Historia de la Animación Rusa

Sara Mรกrquez Fontecilla Segundo de Bellas Artes, Grupo B1 A1 Curso 2011-2012

Índice · Breve Historia de la Animación: Orígenes y Primeros Pasos. (pág. 3-4)

· La Animación en la Unión Soviética. (págs. 4 – 8)

· Creativos rusos a destacar. (págs. 9 – 11)

· Cómo me influencia. (pág. 13 – 14)

· Bibliografía. (pág. 15)

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Breve Historia de la Animación: Orígenes y primeros pasos.

El concepto moderno de animación tiene sus orígenes en Francia, a finales del siglo XIX, cuando Émile Reynaud logró trasladar una serie de dibujos de un juguete óptico como el zootropo a una pantalla a través de su revolucionario invento: el teatro óptico. La aplicación sirvió para proyectar breves películas animadas al público, dotándolas de un argumento y ambientándolas con música y efectos de sonido en directo.

Mientras el concepto de entretenimiento fue imponiéndose y normalizándose en el mundo moderno, el fenómeno de la proyección fue ganando terreno.

Viejos teatros fueron reconvertidos en cinematógrafos, los cortos dejaron paso a los largometrajes en tanto en cuanto la tecnología fue creciendo y permitiendo. El primer momento de esplendor del cine de animación lo firma Walt Disney en 1937. Color, sonido y banda sonora. Blancanieves y los siete enanitos.

Durante la Segunda Guerra Mundial, el cine jugó un papel fundamental como rol propagandístico, exaltador de valores patrióticos. La animación se utiliza como arma política tanto para humillar a los enemigos como para motivar a la población. Los estudios de Hollywood se dedicaron a satirizar el sistema fascista con los personajes más populares de la factoría Disney y de los estudios Warner Brothers.

La Unión Soviética también utilizó el cine con fines propagandísticos durante la Segunda Guerra Mundial.

En este caso, se perseguía alentar la moral de la población y proteger los valores del régimen de Stalin.

Para ello se produjeron filmes sonoros dedicados al ejército soviético.

Con la Guerra Fría, la animación continuó jugando un rol ideológico más allá de la carga propia de ficción. Se trataba de explotar los valores del mundo en el que se desarrollaba, ahora perfectamente definidos entre el capitalista y el comunista. En cuanto a la carga educativa, la caricatura funcionaba como resorte para moralizar a la gente.

Más allá de la pugna ideológica, la animación comenzó a adquirir nuevas funciones. El artista, con los medios ofrecidos, comenzó a experimentar con el talento. Además, a finales de los 50, el color ya predominaba tanto en el cine como en la televisión.

Más allá de muros y barreras, el intercambio cultural entre la Unión Soviética y los Estados Unidos resultó inevitable: ambas se espiaron y siguieron, se estudiaron y documentaron para, al final, empaparse de los conocimientos del rival. De esa competencia constante, lograron crear un estilo propio con la consiguiente etiqueta. Esta originalidad no sólo se debía a las condiciones en

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las que trabajaban los animadores, sino también a los antecedentes culturales de los países.

A partir de los años 50, los artistas norteamericanos se comenzaron a interesar por la cultura oriental (China y Japón) y las filosofías Zen, Taoístas y Budistas, más adelante se adhirieron a este interés el arte de los mándalas y la religión hindú. El interés fue puerta de entrada al arte psicodélico con su carga cultural y generacional tan comúnmente relacionada con la expansión de la mente y el consumo de drogas alucinógenas.

La misma influencia recibieron los artistas audiovisuales de la Unión Soviética pero por el antecedente cultural del arte cristiano de la Iglesia Ortodoxa rusa, cuyos orígenes tenía en el arte bizantino del Imperio Romano Oriental. Esta influencia es evidente no sólo en los trabajos de Norstein (como La batalla de Kerzhents, de 1971 y Erizo en la Niebla, de 1975), sino también en los de Ivan Ivanov-Vano (Estaciones, de 1969) La Animación en la Unión Soviética.

La primera película de ficción fue realizada en Rusia en 1907. Los primeros dibujos animados aparecieron cinco años más tarde, en 1912. La técnica empleada es la que hoy llamamos “stop motion”, basada en capturar imágenes en movimiento, fotograma a fotograma. En el caso ruso, el objeto a capturar fueron marionetas. El pionero y precursor de los dibujos animados rusos fue Vladislav Starevich (1882-1965), que estrenó el 26 de marzo de 1912 su primer filme de marionetas Lucanida, la bella, un melodrama tratado en stop motion a base de insectos disecados. En 1913, por primera vez en la historia de la animación, Starevich juntó en un mismo plano los dibujos animados con la estrella rusa de cine mudo, Iván Moszhujin (1889-1939) en la película educativa El alcoholismo y sus consecuencias.

Después de la revolución bolchevique de 1917, en 1919 el soviet nacionaliza el cine cuando comprende su poder sobre las masas, y lo pone al servicio de la política. El primer dibujo animado de esta época se hizo en 1924 y se llamaba Los juguetes soviéticos. Bajo este título inocente, se ocultaba el devenir de ese nuevo cine político: la propaganda bajo el sutil lenguaje de las imágenes. Como armas del nuevo poder, los dibujos animados sirvieron lealmente a su época. Su estilo estaba muy cercano al cartel político y la caricatura. Los jóvenes realizadores buscaban con insistencia un nuevo lenguaje asequible a las grandes masas de espectadores analfabetos, y al mismo tiempo aprendían un oficio nuevo, lleno, al parecer, de esperanzas y perspectivas inauditas.

Hasta en las difíciles condiciones de la II Guerra Mundial, seguían haciéndose los dibujos animados infantiles y dedicados al tema bélico con nombres como: Siempre los derrotaremos, Revista de sátira política, La bota fascista no hollará nuestra patria y Los predadores.

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Pasada la guerra, los dibujos animados que iban dirigidos a los niños se basan en obras populares de la literatura infantil mundial. También aquí vemos filmes satíricos y caricaturas, cintas de carácter didáctico e ilustrativo.

El organismo responsable de la divulgación de estos contenidos fueron los estudios Soyuzmultfilm, uno de los más importantes de la extinta Unión Soviética, con sede en Moscú. Con los años fue ganando el reconocimiento y el prestigio a nivel internacional, cosechando numerosos premios en todo el mundo. Estos estudios adoptaron una gran variedad de estilos y por ello es considerado como el más influyente de la Unión Soviética. Fue fundado el 10 de junio de 1936. Inicialmente estaba compuesto por una serie de estudios dispersos. Sin embargo Soyuzmultfilm creció rápidamente, para pronto convertirse en el primer estudio de animación del régimen estalinista. Una de las primeras y más famosas serie de dibujos animados fue Vinny Puh, estrenada en 1969 y basada en los cuentos originales de A. A. Milne. En el estudio se empleó exclusivamente la animación tradicional hasta 1954, año en el que se decidió regresar a la técnica tradicional del stop motion y la animación de títeres.

Durante la era soviética, la creatividad de los animadores de la Soyuzmultfilm se vio estimulada, en parte, por la falta del rigor comercial. Pagados por la Academia de Cine, los animadores, realizadores y artistas eran libres de ejercer su visión artística y sin tener en cuenta el aspecto comercial de sus producciones. Los planteamientos formales van desde el clasicismo más rabioso del realismo socialista hasta el acercamiento particular al estilo Disney.

El colapso de Unión Soviética significó el fin de Soyuzmultfilm. La nueva realidad económica hizo imposible que el gobierno siguiera financiando el trabajo de los estudios. A partir de 1989, Soyuzmultfilm sufrió el desmontaje del sistema centralista sin perder el patrocinio del estado pero ahora a sus creadores ya se les pedía una visión comercial que antes no tenían. El cambio de orientación significó la pérdida de una filosofía y de una manera de entender el cine de animación.

La característica principal de la producción de Soyuzmultfilm era el film para todos. A diferencia de la filosofía familiar Disney, Soyuzmultfilm trataba al público adulto como uno de sus principales. De esta manera la producción animada plasmaba contenidos profundos que planteaba problemas filosóficos y existenciales. El género de estos metrajes solía ser ciencia ficción, pero a pesar de que los hechos ocurrían en otros mundos o un tiempo futurista los 5

protagonistas siempre eran los humanos con sus conflictos de siempre.

También se adaptaron novelas, como “Vendrán Lluvias Suaves” de Ray Bradbury, dirigida en 1984 por N. Tulyakhodzhayev.

A pesar del muro ideológico, los creadores soviéticos trabajaron a menudo basándose en el referente de la producción y estilo de sus colegas norteamericanos. Tocaron también la parodia a base de copiar determinados productos hechos en Hollywood. Jugaron con los elementos que la realidad ponía en la mesa, siempre con el ojo puesto en la competencia, en este caso, ideológica. Copiaron y emularon músicas e historias. Llegando incluso a calcar personajes, en la rivalidad del momento.

Dos ejemplos: Winnie-The-Pooh (Disney, 1966)

Vinny Puh (Soyuzmultfilm, 1969)

La trama, los personajes y los hechos son idénticos. Sin embargo, en la versión rusa, los fondos y los elementos presentan un aspecto mucho más artístico que en la versión americana. Como se ve en las imágenes, Disney daba realismo a los escenarios y adhería los personajes a estos, mientras que Soyuzmultfilm separaba los personajes de los fondos y en estos se aplicaban menos detalles, pero se enriquecían los pocos elementos con los que se elaboraba la producción (los fondos son una combinación de collages y dibujos hechos con lápices).

Otra diferencia a destacar es el aspecto del protagonista. Disney fue más fiel a los dibujos originales de los libros del autor canadiense, en las que Winnie y sus amigos eran animales de peluche. También, detrás de esta apariencia, se ocultaba una estrategia comercial ya que, tras el éxito, llegó la producción masiva de merchandising del personaje: juguetes, libros, peluches, etc., mientras que Vinny perdió su forma original y adoptó un aspecto más rechoncho, inspirado en el oso siberiano que, a su vez, era la mascota oficial de la Unión Soviética (posteriormente se utilizó para crear a Mishka, la mascota de las Olimpiadas de Moscú de 1980).

La personalidad de ambos es hasta cierto punto ambigua. Mientras que el Winnie-The-Pooh de los americanos tiene una actitud más bien infantil, Vinny Puh ruso se decanta por un pensamiento poético y filosófico que a su vez

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mantiene un aspecto pueril. El uno está por la acción, el otro prefiere meditar bajo un árbol sobre la existencia de las abejas, la miel y la suya misma.

Nu, pogodí! (Soyuzmultfilm, 1969)

Tom & Jerry (Hannah-Barbera, 1940)

La idea es la misma: una relación de amor-odio eterno e inacabables persecuciones donde el depredador siempre acaba mal y su víctima se salva.

En Nu, pogodí!, es evidente la copia en la estética de los personajes de antiguos cartoons americanos, la misma que en un principio tenía Tom & Jerry y el resto de dibujos animados producidos desde Hollywood. Es evidente, también como se reproducen los antagonismos como en el caso del Correcaminos y el Coyote o en Piolín y Silvestre (de la Warner Bros.).

La competencia llevó a los creadores de los dos bloques a pugnar no sólo en el estilo sino en la producción. De esta manera en 1968 el soviético N. Konstantinov logra la primera animación digital. El film Kitty, es una animación experimental de un gato creada por ordenador.

Físicos y matemáticos colaboraron en la producción, utilizando para ello el programa BESM- 4 (nombre de una serie de ordenadores centrales soviético construidos entre 1950 y 1960). El trabajo se centró en la creación de cientos de frames que dieran vida a la animación.

Una de las principales características del trabajo soviético era la suma de esfuerzos y la experimentación. En este sentido los creadores del otro lado del muro siguieron la estela de sus colegas, trabajando para su público pero siempre con el ojo puesto en lo que pasaba en el

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supuesto bloque enemigo. Aunque ese primer trabajo digital se quedara sólo en un trabajo de experimentación multidisciplinar, quedó como poso de lo que iba a suceder con los años. La revolución digital.

Rusia tuvo que esperar al estreno del filme Osobennyj. (2006). Animada por A. Medvedev, Fue la primera película de animación en Rusia en la que se utilizaba Computación Gráfica (gráficos por ordenador en 3D).

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Creativos Rusos a destacar Soyuzmultfilm aportó una gran cantidad de técnicos y creador al mundo de la animación. Desgraciadamente, muchos de ellos acabaron en el anonimato y en el olvido a pesar de una vida dedicada a la creación o al apoyo del proceso creativo. * Yuri Norstein (Óblast de Penza, 1941) comenzó su trayectoria cinematográfica trabajando de director artístico en animaciones. En 1975, estrenó su conocido metraje Erizo en la niebla, novedoso trabajo por el estilo y la técnica. En 1979 estrena el famoso Cuento de los cuentos, dirigido al público adulto. El resultado fue nuevo tipo de dibujos animados que exigía del espectador esfuerzo y atención para comprenderlo.

La característica de sus animaciones era la superposición de planos que conseguía a base de láminas de vidrio transparente y opaco. De esta manera conseguía efectos de profundidad para las animaciones, similar al 3D actual, ni con el uso del momento de marionetas filmadas. Su innovador trabajo, propio del estilo artesano que caracteriza al creador, tuvo el reconocimiento de la animación mundial en el Laputa Animation Festival, celebrado en Tokyo en 2003, que consideró su Cuento de los cuentos como el mejor metraje en dibujos animados de la historia.

Fue despedido de Soyuzmultfilm en 1985 por trabajar con demasiada lentitud.

Para la adaptación del cuento de Gogol, El Abrigo, había invertido dos años de trabajo y conseguido sólo diez minutos de animación. Tras la caída del muro, se dedicó a la educación de otros animadores. Y a proseguir con la producción de El Abrigo que podría pasar a la historia como su producción cinematográfica más larga.

* Ivan Ivanov-Vano (Moscú, 1900-1987) es considerado el patriarca de la animación soviética. Colaboró con Norstein en algunos filmes como Las Estaciones del Año (1969) y La Batalla de Kerzhenets (1970). Pero es más conocido por el corto animado Black and White (1932), en el que trata de la injusticia, la violencia racial y la camaradería de la clase trabajadora. Tanto por el contenido como por el tratamiento de sus imágenes, que recuerdan a los trabajos de los estudios de Patrick Sullivan (creador de Félix el gato), el film dio la vuelta al mundo. En plena ebullición de la idea soviética y de sus intenciones internacionales, era el momento de lanzar al mundo un mensaje sobre la hermandad que tanto incluía derechos de raza como de clase.

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* Fyodor Khitruk (Tver, 1912) es uno de los animadores y directores de animación más influyentes del cine de dibujos animados ruso. Popularmente conocido como el creador de Winny Puh, ha dedicado toda su vida a la animación. Desde sus principios como animador de la Soyuzmultfilm (contratado en 1938), desarrolló un estilo que le diferenciaba del resto de colegas cuyos trabajos estaban muy influenciados por la factoría Disney. Sus trabajos presentaban un estilo fresco y moderno, que recuerda, en parte, a la estética de las portadas de música Jazz y a la animación francesa de Raoul Servais. Pero no fue hasta 1962 que obtuvo el reconocimiento mundial por su primera película animada: La Historia de Un Crimen. Una constante en su obra es la burla y la crítica de la sociedad consumista y una reflexión sobre el aislamiento del individuo en las grandes ciudades. Muchas de sus obras han ganado premios como El Puente de Oro de San Francisco International Film Festival (La Historia de un Crimen) y La Palma de Oro del Festival Internacional de Cannes (por su corto animado Isla, de 1974), entre muchos otros

* Lev Atamanov (Moscú, 1905-1981) Considerado uno de los padres de la animación soviética. Fue uno de los más destacados directores de cine de la época y sus animaciones se caracterizan por las historias amables, protagonizadas por personajes bondadosos y por su humor entrañable. Una comicidad apta para todos los públicos que le hicieron ser uno de los animadores preferidos de los niños. Adaptó cuentos y fábulas tan célebres

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como La Reina de Las Nieves (1957), de Hans Christian Andersen. Sus trabajos también ofrecían diferentes tipos de trazo: trató tanto el estilo Disney como la estética del cómic americano como Archie (publicada a partir de 1939).

Pero esta combinación no sólo se limitó a la técnica plástica, sino también a la musical. En los filmes empleó música de orquestra, pero el jazz también estaba presente. También cabe destacar que los personajes que protagonizan sus producciones tienen un cierto aire que recuerda al cómic oriental o manga que, a su vez, gran de este de la época estaba inspirado en el estilo de la factoría Disney.

* Vladimir Tarasov (Moscú, 1939) Director de animación. Desde 1957 trabajó en el estudio Soyuzmultfilm, primero como animador y luego como director de arte y, luego, desde 1970 hasta 1991 como director. Recibió el título de Artista de Honor de la RSFSR (República Socialista Federativa Soviética de Rusia) en 1989. Muchos de los personajes de sus animaciones tienen un

aspecto más occidental que ruso, uso justificado por sus sátiras a la sociedad de consumo. En sus trabajos también se nota la influencia de los dibujos (animados) psicodélicos de Heinz Edelmann (1934-2009) y Peter Max (1937) que también influyeron de gran manera al cine de animación americano.

* Iván Maximov (Moscú, 1958) Uno de los últimos animadores de la escuela soviética. Ingeniero en un principio, siempre mostró interés por las artes Primero trabajó para series de televisión durante la década de los 90 y, a partir de 1995, fundó su propio estudio (instalado en el garaje de su casa) y lo

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bautizó con el nombre de “Estudio Virtual IVÁN MAXIMOV”. Actualmente combina su trabajo como animador con la de profesor de dirección de cine y escritura de guión.

En sus trabajos de animación aplica sus conocimientos de ingeniería, además de su elaboración casera y así ha logrado crearse un estilo propio.

Las técnicas digitales que aplicó a sus obras marcaron el fin de una era que, junto a la extinción de la Unión Soviética y el cambio de propietarios del estudio Soyuzmultfilm, dieron paso a una nueva generación. Orgulloso de sus orígenes, sigue produciendo filmes y cautivando público, a pesar de la enorme competencia de otras industrias como la americana Pixar Animation Studios y la japonesa Estudio Ghibli.

También cabe destacar el estudio privado de animación Pilot, fundado en 1988, y del que Maximov forma parte. Conocido por su ambicioso proyecto Montaña de Gemas, que trata de un gran cuento de hadas animado en el que se intenta abarcar todas las etnias de Rusia, ha llegado a recibir más de 50 premios de festivales internacionales de gran renombre.

Sin embargo, la crisis ha obligado a detener el proyecto y el estudio está en riesgo de cierre por quiebra.

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Cómo me influencia No sabía nada de animación rusa (o soviética) hasta el verano pasado. Por aquel entonces había oído hablar de unas animaciones de los 60 llamadas familiarmente “Koniec”. Por lo demás mi infancia y adolescencia han vivido bajo la influencia de la animación americana y japonesa.

Llegué a la animación rusa, harta de ver siempre las mismas historias, con los mismos estereotipos. Hasta de los colores y de la profundidad de campo.

Necesitaba una nueva vía de escape. La exploración, por YouTube, buscando principalmente nuevos artistas psicodélicos, me llevó a conocer la obra del francés Raoul Servais. A partir de ahí fue tan solo cuestión de ir enlazando nombres. Rápidamente llegué al stop motion polaco de los años 70 (de la mano de Jan Švankmajer). Nombre tras nombre, fui recomponiendo esa historia que, tras la caída del muro, había quedado oculta. Cada descubrimiento era más sorprendente que el anterior De la Izquierda a la Derecha (1989) y Escuela Provincial (1992), de Maximov, me introdujeron al complejo mundo de la animación rusa que me encandiló desde un buen principio por su variedad de técnicas, estilos, músicas e historias. Era y es una industria mucho más artística que la francesa, la americana y la japonesa, más cercana al espectador, ya que hace reflexionar al hombre sobre su existencia y la de las demás formas de vida que le rodean. A pesar de vivir aislados del resto del mundo por el régimen, lograron liberarse de aquella prisión física sin necesidad de huir del país, sólo usando la creatividad.

En cuanto a mi relación con la animación rusa y mi creatividad, creo que en un futuro me gustaría dedicarme al stop-motion.

Norstein es quien más me ha inspirado en estas creaciones visuales, no sólo por su estilo, sino por esa sensación tan reconfortante, familiar, que me causan las texturas y las luces que impregnan sus personajes y sus escenarios.

Además, en estas animaciones no busco crear algo comercial, sino algo más creativo, un espectáculo gratuito con un único objetivo: dar vida a las criaturas que viven en mi psique, que constituyen mi imaginario.

Mi pasión por esta técnica no solamente provenía de los dibujos animados rusos, sino también de los cortos británicos de Wallace & Gromit y Creature Comforts (creados en 1989) También las historias de ciencia ficción que son temática de muchas de las animaciones rusas, junto a mi interés por Moebius, y la idea de adaptar novelas o cuentos me han dado nuevas ideas para historias que, aunque tengo pensado dibujarlas, la idea de convertir-las en animación me tienta mucho.

Sé que no es fácil de aprender y la animación actual, la mayoría hecha exclusivamente con programas virtuales como el Adobe Flash, no me entusiasma mucho. Pero tengo la esperanza de que un día los títeres de tela y plastilina recuperaran su antiguo renombre y volverá la animación más tradicional que, en mi opinión resulta mucho más humana que los dibujos en 3D.

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Si tuviera que elegir un lugar donde llevar a cabo estudios sobre animación, no dudaría en irme a París, aunque hoy día todos los aspirantes a creadores de videojuegos y animaciones se van a Japón, donde la industria cinematográfica está comenzando a imponerse más que la americana.

También me gustaría probar de hacer animaciones para niños con finalidades didácticas. Antaño, tanto en América como en el resto del mundo existían unos cortos, subvencionados por Asociaciones como la PSA (The Photgraphic Society of America) a su vez mantenidas por el Gobierno, en los que una serie de personajes explicaban a los niños cosas tan importantes como la importancia de un desayuno equilibrado con canciones que se adaptaban a los estilos musicales del momento. Así tanto los infantes como sus padres aprendían rápidamente la canción y la lección. Aquí en España había la familia Telerín, cuya función principal era la de finalizar el horario infantil con el corto “Vamos a la cama”.

La animación es una actividad que mucha gente ignora que no es solamente unos personajes andando en unos planos, es mucho más que eso. Es un gran esfuerzo y una gran pasión por la creatividad, por las ganas de crear nuevos mundos, de dar vida a tus fantasías.

Al parecer, los dibujos animados no constituyen un gran logro de la humanidad, porque casi no se habla de ellos. No son ni literatura, ni cine de ficción, que forman realmente la conciencia del hombre. Los dibujos animados aún no se han convertido en el lenguaje que todo el mundo necesita. Aún nadie aprendió a verlos como resultado de las búsquedas espirituales de un artista - Norstein, Yuri.

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Bibliografía Casa Rusia _ http://www.casarusia.com/archives/252-Historia-de-la-animacionrusa.html

Big Cartoon Database _ http://www.bcdb.com/cartoon/100260-Osobennyj.html http://www.animator.ru/ Internet Movie Database _ http://www.imdb.com/ Todos los vídeos citados en este trabajo están disponibles en Youtube. La información sobre la animación digital Kitty fue extraída de la información del vídeo publicado en esta.

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