Lalique magazine edition 2017 - French version by Lalique Official

Ã&#x2030;DITION 2017

C O N S U LTA N T S E N I M M O B I L I E R A LO NDR E S U N S ERV ICE G LO B A L P O U R VOT RE IN V ES TISS EMEN T IMMO BIL IER

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L’ABUS D’ALCOOL EST DANGEREUX POUR LA SANTÉ. À CONSOMMER AVEC MODÉRATION

SOMMAIRE 9 Éditorial 10 Actualités 12 Must-haves parfums 15 Zoom sur la manchette Pensée 16 Le Château Hochberg : une élégance contemporaine signée Lalique 24 Musée Lalique Retour aux sources : quand Lalique s’inspire du monde

48 – Sirènes, une odyssée Lalique par Terry Rodgers 64 – Joaillerie Comme un ballet de bijoux

28 Villa René Lalique La cuisine des quatre saisons 34 Anish Kapoor : cristal hors limites 40 Vodka Beluga L’excellence russe 48 Sirènes, une odyssée Lalique par Terry Rodgers 57 Delisle Lumières d’exception 64 Joaillerie Comme un ballet de bijoux 70 En mains de maîtres 76 The Macallan L’ultime pièce de la collection Six Pillars

16 – Le Château Hochberg : une élégance contemporaine signée Lalique

82 Zaha Hadid, l’empreinte de cristal 88 Entre Art nouveau et modernisme 94 Parfums Cire perdue, l’art du cristal en majesté 101 Boutiques Lalique 82 – Zaha Hadid, l’empreinte de cristal 94 – Parfums Cire perdue, l’art du cristal en majesté

En couverture : © Frantisek Zvardon Copyright Château Hochberg : © Adeline Wagner

ÉDITORIAL

ans la vie d’une entreprise, il est indispensable de toujours innover en sachant s’adapter à l’air du temps, sans jamais oublier son histoire et son patrimoine, ni de construire un pont entre le passé et l’avenir.

René Lalique était un visionnaire exceptionnel qui inspire aujourd’hui encore nos équipes de création. Grâce à leurs formidables talents, nous participons à l’art de vivre et nous efforçons d’embellir la vie. Après le grand succès du Relais & Châteaux Villa René Lalique, à Wingen-sur-Moder en Alsace, ouvert en 2015, j’ai pu – grâce au concours de Philippe Richert, président de la région Grand-Est, qui est, comme moi, particulièrement sensible à la préservation du patrimoine de l’Alsace – acquérir le Château Hochberg, situé juste en face du musée Lalique à Wingen-sur-Moder. Nous en avons fait un hôtel avec un bistrot moderne. Désormais, des liens forts unissent le château et le musée, qui attire plus de 50 000 visiteurs par an. Avec le Château Hochberg, je souhaitais proposer un lieu de grande qualité, complémentaire à la Villa René Lalique. À

partir de mai 2017, on pourra découvrir le Pavillon Hochberg, construit à côté du château par l’architecte suisse Mario Botta. Il permettra d’accueillir une centaine de personnes pour des événements privés et professionnels, comme des mariages ou des jubilés. J’aime associer le savoir-faire au savoir-vivre. L’art de la table et la cuisine sont indissociables, comme le sont les parfums et les bijoux dans le patrimoine de la Maison Lalique. Jean-Georges Klein, à la Villa René Lalique, est pour moi l’un des plus grands chefs au monde. Sa cuisine est un véritable art et, depuis toujours, l’art est ma passion. Mon père était un grand collectionneur et, à la maison, nous étions entourés de tableaux et d’objets d’art. Dans les années 1990, j’ai été propriétaire d’une galerie à Saint-Paul-de-Vence. J’y ai rencontré le célèbre Arman, dont j’aimais les œuvres. C’est lui qui a dessiné l’un des premiers flacons de parfum que j’ai lancés. René Lalique était un artiste de génie et ses créations sont incontestablement des œuvres d’art. Pour certaines pièces, il a utilisé jusqu’en 1930 la technique de la cire perdue. Quatre-vingts ans plus tard, nous avons redonné vie à cet atelier pour produire des pièces uniques. Par la suite, j’ai souhaité le mettre à la disposition de grands artistes contemporains pour qu’ils puissent y réaliser des œuvres en cristal. Avec les Archives Yves-Klein, en collaboration avec Rotraut Klein-Moquay et son mari Daniel Moquay, nous avons réalisé une première œuvre en cristal International Blue Klein (IKB), la superbe Victoire de Samothrace, puis La Terre Bleue. Depuis, nous sommes très fiers d’avoir pu travailler avec de grands artistes contemporains comme Anish Kapoor, Damien Hirst, Terry Rodgers, et des architectes de renommée mondiale comme Mario Botta et la regrettée Zaha Hadid. De nouvelles aventures aussi passionnantes et enrichissantes sont à découvrir dans les années futures.

Silvio Denz Président directeur général LALIQUE

ACTUALITÉS LE VENICE SIMPLON-ORIENT-EXPRESS Le légendaire Venice Simplon-Orient-Express continue de proposer des voyages mythiques à travers l’Europe, de Londres à Venise en passant par Paris, mais également Vienne, Berlin, Prague, Budapest, jusqu’à la belle Istanbul. Véritable emblème de l’âge d’or des voyages ferroviaires dans les années 1920 et 1930, chaque voiture a été soigneusement restaurée et a retrouvé sa splendeur d’antan pour offrir à ses 188 passagers l’une des expériences les plus luxueuses qui aient jamais existé. Le Venice Simplon-Orient-Express met en valeur l’artisanat Lalique des années 1920 dans sa voiture restaurant Côte d’Azur 4141 : ses fameux panneaux représentant des bacchantes et ses luminaires classiques en forme de tulipes célèbrent l’héritage Art déco de René Lalique. Début 2015, par la volonté des équipes des deux entités, il fut décidé de renforcer la présence de Lalique à bord du train. Ainsi, les passagers du Venice Simplon-Orient-Express peuvent aujourd’hui découvrir une carte de champagnes millésimés servis au bar à champagne dans des flûtes Lalique et rafraîchis dans les sceaux Ganymède ambre et incolore créés par René Lalique en 1927. Une sélection d’articles Lalique est également disponible à la vente dans la boutique du train. Pour plus d’information : belmond.com/vsoe +33 (0)1 44 50 17 71 reservations.france@belmond.com

UN LUXE D’EXCEPTION S’INVITE DANS LES SALLES DE BAINS D’HÔTELS Une nouvelle ligne de produits cosmétiques signée Lalique, alliant qualité et parfum raffiné, est désormais à disposition de la clientèle d’une sélection d’hôtels prestigieux. Cette ligne comprend cinq produits : shampooing, après-shampooing, lait pour le corps, gel douche et savon. Le parfum de ces produits onctueux est le fruit d’une parfaite harmonie entre sa note de tête de bergamote et sa note de cœur d’ylang-ylang. Hirondelles, motif iconique de la Maison Lalique, orne le flacon et le bouchon. Le savon liquide et la lotion pour le corps en format 300 ml sont en vente dans les points de vente Lalique et sur lalique.com.

Produits sans parabène et sans colorant.

RESTAURANT HATO Après Saint Moritz, c’est à Zurich que le restaurant Hato a ouvert ses portes au public, en novembre 2015. On y découvre une atmosphère chaleureuse et cossue où les nuances de marron et de beige se mêlent et s’associent à merveille. Le restaurant dispose d’un bar et d’une salle à manger, dessinés par l’Atelier Estimo. L’expertise des architectes d’intérieur se traduit par une décoration raffinée où les différents styles se marient sans jamais s’opposer. Un vase Mossi de la Maison Lalique trône au centre d’une imposante table ronde. Le majestueux lustre Orgue créé par le Studio Putman pour Lalique vient illuminer ce décor éblouissant. Les verres 100 Points, collection iconique de la Maison, apportent la touche finale de cristal. Hato associe les saveurs asiatiques avec virtuosité grâce au chef Nathan Dallimore et à son équipe, et surfe sur la tendance Asian fusion où se croisent sushis, dim sums et barbecue coréen. Un subtil mélange qui donne lieu à des plats gastronomiques à l’image de ce décor somptueux et qui ravient les papilles de tous.

HATO – Fine Asian Cuisine Brandschenkestr. 20, 8001 Zurich +41 44 280 18 80 zurich@hato-restaurants.com hato-restaurants.com

HATO – Restaurant, Bar & Lounge Posthaus, Via da Vout 3, 7500 St. Moritz +41 81 838 00 00 st.moritz@hato-restaurants.com hato-restaurants.com

LALIQUE ET FABRIC FRONTLINE POURSUIVENT LEUR PARTENARIAT D’EXCEPTION De la complicité entre les deux prestigieuses Maisons Lalique et Fabric Frontline est née, en 2015, une collection exclusive de foulards en soie et cachemire. En hommage aux écharpes de soie créées par René Lalique au début du

xxe siècle, les Maisons avaient parfaitement su accorder la

maîtrise de l’excellence qui les caractérise. En 2016, Lalique et Fabric Frontline ont de nouveau uni leurs savoir-faire autour d’un modèle inédit aux lignes Art déco, si chères à René Lalique. Inspirée par les motifs du prisme et du cabochon, la composition de ce nouveau motif imprimé tisse une rencontre entre les collections de bijoux emblématiques Charmante et Gourmande. La bague Gourmande, bijou iconique et original de la Maison Lalique créé en 1931, et la bague Charmante se multiplient à l’infini et créent un caléidoscope éclatant apposé sur une mousseline de soie disponible en rose et vert ou sur un modèle en twill de soie décliné en beige et bleu.

MUST – HAVES

RÊVE D’INFINI

L’INSOUMIS

Pétillant, sensuel et coloré, Rêve d’Infini célèbre l’éternel féminin dans un bouquet de fleurs fraîches. Pure et scintillante, la bergamote éclaire la chair acidulée d’un litchi aux accents de rose.

Impulsif et intense, le basilic annonce dès les notes de tête le caractère affirmé de L’Insoumis. C’est à l’esprit audacieux de René Lalique que la Maison rend hommage : comme le créateur, L’Insoumis est indépendant et pionnier, un aventurier moderne.

FLACON COLLECTION CRISTAL, ÉDITION LIMITÉE 2017 Le flacon de l’Édition Cristal 2017 a été inspiré du vase Bacchantes, créé en 1927 par René Lalique. Il se pare de la ronde des bacchantes, jeunes prêtresses du dieu de la vigne et de la fête et renferme le précieux parfum Lalique de Lalique.

NOIR PREMIER

AMETHYST ÉCLAT

La collection Noir Premier rend hommage aux grands jalons de l’histoire de Lalique avec six parfums d’exception, sublimés par des ingrédients hors pair.

Un parfum radieux et lumineux, sublimé par une éclatante pivoine qui s’épanouit en majesté dans un jardin gourmand de fruits rouges.

ENCRE NOIRE À L’EXTRÊME Un envol lumineux, un fond boisé à l’élégance ténébreuse : Encre Noire à l’Extrême joue le contraste pour exprimer, par ses accords puissants et séducteurs, toutes les facettes de la virilité.

VOYAGE DE PARFUMEUR FORÊT – VASE BOUGIE Avec cette bougie parfumée enveloppée de cristal, Lalique a capturé le mythe d’une forêt idyllique et combiné l’essence du clou de girofle avec des notes de patchouli et de bouleau, prolongées par une note de fond aux facettes de bois de santal musqué.

©THG - Photos Didier Grieu

Bath & Art de Vivre

Collection

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design

Avec la collection de bijoux Pensée, Lalique vous invite à la découverte de son répertoire botanique : un hommage à la flore, source d’inspiration majeure de l’artiste joaillier René Lalique.

’ - P rose

Muguet, coquelicot, anémone, aubépine… Lalique consacre son talent à la plus simple et à la plus fidèle représentation de la nature que seuls révèleront l’émail, le verre et la nacre mêlés à l’or, à l’opale et au diamant. Une vision audacieuse qui fera la réputation de ses bijoux et que René Lalique immortalisera en 1903 sur une broche intitulée Pensée, en or pavé de diamants aux délicats pétales de verre et feuilles d’émail.

- Lalique attraction Délicatement sculptés, les pétales de pensée foisonnent

dans un jeu de volumes et de lumière sous la partition d’un cristal satiné-repoli, véritable signature du savoir-faire Lalique. Sur le bracelet manchette en argent, un bouquet de sept fleurs en cristal se teinte d’une éclatante couleur fuchsia mise en lumière par une finition lustrée de couleur argent. Un travail des détails qui révèle l’exigeante alchimie de cristallier de Lalique, reflet d’une excellence perpétuée par les artisans de la Maison depuis plus d’un siècle.

Bracelet manchette Pensée. Fleurs de pensée en cristal Lalique serties sur argent.

- F lower Power -

Véritable exercice de style, le bracelet manchette Pensée est un bijou-sculpture. L’expression d’un savoir-faire unique révélé dans un accessoire XXL précieux au look affirmé. Pour un porté « talisman » – où la fleur de pensée se confond avec un trèfle à quatre feuilles – , la collection de bijoux Pensée se décline en bague, pendentif, boucles d’oreilles et bracelet chaîne. Une parure également façonnée en vermeil, où les motifs floraux sont sculptés dans l’incontournable cristal incolore souligné par une finition lustrée or.

LE CHÂTEAU HOCHBERG : UNE ÉLÉGANCE CONTEMPORAINE SIGNÉE LALIQUE Après le succès de la Villa René Lalique ouverte en 2015, on fête à Wingen-sur-Moder l’inauguration du Château Hochberg, hôtel visant la classification quatre étoiles, et de son restaurant bistrot moderne.

T E X T E A DI N E F IC HO T- M A R ION P H OTO S GR É G OI R E GA R DE T T E E T K A R I N E FA BY

Bandeaux en grès rose, grandes fenêtres et petits balcons en fer forgé caractérisent la façade de cette maison de maître.

ajestueusement ancré en face du musée Lalique, au cœur d’un parc de 1,7 hectare, le Château Hochberg, superbe bâtisse construite entre 1863 et 1866, comporte désormais

quinze chambres et suites décorées selon trois thèmes – Ombelle, Venise et Dahlia – et un restaurant moderne à l’esprit « bistrot chic ». Érigé par la famille Teutsch pour être leur maison de famille, il offre un parfait exemple du plus pur style Napoléon III avec ses façades ornées de bandeaux en grès rose, ses grandes fenêtres et ses balcons en fer forgé. Après avoir connu des destinées diverses et été classé monument historique en 1996, il est acheté en 2014 par Silvio Denz, P.-D.G. de la Maison Lalique. Ce dernier décide alors d’entreprendre des travaux pour mettre en avant l’esprit Lalique ! Après l’inauguration en septembre 2015 de la fabuleuse Villa René Lalique, cet établissement complète l’offre hôtelière, faisant ainsi de Wingen-sur-Moder une destination à part entière. La réhabilitation et la décoration du château sont le fruit de la collaboration entre Lalique Interior Design Studio et l’agence d’architecture intérieure Borella Art Design qui ont réalisé là un travail hors pair. Pour s’en convaincre, il suffit de pénétrer dans le lobby où, dès le premier coup d’œil, on plonge dans l’univers Lalique ! Les créations maison ne cachent pas leur jeu. Ce sont d’abord les panneaux décoratifs Lauriers – créés en 1923 pour les wagons de l’Orient-Express – qui ornent les murs et le desk de la réception, taillé

dans un bloc de quartz blanc. Le regard est ensuite attiré par le lustre Windfall : constitué d’une multitude de cristaux en suspension, il domine le bar surmonté d’un plateau en verre décoré de sept motifs Dahlia… Un spectacle à lui seul. Derrière le bar, les carafes maison paradent fièrement, alignées dans une vitrine. Pour rester dans l’esprit de château, on retrouve naturellement un parquet Versailles et quelques fauteuils d’inspiration années 1930 ponctuant l’espace.

Dans les salles de bains, la robinetterie Dahlia, du fabricant français THG Paris en collaboration avec Lalique, est carrossée de cristal. Les produits d’accueil, nouveauté 2016 de Lalique Group, sont ornés du motif Hirondelles !

Dans les étages, les murs sont habillés du motif Dahlia qui est ainsi mis à l’honneur. Une excellente mise en situation pour découvrir les chambres et suites. Au nombre de quinze, elles sont réparties en quatre catégories. Les Chambres des Verriers : de 18 à 21 m2, les Terrasses du Château : de 19 à 23 m2, équipées d’un petit balcon donnant sur le calme du parc, les Joyaux : de 25 à 30 m2, et enfin les deux Suites de 38 et 41 m2. Les lithographies de bijoux signées de René Lalique, les mélanges de textures et de matériaux – cuir des têtes de lit, velours des fauteuils, bois des meubles, coton épais des

Dans les Chambres des Verriers, de 18 à 21 m2, on aime l’ambiance ultra cosy et les teintes apaisantes.

rideaux – apportent l’indispensable touche chaleureuse à l’ensemble.

Nos chambres préférées ? Dans la catégorie Terrasses, la no 10, habillée

Résultat une ambiance à la fois cosy et épurée, très contemporaine.

de beige, avec son balcon ouvrant sur la salle de bains, et, dans la

Trois teintes délicates : vert pâle, gris et beige, inspirées des thèmes

catégorie Joyaux, la no 20 : une chambre verte mansardée, aux poutres

Ombelle, Venise et Dahlia, différencient les chambres. Ces trois motifs

apparentes, et ornée du motif Ombelle. Partout l’espace est optimisé

emblématiques de l’œuvre de René Lalique signent les miroirs des

astucieusement, et chaque chambre a ses avantages : là une mini-ter-

salles de bains. Entièrement blanches, celles-ci offrent douches à

rasse ouvre sur le parc, dans une autre, la no 15, un bureau est isolé

l’italienne et / ou baignoires. On a adoré le cristal de la robinetterie

dans un petit espace, idéal pour travailler. Une mention spéciale revient

THG et les produits d’accueil dont les bouchons et les flacons sont

aux deux Suites, qui donnent sur le parc : lumière et calme assurés !

ornés du motif Hirondelles… Le raffinement poussé à l’extrême !

Le Château Hochberg, véritable offre complémentaire à la Villa René Lalique, constitue une raison de plus de se rendre en Alsace pour découvrir l’univers enchanteur du cristal.

Un lustre Orgue domine le restaurant ouvrant sur le parc à l’avant du château.

Plat typique de la cuisine alsacienne, la flammekueche est revisitée avec peps.

Enfin, ici l’accent est aussi mis sur la restauration, normal en Alsace on aime la bonne chère ! Raffinée et accessible, la carte, pensée par Jérôme Schilling, chef exécutif de la Villa René Lalique, met en avant des produits de saison et de la région pour rester dans la très actuelle mouvance locavore. Les recettes alsaciennes twistées y tiennent le haut du pavé : cabillaud à la crème de haddock, à la choucroute et au pinot noir, truite de fontaine servie avec une quenelle de fromage blanc d’Alsace, un plat phare, ou rognon de veau à l’ancienne accompagné de spätzle au fromage blanc et enfin forêt noire revisitée en éclair… Le produit alsacien est la touche qui donne du peps au plat ! Autre belle initiative : les accords entre mets et vins concoctés avec Romain Iltis, chef sommelier de la Villa René Lalique, couronné des titres de Meilleur Sommelier de France en 2012 et de Meilleur Ouvrier de France en 2015, qui supervise la cave du château : on peut suivre ses conseils sans sourciller ! Il propose une large sélection de 80 vins internationaux au verre. Pour vous faciliter la tâche, sur la carte, un choix de quatre vins au verre, du plus simple au plus prestigieux, est mis en avant avec chaque plat. Au restaurant, on retrouve aussi les signatures de la Maison Lalique au hasard des trois salles baignées de lumière affichant lustre Orgue, miroirs Dahlia et panneaux Eternal en cristal, fruit de la collaboration entre l’artiste anglais Damien Hirst et Lalique. Le Château Hochberg, véritable offre complémentaire à la Villa René Lalique, constitue une raison de plus de se rendre en Alsace pour découvrir l’univers enchanteur du cristal.

Dès mai 2017, un pavillon de 250 m2 – construit à côté du château par l’architecte suisse Mario Botta – pourra accueillir des évènements privés et professionnels.

ADELINE LUNATI DIRECTRICE DU

deline Lunati explique que dans son travail elle associe le caractère précieux et unique de l’univers Lalique à des fonctionnalités spécifiques. « La

finalité de nos réalisations d’architecture intérieure est de donner vie aux espaces qu’elles intègrent », poursuit-elle. Ainsi, au Château Hochberg elle a imaginé les possibilités qu’offre Lalique dans un espace contemporain. « L’idée a été de placer des repères haut de gamme et raffinés s’adaptant à un bâtiment historique suivant les exigences actuelles. » L’occasion donc de mettre l’expression du savoir-faire Lalique sous un jour nouveau et de faire du lieu un laboratoire pour ces nouvelles intégrations comme le plateau du bar ou les murs des couloirs avec les motifs Dahlia. Bref, un moyen pour « v ivre » Lalique d’une manière contemporaine et innovante…

Pris dans la masse de la dalle du bar imaginée par Lalique Interior Design Studio, jouant sur le contraste entre opacité et transparence, les motifs Dahlia apportent une touche très élégante.

Dans ce lieu chaleureux, on retrouve plusieurs pièces emblématiques de la Maison Lalique : le lustre Windfall, le vase Bacchantes, sans oublier les verres et carafes alignés dans les vitrines.

Croquis du bar avec les motifs Dahlia, panneau d’espace, cotation en mm.

Croquis des panneaux décoratifs en cristal Lauriers, panneau d’espace, cotation en mm.

« La finalité de nos réalisations d’architecture intérieure est de donner vie aux espaces qu’elles intègrent. » ADELINE LUNATI

Lalique Interior Design Studio intègre les panneaux d’une manière contemporaine dans le mur et le desk d’accueil. Dès le lobby, le visiteur est plongé dans l’univers Lalique.

Détail du magnifique panneau Lauriers qui a été créé par René Lalique en 1923 pour la voiture présidentielle du Président de la république Alexandre Millerand.

RETOUR AUX SOURCES : QUAND LALIQUE S’INSPIRE DU MONDE L’exposition « Retour aux sources : Quand Lalique s’inspire du monde », se déroulera au musée Lalique à Wingen-sur-Moder du 24 juin au 5 novembre 2017. Un regard croisé entre les créations signées René Lalique et les œuvres qui ont pu l’inspirer offrira une nouvelle manière de découvrir son imaginaire.

T E X T E V É RON IQU E BRU M M DI R E C T E U R DU M US É E L A L IQU E

Veilleuse Deux Paons Modèle créé en 1920. Verre soufflé-moulé, tiare moulée-pressée, bakélite. Musée Lalique, dépôt Shai Bandmann et Ronald Ooi. © Shuxiu Lin

bservateur attentif des êtres et des choses, René Lalique a trouvé dans la nature une inspiratrice féconde. Il l’a disséquée et examinée, épiant ses lignes, ses formes et ses structures

particulières, cherchant et trouvant l’étincelle d’une vie inspiratrice. Il a scruté les plantes et les fleurs, interrogé la vie aquatique, observé les reptiles et les oiseaux et a été fasciné par les insectes. Mais il n’a

pas seulement interrogé le sol et le ciel, les plantes et les arbres ; la créature humaine, le visage et le corps féminin ont également instillé en lui un souffle créateur. Son génie provient de sa capacité à adapter et à composer. Il ne copie pas la nature, il ne stylise pas les différents éléments, il crée en transformant. Des créations que font vivre la magie de la matière. Si René Lalique met toute sa sensibilité dans son interprétation, celle-ci se nourrit également des grands mouvements artistiques. En 1900, l’écrivain Pol Neveux soulignait en effet que « les chefs-d’œuvres des Égyptiens, des Italo-Grecs n’ont jamais été considérés d’un œil plus pénétrant que le sien et l’art des Byzantins, des Florentins et des Japonais ne fut plus jalousement étudié que par lui ». Comment ne pas voir en effet l’influence de l’art japonais dans ses représentations de paons ou de branches de prunus ? Ou encore de l’Égypte ancienne dans certains de ses scarabées ou fleurs de lotus ?

Peigne Paysage soleil levant V. 1900. Or, corne blonde, émail. Musée Lalique, dépôt Shai Bandmann et Ronald Ooi. © Shuxiu Lin

Broche Cléopâtre V. 1897 − 1899. Or, diamants, émail. Musée Lalique, dépôt Shai Bandmann et Ronald Ooi. © Studio Yves Langlois

Pendentif Paon et branche de prunus V. 1900 − 1902. Or, émail, perle. Musée Lalique, dépôt Shai Bandmann et Ronald Ooi. © Studio Yves Langlois

« René Lalique a eu le don de faire passer sur le monde un frisson de beauté. » Henri Clouzot

Flacon Ambre antique pour Coty Modèle créé en 1910. Verre soufflé-moulé patiné, bouchon moulé-pressé patiné. Collection musée Lalique, acquis avec le soutien du Fonds régional d’acquisition pour les musées (État/Conseil régional d’Alsace) et du Conseil général du Bas-Rhin. © Studio Yves Langlois

Dessin pour un pectoral égyptien Hanneton ailes ouvertes, V. 1898. © Lalique SA

Vase Lagamar Modèle créé en 1926 d’après un dessin de Suzanne Lalique-Haviland. Verre moulé-pressé émaillé. Collection Lalique SA. © Collection Lalique SA

Lorsqu’il s’oriente vers le verre, René Lalique dessine des lignes épurées, et l’ornement, souvent géométrisé, se décline dans des rythmes nouveaux, à des cadences syncopées, associées à ces Années folles lancées dans la vitesse. Mais il sait aussi, au besoin, les adoucir de sculptures de végétaux, d’animaux ou de femmes de conception très naturaliste. Ainsi, au fil du temps, René Lalique a non seulement eu le courage, mais aussi le talent d’adapter son inspiration aux nouvelles tendances sans pour autant se départir de sa personnalité. Rappelons également l’influence de sa fille, Suzanne, qui a longtemps collaboré avec lui et fait souffler un vent de modernité sur les créations de la Maison dans les années 1920. Elle aussi, comme d’ailleurs de nombreux artistes de cette période, a été inspirée par l’art d’autres contrées. Évoquons ainsi l’art précolombien ou l’art africain, qu’elle a découverts grâce aux collections de son mari et de son beaufrère, Paul et Franck Burty Haviland. N’oublions pas non plus la skyline de New-York au début du xxe siècle, que son époux a tant aimé photographier lorsqu’il vivait là-bas. Mais on aurait également pu citer l’art khmer que lui a fait découvrir son ami d’enfance, Paul Morand. Ainsi, pendant quelques mois, le musée Lalique vous propose un voyage, un tour du monde artistique et une plongée dans l’histoire de l’art.

LA CUISINE DES QUATRE SAISONS « Chaque saison est marquée en odeurs. Les légumes, les fruits, les herbes et les fleurs expriment la quintessence du sol. » JEAN-GEORGES KLEIN

TEXTE ANNEMARIE MAHLER P H OTO S R IC H A R D H AUGH T ON

Le chef étoilé Jean-Georges Klein (à droite) et son chef exécutif Jérôme Schilling (à gauche) dans les cuisines du restaurant de la Villa René Lalique. © Lionel Flusin

Printemps

Le filet mignon de veau est le plat signature de Jérôme Schilling. Farce roulée autour du filet et chapelure à l’encre de seiche, un peu d’ail et de thym. Triple cuisson. Tout est dans le détail : on enlève même la peau des petits-pois. Un conseil : pour servir, couper le filet avec un couteau électrique.

ean-Georges Klein, le chef étoilé de la Villa René Lalique, a demandé à son chef exécutif, Jérôme Schilling, de présenter leur cuisine de saison. Une cuisine haute en couleur, évolutive, épurée

et riche de contrastes. Jérôme Schilling, Alsacien de naissance, a fait ses armes auprès de grands noms de la gastronomie française, tels que les chefs

« Je suis très bien entouré par mon équipe. Notamment, Jérôme Schilling, mon chef exécutif. Alsacien d’origine, il a pas mal voyagé. C’est un grand technicien qui apporte sensibilité et techniques culinaires complémentaires à ma cuisine. »

triplement étoilés Joël Robuchon, Roger Vergé et Thierry Marx. En septembre 2015, il participe à l’ouverture du restaurant de la Villa René Lalique avec le chef Jean-Georges Klein, récompensé de deux étoiles au Guide Michelin quatre mois après son ouverture. Ici, les chefs utilisent beaucoup d’épices aromatiques comme le cumin, le gingembre, le curry et le curcuma ainsi qu’un mélange d’épices maison. Pour le foie gras, ce sont la coriandre, la cannelle, la cardamome et le poivre de Sichuan. Pour faire une bonne cuisine, il faut des produits de qualité qui, au restaurant de la Villa René Lalique, viennent pour la plupart des environs. Le restaurant se fournit même chez un petit producteur alsacien qui cultive du safran, et l’un de ses cuisiniers cueille des herbes dans les champs. Celles-ci sont aussi utilisées pour les huiles aromatisées, préparées avec de l’huile

JEAN-GEORGES KLEIN

de pépins de raisin au goût neutre et relativement stable à la chaleur et au froid. Le procédé est toujours celui d’une macération plus ou moins longue avec, le plus souvent, une phase de montée en température. Le temps de macération et la température varient selon les substances aromatiques.

Été Une dizaine de variétés de tomates est livrée directement par un petit producteur proche de Wingen-sur-Moder. Elles ont un goût vraiment différent. Les tomates ananas jaunes, plus douces, sont servies avec des tomates vertes, noires et des tomates cerises.

« Jean-Georges Klein, fidèle à sa région des Vosges, est un exemple éloquent de cuisinier ayant su tirer le meilleur de ses racines tout en se propulsant à l’avant-garde. » FERRAN ADRIA, CUISINIER ESPAGNOL CATALAN, UN DES MEILLEURS CHEFS DU MONDE

Automne C’est la grande saison des lisettes, c’est-à-dire des jeunes maquereaux. Un excellent poisson avec une chair encore plus fine et plus tendre que son grand frère, qui arrive de Loctudy, en Bretagne. On le travaille cru et au chalumeau pour lui enlever la petite peau. Ensuite, on verse dessus une escabèche – du vinaigre asiatique blanc et du miel – et on laisse mariner une nuit. La lisette est servie en deux préparations, l’une sucrée-acidulée, et l’autre salée avec des algues.

Jérôme Schilling souligne qu’il doit toujours y avoir de l’acidité

Quand arrivent l’automne et l’hiver, s’ouvre la récolte des

dans un plat. Il peut s’agir d’oranges, de citrons ou de kumquats, qui

truffes noires du Périgord. On trouve alors à la Villa René Lalique un

viennent réveiller les saveurs douces, ou de vinaigres tels le vinaigre de

menu de truffes, appelé « le menu black and white ». La présentation

xérès, les vinaigres asiatiques ou balsamiques ou encore un surprenant

d’un plat compte autant que sa saveur et, lorsqu’une assiette est ser-

vinaigre d’épicéa. « C’est comme une pulsion cardiaque avec toujours

vie au client, il lui est conseillé de la déguster selon un certain ordre,

un haut et un bas, une courbe qui monte et qui descend. Il ne faut pas

pour en respecter le goût.

qu’un plat soit linéaire, sinon, rien ne se passe, il n’y a pas d’émotion.

« Avant de travailler avec Jean-Georges Klein, j’ai rencontré dans

Il y a plusieurs façons d’ajouter de l’acidité, confit Jérôme Schilling.

ma carrière des chefs qui faisaient une cuisine plutôt classique. Lui, il ose

Moi, j’aime beaucoup mettre un peu d’eau-de-vie dans les sauces :

beaucoup plus. À ses côtés, j’ai développé une ouverture d’esprit com-

calvados, cognac, eau de vie de framboise, et même un peu d’absinthe

plètement différente, et son expérience m’amène toujours à de nouvelles

flambée dans une sauce avec du foie gras. C’est extra ! Bien sûr, il y a

découvertes. Nous nous sommes tout de suite très bien entendus. C’est

d’autres ingrédients pour aromatiser les plats : le chocolat amer, les

une grande chance pour moi qu’il m’ait accordé sa confiance. »

noisettes et amandes grillées, ou le goût fumé du lard et de l’anguille. »

« Sachez que ce qui peut paraître simple, léger ou encore purement technique est toujours, chez Jean-Georges Klein, le fruit d’une grande recherche et d’une souveraine patience. » GILLES PUDLOWSKI, JOURNALISTE, ÉCRIVAIN ET CRITIQUE GASTRONOMIQUE FRANÇAIS

Hiver La saison des truffes commence en octobre et dure tout l’hiver. L’émulsion de pommes de terre et truffes est l’un des plats signatures de Jean-Georges Klein, qui conseille : « La truffe melanosporum exprime la quintessence même du sol. Pour servir, ajoutez un filet d’huile de truffe et parsemez de cristaux de sel de Maldon. »

Lalique poursuit son voyage olfactif autour du monde avec trois nouveaux mini-coffrets. Le parcours de cette année est complété par deux étapes inspirantes pour le parfumeur : celles de la Bolivie et du Népal.

Chili CHILI bougie la paz - bolivie La mystérieuse Bolivie… Partie de l’Ancien Empire Inca, c’est la terre qui a donné naissance au piment, ce fruit piquant qui a inspiré de nombreux mythes et fables. Vénéré comme une divinité, Ayar-Uchu, ou «Frère Chili Pepper», est un des quatre frères qui sont apparus lors de la création du monde Inca. Le Parfumeur parcourt les étendues sauvages de la Bolivie en quête du piment, dont le goût relevé diffuse des notes de bois de cèdre tendrement fumé, soulignées par une douceur inattendue de paprika minéral.

OSMANTHUS bougie himal aya

népal

Arbuste aux petites fleurs blanches, l’osmanthus exhale un délicat parfum teinté de notes florales, fruitées et orientales. Il pousse en Asie et notamment sur les pentes de l’Himalaya, une région regorgeant de trésors naturels et peuplée d’innombrables légendes et mystères. Utilisé en parfumerie fine, l’osmanthus libère des facettes fruitées d’abricot et de pêche et évoque la douceur exotique. Ici, l’osmanthus est associé en coeur à des notes de thé et de patchouli. Le fond dévoile un accord boisé, alliant santal et labdanum, enveloppé de muscs.

Coffret mini bougies Désormais, les destinations olfactives sélectionnées sont également proposées au format mini à 75g dans un coffret de trois. Le coffret, noir et blanc, est décoré de la mappemonde et de ses hirondelles mettant ainsi le concept de la collection au premier plan. Chacun des trois coffrets présente respectivement trois fragrances ayant un lien géographique ou olfactif et proposant un éventail des divers parfums d‘intérieur de cette collection.

Anish Kapoor dans son atelier londonien. ÂŠ Jean Garcin

ANISH KAPOOR : CRISTAL HORS LIMITES C’est l’un des artistes les plus importants de notre époque. Partout où elles sont exposées, ses œuvres immenses marquent les esprits autant qu’elles défient la technique. Pour la Maison Lalique, travailler avec Anish Kapoor c’est revenir à l’essence de son patrimoine : créer, repousser les limites de la matière, son premier métier.

T E X T E M A L I K A BAU W E NS

e près, tout en lignes incurvées, on dirait qu’elle bouge. Façonnée par le feu, cette œuvre en cristal d’Anish Kapoor sculpte la lumière. Ses reflets projettent davantage que l’on

peut écrire : une sensation. À ce propos, son auteur, l’une des personnalités les plus marquantes de l’art de notre époque, reste discret. Affirmant, comme à son habitude, qu’il n’a « rien à dire ». C’est une fente oblongue, un long pavillon ou le réceptacle des songes que vous voudrez y déposer. On pourrait à l’infini tenter de remonter la piste

du geste merveilleux d’Anish Kapoor, fusionné par le savoir-faire de la Maison Lalique en une sculpture. Chaque pièce, 20 kilos de cristal incolore, noir, ambre, violet ou bleu nuit, est unique. Untitled a beau être accrochée sur une plaque, de marbre ou de Plexiglas, elle suspend l’espace. Imprévisible, comme la matière dont l’œuvre est faite : le cristal.

Anish Kapoor, qui expérimente l’acier, le miroir, autant que la résine synthétique ou la cire depuis trente ans, souhaitait depuis longtemps capter la magie de la matière cristal. « Pour créer, a-t-il souvent expliqué, il faut convoquer de nouvelles formes, de nouveaux espaces, de nouvelles temporalités. Cela me semble absolument indiscutable. Pourtant, la nouveauté ne vient pas forcément de l’innovation, elle peut venir du passé. » Justement, grâce au savoir-faire de la Maison Lalique, et avec

« Pour créer, il faut convoquer de nouvelles formes, de nouveaux espaces, de nouvelles temporalités. » ANISH KAPOOR

le soutien de la galerie Massimo Minini, en Italie, la promesse de l’artiste est devenue prouesse. Le défi a été relevé avec la technique ancestrale de la cire perdue. Untitled recourt en effet à ce procédé, inventé il y a cinq millénaires en Égypte ancienne. Redécouvert et pratiqué par René Lalique au tournant du

xxe siècle, le savoir-faire de la cire perdue se perpétue

dans la cristallerie Lalique de Wingen-sur-Moder. Derrière ces murs élevés en 1921, les artisans de la Maison, parmi lesquels sept Meilleurs Ouvriers de France, mettent leur talent au service de la création contemporaine : artistes, designers, architectes. Employée traditionnellement pour fondre des sculptures en bronze, la cire perdue consiste à mouler un plâtre réfractaire autour d’une pièce en cire. Placée dans une étuve, la cire fond sous l’effet de la chaleur et laisse un moule creux. C’est ici que le cristal viendra loger, avant de passer les portes d’un four où la température grimpera jusqu’au point de fusion, à 1 450 °C.

Untitled, 2016, marbre, cristal Lalique violet ou bleu nuit Pièces uniques Art Basel 2016 – Stand Galleria Massimo Minini © Andrea Rossetti, Courtesy Galleria Massimo Minini

Anish Kapoor s’était déjà mesuré à la monumentalité lisse, notamment avec Cloud Gate à Chicago, inaugurée en 2006. © Songquan Deng

Zoom de Untitled, 2016, Plexiglas, cristal Lalique incolore. Pièce unique.

Pour cristalliser l’imaginaire vertigineux d’Anish Kapoor, maître des vides et des pleins, et faiseur d’illusion, les artisans de la cristallerie Lalique ont travaillé près de deux ans. Point de départ : un modèle en résine, venu du studio londonien de l’artiste. À Wingensur-Moder, le temps a, comme toujours, fait œuvre : des dizaines d’essais, de développement d’outils et techniques spécifiques… Auxquels s’ajoutent 23 heures au total pour concevoir le moule de l’œuvre – un épais fourreau de 630 kilos de plâtre. Mais également pas moins de 24 jours de cuisson d’un cristal pur, 9 heures de dégagement de la pièce après refroidissement… Et jusqu’à 150 heures d’interventions dans les ateliers du « verre froid », où sont opérées les finitions. Là, sous la main patiente du métier, poli à la finesse extrême de quelques millimètres sur 1,20 mètre, le cristal s’est soudainement mis à faire bouger les lignes.

Untitled, 2016, Plexiglas, cristal Lalique incolore. Pièce unique.

L’ambitieuse et controversée tour Orbit de Londres, ou ArcelorMittal Orbit, réalisée en 2012 pour les jeux Olympiques par Anish Kapoor et l’ingénieur Cecil Balmond. De ses 115 mètres de hauteur, elle domine le Queen Elizabeth Olympic Park. © Ron Ellis

ANISH KAPOOR Né en 1954 à Bombay, en Inde, Anish Kapoor vit et travaille à Londres depuis les années 1970. Après des études à la Chelsea School of Art and Design, il fait son entrée sur la scène anglaise au début des années 1980, s’imposant avec des œuvres minimales, formes simples en quête de sublime, de temps et d’espace. Les pièces de cet artiste de la lumière et de la matière sont exposées et conservées dans les musées et galeries du monde entier.

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L’EXCELLENCE RUSSE Distillée au cœur de la nature sauvage de Sibérie, la nouvelle édition limitée exclusive Beluga Epicure by Lalique est considérée comme l’une des meilleures vodkas du monde. Inspirés par cette collaboration exceptionnelle, les maîtres verriers français de la Maison Lalique ont créé pour Epicure une carafe en cristal élégante et pure, grâce à laquelle ce sublime symbole de l’excellence russe devient un véritable objet d’art qui saura séduire les amateurs avertis du monde entier.

T E X T E JOH N BRU N T ON P H OTO S BE L UGA

eluga Noble Russian Vodka est unanimement reconnue comme étant la meilleure distillerie de vodka haut de gamme en Russie, et ses différentes marques sont un symbole de luxe et de

réussite instantanément reconnaissable. L’histoire débute au cœur de la Sibérie, dans l’une des régions les plus tranquilles et écologiques de la Russie, où la distillerie historique de Mariinsk est blottie depuis 1900. Mais l’un des secrets qui a permis à Beluga de créer cette vodka à la saveur unique, raffinée et veloutée, est d’associer les traditions et savoir-faire ancestraux de Mariinsk, transmis de génération en génération, à des équipements modernes, des technologies de pointe et des contrôles de qualité très stricts. Le premier élément qui fait une grande vodka, le plus essentiel et le plus pur, est l’eau. À la distillerie Beluga, l’eau de source est extraite d’un puits artésien à plus de 300 mètres sous la roche-mère riche en quartz du sous-sol sibérien. Autre ingrédient essentiel : un blé de première qualité, cultivé dans les plaines russes. Le grain employé pour Beluga Epicure est soigneu-

Le bouchon de la carafe est rehaussé de délicats motifs d’épis de blé.

sement sélectionné parmi les meilleures récoltes, qui ne durent que

Les paysages sauvages de la Sibérie offrent la beauté d’une nature préservée.

Le premier élément qui fait une grande vodka, le plus essentiel et le plus pur, est l’eau. Autre ingrédient essentiel : un blé de première qualité, cultivé dans les plaines russes.

Cette carafe Beluga Epicure, à l’élégance intemporelle, a été créée pour les vrais amateurs et les collectionneurs passionnés.

quelques jours par an ; le blé est séché naturellement dans les champs plutôt que par traitement thermique ou fermentation artificielle. Une fois récolté, le grain mûrit encore six mois, ce qui permet de développer un goût et un arôme finement équilibrés aux discrètes saveurs de pain. Avant de s’atteler au processus complexe de la triple distillation, l’équipe d’experts Beluga a concocté une recette unique qui permet d’obtenir une vodka douce et moelleuse aux belles notes de poire. Puis vient la phase cruciale du « repos » de la vodka en cuves d’aluminium. Elle dure en général de 60 à 90 jours, mais pour Epicure, elle est exceptionnellement prolongée jusqu’à 100 jours, pour ce que Beluga appelle la phase de « mariage et de moelleux », qui lui donne son goût unique et si noble. Le résultat mérite le vocable de vodka gastronomique : c’est un alcool très pur qui se passe de tout mélange et s’apprécie mieux sec ou avec des glaçons, idéalement avec du caviar.

Le processus créatif commence sur la planche à dessin par des croquis précis au crayon.

Les artisans Lalique fabriquent chaque carafe à la main : les pièces de cristal sont soufflées une à une dans un moule en fonte qui lui donne sa forme caractéristique. Même si plusieurs milliers de kilomètres séparent les vastes plaines de la Sibérie et les paysages vallonnés de l’Alsace, ce tout premier projet entre la légendaire cristallerie française et la plus prestigieuse vodka haut de gamme de Russie est apparue comme une évidence dès la première rencontre entre Katerina Mechetina, directrice de Beluga, et Marc Larminaux, directeur artistique et directeur de la création de Lalique. Ensemble, ils ont très vite commencé à travailler sur le concept et le design raffiné d’Epicure, fruit d’une série de longues discussions au cours desquelles il est apparu clairement que Lalique et Beluga partageaient des valeurs communes : patrimoine, histoire, attention au moindre détail, détermination à produire la meilleure qualité. Tout comme Lalique met de la passion dans chacune de ses créations, Beluga cherche constamment à atteindre une qualité inégalée dans l’art de créer sa noble vodka. C’est donc tout naturellement que les deux Maisons ont choisi de collaborer à la création d’une carafe irrésistible pour une vodka exclusive. Pour le design de la carafe Epicure, Marc Larminaux a puisé son inspiration dans l’histoire de

Pour créer la carafe, Marc Larminaux, directeur artistique et directeur de la création de Lalique,

Lalique et ses méthodes de fabrication méticuleuses, mais aussi

a puisé son inspiration dans l’histoire de la Maison.

dans les ingrédients essentiels à la fabrication de la vodka Beluga. La carafe Beluga Epicure revisite avec élégance le thème emblématique des « Trois F » de Lalique – la Femme, la Flore, la Faune – et ses lignes sublimes, conçues dans un style Art nouveau intemporel, représentent une silhouette féminine énigmatique, dessinée à la main et entourée d’épis de blé, symbole de moisson et de fertilité. Les artisans Lalique fabriquent chaque carafe à la main : les pièces de cristal sont soufflées une à une dans un moule en fonte qui lui donne sa forme caractéristique. Les polisseurs affinent ensuite le contraste entre le cristal transparent et satiné, soulignant sa monumentalité et sa vulnérabilité. En touche finale, un numéro de série unique est gravé sur le fond de chaque carafe. Les carafes quittent alors les ateliers historiques de Lalique en Alsace pour traverser l’Europe jusqu’à la distillerie Mariinsk en Sibérie, dans un coin reculé du monde situé à plus de 300 kilomètres de la ville la plus proche. Une fois remplies de la précieuse vodka, elles seront bientôt convoitées par les collectionneurs de pièces en cristal et de vodka d’exception, même si ce privilège sera limité à une édition de seulement 1 000 carafes. L’image de la vodka a radicalement changé au fil des ans, depuis sa première distillation qui date probablement du xve siècle. L’origine de son nom est liée à la fois au mot slave voda (eau), et au latin aqua vitae (eau de vie). Les techniques de distillation des spiritueux à l’alambic de cuivre étaient alors réservées aux ordres monastiques, essentiellement à des fins médicinales, et se sont ensuite lentement répandues à travers l’Europe. Ce n’est que bien plus tard que les mêmes principes de distillation seront repris par les Écossais pour produire leur whisky, par les Français pour le cognac et par les Russes pour leur emblématique vodka. Aujourd’hui, on assiste à une véritable renaissance de la vodka partout dans le monde. Non seulement elle est devenue le spiritueux le plus vendu en Amérique, au détriment des productions locales comme le bourbon et le rye, mais les mixologues eux-mêmes ont su dépasser les classiques Vodka

Le nu féminin Lalique, de style Art nouveau, est entouré d’épis de blé, symbole de moisson et de fertilité.

Tonic, Bloody Mary ou Moscow Mule. À la place, une nouvelle génération de producteurs de qualité ont transformé la vodka en symbole de luxe et d’élégance, incarné par James Bond et sa légendaire Vodka Martini (au shaker, pas à la cuillère) ou les millionnaires influents du monde de l’art se retrouvant lors de la fête d’inauguration du Pavillon russe de la Biennale de Venise autour d’une vodka Beluga bien glacée. Désormais, grâce à l’arrivée d’Epicure, les amateurs privilégiés vont pouvoir ajouter une vodka unique à leur collection de carafes renfermant les meilleurs spiritueux du monde.

Beluga Epicure est une vodka gastronomique unique, un alcool très pur qui se passe de tout mélange et s’apprécie mieux sec ou avec des glaçons.

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Terry Rodgers s’inspire de clichés de femmes nues qu’il a photographiées dans son atelier de Columbus. © Estelle Rodgers

SIRÈNES, UNE ODYSSÉE LALIQUE PAR TERRY RODGERS Entières, elles s’offrent, chevelure lâchée, autour du vase. Là un bijou brillant, ici une étoffe chatoyante étreint leur peau délicate, chevauche leur bassin agile. Ainsi paradent les Sirènes de Terry Rodgers. Après deux ans d’échanges intenses, sa création exceptionnelle émerge des fours de la Maison Lalique : la réinterprétation contemporaine du mythique vase Bacchantes, créé par René Lalique en 1927. Retour aux sources d’une métamorphose.

T E X T E M A L I K A BAU W E NS

Terry Rodgers dans son atelier de Columbus, dans l’Ohio aux États-Unis. Portrait de Brad Van Tilburgh.

LE MODÈLE

es neuf silhouettes, sculptées en bas-relief, le peintre réaliste américain les a voulues aussi insolentes et impassibles que leurs aïeules, les Bacchantes, création emblématique de René Lalique,

ronde de jeunes prêtresses de Bacchus élancées sur un vase : « Il y a quatre-vingt-dix ans, lorsque le maître verrier a moulé ses Bacchantes dans sa manufacture de Wingen-sur-Moder, il entendait proposer une ode à la féminité. Mes Sirènes, en déconstruisant le mythe, pétrissent une nouvelle image de la femme. J’ai voulu que chaque visage soit

—

différent, qu’aucune coiffure, aucune posture ne soit semblable. Car ce qui m’intéresse, c’est la femme en tant qu’individu. » De bacchante, dans

VASE BACCHANTES

l’imaginaire de Terry Rodgers, elle devient sirène. Dans la mytholo-

240 x 189 mm Cristal incolore. Création de René Lalique, 1927. En 2017, la Maison Lalique célèbre les 90 ans de ce vase iconique.

gie grecque, cette créature marine fantastique incarne le charme, l’illusion – les sirènes sont celles qui, avec leur chant, détournent les navigateurs de leur voie.

LA MATIÈRE

eintre reconnu, Terry Rodgers est également photographe. Il réalise aussi des vidéos, expérimente la 3D avec la light box, dessine… « J’ai toujours été intrigué par le cristal, avance-t-il. Cette

VASE SIRÈNES 240 x 205 mm Cristal incolore, édition numérotée et signée. —

matière fonctionne comme un miroir dont les reflets déformants révèlent des aspects cachés de la réalité, et c’est exactement ce que je cherche à peindre. » Dans ses toiles, il arrive d’ailleurs à l’artiste d’insérer des pièces emblématiques de la Maison Lalique : ici un lustre suspendu au plafond, là un bijou glissant sur une peau, un vase trônant sur une petite table – parfois pas n’importe lequel : le Bacchantes, par exemple. « Le cristal, c’est l’éclat, la transparence », remarque Terry Rodgers. Il se

saisit d’un vase Sirènes, tout juste sorti de la manufacture Lalique : « Regardez à l’intérieur, les expressions changeantes des visages par rapport à l’extérieur. Ce contraste est un sujet central pour moi. Sous couvert de transparence, mes œuvres explorent l’équilibre entre l’intérieur et l’extérieur. »

LE TRAVAIL PRÉPARATOIRE

omme lorsqu’il réalise un grand format à la palette, Terry Rodgers est parti de clichés de modèles, qu’il fait poser nues dans son atelier de Columbus, dans l’Ohio aux États-Unis. Les tirages

étalés sur sa table de travail, un puzzle commence : un collage, puis un montage autour d’un vase « pour évaluer les proportions, le mouvement, le positionnement », décrit-il. Seconde étape : « le modelage durant neuf mois d’un projet en pâte Plastiline, dans le but de réaliser un moule à la cire perdue ». En fin anatomiste du monde des apparences, Terry Rodgers sait donner de l’épaisseur à la chair.

Terry Rodgers, Eternal Love, 122 x 127 cm, huile sur lin, 2011. © Terry Rodgers

« J’ai toujours été intrigué par le cristal. Cette matière fonctionne comme un miroir dont les reflets déformants révèlent des aspects cachés de la réalité, et c’est exactement ce que je cherche à peindre. » TERRY RODGERS

LE MOULE ET LA CUISSON

u centre d’un important savoir-faire de la Maison, qui les fabrique tous depuis ses origines : la conception de moules. En cristal incolore, pour l’édition illimitée, le vase Sirènes a

été mis en forme par pressage dans un moule en fonte. Réalisées en huit exemplaires de couleur – noir, bleu nuit, vert ou violet –, les pièces

uniques, ont été conçues à la cire perdue, technique perfectionnée par René Lalique en son temps. Ce procédé nécessite la création d’un moule en plâtre réfractaire. « J’ai passé une semaine à la manufacture, soignant les détails du plâtre – les yeux, la finesse des jambes, le mouvement des doigts », commente Terry Rodgers. Dans le four, la cuisson, puis le refroidissement du cristal avant déplâtrage sont contrôlés à l’aide de sondes. Fidèles à l’univers de ses tableaux, au décor luxueux, les Sirènes de Terry Rodgers ont été rehaussées de touches de platine, un tamponnage que les artisans appliquent à froid avant recuisson. Réalisation du moule en plâtre du vase Sirènes selon la technique de la cire perdue qui fait de chaque pièce un modèle unique. © Estelle Rodgers

— VASE SIRÈNES, ÉDITION LIMITÉE 320 x 280 mm Cristal vert, violet et noir. Cire perdue. Édition d’art limitée et signée de huit exemplaires par pièce

— VASE SIRÈNES, ÉDITION LIMITÉE 320 x 280 mm Cristal bleu nuit. Cire perdue. Édition d’art limitée et signée de huit exemplaires

Terry Rodgers observe le travail d’Éric Harter, MOF 2015 dans l’atelier de gravure-sculpture où chaque pièce est travaillée pendant près de deux jours. © Estelle Rodgers

« J’ai passé une semaine à la manufacture, soignant les détails du plâtre – les yeux, la finesse des jambes, le mouvement des doigts. »

TERRY RODGERS

Né en 1947 dans le New Jersey (États-Unis), Terry Rodgers poursuit une carrière internationale avec des grands formats de peinture au réalisme choc, exposés dans les musées, galeries et foires européennes et américaines. Inspiré par le réalisme de Diego Vélasquez, et la déliquescence des bordels d’un Toulouse-Lautrec, Terry Rodgers exhibe la chair pour étirer notre vision du monde comme un lifting du visage tente de retenir le temps : « J’utilise le réalisme pour illustrer la fiction », résume-t-il. Il faut se rapprocher de ses toiles pour voir le masque des illusions érotiques tomber : dans un monde occidental qui cherche à faire croire au miracle de la jeunesse, au triomphe de la beauté et de l’argent, Terry Rodgers met la réalité à nu et la concentre en une scène intime où personne ne se regarde, ni ne se touche.

FIN DE L’ODYSSÉE : L’ATELIER VERRE FROID

chaque pièce, deux journées entières de soin. Pour rester fidèle à l’intention de l’artiste, la taille et la retouche corrigent les minces imperfections laissées par le travail à chaud, le

moindre pli, les coutures du moule sont lissées. Puis vient le polissage, qui, comme toujours chez Lalique, se fait à la main, et la touche finale :

les signatures de Terry Rodgers et Lalique méticuleusement gravées sur chaque pièce.

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La collection Ginkgo, inspirée par la beauté intemporelle du ginkgo biloba, arbre sacré d’Orient, comporte trois luminaires : une applique, un lustre et une suspension.

LUMIÈRES D’EXCEPTION Les Maisons Delisle et Lalique s’associent pour la conception de luminaires en bronze et cristal. Créées à quelques années d’intervalle, les deux Maisons ont déjà travaillé ensemble dans le passé et retrouvent leur complicité à cette occasion. I N T E RV I E W A N N E M A R I E M A H L E R P H OTO S DE L I S L E PA R I S

Que savez-vous de votre arrière-arrière-grand-père Henry Delisle ? Il est né en 1865 à Saint-Quentin, dans une famille d’origine normande. Il était peintre et dessinateur, formé à la prestigieuse école Boulle. Henry Delisle avait une grande culture et connaissait très bien les styles. En 1895, il a fondé l’entreprise avec son frère Gaston. C’était en plein Art nouveau, style qu’il n’aimait pas du tout. En revanche, il adorait le classique. Henry a beaucoup dessiné et a proposé des luminaires et des meubles à une clientèle élégante ainsi qu’au gotha. Notamment au grand-duc Paul de Russie, oncle du tsar Nicolas II, pour lequel il réalisa les luminaires de son palais parisien, puis ceux de son palais à Tsarskoe-Selo, non loin de Saint-Pétersbourg. Il fut aussi grand horloger d’Albert Ier de Belgique. Quand l’Art déco est arrivé, il s’est passionné pour ce style qui lui correspondait parfaitement. En 1920, Les Frères Delisle (LFD) signent ferronneries et bronzes d’art pour les grandes fortunes américaines – la nouvelle aristocratie du commerce et des affaires. Henry dessine et fabrique également des portails de parcs et des rampes d’escaliers. Il a assuré la direction artistique de Delisle jusqu’à sa mort, en 1942.

Jean Delisle, directeur général de la Maison Delisle, représente la cinquième génération.

Jean Delisle, vous êtes le directeur général de Delisle, cette Maison historique qui a fêté en 2015 ses 120 ans. Vous représentez la cinquième génération. Diplômé d’une école de commerce, j’ai travaillé pendant deux ans chez Lalique à New York. Lorsque j’ai rejoint notre Maison en 2009, j’ai découvert la modernité du bronze. Expert des styles classiques,

Henry Delisle, l’arrière-arrière-grand-père de Jean Delisle, photographié en 1925. Il a fondé la Maison en 1895.

nous nous sommes naturellement tournés vers le contemporain et avons réédité de nombreux modèles Art déco et Fifties. Delisle avait travaillé avec les plus grands décorateurs de ces périodes, notamment Gilbert Poillerat et Jean Royère, de grands amis de notre Maison. J’aime beaucoup le style Art déco, car il se caractérise par des lignes contemporaines tout en exigeant une parfaite maîtrise du savoir-faire.

Beaucoup de choses vous rapprochent de Lalique. Vous venez de réaliser ensemble une magnifique collection de luminaires, conjuguant les savoir-faire de vos deux Maisons. Comment est né ce projet ? Nous nous sommes inspirés d’un lustre des années 1930 que Delisle avait imaginé pour l’hôtel Intercontinental. Nous avons ensuite dessiné et sculpté l’ensemble des éléments de la collection Ginkgo. Elle est composée de lustres, suspensions et appliques présentant des formes épurées et volontairement géométriques, dans un esprit Art déco. L’éclat du cristal satiné répond à la précision des lignes du bronze ciselé. Pourquoi l’avoir appelée Ginkgo ? Nous l’avons nommée Ginkgo d’après l’arbre sacré d’Orient, qui est d’une grande beauté. C’est l’emblème de Tokyo, mais aussi le symbole de la longévité, de l’espoir et de la prospérité. Sa belle fleur résiste au temps et aurait des vertus médicinales. Le dessin de cette plante était très populaire dans l’Art déco. Nous l’avons retravaillé, épuré et modernisé.

Chaque œuvre, entièrement montée à la main dans les ateliers de la Maison Delisle, est une pièce unique et exceptionnelle.

— SUSPENSION GINKGO Mariant la pureté du cristal et l’harmonie des formes, la suspension Ginkgo, résolument Art déco, illustre la rigueur dans le dessin et la perfection des proportions. © Lalique SA

Paris, Ville Lumière, doit beaucoup à la Maison Delisle. Vous avez largement contribué à la magie nocturne de la capitale. En effet, nous avons créé et réalisé ou restauré un grand nombre de luminaires pour les monuments historiques parisiens : des lanternes de la place de la Concorde aux grands lustres réalisés pour Yves Saint Laurent, mais aussi pour le palais de l’Élysée, les Invalides, l’opéra de Versailles, le Grand Trianon, sans oublier les lanternes du Palais-Royal, dessinées à la fin du xixe siècle. Vous avez toujours été sollicité par une clientèle prestigieuse et exigeante. Dès les années 1900, Delisle Frères était le fournisseur de la haute aristocratie et d’illustres étrangers. Vous êtes présent à Bruxelles, Saint-Pétersbourg, Londres, Tokyo, Los Angeles, Djeddah et tant d’autres villes. Qui sont vos clients aujourd’hui ? Aujourd’hui, la majorité de nos clients sont des grands décorateurs d’intérieur travaillant pour une clientèle privée exigeante, les plus prestigieux hôtels et restaurants internationaux ainsi que les monuments historiques. Nous mettons notre savoir-faire et notre expérience au service des décorateurs pour les aider à créer des intérieurs selon les désirs de cette clientèle.

Détails du lustre montrant le dialogue lumineux qui s’installe entre la sculpture de la fleur de cristal satiné et la ciselure du bronze nickelé.

— LUSTRE GINKGO Le très contemporain lustre Ginkgo témoigne d’un travail artisanal de haute précision. Telle une parure, il habillera les espaces les plus créatifs de la décoration actuelle. © Lalique SA

« Nous avons dessiné et sculpté l’ensemble des éléments de la collection Ginkgo. Le dessin de cette plante était très populaire dans l’Art déco. » JEAN DELISLE Les lanternes du Palais-Royal à Paris, qui datent du xixe siècle, sont régulièrement entretenues ou remplacées par la Maison Delisle depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale.

Votre siège parisien est situé dans le remarquable hôtel de Canillac, une demeure du xviie siècle. C’était notre maison de famille, dans laquelle nous sommes installés depuis 1935 ! Le quartier, créé à partir du règne d’Henry IV, regroupait de nombreux artisans autour des demeures nobles. Dans notre salon d’exposition, nous présentons des lustres, appliques et antiquités collectionnés depuis plus de 120 ans. On peut également y voir les livres de commandes et les dessins d’archives miraculeusement conservés depuis juin 1901 et constituant un véritable trésor. Parlez-nous de ces précieuses archives Delisle, que vous faites sans cesse revivre. Nous possédons environ 10 000 dessins de luminaires et de mobilier. Tous des originaux. Quelque 6 000 dessins « de présentation », élégantes planches, peintes ou aquarellées, représentent des lustres, appliques ou lanternes. Nous avons aussi trouvé plus de 3 000 dessins techniques, sur calque, grandeur nature, révélant les secrets de fabrication des modèles les plus complexes. Mon père, Jean-Michel, a redécouvert également une exceptionnelle collection de milliers de chefs-modèles en bronze, qui sont maintenant conservés dans nos ateliers à Montreuil. 90 % des documents sont scannés et représentent de précieux documents de travail. C’est la mémoire vivante de notre

Publicité pour une revue, vers 1925, dessinée par Henry Delisle.

Maison, un véritable trésor.

« Depuis 120 ans, notre ADN reste inchangé : l’art du sur-mesure. » JEAN DELISLE

Travaillez-vous comme votre arrière-arrière-grand-père il y a plus de 120 ans ? Oui, pratiquement. Les nouvelles technologies nous permettent de compléter nos esquisses et dessins à la main par des plans 2D et 3D pour certains modèles. Un seul objet exige parfois l’intervention d’une quinzaine d’artisans Grand lustre en bronze doré et cristaux, dessiné en 1912 par Henry Delisle pour le palais du grand-duc Paul de Russie à Tsarskoe-Selo, près de Saint-Pétersbourg.

hautement qualifiés : dessinateurs, sculpteurs, fondeurs, monteurs en bronze ou encore ciseleurs, polisseurs, doreurs. Le secret de notre longévité c’est notre recherche de l’excellence et de la créativité, qui restent les valeurs fondamentales de Delisle. Depuis 120 ans, notre ADN reste inchangé : l’art du sur-mesure.

Vos ateliers sont installés aux portes de Paris, dans une ancienne usine de Montreuil. Dans la forge du maître ferronnier le feu crépite et, non loin de l’entrée, de gigantesques lustres semblent former une haie d’honneur. Ils attendent de partir à Londres, pour un projet privé. Dans une salle au-dessus de l’atelier, on peut admirer des tirages de bronze de chaque modèle réalisé par Delisle depuis 1895, des milliers d’éléments originaux, défiant les siècles, collectionnés par cinq générations Delisle.

— COLLIER SAUTOIR OISEAU DE FEU Or jaune, diamant, saphir, opale de feu, cornaline, jade blanc et noir, passementerie fil de soie et d’or. Collection Lalique & Opéra national de Paris, 2016. © Lalique SA

COMME UN BALLET DE BIJOUX L’un a bouleversé les codes du ballet. L’autre a façonné le bijou moderne. Serge Diaghilev et René Lalique ont révolutionné l’art grâce à leur regard audacieux. La joaillerie Lalique s’inspire aujourd’hui de leurs œuvres, dont le génie et l’avant-garde furent révélés par l’ambition commune et le désir ardent de marquer une nouvelle ère. Ainsi est née la collection Vertiges.

T E X T E JO S É PH I N E S I MON - M IC H E L

est donc tout naturellement que la Maison Lalique puise son inspiration dans les ballets russes de Diaghilev pour sa nouvelle collection de joaillerie, Vertiges. Une collection originale,

graphique et audacieuse, qui se démarque de la tradition de la Place Vendôme. Cette collection n’est pas née par hasard. Tout découle d’une création de René Lalique, un surtout de table lumineux intitulé Oiseau de Feu, réalisé en 1922 en hommage au ballet éponyme d’Igor Stravinsky. Une fois allumé, l’oiseau sculpté dans le verre s’enflamme pour rayonner de rouge-orangé grâce à un filtre de couleur dissimulé dans son socle en bronze. Paré d’un costume de plumes d’une finesse et d’une ampleur spectaculaire, cet Oiseau de Feu fut inspiré à René Lalique par le costume du ballet originel. Un siècle plus tard, la Maison Lalique le fait renaître dans une envolée joaillière composée de trois parures : L’Oiseau Tonnerre, L’Oiseau Moqueur et L’Oiseau de Feu. Ces trois designs inspirés par

le style Art déco ont pour point commun le mix-matières, véritable signature joaillière de la Maison. Une partition d’un genre unique mêlant le précieux et le non précieux dans ses créations vertigineuses. La passementerie de soie, tissée et tressée à la main, donne le ton, en écho aux costumes des ballets. L’audace et l’arrangement des pierres évoquent les couleurs inspirées tant par les costumes que par les décors de ces ballets modernes. La taille poire, note majeure de cette collection, réinterprète la plume de l’oiseau de verre qui avait cristallisé la rencontre entre l’inventeur du bijou moderne et le créateur des Ballets russes il y a près d’un siècle.

Surtout de table Oiseau de Feu avec socle en bronze lumineux, verre moulé-pressé. René Lalique, 1922. © Y. Langlois - Musée Lalique. Coll. S. Bandmann et R. Ooi.

— COLLIER OISEAU MOQUEUR Or blanc, argent, marbre, diamant, quartz, passementerie de fil de soie. Lalique Joaillerie, 2016. © Lalique SA

— BRACELET OISEAU TONNERRE Or blanc et argent, diamant, lapis-lazuli, aigue-marine, doublet d’azurite et de cristal de roche, laque. Lalique joaillerie, 2016. © Lalique SA

Inspiré des fabuleux décors verdoyants du Sacre du printemps (Ballets russes, 1913), imaginés par Nicolas Roerich, L’Oiseau Tonnerre réveille la puissance et la force inconditionnelle de la nature. L’azurite-malachite magnifiée par le cristal de roche nous plonge dans la magie des paysages infinis. La profondeur et le mariage de ses teintes vert bleuté confèrent à ces bijoux un effet de Terre vue du ciel. Saphirs, aigues-marines et lapis-lazuli font écho aux couleurs de l’eau que le collier évoque dans ses entrelacs de passementerie de soie bleue et dans une cascade de perles. Ici et là, l’or blanc et le diamant soulignent cette architecture vertigineuse d’un style nouveau. Autre révolution, L’Oiseau Moqueur puise son inspiration dans les costumes d’Henri Matisse pour Le Chant du rossignol (Ballets

—

russes, 1920). Parce que Lalique aime surprendre, une géométrie

COLLIER OISEAU TONNERRE

empreinte d’Art déco mêle ici le marbre blanc et la laque noire au quartz fumé et aux diamants. Ce graphisme sculpté se joue des oppo-

Or blanc, doublet d’azurite-malachite et de cristal de roche, diamant, saphir, aigue-marine, lapis-lazuli, calcédoine, spinelle, perle de culture d’eau douce, passementerie de fil de soie. Lalique Joaillerie, 2016. © Lalique SA

sitions de noirs et de blancs pour évoquer sans détour les costumes de Matisse. Sur le collier, la passementerie de fil de soie répète cette partition à deux couleurs ajoutant une autre originalité : trois éléments de passementerie détachables pour se décliner en trois portés (collier long, collier court et bracelet).

Le dernier acte de la collection Vertiges célèbre la collaboration

Pierre favorite de René Lalique alors qu’il était artiste joaillier,

de la Maison Lalique avec l’Opéra national de Paris. En 2015, cette

c’est naturellement l’opale que Lalique Joaillerie sertit en pierre

rencontre entre les deux Maisons séculaires rendait hommage

majestueuse sur la parure. Aux côtés de cette opale de feu, rayonnante

à la muse et amie de René Lalique, Sarah Bernhardt. En 2016, elle

de ses couleurs jaune-orangé, ce sont l’or jaune, le saphir, la laque

s’illustre dans une collection de joaillerie, qui fait référence au ballet

et la cornaline qui enflamment de leurs teintes éclatantes les sept

L’Oiseau de feu, et de bijoux fantaisie.

bijoux de cette collection. Sur le sautoir et le bracelet, la passementerie

Fidèle à l’œuvre originelle de René Lalique, c’est le costume

de fil de soie et de fil d’or se tresse en entrelacs envoûtants. Dans une

du rôle-titre du ballet L’Oiseau de feu, imaginé par Léon Bakst, qui

expression inédite, les motifs de jade noir se découpent et rallient les

teinte de ses couleurs flamboyantes et de ses lignes enivrantes cette

rangs de perles ponctués de jade blanc gravé de spirales. Une danse

nouvelle joaillerie. En écho à l’audace et à la modernité des deux créa-

joaillière pleine d’ivresse évoquant l’extraordinaire révolution des

teurs (Lalique et Diaghilev), le collier joue des asymétries, opposant

Ballets russes.

les couleurs et les motifs.

Dessin de Léon Bakst, 1910. Costume pour le ballet russe L’Oiseau de feu d’Igor Stravinsky. © Bibliothèque nationale de France.

Ces trois designs inspirés par le style Art déco ont pour point commun le mix-matières, véritable signature joaillière de la Maison.

— BROCHE LE BAISER Argent et verre, René Lalique, v. 1904 − 1906. Musée des Arts décoratifs, Paris, Galerie des bijoux. © Photo Les Arts décoratifs, Paris / Laurent Sully Jaulmes.

Lalique et l’Opéra national de Paris signent également une collection de bijoux fantaisie, baptisée Le Baiser. Ses créations s’inspirent d’une broche éponyme créée par René Lalique (1904) et puisent dans le répertoire romantique de l’Opéra pour rendre hommage au ballet de Rudolf Noureev, Roméo et Juliette. « Je rêve aux baisers qui demeurent toujours », aspirait René Lalique. Ce baiser, l’artiste l’a immortalisé en 1904 dans une broche de verre sertie sur argent. De ce bijou sculpté, représentant un couple dont les lèvres s’effleurent en un baiser, nous ne connaissons qu’un exemplaire unique exposé au musée des Arts décoratifs de Paris ; souvenir précieux d’une histoire d’amour secrète que René Lalique a entretenu à Londres avec une jeune française. Aujourd’hui, le vœu du maître est exaucé. La collection de bijoux —

fantaisie Lalique et Opéra national de Paris présentée en 2016 réin-

BRACELET LE BAISER

Art nouveau de la Maison Lalique pour rappeler l’histoire mythique

vente « le baiser » originel. Une inspiration qui puise dans l’héritage des amants de Vérone.

Vermeil et cristal incolore satiné-repoli. Collection Lalique & Opéra national de Paris, 2016. © Lalique SA

Symbole romantique évoquant l’amour, Le Baiser est reproduit dans un motif en cristal incolore sur une collection de sept bijoux en argent et vermeil. Chaque bijou (collier, bague, pendentif et bracelet) porte ce baiser dans un médaillon sculpté de godrons rayonnants.

EN MAINS DE MAÎTRES Cent ans que les fours de la Maison Lalique brûlent grâce au feu de ses artisans. Aujourd’hui, ils sont près de 180 hommes et femmes, à continuer d’attiser leur passion au service de l’excellence. Éloge à leur outil le plus précieux : la main.

T E X T E M A L I K A BAU W E NS P H OTO S F R A N T I S E K Z VA R D ON

e temps a beau passer, filer, s’écouler ou s’égrener, pour elle,

souffleurs et autres « faiseurs de jambes » font leur entrée. Tailleurs,

il ne compte pas. La main de l’artisan le retient tout entier. Ce

graveurs, bitumeuses, lustreurs … À chaque geste correspond un

n’est d’abord que de la poussière : un peu de sable, de potasse

métier – et chez Lalique, il en existe une dizaine. Ces mains ano-

et de plomb, appelés à se changer en or. Alchimiste, la main œuvre

nymes réclament bien sûr de l’expérience – dix ans pour parfaitement

à la vitesse du cristal – seul métronome à cette chanson de gestes.

souffler une grande pièce… Rappelez-vous, le temps n’est pas important.

Trop chaude, la matière se liquéfie ; trop froide, elle casse. Lorsque le

La main prend, elle crée, elle pense. Du temps qui passe, elle n’est

cristal est mûr pour la métamorphose, la main d’un cueilleur vient la

jamais lasse.

tirer du foyer. Dans un grand bal rougeoyant, les presseurs, mouleurs,

LE TRAVAIL À CHAUD – Le cristal en fusion est cueilli à l’aide d’une canne, puis nettoyé pour éliminer petites bulles et impuretés parasites. La plus répandue des techniques à chaud est celle qui consiste à souffler le cristal et à le former à l’aide d’instruments comme des pinces en métal permettant de resserrer, d’ouvrir ou d’étirer la matière.

LA CIRE PERDUE – Au service des artistes, designers et architectes avec lesquels la Maison réalise des pièces exceptionnelles, les artisans Lalique ressuscitent des techniques millénaires telle la cire perdue. Cette méthode réclame une haute expertise pour façonner un moule en plâtre, berceau d’une œuvre unique – ici, La Terre Bleue, édition cristal Lalique en hommage à Yves Klein.

LA TAILLE – La taille réclame patience et méticulosité. Le cristal passe par des meules de taille aux grains plus ou moins fins pour aviver les arêtes, créer un décor, une nouvelle forme.

LA TAILLE – Dessin et volume s’affinent avec des pièces à main et pointe en diamant, un geste arrosé d’un filet d’eau qui entraîne la poussière de verre, refroidit les meules et l’objet taillé.

JEUX DE LUMIÈRE ET DE DÉCORS – Le matage, obtenu par bain d’acide ou sablage, apporte à l’œuvre un aspect mat si caractéristique qu’il rend les créations Lalique reconnaissables entre toutes. Les pièces peuvent également être rehaussées d’émail, d’or ou de platine. Ultime étape de finition, le polissage donnera à la matière son poli et sa brillance, à l’aide d’une meule lustrante.

LA QUALITÉ – Au cours de sa fabrication, une pièce est contrôlée à chaque étape afin de détecter toute imperfection. Au moindre défaut, la pièce est retouchée ou écartée. Une recherche de perfection dont Lalique est fier.

La main prend, elle crée, elle pense. LES MOULES EN FONTE – Lalique réalise ses propres moules en fonte, chacun étant travaillé dans les moindre détails pour qu’au verre chaud la pièce soit la plus parfaite possible.

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L’ULTIME PIÈCE DE LA COLLECTION SIX PILLARS T E X T E C H A N DR A K U R T P H OTO S T H E M ACA L L A N

La fructueuse collaboration entre la distillerie de whisky écossaise The Macallan et Lalique atteint de nouveaux sommets : le lancement de la sixième et dernière pièce de la collection Six Pillars. Exclusive et rare, cette carafe en cristal contient un single malt de 65 ans d’âge.

outes les distilleries de whisky portent l’empreinte de leur histoire et des traditions héritées de leurs pères fondateurs. L’origine de la distillerie The Macallan remonte à 1824,

lorsqu’ Alexander Reid, instituteur et fermier, conclut un bail avec

le comte de Seafield pour louer huit hectares de terres. Presque deux siècles se sont écoulés, et la Maison The Macallan est aujourd’hui réputée dans le monde entier pour son whisky single malt et compte parmi les plus grandes distilleries écossaises. Les Six Pillars sont les éléments fondateurs de la distillerie. Ils symbolisent le lien étroit entre un terroir et une propriété ancestrale et une longue expérience, une exigence de qualité et la recherche d’un caractère unique. Chaque whisky créé par The Macallan est fondé sur les six piliers : Spiritual Home, Curiously Small Stills, Finest Cut, Exceptional Oak Casks, Natural Colour et The Macallan itself – the Peerless Spirit. Spiritual Home évoque les origines, Easter Elchies House construite en 1700, qui reste aujourd’hui le cœur de la distillerie The Macallan, l’ancrage spirituel de l’entreprise dont le siège social est situé à Speyside. Cette demeure se trouve sur une colline qui surplombe la rivière Spey. La seconde particularité de The Macallan, ce sont ces petits alambics en cuivre relativement bas qui charpentent

Marc Larminaux, directeur artistique et directeur de la création chez Lalique, s’est inspiré des références iconiques de The Macallan, le triangle et la goutte.

le whisky et lui donnent sa complexité. En effet, plus l’alambic est haut, plus le whisky est sobre et léger. The Macallan possède quatorze small stills, chacune d’une contenance de 3 900 litres. Pas plus de 16 % du distillat sortant de ces alambics vieillit en fûts de chêne. C’est étonnamment peu et seulement la quintessence de la production qui mérite d’être appelée The Finest Cut. Ce « new make spirit » est la base de tous les whiskies The Macallan. Bien sûr, le bois joue un rôle essentiel dans le vieillissement. À l’instar d’un grand cru de Bordeaux, dont le vieillissement permet aux arômes de se développer, chaque année de maturation en fût enrichit la complexité aromatique d’un single malt.

Depuis ses débuts modestes en 1824, la qualité et le caractère unique de sa production ont permis à la distillerie de se forger une renommée mondiale.

Les talentueux artisans de chez Lalique possèdent une virtuosité technique incomparable. Chaque élément exige un travail minutieux.

Easter Elchies House, construite en 1700, reste encore aujourd’hui le cœur de la distillerie The Macallan.

Seulement 450 exemplaires de cette carafe en cristal sont disponibles dans le monde. Chacune porte la signature Lalique gravée à la main.

The Macallan utilise principalement des fûts espagnols et américains qui ont servi à la maturation du sherry ou du bourbon. Au cours du vieillissement, les éléments se conjuguent et le whisky se pare d’une teinte et de saveurs provenant du bois des fûts. Par exemple, le fût de sherry espagnol donne au distillat des arômes de chocolat, d’orange, de fruits secs et d’épices, alors que le fût de bourbon américain libère des notes plus suaves d’agrumes et de noix de coco. La couleur d’un whisky est absolument naturelle. Elle varie en fonction du fût et du temps de maturation, allant de la couleur du chêne clair au marron acajou. Dernière distinction et non des moindres : The Macallan itself – the Peerless Spirit. Depuis ses débuts modestes en 1824, la qualité et le caractère unique de sa production ont permis à la distillerie d’acquérir une renommée mondiale.

En 2005, The Macallan et Lalique ont créé la collection

Pour Ken Grier, directeur de la création The Macallan, cette étonnante collection de carafes est le résultat d’un même état d’esprit des deux Maisons pour le détail et l’artisanat de qualité.

Six Pillars, en hommage à la qualité des six piliers qui caractérisent The Macallan. Une carafe en cristal, en série très limitée, a été conçue pour chacun de ces piliers. Le sixième et dernier chef-d’œuvre, dont il existe aujourd’hui 450 exemplaires dans le monde, a été dévoilé en 2016. Peerless Spirit contient un whisky The Macallan de 65 ans d’âge qui compte parmi les plus vieux du monde. Ken Grier, directeur de la création chez The Macallan, explique : « Cette étonnante collection de carafes est le résultat d’une collaboration entre la manufacture et la distillerie qui partagent la même passion pour le détail et l’artisanat de qualité. Ce sixième et dernier pilier de la collection est le symbole de l’irréductible aspiration des maîtres verriers de Lalique et de The Macallan à créer ensemble une œuvre unique. La collection est désormais complète. » Le design de la carafe s’inspire de la technique souvent utilisée par René Lalique pour les célèbres flacons de parfum soufflés à la bouche et décorés avec un motif en forme d’éventail. Chacune des carafes a été conçue en reprenant une technique ou un motif hérité de René Lalique. Cette collection de carafes passionne des collectionneurs dans le monde entier. Selon un article du Whisky Magazine, les dix bouteilles les plus chères vendues aux enchères provenaient de la distillerie The Macallan. Huit d’entre elles étaient des créations de Lalique.

Le prix de la carafe Peerless Spirit contenant du whisky single malt The Macallan de 65 ans d’âge est de 35 000 dollars US. 450 exemplaires seulement sont disponibles dans le monde entier.

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THE VENET IAN LAS VEGAS

v e n e t i a n . c om

Les vases Visio et Manifesto ainsi que la coupe Fontana étaient exposés au salon Art Élysées – Art & Design, en octobre 2016 à Paris.

ZAHA HADID, L’EMPREINTE DE CRISTAL Deux ans après sa première collaboration avec Zaha Hadid pour la collection Crystal Architecture, la Maison Lalique est fière de présenter les deux vases Visio et Manifesto déclinés en cristal bleu nuit, mais aussi l’ultime pièce, la coupe Fontana, l’une des dernières créations finalisées par l’architecte en 2016, juste avant sa disparition.

T E X T E JO S É PH I N E S I MON - M IC H E L

a rencontre entre Lalique et Zaha Hadid était écrite. Enfant, Zaha collectionnait des pièces de verre et de cristal. De toutes formes, de toutes tailles et de toutes couleurs. En 2014, elle

créait pour la collection Crystal Architecture deux vases en cristal noir et incolore, aux prouesses artistiques dont seule la Maison Lalique a le secret : le vase Visio, qui s’élève vers des cieux presque infinis, et le

vase Manifesto, sublime avec ses courbes plus généreuses. Deux vases qui se distinguent par le contraste des finitions satinées et repolies. À l’occasion de la sortie de cette collection, Zaha Hadid confiait à Lalique son enthousiasme à l’idée de collaborer avec la Maison : « Lalique est synonyme d’élégance, de lignes fluides et intemporelles qui ne compromettent ni l’intégrité du matériau, ni la « patte » artisanale. Chaque pièce célèbre les propriétés uniques du cristal. » En signant cette collection inédite, Zaha Hadid a su mettre le cristal à son apogée. Couleur chère à l’architecte d’origine irakienne, le bleu nuit magnifie Croquis de la coupe Fontana, Zaha Hadid Architects © Zaha Hadid Architects

les vases Visio et Manifesto qui viennent compléter la collection Crystal Architecture by Zaha Hadid. Tels deux immeubles émergeants de la terre, ces vases sont le fruit d’une imagination hors du commun. Considérée comme l’une des plus grandes architectes et première femme à remporter le prix Pritzker, le Nobel de l’architecture, Zaha Hadid était la principale figure du déconstructivisme. Les courbes étaient sa passion et sa marque de fabrique. Elle a su tirer la quintessence de son talent dans sa dernière création pour Lalique, la coupe Fontana, déclinée en cristal incolore, noir et bleu nuit. Les esthètes apprécieront les réfractions du cristal avec les lumières et la singularité des courbes.

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COUPE FONTANA

VASE MANIFESTO

Collection Crystal Architecture 185 x 410 mm Cristal bleu nuit

Collection Crystal Architecture 460 mm Cristal bleu nuit

« La coupe Fontana correspond à notre philosophie artistique au niveau de l’approche contemporaine de l’Art nouveau. » MARC LARMINAUX, DIRECTEUR ARTISTIQUE ET DIRCTEUR DE LA CRÉATION

— VASE VISIO Collection Crystal Architecture 590 mm Cristal bleu nuit

La coupe Fontana est un grand pas en avant stylistique inspiré de la nature et du travail de la courbe. Telle une goutte d’eau qui tombe du ciel, qui flirte avec la terre et qui ondule lentement. Une superbe pièce aux lignes fluides et minérales, en mouvement permanent et sublimées par le contraste des finitions satinées et repolies du cristal. Pour Marc Larminaux, directeur artistique et directeur de la création de Lalique, « la coupe Fontana correspond à notre philosophie artistique au niveau de l’approche contemporaine de l’Art nouveau. Si René Lalique était toujours parmi nous, il aurait pu imaginer cette pièce. En s’inspirant autant de la beauté de la nature, Zaha Hadid a su créer le nouvel Art nouveau ». Crystal Architecture by Zaha Hadid, une collection pour les inconditionnels de l’exceptionnel.

« Lalique est synonyme d’élégance, de lignes fluides et intemporelles… Chaque pièce célèbre les propriétés uniques du cristal. »

ZAHA HADID

PATRÓN, LA TEQUILA LA PLUS RAFFINÉE DU MEXIQUE, ET LALIQUE, LE LÉGENDAIRE CRÉATEUR DE CRISTAL FRANÇAIS S’UNISSENT POUR CRÉER ET VOUS OFFRIR CETTE ŒUVRE D’ART UNIQUE AU MONDE, PATRÓN EN LALIQUE : SERIE 1. ALORS QUE SEULEMENT QUELQUES PIÈCES SONT ENCORE DISPONIBLES AU NIVEAU MONDIAL, CE PARTENARIAT SE POURSUIT AVEC UNE DEUXIÈME CARAFE EN ÉDITION LIMITÉE POUR LES COLLECTIONNEURS, PATRÓN EN LALIQUE : SERIE 2. PATRÓN EN LALIQUE : SERIE 2 SERA DISPONIBLE FIN 2017.

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ENTRE ART NOUVEAU ET MODERNISME Une création de René Lalique, d’une grande importance dans l’histoire de l’art, a été acquise pour la collection patrimoniale de Lalique et se trouve exposée au musée Lalique à Wingen-sur-Moder.

T E X T E C H R I S T I E M AY E R L E F KOW I T H P H OTO S S T U DIO Y V E S L A NGL OI S

Gobelet créé par René Lalique vers 1897-1898, constitué d’une couche de verre opalisé soufflée dans une monture en argent, décorée d’une rangée de dix scarabées rhinocéros à émail translucide bleu intense et émail opaque noir. Hauteur : 15,8 cm, diamètre : 9 cm.

es joyaux présentés sur le stand de René Lalique à l’Exposition universelle de Paris en 1900 éblouissent les foules. Les visiteurs s’entassent et, ne quittant plus ce lieu, il est presque impossible

de s’en approcher. Cependant, ce n’est pas la première fois, car depuis 1895, l’artiste ne cesse d’exposer. Il est célèbre et chevalier de la Légion d’honneur, mais en 1900, il devient officier de la Légion d’honneur, se voit décerner le grand prix de la section bijouterie-joaillerie et devient mondialement connu. Ces joyaux, destinés principalement à une élite parisienne, intellectuelle et artistique, sont plutôt des objets de vitrine, de véritables objets d’art, conçus dans le haut style Art nouveau – ce style dont René Lalique a été l’un des précurseurs. Ils évoquent des images poétiques dont les formes sinueuses, la juxtaposition inattendue de matériaux précieux aux matériaux sans valeur et les couleurs chatoyantes fascinent et font rêver. Parmi ces magnifiques créations, René Lalique expose un objet d’art insolite. C’est un gobelet exceptionnel de presque 16 cm de hauteur, composé d’une monture en argent découpée formant trois rangées d’ouvertures dans lesquelles un verre opalisé a été soufflé de l’intérieur vers l’extérieur, un réel tour de force du maître verrier. Une rangée

La tour Eiffel, que l’on nommait encore « la tour de 300 mètres », était inaugurée onze ans plus tôt. Le 19 juillet 1900, la première ligne du métro de Paris est ouverte. Sur 5 kilomètres, le long de la Seine, on pouvait admirer des pavillons grandioses construits uniquement pour l’Exposition. © Neurdein Frères / Neurdein / Roger-Viollet

de dix scarabées rhinocéros, identiques et émaillés, est intégrée dans la monture en argent. Le motif décoratif, étroit et longiligne, figure un scarabée rhinocéros qui grimpe vers le haut d’un brin d’herbe. Ce motif principal est reproduit tout autour du gobelet. Un motif décoratif secondaire, moulé sur la base du gobelet, est répété pour former une frise à boucles, dont une sur deux représente un scarabée stylisé. L’ensemble n’a ni commencement ni fin.

La foule devant le stand Lalique à l’Exposition universelle de 1900 à Paris. Bois gravé de Félix Vallotton (1865-1925). © Petit Palais / Roger-Viollet

D’avril à novembre 1900, la capitale accueillit plus de 50 millions de visiteurs. Le pont Alexandre-III, construit en l’honneur du tsar, est un ouvrage d’art de la Belle Époque. Il fut inauguré le jour même de l’ouverture de l’Exposition universelle. © Léon et Lévy / Roger-Viollet

Quelques autres artistes, notamment Hector Guimard, les protégés de Siegfried Bing et les membres de l’École de Nancy, exposent également des chefs-d’œuvre de l’Art nouveau. Quant au reste de l’Exposition, on peut y voir de nombreux styles, disparates, et aussi des imitations. Le vrai, le haut style Art nouveau exige des créateurs de génie, des ouvriers-artistes et des matériaux précieux. Ce n’est pas un style pour les classes moyennes. Déjà avant l’Exposition,

Les joyaux présentés sur le stand de René Lalique à l’Exposition universelle de Paris en 1900 éblouissent les visiteurs.

le marché avait été envahi de copies à bas prix et le public commençait à se tourner vers des créations plus pratiques, plus simples. Il faut dire que les nouveaux produits industriels – usines, machines, trains, voitures – étonnent par l’aspect rigide de leurs lignes géométriques et l’absence de décorations superflues. À partir de 1892, dans quelques pays voisins de la France, dont l’Allemagne (avec les Sécessions de Munich et de Berlin), l’Angleterre (avec l’École de Glasgow) et l’Autriche (avec la Sécession viennoise), un nouveau mouvement artistique se dessine. Il rompt avec la tradition et affirme un besoin de simplification correspondant à la nouvelle vie de tous les jours. Il va s’installer et engendrer le Jugendstil, ce mouvement artistique qui plaît aux jeunes.

René Lalique ressent également la nécessité de renouvellement, car à la même époque, vers 1897–1898, il crée ce gobelet aux motifs décoratifs typiquement Art nouveau (la plante et l’insecte), mais interprétés dans le style moderniste de Glasgow, un style rehaussé par les décors de Margaret Macdonald qui comprennent des lignes verticales à peine courbes (représentées ici par les brins d’herbe), surmontées de formes ovales ou rondes (représentées ici par les scarabées). Le style Art nouveau se distingue par les motifs décoratifs variés et l’asymétrie dans une seule œuvre. Ici, c’est le contraire. Néanmoins, la fluidité du dessin évoque l’Art nouveau. Quant à la symétrie de la répétition, elle ne peut être que son antithèse, puisqu’elle se rapproche plutôt de la Sécession viennoise, sans manifester toutefois son austérité ou la monotonie de sa géométrie rationnelle. L’art de René Lalique évolue, et c’est peut-être pour cette raison qu’il a choisi le thème du scarabée, symbole chez les Égyptiens

Gros plan d’un scarabée rhinocéros.

de transformation, de renouveau, de renaissance. Pourtant, l’artiste continue d’exprimer la fantaisie et la richesse de son style, même lorsque sa vision se modernise. Cet objet mythique, au rythme linéaire, annonce le dynamisme des peintures de Gino Severini et la cadence folle du Sacre du Printemps d’Igor Stravinsky – des œuvres qui ne verront le jour que bien des années plus tard. Le gobelet est exposé encore une fois en 1902 au salon orga-

Exposé aujourd’hui au musée Lalique à Wingen-sur-Moder, ce gobelet, jalon dans l’histoire de l’art, peut enfin être admiré du public.

nisé par l’Union centrale des Arts décoratifs. Il sera acquis par la suite et disparaîtra dans une collection privée. Fort heureusement, il a été retrouvé en 2015 lors d’une vente aux enchères. Ainsi, il a pu prendre place dans la collection patrimoniale de Lalique. Il est exposé aujourd’hui au musée Lalique à Wingen-sur-Moder, où le public peut enfin admirer ce gobelet, jalon dans l’histoire de l’art.

Gros plan de la frise avec boucles et scarabées stylisés, moulée autour de la base du gobelet. Signature « Lalique » gravée au-dessus de la frise.

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CIRE PERDUE, L’ART DU CRISTAL EN MAJESTÉ Connue dès la plus haute Antiquité, la technique de la cire perdue a permis à René Lalique de créer l’une de ses œuvres les plus iconiques : son premier flacon à parfum. Aujourd’hui, les maîtres verriers de la manufacture Lalique, à Wingen-sur-Moder en Alsace, mettent ce savoir-faire extraordinaire au service de pièces d’exception et d’oeuvres d’art.

T E X T E L OU I S E YOU NG P H OTO S GI L L E S PE R N E T, BA P T I S T E L IGN E L E T I A N A BE L A

Subtil équilibre entre l’abstrait et le figuratif, le flacon Deux Cigales, édition limitée de la collection Noir Premier, est réalisé grâce à la technique rare et exigeante de la cire perdue.

est une colonne majestueuse et limpide, où se coule un nectar de lavande dont la teinte miellée dessine deux cigales. Comment ces délicates créatures, emblématiques du bestiaire de René Lalique,

sont-elles venues se prendre dans ce bloc de cristal transparent ? Par quelle magie se sont gravées, à l’intérieur de ce flacon exceptionnel, les nervures de leurs élégants élytres ? « Quand vous voyez une pièce Lalique, vous ne devez pas comprendre comment elle a été réalisée », confie Frédéric Bour, responsable production verre froid de la manufacture. Abrité dans un précieux coffret qui reprend en filigrane son délicat motif, ce flacon à parfum Deux Cigales, édition limitée à huit exemplaires appartenant à la collection Noir Premier, est réalisé grâce à la technique de la cire perdue. Complexe et sophistiqué, ce procédé inventé il y a cinq millénaires en Égypte ancienne s’inscrit dans l’histoire de la Maison vers 1893. Initialement, René Lalique perfectionne cette technique pour fabriquer des pièces en verre qu’il est le premier joaillier à mêler à des pierres, métaux précieux et autres matériaux. Très vite, elle lui permet d’aborder son nouveau champ de création : le verre. En effet, entre 1893 et 1905, il crée à

Chaque pièce réalisée avec la technique de la cire perdue est unique, car le moule est détruit au terme de la cuisson, lors d’une délicate opération de déplâtrage.

la cire perdue le flacon Poissons, petite fiole en forme d’amphore qui est sans doute sa première œuvre en verre pur, et son tout premier flacon à parfum.

Le bouchon du flacon, sculpté de quatre têtes de cigale, est poncé avant d’être satiné-repoli. Chacune des étapes de cette finition est réalisée par un artisan verrier chevronné.

UN SAVOIR-FAIRE ANCESTRAL AU SERVICE DE PIÈCES UNIQUES

’est à l’occasion du 150e anniversaire de la naissance du fondateur que la technique renaît à la manufacture Lalique, sous l’impulsion de Silvio Denz, président directeur général

de Lalique. Depuis 2010, un atelier exclusivement dédié à la cire perdue, dirigé par Didier Richard, produit tous les ans entre cinq et dix nouveaux modèles, en pièces uniques ou éditions limitées : collaborations artistiques comme la Victoire de Samothrace d’Yves Klein, L’Éléphant dansant de Rembrandt Bugatti et autres pièces exceptionnelles d’artistes contemporains tels Damien Hirst et Anish Kapoor ; rééditions des chefs-d’œuvre de René Lalique, comme le poétique vase Perruches ; modèles dessinés par le studio de création Lalique, tel Music is Love, statue d’ange musicien conçue avec Elton John... Autant de pièces complexes, aux détails d’une extrême finesse, que seule la technique de la cire perdue permet de réaliser. En effet, plutôt que d’utiliser un moule en acier pour donner forme au cristal en fusion, le procédé repose sur la confection, à partir d’une sculpture en cire, d’un moule en plâtre réfractaire (résistant aux chaleurs intenses). C’est dans ce moule unique qu’un cabot de cristal, lentement chauffé jusqu’à prendre la consistance du miel, vient couler, épousant peu à peu les creux et les volumes les plus infimes du modèle. Un processus très long dont l’étape la plus critique consiste à ramener la pièce à la température ambiante. « Lorsqu’on refroidit trop vite, le plâtre se resserre et casse la pièce, notamment les parties les plus fines », précise Didier Richard. Ce n’est qu’en brisant le moule en plâtre que les artisans découvriront si la pièce est parfaitement réussie. « Il faut respecter la matière, car c’est elle qui décide », rappelle Frédéric Bour.

UN CHAMP D’EXPRESSION INFINI POUR L’ART DU CRISTAL

our Marc Larminaux, directeur artistique et directeur de la création, « ce moment où l’objet se révèle est toujours un suspense, car on ne peut jamais entièrement prédire le résultat. Mais lorsque

tout fonctionne, c’est comme un miracle » ! Malgré cette part d'imprévisible, le designer savoure la liberté créative offerte par cette technique, qui permet d’obtenir une texture inimitable, vivante, comme une « peau de cristal » dont les légères variations rendent chaque pièce unique. « La cire perdue permet une approche encore plus artistique qu’avec les pièces produites grâce aux moules en acier, qui posent davantage de contraintes de fabrication au niveau du design de l’objet, explique-t-il. Le champ d’expression est infini : on peut créer des formes

très complexes, travailler les volumes. Puisqu’il s’agit de pièces très haut de gamme, les designers peuvent vraiment s’exprimer comme des artistes : affranchis des contraintes, nous ne cherchons plus qu’à créer ce qui est le plus beau possible. » Directeur artistique et directeur de la création, Marc Larminaux apprécie la liberté que lui offre la technique de la cire perdue, utilisée uniquement pour les pièces d’exception.

Luxueux écrin de cette œuvre d’art, le coffret s’ouvre comme deux ailes de cigale, dont il reprend en filigrane l’élégant dessin, en poussant le bouton orné de l’emblème Hirondelles de la Maison.

LE PROCESSUS

omplexe et exigeante, la technique de la cire perdue est uniquement utilisées pour les pièces d’exception. Pour réaliser une création comme le fastueux flacon

Deux Cigales, il faut en effet vingt-deux jours aux artisans verriers de cet atelier entièrement dédié à ce procédé.

« Le moment où l’objet se révèle est toujours un suspense, car on ne peut jamais entièrement prédire le résultat. Mais lorsque tout fonctionne, c’est comme un miracle ! »

Première étape : le noyau intérieur et l’enveloppe extérieure du flacon Deux Cigales, dessinés par le studio de création Lalique, sont fabriqués en plâtre. Dans le flacon final, ce décor se dessinera en creux, et le précieux parfum de couleur ambrée révélera les cigales.

MARC LARMINAUX, DIRECTEUR ARTISTIQUE ET DIRECTEUR DE LA CRÉATION

Inspirée par le premier flacon de parfum noir créé par René Lalique, Quatre Aigles (1911), la forme extérieure du flacon, dont les faces représentent le chiffre romain « I », est également façonnée en plâtre.

À partir de ces sculptures, les artisans réalisent deux moules en élastomère : l’un de la forme extérieure et l’autre du noyau. Grâce à leur souplesse, ils permettent de démouler les formes les plus complexes comme les délicates ailes nervurées de ces cigales.

Versée à l’intérieur du moule en élastomère, la cire prend la forme du flacon. La sculpture est ensuite placée à l’intérieur d’une chape en plâtre, dans laquelle un plâtre réfractaire est coulé. La cire est évacuée sous l’action de la chaleur. Le vide obtenu révèle la forme de la pièce.

Le cabot de cristal est ensuite posé dans un godet au-dessus du moule à remplir. Passé au four, il coule dans l’empreinte en fondant lentement. Suit une longue période de refroidissement graduelle avant de procéder au déplâtrage. Le moule en plâtre étant détruit lors de cette étape, il faut en réaliser un pour chaque pièce.

La pièce brute passe aux ateliers du « verre froid » pour les opérations de finition, qui représentent chez Lalique les deux tiers du processus de fabrication. Le cristal est affiné et taillé pour retirer le surplus de matière, avant d’être satiné et repoli. Chaque pièce étant unique, une fois appairés, flacon et bouchon ne se quitteront plus.

LE VIN, L’ART ET LALIQUE

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René Lalique, 1928

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MOYEN-ORIENT ERBIL Shoresh Street, en face de Zein Telecom, Erbil, Irak – Tél. +964 75 08 99 34 18 MUSCAT G-34, Royal Opera Galleria, Royal Opera House Shatti al Qurum, Muscat, Oman – Tél. +968 2440 4240 – lalique@omantel.net.om TÉHÉRAN Ava Bell Roya, Mellal Boutique Mall, 67 Fereshtesh Street, 3rd Floor Unit #303, Téhéran, Iran – Tél. +98 196 593 5449 BEYROUTH Général el Hajj Street Mina el Hosn, centre-ville de Beyrouth, Liban – Tél. +961 1 985098

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CORRECTION : Sophie Boucher-Delesalle et Peter Thomas Hill RESPONSABLE PRODUCTION / LITHOGRAPHIES : Geyst AG IMPRESSION : Bechtle Druck, Stuttgart TIRAGE : 35 000 exemplaires IMPRIMÉ EN JANVIER 2017 ÉDITION : 2017 COURRIEL : communication@lalique.fr

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