ÍNDICE ANDREA DÍAZ 5 AGUSTÍN GARCÍA GARCÍA 11 ALEJANDRO S. GARRIDO 15 ANTONIO MIGUEL RIVERO 17 BEATRIZ PELLÉS 21 BLANCA BONET 25 BLANCA OSSET 29 BLANCA PALOMA 33 CARMEN IZQUIERDO 37 CRISTINA ARDISANA 41 DIEGO DE LOS REYES 43 EVA M. MARTÍN 47 GABRIELA TARGHETTA 51 JUAN CARLOS SÁNCHEZ BARBA 55 JULIA MORENO 59 JULIÁN DE LA CRUZ RODRÍGUEZ 63 LUCÍA MERLO 65
LUIS VALERA ROJO 69 MARÍA AYUSO 73 Mª EUGENIA GONZALEZ OUTÓN 77 MARTA GÉNOVA 81 NOEMÍ HERRERA 87 PATRICIA LEGUINA 91 PATRICIA SÁNCHEZ TRUJILLO 95 RAFAEL MUNÁRRIZ 99 SILVIA HERNANDO 103 VÍCTOR SANTAMARÍA 107
ANDREA DÍAZ Obra escultórica. La obra “Venus extintas” consta de una serie de pequeñas esculturas en barro modeladas por su autora e mano, sin utilización de herramientas. Este aspecto técnico no es irrelevante, pues, a través de la experiencia del contacto directo con la materia, la autora elabora un trabajo en el cual su propio cuerpo se ve afectado por el proceso. Los pequeños cuerpos venusianos nos recuerdan a los orígenes, a las primeras formas, a un contacto ingenuo y directo con la vida, quizás perdido o lejano en la actualidad.
Datos básicos de la autora. Andrea Díaz desarrolla su obra plástica oscilando entre diversas y plurales técnica, siempre en relación, juego y tensión. La mina del lápiz traza líneas para configurar esculturas, imágenes en torno a las cuales, el movimiento y la interacción son inevitables, fruto de lo cual, y de manera espontanea, nace la performance y el papel de nuestro cuerpo como herramienta. Un referente que conviene nombrar es el Arte Africano. No solamente como imágenes, sino a nivel de ejecución; cuando el ser humano, manos en la tierra mojadas por la curiosidad, elaboraba sus primeras formas para conocer el mundo y tocarlo, vivirlo, sentirlo y conocerlo. Donde una cuchara parecía una mano o un vaso era la perfecta representación nuestro pecho. Donde no olvidábamos nuestra condición de seres activos y cuerpos útiles.
Vasos vacío – Cuerpos vacíos. Sobre la función de nuestro cuerpo hoy. Esculturas en barro. 20 X 10X10 cm
Cuencos vacío _ Cuerpos vacíos. Barro cocido. 15X10X10 cm
Huella Dactilar. Estampa directa. Tinta china. 215Ă—315 mm
Venus, huellas .Barro cocido 6 X 3 cm
Acción performativa Funciones del cuerpo hoy. Nuestro cuerpo como herramienta. Intervención con masa de pan. Espacio escogido; una casa como espacio cotidiano.
Resultado del proceso: la masa afectada por nuestro cuerpo, nuestro cuerpo afectado. Duración 1 h. Fotografía analógica de medio formato 6X6 .
Espacios expositivos. Andrea Díaz Reboredo. Curso 2011 - 2012
En relación a los siguientes espacios expositivos: Mi casa. Espacios públicos. Galerías: La casa encendida , muchas posibilidades Galería Espacio Mínimo , como una casita, pero no me gusta su selección, muy visual Off Limits -- admiten obras “performativas”, enlas que el proceso es importante mas que la imagen Galería Helga de Alvear buen espacio Galería Maisterravalbuena Centro de Arte Reina Sofía . . . La obra iniciada con “Venus olvidadas”, y que continúa desarrollándose en la actualidad, lleva implícita una idea de trabajar en la cual, la tierra o el hogar, son dos conceptos importantes. El proceso entendido como acción lleva a la representación en forma de performance de una interactuación de la obra con el propio autor. En este aspecto, el espacio adecuado sería la casa misma. La casa como espacio expositivo. El trabajo de Venus esta pensado como interactuación de mi cuerpo con materiales primitivos ( tierra, agua) que cada vez son menos representativos de nuestro contacto con el mundo día a día. Por ello, he buscado además aquellos materiales que podrían sustituirlos. He buscado con qué materia nuestro cuerpo convive y mantienen aún la característica de entender, mediante ellos, la naturaleza de las cosas ( materiales naturales, que no artificiales). En este aspecto, es importante haber elegido “la casa” como un espacio de acción, pues es donde mas libres podemos ser de interactuar con los objetos de nuestro entorno, tocarlos o colocarlos a nuestra voluntad. Ordenar el mundo como el Hombre en su caverna. Aquellos objetos con los que convivimos son pruebas de que nuestro cuerpo interviene, es activo y caprichoso en los cambios. Sin embargo hoy, nuestro cuerpo está destinado a un momento en el cual, su capacidad de ser una herramienta, desaparece por un “confort” que buscamos y que nos publicitan como adecuado. Así, conviene hablar de las tradiciones perdidas en las cuales nuestro cuerpo podía participar. En el caso de la Performance con masa de pan, se revive un acto cotidiano casi extinto en el cual, yo como autora, siento revivir la pulsación primitiva de mi cuerpo como interventor, modelador, escultor, animal. Este tipo de acción pueden bien realizarse en cualquier espacio, si bien se me permite añadir que, en las casas, permitimos al público sentirse cercano, cómodo e incluso partícipe. Si lo desea. La casa, tiene también que ver con la idea de Teatro, que no debería ir ligada de la acción performativa pero creo que, en este caso, es interesante. Pues querría aludir a la importancia de la escenografía. Así como una galería se nos ofrece como un espacio vacío que llenar, una casa ya esta decorada, se trata de un espacio lleno de pistas y huellas. Óptimo para este trabajo en el que, más importante de qué se esta haciendo, sería cómo se hace. Y también cómo se ha venido haciendo; esto es, que pueda sentirse el paso del propio autor y de sus horas de trabajo. La casa, el estudio. Se ha hablado mucho sobre la importancia de conocer el estudio del artista a quien admiras. Como si en él pudieras encontrar por las paredes, suelos y cajones, más pistas acerca de su obra. Esto, me parece importante.
Espacios Públicos. Esta serie escultórica de pequeñas venus se había concebido en un primer momento como un grupo de pequeñas figuras destinadas a ser dejadas y encontradas en espacios públicos. Exáctamente la primera intervención se realizaría en el jardín de la Universidad BBAA. Los pequeños cuerpo femeninos serían abandonados, caídos. Y destinados a ser encontrados por diferentes manos. Tras unos meses, se organizaría una exposición vacía. Previamente se realizaría un llamamiento general ( información ) para hacer que, aquellos que cogieron una de ellas y que aún la mantienen, las traigan con ellos. Pero tal y como las tuvieran en sus casas. De esta manera la exposición no constaría solamente de mi trabajo, sino que además cada pequeña venus estaría afectada por la mano que la tuvo durante un tiempo. Y otras tantas no aparecerán nunca. Para esta idea, podría ser interesante cualquier espacio expositivo. Y esto me lleva a hablar de aquellas galerías en las cuales podría tener cabida.
Galerías escogidas: La casa encendida; Un espacio interesante por la flexibilidad que ofrecen para intervenir en el espacio de maneras muy distintas. Tienen además sistemas de iluminación y vídeo que pueden ser interesante. No solo como sala expositiva sino que ademá suelen acoger performance y teatro. También cafetería y biblioteca, importante porque amplía sus convivencias internas y oportunidades de paso y encuentro. Off Limits ; admiten obras “performativas”, en las que el proceso es importante mas que la imagen. Y se encuentra en un barrio popular. Descartadas: La siguientes ofrecen simplemente un buen espacio que, si la galeria lo permite, se podría usar a nuestro antonjo. Pero no dejan de ser espacios desnudos. • • •
Galería Helga de Alvear Centro de Arte Reina Sofía Galería Espacio Mínimo , (como una casita, pero no me gusta su selección, demasiado visual- decorativo).
agustín garcía garcía Especulando sobre mi perspectiva de futuro y sobre el valor de mis productos artísticos he encontrado en el dinero una gran fuente de motivación. El arte participa activamente en un mercado y tiene un precio estipulado. Aún así, la mayoría de estudiantes de bellas artes tenemos un tabú al hablar de dinero. Generalmente, los artistas jóvenes tenemos un escaso poder negociador y nos solemos conformar con ver nuestra obra expuesta. Este motivo me incita a investigar la economía en el arte, las relaciones entre artista - galerista, las diferencias entre el mercado primario y el mercado secundario, la inflación o plusvalía de obras de arte, los artistas de marca y un largo etcétera. Pero lo más curioso es que me di cuenta de la cotidianeidad del dinero, es tan abrumadora que dejamos de verlo. No reflexionamos mucho sobre él y es capaz de cambiar nuestra conducta hasta límites que desconocemos. Por esto mismo intento crear obras con elementos cotidianos, saturados con una fuerte carga simbólica que nos inviten a reflexionar.
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La gallina de los huevos de oro Aguatinta efecto manera negra 38 x 28
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Nuestro pan de cada día I Acrílico y óleo sobre tabla 60 x 120
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95 % Cacao Litografía y linóleo 50 x 50
interlocución Tanto los grabados como las pinturas, a groso modo, se pueden incluir dentro del denominado “arte tradicional”. Hay una larga costumbre de estás practicas artísticas. Por este motivo los trabajos que estoy presentando no encajan en Off Limits. De las tres galerías analizadas Helga de Alvear era la única en la que vendían grabados, pero no tenían nada que ver con lo que hago y los artistas que tenían expuestos eran reconocidos. Me interesa el espacio de la casa encendida por la afluencia de público diario. Al ofrecer más actividades culturales, hay gente que ve las exposiciones de rebote. En ese sentido consigue llevar productos artísticos a mucha más gente que una galería. La convocatoria generaciones hace que sea posible exponer, a artistas emergentes, en este lugar. En el MNCARS cualquier producto artístico puede encajar perfectamente, aunque pensar en el Reina Sofía como espacio expositivo no me parece ser realista. En principio, son trabajos realizados para mandar a concursos y empezar a establecer una identidad artística asociada a mi imagen.
Antonio Miguel Rivero Lo cotidiano, las leyes jurídicas o de sentido común en las que los ciudadanos se supone que nos movemos. Incoherencias con las que habitamos, referentes al funcionamiento de una sociedad, y en especial a sus matices más terrenales. Madrid es una ciudad donde hay mucha publicidad. Por otro lado hay una forma parecida a la publicidad que es el graffiti. La diferencia es que el graffiti, ya sea hecho por un individuo o por un colectivo, no pretende lucrarse de esa imagen mostrada al resto de ciudadanos; o al menos no es un lucro económico, como es el de la publicidad. La publicidad, a diferencia del graffiti nos ofrece una serie de productos, que pueden ser más o menos superfluos, pero su promoción está totalmente asumida por nosotros. El graffiti también está asumido, pero es odiado por la mayoría de los ciudadanos. La razón es que el graffiti utiliza como soporte propiedades ajenas, ya sean privadas o públicas. La publicidad sin embargo utiliza, o sus propiedades, o bien espacios y soportes públicos, que se alquilan al estado. Es asumido y respetado por casi todos que la publicidad hoy en día es fundamental para nuestra subsistencia, ya que es una pieza clave en el mecanismo socioeconómico actual. Es muy difícil imaginarse un paseo por Madrid sin encontrar ningún anuncio publicitario. También lo es no encontrarse un graffiti. Y es que tendemos a producir imágenes. Estas preguntas no las hago de la publicidad ni de su empresa anunciadora, pues conocemos la respuesta. ¿Tiene más mérito el graffiti que la publicidad, dado que no se espera ningún beneficio económico a cambio (es más, el graffitero tiene pérdidas, pues es él el que paga su pintura)? ¿Por qué los graffiteros hacen graffiti? ¿Existe algún tipo de reivindicación detrás del acto del graffiti? ¿Es adecuado el color de las fachadas de las casas? ¿Por qué los graffiteros se empeñan en cambiarlo? Dando un paseo de vuelta a casa, con la cámara de fotos en la mano, me dediqué a hacer fotos a distintas cosas que me llamaban la atención. manifestaciones, Diálogos, discusiones, entre distintos elementos. A partir de ahí decidí dar la vuelta a algunas cosas y ver el efecto que producía su lectura. Cambié lúdicamente los papeles de ambas partes, el graffiti y la publicidad, cambié la categoría o el estatus entre empresas muy diferentes en cuanto a beneficios. La obra en sí es una plantilla o stencil hecha con una tipografía propia de los stencils de las cajas de transporte. La pintura se queda adherida al soporte donde se coloca, preferiblememente al lado de un anuncio publicitario y de un graffiti. Junto a la pintura azul, se coloca otro elemento que indica al urbanita que ese cuerpo de pintura se mueve en un terreno artístico: una cartela propia de galerías o museos, que dan pistas al espectador de cómo entender la obra. En la obra se puede leer lo siguiente: Título: materia pictórica formando la palabra “ilegal”; técnica: pintura en spray; medidas: 257 x 53 x 0’ 03 mm. Mi intención, al darle importancia a la tercera dimensión de la obra,el grosorde la pintura, es manifestar la presencia, la corporeidad y su total relevancia. Podemos decir que es plano, es más, sabemos que es plano. Se trata de un metagraffiti. Es como pintar un graffiti que diga “graffiti”, pero en mi caso haciendo hincapié en su condición nociva para la sociedad. Es ilegal pintar las paredes y los bienes ajenos. La publicidad sin embargo no es ilegal, pues admitimos que es uno de los pilares de nuestro desarrollo.
La relación de esta reflexión hecha objeto con un espacio del arte en Madrid, sería, ya que es una obra que habla del y con el entorno urbano más cercano, que estuviese en un lugar donde exista publicidad; donde un espacio, se supone común a todos, está lleno de imágenes que buscan la captación de clientes mediante trucos y apariencias. Las calles están llenas de imágenes. Éstas no favorecen una mirada de tipo contemplativo por parte de los viandantes, sino que, dada su naturaleza efímera y su rápida asimilación consiguen que no nos detengamos a pensar ni por un momento en lo que allí se nos muestra. Si tuviera que elegir un espacio expositivo en el que mostrar documentación sobre esto en Madrid eligiría el de Offlimits, porque considero que entra en una dinámica urbana y socialmente directa. Por el contrario, el público que va a offlimits mantendría con mi historia un diálogo menor que el público que pueda ir al Museo Reina Sofía o a la Casa Encendida. Seguramente, el público de Offlimits se le habrá pasado por la cabeza esta misma reflexión ya que, como decía, es un espacio más relacionado con propuestas de este tipo urbano; mientras que La Casa Encendida y el Reina Sofía se mueven más en ámbitos más dialécticos con el propio arte.
exposici贸n Arte 煤til espacio Off Limits
BLANCA BONET 1987 born in Pekin, China, lives and Works in Madrid, Spain
El campo donde trabajo es puramente imaginativo. Veo a las personas como entes solitarias conectadas con el mundo exterior y desconectadas de ellas mismas. Mi interés por el subconsciente y por lo oculto es lo que me ha llevado a fantasear con la posibilidad de sacar el lado secreto e ignorado de las personas. Invento personajes que se caracterizan por exhibir su vida interior. Utilizo la fotografía para captar rostros que me llaman la atención para luego pasarlos a un medio plástico. Imagino la parte escondida de su vida en base a su apariencia exterior. Lo que me transmite su rostro, su manera de vestir, su expresión. Suelo utilizar soportes orgánicos para crear una atmosfera cálida y transparentes para enseñar sutilmente, superponiendo el papel con cristales, lo que se alberga detrás del caparazón. El rostro de la persona en cuestión puede desaparecer dejando al descubierto únicamente lo oculto. El acto de concebir estos dibujos saca a su vez mensajes y símbolos que desentierran una parte de mi inconsciente. De esta manera, intentando averiguar que esconden los demás, consigo analizar mi propio mundo facilitando la búsqueda de mi propia identidad. 1
2011: 010KUNSTHOUSE: “stop motion”; 2010 010KUNSTHOUSE“ Primer salón”; “Ciudad tentacular”. CASA DE LOS JACINTOS: “Colectivo Arin dodó”.2009: Seleccionada fundación Valparaiso. Exposición CAJA MURCIA. 2008: Embajada Rumania, exposición Arin Dodó. ISABEL DE FARNESIO: “ Artistas 2008”.2007:ISABEL DE FARNESIO “ Artistas 2007”
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AXEL HUTTE Essen, Alemania 1951.
Axel Hutte intenta atrapar en sus fotografías lo intangible de la naturaleza. Busca lugares vírgenes del paso del hombre para así ser el primero en atrapar su esencia plasmándola en un soporte. Busca sin cesar los lugares escondidos del paisaje. Nuestra búsqueda se asemeja porque ambos perseguimos lo oculto, lo camuflado. Todo lo que haya sido descubierto por el hombre pierde cualquier tipo de atractivo, todo aquello que esté limitado por la razón. Exploramos lo que aún no se ha descubierto, lo desconocido. Las fotografías de Axel tienen una atmosfera fantasmagórica. Parece una paisaje ficticio, diseñado por él. Nos muestra el interior de la naturaleza, su esencia. Los colores de su obra son melancólicos, apagados, orgánicos como si esa cara de la naturaleza estuviese muerta, como si no existiese. Como si, como yo, la estuviese diseñando por carencia.
BLANCA OSSET Exposiciones colectivas: 'DANZA', en el Centro Cultural de Torrelodones, Madrid/// Museo de la Fbaup, Universidade do Porto, Portugal/// Lofte, Porto, Portugal/// ‘IDENTIDADES’, en ElSite, c/Pez, Madrid.
Una búsqueda, un camino alrededor de un mismo punto; el equilibrio. Entre lo más convencional y lo más abstracto; desde lo bueno y lo malo, desde la vida y la muerte, desde la locura y su cordura, hasta el principio y el fín. El equilibrio es la mitad de una senda, es un punto de encuentro. El equilibrio es necesario, o por lo menos su búsqueda, es necesario para no caer, para aprender a caminar pendiendo de un hilo, a volar con los pies en la maceta. El equilibrio es sublime, aterrador y bello a su vez, es un agridulce, el punto justo entre la sal y el azúcar. No existiría sin sus extremos.
Todo comienza con una búsqueda. Un camino para encontrar la armonía con la Naturaleza. Lo que hice primero fue una investigación, estudiando posibles espacios dónde poder interactuar con el Land Art. Quise trabajar tan solo con los propios materiales que fuera encontrando en los diferentes espacios naturales. Todo este contacto con la forma orgánica pretende potenciar una reconciliación con la naturaleza. Para mí, estos gestos se traducen en una búsqueda con mis propias raíces. Durante la realización de estas intervenciones encontré un puente más fuerte entre lo orígenes y yo misma. Construir poco a poco una cosa sólida y efímera, con vid propia. Me interesa mucho no crear algo duradero, simplemente dejar que se deteriore con el tiempo es su ambiente por sí sólo. Queriendo definir mis propias raíces, indago en un conocimiento más profundo de dónde verdaderamente es que procedo. Para eso, quise estar en contacto directo con el mundo natural, aunque estuviera en cualquier ciudad, al final mi espíritu me empuja a aproximarme de nuevo a ella: La Pacha Mama. De nuevo volver a sentir esa armonía, ese silencio acompañado de una paz con el entorno que me rodea. Entender y conseguir ver cómo un principio va a terminar por tener un fin, un fin convertido en otra forma, que a u vez podría acabar siendo incluso otra cosa más. Un ciclo propiamente natural. Pienso que todos nosotros estamos compuestos también de materia orgánica, y haber creado este trabajo me sirve para entender de una manera más biológica la vida misma. Una gran metáfora que consigue hacerme crear un enlace con mis pensamientos, mis actos y sobre todo con mi respiración. Mi realidad actual es que estoy cansada de la distancia que tengo con mis raíces naturales, parece ser que cada día que pasa estamos todos más lejos de ellas, todavía peor es pensar que somos más fuertes y dueños de la Naturaleza, sentir que nos pertenece dándonos a nosotros mismos la libertad de hacer con ella lo que nos plazca; esto es una grave equivocación, estamos invirtiendo o incluso me atrevo a decir, perdiendo nuestros conceptos más básicos y primitivos. Ella no nos necesita para sobrevivir, mientras que nosotros sin ella no somos nada más que materia muerta. Deberíamos tener esto presente todos los días, si acabamos con ella no podremos seguir respirando, y más en el mundo de ahora tan lleno de contaminación. Estamos olvidándonos de un respeto ancestral que antes teníamos desde que nacíamos, y no se por que extraña razón lo hemos olvidado por completo. Esto que es, ¿la evolución del ser humano?
Cada día que pasa, estoy más segura de que nosotros, los seres humanos necesitamos con urgencia un cambio descomunal. Creo que la verdadera revolución que debería de desarrollarse en estos momentos para la humanidad es una revuelta espiritual y natural, sería quizás una emergencia, lo que conseguiría salvarnos. Realmente confío en que si hubiera una concienciación y un verdadero trabajo de gran tripulación, podríamos virar el rumbo de este gran barco, antes de estamparnos con el acantilado. El problema que existe es la poca coordinación para hacer un trabajo en equipo mundial, acabará llegando una dictadura ecológica para obligarnos a actuar antes de tiempo. Todo es un ciclo que nos volverá a llevar de nuevo hasta el principio. Aun tiene que explotar esta bomba para que las cosas puedan ‘cambiar’, tenemos la gran capacidad de llegar al límite para que ocurra el cambio, quizás ya en un punto tan critico que nos haga actuar tan rápidamente que no de tiempo a pensar en volver a construir una vez más, con lógica y coherencia. Ésta contaminación social me empuja todavía más a estar en contacto con la naturaleza, y sobre todo utilizar mis manos para esta reconciliación.
UN ESPACIO En realidad el único espacio que se puede usar para desarrollar este proyecto es un lugar natural. Es un trabajo únicamente exterior, el cual sólo admitiría exponer en lugares cerrados las fotografías que evidencian la vida que tuvo la obra. Quizás, la elección de espacio para que mi obra tuviera lugar, sería siempre en un sitio el cual me causara una sensación sencilla de libertad, un lugar en el que las mentes podrían pensar y sentir sin ningún tipo de influencia o barrera, respirar ‘aire puro’ tal vez. La terraza de la Casa Encendida sería un buen espacio para las fotografías, al igual que el patio de la Tabacalera.
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1987Naci daenMadr i d,Es pa単a.|Vi v eyt r abaj aenEs pa単a. ht t p: //cr i s t i nar di s ana. bl ogs pot . com
Diego de los Reyes Diego de los Reyes (España, Sevilla, 1977) vive, estudia y trabaja en Madrid. Él trabaja como diseñador gráfico y fotógrafo. Estudio en la Escuela de Artes y Oficios de Sevilla especializándose en fotografía artística y licenciando en la Universidad Complutense de Madrid por la Facultad de Bellas Artes. Diego de los Reyes trabaja con la imagen digital, la fotografía, el dibujo y pintura; Utiliza esos medios de expresión para focalizar la atención en diferentes cuestiones relacionadas con la percepción personal, la cuestión de genero, jerarquía, la clase social, identificación o pertenencia al grupo. Tratando los temas sobre sujetos con un punto de vista filosófico, teórico, teológico, sociológico y antropológico. El trabaja sobre diferentes ideas y conceptos que se tiene del hombre y la masculinidad, investigando sobre qué o quien otorga diferentes grados en las distintas escalas que los hombres interiorizan de forma social en un entorno urbano europeo. Trabaja en temas relacionados con los estereotipos masculinos que son asumidos personal y socialmente.
Su obra gráfica gira entorno a la idea de poder en el Hombre, desde distintos enfoques como es el que otorga la belleza física, la poder de la fortaleza física, la otorgada de forma religiosa, el poder social heredado o el poder conseguido. Al hombre lo muestra con un cierto carácter exhibicionista y un tanto narcisista, orgulloso de que es y que lugar ocupa entre los demás hombres, siendo tal cual es y sin sentimiento de culpa, dejando la obra abierta hacia el espectador para que saque sus propias conclusiones y sea este quien realice la critica social. Él esta muy interesado por crear una clasificación de la posición social que ocupan individuos con las mismas características físicas; a modo de investigación intentar registrar en diferentes situaciones económicas y sociales que características físicas como puede ser la corpulencia, la delgadez, lo andrógino o una masculinidad contundente, y si estas determinan al individuo, investigando si el sujeto asume o no los estereotipos impuestos de forma social y cultural de su aspecto.
Realismo Soviético La conexión con el realismo soviético o socialista, se encuentra en como trata el estaus masculino, como maneja la posición social, que elementos incluye para identificarse con distintos estratos sociales y de este modo manipulando una idea colectiva, donde la actitud, el punto de vista y ciertos elementos de vestuario y escenografía determinan el carácter, personalidad, clase social o el oficio del personaje retratado. También guarda muchos lazos en común con la propaganda soviética en particular con la simplicidad del constructivismo gráfico, que mantenía la idea de conservar la forma pura a través de la geometría y los colores planos, alcanzado la proyección de la idea de una forma especialmente contundente.
Escritor Yevgeni Zamiatin, Borís Kustódiev.
Escritor Vsévolod Garshin, Iliá Yefímovich Repin.
Cartel Lenin, propaganda socialista
Renew or die _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ U t ili z o u n a a m p l i a g a m a d e r e c u r s o s d e il u s t r a c i ó n, c o m b i n a n d o e s til o s tr a di ci o n al e s c o n la s m á s m o d e r n a s t e c n ol o g í a s. A ú n o l o cl á si c o y e l e g a n t e d e l d i b u j o a l á p i z y ti n t a, c o n e l r e t o q u e y l a i m a g e n d i g it a l, h a c i e n d o q u e m i o b r a e v o l u c i o n e i n c e s a n t e m e n t e. N o q u i e r o v o l v e r m e a b u r ri d a y e n c a s ill a r m e e n u n ú n i c o e s t il o, p o r e s o d i s f r u t o e x p e r i m e n t a n d o c o n n u e v a s t é c n i c a s e i n t r o d u c i e n d o d e t a ll e s q u e v o y t o m a n d o d e o t r o s a r ti s t a s q u e m e s i r v e n c o m o r e f e r e n t e. R e n o v a r s e o m o r ir, e s e e s m i l e m a . H e m o s d e e v o l u c i o n a r, n o s ó l o c o m o a r t i s t a s, s i n o c o m o s e r e s h u m a n o s .
N a m e: E v a M . M a r t í n
L o cation: M a d r i d (S p a i n) Tool s: P e n c il s, p h o t o r e f e r e n c e s, i n k, A d o b e P h o t o s h o p , C o r e l P a i n t e r. Clients: W n t C C o n c e p t A d v e r ti s i n g
E n r e l a c i ó n a l e s p a c i o a r t í s ti c o d o n d e v e r í a h i p o t é ti c a m e n t e e x p u e s t a m i o b r a, m e h e d e c a n t a d o p o r u b i c a r l a e n l a s b i b li o t e c a s y ti e n d a s d e l a s d i v e r s a s i n s tit u c i o n e s d e l t r a z a d o q u e r e c o r ri m o s (La C a s a E n c e n d i d a, M u s e o R e i n a S o f í a), a s í c o m o e n l a s p u b l i c a c i o n e s d e c a r á c t e r g r a t u i t o q u e s e e n c u e n t r a n e n l a s m i s m a s (foll e t o s i n f o r m a t i v o s , r e v i s t a s d e d i f u s i ó n). N o d e s c a r t o q u e p u d i e r a n s e r u s a d a s e n c a r t e l e r í a, il u s t r a c i ó n d e m o d a (lo c u a l n o s s i t u a r í a e n u n s o p o r t e m ó v il; p r e n d a s d e v e s ti r) o i n c l u s o a m o d o d e p i n t u r a m u r a l p a r a d e c o r a r e d i fi c i o s.
T a m b i é n, p o r q u é n o , e n l a “pr e n s a s e r i a” il u s t r a n d o y a p o y a n d o div er s o s artíc ul o s d e d i s ti n t a í n d o l e.
Gabriela Targhetta Gijón, 1989. Vive y estudia en Madrid.
Las imágenes circulan por el mundo postmoderno
vivimos, cómo construyen y destruyen identidades,
sin freno; se crean, se reconstruyen, se recontex-
cómo son una parte fundamental de la memoria in-
tualizan y se consumen de forma continua. Mis pro-
dividual y colectiva, y cómo es necesario pararse a
puestas como artista tratan de reflexionar sobre el
pensar en todas aquellas que absorbemos incons-
papel de las imágenes en este mundo, cómo siendo
cientemente. Creo que la realidad está saturada de
un eslabón clave en el funcionamiento del sistema,
imágenes y productos visuales, y por eso utilizo el
cruzan el puente entre lo público y lo privado. Me
archivo como metodología creativa. Bajo mi punto
comprometo a llevar a cabo proyectos que logren
de vista, es interesante analizar y trabajar con las
concienciar al espectador sobre la trascendencia de
imágenes que ya existen, puesto que son una parte
las imágenes y sobre el papel fundamental que des-
fundamental de nuestra realidad como individuos.
empeñan en los asuntos que atañen a la sociedad
Me interesa especialmente el archivo fotográfico,
actual. Estoy interesada en su comportamiento y su
en conjunción con el lenguaje, ya que creo que el
influencia en la manera de percibir de cada individuo
detrimento del lenguaje a favor de lo visual es algo
y del conjunto social. Es por esto por lo que, a través
propio de la realidad actual, y es necesario darle la
de estrategias antivisuales, intento concienciar al
vuelta para captar la atención del espectador.
espectador de nuestra constante exposición a lo visual y nuestra total inmersión en el mundo del simulacro. Trato de que el espectador reflexione sobre la importancia de las imágenes en el mundo en el que
2008 Curso de Dibujo al Natural y Preparación de Dossier en Glasgow School of esta FORMACIÓN/ Art 2010 Seleccionada para participar en el taller con la artista Rosângela Rennó,dentro de las XVI Jornadas de Estudio de la Imagen en el Centro de Arte 2 de Mayo de Madrid. 2010 Beca Erasmus soy en Colchester Institute School of Art and Design (Graphic Media) 2011 Cursando quinto curso de Licienciatura en Bellas Artes. Universidad Complutense de Madrid. EXPOSICIONES Y PREMIOS/ 2008 Primer Premio Primavera de Pintura del Ateneo Jovellanos. 2009 Exposición colectiva yo ”Percepciones” en LATENTE Asociación de Jóvenes Artistas. 2009 Mención de Honor en el XVI Concurso de Mejores Pintoras del Oriente de Asturias. Exposición colectiva itinerante ”Mejores Pintoras del Oriente de Asturias”. 2011 Exposicion colectiva MilesKm, Tabacalera Madrid. 2011 Exposición colectiva ‘‘Hindsight’’, Slack Space (Colchester, UK.)
Imágenes para el recuerdo. 2010 Instalación de 5 marcos de fotos.
Archivo fotocaligráfico. (Proyecto en proceso) Fotografías en papel.
Espacios Madrid ofrece un amplio abanico de posibili- la línea de la galería Maisterra Valbuena podría dades artísticas y culturales, dentro de los di- ser adecuada para mis proyectos, ya que los ferentes espacios de la comunidad. Existen artistas representados por esta galería, como marcados contrastes y diferencias entre los
por ejemplo Karmelo Bermejo, suelen llevar a
distintos espacios visitados por el grupo, que
cabo proyectos comprometidos y de carácter
van desde el concepto de institución museís- emergente. Espacio Mínimo también tiene protica (como puede ser el Reina Sofía) hasta es- puestas interesantes, y arquitectónicamente me pacios alternativos como Offlimits, pasando por
parece un espacio muy atractivo. Aunque creo
un nuevo concepto de centro cultural como La que mi obra podría encajar bien en ambos esCasa Encendida. La oferta expositiva de cada
pacios, miro al mundo de la galería con cier-
uno de ellos varía sin duda en función de la lí- to recelo, pues creo que su carácter comercial nea de creación de los artistas y su trayectoria.
podría llegar a condicionar mis proyectos. Es
El Reina Sofía ofrece al espectador una serie
por este motivo por el que también Offlimits me
de exposiciones temporales de artistas con- parece un espacio muy interesante, pero quizás sensuados y con una amplia trayectoria tanto
tendría que enfocar mis proyectos un poco más
a nivel nacional como internacional. Para poder hacia una experiencia de creación colectiva y, acceder a este museo sería necesario haber ex- aunque siguiendo con la idea básica de lo que puesto previamente en otros espacios y ferias,
me interesa, tratar de llevar a cabo propuestas
y gozar de cierta popularidad dentro del mundo
que tenga más que ver con el arte de acción.
del arte, además de una producción abundante. Por otra parte, las propuestas del Reina Sofía suelen ser siempre de carácter contemporáneo, aunque no excesivamente emergentes, como es el caso de la exposición de la artista Elena Asins. Si tuviera que escoger un espacio para mi obra, me inclinaría sin duda en un prime momento por espacios reducidos, ya que hasta ahora mis proyectos no son muchos. Creo que
Museo de Arte Reina Sofía
Espacio Offlimits./Galería Maisterra Valbuena
Juan-Carlos Sanchez-Barba Valdepeñas 1961
Hombre-casa Collage 30 x 21
Hombre-árbol Collage 3o x21
Autorretratos en los que me represento como una casa viva, móvil, nómada,El hogar como nuestras vivencias, nuestros cambios a lo largo del tiempo.El espacio donde habitan nuestros amigos, nuestras lecturas, nuestros pensamientos. El árbol como naturaleza abierta a nuevos acontecimientos, las raíces, nuestro alimento,la tierra, las ramificaciones.
Collage digital La silla 30 x 21
Collage digital Corazon 30 x 21
He utilizado las paginas de econom铆a de la prensa. La bolsa , noticias sobre mercados financieros, y sobre ellos he dispuesto unas sombras de manos representando corazones, palomas o una silla habitada por diferentes personajes. Frente a los mercados, las cifras macroeconomicas, la vida, sus vicisitudes, una reivindicaci贸n del coraz贸n, de la conciencia social, de la honestidad.
Gollage digital Paloma mensajera 30 x 21
Espacio Mínimo Doctor Fourquet 17 Galería preocupada por temas de actualidad como la Ciudad , el espacio urbano que estamos construyendo, Naturaleza, educación, religión, familia,orientación sexual, la mujer, etc.
Devin Troy Strother
Brenda Monroe
Exposición titulada “Humane Nature” comisariada por la galería Richard Helllerd gallery de los Angeles: Me han gustado especialmente Devin Troy Strodether, Brendan_Monroe, Rachell Sumter y Charlie Robert. Me ha parecido una exposición intimista, de formato mediano y pequeño, que me gusta especialmente y que pienso podria tener bastante que ver con mi trabajo. Obra sobre papel con guache; collage, tecnicas mixtas. Cuadros que representan pequeños personajes que me trasmiten un intimismo y un fuerte impacto visual por su colorido, ternura, gracia, misterio. Esta exposición nos habla de la condición humana, del miedo, el placer, de la cultura popular etc. El hombre enfrentado a si mismo, al otro, al grupo, a la naturaleza. :
Rachell Sumter
Julia Moreno Madrid, 1989 1
He trabajado sobre diversos temas y materiales desde que empecé a desarrollar obra propia dentro y fuera del contexto universitario. El campo temático sobre el que trabajo versa sobre el cuestionamiento de roles femeninos y problemáticas de la mujer en la sociedad, el análisis y crítica de temas socio-políticos como la democracia, el espacio público, la ciudad y sus conflictos, los residuos que generamo, etc. En el último año, a través de mi experiencia en Alemania como estudiante Erasmus, he tratado también la problemática del lenguaje y la comunicación y el concepto y definición de arte. Independientemente de la carga política, social o conceptual detrás de la obra, realizo trabajos desde una perspectiva de poética visual, haciendo incapié en la naturaleza de los materiales, muy frecuentemente reciclados o desgastados, armonizando sus cualidades físicas y emotivas con la idea y resultado visual de la obra. 1.Arquitectura imaginaria. Rotulador sobre callejero. 2.Ciudad dormitorio. Grafto sobre papel de periódico, de pared, mapas....
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3.Intervenciones posibles. Grafto sobre papel. 4. Intervenciones posibles.LĂĄpiz sobre papel. 5.Lo que la ciudad esconde. AcrĂlico sobre callejero. 6. Intervenciones probables. Rotulador y acuarela sobre papel. 6
En Lo que la ciudad esconde, obra sobre la violencia policial en Madrid, el material hace referencia al lugar en sí. En Ciudad dormitorio,que trata sobre los sin techo,el material hace referencia al tema del que habla.
7. Domènec. Domêstic (Artista participante en exposición Arte útil, Off limits)
La serie Intervenciones posibles / Intervenciones probables son obras en sí mismas a la vez que bocetos para intervenciones urbanas.
8. Intervenciones probables.
Rotulador y acuarela sobre papel.
Estos trabajos sobre la ciudad se relacionan con el espacop Off limits y su última exposición Atre útil en lo referente a la relación con acciones urbanas, el trabajo con una ciudad concreta desde lo local y la crítica que conllevan ciertas propuestas. Espacio Off limits
La diferencia más importante es que los trabajos de la exposición intervienen directamente sobre el terreno o la sociedad, y los míos son una ficción artística que habla sobre esa realidad y, en el caso de la serie Intervenciones probables, propone esa acción/interacción con ella.
Santiago Cirgueda. Arquitectuta para todos (exposición Arte útil)
Todo por la praxis. Banco guerrilla (exposición Arte útil)
JUL I Á N DE L A CRUZ RODR Í GUE Z
V a l l a d o l i d, E s p a ñ a
1989
OBRA RECIENTE
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rabajo en la medida que mi obra pueda elaborarse desde un espacio íntimo, lugar activado por un mecanismo de elementos hilarantes, fulgurantes, meta-irónicos, desternillantes, contradictorios. De este modo, la búsqueda reside en el marco de la indiferencia, indiferencia que crea un espacio circundante que soslaya toda lógica binarística, espacio que a su vez permite la posibilidad de construir anomalías y excepciones. Es así que las obras generadas durante estos últimos años no son ejercicios compactos, monolíticos, si no resultados del impreciso humor que confieren: desde la edición editorial de publicaciones sobre crítica artística falsa, monográficos sobre pornografía de los nuevos medios digitales hasta especiales tributos y guiños a la obra literaria de Raymond Roussel y, en consecuencia, la edición y producción de un álbum colectivo sobre la obra “Locus Solus”. Señalar como preciso la característica fundamental de la práctica artística, la mentira, mentir como desafío frente a las vulgaridades de la cotideaneidad y las aburridas fórmulas maniqueas. En definitiva, todo mi interés gira a partir de que, en algún momento y en algún lugar dispar, el espectador no pueda evitar desmayarse ante el sopor y la incertidumbre provocada por la lectura de mis obras.
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1-6 Publicaciones SMECTA, Cosmos y Locus Solus. La edición conjunta corresponde desde el año 2003 hasta 2011. De cada publicación existen varios números, de una tirada corta ( 300 ejemplares ) a excepción de la reducidísima edición de “Locus Solus” que asciende a 20 copias numeradas. Aunque de direcciones transversales, todas las ediciones comparten mi constante divertimento de generar propuestas heterogéneas donde se asimilen crítica artística, dibujo, ensayo, imágenes de la cultura popular y pornografía. Todas las publicaciones cuentan con la colaboración desinteresada de diferentes artistas.
7-12 Imágenes sobre el álbum colectivo Locus Solus. La propuesta pretendía trasladar o aparentemente traducir el imaginario rousseliano y sus técnicas literarias a la experiencia musical. De este modo, el álbum recoge la colaboración colectiva en un ejercicio amplio de improvisación, collage, y cut-ups engendrado en la propia experimentación de sus participantes a partir de técnicas y procesos con los que hasta la fecha no hubiesen trabajado.
CASA ENCENDIDA
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ituaría mi trabajo con mayor comodidad en un espacio que disponga y esté dispuesto a la planificación de propuestas escénicas; en este caso, la Casa Encendida ofrece una posibilidad satisfactoria para la realización de encuentros entorno a la música, de modo que el espacio ofrece la particularidad tanto de usar azotea, terraza o auditorio según los requerimientos y especifidades de la acción musical. Si tuviésemos que trasladar una experiencia aproximada del álbum “Locus Solus” podría elaborarse como una actuación colectiva, música de cámara ayudada por la proyección de imágenes en desbordamiento.
SALA INTERIOR
PATIO INTERIOR
TERRAZA/AZOTEA
PATIO INTERIOR
TERRAZA/AZOTEA
TERRAZA/AZOTEA
Trabajar con el medio musical como forma de colectividad afianza una relación intrínseca de la experimentación: la improvisación como juego renovador, construido como un tejido invisible que va formando, en sus anomalías y excepciones, una red múltiple de divergencias, divergencias que se solapan, se solapan, se solapan.
Lucía Merlo
La redefinición de la identidad es un paso obligado en el arte de todas las épocas. El cambio generacional, el acceso a información de diversa procedencia y la relación indefinida con el pasado más próximo lo convierte en un lugar específico, donde me interesa transitar. Las redes sociales han abierto un paradigma sobre lo público y lo privado o la posibilidad de recategorizar el universo de las gentes comunes. La variedad de fuentes democráticas de información que encontramos hoy en día me ha abierto las puertas para la creación de una ficción propia, adaptada a los gustos personales del individuo contemporáneo. El imaginario que manejo reune épocas, lugares y situaciones anacrónicas. En Memory Viewers una mujer finlandesa de 1930 puede adquirir la misma dimensión como individuo que puede tener uno del siglo XXI. A través de material encontrado en la red y en mercadillos, recreo las memorias de personajes inventados, dispuestas de tal forma que podamos apreciarlo en el presente. La sobresaturación de imágenes que llenan el espacio físico y virtual son reinterpretadas de una manera a la que el espectador postmoderno está habituado, en base a estructuras sociales invisibles que moldean la sociedad actual.
Memory Viewers. 2011. GalerĂa Alleksi. Universidad de arte y diseĂąo, Helsinki.
El diálogo Mi trabajo requiere una lectura bastante específica. Esta debe ser detallista, cercana y debe entender de ironías y dobles sentidos. A partir de ahí, la empatía es bastante sencilla, y puede ser más completa en el tiempo de acuerdo con las experiencias vitales de cada uno. La galería Espacio Mínimo es un lugar donde esta relación del espectador con las obras es el habitual, dado el tamaño físico y el tipo de arte que suele manejar. “Los trabajos plásticos deben reflejar la realidad de nuestro tiempo desde un discurso que, de forma imprescindible, genere emoción e inquietud ante quien lo contempla” señalan José Martínez Calvo y Luis Valverde, directores de la galería. Me interesa de esto la intención de conservar la calidez de la obra de arte, frente a la otra línea vigente del arte actual, más monumental y dirigido a élites especializadas, menos receptivas a las pasiones de la gente común. Esto no significa falta de complejidad, sino todo lo contrario, como manifiestan Martínez y Valverde “Hay un interés explícito por los denominados artistas trampa, es decir, aquellos que no entregan todo en una primera lectura, que requieren un trabajo de acercamiento, de reflexión, para acceder a lo mejor y más interesante de sus obras a partir del juego con el espectador”.
Human Nature. 2011. Exposición colectiva. Galería Espacio Mínimo
Liliana Porter. To see in red. 2007. Galería Espacio Mínimo
Martin Parr. Millonaire Fair, Moscow 2007 (serie Luxury 1995-2009). 2007. Galería Espacio Mínimo
María Ayuso Esteban 1980, nacida en Madrid, vive y trabaja en Madrid, España.
Obra de María Ayuso comprende pintura y dibujo principalmente, su estilo próximo a la ilustración utiliza recursos del figurativismo para crear imágenes surrealistas, con algunos toques abstractos para crear las atmósferas en los fondos de sus escenas. La principal característica de sus pinturas es el tratamiento del color, pues es lo que más interesa a la artista, sugerir con sus ardientes colores, y llamativos contrastes cierta prestancia en sus cuadros. También, la creación de atractivas texturas utilizando la técnica del Dripping. La temática de los cuadros aborda asuntos mitológicos y de fantasía, con una apariencia, a veces, próximo al mundo de la ilustración de cuento infantil o comic. En ocasiones de trata de una entelequia documentada y otras muchas veces de la imaginación de la artista. Existe cierto gusto por la pincelada fresca, por el contacto con la pintura como materia en el cuadro y por los colores muy saturados como seña de identidad. En su obra encontramos influencias del Pop Art y de la ilustración moderna. 1. Valkyrie. 2011.
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2. Green in Red Woman. 2010.
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3. Dream Guardian II. 2011.
Espacios
Los espacios de arte visitados reúnen diferentes aspectos de cómo se gestiona comercial y culturalmente el producto artístico. Mi proyecto no se mueve por el mundo del arte conceptual y tampoco se puede considerar algo emergente. No veo cabida para mi obra en un espacio como el Museo Reina Sofía, donde se requiere que el artista tenga una trayectoria considerable y cierto prestigio en el mundo del arte contemporáneo. La Casa Encendida, sin embargo, presenta proyectos de gran envergadura pero sobre todo dirigidos al tema social y medioambiental. Quizá el espacio que mejor podría acoger mi obra sea Espacio Mínimo. No obstante me gustaría, ahora, centrarme un poco más concretamente en las obras y artistas que encontré en Espacio Mínimo. La galería Espacio Mínimo, presenta estos días una exposición colectiva, Human Nature, realizada entre varios artistas. Siento que mi obra podría entablar relación en especial con los dibujos de Rachell Sumpter, y Jacob Magraw-Mickelson, pero también con lo allí expuesto de Victoria Reynolds y Brendan Monroe. Los dibujos de Jacob resultan muy atractivos, pero a la vez inquietantes, sus dibujos de no muy grandes formatos encierran un mundo con multitud de formas ejecutadas con minuciosidad y delicadeza. Nuestras obras comparten el gusto por los colores intensos y los minuciosos detalles. También la fantasía que ilustra sus trabajos en los cuales encontré cierta influencia por la animación del Studio Ghibli, muestran su gusto por liberar su imaginación.
Rachell Sumpter, y Jacob Magraw-Mickelson Victoria Reynolds realiza unos impactantes cuadros en los que exhibe orgánicas texturas basadas en la carne y realizadas con sumo preciosismo y cuidado. Sus cuadros recrean un mundo sensorial realmente atractivo y
ornamentado. Su obsesión por un manejo depurado de la técnica que roza el hiperrealismo es algo que también quiero conseguir con mi obra. Sus cuadros me son una buena fuente de inspiración. La mayoría de artistas que encontré en la exposición citada de Espacio Mínimo (la galería cuya exposición se podía acercar más a mis gustos personales) trabajan en el dibujo y la pintura formas orgánicas atractivas y coloridas, que me resultan bellas y comparten un gusto por lo visual y lo elaborado que me gustaría llegar a alcanzar. Cabe destacar la obra de Brendan Monroe, el cual se considera a sí mismo como fabricante de cosas que tiene la necesidad de producir y construir, no descarta el tradicional medio del dibujo para representar fielmente sus ideas y conceptos.
María Eugenia González OUTÓN
Las obras que M.E.G. Outón realiza siendo todavía alumna de la facultad de BBAA tienen un carácter experimental. Se caracterizan por la variedad de técnicas que utiliza: transferencias, estampaciones, collages y digitalografías, además de las tradicionalmente ligadas a la representación plástica. En la serie “costurero” los objetos personales representados son una muestra de lo íntimo, un retrato de su autora que encuentra inspiración en lo cotidiano. El proceso de elaboración del proyecto se inicia con la deconstrucción de su “caja de costuras” para crear con sus piezas composiciones geométricas que materializa en xilografías de carácter constructivista. Surgen así las obras “tres cajas” “dos cajas”.
1 Serie COSTURERO, 2010. Grabado.
1959. Nacida en Cádiz. Vive y trabaja en Madrid.
Profundiza con una parte más figurativa que muestra el contenido del costurero y donde la estructura original crea el contexto ideal para la sutil representación de los objetos. En conjunto la obra transmite tranquilidad y una serenidad intrínseca y racional que pone la atención en lo íntimo y personal. Sus “ventanas” son un juego de espacios donde descompone, compartimenta y recompone. Construye su trabajo añadiendo capas de múltiples técnicas hasta conseguir un estado de equilibrio entre lo racional y lo sensible. La ventana pone en relación la vida personal y social. Cada uno de estos espacios, aparentemente vacíos, alude a las influencias del entorno.
2 Detalle IMPERDIBLES 3 Ventanas en el MNCARS. Fotomontaje 4 DigitalografĂas en el MNCARS. Fotomontaje
EXPOSICIONES COLECTIVAS: IMPACTO 92. ARTE DE VANGUARDIA, 1993. BALUARTE, 1994. ARTES PLÁSTICAS, 1996.
PREMIO: Rakú Ciudad de Chiclana, 1989.
MNCARS
En su trabajo como profesora es coordinadora en su centro del programa DAP (Didáctica del Arte y el Patrimonio) vinculado a una metodología de desarrollo del pensamiento visual. “La identidad es un tema recurrente en mi trabajo con niños. Cuando trabajo con mis alumnos partimos siempre del retrato físico y psicológico. Es un camino seguro porque parten de lo conocido, de lo más cercano y personal para ir ampliando el círculo hacia el entorno inmediato y posteriormente hacia otras manifestaciones culturales hasta llegar a lo universal, a lo común como individuos. En el caso de mis alumnos es una necesidad porque son hijos de emigrantes en su inmensa mayoría y los programas de enseñanza no contemplan la necesidad de profundizar en el conocimiento de sus países de origen.
5 Visita al MNCARS 6 Interpretación de “LA TERTULIA” 7 LA TERTULIA. Maruja Mayo 8 Rincón de clase
9 Interpretación de “LECCIÓN DE PIANO” 10 LECCIÓN DE PIANO. Henry Matisse 11 Ejercicio colectivo 5º curso sobre la obra de Miquel Navarro 12 CREACIÓN DE ENTORNOS. Ejercicios alumnos 5º curso
Marta Génova Nace en 1984, vive y trabaja en Madrid, España
La investigación sobre el lenguaje cinematográfico es central en la obra de Marta Génova, que busca siempre tratar motivos cinematográficos con un enfoque pictórico. En la serie Desenfoques (2009-2010) el punto de partida son fotogramas de película en 35mm deformados con un filtro de desenfoque , que después la artista reproduce al óleo. El resultado son cuadros que producen la misma sensación de mareo o desorientación que el desenfoque fotográfico, pero manteniendo la armonía de la dirección de fotografía original y de la composición en el encuadre. En piezas de videoarte anteriores la tónica es también la manipulación de imágenes en movimiento, como en Smoke and Mirrors (2009) una proyección sobre el propio humo que deforma la película, transgrediendo los límites del encuadre y las dos dimensiones de la pantalla. En la pieza In the blink of an eye (2008), la artista reflexiona sobre las teorías del montaje de Walter Murch, sobre el concepto de que la contraposición de dos planos cinematográficos produce una dialéctica que genera una tercera idea independiente de las dos anteriores, que se aloja precisamente en el momento del corte, correspondiente al momento del parpadeo del espectador. En toda su trayectoria hasta el momento Marta Génova explora las formas de interiorizar el lenguaje cinematográfico y establecer conexiones con la experiencia artística.
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BIOGRAFÍA 2004Matriculada por primera vez en Bellas Artes, en la UCM 2005-2006 Cursa tudios de cine en la escuela TAI en Madrid 2006-2009 Cursa la diplomatura de Dirección de Cine en la Escuela de Cinematografía y Audiovisual de Madrid (ECAM) 2008 Cursa estudios de Cine en la New York Film Academy, Nueva York. 2008-2011 Dirige y/o participa en diversos proyectos independientes, cortometrajes y piezas de videoarte. Actualmente cursando la Licenciatura de Bellas Artes en la UCM de Madrid.
1 Manipulaciones digitales, 2010-2011, bocetos preliminares para obras.
4 In the blink of an eye, 2008, video.
2 Desenfoque VII, 2011, Óleo sobre lienzo, 100X100 cm. 3 Smoke and Mirrors, 2009, instalación.
5 Desenfoque IV, 2010, Óleo sobre lienzo, 146 x 114 cm. 6 Desenfoque VIII, 2011, Óleo sobre lienzo, 146 x 114 cm.
“La base de mi trabajo es la convicción de que el lenguaje cinematográfico no es más que la traducción del funcionamiento de nuestros sentidos y nuestra mente a una pantalla de cine”.
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Puntos de encuentro entre la obra de Marta Génova y la galería Maisterravalbuena.
Galería Maisterravalbuena. Poética, introspectiva, biográfica. El espacio expositivo invita a quedarse. Es una galería acogedora y que no intimida al visitante. Para la obra relacionada con la mirada en la infancia, el cine y el relato primario, es un espacio adecuado. Una combinación de la obra pictórica (la obra “adulta”) y la obra audiovisual (la obra “juego”, la reflexión sobre la experiencia infantil de la imagen en movimiento). Por que la una complementa a la otra. “Desenfoques” es al fin y al cabo la destilación de la experiencia de la mirada sobre el cine en la edad adulta: un distanciamiento del relato, de la simbología tranquilizadora, del cuento que reconforta. El círculo de confusión se ensancha y la corriente de significado se corta. Las historias ya no aportan contenido y la imagen ya no apela a nuestro archivo inconsciente de mitos.
“Smoke and Mirrors” y “In the blink of an eye” son indulgencias con el lado inmaduro de la mirada, con el escapismo del relato en movimiento, de las 24 imágenes por segundo que no dejan lugar a la reflexión. Sólo hay un agradable sopor y una gustosa anulación de la capacidad de crítica, sustituida por el goce estético. Son la reflexión sobre la naturaleza del cine: es un canal, pero es un ámbito, una cueva en la que estamos solos pero que compartimos en el inconsciente colectivo. La naturaleza del espacio de Maisterravalbuena permite esa reflexión íntima, además la línea de la galería encaja bien con la mezcla de instalación/escultura/pintura de la obra planteada. Los dos puntos de encuentro con la galería son la reflexión biográfica de los artistas que allí exponen (las muestras suelen tener un carácter casi de confesión) y la libertad de formato, la falta de prejuicios respecto a instalaciones más “participables” que “contemplables”. Esto es ideal en el caso de la obra “Smoke and Mirrors”, por ejemplo, en que la idea es que el espectador participe de la proyección, inmiscuyéndose en ella, escuchándola…
Noemi Herrera
Busco unir las artes, componer con la mayor variedad de registros; Dibujo, animación, diseño de interaccion…. Viajo constantemente capturando imágenes e ideas. Mis trabajos experimentan sobre las nuevas formas de interacción, más en concreto el tránsgenero, ciberpunk... Cube.com; plataforma basada en un cubo de rubick que se transforma a través de fragmentos de las imágenes de los usuarios
Noemi Herrera
Interpretación Sonora; análisis expresivo de los sonidos para crear un sistema de representación que se pueda visualizar en una animaciòn(digital 3d y analogica”lightpainting”) He expuesto en la facultad de bellas artes, centro de juventud (Mostoles), Hfg (Alemania),club lucky strike…He realizado proyectos para Medialab; El suelo como instrumento, Open-lab; construcción de una plaza Interactiva
Espacios Expositivos I:la tabacalera Me gustaría exponer en la Tabacalera porque es un centro social auto-gestionado completamente abierto en el que, aunque llevo poco tiempo conociendolo me siento muy a gusto. Dispone de amplias Instalaciones y reune un público joven y muy activo. Pato Valdés es el cordinador de eventos que siempre nos echa una mano. Ahora estamos estudiando la realizacion de un performance como clausura de una pintura mural en una salita “constelaciones”.Es ideal para hacer performances e Instalaciones, además de proyecciones en los eventos que realizan.
Espacios Expositivos II:Off Limits Off limits significa fuera del l铆mite en tanto contenido y localizaci贸n. Busca generar una estructura que les permita auto-sustentar la actividad culturar y el espacio. El centro se encuentra en Lavapies, una zona popular por su asocionismo y cooperativismo.Clima propicio para fomentar las relaciones de artistas con colectivos sociales. Es una oportunidad para implicarnos en los proyectos que se llevan a cabo en la ciudad y configurar una entidad grupal que nos represente como artistas de la facultad. Este espacio alternativo se utiliza como punto de encuentro y colaboracion. Es m谩s un centro de producci贸n que un lugar de presentaciones individuales Una de las actividades mas llamativas de Off-limits es la convocatoria de proyectos con un jurado independiente del espacio para exponer de una manera fisica o documental en el centro.
Patricia Leguina La base de su producción artística es la de poner en crisis instituciones o estructuras consolidadas dentro de un sistema rígido basado en realidades construidas desde una determinada mirada que ahora pudiera estar necesitando de nuevas realidades subjetivas construidas desde otro lugar y que pudieran estar obsoletas o en trasformación. En sus producciones artísticas siempre hay una revisión de la construcción de la imagen y en ellas se pone en duda el termino representación. En muchas de sus producciones se ha vinculado aspectos clásicos de la escultura y composición a una cierta idea de penetración, de interioridad y de la presencia física del espectador dentro de la pieza, pudiéndose ver como nuevas opciones al paisaje domestico, íntimo y privado donde el propio espectador, en ciertos casos, es parte generadora mediante la intervención (así de la serie cuerpos domésticos invertebrados), o, en otros, es parte interactuante y experimentadora mediante la percepción, olfato, el oído y el tacto (de la serie nidos urbanos). Es característico en su producción la instalación como medio. También es otra nota a destacar la utilización de la imagen sonora en muchas de ellas.
Su peso en oro (82 meses + 1 dia) Instalación que cuestiona ciertas instituciones o parámetros de actuación dentro de una estructura social y su repercusión sobre el individuo. Se quiere con ello provocar en el espectador un repensar sobre nuestras propias estructuras sociales y sus repercusiones tanto en lo publico como en lo privado. En concreto, se está trabajando en el ámbito de la familia, la pareja, el matrimonio y las relaciones afectivas, así como en el papel de la sociedad respecto a las mismas, y el consenso social en la necesidad de su existencia. La relación entre lo privado y lo publico, el papel confesional de la sociedad actual, certificadora y verificadora de lo legítimo. En el caso concreto se cuestiona la institución del matrimonio como certificación de una alianza afectiva y de un compromiso social.
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De la serie nidos urbanos Instalci贸n, medidas variables Audio, lana, metal y textil.
De la serie cuerpos domesticos invertebrados Instalci贸n, medidas variables
Desde el trayecto marcado los espacios en los que interesa contextualizar la producción artística mencionada , sería en espacios exteriores donde a modo de Ágora y por medio del juego se potencializase la intervención de un espectador actor sin el cual la pieza no estuviera conformada. Se potenciaría así la reunión y el mirar colectivo con la intervención sobre la instalación ‘cuerpos domésticos invertebrados’, consistente en módulos movibles sobre los que el espectador-actor podrá intervenir con la idea de generar nuevas miradas, nuevos cuerpos o espacios domésticos. Interesa el poner en crisis la línea entre lo privado, doméstico y público. Para ello, se ha pensado en la plaza del MNCARS y en la plaza del Centro Dramático Nacional Valle-Inclán.
Patricia Sánchez Trujillo 1985, Talavera de la Reina, España
Los retratos ocupan un lugar destacado en la obra de la fotógrafa española Patricia Sánchez Trujillo. En su primer proyecto artístico, Quiet World, 2010-2011, la artista fotografía a mujeres jóvenes en espacios abiertos, como campos o praderas. Como resultado, establece una intensa colaboración que logra apartar a las modelos de su entorno cotidiano y les da carta blanca para expresarse libremente. Creando imágenes envueltas en nostalgia, dotadas de un halo de evasión y sensibilidad. La artista busca representar el universo íntimo que marca la diferencia entre la infancia y la madurez, dando lugar a imágenes con una gran carga de espontaneidad e intimismo. En obras como su segundo proyecto, Dientes de leche, 2010, la artista pretende contar un viaje, un viaje en el cual el espectador regresa a algo muy personal, su propia infancia. Una etapa de nuestra vida en la que no existen normas, donde todo se convierte en un juego. Donde nuestra única preocupación es sobrevivir en un mundo gobernado por los adultos. Para representarlo utiliza un elemento protagonista, la leche. En sus proyectos trata temas subyacentes a su propia vivencia personal. Su serie más reciente, todavía en proceso, está formada por retratos de mujeres dormidas en diferentes espacios interiores rodeados de una atmósfera íntima y misteriosa. Las Durmientes, 2011, evocan una sensación de evasión, nos trasladan a un refugio íntimo donde esconderse del ritmo apresurado de la sociedad. El sueño atrapa a las protagonistas de forma inesperada, abandonándolas en un estado de letargo del que no sabemos cuándo despertarán. Mostrándonos su necesidad de descansar y conseguir escapar del mundo exterior, buscando una alternativa para entender si hay otra forma posible de vivir. A través de la fotografía, la autora reflexiona sobre su propia identidad y su relación con el mundo.
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Quiet World VIII, 2010-2011. Impresión con tintas de pigmentos minerales sobre papel Hahnemühle Photorag de 188 gr.
Dientes de leche III, 2010. Impresi贸n con tintas de 3 Eva, de la serie Durmientes, 2011, Impresi贸n de pigmentos minerales sobre papel Hahnem眉hle Photorag silicona sobre metacrilato, 90 x 70 cm de 188 gr. ----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
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La obra de la artista Patricia Sánchez Trujillo, tiene una relación profunda con el ser humano y sus pensamientos. Respecto a este tema, se está llevando a cabo una exposición colectiva en la galería Espacio Mínimo de Madrid, en la que se presenta, a través de la obra de varios artistas que trabajan diferentes técnicas, una reflexión sobre el individuo y la condición humana. En esta exposición podemos ver obras de diferentes técnicas, tanto pintura como ilustración o fotografía. Esta galería, fundada en Murcia en 1992, y trasladada a Madrid en el 2000, se centra en las últimas tendencias del arte, tanto nacionales como internacionales. Trabajando con fotógrafos de la talla de Erwin Olaf, Martin Parr, Li Wei, o Corey Arnold uno de los protagonistas de su exposición actual, titulada Human Nature. El espacio que alberga la galería es pequeño y acogedor, de ahí su nombre Espacio Mínimo. Las obras expuestas tienen un tamaño pequeño o mediano, algo que también se relaciona con las obras de Patricia, ya que al ser una artista emergente todavía no produce obras en gran formato.
Rafael Munárriz CMYK no info
Cmyk no info es un proyecto artístico que propone una campaña publicitaria sin información cuyo concepto se divide en dos modos de actuación: intervención urbana, donde se desarrolla plenamente la idea; y exposición, donde se crea una instalación como forma de propuesta. Esta división del proyecto queda conceptualizada en las ideas de propuesta y acción. El proyecto surge como respuesta complementaria a la información publicitaria recibida. Trata de proponer el diálogo como intervención y dar respuesta a la comunicación publicitaria, la cual interpreto como un medio de comunicación unidireccional en el que el receptor precisa de voz convirtiéndose así en objetivo de un exceso de información no requerida. Esta intervención se basa concretamente en el método de impresión utilizado comúnmente en la edición de carteles publicitarios a través de la impresión Offset denominado impresión en cuatricromía a través del modelo CMYK. La campaña publicitaria que propongo consiste en la exposición de carteles impresos en uno solo de estos cuatro colores (Cyan, Magenta, Yellow, Key/Black), quedando como resultado una campaña publicitaria sin información consistente en un análisis de la cuatricromía y de la publicidad en sí misma. La idea de propuesta del proyecto CMYK consiste exactamente en mostrar el concepto de la obra como producto dentro de una instalación. Consiguiendo convertir de esta manera el conjunto total de la exposición en una propia obra. Esta acción impone al espectador una publicidad inexistente o silencio publicitario, plantea un “cara a cara” frente a un panel sin sentido y monocromo. Frente a un color clave dentro de toda la información que precisa mirar sin atención. Cmyk es un proyecto en proceso ya que el proyecto en sí consiste en mantener una continuidad y no percibir la obra como un acto aislado. Así pues esta instalación ha sido ya expuesta en distintos espacios como en la ABK de Stuttgart, el Centro Huarte de Pamplona o la Fundación María Forcada de Tudela.
Espacios en relación Elegiría la galería Maisterra Valbuena en relación al dualismo galería joven, arte joven. Más allá de esta simple pero necesaria relación considero por lo que vi en la galería durante la ruta de la semana pasada que su apuesta es arriesgada dentro del mercado del arte. Lejos del claro ejemplo comercial de grabado español de la segunda mitad del siglo XX que se podía ver en la segunda planta de la galería Helga de Alvear. Pese a esta clara postura comercial dentro del arte contemporáneo Helga de Alvear para mí es destacable en lo que a exposiciones arriesgadas se refiere pero siempre dentro de un círculo de artistas de reconocido prestigio. Como ejemplo pongo la exposición “Amigos” de Elmgreen & Dragset. Es por esto mismo que situaría esta galería como sala a admirar pero espacio lejano al arte joven. Por el contrario, lejano al vínculo comercial y referentes dentro de mercado artístico situaría el espacio Off-limits. No había llegado a visitar este espacio antes y me sorprendió muy gratamente. En mi opinión este equipo de gestión es lo que hace posible que el arte contemporáneo pueda fluir por vías lejanas al arte como producto en venta. Esa sala tenía un ambiente de frescura que no lo tenía ninguna otra del circuito que realizamos. Sin duda es de los espacios donde mejor puedo situar el proyecto que presento en la anterior página. Para terminar hablaría de la Casa Encendida como institución que tiene una apuesta acertada en lo que a arte contemporáneo se refiere. Situaría este centro de arte dentro del mercado institucional y como tal he de decir que si llega el día en el que vea mi obra expuesta dentro es que las cosas han ido muy bien. Pienso que se pueden ver increíbles exposiciones en este centro pero varía claramente en el comisario/artista responsable. Situaría fácilmente el proyecto CMYK en este espacio pero sin pensar en el largo camino que hay que recorrer para conseguir ver tu obra expuesta en una institución así.
“Amigos” de Elmgreen & Dragset. Galería Helga de Alvear
“The Conference” Gerda Steiner. La Casa Ecendida
2011 Autorretrato para la clase de Florencio Galindo Grafito 17x26
2010 Dibujos vectoriales
Mi trabajo Acualmente mi trabajo se reduce a los diferentes ejercicios propuestos en clase a lo largo de estos cuatro años en la facultad de Bellas Artes. Responden a “encargos” por lo que no tienen ninguna clase de conexión entre ellos, ni estilística, ni temática. Tampoco guardan relación en cuanto al soporte ya que a lo largo de estos cuatro años me he dedicado a explorar diferentes disciplinas: dibujo,pintura,fotografía,diseño...incluso campos que antes de entrar en la facultad eran desconocidos para mi como la escultura, el grabado, la instalación, el video... Cada una de ellas me ha aportado diferentes conocimientos, aunque no he llegado a profundizar en ningúna disciplina concreta todavía. Este año me propongo seguir aprendiendo y llegar a conocer mejor “mis urgencias”. También explorar que medios son más óptimos para comunicarlas. Ultimamente me siento comoda con el video y aunque hasta ahora no he realizado ningún trabajo personal, he disfrutado participando en trabajos de grupo y es un campo que me gustaría seguir explorando, sin dejar de lado los demás. Silvia Hernando
2010 Pintura Técnica mixta: acrílico, arenas... 100x81 y 100x81
2011 Serie de retratos gastronómicos Fotografía digital
2009 Desnudo Fotografía analógica
2009 Serie de paisaje Fotografía analógica byn 24x18 18x24 18x24
Exposición http://www.youtube.com/watch?v=bthJlNhJbss He elegido la exposición Migraciones: Un planeta en movimiento comisariada por Le Monde diplomatique en español y Fundación Mondiplo que se encuentra en el Torreón 2 de La Casa Encendida. Es una habitación dedicada al analisis de las migraciones y la situación global del planeta. En un panel creo recordar que ponía que hacía el 2090 en España la sequía será tan acusada que empezarán a emerger zonas desérticas. Creo que el medioambiente es un problema del que todo el mundo más o menos somos conscientes pero vemos ya tan cotidiano que no pensamos que sea posible un gran cambio. Creo que la misión del diseño y del arte es entre otras, luchar contra esa desesperanza. Es responsabilidad de los artistas recordar, llamar al cambio, la colaboración y sensibilizar al mundo ante este problema. He elegido esta exposición porque trata un tema que me importa mucho y porque el espacio en el que se encuentra (la terraza de La Casa Encendida) es un espacio que me gusta mucho, es diferente a las demás instituciones y se puede contemplar Madrid desde lo alto. También soy consciente de que quizás por su emplazamiento se encuentra un poco escondido y mucha gente que visita La Casa Encendida no sube hasta arriba. 2011 Fotografías tomadas en la terraza de La Casa Encendida.
Me gusta que una institución como La Casa Encendida muestre exposiciones de esta temática y me gustaría mucho más que le dieran más importacia a esos temas. Quizá con mi trabajo hasta ahora no tiene mucha relación, pero si con mis convicciones personales y me gustaría si puedo desarrollar un proyecto personal que fuese consecuente y responsable con el planeta y las personas que vivimos en él.
HE L GADEAL VE AR: AXE LHÜT T E L aga l er i aHel gadeAl v ea r , s i t ua daen el t r i a ngul odel a r t emues t r aa l v i s i t a nt edes deel 15des ept i embr ea l 29deoc t ubr el aobr adel i nt er na c i ona l a r t i s t aAx el Hut t e. E s t av ezyba j oel t i t ul o“ Rhei nga u” Ax el nosmues t r aunas er i ef ot ogr ác aenl aquel ana t ur a l ez aesl apr ot a goni s t a . Ai s l adel apr es enc i adel hombr eenc ont r a mosens uobr al o i nt a ngi bl edel ana t ur a l ez ayl ades c ont ex t ua l i z a c i ondel r ea l i s moc ons i gui endoi ma genesquer oz a nl aa bs t r a c c i on.
L AGAL E RI A Hel gadeAl v ea resunadel oses pa c i osex pos i t i v osma sc ons ol i da dosyc onma y orr eput a c i onenl aes c enama dr i l eña des dequeen1995s et r a s l a doas ua c t ua l ubi c a c i on. E nl os700m2del osquedi s poneha nex pues t ol osmej or esa r t i s t a squeha npa s a doporl ac a pi t a l . Comoesbi ens a bi dounadel a sc a r a c t er i s t i c a sdel aga l er i aess ui nt er esporel medi oa udi ov i s ua l , f unda ment a l ment e l af ot ogr aayel v i deo.Auna s i podemosv erena l gunaoc a s i onpa r t edel ac ol ec c i ondeHel gadeAl v ea renl aque c uent ac ont r a ba j osdeot r a sdi s c i pl i na sdea r t i s t a shi s t or i c osc omoT a pi esoMi r o. E nel a pa r t a dol ogi s t i c ol adi s t r i buc i ondel a ss a l a sys usgr a ndespa r edesof r ec ena l a r t i s t aunagr a nl i ber t a des pa c i a l a l ahor adedeni rel t a ma ñodes usc r ea c i onesol adi s t r i buc i onens a l adel a smi s ma s . As i mi s mol aga l er i at i enedoses pa c i osbi en deni dos . Porunl a dol apl a nt aba j a( i ma gen s uper i or ) pordondes eent r aal aga l er i ay dondet r a ns c ur r enl ama y or i adel a sex pos i c i onest empor a l es . Yenl apl a nt as uper i or ( i ma gender ec ha ) unes pa c i or es er v a doal a c ol ec c i onHel gadeAl v ea ryqueesut i l i z a do ena l guna soc a c i onespa r al apr oy ec c i onde v i deos . E s t apl a nt as uper i orquedal apos i bi l i da ddepr oy ec t a rl a sobr a senunes pa c i o es pec ic oc uent ac onel i nc onv eni ent ede quedur a nt eel r es t odel t i empo( mi ent r a ss e ex ponenobr a sdel ac ol ec c i on) l et r a ns mi t e auns er v i dorl ai mpr es i ondes erunmer c a di l l o, a l gopa r ec i doaunat i endader ega l os enunmus eo.
AXE LHÜT T E&VS ANT AMARI NA
AXE LHÜT T E
VS ANT AMARI NA
RE L ACI ONDEOBRA L ar a z ónporl aquehec ons i der a donec es a r i aes t a bl ec erunar el a c c i onent r ees t osdosa r t i s t a sesel t r emendopa r ec i do queenc uent r oent r el aobr adeAx el Hut t eyVi c t orS a nt a ma r i nat a nt oani v el c onc ept ua l c omof or ma l . Ax el Hüt t eesuna r t i s t adedi c a doal af ot ogr aac uy aobr as ec ent r aenel pa i s a j e. Per odel pa i s a j eha c enf ot osmuc hos a r t i s t a s , l aex c epc i ona l i da ddel t r a ba j odeAx el Hüt t er es i deens uma ner adea bor da r l o.E ns ut r a ba j o“ Rhei nga u”l af ot ogr aa , s i mbol odev er a c i da dyr ea l i s moa l c a nz aunni v el dea bs t r a c c i onqueha c eduda ra l es pec t a dors obr equees t a v i endo. J ua ga ndoc onl osr eej os , l osc ol or esyl ac ompos i c i onHut t er ev el aunpa i s a j enuev o, quey as eha y a badent r o del pr opi opa i s a j e. F i na l ment ec r eoi mpor t a nt er ec a l c a rel a l t oc ont eni dopoet i c oyl agr a nbel l ez aqueha bi t aent oda s s usf ot ogr aa syqueha c equedeni t i v a ment e“ Rhei nga u”s eaunaobr aquemer ez c al apenav er . Pors upa r t eVi c t orS a nt a ma r i nades a r r ol l aenl aa c t ua l i da dunpr oy ec t oa l quel l a ma“ Bea ut yi nT i me”yquec ont i ene c i er t osa s pec t osenc omunc onel t r a ba j odeAx el . E npr i merl uga rc oment a r eenquec ons i s t eel pr oy ec t opa r aquepoda most enerunaper s pec t i v ama sa mpl i aal ahor adec ompa r a raes t osdosa r t i s t a s . “ Bea ut yi nT i me”esunpr oy ec t o a quegi r aent or noa l c onc ept odel av i da , dec ómol a ses t a c i onesv a nes c r i bi endos obr ec a dapi el s uhi s t or i a , di buj a ndos obr eel l a sunpa i s a j eyunai dent i da d. F or ma l ment ec ons i s t eenunpr oy ec t oa udi ov i s ua l r oda dof unda ment a l ment eenpl a nosdet a l l equemues t r a ndec er c al ahuel l aquedej ael t i empoenl api el . Des c ont ex t ua l i z a ndoel c uer po huma noypr es ent a ndol oaunaes c a l aa nt i na t ur a l , el es pec t a dorv ea nt eel unai ma gena bs t r a c t aques emuev eyl ev a mos t r a ndopa i s a j esdes t er r a dosdel abel l ez a . ¿ Cua l esel pa r ec i do?Bueno, esobv i oquea mbosa r t i s t a st r a ba j a ns obr eunpa i s a j ec a s i a bs t r a c t oques eenc uent r aa l ma r gendel oquenues t r osoj oses t a na c os t umbr a dosav er .L osdosc ons i guenc r ea res t enuev opa i s a j ea t r a v esdel c a mbi oy as eadees c a l aodepunt odev i s t a . S i bi enesc i er t oquel aobr adeS a nt a ma r i nagi r aent or noaunc onc ept o ma sc onc r et o( l a sc a us a sys i gnic a dosdees ospa i s a j es ) a mbosa r t i s t a sc uent a nens uobr ac onunaf uer t epr es enc i a t a nt opoet i c ac omoes t et i c ayenel c a s odeVi c t oreses epa i s a j eel quedas ent i doal oquev adet r a s .