona de confort para lanzarte a cumplir un sueño conlleva muchos buenos y malos ratos. Hacer las maletas para cambiar de trabajo, de país, de idioma y de hemisferio todo a la vez puede dar mucho miedo y te obliga a enfrentarte con situaciones complicadas y a ponerte a prueba a ti mismo. Una vez superados esos retos te enfrentas a la inestabilidad laboral y geográfica, a los inconvenientes burocráticos de ser inmigrante allá donde estés, a tener a la familia y los amigos lejos... Todo eso mientras debes dar la talla para seguir mejorando y avanzando en tu profesión.

Cada vez hay más gente que se queda en el cine para ver los créditos de fotografía, vestuario o efectos especiales. Sois completos desconocidos para el público, pero cuando ves la reacción de la gente en el cine, lloras de

la emoción o te entran ganas de decir ¡yo formo parte de todo esto! (risas).

Siempre me emociono al ver mi nombre y el de mis compañeros en la gran pantalla. Espero no acostumbrarme nunca porque es una sensación muy satisfactoria. Solemos ir a ver las películas en las que trabajamos todos juntos en los pases que organiza el estudio para nosotros y nuestras familias, y siempre aplaudimos y vitoreamos cuando vemos nuestros nombres pasar. Es un pequeño premio al trabajo realizado. Y mi madre siempre hace foto a la pantalla cuando ve mi nombre.

Estamos deseando oír cositas que existen detrás de las cámaras y pocos podemos ver, ¿lo más gracioso que te ha pasado?.

Esta profesión, como todas, acaba siendo nuestra rutina. Aún así lo peculiar de lo que hacemos y a veces las largas horas de trabajo acaban creando situaciones geniales para el recuerdo. Como en la época en que varios compañeros y yo que estábamos trabajando a destajo en la generación de las telarañas de la secuencia del bosque de Mirkwood, las cientos de telarañas que tuvimos que hacer, y que acabó siendo tradición que si nos quedábamos trabajando más tarde de las 2 de la madrugada había que parar un rato para poner salsa a todo volumen en la oficina y bailar todos un rato. O como cuando pregunté estando en Weta si alguien me podía recomendar un buen calígrafo que supiera escribir en élfico para diseñarme un tatuaje que me quería hacer para conmemorar mi aventura en la Tierra Media y que acabara diseñándomelo el calígrafo y cartógrafo de las 6 películas, con quien acabé entablando mucha amistad y quien me coló un día en un hangar de rodaje durante la grabación de unas tomas en la cueva del dragón. O como con mi admirado George Miller, con quien coincidí en varias ocasiones durante la producción de Happy Feet 2, la más curiosa de las cuales cuando choqué literalmente con él al salir ambos despistados de nuestros respectivos cuartos de baño. La situación fue lo bastante peculiar como para que los dos nos echáramos a reír juntos. O como cuando Ian McKellen vino a vernos al estudio y a él me lancé a hacerme una foto con él. Lo mismo con Tom Savini.

Rodaje Prometheus

Rodaje Stark-trek Beyond

LOST IN SPACE ESTRENO 13 DE ABRIL

Toby Stephens, Molly Parker, Mina Sundwall, Taylor Russell, Max Jenkins y el showrunner Zack Estrin.

Lost in Space es una serie original de Netflix con una dramática y moderna interpretación del clásico de ciencia ficción de los años 60. Ubicada 30 años en el futuro, la colonización en el espacio exterior es una realidad y la familia Robinson se encuentra entre aquellas personas elegidas para empezar una nueva vida en un mundo mejor. Pero cuando los colonizadores son desviados del curso de su viaje a un nuevo hogar, ellos deberán crear nuevas alianzas y trabajar juntos para sobrevivir en un ambiente alienígena que se encuentra a años luz de su destino final.

Una serie original de Netflix, Lost in Space está protagonizada por Toby Stephens (Muere otro día, Black Sails) en el papel de John Robinson, y Molly Parker (House of Cards, Deadwood) como Maureen Robinson, los padres de familia que luchan por su relación sentimental, al mismo tiempo que intentan mantener viva a su familia. Los niños de la familia Robinson son interpretados por Taylor Russel (Falling Skies) como Judy, Mina Sundwall (El plan de Maggie, No sin ella) como Penny, y Max Jenkins (Sense8, Betrayal) como Will Robinson, el miembro más joven y vulnerable del clan, quien crea un vínculo poco probable e inexplicable con un robot alienígena.

Perdidos junto con la familia Robinson, se encuentran también dos extraños unidos por las circunstancias y por un talento especial para el engaño. El inquietante y carismático Dr. Smith interpretado por Parker Posey (Café Society, Mascot, A Mighty Wind) es un maestro de la manipulación que diseña su propio juego. El pícaro y encantador Don West, interpretado por Ignacio Serricchio (Bones, El gurú de las bodas), es un hábil contratista que no tenía ninguna intención de unirse a la aventura, y mucho menos aterrizar en un planeta perdido.

La serie original de Netflix está producida por Legendary Televisión y escrita por Matt Sazama y Burk Sharpless (Drácula: la leyenda jamás contada, El último cazador de brujas). Zack Estrin (Prison Break) es el showrunner. Kevin Burn y Jon Jashni de Synthesis Entertainment, junto con Neil Marshall y Marc Helwig de Applebox, son los productores ejecutivos de la serie. La serie original Lost in Space fue creada por Irwin Allen.

La serie estará disponible en exclusiva en Netflix a nivel mundial a partir del próximo 13 de abril

THE RAIN

E S T R E N O 4 D E M AY O

Mikkel Boe, Alba August, Lucas Lynggaard, Lars Simonsen, Iben Hjejle, Lukas Lokken, Angela BundaLovic, Sonny Lindberg, Jessica Dinnage y Johannes Kuhnke...

El mundo como lo conocemos ha terminado.

Seis años después de que un agresivo virus propagado por la lluvia acabara con casi todos los habitantes de Escandinavia, dos hermanos salen de la comodidad de su bunker para encontrar que la civilización ya no existe. Pronto se unirán a un grupo de jóvenes supervivientes que se embarcan en una aventura para descubrir si hay señales de vida en una Escandinavia abandonada.

Liberados de su pasado y de unas reglas de una sociedad civilizada, cada uno de los miembros del grupo tendrá la libertad de ser quienes quieran ser. Todos deberán enfrentarse a ellos mismos y al hecho de que, hasta en un mundo postapocalíptico, el amor y los celos todavía existen, así como todos los dilemas que pensaban que habían dejado atrás con la desaparición del mundo como lo conocíamos.

The Rain está creada por Jannik Tai Mosholt (Borgen, Rita, Follow the Money), Esben Toft Jacobsen (The Great Bear, Beyond Beyond) y Christian Potalivo (The New Tenants, Long Story Short. El reparto principal cuenta con Mikkel Boe Følsggard (Un asunto real), Alba August (Below the surface), Lucas Lynggaard Tønnesen (Tidsrejsen) y Lars Simonsen (The Bridge, Brotherhood). Iben Hjejle (Dicte, Alta fidelidad), Lukas Løkken (One-Two-Three Now!), Angela Bundalovic (Blood Sisters), Sonny Lindberg (When the Sun Shines), Jessica Dinnage (The Man) y Johannes Kuhnke (Fuerza mayor).

La serie estará disponible en exclusiva en Netflix a nivel mundial a partir del próximo 4 de mayo

CAMARÓN FLAMENCO Y REVOLUCIÓN

ESTRENO MUNDIAL EN EL FESTIVAL DE CINE DE MÁLAGA

ESTRENO 1 DE JUNIO Madrid, 4 de abril, 2018.- “CAMARÓN: FLAMENCO Y REVOLUCIÓN” de Alexis Morante tendrá su estreno mundial en el Festival de Cine de Málaga el próximo viernes 20 de abril. La película, narrada por Juan Diego, es una producción de Canal Sur, Mediaevents y Lolita Films con la participación de Netflix y Universal en asociación con FilmStar y Ulula Films. Distribuida en España por Karma Films, la película llegará a los cines el próximo 1 de junio.

“CAMARÓN: FLAMENCO Y REVOLUCIÓN”, con guion de Alexis Morante (Sanz: Lo que fui es lo que soy”, 'El camino más largo) y Raúl Santos es una película sobre una de las figuras más apasionantes que ha dado la música en el siglo XX, un homenaje en el 25 aniversario de la muerte de Camarón y una retrospectiva sobre su vida y su arte con una mirada renovada y llena de verdad.

Un retrato íntimo sin precedentes en el que sus creadores han tenido acceso al archivo inédito de la familia y donde veremos videos, fotografías y documentos del artista que nos aproximan al interior de la leyenda. Una experiencia inmersiva narrada magistralmente por el actor Juan Diego. Camarón universalizó el Flamenco, un arte que no tiene fronteras y que ahora, con esta película, quiere abrirse un poco más al mundo.

Alexis Morante, su director, declara que “Cuando me propusieron realizar una película sobre Camarón, no me lo pensé dos veces. Era la oportunidad de contar la historia detrás del mito; de aprender y transmitir por qué Camarón está a la altura de las grandes leyendas de la música internacional; de plasmar el contexto cultural y social de Camarón en vida, mostrando cómo se convirtió en un icono de todo un pueblo como el gitano. Contar la historia de Camarón ha supuesto un aprendizaje, disfrutar y asumir la responsabilidad de trasmitir algo único e irrepetible.”

SINOPSIS: El 5 de Diciembre de 1950 nacía Camarón de la Isla, la figura que revolucionó el arte del Flamenco. Denostado por los puristas y convertido en todo un icono para el público y en un referente para el pueblo gitano, Camarón llevó una vida siempre al límite. Un genio adelantado a su tiempo llamado a ser uno de los artistas más influyentes y determinantes del siglo XX a pesar de su prematura muerte en 1992. A través de la voz en off de Juan Diego y de material audiovisual inédito, ‘Camarón: Flamenco y Revolución’ descubre la persona detrás del mito, así como el legado universal de su obra 25 años después de su muerte.

TABIB

cortometraje escrito y dirigido por

Carlo D’Ursi

A B R I L

Un cortometraje que intenta sensibilizar al público sobre el tema de los ataques contra el personal sanitario en zonas de conflicto.

D E

“Tabib habla de valentía, de perseverancia y de entrega desinteresada. Habla de un médico, el doctor Wassim, que, como otros millones de trabajadores humanitarios, dedica su vida a los demás y encarna la esencia de la vocación médica, de curar y aliviar el sufrimiento humano. No es fácil elegir un fragmento de la vida de una persona como nuestro “héroe” para hacer un cortometraje. Cada uno de estos particulares héroes merecería ser protagonista en un largometraje, pero con Tabib he querido lanzar un mensaje sobre el respeto que le debemos a todos ellos”, comenta Carlo. "No pretende denunciar ni ser moralizante", tan solo "comunicar una historia y crear una atmósfera de reflexión", ha dicho el joven director italiano, que no concibe la cultura como un elemento que debe acometer directamente los cambios sociales: "la cultura es cultura”, añade.

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Tabib (doctor en árabe), nos muestra la historia del último pediatra de Alepo: Mohamed Wassim. La historia narra sus últimas horas en el hospital Al Quds, durante el bombardeo de la ciudad siria de Alepo. Mientras el caos de los pasillos y la desesperación de médicos y pacientes se imponen, Mohamed no huye y entra en el quirófano en el que sólo queda un niño herido de 9 años y dos enfermeras. Con la vida del niño en juego Mohamed decide operar e intentar salvarle, a pesar de poner su vida en peligro.

E S T R E N O

Tabib, que verá finalmente la luz en las salas de cine el 20 de abril, tienen una larga trayectoria de galardones. Es el embajador de la campaña Health Care in Danger de Cruz Roja, ganó el premio del jurado en la 14ª edición del festival italiano Corto Dorico, el premio del Jurado en el Festival de Cine de Zaragoza y el premio ZINEBI en el Festival de Cine de Bilbao y fue uno de los trabajos finalistas en su categoría en los premios José María Forqué, Premio al mejor Cortometraje en el FECICAM, entre muchos otros.

PROPONIENDO DESTINOS

D

espués de un invierno extra largo, estamos asomando la cabeza por la puerta delantera, quitándonos cuidadosamente las sudaderas y sacando nuestras chanclas del fondo del armario. La limpieza de primavera está en el aire, pero si prefiere pasar su fin de semana haciendo un viaje fabuloso antes que enfrentar el polvo en su sala de estar, no le culpamos. Aquí está nuestra lista de destinos en los EE. UU. Para visitar esta primavera.

Charleston

Carolina del sur

Es cierto, estamos un poco obsesionados con Charleston. Con coloridas aceras en la ciudad a la sombra de enormes robles, esta ciudad estaba prácticamente hecha para la primavera. Los mercados de agricultores abren en abril y ofrecen fruta fresca, vegetales y flores. Puede pasear por las adorables boutiques que ofrecen las nuevas colecciones de primavera, o visitar uno de los muchos museos históricos.

Además, las playas son perfectamente tranquilas. Aprovecha antes de que llegue la ola de turistas

Scottsdale

Arizona

En solo unos meses, comenzará la gente decir: "Arizona, ¡hace tanto calor allí!".

Entonces, antes de que las temperaturas suban a más de 40 ºC, diríjase a Scottsdale para disfrutar de una primavera soleada. El magnífico clima te invita a disfrutar de todas las actividades divertidas que esta ciudad tiene para ofrecer.

Juegos entretenidos, fantásticas caminatas, golf y descansar junto a la piscina, siempre hay algo para que todos disfruten durante la escapada. Scottsdale es también el hogar de una deliciosa escena culinaria, que puedes disfrutar tumbado en un patio sombreado en el cálido aire primaveral.

Beirut & León Como dice el descubridor Varoin: “¡Lleva tu equipo de natación a todas partes!”.

Coloca una toalla en una de las playas soleadas de Beirut, o disfruta de una bebida fría en el bar de la piscina. Nuestra actividad acuática favorita es dar un paseo en bote por Raouche y cruzar las famosas Pigeon Rocks. Si hace demasiado frío para disfrutar realmente de las olas, puedes dar un agradable paseo junto al mar disfrutando de un paseo junto al mar a lo largo de la playa de Corniche, esta playa ofrece el aire salado y una espectacular vista.

El Líbano es pequeño pero poderoso, es el único país de Medio Oriente sin desierto, ofrece magníficas oportunidades para salir al aire libre. Auna hora dirección norte encontrará la Reserva de la Biosfera Jabal Moussa. Este sitio de la UNESCO es rico en biodiversidad, presenta pequeños pueblos históricos, senderos impresionantes y plantas que no puedes encontrar en ningún otro lugar del mundo. Otra excursión espectacular que no puedes perderte es ir a las montañas cerca de Akoura, donde abundan hermosas vistas de prados, manzanos y lagos.

En Beirut, puedes contemplar en un minuto antiguas estatuas fenicias y al mismo tiempo que podría admirar una pintura llamativa en una galería moderna. Con una mezcla de museos clásicos, como el Museo Nacional de Beirut, y galerías contemporáneas, como Marfa ‘y ARTLAB, puedes apreciar mucho arte.

Después de admirar el ese arte conservado, agrega a tu viaje los edificios históricos cuidadosamente elaborados, como la mezquita de Mohammad Al-Amin y las ruinas otomanas.

@wanderlusterprincess

@jubranelias

“Tal vez esto es una trampa, pero Líbano es una nación pequeña (más pequeña que Connecticut) y está tan densamente llena de tesoros que son poco conocidos por los turistas. A pesar de mis visitas anuales, siempre descubro algo nuevo. Dado que está ubicado en el centro de la costa mediterránea, uso Beirut como base para mis excursiones a Líbano ya que son accesibles en coche.

A menudo decido ir a la playa por la mañana para tomar el sol y comer algo de marisco, tambien voy hasta las montañas para dar una caminata al aire fresco entre los majestuosos cedros “.

@pawljebara

@socialbouquet

Descubriendo...

León tiene una iglesia y un mural elegante y revolucionario, una historia con mil caras elegantes de la iglesia. Un simple paseo por la ciudad revela su larga y cargada de historia política, visitándolo se dará cuenta, prepare un viaje guiado y revelarán algunos de esos secretos. Una visita obligada es visitar las iglesias históricas, la más popular es la Catedral de León, protegida por la UNESCO, donde puedes pagar poco más de dos euros por subir al tejado y contemplar una impresionante vista.

En el fondo, León es una ciudad para poetas. Como el hogar del fallecido poeta nicaragüense Rubén Darío, el espíritu del romance sigue vivo en los estudiantes universitarios y los expatriados que frecuentan los cafés locales. Tienes que visitar el Museo de Arte Fundación Ortiz-Guardian y el Museo de la Revolución para conocer más sobre el pasado cultural de la ciudad. Sí, hay epicentros turísticos en Backpacker Alley que ofrecen discotecas y lugares para mezclarse. Pero si quiere encontrar el verdadero alma de León, disfrútalo durante unas horas en un café local.

A las afueras de León, uno de los pocos lugares del planeta donde puedes deslizarte por volcán. Es como andar en trineo, excepto que te estás deslizando por la pendiente de un enorme volcán activo, el Cerro Negro. Esta es la actividad que atrae a la mayoría de los turistas que buscan aventuras a la ciudad y no se la quiere perder. Recomendamos hacer el viaje con Quetzaltrekkers, una compañía de aventuras sin ánimo de lucro. Si el embarque no es lo tuyo, también ofrecen excursiones a algunos de los otros volcanes de la región.

@kat_mac_

@kaityacton

Si el abordaje al volcán no es bastante para ti, y deseas atrapar olas reales, suba a una de las playas locales. Los más populares (y más fáciles de alcanzar) son Poneloya y Las Peñitas. No son playas de surf tan conocidas como San Juan del Sur, pero los lugareños definitivamente saben cómo navegar por sus olas. Coge una caña de pescar, extienda una toalla y disfrute de un día de viento en la costa.

@surf_expedition

@hollystravels

Libano & Nicaragua

Hardwell

otra estrella confirmada para

DREAMBEACH 2018 ¿Quiéres más?

Amelie Lens (Techno): La nueva sensación del Techno a nivel global, esta belga de 27 años está cau-

tivan-do a la exigente comunidad underground a través de un sonido propio plagado de una exuberante per-cusión y unos bajos que retumban en el pecho. Su carrera se ha disparado en los últimos dos años, tras el impacto que produjo la publicación de su track 'Exhale'.

Eptic (Dubstep): Con sólo 24 años, este belga es indiscutidamente una de las figuras de moda en el elec-tri-

zante universo del Dubstep. Desde el precoz éxito de su EP 'Like A Boss'en 2011, ha remezclado a ge-nios como Datsik, Excision o Fedde Le Grand y tiene sonadas colaboraciones con MUST DIE!, Habstrakt o Jauz.

Virtual Riot (Trap): Este DJ y productor alemán lleva en su haber varios éxitos de ventas en Beatport, como ‘One For All’, ‘All For One’ o ‘Cali Born’, en los que combina ritmos oníricos con estridentes sonidos pensados para sacudir las pistas de baile. A principios de este año, la publicación de su nuevo EP ‘Throwback’sorprendió por su vuelta atrás a géneros que había trabajado en sus primeros años, como el Dubs-tep melódico, el Electro y el Drum and Bass.

Natos y Waor (Hip-Hop): El dúo madrileño, que últimamente ha sonado muy fuerte con su tema ‘Ca-

rretera’, ha ido ascendiendo peldaño a peldaño en la escena rap con letras descarnadas y aroma a asfalto.

Ganadores en 2015 del Premio de la Música Independiente a Mejor Disco de Rap con el ‘Martes 13’, son capaces de colgar el cartel de ‘sold out’ en el Palacio de Vistalegre en Madrid o la sala Apolo en Barcelona.

Sin embargo, en 2017 no han dado conciertos en España porque están volcados en la produc-ción de su nuevo álbum, que debe ver la luz a principios del año que viene.•Killbox (Drum and Bass): Este formación es el fruto de la unión de dos pesos pesados como los británicos Ed Rush y Audio. Este año han agitado los clubs más oscuros de Europa con su EP debut como dúo, ‘Witchmaker’, y con varias apariciones estelares en festivales punteros.

Y no sólo eso...

www.dreambeach.es

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NĂşmero 17 / Abril 2018 EdiciĂłn Primavera/Verano www.koossmagazine.com