Portafolio 2016 by Gonzalo Vargas

ÍNDICE OBRAS 6 52 60 64 70 76 92 96 98 100 102 104 106 108 110 112 114

Aliento, antología de Pilar Flores, Quito. Tejido, Centro de Arte Contemporáneo, Quito. Yuwientsa, Amazonía ecuatoriana. Diario de un iris, El Conteiner, Quito. Cartografía Interior, Arte Actual, FLACSO, Quito. Geografía Interior, Quito. Palimpsesto, Museo de la Ciudad, Quito. Levedad, APPUCE, Quito. El taller de arte: una organización compleja, Quito. Mapas íntimos, Galería Taipinquiri, La Paz, Bolivia. Encuentros de creación desde el silencio, Quito. …Aire, viento, aliento…, La Galería, Quito. Montañamar, La Galería, Quito. El rugido de la montaña, Bruselas, Berlín, Quito. Pampa, Galería Sketch, Quito. Diarios, Quito, Marsella, Viena, Bruselas, Berlín, Chicago, Los Angeles, Ginebra, Phoenix. Montañas, Andes ecuatorianos.

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Currículum Vitae.

122 130

Inner Geography. Reflections.

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Resume.

OBRAS

ALIENTO antología de Pilar Flores Centro de Arte Contemporáneo de Quito octubre 2015 - marzo 2016

Aliento: Aire que se expulsa al respirar; impulso vital; espíritu, alma; vigor del ánimo, esfuerzo, valor; emanación, exhalación; inspiración, estímulo que impulsa la creación artística; alivio, consuelo. Cada ser pertenece a una red en la que el todo y sus partes están interconectados en un flujo continuo. Según este principio de unidad y correspondencia, las acciones de cada una de las partes resuenan impactando toda la red que se sostiene gracias a la fortaleza interior de sus integrantes. Esa fortaleza interior y esa conciencia de pertenencia a una Unidad que transformamos y nos transforma continuamente son parte de lo que se podría denominar la “Dimensión Espiritual del Ser”. Esta forma de percibir la existencia ha estado presente a lo largo de la historia, en diferentes culturas y tradiciones de oriente y occidente. Por ejemplo, en los Puranas1 escritos en sánscrito hace tres mil años se encuentra el concepto de las Perlas de Indra: una red de cuerdas de seda que se expande al infinito en todas las direcciones y que contiene en cada intersección una perla de gran brillo que refleja sobre sí cada una de las perlas de la red, y así sucesivamente, como espejos hacia el infinito. La artista ecuatoriana Pilar Flores elige posicionarse en la vida reconociendo la “Dimensión Espiritual”, no como concepto sino como práctica, lo que le permite vislumbrar el mundo con esperanza en el potencial de conexión del ser humano consigo mismo y con lo demás. Su práctica artística es parte de una forma de vida que explora día a día la posibilidad de integrar: individual-colectivo, caos-orden, quietud-flujo, fugaz-perenne, exteriorinterior. Como practicante de yoga por cuarenta años, Pilar ha incorporado en su vida técnicas que le permiten, a través de la meditación y la respiración, 1 En el hinduismo los Puranas son un género de literatura escrita india (diferente de la literatura oral de los Vedas, más antiguos). Se trata de una colección enciclopédica de historia, genealogías, tradiciones, mitos, leyendas y religión.

percibir la conexión entre cuerpo, mente y espíritu; entre el ser finito y el Ser Infinito. Su arte es una herramienta de expresión, de investigación, de comunicación y de evidencia de estas experiencias de unión; la palabra yoga significa unión. En un mundo en el que fácilmente se percibe la fragmentación y la pesadez, en el que la velocidad da pie a los desencuentros, Pilar asume una postura crítica utilizando sus prácticas artística, pedagógica y espiritual, como formas de activismo no violento. Desde estos ámbitos insiste en dar cabida a la quietud, al silencio, a la respiración, a la contemplación, al desarrollo de la fortaleza interior, a los encuentros significativos con la naturaleza y las demás personas. Esta actitud tiene una considerable implicación de resistencia. Trayectoria A los 16 años, Pilar Flores conoce el grupo de meditación de Paramahansa Yogananda2, desde entonces la artista mantiene una práctica comprometida de meditación y yoga. Su postura crítica ante un sistema que menosprecia el detenerse a mirar hacia adentro es justamente otorgar el tiempo y la energía necesarios para desarrollar su espíritu y su fortaleza interior cada día; experiencias que comparte de forma concreta como aportes al entorno, a través de vivencias colectivas con la educación, el arte y grupos de exploración consciente. En 1994 Pilar abre las puertas de su casa para que un grupo de hombres y mujeres se reúna a meditar dos veces por semana, espacio que continúa funcionando en la actualidad. En este largo camino, no sorprende su vinculación con el Padre Marco Vinicio Rueda3, sus estancias en monasterios trapenses y la inclusión de comunidades de oración en sus propuestas artísticas. 2 Paramahansa Yogananda (India 1893 – EEUU 1952) fundó Self Realization Fellowship en 1920 con la finalidad de difundir mundialmente las enseñanzas de yoga. En la India, la obra de este Maestro es conocida como Yogoda Satsanga Society. 3 Sacerdote jesuita, maestro meditador, reconocido pensador y filósofo ecuatoriano.

Iris en exposición colectiva Mirada de artista. Foto: C. Hirtz, CCM, Quito, 2014.

Posteriormente, Pilar Flores viaja a España para estudiar pintura y dibujo, con énfasis en las técnicas tradicionales del realismo. A su retorno a Quito inicia sus estudios superiores de arte en la Universidad Central del Ecuador, donde recibe clases de pintura con Nicolás Svistonoff y toma contacto con otros jóvenes artistas como Hernán Cueva y Marcelo Aguirre. A lo largo de la carrera insiste en trabajar dibujo y pintura. En esta época también entabla una amistad importante con Raúl Pardo, pintor autodidacta siempre muy cuestionador de los órdenes establecidos, cuya perspectiva independiente influenció a la artista.

En la década de los ochenta, el dibujo y la pintura fueron los medios con los que Flores explora su relación con la naturaleza, el tiempo, la “Dimensión Espiritual del Ser”, el cuestionamiento al sistema establecido, temáticas que se han mantenido vigentes en su obra durante estos treinta y cinco años de trayectoria. A inicios de los años noventa, con su exposición Montañamar, que fue presentada en La Galería, en Quito, propone un quiebre al tratamiento del paisaje, creando obras efímeras con pigmentos que se desprendían de las telas y la arquitectura, instalaciones en el espacio que se transformaban a lo largo del tiempo. En un período de auge del mercado del arte ecuatoriano, la artista opta por recalcar la importancia del gesto, el Luego de terminar sus estudios universitarios en la Universidad Central concepto y la intención artística por sobre el deseo de poseer objetos que se del Ecuador, viaja a Francia para continuar su formación en la Escuela de convierten en mercancía. Arquitectura y Arte de Luminy. El entorno natural acentúa su interés en las formas, colores y texturas del paisaje y su luz. En el contexto de una Su práctica artística relacional también comienza a inicios de los años noventa, escuela vanguardista y expuesta a gran diversidad de opiniones sobre su a través de talleres de arte y encuentros propuestos para distintos colectivos, trabajo, Pilar encuentra su lugar en la diferencia y continúa la exploración época en la que paralelamente se vincula a la educación artística superior sobre su relación con la naturaleza a través del paisaje realista en técnicas como docente e investigadora. Los nexos con otras personas se convierten tradicionales. Tres años después regresa a Quito. En 1985, en una exposición en parte sustancial de sus procesos artísticos, que incluyen el diseño de individual en la Casa de la Cultura Ecuatoriana, se vislumbra que el paisaje experiencias creativas como mecanismo de reflexión individual y colectiva. se descompone y aparece la montaña abstracta. Cuando viaja nuevamente Niños, jóvenes y adultos de las tres regiones del Ecuador continental han a Europa para estudiar en la Escuela de Investigación Gráfica (ERG) en participado de encuentros creativos a partir de sus propuestas. Bruselas, con énfasis en arte conceptual, las formas reconocibles del paisaje dejan de estar presentes y sus pinturas acentúan la fuerza de los ritmos de la Desde entonces empieza a explorar con diversos medios artísticos, otorgando naturaleza. importancia a los procesos de construcción de pensamiento y experiencias, sin considerar al objeto artístico como fin en sí mismo. Dibujo, pintura, En su etapa de formación en instituciones artísticas del Ecuador y de arte efímero, intervenciones en la arquitectura y el espacio público, talleres, Europa, Pilar se mantiene leal a su propio proceso. Los viajes e intercambios medios digitales, acciones, videos, publicaciones, son en su caso formas de le aportan para contrastar y tener una visión amplia sobre diferentes procesos entablar relaciones significativas. de creación. Mientras valora y reconoce la riqueza de esa diversidad, también encuentra la importancia de mantenerse fiel a sus ritmos y necesidades, y de La obra de Pilar Flores es un continuo proceso de documentación donde encontrarse cómoda sin coincidir con otros en perspectivas o metodologías confluyen diversos referentes, épocas, culturas y disciplinas de oriente y de trabajo. Entre la diversidad de criterios encuentra fundamental encontrar occidente. Sus diarios recogen un desarrollo de pensamiento que da cabida el suyo propio y ser autónoma e independiente. 8

a búsquedas filosóficas, a lo racional, lo intuitivo, lo relacional y lo estérico. El tiempo, trabajo y cuidado invertidos en las bitácoras evidencian su permanente actitud de exploración y creación. Sus publicaciones son un mecanismo para compartir estas reflexiones y posicionar a la investigación artística como parte fundamental de su obra. En 2015, presenta Diario de un Iris, reflexiones sobre la investigación artística en la obra de Pilar Flores, un libro que pone en relevancia el sentido metacognitivo del arte, como una manera de razonar sobre el propio razonamiento. Tanto en los diarios como en las publicaciones se vislumbra la conjugación de valores y saberes que conforman la obra de Flores, que vienen tanto de la práctica artística y espiritual como de la rigurosidad académica y de la ciencia. Propuesta Curatorial Considerando que la práctica espiritual de Flores es el motor de su producción artística, la propuesta curatorial para la exposición Aliento se desarrolla desde la perspectiva de la espiritualidad. La artista es pionera en esta línea de trabajo en el arte contemporáneo ecuatoriano. La constancia de su práctica espiritual le ha permitido mantener una producción artística permanente, a pesar de las dificultades de quien vive al ritmo de las ciudades actuales, mientras desempeña múltiples actividades como docente, investigadora y facilitadora de grupos de meditación. Las experiencias presentadas en esta curaduría son aportes en los ámbitos del arte, la pedagogía y la academia, campos que se interrelacionan en proyectos de largo aliento, como evidencia de una percepción holística de la vida. El sentido multidimensional de las obras de la artista, que se crean y conviven de manera rizomática, permite aproximarse a las mismas en recorridos no lineales ni cronológicos, otorgando tanto valor a las publicaciones, las investigaciones y las propuestas pedagógicas de la artista, como a las obras creadas para espacios expositivos.

Realizar una muestra antológica de media carrera incluye, en este caso, abordar retos como la re-actualización de propuestas efímeras y acciones que fueron realizadas en la esfera pública. Debido a la importancia de las mismas en la trayectoria de la artista y en el contexto del arte ecuatoriano, se han elaborado nuevas propuestas que en lugar de representar aquellas acciones, son abordadas como nuevos gestos poéticos que siguen tomando en cuenta los conceptos con los que fueron creadas inicialmente.

ALIENTO

ANTOLOGÍA DE PILAR FLORES

COMUNIDAD

ESPIRITUALIDAD

NATURALEZA

MUNDO INTERIOR

Gráfico 1.

Otro reto implica encontrar mecanismos adecuados para compartir propuestas pedagógicas con los públicos. En ambos casos las soluciones se han encontrado en un trabajo compartido entre la artista, el equipo de producción y la curadora, dando continuidad a formas participativas de construcción de las obras.

que importe la entrada elegida. La espiritualidad, como concepto abarcador, se encuentra en el espacio central con la obra sonora Cuencos Tibetanos. Pilar Flores y el músico Michael Blanchard utilizan siete cuencos tibetanos para producir el sonido que se expande desde el corazón del espacio expositivo. La vibración envolvente del cuenco tibetano modifica el campo energético (Ver gráfico 2).

NATURALEZA

ESPIRITUALIDAD

Gráfico 2.

MUNDO INTERIOR

Tomando en cuenta que la propuesta artística de Pilar Flores es un ejercicio integrador, en el que el todo y las partes dialogan y se influencian constantemente, Aliento se construye a través de tres ejes curatoriales (Ver Espíritu Comunitario gráfico 1). Los vínculos con otras personas son parte sustancial de los proyectos de Estos ejes se distribuyen en tres áreas del espacio arquitectónico, cada una Pilar Flores. Publicaciones, investigaciones, propuestas pedagógicas, con su respectivo acceso. Es posible recorrer la totalidad de la exposición sin intervenciones en el espacio público y obras colaborativas son maneras de generar encuentros en la diversidad. Siete procesos artísticos desde 1994 hasta el 2015 evidencian que cada ser es parte de una red y que nos influenciamos mutuamente a través de nuestras palabras, pensamientos, COMUNIDAD acciones y presencia. - Tejido Doscientas noventa y cuatro piezas bordadas conforman esta obra que fue construida a lo largo de ocho años, con siete grupos que representan a comunidades diversas de mujeres, hombres, niñas y niños de sectores urbanos y rurales. Cada participante bordó siete retazos de tela en conexión con su fortaleza interior. Un libro acompaña el tejido para contar su proceso de construcción. - El taller de arte: una organización compleja Esta propuesta pedagógica está presentada en una publicación. Pilar Flores diseña talleres de arte con las características de los ambientes que descubre en sus recorridos por la naturaleza. Estos hábitats se convierten en una metáfora: bosque nublado, páramo, río, tierra, bosque de eucaliptos, montaña-mar, ciudad. Cada metáfora ofrece

una serie de actividades artísticas con las características de ese hábitat, que son seleccionadas al azar por los participantes de los talleres. La elección al azar ofrece centenares de posibles combinaciones, que son resueltas de diferentes maneras por cada grupo de participantes. - Luz Elena Luz Elena Arismendi falleció en un accidente de tránsito, luego de seis años de lucha incansable por conocer el paradero de sus dos hijos, Santiago y Andrés Restrepo, que fueron desaparecidos en manos de la Policía Nacional en 1988. Pilar Flores es la autora del stencil que permitió multiplicar un centenar de imágenes de Luz Elena, a escala real, a lo largo de toda la avenida 10 de Agosto, desde “La Y” hasta el centro histórico. Frente a la imagen de Luz Elena se presenta una instalación sobre la fugacidad de la flor de iris, como un espejo de la fragilidad de la vida.

trayectoria de la artista. La práctica de Flores incluye la generación de mecanismos de reflexión y socialización de sus propuestas. - Cuencos Tibetanos La séptima pieza es la obra sonora ubicada en el espacio central. El Espíritu de la Naturaleza

La espiritualidad es presentada a través de procesos artísticos que exploran los ciclos de la vida, el tiempo y su fugacidad. El eje está compuesto por obras producidas desde 1989 hasta el 2015, en los siguientes medios: instalación, arte efímero, dibujo, pintura y una publicación. Pilar Flores viaja y recorre parajes naturales con reverencia y curiosidad. Mientras se relaciona con las fuerzas y los ciclos de la naturaleza, descubre el principio integrador que permite la complementariedad de los opuestos manifestado, por ejemplo, entre los arquetipos de la verticalidad y la horizontalidad. También investiga - Trayectoria la luz y su transformación, que da cuenta de lo inasible del instante que Video que muestra el portafolio de la artista. Esta pieza audiovisual se desvanece. Con el gesto artístico, Pilar reconoce cómo las diferentes funciona como una herramienta para diálogos en los que Pilar intensidades de la montaña, el mar y la flor están presentes en las personas, comparte su proceso creativo con los públicos. como parte de la inmensidad de la naturaleza que pone en perspectiva la dimensión humana. Siete obras conforman el eje: - Comunidad Creadora En la producción artística de Pilar Flores, lo relacional y lo afectivo - Montañamar son fundamentales como metodología de trabajo, como concepto Con esta obra, la temática clásica del paisaje fue abordada desde y como vivencia significativa que reconoce los saberes y aportes una perspectiva no convencional para ese momento. Pinturas de de cada persona involucrada. Esta instalación es un homenaje y gran formato fueron realizadas sobre telas y la pared, con pigmentos reconocimiento a la amistad y a los procesos de creación compartidos. naturales aplicados directamente con las manos, lo que las hacía altamente frágiles y fugaces. Los pigmentos se desprendieron poco - Aliento a poco durante el transcurso de la exposición. Un largo camino de La presente publicación debe ser comprendida como una obra en sí arena sobre el piso conectaba a las pinturas entre sí. La artista ratifica misma, no se trata de un catálogo o un recorrido cronológico por la la importancia de la obra como un proceso y no como un objeto

para ser poseído. Montañamar aborda la complementariedad y tensión entre los opuestos. - Instantes Cien dibujos de pequeño formato exploran el fluir de los colores de la montaña desde el primer rayo de sol en el amanecer hasta que el cielo se apaga al llegar la noche.

que se manifiestan en su obra. La investigación artística supone el reconocimiento del arte como una forma de trabajo cognitivo (Verwoert, 2011). Para Pilar Flores, esta publicación es una manera de compartir sus reflexiones y posicionar a la investigación artística como parte fundamental de su obra. - Cuencos Tibetanos La séptima pieza es la obra sonora ubicada en el espacio central.

- De la serie El rugido de la montaña Esta obra pertenece a una serie de grandes pinturas abstractas en tonalidades grises, y pequeños dibujos en blanco y negro, que Mundo Interior exploran las fuerzas de la naturaleza. La artista aborda los grandes formatos fusionando pintura, movimiento corporal y respiración, y Siete obras desarrolladas desde 1992 hasta el 2015 son formas de vivir, a la vez es parte de los sistemas que construye. investigar y comunicar la riqueza interior del Ser. - Diario de un iris (instalación) La instalación con dibujos calados en papel tiene relación con el pequeño jardín de la artista, donde cada año nace un iris. Esta flor, que crece de rizomas rastreros, tiene un corto ciclo de vida. Desde hace quince años, Pilar dibuja el florecimiento, la plenitud y el marchitarse del iris. Este, en su pequeñez, se convierte en símbolo de la vida, una totalidad en permanente flujo y transformación, donde se interrelacionan espacio-tiempo, fragilidad, fugacidad y multiplicidad. - Diario de un iris (dibujos) El nacimiento, la plenitud y la muerte de un iris, se presentan en estos dibujos como metáfora de los ciclos de la vida.

- Diarios En los diarios y bitácoras de Pilar Flores se evidencia la experiencia íntima y constante de investigarse a sí misma, a la existencia, al arte, a la naturaleza. En ellos confluyen diversos referentes, épocas, culturas y disciplinas. - 10 Este libro de artista es una recopilación de fragmentos de diez de los diarios y bitácoras, dispobible para el libre acceso de los visitantes.

- Diario de un iris, reflexiones sobre la investigación artística en la obra de Pilar Flores

- Apertura de diarios Como una acción artística en silencio, en determinadas ocasiones, a lo largo de la exposición, los participantes pueden abrir los diarios y acceder a la intimidad del proceso de creación.

La investigación artística nace como fruto del trabajo de los artistas en la academia, quienes reflexionan, escriben y analizan su proceso creativo, su contexto y las problemáticas de la realidad

- ...Aire, viento, aliento... Estos dibujos fueron realizados al ritmo de la respiración, en un ejercicio de atención a este acto vital. La respiración conecta a todos

Grรกfico 3.

los seres, es la evidencia de la unidad. Su compás se relaciona con los roles de lo femenino y lo masculino cuando invita a bordar a los hombres, los ritmos de la tierra, con los flujos y corrientes del aire y del agua. quienes aceptaron con entusiasmo el reto de trabajar en una técnica que tradicional y culturalmente desconocen. La obra Luz Elena nos permite hermanarnos con la sombra, abrazar el dolor, relacionarnos con el conflicto - Cartografía Interior Instalación de doscientos cuarenta dibujos basados en dos tratados y el drama desde otra perspectiva, sin dejar de ser críticos. antiguos sobre Yoga, escritos en sánscrito y traducidos al inglés y al francés, por dos autores, uno oriental y otro de occidente. La Sostenidas como perlas en la Red de Indra, las obras que conforman Aliento artista también los traduce al castellano, utilizando la Palabra como ofrecen la posibilidad de reconocernos a pesar de las distancias geográficas, las diferencias de circunstancias y contexto. En nuestra diversidad podemos símbolo que desde el inicio construye el mundo. compartir el principio de identificación y valoración de nuestro propio poder y del poder colectivo; desde esta perspectiva, la “Dimensión Espiritual” nos - Geografía Interior abraza a todas y a todos. Al relacionarnos con estas propuestas, tenemos la Esta publicación forma parte de la obra Cartografía Interior. El oportunidad de hacer un ejercicio integrador dentro de nosotros mismos y texto revisa la trayectoria artística de Pilar Flores, desde su propio reconocer la red de la que también somos parte. punto de vista. La respiración es el primer regalo de la vida. Respiramos intercambiando - Cuencos Tibetanos Como en los dos casos anteriores, la séptima obra es la pieza sonora el aire unos seres con otros, evidencia de lo íntimamente relacionados que estamos. Nuestra exhalación mantiene vivos a los bosques, cuyas raíces se central (Ver gráfico 3). entrelazan bajo la tierra permitiendo que los seres más altos del planeta se mantengan en pie y se sostengan mutuamente. Aliento es una invitación a respirar como una experiencia integradora. La Totalidad

Dayana Rivera4 Siete obras componen cada uno de los ejes curatoriales. El número siete Curadora de Aliento, antología de Pilar Flores es abordado constantemente en distintas tradiciones y culturas como un Coordinadora del proyecto Espiritualidades en Quito número multiplicador que abarca la Totalidad: siete veces siete. También son siete los cuencos tibetanos que suenan en el corazón del espacio expositivo; están presentes siete publicaciones; hileras de siete bordados conforman la red de la obra Tejido; siete metáforas se presentan en la propuesta pedagógica del Taller de arte, una organización compleja, por mencionar algunos ejemplos de la presencia de este número. Pilar Flores comunica el sentido de unidad a través de la dimensión poética y consigue manifestar el poder integrador del arte. Su obra Tejido cuestiona

4 Dayana Rivera es investigadora cultural de la Fundación Museos de la Ciudad, artista plástica, educadora y profesora de Kundalini Yoga. Su trabajo busca democratizar las prácticas culturales, educativas y espirituales como un derecho y necesidad de todo ser humano para el autoconocimiento, que permita entablar relaciones conscientes y formas de convivencia más pacíficas y solidarias.

Cuencos tibetanos 2015 La vibración envolvente del cuenco tibetano modifica el campo energético. Pilar Flores y el músico Michael Blanchard utilizan siete cuencos tibetanos para producir el sonido que se expande desde el corazón del espacio expositivo en el patio central del edificio del Centro de Arte Contemporáneo. En distintas tradiciones y culturas, el número siete es considerado el multiplicador que abarca la Totalidad. 16

Acceso al espíritu de la naturaleza Siete procesos artísticos llevados a cabo desde 1989 hasta el 2015 exploran los ciclos de la vida, el tiempo y su fugacidad. Pilar Flores recorre parajes naturales con reverencia y curiosidad. Mientras se relaciona con las fuerzas y los ciclos de la naturaleza, descubre el principio integrador que permite la complementariedad de los opuestos, por ejemplo, entre lo vertical y lo horizontal. También investiga la luz y su transformación, que da cuenta de lo inasible del instante que se desvanece. Las diferentes intensidades de la montaña, el mar y la flor están presentes en las personas, como parte de la inmensidad de la naturaleza que pone en perspectiva la dimensión humana.

Diario de un iris El Conteiner, Quito - 2013 Con la colaboración de Marta Forero y Daniel Moreno F. En un pequeño jardín de La Gasca (Quito), cada año nace un iris. Esta flor, que crece de rizomas rastreros, tiene un corto ciclo de vida. Desde hace 15 años, Pilar Flores dibuja el florecimiento, la plenitud y el marchitarse del iris. Éste, en su pequeñez, se convierte en símbolo de la vida, una totalidad en permanente flujo y transformación, donde se interrelacionan espacio-tiempo, fragilidad, fugacidad y multiplicidad. 20

Montañamar La Galería, Quito - 1994 Reinterpretación de la obra Montañamar, en la que la temática clásica del paisaje fue abordada, en ese momento, desde una perspectiva no convencional. Pinturas de gran formato fueron realizadas sobre telas y la pared, con pigmentos naturales aplicados directamente con las manos, lo que las hacía altamente frágiles y fugaces. Los pigmentos se desprendieron poco a poco durante el transcurso de la exposición. Un largo camino de arena sobre el piso conectaba a las pinturas entre sí. La artista ratifica la importancia de la obra como un proceso y no como un objeto para ser poseído. Montañamar aborda la complementariedad y tensión entre los opuestos. 22

Instantes El Conteiner, Quito - 2008 Exploraci贸n sobre el fluir de los colores de la monta帽a desde el primer rayo de sol en el amanecer hasta que el cielo se apaga al llegar la noche. 24

Diario de un iris, reflexiones sobre la investigación artística Publicación, Quito – 2015 La investigación artística nace como fruto del trabajo de los artistas en la academia, quienes reflexionan, escriben y analizan su proceso creativo, su contexto y las problemáticas de la realidad que se manifiestan en su obra. La investigación artística supone el reconocimiento del arte como una forma de trabajo cognitivo (Verwoert, 2011). Para Pilar Flores, esta publicación es una manera de compartir sus reflexiones y posicionar a la investigación artística como parte fundamental de su obra. Link a la publicación: http://pilarflores.org/?p=512

Acceso al espíritu comunitario Siete procesos artísticos desde 1994 hasta el 2015 evidencian que cada ser es parte de una red y que nos influenciamos mutuamente a través de nuestras palabras, pensamientos, acciones y presencia. Los vínculos con otras personas son parte sustancial de los proyectos de Pilar Flores. Publicaciones, investigaciones, propuestas pedagógicas, intervenciones en el espacio público y obras colaborativas son maneras de generar encuentros en la diversidad. Niñas, niños, jóvenes y adultos de las tres regiones del Ecuador continental han participado de experiencias creativas colectivas a partir de las propuestas de la artista.

Comunidad creadora 1990 - 2015 En la producción artística de Pilar Flores, lo relacional y lo afectivo son fundamentales como metodología de trabajo, como concepto y como vivencia significativa que reconoce los saberes y aportes de cada persona involucrada. Esta instalación es un homenaje y reconocimiento a la amistad y a los procesos de creación compartidos. 30

El taller de arte, una organización compleja Publicación, Quito 2006 La práctica artística de Pilar Flores incluye propuestas pedagógicas. El taller de arte ofrece centenares de posibles combinaciones que son resueltas de diferentes maneras por cada persona o grupo de participantes. Al abrir cualquiera de las cajas, es posible armar, con una combinación de tarjetas, un taller de arte. 32

Tejido CAC, Quito - 2015 Tejido tiene como referente la obra Palimpsesto (Museo de la Ciudad, Quito - 2007).

Existe un principio de unidad y correspondencia según el cual las acciones de cada ser resuenan impactando todo el tejido que se sostiene gracias a la fortaleza interior de sus integrantes. Siete comunidades han intervenido en la creación de este tejido. Cada participante bordó siete retazos de tela en conexión con su fortaleza interior. Comunidades participantes: • • • • • • • 34

Madres y abuelas de la parroquia de Cotogchoa Niñas y niños de la parroquia de Cotogchoa Hermanas de los Monasterios de Santa Clara y de La Concepción Mujeres de ciudades de Ecuador, Colombia, Chile, Argentina, Brasil, Perú y Cuba. Mujeres de Cánada, Estados Unidos, Francia, Suiza, Italia, Austria y China. Hombres que viven en la ciudad de Quito Mujeres de la Amazonía.

Tejido Publicaci贸n, Edici贸n de autor, Quito - 2015 Link a la publicaci贸n: http://pilarflores.org/?p=508 36

Luz Elena Calles de Quito - 1994 Luz Elena Arismendi falleció en un accidente de tránsito, luego de seis años de lucha incansable por conocer el paradero de sus dos hijos, Santiago y Andrés Restrepo, que fueron desaparecidos en manos de la Policía Nacional en 1988. Pilar Flores es la autora del stencil que permitió multiplicar un centenar de imágenes de Luz Elena, a escala real, a lo largo de toda la avenida 10 de Agosto, desde “La Y” hasta el centro histórico. 38

Frente a la imagen de Luz Elena la fragilidad y fugacidad de la flor de iris.

Iris Centro Cultural Metropolitano, Quito - 2014 Vida y muerte. La pesadez del mundo y la fragilidad del ser humano, tal como es frรกgil una flor de iris. 40

ACCESO AL MUNDO INTERIOR Siete obras desarrolladas desde 1992 hasta el 2015 son formas de vivir, investigar y comunicar la riqueza interior del Ser. Como practicante de yoga por cuarenta años, Pilar Flores ha incorporado en su vida técnicas que le permiten, a través de la meditación y la respiración, percibir la conexión entre el cuerpo, la mente y el espíritu; entre el ser finito y el Ser Infinito. Su arte es una herramienta de expresión, de investigación, de comunicación y de evidencia de estas experiencias de unión.

Cartografía Interior Arte Actual FLACSO, Quito - 2012 En colaboración con Michael Blanchard Estudio gráfico de dos tratados milenarios sobre Yoga, escritos en sánscrito y traducidos al inglés y al francés, por dos autores, uno oriental y otro de occidente. La artista también los traduce al castellano, utilizando la palabra como símbolo que desde el inicio construye el mundo. Yoga quiere decir unión, fusión, disolución de lo pequeño en lo grande, de lo múltiple en lo Uno, de lo individual en la conciencia universal. Links a publicaciones: http://pilarflores.org/?cat=9 44

Aire, viento, aliento La Galería, Quito - 1999 Dibujos realizados al ritmo de la respiración, en un ejercicio de atención a este acto vital. La respiración conecta a todos los seres, es la evidencia de la unidad. Su compás se relaciona con los ritmos de la tierra, con los flujos y corrientes del aire y del agua. 46

Diarios Quito, Marsella, Viena, Bruselas, Berlín, Chicago, Los Angeles, Ginebra, Phoenix, desde 1992 La obra de Pilar Flores es un continuo proceso de documentación, donde confluyen diversos referentes, épocas, culturas y disciplinas. Link a diarios: http://pilarflores.org/?p=515 Acción artística: Apertura de diarios Los diarios se abrieron en cuatro ocasiones para compartir su lectura en silencio, en compañía de la artista. 48

TEJIDO Centro de Arte Contemporáneo, Quito, 2015.

En sánscrito la palabra Tantra significa red, tejido o urdimbre. De acuerdo con la tradición tántrica, el universo está sostenido por esa red (Sadhana Sing, 20151), en la cual el todo y las partes están interconectados en un movimiento continuo. Cada uno de nosotros es un nodo de este tejido, cada acción tiene una repercusión y provoca que toda la red se mueva. La obra TEJIDO parte de este principio de unidad y correspondencia. Cada integrante de la red, tiene una fortaleza interior que sostiene el tejido completo. La diversidad comparte este principio común, que nos permite reconocernos a pesar de las distancias geográficas, las diferencias de circunstancias y contextos. Cada ser que forma parte de las comunidades que tejen esta red ha sido invitado a bordar en conexión con su fortaleza interior, en un trabajo de presencia consciente, de identificación y valoración de su propio poder y del poder colectivo. TEJIDO es consecuencia del proceso iniciado en la obra Palimpsesto2. Se llama palimpsesto (del griego antiguo «παλίμψηστον”, que significa “grabado nuevamente”) al manuscrito que todavía conserva huellas de otra escritura anterior en la misma superficie, pero borrada expresamente para dar lugar a la que ahora existe. A partir de la realización de talleres con madres, abuelas, niñas y niños, tanto de un sector de La Merced como de la Parroquia de Cotogchoa, se despliega TEJIDO. La preparación de estos encuentros, permitió a Pilar Flores reflexionar otra vez sobre las motivaciones que han sostenido a lo largo de los años, las reuniones semanales, en su estudio, con mujeres en la ciudad de Quito. Además le permitió imaginar la construcción de una red mayor, más abarcadora. 1 Conferencia dictada por el Maestro Sandhana Singh, en el Centro Cultural Benjamín Carrión, Quito, Ecuador, el 10 de febrero de 2015, dirigida a miembros de la Secretaría de Inclusión Social. 2 Palimpsesto, obra presentada en el Museo de la Ciudad de Quito, en octubre del 2007. Más adelante se habla sobre ella.

Siete comunidades3 han intervenido en la creación de este tejido. Cada persona participante ha bordado siete retazos de tela. Siete es el número de la totalidad; en este caso una urdimbre formada por hebras de muy variadas procedencias: madres y abuelas de la parroquia de Cotogchoa; niñas y niños de la misma parroquia; Hermanas del Monasterio de Santa Clara y Religiosas del Monasterio de Concepcionistas Franciscanas de Quito; mujeres de aquí, ese amplio entorno llamado América Latina: de Ecuador, Colombia, Perú, Chile, Argentina, Brasil y Cuba; mujeres también de sectores urbanos de España, Suiza, Austria, Francia, Canadá, Italia, China y Estados Unidos; hombres que viven en Quito; y por último, una comunidad a la que Pilar Flores ha querido rendir un homenaje: las cientocincuenta mujeres amazónicas que caminaron en octubre del 2013 desde sus territorios, en una marcha para defender la naturaleza y la vida. El trabajo de todas estas personas ha sido simultáneo, una red de espacios y tiempos propios, en los que cada participante ha dejado que aflore su voz, de manera que las voces de todos y todas entonen un solo canto de solidaridad y de reconocimiento. El acercamiento hacia cada una de estas comunidades ha sido distinto, aunque ha tenido siempre el mismo propósito: identificar su fuerza interior para actuar desde ella. Sabemos que estas fuerzas son diversas y es diferente la manera de conectarse con ellas.

3 Una comunidad no solo es aquella que reúne a personas que comparten un territorio, una historia y una cultura, sino que surge también por el interés de agruparse en torno a un proyecto o un interés específico.

YUWIENTSA

Amazonía ecuatoriana, 2012.

A inicios de la década de los noventa, Pilar Flores emprende los talleres de arte en sectores urbanos y rurales. En agosto de 2012, realiza un viaje con un grupo de estudiantes de la Universidad Católica, profesores y estudiantes de la Universidad Hochshule Ostwestfalen-Lippe (University of Applied Sciences) y las comunidades Shuara (Yuwientsa1) y Ashuara (Sharamentsa2). Estas comunidades deseaban dar a conocer qué es la selva, qué rol tienen sus habitantes, cómo viven, su cultura, su cosmovisión, su relación con la naturaleza, pues se saben inevitablemente insertos en la “civilización” y piensan que al dar a conocer su forma de vida, esos visitantes pueden convertirse en sus aliados para proteger su medio ambiente, permanentemente amenazado. En los últimos doce años, las dos comunidades, han trabajado en un proyecto que lo han llamado “Academia Amazónica”, que es una gran casa shuara y otra ashuara, para recibir a profesores y estudiantes que deseen investigar acerca de estos pueblos ancestrales o simplemente visitarlas para conocer la selva y a los pueblos que actualmente viven en ella. Pilar Flores con el grupo de estudiantes y profesores pasaron ocho días, caminando por los bosques, visitando cascadas, recorriendo las riberas de los ríos, inclusive tuvieron la oportunidad de dormir a la intemperie, lograron una convivencia cercana y un fluido intercambio con la comunidad que les albergaba. A la par, en esta semana, se realizó, entre otras actividades, un acto poético con mujeres y hombres quiteños, alemanes y de la comunidad que les albergaba, el que consistió en la construcción de un gran dibujo colectivo con cintas de vívidos colores, mientras cada participante contaba su propia historia. Esta visita a uno de los últimos lugares de la tierra cuyos habitantes tienen una relación privilegiada con la naturaleza, les permitió constatar, una vez más, la enorme fuerza y a la vez la fragilidad de la Amazonía. 1 Yuwientsa: comunidad Shuara localizada a 40 minutos en avioneta desde Shell, 2 Sharamentsa: comunidad Ashuara localizada a 50 minutos en avioneta desde Shell.

DIARIO DE UN IRIS El Conteiner, Quito, 2013

En Diario de un iris, en colaboración con Marta Forero y Daniel Moreno, Pilar Flores recurre al dibujo en el campo expandido, corporeizado, para dar cuenta del nacimiento, plenitud y muerte de un iris, como metáfora de los ciclos de la vida. El dibujo acompaña el proceso, reflexiona sobre él y se transforma mientras descubre la complejidad de esta bella flor.

CARTOGRAFÍA INTERIOR Arte Actual FLACSO, Quito, 2012.

Esta instalación, en colaboración con Michael Blanchard, es un estudio gráfico de dos tratados antiguos sobre Yoga, escritos en sánscrito y traducidos al inglés y al francés por dos autores: uno oriental y otro de occidente. En diferentes tradiciones se entiende que la Palabra crea el mundo desde el inicio de los tiempos. Como un escribano medieval, la artista traduce estas palabras al castellano. Yoga quiere decir unión, fusión, disolución de lo pequeño en lo grande, de lo múltiple en lo Uno, de lo individual en la conciencia universal. Cartografía Interior está compuesta por sonidos, palabras e imágenes, en capas que se superponen, relacionadas a los diferentes niveles de la profundidad del ser. El dibujo, al que entra el espectador y lo recorre, documenta un viaje y presenta un mapa. Es el viaje de retorno al hogar, expresado en el mito de Ulises. Esta cartografía propone un recorrido interno, un viaje que cada espectador puede hacerlo suyo, pues la obra habla de nuestra historia interior como seres humanos.

El p煤blico recorre la instalaci贸n mientras escucha el sonido de cuencos tibetanos, que se expande desde el centro de la obra. 72

El libro de artista, trabajado en capas, estĂĄ disponible en CartografĂa Interior para que los espectadores lo descubran.

Ensayo GeografĂa Interior.

Geografía Interior es una publicación que forma parte de la muestra Cartografía Interior. El texto revisa la trayectoria artística de Pilar Flores, desde su propio punto de vista.

GEOGRAFÍA INTERIOR Pilar Flores, Quito (2011)

La naturaleza, entendida como una red que nos acoge y nos mantiene, ha sido una constante inspiración en mi vida y en mi obra, y se ha expresado en el trabajo con los cuatro elementos: agua, tierra, aire y el fuego, como símbolo de transformación a través del aliento. Se trata de principios que están profundamente interrelacionados, y cada uno de ellos ha estado presente en distintos momentos de mi trayectoria. Además, desde el inicio de mi carrera tenía la preocupación de alcanzar a plasmar un elemento tan fugaz como el aire, que se convirtió en un símbolo de mi búsqueda espiritual. Dibujos a tinta de la primera etapa de mi trabajo artístico captan el fugitivo instante de una paloma que levanta el vuelo, y óleos que retratan las atmósferas cambiantes del valle de Tumbaco, cubierto parcialmente de neblina. A inicios de los años 80, pinté en el Sur de Francia el fuerte viento Mistral, que limpia el paisaje de brumas, y deja un mar intensamente azul y agitado. Yo miraba a lo lejos L`Estaque1 (la misma de Cezanne), bellamente contrastada. Más tarde, frente a los Andes ecuatorianos, poco a poco el paisaje de montaña se fue convirtiendo en mi propio paisaje interior (1985). Desde el año 1990, mi obra se va construyendo en ensambles, relaciones e interconexiones. Los dibujos o pinturas han sido concebidos desde una fuerte relación entre el concepto, su materialidad y el espacio arquitectónico para el que fueron creados. Se trata de un período de grandes abstractos de tonalidades grises y pequeños dibujos en blanco y negro, que expresan la intensidad de un intervalo que se pierde. Esta serie, denominada El rugido de la montaña (1989-1990), fue trabajada y expuesta en Europa (Berlín y Bruselas) y en Ecuador (Quito); en ella se relacionaban el itinerario y la memoria de un espacio imaginario. 1 L`Estaque, población costera al Sur de Francia, donde el pintor francés post impresionista Paul Cezanne vivió y trabajó durante muchos años. “Con la obra de Cézanne, la significación del medio pictórico empieza a distanciarse de la representación, aunque la pintura no renuncia totalmente a su referencia objetiva”. Daniel Marzona, Arte Conceptual. Taschen: Hong Kong, Köln, London, Los Ángeles, Madrid, Paris, Tokio.

Más tarde retomé el color en una serie de pasteles que dialogaban en el espacio de exhibición (1991); enlaces invisibles entre las pinturas jugaban con las nociones de lo plano y lo tridimensional. A finales de 1992 hice una exposición que iba acompañada de uno de mis poemas. La pampa fue la experiencia de un atardecer en un jardín centenario de grandes árboles. Los dibujos, en blanco y negro, eran muy táctiles, inmediatos: el rastro de las manos, de los dedos, del roce, de la textura, todo se advertía. El poema y los dibujos aspiraban nuevamente a “retener lo fugaz”. El montaje fue fundamental, pues no consideré un dibujo aislado de otro, sino más bien dentro de un ensamble. Octubre, en el jardín de la Pampa… más que jardín, diría yo, un bosque… no extenso pero denso… de árboles centenarios, robustos, cargados de tiempo y memoria… …de matorrales, ortigas y fresas salvajes; la huella de las décadas es palpable… Había llovido en ese atardecer de octubre, el cielo estaba luminoso, un amarillo anaranjado se filtraba entre los sauces y los cipreses… había sombra...había luz… Mis ojos querían abarcar todo aquel escenario espléndido… y me quedaban solo fragmentos… Quería oler, percibir la frescura de la tierra antes bañada por la lluvia… Quería tocar, sentir cada corteza, cada raíz, cada rama, cada hoja… Quería acariciar, quería abrazar… y recogía solo fragmentos… Miré en vertical… había luz… había sombra… recuerdos enmarañados como el follaje… Decía yo un bosque no extenso… pero era solamente un jardín…

Siguen años de largas caminatas2 por las montañas. El Altar, el Chiles, el Cayambe, la ruta del Cóndor, Papallacta y el Antisana, el Pichincha, los Illinizas, el Rumiñahui, el Pasochoa, el Pululahua, el Cotopaxi, el Sincholagua me permitieron entender la idea del viaje exterior como expresión estética y experiencia mística. En estas travesías recojo huellas, fragmentos, trazos íntimos, piezas perdidas de mi propio 2 Para el artista Hamish Fulton (Londres, 1946) “la caminata ayuda a evocar un estado mental”.

mapa. ¿El camino en horizontal? ¿La profundidad de la verticalidad? Mi obra se fue marcando por una continua reflexión ontológica, expresada en repetidas interrogaciones en torno al ser, y acompañada por constantes experimentaciones estéticas… He tratado de descubrir poco a poco la unidad de las cosas, que guardan siempre relación unas con otras en un juego dinámico, sin que nada quede fuera de esa interdependencia. En cada exposición, invito al espectador a entrar en un espacio de quietud que, para ser percibido, requiere que el receptor se detenga, entre en el silencio sin prejuicios… y se descubra partícipe de esa interrelación con el todo. Como una faceta más de mi búsqueda, durante más de una década investigué, reflexioné y trabajé acerca de los opuestos complementarios. Uno de esos ensambles fue presentado en La Galería, Quito, en 1994 con el nombre de Montañamar.3 La complementariedad se expresaba a través de la tensión entre los opuestos: línea-mancha, estructura-cambio, vertical-horizontal, fugaz-perenne. Además, se proponía la consideración del espacio integral dentro del cual estaba la obra como una totalidad, dando importancia a la relación todo-partes, partes-todo. El soporte fue el mismo espacio arquitectónico, y la fragilidad estaba dada por la economía de medios y los materiales utilizados. Esta obra presentaba un tema clásico: el paisaje, elaborado desde una perspectiva no convencional. Dos telas, la una en azul cobalto y la otra en ocres (cada una de 1.20 x 1.80 m.), unidas por un camino de arena (de 15 m. de largo) y otra pintura realizada directamente en la pared (de 4 m. de alto). El resto de las paredes de La Galería quedaron vacías. Las pinturas fueron hechas con pigmentos naturales sin médium y los apliqué directamente con las manos (sin intermedio de pinceles u otras herramientas), lo que las hacía altamente frágiles y fugaces. El pigmento se iba desprendiendo poco a poco durante el transcurso de la exposición. Una vez finalizada la muestra, las obras se desvanecen. La experiencia temporal y sensorial queda, el objeto desaparece, 3 Cecilia Velasco dio el nombre a esta exposición, en el artículo “Montañamar”, HOY, Quito, 2 de febrero de 1994.

con lo que ratifico la consideración de la obra como un proceso, más que como un objeto para ser poseído. Acompañó a esta obra un texto de Shih-t`ao, autor chino, quien habla de la convivencia armónica de los opuestos considerados como complementarios, lo que hace que el uno no sea posible sin el otro:

tensiones: al interior de cada dibujo, entre los diferentes dibujos y en el montaje, lo que ayudó a configurar un ritmo que mantenía unido el todo. Me interesaba crear un espacio en el que el espectador pudiera sentirse, de cierta manera, en resonancia con una parte interna de sí mismo.

El Mar posee la extroversión inmensa, La Montaña el encierro latente. El Mar traga y vomita, la Montaña se inclina y se prosterna. El Mar acaso manifiesta un alma, la Montaña puede transmitir un ritmo. La Montaña con la superposición de sus cimas, la sucesión de sus acantilados, sus valles secretos, sus precipicios profundos, sus picos elevados que apuntan bruscamente, sus vapores, sus brumas y sus rocíos, sus fumarolas y sus nubes, nos hace pensar en los estallidos del Mar y en el romper de sus olas, pero todo eso no es el alma que manifiesta el Mar en sí, sino que son las cualidades del Mar, de las que la Montaña se ha apropiado.

En este proceso, el trabajo que sigue: Mapas íntimos (Bolivia, 2003) supone un tiempo de integración, un marcar itinerarios de mi propio mapa secreto; un afianzamiento de las perennes búsquedas, movimientos en vertical sin desplazamientos, tal como la experiencia del silencio y del vacío en la meditación.

Y el Mar, él también puede apropiarse del carácter de la Montaña: la inmensidad del Mar, sus profundidades, su risa salvaje, sus reflejos, sus ballenas que rebotan y sus dragones que se incorporan, sus marcas en olas sucesivas como cimas, ésta es la manera como el Mar se adueña de las características de la Montaña, y no la Montaña de aquellas del Mar. Ésas son las cualidades de las que Mar y Montaña se apropian mutuamente, y el Hombre tiene ojos para ver… ¡Pero aquel que percibe el Mar en detrimento de la Montaña, o la Montaña en detrimento del Mar, ése en verdad tiene una percepción obtusa! Mar y Montaña, cada uno, en efecto, debe ser percibido como un estado que le es complementario y es atraído por el otro sin cesar, y los ojos del hombre no han de aprehender el uno en menoscabo del otro.4

Inspirada en los estudios de los flujos y corrientes del aire y del agua y su interrelación con los ritmos de la tierra, voy profundizando en mi obra y en mi vida en la necesidad de la quietud interior, expresada en el aliento y la respiración consciente, tal como la entiende el mundo oriental. Surge así la exhibición … Aire, Viento, Aliento… (1999), que habla de los movimientos rítmicos de la vida. Los conceptos de vacío y silencio animaron esta obra. Establecí varias relaciones y 4 Shih-t`ao, pintor célebre además de poeta de la dinastía de los Ts`ing (siglo XVII). Francois Cheng, Vide et Plein, Paris, Editions du Seuil, 1979, p.60.

Meditar es mantener la atención de manera continua sobre eso que en nosotros conoce; es velar, alerta, sobre aquello que está despierto. Es observar lo que es a la vez observador, observación y objeto observado… Meditar es fijar la atención en la naturaleza oceánica de la conciencia. 5

A lo largo de mi vida y de mi producción artística, he llegado a constatar que la ejecución de mi obra ha implicado seguir un camino interior. En los dibujos de Levedad (2006), continúo con mis investigaciones en torno al vacío, a la naturaleza, a ciertos mitos, como el de Pegaso, el caballo alado símbolo de la inspiración creadora. La levedad como concepto va tomando fuerza, “…he de cambiar mi enfoque, he de mirar el mundo con otra óptica, otra lógica, otros métodos de conocimiento y de verificación...”. Así ocurre en el mito: “…para cortar la cabeza de la Medusa sin quedar petrificado, Perseo se apoya en lo más leve que existe: los vientos y las nubes, y dirige la mirada hacia lo que únicamente puede revelársele en una visión indirecta….”6 Pero no solo la levedad. En esos dibujos la presencia es fundamental. Presencia en cada línea, en cada fragmento, en cada mínimo espacio, como un holograma que continuamente nos habla del espacio total. Presencia en la que espacio y tiempo se penetran mutuamente. Intensa presencia que invita al espectador a su propia presencia, como un deseo de totalidad e interiorización.

5 Jean Bouchart D`Orval, Les Yoga Sutras de Patanjali, Montreal, Editions du Relié, 1992. 6 Italo Calvino, Seis propuestas para el próximo milenio, Madrid, Siruela, 1988, p. 20 y 23

Llamamos interiorización al retorno de la atención hacia eso que está más cerca de nosotros… … el signo de la interiorización madura, es el que nada percibimos como exterior a nosotros… … podemos y debemos permanecer interiorizados inclusive cuando estamos en contacto con el mundo “exterior”, ¡de todas maneras todo acontece en nuestro interior!, la única diferencia es que desde ahora nos daremos cuenta.7

Caminando hacia el NOSOTROS Desde el año 2001, trabajo con mujeres en procesos de creación a partir del silencio, y juntas hemos realizado viajes al exterior y hacia el interior. El mapa y los mapas vividos, en este caso, son mandalas individuales y colectivos que conectan espacio y tiempo. De estos encuentros, solo queda un registro interno tras la vivencia compartida, el intercambio, la presencia, el afecto, el hacer juntas. Se trata de actos poéticos construidos en el diálogo, enriquecidos por un sutil orden subyacente, que me llevaron a dos propuestas posteriores: El Taller de Arte: una organización compleja,8 libro que se basa en la construcción de metáforas para el trabajo en talleres de arte. Obra que propone hábitats concebidos en paralelismo con el trabajo artístico colectivo. Una de las siete metáforas que el libro desarrolla es el páramo, un ecosistema que tiene la capacidad de regenerar (los ciclos naturales del agua) y regenerarse. La naturaleza como fuente de aprendizaje, la auto referencia alcanzada con el trabajo sobre uno mismo, la respiración, la atención, la presencia, la confianza en la intuición. El páramo es vasto, extenso y silencioso como la intimidad de nuestro interior. En el ser humano, el movimiento, el cambio, la transformación, no significan necesariamente desplazamiento. El vacío alcanzado en la respiración consciente no es estático ni permanente, sino dinámico y transitorio, y puede ser un momento de entrenamiento de la mente para ponerse en contacto con una 7 Jean Bouchart D`Orval, Les Yoga Sutras de Patanjali, Montreal, Editions du Relié, 1992. 8 Pilar Flores, El Taller de Arte: una organización compleja, Quito, Trama, 2006.

realidad más profunda. Palimpsesto (2007)9, obra realizada a partir de la colaboración con Cecilia Velasco, poeta y novelista ecuatoriana, toma el nombre de su libro de poemas, el que también incluye mis dibujos. Uno de estos poemas inspira el desarrollo de un proyecto colaborativo. Participan catorce mujeres10 de diferentes países, cada una de las cuales borda siete cuadrados (de 15 x 15 cm), iniciando su labor con un hilo rojo, en un proceso de interiorización y silencio que les permite contactarse con su propia fuerza. Además, en el día de la inauguración hay la participación de jóvenes artistas con el público, pues ellos dibujan las líneas de las palmas de las manos de cada uno de los espectadores que entran en la muestra. Este símbolo se completa al colocar estos dibujos en la sala mientras transcurre la inauguración. Las líneas de su vida entrelazada con otras vidas, anónimas todas, como parte de un solo laberinto. Palimpsesto parte del mito del hilo de Ariadna, y se centra en la fuerza de lo femenino en un acto meditativo complementado con la acción de lo masculino, que busca la salida en un laberinto. El hilo rojo como símbolo de retorno; el hilo rojo que tiende puentes entre los que están separados y, encarna el camino íntimo que cada quien recorre. Hilo tenue como las líneas de la palma de la mano, teje, de esta manera, una obra colectiva e interdisciplinaria,11 que entrelaza distintas subjetividades en una interconexión de momentos y lugares diferentes. Además, esta obra tiene como eje un diario de ruta12 que registra, el proceso de la creación de Palimpsesto. Todos estos componentes fueron recogidos por el artista Pedro 9 Cecilia Velasco y Pilar Flores, Palimpsesto, Quito, Paradiso Editores, 2007. 10 Siete mujeres que viven en Ecuador y siete mujeres que residen en el extranjero (Canadá, Estados Unidos, España, Francia, Alemania, Suiza, Austria). Realizan 98 bordados en total. 11 El trabajo artístico realizado en los años anteriores aporta los elementos que hacen posible la obra posterior: Palimpsesto, tal vez la más compleja por su multidimensionalidad. Esta obra se desarrolla a lo largo de catorce años, a través de experiencias individuales y colectivas en distintos formatos: poesía, dibujo, bordado, tejido, grabado, pintura, trabajo en arcilla, palabra, instalación, acción artística y virtual. Experiencias que se llevan a cabo paralelamente en distintos tiempos y espacios de socialización, investigación e intercambio. 12 A lo largo de mi trayectoria artística he recogido reflexiones y escritos en Bitácoras de artista. En estos diarios constan procesos, referentes, pensamientos, imágenes y mapas mentales que van construyendo mi obra. Constan en ellas tres décadas de búsquedas, de experimentaciones, de deliberaciones, y de estudios con referentes filosóficos.

Cagigal en el video: Diario del proceso Palimpsesto (2008). Palimpsesto se construyó multidimensionalmente como un rizoma. Fue creciendo como un sistema abierto, en la combinación de mito, símbolo, rito y fiesta. Nació de los encuentros semanales de un grupo de mujeres, quienes, a través de su expresión creativa, buscaban el contacto consigo mismas. En el transcurso de siete años, cada una de las integrantes de este grupo fue enriqueciendo su mirada sobre sí y sobre el otro. Palimpsesto emerge de este recorrido colectivo. La comunidad de hombres y mujeres que participaron en la exposición provenían de espacios distintos y realizaron su labor en tiempos diferentes; sin embargo, todos estaban unidos por una especial conexión de afecto con la autora de la instalación. En Palimpsesto, las cosas no se dieron de forma lineal. Las mujeres (catorce en total) bordaron al mismo tiempo, en contacto con su propio mundo, pero en continentes distintos, afrontando problemáticas diversas. Las unía la construcción de sus propios símbolos, que al ser simultáneamente expuestos, potenciaba su cualidad individual y también la riqueza del conjunto. Palimpsesto se fue tejiendo en las relaciones y en la articulación de diferentes intensidades en las que, finalmente, se buscó el equilibrio dinámico de los extremos (por ejemplo la fuerza de lo femenino integrada a lo masculino como su complementario). A través del mito accedemos al símbolo. El mito es la “experiencia de una vida remota intemporal, cargada de significados que iluminan el presente… El mito es un símbolo en palabras”13 y una exploración simbólica del misterio del ser en el cosmos. O, tal como dice el mitólogo estadounidense Joseph Campbell, los mitos son pistas de las potencialidades espirituales de la vida humana. El rito se asocia con un viaje interior; así aconteció en la trayectoria de cada una de las mujeres al bordar las siete telas, contactándose con su fuerza interior, respondiendo a la invitación inicial. Y la fiesta es la celebración colectiva, el encuentro, el dibujo de las líneas de las palmas de las manos de todos los asistentes, cuyos trazos se unieron unos con otros, continuos y en yuxtaposiciones, desbordándose en la edificación de un laberinto como metáfora de movimiento y, por tanto, de vida.

13 Marco V. Rueda, Mitología. Cuadernos de Antropología -1, Quito, EdiPuce, 1993.

Cartografía Interior Los trabajos anteriormente descritos me llevaron a la siguiente obra, en cuyo intermedio he tenido un largo proceso de profundización sobre el mito de la Medusa aplicado a mi propia vida. Es lo que he hecho con los otros mitos que investigué. He identificado en mi historia personal los símbolos que ellos entrañan y ha surgido una suerte de cartografía interna, a sabiendas de que el espacio interior carece de dimensiones. Esta obra, realizada en colaboración con el músico americano Michael Blanchard, tiene que ver con el mito de Ulises: el retorno a casa. Proponemos un espacio, una estancia que permita una travesía en la que esté presente un sonido sutil, cíclico, que acompañe el recorrido. Para acercarnos al mito, hemos tomado dos tratados antiguos sobre Yoga, escritos en sánscrito y traducidos al inglés y al francés por dos autores, uno oriental y otro de occidente.14 Creamos versiones en castellano de estos textos, los relacionamos y, sobre todo, experimentamos sus postulados en nuestras vidas, al entrar en ellas de manera profunda, tratando de alcanzar la riqueza de esta práctica. Mientras seguíamos estos textos sagrados, buscando la quietud de nuestra mente, dibujamos e intercalamos textos con mandalas. La propuesta central de la obra es una acción, una vivencia. Invitamos al espectador a participar en ella. Para nosotros este trabajo es un recorrido de vida; implica un viaje que tiene diferentes escalas, cuyas estaciones las van marcando los dibujos (240 en total entre textos y dibujos), colocados en la sala de exposición según el trazado de la sección áurea15, tomando en cuenta ciertas regularidades que encontramos en la naturaleza. Las formas de la naturaleza son fractales, y múltiples procesos de la misma se rigen por comportamientos fractales16 . 14 Libros cuyos textos se toman para la exhibición Cartografía Interior (2012) son: Paramahansa Yogananda, The Bhagavad Gita, Los Angeles, Self Realization Fellowship, (sin año) Jean Bouchart D`Orval, Les Yoga Sutras de Patanjali,. Montreal, Les Éditions du Relié, 1992. 15 La proporción áurea se basa en una relación en que el conjunto dividido entre una parte mayor da exactamente el mismo cociente que el de la parte mayor dividida entre la menor. Priya Hemenway, Divine Proportion. Phi in art, Nature and Science, Köln, Evergreen, 2008, p. 190. 16 “A la manera de un punto de holograma, llevamos en el seno de nuestra singularidad, no

Yoga quiere decir unión, fusión, disolución de lo pequeño en lo grande, de lo múltiple en lo Uno, de lo individual en la conciencia universal. Entre pueblos, culturas y comunidades, hay diferencias en el modo de imaginar, percibir, abordar y pensar la realidad; para los yoguis, hay una unidad que está por encima de la diversidad. Nosotros aceptamos la existencia de la dualidad, observamos la realidad en la que subsisten los opuestos, y pensamos que hay múltiples realidades y que todas se superponen. Así, la vida de quien practica Yoga es un largo proceso de integración de los opuestos, y la comprensión de la inmensa diversidad. La vida de un yogui se construye a través de prácticas cotidianas en las que la respiración es clave. Por otro lado, el mandala es un símbolo que en las distintas culturas y épocas alude al camino hacia la unicidad del ser. “El mandala es un resumen de la manifestación espacial, es imagen del mundo, es representación del poder divino, es espacio sagrado central… es a la vez una imagen del Universo y una teofanía”, en palabras de Mircea Eliade, filósofo, historiador de las religiones y novelista rumano. Representa las estructuras de la psique profunda, cuya esencia nos es desconocida. Para el psicólogo suizo Carl Jung, el mandala es una forma arquetípica, de ahí que aparezca en diferentes culturas lejanas entre sí. Sus imágenes son utilizadas para consolidar el ser interior. Siendo el ser humano una minúscula parte del todo pero que lleva la presencia del todo en su interior, podemos imaginar símbolos que liguen fractales17 y mandalas como una hierofanía18, es decir lo sagrado que se manifiesta en nuestras vidas. Este viaje-exposición, presentado como un proceso interior individual y también solo toda la humanidad, toda la vida, sino también casi todo el cosmos, comprendiendo en él su misterio que yace sin duda en el fondo de la naturaleza humana”. Edgar Morin, La mente bien ordenada, Barcelona, Editorial Seix Barral, S.A, 2000-2001. 17 Los fractales han sido calificados como geometría de la naturaleza… Un fractal es una forma o comportamiento generado matemáticamente, que describe fenómenos como los rayos, los árboles y las nubes de una manera que la geometría euclidiana no es capaz de hacer. Los fractales suelen ser autosimilares, es decir, se repiten a sí mismos a diferentes escalas dentro del mismo objeto. Los fratales pueden detallarse hasta el infinito. Priya Hemenway, (2008). Divine Proportion. Phi in art, Nature and Science, Köln, Evergreen, 2008, p. 125 y 190 18 Hierofanía es un conjunto de formas existentes en el mundo a través de las cuales se manifiesta lo sagrado, según diversas creencias religiosas.

universal, invita a experimentar el silencio y a través de él, el acceso a nuestro interior. El sendero propone un recorrido, de manera que la mente se vaya aquietando, y tomemos contacto con la conciencia y en ella descubramos el camino de retorno a casa. …¿El retorno a casa?… ¿de qué casa estamos hablando?... Es ahí donde entra en escena el mito de Ulises. Su curiosidad, su ímpetu, sus errores, sus ganas de vivir –tal como ocurre con todos nosotros-, lo llevaron por mil experiencias (algunas espléndidas, otras no tanto y la mayoría difíciles) que lo alejaron por mucho tiempo de su hogar, al que él deseaba regresar. El regreso a casa es el regreso al hogar. Y ese hogar tiene un significado diferente para cada uno de nosotros. Para los yoguis, nuestro regreso a casa es ir más allá de la limitada conciencia del cuerpo y de la materia para alcanzar el inmenso Océano del Espíritu19. Los yoguis cultivamos prácticas que buscan dirigir y despertar la energía que está en nuestro cuerpo. Sabemos que sin el cuerpo no podríamos lograrlo. Es decir, valoramos enormemente nuestro paso por la tierra. Nosotros decimos que no somos cuerpos que tienen espíritu, sino espíritus en los que temporalmente habita un cuerpo. Los antiguos yoguis descifraron muchas leyes universales y supieron con detalle acerca de la energía, sus funciones y cómo tener dominio sobre ella. Entendieron que la conciencia individual tiene que ser trascendida. El Yoga busca ir más allá de la condición humana, y su práctica comienza por restaurarla, darle amplitud y majestad. Busca un hombre fuerte, maestro de su cuerpo, maestro de su vida psico-mental, consciente de sí mismo, y todo esto en el hombre común y corriente, en el hombre de todos los días.

19 Estas ideas sobre Yoga son una reelaboración de apuntes que hice hace muchos años de una publicación periódica, cuyo nombre lamentablemente no registré, ¿revista chilena Uno mismo, en el año 1995?

Las piezas incluyen textos en inglĂŠs, castellano, francĂŠs y sanscrito. 82

El enorme dibujo estรก compuesto por la sombra, el reflejo, el trazado en el techo, las 240 piezas, los textos, el entramado de colores y el recorrido de los espectadores. 83

… la Eternidad y yo, un solo rayo unido somos. Yo, una pequeña burbuja de risa, Me he convertido en el mismo Mar de la Dicha.20

Esa casa a la que nos referimos es el interior de uno mismo. Y el regreso se lleva a cabo a través de la serenidad, del aquietamiento y, sobre todo, de la conciencia de sí mismo. En el silencio, topamos el infinito que está dentro de nosotros. Tal como ha ocurrido en mis exhibiciones anteriores, el espacio arquitectónico (Arte Actual, Quito, 2012) va demarcando la propuesta, un trabajo in situ para dar la forma definitiva al proyecto. La obra aborda varios aspectos: El tiempo, el desplazamiento, la transición entre varios lugares, el proceso vivido y la participación más que la aprehensión visual. 21 Es una obra que documenta un viaje y presenta un mapa simbólico. La idea central es el recorrido, un recorrido interno, pues la obra habla de una historia interior. Señalamos una práctica milenaria que es actualizada por cada uno de nosotros al experimentarla y verificar su exactitud, logrando a través de ella la alquimia de nuestras propias vidas. 22

20 Paramahansa Yogananda. Autobiografía de un Yogui, Los Ángeles, Self Realization Fellowshiip, Traducción al castellano, 1991. p.215. 21 “Un espectador de una de las últimas obras de De María (artista de Land Art), Las Vegas Piece (1969), recuerda que era importante recorrer los más de 6 km del trabajo para obtener ,´una experiencia de un lugar específico… y un sentido intensificado de sí mismo que parezca trascender la mera aprehensión visual”. Jeffrey Kastner, Land Art y Arte Medioambiental. New York, Phaidon, 2005, p. 30. 22 Richard Long (Inglaterra, 1942), en su obra A walk by all roads and lanes, touching or crossing an imaginary circle (1977), presenta un mapa y un texto. “El acto de dibujar sobre la tierra está ejemplificado en este mapa en el que el artista ha marcado su itinerario… recalcando … la inmensa diferencia entre la experiencia directa del paisaje –con las vistas y los sonidos que se dan al aire libre- y su traslación potencialmente absurda al mapa”. Jeffrey Kastner, Land Art y Arte Medioambiental. New York, Phaidon, 2005, p. 126.

Nos interesa la idea de diferentes lenguas que se intercalan, como símbolo de la Palabra que desde el inicio construye el mundo. Además, dentro de ellas, las lenguas llevan implícitos espacios y tiempos distintos. Nos apropiamos de varios textos. Textos en inglés, en francés, en castellano, en sánscrito –lengua antigua, propia de valiosos textos sagrados- se combinan con los dibujos y el trazado de los dibujos en el espacio. Logos refleja por su sentido original y por su sentido ulterior, dos aspectos de la palabra: el recogimiento en la presencia (meditación) y su expresión. La palabra quiere decir “recoger” y “decir”.23

Esta trayectoria está custodiada por un sonido continuo y circular: un ritmo creado con el cuenco tibetano, seguido por percusión, para terminar con flauta. …la creación se inicia con la vibración, el OM, “la música más antigua del universo”24 (el cuenco tibetano): el hombre entra en el mundo manifestado (el tambor, los latidos del corazón), la flauta como símbolo del viaje... Tres elementos están permanentemente presentes: palabra, sonido, imagen. Leer, escuchar, mirar; pasado, presente, futuro; cuerpo, mente, espíritu; tierra, hombre, cielo; cuerpo físico, cuerpo astral, cuerpo causal. Recíbe al espectador una frase de Heráclito, (fragmento 50): “Al escuchar al logos más que a mí mismo, es sabio admitir que en realidad todas las cosas son una única cosa”. El logos de Heráclito es lo que Laozi en China llamaba el tao y los sabios védicos, el rit. La palabra sanscrita rit o rta se deriva de la raíz ar, que significa encajar perfectamente, juntarse sin fisuras, estar perfectamente unidos. El término rta remite a una rueda perfectamente equilibrada que gira rítmica y suavemente y que se asocia a la palabra griega harmos (armonía), así como

23 Jean Bouchart D`Orval, Les Yoga Sutras de Patanjali, Montreal, Editions du Relié, 1992. p. 39. 24 Paramahansa Yogananda. The second coming of Christ. Volume I. Los Ángeles, S.R.F., 2004, p.27.

al latín ars, que es la raíz de arte y artista.25

Acompaña a la exposición un libro de artista, cuya cubierta ha sido realizada en colectivo por las mujeres participantes de los encuentros en los que se trabaja la Creación desde el silencio26. Hemos puesto especial cuidado en la nobleza del material usado, el diálogo de las formas y el trabajo simbólico de siete capas que se superponen. Este viaje nuestro tiene ahora esta escala, pero sólo es parte de un desplazamiento mucho mayor. Cada espectador puede, indudablemente, vivir una experiencia estética distinta, a partir de la exploración por su propia cartografía interna.

25 Priya Hemenway, (2008). Divine Proportion. Phi in art, Nature and Science, Köln, Evergreen, 2008, p.172 26 Patricia Carrera, Marta Forero, Marina Ordoñez, Pilar Flores. Libro diseñado por Esteban Salgado. El diseño del montaje de Cartografía Interior lo realizó Victor Hoyos a partir del concepto de Pilar Flores. Montaje de la exposición: Marta Forero, Guido Yacelga, Victor Hoyos y Pilar Flores.

A la entrada de Cartografía Interior se lee el fragmento 50 de Heráclito: “Al escuchar al logos más que a mí mismo, es sabio admitir que en realidad todas las cosas son una única cosa”.

PALIMPSESTO

Museo de la Ciudad, Quito, 2007.

Palimpsesto, parte del mito griego de Ariadna, segĂşn el cual Ariadna le entrega a Teseo un hilo, el que le permite entrar en el laberinto, matar al minotauro y encontrar el camino de retorno. Teseo consigue salir del laberinto, lo que antes nadie habĂa logrado. Palimpsesto se centra en la fuerza de lo femenino complementado con la acciĂłn de lo masculino.

Obra realizada a partir de la colaboración con Cecilia Velasco, toma el nombre de su libro Palimpsesto. Nace después de prolongados años de trabajo interior. Es una propuesta urdida a lo largo de catorce años, y desarrollada través de experiencias individuales y colectivas expresadas en distintos formatos: dibujo, bordado, taller, palabra, instalación, acción artística y virtual. Mujeres de distintas latitudes bordan conectadas con su fuerza interior, iniciando su labor con un hilo rojo. El hilo tiende puentes entre los que están separados, encarna el camino íntimo que cada quien recorre.

El día de la inauguración, artistas hombres dibujan las líneas de las palmas de las manos de cada espectador que ingresa a la muestra. Los dibujos se colocan en las paredes de la sala mientras transcurre la inauguración. Las líneas de la vida de cada uno se entrelazan con otras vidas como parte de un solo laberinto. Se crea de esta manera una obra comunitaria e interdisciplinaria que entrelaza distintas subjetividades en una interconección de momentos y lugares diferentes. Todo el proceso está recogido en un diario, en base al cual Pedro Cagigal realiza el video Diario del proceso Palimpsesto. Enlace: http://pilarflores.org/?cat=8 (Obras – Palimpsesto – video)

LEVEDAD

APPUCE, Quito, 2006.

Los conceptos de levedad y presencia son fundamentales en estos dibujos: presencia en cada línea, en cada fragmento, en cada mínimo espacio, como un holograma que habla del espacio total. Pilar continúa sus investigaciones en torno a los mitos, en el caso de Levedad, el mito del caballo alado Pegaso, que simboliza la inspiración creadora.

EL TALLER DE ARTE: UNA ORGANIZACIÓN COMPLEJA Trama Ediciones, 2006.

Esta obra es una propuesta pedagógica presentada en una publicación. La relación de la artista con la naturaleza ha sido fundamental en su vida, lo que le permite diseñar talleres de arte con las características de los ambientes que descubre. Los hábitats se convierten en una metáfora: bosque nublado, páramo, río, tierra, bosque de eucaliptos, montaña, mar, ciudad. Cada metáfora ofrece una serie de actividades artísticas con las características de ese hábitat, que son seleccionadas al azar por los participantes de los talleres. La elección al azar ofrece centenares de posibles combinaciones, que son resueltas de diferentes maneras por cada grupo participante. Enlace: http://pilarflores.org/?cat=19 (Publicaciones)

BOSQUE NUBLADO

TALLER DE ARTE

Existe enorme biodiversidad

Respeta la diversidad y la heterogeneidad

Necesita de un largo tiempo para desarrollarse

El aprendizaje se da a lo largo de la vida

No hay predominancia de una especie

Todos los actores del taller tienen un rol muy activo Todos tienen responsabilidad en las decisiones

Las condiciones ambientales no son extremas

El profesor es un organizador de los procesos de aprendizaje

Existe riqueza de sonidos, texturas, colores, atmósferas

Hay variedad en los ambientes de aprendizaje

Es necesario recorrer el bosque con mucha atención para observar, escuchar, percibir, saborear y acariciar

La atención es motivada en la tarea propuesta por consenso

Requiere pasión y espíritu de aventura para atravesarlo

Se precisa arriesgar nuevas soluciones ante desafios imprevistos

Insectos, ranas, pájaros se mimetizan

Currículo oculto

El suelo tiene una capa nutritiva delgada y sus raíces son superficiales

La sutileza es vista como una fortaleza

El árbol es un hábitat multidiverso que acoge otros seres y recibe también su ayuda

Profesor y estudiante aprenden juntos

La atmósfera es nublada y humeda. Existen magia y misterio

Ambiguedad en la formulación de los problemas para tomar el desafío de interpretarlos y reformularlos

La interdependiencia entre las distintas especies es lo que da fortaleza al sistema, y el sistema intrinsecamente interrelacionado es lo que permite la vida de todas las especies

La colaboración y la cooperación son indispensables en el taller

MAPAS ĺNTIMOS

Galeria Taipinquiri,La Paz, Bolivia, 2003.

Pinturas abstractas de medianos y grandes formatos son una búsqueda reiterativa, como el acto meditativo, desde la experiencia del silencio y el vacío.

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ENCUENTROS DE CREACIÓN DESDE EL SILENCIO a partir del año 2001

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Encuentros de creaciĂłn desde el silencio con mujeres, de los que voluntariamente no quedan registros, pues el registro es interno en la vivencia compartida, el intercambio, la presencia, el afecto, el hacer juntas. Actos poĂŠticos construidos en el diĂĄlogo.

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...AIRE, VIENTO, ALIENTO... La Galería, Quito, 1999.

Dibujos y pinturas realizados al ritmo de la respiración, en un ejercicio de atención a este acto vital. La respiración conecta a todos los seres, es la evidencia de la unidad. Su compás se relaciona con los ritmos de la tierra, con los flujos y corrientes del aire y del agua.

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MONTAÑAMAR

La Galería, Quito, 1994.

Montañamar aborda la temática clásica del paisaje desde una perspectiva no convencional. Se trata de pinturas de gran formato, altamente frágiles y fugaces, pues son realizadas con pigmentos naturales aplicados directamente con las manos sobre telas y la pared. Los pigmentos se desprenden poco a poco durante el transcurso de la exposición. Un largo camino de arena recorre la sala. La artista ratifica la importancia de la obra como un proceso y no como objeto para ser poseído. Montañamar aborda la complementariedad y tensión entre los opuestos.

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EL RUGIDO DE LA MONTAÑA Verbindungsburo, Nordrheim Westfahlen, Bruselas, Bélgica, 1989. Galerie Passage, Berlín, Alemanía, 1990. La Galería, Quito, Ecuador, 1990.

Es un período de grandes abstractos de tonalidades grises y pequeños dibujos en blanco y negro, que expresan la intensidad de un intervalo que se pierde. Esta serie, fue trabajada y expuesta en Europa (Bruselas y Berlín) y en Ecuador (Quito); en ella se relaciona el itinerario y la memoria de un espacio imaginario.

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PAMPA

Galería Sketch, Quito, 1992.

A finales de 1992 realiza una exposición que incluye uno de sus poemas. Pampa es la experiencia de un atardecer en un jardín centenario de grandes árboles. Los dibujos son táctiles e inmediatos, en ellos se advierte el rastro de las manos, de los dedos, del roce, de la textura. El poema y los dibujos aspiran a retener lo fugaz. El montaje forma un ensamble en el que todos los dibujos están interrelacionados.

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DIARIOS

En los diarios de Pilar Flores se evidencia la experiencia íntima y constante de investigarse a sí misma, a la existencia, al arte, a la naturaleza, como un todo en constante flujo y relación. Confluyen distintos referentes, diversas épocas y culturas, diferentes espacios y disciplinas. Su insistencia en registrar pensamientos, emociones, sentimientos, propios y compartidos, genera un archivo que es reconocido luego como impulso para continuar la búsqueda.

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MONTAÑAS 1980 - 1987

Largas caminatas por las montañas: el Altar, el Chiles, el Cayambe, la ruta del Cóndor, Papallacta y el Antisana, el Pichincha, los Illinizas, el Rumiñahui, el Pasochoa, el Pululahua, el Cotopaxi, el Sincholagua le permitieron entender la idea del viaje exterior como expresión estética y vivencia espiritual. En estas travesías Pilar recoge huellas, fragmentos, trazos íntimos, piezas perdidas de su propio mapa.

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CURRÍCULUM VITAE

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Pilar Flores, Quito (1957).

1995 Reflexiones sobre el árbol, Galería URANIA, Graz, Austria

Estudios: Ecuador, España, Francia y Bélgica.

1994 Montañamar, LA GALERIA, Quito, Ecuador 1992 LA GALERIA, Quito, Ecuador

Premio Hillary Rebay del Museo Guggenheim, New York (2001). Ha presentado 29 Exposiciones Individuales en varios países de Europa y Latinoamérica: Francia, España, Austria, Suiza, Bélgica, Alemania, Colombia, Cuba, Haití, República Dominicana, Nicaragua, Bolivia y Ecuador. En el 2014 realiza en Berlín, Alemania, la exposición One to Three, con Ingrid Göttlicher (Berlín) y Cigdem Tankut (New York) en Wiewiona Hopp Sahwar GesellschaffArchitekten, DETALLE DE ALGUNAS EXPOSICIONES INDIVIDUALES IMPORTANTES:

1989 -90 El rugido de la montaña, exposición Bruselas-Berlín- Quito: • Verbindungsburo Nordrheim Westfahlen, Bruselas, Bélgica • Galería PASSAGE, Berlín, Alemania • LA GALERIA, Quito 1989

Sala de exposiciones Caja de Ahorros, Ronda de Valencia, Madrid, España

1987

Museo de Arte Moderno, Cuenca, Ecuador

1985

Musee Haitiane du College de Saint Pierre,Puerto Príncipe, Haití

1985

Galería GALEANO, La Habana, Cuba

2015

Aliento, antología de Pilar Flores, Centro de Arte Contemporáneo, Quito, Ecuador

2013

Diario de un iris, El Conteiner, Quito, Ecuador

1985

Convenio Andrés Bello, Bogotá, Colombia

2012

Cartografía Interior, Arte Actual FLACSO, Quito, Ecuador

1985

Museo de Las Casas Reales, Santo Domingo, República Dominicana

2008

Diario del Proceso Palimpsesto, El Conteiner, Quito, Ecuador

1982

Anciens Moulins de la Jouliette, Marsella, Francia

2007

Palimpsesto, Museo de la Ciudad, Quito, Ecuador

2003

Mapas íntimos, Salón de Honor, La Paz, Bolivia 1999 Aire, viento, aliento, LA GALERIA, Quito, Ecuador 1997 Reflexiones sobre el árbol II, Galería MIRA, Berna, Suiza

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Desde el 2001 trabaja con mujeres procesos de Creación desde el silencio. En los años 2006-2009 trabaja talleres de arte inspirados en hábitats naturales. En el 2003 representa a Ecuador con su exposición Mapas íntimos, dentro del programa: Exposición Internacional de Honor, La Paz, Bolivia.

En el 2003 representa a Ecuador en exposición Seúl International Art, Seúl, Korea.

2007 Palimpsesto. Poesía de Cecilia Velasco y dibujos de Pilar Flores. Paradiso Editores, Quito.

Participa en el proyecto “Women Beyond Borders” (Santa Barbara, CaliforniaU.S.A.), exposición que reunió la visión de mujeres de todo el mundo, y recorrió diferentes continentes, desde 1995 hasta el 2001.Pilar Flores fue la coordinadora de la participación del Ecuador en este proyecto, además de presentar su obra.

2007 En el libro PONENCIAS retos de la formación e identidad en Diseño y Arquitectura en el marco de la Globalizaciòn XXII CLEFA, UDEFAL, Ciudad de la Antigua Guatemala: Diseño visual, Experiencias y Enfoques en los Talleres de Diseño Visual. Taller de Creatividad. Pàginas 575 a 580.

En el año 1987 participa en la Bienal de Cuenca-Ecuador, en la Bienal Domec de México y en la Bienal de Cuba.

2006 El Taller de Arte, una organización compleja. Ediciones Trama, Quito. 1987 Portada del libro El Amor de lo Bello del poeta español Francisco Rodríguez Contreras. Libros Aleceia-colección Litterae, Madrid.

PREMIOS

OTROS

2001 Premio Hillary Rebay del Museo Guggenheim de New York, USA.

2015 Libro de artista. 10 diarios.

2006 Premio APPUCE (publicación de su tesis de Maestría), Quito-Ecuador.

2012 En colaboración con el músico Michael Blanchard, el Libro de artista Cartografía Interior.

PUBLICACIONES

2011 Libro de artista Geografía Interior.

2015 Aliento, antología de Pilar Flores. Catálogo de la muestra antológica. Edición de autor, Quito.

2007 Conferencia Taller de Creatividad: Experiencias y enfoques en los Talleres de Diseño Visual. XXII CLEFA. Ciudad de la Antigua Guatemala, Guatemala.

2015 Tejido. Edicion de autor, Quito.

1993-1994 realiza talleres de arte con niños y niñas de distintas comunidades del Ecuador, así en la Mitad del Mundo (Sierra), en Manabí (Costa), en pueblos aledaños a Cuenca (Sierra) y en regiones cercanas a Macas (Oriente).

2015, Diario de un iris, reflexiones sobre la investigación artística en la obra de Pilar Flores. Ediciones Trama, Quito. 2014 Pilar Flores, portafolio artístico. Edición de autor, Quito. 2013 Obra de portada de Puntos de Partida, Relatos de la tradición de Andrea Moreno Wray. Publicado por el Fondo Editorial Ministerio de Cultura y Patrimonio.

COMENTARIOS SOBRE LA OBRA DE PILAR FLORES LIBROS: • Le grondement de la montagne: la peinture de Pilar Flores. BruselasBerlín-Quito. Michel Ceder. Editions de l`Erg. Bruxelles, 1989-1990.

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• Testigo del Siglo, El Ecuador visto a través del Diario El Comercio. Quito, 2006. Pp. 425. • Diccionario crítico de Artistas Plásticos del Ecuador del siglo XX. Hernán Rodríguez Castelo. Casa de la Cultura Ecuatoriana. Quito. Pp. 126-127. • Nuevo Diccionario de artistas ecuatorianos. Hernán Rodríguez Castelo. Centro Cultural Benjamín Carrión. Municipio Metropolitano de Quito. 2006. Pp. 235 a 237. • De la pintura y su entorno. Rodrigo Villacís Molina. Casa de la Cultura Ecuatoriana. Quito, 2009. Pp. 12, 81, 121. • Cien Artistas Diners. Dinediciones, Quito • Saur. Allgemeines Kunstler-Lexikon. Band 41, Fitzpatrick-Folger. K.G. Saur. Munchen-Leipzig 2004. Pp. 326-327. • Artistas Plàsticos de Ecuador. Ministerio de Relaciones Exteriores. Trama, Quito, 2002. Pp. 74-75. • 30 más 2 Artistas del siglo 21. Trama, Quito, 2006. Pp. 124 a 127 REVISTAS: • Marseille. Revue Municipale. Nº 140. 2º Trimestre 1985. Pp. 101. • Revista Diners 47. Dinners Club del Ecuador S. A. Volumen VII. Abril de 1986. Pp. 44 a 48. • Difusiòn Cultural. Banco Central del Ecuador. Nº 10. Octubre 1990. Pp. 26 a 31. • Diners. Nº 182. Dinediciones. Ecuador. Julio, 1997. Pp. 70 a 72. • Mundo Diners, mujeres protagonistas. Nº 203. Dinediciones. Quito. Abril 1999. Pp. 40. • Miti Miti. Nº1. Quito. Abril 1999. Pp. 22 a 23. • Caracola, espacio de creación para las mujeres. Revista del Taller Manuela. Trama, Quito, 2002. Pp. 4 a 10 y 35 a 36. • Registro 2012, ARTE ACTUAL FLACSO ECUADOR. Quito: Hominen Editores, 2013. • El derecho al arte en Ecuador. Ricardo Restrepo coord. Quito: IAEN. 2013.

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Para más información sobre artículos de prensa visitar: http://www.pilarflores.org/ (prensa) TRABAJO: Desde 1994 trabaja en la Pontificia Universidad Católica del Ecuador (PUCE), sede Quito, en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Artes (FADA). En 1997, junto a Jorge García y Dolores Andrade, creó la Carrera de Artes de la FADA-PUCE Desde el 2010 hasta el presente es Subdecana de la FADA.

2012-2013 Directora de la Carrera de Artes Visuales (FADA-PUCE). Desde el 2013 Coordinación Nacional de la Red de Universidades (REDU) temática Arte, Diseño y Arquitectura. Desde el año 2000 hasta el 2005 colabora en el Programa Aprendiendo a través del Arte (hoy Arteducarte) de la Fundación El Comercio de Quito.

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INNER GEOGRAPHY Pilar Flores

Later, in my encounter with the Ecuadorian Andes, the mountain landscape was gradually transforming itself into my own inner landscape (1985). Beginning in 1990, my work is constructed in ensembles, relations and interconnections. The drawings or paintings have been conceived from a strong relationship between the concept, its materialization and the architectonic space for which they were created. This was a period of great abstractions of grey tonalities and small drawings in black and white, that express the intensity of an interval that was lost. This series, called The Roar of the Mountain (El rugido de la montaña) (1989-1990), was worked on and exhibited in Europe (Berlin and Brussels) and in Ecuador (Quito); in it are related the itinerary and the memory of an imaginary space.

Nature, understood as an interconnected system that welcomes and sustains us, has been a constant inspiration in my life and in my artistic production, and has expressed itself in my work with the four elements: water, earth, air and fire, as a symbol of transformation through breath. It deals with principles that are profoundly interrelated, and each of them has been present in distinct moments of my artistic development. Moreover, from the beginning of my career I was concerned with achieving the expression of an element as fleeting as air, so that it might become a symbol of my spiritual search. The pen and ink drawings of the first stage of my artistic work capture the ephemeral moment of a dove that takes flight, as do oil paintings that portray the changing and impermanent atmospheric conditions of the valley of Tumbaco, partially shrouded in fog. At the beginning of the 1980s, I painted the wind known as the Mistral that cleans the landscape of mists and leaves a sea that is intensely blue and agitated. I saw L’Estaque1 (the same of Cezanne) in the distance, beautifully contrasted. 1 L’Estaque, a coastal town in the South of France, where the French post-impressionist painter

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I later recaptured the color in a series of pastels that dialogued in the exhibition spaced (1991); invisible links between the paintings played with notions of flatness and three- dimensionality. Toward the end of 1992 I did an exhibition that was accompanied by one of my poems. The Prairie (La Pampa) was the experience of dusk in a one-hundred year old garden of large trees. The drawings, in black and white, were very tactile, immediate: the tracks of the hands, of the fingers, of the rubbing, of the texture, everything is noticed. The poem and the drawings aspired once again to “retain the ephemeral”. The hanging of the show was fundamental since I would not allow one drawing to be isolated from another, but rather all within an ensemble. October, in the garden of the Prairie… more than garden, I would say, a forest… not large but dense… of hundred-year-old trees, robust, laden with time and memory… …of brambles, nettles and wild strawberries; the footprint of the decades is Paul Cezanne lived and worked during many years. “With the work of Cezanne, the significance of the pictorial medium begins to distance itself from representation, although the painter does not totally renounce his objective reference.” Daniel Marzona, Arte Conceptual. Taschen: Hong Kong, Cologne, London, Madrid, Paris, Tokyo.

palpable… It had rained in this dusk of October, the sky was luminous, a yellow orange filtered between the willows and the cypresses… shadow and light… My eyes wanted to take in all this splendid scenery… and I was left with only fragments… I wanted to smell, to perceive the freshness of the earth bathed earlier by the rain… I wanted to touch, feel each bark, each root, each branch, each leaf… I wanted to caress, I wanted to hug… and gathered only fragments… I looked vertically… there was light… there was shadow…tangled memories like the foliage I said it was a small forest…but it was only a garden…

There followed years of long walks2 in the mountains. Altar, Chiles, Cayambe, the Condor route, Papallacta and Antisana, Pichincha, the Illinizas, Rumiñahui, Pasachoa, Pululahua, Cotapaxi, and Sincholagua allowed me to understand the idea of the outer journey as esthetic expression and mystical experience. On these traverses, I collect tracks, fragments, intimate lines, lost pieces of my own map. The Horizontal Path? The Depth Of The Vertical? My work was marked by a continuous ontological reflection, expressed in repeated questioning about being, and accompanied by constant esthetic experiments… I have tried to discover little by little the unity of things that are always related in a dynamic game, with nothing left out of this interdependence. In each exhibition, I invite the spectator to enter into a quiet space that, in order to be perceived, requires the receiver to stop and enter the silence without prejudice… and discover himself as a participant in this interrelationship with the whole. As one more facet of my search, during more than a decade I investigated, reflected on and worked on complementary opposites. One of these ensembles was presented

2 For the artista Hamish Fulton (London, 1946) “the walk helps to evoke a mental state”.

in La Galeria, Quito, in 1994 with the name of Mountainsea (Montañamar).3 The complementarity was expressed through the tension between the opposites: lineblotch, structure-change, vertical-horizontal, fleeting-imperishable. Moreover, it was proposed that the work as a totality be considered as being within the integral space, giving importance to the relation whole-parts, parts-whole. The support was the same architectonic space, and the fragility was conveyed through the economy of media and the materials used. This work presented a classical theme: the landscape, developed from a non-conventional perspective. Two fabrics, one cobalt blue and the other ochre (each one 1.20 x 1.80 meters), united by a road of sand (15 meters long) and another painting done directly on the wall (4 meters high). The rest of the walls of La Galería remained empty. The paintings were done with natural pigments without medium and I applied them directly with the hands (without the intermediation of brushes or other tools), which made them highly fragile and fleeting. The pigment peeled away little by little during the course of the exhibition. Once the show was over, the works vanished. The momentary and sensory experience remains, the object disappears, which confirms the work as a process more than as an object to be possessed. This work was accompanied by a text of Chinese author Shih-t’ao, who speaks of the harmonious coexistence of opposites considered as complementary, making it impossible for one to exist without the other: The Sea possesses an immense extroversion, The Mountain a latent enclosure. The Sea swallows and vomits, the Mountain bends over and prostrates itself. The Sea perhaps manifests a soul, the Mountain can transmit a rhythm. The Mountain with the overlapping of its summits, the succession of its cliffs, its secret valleys, its deep precipices, its elevated, sharply pointed peaks, its vapors, its mists and sprays, its fumaroles and its clouds, makes us think of the explosions of the Sea and of the breaking of its waves, but all this is not the soul that the Sea manifests as such, but rather the qualities of the Sea, which the Mountain has appropriated. And the Sea, it also can appropriate to itself the character of the Mountain: the immensity of the Sea, its depths, its savage laugh, its reflections, its jumping whales and its dragons that it incorporates, its marking off of 3 Cecilia Velasco gave the name to this exposition, in the article “Montañamar”, HOY, Quito, 2 de febrero de 1994.

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successive waves like peaks, this is the way in which the Sea takes possession of the characteristics of the Mountain, and not the Mountain of those of the Sea. These are the qualities of that which Sea and Mountain mutually appropriate, and Man has eyes to see this…But that which perceives the Sea in detriment to the Mountain, or the Mountain in detriment to the Sea, is indeed an obtuse perception! Sea and Mountain, each one, should in effect be perceived as a complementary state that is ceaselessly attracted by the other, and the eyes of a man should not apprehend the one as a diminution of the other.4

Throughout my life and my artistic production, I have come to realize that the execution of my work has implied following an inner path. In the drawings of Lightness (Levedad) (Quito, 2006), I continue with my investigation of emptiness, nature, certain myths, such as that of Pegasus, the winged horse, symbol of creative inspiration. Lightness as concept is gaining momentum, “…I have to change my focus, I have to see the world from a different viewpoint, using other methods of knowing and of verification…”. Thus does it happen in the myth: “…Perseus relies on the lightest things that exist: the winds and the clouds, and directs his gaze toward that which can uniquely reveal itself in an indirect vision…”6

Inspired by the studies of the flows of air and water currents and their interrelationship with the rhythms of the earth, I explore more deeply, both in my work and in my life, the necessity of inner quiet expressed in the breath and conscious respiration, as understood by the oriental world. From thence arises the exhibition…Air, Wind, Breath… (Aire, Viento, Aliento…) (La Galería, 1999), that speaks of the rhythmic movements of life.

But not only lightness. In these drawings presence is fundamental. Presence in each line, in each fragment, in each minimal space, like a hologram that speaks to us continually of the total space. Presence, in which space and time mutually penetrate. Intense presence that invites the spectators to their own presence, like a desire for totality and internalization.

The concepts of emptiness and silence encouraged me in this work. I established various relations and tensions: within each drawing, between different drawings and in the way the drawings were hung, which helped configure a rhythm that kept everything unified. I was interested in creating a space in which the spectators could feel themselves resonating, in some way, with their internal reality.

We call internalization the return of attention to that which is closest to ourselves… … the sign of mature internalization is that we perceive nothing as external to ourselves… …we can and we should remain internalized including when we are in contact with the “external” world, In any case, everything happens within us! The only difference is that from now on we will realize it.7

In this process, the work that follows: Intimate Maps (Mapas Íntimos) (Bolivia, 2003) supposes a time of integration, demarcated itineraries of my own secret map; a reinforcement of the eternal searches, vertical movements without displacements, such as the experience of silence and the emptiness of meditation. To meditate is to maintain attention in a continuous way about that which knows in us; it is to be vigilant, alert about that which is awake. It Is to observe that which is at the same time observer, observation, and object observed…To meditate is to fix the attention on the oceanic nature of consciousness.5

Walking together From the year 2001, I`ve worked with women in processes of creativity in which silence is essential, and together we have made journeys to the external and to the internal. The map and the lived maps, in this case, are individual and collective mandalas that connect space and time. From these encounters, there only remains an internal record after the shared experience, the exchange, the presence, the

4 Shih-táo, famous painter as well as poet of the Ts’ing Dynasty (17th century). Francois Cheng, Vide et Plein, Paris, Editions du Seuil, 1979, p. 60.

6 Italo Calvino, Seis propuestas para el próximo milenio, Madrid, Siruela, 1988, p. 20 and 23.

5 Jean Bouchart D’Orval, Les Yoga Sutras de Patanjali, Montreal, Editions du Relié, 1992, p. 38.

7 Jean Bouchart D’Orval, Les Yoga Sutras de Patanjali, Montreal, Editions du Relié, 1992, p. 38.

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affection, the doing together. It concerns poetic acts constructed in dialogue, enriched by a subtle underlying order, that led me to two subsequent proposals: The Art Workshop: a complex organization,8(El Taller de Arte: una organización compleja), a book that is based on the construction of metaphors for development in art workshops. A book that proposes habitats conceived in parallel with collective artistic work. One of the seven metaphors that the book develops is that of the páramo (the high Andean treeless plateau between the tree line and the permanent snow of the glacial peaks), nature as a source of learning, the self-reference achieved through work about oneself, breathing, attention, presence, the confidence in intuition. The páramo is vast and silent like the intimacy of our inwardness. In the human being, movement, change, transformation do not necessarily signify displacement. The emptiness achieved in conscious respiration is neither static nor permanent, but rather dynamic and transitory, and can be a moment of training of the mind in order to put oneself in contact with a deeper reality. Palimpsest,9 (Palimpsesto) a book produced in collaboration with Cecilia Velasco, Ecuadorian poet and novelist, which includes her poems and my drawings. A sweet traffic runs without stopping through all that is intimate and the soul becomes visible like a red thread.10

Inspired by this poem, I develop a collaborative project. Fourteen women11 from different countries participate, each one of whom (at my request) embroiders seven squares (of 15 x 15 centimeters), initiating her work with a red thread, in a process of internalization and silence that allows her to make contact with her 8 Pilar Flores, El Taller de Arte: una organización compleja, Quito, Trama, 2006. 9 Cecilia Velasco and Pilar Flores, Palimpsesto, Quito, Paradiso Editores, 2007. 10 Poem by Cecilia Velasco. 11 Seven women who live in Ecuador and seven women living abroad (Canada, United States, Spain, France, Germany, Switzerland, Austria). A total of 98 embroideries are done.

own force. Moreover, on the day of the opening, young artists participate together with the public by drawing the palms of the hands of each of the spectators that enter the show. This symbol is completed by placing these drawings in the room while the opening takes place. The lines of each one’s life intertwined with other lives, all anonymous, as part of one labyrinth. Palimpsest departs from the myth of Ariadne’s thread and is focused on the force of the feminine in a meditative act that complements the distinctive action of the masculine that seeks a way out of the labyrinth of time. The red thread as symbol of return; the red thread that creates bridges between those who are separated and which embodies the intimate road that each person travels. A tenuous thread like the lines on the palm of the hand, weaves in this way a collective and interdisciplinary work,12 that intertwines distinct subjectivities in an interconnection of different times and places. Moreover, this work has as its central point a journey log13 that records the process of creating Palimpsest. All of these components were gathered together by the artist Pedro Cagigal in the video: Daily log of the Palimpsest process (Diario del proceso Palimpsesto). Palimpsest was constructed multi-dimensionally like a rhizome. It grew like an open system, with the combination of myth, symbol, rite and feast. It was given birth by the weekly meetings of a group of women who, by means of their creative expression, sought to make contact with themselves. In the course of seven years, each of the members of this group was enriching her vision of herself and of the other. Palimpsest, a project that took the name of the book, emerged from this collective journey. The community of men and women who participated in the exhibition came from distinct spaces and carried out their work at distinct times; however, all were united 12 The artistic work developed during the previous years contributes the elements that make the later work possible: Palimpsest perhaps the most complex owing to is multidimensionality. This work is developed in the course of fourteen years, through individual and collective experiences in distinct formats: poetry, drawing, embroidery, weaving, recording, painting, clay work, words, installation, artistic and virtual action. Experiences that are carried out in parallel in distinct times and spaces of socialization, investigation and exchange. 13 During the course of my artistic process I have collected reflections and writings in Artist Journals. In this diaries are recorded processes, references, thoughts, images and mental maps that go toward constructing my work. Manifest in these daily logs are decades of searches, of experiments, of deliberations and of studies with philosophical references.

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by a special connection of affection with the author of the work. In Palimpsest, things were not given in a linear form. The women (fourteen in all) embroidered at the same time, each in contact with her own world, but on distinct continents, confronting different sets of problems. What united them was the construction of their own symbols, which by being exhibited simultaneously, empowered their individual attributes and also the richness of the group. Palimpsest was woven in the relationships and in the articulation of different intensities in which, by the end of the process, was sought in the dynamic equilibrium of the extremes (for example, the force of the feminine integrated with the masculine as its complement). Through myth we access the symbol. The myth is the “experience of a remote and timeless life, full of meanings that illuminate the present… The myth is a symbol in words”14 and a symbolic exploration of the mystery of being in the cosmos. Or, as philosopher and historian of religions Joseph Campbell says, myths are the clues to the spiritual potential of human life. The rite is associated with an inner journey; so it was in the path of each of the women in the embroidering of the seven fabrics, connecting themselves with their inner force, responding to the initial invitation. And the feast is the collective celebration, the encounter, the drawing of the lines of the palms of the hands of all of the attendees whose lines were joined to each other, continuous and in juxtaposition, overflowing in the construction of a labyrinth as metaphor of movement and, therefore, of life.

fact that the interior space lacks dimension. This work, done in collaboration with the American musician Michael Blanchard, has to do with the myth of Ulysses: the return home. We propose a space, a sojourn that makes possible a journey in which is present a subtle, cyclical sound that accompanies the passage. In order to approach the myth, we have two ancient treatises on Yoga, written in Sanskrit and translated into English and French by two authors, one oriental and the other occidental.15 We created versions in Spanish of both texts, connected them and, above all, we experienced their principals in our lives, entering into them in a deep way, trying to realize the richness of this practice. While we were following these sacred texts, searching for the stillness of our minds, we drew and inserted mandalas into the text. The central proposal of the work is an action, an experience. We invite the spectator to participate in it. For us this work is a life journey; it implies a voyage that has different stopping places whose seasons mark the drawings (250 in all, between texts and drawings), placed in the exhibition hall according to the layout of the golden section,16 taking into account certain regularities that we find in nature. Natural forms are fractals, and multiple processes of such forms are governed by fractal behavior.17 Yoga means union, fusion, dissolution of the small in the large, of the multiple in the One, of the individual in the universal consciousness. Between peoples, cultures and communities, there are differences in the mode of imagining, of perceiving, of addressing and thinking about reality; for the yogis, there is a unity that is above diversity. We accept the existence of duality, we look at reality as the existence of opposites, and we think that there are multiple realities and that they all overlap.

Inner Cartography The work described above brought me to the subsequent work, in which I have been through a long process of deepening exploration of the myth of the Medusa applied to my own life. This is what I have done with the other myths that I have investigated. I have identified in my personal history the symbols that they involve and there has emerged a kind of inner mapping, while conscious of the 14 Marco V. Rueda, Mitología. Cuadernos de Antropología – 1, Quito, EdiPuce, 1993.

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15 Books whose texts are made part of the exhibition Cartografía Interior (2012): Paramahansa Yogananda, The Bhagavad Gita, Los Angeles, Self Realization Fellowship, (without year) Jean Bouchart D`Orval, Les Yoga Sutras de Patanjali. Montreal, Les Éditions du Relié, 1992. 16 The golden ratio is based on the relation in which the whole divided by a greater part gives exactly the same ratio as that of the greater part divided by the lesser. 17 In the manner of a hologram point, we carry within our uniqueness not only all of humanity, all of life, but also almost the entire cosmos, understanding in it its mystery that lies without doubt at the root of human nature”. Edgar Morin, La mente bien ordenada, Barcelona, Editorial Seix Barral, S.A., 2000-2001.

Thus, the life of one who practices Yoga is a long process of integration of opposites, and the understanding of immense diversity. The life of a yogi is built through daily practices in which respiration is key. On the other hand, the mandala is a symbol that in distinct cultures and epochs alludes to the path toward the oneness of being. “The mandala is a summary of spatial manifestation, it is the image of the world, it is the representation of divine power, it is central sacred space…it is at the same time an image of the Universe and a theophany”, in the words of Mircea Eliade, philosopher, historian of religion and novelist. It represents the structures of the deep psyche whose essence is unknown to us. For the Swiss psychologist Carl Jung, the mandala is an archetypal form which appears in different cultures that are remote from one another. Its images are used in order to consolidate inner being. Because the human being is a tiny part of the whole yet carries the presence of the whole inwardly, we can imagine symbols that link fractals18 and mandalas like a hierophany19, that is, the sacred that manifests itself in our lives. This voyage-exhibition, presented as an inner individual process and also as universal, invites one to experience silence and, by means of it, the access to our inwardness. The path proposes a journey, in such a way that the mind becomes quieted, enabling us to make contact with consciousness and, within it, we discover the path back home. …Return home?... What home are be talking about?...That is where the myth enters into the picture of Ulysses. His curiosity, his drive, his mistakes, his will to live – as it is with us – leads him to a thousand experiences (some splendid, others not so much and the majority difficult) that take him far away from his home for 18 Fractals have been described as geometry of nature…A fractal is a form or behavior generated mathematically that describes phenomena like lightening, trees and clouds in a way that Euclidian geometry is incapable of doing. Fractals are generally self-similar, that is, repeat themselves at different magnitudes within the same object. Fractals can be infinitely detailed. Priya Hemenway, (2008). Divine Proportion. Phi in Art, Nature and Science, Köln, Evergreen, 2008, pp. 125 and 190. 19 Hierophany is a combination of existing forms in the world through which the sacred is manifested, according to various religious beliefs.

a long time, a home to which he wanted to return. Coming home is the return to the hearth. And this hearth has a different meaning for every one of us. For the yogis, our return home is going beyond the limited consciousness of the body and of matter in order to reach the vast Ocean of the Spirit20. Yogis cultivate practices that seek to direct and awaken the energy that is in our body. We know that without the body we could not achieve this, which is to say that we value enormously our passage on the earth. We say that we are not bodies that have spirit, but rather spirits of those that temporarily inhabit a body. The ancient yogis deciphered many universal laws and had detailed knowledge about energy, its functions and how to have dominion over it. They understood that the individual consciousness has to be transcended. Yoga seeks to go beyond the human condition, and its practice begins by restoring it, by giving it breadth and majesty. It seeks a strong man, master of his body, master of his psycho-mental life, conscious of himself, and all of this in the common, everyday man. …Eternity and I, one united ray. A tiny bubble of laughter, I am become the Sea of Mirth Itself.21

This home to which we refer is the inner self. And the return is brought about through serenity, through quieting and, above all, through consciousness of oneself. In the silence, we encounter the infinite that is within us. As has occurred in my previous exhibitions, the architectonic space (Arte Actual, Quito, 2012) demarcates the proposal and will be a work in situ in order to give 20 These ideas about Yoga are a reworking of notes I made many years ago for a periodical whose name I did not, unfortunately, record. The Chilean magazine Uno mismo, in 1995 perhaps? 21 Paramahansa Yogananda, Autobiografía de un Yogui, Los Angeles, Self Realization Fellowship, Spanish translation, 1991, p. 215.

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definitive form to the project. The work addresses several issues: Time, displacement, the transition between various places, the lived process and participation more than visual apprehension.22 It is a work that documents a journey and presents a symbolic map.23 The central idea is the passage, an inner passage since the work speaks of an inner history. We are signaling an ancient practice that is made present by each of us by experiencing it and by confirming its accuracy, achieving through it the alchemy of our own lives. We are interested in the idea of different languages that are interspersed, as symbol of the Word that constructs the world from its beginning. Moreover, within them, the languages carry implicit spaces and distinct times. We appropriate various texts. Texts in English, in French, in Spanish, in Sanskrit – an ancient language belonging to valuable sacred texts – that are combined with the drawings and the layout of the drawings in the space. Logos reflects, by its original sense and by its later sense, two aspects of the word: a gathering inward in presence (meditation) and its expression. The word means “to gather” and “to say”.24

This trajectory will be guarded by a continuous and circular sound: a rhythm created with the Tibetan singing bowl, followed by percussion, and ending with 22 “A spectator of one of the last artworks of De María (artist of Land Art), Las Vegas Piece (1969) remembers that it was important to traverse the more than 6 kilometers of the work in or to obtain ‘an experience of a specific place…and an intensified sense of self that would appear to transcend the mere visual apprehension”. Jeffrey Kastner, Land Art and Environmental Art. New York, Phaidon, 2005, p. 30. 23 Richard Long (England, 1942), in his work A walk by all roads and lanes, touching or crossing an imaginary circle (1977), presents a map and a text: “The act of drawing in relation to the earth is exemplified in this map on which the artist has marked his itinerary…emphasizing… the immense difference between the direct experience of the landscape – with the views and the sounds that occur in the open – and its potentially absurd translation to the map”. Jeffrey Kastner, Land Art and Environmental Art. New York, Phaidon, 2005, p. 126. 24 Jean Bouchart D`Orval, Les Yoga Sutras de Patanjali, Montreal, Editions du Relié, 1992, p. 39.

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flute…Creation was begun with vibration, the OM, “the most ancient music of the universe”25 (Tibetan singing bowl), man enters a manifest world (tambour, heart beats), the flute as symbol of the voyage… Three elements will be permanently presented: word, sound, image. Reading, listening, watching; past, present, future; body, mind, spirit; earth, man, sky; physical body, astral body, causal body. The spectator will receive a phrase of Heraclitus, (fragment 50): “Listening not to me but to the Logos, it is wise to acknowledge that all things are in reality one”. The logos of Heraclitus is what Lao Tzu in China called the tao and the Vedic sages called the rit. The Sanskrit word rit or rta is derived from the root ar, which means to fit perfectly, join together seamlessly, be perfectly united. The term rta refers to a perfectly balanced wheel that rotates rhythmically and smoothly and that is associated with the Greek word harmos (harmony), as well as with the Latin ars, which is the root of art and artist.26

Accompanying the exhibition will be an artist’s book, whose cover has been made collectively with the women participants27 in the workshops of Creativity from silence. Special care has been taken in the nobility of the material used, the dialogue of the forms and the work in layers (seven in all). Our journey now has this stopping point, but it is only a part of a much greater movement. Each spectator can undoubtedly have a distinct esthetic experience, starting from the exploration of their own internal mapping.

25 Paramahansa Yogananda. The second coming of Christ. Volume 1. Los Angeles, S.R.F., 2004, p. 27 26 Priya Hemenway, (2008). Divine Proportion. Phi in Art, Nature and Science, Köln, Evergreen, 2008, p. 172. 27 Patricia Carrera, Marta Forero, Marina Ordoñez, Pilar Flores. Book desing by Esteban Salgado.

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REFLECTIONS

favored relations of integration and have been spheres of collective creation and dialogue. Spaces designed to unify, to create, to listen, to search. Spaces for living and working. Imagined spaces.

Pilar Flores

Through the myth of Perseus, Calvino presents his thesis on lightness, a thesis with which I feel at home. Perseus embodies the hero confronted by the necessity of making a decision: allow himself to be turned into stone before the distorted image of himself or behead the Medusa. Perseus succeeds in killing the Medusa by seeing only her reflection in the shield of bronze. The shield-mirror, as a reflective surface, is a powerful symbol of self-knowledge.

Let us try to place our entire being in silence --- hearing only our breathing – let us become as airy as our breath, making no more sound than the faintest breathing. Gaston Bachelard

The Indirect Gaze On my journey, I embrace a strong desire to create spaces that express lightness, understood as depth of being; spaces that are not only geometrical but also existential. I conceive of external space as an expression of internal space and, between them both, I envision the meditative space. Mine have been spaces created in order to share, to join, to knit together what could be called spaces for sojourns, built not to arrive and to stay, but rather to be nurtured in continuing on the journey. These spaces have

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The question that immediately arises: What does this indirect gaze imply for each human being? In my case, it has manifested itself through symbols, poetry, art, myth, the remembrance of dreams, the contemplation of nature, conscious breathing… “…in order to cut off the Medusa’s head without becoming petrified, Perseus is supported by the lightest of being: wind and clouds…”1 From his benefactor gods, Perseus received winged sandals, symbol of contact with the divine, which allowed him to succeed in an undertaking that no one before him had successfully achieved. In this myth, Calvino finds an “allegory of the relationship between the poet and the world, that poet-philosopher who rises above the world’s heaviness, -- noisy, aggressive, angry, thunderous – demonstrating with his leap that gravity holds the secret of lightness.” The Medusa has the power to transform one thing into another completely different one, and there are two possibilities: petrification or transformation. The powerful Gorgon is capable of achieving either of the two. And the 1 All quotations are from Calvino, I. (1988). Seis propuestas para el próximo milenio. Madrid: Siruela. pp. 19-43.

transformation has two opposite results: from the Medusa’s blood is born the winged horse Pegasus and the Crisae Monster. Pegasus, who received at birth the gift of change and freedom, also presents a double aspect: he gallops on the earth, knows his smell and, what is more, has wings to fly. The winged horse is a symbol of the creative imagination and of poetic creativity as well as a symbol of lightness. After killing the Medusa, Perseus keeps her head in a bag that he likewise received from the gods. He only takes the head out of the bag when, in combat, he believes that the enemy deserves to be turned into stone. That is, he keeps the Medusa hidden, as was the case before, when he defeated her by gazing at her only via the mirror’s reflection. “The strength of Perseus lies always in a rejection of direct vision, but this is not a denial of the reality of the world of monsters in which it was his fate to live, an inescapable reality that he personally assumes.” Ovid, cited by Calvino, refers to Perseus who, after killing Andromeda and before washing his hands, delicately deposits the head of the Medusa on the bank of the river. Calvino adds: “It seems to me that the heroic lightness embodied by Perseus could not be better represented than by this refreshingly courteous gesture toward that monstrous and terrifying, albeit somewhat deteriorated and fragile, being.” In this same place in which the Gorgon’s head was deposited, beautiful coral is born from her blood. Thus, every time that the weight of the world expresses itself forcefully, there remains the image of the hero Perseus rapidly flying to another space, not to seek refuge, but rather as a change of focus, of perspective; a “view of the world with a different logic, with other methods of knowledge and verification.” In other words, lightness is a way of seeing the world. In my case, listening to my breathing in silence, as Bachelard proposes,

has enhanced my experience of lightness, …Air, wind, breath…was the name of one of my assemblages presented in 1999, inspired by studies of the flows and currents of air and water and their interrelationship with the rhythms of the earth. The Art Of Blessing In August of 2006, I was working in my studio when I received in my email a text in French, sent by a dear Swiss friend, with the title “The art of blessing”, a text that I immediately wanted to share and therefore translated into Spanish. That same week, another friend arrived from India and brought me a beautiful postage stamp as a gift. At that time, I was working on some tiny books of mantras, and I wanted to bring everything together: friendship, the gift, the text, the translation, the mantras: the power of invocation generating a network of feeling and of thoughts of blessing. Seven times seven, as in the biblical multiplication. Thus was born a little book, made one at a time, day after day, given as a gift to 49 close friends: close by, in other cities, in other countries. Art Workshop My desire to share has given birth to many art works. The most important for me: the Processes of Creation from Silence, worked on with women since 2001, born from inspirational work with children in the program “Learning through Art”, now called “Arteducarte”. These experiences, coupled with creativity workshops working with young students of PUCE (Pontifical Catholic University of Ecuador) resulted in the proposal of metaphors, through which was created a parallelism between a habitat and an art workshop. This is a proposal that has been developed at different moments with various groups of young people and adults: the creation of a space to which participants are invited in order to choose a metaphor at random, and to choose, also at random, five activities from among more

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than a hundred that are offered to them. The combination of actions taken randomly has a different and powerful result every time. The proposal is born of the conviction that a united group of persons willing to share makes the encounter of their ideas and talent more powerful. Luz Elena Influenced by the work of the French artist Ernest Pignon, in 1994 I proposed a project that was carried out over three years and included several collaborative efforts with Dora Quintero, in Quito. • In a tribute to Luz Elena Arismendi, mother of the young Restrepo brothers who disappeared at the hands of the National Police, her image was painted in high contrast on canvas, on a scale of one-to-one, and beneath this canvas were placed two thousand red roses that had been donated. This piece was placed in the “siege,” as the site of public demonstrations was called at that time, next to the iglesia de la Compañia. • A canvas of 3 meters by 2.5 meters, also with the image of Luz Elena, was placed in the atrium of the Cathedral, during a massive gathering in the Plaza Grande, remembering those who had been disappeared.2 • A mural of the Restrepo brothers, on the rear wall of the Cemetery of San Diego.3 • A hundred images of Luz Elena, done in stencil in full scale, and placed all along Avenida 10 de Agosto, from “La Y” to the Plaza Grande.4 Life and death crossed paths. The weight of the earth, “violent, ag2 Canvas with the collaboration of Belén Santillán, Oliver Echeverría and Orlando Porras. 3 With the collaboration of Elodie Studler. 4 With the collaboration of Silvia Oña and Jaime Guevara.

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gressive, angry, thunderous”, and the fragility of the human being, as fragile as an iris flower, as beautiful and as ephemeral. Creation From Silence There followed long years of inner work, in the early stages of which I had dedicated myself deeply to my own process of integration, through the study of symbols and myths, dream work, painting, drawing, creating artistic logs and, above all, my search for inner quietude. Years during which I even dedicated myself to writing my biography with a strict sense of self-knowledge, years inhabited by innumerable questions, such as: How are the connections of the life established? How have they been constructed? What has constructed them? In the solitude of my workshop, I decided one day that I wanted to share these questions that I had formulated for myself in the course of meaningful vital periods and invited a group of women to begin a collaborative project, with weekly meetings, walking at length together year after year. We created a series of poetic events from a deep desire to observe ourselves, discover ourselves and, fundamentally, know ourselves through the exploration of the complex structures of the human being. The events created spaces endowed with a deep meaning and significance. We came to these spaces not to remain there but to continue on our journey.

Lightness The processes of my passage have been articulated spontaneously, always supported by one idea: Perseus succeeds in killing the Medusa without being turned to stone because he does not look at her directly but rather sees her only in the reflection of the bronze shield. The indirect gaze is expressed in my work in the pursuit of lightness through the breath. “Breathing is the object of meditation par excellence, precisely because it is not an object and therefore lacks form. Breathing is one of the most subtle and apparently insignificant phenomena there is. And the fact that it lacks form is one of the reasons why being attentive to it is a very effective path for generating consciousness.”5 The pursuit of lightness expresses itself as a reaction to the heaviness of living…but how to escape this heaviness? Open other doors, Calvino has said; lift ourselves up to another level in order to see with greater clarity: fly to another world, as does the shaman who visits other dimensions, so we can find the strength to change reality.

5 Bouchart D’ Orval. (1992). Les Yoga Sutras de Patanjali. Montreal: Editions du Relie.

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RESUME

Pilar Flores. Quito (1957).

2013

Diario de un iris, El Conteiner, Quito, Ecuador

2012

Cartografía Interior, Arte Actual FLACSO, Quito, Ecuador

2008

Diario del Proceso Palimpsesto, El Conteiner, Quito, Ecuador

2007

Palimpsesto, Museo de la Ciudad, Quito, Ecuador

2003

Mapas íntimos, Salón de Honor, La Paz, Bolivia

1999 Aire, viento, aliento, LA GALERIA; Quito, Ecuador 1997 Reflexiones sobre el árbol II, Galería MIRA, Bern, Switzerland 1995

Reflexiones sobre el árbol, Galería URANIA, Graz, Austria

1994

Montañamar, LA GALERIA; Quito, Ecuador

Studies: Ecuador, Spain, France and Belgium.

1992

LA GALERIA, Quito, Ecuador

Presented 29 individual expositions of her artistic work in 13 countries: France, Spain, Austria, Switzerland, Belgium, Germany, Colombia, Cuba, Haití, Dominican Republic, Nicaragua, Bolivia and Ecuador.

1990

El rugido de la montaña, exposition Brussels-Berlin- Quito:

2001 recipient of the Hillary Rebay Award from Guggenheim Museum, New York.

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In 2014 in Berlin, Germany, presented the exposition One to Three, with Ingrid Göttlicher (Berlin) and Cigdem Tankut (New York), in Wiewiona Hopp Sahwar GesellschaffArchitekten, SOME OF THE MORE IMPORTANT SOLO EXPOSITIONS: 2015

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Aliento, antología de Pilar Flores, Centro de Arte Contemporáneo, Quito, Ecuador

LA GALERIA, Quito Galería PASSAGE; Berlin, Germany Verbindungsburo”Nordrheim Westfahlen, Brussels, Belgium

1989

Caja de Ahorros, Ronda de Valencia, Madrid, Spain

1987

Museo de Arte Moderno, Cuenca, Ecuador

1985

Musee Haitiane du College de Saint Pierre, Port-au-Prince, Haití

1985

Galería GALEANO, Havana, Cuba

una organización compleja, Quito, Ecuador.

1985

Convenio Andrés Bello, Bogota, Colombia

1987 won a UNESCO art scholarship

1985 Museo de Las Casas Reales, Santo Domingo, Dominican Republic 1982

Anciens Moulins de la Jouliette, Marseille, France

PUBLICATIONS 2015 Aliento, antología de Pilar Flores. Catálogo de la muestra antológica. Edición de autor, Quito.

Since 2001 Creative Process with women working art in silence.

2015 Tejido. Edicion de autor, Quito.

2006-2009 Art workshops inspired by natural habitats

2015, Diario de un iris, reflexiones sobre la investigación artística en la obra de Pilar Flores. Ediciones Trama, Quito.

2003 Represented Ecuador with the exposition Mapas íntimos at International Exposition of Honor. La Paz, Bolivia. 2003 Chosen to represent Ecuador at the exposition Seoul International Art, Seoul, S. Korea. 1995-2001 Coordinated in Ecuador and participated in the international project Women Beyond Borders. The project toured all over the globe 1987 Participated in Bienal de Cuenca-Ecuador, Bienal Domec de México and Bienal de Cuba. AWARDS 2001 Hillary Rebay Award from the Guggenheim Museum, New York, USA. 2006 APPUCE Award for publication of master’s thesis El Taller de Arte:

2014, Pilar Flores, portafolio artístico. Author’s edition. Quito. 2013 The book cover ´s artistic work for Puntos de Partida, Relatos de la tradición by Andrea Moreno Wray. Fondo Editorial Ministerio de Cultura y Patrimonio. 2012 Collaborated with musician Michael Blanchard to produce Cartografía Interior, a unique artist´s book. 2011 Produced a small artist´s book titled Inner Geography. 2007 In the book PONENCIAS retos de la formación e identidad en Diseño y Arquitectura en el marco de la Globalizaciòn XXII CLEFA, UDEFAL, Antigua, Guatemala: the conference Diseño visual, Experiencias y Enfoques en los Talleres de Diseño Visual. Taller de Creatividad. pages 575580.

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2007 Palimpsesto. Poetry by Cecilia Velasco and drawings by Pilar Flores. Paradiso Editores, Quito. 2006 El Taller de Arte, una organización compleja. Ediciones Trama, Quito. 1987 Designed the cover of El Amor de lo Bello by Spanish poet Francisco Rodriguez Contrearas. Libros Aleceia-colección Litterae, Madrid.

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OTHERS 2007 Conference: Taller de Creatividad: Experiencias y enfoques en los Talleres de Diseño Visual. XXII CLEFA. Antigua Guatemala. 1993-1994 Operated art workshops for children in the three major regions of Ecuador: the Sierra, the Coast and the Jungle. COMMENTARIES ON THE ARTISTIC WORKS OF PILAR FLORES BOOKS: • Le grondement de la montagne: la peinture de Pilar Flores. Brussels-Berlin-Quito. Michel Ceder. Editions de l`Erg. Brussels, 1989-1990. • Testigo del Siglo, El Ecuador visto a través del Diario El Comercio. Quito, 2006. Page 425. • Diccionario crìtico de Artistas Plàsticos del Ecuador del siglo XX. Hernán Rodríguez Castelo. Casa de la Cultura Ecuatoriana. Quito. Pages 126-127. • Nuevo Diccionario de artistas ecuatorianos. Hernán Rodríguez

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Castelo. Centro Cultural Benjamín Carrión. Municipio Metropolitano de Quito. 2006. Pages 235-237. De la pintura y su entorno. Rodrigo Villacís Molina. Casa de la Cultura Ecuatoriana. Quito, 2009. Pages 12, 81, 121. Cien Artistas Diners. Dinediciones, Quito Saur. Allgemeines Kunstler-Lexikon. Band 41, Fitzpatrick-Folger. K.G. Saur. Munchen-Leipzig 2004. Pages 326-327. Artistas Plàsticos de Ecuador. Ministerio de Relaciones Exteriores. Trama, Quito, 2002. Pages 74-75. 30 más 2 Artistas del siglo 21. Trama, Quito, 2006. Pages 124127 MAGAZINES:

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WORK: Since 1994 Professor of Fine Arts at Catholic University of Ecuador, Quito (Pontificia Universidad Cat贸lica del Ecuador, PUCE). Along with two colleagues, created the Art School at Catholic University of Ecuador (PUCE). Since 2010 Vice Dean for Facultad de Arquitectura, Dise帽o y Artes (FADAPUCE) 2012-2013 Art School Director (Carrera de Artes Visuales-FADA-PUCE) 2000-2005 Collaborator artist for the program Learning Through Art, (Art educarte) from Fundaci贸n El Comercio, Quito.

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