Número ocho: Flowing – cosas, lugares y personas en movimiento.
Philippe Malouin lleva a Bilboquet de paseo, Black Flag de Konstantin Grcic en Berlín, Taccia Matte White, entre bastidores de Céramique de Ronan Bouroullec y una celebración de My Circuit de Michael Anastassiades en seis actos performativos.
Philippe Malouin describe Bilboquet como una lámpara para los Milenials y la Generación Z, una herramienta de iluminación flexible que se adapta al enfoque a diferentes niveles del hogar que está definiendo a su generación (y las que vienen después). El mismo Malouin ha estado probando esta lámpara de mesa en su taller y con sus amigos del este londinense. La cabeza se conecta al cuerpo a través de una elegante esfera magnética, lo que permite que se use en una gran cantidad de configuraciones diferentes. Le seguimos en su deambular urbano, mientras cargaba Bilboquet en su mochila y montaba en bicicleta para ver la lámpara en acción en las casas de sus amigos creativos. Con Malouin hablamos sobre la flexibilidad en el diseño doméstico, las comunidades creativas y cómo el enfoque experimental que ha fomentado a lo largo de su carrera le ha llevado al diseño de Bilboquet.
Entrevista de Rosa Bertoli
Fotografía de Pablo Di Prima
ROSA BERTOLI Bilboquet es una lámpara pensada para moverla y que se adapte a muchos ambientes de vida. ¿Cómo se te ocurrió el concepto?
PHILIPPE MALOUIN Quería que la luz hiciera más de una cosa, porque hoy en día la gente tiene menos cosas y se mueve mucho, por lo que sus necesidades cambian dentro del hogar, Bilboquet no es estático. Estoy obsesionado con Achille Castiglioni, todas sus lámparas siempre hacían más de una cosa: mi lámpara favorita y la primera Flos que he tenido es la Parentesi. Siempre me encantó el hecho de que Parentesi cuelga de una cuerda, y puedes hacer rebotar la luz en una pared blanca o en el techo, o directamente al elemento en cuestión. Y creas tres ambientes de luz completamente diferentes. Y para mí, eso siempre fue lo más importante. Entonces, cuando concebí una pequeña lámpara de mesa, quise usar los elementos que admiraba del trabajo de Castiglioni.
ROSA BERTOLI ¿Cómo lo usas en tu espacio?
PHILIPPE MALOUIN Vivo en un espacio temporal en este momento y acabo de empezar a usar Bilboquet aquí. Me encanta la luz indirecta, así que la hago rebotar en una pared o en el techo. Pero también funciona como una luz de trabajo, o como una luz muy ambiental al mismo tiempo, que son dos cosas espectralmente muy opuestas. Con solo girarlo, logrará un diseño de iluminación que tenga más sentido para lo que sea que esté haciendo.
ROSA BERTOLI ¿Cómo surgió la idea de diseño de Bilboquet?
PHILIPPE MALOUIN Me llegó experimentando con rodamientos de bolas, comprendiendo cómo giran alrededor de la carcasa. Y también experimenté con las articulaciones porque me interesaba el movimiento y cómo se mueven las cosas. Y pensé que esta bola dentro de un tubo ofrecía un movimiento muy intrigante y satisfactorio. Pero siempre había un pequeño margen de error. Así que añadimos el magnetismo, que es donde el equipo de I+D de Flos realmente avanzó y ayudó a convertirlo en un diseño mucho mejor con el imán.
ROSA BERTOLI El resultado final parece muy intuitivo.
PHILIPPE MALOUIN Mi lámpara no es para nada tecnológica: tiene una bombilla, un interruptor, le das la vuelta y listo. Es de tan baja tecnología que podrías preguntarte, ¿fue diseñado ahora? ¿O fue diseñado hace 40 años? Y eso es exactamente lo que quería; quería que todo fuera súper obvio.
ROSA BERTOLI ¿Cómo abordaste el diseño de iluminación como parte de tu práctica creativa?
PHILIPPE MALOUIN Siempre hemos sido creadores en el estudio, siempre experimentamos con materiales y procesos de construcción, y eso incluye la luz. Nunca se trató exclusivamente del diseño de iluminación. Era como si la iluminación hubiera sido una gran parte de esto. Y fue una parte natural de toda la experimentación, de transformar las cosas. A veces descubrimos cosas que eran realmente interesantes por accidente: mucho de mi trabajo sucede por accidente.
Como diseñador, confío en hacer experimentos. A veces una imagen, a veces solo una forma. A veces un proceso, o una propiedad mecánica. Y luego, algunos de estos experimentos se acaban interpretando como productos producidos en masa.
ROSA BERTOLI ¿Cómo se tradujo esto en Bilboquet?
PHILIPPE MALOUIN La idea inicial surge de un trabajo que hice para Salon 94; gigantes mesas redondas giratorias cuya parte superior descansaba sobre estas bolas de metal. Ahí es donde comenzó, pero esta es una evolución en una dirección completamente diferente. Todo mi trabajo proviene de cosas que he hecho, pero de una manera totalmente reinterpretada.
ROSA BERTOLI Tener sede en Londres ha jugado un papel importante en tu carrera, y la ciudad forma un telón de fondo para parte de nuestra historia en estas páginas. ¿Cómo terminaste aquí?
PHILIPPE MALOUIN Me mudé a Londres después de graduarme en la Design Academy de Eindhoven porque conseguí un trabajo a tiempo parcial para Tom Dixon y dije, por qué no. Siempre pensé que era más importante comenzar a trabajar para otra persona que tratar de hacer lo mío primero, porque realmente no sabía qué era lo mío, necesitaba descubrir qué me gusta y qué no me gusta.
ROSA BERTOLI ¿Cómo fueron para ti esos primeros días en Londres?
PHILIPPE MALOUIN Cuando llegué a Londres por primera vez, tenía muy poco dinero. Tuve mucha suerte de encontrar un almacén en mal estado por 400 libras al mes en Stoke Newington donde podía vivir y trabajar. Pero no tenía nada, así que tuve que construir todo. Estaban derribando un edificio al otro lado de la calle, y durante la noche rescataba todo lo que podía encontrar: un plato de ducha, azulejos, un fregadero de cocina, y lo traía todo porque no podía pagar nada para el espacio. Y luego construí todo este interior que se publicó en seis páginas de una revista. Se veía genial, todos los muebles vinieron de la basura.
ROSA BERTOLI Y a partir de ahí, ¿cómo desarrollaste tu estudio?
PHILIPPE MALOUIN Tuve suerte porque apenas salí de la escuela, Rossana Orlandi me dio un poco de visibilidad y luego me publicaron en dos páginas del New York Times, así que todo fue muy rápido. Mi primer trabajo fue para Volkswagen y luego conseguí una galería; esos proyectos me ayudaron a darme a conocer muy pronto. Y luego empecé lo mío. Mucha mezcolanza y bricolaje. Pero luego, poco a poco, las semanas de diseño y las galerías me dieron notoriedad, fui parte de exposiciones grupales y, finalmente, las marcas se acercaron a mí, a partir de ahí todo comenzó. De repente tenía un grupo completo de amigos, una comunidad de apoyo muy importante y ya no tenía sentido marchar.
ROSA BERTOLI ¿Cómo es tu comunidad creativa en Londres y cómo ha ayudado a dar forma a tu trabajo como diseñador?
Arquitecto y diseñador de interiores originario de Singapur, SACHA LEONG ha trabajado con Studioilse y Universal Design Studio antes de establecer su estudio, Nice Projects, en colaboración con Simone McEwan.
“Conocí a Sacha en Dover Street Market, él trabajaba en Casson Mann en ese momento y yo estaba haciendo una pasantía en Tom Dixon; trabajábamos en el mismo edificio y nos hicimos amigos rápidamente. Como arquitecto, realmente me ayudó a comprender lo que quiere la gente, lo que quieren los clientes. Como diseñador de productos, a menudo trabajo en el vacío, y él me ayuda a entender qué es lo que la gente espera de mis diseños”.
PHILIPPE MALOUIN En Londres, conocí a mucha gente muy rápido, y con muchos de ellos he colaborado, construir mi comunidad sucedió de forma natural. Sam Ashby y Sacha Leong han sido muy importantes para mí durante mi tiempo en la ciudad, pero también está David Waddington de Bistrotheque, un destino gastronómico del este de Londres. Es tanto restaurador como iniciador cultural, entiende perfectamente lo que hago y también me da consejos sobre cómo trabajar para espacios comerciales.
ROSA BERTOLI ¿Puedes hablarme sobre el papel que ha tenido la colaboración en tu carrera? Noté que cuando hablas de tu trabajo, a menudo usas la palabra 'nosotros', en lugar de ‘yo'...
PHILIPPE MALOUIN De hecho, comencé mi estudio con Will Yates Johnson y luego entró Eva Feldkamp, los tres juntos decidimos hacer que el estudio funcionara, unimos todos nuestros talentos como un transformer. Eva siempre fue una gran motivadora para mi estudio, y antes de irse, entró Julian Komosa, y no podía haber un "nosotros" más grande que Julian y yo: es un diseñador talentoso enviado del cielo, un rayo de sol. Y por eso es “nosotros”, porque siempre fue colaborativo. Y ahora, por primera vez, soy solo yo, porque solo hago mobiliario, no proyectos especiales. Me gustaría tener un estudio más internacional, trabajar desde diferentes lugares dependiendo de lo que esté haciendo.
ROSA BERTOLI Crear Bilboquet con Flos también ha sido un esfuerzo de colaboración para ti. ¿Cuáles dirías que son las cosas más importantes que has aprendido de esta colaboración?
PHILIPPE MALOUIN Creo que me hizo crecer un poco como diseñador, aunque el proyecto es muy divertido. Porque cuando diseñas mobiliario y eres más joven, puede ser bastante contemplativo. Al principio, realmente quieres que te noten y haces locuras. Pero luego no comprendes completamente cómo se fabrican las cosas y cómo se hacen, cómo diseñar para una audiencia específica, por lo que todas estas cosas realmente vienen con la edad. Esta colaboración es el proyecto de diseño más industrial que he hecho. Parece tan simple, pero es tan complicado y detallado en muchos niveles: es el proyecto más complicado que he hecho. El equipo de I+D de Flos realmente me ayudó a comprender cómo funcionan las cosas; con Fabio Calvi, Paolo Brambilla, Francesco Rodriquez y Andrea Gregis, siento que colaborando hemos hecho magia.
DE CAMINO A HACKNEY 11.51h
El artista y cineasta SAM ASHBY es más conocido por su trabajo como director de arte de icónicos carteles de películas como “Control”, y también es el fundador de la revista de cine Little Joe.
“Sam es el principal diseñador gráfico de carteles de películas, pero también un artista, un cineasta. Cosas como la proporción y el ritmo de un objeto tridimensional también se pueden aplicar de forma gráfica. Sam me aconseja sobre cualquier cosa, desde la forma hasta el color, el ritmo y la composición”.
EN CASA DE SAM, HACKNEY, 11.55h
Nada en este número es estático. No lo es la lámpara de mesa de Philippe Malouin que, como él dice, “hace muchas cosas”. No lo es la Black Flag telescópica de Konstantin Grcic, la idea única de una lámpara de pared que es a la vez funcional y una declaración escultórica que puede apoderarse de un espacio. No lo es la Céramique de Ronan Bouroullec, que marca el debut de Flos en la cerámica y sirve como ejemplo de una serie definida por variaciones sutiles, donde la tradición se encuentra con la sofisticación formal y la sensualidad. Y no lo es la Taccia, una de las maravillas de Achille & Pier Giacomo Castiglioni que han definido la historia de Flos y regresa en una versión mate completamente blanca que ensalza el diseño original de 1962.
También las personas retratadas en estas páginas están en constante cambio: seguimos a Malouin por el este de Londres montado en su bicicleta desde su taller con Bilboquet en su mochila, para probarla en las casas de sus amigos, explorando su potencial. Inspirado en el enfoque de funcionalidad de Achille Castiglioni, Bilboquet sirve a la vez como herramienta de iluminación funcional y luz ambiental para "lograr un diseño de iluminación que gana sentido según lo que sea que se esté haciendo”.
En Berlín, el arquitecto alemán Sam Chermayeff abre las puertas de Kufu 142, su comunidad moderna, donde creativos con ideas afines han concebido, planificado y construido una nueva
idea de hogar que evita los límites tradicionales e inspira nuevas formas de vida. Probamos Black Flag en los entornos únicos de este edificio; instalado en tres pisos, nos permite explorar las amplias posibilidades del diseño en el contexto de los entornos domésticos. El movimiento también está en el centro de Seis Actos, una actuación dirigida por el director Fabio Cherstich para animar My Circuit, el sinuoso sistema de techo de Michael Anastassiades. Basado en principios de simplicidad, equilibrio y flexibilidad, el espectáculo de una semana se apoderó de los espacios del showroom de Flos en Corso Monforte durante el Fuorisalone 2023, ofreciendo una complacida pausa a la intensidad de la ciudad.
Las lámparas y las personas que capturamos en estas páginas encarnan un enfoque contemporáneo: a la vida, a los objetos, a la iluminación. Las conversaciones en esta revista revelan que el diseño debe mantenerse dinámico para mantenerse relevante. “Ese es un elemento clave en el trabajo que hacemos debido a lo dinámicos que somos como sociedad, seguimos diseñando cosas para necesidades cambiantes”, nos dijo Grcic. “Las cosas que sobreviven son adaptables a esas dinámicas. Pero algunas piezas ya no funcionan porque no se han adaptado a los cambios de estilo de vida. Y esto nos brinda la oportunidad de llenar esos vacíos y encontrar nuevas formas de diseñar los objetos que necesitamos, para la vida que vivimos”.
Por el este de Londres con Philippe Malouin, sus amigos y Bilboquet ↓
La Kurfürstenstraße 142 de Berlín es un concepto de vivienda colectiva que redefine la idea de hogar para el siglo XXI. En su interior, los espacios se fusionan, cada unidad de doble altura varía de tamaño y está interconectada con sus vecinas. En este ecosistema de arquitectura doméstica probamos las posibles aplicaciones de Black Flag, el último diseño de Konstantin Grcic para Flos. Un ejercicio de cómo el minimalismo combinado con la tecnología puede reinventar la funcionalidad, Black Flag es una lámpara de pared extensible que ofrece flexibilidad de iluminación gracias al brazo extensible
de aluminio que alcanza hasta 3,5 metros desde un marco montado en la pared del mismo material. Una lámpara de pared que también es una pieza central escultórica, Black Flag encarna la experiencia en diseño industrial de Grcic y demuestra las oportunidades experimentales de su enfoque combinado con la experiencia técnica de Flos. Black Flag hace un guiño al punk rock estadounidense y el potencial narrativo de la lámpara se expande mucho más allá del de un producto tradicional. Le pedimos a Grcic que nos explique el significado cultural de la lámpara, así como su concepto de diseño.
ROSA BERTOLI ¿Puedes contarme la historia de Black Flag? ¿De dónde surgió la idea y cómo la ejecutaste?
KONSTANTIN GRCIC El proyecto comenzó con una serie de propuestas de diseño que presenté de forma espontánea a Flos. Tomamos la iniciativa, propusimos varios proyectos, uno de ellos una lámpara de pared con un alcance muy largo. La idea inicial era hacerlo en un material muy ligero y fuerte como la fibra de carbono, para tener una buena estructura que soportara un brazo largo. En aquel entonces el proyecto realmente dio muchas vueltas. Y al final llegamos a Black Flag, que tiene un largo alcance, pero que también tiene un mecanismo, no es simplemente un brazo largo que cubre un radio. Black Flag tiene tres brazos pivotantes, y eso da como resultado muchos más ajustes posibles que la idea original, que contemplaba un solo brazo oscilante. Gracias a Flos, convertimos esa idea inicial en un producto funcional, hecho de extrusiones de aluminio e incorporando mucha tecnología. Esa es la ventaja que obtuvimos al usar estos perfiles, de repente teníamos espacio para la tecnología.
ROSA BERTOLI ¿Cuáles son algunos ejemplos de lo que esta lámpara puede hacer?
KONSTANTIN GRCIC Cuenta con luz dirigida hacia arriba y hacia abajo, varios elementos diferentes que se pueden controlar de formas bastante sofisticadas, ya sea por separado o en conjunto; puedes atenuar la luz, cambiar la temperatura. Hay sensores que detectan si estás cerca de la lámpara o no. Se vuelve muy técnico, se ha convertido en una máquina bastante hermosa. Y me encantan las máquinas.
ROSA BERTOLI ¿Hay algún trabajo previo que haya realizado y haya conformado este concepto?
KONSTANTIN GRCIC Para Black Flag, empezamos de cero. Cuando un proyecto da tantas vueltas como este, tomas un camino lateral y pasas por un lugar donde ya has estado en otro proyecto. Hubo un concepto hace muchos años, tal vez hace 20 años, una lámpara de mesa grande y exagerada que podía alcanzar el espacio de una mesa grande y larga.
También he hecho otros proyectos en los que he usado el color negro, u otros en los que no he tenido miedo de experimentar con máquinas, de hacer un objeto que al principio es osado. Diría que Black Flag tiene un aura. La lámpara tiene un impacto en el espacio simplemente por la presencia de este gran objeto. No delata confort, ni siquiera transmite ser una lámpara. Cuando la ves te puede gustar o no, es un "¡guau!" o un "¿qué es esto?". En ambos casos, creo que serías prudente. La abordarías con cuidado, tratarías de entender cómo funciona. Y esta psicología ha sido parte de algunos proyectos, y me gusta, crea una relación íntima, muy directa entre el usuario y el objeto. Veo la cautela como algo interesante, y este tipo de relación suele convertirse en algo realmente bueno.
“Todos los límites internos de mi casa son realmente flexibles", afirma Sam Chermayeff, que trabajó en el edificio como parte del estudio de arquitectura Meyer-Grohbrügge & Chermayeff. Concebido por un grupo de personas con ideas afines, el edificio consta de seis torres asimétricas con fachadas de cristal. Las estancias no son rectilíneas; se pliegan unas sobre otras y pueden adaptarse a distintas situaciones. Se parte con un espacio flexible que puede modificarse en el tiempo. La casa se hace un poco más grande cuando de repente tienes vecinos. Permite ampliar un poco el ámbito del hogar. Me gusta que Black Flag pueda expandirse en su propio campo: al principio, puedes iluminar sólo una pared, o un pequeño rincón, pero también puedes trazar un espacio más grande. La forma en que crece encaja muy bien aquí".
ROSA BERTOLI Te he oído usar la palabra “rebelde” para describir a Black Flag. Y no se escucha a menudo esa palabra referida a una lámpara.
KONSTANTIN GRCIC Rebelde es una palabra que he usado porque la nombramos Black Flag, Bandera Negra en inglés. La imagen de la bandera negra sucedió cuando la lámpara se convirtió en lo que es, pero Black Flag también era una banda de punk estadounidense muy famosa de la costa oeste. Henry Rollins era el cantante, y ellos eran Straight Edge, así es como se llamaban a sí mismos; sin drogas, sin alcohol. Straight Edge es un movimiento dentro del punk donde todo es muy puro, directo. Así que surgió este nombre, y me encantó.
ROSA BERTOLI Su uso tampoco es claro, tal vez la llamaría una lámpara híbrida, su funcionalidad es multifacética. Es una lámpara que se adjunta a la pared, pero no es un aplique, es una lámpara vistosa pero también funcional. Es difícil de definir.
KONSTANTIN GRCIC Ese fue un giro interesante que tomó el producto: un objeto que inicialmente concebí como puro y un poco brutal se convirtió en una herramienta de iluminación muy sofisticada. Ofrece una gran cantidad de tecnología de iluminación interesante, diferentes modos, pero también el mecanismo permite que esta lámpara cambie el estado de ánimo de acuerdo con sus necesidades dentro de un espacio.
Y volviendo a la cuestión del nombre Black Flag, he de decir que fue realmente inesperado que la lámpara en esta posición totalmente cerrada se asemejara a una bandera. La bandera negra es una herramienta de protesta y es inesperado e inusual que una lámpara se convierta en eso. En Euroluce jugamos con la idea de la bandera protesta en la exposición. Había una lámpara que tenía las palabras 'ACT NOW' (actúa ahora). En su posición cerrada, ves una de las palabras (según el lado por el que te acerques), y cuando la lámpara se despliega, se disuelve. Pero me pareció interesante jugar con un objeto doméstico; no es una lámpara política, pero quería ver qué sucede si pones palabras como esa en un producto. Se trata de este momento en el tiempo, 'actúa ahora' es realmente algo que podría ser acertado para gran parte de nuestra situación mundial actual, necesitamos actuar.
Además, esta es una lámpara, pero necesita que el usuario actúe con ella, no funciona a menos que tenga una interacción muy física con ella.
ROSA BERTOLI ¿Cómo te la imaginas en un espacio?
¿Has pensado en cómo lo usará la gente?
KONSTANTIN GRCIC Una aplicación sería un espacio en el que suceden diferentes cosas según la hora del día. Entonces la lámpara se mueve contigo y tus actividades, de ser la lámpara del escritorio donde trabajas, a ser la lámpara sobre la cocina para cocinar, sobre la mesa para comer y luego en el sofá para relajarte. Un radio de actividades dentro de un espacio.
Otro escenario sería simplemente un gran espacio,
La crítica de arte Noemi Smolik buscaba un loft en Berlín cuando se topó con el proyecto del grupo y se unió a él. “En mi piso no tengo muchos objetos: una mesa para escribir, una mesa en la cocina donde recibo a mis amigos y un lugar donde sentarme a leer. Le pedí a Sam que me construyera un altillo para mi cama”. En su apartamento, Black Flag es capaz de iluminar todo el espacio con unos pocos gestos, desde colarse por encima de la mesa del comedor hasta alcanzar la estantería y el rincón de lectura.
con solo unos pocos objetos manteniendo la fuerza de dicho espacio. A veces tienes grandes espacios y las lámparas simplemente se pierden: Black Flag es lo suficientemente fuerte como para albergar un gran entorno. Y ya sea público o doméstico, nunca me han preocupado estas distinciones, en realidad ya no existen, hay una transición tenue entre estas tipologías.
ROSA BERTOLI Black Flag es uno de los diseños que nos inspiró a llamar a este tema «Flowing», para hablar de movimiento y flexibilidad en el diseño. ¿Cuánto de su trabajo es dinámico, ya sea en la intención de uso o en el diseño mismo?
KONSTANTIN GRCIC Desde muy temprano comencé a poner manijas en mis muebles, ya sea un agujero para poner la mano o, como en Mayday, un gancho y una manija para animar a las personas a levantar cosas y arrastrarlas o llevarlas de un lugar a otro. Otro nivel de dinámica es cómo usas un objeto sin tener una manera prescrita. Quiero darle al usuario el control de cómo usar mis objetos, y para que eso suceda, el objeto debe dar algunas pistas, no instrucciones precisas, sino una pista de lo que podría hacer. Mayday es un buen ejemplo de esto, el gancho es una pista, el cable largo es otra, el protector en forma de cono es otra pista, te dan ideas de qué hacer con la lámpara sin tener instrucciones de uso.
Ese es un elemento clave en el trabajo que hacemos por lo dinámicos que somos como sociedad, como personas, estamos en constante cambio y por eso seguimos diseñando cosas, porque seguimos diseñando cosas para necesidades cambiantes. Por supuesto que podemos vivir felizmente con cosas viejas, y las cosas viejas que sobreviven son adaptables a esas dinámicas. Pero algunas piezas están realmente pasadas de moda y anticuadas, ya no funcionan porque no se han adaptado a los cambios de estilo de vida. Y esto nos brinda oportunidades para llenar esos vacíos y encontrar nuevas formas de diseñar los objetos que necesitamos para la vida que vivimos.
Nosotros, todos los del “grupo de construcción” que edificamos juntos la casa nos conocemos desde hace mucho tiempo, dado que la planificación comenzó en 2012", dice Oliver Helbig, que también fotografió a Black Flag en el espacio para crear las imágenes de estas páginas. “La producción con Flos y Black Flag fue interesante porque la fotografié en los tres pisos, cada uno de los cuales tienen una planta muy diferente. Las diversas” alturas de las habitaciones son especialmente interesantes y, dependiendo de cómo coloques la lámpara, consigues ambientes muy distintos. Me gusta que pueda “mirar “a la vuelta de la esquina como un animal curioso”.
Entrevista de Rosa Bertoli
La pasión de Ronan Bouroullec por la cerámica fue el factor desencadenante de Céramique. Una primicia para Flos, esta lámpara es la expresión pura de un material, la unión de las manos de un diseñador que sabe crear poesía visual y el savoir fair de una empresa que puede traducirlo en un objeto. Lo visitamos en su casa, en París, para ver Céramique en este espacio íntimo y profundizar en su pasión por este material y su potencial evocador.
ROSA BERTOLI La cerámica ha sido un material clave en tu trabajo durante los últimos años y la has utilizado tanto de manera bidimensional para tus bajorrelieves como para diseños tridimensionales como jarrones. ¿De dónde viene tu pasión por la cerámica?
RONAN BOUROULLEC La cerámica siempre ha estado en mi vida. Crecí en Quimper, en Bretaña, que todavía hoy es un lugar importante para la fabricación de cerámica. De niño, un día al año la fábrica abría al público y yo iba a visitarla, y me fascinaban mucho sus métodos y procesos.
Entonces uno de los proyectos más importantes que hice, uno de los primeros, fue en cerámica. Al comienzo de mi carrera, en 1999, pasaba todos los fines de semana en Vallauris, en el sur de Francia, donde trabajaba con un artesano torneando la arcilla para crear la colección de objetos y muebles Torique. Quería ser diseñador industrial, pero desde un principio comencé a trabajar con artesanos y siempre me fascinó esta habilidad de hacer cosas en cerámica. Es un poco como dibujar, puedes hacer las cosas inmediatamente. Necesitas cocerlo o dibujarlo por supuesto, pero en principio es algo fácil de manipular.
Desde este período inicial he hecho objetos en cerámica en el estudio. Para Mutina, por ejemplo, hicimos ladrillos o azulejos industriales, y objetos más artesanales en Japón, con Tajimi Custom Tiles. Tengo una gran fascinación por este material: es suave, orgánico, dinámico e imprevisiblemente mágico. La forma en que está vidriado, la forma en que aparece el color, que no sea exactamente del color que querías que fuese, nunca totalmente correcto, un poco cambiante, eso me gusta.
ROSA BERTOLI Cuando presentaste Céramique, dijiste que "la cerámica trata sobre el deseo y la sensualidad". ¿Puedes contarme más sobre eso?
RONAN BOUROULLEC En estos días de producción indus-
trial sintética donde las formas son perfectas, las líneas bien hechas y utilizamos sistemas para reproducir formas exactas, creo que la cerámica tiene algo más sensual. Siempre se mueve un poco en el horno, y la forma en que se derrite el esmalte suele ser impredecible. Lo que hace que la cerámica sea interesante es la pequeña variación en cada pieza y en un mundo industrial de reproducción perfecta, me interesa esta variación, estas pequeñas diferencias.
ROSA BERTOLI Y ahora has escogido este material y lo has traído a una empresa que se toma muy en serio sus procesos industriales y la forma en que produce las cosas. ¿De dónde surgió la idea de usar cerámica para una lámpara con Flos?
RONAN BOUROULLEC La idea de Céramique surge de un período en el que estaba trabajando en grandes y complejos sistemas, proyectos como Luce Orizzontale para la Bolsa de Comercio, y sentí que faltaba algo. Creo que en los últimos 10 años el diseño de iluminación se ha movido muy rápidamente hacia sistemas técnicos inteligentes. Pero quería una lámpara hermosa, algo así como los diseños que Tobia Scarpa y Achille Castiglioni habían creado para Flos: objetos con geometrías interesantes que producen luz simple, que pueden satisfacer una necesidad simple como iluminar tu mesita de noche o una mesa. Algo bien hecho, lleno de placer. Un objeto para amar.
ROSA BERTOLI ¿Y cómo desarrollaste esta idea con el equipo de Flos?
RONAN BOUROULLEC Pensé que era interesante hacer algo que no fuera un sistema nuevo o una extrusión complicada, algo que volviera a los básicos de la luz. La idea era hacer lámparas que estuvieran hechas de una sola pieza de cerámica y con simples bombillas que se pudieran enroscar. No es un sistema complejo de desmontar, desenroscas la bombilla y listo.
La cerámica es un objeto muy básico que tiene encanto, porque a veces necesitamos algo tan simple como eso. Por supuesto que no resolverá todos los problemas de iluminación de un espacio, pero resuelve muchas de las necesidades básicas en un apartamento o una casa, cuando se necesita un buen ambiente y se quiere estar rodeado de objetos bonitos.
También pensé que la cerámica era un material relevante porque Flos se encuentra en Italia, un país rico en diferentes técnicas artesanales, lleno de empresas de diferentes tamaños, desde talleres artesanales hasta talleres medianos y grandes empresas. Y creo que es parte del papel de un diseñador encontrar una manera de salvar estos pequeños lugares de fabricación y animarlos a seguir produciendo, para que no desaparezcan. Creo que este tipo de empresa italiana que produce objetos bonitos en cerámica necesita ser protegida, y este fue un punto importante del proyecto.
ROSA BERTOLI El diseño de Céramique recuerda a lo que consideraríamos una lámpara de mesa tradicional, pero también tiene un carácter completamente diferente, que en parte se debe a que está hecha en este material. ¿Puedes decirme cómo llegaste a esta forma?
RONAN BOUROULLEC Fue un proceso muy largo, creo que diseñé 50 lámparas antes de llegar a esta (risas). El punto de partida es tanto técnico como poético. Quería que el diseño final expresara un lenguaje poético, pero lo que quería lograr era la sencillez, una lámpara hecha de una sola pieza de cerámica. Pasé por varias soluciones, algunas que eran técnicamente inteligentes o al menos inteligentes en términos de geometría, pero tal vez no inteligentes en términos de luz. El punto de partida para el diseño final fue la primera forma con la que me sentí feliz: una pieza vertical de cerámica que parecía un hermoso jarrón. Y con solo mirarlo, usarlo en mi departamento, entender qué luz produciría, pensé que podría ser interesante que la luz tuviera diferentes direcciones.
A medida que avanzaba el diseño, me di cuenta de que probablemente sería más poderosa como colección. Encontrar formas y dimensiones que pudieran funcionar en tres orientaciones diferentes fue un proceso largo, extremadamente complejo, y Flos resolvió varios aspectos técnicos del diseño. En una cultura de diseño de corte de metal y extrusión de plástico, la cerámica no es algo que se pueda capturar, es como un animal salvaje, necesita mucha calma y mucho tiempo. La cerámica es grande y pesada, no es fácil de poner en el horno, el primer intento fue un desastre. Pensé, ¿por qué diseñé algo tan complejo? Pero lo solucionamos, y para mí esto es Italia, esta maravillosa calidad en investigación y desarrollo de empresas como Flos.
ROSA BERTOLI El diseño de la lámpara casi da la impresión de tener una cabeza dinámica y tiene las tres opciones, pero es fija. ¿Cómo cambia la función con cada modelo?
RONAN BOUROULLEC La función está claramente definida por cada versión del diseño. Cuando el difusor está hacia el techo, genera una iluminación general para un espacio, cuando está de lado, puede iluminar una pared de manera indirecta, y la dirección hacia abajo es más apta para una mesa o para estar en un dormitorio.
ROSA BERTOLI Es una lámpara muy arquetípica, pero inesperada por su material.
RONAN BOUROULLEC Creo que lo que también es inesperado es su tamaño. La gente que la ha visto en fotos piensa que es una lámpara pequeña, pero es muy grande, es como tener un bonito jarrón grande en la estantería, y ese es un aspecto importante. No es un artilugio, tiene una fuerte presencia en una habitación.
El debut de Flos con la cerámica. Céramique, de Ronan Bouroullec, es un trío de lámparas escultóricas que fusionan el notable enfoque del diseñador francés hacia los volúmenes y las siluetas con el impulso de la empresa hacia la innovación.
La cerámica ha sido un foco clave en el viaje creativo del diseñador de los últimos años, ya que sus exploraciones personales del diseño se han aventurado en lo abstracto. Utilizando la cerámica como medio pictórico, el material se ha convertido en el tema de una serie de bajorrelieves y jarrones que son tanto composiciones expresivas como recipientes funcionales. ’Me encanta la cerámica, las llamas que lamen la tierra y el esmalte que fluye para envolver la forma‘, dice. ’La cerámica trata sobre el deseo, la sensualidad. Creo que mi trabajo se mueve cada vez más en esta dirección; produciendo objetos que sean funcionales, ciertamente, pero buscando un tipo de elegancia, de placer.’
Atestiguando la novedad de su material desde su nombre, Ceramique es una colección totalmente artesanal realizada con un acabado lacado cristalino sin plomo. Los colores de la colección, Moss Green, Navy Blue y Rust Red, realzan las superficies lisas, reflejando la riqueza del material.
El punto de partida del diseño es la composición esencial de una lámpara: base, soporte y difusor, declinados en tres lámparas de mesa, que llevan el mismo diseño con orientaciones sutilmente diferentes, y cada una con una configuración que sugiere suavemente una iluminación específica. Mientras que una versión hacia abajo es una lámpara de mesa y de lectura ideal, la lámpara con una orientación lateral se imagina para iluminar una esquina, y la lámpara hacia arriba crea una iluminación ambiental perfecta.
’Flos está íntimamente ligada al extraordinario panorama de talento italiano, único en Europa. Fue necesario estudiar la cerámica italiana, una novedad para la empresa‘, continúa… ’Siento que esta riqueza de habilidades y artesanía rigurosa constituyen una experiencia que debe mantenerse viva y desarrollarse, y estoy muy feliz de intentar contribuir a ello‘.
DISEÑADO PARA LA SOSTENIBILIDAD
El icónico cuerpo de cerámica de la lámpara presenta un acabado cristalino lacado sin plomo que complementa su superficie artesanal.
DISEÑO ATEMPORAL
La mejor manera de ser sostenible es creando un producto que dure para siempre, algo que querrás compartir de generación en generación. Cada elemento se puede desmontar fácilmente para cualquier reparación o sustitución.
Obtenga más información en flos.com/en/sustainability
Durante el Fuorisalone 2023, el director de teatro y ópera Fabio Cherstich fue contratado para vivificar My Circuit de Michael Anastassiades en el Flos Project Space de Corso Monforte, trabajando en estrecha colaboración con el diseñador y Flos para dar vida a la iluminación a través del movimiento y el sonido. Aquí, Cherstich nos cuenta su experiencia al concebir la performance, cuya combinación de poesía y habilidad técnica fue capturada por la fotografía de Mattia Greghi.
Todavía recuerdo la ilusión de mi primer encuentro con Michael Anastasiades para hablar del proyecto performativo vinculado a My Circuit y su activación durante el Fuorisalone en el showroom de Flos en Milán.
Conocía bien el trabajo de Michael, pero nunca había trabajado con él, por lo que me pareció lógico escuchar y tratar de comprender los principios en los que se basaba su nueva creación: sencillez, equilibrio, flexibilidad son las palabras que escribí en mi libreta. El producto es muy hermoso y versátil, y el proyecto de activarlo con una representación teatral fue un gran desafío.
Michael me dijo que el montaje incluiría seis escenas con muebles minimalistas especialmente diseñados por él. Estos se presentarían en el espacio con diferentes composiciones de luces en variaciones que transformarían por completo la exhibición luminosa, y con ello la historia de un entorno doméstico que nunca es realista, sino más bien "solo insinuado por el diseño", como dijo Michael.
Cada acto mostró un ambiente doméstico diferente: una gran mesa rodeada de sillas, una versión estilizada de una sala de estar, un área para dormir, mientras que otro acto mostró solo las lámparas instaladas en el espacio, sin muebles. Un sillón, un sofá, una alfombra característica, un biombo. Volúmenes cilíndricos a varias alturas a modo de mesas. Objetos esenciales y refinados, definidos por el gusto que siempre ha distinguido el trabajo de Michael Anastassiades.
"No quiero nada marcadamente teatral: desde los textos hasta las escenas, nada debe ser melodramático o excesivo”, dijo Michael, un indicio muy claro de investigación por su parte. Inmediatamente pensé que sería interesante ver cómo los seis ambientes podrían habitarse de forma pura y esencial a través del trabajo de un grupo de artistas que morarían el espacio. Pocos objectos y una secuencia de acciones concretas en las que la diferente posición de los elementos de decoración y de la luz en el espacio cambian la dinámica de los artistas y el sentido de sus acciones.
En primer lugar, me pregunté cuál debía ser la energía del espacio, el tipo de atmósfera que debía devolver al público y la temperatura emocional de los intérpretes. Inmediatamente tuve claro que tenía que trabajar en una veintena de acciones dictadas por el paso del tiempo, en secuencias de gestos repetidos en melodías y variaciones para componer un fresco visual que pudiera transformarse ante los ojos del público durante un período prolongado de tiempo. Una línea de tiempo anti-cotidiana, expandida y suspendida para encontrar una clara ruptura entre la instalación y su entorno, entre el caos de las calles de Milán atestadas por los mil eventos del Fuorisalone y la energía enrarecida y ritualista que quería restaurar con mi actuación en el showroom de Flos.
Esto dio como resultado la idea de usar un metrónomo para marcar el ritmo de las acciones, una herramienta muy
simple que conectaba de inmediato a la audiencia y los artistas al marcar la “respiración” de todo el espacio. Su swing casi hipnótico y la atmósfera dilatada de las acciones ponían al público en un estado de escucha y concentración que me interesaba mucho investigar.
Para construir un material que fuera en cierto modo antiteatro o incluso antinatural, decidí que no tendría personajes en el escenario sino personas reales: el cuerpo, la energía, la verdad escénica de los participantes. No actores sino bailarines y bailarinas, intérpretes que parten de experiencias relacionadas con el mundo de las artes plásticas o disciplinas orientales.
Otra elección fue que no debería haber conflictos entre los habitantes de este espacio, ni tensiones psicológicas en sus acciones, ni nada que pudiera ofrecer una lectura ambigua. Este existiría como un espacio utópico, un único gran mecanismo humano, perfecto y armonioso.
Un elemento central fue la investigación sobre las reglas performativas: la acción en su verdad pura, la palabra expresada solo a través del canto, la repetición como herramienta alienante, la energía siempre variada por un elemento externo que ingresa al espacio, modificando la dinámica entre objetos y personas, entre escenario y público.
Estas elecciones iban en la línea con las referencias artísticas que le había mostrado a Michael tras nuestro primer encuentro y que fusionaban nuestros gustos: el teatro visual de Robert Wilson, las actuaciones de Tino Segal y Meredith Monk y ciertas obras de pura acción de Bruce Nauman. Con estas premisas afronté el casting junto a Riccardo Olivier, coreógrafo y colaborador mío, que estuvo presente en el escenario durante toda la función con un papel de maestro de ceremonias. Nueve intérpretes con experiencias y formaciones diversas se alternaron en el escenario durante los seis días del Salone, creando una comunidad autónoma que vivió y existió solo durante la duración de la actuación, tres horas al día.
Todos los días, los intérpretes llegaban al espacio una hora antes del inicio del acto y recibían una secuencia de acciones relacionadas con los objetos disponibles en ese día específico. Las instrucciones incluían: operar el metrónomo, cambiar el ritmo del metrónomo, jugar al ajedrez, beber leche, descansar, acostarse, medir el tiempo con un reloj de arena. Saltar, relajarse, bailar con una canción reproducida con auriculares. Grabar un sueño y volver a escucharlo, mirar afuera a través de las ventanas. Observar a la audiencia con binoculares. Abrazar a un compañero, dormir, tomar fotos polaroid de sí mismo y del público. Respirar las plantas, señalar una constelación imaginaria en el techo. Dibujar la línea My Circuit en un cuaderno o señalar con el dedo. Dibujar el espacio. Describir las luces en voz baja mientras las mira. Cantar una canción relacionada con su infancia. Estas son solo algunas de las
acciones de la partitura, desde las más elementales hasta las más poéticas y extravagantes.
El resultado fue una improvisación muy larga y ordenada que generó una documentación fotográfica interna: las polaroids se exhibían en el espacio al final de cada jornada, creando una narración de los diversos actos que podía ser consultada por los espectadores, actuando como memoria de los días previos.
Mi felicidad al ver la reacción de sorpresa y concentración del público ante la magia que se había creado en nuestro ritual fue tan impactante que por primera vez en mi carrera como director decidí involucrarme también como actor, pero solo por un día y durante aproximadamente una hora (antes de que la timidez y la rutina reemplazaran mi entusiasmo). Yo también quería vivir la experiencia de habitar esos espacios y esos espléndidos objetos luminosos desde dentro.
En nuestro Seis Actos, miles de personas fueron testigos de un ritual doméstico poético y colectivo, imprescindible pero lleno de matices y sorpresas, ofreciendo una idea de actuar y habitar un espacio diferente a nuestra rutina, transmitiendo esa magia que aún tiene el lenguaje de la actuación en vivo sobre otros lenguajes.
“En la hipótesis de máxima informatización de la sociedad y máxima estandarización de las condiciones de vida de los hombres, iremos al teatro porque todavía hay seres humanos que simple y llanamente sudan, lloran, se cortan, caen, se desesperan y son felices. Iremos a ver este evento como algo que no se puede manipular, que no puede ser bidimensional”. Con estas palabras proféticas escritas en 1992 por Antonio Neiwiller, compuse la interpretación de Seis Actos para Michael Anastasiades. Esta afortunada experiencia quedará en mi memoria como un ejemplo único (pero ojalá repetible) de trabajo en equipo en estado de gracia, donde diseñadores, empresa, project management (liderado por Bárbara Corti, una extraordinaria compañera de viaje) y performers crean un proyecto capaz de hacer perder las fronteras de los lenguajes y brindar al público una nueva forma de descubrir la belleza formal y conceptual de My Circuit. Le estaré eternamente agradecido a Michael Anastasiades por la confianza que inmediatamente tuvo en mí y por el camino recorrido juntos en esta creación, que espero se repita lo antes posible en nuevos desafíos comunes, en nuevas investigaciones y experimentaciones en nombre de la gran tradición de Flos.
El fotógrafo Leonardo Scotti y el escenógrafo Alessandro Mensi exploran las posibilidades lúdicas de Bilboquet, de Philippe Malouin, con una serie de viñetas eclécticas y coloristas.
La cabeza y el cuerpo están hechos de policarbonato sostenible derivado de un subproducto de la producción de papel en lugar de petróleo.
La lámpara ha sido diseñada para estar preparada para el futuro. Todas las piezas se pueden reemplazar fácilmente en caso de necesidad para una vida útil prolongada.
Obtenga más información en flos.com/en/sustainability
Retomamos el diseño de Achille & Pier Giacomo Castiglioni que vuelve en una versión totalmente matte white.
Achille & Pier Giacomo Castiglioni
Taccia es una lámpara de mesa de luz indirecta y refleja. Cuenta con un difusor orientable de vidrio transparente soplado que sostiene un reflector de aluminio pintado, blanco brillo por fuera y blanco mate por dentro. El difusor de vidrio se apoya sobre un objeto en forma de columna que oculta la bombilla, tradicionalmente en acabado negro, bronce o aluminio anodizado. Hoy, Taccia está equipada con un LED brillante, lo que permite que la luz sea regulable.
Taccia fue concebida originalmente por Achille y Pier Giacomo Castiglioni en 1958 y un año después se presentó el primer prototipo en el Instituto de Diseño de Illinois, Chicago, durante una conferencia sobre diseño italiano. Durante los siguientes tres años, los diseñadores trabajaron en varios modelos experimentales para llegar a la solución final de diseño y fabricación, trabajando inicialmente con plástico para crear el difusor direccionable y luego cambiando de rumbo
para trabajar con vidrio. En marzo de 1962, Flos se comprometió a producir el proyecto, que fue presentado a Marcel Breuer en su versión definitiva en junio del mismo año. En noviembre, Flos presentó la lámpara como parte de la serie de producción inaugural de la empresa.
El componente de vidrio de cada lámpara está soplado y acabado a mano, utilizando una combinación de métodos tradicionales y de alta tecnología. Primero, se introduce la arena en un horno de ladrillos refractarios, convirtiéndose en un magma incandescente a 1000/1600 grados centígrados. Expertos sopladores de vidrio utilizan una caña de acero inoxidable de 2,5 metros de largo y soplan este magma en un molde excavado, el mismo que se usaba en los años 60. El difusor se despega inyectando agua por la caña
y se deposita en un horno 'Muffola' durante veinticuatro horas, alcanzando lentamente la temperatura ambiente. Se envía luego a cortar manualmente, obteniendo la forma final de la lámpara.
Taccia matte white es la última interpretación de este clásico contemporáneo: la versión monocromática y mate de la lámpara realza su silueta y honra la expresión pura de su funcionalidad.
“La historia de esta lámpara es bastante interesante, porque alguien la confundió con un objeto posmoderno: esto tiene gracia porque es de 1962, y mi hermano y yo no teníamos intención de crear una lámpara posmoderna”.
“Tengo que admitir que esta lámpara fue concebida de forma equivocada: inicialmente se utilizó un material plástico transparente para hacer el difusor. Entonces, cuando probamos el objeto, tuvimos una agradable sorpresa: al calentarse, el plástico se estropeó y se volvió plano. Nuestro primer proyecto estaba completamente equi-
vocado, así que lo hicimos en vidrio”. “Esa base en forma de columna es como una camisa que ayuda a enfriar esa especie de olla de vidrio: en la base del objeto hay un calor tan intenso que aumentar el volumen de la superficie significa enfriarlo más eficientemente. Es como las aletas de un motor”.
Texto de ROSA BERTOLI
Fotografía de Flos archive (p. 83, 84, 87) y ADRIANNA GLAVIANO (p. 8081, 82, 85, 86)
Ilustraciones por Sany
¿Cuál es la mejor manera de ayudar al equipo B a ganar el juego?
4. Cambiar a otro modelo de Céramique
3. Girar la cancha de baloncesto 90º /
2. Jugar sucio /
1. Entrenar duro /
Céramique de Ronan Bouroullec
¿Cuántas Bilboquet completas pueden construir Florian y Flavia con estos componentes?
El lenguaje esencial del diseño de Guglielmo Poletti es el resultado de un estudio preciso de los contornos, la tensión y las superficies que se cruzan, combinados en composiciones ingeniosamente minimalistas que sugieren una función a la vez que son esenciales estéticamente. “No estoy interesado en conceptualizar mi trabajo, estoy interesado en que el trabajo se explique por sí mismo”, dice Poletti. Por ejemplo, su proyecto con Flos, To-Tie: una exploración sobre el potencial de la iluminación como herramienta para enmarcar el espacio vacío. En este intuitivo diseño, un cilindro de vidrio sostiene una barra de aluminio anodizado que oculta una fuente de LED, el cable se duplica como el elemento estructural que los mantiene unidos. Aquí nos cuenta su día a día e ilustra las cosas que despiertan su interés. Fotografía de Bea Di Giacomo.
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Colaboradores
En Paris, Àngele Châtenet fotografió a Ronan Boroullec en casa con Céramique, el debut de Flos con la cerámica (p. 38)
El director de ópera y teatro Fabio Cherstich redactó un texto sobre su experiencia con la performance de My Circuit, de Michael Anastassiades, durante el Fuorisalone (p. 58)
Pablo Di Prima siguió a Philippe Malouin mientras ponía a prueba Bilboquet, su debut en Flos, de un lado al otro del este de Londres por las casas de sus amigos (Cover)
La fotógrafa afincada en Nueva York, Adrianna Glaviano creó una serie de imágenes de Taccia, ilustrando el ingenioso diseño de Achille & Pier Giacomo Castiglioni para nuestro Identikit (p. 82)
Durante una semana del Fuorisalone, el fotógrafo Mattia Greghi documentó la actuación de Fabio Cherstich que puso en valor y celebró My Circuit, de Michael Anastassiades (p. 58)
El fotógrafo Oliver Helbig capturó la Black Flag de Konstantin Gricic en su casa y la de sus vecinos en Berlin, Sam Chermayeff y Noemi Smolik (p. 18)
El director creativo italiano Alessandro Mensi mostró el ingenioso diseño de Bilboquet en una serie de imágenes que ilustran la idea de iluminación de Philippe Malouin (p. 72)
Anastasia Pavlova fue entre los bastidores de la fábrica de cerámica de Flos para documentar la creación de Céramique, de Ronan Bouroullec (p. 50)
Sany, el ilustrador y artista afincado en Estocolmo conocido como Samuel Nylhom, creó algunos divertidos juegos para esta publicación inspirados en Céramique y Bilboquet (p. 90)
El fotógrafo milanés Leonardo Scotti fotografió Bilboquet en una serie de lúdicas imágenes que celebran la naturaleza multifuncional de la lámpara (p. 72)
Agradecimientos
Michael Anastassiades
Sam Ashby
Ronan Bouroullec
Jason Brackenbury
Ángel Cánovas Celdrán
Achille Castiglioni Foundation
Py Cha
Sam Chermayeff
Konstantin Grcic
Elvio Grego
Ezio Grego
Kathrin Hasskamp
Sascha Leong
Philippe Malouin
Eredi Ugo Mulas
Noemi Smolik
Dirección creativa y conceptual Apartamento Studios
Redactora jefe
Rosa Bertoli
Diseño gráfico Apartamento Studios
Equipo Flos
Barbara Corti
Rosaria Bernardi
Elisa Bodei
Silvia Delaini
Donatella Matteoni
Francesco Funari
Diletta Dincao
Ambra Crociani
Sara Amatista
Paola Arici
Traducciones
Equipo Agiliz@ tu gestión
Impresión
LOGO srl Borgoricco (PD) Agosto 2023
Bilboquet
Philippe Malouin, 2023
Materiales: policarbonato, iron
Potencia: 7.5W
Tensión: 220-240V
Fuente Luminosa: GU10 Led bulb - interruptor integrado en el cable Disponible en: sage, linen, tomato
Céramique
Ronan Bouroullec, 2023
Materiales: cerámica, policarbonato
Potencia: 8W
Tensión: 220-240V
Fuente Luminosa: E27 LED bulb - interruptor integrado en el cable Disponible en: moss green, navy blue, rust red
F0995017
F0995035
F1632014
F1633014
F1634014
F1632035
F1633035
F1634035
Black Flag
Konstantin Grcic, 2023
Materiales: aluminio, policarbonato
Potencia: 75W (Black Flag) - 82W (Black Flag Pro)
Tensión: 220-240V
Fuente Luminosa: Power LED 2700K CRI 90 (Black Flag) - ( Tunable white 2700-5000K CRI 90 Black Flag Pro)
Disponible en: matte black
Taccia
Black Flag
F1090031
Black Flag Pro
F1091031
Achille & Pier Giacomo Castiglioni, 1962
Materiales: vidrio, aluminio
Potencia: 28W Taccia - 16W Taccia Small
Tensión: 100-240V/48V
Fuente Luminosa: 1 COB LED 28W 2700K CRI93
Nuevos Acabados: matte white
Disponible en: negro, plata, bronce
My Dome, My Sphere, My Lines y My Disc también están disponibles como parte de la estructura My Circuit, diseñada por Michael Anastassiades para ofrecer una amplia gama de accesorios de iluminación ad hoc.
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My Dome & My Sphere
Michael Anastassiades, 2023
Materiales:
aluminio , PMMA ( My Dome) -
vidrio, aluminio ( My Sphere)
Potencia:
2x15W ( My Dome) -
20W ( My Sphere)
Tensión: 220-240V
Fuente Luminosa:
2xLed 15W 2700K CRI90 ( My Dome)
Led 20W 2700K CRI90 ( My Sphere)
My Disc & My Lines
Materiales:
aluminio, policarbonato, PMMA ( My Disc) -
Michael Anastassiades, 2023 F1902009 F1920009
aluminio, acero, policarbonato, silicona platino opal extruida ( My Sphere)
Potencia:
44W ( My Disc) -
2x52W ( My Lines)
Tensión: 48V
Fuente Luminosa:
Led 44W 2700K CRI90 ( My Disc)
2x Led 52W 2700K CRI90 ( My Lines)
F1905009
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Céramique by Ronan Bouroullec