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alfabetos Muestra de Grado Facultad de Artes Universidad de Antioquia Coordinar una muestra de grado es a la vez divertido y complicado, implica la relación directa con los estudiantes en un nivel de menor jerarquía que en el de la docencia, al tiempo que obliga al estudio de la obra de cada uno de ellos y su pertinencia en el contexto donde será lanzada. Divertido en la medida que se disfruta ahora de una relación entre colegas y amigos, complicado en la medida que ni el colegaje, ni la amistad son buenos aliados de una mirada crítica. Sin embargo, esta vez hemos dejado que sean las obras de los alumnos y no los discursos autorizados o las teorías de legitimación, las que hablen por sí mismas y demuestren si son pertinentes o no dentro de nuestra sociedad. En esta muestra en especial podría decirse que el cuerpo del artista como soporte de reflexiones trascendentes y preguntas existenciales o el cuerpo del otro como soporte de reflexiones sociales, es la voz en off de la misma, sin embargo en el afán por la diferencia pensamos que ALFABETOS permitiría caracterizar, individualizar, hablar con otros lenguajes de ese ruido que generaba el cuerpo, pero a la vez de un ruido generado por los ideales incumplidos de la modernidad.

Así por ejemplo la diferencia entre Espiritual, Ritual, Reverencial y Religioso puede ser fácilmente entendida e ilustrada con las obras de Juan Manuel Gómez, Carlos Alberto Jacanamijoy, Juan Fernando Escobar y Arley Vega, respectivamente, en los cuatro es reiterada la reflexión de trascendencia no solo del cuerpo si no de la obra de arte. Si para Juan Manuel el cuerpo se despoja del alma en una búsqueda espiritual, para Jacanamijoy, por el contrario, el cuerpo y alma se encuentran a través del ritual, con el espíritu ancestral del tigre que les acompaña míticamente. Por otro lado Juan Fernando Escobar hace una reverencia ceremonial a los iconos de la pintura universal para inmiscuirse en ella, pero también para enajenarse de un mundo más atroz que vive afuera de la pintura; mientras Arley Vega devela sin querer un sentir profundamente religioso en la adoración y la negación de la imagen al mismo tiempo. Andrés Caro y Esteban Ríos menos interesados en la trascendencia del cuerpo y más en su finitud, aportan a la reflexión obras más enfocadas a los órganos y los trozos de cuerpo, que a un todo espiritual que los contenga. Andrés ha entendido la joya como una prótesis lujosa, si bien ha hecho caso en algunas de sus piezas a necesidades físicas u orgánicas, en especial ha hecho caso a necesidades suntuosas, decorativas o estéticas del cuerpo, sus trabajos entre el arte y el diseño de joyas se insinúan como piezas de lujo para cyborgs. Reliquias paradójicas por donde el cuerpo se escapa, se desborda, y que como la calavera con diamantes de Damián Hirst nos

alfabetos recuerda nuestra condición de mortales. Así mismo Esteban ha inventado un mundo donde las enfermedades se vengan de la medicina, la muerte de la vida, la contaminación de lo impoluto, lo enfermo de lo sano, las heridas de la piel tersa, lo sucio de lo limpio, el cuerpo del alma. Dibuja grietas que permiten escapar hacia paisajes internos: brotes de sangre, carnosidades, bultos y abscesos infestados de enfermeras que vigilan sus secreciones.

Por su lado casi todas las chicas han escogido, perdón les ha tocado, hablar en tercera persona de sí mismas, es el caso de Ana María Montoya, Angélica Osorio, Marly Rivera, Evelin Velázquez, quienes a manera de ventrílocuos han hablado de aquello que les dicta otro que habita en ellas, un alter-ego, un subconsciente, un otro oculto que aparece de vez en cuando para recordarles su sensibilidad, su sexualidad, su erotismo, su imaginación creativa, su intelecto. Así, Ana María habla con su doble a través de un espejo narciso que se recrea en su tristeza; Angélica habla con su gata, una mujer erótica, empoderada sexualmente, que no teme a una masculinidad grosera que es inofensiva; Marly como Alicia en el país de las maravillas viaja a un mundo mejor para vivir tranquila su fantasía de niña; Evelin habla todo el tiempo con esas mujeres de la historia de la literatura, el teatro, la danza, la pintura universales. Utiliza el soporte de la fotografía para producir escenas, que como el fotograma de una película o la página escogida al azar de una novela, contienen implícitamente un antes y un después. Sin hacer uso del cliché nos entrega la imagen de una mujer que es

ella misma después de pasar por una tormenta emocional. De igual manera Juliana Giraldo, Marta Puerta y Erika Arenas, observando al otro y observando el paisaje donde el otro habita, hablan de sí mismas. Juliana entiende la piel de la ciudad, como la del vestido, como la suya propia. Su propuesta aborda el vestido como superficie que extiende los alcances físicos y simbólicos del cuerpo, entendiéndolo y reafirmándolo en su individualidad, por encima de las normas sociales que buscan estandarizarlo. Marta recoge las historias de vida de las mujeres trabajadoras del espacio público que la conmueven pero con las que se identifica plenamente, aprovecha el ingenio que observa en ellas para crear fortalezas o caparazones que permiten otras lecturas sin dejar de hablar de una situación social. Y Erika habla de su memoria personal a través de los objetos y los ropajes de sus familiares, allí ocurren fuertes confrontaciones que desentrañan la carga emocional de los mismos, su pasado y su presente. Si bien Laura Montoya comparte con las anteriores la figura de la narradora oculta, en lugar de hablar de una individualidad, esta narradora habla del movimiento como condición necesaria de la vida. Así, en su obra, el dibujo deja su rol de mediador y se convierte en soporte que recibe la escritura de la experiencia vital de la artista, que al igual que en los procesos de crecimiento de la naturaleza, el desplazamiento de las aves migratorias y el movimiento de las olas del mar, marca su destino en el constante

fluir, dejando a su paso el rastro de la existencia.

crítica a la sociedad de consumo.

En otro grupo pueden situarse las acciones, las instalaciones y los objetos absurdos de Francisco Cifuentes, Felipe Montes, Paula Medina y Sebastián Pérez. En los cuatro se deja leer una crítica a las sociedades postmodernas, a la ciudad planeada, a los ideales de progreso, al crecimiento voraz, a las sociedades de control, a lo tecnológico. Francisco, ha decidido aprovechar la interface que se produce entre la emisión y la recepción de mensajes lanzados por los medios masivos de comunicación, para generar ruido mediático recalcando el defecto de lo tecnológico. Felipe, a través de una acción ha alterado su mirada y la del transeúnte desprevenido, ampliar los alcances físicos del cuerpo bien podría ser también su interés, cuando eleva su punto de visión ayudado de un periscopio y montado en una silla que ubica en una calle de la ciudad, sin embargo, su acción parece más bien cuestionar la técnica como extensión efectiva: ¿cuánto pueden ampliar los accesorios y los dispositivos técnicos nuestra experiencia del mundo? ¿Qué sentido tiene ver sin ser vistos o mirar a quien nos mira? En ambos es claro que lo que tenemos en frente, como lo real o lo dado, no es del todo así, para ellos el cambio de mirada, el aprovechamiento de lo que no vemos y la pregunta por el quién que controla la imagen, es imperante. Paula Medina, habla de un mundo devastado y desabastecido, consumido, post nuclear, vacío, sin posibilidad de retorno. Mientras Sebastián Pérez hace un llamado de atención sobre la producción exagerada de residuos. En ambos es reiterada la

De modo que, hablando de cuerpo estaban casi todos los muchachos, pero las sutiles diferencias ameritaban nuevos ALFABETOS, una resistencia a homogenizar las reflexiones, los cuerpos, un amor por la disonancia y de alguna manera por la crítica de cada uno de ellos es la intención de esta muestra. Las apuestas estéticas y las críticas de ALFABETOS serán medidas en su justa dimensión no solo en la exhibición de grado, si no una vez inmersas en el contexto artístico local, cotejadas con los contextos sociopolíticos del país y absorbidas por la historia del arte. Solo hasta entonces podremos darnos cuenta si eran o no pertinentes para nuestra sociedad. Nuestra lectura de ellas es solo un grano de arena en la discusión. Natalia Restrepo y Verónica Mejía.

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“El arte es la perfección de la naturaleza. La naturaleza hizo un mundo y el arte otro.” Sir Thomas Browne

alfabetos En un viaje de alucinación los movimientos de un hombre dibujan la figura de un jaguar arisco que, en su lucha por salir de la tela, deja sus huellas impresas, transformando su cuerpo en una pintura de dos colores. Al tratar de recordar las deformaciones que le fueron mostradas, el hombre, fatigado, reúne los fragmentos de aquel animal que ha sido ahuyentado por el silencio del nuevo día.

Carlos Alberto Jacanamijoy Titulo: Suma Puñui (Bonito sueño o alucinando) Técnica: Mixta Dimensiones: 330 x 280m Año: 2011

“El arte tiene la capacidad de formalizar la consciencia de la existencia.” J. Rousseau

alfabetos Desencantado del mundo que le rodea, ha decidido reforzar el autismo y la introspección en el mundo del Arte, a manera de reverencia se ha apropiado de algunas obras maestras para complejizarlas a su modo, en una especie de culto, homenaje, temor reverencial o acción de gracia; que le permite de un lado la intromisión, el autorretrato, su legitimación dentro de dicho mundo y por el otro, decir o desdecir de la obra en cuestión y los contextos donde las pone a operar de nuevo. Raptos al arte por amor al arte y raptos de sentido por amor al sinsentido mismo del arte, apropiaciones irónicas si se quiere, cargadas de nuevos contenidos que en cierta manera se burlan del arte y de su intromisión en él. Natalia Restrepo Restrepo.

Juan Fernando Escobar Título: Una pintura es una acción Técnica: Acrílico sobre lienzo, fotografías del proceso de ejecución de la pintura Dimensiones: Variables Año: 2010 Título de la obra: Narcisos Técnica: Acrílico sobre lienzo, contenedor de vidrio, agua, impresión digital Dimensiones: Variables Año: 2010

alfabetos Mediante la utilización de elementos gráficos busco plantearle al cuerpo su potencial espacial. Sin duda, el cuerpo se proyecta y ocupa un lugar en el acto de dibujar; es allí donde entrelaza conexiones entre signos, grafías e identidad. El dibujo me permite elaborar representaciones del cuerpo anónimo, fragmentado, que se desborda y se comprime en un ciclo interminable. Estas representaciones dejan ver tensiones donde los cuerpos se esconden y se muestran, revelando inevitablemente sus esencias.

Así es este necio y sordo deseo de querer llenar todos los vacíos del cuerpo

Juan Manuel Gómez Título de la obra: Sin Título Técnica: Dibujo sobre papel Dimensiones: 30 x 120 cm Año: 2006 Título de la obra: Sin Título Técnica: Dibujo sobre papel Dimensiones: 35 x 120 cm Año: 2006

alfabetos Tengo un martillo, un clavo y una pared. He decidido, no poner un título y guardar silencio respecto a esta ejecución. Sin título es la intervención de una pared que tiene por objetivo provocar en el espectador la ilusión óptica de que existe algo debajo de la pared. La sensación de que una pared dura e indolora puede tener unas características orgánicas, biológicas, se puede tornar viviente, sensible, delicada, blanda, débil, flagelada, maltratada, martirizada y herida.

Este objeto inanimado cobra vida y a la vez se encuentra expuesto a morir. El hecho es insinuado mediante la representación de una herida que va de lo irracional, de lo ilógico de su apariencia física y visual a un evento sobrenatural que sólo es ilusión: las paredes no sangran. Con este trabajo Don Arley quiere significar algo más, no sólo referirse al oficio u a lo que pueda o no ser arte y los límites que este pueda tener, sino producir un trabajo donde los significantes puedan ser numerosos, incluso esos en los que ni él mismo ha pensado. No titular el trabajo y no darle un único significado al objeto, dejarlo abierto a las posibilidades de accidente, violencia,

castigo, agresión, entre otras.

Arley Vega Título de la obra: Sin título Técnica: Intervención en pared Dimensiones: Variables Año:2011

alfabetos No es una exageración decir que nuestras concepciones sobre el arte y sus prácticas han cambiado radicalmente y tornado confusas en algunas ocasiones. En buena medida lo que ha posibilitado esta situación es la posición crítica del artista frente a su propio hacer. Es un hecho que los medios y las técnicas que utiliza lo hacen cuestionar constantemente sobre los conceptos y sentidos que definen su obra plástica.

En mi propio caso recurrir a la fotografía, al video arte y a las video instalaciones me hace abordar “preguntas” necesarias para dar sentido a lo que hago, definir límites, dar cuerpo y dotar de nido a las ideas. Son medios que me permiten reflexionar sobre el tiempo, pensarlo como categoría espacial, manipularlo, habitarlo, salir y entrar de y en él. El tiempo es la base fundamental, el material básico de mi trabajo. Los seres humanos son, esencialmente, criaturas del tiempo que, a través de su más alta conciencia, tienen la capacidad de anticipar y recordar. Para el individuo, cada una de estas funciones representa los polos inversos del nacimiento y la muerte. Sus objetos y los procesos en los que éstos se insertan son también aspectos que dan cuenta de la concepción de tiempo que predomina en una determinada época.

Sebastián Pérez

Título de la obra: Sin título Técnica: Fotografía Dimensiones: Variables Año: 2011

“Probablemente de todos nuestros sentimientos el único que no es verdaderamente nuestro es la esperanza. La esperanza le pertenece a la vida, es la vida misma defendiéndose.” Julio Cortázar, Rayuela, capítulo 28.

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Cada objeto de nuestra contemporaneidad contiene en si la promesa por la libertad, el bienestar, la belleza y la salud que la ciencia, la tecnología y el conocimiento han planteado para la humanidad. Pero lo que define la experiencia de la realidad hoy no es la vida sino la sobrevivencia, que no es más que la permanencia gracias a la apropiación de otros medios más precarios que los prometidos. Todos los objetos están esperando hoy ser vistos, manifestarse y significar, reduciéndonos a la precisa condición de operadores del mundo; sometidos ante la materia, estamos condicionados a experimentar la existencia, el ser, no como la vida misma sino como su persistencia.

Paula Medina Titulo:Refugio. Técnica:Nevera Haceb con ensamble de madera en su interior. Dimensiones: Objeto 59 x 59 x 125 cm. Año: 2011 Titulo: Naturaleza muerta. Técnica o medio: Serie de 45 fotografías. Dimensiones: 570 x 9 cm. Técnica: Video. Duración: 76,56220224 segundos. Año: 2011

“Ignorando dónde estaba y por tanto qué dirección me convenía, tomé la del viento” Molloy. Samuel Becket.

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Felipe Montes Título de la obra: Con la ayuda de una silla de madera y un periscopio de fabricación casera este hombre logra elevar 72 cm su línea de visión habitual, en la esquina de La Playa con Córdoba, en Medellín, Colombia, la tarde del 14 de octubre de 2010. Técnica.: Fotografía #6 de la serie de 12 Dimensiones: 20x30 cm c/u Año: 2010

alfabetos Nuestra realidad está llena de objetos de uso privado, familiar o público, que pueden ser producidos, consumidos, poseídos y personalizados. Estos adquieren un sentido ritual en las relaciones del día a día que establecemos con ellos. ¿Cómo son vividos los objetos? ¿Cómo llega a establecerse una relación ritual con los mismos? ¿Cómo cada uno carga de sentido los objetos con que se relaciona diariamente? Para responder esta serie de cuestionamientos se debe pensar en las relaciones simbólicas que con ellos se establecen y no solamente en su uso práctico.

Al hablar de las relaciones simbólicas con los objetos, es importante considerar la dimensión física del cuerpo, ya que es la que nos permite relacionarnos con el mundo. El medio para llevar a cabo mi proceso es el cuerpo. El cuerpo como construcción histórica, cultural, como territorio complejo donde convergen la intuición, los sentimientos y necesidades, donde se manifiestan los discursos y los signos del devenir de la vida. Durante el performance el cuerpo deja momentáneamente su individualidad, se convierte en multiplicidad de seres para luego despojarse de ellos y emerger nuevamente en su individualidad. Los

objetos de mi familia son, con frecuencia, el punto de partida para cuestionar mi identidad. Desde la aproximación a estos objetos y a través de acciones rituales mi cuerpo deviene en cada uno de mis familiares y conforma una unión simbólica donde los cuerpos ausentes hacen presencia en mí. El performance, entonces, me permite problematizar el mundo a través de la relación de mi cuerpo con los objetos, me introduce en el ámbito simbólico de éstos.

Erika Bibiana Arenas Vásquez Título de la obra: Cada uno carga con lo suyo Técnica: Performance Año: 2011

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“¡Venciste mujer! Con no dejarte vencer.” Pedro Calderón de la Barca

Mi propuesta explora en la vida cotidiana de las madres que trabajan de manera informal en las calles. Estas mujeres se dedican a las ventas ambulantes y para ello desarrollan dispositivos que les permiten protegerse y exhibir sus productos de manera práctica y atractiva. Se convierten, de alguna manera, en fortalezas que soportan económica y emocionalmente el peso de una familia, y que ejercen resistencia ante situaciones externas (las normas del espacio público, las acciones de la policía y la inseguridad de las calles) que les dificultan y en ocasiones les imposibilitan su trabajo. Desde una mirada antropológica indago en el sentido de prácticas humanas como la del andar, dentro del contexto social del mundo contemporáneo. Desde una mirada política reviso y cuestiono el papel que cumple el Estado en la regulación y el tratamiento de problemáticas como la del desempleo y la situación de la mujer en el núcleo familiar y la sociedad. El arte me permite generar nuevas situaciones donde se hacen visibles las condiciones laborales y de vida de estas mujeres, pero también donde aparecen nuevas lecturas que llevan sus soluciones, prácticas y estéticas al terreno de lo poético.

Marta Puerta Título de la obra: Ruleta Rusa Técnica: estructura en hierro y sombrillas Dimensiones: 2,40 x 2,40 x 2 mt Año: 2011

La clínica está edificada sobre el dolor. Nos regula la existencia, es un templo de la muerte. Las estructuras de este espacio aterrador son la entrada al reino de lo sagrado y lo mágico: el cuerpo.

Charles Baudelaire

“La vida es un hospital donde cada enfermo está poseído por el deseo de cambiar de cama”.

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El hospital abre sus puertas, preparando los oídos y el corazón para un hueco, para el frío, para dormir en una habitación con criaturas cuyo espíritu reposa lejos de la cama. De estos nidos que han sido construidos, anudando el cabello por las noches, brotan brazos extendidos, llenos de puntos rojos, víctimas de algún vampiro disfrazado de enfermera; animales de blanco, cuya principal aberración está en cosernos, envolvernos, atarnos a las ramas de sus árboles: atriles porta sueros. Bajo las lluvias de sangre, estos invernaderos, continúan repletos de mujeres cultivando. Turnos de día y de noche, para vigilarnos en nuestras jaulas con luz, sometidos a su cuidado, nos alimentan, nos limpian, en su afán por recuperar los órganos, construyen lechos de algodón, de flores, raíces que desde el pecho parecen laberintos de arbustos. Esta estancia en la clínica, como conducta frecuente del ser humano con piel de oveja, lo hace disfrutar del olor a carne curada que expele el cuarto de los corazones, las reuniones de enfermeras, todas con sus copas rebosantes, volando,

apilonadas como lobos y murciélagos sobre un mar de sangre; a la espera de bestias pronosticando, repartiendo pastillas. El lugar posee muebles misteriosos, ojos nocturnos, llanto y sus paredes colmadas de retratos de las enfermedades. Si no dormir puede enloquecerte, ¿No será lo mismo perder la cordura a causa de los sueños?

Esteban Ríos Título de la obra: Paisaje hospitalario II Técnica: Tinta y esmalte sobre papel Dimensiones: 1,08cm x 78cm. c/u Año: 2010

“La realidad es como esa imagen nuestra que surge en todos los espejos, simulacro que por nosotros existe, que con nosotros viene, gesticula, y se va.” Jorge Luis Borges

alfabetos ´´ En algún lugar entre el azar y el misterio se desliza la imaginación, libertad total del hombre, a esta libertad como a las otras se la ha intentado reducir, borrar.” Luis Buñuel. Mi propuesta es una exaltación de la imaginación a través de la representación de mis experiencias en el mundo y en universos mentales que configuro mediante fragmentos de recuerdos lejanos e influencias de vivencias presentes. Son construcciones espontáneas donde se manifiesta mi inconsciente y mi ser. Espacios que aluden a imaginarios infantiles, que reconfiguran la realidad para dar lugar a objetos y personajes que si bien son de este mundo, tienen un halo de extrañeza, de misterio. Dichos personajes, generalmente, se muestran de una manera pasiva al espectador, permitiéndole a éste formar historias propias. Muy pocos se dan cuenta de lo maravilloso que es el mundo y de la perfección de la naturaleza. Las vidas de las personas se esfuman en una existencia amarga y sin sentido porque pierden la hermosa capacidad de imaginar. La imaginación tiene el poder de desautomatizar la mente de las personas. Si el espectador imagina a partir de los elementos que le entrego, mi objetivo se verá realizado.

Marly Rivera Título: Autorretratos Técnica: Fotografía Dimensiones: 100 x 70 cm Año: 2010 Título: Autorretratos Técnica: Fotografía Dimensiones: 2. 70 x 60cms Año: 2011

“Me retrato a mi misma porque soy el tema que mejor conozco” Frida Kahlo

alfabetos “Siempre hubo en mí dos mujeres como mínimo, una mujer perdida y desesperada que sentía que se ahogaba, y otra que entraba en cualquier situación del mismo modo que hubiera entrado en escena, disimulando sus verdaderas emociones porque no eran más que debilidades, impotencia, desesperación, a fin de presentar ante el mundo una sonrisa, ardor, curiosidad, entusiasmo, interés.” Anais Nin

Ana María Montoya Título de la obra: Cotidianidad Técnica: Video Dimensiones: Variables Año: 2011

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“El sexo está en todos lados salvo en la sexualidad” Roland Barthes

MI UNIVERSO EROTICO ANIMADO Entrar en este mundo de doble sentido, atrapado en un momento de placer eterno, es caer en la infinita fantasía de mi universo interno. Allí el interés se mantiene debido a estrategias de seducción y erotismo, que no son lo mismo, es una realidad alterna fuertemente deseable y llena de sensualidad. Bienvenidos a mi mundo, donde a cada segundo se respira la pasión de un instante de amor que se repite infinitamente, sin una línea divisoria entre el cielo y la tierra, el sueño y la realidad, sin límites conscientes. Desde mi edén, donde todo lo malo es doblemente bueno y no existe el tiempo, se construye algo nuevo de interminable fantasía, lleno de deseos y voluptuosidad, un lugar de insinuaciones donde te encuentras con una inocencia que camufla picardía. El objetivo principal es disfrutar de este juego sensual y gestual resultado de la unión de dos mundos en el universo de mi mente: el mundo de las historias fantásticas de hadas y el mundo de la seducción y el erotismo. Aquí es claro el ingreso y todo este universo sabe eso…

Angélica Osorio Título de la obra: Circo Técnica: Ilustración digital Dimensiones: 41 x 49 cm Año: 2010 Título de la obra: Violeta Coqueta Técnica: Fotografía, ilustración Dimensiones: 28 x 36 cm Año: 2011

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“Conocimiento: una serie de afirmaciones organizadas de hechos o ideas que presentan un juicio razonado o un resultado experimental, que se transmite a los demás mediante algún medio de cumunicación en alguna forma sistemática. Por lo tanto, distingo conocimiento de noticias y entretenimiento” Daniel Bell (1973, pág. 175)

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Fisuras de lo tecnológico, inoperancia de lo técnico. Mensajes estereotipados y directos son transmitidos a grandes masas de receptores a través de los medios de comunicación todo el tiempo, sin embargo el intervalo entre la emisión y la recepción de los mismos esta plagado de accidentes tecnológicos y errores de percepción, pues la subjetividad del receptor, su experiencia sensorial y la apropiación final de las ideas que pretenden emitir los mensajes están determinadas por factores sociales, culturales, económicos, históricos y geopolíticos, así como por el ruido y la distorsión de las emisiones. Es precisamente en ese ruido no controlado, en esa distorsión de la imagen, en ese inesperado accidente mediático, donde mi trabajo se instaura para señalar las fisuras de lo tecnológico, la inoperancia de lo técnico. Proponiendo entonces caos-fonías, cacofonías, desarmonías visuales, o ruidos en la red.

Francisco Cifuentes Título: sara corrales,señorita valle, piramides Técnica: Video/intervención Dimensiones: 720x480 Año: 2010

“El cuerpo se disfraza, se decora, pero también se lleva al limite, al limite físico, limite de la decencia y de la provocación”. Michaud, Y. 2006. Visualizaciones El cuerpo y las artes visuales en historia del cuerpo del siglo XX

alfabetos Es un deslizamiento que va del cuerpo que se viste a la experiencia de vestirse, en la cual se construye un diálogo de múltiples cuerpos: el cuerpo de la medida, el cuerpo de la subjetividad fracturada de la postmodernidad y el cuerpo que es experiencia. Un diálogo en el que el cuerpo hace vestido y el vestido hace cuerpo. 1 (-corbin, Alain - Courtine, jean - jacques y Vigarello, Georges (2005) , Historia del cuerpo, V3 ed Taurus,, Erasmo p. 247.)

Juliana Giraldo Calderón El cuerpo a través de la experiencia del vestido. Me interesa propiciar situaciones en las que se desdibujan los límites entre el vestido y la piel, realizando prendas que permiten u obligan al cuerpo a habitarse y reconocerse de una manera particular, entendiendo el vestido como “el cuerpo del cuerpo” 1.

Título de la obra: Prêt-à-faite Técnica: Video/fotogramas Dimensiones: Variables Año: 2011 Título de la obra: Prêt-à-porte Técnica: Video Dimensiones: Variables Año: 2011

“Vienen los ojos mueréndose de agua” Vicente Huidobro

alfabetos Los personajes literarios son síntesis del pensamiento humano. La vida es un acontecimiento literario. Todos los miedos, deseos, desengaños o ilusiones, toda vivencia propia es representada por un personaje que siente de la misma manera, que sueña y padece situaciones similares a las experimentadas en alguna instancia de nuestras vidas. Puede verse uno reflejado en la otredad de un ser nacido en épocas anteriores, imaginado por algún poeta que le dio forma, que lo dotó de ciertos caracteres, de pensamiento y alma, lo ubicó en una geografía, le concedió un espíritu, una vestimenta y una manera de padecer; y luego entender que no ha sido el único que se ha identificado de alguna forma con estos personajes y que ellos, en realidad, son la representación de un sentimiento común en el hombre y que obtuvieron su valor de íconos cuando lograron traspasar el umbral de la imaginación para significar los estados más patéticos del alma humana. Estos estados del alma encarnados en la literatura en los que uno se encuentra como reflejo de su propio acontecer y a los que traslada parte de su vida cotidiana, dándoles el carácter de realidad y asumiéndolos como alegorías de la vida, son los que reescribo a partir del performance convirtiendo las situaciones narrativas en situaciones

vividas. Asumo entonces roles de mujeres que perpetúan la espera, el padecimiento y la muerte, como algunas de las manifestaciones más tenaces del sentimiento femenino. Creo un personaje, le proporciono un gesto, lo visto, busco un paisaje trágico que lo ampare y que le dé fuerza al sentimiento doliente y le doy un tiempo específico que lo represente como una realidad poética. Someto mi cuerpo a la agudeza del frío en una circularidad temporal que lo dota de rigidez, siendo la experiencia corpórea tensa y pesada hasta llegar al umbral del dolor y traspasarlo.

Evelin Velásquez Título de la obra: Umbría Técnica: Video Dimensiones: 50 x 70 cm Año: 2011

“El punto, extendido hacia una curva gráfica, no puede entrar en reposo en la última página del cuaderno. Urge que sea explorado más allá, tanto en el espacio como en el espíritu.” Moholy-Nagy

alfabetos Me interesa hablar de la condición humana en términos fractales, no racionales. Poniendo en juego la unidad, el todo, lo micro y lo macro, evidenciando partículas, poros, puntos, minuciosidades que se encuentran dentro de cada uno en constante movimiento, siempre mutando, creando nuevos mundos dentro y en torno a ellas. Mi trabajo habla de lo caótico: es una especie de laboratorio, de mundo simulado que se muestra como realidad cósmica, donde el todo y la parte hacen de mí un ser que a su vez se combina y se diluye. Un ser donde cabe lo monstruoso; esas posibilidades de error que la ciencia llama mutaciones. Mis dibujos, entonces, son producto de colisiones y encuentros entre puntos y líneas, manchas y espacios.

Laura Montoya Título de la obra: vuelo de un ave Técnica: Instalación con inflorescencia de palma Dimensiones: Variables Año: 2010

alfabetos El campo de interacción humano es un sistema de receptáculos que se comunican en virtud de su disposición y sus reboses. A su vez el espacio interior humano se compone de receptáculos comunicantes híbridos, de cuerpos huecos, paradójicos o autógenos, que son a la vez impermeables y permeables, que han de cumplir funciones unas veces de contenedor y otras de contenido y que posee al mismo tiempo propiedades de pared interior y de pared exterior.

El cuerpo es el territorio en el cual se inscriben nuestras experiencias, miedos, angustias, tristezas y alegrías, represión y placer. Muta en el tiempo para dar cuenta del imparable fluir de la existencia. Es la conexión entre el adentro y el afuera. Puede llenarse y vaciarse, inhalar y exhalar, dar, recibir, sentir, expresar y así sintetizar la continuidad entre uno y el mundo circundante. Aunque el cuerpo esté físicamente ausente, en mi obra existe un interés evidente por lo orgánico, en ella el lenguaje estético es continua reminiscencia de lo corporal en el espacio. Los términos evolución y adaptación, que hacen referencia a la transformación del cuerpo, son utilizados para, de manera análoga, someter los materiales

a procesos de transformación y generar micro- territorios expandidos, o espacios-objetos que se conciben desde su origen como órganos artificiales, partes internas del cuerpo en un sentido metafórico, que han tomado forma y funciones del organismo que les sirve de referente.

Andrés Caro

Título de la obra: Flexor profundo Técnica: Anillo en plata y esmalte Dimensiones: 5.5 x 3 x 2 cm Año: 2010