REVISTA CAFÉ

arte & diseño

Guatemala Noviembre 2015 Universidad de San Carlos de Guatemala Facultad de Arquitectura Escuela de Diseño Gráfico

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Los medios de comunicación de masas, radio, periódicos, televisión, son actualmente elementos fundamentales de la sociedad. S in e llos no s e podría e ntender estas sociedades complejas y con características tan específicas.

Precisamente la irrupción de los medios de comunicación es l o que aporta las características esenciales de l as sociedades de hoy en día y por lo que se puede decir que la época actual, es la de la sociedad de la comunicación globalizada.

En efecto, la sociedad actual es la sociedad de los mass media, término que se usa para designar a los medios de comunicación masiva. Los cuales tienen una importancia capital pues, e s gracias a ellos, - a qué continuamente están transmitiendo i mágenes, p resentando d iferentes realidades, e n muchos casos e n tiempo r eal-, q ue l a persona percibe estas diferentes realidades y descubre que la verdad n o es una. S ino más bien q ue h ay diferentes v erdades. Q ue e xisten d iferentes opiniones, diferentes f ormas de v ivir y , que las sociedades están compuestas por diferentes culturas y subculturas. Cada una de ellas con sus respectivos códigos de conducta. Lo cual genera sociedades complejas en general.

Cada una d e estas c ulturas poseen c onocimientos y tradiciones, l o cual c onforma un p atrimonio cultural intangible, el cual se conoce a través de los mass media.

Arqta. Brenda Penados

•Pensamiento y contexto de las corrientes filosóficas a finales.........................................5 •Art nouveau, el inicio de una nueva época en el diseño, su historia, desarrollo y trascendencia..................................15

INDICE

•La censura, un elemento de diseño......................................21 •Tipografía convertida en arte................................................28 •Pop art....................................................................................1 •Evolución de la tipografía desde 1700 hasta la actualidad..............................................1

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aportes del romanticismo A lo largo de la historia han existido un sinfín de corrientes el afán de exaltar el civismo y amor por una nación combinada artísticas, sin embargo en muy pocas ocasiones se analiza con su incesante búsqueda de la libertad, a tal punto que una el pensamiento que hay tras ellas y del cual surgen, mucho gran cantidad de obras representativas del género traten menos sus implicaciones y la forma en que estas afectan a sobre guerras en pos de una patria libre tal como “La libertad las corrientes que las suceden, pero principalmente la guiando al pueblo” de Delacroix en el que encontramos a forma en que han afectado al diseño gráfico actual ya que una mujer llevando la bandera de Francia sobre un ejército si bien la carrera no lleva mucho tiempo con el nombre de enemigo opresor, un pueblo que no está preparado de profesión como tal, ha existido desde siempre y desde manera alguna para partir a la guerra, marcaría las siempre se ha visto afectada por el entorno que lo rodea tendencias a seguir para un diseño gráfico posterior en incluyendo la forma de hacer arte en cada época de la épocas y carteles tales como los vistos durante la historia. Después de la Revolución Industrial el arte tuvo un segunda guerra civil emitidos por los gobernantes de giro en el cual cambió su forma de expresión, creando conlos países líderes de dicha batalla, incluso atrevi sigo movimientos artísticos muy variados, a continuación éndose a mencionar que el mismo Adolf Hitler se hará un análisis de algunos de estos. dentro de su forma de pensar llegaría a manifestar algunos rasgos de romanticismo ya que fue El romanticismo, que ha sido uno de los más importantes impulsado por la necesidad de ver a un mundo movimientos artísticos de los últimos siglos, no solo por la ideal para sus preceptos. impactante gráfica y el estilo tan propios llegó a desarro La Balsa de la Medusa (Museo del Louvre, 1818-19) llar, sino por la fuerte ideología que existía tras de él, la forma de pensamiento romántica fue una de las más drásticas y extravagante de la última época, tanto así que el ideologista romántico comúnmente termina cometiendo suicidio, debido a que no soportaba la idea de vivir en un mundo que no era el ideal para él y debemos hacer énfasis en que su idea de un mundo “ideal” tenía una expectativa bastante alta, es de aquí donde proviene la frase común de decir que una idea es “romántica” cuando es hasta cierto punto irreal, pero ¿Qué tanto ha influenciado el romanti cismo al diseño gráfico actual? Para responder esta pregunta debemos recordar los ideales más característicos del movimiento, según el centro cervantes “Caracterizan la estética romántica ferviente pasión por la libertad, que llevó a los escritores a rechazar reglas generales y universales” (2012) su gran patriotismo.

Mondaufgang am Meer (C D Friedrich).

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ROMANTICISMO Y REBELDIA Otro de los principales aportes del romanticismo es que fue la primera cultura que i ncito a la rebeldía dentro d e sus exponentes, esto más tarde influiría fuertemente en algunas d e las manifestaciones culturales y gráficas m ás importantes, como serían la cultura punk, ya que si el ideal romántico de no conformarse ante las ataduras que le imponían la sociedad n o hubiera salido a luz una t endencia tan fuerte y m arcada como esta, a l igual que la cultura h ippie, a mbos t iene sus orígenes y principios en esta corriente, en el documento de Romeo menciona “La actitud idealista que n o se corresponde con la realidad y que lleva al romántico a la rebeldía.

La sociedad pone trabas a s u libertad, por ello adopta una actitud r ebelde contra l as normas y lo establecido.” (2015) es así que aunque la profesión de diseño gráfico no se v iera i nstituida como tal hasta muchos años después con la creación de la Bauhaus, e l movimiento romancista ha sido base e inspiración para muchos de los movimientos gráficamente más representativos d e los últimos tiempos.

Otro de los movimientos artísticos que se vieron afectados por el romanticismo fue el impresionismo, una generación de artistas que se oponían fuertemente a los mandatos plásticos impuestos por la academia y las grandes instituciones que representaban el arte e n su época y que i ncluso f ueron rechazados durante mucho tiempo por la sociedad en que se encontraban, Fcalzado menciona l o siguiente “Lo que estos a rtistas tenían e n común era su desprecio por el arte tradicional oficial en favor de nuevas formas de expresión artística mucho más innovadoras.” (2012), es por esto que e l impresionismo tiene m ucha r elación con l o mencionado anteriormente en el romanticismo.

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NECESIDAD DE INNOVAR A pesar de que el romanticismo fue rechazado en sus i nicios según la corporación cultural “Las Condes”, se trata d e un m omento fundacional del a rte contemporáneo.

Nada de lo que pasó en el siglo XX hubiera sido posible sin este movimiento generado por un grupo de pintores franceses.

Como podemos v er, la mayoría de g randes m ovimientos artísticos, se da cuando el intérprete se cansa de seguir lo ya estipulado y e mpieza a buscar una f orma d e innovar, este mismo pensamiento se busca día a día en el diseño gráfico actual, la necesidad de innovar es algo que puede lograr la generación de momentos que marcan el desarrollo d e las artes como tales, e n el i mpresionismo pudimos notar un completo cambio de técnica, un uso de color diferente e incluso el aprovechamiento de la tecnología ya que se sabe que fue un movimiento fuertemente influenciado por la fotografía, misma que aún estaba en desarrollo para ese instante.

Los movimientos vanguardistas empezaron a surgir en el primer cuarto del siglo XX, en el cual el arte es influenciado por lo político y lo social de ese tiempo (dos guerras mundiales) e n donde la sociedad p erdió la razón entrando en crisis creando movimientos artísticos de protesta. En este cuarto de siglo las obras empezaron a ser más innovadoras y experimentales. E n estos m ovimientos l os a rtistas comunican y r eflejan la libertad que e llos y la sociedad requieren.

En el Romanticismo sus principales conflictos eran sobre la crisis religiosa y sobre todo, el conflicto existencial; esto nutre a l Expresionismo, o tro movimiento artístico el cual absorbe l as semejanzas r acionales del R omanticismo. El artista expresionista despertaba e n sus obras, sus sentimientos y emociones más no se preocupaba de la realidad objetiva.

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EXPRESIONISMO Buscaba transmitir e l mundo i nterior del a rtista, sus pasiones y angustia existencial para despertar las emociones del espectador esto se lee de manera más clara en el artículo de arte españa que dice “El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y l as e mociones del autor m ás que l a representación de la realidad objetiva. Revela el lado pesimista de la vida generado por l as c ircunstancias históricas del momento” (2010).

Algunas de sus características eran el uso arbitrario de los colores, estridentes y puros, aplicados en largas y gruesas pinceladas. Las figuras dejan de ser bellas y se distorsionan en beneficio de la expresión. Las composiciones son dramáticas y a gresivas. C on esto el a rtista da a conocer el lado triste de la vida formado por los acontecimientos históricos del momento. Toda expresión se ve reflejada a través d e los colores f uertes y p uros, las formas r etorcidas e n donde no importa ni la luz ni la representación que se altera intencionadamente

El modernismo surgió como oposición al realismo, aunque este influyó en g ran parte de E uropa y América, t iene m ucho m ás i mportancia en l os países de habla hispana. El modernismo defiende la única finalidad de que el arte es el arte en sí mismo entendiendo este como el amor por la estética y la belleza. A unque e l modernismo tuvo influencia en distintos artes, t uvo mayor influencia dentro del ámbito literario aunque muchas de sus características son comunes a otras artes, dentro de esto destaca principalmente en la poesía.

Hay que aclarar que en un comienzo el Modernismo no e s necesariamente un m ovimiento literario, ya que no sólo se vincula a lo artístico, sino a una serie de actividades, expresiones sociales y pensamientos que adquirían m ayor p roporción sobre f inales del siglo XIX y comienzos del siglo XX. La e volución del M odernismo se d a por i nfluencia de procesos e ideas que van tomando forma y generando conflictos sobre finales del siglo XIX, como por e jemplo: la industrialización, e l positivismo filosófico, la politización c reciente de la vida, l a burguesía, utopías entre otros.

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MODERNISMO AMERICANO Este también se caracterizó por ser la expresión americana de la literatura que buscó la ruptura con respecto a una tradición que provenía de la literatura y el a rte europeo, e l modernismo persiguió el i deal d e una búsqueda d e la expresión de lo americano, para lograr expresar ese sentimiento de “lo americano”, el modernismo buscó la originalidad en la expresión, rompiendo con l as v iejas f ormas de escritura que todavía se utilizaban (y que venían de un movimiento anterior europeo: “ El R omanticismo”) percibiendo así que en el modernismo hay una búsqueda de lo exótico.

Cabe mencionar al minimalismo, que según el diccionario de la Real Academia Española “es una corriente artística que u tiliza e lementos mínimos y básicos”. Surgió e n la década de 1960 a partir de una economía de medios, el uso de la abstracción, el purismo funcional y estructural y la síntesis, cambiando así l os esquemas tanto del arte y el diseño como del pensamiento. La intención del minimalismo, por lo tanto, es generar sentido a partir de lo mínimo, simplificar los elementos utilizados, apelando a u n lenguaje sencillo, colores puros y líneas simples.

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MINIMALISMO

Se fundamenta en los aspectos reduccionistas del modernismo, y muchas veces interpretado como una reacción contra el expresionismo abstracto y un puente a las prácticas del arte posmoderno. El término "minimalista" a menudo es aplicado para designar a cualquier cosa que sea de recambio o despojado a sus elementos esenciales. El minimalismo es una manera de entender la estética, un paso más allá de la abstracción que lleva a la forma y al color a la máxima simplicidad.

Centrándonos en su definición el minimalismo también tiene su reflejo en una filosofía o forma de vida, que propone dedicarse a lo importante y descartar todo lo innecesario, esto como camino para alcanzar la realización personal, todos diseñamos nuestras vidas al decidir seguir un camino u otro o al tomar decisiones cruciales; pero el diseño de una vida hace referencia a una especial toma de conciencia sobre nuestras decisiones vitales y a la determinación de considerar la propia existencia como objeto de creación. Y por lo tanto es susceptible de ser inventado, diseñado y decidido.

Ya que el minimalismo se basa en la esencia de los elementos, tenemos que elegir nuestra esencia, en un mundo donde nunca ha habido tantos cambios en tan poco tiempo, tanta información, tanto conocimiento, tantas conexiones entre los seres humanos y tanta creatividad, tampoco nunca ha habido tanta complejidad: muchas más conexiones, muchas elecciones, mucha más dificultad para comprender el mundo, es en donde nuestra esencia debe sobresalir y donde nosotros debemos estar conscientes de esto.

De igual forma se inició en la década de los 60’s el Hiperrealismo. Donde se representan los elementos con exactitud minuciosa e impersonal en los detalles. El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina. Cuando apreciamos una buena obra hiperrealista, vemos con exactitud la representación, debido a la máxima eficacia de esta técnica como modo de producción y método de apropiación de la realidad visible.

Contrasta en parte con el minimalismo, ya se producen en una época donde la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. El apego a la representación exacta normalmente dificulta la apreciación y de un sentido de una imaginación mayor o divertirse cromáticamente, que permita las sugerencias poéticas o dejar a la interpretación las imágenes expuestas.

El origen del minimalismo y el hiperrealismo no habría sido posible si no hubieran existido las bases de la Bauhaus, u originalmente conocida como “La Das Staatliches Bauhaus” (el nombre Bauhaus se crea a partir de la unión de las palabras alemanas “Bau”: construcción y “Haus”: casa) esta fue fundada por Walter Gropius en la ciudad alemana de Weimar bajo el lema de "La Escuela debe-

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BAUHAUS elevarse con el trabajo" esta fue una de las primeras escuelas de diseño, aunque también fue academia de arquitectura y arte contemporáneo en donde se aplicaba un nuevo modo de enseñanza y producción, está ejerció una importante influencia, no solo en la arquitectura moderna sino en todo tipo de diseños.

Entre su origen y principios se encontraba la integración de las expresiones del hombre en las bellas artes, la decoración y el diseño gráfico, industrial y arquitectónico, desarrollando una estética constructiva y funcional que ésta respondiese a las diferentes necesidades de la industria moderna.

Los docentes dentro de la Bauhaus basaban sus enseñanzas en la continua investigación de las formas en todos los campos, está fundamentada en el racionalismo, la armonía y la ausencia de ornamentación. La Bauhaus no surgió de la noche a la mañana, su principal objetivo era como se marcó dentro de su manifiesto de fundación, una utopía de unificar las artes, tanto de forma teórica como social.

La Bauhaus, ha sido una de las escuelas de diseño, arte y arquitectura que ha tenido más trascendencia y ha dejado un gran aporte en estos campos. La Bauhaus fue la primera escuela oficial de diseño, la cual influyó en que se defendía la idea de dejar diferencias entre las bellas artes y la artesanía utilitaria.

En ella se unieron las diferentes corrientes artísticas vanguardistas a la tecnología moderna, ya que buscaban un mayor impacto y oferta de diseño para todos los niveles socioeconómicos. Para esto se establecieron los diferentes principios: · Predominio del carácter funcional del diseño sobre la forma. · Ruptura con los estilos tradicionales y creación de nuevas formas de diseño. · Trabajo conjunto de los artistas y los técnicos.

En la arquitectura influyó y se caracterizó por construcciones rectangulares, con escasa ornamentación. En el campo del diseño gráfico, la escuela de Bauhaus supone una renovación, esta renovación se produce principalmente en los campos de la tipografía y en el uso de la fotografía con carácter publicitario

Así como la Bauhaus contribuyó y creó una gran influencia, esto mismo sucede con el expresionismo, ya que este contribuyó en el diseño gráfico a crear composiciones dinámicas con formas naturales, colores puros y delicados creando un ritmo y armonía. Así el diseñador se enfocaría más en la forma y los colores para ser un poco “informal” en sus composiciones pues el expresionismo es como una actitud estética.

Otra de las vanguardias es el Cubismo el cual fue un movimiento más racional que por medio de formas geométricas y monocromía creaban sus obras. Ellos trataban de romper la visión clásica del arte y por medio de figuras geométricas crear una nueva figuración de los volúmenes en un plano. En contraparte con el expresionismo, ellos rechazaban las actitudes sentimentales.

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POP ART Ellos plantean la obra de arte, la perspectiva, el volumen, el Porque estaríamos encajonados en las leyes de la perspectiva y movimiento, la forma, el espacio, el color, creando una no podríamos apreciar los distintos puntos de vista de un relación nueva entre el receptor y la obra. El receptor ya no objeto a la vez, por ende solamente se crearían diseños más puede observar sin más la obra, sino que tiene que reconapegados a la realidad; en sí se configura el espacio. struirla en su mente para poder comprenderla. Se desliga de la interpretación y la naturaleza, la obra de arte se conviSi no hubiera existido el cubismo no podríamos imaginar erte en un medio de expresión de ideas. las obras surrealistas, el Pop Art y todo el arte abstracto.

Sin embargo muchas personas no entendían el cubismo La desvinculación con la naturaleza se consigue a través y a raíz de esto surge la corriente artística del Pop Art. de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, Mediante mensajes de denuncia e ironía ante las en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la modas y el consumismo, propone generar mensajes visión global de volumen. Ya no existen las gradaciones de visuales con mayor impacto y enfocados a un grupo luz y sombra como tampoco los colores de la realidad. Las objetivo más amplio. Aunque su conceptualización formas geométricas invaden las composiciones. Las no es tan congruente. formas de la naturaleza se simplifican en cubos, cilindros, esferas, pese a las figuras ellos nunca fueron abstractos hoy en día nos damos cuenta que su mayor porque la forma siempre fue respetada. Con el fin de evitar aporte son las actitudes que conducen hacia el todo efecto naturalista y emocional, el cubismo utilizó una cambio u objetivo en relación a la problemátipaleta de grises, marrones, verdes y amarillos, o recurrió a ca de un proyecto de comunicación podemos obras pintadas en diferentes tonalidades de un mismo encontrar una explicación más detallada de color en la primera época del cubismo, después fue más esto en el artículo de Mainguez que dice amplía la gama de color.

“Surgió de algunos artistas como una Al rechazar la perspectiva le dieron prioridad a la línea y la reacción en contra del expresionismo forma. Las ilusiones espaciales y de la perspectiva varían, abstracto, que consideraban que no era observándose a la figura simultáneamente desde diferentendible para la persona común. entes puntos de vista. Una de las principales aportaciones al diseño, fue el collage, con la cual se da libertad de composición, agregándole textura que otorgan significados a los elementos. También al agregarle recortes de letras y palabras, se logra una asociación de formas visuales y significativas. El cubismo aporta al diseño una estructura, la cuadrícula. Sin el cubismo los diseñadores no podrían diseñar paradójicos diseños con formas abstractas.

Pop Art & (Andy Warhol pop).

ART NOUVEAU, EL INICIO DE DESARROLLO Y TRASCENDENCIA.

ART NOUVEAU, EL INICIO DE DESARROLLO Y TRASCENDENCIA. A través de los años hemos visto como diferentes movimientos han influenciado en el desarrollo histórico de la humanidad, las tendencias o corrientes artísticas no son excepción a esto. En el presente ensayo se busca abordar el tema del Art Nouveau o Arte Nuevo y mostrar la influencia filosófica que ha tenido y la huella que ha dejado en la nueva época del diseño gráfico, ya que, más que ser un estilo artístico se le puede considerar como una nueva manera de ver las cosas. Pero ¿Cómo podemos demostrar la trascendencia que ha tenido el Art Nouveau en el campo filosófico y profesional del diseño gráfico?

Como resultado de la investigación y análisis presentado, podemos concluir que el Art Nouveau, busca romper las cadenas con los estilos pasados, por lo cual el diseñador contemporáneo debe tener un criterio responsable, en donde no escoja la tendencia en base a sus gustos personales o por moda sino que se incline por romper los estilos, genere un pensamiento firme y en base a este desarrolle el estilo propio; además cabe recordar, si bien buscamos dejar nuestra marca en nuestros diseños, debemos velar por la funcionalidad de ellos creando así piezas altamente estéticas y funcionales.

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ART NOUVEAU

ART NOVEAU

AUTORES:

Desde los años 1800 hasta la primer Guerra mundial, los países europeos y Estados Unidos fueron testigos del nacimiento de un nuevo movimiento artístico, el Art Nouveau, arte que tomó por inspiración las formas presentes en el mundo natural. A raíz de esto, y en un periodo de constante modernidad, el Art Nouveau según menciona Rosales, M. (2009): “Quiso conseguir una autenticidad en la estética, buscando la manera de hacer arte con lo cotidiano, respetando lo tradicional para hacerlo moderno. Esto influenció en la arquitectura, en la literatura y también en las artes aplicadas como la ilustración, el diseño, la escultura, el trabajo en metal, etc.”

ART NOUVEAU, EL INICIO DE ROLLO Y TRASCENDENCIA.

El término viene desde 1895 cuando Siegfried Bing abrió una galería llamada “ La Maison de L'Art Nouveau” que era una galería para el arte contemporáneo, esto generó una popularización tanto del nombre como del arte en sí (imagen 1). Alcanzó una audiencia mundial, debido a que favorece el consumismo, en especial con las vibrantes artes impresas como periódicos, ilustraciones de libros, carteles o posters (publicitarios e informativos), así mismo en las piezas de joyería.

ART NOVEAU

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Debido a su presencia en todos los países de Europa, el art El Art Nouveau tuvo como objetivo modernizar el arte y diseño, nouveau tuvo diferente nombre en cada región, esto permitió tratando de escapar de los estilos históricos estáticos que que se mantuviera como característica principal la inspirpreviamente habían sido popular. Los artistas se inspiraron en ación en formas naturales y orgánicas del mundo natural, ambas formas orgánicas y geométricas, diseños elegantes y pero cada país utiliza estilos propios de cada región para evolucionados con fluidez, formas naturales con contornos poder mezclar estos con el art nouveau y mejorar el arte en más angulares. El movimiento se ha comprometido a abolir sí. Esto generó un movimiento artístico que buscó siempre la la jerarquía tradicional de las artes, tales como la pintura y autenticidad, evitando las corrientes clásicas y luchando la escultura, para darle importancia a las artes decoraticontra el historicismo de la época victoriana; sin embargo, el vas a base de artesanía. movimiento es una emulación de ideologías y postulados que se fueron desarrollando como antecesores, principalExistían ideales de una liberación por medio de una mente el Arts & Crafts, creando así un nuevo estilo que tenía creación de un arte nuevo que deje atrás la existencomo objetivo la innovación. cia de una diferenciación de clases, ya que pretendía que todas las artes fueran una sola gran Aun así, el Art Nouveau no es el resultado únicamente de arte. Las distintas ramas del diseño se encuenuna historia exclusiva de Europa sino que también es la tran a nuestro alrededor, en todo con lo que nos mezcla de algunos estilos orientales y clásicos que relacionamos día a día, como menciona Mucha: pretendían demostrar un quiebre con lo tradicional y lo viejo.

“Para muchos artistas lo esencial era que el Es por esto que el Art Nouveau se transforma en una corriarte afecta y unificar la vida de la gente, no ente filosófica importante que influye no solo en el arte sino que también en cómo la arquitectura, el mobiliario y el diseño gráfico y de productos.

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Viéndolo desde un punto de vista filosófico, este arte hace uso de muchas formas y movimientos que eran parte del siglo XIX, los artistas de esta época consideraban que todas las artes y trabajos manuales debían ser tomados como iguales, accesibles y todos debían disfrutar del arte como tal: “se creía en hacer arte por el bien del arte” Pasando a discutir las características de movimiento podemos recordar lo dicho por Gaudí en 1880, todo sale del gran libro de la naturaleza; las obras de los hombres son ya un libro impreso.

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ART NOUVEAU sólo en las pinturas de aceite caro en las paredes de los ricos (…), sino en los objetos esenciales de su vida diaria, sus casas, muebles y vasos, los anuncios, cortinas e incluso rejillas de alcantarillado. Incluso puramente objetos funcionales”.

A partir de ciertos estudios botánicos y biológicos se estableció la naturaleza como fuente primaria de inspiración, pretendían romper las cadenas con los estilos pasados, estas líneas fluidas pretenden trabajar como una metáfora para ese rompimiento o liberación de expectativas y críticas. En la contemporaneidad, se observa una tendencia que favorece las líneas rectas y simples. Pero la postura que el diseñador contemporáneo debe ser un criterio responsable en donde no escoja la tendencia orgánica o lineal en base a sus gustos personales y se incline por romper los estilos, desarrollando el propio.

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Según De La Cuesta, M. (2011) el Art Nouveau es: “Una decoración naturalista de abundantes motivos de flores y animales que no eran meros adornos en los objetos, sino el medio para dar la forma.

La función y el uso se convierten así en un placer estético.”

Desde ese entonces, podemos encontrar un registro sobre la importancia que se le daba a crear algo que no solo fuera estéticamente agradable, sino que también cumpliera su función.

ART NOUVEAU

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Moet Le Chardon

En la actualidad, rescatar este pensamiento es darle fortaleza a la carrera, que esté codificado de acuerdo con el grupo objetivo al que va dirigido.

En un mundo cambiante es importante adaptarse a las nuevas tecnologías y estar pendiente de lo que está pasando en el mundo del diseño, el Art Nouveau por su enfoque a la aplicación comercial, le dio su particular atractivo y duradera presencia. A pesar de ser una aplicación del arte, busca también ser comercial y de esa forma satisfacer y permanecer.

Las piezas Imagen impresas que se crearon en esta época son consideradas como los primeros medios de publicidad y propaganda lanzadas, esto dio paso a un medio masivo de comunicación, al ser un tipo de arte nuevo; los artistas se tomaban su tiempo para experimentar esta nueva forma. Las tipografías que se utilizaban eran basadas también en formas florales y eran hechas a mano alzada así como también las imágenes que se realizaban. (Imagen 2)

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principales aportes del ART NOUVEAU Como hemos podido comprobar el Art Nouveau fue una corriente de liberación para el artista, pero ¿cómo podemos decir que influye tan intrínsecamente en el diseñador si es un movimiento artístico y tan natural? El aporte del Art Nouveau en el diseño gráfico resalta un cambio al mundo, el término Art Nouveau ya indica de por sí un espíritu de reforma, rebelión y libertad.

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ART NOUVEAU Nos transfiere esa corriente de pensamiento, no estar conforme con lo establecido y ser curiosos para encontrar nuevas soluciones. Si bien el diseño involucra más análisis que el arte, exige constantemente una capacidad creativa de innovar, crear lo aún no creado; a su vez, el principal objetivo es comunicar a través del arte, saber conseguir y aprovechar la inspiración, para luego crearnos un sello personal, características que fueron generadas por la base del Art Nouveau.

Uno de los pensamientos generados por el Art Nouveau es que el arte o diseño no debería ser analizado con parámetros tan rígidos como la ciencia o las matemáticas sino que nace del alma, pasando por la conciencia y transmitiendo su belleza en la vida. En la actualidad podemos afirmar que gracias a este pensamiento se generan los estilos propios que utilizamos los diseñadores, ya que nos mantenemos en una constante búsqueda de poder generar algo que nos represente, una característica particular que sea la firma de nuestro diseño. Intentamos ser innovadores no solo en nuestro conocimiento sino en lo que producimos como diseño y esta sigue siendo la chispa del Art Nouveau en nuestro gremio de diseño.

Este movimiento y las artes que proliferaron durante esta época abren las puertas hacia la producción industrial y los movimientos de comunicación masiva. Mostrando desde ese entonces el panorama de lo que sería el diseño hoy en día, una rama dirigida a las masas.

La firmeza en lo que creían los pioneros del Art Nouveau los hizo alcanzar la libertad de pensamiento, dejando atrás las expectativas de los demás y de ese modo restarle importancia a las críticas.

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“La censura, hermana de la ambición por el poder, es a la naturaleza humana, lo mismo que la energía es al universo. La última ni se crea ni se destruye, sólo se transforma. La primera nació con el hombre y no se destruirá hasta que el hombre deje de existir. Su supervivencia exige que también se transforme.”

- Ignacio Pérez Álvarez. Universidad de León. España

LA CENSURA REVISTA CAFÉ

La censura ha formado parte de la humanidad desde sus principios; desde antes de establecerse las bases de la comunicación, la censura ya formaba parte de nuestra naturaleza.

Ella ha jugado un papel importante en la evolución y revolución de las sociedades; en todos los anales de la humanidad, siempre encontramos cómo diferentes poderes han establecido un tipo de censura que respondiera a sus ideales. Por esto siempre la hemos visto como la villana del cuento dando pelea a su contraparte, la libre expresión.

L a c e nsu r a , UN ELEMENTO DE DISEÑO

Bonazzi, D. Freedom of speech (imágen2).

AUTOR DE ENSAYO

Pongamos como ejemplo sobre el inicio de la humanidad y la censura, un evento muy importante para los cristianos y qué es universalmente conocido. Al momento de la creación de Adán y Eva, Dios les otorgó el derecho a vivir en el paraíso,

Estrada García, L.L. Cardona Minera, M.J. Montiel López, E.N. López Jeanpierre, S.G. López Guzmán, A.G.Del Cid Alvarez, M.R.

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UN ELEMENTO DE DISEÑO GUATEMALA - 2015

Bonazzi, D. Modern eden (imágen3).

siempre y cuando no consumieran del fruto del Árbol del Conocimiento; en este punto podemos ver, cómo desde el momento en el que aparecen los primeros humanos en la Tierra, una fuerza superior censuró un acto, no estamos diciendo que sea malo o bueno, simplemente estamos exponiendo cómo la historia universal se ha visto envuelto por el manto de la censura.

Pero como ya dijimos antes, juega un papel importante en el desarrollo social, por ra realmente es dañina para una sociedad, o solamente es cuestión de perspectiva. Si una madre prohíbe, a su hijo de 6 años, ver una película con alto contenido sexual o viodo un error al censurar esta película? ¿Está la madre protegiendo a su hijo de información

dañina? La respuesta dependerá de lo que cada lector considere como bueno y malo, y no hay respuestas equívocas, a la que todos los humanos tienen derecho.

Para poder desarrollar el tema de la censura, es casi una obligación para todos los lectores, despojarse de todas las ideas preconcebidas, no solamente de si la censura es un elemento negativo o no, si no sobre todos los tipos de censura a los que previamente hemos sido expuestos, ya que si somos participes de un fanatismo, sea este religioso, político o moral; la lectura de este escrito será en vano y no se podrá realizar un análisis objetivo de lo expuesto. Con esto, primero es importante que manejemos

tener el mismo punto de partida, por ello recurrimos al Diccionario de la Real Academia Española, al ser la máxima representante de nuestro idioma: “Intervención que practica el censor en el contenido o en la forma de una obra, atendiendo a razones ideológicas, morales o políticas.” El mayor problema de la censura es que distorsiona los hechos para poder transmitir otro mensaje o una nueva versión según la conveniencia del productor y ejecutor de la misma.

Al momento de analizar como la censura ha formado parte importante y valiosa en la historia del diseño desde los principios de la imprenta se ha manipulado, tergiversado, y acomo-

LA CENSURA REVISTA CAFÉ

dado las intenciones y producciones del material visual a conveniencia de la parte implicada, ya sea esta por motivos religiosos, políticos, sexuales, de diversidad étnica o social. Con el paso poder en cada uno de los motivos antes mencionados; sumando con esto, que se ha hecho uso intencional de material sensible o se ha restado el desarrollo y evolución del ser humano como individuo, privando con esto al espectador de poder acceder a la información real sin ser manipulada.

La censura de un material visual no siempre suprime la información dejando al interlocutor sin información, sino también se ejecuta para no lastimar susceptibilidades acepte del tema en cuestión, limitando que la sociedad conozca la información real sin manipulaciones.

Aunque podemos mencionar este punto como favorable para la censura este puede confrontarse ya que como seres humanos adaptables, evolucionados y desarrollados no podemos aceptar que una parte de las personas no simpatizantes sobre un

vo ya que como tal, no es mala, simplemente se ha utilizado de la manera equivocada y por lo tanto se tiene un punto de vista negativo sobre ella, por lo cual es importante que “el poder” y la sociedad aprendan a ocuparla y analizar en dónde sí se debe aplicar y dónde no, para que así, el criterio de análisis sea más amplio y no nos quedemos con una sola visión de las cosas siendo conveniente a una parte de la historia global.

suprimir cualquier material, porque esto nos hace parar y retroceder como humanos, como sociedad, como país, como planeta, que se confronta a temas tabúes que son de contenido ofensivo según lo que se conozca y

Actualmente, la sociedad medios masivos de comunicación; Jaén, J. Ocultar (imagén4). 23 julio 2014

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UN ELEMENTO DE DISEÑO GUATEMALA - 2015

siendo este el punto de partida desde el inicio de los tiempos donde los diseñadores se han enfrentado a la censura del material visual, debido que aunque el tiempo se ha transformado y cambiado para que todos los individuos sean libres expresando sus pensamiento e ideales; siempre este material es censurado a partir del criterio de ciertas personas que consideran que el contenido de los medios es inapropiado para su difusión. Una característica importante

debe de conocer acerca del cómo los medios son censurados y como se cambia la información según sea la conveniencia del emisor.

Un gran paso para la libertad de expresión fue la Revolución Industrial ya que en esta época Europa estaba sometida a la censura y a las voluntades de los soberanos, por lo que la políticos y la iglesia tienen en esto, ya misma se derivó en una Revolución que en caso de que algún medio de Liberal creando una iniciativa individual que limita a la intervención del vulgado en la sociedad hable mal de estado y de los poderes públicos en ellos o de sus intereses, estos tienden la vía social, económica y cultural de a eliminar o suprimir este tipo de inla sociedad. Si este evento no se huformación, presentando con ello una biera llevado a cabo, si la libertad de realidad manipulada según intereses expresión no hubiera sido convertida propios; es por ello que la sociedad en un derecho innato, las sociedades no podrían haber evolucionado de la manera en que se permitió todos los avances tecnológicos, artísticos y sociales, a nivel mundial.

Este fenómeno también se pudo observar en 1881, cuando una nueva ley francesa permitió eliminar restricciones de censura logrando que los carteles de los artistas y diseñadores de la época pudieran ser expuestos y por ende vistos por cualquier persona no importando su nivel de clase social. La popularización del cartel que aumentó las ganancias de diseñadores e impresores, en la época del Art-Nouveau con nuevos aires al mundo del arte, rompiendo con los existentes.

LA CENSURA REVISTA CAFÉ

lla sus elementos esenciales en los años 20 y llega a obtener su

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conocimientos desarrollados en tecnología, psicología, sociología, lingüística y comercialización, el objetivo del diseñador deja de ser la creación de una obra artística suprimida por la censura y pasa a que se evidencia entre los años 20 y los años 80 muestra la evolución y revolución que se evidencia desde una actitud que enfatiza lo estético y la libertad de expresión que se concentra en todo lo que sea material comunicacional.

Pero es también durante esta época donde se puede ver claramente a la censura, siempre como un elemento controlado por fuerzas políticas, ya la religión en este momento se mezcla con las ideologías de líderes políticos, creando una fuerza aún más difícil de combatir. Y el aumento de la demanda de carteles en casi todo el mundo, que desde que existe este diseño como tal, se ven afectados y manipulados por fuerzas políticas, generando como en casi todo lo tocado por la censura, una ruptura entre lo negativo y lo positivo. Se muestran estas dos tendencias en el diseño; un diseño censurado por sus líderes, pero también empieza a crecer el número de diseñadores y artistas que buscan romper con esta censura y expresase libremente, sin importar las repercusiones.

En España, durante la época Franquista a principios de los años 40; una gran cantidad de dos. Los motivos de estos cambios radicaban en tres características importantes: difusión de ideas políticas ajenas al sistema, muestra de posturas religiosas y la más común: el uso de mensajes “sexuales”. Y muchas celebridades, sin importar su nivel de fama mundial, eran afectadas por la censura, si la imagen que transmitían era demasiado provocativa.

Otro ejemplo de la censura, pero desde un aspecto negativo-positivo para el diseño Polonia durante los años 20, en un período entre guerras logra desarrollar su estilo cartelista con ya desde el siglo XIX, Polonia, Varsovia y Cracovia raban como entes culturales y artísticos. Es durante la Segunda Guerra Mundial que la Escuela Polaca debe cambiar el rumbo de sus carteles y convertirlos ses políticos que regían en estas ciudades.

Es después de la Segunda Guerra Mundial, a partir de los años 50, cuando Hollywood empieza a cobrar tan impor tante como la película misma para su promoción.

Pero al momento de llegar a Polonia con una industria cibuscan una nueva forma de adaptar estos carteles para que no rompieran con la censura ya establecida, pero que siempre se mantuvieran las características de los carteles polacos, el minimalismo, y es de esta forma en que la creatividad, en lugar de limitarse por la censura, forma parte importante junto con los otros elementos visuales, para la recreación de los carteles hollywoodenses, atrayendo la atención de nuevo sobre los artistas polacos.

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UN ELEMENTO DE DISEÑO GUATEMALA - 2015

siglo XX, la censura del racismo fue muy pronunciada ya que en ese siglo se empezó la lucha por la igualdad del género humano, en siglos anteriores era muy común la discriminación a las personas por su color , preferencia sexual o nivel económico, que nes que hoy en día en países desarrollados ya no se observa. Pero que siguen siendo temas susceptibles en la mayor parte del mundo.

En la actualidad la censura es utilizada para suprimir la realidad por la que está viviendo la sociedad, pero los diseñadores de hoy en día están más conscientes de los diseños que pueden ser censurados, sin embargo, son más atrevidos y apelan a los sentimientos del público que esperan encontrar una pieza que muestre “la verdad”.

Pero a pesar de este tipo de diseñadores y artistas que no tienen miedo de los líderes, hay algunos que se deben enfrentar a otro miedo, y es al de “la mano que les da de comer”; el miedo a perder un trabajo y la situación económica en la que se encuentren, son factores importantes al

momento de cortar su propia libertad de expresión, existe el miedo de que a los patronos no les guste el trabajo, y muchas veces se opta por mejor hacer lo que se pide, y no lo que se debe. Creando nosotros mismos un nuevo tipo de censura, que no existe realmente, pero igual de peligrosa si no se controla. Actualmente combatir todos estos tipos de censura, se ha visto favorecido gracias a la propagación de las redes sociales, nos permiten conocer diferentes puntos de vista, sociales, culturales, religiosos, políticos, morales; de una manera inmediata y limitando la censura de estos. Aún falta mucho para eliminar la censura negativa en el mundo, pero gracias al internet, se está aún más cerca de alcanzar este objetivo.

una idea personal que permita apoyarnos en nuestro planteamiento, pero también rees parte de la libre expresión a la que cada individuo tiene derecho. No buscamos dar respuestas, sino plantear dudas que converjan en la auto-investigación sobre este tema que creemos

co en todas las sociedades y principalmente en un país como el nuestro, que si bien no se vive en una dictadura política, existe un gran porcentaje de cencomunicadores visuales, es nuestro deber y obligación tomar esta limitante, considerada un elemento negativos, y convertirla en un estimulante para el pensamiento creativo.

Como ya dijimos en un comienzo, la censura ha estado de la mano de la humanidad desde sus comienzos, por esto es que es un tema tan extenso como la historia universal, y la intención de este escrito no es dar a conocer todos lo detalles de este ideas principales que colocan a la censura como un enemigo de la comunicación, pero también como un aliado de la creatividad; y que de esta manera cada lector se forme

Fabrica. Bennetton:Unhate, China-USA (imagén5). 2012

Evolución de la

Tipografía Desde 1700 hasta la actualidad • Edad moderna • La revolución industrial • La tipografía para una época industrial • Siglo XIX • 1990-1918 • 1920 • Siglo XX • Siglo XXI

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Evolución de la tipografía

desde 1700 hasta la actualidad

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Evolución de la

tipografía

Edad moderna: El Barroco fue un periodo de la historia en la cultura occidental, produjo obras en el campo de la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música, y que abarca desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente (Siglos XVII y XVIII). Si el Renacimiento se caracterizaba por una vuelta a lo clásico, ala armonía y al gusto por lo sencillo, en el Barroco todo esto se llevó al extremo, con composiciones más complicadas, obras pictóricas y esculturas con estructuras colosales, ostentosas y recargadas. Era una época de riquezas y opulencia.

La revolución industrial: La revolución industrial tuvo un impacto dramático en la tipografía.

Los tipos hechos por Bodoni y Didot se adaptaron a la naciente industrialización, las líneas delgadas se convirtieron en gruesas al disminuir el contraste del trazo para soportar mejor las exigencias de la impresión. No duraría En 1796, el músico alemán AloisSenefelder inventa en Munich, casi por azar, la litografía.

Con ella acababa de nacer el tercer procedimiento de impresión que, dicho sea de paso, despertó un interés muy relativo en Inglaterra, cuna de la posterior revolución industrial.

Este proceso tecnológico lleva un cambio

Evolución de la tipografía

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desde 1700 hasta la actualidad

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Evolución de la tipografía

desde 1700 hasta la actualidad

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AUTORES •Claudia García •Jázmin Miranda •Katia Pinto

•Sindy Rosales •Lidia Lam •Vernie Quiquivix

John Fell (1625-1686) fue el principal precursor de las nuevas corrientes tipográficas que hubo en Inglaterra.

Supervisó el trabajo de la recopilación de fuentes que sirvieron para la fundación de las Prensas de Oxford allá por el siglo XVII y que reciben su nombre: FellTypes.

La preocupación de Fell por la composición y el diseño era tal que decidió encargar la tarea a maestros holandeses en vez de dejarlas en manos de los ingleses, que consideraba como padres de todo tipo de equivocaciones tipográficas. Tomando como ejemplo los caracteres de Robert Granjon, las tipografías Fell sirvieron para la composición de todos los títulos salidos de las prensas de Oxford durante un siglo.

Evolución de la tipografía desde 1700 hasta la actualidad

Respecto a las tipografías, a este periodo se le suele denominar “de transición”, aunque es cierto, hubo aportaciones que tanto prepararon el camino al Clasicismo como enriquecieron los ya existentes. Holanda, Inglaterra y Francia jugaron un papel muy importante en el desarrollo de los tipos de transición. La tipografía barroca destaca por un acentuado juego de ejes y contrastes irregulares que impregnan el texto de gran viveza.

Evolución de la tipografía

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desde 1700 hasta la actualidad

La tipografía para una época industrial

El grado más alto de igualdad que se inició a partir de la revolución francesa y americana, trajo consigo un mejora:Con el surgimiento de la Revolución Industrial un gran número miento en la educación pública y, por tanto, la posibilidad de personas dejaron de laborar las tierras y buscaron empleos de leer y escribir, por lo que el público lector, consecuenen las fábricas y gracias a esto las ciudades crecieron rápidatemente, aumentó. Este periodo inestable con contimente y hubo una distribución más amplia de la riqueza. nuos cambios se caracterizó por una mayor trascendencia y disponibilidad de la comunicación gráfica.

La inversión de capital en máquinas para la fabricación masiva, llegó a ser la base del cambio industrial y del desarrollo. Se Las artesanías desaparecieron casi por completo. estableció un ciclo de producción en espiral. La demanda de La unidad de diseño y producción que tenía un aruna población urbana que crecía rápidamente y poseía gran tesano llegó a su fin. poder de compra, estimuló las mejoras tecnológicas. Esta circunstancia facilitó la producción en masa, lo que produjo Este siglo dinámico, exuberante y a menudo un incremento en la presencia de productos disponibles en el caótico, presenció un desfile vertiginoso de mercado, y la reducción de costos. nuevas tecnologías y de formas imaginativas y expandió las aplicaciones del diseño El progreso vertiginoso de la Revolución Industrial no se reagráfico. lizó sin costo social. Esta enorme fuerza de trabajo de hombres, mujeres y niños, a menudo era fuertemente recortada; algunas de las causas que provocaron esta situación eran la sobreproducción anticipada (con el consecuente almacenamiento de mercancía o la saturación del mercado), el incremento desmesurado en los costos de la materia prima y la incapacidad o la avaricia de los patrones para comprarla, las crisis comerciales, el fracaso en los negocios, los errores de los bancos y la pérdida de la fuente de trabajo, ocasionada por el desplazamiento de la mano de obra humana por nuevos adelantos técnicos. Sin embargo, en lo que cabe, el nivel de vida de las personas en Europa y América mejoró notablemente durante el siglo XIX. Los críticos de la nueva era industrial pensaban que la civilización estaba cambiando los valores humanos por el interés económico.

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Siglo XIX

desde 1700 hasta la actualidad

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A lo largo de la historia la tipografía ha tenido múltiples usos y connotaciones, pero es en el siglo XIX donde sufre más cambios, y aunque dichos cambios fueron opacados por los convulsionantes sucesos que el mundo vivió en esa época, la importancia de la tipografía como instrumento que comunica y expresa no nos puede dejar indiferentes.

A comienzos del siglo la sociedad aún estaba en proceso de adaptación a las novedades que la Revolución Industrial dejó a su paso. Entre estas la inversión en maquinaria para la producción de bienes materiales en masa dio paso a un sistema Capitalista. Dentro de este proceso comienza a incrementarse la demanda de materiales impresos, tales como periódicos, carteles y publicidad.

Las tipografías existentes ya no cumplían su función comunicadora, ya que los materiales impresos llegaban a un público mucho mayor, sediento de conocimiento e innovación. Sumado a esto las antiguas tipografías eran muy complicadas de reproducir en los nuevos métodos de impresión.

Por estas razones los tipos evolucionaron a unos de palo grueso y serif recto, mucho más simples e impactantes.

La comunicación visual, principalmente en países como Inglaterra y Rusia, tomaba provecho del espíritu Nacionalista y Romántico de los pueblos para hacer llegar mensajes con alta carga emotiva a favor de los ideales políticos y culturales.

La variedad de estilos de tipos que fueron creados en el siglo XIX tiene que ver con la dualidad de los pensamientos, tendencias e ideales que la sociedad fue adaptando.

El Romanticismo fue una corriente caracterizada en la ruptura de estereotipos y de la liberación del ser, se fundamentaba en los sentimientos y el carácter liberal de las revoluciones. En contraposición se encontraba el Neoclasicismo movimiento severo, poco emotivo, que recuerda a los estilos romano y griego “glorifica las grandes virtudes de la antigüedad, acepta el paganismo y agrega la ciencia a la emoción..” Por su parte se encontraba el Realismo, el tema principal de este movimiento fue la vida cotidiana de la vida de las personas de clase media.

Cada uno de estas corrientes o movimientos dieron paso a una gran carga creativa, tanto en diseño, pintura, arquitectura y literatura. Tomando los ideales puros de dicho movimiento o incluso combinando sus características.

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desde 1700 hasta la actualidad 1990-1918 La tipografía fue avanzando al igual que cada uno de los movimientos artísticos que se manifestaban en la época algunos, como los futuristas, los dadaístas, los constructivistas.

Se adoptaron nuevas formas abstractas en distintas variaciones como tipografía en blanco y negro que fue una de las primeras abstracciones en el mundo de color. El hombre moderno ha sido absorbido por una masa de material impreso que, lo haya solicitado o no, le es entregado en su buzón o al atravesar las puertas de su casa.

En un principio, los impresos de hoy se diferencian de los antiguos menos en la forma que en la cantidad. Pero a medida que la cantidad se incrementa, la forma a su vez empieza a cambiar: la velocidad con la que los modernos consumidores de impresos deben absorber estos hace que la forma de los impresos deba adaptarse a las condiciones de la vida moderna.

La esencia y desarrollo de la tipografía en este período de tiempo, buscaba la claridad y legibilidad en cada letra; cuya claridad no tiene nada que ver con el alto nivel que se requiere hoy en día. Esta extrema claridad es necesaria hoy porque las múltiples cantidades de impresos que reclaman nuestra atención, requieren una gran economía de expresión.

Un estilo fue el dadaísmo, que defendían el absurdo, la provocación, la incongruencia y la contravención como base de la creación artística. Se manejaba de manera clara, con variaciones de tamaño y posición; el expresionismo buscaba la reconstrucción de la realidad, la relación de la expresión literaria con las artes plásticas y la música y la expresión de la angustia del mundo y de la vida, la tipografía emplea las palabras escritas como un mero añadido y no como el punto central de la representación artística.

El cubismo juega con la descomposición de elementos utilizando la tipografía como un medio favorable; el futurismo buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales, la tipografía sobresalía de manera clara y directa en el mensaje con variaciones abstractas.

Estos movimientos, creados para romper con todo, abren una nueva puerta al diseño gráfico y en especial, al diseño tipográfico y al uso de éste, pues revaloriza el alfabeto clásico usado tradicionalmente como mero transmisor de palabras para transmitir sensaciones o comunicar.

Estas vanguardias llegan hoy a nuestros días y las asimilamos como parte del decorado urbano en el que nos vemos inmersos, en los carteles publicitarios, en la televisión, internet, en la calle…etc.

Hoy día no lo apreciamos, pero no es más que la evolución de estas vanguardias que en su tiempo rompieron el modelo establecido abriendo la puerta al “todo vale”.

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Evolución de la tipografía

Siglo XX hasta la actualidad desde 1700

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Durante la segunda mitad del siglo XX se empezó a utilizar el término sociedad de masas, que hacía referencia a cualquier sociedad dominada por la cultura de masas, los medios de comunicación de masas, la sociedad de consumo de masas y las instituciones impersonales de gran escala. Este término surgió a partir de que la revolución industrial, “masificó” las producciones debido a la industria.

Con la neo-marxista Escuela de Frankfurt, la sociedad de masas se vinculó a la sociedad de individuos alienados, unidos por la cultura industrial que servía a los intereses del capitalismo. Pero por otro lado, siempre hay excepciones, individuos que quieren salir del corriente donde se ven estancados. Sin embargo, las excepciones también forman parte de un conjunto. Bell dice que, la sociedad de masa se trata de una sin un hilo central y que es la variedad la que la conforman. Por lo que podemos deducir que la sociedad de masas está conformada por la variedad.

Así pues podríamos intuir que, esta sociedad de masas, luego lo que produjo fue una necesidad de “ser único” o diferente, con lo que constantemente surgen cambios, de tendencias y de ideologías.

De esta manera surgió la revolución o diversas revoluciones digamos, como lo es la Revolución cultural, de los sesenta la cual se inclinaba a la crítica social: Hippies, feministas, movimiento negro, etc.

El prestigio de los intelectuales cercanos al marxismo al existencialismo o al estructuralismo era muy alto en las universidades. Existía una gran crítica social.

Por otra parte el papel de los medios de comunicación fue muy destacado: por primera vez en la historia existía la posibilidad de llegar a un gran público con imágenes de televisión.

Siglo XXI Todos los acontecimientos del siglo XXI, los cambios sociales, políticos, climáticos, etc; también exigen cambios en la comunicación perceptual y visual, influenciando a la tipografía. Se han creado eco-tipografías, las cuales están “perforadas” en las astas para el ahorro de tinta. Hablando de diseño se han creado un sinfín de nuevas familias tipográficas.

Ahora el diseño está teniendo más renombre, ya que la información puede llegar a muchos rincones del mundo, y es así como se actualizan y se atreven a intentar producir diseño, estudiar diseño. La tipografía como medio de expresión se puede ver en el vandalismo, en el grafiti y sus letras abstractas para crear mensajes entre ellos, y ahora que está de moda el “lettering” que consiste en la caligrafía con pincel, pluma o algún intrumento similar, eso último se puede ver aplicado para portadas de álbumes de música, campañas deportivas, campañas de comidas, etc.

APORTE Y TRASCENDENCIA FILOSÓFICA del ARTE POP EN LA CULTURA VISUAL

© ANDY WARHOL

36 Pop art En cuanto a las técnicas empleadas, esta corriente buscó mezclar diferentes objetos y elementos aplicándoles diferentes texturas y una paleta de colores puros, fluorescentes brillantes y encendidos que contrastaban de gran manera, que desafiaban lo tradicional, acabados llamativos eran característicos del pop art. Como técnicas de realización era común utilizar desde silkscreen, o serigrafía, que es un método de impresión de patrones por medio de presionar pintura sobre un tipo de maya o película delgada hacia papel o tela, hasta el empleo del óleo. Sin embargo también se hizo popular la producción masiva, mostrando ironía e irreverencia ante una nueva sociedad de la industria empleaban fotografías y collages.

“En sus obras los rasgos expresionistas se eliminaron de manera progresiva hasta reducir su trabajo a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, que hacía evidente el mundo del consumo.”

(Pop art 2010).

Las técnicas utilizadas son de yuxtaposicion de varios elementos, como la cera, óleo, pintura plástica, junto con materiales de desecho como fotografías, trapos viejos, collages, y assemblages. Esta corriente se sirve de objetos industriales principalmente como los carteles, embalajes etc. Utiliza también imágenes populares con una diferente perspectiva que logra una postura estética o una crítica acerca del

© Lobo Pop Art consumismo, así también se hacen presentes elementos retro como nuevos que son muy característicos de la post-modernidad. Esta corriente presentó además esculturas, tiras de comic, latas de sopa, etc. Se utilizaban materiales como el poliéster, la pintura acrílica, y la goma espuma como elementos para realizar piezas, las cuales iban cargadas de ironía e irreverencia frente a la sociedad que cada vez era más industrializada. El mecanismo que utiliza fundamentalmente este movimiento es la serigrafía,

37 Pop art

POP ART “debido a la evolución de técnicas, aquellas muestras alcanzaron la máxima despersonalización, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, con esta tónica de trabajo reprodujo sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea.” (Pop art 2010).

Utiliza un material símil, que es una fina malla que la pintura logra atravesar para plasmar sobre papel o tela, la pintura se aplicaba en tonalidades contrastantes y llamativas. La malla para la serigrafía y el papel deben ser fijados a un marco para asegurar que no se muevan durante el proceso de impresión.

La tinta es colocada en el marco sobre el borde inferior y aplicada a la malla usando una escobilla de goma para obligar a la tinta a pasar a través de cada uno de los orificios abiertos de la malla. Esta forma de impresión era importante, ya que dotaba de imperfección a lo estético, reafirmando que el arte pop es humano, irreverente y rebelde. Como característica del pop art se presentaban los patrones con imágenes o símbolos estilizados o sin expresión, para esto se utilizaba la técnica del sellado acompañado de la serigrafía. Las técnicas artísticas de serigrafía para la creación de un patrón incluyen el sellado de áreas que no puedan ser coloreadas con la tinta. Cada vez que una tinta de color es aplicada sobre una pantalla, se debe utilizar una nueva malla. Las áreas de la pantalla que no deben ser coloreadas por una cierta tinta pueden ser selladas manualmente o a través de un proceso químico. El proceso de sellado manual se realiza mediante la unión de esténciles de papel o de papel de aluminio sobre la pantalla para evitar que la tinta penetre estas áreas.

38 Pop art Las primeras técnicas de serigrafía para el arte pop utilizaron tinta los elementos generales de este arte fueron de alcance a nivel de una a base de aceite. En las técnicas modernas se utilizan más común“cultura” particular. mente tintas a base de agua las cuales son menos tóxicas que sus homólogas que están hechas a base de aceite. La técnica original “El Pop art, al inspirarse en las imágenes de la publicidad y al ser ovade serigrafía requiere que la pantalla de la malla sea fabricada cionado por un público de masas, encantado de reconocer objetos partir de la seda, pero las pantallas de serigrafía que se fabrican corrientes en los cuadros y de ahorrarse el esfuerzo que representactualmente están hechas con materiales sintéticos más baratos, aba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, se como el nailon y poliéster. vio en una situación que hacía difícil comprender su carga de ironía y de ambigüedad.” (El Arte de las Vanguardias, 2013). La Los patrones son creados en la serigrafía mediante el uso de meconstante aplicación de imágenes que las personas veían en dios tonos para simular alteraciones en el color sin tener que sus alrededores y en las calles generó una tendencia a acatar usar diferentes tintas o cambiar las pantallas. La técnica de memás los espacios personales y cotidianos para tener estétidios tonos varía la distancia entre los puntos de color que son ca. La fascinación que ejerció sobre todo en los estadouniforzados a atravesar la malla con tres propósitos principales para denses fue tal que la serigrafía. En primer lugar, es para crear tonos de un color o de color para teñir los espacios más grandes que quedan entre los puntos de color para suavizar la sombra sin tener que cambiar las tintas. El segundo uso de medios tonos es para graduar a un color desde oscuro a claro mediante el aumento de la distancia entre los puntos de color sobre la pantalla de serigrafía.

Por último, mediante la colocación de bloques de color y la superposición de medios tonos crean la ilusión de que diferentes colores pueden ser creados dentro de un diseño serigrafiado estampado.

El nacimiento de esta tendencia fue a partir de la necesidad de contar historias propias de las sociedades establecidas en la época e inicios de los años 50, cuando al entrar a la Guerra Fría, muchas de las culturas habían requerido cambios. La desolación vivida a través de la Segunda Guerra Mundial fue devastadora y dejó un espacio de intercambio que solo se podía ejecutar a través de las artes. La influencia de las inteligencias de diversos países logró converger en una forma que no fue idónea: el expresionismo abstracto. Es por eso que © ANDY WARHOL

39 Pop art desbordó los estandartes en cuanto a ejecuciones artísticas en espacios públicos, además de nostalgia por las influencias de su juventud, del desasosiego para ejecutar sus tareas y lo que era congruente en las vidas de todos.

elemental para distribuir la influencia visual que se veía deteriorada dadas las circunstancias de estos años. “Por otro lado, la elección deliberada de objetos manufacturados para figurar en sus cuadros, y la insistencia realista en el mundo que nos rodea, no significa falta de imaginación ni de creatividad en los artistas Pop.” (El Arte de las Vanguardias, 2013).

El pop art ejerció una influencia de igualdad en materia de memorias objetivas. Era una memoria colectiva y evidenció lo fácil Asimismo, vale la pena tomar en cuenta que a pesar de ser una que se concebía con anterioridad lo que se tenía en el entorno; contramanifestación artística contra el expresionismo abstracto, en los espacios de trabajo, en los hogares y en las escuelas, se por sus influencias específicas sobre las sociedades intelectuales, frecuentó el análisis sobre las ejecuciones que ayudaran a esel pop art generó piezas de arte de gran escala. “El fenómeno se tereotipar las mentes con ideales de infancia. pareció (también) al primer Dadá, sobre todo por utilizar elementos recuperados que eran triviales y aestéticos.” (Hernández, Se enfatizó el estudio de los materiales y las composiciones 2013). Es así como el pop art se convirtió en una manera de recuque se podían crear al mezclar diferentes aspectos referperar elementos estéticos de los medios de comunicación que por entes al arte, como el color, el estilo, la composición y entonces distribuían masivamente la información, (televisión, rael diseño como tal cobró inspiración en la publicidad dios, carteles, mupis, etc.). masiva del entonces. La resultante de apoyarse en la aparición y ejecución a través de elementos y persoEn consecuencia, podemos afirmar que de hecho, el hilo connas influyentes en la forma de pensar y actuar, fue ductor hacia el concepto que se manejó con el Pop Art, fue no enfatizar el arte como tal, sino las actitudes que lo conducen. Ver todo lo complejo como un solo ente que obedece a una estructura informativa basada en las imágenes que nos rodean constantemente. El pop art obedece a los impactos visuales que ocurren todos los días, y que en esos días respondían a reivindicar el papel de los medios y virar la cabeza hacia donde no existía la ira, rencor, agravio (por las guerras desatadas) y falta de trascendencia en la manifestación artística.

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40 Pop art Inició como un movimiento que surge a raíz del intelectualismo y al ser ovacionado por un público de masas, encantado de reconocer marcado en las personas que discuten y exploran el expresionobjetos corrientes en los cuadros y de ahorrarse el esfuerzo que repreismo abstracto después de la Segunda Guerra Mundial y en los sentaba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, se albores de la Guerra Fría. “Es un movimiento que subraya el valor vio en una situación que hacía difícil comprender su carga de ironía iconográfico de la sociedad de consumo”. (Arte Siglo XX: Arte y de ambigüedad.” (El Arte de las Vanguardias, 2013).

Pop, 2010.) El movimiento desarrollaba en base a elementos inequívocos de las grandes urbes, como productos y personajes Como explica Luis Fernández, “la filosofía Pop representa dos emblemáticos que formaban los ideales de belleza y calidad en la cosas: una filosofía exotérica y una filosofía que piensa a través época (y algunos lo siguen haciendo). Del mismo modo, el arte de objetos de la cultura pop”. (LDFLounge, 2011). Básicamente, popular revistió la utilización de la propaganda para publicitar se refiere a que es apta para cualquier persona, debido a sus estos espacios que además de vender productos y personajes con influencias de elementos vulgares y clásicos, pero también un fondo de ideas, vendían arte. que no piensa en los elementos como tales, sino a partir de El enlace se encontraba en los medios publicitarios masivos, con los que algunos de sus principales precursores, como Andy Warhol, llevaban una excelente relación. Es pertinente además, recalcar que el papel del pop art se desenvolvió, no a costas del arte en sí, sino de su fondo y lo que llevaba a su realización.

ellos. Para estudiar los componentes del Pop Art, debemos conocer las bases del Pop, que fuera de cualquier estilo y estética, se basan en principios de cultura y desafío al intelectualismo.

¿Qué es real? Influenciada por los desafíos de los estudios frecuentes en lo asociado a las lenguas, ciencias Es un arte completamente citadino; “utiliza las imágenes conoexactas y economía, el arte desafía las tendencias, cidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o creando a partir de lo existente, una nueva corrialcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo.” (Arte ente que nubla lo poco convencional con nueva Siglo XX: Arte Pop, 2010). Por esta razón, utilizar cualquier manera de vender productos y publicitar casi material y composición era válido, ya que era un tributo a la cualquier cosa susceptibilidad de encontrar belleza en cualquier objeto de consumo: plásticos, papeles, cartones, latas y envases de vidrio y plástico.

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Gracias a su facilidad de lectura y asociación inmediata con los entornos de las grandes urbes, la esencia superficial de sus obras respectivas tomó aún más auge cuando fue apreciado por un público por demás vulgar. Vulgar en términos de popular, como el mismo nombre denomina, y no solo por no ser intelectuales. “Al inspirarse en las imágenes de la publicidad

41 Pop art “ir en contra de todo idealismo o metafísica, a favor de la vida cotidiana... empleando canales masivos de comunicación.” (LDFLounge, 2011).

de uso cotidiano. Asociada a la condición filosófica tradicional, podemos hablar de que nos representa el mundo, la verdad y la subjetividad. Como cultura de masas, se apropia del “lenguaje ordinario”, además de

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Como arma de marketing, infunde una nueva manera de solventar los problemas esenciales de las marcas y la forma de ofrecer y vender sus productos a una nueva etapa económica que abolía el trabajo manual y trataba de salir adelante con la innovación a través de la hidráulica y mecánica. La cultura pop es un estandarte para tener ideas y generar herramientas de contrabandeo de maneras y artes de vivir a fin de ser realmente plurales y libertarios. “El pop desarrolla sus propuestas a partir de la desacreditación de imágenes tomadas de la cultura de masas. Se fundamenta en la idea de que las pantallas cinematográficas, las excesivas reproducciones y popularización de las obras maestras han modificado los hábitos visuales contemporáneos.” (Ayala, 2012).

Es por eso que se reconcilia el lado vulgar y ligero con el de los bienes de consumo, brindando estética a cualquiera que sea el producto. Se concentraba en verificar todos aquellos elementos que parecían faltos de atención, y hasta cierto punto, que quedaban fuera de los límites del arte. No creaban algo del vacío de sus canvas, más bien tomaban las esencias fundamentales y tomar esas imágenes para concebir nuevas.

La cultura pop no desarrolló una tendencia, escuela o tradición, sino más un enfoque de cómo hacer filosofía. Enfocar todo a lo popular y ver a partir de lo objetivo, lo más singular de lo subjetivo e individualista. El evidente

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42 Pop art odio al objeto, causó desenfrenadamente que se pudiera utilizar cualquier elemento que, ya fuera unido a otros mediante collages o utilizado de forma repetida, causara una revolución visual. Descontextualizar es quizá el mejor término para desambiguar la cultura pop, que desarrolló una nueva forma de interpretar lo esencial; lo cotidiano.

Podemos hablar, además de su base filosófica como la desarticulación de los objetos. Buscar una nueva perspectiva y posición respecto de un elemento específico. “Cuando lo superficial deja de ser una característica trivial para convertirse en un cumplido, habrá que poner en duda los principios estéticos que la modernidad proponía para involucrarse con otros, que tienen que ver con una forma más inmediata de ver las cosas. La transparencia pura (puritana) ha sido reemplazada ahora por la veladura, el significado por el sentido, la esencia por la presencia y la profundidad por la intensidad superficial.” (Ayala, 2012).

La superficialidad de los elementos estudiados para poderse colocar en un orden aparente de jerarquía visual en contraste con colores planos, brindaba una estética aparente para toda la sustancia de lo material. La sociedad sabía que vivía manipulada por la opulencia, y que todo producto que se le vendiera como arte igual que publicidad, podía ser una intervención visual.

“En el ámbito de la cultura popular, en el que se inscriben la mayoría de los productos mediáticos, ha prevalecido una visión técnica de sus objetos desde que teóricos como Adorno y Horkheimer sentaron el juicio dominante sobre la sociedad de masas y la cultura que le es propia mediado el siglo XX. Hablamos de “técnica” en el sentido que Aristóteles dio al término téchne.

Que los contenidos populares y los medios

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43 Pop art cultura. Son un producto más de mercado. tecnológicos que los difunden sean medio para unos fines socioeconómicos preestablecidos, como postularon los teóricos de Frankfurt, El respaldo presentado por el arte pop fue la creación de una nueva significa que, en su calidad de artefactos o cosas fabricadas, hechas, cultura tendenciosa, con enfoque mercadológico y desarrollo de objetos de una acción técnica, deben responder eficazmente al fin productos desde lo más elemental, preparando el camino a una para el que fueron confeccionados: reflejar e incluso simular idepersonalización del humano como usuario y no solo como conológicamente los intereses, ideas, afectos, creencias o modos de sumidor. La intelectualidad se cambió por expresión pero con un vida de la sociedad capitalista que los consume. (Luengo, 2011, fondo estético y manejable a favor de la revolución de las ideas.

65).

Este movimiento que surgió en Londres, que celebraba el consumismo a diferencia de la cultura elitista de las bellas artes, fue una de Luego de este repaso en el estudio de la filosofía que aportó las corrientes probablemente más rebeldes e incomprendidas en la el arte pop en las sociedades de consumo, encontramos que historia. Se basa en temas sociales, como la sexualidad, el consufinalmente no todos los productos de la industria cultural mo, la industrialización, y la fama, pinturas famosas de Marilyn respondieron plenamente a la categoría de bienes de conMonroe, y Elvis marcan esta corriente. Sin embargo algunas piezas sumo, ya que no llegaron a consumirse. Se idolatró la lata tienen un pensamiento un tanto más banal y aparentemente sin de Warhol, se teorizó acerca de todo lo que hablaban los valor, utilizando objetos de uso diario o cotidiano, objetos únicos intelectuales y personajes de la época. El arte terminó como una famosa lata de sopa. El uso del collage es característiconsiderándose como un medio para los fines materico del pop art, donde combina fotografía, pintura, objetos reales ales de la sociedad moderna, invistiendo a las formas etc. aplicándoles colores vivos y llamativos y diferentes texturas. populares de un significado ideológico, por ayudar Esta corriente presentó además esculturas, tiras de comic, latas a enfatizar todo lo inherente del arte, mas no a la de sopa etc. Utilizando materiales como el poliéster, la pintura acrílica, y la goma espuma como elementos para realizar piezas, las cuales iban cargadas de ironía e irreverencia frente a la sociedad que cada vez era más industrializada. En la actualidad existe una tendencia por usar obras clásicas del pop art en playeras y posters decorativos, principalmente para ambientar escenas con un denominado “estilo retro”.

TIPOGRAFÍA CONVERTIDA EN ARTE S se profundizará en aspectos importantes de la

historia del arte, evidenciando que la tipografía es el reflejo de una época, que ha sido de utilidad para dinamizar y propagar las corrientes artísticas, así también como la experimentación de los movimientos artísticos han servido para descubrirle nuevos caminos a la tipografía.

A lo largo del desarrollo de la tipografía, los tipos móviles establecieron una gran innovación en la época del Renacimiento, ya que desde allí el arte de imprimir se difundió rápidamente. Con Johann Gutenberg quien realizó grandes aportes para la tipografía junto con el diseño editorial, se empezaron a diseñar y vincular varios tipos de letra que se iban generando según las necesidades de cada diseñador.

Muchos de los trabajos más impresionantes del siglo XVIII representan un real avance técnico, provocando tendencias que aportaron bases fundamentales en el área del diseño gráfico que hoy en día conocemos, esta tendencia comenzó con los serifs artificiales en las romaines du roi de Grandjean, a estos tipos barrocos se les denominó “de transición”, llamados de

© los autores

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formas onduladas y extravagantes utilizadas en el Barroco esa forma porque esta época fue un paso intermedio hacia el neoclasicismo.

Estos cambios de movimientos se dan porque habían personas También se hicieron mejoras en las piezas fundidas y en los ajustes que no estaban de acuerdo con la filosofía impuesta de la corride los tipos, uno de los personajes más innovadores fue William ente artística, por lo que se oponían y se avocaban a un pensamiCaslon, quien diseñó tipos que poseían una gran legibilidad, ento que expresará su ideología, buscaban un movimiento que les adoptó la ideología del Barroco y esto lo reflejaban sus tiposirviera de inspiración. Como el neoclasicismo que le da énfasis a grafías. Otro personaje innovador fue John Baskerville quien se la ilustración y se vuele a las características greco-romanas donde involucró en lo que actualmente conocemos como el diseño se valoraban las manifestaciones humanas, o también establecían editorial, ya que le interesaron todas las facetas del proceso de nuevas tendencias, esto se evidencia a lo largo de la historia del elaboración de libros, realizó un mejoramiento en la prenarte. sa, logró que la superficie del papel fuera más consistente, provocando una impresión superior para la época, ya que Por ende la tipografía de esta época se reduce a las normas e idelas tintas utilizadas eran de mayor calidad, dichos aportes ologías racionales establecidas por el neoclasicismo, cabe menbrindaron un gran avance para la sociedad. cionar que se desvincula totalmente de la caligrafía procedente del período Barroco. Según Bann, D. (2008) la modulación Baskerville diseñó tipos con carácter neoclásico, Balera casi vertical, se puede evidenciar el aumento de los contazar, F. (2013) expresa que la filosofía de esta época trastes en los trazos y aparecen los trazos que terminan en fordependía de un arte orientado a un sentido racionma de gota, otra característica es que son letras simétricas. al, estando en contra de la abundancia de adornos, En esta época se llegó a su máxima expresión con los tipos de Bodoni y Didot. La primer familia moderna fue creada por Firmin Didot, esta le sirvió de inspiración a Giambattista Bodoni quien rediseño las letras romanas, les brindó un aspecto más matemático, geométrico y mecánico, los primeros tipos de Bodoni se pueden clasificar como neoclásicos, sin embargo, sus últimos trabajos son impetuosamente Románticos, ya que

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añade a la cualidad racional un aspecto más subjetivo, brindando un fino equilibrio de racionalidad y sensibilidad.

Bodoni supo aprovechar los avances de la impresión y la calidad del papel que realizó Baskerville, creando un carácter básico para la composición de titulares en prensa, antes de ello no era posible la reproducción de líneas muy finas, por la absorción del papel, la ganancia de punto provocaba que las composiciones tipográficas inferiores a 12 puntos se vieran demasiado recargadas. Las recopilaciones de Cabral, M. (2013) mencionan que en el año 1739 se publicó una gran obra de Bodoni; El Manual Tipográfico, considerado como el tratado más importante sobre tipografía de la época.

Cabe recalcar que en el siglo XVIII se inventó un sistema de punto para medir caracteres tipográficos, un sistema que proporcionó el orden, anteriormente la elección del tamaño del punto no dependía de un sistema, cada quien elaboraba sus propios caracteres en tamaños de su elección. Simon-Pierre Fournier redefinió su propio sistema tal y como lo conocemos hoy en día.

El sistema anterior poseía un problema que él mismo reconoció; “Tras imprimir esta misma tabla he observado que al secarse el papel, las dimensiones de la escala se han reducido ligeramente y en la tabla actual he corregido este defecto añadiendo la cantidad justamente equivalente al encogimiento del papel”

(Pierre, S. 1764). Francois Ambroise Didot en 1770 propuso una mejora del sistema Fournier. Por lo que el sistema mejorado de Didot continúa siendo la medida estándar en casi toda Europa.

Después de la caída de Napoleón los artistas no tardaron en cambiar sus ideas hacia el Romanticismo y el Neoclasicismo fue abandonado. Se estableció una ruptura con la tradición, los seguidores de este movimiento buscan una libertad auténtica, donde le dan énfasis a los sentimientos y a la concepción de la naturaleza, la vida y al hombre mismo.

Durante dicha época seque desarrollaron unas variaciones de estilo a los tipos romanos tenían un uso

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más puro. Para ello, incurrió en el dibujo de formas simplificadas e incluso deformes, dejando a veces a un lado, la armonía y El arte sigue avanzando a pesar de estos acontecimientos, de una u la representación de la belleza en su visión clásica. Así que, en otra forma el pasado deja esos pequeños pasos para que en un futuro términos generales, podemos decir que el expresionismo dejó el diseño revolucione y tenga un sentido diferente, por lo que se atrás la preocupación por la belleza, con el objetivo de centrarse siguen dando los movimientos de arte y esta vez será el expresionen interpretar la realidad que sucedía en esa época. Se daban a ismo quien forma parte de una serie de movimientos de vanconocer piezas gráficas con elementos orgánicos. Las característiguardia en donde usan este titular para englobar su contexto. cas elementales en su tipografía son: Este movimiento pretende expresar el mundo interior, la esfera * Uso de la técnica xilográfica. emotiva o espiritual del artista y por este motivo el expresion* Tipografías gruesas sin mucha estética. ismo es la tendencia en la que un artista tiende a distorsionar * Formas más simplificadas, grandes. o deformar la realidad por efecto de las emociones. * Implementación de una sola tinta en sus tipografías.

Este movimiento fue originado en Alemania en el siglo * Letras con texturas XX, alcanzando un desarrollo después de la primera El cubismo se enmarca en una épica en la que la tipografía estaguerra mundial y todo cobra sentido gracias al poco ba experimentando un cambio radical. Las vanguardias hacen movimiento creativo durante la guerra y las obras temblar los cimientos del arte y el diseño. Y la tipografía es un generalmente muestran una inspiración violenta, claro ejemplo de esta ruptura con los rígidos cánones del pasaespontánea, rebelde y muy apasionada do.

Diferentes movimientos artísticos de las vanguardias del siglo Buscaba representar la expresión en su estado XX tocan de una manera u otra la tipografía. Todas ellas tienen en común la ruptura clásica de una página de libro: renglones rectos, alineados de forma uniforme, utilizando siempre la misma fuente en un mismo texto y escasas licencias en cuanto a la variación de estilo, color y tamaño de las letras en la página.

El cubismo, como movimiento eminentemente pictórico, no trata directamente la tipografía como lo pudieron hacer otros movimientos más pluridisciplinarios como el dadaísmo o el futurismo. Pero de alguna forma si podemos observar que las bases del cubismo tiene

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Muchos de los trabajos más

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editorial, con el enfoque ideológico del Romanticismo.

En este siglo se crean las tipologías Finas, Negras (según el grueso del palo), las Estrechas y Anchas (según el ojo de la letra), también se distinguen tres familias genuinas: las Egipcias, las Antiguas, grotescas o góticas y la escritura Inglesa.

“La letra orlada es la característica de la época romántica.

Son caracteres de época donde la anécdota, el rasgo de pluma, el dibujo sentimental predominan claramente”. (Martínez, F. 2013). Este tipo de caracteres se emplearon en los carteles publicitarios de esta época. Eran caracteres romanos muy decorados y con elementos vegetales. Una consecuencia del movimiento es que vuelve un interés por lo Gótico, influenciado por un gusto medievalista, esto se puede evidenciar en los carteles fechados en las últimas décadas del siglo XIX. Toulouse-Lautrec se interesó por los trabajos de los impresionistas, quienes reaccionaron en contra del arte académico y establecieron un punto de partida al arte contemporáneo, tenían un interés por retratar la realidad. Lautrec fue el fundador de un nuevo género artístico: la imagen publicitaria y comercial.

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más puro. Para ello, incurrió en el dibujo de formas simplificadas e incluso deformes, dejando a veces a un lado, la armonía y El arte sigue avanzando a pesar de estos acontecimientos, de una u la representación de la belleza en su visión clásica. Así que, en otra forma el pasado deja esos pequeños pasos para que en un futuro términos generales, podemos decir que el expresionismo dejó el diseño revolucione y tenga un sentido diferente, por lo que se atrás la preocupación por la belleza, con el objetivo de centrarse siguen dando los movimientos de arte y esta vez será el expresionen interpretar la realidad que sucedía en esa época. Se daban a ismo quien forma parte de una serie de movimientos de vanconocer piezas gráficas con elementos orgánicos. Las característiguardia en donde usan este titular para englobar su contexto. cas elementales en su tipografía son: Este movimiento pretende expresar el mundo interior, la esfera * Uso de la técnica xilográfica. emotiva o espiritual del artista y por este motivo el expresion* Tipografías gruesas sin mucha estética. ismo es la tendencia en la que un artista tiende a distorsionar * Formas más simplificadas, grandes. o deformar la realidad por efecto de las emociones. * Implementación de una sola tinta en sus tipografías.

Este movimiento fue originado en Alemania en el siglo * Letras con texturas XX, alcanzando un desarrollo después de la primera El cubismo se enmarca en una épica en la que la tipografía estaguerra mundial y todo cobra sentido gracias al poco ba experimentando un cambio radical. Las vanguardias hacen movimiento creativo durante la guerra y las obras temblar los cimientos del arte y el diseño. Y la tipografía es un generalmente muestran una inspiración violenta, claro ejemplo de esta ruptura con los rígidos cánones del pasaespontánea, rebelde y muy apasionada do.

Diferentes movimientos artísticos de las vanguardias del siglo Buscaba representar la expresión en su estado XX tocan de una manera u otra la tipografía. Todas ellas tienen en común la ruptura clásica de una página de libro: renglones rectos, alineados de forma uniforme, utilizando siempre la misma fuente en un mismo texto y escasas licencias en cuanto a la variación de estilo, color y tamaño de las letras en la página.

El cubismo, como movimiento eminentemente pictórico, no trata directamente la tipografía como lo pudieron hacer otros movimientos más pluridisciplinarios como el dadaísmo o el futurismo. Pero de alguna forma si podemos observar que las bases del cubismo tiene

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un eco poderoso en posteriores vanguardias y por consiguiente en la forma en que estas tratan la tipografía: una composición mucho más libre, donde prolifera la experimentación formal. La letra es llamada a ser un elemento estético más, que expresa más allá del significado de la palabra.

Otros autores cubistas se lanzan a la creación en collage jugando con palabras en sus composiciones. Juan Gris es un ejemplo representativo. Él mismo toma también la palabra “Le Journal” en un cuadro homónimo de 1916.

El Orfismo o cubismo órfico es el nombre dado en 1913 por el poeta Guillaume Apollinaire a la tendencia colorista y abstracta del cubismo parisiano que exalta el color y la luz, emparentándolos con Orfeo, el personaje de la mitología griega que, por su sobrehumano manejo de la lira, representa la conjunción de la música y la poesía. Este movimiento se desarrolló entre los años 1913 y 1914. Una de sus características más notables es su forma de construcción espacial tomada del cubismo, mientras que del futurismo se apropió de la sensación de rapidez y fugacidad del colorido de sus formas circulares construidas a partir de colores puros y

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dad. minimalismo con fuentes preinstaladas como Arial, Century Gothic, Debido a la corriente conceptualista el diseño gráfico paso del paGeorgia, Verdana, Times New Roman, etc. pel blanco como el bond al cartón, papel de embalaje y otros tipos La tipografía tiene un papel importante dentro de un diseño minde superficies para dar un concepto al diseño imalista, esta puede aportar mayor simplicidad a un diseño y En la tipografía el conceptualismo provocó que no solo se utirespaldar el concepto que se desea transmitir. Las tipografías en el lizara tinta para plasmar una letra o una palabra haciendo uso minimalismo son en su mayoría palo seco y san serif. de diferentes objetos o materiales que tengan relación siempre al Luego del minimalismo está el arte conceptual que se vio fuerconcepto que se desee transmitir. temente influenciado por el minimalismo y que se caracteriza Asimismo el conceptualismo provocó un mayor énfasis en la por tener fuertes fundamentos detrás de la obra, se puede tipografía manual que hora podríamos reconocer como lettering decir que el concepto es incluso más importante que la obra haciendo así que la tipografía fuera más orgánica lo que puede en sí, los conceptualismos inauguran nuevas prácticas y llegar a darle un toque kitsch dependiendo de la técnica y colores lenguajes aplicados en vídeo o el cine experimental, y que su pueden llegar a utilizar. abordan nuevas relaciones entre arte, lenguaje medios de En el hiperrealismo, el diseño se desarrolla como una técnica comunicación, impregnando de conceptos otros campos que puede aplicarse de mejor forma en la publicidad como por como la cultura visual, la publicidad y el diseño gráfico. ejemplo un product shoot o bodegón en cuanto a tipografía el La estética del proceso, desmaterializada por los hiperrealismo puede intervenir pero será en mayor parte con conceptos, ha dejado una clara huella en el ámbito fines ilustrativos, la tipografía en este caso no será el canal para del diseño. Con el tiempo, las características de ese transmitir el mensaje, más bien será el mensaje o concepto en el diseño “conceptual” se perfilan con mayor claridiseño.

En cuanto al land art, en mayor parte es aplicado en la naturaleza en donde la misma es el concepto, el medio y la protagonista. El land art busca huir del comercialismo y busca nuevos espacios de expresión. Sin embargo, las obras que relacionamos con esta actividad artística, se caracterizan no sólo por utilizar el entorno natural sino por alterarlo en mayor o menor

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La tipografía Univers fue realizada por Adrian Frutiger en el ya que se habla de efectos ópticos, a comparación del minimalismo. año 1950, en 1952 Aldo Novarese y Alessandro Butti crearon la El minimalismo es un movimiento que surge como rechazo al estitipografía Microgramma y Euroestile, en 1957 se creó Helvética lo altamente decorativo, se mantiene simple y puro y representa la por Max Meidinger. esencia de alguna idea, concepto u objeto, sin embargo no significa En 1961 se da a conocer las letras transferibles de Letraset, que haya ausencia de diseño en el mismo. realizado por el tipógrafo Doyald Young, quien se centró en la El estilo minimalista está muy extendido en la industria del realización de logotipos, así como también de las tipografías diseño. Pero sólo porque se ha vuelto cada vez más popular, no Young Baroque, ITC Éclat y Home Run. Muchas de las personas significa que es así de simple para practicar. Cualquiera puede reconocen la tipografía del pop art como la tipografía del comprobar a hacerlo, pero no todos pueden lograrlo. ic, dentro del pop art se crean diferentes tipografías las cuales Uno de los elementos más esenciales en un diseño minimalquedan marcadas en la historia por ser diferentes e innovadoras, ista es la tipografía. Seamos realistas, no se puede hacer creando de esta manera una nueva pauta para tipógrafos que justicia al quisieran experimentar con el ya antes mencionado letraset o bien con nuevas tipografías.

Así como el pop art captaba la atención del público por sus colores, el op art también se lleva un espacio entre los movimientos que roba más de una mirada, op art es la abreviatura para “Optical – Art”, así como lo dice su nombre este movimiento se trata de fenómenos ópticos, sensaciones de movimiento y superficies bidimensionales.

Dentro de la tipografía se utiliza para diferentes tipos de artes ópticos, ya que ofrece la ventaja en la que el espectador pueda llegar a modificar lo que ve, por la derivación abstracta que esta tiene junto con la abstracción geométrica.

Dentro de los afiches utilizados para demostrar ser parte del op art, se utilizaba la tipografía siluetada dentro de las imágenes, el op art proporciona millones de formas de sorprender a los lectores, ya que se puede jugar mucho con los colores y la profundidad de la tipografía.

Del op art se da un salto muy grande al minimalismo, ya que se quiere dar a conocer que la simplicidad jugará un papel muy importante en el diseño. La simplicidad en el op art es muy vaga

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tipografía arte

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información reciclada utilizada para un fin. Esto nos da una pauta a los diseñadores del siglo XXI ya que todo se puede lograr si se tiene la perseverancia y dedicación para alcanzarlo, como lo menciona Saul Bass (1990): “ Design is thinking made visual” lo cual significa que el diseño es el pensamiento hecho visual.

Empleando esta frase en este contexto determinamos que si se puede pensar se puede realizar no importando tus limitantes sino tu interés en lograrlo.

Otro tipo de arte que utiliza la tipografía, además de otros medios, para expresarse es el arte efímero, en cual según Gómez (2014): “Es toda expresión artística concebida bajo un concepto de fugacidad en el tiempo, de no permanencia como objeto artístico material y conservable”. Bajo esta corriente de arte podemos apreciar que el lettering utilizado en pizarras en la actualidad sigue teniendo estas características del arte efímero tomando en cuenta que dura un tiempo definido y utiliza, en su mayoría, letras tipo serif la cual caracteriza a esta corriente por usar tipografías de máquinas de escribir.

Esta corriente en específico llama la atención del espectador durante la puesta en escena, la cual genera un vínculo con él además genera una sensación donde el g.o se siente único ya que pudo ver este arte en vivo y muchos otros no. Lo negativo de este tipo de corriente es que no quedan mayor pruebas físicas de su existencia más que en videos o fotografías.

Otra de las corrientes es Fluxus. Este arte está vinculado a la música, más específicamente al Festival Internacional de Música Nueva, en Wiesbaden, Alemania, en 1962, y a George Maciunas donde se cree se originó. Se dice que la gráfica de Fluxus es también el origen de la comunicación visual actual, en el sentido de que las composiciones de sus carteles o páginas editoriales, a veces sin sentido a simple vista, son retomadas por los publicistas. Asegura Ávila (2012) que “La gráfica era para ellos un

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ativamente reciente usadas en la creación, presentación y difusión que, lejos de provocar daños, tienen como objetivo no sólo no causar del arte contemporáneo. Derivada de esta corriente se encuentra daño a la naturaleza, sino, con frecuencia, hasta restaurar el paisaje el género glitch el cual es el “Arte del error”. La tipografía emdañado”. La aplicación de las características de esta corriente, se pleada en el género glitch son letras imperfectas donde se puede relacionan a cabalidad con el trabajo de Anna Garforth , quien es visualizar el uso de pixeles desfasados. una joven artista, que utiliza la naturaleza y la tipografía como un La diferencia entre el arte de los nuevos medios con el arte relconjunto para expresar su objetivo por medio de palabras colocaacional es que solo el arte relacional busca tener comunicación das en lugares estratégicos. con su espectador y crear un vínculo. Para Bourriaud, la presenEste arte en especial, cia del factor relacional en la práctica artística responde a una Según su página web “ Anna Garforth es un artista con sede imperiosa necesidad de animar la recuperación y reconstrucción en Londres tomando el mundo del arte por la tormenta de los lazos sociales a través del arte en el seno de nuestra actual usando sus diversas habilidades para capturar únicamente sociedad. En esta corriente se da el uso de la tipografía pero solo la estética de la naturaleza y transformar el mundo que como herramienta para llegar a su fin, no tiene mayor protagnos rodea. Garforth adopta un enfoque multifacético a onismo. Urbanofacto, en Ecuador, es un nuevo laboratorio de su práctica artística la creación de un cuerpo ecléctica diseño en donde se puso en práctica el arte relacional ya que de trabajo utilizando una gran variedad de habilidades hicieron que varias personas de una comunidad se acercaran a como la ilustración, el diseño y la artesanía.”. un portón y al ver los números siguieran la secuencia conectanEl arte de los nuevos medios, a diferencia del arte do los puntos para crear una palabra, la cual era “HOLA”. Como ambiental, trata de una serie de materiales y tecUrbanofacto evidencia, el uso de la tipografía y las palabras nologías de desarrollo, ya no de la naturaleza, relcorrectas influye de gran manera logrando asi una correcta comunicación entre individuos.

Si bien la tipografía era utilizada solo como medio para comunicar, como lo fue en el uso de la imprenta que podía ser capaz de reproducir mayor cantidad de publicaciones con lo cual llegaría a más personas y definitivamente al grupo objetivo, años después de dieron cuenta de la importancia y el impacto que la tipografía ejercía en el target generando así mayores

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Pamela S. Gonzalez - 200911524 - 200817455 Eunice Lam - 201213901 - 201115075 - 201115036