KOOSS 16 by KOOSS MAGAZINE

#16/ENERO

ARTE

EN CADA PUNTADA

¿CÓMO VESTIRÁ UN SER DE OTRO PLANETA?

Un fotógrafo con

3 premios ÓSCARS

REGLAS

¿REGLAS?

THE STOAT CLASE & BELLEZA

MARINA VARGAS ALEXANDER MORRALL PAPARTUS

Cada pequeño detalle NOS HACE BELLOS

“La vida

es una gran obra maestra, que no estropeen tu cuadro”

@judith.moreno

Fotografía Judith Moreno

EQUIPO

iSSUe 16

CEO/ EDITOR FUNDADOR info@koossmagazine.com Manuel Sánchez & Judith Moreno REDACCIÓN redaccion@koossmagazine.com Diego Fernández Marina Salas Julia Ufano Nuria Sánchez María Sánchez DIRECTOR MAKEUP/HAIR Roverto Avellán DIRECTORA ESTILISMO Sonia Hernández FOTOGRAFÍA Judith Moreno photography@judith-moreno.com ASISTENTE Nando Ruiz

since

13-Marzo-2016 KOOSS es un magazine online trimestral con nacimiento en España un día de marzo de 2016. Gracias a todos aquellos que hacen posible cada publicación. KOOSS ofrece al lector entrevistas, reportajes y editoriales de moda. En su interior, personajes de la escena de la moda, la música y el arte en general, donde nos cuentan proyectos profesionales y personales. Contacto info@koossmagazine.com redaccion@koossmagazine.com comunicacion@koossmagazine.com

ARTES GRÁFICAS Pablo Ezquerra Sofía Fernández Alexander Morall COLABORADORES Fotografía . Judith Moreno @judith.moreno . Alejandro Carrillo @indicios . Sílvia Selas @s.selas Estilismo Sonia Hernández @soniahstylist. Isabel Aguilera @isabelaguilera.es @ . Estefania Toldos @misscanopy . Karla Soda @galletticarla Maquillaje y Peluquería Roberto Avellán @roberto_avellan . Luna Muah @luna_muah_ Modelos . Esther Rodríguez @estherrodfer . Rodrigo Laguna @rodrilaguna . Jennifer Bucovineanu @jenniferbucovineanu . Nastya Shantsila @ nastya_shantsila Gabi Papinska @gabipapinska . Julia Glossop @juliaglossop Agradecimientos . Andrea Antolín

Número 16 / Enero 2018 Edición Otoño/Invierno www.koossmagazine.com

Imagen de Alexander Morrall

Carta del

director

Sánchez Manuel

HOY DARÉ GRACIAS

Comienzo escribiendo mi primera carta como director… Qué cosas, ¿eh? Este año 2017 ha sido... Uf. Prefiero dejarlo en que: pronto me intervienen en un hospital de Madrid y que en 2018 voy a dar muuucha guerra. Paciencia, esa palabra que me repite tanto mi cabeza y que me crea dolores de estómago. Me he propuesto, en este 2018, tomarme las cosas con más calma ya que la salud es lo primero. No imaginé que iban a seguir a mi lado mis compañeros Sonia Hernández y Roberto Abellán. Se han convertido en una parte imprescindible en esta cosa a la que dimos vida para criar día a día. Ahora son parte de mi familia, somos incansables, y pese a que todos los días quiero dejar este bonito proyecto, ellos están ahí para darme una colleja cada vez que se me ocurre. Gracias. Es difícil, muy difícil, sacar adelante este trabajo, nunca sabes qué va a venir, quién será la próxima

portada, quién o qué fallará un día antes de publicar o incluso el mismo día de la publicación. Aún sigo preguntándome porqué hago esto si tantos dolores internos me conlleva. Pues… por puro gusto. Es así. Por puro gusto, mi equipo hace un trabajo que parece fácil y eso es lo bonito, que hacen que parezca fácil. Casi dos años lleva respirando KOOSS Magazine y ya hemos abierto hasta un canal de TV. ¿Por qué? Pues porque se nos antoja y lo hacemos, ¡no hay más! Jaja. Muchísimas gracias a Fernando por creer en ello, y a nuestras guapísimas y locas -porque locas están...- Gema Álvarez y Alicia Martínez, modelazas y grandes personas. Sofía Fernández da color a la revista, empezó casi desde el inicio con nosotros y estamos encantados. Gran artista y persona, hasta Córdoba le mando un abrazo. Gente que no te deja, que siempre está ahí para ayudarte en este proyecto. Diego es mi amigo, gran amigo con el que he compartido muchos momentos de mi vida y que ahora comparte con nosotros, cuando puede, un pedacito de sus artículos. Ahora le mando un beso enorme y un abrazo aún más grande. Siento mucho no estar más allí, y sobre todo ahora... (él sabe por qué). Quiero mucho a todos mis amigos, y son conscientes de ello, jaja. Gracias Aitor, José Luis por abrazarme cada mal día que tengo para darme cuenta de que esto merece la pena. Julia Ufano, Marina Salas, Diego Fernández, ¡por escribir tan bien! Sois un descubrimiento. Gente que te sorprende a lo largo de la vida de un proyecto aún bebé. Somos todos muy bebés en esto. En esto y en la vida. Creo que si no fuésemos algo niños no podríamos crear. La imaginación y la creatividad nacen con la inocencia y si se pierde, pierdes la magia a la hora de crear. A mis hermanas Nuria y María, que me ayudan cada día. Soy muy pesado, lo sé, pero no doy abasto. No olvido a mis perros, ¡ellos también me apoyan!: mientras edito la revista, uno de ellos se echa en mis rodillas y el otro en mis pies. ¡Horus y Kukin, os quiero! Hemos olvidado por que nació esta revista, ¡y lo que significa su nombre! ¿Sabéis de dónde viene

“KOOSS”? Jaja, la mayor tontería del mundo… Pero bueno, es largo de contar. Lo dejaremos para la próxima. Todo esto, este bebé del que hablaba más arriba, es culpa de Judith Moreno, mi novia, mi amiga y compañera desde hace ocho años y pocos meses, la misma que aguanta todas mis locuras y perdona mis rabias. No sabía que tanto tiempo después de conocerla íbamos a tener algo tan bonito y delicado que compartir. Soy un humano con muchas confusiones, despistes y pecados que me persiguen cada día y que no puedo eliminar. ¿Qué tiene esto de bueno? Lo único bueno es que me ayuda a aprender, a crear y a darme cuenta de qué es lo que quiero aunque el pasado me queme las venas. Judith solo puedo decirte: perdón y gracias. Te amo. Papis, sí, también os quiero mucho. Muchas gracias por aguantar a este animal de emociones. Con siete años me preguntaron…: “¿Qué quieres ser de mayor?”. A lo que dije: “artista”, jaja. Perdí las ganas de pintar por cosas ajenas a la pintura, dejé de cantar por cosas ajenas a la música, deje de escribir por cosas ajenas a la poesía. No soy lo que quería ser. De lo único que me he dado cuenta es de que quiero seguir siendo el niño de siete años que era porque realmente era feliz. Soy actor en mis sueños porque puedo ser el protagonista de cosas verdaderamente increíbles, eso es lo único que tengo de artista –bueno, y los monólogos que me monto en la cabeza cuando tomamos cerveza y comemos hamburguesas en el salón de mi casa. No pierdan al niño que llevan dentro porque es el único que mantiene la ilusión encendida. KOOSS 2018… No regalen rosas porque las espinas duelen. El que perdona, ama. Os deseo lo mejor en este nuevo año. Reúnan fuerzas para construir, para crear, para viajar y para amar, pero reúnan fuerzas sobre todo para perdonar.

Comenzamos... o NOTICIAS o o o o

Todos somos bellos... 12 ¿Reglas?... 16 Cecil Beaton... 20 ET no iba desnudo... 24

o ARTE o Alexander Morrall... 30 o Marina Vargas... 36 o Papartus... 46 o Inés Benavídes... 54 o David Kims... 58 o Gymnasio Tipográfico... 62 o MODA The stoat... 72 Juan Brea... 78 Arena Martínez... 82 María Martín... 86 The elegant wild woman... 90 Nuages á París... 102 Imagen de Alexander Morrall

o o o o o o

KOOSS ES NOTICIA KOOSS ES NOTICIA KOOSS ES NOTICIA KOOSS ES NOTICIA KOOSS ES NOTICIA

TODOS SOMOS

BELLOS BICE

¿CANON DE BELLEZA? Cada pequeño detalle nos hace bellos

Texto Marina salas

TSB

@mthenaked

stamos viviendo la revolución de la moda, los cánones están cambiando, y la verdad ya había llegado el momento, lo necesitábamos. La moda nos ha estado imponiendo un tipo de cuerpos, la imagen que teníamos que mostrar o la que teníamos que conseguir. Si no teníamos los dientes perfectos, la altura, el peso, teníamos que llegar a conseguirlo. Todos somos perfectamente hermosos tal y como hemos nacido, no necesitamos a nada ni a nadie que nos marque como tenemos que ser o como tenemos que llegar a ser, solo tenemos que hacer este cambio sin en realidad no estamos a gusto con nosotros mismo o por motivos de salud. Estas metas en muchas ocasiones son prácticamente imposibles, nuestros cuerpos tienen una serie de limitaciones y debemos tener en cuenta hasta donde podemos llegar. Parece que la moda se ha dado cuenta de esto y cada vez vemos caras más diferentes en la pasarela y en las campañas de las marcas de moda. Mujeres y hombres con diferentes alturas, pesos, los dientes separados, diferente pigmentación de la piel. Ya se ve la belleza en todos los cuerpos y se lo enseñan al mundo, como tenía que haber sido hace mucho tiempo. Shaun Ross, el primer modelo albino en pisar una pasarela. Ha triunfado gracias a su tez blanca pulida y sus rasgos duros, muchas firmas le han querido en sus pasarelas para ser su imagen, además ha aparecido en videoclips de Beyonce o Lana del Rey, entre otras. Jennifer Bucovineanu, la modelo española con los ojos exageradamente grandes para el tamaño de su cara, pareciendo una muñeca, o la muñeca vudú como muchos la denominan, y que ha llamado la atención de múltiples diseñadores y revistas. Ralph Souffrant, el haitiano ha usado su cuerpo lleno de pecas para hacerse un hueco en el mundo de la moda, ganándose su sitio en el show de Kanye West en Yeezy Season 3. Trabajó muy duro para conseguir entrar en la industria, e intagram le hizo visible para el mundo. Dustin Bice, cada una de las facciones de este modelo son tan atractivas para los fotógrafos de Nueva Yok. El chico de 23 años sufre de alopecia universal y a sus tres años perdió todo el pelo de su cuerpo. Esto le hace tan especial junto a su expresividad, que todo el mundo de la moda le quiere.

¡DIFERENTES, ESTÁIS DE

SHAUN ROOS

La imagen de la moda está cambiando

MODA! Amina Blue, la modelo de metro y medio que ha conseguido triunfar en la pasarela, gracias también a Kanye West, repitiendo para Yeezy 5 veces, y gracias al Kanye conoció a Carine Roitfeld que le ha dado visibilidad en su publicación. Andrej Pejic, el modelo que por su aspecto andrógino triunfaba en las pasarelas desfilando como hombre como mujer, y que se sometió a un cambio de sexo para convertirse en mujer a los 22 años, pero continúa siendo una de las tops de la moda. Molly Bair, la modelo de 17 años que ha cautivado a las mejores firmas de moda, desfilando para Chanel, Balenciaga o Dior, pero por sus rasgos le ha llamado siempre alien o rata. Esos rasgos tan diferentes han hecho que desfile en las mejores pasarelas. Melanie Gaydos, la modelo internacional con displasia ectodérmica, una mutación genética que le hizo perder el pelo, los dientes, la piel y las uñas. Esto no le ha hecho llegar a donde ha llegado, desfilar en multitud de pasarelas de la semana de la moda de Nueva York y ha salido en multitud de sesiones de fotos. Parece que es verdad que la imagen de la moda está cambiando y estamos llegando a mostrar a la sociedad algo diferente, que todo tipo de personas tienen lugar en esta industria, era algo que necesitábamos.

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RALPH SOUFFRANT

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REGLAS

¿REGLAS? ¡TOMA DECISIONES! Somos quien queremos ser gracias a la moda. Nuestra personalidad SE VISTE

L Texto Marina salas

a moda, ese mundo que en muchas ocasiones se les ha otorgado a las mujeres, quizás de manera equivocada, no lo sé. Porque la verdad que en esta industria tiene sitio todo el mundo, y puede que últimamente veamos como el hombre cada vez muestra más su interés por este sector. Pero no estamos en esas ahora mismo, para mí la moda siempre ha sido una forma muy especial de expresión, que nos hace mostrarnos tal y como somos. Con la moda podemos conseguir mostrar cualquier estado de ánimo o que la gente nos vea como queramos que nos vean. Puede que en muchos sitios te sientas oprimida, que te cueste expresarte por lo que los demás digan de ti, o que simplemente te asuste mostrarte. Pero se sale. Para mí la moda es la forma más bonita de expresión, y que puede conseguir sacar unas pasiones que nunca habías pensado, a mí, me ha pasado. Pero ha conseguido muchas otras cosas, en el mundo, como desencorsetar a la mujer.

@mthenaked

Yves Saint Laurent

ucha gente ve la moda como frívola, inalcanzable, solo de lujos, pero es porque no la conocen. Y muchas mujeres no saben todo lo que ha hecho por nosotras, desde el momento que pudimos quitarnos ese corsé opresor que nos hacía tener la figura que otros consideraban perfecta. ¿Por qué teníamos que estar oprimidas bajo una estructura? ¿Por qué no podíamos ponernos un pantalón?, una serie de preguntas que quizás nadie sepa la respuesta, pero bueno sin contestar ninguna de ellas hemos conseguido superarlas. Y llegó su momento, Coco Chanel decidió cambiar las reglas, decidir que nadie podía imponernos un uniforme, que nos podemos poner lo que quisiésemos. Luego llegó Yves Saint Laurent y le puso un smoking a la mujer en su pasarela, y lo repitió durante toda su carrera. Pero la moda no se queda atrás actualmente, muchos diseñadores llevan el feminismo por frontera, como Dior con sus camisetas, la declarada diseñadora feminista, Muccia Prada, o modelos como Adwoa Aboah con su movimiento Gurls Talk. Y muchos otros que llevan por bandera este discurso. Al final la moda es una forma de decir lo que pensamos de una manera más relajada, que el discurso no sea tan brusco para el público, para que la gente no se escandalice, o sí. Llega un momento que la sociedad tiene que transcurrir y que todos lleguemos al mismo punto, con el mismo esfuerzo. Puede que todos tengamos que tener un toque de atención desde varios entornos y es necesario que la moda sea uno de ellos, ya que ha conseguido muchas cosas por nosotras y puede que siga consiguiendo más cosas.

Beato

RETRATANDO HISTORIA Un fotógrafo con 3 premios Óscar

Y después estalló la guerra y el fotógrafo no dudo ni un solo segundo en dejar su vida llena de sofisticación para convertirse en corresponsal de Ministerio de información británico. Comenzó a sacar fotos alrededor de la contienda con un sentido totalmente opuesto a lo que estaba acostumbrado, el horror de la guerra, por ejemplo mostró al mundo los estragos de los bombardeos alemanes de la ciudad de Londres, que sobrecogió al resto del mundo.

CECIL BEATON Cuando finalizó la guerra regreso a Estados Unidos, siguió realizando fotografías, por ejemplo sería el fotógrafo de la coronación de la reina Isabel II. Pero inició una nueva andadura, la escenografía y el diseño de vestuario para cine y teatro, algo que siempre le había llamado la atención, incluso llegó a ganar un Oscar por el diseño del vestuario de Gigi (Vicente Minnelli, 1985) y años después por My Fair Lady (George Cukor, 1964) Pero la fotografía nunca la dejaría, posa-

ron para él en los años sesenta los nuevos iconos pop, Mick Jagger, Twiggy, Andy Warhol, etc. Cecil tenía una estética muy especial, una sensibilidad para crear espacios y atmosferas alrededor de cada fotografía que no lo haría nadie, y por eso es el mejor, siempre se le recordará y a su infinidad de fotos, y es que como decían de él Truman Capote “Su inteligencia visual es la de un genio,…Escuchar como escribe Beaton, en términos estrictamente visuales, a una persona, un lugar o un paisaje, es asistir a una representación divertida, brutal o bellísima, pero siempre y sin ningún género de dudas, brillante. Es justamente esto, la extraordinaria inteligencia y comprensión visual de sus fotografías, lo que hace que la obra de Beaton sea única” lo confirma Texto Marina Salas

@mthenaked

ecil Beaton el fotógrafo que tantos rostros retrató, la realeza, actrices de Hollywood, o del mundo de la moda, definitivamente fue el fotógrafo del siglo XX. Sir Cecil Beaton nació en un pueblecito de Londres en 1904, y en sus primeros años de educación fue cuando descubrió su pasión por la fotografía, comenzando a fotografiar a sus hermanas. En 1927 comienza su trabajo con Vogue UK, debido a que tenía una sensibilidad especial para captar el glamour y la sofisticación de os personajes que fotografiaba logró hacer relaciones laborales y de amistad con multitud de personas, llegando a establecer estrechas relaciones con la aristocracia inglesa, incluso con miembros de la casa real británica. Realizó una serie de fotografías que realizó a los Duques de Windsord, o a la reina Isabel de Inglaterra. En los años 30 se mudaría a Estados Unidos, donde quedaría fascinado por los estudios, y las decoraciones, y comenzó a trabajar para Vogue América y Vanity Fair, además conoció a gente muy importante del sector, como fueron Balenciaga, Coco Chanel o la mismísima Diana Vreeland, su jefa de Vogue.

ET NO IBA DESNUDO ¿Querría llamar ET a su casa porque se había olvidado una “muda”?

a moda siempre ha intervenido en la sociedad. En este nuestro planeta y en planetas extraterrestres. Y si a ésta le unes la influencia cinematográfica, tienes el mix perfecto para influir en La Tierra, Marte y hasta el infinito y más allá. Tal es así que siempre hemos percibido a los extraterrestres como seres de color verde y desnudos. Cuando en realidad son grises y van vestidos. Un hecho parecido al de Papá Noel. Que pasó de ser un gordito adorable que vestía de color verde a vestir de color rojo tomando Coca Cola mientras le subía el azúcar. “Los extraterrestres se fueron tiñendo de color verde un 6 de diciembre de 1902 a medida que los lectores del The New York Times leían en el periódico” Pero éste no ha sido el único cambio de color cromático en el colectivo imaginario de los humanos. Los extraterrestres se fueron tiñendo de color verde un 6 de diciembre de 1902 a medida que los lectores del The New York Times leían en el periódico una crítica que salió publicada de la obra The gift of the magic staff: Paul´s adventures in two wonderlands. En ella, el crítico decía que el chico protagonista recibía el don de la magia de un pequeño hombre verde. Y con eso de que eran dos mundos, el humano, raza sabia e inteligente allí

donde las haya, despejó la ecuación matemática espacial. Mundo extraterrestre + pequeño hombre verde = Los extraterrestres son verdes. pastedGraphic.png Ecuación y solución que persistieron, y persistirá, en la tan famosa película de Fredric Brown. Donde hombrecillos verdes, calvos y pequeños sembraban el terror en la tierra exterminando a la paloma de la paz y al lema de “venimos en son de paz”. “Los famosos extraterrestres, según las teorías, vienen de un planeta rojo como es Marte. Entonces ¿por qué verdes?” “Lógica” que debería sorprender y hacer reflexionar. Ya que los famosos extraterrestres, según las teorías, vienen de un planeta rojo como es Marte. Entonces ¿por qué verdes? Sea cual sea el caso, los colores de estos seres evolucionados no son ni rojo ni verde. Sino gris. Y no van desnudos. Van vestidos. Y de color gris como acabo de decir. Este hecho hace que en el mundo de la ufología se les conozca como “Los grises”. Seres pequeños y delgados de cabeza grande y alargada con ojos negros. Y no vienen de Marte. Son procedentes de la Constelación de Orión.

Texto Julia Ufano

@juliajulieta4

Imagen Pablo Ezquerra

@blosky

Paréntesis y clase de ufología nivel B1 aparte, lo que explica que los percibamos e interpretemos como que van despojados de prenda alguna es su tipo de vestimenta. Monos muy ajustados y entallados a lo skinny, grises, combinados con el color de su piel, gris también. De ahí el nombre de su raza. Además parece ser que no usan el color como medio diferenciador, ya que su fondo de armario espacial y tono por excelencia es el gris. Este color que se concibe aquí como unisex también lo es allí. Lo que viene siendo ir a la moda a años luz. O más bien, ir creando moda. “Quienes a nuestros ojos humanos serían los modelos de la galaxia. Esos por quienes los diseñadores de cualquier planeta y marca se disputarían para que exhibiesen su ropa en las pasarelas y posasen en portadas”. Esto hace que dicho color grisáceo o metalizado (para asociarlo más con el espacio) sean los que se representen como colores futuristas en las pasarelas. Una moda que podrían portar desfilando otra raza de extraterrestres conocida como los Pleyadianos. Una civilización venida de la constelación de las Pléyades (dentro de la constelación de Tauro). A éstos se les describe como seres parecidos a nosotros, los humanos. Concretamente a los habitantes de las regiones nórdicas-escandinavas. Ya que los estudiosos los describen con grandes ojos azules, piel pálida y largas cabelleras rubias. Aunque de más de dos metros de altura. Quienes a nuestros ojos humanos serían los modelos de la galaxia. Esos por quienes los diseñadores de cualquier planeta y marca se disputarían para que exhibiesen su ropa en las pasarelas y posasen en portadas. Ahora solo hace falta que reemplacemos nuestro fondo de armario con colores negros por colores grises o que customicemos nuestras camisetas con marcianitos verdes por marcianitos grises si realmente queremos ir a la moda. PD: A lo mejor ET, a quien Spielberg representó como ser de tez morena y ojos claros para hacerlo más humano y menos repugnante, cuando volvió a su planeta se hizo Instaplanetagramer con la manta blanca.

Imagen Alexander Morrall @alex.morrall

Estos seres son quienes ejecutan la mayoría de las famosas abducciones de las que tantas leyendas hay. Y no sólo de eso, sino además de ser quienes negociaron, sobre los años 50, con el gobierno estadounidense. El trato era simple. A cambio de poder experimentar con humanos con el fin de encontrar la extinción de su raza, ellos informarían al gobierno sobre la tecnología avanzada de la que eran poseedores.

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Alexander MORRALL

Alexander MORRALL HAGO ARTE PARA LUCHAR CONTRA LA DEPRESIÓN El arte de crear sueños Crecí en North Yorkshire, Inglaterra. Siempre me gustó el arte y el teatro. Elegí estudiar literatura inglesa y estudios de teatro en la Universidad de Warwick, pero me perdí la creación de arte durante la totalidad de mis días como estudiante, a menudo lo hacía únicamente con propósitos relajantes en lugar de cualquier búsqueda artística real. Ahora, me he graduado y, mientras decido mi camino vivo en mi casa y creo arte en mi pequeño cobertizo del jardín para llenar mi tiempo y ayudar a allanar mi batalla contra la depresión (una fuente de inspiración para muchas de mis piezas). Por el momento, mi trabajo es extravagantemente raro y extraño. No encuentro nada malo en mirar y apreciar las cosas bellas por su propio bien, pero en mi trabajo siempre me gusta introducir algún elemento de dolor o perversión. Espero continuar en mi trabajo porque no solo ha sido exitoso sino que me ha dado una salida de confianza y productiva en tiempos difíciles.

@alex.morrall

MARINA

VARGAS

“NI ANIMAL NI TAMPOCO ANGEL” Una gran poeta que escribe esculpiendo y recita pintando Marina Vargas nace en Granada (España) en 1980 aunque actualmente vive y trabaja en Madrid. Licenciada en Bellas Artes por La Universidad de Granada en el 2003 y Master en Producción e Investigación en Arte por la misma Universidad 2011. Son numerosas sus muestras individuales en museos e instituciones públicas como Las líneas del destino 2017, en el Museo ABC de Madrid; Ni Animal Ni tampoco Ángel 2016 en el Centro de Arte Contemporáneo CAC Málaga, España, Nadie es Inmune en el Centro Atlántico de Arte Contemporáneo CAAM, Las Palmas de Gran Canarias España. Su obra forma parte de la colecciones de estos museos e instituciones públicas así como Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Artium, Vitoria Gasteiz, Fundación Focus Abengoa, Sevilla, España o Fundación Ifitry Marrakech, Marruecos. Ha recibido numerosos premios y becas de residencia como la beca Manuel Rivera para trabajar en Caracas (Venezuela), La beca de residencia Instituto Andaluz de la juventud para trabajar y vivir en New York City o la beca de la fundación MEDOC para trabajar y vivir en la Residencia de artistas Ifitry Marrakech, Marruecos. Su obra ha participado en numerosas feria nacionales e internacionales como Arco Madrid, Maco en México, Volta New York, Dallas art fair entre otras muchas. Cabe destacar su participación en la primera Bienal de Casablanca , Marruecos y actualmente prepara un proyecto para participar en la próxima Bienal de La Habana. Su trabajo forma parte de muchas colecciones nacionales e internacionales y es representada en España por la galería Javier López&Fer Frances y por Ge galería en México.

@marinavargas_studio

¿Cómo te describes?

Una mujer, artista y feminista que lucha por lo que cree. En pocas palabras, diría que soy una mujer, artista y feminista que lucha por lo que cree. ¿Por qué vemos armas en tu obra? ¿Tiene algo que ver con las destrucción? La serie de armas surge en una etapa muy concreta de mi trabajo. En aquel momento estaba reflexionando sobre la destrucción, la construcción, la violencia, el artificio, el arma como objeto de poder y de adoración, e incluso como objeto fetiche. Esto debería sonarnos familiar, pues existen los museos de armas. Las armas son tristemente una huella arqueológica e histórica. Si visitáramos un museo de armas y analizáramos las primeras armas que aparecen desde la prehistoria hasta nuestros días, podríamos crear una historia de la evolución y desarrollo del hombre que no dejaría de ser una contradicción constante. Además coincidió que, justo en el momento en que estaba en proceso con este proyecto, fui con una beca a Caracas, Venezuela. La violencia no era algo que viera allí con distancia, sino de frente y en mi cotidianeidad. Algo que hizo centrar mi atención en las armas y transformar los propios bastidores en armas que contuvieran (lo que yo llamo, familiarmente, entrañas) armas que contienen heridas y símbolos que, por su propia naturaleza, tienen en sí mismos ese lado destructivo y constructivo al mismo tiempo. Algo curioso que fui descubriendo a medida que iba seleccionando y haciendo plantillas de las armas es que la mayor parte de las ellas tienen nombre de mujer, como Rossi calibre 357, Beretta, etc. Nos presentas en 2015 “Ni angel, ni animal”. ¿Qué nos muestras en esta espectacular obra? "Ni animal, ni tampoco ángel" reflexiona sobre las nuevas visiones de los conocimientos heredados, la belleza y el concepto de liberación.

El motor de este proyecto es destripar y cuestionar el canon clásico. Sacar lo de dentro a afuera y lo de fuera a adentro como si la propia escultura regresara a su materia original. Creando una nueva idea de anatomía que se acerca a un concepto más primigenio, relacionando de esta manera los títulos de las piezas con el concepto del cuerpo que concebía Paracelso como una relación interna entre el cuerpo material o animal, el cuerpo astral y el cuerpo luminoso e insurrecto. De todas las piezas que configuran el proyecto, hay una imagen que abre y cierra el significado de la muestra. Se trata de un auterretrato en el que abrazo una de las más enigmáticas obras de la historia del arte: el torso de Belvedere. Esta imagen surge como gesto de reconciliación con el papel de la mujer dentro del arte, pues antigüamente, las mujeres que decidían dedicarse al arte entraban como modelos en estudios de artistas (hombres) o en un convento para poder dedicarse plenamente a su misión. Esta obra, cuyo título completa la pieza “El modelo y la artista”, no es más que un gesto de reconciliación y reivindicación poética. Un gesto frágil del que surge la fuerza. No soy un animal ni tampoco un ángel, pero apuesto por el diálogo de contrarios aunque me arrastra más el (pathos) la pasión que la norma (ethos). Vivir intentando equilibrar todas estas dualidades es el resultado de mi trabajo. ¿Cómo surge la idea? La idea parte de mi propia experiencia. Pues actualmente siguen existiendo pruebas de acceso en muchas facultades de bellas artes en las que tienes que dibujar a la perfección estas esculturas clásicas. Medir cabezas y proporciones que no son reales. Pasar años dibujando estos modelos porque parece que si no lo haces no estás cualificado para ser artista. Seguimos tomando como modelo de estudio un sistema anacrónico que no responde al cuerpo humano

ni a ninguna realidad y además, este sistema fue instaurado por el sistema patriarcal y su poder. Por una parte surge de aquí la idea del proyecto. Y formalmente me ayudó como puerta "La Piedad Invertida o La Madre Muerta", la obra fotográfica que hice de la escultura, pues cuando hice el molde a la escultura de barro ésta se fisuró y quebró de arriba a abajo interesándome mucho más el resultado de este accidente que la pieza planificada. La escultura se transformaba en tierra quebrada. Esa rotura me dio pie a la idea de reventar el canon. Y la idea de usar el poliuretáno como material venía de una pieza anterior de 2002, Rosarium. Quería usar este material porque no es típicamente escultórico y no puedes controlar la forma ni el crecimiento. Esta superposición sobre las esculturas frías y calculadas era lo que más me interesaba. La idea de hacer del gesto un material escultórico era invertir el propio proceso de la escultura clásica, en la que normalmente se extrae del bloque de mármol para conseguir "la verdad" y no al contrario... ¿Hay que tener dinero para ser artista y construir una carrera exitosa? El dinero, si lo tienes, es una gran ayuda. Pero tampoco garantiza una carrera exitosa. Dependiendo primero de lo que cada uno entienda por carrera exitosa. Y lo que entienda por éxito. Hay muchos artistas que son globos hinchados de operaciones financieras y están en el mercado -y con mucho peso- pero no generan pensamiento y están al servicio de sus amos y del mercado. Para mí una carrera no es sólo "dar el pelotazo".

Una carrera se ve en la obra, en la evolución del artista, en su actitud, en lo que ha generado. Y se hace en equipo con las personas con las que trabajas, que a su vez avalan y ayudan a crecer al artista. En este tipo de carreras el dinero puede que facilite algo, pero estamos hablando de una carrera-vida. Lo cierto es que en un país como España, que no está en la norma pagar honorarios a los artistas, ni producción en los proyectos, es de gran ayuda para poder llevar acabo el trabajo. Y también es realidad que para mantenerse en esta cuerda floja ante esta situación tan precaria en la que nos manejamos, el dinero ayuda a tener cierto tipo de estabilidad. Son muchos los artistas que no resisten esta adversidad y se retiran teniendo un gran trabajo. Esto también se debería de hablar cada vez más para luchar por un valor y respeto del artista ante esta precariedad de Sistema. Pero finalmente el dinero va y viene y no hace una carrera. En el caso de las mujeres artistas, muchas de ellas venían de familias adineradas y aún no han pasado

a los libros de historia y ni tan siquiera a los museos. Así que ahí tenemos un claro ejemplo y un buen motivo por el que seguir luchando gratis (jijiji). ¿Cuál es la obra con más valor sentimental para ti? Hay piezas que por el proceso que he vivido haciéndolas y lo que se ha generado mientras estaban expuestas son muy importantes para mí. Como "La doble inversión de la Piedad invertida y la Piedad invertida" recientemente expuesta en el Instituto Cervantes de Madrid formando parte de "Las Formas del Alma", comisariada por Susana Blas Brunel. También hay piezas para mí con una gran carga emocional, como es el caso de una de las cartas de tarot que se expuso en "Las Líneas del Destino" en el museo ABC, comisariada por Óscar Alonso Molina. Este proyecto, en resumen, consiste en crear mi

propia baraja de tarot a través de las tiradas que me voy haciendo a lo largo del tiempo. Lo considero un proyecto de vida. Y tratándose de mis tiradas de tarot y de la creación de mi baraja, es uno de los proyectos que lógicamente me afecta de una forma más directa. De todas las cartas, hay una para mí muy especial: el diez de espadas. Además, lo reservó mi primer coleccionista, que se transformó en un gran amigo y un gran apoyo para mí y mi trabajo y que ya no está entre nosotros. Esta carta pasa a ser una pieza que me quedaré conmigo porque para mí tiene una gran carga simbólica y es de él y mía. Así que claramente puedo decir que la pieza de mayor carga sentimental es el diez de espadas de mi futura baraja de tarot. ¿Qué te inspira? ¿Cuándo suceden las buenas ideas y cuántas rechazas

hasta quedarte con la definitiva? Muchas ideas surgen trabajando. Hay obras que te llevan una a otra. Algunas obras te caen encima, te vienen y luego vas depurando. Hay piezas que son puentes de unas a otras. Y hay proyectos que necesitan mucho tiempo de incubación. Meterte dentro y darles el tiempo para tomar distancia y salir fuera para ser objetivos y poder pasar a la acción. Hay ideas que se quedan en libretas por falta de medios o por no tenerlas claras. Y acudes a ellas pasado años y vas retomando y depurando con nuevos puntos de vista que antes no tenías en cuenta. Hay ideas rechazadas que de repente decides que sean aceptadas. Y piezas que ves tan claras que decides rechazar. En realidad no tengo en este sentido un orden milimétrico, ni lineal. Considero que en mí prima mucho la parte procesual.

¿Una frase que te acompañe?

¿Donde y qué podremos ver en tu próxima exposición? Mi próxima exposición es en Milán: "La estética del vértigo", en Costantini Art Gallery.

"No tengo nada que perder".

¿Qué más te gusta hacer? Supongo que no solo creas obras de arte... Casi que te podría decir que esto es un poco enfermizo... Y lo bueno y (a veces) lo malo es que como no trabajas para nadie, no te das cuenta de que estás trabajando y te pasas el día proyectando e incubando. Y tu vida y tu día a día giran envueltos en esto. Me gusta leer, la música, el cine y... trabajar.

PAPARTUS DESCUBRIENDO UN APARTAMENTO LLENO DE COLOR La experiencia de la felicidad a través de la pintura A pesar de que el presente y el futuro son impredecibles y difíciles de gobernar, el ser humano siente la necesidad de luchar contra el caos organizando el medio ambiente y el mundo. Creo que el papel de un artista es buscar formas alternativas de lógica organizacional, deconstruir el orden establecido y reconstruirlo de nuevo dentro de la libertad que ofrece la creatividad. Después de exponer mi trabajo durante 13 años, en 2006 decidí centrarme en desarrollar mi proceso creativo y, por lo tanto, dejé de exponer. En 2017 llegó el momento adecuado para exhibir mi trabajo nuevamente bajo mi firma inicial: PAPARTUS

@papartus_art

¿Quién es Papartus y qué quería ser con 15 años? Yo quise ser pintor desde siempre, con 15 años ya pintaba, mis primeras exposiciones las hice con 17. Estuve dando clases en una academia y aprendí lo de siempre: bodegón, retrato, paisaje, con 12 años más o menos. Pero ya a los 17 descubrí a Miró, a Picasso… ¿Por qué Papartus? Es la firma que tenía desde el principio. Luego, cuando me puse en plan serio, firmé como Paco Celorrio, pero volví a mis orígenes, yo me siento Papartus. Bueno, y ¿qué pasó para ser quien eres hoy en día? Nada. He llegado. Lo que he hecho ha sido pintar y… las cosas suceden, si pones los medios suceden y hoy en día pues me dedico a pintar. ¿Conociste a alguien? ¿Alguien te metió en este mundo? No, lo tenía de siempre. La primera vez que vi una reproducción, me llegó de una manera especial que no me llegaba a lo mejor del cine, o la música, o el deporte. Eso sí me llegaba, sabía leerlo y me decía cosas. Bueno, en 2015 dejas de exponer después de haberlo hecho consecutivamente durante más de 10 años y reapareces ahora y haces pública tu obra de nuevo, ¿cuál es el motivo de esa parada? El cansancio, estábamos un poco en los prolegómenos de lo que ha pasado luego. Hoy es que ha cambiado todo el ecosistema del arte. Antes la única manera de darte a conocer era a través de galerías, la única manera de vender era a través de ellas, pero hoy la compra básicamente se hace en ferias de arte, el ochenta por ciento de las ventas mundiales son en subastas y las galerías únicamente pueden hacer algo de promoción desde el momento en que van a ferias. Era cansancio, vendías, salía en la prensa especializada, tenías catálogos, hacías dos o tres exposiciones al año… Pero llega un momento en el que te cansa, y lo que me gusta es pintar, y eso tampoco suponía nada, quiero decir, era un camino cerrado.

¿Qué artistas compras? ¿qué arte consumes? He comprado alguna cosa que me gustaba, pero me interesan los artistas por descubrir. En los últimos diez años están apareciendo cantidad de artistas, sobre todo mujeres de 80 y 90 años artistas, que permanecían ocultas y hoy salen a la luz como reivindicación de la mujer. Migas en las sábanas es como titulaste a la doble exposición en el COAM, ¿qué metáfora esconde ese título? Es una sugerencia, lo que me sugiere es la manifestación del estado de malestar que existe dentro del mundo del arte. Cantidad de gente joven que no tiene sitio en las galerías. Hoy día pinta muchísima gente, internet ha sido una revolución y en este momento puedes conocer a artistas de todas partes. El malestar en este país en concreto es por el estado de crisis en que vivimos, básicamente. Hablando de eso, ¿cuánto y cómo ha cambiado el ecosistema artístico en todo este tiempo? Muchísimo, porque antes el artista creaba un coleccionismo a partir de varios artistas. Hoy el coleccionismo se crea a través de internet y a través de ferias. Ya no es un fenómeno local como era antes de la crisis, o al menos nacional, sino que es un fenómeno internacional, ya todo ha sido experimentado en América, Europa… Ahora todo se centra más en el arte africano, asiático... ¿Crees que existe el “arte basura”? ¿Cualquiera puede hacer arte? Hoy en día hay muchas calificaciones, pero podría decirse que: Arte es lo que hace un artista, entonces una vez que uno tiene el título de artista, el cual te lo da un consenso de los que mandan en el arte, en principio cualquier cosa que hagas es arte. ¿Que sea arte basura? El noventa por ciento. O sea, la línea que separa a un artista de verdad de un “intento de”, ¿es el reconocimiento? No. Lo que es basura y lo que es arte… Lo que es el artista y lo que es el farsante… ¿Cuál es el límite? Simplemente es el resultado.

Arte y mercado No, el mercado y el arte no tienen nada que ver. Sí es verdad que hay gente que sabe que está vendiendo cosas malas. Pero mira, la diferencia entre un cuadro y un no cuadro es sugerir, emocionar, vibrar, que te plantee preguntas, pero que tenga una coherencia, que tenga algo detrás. “Si sabes decir algo dilo, si intuyes algo y no sabes cómo decirlo, píntalo”. Tu técnica de trabajo, la base de tu inspiración, ¿qué relación guardan entre sí? No necesito inspiración, yo pinto todo el día aunque no esté en el estudio, e involuntariamente todo a mi alrededor influye: cosas que has visto, cosas que has oído, todo intuiciones. Entonces, llegas al estudio y siempre sale algo, pero vengo sin ningún planteamiento, es pintura experimental, no me gusta repetirme. ¿Llegas a frustrarte, a enfadarte contigo mismo? No, porque si quieres conseguir algo distinto, tienes que estar dispuesto a equivocarte. ¿Cuánto tardas en hacer una obra? Hay cuadros a los que les doy muchas vueltas hasta que los

veo, y los entiendo. Otros salen más fácilmente. ¿Qué le pides a un cuadro? Que no lo entiendas, que te transmita sensualidad, que te acaricie la mirada. Si tuvieses que ser un animal, ¿cuál serías? Mitad delfín, mitad delfín a tamaño distinto, como Borges con el camello (risas). Define tu obra en una palabra. Tengo dos: fiera y tranquila. Una obra, fruto del tiempo y palos en el estómago, ¿qué has aprendido en todos estos años, con qué te quedas y cómo aprendiste a madurar para que tu obra adquiriese esta forma? Ha sucedido, no había ninguna intención, las cosas realmente no las busco. ¿Con qué te quedas de todo esto? Yo de pequeño soñaba con ser pintor, luego lo olvidé, pero de repente te das cuenta de que ha sucedido, y lo he vivido. ¿Qué le pides a 2018? Que me quede igual. No le doy importancia al tiempo, pero sí a aprovecharlo, a ensancharlo, me siento joven siempre y me gustaría seguir pintando.

NÃ&#x2030;S

I.B.

INÉS BENAVIDES Diseño en los espacios De pequeñas joyas a muebles exclusivos

undadora del estudio homónimo de Arquitectura de Interiores y Diseño, es una profesional multidisciplinar que compagina su trabajo de interiorismo con el diseño de muebles. Numerosos son los proyectos que llevan su sello tanto en España como en otros países europeos. Un estudio pequeño pero con un alma creativa muy grande, compuesto por un equipo de expertos que se dedican al desarrollo de proyectos y dirección de obras. El added value de Inés Benavides se caracteriza por su faceta bicéfala como diseñadora / interiorista. La principal ventaja de su estudio es tener la capacidad de integrar todos los aspectos que conlleva un proyecto, desde la parte más técnica con todo lo relacionado con la arquitectura y la gestión de licencias, hasta la parte más creativa, como el interiorismo o el diseño de muebles. Tiene una dilatada experiencia como interiorista y ha realizado proyectos de todo tipo que van desde residencias urbanas pasando por oficinas, restaurantes, bares o espacios comerciales donde ha dejado plasmado su inconfundible y original sello de identidad, adaptándose siempre a entornos y condiciones de trabajo muy diferentes entre sí. El diseño es otra de sus pasiones que deja aflorar su vena más imaginativa al crear muebles exclusivos para diferentes proyectos. “Aplicamos nuestro arte al bienestar, este es nuestro objetivo final”. (Inés Benavides)

Una profesional que no deja indiferente y cuyos proyectos y forma de trabajo os invitamos a descubrir.

@ines.benavides

Se declara una incansable trabajadora a la que le apasionan los retos que le plantea su profesión en los diferentes y diversos proyectos en los que se ha involucrado.

“Una audacia noble sirve de guía hacia las obras grandes”

UNA VOCACIÓN MUY TEMPRANA

Desde muy joven, Inés Benavides tuvo claro hacia dónde quería orientar su futuroprofesional que le permitiría desarrollar la parte creativa que sentía en ella. Siendo todavía estudiante de ingeniería, el gusanillo creativo le llevó a diseñar pequeñas joyas, una cosallevó a otra y hoy en día diseña todo tipo de muebles exclusivos para sus clientes.Pero aunque terminó formándose como Ingeniero de Minas y tras una breve carrera como consultora en Estrategias de Empresas, quiso hacer de su pasión su sustento. Decidió montar su propia empresa durante una cena con amigos y así fue como nació su estudio homónimo de Diseño e Interiorismo en el año 2002. Un estudio pequeño pero con un alma creativa muy grande, compuesto por un equipo de profesionales y expertos que se dedican al desarrollo de proyectos y dirección de obras.

DAVID KIMS ENSOÑACIÓN POST-APOCALÍPTICA Arte inspirado por la ciencia y la era digital

ace en Granada en 1990. Se recuerda dibujante desde que era muy pequeño, ya que vivía rodeado de muros de arte en su ciudad. El arte le apasionaba tanto que no imaginaba que pudiera ser un trabajo. Con tan solo 13 años se inventó su nick, “Kims”, desde entonces es el nombre que le acompaña, pintando los murales de Granada con sus amigos, su mejor compañía. En la Universidad de Granada comenzó a estudiar ingeniería, pero a los dos años se dio cuenta de que no era su mundo y decidió dejarlo todo para disfrutar de la carrera de Bellas Artes. Para David la Universidad de Arte fue un juego lleno de prácticas y experiencias donde conoció la escultura y se enamoró de la posibilidad de poder crear cualquier cosa imaginable. Además, su pasión por el mundo digital le llevó a formarsd en audiovisuales y experimentar con los efectos especiales. Actualmente, mezcla ambas vertientes artísticas y reside en Madrid colaborando en proyectos de moda y vídeo. KIMSDOMS Crea una serie de objetos, accesorios y escenarios, a partir de materiales cotidianos. Con ellos representa escenas grabando vídeos en los que las piezas que construye son protagonistas y en cuya edición va integrando efectos especiales. De este modo, realiza un proceso que va desde la construcción más artesanal de attrezzo hasta el rodaje, la actuación y la postproducción digital. Una mitificación del mundo que percibe como real. Ensoñaciones hechas materia. Eso es KIMSDOMS.

@kimsdoms

¿Quién es David Kims y cómo nace KIMSDOMS? Kims es una palabra inventada con la que me defino a mí mismo. Kimsdoms es otro concepto inventado, viene de ‘kingdom’ (reino), es una especie de mundo que estoy creando . ¿Tienes algún límite como artísta? ¿Qué formatos utilizas? Intento rebasar los límites, no me cierro a ningún formato, pero lo cierto es que me centro en la escultura y el vídeo. ¿En qué formato te defiendes mejor? ¿Cuál te define? La escultura con materiales de mi entorno y la edición de vídeo. Son dos formatos que fundo, formando uno solo. Estos medios me permiten hablar de nuestra época mezclando lo físico y lo digital. ¿Has conseguido alguna meta que te propusiste con anterioridad? Mi meta es emocionar a la gente. Hacerles flipar. Creo que la gente se emociona con lo que ya he construido pero quiero darles más. ¿Qué esperas de Madrid? Espero que pueda ser el nexo de grandes proyectos (ya lo está siendo), una puerta al mundo. ¿Cómo empieza, se desarrolla y se define como acabada una obra? Mis piezas aparecen como visiones en mi imaginación, como causa de la era y la circunstancia que habito. Las hago realidad por medio de la escultura y el vídeo. Es genial cuando te das cuenta de que puedes hacer real aquello que imaginas. La obra acaba cuando impacta en el espectador. ¿Cómo describes la educación del arte en España? A medio camino entre la teoría y la práctica. Mucha gente la critica (sus razones tienen), pero para mí, viniendo de otras ramas académicas, el estudio del arte ha estado cargado de satisfacción.

¿Vendes tus obras personales o trabajas bajo encargo? Suelen ser encargos, me gusta hacer trabajos de mi estilo pero personalizados, no obstante no tengo problema en darle salida a piezas personales. ¿Cuesta vivir del arte? ¿Algún proyecto a largo plazo con lo que sorprender? Es un camino que no está trazado, pero con confianza y disfrutando lo que haces cualquier esfuerzo es bueno. Últimamente estoy coqueteando con el arte para moda y tengo pensado sacar varias colecciones de artículos kims para modelos. Además, por otro lado, me encantaría hacer videoclips o mi propia película algún día. ¿Qué es lo que te inspira?, ¿cuáles son tus influencias externas? Me inspira nuestra época, el mundo contemporáneo, la ciencia y la era digital, pero también imaginar nuestro pasado indígena y conectarlo con el presente, los mitos, la ignorancia humana, nuestros placeres y sufrimientos. ¿Qué quiere transmitir tu obra? ¿Cuál ha sido tu plato fuerte hasta ahora? Percibo mi obra como una ensoñación post-apocalíptica. Parto de una situación de colapso en la que el individuo se sitúa amnésico en medio de un mundo roto en pedazos, intentando reconstruir su pasado con materiales que encuentra a su alrededor. Mi plato fuerte sería el proyecto Kimsdoms en todo su conjunto. Lo presento vídeo a vídeo en Instagram (@kimsdoms) como ventanas a ese reino que, desde lo imaginario, trata lo real.

GYMNASIO TIPOGRÁFICO DOS MAESTROS DE LA TIPOGRAFÍA Entrenar el arte de las letras

@acaropetri

Es, en realidad, un espacio para la reflexión y la acción entorno a la forma tipográfica. En una vieja casona del barrio bonaerense de Almagro, comienzan a desarrollar proyectos de branding y editoriales en los que la tipografía tiene un papel protagonista. También talleres de lettering y tipografía gestual junto a jams abiertas de dibujo tipográfico llamadas Ink&Type. Allí, como forma de intercambio de puntos de vista gráficos con la comunidad, se desarrolla la idea de ´Custom Tools´ bajo el marco de una búsqueda tipográfica, morfológica y gestual, cuando comienzan a aparecer limitaciones ligadas a la herramienta con la que trabajan. Herramientas diseñadas para la escritura, para el dibujo o la pintura no son suficientes cuando de lo que se trata es de experimentar, de encontrar resultados diferentes a problemáticas -gráficas- comunes. Hoy, casi 3 años después, los talleres de Custom Tools han pasado por Buenos Aires, Montevideo, Lima, Medellín, Punta del Este, Madrid, Barcelona, París y Budapest. olapens, esponjas, helado sticks, estropajos, esparto, cepillos, pinzas para la ropa, corcho, comida… cada material tiene diferente pregnancia y descarga respecto a la tinta, también textura y carácter, las posibilidades son infinitas.

@brandingfobia

“Mono Grinbaum / Brandingfobia, Buenos Aires 1971, referente del diseño gráfico y docencia argentino, y Ácaro Petri, Madrid 1988, diseñador gráfico, director de arte y desarrollador de narrativa gráfica son GYMNASIO. Proyecto que trabajan desde hace tres años centrado en la dirección de arte tipográfica para todo tipo de proyectos.

@gymnasiotipografico

“Estimulamos a nuestros invitados para que inventen sus propias Custom Tools, que encuentren el carácter en un material para después desarrollar todo un sistema visual con él. Durante un taller un chico se cortó armando una herramienta, estaba tan involucrado que se tiró un par de letras con su propia sangre, orgulloso de su Custom Tool. Ahora tratamos de construir las herramientas con cinta aislante, es más seguro”. 2017 ha sido un año movido con talleres en varios países, proyectos de branding, coverart, muralismo, diseño textil; colaboraciones con casas editoras nuevas y conocidas, con ilustradores… 2018 viene con curvas: colaboraciones con amigos habituales de la casa, workshop tour y toda la typo que se pueda meter. “También estrenamos una web para facilitar el acceso a nuestro trabajo, donde se podrán descargar nuestras fuentes, habrá algunas serigrafías, originales, mucho Ink&Type”. The OLD, the YOUNG & the TYPE define el estilo y el universo tipográfico que utilizan, donde conviven Letraset e Illustrator, Custom Tools y Wacom, papel de calco, escáner, tipos móviles, aerosoles… DeLaSoul y Locoplaya. Global delivery de tinta, tipografía, diseño y talleres de de-formación.

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BE NARURAL . Con esto no queremos decir que no pongas nada en tu piel, pero con estos sencillos tips, podrás lucir radiante, sencilla y natural.

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1.- Hidrata tu piel, en este primer paso está la clave para que tu maquillaje permanezca fresco todo el día. Utiliza una loción rica en agua y antioxidantes como Energie de Vie de Lancôme.

4.- Intensifica la mirada con un toque de mascara de pestañas ( BabyDoll de YSL) 5.- Hidrata tus labios con un bálsamo regenerante ( lip conditioner de MAC) Lista para enero ... ??

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rose petal pop de NYX

3.- Añade un toque fresco a tus mejillas con un colorete en tono rosado, si es crema mejor, dará un aspecto más jugoso y natural a tu look. ( rose petal pop de NYX)

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BabyDoll de YSL

2.- Corrige e ilumina tu rostro con la paleta de correctores MAC studio conceal and correct palette. Oculta las imperfecciones y crea puntos de luz para que tu rostro quede perfecto pero sin excesos.

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espués de los excesos tu rostro pide más normalidad y sencillez?

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FotografĂa Judith Moreno MUAH Roberto AvellĂĄn Modelo Nastya Shanstsila (ModelsDivision)

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a personalidad del rojo no puede pasar desapercibida esta temporada .

Una explosión de color poco discreta y que siempre llama la atención, pero sabes cómo conseguir unos labios rojos perfectos???

Poner tus labios en rojo es centrar la atención de todas las miradas en tu boca... pero también puede poner de manifiesto algunas imperfecciones .

1.-Para lucir una boca sensual y perfecta en el color de la pasión sigue estos pasos: Mantén tus labios hidratados y si fuera necesario, exfolia con un producto específico para eliminar las células muertas. (Rouge coco baume)Añade este paso a tu rutina nocturna de limpieza de la piel. 2.( lip sugar scrub Dior)

3.-Antes de aplicar la barra de labios, delinea con un lápiz del mismo tono siguiendo su contorno natural, para crear la forma perfecta. Así Puedes ampliar o igualar el labio a la forma que más te guste. ( lip-perfil tono Cherry de MAC) 4.-Difumina el delineado con un pincel específico de labios, ( brocha 318 MAC ) y por último aplica el carmín con el mismo pincel, conseguirás un resultado homogéneo y duradero. 5.-( rouge coco 466-carmen de Chanel )

lip sugar scrub Dior

Si quieres que sean los protagonistas de tu look, “menos es más”. No necesitarás nada más que darles el protagonismo que se merecen, maquilla tus rostro y ojos en tonos neutros para no quitarles la atención que se merecen.

THE STOAT

Carlos & Renato

astres y modistos, comenzaron The Stoat como parte de una nueva filosofía, con el objetivo de volver a las raíces clásicas de la costura y la alta costura. Se esfuerzan por crear piezas únicas y cómodas, perfectas para la vida cotidiana del hombre y la mujer modernos. El fondo de los dos diseñadores se refleja en la creación y experimentación de patrones maestros en el volumen, los colores y los elementos que se suman a la experiencia de usar The Stoat.

Entrevista en vídeo PINCHA AQUÍ

Carlos Paredes Jimenez nacido en Plasencia, España y Renato Ruffoni Giusti nacido en Barquisimeto, Venezuela. Ambos hijos de empresarios Españoles e italianos respectivamente, siempre han estado rodeado del mundo de la empresa y siempre han tenido sensibilidad y predilección por las carreras artísticas y creativas, se conocieron en Madrid en el año 2011 y decidieron empezar a prepararse para formar su propia empresa de moda.! Anteriormente a dedicarse al mundo de la moda los dos directores creativos se habían dedicado a areas que los han ayudado a complementar conocimientos y mejor definir su camino y gustos. Renato estudió dos años de publicidad/mercadeo y dos años de diseño gráfico, y Carlos Paredes Jimenez se gradúo de cine y animación de dibujos en ESDIP, hasta que finalmente se conocen y deciden empezar a labrar su camino profesional juntos en el mundo de la moda. Así decide Carlos empezar a estudiar diseño de moda en el CSDMM de la UPM en el 2011, mientras Renato seguía su segundo año de diseño gráfico. Finalmente y apoyado por Carlos, ambos deciden estudiar en la asociación de sastres “La Confianza” para formarse en las disciplina clásica de sastrería en el 2012-2013, al finalizar Carlos continua con sus estudios en la universidad y Renato decide quedarse en La Confianza y estudiar dos años de modistería y confección finalizando los estudios al mismo tiempo que Carlos, en el 2015. ! A lo largo de este tiempo realizan ambos varias especializaciones en materias relacionadas con su profesión como lo son; estilismo, confección de bolsos y patronaje japonés ya que siempre les ha gustado explorar diferentes técnicas y maneras de confección que complementan y aportan a su deseo de realizar piezas universales y diferentes, siempre partiendo de las bases clásicas. ! En el 2015 deciden aventurarse y empezar a realizar diseños y colecciones para su nueva empresa con una marca de nombre “Carré” que posteriormente el mismo año debieron cambiar debido a problemas con el registro de marca, gracias a esto deciden dar un vuelco completo a la imagen, nombre y estética de la marca y así es como nace The Stoat, que significa “El Armiño” inspirado en la mascota de la marca. ! Su estética es basada en las técnicas clásicas europeas y orientales, ya que les apasiona la estética oriental, por esto podremos encontrar restos de la cultura “Kawaii” japonesa en su imagende marca y accesorios y experimentación con volúmenes y cortes con una vision de la proporción, la comodidad propia de prendas de uso para una vida en movimiento constante. Nunca olvidandola calidad y comodidad que son valores indispensables de la marca.

@thestoatonline

BRE-A Inspirándose en la corte francesa del siglo XIII Colección 1516 inspirada en el barroco

Juan BREA se sumerge en el momento en el que toda persona cae en el enamoramiento, un momento en el que la idealización de la otra persona Ttiene su clímax y el hechizo es latente en cada pensamiento. Como todo enamoramiento, el paso del tiempo, la cotidianidad, el desgaste y la monotonía hacen que ése castillo de ilusión, misterios, pasión y magia se apague sin remedio. Con la colección 1615, el diseñador Juan BREA culmina una trilogía inspirada en el estilo barroco, compuesta por veinte looks, la colección muestra el reflejo de una época donde la fantasía era el punto de fuga de una realidad oscura, donde el amor era prohibido e incluso tabú. La colección, por orden de looks, habla de ese amor ciego, misterioso y pasional, cargado de sexualidad representado en las prendas mediante cortes limpios sin artificios, culminando con diseños que se van complicando con bordados de perlas y flores, los cuales intentan ocultar esas líneas puras enmascarando el patrón, un trabajo que nos guía en un universo diferente.

@breaofficial

Los abrigos, pantalones y chaquetas son amplios, cerrados con lazos que envuelven el cuello. Todos ellos tomando como modelo a los jubones típicos de la época de Luis XIII en la corte francesa. Los vestidos, emulando la sensualidad de la mujer, son pegados al cuerpo, con el bajo asimétrico y el corte muy por encima de la rodilla. Las faldas adquieren protagonismo marcadas por la inspiración de la colección reflejando sensualidad y la seguridad de la mujer sobre su cuerpo dejando ver gran parte de la pierna mediante una apertura vertical que llega hasta la cadera, bordadas con perlas, rejillas e hilo. La gama cromática utilizada en la colección “1615” juega un papel fundamental trazando una historia que se percibe pasional, narrada desde el corazón. La colección comienza con looks en color negro profundo simbolizando el misterio y la oscuridad. El negro profundo evoluciona hacia el blanco más puro haciendo referencia a la luz, la realidad y el despertar del hechizo del amor. Como cierre final nos deslumbra el “azul Brea”, utilizado en todas sus colecciones convirtiéndose en el color característico de la firma. Los tejidos utilizados en la colección 1615 son crep elástico, neoprenos de lana, rejillas bordadas, mohaire y terciopelo.

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ARENA

MARTÍNEZ ARTE EN KIMONOS “La obra del artista ahora se viste”

ació en una familia de amantes del arte. Ella ha estado expuesta e involucrada en la escena del arte contemporáneo desde que recuerda. Siendo una apasionada de todas las formas de arte, siempre ha pensado en formas de llevarlo a otro espectro y tenerlo al alcance de todos. Tras viajar por el mundo, asistir a ferias de arte de renombre mundial y haber participado en mesas redondas sobre coleccionismo de arte, está preparada para crear nuevas formas para que el mundo acceda al arte contemporáneo a través de piezas de vestir únicas. Arena tuvo una educación suiza y luego se mudó a Londres para continuar su carrera de negocios internacionales mientras trabajaba en las principales casas de subastas. Después de terminar su carrera, estudió Administración de Moda, Mercadotecnia y Manufactura en Central Saint Martins mientras trabajaba para Art Dubai, la mayor feria de arte contemporáneo en el Medio Oriente y África, al mismo tiempo.

@arenamartinezofficial

¿Quién es Arena Martínez? Una joven emprendedora que quiere llevar la pintura fresca de hoy en día al cuerpo de las mujeres. ¿Cómo entras en el mundo del arte? Nací dentro del mundo del arte. Desde pequeña me crié rodeada de lienzos y pintura. A través de la mirada de mi padre descubrí obras de grandes artistas, sus colores, sus formas, inspiraron mi manera de entender el mundo. ¿Cómo emprende una chica tan joven un proyecto de moda? ¿Qué es necesario tener y cuánto has luchado para llegar donde estás? He trabajado los últimos años en el mundo del arte: galerías, subastas y ferias internacionales... Y durante ese tiempo de aprendizaje iba desarrollando la idea de juntar mis dos grandes pasiones, que son el arte y la moda. Desde el principio me he enfrentado a distintas dificultades para unir estos mundos tan diferentes pero a la vez muy similares. La búsqueda de tejidos naturales, los patronages, llegar a conseguir que la estampación sea lo mas fiel a la obra de cada artista... han sido grandes retos. ¿Porqué kimonos? Trabajando en la feria de arte de Dubai, tuve la posibilidad de descubrir el mundo de las habayas, la prenda de la mujer islámica que a simple vista parece sencilla, pero que esconde una tremenda complejidad. Al observarlas tuve la posibilidad de conocer y entender un poco más la cultura islámica y sus costumbres. Esto me llevó a investigar sobre prendas similares de otras culturas, buscaba una prenda con movimiento donde la obra pudiera explotar su potencial y tener una gran visibilidad cuando una mujer la llevara puesta. ¿Cuál es tu proceso de diseño? Nuestra intención es desarrollar una nueva forma de crear una colección .

Empiezo con una primera fase inspiradora en el estudio del artista, e inmersos en ese particular universo seleccionamos fragmentos u obras enteras que serán nuestro conceptual punto de partida. Este interesantísimo diálogo entre diseñador y artista supone, al mismo tiempo, choque y conexión entre dos mundos creativos ¿Cuál es el siguiente paso? ¿Con qué nos vas a sorprender? El siguiente paso es trabajar y trabajar y trabajar más, para que mi marca llegue a ser una plataforma para mover a diferentes artistas. A corto plazo, estoy desarrollando una nueva colección que presentaré a principios de 2018. ¿Qué es lo más fascinante de ser diseñadora? ¿Y lo menos? Dejar la imaginación volar, crear, y luego ver el resultado. Lo más fascinante es que lo que tenías en la cabeza se haga realidad y quede como lo habías pensado. Lo que menos me gusta es que en el mundo de la moda tienes que seguir una tendencia para ser comercial, y eso puede llegar a parar un poco la creatividad. ¿Qué autor te enamora? ¡Qué pregunta más difícil! Hay tantos artistas buenos y que han ido enamorándome a lo largo de mi vida que sería imposible quedarme con uno. David Shrigley, Katharina Grosse, Peter Halley, George Condo, Gunther Forg, entre otros... ¿Vas a sacar alguna colección basada en complementos? ¿Hay hueco para el hombre en tus colecciones? Precisamente en mi nueva colección hay lugar para accesorios que complementan mis kimonos. Varios de los modelos que he creado hasta ahora me los han comprado hombres, esto me hace pensar que en un futuro podría crear una colección.

María Martín Una diseñadora que promete María Martín nació el 15 de Marzo de 1995 y desde entonces ha vivido entre las provincias de Sevilla y Málaga. Desde la infancia le ha movido tanto la creatividad como la creación, aptitudes que comenzó a desarrollar de forma autodidacta, pero que con el paso de los años fueron pasando a un segundo plano, en forma de entretenimiento y método de desconexión. A los 17 años, con la llegada de las dudas sobre que futuro profesional escoger, empujada por su familia y a pesar de estar cursando una rama científica, se planteó por primera vez el diseño de moda y la crea- ción en general, como futuro profesional y modo de vida. Tras estos cuatro años de formación y exploración personal puede asegurar que optó por la opción correcta: “la creación de moda me realiza, llena y satisface, ahora tengo la certeza de querer dedicar mi vida a la creación, dando valor al diseño de moda como proceso, proceso que surge del estudio y el trabajo por parte del diseñador.”

La diseñadora se planteó afrontar el proyecto final de grado como un culmen a los cuatro años de formación y crecimiento profesional, en el cual plasmar su personal visión e inquietudes referentes al diseño de moda y la creación del mismo. El proyecto titulado F.E.A.R. (Face Everything And Rise) parte del estudio del proceso creativo. Dicho proyecto fue reconoci- do como el más destacable al recibir la matrícula de honor de la promoción 2013-2017 de la titulación superior de diseño de moda, en el centro sevillano CEADE Leonardo. El desarrollo de este proyecto lleva a la diseñadora a la reciente creación de una firma de moda propia: “MARÍA MARTÍN STUDIO”, firma sustentada en torno a la importancia del diseño y el proceso creativo en la moda, planteando una línea estética muy depurada y minimalista, que defiende la creación de novedosos volúmenes y siluetas, que parten de un exhaustivo estudio de la anatomía. La primera colección profesional propuesta por la firma MARÍA MARTÍN STUDIO parte del germen de este proyecto final de carrera, profundizando en el concepto de creación y creatividad se plantea una colección madura y profesional que aúna minimalismo, complejidad técnica e impacto visual desde la pulcritud de sus diseños. @mariamartin.studio

MMÃN

Fotografía Judith Moreno Director de arte Manuel Sánchez MUAH Roberto Avellán Estilismo Sonia Hernández Modelo Esther Rodríguez (UNO Models) Vídeo web Andrea Antolín Asistente de estilismo Isabel Aguilera Colabora Backgroundstudio

THE ELEGANT

WILD WOMAN

Vestido COOSY . Collar COUPLÃ&#x2030;

Smoking CRISTINA PIÑA . Choker CUPLÉ . Botines CUPLÉ

Vestido THE 2ND SKIN . Pendientes COOSY

Vestido LEXDEUX . Pendientes COOSY

Vestido COOSY . Cinturón ÚRSULA MASCARÓ . Botas ÚRSULA MASCARÓ . Pendientes CUPLÉ

Abrigo & Pendientes COOSY

NUAGES

PARÍS

Abrigo LAURA LAVAL . Camiseta MDK . Pantalón ANA LOCKING . Bolso y zapatos CUPLÉ

Fotografía Alejandro Carrillo MUAH Luna Muah Estilismo Estefanía Toldos Modelo Julia Glossop (Crystal Models Paris) Asistente de fotografía Sílvia Selas Asistente de estilismo Karla Soda

Bomber LAURA LAVAL . Pendientes PRETTY RUMOUR . Bolso SAMPEDRO ACCESORIES

Capa JOSEPH RIBKOFF Blusa ANA LOCKING Short LAURA LAVAL Sandalias GENUINS Pendientes PRETTY RUMOUR

La TRIBU Una comédia de

FERNANDO COLOMO

aco León y Carmen Machi estrenan el próximo 16 de marzo LA TRIBU, una comedia liberadora y emocionante. LA TRIBU está dirigida por Fernando Colomo y producida por MOD Pictures, Atresmedia Cine y Mod Producciones con la participación de Atresmedia y Movistar+ y con el apoyo de ICAA. 20th Century Fox distribuye la película en España y las ventas internacionales corren a cargo de Film Factory. Carmen Machi y Paco León lideran el reparto de LA TRIBU, en el que también figura Luis Bermejo (Kiki, el amor se hace), Julián López (Perdiendo el norte), Bárbara Santa Cruz (Toc Toc), Artur Busquets (Ahora o nunca) y el actor y humorista Manuel Huedo que triunfa con sus videos en las redes sociales. Completan el reparto Maite Sandoval (Kiki, el amor se hace), Arlette Torres (El Guardián Invisible), Mª José Sarrate (Amar es para siempre), Marisol Aznar (Oregón TV) y la debutante Maribel del Pino. Todas ellas dan vida a “Las Mamis”, un grupo de divertidas mujeres que encontrarán en el baile la válvula de escape a sus problemas cotidianos. Fernando Colomo, con títulos emblemáticos en su filmografía como Bajarse al moro, La Vida Alegre, Los Años Bárbaros, Al Sur de Granada o más recientemente Isla Bonita ha rodado una película luminosa e inspirada en hechos reales que habla del poder curativo de la música y el baile. “La Tribu es un estallido de vitalidad. Es una película que no tiene edad. La historia de ocho mujeres que se muestran llenas de entusiasmo al practicar baile urbano merecía ser contada”, dice Fernando Colomo. Sinopsis: Virginia (Carmen Machi), limpiadora de profesión y “streetdancer” vocacional, recupera al hijo que dio en adopción: Fidel (Paco León), un ejecutivo que lo ha perdido todo, incluida la memoria. Junto a “Las Mamis”, el extravagante grupo de baile que forman las compañeras de Virginia, madre e hijo descubrirán que a pesar de venir de mundos muy diferentes, ambos llevan el ritmo en la sangre.

Estreno en cines 16 marzo 2018

Imagen SofĂa FernĂĄndez @fetecollages

Background, es un espacio polivalente, plato fotográfico y de rodaje, con servicios integrales, localizados en pleno centro de Madrid. Nuestro estudio de 180 m2 esta en el genuino barrio de La Latina. Área céntrica y bien comunicada. Este espacio cuenta con luz natural y hará que te sientas a gusto, disfrutando de este ambiente único y un servicio inmejorable. Incluye un completo abanico de servicios para alquiler de estudio fotográfico, plató para cine y vídeo, espacio para eventos, etc. Las producciones que tienen lugar diariamente incluyen editoriales de moda, catálogos para grandes marcas, publicidad o incluso trabajos personales. Nosotros nos encargamos de dar los servicios necesarios para satisfacer a nuestros clientes y que estas producciones resulten exitosas. Background está diseñado para que disfrutes trabajando. Haz de nuestro espacio, tu lugar de trabajo.

www.backgroundstudio.es

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Número 16 / Enero 2018 Edición Otoño/Invierno www.koossmagazine.com