Carpeta de diseñadores

INSTITUTO SUPERIOR DE DISEÑO Y ARTE MATERIA: Diseño de Indumentaria I PROFESOR: Claudio Barzabal TRABAJO PRACTICO N° 5: “Carpeta de Diseñadores” ALUMNA: María Pía Herrera DIVISIÓN Y TURNO: 1° “H” - Turno Mixto FECHA DE ENTREGA: 05/11/2013

- Charles Frederick Worth ........................ 5 - Jeanne “Madame” Paquin ........................ 6 - Madame Grès .............................................. 7 - Jacques Fath ................................................ 8 - Nina Ricci .................................................... 9 - Paul Poiret ................................................... 10 - Jean Patou .................................................... 11 - Christian Dior .............................................12 - Cristóbal Balenciaga ................................. 13 - Pierre Balmain ............................................ 14 - Pierre Cardin ............................................. . 15 - Takada Kenzo .......................................... .. 16 - Elsa Schiaparelli ......................................... 17 - Sonia Rykiel ................................................ 18 - Madeleine Vionnet .................................... 19 - Mary Quant ................................................. 20

- Gabrielle “Coco” Chanel ................ 21 - Giorgio Armani ................................. 23 - André Courreges .............................. 24 - Oscar de la Renta .............................. 25 - Hubert Givenchy ..............................26 - Calvin Klein ....................................... 27 - Donna Karan ..................................... 28 - Christian Lacroix ............................. 29 - Karl Lagerfeld ................................... 30 - Carolina Herrera .............................. 31 - Manuel Pertegaz .............................. 32 - Ivés Saint Laurent ............................ 33 - Garavani Valentino ..........................34 - Gianni Versace .................................. 35 - Marc Jacobs ....................................... 36 - Elie Saab ............................................. 37

Charles Frederick Worth (

5

Bourne, Reino Unido 1825 -

Es considerado el padre de la Alta Costura. Su carrera empezó como aprendiz de dos comerciantes de tejidos en Inglaterra. En 1845 decidió trasladarse a París donde encontró trabajo como dependiente en Gagelin, una empresa de tejidos y accesorios para vestidos. Allí conoció a quien seria su esposa, Marie Vernat. Muy pronto se convirtió en el principal dependiente de Gagelin y abrió un departamento dedicado a la confección a la medida. Worth contribuyó a la reputación de esta firma; sus diseños fueron exhibidos y premiados en la Great Exhibiton de Londres (1851) y en la Exposition Universelle de París (1855).

En el año 1857 se asoció con el joven y rico comerciante de telas Otto Bobergh y abrieron la casa Worth & Bobergh, en la Rue de la Paix, una zona de París que acabaría siendo la Meca de la moda. Fue el primer modista o diseñador que atendió a su clientela en su propio salón. La casa de modas Worth & Bobergh tuvo que cerrar durante la Guerra Franco-Prusiana y Worth la reabrió en 1871, pero en solitario. La Emperatriz Eugenia de Montijo (esposa de Napoleón III) fue una de sus principales clientas y patrocinadora, para quien realizaba todo su vestuario. Esto atrajo cada vez más clientas de la nobleza, personas adineradas, estrellas del tetro y de la opera.

Worth se convirtió en el modisto más famoso, caro y demandado de París. Sus clientas viajaban hasta París desde otras ciudades o incluso desde otros países para poder vestir sus creaciones.

Worth comenzó a firmar sus vestidos, algo que no se había hecho antes. Se convirtió así en el primer modisto en ser considerado un artista en lugar de un artesano. Creaba colecciones anuales que presentaba en pequeños desfiles y que publicaba en revistas. Fue así el primero en establecer una moda o tendencias cada temporada.

París, Francia 1895) Worth redefinió la silueta femenina, liberándola de muchos de los recargados elementos presentes durante el siglo anterior y simplificando la silueta, creando vestidos elegantes pero de líneas más simples que las vigentes hasta entonces. Sus creaciones se caracterizaban por la utilización de espléndidas telas, pasamanerías y adornos, así como por la incorporación de elementos de vestidos históricos y su atención al patronaje para que se ajustasen perfectamente al cuerpo de las mujeres.

Aunque fue uno de los pioneros en la utilización la crinolina utilización de ladecrinolina o omiriñaque durante 1850, la abandonó a finales de 1860 a favor del polisón, de modo que la falda caía plana por la parte delantera y se recogía el exceso de tela por detrás. La palabra “couturiére” se creó especialmente para calificar a Worth, que consiguió unir la técnica inglesa del corte con el derroche de elegancia propio de los franceses.

Tras su fallecimiento en 1895, sus hijos Jean-Philippe y Gastón se hicieron cargo del taller, que pasó de generación en generación hasta 1952, cuando el bisnieto de Worth se retiró.

6

Jeanne “Madame” Paquin (

Saint-Denis, Francia 1869-

París, Francia 1936)

Jeanne “Madame” Paquin fue la primera diseñadora en la Historia del Vestuario, que además hizo “moda de calidad y rentable”.

Sus inicios fueron a muy temprana edad; de niña trabajó en la tienda de una modista local. Mas adelante se convertiría en costurera de la distinguida firma parisina “Maison Rouff”. En febrero de 1891 se casó con un ex banquero y hombre de negocios, fundando un mes antes de su matrimonio la que sería su “casa de modas”, donde tuvo diversos clientes: desde actrices de la época hasta miembros de la realeza europea.

Creativa y astuta en sus planteamientos Jeanne creó el concepto de la expansión internacional a través de la apertura de sucursales extranjeras, entre ellas: Londres en 1896, Buenos Aires y Nueva York en 1912 y Madrid en 1914. En su apogeo la casa empleaba miles de trabajadores, superando a la Casa de Modas Worth. En 1907 su esposo fallece, dejándola sola a la cabeza de la gran tienda, a raíz de lo cual su hermano y esposa, le ayudaron con esta tarea.

Madame Paquin se hizo famosa por sus vestidos lujosos y románticos y por la cuidada confección artesanal de los mismos. Creó notables efectos visuales con texturas y matices tonales diferentes. Jeanne incorporó el poder del espectáculo para promocionar sus diseños de vestuario: en 1914 organizó en el Palace Theatre de Londres el primer desfile de modas entendido como un espectáculo con música. Además ideó el enviar actrices jóvenes a la ópera vestidas con sus modelos más recientes para difundir sus nuevas colecciones y el trasladar éstas a través de giras. Ella misma era publicista de su propio estilo: siempre llevaba sus propios diseños, admirados por el público.

Fue la primera mujer en convertirse en un icono de la moda. Recibió muchos premios y nombramientos, todos los primeros de una mujer en su tiempo: en 1900 la seleccionaron para presidir la sección de modas de la gran Exposición Universal de París. También se le concedió la Orden de Leopoldo II de Bélgica en 1910 y la prestigiosa Legión de Honor en el ámbito del comercio en 1913; también fue elegida presidenta de la Cámara Sindical de la Alta Costura, organización oficial de los diseñadores de París, en 1917.

Su casa de modas se fusionó con la “Casa Worth” en 1954, para luego cerrar en 1956. Jeanne murió antes, en 1936, después de haberlo hecho absolutamente todo…

7

Madame Grès (

París, Francia 1903 -

La Valette-du-Var, Francia 1993)

Germaine Émilie Krebs, mas conocida como Madame Grès, comenzó su carrera como escultora influenciada principalmente por la corriente minimalista y por las vestiduras griegas.

Entró por primera vez en un taller de costura en 1924, como ayudante modelista. En 1930 ya vendía sus propios modelos y tres años mas tarde se asociaba con Julie Bartons para abrir la casa Alix-Barton. Rápidamente el dúo se impuso por su estilo y sus drapeados. Resaltaron sobre todo en lo que se refiere a los trajes de noche, aunque también en el vestuario teatral. Mademoiselle Alix se interesó en las nuevas materias como el jersey, el mohair, el nailon o el satén encerado.

En 1934 obtuvo el premio de la alta costura de la Exposición Universal de París. Al año siguiente se independiza de su socia su socia y se instala en el 83 de la Rue Fabourg Saint-Honoré.

A partir del año 1942 adopta el nombre con que se haría famosa, Madame Grès (anagrama del nombre de su marido, el escultor ruso Sege Czerefkow).

Su trabajo se extiende hasta los años ‘80. Sus vestidos son minimalistas, de preferencia en jersey, en color marfil, esculpidos como mármol de Carrara. Nunca creó un vestido a partir de un croquis. A Grès no le gustaba nada cortar el tejido y siempre utilizó telas de gran ancho inicial. Sus colores eran el topo, azul, esmeralda granate, azafrán, rosa viejo, gris perla, rojizo; pero durante la Segunda Guerra Mundial prefirió el azul, blanco y rojo de la bandera francesa. Sus vestidos drapeados y de cortes inéditos daban glamour a las grandes fiestas, tanto en París como en Nueva York o Hollywood.

El primer perfume de la Casa Grés se llamó Cabochard, lanzado en 1958 y que, años mas tarde, cambiaria su nombre a Cabotine. En 1982, Madame Grès tuvo que vender su negocio de los perfumes por el bien de su división de Alta Costura. La empresa Parfums Grès cambió de dueños varias veces hasta que finalmente fue comprado por Silvio Denz en 2001.

Hasta los años 70 Grès obtuvo varios premios, reconocimientos y atenciones. Los vestidos de noche y los drapeados le valieron el Dedal de Oro en 1976, el premio más prestigioso de la alta costura.

Madame Grès ignoraba completamente el marketing y odiaba la publicidad sobre sí misma. Por años se negó a entrar en el sistema del prêt-à-porter (recién lo hizo en 1980). Era extremadamente discreta, tímida, obstinada y solía afirmar: “no tengo nada que decir, pero todo que mostrar”. En el año 1980 rechazó la propuesta del Museo Galliera de una exposición de su obra y fue recién en 1994, tras su muerte, que el Museo Metropolitano de Nueva York le dedicó una primera muestra. Luego de años de mala administración, terminó vendiendo su maison al millonario Bernard Tapie en 1984, quien la cedió luego a Jaques Esterel, para terminar en manos de un comprador japonés. Perdió también el control de sus perfumes, entre ellos el exitosísimo Cabochard y el Cabotine. En 1990 se retiró al sur de Francia. Finalmente, Germaine Krebs fallece en un hogar de ancianos, en la miseria, abandonada por todos y en el más gran secreto. Su muerte fue revelada por el diario Le Monde recién un año más tarde en un articulo titulado: “La Muerte Confiscada de Madame Grès”.

Jacques Fath creó el mito de la hiper-feminidad y perfeccionó la silueta. Él era un maestro indiscutible de la alta costura que marcó una época en la historia de la moda.

8

Jacques Fath (

Maisons-Laffitte, Francia 1912 -

París, Francia 1954)

Hijo de André Fath, un agente de seguros, provenía de una familia creativa: sus bisabuelos paternos, se dedicaban a la literatura y a la ilustración de moda, y su abuelo paterno a la pintura. Autodidacta, aprendió su oficio a través de estudiar y observar exposiciones en museos y libros de moda.

También por la experimentación y el rediseño de los vestidos de su hermana.

Lanzó su primera colección en 1937 y se caracterizó por un diseño innovador y vestir a “los jóvenes parisinos elegantes”, utilizando materiales como lentejuelas hechas de cáscaras de nuez y almendra. Durante la Segunda Guerra Mundial, Fath era conocido por “el aleteo de las faldas amplias”.

En el año 1939 se casó con su musa, la top model Genoveva Boucher de La Bruyére; y es en ese mismo año cuando obtiene su primer reconocimiento como un gran modisto. Genoveva causó sensación con un diseño de su marido, muy al estilo Hollywood. Todos los ojos estaban puestos en ella y en su vestido de Fath.

La casa de moda Fath era un templo viviente de la creación, magistralmente dirigida y orquestada por Jacques que trabajó con importantes diseñadores como Hubert de Givechy, Guy Laroche y Valentino Garavani, estos empezaron como sus ayudantes y aprendices para mas tardee sus propias casas de moda. Con respecto a sus tarde formar clientas, entre ellas se destacaron Ava Gardner y Greta Garbo.

En 1947 se convirtió en el primer francés en crear una colección de prêt-à-porter para el mercado norteamericano.

Ademas, Fath era un gran amante del cine. Apareció en la película “Scandale au Campos Elíseos” y diseñó el vestuario de varias películas.

Aunque de breve carrera, Fath fue un visionario, anticipándose a la época gracias a su conocimiento de los negocios y el márketing. También se dedicó al diseño de complementos, los cuales podían encontrarse a muy buen precio.

Su prematura muerte a los 42 años le impidió crecer. Su casa de modas cerró en 1957, tres años después de que él muriera.

Despues Después de aquello, el proyecto dirigido por su mujer, solo se dedicó a la producción de perfumes, guantes, medias, y otros accesorios.

9

Nina Ricci (

Turín, Italia 1883 -

París, Francia)

Maria Adélaïde Nielli o mas conocida como Nina Ricci fue una talentosa diseñadora italiana, que de niña ya mostraba un talento innato para el diseño.

Nació en Turín, pero su familia se trasladó a Florencia y luego a París. A los 13 años empezó a trabajar como aprendiz de modista en un taller de sombreros, a los 18 era la jefa de tienda y a los 22 ya era la diseñadora principal. Pasó a llamarse Nina Ricci en el año 1904, cuando se casó con el joyero florentino Luis Ricci. Al año siguiente tuvieron su primer y único hijo, Robert.

Juntos formarían el imperio de la moda más exitoso de la Francia de posguerra.

En 1933 Nina abrió su propia boutique. Ella se encargaba de los diseños, y su hijo del negocio y las finanzas. Se declaraba una diseñadora artesana, pues le gustaba trabajar cada una de las prendas directamente sobre el maniquí.

A Nina Ricci le encantaban los colores suaves y los estampados, especialmente las flores, un motivo muy recurrente en sus creaciones que estaban estampadas en las telas, bordadas o bien en forma de apliques. Los trajes eran elaborados con telas de primerísima calidad, además Nina era tan meticulosa en su labor que cada prenda poseía un acabado excelente. Los vestidos eran tan elegantes y seductores que todas las damas de la alta sociedad de la época contaban con varios modelos en sus armarios.

Bajo la dirección de Robert Ricci, la marca Nina Ricci inaugura un departamento de perfumes: la primera creación fue Coeur Joie en 1946, al que le siguió uno de sus mayores éxitos, el L’Air du Temps en 1948. El negocio creció tan rápido, que a fines de la década de los 30 la Casa Ricci ocupaba 11 pisos en tres edificios del Boulevard des Capucines de París. Nina Ricci paró de diseñar a la edad de 70 años. Sin embargo, nunca dejó de supervisar cada una de las creaciones que llevaban su nombre hasta su muerte en 1970.

En 1998, la compañía multinacional “Puig”, que opera en los sectores de la moda, cosmética y perfumes, compra la firma Nina Ricci. Esta aún hoy sigue siendo un imperio de la Alta Costura.

10

Paul Poiret (

París, Francia 1879 - 1944)

Paul Poiret fue un modisto francés, cuyas contribuciones a la moda del siglo XX han sido comparadas a las de Picasso en el arte.

Hijo de un comerciante de telas, vivía en el humilde barrio de Les Halles. Su padre le obligó a terminar sus estudios y luego lo mandó como aprendiz de un fabricante de paraguas.

En sus ratos libres, recogía los retazos de seda y con ellos confeccionaba vestidos para una muñeca. Sus habilidades eran tales que vendiendo patrones a las principales casas de moda de la capital hasta que, el famoso modisto Jacques Doucet lo contrataría para su taller. Allí aprendió el arte de la costura, la buena vida y el tratar bien a las estrellas del teatro. En 1901 entro en la casa de modas Worth, la más importante del momento. Sin embargo, la modernidad de sus diseños no estaba en sintonía con la clientela conservadora de Worth y se deshicieron rápido de él. Dos años mas tarde abrió su propia casa de modas. En 1905 se casó con Denise Boulet, que se convertiría en su musa inspiradora y con quien tuvo sus cinco hijos (Rosine, Martine, Colin, Perrine, y Gaspard).

Años después se divorciaron.

Poiret no se dedico solo a la ropa sino que también entró en el universo de los perfumes y las fragancias siendo el primer diseñador en hacerlo (10 años antes que Coco Chanel). No conforme con crear el perfume, se encargó del diseño de la botella, la caja y el envoltorio. Empezó con “Rosine” (en honor a su hija) y le siguieron muchos otros. Luego se sumaron los muebles y la decoración a la línea de productos Poiret y en este campo fue precursor del Art Déco.

Poiret fue mucho más que un simple diseñador, era un hombre de negocios sumamente brillante.

La gran aportación de Poiret a la moda consistió en liberar a la mujer de la estructuras complejas que llevaban en el busto y abdomen, eliminando el corsé por completo, lo que revolucionó la forma de vestirse de las mujeres. La simplicidad de sus líneas representaron la entrada en la era moderna de la costura. Así Poiret cambió para siempre el aspecto de la ropa femenina.

Empezó con una interpretación muy personal del vestido con “corte Imperio”. Siguió con la falda “Hobble”, tan recta y estrecha que quien la llevaba únicamente podía caminar con pasos cortos. El Oriente le inspiró y le llevo a crear pantalones y babuchas con sacos tipo kimono. Esto último fue toda una transgresión puesto que rara vez en la Historia, las mujeres habían osado llevar pantalones.

Poiret abrió tiendas en toda Francia y se dedicó a vestir a las más célebres. En sus viajes por el mundo se dio cuenta que en muchas partes se copiaban sus diseños, sus estampados y su estilo. Es así que, en 1914, se involucró en la creación del Sindicato para la Defensa de la Alta Costura Francesa, lo que constituyó un intento de proteger las creaciones originales de los diseñadores de las copias piratas.

Tras la I Guerra Mundial, Poiret se fue a la ruina, perdiendo todo: su fábrica, sus tiendas, su casa; y así termino muriendo, solo y en la pobreza.

11

Jean Patou (

Normandía, Francia 1880 -

París, Francia 1936)

Jean Patou es uno de los grandes símbolos de la moda francesa. Hijo de peleteros, enseguida le nació la afición por el diseño. En el año 1907 empezó a trabajar para la empresa peletera de su Tío. Cinco años mas tarde abrió una pequeña tienda de confección en París, la Maison Perry, en la que empezó a diseñar sus colecciones. Su negocio se vio obligadamente interrumpido debido a las circunstancias que generaba la Primera Guerra Mundial.

En 1919, una vez finalizada la guerra, Patou reabrió su negocio, esta vez utilizando su propio nombre. Alcanzo un gran éxito gracias a sus estampados de vivos colores con motivos modernistas y a sus bordados. Todas sus prendas estaban marcadas con sus iniciales.

Al gran modisto no le fue fácil encontrar su estilo, se inclinó por seguir las directrices de dos movimientos artísticos: el art decó y el cubismo. Tomó de éstos las líneas sobrias, los colores claros y las formas geométricas. A Patou se le debe el descubrimiento del beige como color base, marcando la pauta de todas sus creaciones. Los estampados llamativos y sus bordados de color eran un rasgo de elegancia. Además, cada temporada sorprendía con un nuevo color como el “azul Patou” o el “dalia negra”.

En cuanto a la selección de materiales, optó por aquellos que resultaban más ligeros y naturales, ya que quería crear vestidos sencillos y vaporosos. Esta decisión le llevó a convertirse en el primer diseñador de ropa deportiva, combinando una figura sencilla con un corte cómodo. con vestidos rectos y lisos que ponía la cintura a la altura de la cadera. con vestidos rectos y lisos que ponía la cintura a la altura de la cadera. Vistió a la gran tenista del momento Suzanne Lenglen, lo que le proporcionó un gran reconocimiento y popularidad.

Diseñó para la tenista faldas plisadas de seda blanca, chaquetas de punto rectas en el mismo color y la cinta para el pelo como complemento indispensable, llegando a formar parte del equipamiento de los profesionales y aficionados a este deporte. En 1925 abrió Sports Corner, donde había un cuarto para cada deporte o actividad, como el golf o la pesca, con indumentaria especifica acompañada de accesorios, bufandas, lencerías, joyería, sombreros, etc. En 1929 presento la linea “princesa”, con vestidos rectos y lisos que ponía la cintura a la altura de la cadera. Al igual que todos los grandes diseñadores de su época, Patou lanzó su gama de perfumes, de los que “ Joy” llegó a ser el más emblemáticos. Una de las singularidades de Joy es que fue lanzado en plena crisis económica de los años 30 y fue pensado para la clase social alta. Se promocionó bajo el lema: “Joy, le parfum le plus cher du monde”, en referencia a su alto coste económico.

Hasta su muerte a los 56 años, Patou se constituyó como un gigante del mundo de la moda, tanto en alta costura como en confección. Su casa continuó abierta tras su muerte, dirigida por el marido de su hermano, George Barbas y con los diseñadores. Marc Boham, Karl Lagerfeld, Pipart y Lacroix.

12

Christian Dior (

Granville, Francia 1905,

Montecatini Terme, Italia 1957)

Dior empezó a estudiar la carrera de Ciencias Políticas y la de Música por insistencia de sus padres, pero él tenía otras motivaciones. Christian llega al mundo de la moda a través del dibujo, hizo bosquejos para el diario Le Figaro y otros de Paris. En 1938 comienza a trabajar para Robert Piguet, pero su carrera fue interrumpida por la guerra. En 1941 entra al equipo de Lucien Lelong en París (casa de modas dominante entre el ‘21 y el ‘48). Allí, Christian trabaja junto a Pierre Bailman, con quien había considerado abrir una casa de modas juntos, pero ese mismo año Bailman crea su propia firma y Christian queda como el diseñador principal de Lelong.

En 1946 Marcel Boussac, magnate textil, apoya a Christian para crear su propia firma que instaló en la Avenida 30 Montaigne. Al año siguiente presentó su primera colección, que se dio a conocer conocerpor poruna unaperiodista periodistanorteamericana norteamericanacomo comoelel“New “NewLook”.

Look”. Este es el comienzo de un éxito sin fin, la compañía pasó de trabajar con 100 a 1500 personas en tan sólo 7 años. Entre el ‘53 y el ‘56 compraron más inmuebles en la Avenida 30 Montaigne, abriendo así la boutique de lujo más grande de todo París. En este lugar se vieron pasar a las 22 colecciones que Christian firmó desde la primeraverano de ‘47 al otoño-invierno del ‘57. Christian Dior también diversificó su negocio hacia otros productos de lujo, como perfumes o joyas, con un éxito de ventas rotundo. Entre Dior y los perfumes, se trata de una gran historia de amor…y de éxito. Entre las grandes creaciones de la marca encontramos el mítico “Miss Dior”, su primer perfume lanzado en 1947. A este le siguieron fragancias como Diorama (1949), Eau Fraiche (1953) y Diorissimo (1956). Para este entonces, Dior afirmaba que se consideraba “tan perfumista como diseñador de modas”.

El período del New Look se extendio hasta el ´53, poniendo énfasis a la silueta de tulipán, vestidos largos, cinturas estrechas y una estructura que modelaba la forma femenina. Tras la presentación de este nuevo estilo Dior abrió una delegación en Nueva York y con el paso del tiempo la firma se extendería a otras ciudades importantes como Milán, Tokyo, Shanghai, Hong Kong, Boston, Los Angeles, Honolulu, Las Vegas o San Francisco.

Negro, azul y blanco fueron los colores favoritos de la alta costura de Dior que cuidaba hasta el más mínimo detalle acompañado de una exquisita y refinada elegancia.

Entre el ‘53 y el ‘55, Dior diseñó tres colecciones estrechamente relacionadas, con base en las formas de las letras A, Y y H. La más influyente fue la colección “A-Line”. Ésta se caracterizaba por un corte acampanado que se ensanchaba desde el cuello o la cintura hasta el bajo y con hombros estrechos. La línea H se caracterizaba por un busto muy alto y talle bajo, a la altura de la cadera, faldas caídas sujetas con cinturón y de cuerpo ceñido. El traje sastre fue renovado con falda de tubo. La línea Y se destaco por su falda estrecha con escotes o solapas muy llamativas, siempre imitando la letra.

Tras su muerte a los 52 años, su aguja fue sustituida por el joven diseñador Yves Saint Laurent, que trabajaba a las órdenes del gran maestro desde el ‘53. La lista de dignos sucesores de la firma Dior se completa con diseñadores como Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, hasta el actual Raf Simon.

13

Cristóbal Balenciaga (

Guetaria, España 1895 -

Valencia, España 1972)

Es probablemente el creador de moda mas importante que ha dado España. La fama y el prestigio de Cristóbal Balenciaga como modisto han traspasado todas las fronteras y han calado hondo entre sus colegas. Se inicia en la costura de la mano de su madre Martina Eizaguirre que trabajaba como costurera.

Siendoun unadolescente conoció a la marquesa de Casa Torres, abuela de la Reina Fabiola de Bélgica, la cual se Siendo convertiría en su mecenas. Se formó en algunos de los establecimientos más prestigiosos de San Sebastián, a pocos kilómetros de su ciudad natal. En 1917 se decidió abrir su taller y, en relativo poco tiempo, fue ganando delalaalta altaaristocracia aristocraciay ydede realeza española. ganandoun unprestigio prestigioque quelelereportó reportó clientela procedente de la la realeza española.

Esto le permitió expandir el negocio creando un segundo taller, Eisa Costura, en honor a su madre, destinado a una incipiente clase media. En 1934, ante las buenas perspectivas del negocio, abre su primera tiendaen enMadrid Madrid y, tienda tienda justo un año después, se instala en Barcelona. Con el estallido de la Guerra Civil Española se vio forzado a cerrar sus tiendas, y se trasladó a París. Allí abrió su taller parisino en la Avenue George V en 1937. Su primera colección presentada en París tuvo un éxito fulminante.

Los elogios a su trabajo se convirtieron en una cantinela que recorría los grandes salones europeos. Quienes le veían trabajar se maravillaban por su habilidad para cortar patrones y unir las piezas a mano. Coco Chanel llegó a afirmar “es el único de nosotros que es un verdadero couturier”. Dior decía: “con los tejidos nosotros hacemos lo que podemos. Balenciaga hace lo que quiere”. Humbert de Givenchy se refería a él como “el arquitecto de la Alta Costura”.

Las siluetas geométricas, los sombreros tipo “pillbox”, los vestidos corte globo y las toreras fueron algunas de sus aportaciones más grandes a la industria de la moda. Por otra parte, a él se debe la introducción del tema español en la Alta Costura, con inspiraciones desde el arte de Velázquez, Goya y Zurbarán, la cola flamenca, los volantes, los colores brillantes, encajes y mantillas, el universo taurino y sus bordados, sus orígenes vascos, los pescadores, el luto de las viudas con una austeridad negra y claramente referenciada a la indumentaria religiosa. En cuanto a las telas, solía recurrir a tafetán más ligero, y a las lanas con textura y peso de tapizado, como la faille y el mohair. Su sello propio eran las gasas, una seda ligera como una pluma pero con consistencia que hacía que incluso sus vestidos más esculturales parecieran efímeros.

Luego de sorprender al mundo con sus progresivos diseños y acabados perfectos, Balenciaga decidió retirarse en 1968, tras 50 años en actividad y con la llegada del prêt-à-porter. Desde su surgimiento, rechazo de inmediato esa corriente y no accedió a crear colecciones prêt-à-porter. Es por eso que es considerado por muchos como el verdadero padre de la Alta Costura.

14

Pierre Balmain (

Savoie, Francia 1914 -

París, Francia 1982)

Pierre Alexandre Claudius Balmain nació en la región francesa de Savoie y empezó a estudiar arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de París en 1933. Atraído por la moda, presentó sus diseños a Lucien Lelong y Jeanne Lanvin. Un año después de haber igresado, Balmain abandona la Escuela de Artes y es contratado por el taller de modas de Molyneux, donde estaría hasta 1939.

Poco antes de declararse la II Guerra Mundial, en 1939, Balmain vuelve a Lucien Lelong, donde conoció a Dior. Encargado del conjunto de las colecciones junto con Christian Dior, su primer éxito llegó con un vestido de tarde en crepé de china negro, al que bautizó con el nombre de Petit Profit. En 1945 Pierre Balmain abrió su propia casa de Alta Costura en París y presenta su primera colección, caracterizada por faldas acampanadas largas y de cintura estrecha. Un poeta norteamericano escribiría para la revista Vogue que “los diseños de Balmain constituirían el nuevo look francés”.

Decidido defensor del movimiento a favor de la renovación del vestido en los años de la posguerra, y de la misma manera que Dior, Balmain supo proponer un estilo renovado, de busto alto y talle estrecho, que realzaba la silueta femenina.

Principalmente se destacaron sus trajes de noche en crinolina con suntuosos bordados, a menudo inspirados en motivos del siglo XVIII, y sus modelos de calle.

Fue el favorito de grandes estrellas como Brigitte Bardot, Marlene Dietrich y Sofía Loren.

También tuvo como clienta a la primera dama de Nicaragua Hope Portocarrero.

En 1946 aparece su primer perfume, Elysées, dedicado a su madre, en 1947 aparece Vent vert y dos años más tarde Jolie Madame, este último con un gran éxito. En 1951 abre una filial de su firma en Nueva York. En el extranjero personificó el nuevo estilo francés, puso de moda la estola para día y noche; también sus chales y capas de estilo cosaco marcaban tendencias.

Balmain fue el creador del estilo “Jolie madame” que era un diseño de corte muy entallado y elegante. Preocupado siempre por la renovación, también supo adaptarse a la moda geométrica de los años ‘60 y posteriormente a la de los estampados, presentando a mediados de los años ‘70 un original mono de motorista en piel de avestruz. En 1968 mezcló traición y modernidad en el traje de azafata diseñado para la empresa Malaysian Singapore Airlines, que se mantiene aún en la actualidad.

15

Pierre Cardin (

San Biagio di Callalta, Italia 1922) Pietro Cardini o mas conocido como Pierre Cardin, es un diseñador italiano, nacionalizado francés. Su primer trabajo fue de aprendiz en una sastrería para caballeros. Trabajó conjuntamente en una oficina de la Cruz Roja, como contador y se encargaba de abastecer de ropa y uniformes a los soldados franceses.

Apasionado por las formas geométricas, las proporciones matemáticas y el espacio, Cardin se traslada a París en 1945, donde estudió arquitectura. Su carrera como diseñador comenzó trabajando para Jeanne Paquin después de la II Guerra Mundial, donde adquirió una gran experiencia incluso ayudando a diseñar el vestuario para la película de Cocteau's, La Belle et la Bête. Posteriormente se mudó para la casa Schiaparelli, hasta que luego de un tiempo aceptó ser jefe del taller de Christian Dior en 1947. Luego que le negaran en tres ocasiones trabajar en Balenciaga decidió fundar su propia casa en 1950.

En 1953 lanza su primera colección femenina, a los 31 años de edad, iniciando su camino en la Alta Costura. En 1954 presentó el “vestido burbuja”, que revolucionó el ámbito siendo un éxito mundial e inauguró su boutique “Eve”. Cardin era conocido por su estilo vanguardista, y por sus diseños de “Era Espacial”. Prefería las formas geométricas y los motivos, a menudo ignorando la forma femenina. Innovó al diseñar la moda unisex, comprobando que ésta era a veces experimental, y no siempre práctica. Cardin fue el primer diseñador en exportar a Japón un mercado de alta moda cuando viajó allí en 1959, y es en ese mismo año cuando lo expulsan del ”Chambre Syndicale”, debido al lanzamiento de una de sus colecciones “prêt-à-porter” para grandes tiendas. Aquello era inapropiado para la época, ya que era considerado el “Primer Costurero” en París. Pronto resultó reintegrado, sin embargo, se retiró de esta organización en 1966 y ahora muestra sus colecciones en el ”Espace Cardin”, el cual fue inaugurado en 1971, en París.

Con respecto al diseño industrial desarrolló propuestas para mesas, sillas, barras, arrimos, lámparas, sofás, camas y peinadores hasta aviones y automóviles, donde estableció un contrato con American Motors (AMC), incluyendo a quien sería su socio, Aldo Gucci. Los automóviles AMC Jaballins incorporaban en su interior diseños de Cardin.

Este incansable diseñador ha sido inmensamente premiado: en 1977, 1979 y 1984 recibe el “Dé d’Or” de la Alta Costura Francesa creado por Cartier, para premiar la colección más creativa de la temporada. Fué nombrado Caballero de la Orden de las Colinas de Champagne y le otorgaron las insignias de Caballero de las Artes y Letras y de Caballero de la Legión de Honor.

En 1984 recibe el premio “Ascot Brun” en Milán, atribuido al hombre “Más Creativo del Año”.

Imparablemente hacedor es la definición de este diseñador que no solo ha innovado y escrito en la historia del diseño, sino que también ha transformado sus ideas en potentes empresas, que a su vez, han generado que siga diseñándolo todo.

16

Takada Kenzo (

Honshū, Japón 1939)

Nació en una humilde familia y fue el quinto de siete hermanos. Ya desde pequeño tenía interés por el diseño, y observaba las revistas de sus hermanas. En 1958 consigue entrar en la prestigiosa academia de moda “Tokio's Bunka Fashion College”, la cual recientemente había abierto sus puertas a estudiantes masculinos. Sus comienzos fueron trabajando para grandes almacenes en la ciudad nipona. Kenzo recuerda esta etapa de su vida como una época especialmente dura y difícil, ya que su familia se oponía a que se dedicara al diseño; en aquella época era mal visto que un hombre trabajara como modisto.

En 1965 se instaló en París, donde empezó haciendo colaboraciones para destacadas tiendas y para otros diseñadores. En ese entonces buscaba hacerse de un lugar en la industria, hasta que cinco años después abrió su propia boutique, llamada “JAP”, en la famosa Galería Vivienne de París. Allí presentó su primera colección llamada “Jungle Jap”, diseñada a base de algodones japoneses de llamativos colores, que resultó ser todo un éxito. Sus modelos aparecieron en la revista ELLE y en 1971 su colección fue presentada tanto en New York como en Tokio. Al año siguiente logró el reconocimiento de su país al haber ganado el premio “Fashion Editor Club of Japan”. En 1983 comenzó a diseñar ropa para hombre y abrió su primera tienda masculina en la Avenida Madison, de Nueva York.

Su irrupción en la moda parisina marco un quiebre, pues en aquellos momentos imperaba la de corte clásico, Kenzo llegó con un estilo marcado por la fantasía y la libertad de formas y colores. Como un amante de la naturaleza, supo plasmar la belleza de enormes flores en sus prendas. En ellas el color estalló, los tonos vivos, fuertes y alegres han dado vida a sus colecciones, sobre todo los verdes, amarillos y azules. Kenzo supo combinar el tradicional corte sencillo del quimono, originario de su país, con elementos típicos de Latinoamérica, Oriente y Escandinavia. Sus prendas se destacaban por las formas asimétricas, las originales mezclas de estampados, colores intensos y, sobre todo, dibujos florales de grandes dimensiones. A sus colecciones para mujer y para el público masculino le sumó una línea de ropa de casa, para niños y para jóvenes, que luego “Como hace falta color en la vida, yo completó con su línea de cosmética y de perfumes; ésta última de un profundo éxito lo pongo en mis vestidos". (Kenzo) internacional, que continúa aún en la actualidad. La primera fragancia se lanzó a la venta en 1988, llamada Kenzo Ça sent Beau, revolucionó el mundo de la cosmética marcando una diferencia a través del packaging y de la publicidad. Otros de sus perfumes son: Kenzo d´eté, L`eau par Kenzo, Kenzo Jungle, Kenzo Homme, Flower by Kenzo, entre otros. En todos ellos el creador agregó detalles bien orientales, como el papel de seda que envuelve los envases, o la forma y el diseño de los mismos que han sido confeccionados por artistas, como Karim Rashid, Kashiwa Sato, Serge Mansau, etc.

En 1992 decidió dejar la dirección artística de su marca y en 1993 la casa fue adquirida por la compañía francesa de lujo LVMH. En 1999 anunció su retiro del mundo de la moda, para dedicarse a descansar, como él lo afirmó, aunque también comenzó a dedicarse a otros trabajos creativos.

17

Elsa Schiaparelli (

Roma, Italia 1890 -

París, Francia 1973)

Schiaparelli es considerada una de las figura más importantes de la moda del período de entreguerras, con diseños fuertemente influenciados por el dadaísmo y el surrealismo. Schiap, como la llamaban sus amigos, nació en el seno de una familia adinerada. Estudió Filosofía y Letras en la Universidad de su ciudad natal y desde un principio sorprendió publicando un libro de poemas sensuales que escandalizó a sus padres. A los 22 años fué a Londres, donde conocería a su marido, el Conde Wilhelm Wendt de Kerlor, con quien tuvo su unica hija llamada Yvonne pero mas conocida como “Gogo”. En 1921 y tras separarse, Elsa se traslada con su hija a Nueva York. Allí tendría sus primeros contactos con el arte tras conocer a los dadaístas Francis Picabia y Marcel Duchamp, también tuvo contacto con el fotógrafo Man Ray. Sus primeros acercamientos a París fueron emigrando junto a Man Ray. Su acercamiento al mundo de la moda en París están ligados al modisto francés Paul Poiret, que se convertiría en uno de sus mejores amigos y que fué finalmente el que la alentó a lanzarse sola.

Su primera tienda, llamada “pour le Sport”, abre en 1927. Allí expone su primera colección, compuesta por jerséis tejidos combinados en blanco y negro, con un gran lazo blanco y otros modelos. Su colección se exporta a Norteamérica y el famoso jersey del lazo se copia por miles. Al año siguiente, hizo otra colección incluyendo aún más prendas: bañadores, prendas de ski, vestidos de lino y la más innovadora; la falda pantalón.

La deportista Lili de Álvarez llevó su diseño en Wimbledon, revolucionando al mundo del tenis. En 1931 abrió su primera tienda en 21 Place Vendôme, a la que llamó “Schiap Shop”. Shop”. Sus tres líneas de moda se llamaban Pour le sport, Pour la ville y Pour le soir.

“Schiap Mucho antes de que naciera el término prêt-à-porter, Schiap delegaba la producción en serie de sus colecciones deportivas en fabricantes industriales, para así poder trabajar y consagrarse como modista de Alta Costura de lujo. Además de vestidos, también se dedicó a la creación de perfumes y complementos, con gran éxito.

Elsa buscaba materiales extraños para la ropa. Usó celofán, trabajó con acrílico, hizo camisetas de rayón “Jersela” y otro rayón con hilos de metal llamados “Fildifer”. Fué la primera en introducir materiales sintéticos en Alta Costura, también incorporó metal a su ropa. Fué la creadora del vestido envolvente y también la precursora del rayón arrugado. Creó la primera chaqueta de gala y los primeros vestidos con cremalleras visibles de colores. Su color preferido era el llamado “shocking pink”, que promocionó en pañuelos, barras de labios o trajes de noche. Se puede decir también que sin Schiap no habrían existido las hombreras o los desfiles de moda con grandes puestas escénicas como se conoce hoy en día.

Durante la década de los años ‘30, Schiaparelli realizó varias colaboraciones con diferentes artistas y amigos, inmersos en las corrientes Dadaístas y Surrealistas, como Jean Coucteau y Dalí. Junto a Coucteau, diseñó una colección de prendas en los que se losrostros rostroscreando creando ilusiones ópitcas. De sus integraban los ilusiones ópitcas. trabajos con Dalí surgieron sus diseños más destacados, entre Vestidos Langosta, Lágrimas y Esqueleto, y el ? ? con el famoso pintor Paraellos: crearlos esta hermosa campaña Schiaparelli colaboró Sobrero Zapato. e ilustrador Marcel Vertes, mientras ambos estaban en París. La serie funcionó Con el en inicio de la de Segunda Guerra Mundial,femeninas como Vogue y principalmente la década 1940 en las revistas Schiaparelli emigró a Nueva York. A su vuelta a París, se Harpers Bazaar. Vertes era conocido por sus escenas de la vida en las calles de encontró con que la moda había cambiado, y los nuevos París, enDior particular las representaciones lasausteros mujeres y de cabaret. Sus obras diseñosy de con el “New Look” y Chanel,de más figuran en el MOMA, así como los museos de París y Luxemburgo, y su mural en que los suyos, tenían mayor popularidad. En 1954 decidió el Café Carlyle el Hotel Carlyle sigue siendo hoy en día. También trabajó en retirarse, y cerraren su marca.

Moulin Rouge y recibió dos premios de la Academia de la dirección de arte y diseño de vestuario .

18

Sonia Rykiel (

París, Francia 1930)

Sonia Rykiel viene a representar en la actualidad a una de las creadoras más sofisticadas en el ámbito de la moda.

De madre rusa y padre rumano, nació en Neuilly , una comuna en los suburbios del oeste de París; fue la menor de cinco hermanos. En 1954 , se casó con Sam Rykiel propietario de una boutique llamada “Laura”, que se dedicaba a vender ropa elegante. Juntos tuvieron dos hijos, Nathalie Rykiel (1956) y Jean -Philippe Rykiel (1961).

Su historia en la moda nace de su propia necesidad; cansada de no poder encontrar ningún sweater para usar durante su embarazo, fue que tomo la decisión de diseñar su propia línea. Así, Sonia creó su primera colección de vestidos y sweaters de maternidad. A su primera creación la llamó “The poor boy sweater”, y comenzó a venderla desde la marca de su marido. Poco tiempo después, logró ser portada de la Revista ELLE y con ello, saltó definitivamente a la fama.

Sam Rykiel ayuda a crear la sociedad Sonia Rykiel MDL en 1965 y, a pesar de su divorcio, se fundó en 1968. De esa manera, Sonia abriría su primera tienda en la rue de Grenelle, en París. El sweater pasó a ser su máximo distintivo, llegando a ser consagrada por la revista norteamericana “Women's Wear Daily”, como “La Reina del tejido de punto”, en 1970.

Su estilo se puede definir como rebelde, aunque sofisticado, a la vez que chic y bohemio. Fue Sonia la primera que desestructuró las prendas, retiró los forros, las hombreras, todo lo que formaba el guardarropa de los años ‘50. En vez de la moda, propuso la “desmoda”, palabra inventada por ella para invitar a cada mujer a crearse un vestuario adaptado a su personalidad.

Sonia Rykiel fue la pionera de los movimientos llamados “conceptuales”. La ausencia de dobladillo y las costuras en la parte exterior de la prenda eran un gesto conceptual que no existía en la moda hasta entonces, y fue ella la primera que se animó a utilizarlos.

También fue la primera en imprimir palabras en sus sweaters.

En 1987, Sonia Rykiel multiplica las líneas de la marca: “Sonia Rykiel Enfant” (niños), “Inscripción Rykiel” 1989, “Rykiel Homme” (hombres) 1990, “Sonia Rykiel Parfums & Beauté” (perfumes y belleza) 1991, “Sonia Rykiel Accessoires et chaussures” (accesorios y calzado) 1992. Su hija Nathalie, directora artística y directora general de la marca desde 2000, también puso en marcha “Rykiel Woman” en 2002, “Sonia Rykiel Lingerie” en 2004 y “Body & Soul Karma” en 2005.

En 2001, en la “18ª Noche de Estrellas” de Nueva York, recibió junto con su hija, el “Premio de la moda” que premia a las familias reconocidas por el mundo de la moda . Actualmente su compañía está totalmente conformada por los miembros de su familia, mientras que ella lucha contra la enfermedad de Parkinson que padece desde el final de la década del ‘90.

19

Madeleine Vionnet ( Madeleine Vionnet, una creadora que se declaró “enemiga de la moda”, nació en el seno de una familia modesta y tuvo que dejar la escuela a los 12 años. Aprendió corte y confección y trabajó durante un tiempo en París.

Con 16 años se trasladó a Inglaterra y años después asumió la dirección del taller de la modista Kate Reilly. En el 1900, volvió a París y entró a trabajar en la prestigiosa casa de moda de las Soeurs Callot, donde se codeó con destacadas figuras del diseño. En 1906 fue contratada por Jacques Doucet para renovar la imagen de su casa de costura, y Vionnet la revolucionó proponiendo unos vestidos simples que liberaban el cuerpo, concebidos para llevar sin corsé y presentados con las modelos descalzas, que sedujeron especialmente a las actrices del momento. Fue en 1912 cuando decidió abrir su propia casa de moda llamada “Vionnet”, aunque, coincidiendo con la I Guerra Mundial decidió cerrarla para reabrir una vez más en 1918.

Vionnet no fue sólo una creadora vanguardista, sino también una empresaria vanguardista. Sus trabajadoras disfrutaron de unas condiciones que la ley no impondría hasta más tarde. Avanzada a su tiempo en lo que a mejoras sociales se refiere, sus trabajadoras la apodaron “la Grande Patronne”, se ocupó de su formación, creó una enfermería, implantó las vacaciones pagadas, fundó una mutual, concedía permisos de maternidad, e incluso quiso que algunas de sus empleadas participaran en la empresa.

Chilleurs-aux-Bois, Francia 1876 -

París, Francia 1975)

Madeleine fue una pionera en diseño conceptual. Sin dibujos preparatorios, creaba sus prendas directamente sobre un maniquí en miniatura que mas tarde ampliaba en escala al tamaño real. Su estilo, culto a la belleza de un cuerpo libre, se caracterizó por ser de una modernidad nunca vista hasta entonces; basándose en el drapeado del peplos griego (presente en su logo), que dejaba en libertad al cuerpo y que, al mismo tiempo, realzaba sus curvas naturales. Un estilo purista que llegaría a su máximo apogeo en los años ‘30, cuando las curvas de la mujer volvieron a estar presentes en la moda, pasado el momento garconne y rectangular de los años ‘20.

Vionnet se dedicó a una búsqueda constante de la coherencia entre el cuerpo y el vestido, lo que le llevó a innovar en las técnicas del corte, y el bies fue su marca de identificación. No lo inventó, pero llegó a dominar la técnica como nadie. Hasta entonces, el bies sólo se había utilizado en cuellos, bajos de mangas o adornos, y ella tuvo la idea de extenderlo a todo el vestido. Apasionada de la técnica, también investigó otras cualidades del tejido como la caída, el reflejo de la luz y la combinación de las dos caras (mate y brillante). Utilizó tejidos sutiles, como el crespón de seda, la muselina, el terciopelo o el satén e incluso en 1918, su proveedor, creó especialmente para ella un tejido compuesto por seda y acetato, , una de las primeras fibras sintéticas. Los colores que usaba eran clasicos clásicos, siendo su preferido el blanco en todos sus matices y evitaba recargar sus creaciones siendo muy sutil en los adornos.

Apodada la Euclides de la moda, por su precisión milimétrica, una rigurosa geometría dominaba sus creaciones, concibiendo los vestidos a partir de la repetición de figuras como cuadrados, triángulos, rectángulos o círculos. Bajo una aparente simplicidad, cada modelo conllevaba una estudiada estructura. Nada rompía la línea, simplicidad ni cierres ni botones, y la mayoría se pasaban por la cabeza, como si de un jersey se tratara.

Preocupada por las copias, como la mayoría de los diseñadores, registró sus creaciones. Cada vestido salido de sus talleres llevaba su firma, un número de orden especial y su huella digital; e hizo álbumes de copyright, fotografiándolos de frente, perfil y espalda con un número.

En 1939, coincidiendo con el inicio de la II Guerra Mundial, se retiró, cerrando sus talleres porque estaba cansada. Donó todos sus fondos de documentación, con los que mas tarde se pudo crear el Musée de la Mode et du Textile de París. Vionnet murió a los 99 años, después de una vida dedicada al respeto absoluto por el cuerpo femenino.

20

Mary Quant (

Londres, Reino Unido 1934)

Nació en Blackheath, Londres; deambuló por 13 colegios antes de entrar en la Escuela de Arte Goldsmith de la capital británica, donde supo que lo suyo era la moda. Trabajó como costurera en tiendas de Alta Costura y como diseñadora de sombreros. Conoció al trompetista y fotógrafo Alexander Plunket Green y se casaron en 1957. Dos años después abrieron su primera tienda llamada Bazaar en la King's Road de Londres, en sociedad con Archie McNair. Al principio revendía ropa de otros diseñadores, pero cuando se cansó de buscar lo que quería sin encontrarlo, empezó a ofrecer sus propios diseños.

La moda de Mary Quant estaba dirigida a los jóvenes. Su estilo era sencillo y colorista, llenos de diversión y fantasía, identificado siempre por el símbolo de la margarita. La nueva moda informal para jóvenes rompía con la “moda seria” que imperaba durante aquellos años. Trabajaba con materiales económicos, lo que hacía sus diseños más accesibles; hacía ropa al alcance de todas las economías. El conocido London Look de Quant significó la democratización de la moda, una moda moderna y barata. Para ello, puso fin a los modelos exclusivos e impuso la producción en cadena.

Corrían los años ‘60 cuando irrumpió, en las calles del mundo entero, la famosa minifalda de Mary Quant. Y aunque no fue ella la inventora, sino André Courrèges, no se discute que fue Mary quien la popularizó y la llevó al extremo, alcanzando los 34 cm en 1964.

Cargó con las críticas de la Iglesia y de los más puritanos, que la consideraron inmoral, y con la de prestigiosos colegas, como Coco Chanel, que creía que las rodillas, por ser la parte menos atractiva del cuerpo femenino, debían permanecer ocultas, a lo que Mary Quant respondió que “una mujer es tan joven como sus rodillas”.

Pero Mary no sólo puso de moda la minifalda, también puso de moda las medias pantys de colores, los impermeables de plástico, suéteres de canalé, los vestidos cortos y sin mangas, cinturones a la cadera, los pantalones cortos o “hot pants”, medias estampadas, pantalones campanas, botas altas por encima de la rodilla, tops calados, gafas con monturas de colores, corbatas masculinas. También estuvieron los maxiabrigos y las maxifaldas, que llegaban hasta los tobillos.

Sus diseños arrasaron durante toda la década de los 60 y principios de los 70. Las tiendas de Mary Quant se habian extendido por Gran Bretaña, toda Europa, Estados Unidos y Tokio.

Mary Quant promovió un arquetipo de mujer muy joven y delgada, encarnado a la perfección por la modelo Twiggy; de estética aniñada, piernas largas y pose desgarbada, se convirtió en una de las primeras modelos conocidas por el gran público. No solo Twiggy lucía sus prendas, también lo hicieron actrices famosas como Brigitte Bardot y Nancy Sinatra, entre otras.

La minifalda no sólo significó un trozo de tela más corto que otro y el lucir un poco más de muslo, sino que dio comienzo a la liberación para la mujer joven de aquella época. Se dice que “Mary Quant acortó la falda, pero agrandó a la mujer”.

En 1966, Mary Quant fué nombrada miembro de la Orden del Imperio Británico por su aportación al sector. Ese mismo año decidió expandir su negocio creando Mary Quant Cosmetics LTD, una línea que creció en los ‘70 y que fue un éxito rotundo: el esmalte de uñas azul y el delineador de ojos plateados fueron los productos mas solicitados.

Aunque siguió en el mundo de la moda, no volvió a disfrutar de la enorme popularidad que tuvo en los ‘60, por lo que decidió dejar atrás esas agitadas décadas y centrarse en sus negocios de cosmética. En la actualidad, Mary Quant vive en las afueras de Londres y todavía trabaja como consultora de la empresa que lleva su nombre, pero que fue absorbida por una gran firma japonesa.

21

Gabrielle Bonheur "Coco" Chanel (

Saumur, Francia 1883 -

París, Francia 1971)

Gabrielle "Coco" Chanel fue una diseñadora de moda, con una historia marcada por la pobreza, el abandono, el amor, la genialidad y la fama.

Hija de un vendedor ambulante y una ama de casa, ambos de escasos recursos, Gabrielle nació en un hospicio y su madre decidió darle el nombre y el apellido de la monja del lugar que se encargo de la pequeña, Gabrielle Bonheur. En permanente situación de escasez, sobrellevó a duras penas sus primeros años de infancia junto a sus cuatro hermanos, y siendo aún una niña tuvo que sufrir la muerte de su madre. El padre se desentendió de ellos, enviándolos al condado de Auvernia, al cuidado de las Monjas de la Orden del Sagrado Corazón de María, quienes tenían un orfanato. Con las cuidadoras del orfanato, Gabrielle aprendió a coser y manejar el hilo y la aguja con especial habilidad, lo que hizo que las monjas le consiguieran un empleo como costurera.

Hacía 1905 Chanel resolvió convertirse en cantante de un cabaret, con el objetivo de ganar dinero fácil a costa de sus amantes; trabajó de esto 3 años y así pudo introducirse en el mundo de los ricos, el divertimento y la farándula. Aspiraba a ser una cantante exitosa, pero gradualmente abandonó ese sueño.

De las relaciones que mantuvo en esta época, Coco Chanel esperaba obtener dinero para su otro gran sueño: ser una renombrada modista.

Su sobrenombre “Coco” tiene origen dudoso: según algunos, hacía referencia a un cariñoso apodo, y según otros surgió como una especie de nombre artístico, a partir de las melodías que entonaba, quizás el motivo más probable. Otra probabilidad es que fuese un apócope de “Cocotte” (mantenida).

Con la ayuda de uno de sus primeros amantes partió a París, y así en 1910 se instaló en un pequeño apartamento donde abrió su primera tienda de sombreros, “Chanel Modes”. Siempre apoyada económicamente por sus compañeros de cama, unos años más tarde se instaló en localidades que frecuentaban los ricos: Deauville (1912), Normandía (1913) y Biarritz (1915). Coco se vinculó con adinerados hombres de la sociedad europea y con estrellas del cine. No solía revelar su humilde pasado y mentía sobre sus orígenes simulando orígenes aristocráticos.

Fue el aristócrata francés Etienne Balsan quien la ayudó con su tienda de sombreros, pero su vínculo con el amigo de éste, el automovilista y jugador de polo inglés Arthur "Boy" Capel, fue lo que posibilitó su éxito. Con el apoyo de Balsan y Capel, Coco se había convertido en la gran dama de la moda, y además era pretendida por muchos aristócratas. Uno de ellos fue el Duque de Westminster, que le había sido presentado por Vera Bate Lombardi, sobrina de la Reina Victoria. También se relacionó con el Duque de Windsor.

En 1918 abrió en París su primera “Casa Chanel”, en el N° 31 de la Rue Cambon. Su asesora de relaciones públicas entre 1925-1939 y conexión con la nobleza británica fue Vera Bate Lombardi. En 1921 se alió con el empresario Pierre Wertheimer y su hermano Paul, para promover la creación del perfume Chanel Nº5 al cual se le puso este nombre porque era el quinto perfume de Coco Chanel, creado por Ernst Beaux. En 1927 se hizo construir la “Villa La Pausa”, en la Riviera francesa sobre terrenos comprados por el Duque de Westminster. Allí sería amante del diseñador y decorador vasco Paul Iribarnegaray, notable exponente del Art Decó, con quien se comprometió en 1933, pero que fallece al poco tiempo. Chanel conoció a importantes escritores y artistas, entre ellos estaba el artista contemporáneos Ígor Stravinski, el coreógrafo ruso Sergéi Diaghilev, George Bernard Shaw y Jean Cocteau, etc. Muchos la vieron como a una pionera del feminismo. Stravinski se enamoró perdidamente de ella, pero tuvo que conformarse con ser su amigo. Fue él quien le presentó al conde Dimitri Románov de Rusia. En 1931 el magnate hollywoodense Samuel Goldwyn, a quien conoció por intermedio del duque Románov, la contrató por un millón de dólares para que vistiera a sus grandes musas, como Katharine Hepburn, Grace Kelly, Elizabeth Taylor y Gloria Swanson.

Coco marcó la pauta de la moda durante los “locos años 20”, pero ni siquiera su pasado como enfermera durante la I Guerra Mundial pudo impedir que su reputación cayera por los suelos durante la II Guerra Mundial, conflicto que la golpeó en todos sus frentes. En 1939, Chanel cerró sus tiendas y durante la ocupación alemana de Francia residió en el Hotel Ritz, lugar de residencia que fue elegido en 1940 por los altos comandos militares nazis. Se rumoreó un romance con el jefe de inteligencia nazi, el barón Hans Günther von Dincklage, quien le permitió su estancia en el hotel. En 1943, Chanel se volvió a encontrar en Roma con su amiga Vera Bate Lombardi, para reanudar trabajos aunque en realidad ella era un encubrimiento de la “Operation Modellhut”, un intento de su amante nazi Walter Schellenberg (alto oficial de las SS y jefe de la Oficina Central de Seguridad del Reich) para establecer contacto con su pariente, el primer ministro Winston Churchill. Lombardi desistió de establecer esos contactos y fue arrestada y encarcelada en Roma por la Gestapo. También se sugirió que Coco tuvo relaciones con el capitán de la SS Walter Kutschmann, responsable de la exterminación de judíos a comienzo de la guerra en Polonia. Poco tiempo después Coco cedió sus derechos sobre su marca de perfumes a los Westheimer y posteriormente vendió “La Pausa”.

Algunos biógrafos presumen que Coco Chanel como oportunista que era no desestimó colaborar con los nazis como para facilitar sus relaciones sociales en esa época. Chanel fue encarcelada e interrogada por la FFI (Forces française de l'intérieur), estuvo a punto de ser declarada colaboracionista; pero fue finalmente exonerada y pudo abandonar París en 1945, mudándose (huyendo) con muy bajo perfil a Lausana en Suiza. Según el biógrafo Hal Vaughan, Coco Chanel era ferozmente antisemita; sin embargo, la empresa Chanel niega estas acusaciones.

En 1954 y con 71 años, Coco regresa a Francia para reabrir su casa de moda, pero ya otros diseñadores de renombre se habían instalado en su trono.

Se mantuvo al frente de la firma con un extraordinario dinamismo y adaptándose a las diversas tendencias que recorrían el mundo. Dominada por la artrosis y la morfina, Chanel fallece a la edad de 87 años. Su cuerpo yace en Lausana, Suiza, resguardado por cinco leones de piedra. Actualmente la casa de moda Chanel sigue funcionando dirigida por Karl Lagerfeld.

22

Gabrielle Bonheur "Coco" Chanel (

Saumur, Francia 1883 -

Coco Chanel fue una visionaria, logró interpretar a tiempo la opresión que sentían las mujeres, cansadas de corsés y bustos entallados, de sombreros con plumas, pájaros y tules, las mujeres gritaban al mundo la necesidad de un cambio que les permitiera “libertad de movimiento”. Chanel rompió con la opulenta y poco práctica elegancia de vestir de la Belle Époque e inauguró la era de la ropa informal y cómoda.

Lo primero que hizo fue suprimir el corsé del traje femenino para dar mayor libertad de movimientos a las mujeres. Dos años más tarde introdujo el punto en sus colecciones, un tejido que nadie había utilizado hasta entonces para la Alta Costura pero que encantó a sus clientes. Con punto confeccionó el jersey, una prenda casi masculina, que fue seguida por la charming chemise dress, un vestido-camisa sin cintura ni adornos que realzaba el busto femenino. Sus innovaciones fueron aún más lejos: no sólo se atrevió a acortar la longitud de las faldas y a descubrir el tobillo femenino, sino que forzó a las mujeres a cortarse el pelo cuando una noche apareció en la Ópera con el cabello corto. Acababa de crear el estilo garçon, que marcó el final de una época. Tuvo la audacia de exponerse al sol cuando el broceado se consideraba sinónimo de plebeyez, y también de imponer su extrema delgadez. Realizó faldas plisadas de estilo marinero, trajes de talle bajo, pijamas playeros, corbatines e incluso, pantalones femeninos. Fue Chanel quien lanzó el impermeable, los trajes de tweed escocés con bisutería llamativa, el zapato de punta redonda y el célebre bolso con cadenitas doradas que se llevaba en bandolera. Creó también el célebre “vestidito negro” o “little black dress” (”la petite robe noire”, como se lo conoce en su idioma original); un vestido de tarde o cóctel de corte simple y frecuentemente corto, originalmente pensado para ser duradero, versátil, acogedor, accesible al mercado más amplio posible y en un color neutro. Chanel consagró los colores negro, blanco y beige y durante sus años al frente de su Casa de Modas no los abandonó e incluso pudo sobrellevar con éxito el Art Decó y convertirse en una de sus iconos. Otro de los revolucionarios aportes de Chanel a la moda femenina fue el zapato de tacón bajo, un lanzamiento subversivo en plena década de los ‘50, cuando los zapatos de tacón de aguja se hallaban en su apogeo.

Coco Chanel siempre se mantuvo alejada del “new look” instaurado por su competidor Christian Dior, quien con sus figurines entallados y ampliadas faldas quiso devolver a la mujer el glamour que, según él, Coco les había quitado.

Aunque nunca estuvo dispuesta a diseñar para las grandes masas y elevaba el precio de sus creaciones porque sabía que con eso las haría exclusivas, estuvo dispuesta a democratizar el lujo al crear en 1923 su perfume Chanel N° 5. Se trataba de una mezcla única de aldehídos y sustancias florales destinada a terminar de una vez con los afectados polvos perfumados de violeta de las décadas precedentes. Aún en la actualidad es uno de los más vendidos del mundo, y su inmenso éxito facilitó el sostén del imperio. La actriz Marilyn Monroe fue quien popularizó y convirtió la fragancia en un símbolo cuando, durante una entrevista, aseguró a los reporteros que unas gotas del Nº 5 era lo único que llevaba puesto para dormir. Luego llegaron otros perfumes, como el Nº 22 y el Nº 19; y para hombres, el Cristalle y el Antaeus. En los años ‘30 creó su primera línea de cosméticos, compuesto por un lápiz labial, polvos traslúcidos y colorete, con los que consiguió ubicarse en el mercado del maquillaje.

La vida de Coco Chanel fue la vida de una mujer tenaz, provocadora, transgresora pero por encima de todo la de una mujer trabajadora.

París, Francia 1971)

23

Giorgio Armani (

Piacenza, Italia 1934)

Giorgio Armani es un diseñador de moda italiano principalmente conocido por su ropa de hombre.

Aunque su primera afición fue la fotografía, Giorgio Armani estudió Medicina en la Universidad de Milán y, tras cumplir el servicio militar en 1957, comenzó a trabajar en los grandes almacenes La Rinascente como diseñador de escaparates. Entre 1961 y 1971 fue diseñador en Nino Cerruti y, tras abandonar esta firma, decidió abrir la suya propia. En esos años, trabajó también para Hugo Boss. En 1975 fundó, junto a su socio Sergio Galeotti, la sociedad Armani, dedicada a la moda masculina. Su hermana, Rosanna Armani, se incorporó posteriormente a la empresa cuando ya había comenzado a diseñar la línea femenina.

Armani se empeñó en que sus colecciones incluyan algo para todos los bolsillos, comenzando por las líneas de Alta Costura como Giorgio Armani y Armani Privé, para ir bajando los precios en las marcas de Armani Collezioni, Emporio Armani, Armani Jeans, Armani Junior y Armani Exchange (A I X). Ademas de las prendas de vestir y los accesorios de moda como joyas, relojes y gafas, la compañía diseña y fabrica productos en otras categorías, entre las que encontramos: Armani Cosmetics, caracterizada por vender cosméticos, accesorios para el cuidado de la piel, perfumes y colonias; Armani Casas, que se caracteriza por vender muebles, lámparas, ropa de cama, comedores; Armani Dolci, dedicado a la chocolatería fina; y también Armani Hoteles.

Armani buscó recuperar una prenda como el saco masculino, para luego convertirlo en el sello de identidad de la Casa Armani. Revolucionó el diseño de los sacos “desestructurándolos”, eliminando el soporte interno (forros interiores y hombreras), cambiando los botones de lugar y modificando las proporciones tradicionales. Sus prendas se caracterizan por ser, habitualmente de líneas rectas y más bien sobrias, siempre confeccionadas con materiales selectos. Sus colecciones de mujer inciden en una estética más bien andrógina, no resaltan las formas y más bien buscan una estilización realzando la verticalidad. No abusa del colorido, si bien incluye ocasionales aplicaciones de pedrería e hilos metálicos. Armani es considerado un label o garantía de elegancia contenida. Su moda no experimenta quiebros o cambios rápidos, y muchos potentados la consideran un recurso infalible para vestir en las grandes ocasiones.

Frecuentemente viste a grandes estrellas de Hollywood, tanto dentro de las películas como en sus apariciones públicas. Es un diseñador recurrente entre las estrellas que acuden a las entregas de los Premios Óscar.

Sus diseños para la película American Gigolo, con Richard Gere, ayudaron a su entrada en el mercado estadounidense.

También se encargó del estilismo de la película Phenomena, del director italiano Dario Argento. Vistió también a los equipos de fútbol de Italia e Inglaterra y al personal de las líneas aéreas de Alitalia.

Georgio Armani es un sagaz hombre de negocios, hábil al modular la creatividad y la fantasía de acuerdo a las nuevas necesidades de la vida moderna.

24

André Courrèges (

Pau, Francia 1923)

André Courrèges es un diseñador de moda francés, principalmente reconocido por sus diseños futuristas.

Desde pequeño fue influenciado por el vestuario al observar los finos trajes que su padre llevaba a casa, desde su trabajo de mayordomo, cuando éstos eran dados de baja por la familia donde trabajaba. André inició los estudios de ingeniería, pero inmediatamente fue atraído por la moda y decide estudiar diseño y textiles.

A los 25 años se traslada a París, donde se encuentra con su real pasión, el vestuario; decidiendo trabajar en la empresa de diseño textil Geanne Lafaurie; aquí aplica los conocimientos que adquirió en su formación con respecto a la arquitectura. Luego de unos meses, es contratado por “el Arquitecto de la Alta Costura”, Cristóbal Balenciaga. Sus primeros trabajos fueron como cortador de telas, y luego de 11 años (1950 – 1961) llega a ser su asistente. Allí se acerca realmente a la experiencia del trabajo de la Alta Costura, profundiza sus conocimientos, aprende las bases de la profesión de modisto y conoce a la que se convertiría en su esposa, Coqueline Barrière, quién lo ayudará posteriormente en sus proyectos. En 1961 deja la casa Balenciaga y decide hacer vestuario en solitario. Con la ayuda de quién fuera su maestro, abre una boutique en París, en el N° 48 de la avenida Kléber, con tan sólo dos costureras y su esposa.

En su debut en la escena de la Alta Costura francesa, Courrèges inauguró un concepto de estilo revolucionario, llamado “ vestuario de la Era Espacial” (1964), ya que el contexto filosófico de la época era la innovación del espac espacio. La colección fue pensada para ser el uniforme unisex de una forma de vida “Espacial”, esta vestimenta sin embargo era muy sexy. Sus formas estaban influenciadas por la geometría, con triángulos, cuadrados y trapezoides. En cuanto al color, trabajo el blanco intenso, la transparencia y lo “luminoso”. Este nuevo estilo incluía lentes de sol de gran tamaño, botas y vestidos cortos para otorgar mayor comodidad y libertad en el movimiento; también introduce al vestuario la “minifalda”, que se propaga rápidamente por todo el mundo Tanto comoTanto la diseñadora inglesa porCourrèges todo el mundo.

Courrèges como la diseñadora inglesa Mary Quant se han proclamado como los inventores de la minifalda. Las botas blancas de corte transversal, llamadas “go-go” fue otro revolucionario estilo que Courrèges introdujo en sus Looks y en la Alta Costura; el diseño de éstas se asemejaba a las botas de los astronautas.

El nuevo estilo de Courrèges dio la vuelta al mundo de la misma manera que el New Look de Dior, excepto que el de Dior era muy parecido a una época que ya no existía, mientras que el de Courrèges no se parecía en nada a los estilos tradicionales. La Revista “Women's Wear Daily” definió como “el Le Corbusier de la Alta Costura parisina” Para el año 1965, su colección de minifaldas había sido extremadamente plagiada alrededor del mundo. Como consecuencia de esto, Courrèges decide vender parte de su negocio a L’Oreal, además de cerrar las puertas de su casa de modas para dedicarse solo a encargos individuales. Sin embargo, un año más tarde abre nuevamente, pero esta vez con tres marcas, en un intento por combatir los plagios: “Prototype”, “Couture Future” y “Hyperbole”, este último era de estilo casual y económico.

Su momento como ícono de la moda terminó a finales de la década de los 60's, cuando lo espacial dejo de ser nuevo, aun así su influencia continúa a través de los patrones de vestuario que se venden actualmente las boutiques. En 1967 creó una colección de prêt-à-porter y en 1973 comenzó a diseñar moda masculina y perfumes. Empreinte y Eau de Courrèges, son creaciones suyas en perfume. En 1983 el grupo japonés Itokin, compró el 65% de las acciones de Courrèges a L’Oreal.

25

Óscar de la Renta (

Santo Domingo, República Dominicana 1932)

Óscar Arístides Renta Fiallo, hijo de un reconocido agente de seguros que financió su viaje a España, a los 18 años, para estudiar pintura en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. En España descubre su interés por el mundo de la moda, dando sus primeros pasos junto al mítico Cristóbal Balenciaga, de quien se considera uno de sus mejores discípulos. Su primer éxito trabajando para el Taller Balenciaga, fue crear el boceto del vestido para Beatriz Lodge, hija del embajador de Estados Unidos en España, quien además fué portada de la revista Life luciendo el diseño que recorrió el mundo. En 1961, Antonio Castillo lo contrata como Asistente de Costura en la casa Lanvin de París. Dos años mas tarde viaja a los Estados Unidos, buscando adentrarse en el diseño de moda prêt à porter. Sin embargo, una vez en Nueva York, Óscar de la Renta decide continuar diseñando Alta Costura, esta vez trabajando como Director Creativo de Elizabeth Arden, quien buscaba expandir su línea de belleza e incluir la moda. Óscar de la Renta fue el enfoque de la promoción de esta línea, con lo que consiguió mayor reconocimiento en el mundo de la moda. En 1965 se une a la diseñadora Americana Jane Derby, con quien presenta al público su primera línea de ropa prêt à porter. Tras el fallecimiento de Derby ese mismo año, Óscar se hizo cargo de la firma y al año siguiente cambiaría el nombre de la compañía a “Óscar de la Renta”.

En 1967 contrajo matrimonio con Françoise Langlade, editora de moda de la revista Vogue. En 1989 se casa por segunda vez, esta vez con Anne France Engelhard (Annette), con quien adoptó un hijo: Moisés de la Renta.

En 1993 Óscar de la Renta es nombrado Director Creativo de la firma Pierre Balmain, convirtiéndose así en el primer americano al frente de una casa de moda parisina. Su primera colección para Balmain se presentó en 1994 y supuso un éxito rotundo tanto de crítica como de ventas. Casi una década después, en 2002, de la Renta abandona la dirección creativa de Balmain.

Los diseños del dominicano se caracterizan por ser femeninos, estilizados y con un corte que tiende hacia lo clásico. Las prendas están dirigidas a mujeres de clase media alta, que han superado la veintena y que buscan en los diseños ligeramente drapeados y glamorosos de la marca un fiel aliado que estilice sus figuras. Con el paso de los años, su emporio se ha extendido a todo tipo de productos, desde ropa para hombres y perfumes, hasta bisutería y muebles. No en vano, todo lo que de la Renta toca se convierte en oro.

Su exitosa carrera se ha visto respaldada por numerosos premios y cargos importantes. Fue elegido dos veces presidente del Consejo de Diseñadores de América en los años ‘70 y ‘80. Fue designado por el CFDA como Diseñador del Año 2000. Recibió el Premio Leyenda Viviente, dos premios Críticos Americanos de Moda Coty e incluso un Salón de la Fama Coty. Y en España recibió el popular premio Aguja de Oro, en 2002. Óscar de la Renta es uno de los grandes nombres de la Alta Costura internacional que se mantiene aún hoy en activo.

Sus diseños se han convertido en objeto de deseo por parte de mujeres de todo el mundo.

26

Hubert de Givenchy (

Beauvais, Francia 1927)

El Condé Hubert James Marcel Taffin de Givenchy, más conocido como Hubert de Givenchy, es una leyenda viva de la moda. Su nombre suena cada vez que se habla de los diseñadores más importantes de la historia.

La familia Taffin de Givenchy tiene sus raíces en Venecia (Italia). El apellido original era Taffini y fue ennoblecido en el año 1713, en la cual el jefe de la familia se convertiría en marqués de Givenchy. Después de la muerte de su padre, Lucien Taffin de Givenchy (1888-1930), el hermano mayor de Hubert, Jean-Claude de Givenchy (1925-2009), heredó el marquesado de la familia. Los hermanos Givenchy fueron criados por su madre, Béatrice Badin; y por su abuela materna , Marguerite Dieterle Badin.

A Givenchy simpre le llamó la atención el mundo de la moda, tanto es así que se desvió del camino que su familia aristócrata querían para él, el de la abogacía, y estudió Bellas Artes en París. Sus inicios en el mundo de la moda y sus primeros diseños los realizó trabajando para Jaques Fath en 1945, una asociación que le llego a través de los miembros de la familia que conocían personalmente a Fath.

Mas tarde trabajó y realizó diseños para Robert Piguet y Lucien Lelong (1946). También trabajo junto a Pierre Balmain y Christian Dior. Desde 1947 a 1951 trabajó para la revolucionaria diseñadora Elsa Schiaparelli. En esta etapa tuvo la oportunidad de conocer a Cristóbal Balenciaga, al que hace poco en una entrevista reconoció como “su Dios”. Su relación con la Casa Balenciaga, estaba basado en la confianza, tanto que Hubert podía ver las últimas colecciones antes de que sean presentadas en público, En 1952, y con el apoyo de Balenciaga, abrió su propio taller: la “Maison Givenchy”, en la Avenida George V de París. Hubert supo aprovechar los diferentes matices de sus otros maestros logrando, en conjunto con sus propios ideales, un conglomerado de estilos que dio vida a sus sublimes diseños.

El momento mas importante en la carrera de Givenchy llego de la mano de dos mujeres: Audrey Hepburn y Jackie Kennedy. Durante la década de los ‘50 y los ‘60, ambas fueron musas y embajadoras de sus creaciones, que representan a la perfección el estilo de la casa en el mundo entero. Su relación con Audrey comenzó cuando ésta iba a rodar “Sabrina” y fue enviada al diseñador para que decidiera su vestuario en la película. A partir de ahí se forjó una gran amistad y el modisto seria el encargado de vestir a la actriz en todas sus grandes películas. Otras clientas destacadas fueron las actrices Liz Taylor, Jean Seberg y Grace Kelly.

Givenchy lanzaba colecciones innovadoras, con colores frescos y llamativos que daban nuevos aires al mundo de la Alta Costura, diseños de un porte tal que destellaban el arte y la creatividad indiscutible de su creador. De la mente y visión de Hubert nacieron entre otras cosas la blusa Bettina, los vestidos de noche ajustados en el pecho y sueltos debajo que se usaban con faldas o pantalones así como el estilo trapecio o globo.

Givenchy abarca un gran imperio que incluye Perfumes, Alta Costura, Prêt-à-porter, etc. En 1988 Hubert vendió su empresa al gigante LVMH, aunque se mantuvo activo hasta 1995. En ese momento le sucedió John Galliano en la dirección artística de la casa; y luego siguieron otros diseñadores, como Alexander McQueen y Julien McDonald. El último en alcanzar la jefatura del Prêt à Porter y la Alta Costura fue Riccardo Tisci, en 2005.

Tal vez no fue uno de los grandes innovadores de París, pero aun así causó una gran influencia.

27

Calvin Richard Klein (

Nueva York, Estados Unidos 1942)

Calvin Richard Klein nació en el área del Bronx, en Nueva York. Interesado en la moda desde la niñez, el joven Klein aprendió cómo bosquejar y coser, y llevó sus habilidades con él a la Escuela Secundaria cuando tomaba clases de Arte y Diseño.

Luego obtuvo una beca para estudiar en el New York’s Fashion Institute of Technology, donde se graduó en 1962.

Su primer trabajo fue en una tienda ubicada en la 7ª Avenida de New York, en la que vendía abrigos, y donde ccomenzó a ganar experiencia en el mundo de la moda.

En 1968, Calvin Klein fundó la compañía Calvin Klein Limited. Su amigo de la infancia Barry Schwartz le prestaría los diz mil dolares con que Klein pudo iniciar la operación de la recién creada empresa; un mes mas tarde Barry se uniría como socio a Calvin Klein Ltd. Con el talento de Klein para el diseño y el de Schwartz para el negocio, lanzaron su primera línea de ropa que consistía

consistía en abrigos para hombres y mujeres. Mas tarde incluirían la ropa deportiva, prendas con patrones y trajes.

En 1969, Klein apareció en la portada de la revista Vogue. Para 1971, sus diseños de ropa deportiva, chaquetas clásicas y lencería fueron añadidos a su colección de ropa para dama. En 1973, recibió por primera vez el Coty American Fashion Critics' Award, por su colección de ropa para dama. Luego lo volvió a ganar durante los dos años siguientes años siguientes, lo que le ayudó bastante para consolidar su carrera y su marca.

El gran éxito de Klein dentro de la industria de la moda se debe al lanzamiento de su primera línea de pantalones de jeans en los ‘70.

Para el año 1977 el Imperio Klein contaba con licencias en bufandas, cintos, zapatos, lentes de sol, sabanas, cosméticos, jeans, ropa para hombres, entre otros.

Los anuncios de Calvin Klein fueron pioneros, a la vez que polémicos. La marca se hizo conocida por su primera campaña con la actriz y modelo Brooke Shields, quien lucia unos jeans junto a la frase “Nadie se interpone entre yo y mis Calvins”. Otras publicidades exitosas incluyeron a modelos como Antonio Sabato Jr. y Kate Moss, el actor Mark Wahlberg o el futbolista Freddie Ljungberg. Klein fue uno de los pioneros en la creación del símbolo sexual masculino a través de la publicidad.

Los diseños de Calvin Klein siempre han sido simples.

Sus trajes están diseñados para ser usados con cualquier otra cosa en la línea de la ropa Calvin Klein, ampliando así las opciones de la marca. Los diseños de tonos neutrales de Calvin Klein revolucionaron la industria, con un estilo básico y minimalista. Su estilo “casual chic” es usado por mujeres de todas las edades, y han resistido la prueba del tiempo desde 1960.

Además de la ropa, Klein alcanzó un enorme éxito internacional con su linea de fragancias. Sus primeros perfumes fueron “Obsesión”, “Eternity”, “Escape” y “Contradiction”. Mas tarde, seria el primero en lanzar una línea de fragancias unisex, con “CK One” y “CK Be”.

En diciembre de 2003, Calvin Klein Inc. fue adquirida por la firma Phillips-Van Heusen Corp., el mayor fabricante de camisas de EEUU. Actualmente, el diseñador líder de la marca CK es el brasilero Francisco Costa, quien luego de la venta a Van Heusen, tomó el control de la línea de diseño mientras que Klein pasó a trabajar únicamente como asesor.

28

Donna Karan (

Nueva York, Estados Unidos 1948)

Donna Karan nació en el seno de una familia relacionada con la moda, su padrastro era un sastre y su madre una modelo. Su verdadero nombre es Donna Faske Ivy, pero mas adelante adoptaría el primer apellido de su primer marido, Mark Karan. Se graduó en la Hewlett High School en 1966 y luego estudio diseño en el Parsons School of Design de Nueva York. Una vez graduada, consiguió rápidamente su primer trabajo con la diseñadora Anne Klein. En el año 1971 dejó de mantener una relación de dependencia con la casa Klein para ser nombrada como socia de la diseñadora. En 1974, y tras la muerte de Anne, Karan fue contratada para ser su sucesora al frente de la Casa de Modas Klein, pasando así a ser la Jefa de Diseño.

Al principio de los años ‘80 conoció a Stephen Weiss, un escultor y pintor profesional con el que se casaría en 1983. Incentivada por su segundo marido, Donna Karan decide crear su propia marca: “Donna Karan New York”. Los dueños japoneses de la firma Anne Klein apoyaron a Karan financieramente para empezar su propio negocio, con tres millones de dólares, en 1984. En ese momento, Weiss dejó de trabajar como escultor para ayudar a Donna con su nueva compañía. Él fue toda una inspiración, no solo para la colección masculina, sino que además se hizo vicepresidente y después estuvo principalmente a cargo de los cosméticos de la compañía.

Karan mostró su primera colección para mujeres en 1985.

Rápidamente alcanzo el éxito y lo que la hizo famosa en la industria de la moda fue, principalmente, su línea de trajes elásticos. También se hizo conocida por su línea de gran éxito “esenciales”, que inicialmente ofrecía 7 piezas que todas podían mezclarse y combinarse; creó así un vestuario totalmente integrado. Enseguida muchas mujeres en los Estados Unidos querían su ropa, que parecía sofisticada y elegante, pero a la vez simple y funcional, de preferencias en negro, blanco o gris.

Donna Karan ha realizado desde simples y básicos vestidos hasta los mas glamorosos vestidos de edición limitada, pintados a mano. Según su concepción del diseño: “…todo empieza y termina en el cuerpo, su expresión sensual, la libertad de movimientos y la seguridad contenida…”.

En 1988, Karan es apodada como “La Reina de la Séptima Avenida”, y poco a poco fue transformando su casa de modas en un enorme Imperio. Primero, la línea para mujeres “Donna Karan New York” se amplió hacia una línea mas accesible económicamente y dirigida al público joven, que se llamó DKNY. También estaba la línea de ropa masculina y las línea DKNY Jeans y DKNY niños. Luego aparecieron las línea DKNY de belleza, que incluían los cosméticos y perfumes; la línea de ropa de cama, etc.

Donna Karan ganó numerosos premios a lo largo de su carrera, entre ellos estuvo el “Coty Award”, que obtuvo en 1979, 1981 y 1984 1984. Este premio era el mayor honor a la moda en EEUU para esos tiempos. Luego de ganar el tercero entró en el “Coty Hall of Fame”. El Consejo de Diseñadores de Moda de América (CFDA) la nombró Diseñadora del Año de ropa masculina en 1992 y Diseñadora del Año de ropa femenina en 1990 y 1996. En el año 2001 Karan vendió su marca al grupo LVMH, pero continúa al frente de sus diseños. La diseñadora también ha fundado diversas organizaciones benéficas, entre las que se encuentra la iniciativa “Urban Zen Initiative”.

Christian Lacroix (

29

Arlés, Francia 1951)

Christian Lacroix es un famoso diseñador de modas de origen francés, su llegada a la moda supuso una inyección de vitalidad por su estilo neobarroco, lleno de color y riqueza. De pequeño era un gran entusiasta de las corridas de toros, los eventos de los gitanos y las tradiciones populares de su lugar natal. Solía pasar tiempo en museos y también leía en casi todo su tiempo libre. Lacroix se graduó de la secundaria en 1969 y empezó a estudiar Historia del Arte en la Universidad de Montpellier. En 1971 se matriculó en la Universidad “Sobornne” de París , y una vez que realizó una serie de cursos allí ingreso en 1973 a la prestigiosa École du Louvre, para estudiar museología. Sus aspiraciones, durante sus estudios, fueron siempre las de convertirse en conservador de arte.

Los años ‘70 fueron de importancia para Lacroix, por un lado conoció a Françoise Rosenthiel, con quien contrajo matrimonio en 1974, y por otro lado conoció a uno de sus mejores amigos, JeanJacques Picart, quien estaba involucrado en diversas casas de Alta Costura y ayudó a Lacroix para que comenzara a trabajar en la compañía francesa de modas Hermès, en 1978, como diseñador de calzado independiente. También trabajó como asistente de diseño de Gyu Paulin. Luego de graduarse de la École du Louvre, en 1981, tiene su primer encuentro con la Alta Costura al entrar en la casa de modas de Jean Patou. Fue por una colección dentro de la Casa Patou que, en 1986, recibió su primer “Dedal de Oro”. Un año mas tarde recibe el Premio al Mejor Diseñador Extranjero en manos del “Council of Fashion Designers of America”. En 1987 Lacroix deja Patou y lanza su marca personal, apoyando por la empresa líder mundial del lujo “Moët Hennessy - Louis Vuitton S.A” (LMHV). Habían pasado 20 años sin que una casa de Alta Costura abriera sus puertas en París. Un año después de la apertura ganaría su segundo “Dedal de Oro”.

Lacroix había revolucionado el mundo de las pasarelas con un estilo desenfadado, lujoso y a la vez juvenil, de líneas recargadas donde brilla la maestría de los artesanos de la costura. En su primera etapa como diseñador independiente desarrolló una de sus aportaciones más importantes: la falda gloobo “Le Pouf” que pronto se convertiría en un icono de su legado. En 1989 presenta su primera colección Prêt-à-porter, cuyos diseños se inspiraban en diversas culturas y eran sencillos y cómodos de usar a diario. En la década del ‘90 lanza su perfume “C'est La Vie” y a partir de ese momento la marca se expande al mercado de accesorios, gafas, calzado, sombrero, bolsos, joyería, bufandas y cintos. En el año 2002 es nombrado director creativo de la casa Pucci, cargo que mantuvo durante tres años. Ese mismo año recibe la insignia de Caballero de la Legión de Honor con motivo de los 15 años de su casa de modas. Sus actividades creativas se diversifican y lanza lineas de Jeans, Hogar, ropa para niños y lencería entre otros rubros. Realizó también numerosos trajes para el teatro y recibió dos veces el Molière como Mejor Creador de Vestuario, tanto para “Phèdr” como para “Cyrano de Bergerac”, ambos en la Comédie Française. En 2006 es nombrado Presidente del Centro Nacional del Traje de Escena.

La crisis económica del nuevo siglo afecto fuertemente a la casa de modas Lacroix. Ante este panorama, la firma LMHV se vio obligada a vender la marca al grupo estadounidense Falic, alegando que en casi dos décadas de existencia habían logrado obtener beneficios en muy escasas ocasiones. Tras negativos intentos de Christian Lacroix por mantener sus talleres, se tuvo que declarar en suspensión de pagos y caer en la bancarrota. A pesar del renombre que Lacroix disfrutó durante las décadas del ‘80 y ‘90, y siendo considerado uno de los diseñadores más influyentes y admirados, no fue suficiente para afrontar los problemas económicos. Su última colección de Alta Costura se presentó en julio de 2009 y marcó el final de su nombre en el mundo de la moda.

Cuatro años después del cierre, Lacroix regresaría al selecto club de la Alta Costura, pero esta vez para presentar la primera colección que representó el regreso de la marca Elsa Schiaparelli a las pasarelas. La colección consistía en 15 diseños de un deslumbrante homenaje a la legendaria modista; actualmente se exponen como obras de arte en el Museo de Artes Decorativas de París.

Karl Lagerfeld (

30

Hamburgo, Alemania 1939) Conocido como el “Kaiser de la moda”, Karl Otto Lagerfeld es uno de los diseñadores más importantes del mundo, ha pasado por innumerables firmas internacionales y es amado y odiado en partes iguales.

Su padre, Christian Lagerfeld, era miembro de una familia de banqueros sueca que hizo su fortuna al introducir la leche en polvo en Alemania. Su madre, Elizabeth, era una alemana violonchelista que poseía una gran fortuna. A los 17 años Karl se mudó a París, donde encontró su amor por la moda. En poco tiempo ganó un concurso de diseño otorgado por la “International Wool Secretariat” en 1954, donde el premio fue ser asistente de Pierre Balmain. También fue aprendiz y colaboró con la firma italiana Krizia y otras marcas mas de prêt-a-portèr, como Valentino y Charles Jourdan. Después de darse cuenta que no le gustaba ser asistente, entró a la Casa de Modas Jean Patou, donde empezó a destacarse por su habilidad de diseñar. Ya con una gran experiencia sobre sus hombros se unió a la Casa de Modas Chloë, en 1963 y permaneció ahí durante 20 años. Sus exquisitos y costosos vestidos para Chloë fueron un estándar en la Alta Costura y estuvieron en el tope de las ventas. En 1965 se inició en el diseño de colecciones de piel para la firma italiana de modas Fendi, donde actualmente es el director creativo.

Luego de presentar su última colección para Chloë en 1983, recibió el llamado de Alain Wertheimer, presidente de la firma Chanel, pidiendole diseñar para la marca. Desde ese momento, Karl tomó una completa responsabilidad por Chanel, donde aún hoy se mantiene al mando de las creaciones de prêt-àporter y Alta Costura. Los primeros años estuvieron llenos de críticas, se decía que había ido demasiado lejos, y que Chanel había perdido su estilo clásico y elegante. Hoy en día se piensa muy diferente, Karl hizo que la marca renaciera y siguiera como una de las casas de diseño más conocidas en el mundo. En 1975 Karl lanzaría su propia compañía de fragancias, llamada Parfums Lagerfeld; y en 1984 lanzó su línea de moda bajo su propio nombre, con colecciones de hombre y mujer, vestidos de novia, accesorios, gafas, etc. Entre su enorme abanico de productos, la línea más destacada ha sido la de jeans unisex K Karl Lagerfeld.

Lagerfeld ha sido referido como un intelectual de la sensualidad, lo cual describe muy bien la ropa que él diseña.

Su influencia es considerable ya que no teme hacer un verdadero juicio de la moda, tiene mucha confianza en si mismo y por eso toma nuevos rumbos con coraje y nunca mira hacia atrás. Sus colecciones muestran un concepto total pero cuando tiene un nuevo punto de vista o introduce un cambio lo hace muy audazmente y con mucha convicción.

31

Carolina Herrera (

Caracas, Venezuela 1939)

María Carolina Josefina Pacanins Niño, mas conocida como Carolina Herrera, es una diseñadora de moda venezolana, nacionalizada estadounidense y reconocida internacionalmente.

Carolina Herrera nació en el seno de una familia de terratenientes. Su infancia transcurrió feliz, rodeada de lujo, privilegios y dedicada a sus caballos y perros. Su madre, María Cristina Pacanins impartió a Carolina una educación estricta y disciplinada. Con 13 años viaja con su abuela a París donde presencia un desfile del diseñador español Cristóbal Balenciaga. Este fue su primer contacto con la Alta Costura, y aunque le gustó la experiencia, no pensó dedicarse a la moda. A sus 18 años, Carolina contrae matrimonio con Guillermo Behrens Tello separándose a los 6 años; de esa unión nacen dos hijas Mercedes y Ana Luisa Behrens. Al poco tiempo, se reencuentra con Reinaldo Herrera Guevara, un amigo de la infancia, con el que se casa en 1968 y tiene también dos hijas, Carolina Adriana y Patricia Cristina Herrera.

Sus años de casada transcurren entre viajes y las legendarias fiestas organizadas por su suegra, Mimi Herrera Uslar. Su suegra fue la gran dama de la elegancia caraqueña, reconocida por su educación esmerada y una gran personalidad, que vivía en un castillo del siglo XVI. Allí esta gran señora recibió a personalidades como la princesa Margarita, el príncipe Carlos, el maestro Rostropovich, Greta Garbo y Andy Warhol, entre otros. A pesar de vivir en los más alto de la sociedad, Carolina se caracterizaba por ser una mujer sencilla, amante de su familia y una gran ama de casa.

Antes de dedicarse a la moda, Carolina siempre había estado en las listas de las mejores vestidas del mundo, de la misma manera que su suegra Mimí. Debido a esa elegancia y buen gusto constantes, sus amigos e íntimos le decían que se dedicara a diseñar, y no fue hasta que Diana Vreeland, editora de moda de Harper’s Bazaar y directora de Vogue, le incentivara a que intentara hacer una colección. Es así que, en septiembre de 1980 Carolina Herrera presenta sus primeros 20 diseños. Un año más tarde crea su propia compañía y se muda con su familia a Nueva York.

Al principio las críticas no fueron muy buenas, pero poco a poco el público femenino fue admirando la sencillez y la sofisticación de la creadora venezolana. En la actualidad su nombre es conocido por toda Europa y América. Su amistad con Jackie Kennedy otorgó prestigio y fama a Carolina; consiguió convertirse en su diseñadora exclusiva en los últimos 12 años de su vida. Uno de los mayores logros de su carrera fue la creación del vestido de novia de Carolina Kennedy, la hija mayor de J.F. Kennedy, en 1986.

Sus diseños no van dirigidos sólo para la alta sociedad, sino para todas aquellas mujeres que se sienten identificadas y afines a su estilo. Para la venezolana, las modas y las tendencias cambian, pero la sofisticación, el lujo y la elegancia son elementos permanentes e invariables, de los que no se debe prescindir. Su secreto es vestir conforme a la personalidad y el estilo de vida de cada uno.

En 1987 llega a un acuerdo con el grupo Puig para el desarrollo de fragancias. Un año después presenta su primer perfume unisex, llamado 212. El éxito de las primeras fragancias marca el principio de los reconocimientos internacionales de Carolina Herrera.

Estos logros incitarán al grupo Puig a incorporar la totalidad de las actividades de la firma Carolina Herrera en 1995. En poco más de 20 años, Carolina ha construido una marca excepcional, manteniéndose en una coherencia perfecta con sus valores de calidad, originalidad y elegancia. Carolina Herrera es hoy en día una marca polifacética que comprende el prêt-à-porter de lujo y los vestidos de novia bajo la marca Carolina Herrera New York, la colección lifestyle CH Carolina Herrera, que incluye prêt-à-porter tanto femenino como masculino y complementos; y por supuesto la exitosa gama de fragancias de éxito y una línea de gafas.

En 1991 fue galardonada por la Asociación Norteamericana de Diseñadores Hispanos, con el premio a una década de creación artística. Seis años más tarde, la infanta doña Pilar le entregó la medalla de oro del Spanish Institute de Nueva York. En 2008 ganó el premio Council of Fashion Designers of America (CFDA) por su exitosa carrera profesional. Y en 2012 ha sido nombrada Doctora Honoris Causa por el Fashion Institute of Technology (FIT). La diseñadora fue incluida entre los 100 latinos más influyentes del 2007 por la revista People.

32

Manuel Pertegaz (

Teruel, España 1917)

A sus 92 años, el diseñador Manuel Pertegaz Ibáñez ha sido galardonado con el Premio Nacional de Diseño de Moda (2009), en reconocimiento a la gran labor que este creador turolense ha realizado en el mundo de la Alta Costura Española.

Criado en el seno de una familia de campesinos, con 10 años de edad partió junto a su familia a Barcelona, y poco después abandonó el colegio, en 1930, para comenzar a trabajar como chico de los mandados en una tienda de la calle del Carmen. Dos años después entró como aprendiz en el “Taller de Sastrería Angulo”, donde además había una sección de mujer. Fue en ese lugar donde comenzó a hacer sus primeros trajes para el género masculino; pero un día, luego de una extensa jornada laboral, quedó por hacer un traje de mujer de urgencia, por lo que Manuel accedió inmediatamente a trabajarlo él mismo, descubriendo su pasión. A partir de ahí comenzó a confeccionar vestidos a sus familiares y amigas. En el año 1942, y con tan solo 25 años, fundó su propia compañía de modas, en donde realizó trabajos de Alta Costura para las mujeres más finas de toda España. Sus palabras eran muy simples “Elegancia y Originalidad”, que fueron las que lo acompañaron en toda su carrera como modisto, hasta la actualidad. Luego del éxito en Barcelona, abrió un nuevo local en Madrid, donde atrajo a otra gran cantidad de interesadas en su trabajo. Gracias al éxito obtenido, emprendió un viaje a Estados Unidos y comenzó a vender sus trajes en las mejores tiendas de Nueva York, Filadelfia, Atlanta y Boston. En 1954 obtuvo el “Oscar de la Costura”, otorgado por la Universidad de Harvard. A partir de esa época, Pertegaz comenzó a exportar sus trabajos por todo el mundo, lo que hizo que su nombre se colocara entre los más prestigiosos diseñadores, como Dior, Chanel y Balenciaga.

En el año 1965, salió a la venta su primer perfume, al cual lo llamó “Diagonal”, siendo el primero creado por un español con proyección internacional. Luego se comenzaron a comercializar otros dos perfumes de su firma, llamados “Muy Pertegaz” y “Pertegaz Sport”. En 1970 se impone el Prêt à porter y Pertegaz realiza su primera colección de “boutique”.

En lo que respecta a su forma de trabajo, Manuel aseguró: “Siempre he pensado que lo que hay que hacer es elaborar el modelo para el cuerpo y no que el cuerpo se adapte al modelo. La elegancia es algo que emana de la persona, pero quien se atavía con uno de mis vestidos, tiene mucho ganad o”. El modisto español llegó a contar con 700 empleados expertos en diseño y confección, lo que lo llevó a batir varios récords. Alrededor de los años 70´s, fue nombrado “Comendador oficial de la Real Orden de Isabel la Católica”. Su impecable trayectoria le valió decenas de premios: como la “Medalla de Oro de Munich”, “Medalla de Oro de la Universidad Complutense de Madrid”, “Medalla del Fomento de las Artes Decorativas”, “Cruz de Caballero de San Jorge”, “Medalla de Oro al Mérito Artístico”, “Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes” y “Premio Galena”, entre otros. En el año 2004 recibió la “Aguja de Oro”, el más prestigioso galardón de la moda español. Sin embargo, uno de los homenajes más importantes para la carrera del diseñador fue, sin dudas, la retrospectiva de sus creaciones en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, como retribución por haber sido uno de los modistos más cotizados de la Alta Costura por varias décadas.

Uno de sus trabajos más importante lo tuvo que hacer en el año 2004, cuando confeccionó el traje de novia de la Princesa de Asturias; el mismo consistía en un vestido de corte continuado desde los hombros al suelo, con la parte superior ceñida al cuerpo que se deslizaba suavemente a partir del talle, con una cola de 4,5 mts que salía desde la cadera. En 1969, la cantante española Salomé luce un vestido de su firma en el Festival de la Canción de Eurovisión; el mismo pesaba 14 kg y estaba realizado en porcelana con flecos de plata y oro. Pertegaz se destacó también por haber vestido a mitos como Ava Gardner, Jacqueline Kennedy, Marisa Berenson, Paulette Goddard, Audrey Hepburn, etc. En la actualidad, se encuentra trabajando en su taller como lo hizo los últimos 70 años de su vida.

Yves Saint Laurent ( Yves Henri Donat Mathieu Saint Laurent. Nació en el seno de una de las más ricas familias de la ciudad de Orán, que por aquel entonces era colonia francesa de Argelia. Su padre, descendiente de un barón francés, era presidente de una compañía de seguros y propietario de varias salas de cine. Siendo niño le gustaba interpretar personajes de Molière y leía con entusiasmo la revista Vogue. Le atraía el mundo de los diseños para teatro. Por su carácter peculiar sufrió acoso escolar, que él intentaba superar prometiéndose: “Algún día seré famoso”.

En 1950, Saint Laurent envió tres diseños a París, a un concurso convocado por la “International Wool Secretariat”. Cosecho el 3° puesto del concurso, y sus diseños llamaron la atención de Michel de Brunhoff, redactor jefe de Vogue, quien le recomendó que estudiase en la Chambre Syndicale de la Couture. Saint Laurent le hizo caso y tras graduarse en Orán se mudó a París. En 1951 volvió a participar del mismo concurso, resultando ganador, tras derrotando al joven Karl Lagerfeld. Envió más diseños a Michel de Brunhoff, y éste se los hizo llegar al diseñador consagrado Christian Dior, quien vio al instante el talento de Saint Laurent y decidió sumarlo a su taller. Con 18 años, Saint Laurent entró a trabajar en la firma Dior, si bien sus tareas iniciales fueron sencillas, como decorar el estudio y diseñar algunos accesorio. Sorprendentemente, Christian Dior lo eligió como su sucesor en el cargo de Diseñador Jefe de la casa. En 1957 y con 21 años, Saint Laurent se convirtió en el modisto más joven de la Alta Costura francesa. Su colección de primavera de 1958 alcanzó resonante éxito, al prolongar el estilo New Look acuñado por Dior.

Este éxito contribuyó a rescatar la firma de una quiebra que parecía segura. Pero las creaciones posteriores de Saint Laurent tuvieron duras críticas. Su carrera en Dior se interrumpió en 1960, cuando fue llamado para cumplir con el servicio militar francés, que hasta entonces había eludido gracias a influencias del propietario de Dior, Marcel Boussac; y se dice que cuando Boussac quiso prescindir de él, movió los hilos necesarios para que le llamasen a filas.

33

Orán, Argelia Francesa 1936 -

París, Francia 2008) Saint Laurent duró apenas 20 días en el ejército, hasta que sufrió un ataque de estrés y fue ingresado en un hospital militar. Mas tarde, su estado emocional empeoraría y seria trasladado a un psiquiátrico. Tras abandonar el psiquiátrico, y al volver a París vio que su sustituto en la casa Dior era Marc Bohan. Saint Laurent demandó a la empresa por daños morales, con la ayuda de su amigo Pierre Bergé, y con el dinero recibido mas el apoyo financiero del empresario J. Mack Robinson de Atlanta, creó su propia casa de costura. La imagen y el logotipo de la empresa (un monograma con las iniciales YSL superpuestas) se encargaron al diseñador gráfico francés Cassandre en 1961, y siguen en uso hoy en día.

La colaboración de Pierre Bergé fue sustancial para que Saint Laurent llegase a erigir una empresa sólida, fue el apoyo imprescindible que le permitió seguir creando y superar sus crisis emocionales.

Saint Laurent cambió la manera de vestir de las mujeres, imponiendo en la Alta Costura un estilo más adecuado a la vida contemporánea, de clara inspiración masculina, con modelos como su celebrado esmoquin de mujeres, sus vestidos trapecio o su blusa de tul transparente. Fue fiel a la utilización rabiosa del color y la influencia de culturas exóticas como la africana, la rusa y la china. En 1966 inauguró su primer local que comercializaba prêt-à-porter, siendo el primero en popularizar el nuevo estilo, en un intento de democratizar la moda, con su línea de ropa Rive Gauche. También fue la primera casa en usar modelos de raza negra en sus desfiles. El desfile de otoño de 1966, inspirado en Mondrian, causó gran sensación; sin embargo su colección “Estilo años 40” de 1970 obtuvo muy malas críticas e hizo que Saint Laurent abandonara la moda durante los dos años siguientes.

Creador del traje pantalón, la sahariana y los shorts, en 1974 reaparece con una colección dedicada al Segundo Imperio, la revista Time le denomina “rey de la moda”" y le dedica una portada. En 1983 el Metropolitan Museum de Nueva York inaugura una exposición dedicada a sus creaciones, mas tarde el Museo de Bellas Artes de Pekín y el Museo de la Moda de París presenta una retrospectiva suya.

En 2002, tras años de salud precaria, abuso de drogas, depresión, alcoholismo y críticas a sus diseños, Yves cerró su ilustre casa de moda. Aunque la casa ya no existe, la marca sigue vigente y es mantenida por el Grupo Gucci, que la había adquirido en 1999. La línea Prêt-à-Porter aún se produce bajo la dirección de Stefano Pilati, tras la partida de Tom Ford en 2004.

34

Valentino Garavani (

Voghera, Italia 1932)

Valentino Clemente Ludovico Garavani, mas conocido como Valentino, empezó a interesarse por la moda mientras estaba en la escuela de Voghera en Italia, cuando era aprendiz de su tía Rosa, que confeccionaba prendas para la diseñadora local Ernesetina Salvadeo. A los 17 años, sus padres Teresa de Biaggi y Mauro Garavani, lo apoyaron para que fuera a París a estudiar diseño de moda.

Valentino estudió en la “Ecole des Beaux Arts” y en la “Chambre syndicale de la Couture Parisienne”.

Su primera oportunidad en la capital francesa la tuvo, primero ayudando a Jacques Fath y luego al gran Balenciaga; aunque el gran paso lo dio trabajando para Jean Desses, donde tuvo la oportunidad de ayudar a diseñar el icónico estilo de la condesa Jacqueline de Ribes. Después Valentino se unió a Guy Laroche y tras dos años de trabajo decidió volver a su país natal para montar su propia casa de modas. Nuevamente con el apoyo de sus padres y tras conocer a Giancarlo Giammetti, quien seria su socio, Valentino abrió un pequeño atelier en la Vía Condotti de Roma. En 1962 presentó su primera colección en el palacio Pitii en Florencia, y así su trabajo empezó a ser reconocido por críticos de la moda y por compradores. Sin embargo, su gran salto a la fama lo tuvo en 1967, cuando presentó su famosa “Colección sin color”, donde predominaban el blanco y todas sus derivaciones: crema, tizas, arenas, beige y otros; en contraposición con los colores psicodélicos que reinaba en ese momento en la pasarelas mundiales. La colección se hizo famosa también por el logo de “V”, que él mismo diseñó.

En 1969 abre su primera Boutique Prêt-à-porter en Milán y desde ese momento su compañía no ha dejado de crecer. En la actualidad cuenta con líneas como: Valentino Haute Couture, Valentino Boutique, Valentino Uomo, Miss V (línea Juvenil) y Oliver, funda en 1987 y que es la menos costosa.

Apasionado por un corte sastre perfecto, en los años ‘60 se destacó por sus famosos trajes columnas, sus palazzos pijamas, sus bellísimas telas flotantes con las que crea vestidos sensacionales envueltos en multitud de plumas o pétalos de organzas. Hacia finales de ésta misma década, Valentino sigue una influencia gitana, usando un look que mezcla faldas amplias, encajes y estampados. También, los abrigos y conjuntos de chaquetas son prendas importantes dentro de sus colecciones, donde desarrolla desde la chaqueta estructurada y corta, hasta la chaqueta larga y geométrica sobre pantalones. Algunas telas diseñadas por el mismo, inspiradas en las pinturas de Klimt o Bakst, fueron utilizadas a mitad de los sesenta para sus creaciones. Los años ‘70 mancarían una fase que el modisto prefiere olvidar, por ser un periodo “de exageración”.

La década de los ‘80 de Valentino fueron extraordinarios; se destacaron el uso del color rojo, los plisados y sus trajes columnas. En los ‘90, el diseñador continuó siendo el reflejo del trabajo serio, glamoroso y lleno de clase.

Valentino es famoso por su peculiar uso del rojo, al que llamó “Rojo Valentino”. Este color se convirtió en su sello, que desde hace décadas viste a las mujeres más elegantes del mundo y que a su vez, solían ser sus musas y amigas. Entre sus clientes mas habituales estuvieron, Elizabeth Taylor, Brooke Shields, Sofía Loren, Audrey Hepburn, Marisa Berenson, Veruschka y la princesa Margarita, entre muchos nombres mas. Además, fue Valentino quien le confeccionó a Jacqueline Kennedy los trajes para guardarle luto a su esposo J.F. Kennedy, y también el vestido de novia que vistió al casarse con Aristóteles Onassis. Ese fue el momento en el que Valentino se convirtió en el diseñador más solicitado por las mujeres de la realeza y de Hollywood.

En 1998, Valentino vendió su empresa pero siguió dirigiéndola hasta que, finalmente, se retiro con un histórico desfile en París, en el año 2008.

Gianni Versace (

35

Regio de Calabria, Italia 1946 -

Miami, Estados Unidos 1997)

Gianni Versace, fue uno de los diseñadores más influyentes no solo en la industria de la moda sino en la cultura del siglo XX. Creador de un estilo denominado Neobarroco, desde sus inicios se destacó por sus creaciones exuberantes, sin miedo a la forma ni al color, incorporando materiales y técnicas novedosas.

Gianni nació en una familia de clase media donde creció unto a sus dos hermanos, Santos y Donatella; y otra hermana llamada Tina, que falleció de niña. Su madre era una costurera y dirigía un pequeño taller de confección para poder mantener a la familia. Los hermanos Versace fueron criados en un ambiente de modas, telas y diseños. Cuando se graduó de secundaria, Gianni trabajó en la boutique de su madre, aprendiendo a cortar y confeccionar ropa. Luego estudió arquitectura, antes de trasladarse a Milán a los 25 años de edad, para trabajar en la capital de la moda italiana. Sus primeros pasos en Milán los dio trabajando para Salvatore Chiodini y Ezio Nicosia; y a mediados de los ‘70, las marcas Callaghan y Genny lo contratan para trabajar en la línea de mujeres. Animado por su éxito, en 1974 presentó su primera colección para mujer, bajo el nombre de Complice, en el museo de arte Palazzo della Permanente, de Milán. En 1978 pudo establecer su propia compañía, llamada “Giani Versace Spa”. Desde el principio, sus hermanos Santo y Donatella formaron parte de la compañía.

En ese mismo año también llegó la primera colección de Pret-a-porter para mujeres, bajo el nombre de Versace.

Seis meses después apareció la primera colección para hombres. Su reinado fueron los ‘80, donde su expansión era imparable, abriendo boutiques en París, Londres, Nueva York y Madrid. La compañía se extendía y se diversificaba hacia las líneas de ropa juvenil, llamada “Versus”, y la de ropa para niños. También se producían bolsos, perfumes, y joyería de muy alta calida. En 1979 Gianni comienza a colaborar con el fotógrafo Richard Avedon, y sus campañas de moda seducen a todo el mundo. En 1982 crea el famoso vestido de malla, para el que busca ayuda en una empresa de ingeniería alemana, e investiga con el láser para lograr resultados sorprendentes. En el año 1989 Versace sorprende con su colección de Alta Costura; y también, ese mismo año crea el vestuario para la Ópera de San Francisco. A través de su carrera, mostró una fuerte inclinación hacia las artes escénicas y paralelamente se dedicó a diseñar vestuario de películas, operas, ballets y teatro.

A lo largo de las décadas de los 80 y lo 90, Versace creó diseños que desbordaban sexualidad y se destacaban por su sensualidad siempre elegante, aunque sus detractores lo consideraban vulgar. Ante las críticas, la respuesta no se hizo de esperar y presentó su colección de la temporada al estilo de los gigantescos conciertos de rock, donde los paparazzis esperaron la asistencia de estrellas como Madonna y Elton John (amigos personales del diseñador) y con el desfile de sus modelos favoritas entre las que se destacaron Cindy Crawford, Naomi Campbel, Claudia Schiffer y Linda Evangelista.Fue así como Versace fue el responsable de construir la figura de las supermodelos, debido a los altos salarios que les pagaba, y convertir el ambiente de la moda en el espectáculo que es hoy en día.

Las creaciones de Versace combinaban una singular forma de entender la cultura post-pop con un diseño sexy y atrevido. Sus influencias provenían del arte, especialmente de los cubistas y del Art Déco; algunos artistas del Pop Art, como Andy Warhol, inspiraron sus diseños. Su formación arquitectónica tuvo mucha influencia y lo llevó a la experimentación con materiales. También, su estilo se alimentó de la historia antigua griega y romana; de ahí el origen de todo un símbolo de identidad para la marca; la Medusa. Pocos diseñadores pueden presumir de tener una identidad tan marca y reconocible como la del gran Gianni Versace.

En 1997, Versace moriría asesinado frente a su casa en Miami, Florida. Su muerte tuvo un gran impacto pues se consideraba que su carrera estaba en uno de sus mejores momentos. Su hermana Donatella se hace cargo de la marca, que sufre durante los años posteriores enormes perdidas. Cierran tiendas y abandonan la alta costura. En 2009 la marca, siempre controlada por la familia, ya no podía aguantar más debido a las perdidas millonarias y recorrió a la colaboración de la firma H&M, para devolver a Versace el lugar que se merecía.

Marc Jacobs (

36

Nueva York, Estados Unidos 1963)

El prestigioso diseñador Newyorkino supo seducir a las pasarelas desde su lanzamiento en la década del 90 y exhibe colecciones cada vez más creativas y glamorosas. Su carrera ha ido en ascenso, las boutiques Marc Jacobs están situándose en varios centros de la moda internacional. Jacobs se dio a conocer por popularizar el movimiento grunge, una estética y una sensibilidad propia de la adolescencia americana de la época y que pronto se convirtió, gracias a los diseños para Perry Ellis y después para su propia marca, en Patrimonio de la Humanidad.

Marc sintió desde muy pequeño la llamada de la moda. Según sus declaraciones, su abuela ha sido la mayor influencia de su vida, y desde niño le enseñó a coser y tejer, despertando así su vocación. A los 15 años, Jacobs ya tenía muy claro su futuro, y se inscribió en la High School of Art and Design. Mientras estudiaba, trabajaba en la prestigiosa boutique propiedad de la familia Weiser, donde conoció a Perry Ellis. En 1981, animado por Ellis, se matricula en una de las más importantes universidades de diseñ, la Parsons School of Art and Design en Nueva York. En 1987 Jacobs se convirtió en el diseñador más joven jamás galardonado con el premio Perry Ellis Award for New Fashion Talent, del Consejo Americano de Diseñadores de Moda (CFDA). En 1984, Marc conoce a Robert Duffy, su socio y descubridor, con quien su uniría a la compañía de Perry Ellis, en 1989, para ocuparse de la línea femenina. Sin embargo, Jacobs perdería el cargo en 1992, tras crear una colección de inspiración grunge que suscitó una gran polémica. Curiosamente, ese mismo año, fue premiado con el más prestigioso galardón del CFDA: el Women’s Designer of the Year Award.

En 1993, Jacobs Duffy Designs Inc. lanzó Marc Jacobs Internacional Company, que, al años siguiente firmaría su primer acuerdo internacional con Renown Look, Inc. y Mitsubishi Corp., para comercializar la marca en Japón. Poco después, un acuerdo con la compañía italiana Iris S.R.L. aseguraría la producción del calzado, tanto masculino como femenino, de la marca. En 1997, la primera tienda de Marc Jacobs abrió sus puertas en el N° 163 de Mercer Street, en el Soho neoyorquino. En el año 2000 salió a la luz su primera línea de bolsos y se inauguró una segunda boutique en San Francisco. En el 2001, se creó la segunda línea de la marca, Marc by Marc Jacobs, de precios más accesibles. Calza Turificio Rossi Moda S.P.A. es la compañía italiana responsable de producir el calzado de esta joven y exitosa marca. Ese mismo año, nació su primera fragancia: Marc Jacobs Perfume, y al año siguiente, apareció la versión masculina. En el 2003, apareció una pequeña línea de textil para el hogar y, en el 2005, la primera colección de gafas, gracias a un acuerdo firmado con la compañía Safilo S.P.A. También en el 2005, tras un pacto con Fossil Inc., apareció su primera línea de relojes y Marc Jacobs abrió tienda en París.

Uno de los momentos en la carrera de Jacobs fue su desembarco en Louis Vuitton, firma de la cual fue nombrado Director Creativo en 1997. La casa francesa recurrió a él para modernizar su imagen algo envejecida. De esta manera, el modisto trasladó su revolucionario concepto de la moda a Vuitton, produciendo una revolución en el mundo de la moda. Gracias a Jacobs, la firma Vuitton logra situarse entre las grandes marcas de lujo. Luego de 16 años como director artístico, Marc Jacobs ha decidido dejar la icónica firma de moda para dedicarse a su marca homónima, que actualmente se valúa en 1 billón de euros. La noticia de su salida habría sido confirmada por Bernard Arnault, presidente y consejero delegado de Louis Vuitton-Moët Hennesy, luego del desfile de la temporada PrimaveraVerano 2014. Sin embargo, Jacobs y su socio Robert Duffy seguirían vinculados al grupo LVMH, ya que la firma controla un tercio de la marca Marc Jacobs.

Actualmente, pueden encontrarse tiendas de Marc Jacobs por todo el mundo. Además del Prêt-à-porter masculino y femenino, la compañía tiene una amplia gama de productos, desde bolsos y zapatos hasta gafas y perfumes, bajo distintas marcas: Marc Jacobs, Marc by Marc Jacobs, Little Marc (para niños) y Stinky Rat. Con más de ocho colecciones anuales a su cargo, Jacobs es considerado uno de los diseñadores más influyentes de la actualidad y uno de los pocos, capaces de predecir cuáles serán las tendencias y los fenómenos culturales que sobresaldrán en el futuro próximo.

Elie Saab (

37

Beirut, Líbano 1964)

Nacido en Beirut (Líbano),ya desde muy temprana edad sintió fascinación por la moda y el diseño. Aprendió de manera autodidacta los secretos de la costura y cómo embellecer el cuerpo femenino con sus vestidos; a los 9 años ya creaba modelos para su madre y sus hermanas, con las cortinas de su casa. Desde sus comienzos sus creaciones siempre han tenido un sello especial, de lujo y distinción, con los que conquistó a un sinfín de admiradoras entre lo más selecto de la sociedad de Medio Oriente.

En 1981 se mudó a París para estudiar diseño de modas, pero decidió regresar a su país a abrir su taller, en 1982. A sus 18 años, Saab lanzó su propia marca de modas con sede en Beirut, presentó su primera colección de ropa, abrió su primera tienda e inauguró un pequeño taller donde confeccionaba vestidos de novia. Su taller principal está en Líbano, un país al que permanece profundamente unido. También cuenta con talleres en Milán y París.

En la década de los 90 aterrizó en Europa, triunfando inicialmente en salones privados de Francia y Suiza, después en Italia y a partir de ahí su carrera ha sido meteórica. En 1997, Saab fue el primer diseñador no italiano en convertirse en miembro de la Cámara Nacional de la Moda Italiana; y es en ese mismo año que presentó, por primera vez, una colección de Alta Costura fuera de Líbano, en la Semana de la Alta Moda en Roma, cosechando un rotundo éxito. En 1998 presentó una línea de Prêt-àporter en Milán.

Fue en Hollywood donde se consagró definitivamente como uno de los más grandes, cuando la actriz Halle Berry asombró al mundo en la ceremonia de los Oscars del año 2002, vistiendo un espectacular vestido diseñado por Saab. En mayo de 2003, la Cámara Sindical de la Alta Costura lo invitó a convertirse en uno de sus miembros y presentó su primera colección de Alta Costura en París. En 2006 presenta su primera colección de Prêt-à-porter en París; y desde ahí la capital francesa es su plataforma permanente para su línea de Prêt-à-porter. En 2011 se pone presenta su primer perfume femenino, una mezcla de flor de naranjo y jazmín que, según él, está inspirado en “recuerdos de la infancia”.

Entre su selecta y distinguida clientela se encuentran princesas y esposas de los más altos jefes de estado; las más cotizadas actrices de Hollywood, como Catherine Zeta Jones, Sharon Stone o Liz Hurley, y famosas cantantes como Beyoncé o Rihanna. Pero quizás su admiradora favorita es la Reina de Jordania, quien le encargó confeccionar su vestido para la ceremonia de coronación al trono de su país. Desde entonces, la Reina se ha convertido en su musa y amiga, que en mas de una ocasión ha lucido modelos de Elie Saab.

Su inspiración es la silueta femenina, y no niega la influencia que su cultura tiene sobre sus creaciones. Usa la incorporación de la luz como parte integrante de sus diseños, y es todo un maestro creando efectos y formas con cristal y abalorios de lujo, que brillan incrustados en sus trajes. Es un amante de las telas exquisitas, de texturas ligeras y vaporosa. Sus excepcionales bordados elaborados a mano con piedras semipreciosas son únicos, ya que se tratan de trabajos artesanales muy minuciosos y laboriosos realizados puntada a puntada bajo la atenta supervisión de Elie, para que luzcan como voluptuosos tatuajes de fantasía.

Desde el año 2003 diseña exclusivos vestidos de novia para el Grupo Pronovias, una destacadísima firma española de Moda Nupcial.

Sus colecciones, tanto de ceremonia como de fiesta, son especiales, glamurosas y elegantes, donde el strass y los cristales de lujo, de la compañia Swarovski Kristall, suelen estar muy presentes.