Levant
ACID ARAB Numéro 80 Novembre 2017
VERTIGES SONORES
JAN KACPRZAK EN T-SHIRT DOLCE & GABBANA, PULL CALVIN KLEIN, ET JEANS ZEGNA.
N°80 – 7,500 L.L.
BEAT OBSESSION
DIOR.COM - 01 99 11 11 EXT.592
R O B E R T D E N I R O a n d B E N J A M I N M I L L E P I E D , N Y, 9 a m
D I S C O V E R T H E C O N V E R S AT I O N AT Z E G N A . C O M
# Z E G N A C O N V E R S AT I O N S
B E I R U T 6 2 A b d e l M a l e k S t r e e t Te l . 0 1 9 9 1 1 1 1 E x t . 2 2 2 A N T E L I A S A ï s h t i b y t h e S e a Te l . 0 4 7 1 7 7 1 6 e x t . 2 1 8
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Sommaire 48
L’édito
50
News
60
Ni blanc ni noir
62
Tendances
70
Un homme en hiver
74
Le son du blouson
82
M.Alessandro Sartori
88
Fétiches
94
Fauve urbain
106
Menotté
110
M.Mads Korneup
114
Comme un baume
120
Extérieur cuir
128
Le “Boyfriend” universel
130
Agent de tops et top agent
134
Acid Arab, le beat citron loukoum
142
Collections Printemps-Été 2018
150
Panthères à peaux d’hommes
172
Une marque, deux générations
186
Maria Hassabi, Staging
194
La quadrature du Square
200
Albi, Made in LB
204
Hadi Zeidan, DJ équilibriste
206
On a trouvé l’homme orchestre
210
L’électro expérimentale de Rabih Beani
AÏSHTI BY THE SEA, ANTELIAS
04 717 716
212
Sons sur mesure
216
Nuits de rave et dragues douces
220
Habibi Funk Records, l’autre son de l’Orient
224
Naissance d’une marque
228
No photos please
230
Martyr de quoi?
234
La guerre derrière les rideaux
236
Plein les murs
238
Pommes d’amour
244
Scission, fusion, explosion
246
Zaatar à toutes les sauces
248
Comme au marché
250
Quand le foot nous rend chèvres
254
Les derniers chemisiers de Beyrouth
258
Le bus en mieux
260
La Porsche parfaite n’existe pas
266
La grande (et belle) illusion
270
Adresses
272
Transe exquise
Levant
N ° 8 0 — N O V E M B R E 2 017
EDITEUR
TON Y SA L A ME GROUP TSG SA L Rédaction RÉDAC TRI CE EN CH EF
FIFI A BOU DIB
R É D A C T R I C E E T C O O R D I N AT R I C E
SOPHIE NA H A S Département artistique
D I R E C T R I C E D E C R É AT I O N
MÉL A NIE DAGHER DIRECTRICE ARTISTIQUE
SOPHIE SA FI Contributeurs PH OTO
BACH A R SROUR , CÉLINE BA R R ER E , R AYA FA R H AT, TON Y ELIEH RÉDAC TI O N
JOSÉPHINE VOY EU X , L AUR A HOMSI, M A R I A L ATI, M A R IE A BOU-K H A LED, M Y R I A M R A M A DA N, PHILIPPINE DE CLER MON T-TONNER R E , SA BY L GHOUSSOUB STYLISME
CLÉLI A C A Z A LS Production DIRECTRICE
A N NE-M A R IE TA BET Retouche numérique
FA DY M A A LOUF
Publicité et Marketing DIREC TEUR GÉNÉR AL COM MERCIAL ET M ARKETIN G
MELHEM MOUSSA LEM
C O O R D I N AT R I C E C O M M E R C I A L E
STÉPH A NIE MISSIR I A N DIRECTRICE M ARKETING
K A R INE A BOU A R R A J Directeur Responsable
A MINE A BOU K H A LED Imprimeur
53 DOTS DA R EL KOTOB
Direction Directrice de la publication, Marie-José Susskind-Jalou Gérants, co-présidents des boards exécutif et administratif Marie-José Susskind-Jalou et Maxime Jalou Directeur général, directeur des boards exécutif et administratif Benjamin Eymère Directrice générale adjointe, membre des boards exécutif et administratif Maria Cecilia Andretta (mc.andretta@jaloumediagroup.com) Assistantes de direction Seti Kheradmand (Marie-José Susskind-Jalou, s.kheradmand@jaloumediagroup.com) et Pascale Savary (Benjamin Eymère, p.savary@jaloumediagroup.com)
Directeur de création Pablo Arroyo Directeur mode
Jérôme André
Rédacteur en chef magazine Baptiste Piégay
Directrice artistique
b.piegay@jaloumediagroup.com
Francesca Occhionero
Market editor mode Anne Gaffié
Graphiste Charlie Janiaut
Rédacteur en chef horlogerie Hervé Dewintre
Assistant de la rédaction mode Emmanuel Pierre
Chef de rubrique photo Pascal Clément p.clement@jaloumediagroup.com
Photographes Maarten Alexander & Sofie Middernacht Ben Alsop Benoît Béthume Luca Campri Écoute Chérie Marco Gazza Marc Hibbert Willem Jaspert Matthieu Lavanchy Jan Lehner Jonas Marguet Clément Pascal Martin Vallin
Secrétaire générale de la rédaction Françoise Emsalem f.emsalem@jaloumediagroup.com Secrétaire de rédaction Diane Carron Coordination magazine Dyanna Barrenechea Traducteurs Héloïse Esquié Fabrizio Massoca Directeur de la production Joshua Glasgow j.glasgow@jaloumediagroup.com Productrice Éléonore Jalou e.jalou@jaloumediagroup.com Directrice de casting Alexandra Sandberg Assistante de casting Catarina Tapper Responsables shopping Laura Leclerc l.leclerc@jaloumediagroup.com Samia Kisri s.kisri@jaloumediagroup.com www.lofficiel.com Félix Besson L’OFFICIEL HOMMES Directeur de création Aldo Buscalferri
Illustrateurs Chris Edser Mila Leva Stylistes Benoît Béthume Michael Darlington Lilly Marthe Ebener Alexandra Faja Loyc Falque Ruth Higginbotham Jason Hughes Samantha Logan Damien Vaughan Shippee Eleonora Succi Auteurs Alexandre Drouot Adrian Forlan Jean-Pascal Grosso Audrey Levy Marie Salomé Peyronnel Fabrizio Massoca Jessica Michault Thibault de Montaigu Edson Pannier Kurt Stapelfeldt Lily Templeton Bertrand Waldbillig Rex Weiner
Rédactrice en chef mode Anne Gaffié
Édité par LES ÉDITIONS JALOU 5, rue Bachaumont, 75002 Paris. Téléphone : 01 53 01 10 30 — Fax : 01 53 01 10 40 L’Officiel Hommes is published monthly — Total : 10 issues by les Éditions Jalou
Éditeur délégué Membre du board exécutif Emmanuel Rubin (e.rubin@jaloumediagroup.com) Publicité Directrice commerciale Anne-Marie Disegni (a.mdisegni@jaloumediagroup.com) Directrice de publicité Nathalie Desaigle (n.desaigle@jaloumediagroup.com) Directeur de clientèle Jean-Sylvain Laborde (js.laborde@jaloumediagroup.com) Chef de publicité digitale Chloé Zerihem (c.zerihem@jaloumediagroup.com) Traffic Manager Marie Detroulleau (m.detroulleau@jaloumediagroup.com) Administration et finances Directeur administratif et financier, membre du board administratif Thierry Leroy (t.leroy@jaloumediagroup.com) Secrétaire général, membre du board administratif Frédéric Lesiourd (f.lesiourd@jaloumediagroup.com) Directrice des ressources humaines Emilia Étienne (e.etienne@jaloumediagroup.com) Responsable comptable et fabrication Éric Bessenian (e.bessenian@jaloumediagroup.com) Diffusion Lahcène Mezouar (l.mezouar@jaloumediagroup.com) Trésorerie Nadia Haouas (n.haouas@jaloumediagroup.com) Facturation Barbara Tanguy (b.tanguy@jaloumediagroup.com) Abonnements TBS Blue, 11, rue Gustave-Madiot, 91070 Bondoufle Tél. : 01 84 18 10 51 ou www.jalouboutique.com (voir page 178) Vente au numéro France VIP, Laurent Bouderlique — Tél. : 01 42 36 87 78 International Export Press, Carine Nevejans — Tél. : 33 (0)1 49 28 73 28 Ventes directes diffusion Laura Leclerc (l.leclerc@jaloumediagroup.com) et Samia Kisri (s.kisri@jaloumediagroup.com) International et marketing Management international et marketing, Flavia Benda (f.benda@jaloumediagroup.com) International editorial et archive manager, Nathalie Ifrah (nathalie@jaloumediagroup.com) Directrice de la publicité internationale Paris, Emmanuelle Hermant (e.hermant@jaloumediagroup.com) Directrice de la publicité internationale Milan, Angela Masiero (a.masiero@jaloumediagroup.com) Senior manager publicité internationale Milan, Claudia Della Torre (c.dellatorre@jaloumediagroup.com) Manager publicité internationale, Carlotta Tomasoni (c.tomasoni@jaloumediagroup.com) Manager publicité Milan, Monica Traina (m.traina@jaloumediagroup.com) Chef de produit diffusion, Jean-François Charlier (jf.charlier@jaloumediagroup.com) Executive coordinator et marketing manager, Pascale Savary (p.savary@jaloumediagroup.com) Graphiste marketing et projets spéciaux Anaëlle Besson, Assistant marketing Antoine Diot (a.diot@jaloumediagroup.com) Publications des Éditions Jalou L’Officiel de la Mode, Jalouse, La Revue des Montres, L’Officiel Voyage, L’Officiel 1000 Modèles, L’Officiel Hommes, L’Officiel Art, L’Officiel Shopping, L’Officiel Chirurgie Esthétique, L’Officiel Allemagne, L’Officiel Hommes Allemagne, L’Officiel Australie, L’Officiel Brésil, L’Officiel Hommes Brésil, L’Officiel Chine, L’Officiel Hommes Chine, L’Officiel Hommes Corée, La Revue des Montres Corée, L’Officiel Espagne, L’Officiel Hommes Espagne, L’Officiel Voyage Espagne, L’Officiel Art Espagne, L’Officiel Inde, L’Officiel Indonésie, L’Officiel Italie, L’Officiel Hommes Italie, L’Officiel Japon, L’Officiel Voyage Japon, L’Officiel Kazakhstan, L’Officiel Hommes Kazakhstan, L’Officiel Lettonie, L’Officiel Liban, L’Officiel Hommes Liban, L’Officiel Lituanie, L’Officiel Malaisie, L’Officiel Maroc, L’Officiel Hommes Maroc, L’Officiel Mexique, L’Officiel MoyenOrient, L’Officiel Hommes Moyen-Orient, L’Officiel Art Moyen-Orient, L’Officiel Mykonos, L’Officiel Pays-Bas, L’Officiel Hommes Pays-Bas, L’Officiel Philippines, L’Officiel Pologne, L’Officiel Russie, L’Officiel Voyage Russie, L’Officiel Singapour, L’Officiel Hommes Singapour, L’Officiel St Barth, L’Officiel Suisse, L’Officiel Hommes Suisse, L’Officiel Voyage Suisse, L’Officiel Thaïlande, L’Optimum Thaïlande, L’Officiel Turquie, L’Officiel Hommes Turquie, L’Officiel Ukraine, L’Officiel Hommes Ukraine, L’Officiel Vietnam www.lofficiel.com — www.jalouse.fr — www.larevuedesmontres.com — www.jaloumediagroup.com Communication et relations presse Thomas Marko & Associés Céline Braun et Emmanuel Bachellerie Tél. : 01 44 90 82 60 Fabrication Impression, suivi de fabrication et papier fourni par Group Valpaco, 3, rue du Pont-des-Halles, 94150 Rungis Imprimé sur des papiers produits en Italie et Finlande à partir de 0 % de fibres recyclées, certifiés 100 % PEFC. De 387 kg de CO² à 449 kg de CO² émis par tonne de papier distribué. Photogravure Cymagina — Distribution MLP Dépôt légal octobre 2017 Commission paritaire N° 0419K89063 — ISSN 1777-9375 Édité par les Éditions Jalou SARL au capital de 606 000 € représentée par Marie-José Susskind-Jalou et Maxime Jalou, co-gérants, filiale à 100 % de la Société Financière Jalou SARL Siret 331 532 176 00087 – CCP N° 1 824 62 J Paris
Fondateurs GEORGES, LAURENT et ULLY JALOU † Directrice de la publication Marie-José Susskind-Jalou
ÉDITO Par Fifi Abou Dib
Plus que jamais la musique est vêtement et le vêtement est musique. Dis moi ce que tu écoutes, je te dirai comment tu t’habilles. Presque tout le monde reconnaît le bling-bling du rappeur des 90’s, chaines dorées à profusion, lunettes griffées et montres XXL à prix XXL. Le cœur des nouveaux hédonistes qui pratiquent le party-hopping dès le milieu de la semaine bat au rythme de l’électro et des collages sonores, beat box, anciens vinyles, oriental, disco, techno. Pour eux, pas question de bijoux voyants ni au contraire de chemise-veston clergyman. La superposition est reine, comme ces sons qui se plaquent les uns sur les autres sans recherche de cohérence, sans autre but que de créer un joyeux vertige et faire converger toutes les ondes positives au fond de l’oreille exactement. Pour les raveurs et les « partyanimals », le t-shirt illustré passe au-dessus de la chemise à manches longues ou du sweat. La chemisette à manches courtes, hawaïenne ou pas, imprimée toujours, prend de la gueule au-dessus d’un pull à col roulé. Les sneakers sont souvent l’accessoire clé, à condition d’avoir le premier le modèle le plus inédit, ou de customiser avec talent l’écrase-motte que tout le monde a déjà usé jusqu’à la corde. On garde le survêtement pour la salle de gym, au risque de passer pour un plouc qui n’a pas pris sa douche après les abdos du soir. Mais on n’hésite pas à enfiler des créations inspirées du sport, stretch, rayures et tags, pour danser et draguer jusqu’au bout de la nuit. Laquelle nuit, depuis qu’elle est nuit, impose ses codes et rassemble ses tribus, pointe les intrus et enlace les fidèles. Même le jour, ils ne la trahiront pas.
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NEWS Par F.A.D MOI CHAUSSURE, TOI AVATAR L’odyssée techno conçue pa r le styliste Romain K remer pour Camper se poursuit cette saison avec la création de six nouveaux avata rs venus cha huter la campagne autom ne hiver 201718 du label de chaussures le plus déjanté de l’industr ie. Chaussure contre créature, la confrontation continue, toujours aussi folle, mettant en compétition le design de l’objet et l’improbabilité des personnages. Une monoch rom ie saturée enveloppe chaussures et humanoïdes dans des compositions sur réalistes, dégoulinantes de peinture fraîche, qui soulignent le ca ractère a r tistique, un r ien ma rginal, du label espagnol Camper. Née à Majorque en 1975, la petite cordonner ie a r tisanale a, depuis, conquis le monde. Camper, Rue Souk el Tawile, Beirut Souks, Centre-ville, Beyrouth, +961 1 99 11 11 ext.568 Camper, Aïshti by the Sea, Antelias, B1, +961 4 717 716 ext.271
MATTO, LE RESTO Quelle meilleure école que la cuisine des grand-mères pour se prendre de passion pour les saveurs, les pa r fums, les textures et le bon heur que tout cela donne aux convives ? Quand toute la fam ille est autour de la table, il se passe alors quelque chose de magique. On oublie les différends et on ne ga rde que l’amour. C’est der r ière ces four neaux-là, sous le rega rd attentif et bienveillant de leur grand-mère que les chefs de Matto ont appr is les bases de leur a r t. La br igade gastronom ique de ce restaurant qui va prendre ses qua r tiers à Aïshti by the Sea en décembre nous promet des plats roboratifs, com me à la maison, et un menu innovant inspi ré des grands classiques de la cuisine italienne. Avec un petit coup de chianti, ça va chanter ! Matto Beirut, Aïshti by the sea, GF, +961 71 444 335
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LUMINEUSE AMULETTE De loin, on di rait une m icro bande de pneu qui vient de traverser un brasier. De près, la collection de bijoux « Forged Ca rbon », déclinée en collier-plaque d’identité, por te-clés et bracelet, s’annonce com me l’or nement ultime du guer r ier urbain. David Yur man lance avec cette ligne audacieuse et futur iste, en ca rbone gravé à l’époxy rouge, sa vision contemporaine de l’amulette protectr ice. Cinquante ans après la mouvance beatni k qui a forgé la culture du célèbre sculpteur et designer, l’ère digitale infuse dans ses créations une esthétique inédite. Aïshti, 71 Rue El-Moutrane, Centre-ville, Beyrouth, GF, +961 1 99 11 11 ext.282 David Yurman Men, Aïshti by the Sea, Antelias, Ground Floor, +961 4 71 77 16 ext.353
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AU DELÀ DES APPARENCES Com me le préconisait Br um mell, on ne se fera pas rema rquer. Cette élégance discrète est pour tant tellement complexe. Chez Cor neliani tout va avec tout, couleurs, étoffes, fonctionnalité et beauté. On peut choisi r à l’aveugle sans se tromper. L e r ythme ch romatique est pa r fait, étudié au fil près, com me ces ombres de br un dans le bleu profond, ou de bordeaux dans le ma r ine, ou de violet dans le noi r et le gr is. R ien n’empêche d’introdui re une touche de spor tswea r dans un ensemble couture ou inversement, tant qu’on se sent bien et qu’on jouit de ce confor t et de cette légèreté appor tés pa r la technologie textile Woolsphere. Et qui per mettent de penser à autre chose Corneliani, 225 Rue Foch, Centre-ville, Beyrouth, +961 1 99 11 11 ext.500 Corneliani, Aïshti by the sea, Antelias, L1, +961 4 71 77 16 ext.217
HIS ROYAL BADNESS De plus en plus ba roques, Dolce & Gabbana proposent une collection « voyou chic » tout en excès drolatiques, badges, cabochons, velours, écussons et broder ies. L e bling-bling des années 90 et du rap bad boy nouveau r iche trouve ici une inter prétation décalée, tissée de tendresse et d’autodér ision. L es slogans brodés affichent le tag « K ing of Love ». Sur les sweats en hom mage à P r ince, dispa r u en 2016, on peut li re « P r ince I was here ». Sur les pantalons cour t un impr imé à motifs de chats, mais le félin se fait pa r fois lion menaçant, une couronne démesurée sur la tête, dans le jacqua rd des pulls. L es accessoi res fa r felus représentent le duo de créateurs en anges ou en démons. L es mules en velours jouent les grands soi rs, tantôt avec un écusson chat, tantôt constellées d’une collection de boutons extravagants. De l’excès, mais pour r i re. Dolce & Gabbana, 146 Rue El Moutran, Centre-ville, Beyrouth, +961 1 99 11 11 ext.555 Dolce & Gabbana, Aïshti by the Sea, Antelias, L1, +961 4 717 716 ext.219
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PASSE-MOI LA HACHE Cet hiver encore, Dan et Dean Caten, les jumeaux canadiens fondateurs de la ma rque Dsqua red2, nous entraînent au fond des forêts du grand nord. Camouf lage neige et ciel, chem ises écossaises, bottes d’alpiniste stylé en box noi r, lacets rouges et bords acier, pantalons la rges à poches zippées, blousons vi r ils qui osent la tr ivialité des manches en toile tabac et les revers en cui r noi r, tout est bour ré de testostérone, même ces chem ises en popeline noi re et plastron en jeans bleu, à la jonction de la fr ime swag et du tablier de menuisier. Aïzone, 71 Rue El Moutrane, Beirut Souks, Centre-ville, Beyrouth, +961 1 99 11 11 ext.140 Dsquared2, Aïshti by the Sea, Antelias, L1, +961 4 717 716 ext.237
CLASSE TOURISTE Gucci revisite le tour isme à l’ancienne, le voyage au long cours et les grandes lignes de chem in de fer. L es célèbres pa rce qu’improbables mules four rées, m i mocassins m i cha rentaises, s’offrent un habillage velours digne des wagons lits du Venise Simplon Or ient-Express. L es mallettes sont enva hies de tags et d’étiquettes fa r felues, com me celles que collectionnaient les écr ivains du Grand Tour. Pa r tout cour t encore le leitmotiv « aveugle pa r amour » qui justifie une attitude au-dessus des contingences. L e ser pent et le tigre, entre ceintures et baskets, assurent force et protection. Gucci, 141 Rue El-Moutrane, Centre-ville, Beyrouth, +961 1 99 11 11 ext.200 Gucci, Aïshti by the Sea, Antelias, L1, +961 4 717 716 ext.223
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BAISE-EN-VILLE C’est l’indispensable petit bagage avec lequel on a toujours l’ai r un peu paumé, un peu suspect. Ma rqué du tr iangle P rada, il a une toute autre allure, avec sa toile satinée et ses poches qui ga rdent le nécessai re à por tée de main. Détails en cui r et fer moi rs en acier qui réagissent en un clic, compa r timents intelligents, matér iaux légers et inusables en font plus qu’un compagnon, un vrai complice de nos vi rées licites et illicites. Aïshti, 71 Rue El Moutran, Centre-ville, Beyrouth, +961 1 99 11 11 ext.120-121 Prada, Aïshti by the Sea, Antelias, L1, +961 4 717 716 ext.231
POÉSIE DU MODERNISME Que fait-on quand le monde s’effondre et qu’il faut tout reprendre de zéro ? On recom mence avec les éléments de base, on remet à plat la géométr ie. C’est ce qu’ont fait les créateurs de la prem ière moitié du 20e siècle. L e m inimalisme qu’ils ont introduit dans l’extravagance ba roque de la Belle Époque et de l’A r t Nouveau annonça une ère nouvelle, celle de la moder nité, ou plutôt du « moder nisme », qui se profilait déjà, dans l’entre-deux guer res, à travers la r igueur de l’A r t Déco. Notre époque secouée pa r l’accélération des technologies réclame elle aussi une pause. La nostalgie moder niste a rattrapé le multi-récompensé créateur de bijoux Ralph Masr i qui rend hom mage à ce courant ma rqué pa r la vision d’Osca r Neimeyer et L e Corbusier. Il lui rend hom mage à travers une ligne de bijoux sobres et géométr iques, où l’a r t de l’équilibre et la science des propor tions fait toute la différence. Ralph Masri Showroom, 100 Rue de Madrid, Mar Mikhael, Beyrouth, +961 1 566 538
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A LA VILLE COMME AU SKI Spor t gentr ifié pa r la jet-set des années 50 à 70, le sk i a ma rqué d’une empreinte indélébile la conception hiver nale de l’élégance décontractée. A la croisée de la vie urbaine et des soi rées fondue au coin du feu après de longues jour nées dans la poudreuse, Z egna a imaginé pour sa ligne infor melle Z Z egna une collection de pantalons à pinces bouffants, ou la rges inspi rés des combinaisons de sk i, ainsi que d’anora ks à capuche à l’ancienne et de pulls rayés vintage. Entre couture et per for mance, des tissus techniques luxueux tels que le Techmer ino Jersey et le Techmer ino sil k, chauffants et ultralégers, sor tis des laboratoi res Z egna, la palette se décline du noi r mat au blanc optique en passant pa r des gr is poudrés relevés d’un trait de vigogne, piment, mouta rde ou ver t sapin. Un vestiai re multifonctions pour aventur ier contemporain. Ermenegildo Zegna, 62 Rue Abed el Malek, Centre-ville, Beyrouth, +961 1 99 11 11 ext.222 Ermenegildo Zegna, Aïshti by the Sea, Antelias, L1, +961 4 717 716 ext.218
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ADOLESCENTS, ÉTERNELLEMENT Dior joue la ca r te de l’éter nelle jeunesse et ça lui va si bien ! Monsieur Dior lui-même se fait tagger le por trait sur des tee-shi r ts faussement gr unge, authentiques œuvres d’a r t en couleurs acides sur fond noi r. L’espr it est rave, saturé d’énergie. La fête sera br uyante ou ne sera pas, on se le tient pour dit, et le luxe habille les piliers des mosh pits, et le mosh se fait danse tr ibale avec de nouveaux codes couleurs et des élancements f luo. Quand le surmesure rencontre l’espr it street, on est tous « Ha rdior ». Aïshti, 71 Rue El-Moutrane, Centre-ville, Beyrouth, Men’s Floor, +961 1 99 11 11 ext.120 Dior, Aïshti by the Sea, Antelias, L1, +961 4 71 77 16 ext.224
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Jonas wears the ribbed turtleneck and Kiki wears the jersey turtleneck. Photographed in Brooklyn, April 2017. calvinklein.com ABC Verdun
NI BLANC NI NOIR Par F.A.D Dans le dictionnaire de Virgil Abloh, « Off White » est moins une couleur qu’un concept : une zone grise entre le blanc et le noir. Dès le départ, cet ingénieur civil qui a couronné ses études par un master en architecture à l’Illinois Institute of Technology sous la direction de Mies van der Rohe, investit son talent dans tous les secteurs de la création. A peine diplômé, il est engagé comme directeur artistique auprès de Kanye West et de son groupe de réflexion créatif, Donda. Entre mode et art contemporain A la suite d’un projet artistique intitulé « Pyrex Vision », Virgil Abloh se lance dans la création d’une marque de vêtements masculins et féminins complétée par une ligne de meubles. L’étiquette Off White est déjà sa signature. Très vite, en 2015, la marque fait partie des finalistes du prix LVMH. En 2016, Virgil Abloh est désigné par le Business of Fashion parmi 60
les créateurs qui redéfinissent l’industrie mondiale de la mode. En 2017, il fait partie des cinq finalistes du prix Svarowski et présente sa collection masculine printempsété 2018 au Pitti Immagine Uomo à Florence. Pour 2019, parallèlement à l’activité de Virgil Abloh dans la mode, une rétrospective de son œuvre artistique est programmée au Musée d’Art Contemporain de Chicago, Illinois. Le vêtement comme mode d’expression Cela donne une idée de la dimension créative d’Off White qui place le vêtement dans une dimension artistique lui permettant de refléter les interrogations et l’esthétique contemporaines. A travers des collections sous-tendues par une narration, Off White explore des concepts sécrétés par le règne de la culture jeune dans le contexte contemporain. Pour Virgil Abloh, il s’agit de traduire une vision claire de la manière dont les vêtements sont portés et de l’expression artistique qu’offre la mode à l’individu.
Photos DR
Off White est une jeune marque de vêtements créée par l’architecte américain Virgil Abloh en 2013. Floutant les lignes entre l’art et la mode, la griffe accumule les prix d’excellence depuis son arrivée dans l’industrie.
ABC MALLS BEIRUT SOUKS CITYMALL BEIRUT CITY CENTER
FLEETWOOD MAC Réalisation CLARA MELKI Bottega Veneta
Hèrmes
Saint
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Laure
Saint Laurent
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Brunello Cucinelli
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KRAFTWERK
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LIFESTEEL SOFA
27/10/17 10:32
UN HOMME EN HIVER Par F.A.D Ce n’est pas tant l’habit que l’aura. Il y a cette lumière, cette palette inimitable parce que profonde et douce à regarder et que seules les plus belles textures, seul ce que la nature a de plus beau à donner, reflètent avec fidélité. La force, la chaleur et l’élégance qui se dégagent des silhouettes ne s’expliquent pas. Structure, finitions, savoir-faire et raffinement des matières créent l’évidence.
Photos DR
Pull à col roulé en laine marine à motif robot en satin. Pantalon large à un pli en velours lisse de coton lie-de-vin
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Blouson à bord-côte en babylamb étrivière bleu pilote en large rayure en peau lainée. Pull ras du cou en cachemire et soie bleu glacier à rayures contrastées. Pantalon étroit à taille haute en gabardine de coton havane. Carré laine et soie imprimé Cent pois ciel, marine et absinthe. Besace Cityslide en taurillon Cristobal kaki.
LE SON DU BLOUSON
Photographie RAYA FARHAT Réalisation SOPHIE SAFI Un bomber, un aviator, un hoodie : un blouson. Et c’est toute une ambiance qui s’ installe. Le moteur qui feule ou pétarade, la foule qui scande, le spray qui chuinte, un riff de guitare qui couvre tout, la légende qui s’ écrit. 74
Bomber en cuir, GUCCI.
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Veste en jeans, SAINT LAURENT.
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Jacket avec capuche, PRADA.
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Veste en cuir avec capuche, DOLCE & GABBANA.
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M. ALESSANDRO SARTORI entretien Auteure ANNE GAFFIÉ
Courtesy Ermenegildo Zegna
Le grand retour d’Alessandro Sartori chez Ermenegildo Zegna signe l’avènement d’une nouvelle ère. Pour le créateur, mais aussi pour la maison de mode. Le premier intègre de nouvelles fonctions, et la seconde décide de se réinventer. À l’heure où le marché du luxe vacille, c’est toute l’entreprise qui se remet en question, de manière audacieuse et visionnaire. Si ce n’est pas une révolution, l’évolution est en marche, ici et maintenant.
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“La mode masculine a considérablement évolué en vingt ans. Et son client aussi. Sa culture du produit, ses goûts, ses comportements d’achat […] Nous n’avions d’autre choix que d’aller de l’avant.”
Il y a un an tout juste, vous reveniez à vos premières amours, chez Ermenegildo Zegna. Comment se sont passées les retrouvailles ? Alessandro Sartori : De la plus simple des manières, comme si nous nous étions quittés la veille. Une longue relation de confiance permet d’aller droit au but.
Nous avons beaucoup échangé avec Gildo Zegna, pendant près de six mois, avant de nous mettre concrètement au travail. Là, nous avons alors plutôt parlé stratégie que création. Notre priorité commune était d’instaurer une vision globale de l’entreprise et du marché. Établir des interactions entre les départements de la première, afin d’être plus réactif et flexible face à un nouveau mode de fonctionnement du second. Pouvez-vous nous expliquer ce nouveau mode de fonctionnement du marché ? Nous sommes à un moment-clé de l’histoire du prêt-à-porter, y compris en mode masculine. De mon point de vue, et de celui du groupe pour lequel je travaille, il était grand temps de mettre en place une nouvelle façon d’aborder ce marché. Tout a été si vite. La mode masculine a considérablement évolué en vingt ans. Et son client aussi. Sa culture du produit, ses goûts, ses comportements d’achat… Face à cela, nous n’avions d’autre choix que d’aller de l’avant afin de devancer ces changements plutôt que de les subir. Les calendriers de production, de présentation des collections, les volumes aussi, la façon dont vous les commercialisez, dont vous communiquez… C’est l’ensemble du système qui est aujourd’hui à repenser. Et quelle est selon vous la meilleure attitude à adopter ? La réactivité face au changement. Savoir être élastique, souple, rapide, c’est le secret. Sans oublier d’être créatif. Faire des propositions, savoir prendre des risques, 84
c’est toujours créer du business. Et c’est valable dans tous les secteurs. Quand Benjamin Millepied, que je connais bien pour avoir de nombreuses fois collaboré avec lui, préfère aller de l’avant avec sa propre compagnie plutôt que de dépendre d’une grosse structure, plus lente par essence, c’est parce qu’il sent qu’il pourra ainsi faire davantage pour l’évolution de la danse contemporaine. Concrètement, chez Ermenegildo Zegna, comment se traduit cette réactivité ? En premier lieu, par le nombre de références présentées dans une collection. Il y a encore dix ans, la majorité de ce qui était montré sur un podium chaque saison n’était pas produit commercialement et le client ne le retrouvait finalement pas en boutique. Il y avait une déperdition énorme. Aujourd’hui, nous faisons en sorte que presque la moitié de ce que vous voyez au défilé soit disponible à la vente. Non seulement en amont, en maîtrisant mieux les déclinaisons afin d’éviter les excès, de colorama par exemple, mais aussi en aval en repensant la façon de distribuer nos produits, de les proposer au client. Comment cela se traduit-il en boutique ? Nous avons pris soin de donner de nouveaux inputs à notre système de distribution, avec trois premières mesures radicales : non seulement veiller à proposer en boutique ce qui défile, mais également offrir à nos clients la possibilité de l’adapter à leurs mesures, voire de le personnaliser au gré de leurs envies. Une sorte de prêt-àporter de luxe
Courtesy Ermenegildo Zegna
Lorsque Alessandro Sartori a retrouvé Gildo Zegna en juin 2016, ce fut d’abord autour d’une table plutôt qu’au fond d’un atelier. Pour se rappeler les bons souvenirs certes, après une première collaboration de presque dix ans (brièvement interrompue entre 2012 et 2015), mais surtout pour parler d’avenir, de stratégie et de vent nouveau. Car Gildo Zegna, le CEO de l’entreprise familiale, l’annonçait il y a déjà un an : “Nous n’avions pas d’autre choix que de changer. Et rapidement.” (Le Figaro 10/11/16)Un constat impérieux sonnant comme un nouveau défi pour cette entreprise centenaire, présente dans plus de 100 pays avec 513 points de vente, et seule marque masculine internationale à posséder un outil de production complet, de la filature à la confection, une intégration verticale performante que l’on surnomme ici le “from sheep to shop”. Avec de nouvelles responsabilités pour son directeur artistique Alessandro Sartori, nommé cette fois-ci à la tête de l’ensemble des lignes du groupe, un titre lui offrant une liberté et un devoir d’anticipation, d’initiative et d’investissement personnel au cœur de ce projet d’envergure. Il signe cette saison sa première collection, et bien plus encore, comme il nous l’explique en exclusivité.
Line-up du dĂŠfilĂŠ Ermenegildo Zegna automne-hiver 2017-2018. 85
à la carte, entre “see now buy now” et “do it yourself”. Sans oublier les trunk shows, ces défilés dédiés à un pays, à une occasion précise… et les collections capsules qui rythment les intersaisons. Cette nouvelle stratégie est complexe mais nécessaire si une marque comme Ermenegildo Zegna veut non seulement satisfaire sa clientèle, mais aussi parler à une nouvelle génération d’hommes. Cette nouvelle dynamique de l’offre va-telle de pair avec le fait d’avoir cédé aux sirènes de la vente en ligne ? Complètement. Cette stratégie de “l’omnichannel”, regroupant ce que l’on appelle les ventes off line et on line, est désormais incontournable on le sait, y compris sur le marché du luxe. Approche à 360°, diversification de l’offre. Alors, bien sûr, tous les produits ne se prêtent pas forcément à la vente en ligne. Difficile pour nous en interne, mais aussi pour nos clients, de renoncer à tout ce storytelling qui accompagne un produit Ermenegildo Zegna. Sa qualité, sa fabrication, sa rareté sont autant de valeurs ajoutées que seul un de nos vendeurs peut raconter comme personne. Le e-shopping est un nouveau vecteur commercial incontournable mais qui peut vite s’avérer frustrant, et qu’il faut savoir adapter à nos offres. Certains produits, plus mode, plus saisonniers, s’y prêtent davantage. Justement, aux antipodes du e-shopping, la maison Ermenegildo Zegna vient d’ouvrir à Milan son premier salon privé dédié au sur-mesure. Est-ce une façon de rappeler son ADN ? Sûrement ! Et aussi de répondre à la demande croissante d’une partie de notre clientèle, nouvelle génération comprise, pour un tailoring d’exception. Incollables sur le sujet, passionnés et exigeants, ces hommes ont une véritable culture du surmesure. Angelo, le directeur de l’atelier Bespoke (via Bigli, 26, ndlr), les reçoit
sur rendez-vous uniquement, et chose incroyable, peut leur proposer de réaliser à leurs mesures l’intégralité de ce que nous fabriquons, jusqu’aux looks du défilé, y compris les pièces denim ou sportswear… Un niveau de personnalisation jamais vu. Depuis l’ouverture, 50 % d’entre eux sont de nouveaux clients. Comment les ateliers de Biella, pétris d’histoire, s’adaptent-ils à ce bouleversement ? C’est une bonne question. Il est évident que chaque secteur de l’entreprise a dû se remettre en question. De l’artisan dans son atelier au vendeur en boutique, en passant par le studio. Et il faut bien avouer que les artisans des ateliers de Biella ont été quelque peu perturbés au début ! Nous avons commencé doucement, en leur demandant chaque mois la production de quelques produits capsule. Puis le rythme s’est accéléré, et les équipes ont suivi avec enthousiasme. Le simple fait de devoir faire se connecter savoir-faire ancestral et technologies d’avant-garde est déjà un challenge passionnant en soi. Arriver à fabriquer une veste en soie ultra-light de 90 grammes ou un blouson en “bucatino” de veau velours tressé, est toujours une petite victoire personnelle ! Cette culture à deux vitesses et cette maîtrise du temps qui passe, c’est ce qui fait le succès de l’entreprise ? Bien sûr. Et Gildo Zegna sait comme personne concilier protection du patrimoine familial et modernisation de l’outil de travail. En termes d’investissements, c’est 50-50. Il a toujours prêté une attention particulière à la sauvegarde de la tradition artisanale de la maison, tout en allant de l’avant, en embauchant la jeune génération, en ouvrant de nouveaux ateliers, comme récemment ceux près de Parme, spécialisés dans les accessoires. Derniers challenges relevés, la formation d’une équipe d’une petite centaine de personnes entièrement 86
dédiée au sportswear, capable d’adapter les techniques du sur-mesure aux impératifs du sportswear. Et l’inauguration de la Achill Farm, une ferme biologique australienne d’où sort une laine 100 % biologique. Cet art de combiner anciennes et nouvelles technologies, vieux métiers à tisser et machines dernier cri, fait la force et la renommée d’une maison comme Zegna. Très peu de compagnies au monde ont cette chance. Et je sais d’expérience, pour avoir étudié l’ingénierie textile, que la haute technologie va parfois trop vite, au propre comme au figuré, pour se substituer à l’ancienne tout en étant capable de réaliser les mêmes prouesses artisanales. Êtes-vous encore aujourd’hui chez Ermenegildo Zegna le créateur que vous étiez avant votre départ, il y a cinq ans ? Oui, mais de façon différente. Logiquement, un créateur devrait pouvoir rester un créateur. N’avoir à se soucier “que” de considérations créatives. Mais c’est aussi dans la stratégie que l’on apprend. Beaucoup. Et ce n’est pas difficile pour moi de m’intéresser à la partie immergée de l’iceberg, j’aime vraiment cela. C’est passionnant de vivre avec son temps. Les grands changements stratégiques et structurels dynamisent le marché et font de ceux qui les initient des leaders. Je trouve que nous vivons dans l’univers du luxe des moments erratiques mais vraiment excitants.
Le luxe à la carte selon zegna - 45 à 50 % de la collection podium se trouve en boutique, tout au moins dans leurs gros flagships mondiaux (Los Angeles, New York, Londres, Milan, Beijing, Hong-Kong, Tokyo, Paris, Shanghai). - 15 looks du show sont disponibles en sur-mesure sous huit semaines, livrables partout dans le monde. - Un service de personnalisation existe désormais en boutique via un “book de création”, mis à la disposition des clients, qui propose des choix de couleurs, design, logo, initiales, motifs…
Courtesy Ermenegildo Zegna
GIVENCHY PAR RICCARDO TISCI
“Faire se connecter savoir-faire ancestral et technologies d’avantgarde est déjà un challenge passionnant en soi. Arriver à fabriquer une veste en soie ultra-light de 90 grammes ou un blouson en ‘bucatino’ de veau velours tressé, est toujours une petite victoire personnelle !”
Les silhouettes préférées d’Alessandro Sartori lors du défilé Ermenegildo Zegna automne-hiver 2017-2018. 87
FÉTICHES Photographe MATTHIEU LAVANCHY Styliste SAMANTHA LOGAN
La chaîne Nom féminin (de l’ancien français chaiene, chaenne) Peut renvoyer à la joaillerie ou encore à l’asservissement (volontaire ou pas), voire à la rhétorique. C’est sa source latine, catena, qui nous réjouit, puisqu’elle évoque aussi bien l’entrave qu’une suite logique. Ici, du désir à la strangulation érotique, il n’y a donc qu’un pas.
Tunique en cuir nappa, collier “Charme lune” en argent, LOUIS VUITTON. 88
La ranger Nom féminin Désigne une chaussure lourde, assez peu appropriée à la pratique du ballet, plus adaptée à la randonnée ou aux conséquences de l’Apocalypse. “Brodequin de marche à jambière attenante” : son strict nom militaire n’incite guère à l’enthousiasme, admettons-le. En version anglicisée, la chaussure épaisse donne soudainement des ailes à l’imagination. Et du courage à qui est soumis à une séance de piétinement, pardon, de trampling (dont on ignore si Charlotte est une adepte).
Pantalon en denim, DRIES VAN NOTEN. Bottes “Gambetta” en cuir de vachette, LOUIS VUITTON. 89
Les chaussettes blanches Nom féminin pluriel (du moyen français chaucette, terme dérivé de chalcette, vers 1150. On estime qu’elle a naturellement un cousinage avec la chausse) Couvrent, protègent et réchauffent les pieds, qu’ils soient chaussés ou non. En l’an 2000 avant notre ère, du côté de la Syrie, la chaussette apparut. On passe sur son histoire – assez banale – et son entretien – assez aisé. Immaculée, elle fait rêver à une propreté vierge de tout vice. Ou à ce qu’elle dissimule.
Chaussettes en coton, mocassins en cuir, GUCCI. 90
Le nez Nom masculin (de l’ancien français nes, découlant, si l’on peut dire, du latin nasus) Désigne l’appendice nécessaire à la captation des odeurs. Il en existe huit types si l’on en croit le Larousse. Si la conversation est un puissant stimulant érotique, l’odeur – douce, parfumée, salée par la transpiration ou par l’océan – rejoint l’oreille au rang des relais du désir. Porter un nez en ceinture ferait plaisir aux surréalistes.
Chemise en flanelle, parka en matière technique, pantalon en coton, ceinture “Nez” en cuir de vachette et cuivre, LOEWE. 91
Le bandana Nom masculin Substantif voyageur : emprunt, par l’intermédiaire de l’anglais à l’hindi, b ndhnu, lui-même sans doute issu du portugais, à l’époque où le Portugal régnait sur Goa et Bombay, et absorbé deux siècles plus tard, au xviiie, par les colons britanniques. Ni mouchoir ni foulard et encore moins cravate, il retient les cheveux, protège le cou du vent et la bouche de la poussière. Cow-boys et gauchos l’affectionnent. Rappeurs (Tupac), rockeurs (Axl Rose) et acteurs (Johnny Depp) se le partagent pacifiquement. Sa version en cuir devrait rallier certains suffrages dans des circonstances que chacun imaginera librement. Chemise et pantalon en denim, CALVIN KLEIN. Écharpe en cuir, DSQUARED2. 92
J A R E D
L E T O MOD. CARRERA PACE
CARRERAWORLD.COM
FAUVE URBAIN Open space et ce béton, ce verre, cette cloison, et derrière la cloison la rumeur de la ruche. Et cette table, et sur la table l’ordinateur, le téléphone, connexion à vif, à l’ instant, flairer, provoquer, réagir, répondre, produire. Mais le paysage mental est tout autre et personne ne le voit.
Photographie TONY ELIEH Direction artistique SOPHIE SAFI Réalisation: MÉLANIE DAGHER Assistante styliste: CLARA MELKI
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Total look, HERMÈS.
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Veste et panatalon, DIOR. Chemise, FENDI. Cravate, DOLCE & GABBANA. Lunettes de soleil, SAINT LAURENT. Chaussures, DOLCE & GABBANA. 96
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Veste et pantalon, CORNELIANI. Chemise, ERMENEGILDO ZEGNA. Ceinture, VALENTINO. Chaussures, DOLCE & GABBANA. Sac, PRADA.
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Veste, DOLCE & GABBANA. Chemise, SAINT LAURENT. Pantalon et collier, DIOR. Lunettes de soleil, GUCCI.
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Page de gauche: pochette, PRADA. Gants, GUCCI. Page de droite: Veste, DOLCE GABBANA. Chemise, ALEXANDER McQUEEN. Pantalon, ERMENEGILDO ZEGNA. Ceinture, GUCCI.
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Page de gauche: Mocassins, HERMÈS. Chaussures, TOD’S. Page de droite: Veste, DOLCE GABBANA. Chemise, ALEXANDER McQUEEN. Pantalon, ERMENEGILDO ZEGNA. Ceinture, GUCCI.
Modèle RYAN AOUN 105
MENOTTÉ montres Auteur BERTRAND WALDBILLIG Photographe MARCO GAZZA Styliste LILLY MARTHE EBENER
Une ligne à l’épreuve du temps, un caractère affirmé, un mouvement d’une sophistication extrême, sans oublier une pointe de poésie et de mystère… les montres de luxe ont tout pour charmer les hommes exigeants.
Chanel “Monsieur”
La montre “Monsieur” marque l’entrée de Chanel dans l’univers de la très haute horlogerie, grâce à son mouvement mécanique de haute volée, le premier de la marque entièrement réalisé en interne. Une véritable démonstration technique, avec ses heures sautantes et sa minute rétrograde, dans un style sobre et épuré, emblématique du chic à la française. Le guichet de la date reprend d’ailleurs la forme de la place Vendôme, tout un symbole… Boîtier en or blanc. Mouvement mécanique à remontage manuel avec heure sautante, minute rétrograde et petite seconde. Bracelet en alligator noir avec boucle ardillon en or blanc. www.chanel.com
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Hermès “Cape Cod TGM Manufacture”
Présentée au début des années 90, la montre “Cape Cod” a rapidement imposé son visage singulier, qui pourrait se résumer à un carré dans un rectangle. Devenue incontournable, avec ses bracelets en cuir maison, à simple ou à double tour, la voici équipée pour la première fois d’un calibre manufacture à remontage automatique. Une discrète révolution, qui réaffirme le savoir-faire de la maison de la rue du Faubourg-Saint-Honoré. Boîtier en acier. Dimensions 33 mm × 33 mm. Mouvement automatique avec heures, minutes, secondes et date. Bracelet en alligator mat graphite avec boucle ardillon en acier. www.hermes.com
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Bvlgari “Roma Finissimo”
En 1975, Bvlgari puise son inspiration dans les racines antiques de la ville pour créer la montre “Roma”, première à inscrire son nom en toutes lettres sur la face de son boîtier. Quarante-deux ans plus tard, la marque présente cette version “Finissimo”, pourvue d’un mouvement manuel extraplat développé dans sa manufacture suisse. Le meilleur du style transalpin associé au savoir-faire helvétique. Boîtier en or rose. Diamètre 41 mm. Mouvement automatique avec heures, minutes et petite seconde. Bracelet en alligator noir avec boucle ardillon en or rose. www.bulgari.com
Mannequin main Frederick Malahieude chez Agence Profil Assistant photographe Daniele Sedda Assistante styliste Lise Lemasson 108
MUSIC ON THE GO
18 TO 25 YEARS OLD
www.bankmedyouthprogram.com T&C APPLY
M. MADS KORNERUP success story Auteur HERVÉ DEWINTRE
Ses bracelets précieux séduisent depuis plusieurs années tout ce que la planète compte de beautiful people. Rencontre à cœur ouvert avec celui qui est à l’origine de la réussite de la marque Shamballa. Collier “Laughing Skull Phurpa”, 17 diamants taille brillant (0,27 carat), diamants, or rose 18 carats. 110
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Mads Kornerup est un Danois pur jus. Yeux bleus, regard pénétrant, sourire éclatant, front décidé, longue chevelure soyeuse. Il est cependant un peu plus que ce cliché parfait du “Danish way of life”. Car, au fond, Mads a passé assez peu de temps au Danemark. Sa vraie vocation, c’est le voyage. Un baroudeur à l’élégance subtile dont la décontraction ne peut jamais être prise en défaut. “J’avais deux ans quand mes parents ont déménagé au Canada, puis à Chicago. Cela a peut-être favorisé mon goût de l’ailleurs, j’ai su en tout cas très jeune que j’étais fait pour découvrir la vaste palette de paysages qui constellent le globe.” De retour au Danemark, il finit ses études et met suffisamment d’argent de côté pour voyager, car il s’est entre-temps découvert une autre aptitude : celle du commerce : “J’achetais et je vendais tout ce que je pouvais – billets de concert, maquillage…” Ce petit pécule lui permet de s’installer au Brésil, il n’a pas 19 ans. Un choc. “Avec mes cheveux blonds et mes yeux bleus, je devais avoir l’air super cool, car on me traitait comme une rock star.” Une descente de police – Mads n’a pas de visa – mettra fin prématurément à cette première grande escapade. Sans pour autant décourager Mads… qui
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s’envole alors pour New York, où il devient assistant photographe. Il travaille pour les plus grands : Peter Lindbergh, Albert Watson.L’appel de la joaillerie s’est fait par une telle succession de hasards qu’on ne peut y voir qu’un signe du destin. “Ma vie est un enchaînement de merveilleuses coïncidences”, admet le futur cofondateur de Shamballa, qui vend ses premiers bijoux à New York, dans le hall d’un studio photo. Des bijoux en argent rapportés d’Inde par un ami. Les mannequins adorent, c’est le déclic. Un python dans la boutique “Je m’étais persuadé depuis plusieurs mois que j’allais devenir photographe, mais cet engouement pour les bijoux que je vendais a modifié ma trajectoire.” Ce qui frappe le plus, lorsqu’on discute avec Mads, c’est sa transparence totale. Il aborde avec une parfaite tranquillité les échecs qui ont émaillé sa carrière, annonce des chiffres de vente, décrit avec minutie les longues tractations menées de front avec des acheteurs frileux. Pour un Français, habitué aux cloisonnements extrêmes, cette transparence est délicieusement rafraîchissante.“Je me suis installé une première fois à Paris en 1994, 111
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dans le Marais, rue des Francs-Bourgeois. Je vendais des bijoux en argent créés en collaboration avec plusieurs designers, des chaussures militaires, il y avait un python dans la boutique, les visiteurs étaient surpris. Ça n’a pas marché très fort. Je pense, avec le recul, que les Parisiens n’étaient pas prêts pour l’expérience que je leur proposais. Personne n’était vraiment prêt à acheter un bijou qui ne soit pas signé Cartier ou Boucheron.” Retour à New York, où Mads inaugure cette fois-ci une boutique au cœur de Soho. Fini l’argent, place aux bijoux en or. Cette décision fut judicieuse, car elle permit à Shamballa de conquérir son premier client illustre. “Je connais bien Zofia Borucka, la femme de Jean Reno. Un jour, elle passe à la boutique avec un ami.” Cet ami, c’est Jay-Z. Le célèbre rappeur souhaite commander un bracelet spécial, qui évoque le yoga et la méditation. Mads, qui a fait de longs séjours en Inde et au Népal, est très sensible à la culture bouddhiste (le nom de sa marque le prouve), il propose un mâlâ précieux. Le rappeur rechigne, il désire quelque chose de plus élaboré. Mads s’enferme plusieurs jours dans l’entresol de sa boutique, cherche, médite. Son idée est la suivante : il veut entrelacer les pierres
Photos DR
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Bracelets “Jewels” 1. 149 diamants taille brillant, corail, cornaline, pierre de lune, or rose 18 carats. 2. 7 diamants taille brillant, diamants, cornaline, ébène, or jaune noirci 18 carats. 3. 120 diamants noirs taille brillant, 7 diamants, saphir marron et jaune, cornaline, ébène, or jaune noirci 18 carats. 4. 7 diamants taille brillant, cornaline, onyx, or jaune noirci 18 carats. 5. 5 diamants taille brillant, saphir marron et jaune, cornaline, or jaune 18 carats, or jaune noirci 18 carats. 6. 23 diamants taille brillant, 40 diamants noirs taille brillant, saphir marron et jaune, cornaline, or jaune 18 carats, or jaune noirci 18 carats. 7. 17 diamants “blanc rustique”, 2 diamants marron, 4 diamants perles marron et or blanc 18 carats, perles roses et en or rose rhodinées et diamants. Prix sur demande.
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précieuses dans le cadenas d’un macramé chinois. L’exécution se révèle difficile. Le coup de pouce du destin se manifestera en la personne d’Evan Yurman. Le fils unique du célèbre joaillier new-yorkais lui prodigue, par amitié, les conseils et les techniques nécessaires à la réalisation du fameux bracelet qui fera la gloire de la maison Shamballa. Le rappeur est comblé. “Il y avait ses initiales S. C. [pour Shawn Carter], le logo de sa compagnie [Rocawear], plusieurs boules constellées de diamants. Jay-Z a adoré.” Ce coup d’éclat devait être suivi de beaucoup d’autres. À tel point que le bracelet Shamballa est depuis devenu un nom commun, entré dans le langage courant. Succession de triomphes Nous sommes en 2009, Paris succombe cette fois-ci au charme new age des bijoux méditatifs de Mads. Les billes de diamants, de rubis, d’ébène, d’onyx, de spinelle noir, toutes enlacées dans leurs nœuds de soie s’arrachent désormais chez Montaigne Market. Un souvenir émeut tout particulièrement Mads : “Je connaissais les goûts de Karl Lagerfeld et j’avais créé plusieurs bracelets – dont un, mon préféré, avec une remarquable
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émeraude – en pensant à lui. Ces bracelets, je les avais déposés chez Colette avec l’espoir secret qu’un jour Karl les achèterait. Or cette année-là, j’ai la chance d’être invité au show haute couture de Chanel par David Wertheimer. À la fin du défilé, Karl Lagerfeld, impeccablement vêtu de noir et blanc, fait son apparition. Il salue le public, sa manche s’abaisse, une lueur verte attire mon attention. Karl portait mon bracelet avec l’émeraude. C’est l’un de mes plus beaux souvenirs.” Cette succession de triomphes n’éloigne pas Mads de ses priorités.“J’ai toujours fait de la joaillerie pour hommes. C’était le point de départ de ma marque et c’est toujours mon but. Pourtant, à partir du moment où j’ai constellé mes bracelets de diamants, la donne a changé, et les femmes se les sont en quelque sorte appropriés. Ça me fait plaisir bien sûr, c’est formidable, mais ce n’était pas mon but. Je me suis donc dit que je devais exalter davantage l’ADN de Shamballa.” Cette essence particulière à la marque est révélée dans sa nouvelle campagne de communication. “Nous avons eu le courage de montrer un homme, car c’est bien à lui que s’adressent mes créations.” La suite ? “Je suis entrepreneur dans l’âme et je fourmille de projets. L’un des plus 112
importants est l’ouverture, cet automne, de mon flagship à New York en plein cœur de Mercer Street. Deux autres boutiques seront inaugurées en Europe dans les mois à venir. L’autre projet, c’est le lancement de ma ligne ‘Special Creations’ : une collection de pièces uniques mettant en lumière, sur une monture en platine, les pierres les plus rares et fines que la nature ait à offrir.” En vente chez Sylvie Saliba, Avenue Charles Malek, Immeuble Quantum Tower, Ashrafieh, T.+961 1 330500
Mikkel (à gauche) et Mads Kornerup, cofondateurs de la maison Shamballa.
ETRO.COM
AÏSHTI BY THE SEA, AÏSHTI DOWNTOWN, AÏSHTI VERDUN
COMME UN BAUME
Photographie RAYA FARHAT Réalisation SOPHIE SAFI S’essouffler et puis souffler. C’est le moment à la fois frais et chaleureux où le parfum nous enveloppe de mille et un sortilège. On se décontracte, on se livre, absent quelques instants. Le temps que les premières notes vertes cèdent la place à d’autres histoires, venues de plus loin, et qui nous flottent sur la peau comme un nuage bienfaisant. 114
Page de gauche: parfum d’intérieur, Feu De Bois, DIPTYQUE. Page de droite: eau de parfum, Oud Minérale, TOM FORD.
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Activateur de jeunesse, Génific HD, LANCÔME.
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Eau de toilette, Emblem Intense, MONT BLANC.
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AÏSHTI BY THE SEA, ANTELIAS FAKHRY BEY STREET, BEIRUT SOUKS, DOWNTOWN BEIRUT
KENZO FILM SERIES #5
CABIRIA, CHARITY, CHASTITY
A FILM BY NATASHA LYONNE
Cabiria, Charity, Chastity follows Chastity, on a surreal journey through a parallel plane, as she realizes that in order to face her future, she must first reconcile her Vaudevillian past. NOW SHOWING AT KENZO.COM/CHASTITY
EXTÉRIEUR CUIR parfums Auteur LIONEL PAILLÈS Photographe ÉDOUARD JACQUINET
La parfumeuse Christine Nagel nous a donné rendez-vous dans le secret de la cave à peaux de la maison Hermès, là où est né le parfum “Galop” et beaucoup d’autres rêves olfactifs où le cuir règne en maître.
C’est à la fête des sens qu’elle nous convie. Contrairement à ce que l’on pourrait imaginer, lorsqu’elle traîne entre les rouleaux de cuir de taurillon, de veau ou de croco qui attendent sagement sur des étagères métalliques impeccablement rectilignes, Christine Nagel, parfumeuse de la maison Hermès, ne vient pas seulement humer la peau, scanner ses effluves, disséquer un à un ses arômes… mais aussi caresser son grain et expérimenter sa “main” (comprenez sa texture), palper les peaux les plus souples. Où ailleurs que dans cet îlot secret, antichambre de la création, niché à équidistance du périphérique et de son nouveau laboratoire, où reposent 800 références de peaux et de cuirs, pourrait-elle expérimenter ce toucher si sensuel qu’elle aime distiller dans chacune de ses compositions ? Du toucher à un parfum ? “Certains ingrédients ajoutent
le tactile à l’olfaction; encore faut-il savoir s’y prendre et se donner corps et âme pour dompter la matière”, explique celle qui a pris la direction olfactive de la maison Hermès il y a dix-huit mois. Piquer une tête dans ce dédale de silence régénère les méninges. Venir se promener dans ce hangar de Pantin gardé comme Fort Knox, c’est revenir d’un simple claquement de doigts aux sources de la parfumerie, c’est s’ouvrir aussi un horizon de rêverie. Ces peaux de toutes les espèces (issues des meilleures tanneries de France et d’Italie) diffusent des épices “verbales” qui enflamment l’imaginaire : pleine fleur pigmentée, buffle skipper, agneau plume, aniline, basane… Sous la lumière artificielle, on susurre les mots Doblis, Epsom, Box (un cuir de veau tanné au chrome), Barenia ou tadelakt, avec le même appétit, avec ce même plaisir raffiné 121
que lorsqu’on prononce dans quelque cave sombre les mots Petrus, Yquem ou Romanée-conti. Le cuir dans la peau Ce qui frappe d’emblée, c’est l’odeur, douceâtre, tendre, pas du tout bestiale ou animale. Il paraît que les cuirs de qualité sentent la fleur… Déjà, Jean-Claude Ellena, maître parfumeur référence de la maison, avait promené son nez dans cet antre apaisé pour composer son fameux “Cuir d’Ange” (2015), onctueux, qui sied si bien à l’épiderme de l’homme (un de ces doux à cuir au grand cœur). Une page de Giono lui inspira un cuir espiègle, jeune, un cuir rêveur à fleur de peau, obtenu à partir du narcisse, du mimosa, du vétiver, et enveloppé de musc. Le cuir, d’ailleurs, est une citation
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Christine Nagel, parfumeuse de la maison Hermès. 122
permanente de la parfumerie en général et de la parfumerie Hermès en particulier. Pour qui aurait vécu sur une autre planète, rappel des épisodes précédents. 1951 : le génial Edmond Roudnitska évoquait dans “L’Eau d’Hermès”, parfum au sillage brûlant, l’odeur du fond d’un sac de femme où flottait encore l’arôme d’un parfum, et peut-être celui d’une conquête (une bloggeuse canadienne l’avait résumé en une formule à la fulgurance drôle et ironique : “le slip de Robert Mitchum dans le sac à main de Grace Kelly”). 1986 : le nez JeanLouis Sieuzac fait naître “Bel Ami”, cuir sombre et décadent, tout juste rafraîchi d’un filet de citron et de bergamote. Hermès ne pouvait trouver sa légitimité en parfumerie que dans l’exploration du cuir. Et lorsqu’on sait que dans la parfumerie de ce compositeur aussi sensuel que fougueux, les garçons sont désirables et les filles au
moins autant, les sens toujours agités et l’appétit aiguisé… N’oublions pas que le cuir, c’est la peau (en tout cas, elle le devient après tout le travail du tannage) et que le parfum se pose sur l’épiderme pour finir par l’épouser. Christine Nagel va nourrir son imaginaire auprès des artisans de la maison, tel ce “maquilleur de sac” capable de retrouver la tonalité bleu de Prusse exacte d’un sac. Elle s’empare d’une pièce de cuir bleu nuit : “C’est en touchant le Doblis, cuir de veau au toucher velours, que l’histoire s’est déroulée dans ma tête. J’ai eu la chair de poule ! Et puis j’ai entendu parler de la fleur du cuir (l’envers de la chair)… Et ce mot-là a résonné : fleur, cuir… marier la rose au cuir”, ajoute-t-elle. Ironie de l’histoire : lorsqu’on aperçoit ces rouleaux de cuir, on constate que l’extrémité ressemble à s’y méprendre au cœur d’une rose. Ces deux-là étaient faits 123
pour s’entendre. “Je n’ai pas voulu travailler le cuir de façon littérale. J’aurais pu couper des morceaux de cuir Doblis et faire une infusion de cuir… Mais je cherchais autant le toucher que l’odeur !” Sans lui vouer un culte fétichiste, Christine Nagel (connue pour son amour immodéré du patchouli) aime de plus en plus cette matière. Éternel enfant grave autour duquel traîne toujours une odeur de danger délectable, le cuir avec elle prend ses aises, il s’illumine, il s’élève, il s’allège. “J’ai eu le coup de cœur pour le Doblis… La porte est ouverte désormais, je composerai peut-être un jour un accord autour du Barenia ou d’autres cuirs d’excellence. Et pourquoi pas un jour une collection entière autour du cuir…” Comme la maison de luxe, le compositeur sait entretenir le désir. Hermès, Bab Idriss, Beyrouth, T. +961 1 999 710
BEIRUT SOUKS, SOUK EL TAWILEH T. 01 99 11 11 EXT: 560 AÏSHTI BY THE SEA, ANTELIAS T. 04 71 77 16 EXT. 263 BEIRUT CITY CENTER, HAZMIEH, LEVEL 1 T. 01 287 187 ALSO AVAILABLE AT ALL AÏZONE STORES IN BEIRUT, DUBAI, AMMAN
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LE « BOYFRIEND » UNIVERSEL Longtemps, pour Amine Jreissati, le stylisme a été cet art à part entière de créer un style, tout simplement. Assortir des créations et des accessoires sur le papier glacé des magazines, habiller des mannequins ou de vraies personnes en analysant spontanément l’équilibre des volumes et des couleurs. Connaisseur des tendances, il s’en sert comme d’autant d’éléments de collages pour inventer des univers ou ressusciter d’autres époques en plein aujourd’hui. Plus que styliste, il est « styleur » s’il faut inventer un mot pour illustrer son obsession du contrepoint qui change tout. La bonne nouvelle c’est
que Jreissati s’est enfin résolu à créer sa propre collection en plus de rehausser inlassablement celles des autres. Un jeudi d’octobre, les modeux et modeuses de la capitale célébraient la sortie de sa première capsule : une collection notamment consacrée au jeans. La toile bleue se prêtait à merveille à cet exercice de style gender fluid, baptisé « Boyfriend », offert par Jreissaty pour la nouvelle saison. On y trouve aussi ces basiques masculinsféminins qu’il adore : redingotes, vareuses, chemises blanches, manches à retrousser en gigot, à fixer au moyen d’un brassard pour jouer avec les longueurs et le mouvement. 128
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Par F.A.D
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Fast Building, 344 Pasteur Street, Gemmayze, Lebanon T. +961 1 562 777 F. +961 1 449 000
AGENT DE TOPS ET TOP AGENT Photos DR
Par MARIE ABOU-KHALED
Fils de mannequin, mannequin lui-même dans son enfance, Farid Haddad était prédestiné à rejoindre cette industrie dont il connaît tous les rouages. Son agence, Wild, est aujourd’hui une référence internationale en termes d’éthique et de diversité. Il nous en parle, dans ses bureaux de South Kensington.
“ Je suis né à Southampton d’une mère anglaise et d’un père libanais. C’était une enfance partagée entre deux mondes et rythmée par des épisodes de guerre et de crise qui provoquaient des allers retours plus ou moins longs entre le Liban et l’Angleterre. J’ai fait mes études primaires à la Sagesse High School, mes études universitaires en Business à l’AUB et un MBA à l’EBS Londres. Mais j’ai beau changer de pays tous les trois ou quatre ans, Beyrouth reste pour moi « la maison »”. A ce survol rapide de son parcours, Farid Haddad ajoute que, dans la logique de ses études, il a commencé sa vie professionnelle en tant que consultant dans le secteur bancaire où il s’est retrouvé « assis dans des bureaux, désœuvré », et puis dans le commerce de la climatisation, tout aussi peu concluant en raison de l’instabilité au Liban. C’est alors que sa mère fait appel à lui pour reprendre la direction de BMA, une agence de mannequins basée à Londres dont elle a acquis la moitié des parts à la faveur d’un héritage.
Une affaire de famille “ Ma mère était top model, raconte Haddad. Elle était mannequin de mode pour une agence très prestigieuse et puis, avec l’âge, elle était devenue mannequin commercial. Mes parents se sont d’ailleurs rencontrés à la faveur d’un shoot auquel elle participait au Liban. Petit, avec mon frère, nous étions souvent enrôlés sur des shoots impliquant des photos mères-enfants. Comme mon père n’était pas mannequin, on nous mettait avec un homme qui jouait le rôle de papa dans la « photo de famille ». Je précise que la mode ne m’intéresse absolument pas, mais vraiment pas. Si ce n’est les vêtements que je dois porter pour être présentable. Je n’aurais pas fait ce métier si j’avais eu le choix. Mais ma mère m’a demandé de m’impliquer dans BMA, une des compagnies que nous dirigeons et dont elle possède 50% des parts. Elle voulait prendre sa retraite. J’y travaille toujours pour assurer la relève. Parallèlement, j’ai fondé avec mon frère BMA Artists, agence spécialisée dans
les acteurs, notamment pour les films publicitaires. Par la suite, j’ai fait la connaissance d’Antonio Vinciguerra, le fondateur à Londres de Next, le deuxième plus grand réseau mondial de top models. Auparavant, il avait fondé Wild qui a été rachetée par Next, devenant Next London. Ensemble, nous avons ressuscité la marque Wild à travers une agence « boutique », plutôt centrée sur les femmes, avec une petite équipe sensible et intuitive. ” Les canons ont changé, la diversité est reine “ Ce qui est intéressant à Wild, souligne le co-fondateur de l’agence, c’est justement ce côté niche qui permet de prendre le temps de trouver des personnes d’exception. Antonio se charge de faire cette recherche dans le monde entier. Ensuite, nous en discutons, et si nous sentons que la personne trouvée est vraiment unique et intéressante selon les critères de Wild, nous l’engageons. À la base, ce métier s’est toujours appuyé sur des beautés classiques.
Des carrières éphémères “ Si la carrière des supermodels est un peu plus longue de nos jours, il faut quand-même être Kate Moss ou quelqu’un qui a réussi à retenir l’attention des médias pendant de longues années pour tenir la route après l’âge butoir de 26 ans. Très rares - une sur un million- sont celles qui y parviennent, poursuit Farid Haddad. Si on est juste mannequin, on peut vite s’entendre dire « Oh, you’re not this season, you’re last season ». On est vite dépassé, on appartient à la saison précédente. C’est triste parce que beaucoup de filles investissent beaucoup de temps sur une carrière en fin de compte éphémère. La plupart des mannequins actives en tant que modèles ou sur les défilés sont des étudiantes. A Wild et BMA on les aide
comme on peut et si on sent que leur carrière s’effiloche, on leur conseille de revenir à leurs études ou de changer de cap. Nous entretenons des relations personnelles avec nos mannequins. Elles sont choyées, couvées, protégées, chouchoutées. On les loge dans de beaux quartiers. Il ne me viendrait jamais à l’idée de les jeter dans une région mal famée. On leur fournit la base pour une vie agréable et cela donne un bon karma. ” Une industrie capricieuse “ Mais il se produit parfois des choses inacceptables, déplore Haddad. Pendant la fashion week, on a eu un client qui s’est amusé à mettre de la glu sur le visage des filles et leurs sourcils. On a connu des scénarios où il était exigé des mannequins de se réveiller à l’aurore et se pointer au rendez-vous pour se voir dire qu’on n’avait plus besoin d’elles. Des filles de 19 ans… Ce n’est pas permis ! Il s’est trouvé un client qui a demandé à accrocher un rat sur le sexe d’une fille ! Il y a des lignes rouges, et notre rôle est de faire respecter nos modèles. Nos filles ne sont pas des quartiers de viande. Certaines viennent de milieux très pauvres, de villages au milieu de nulle part, en Sibérie. Elles ont parfois commencé à l’âge de 14 ans, et font encore ce métier 10 ans plus tard, pour envoyer à leurs proches de quoi manger. C’est important pour moi de connaître leur situation.
Je reproche aussi à l’industrie de la mode d’être mal organisée. Quel besoin a-t-on d’envoyer chercher 100 à 600 mannequins à la fois pour les faire poireauter des heures dans le froid avec leurs portfolios pour ensuite les voir 5 minutes et les congédier ? Il serait tellement plus simple de leur fixer une tranche horaire raisonnable. Je ne comprends pas non plus ces caprices de dernière minute, comme d’envoyer chercher une fille pour un essayage à 1h du matin ou la faire venir de New York pour défiler 1h plus tard. Ce n’est pas compliqué de prévoir ces choses à l’avance et de les programmer à des heures décentes. ” MARS, l’interface mannequin-agence “ Mon projet dans l’avenir immédiat est le lancement d’une application pour mettre en contact les agences de talents et les mannequins, ajoute Haddad. Elle s’appellera «MARS » pour « Model and Artist Reporting System ». C’est une interface qui permet aux mannequins de tenir leur comptabilité grâce à un identifiant, bénéficier d’une messagerie instantanée pour dialoguer avec leurs agences, un calendrier où s’inscrivent automatiquement les bookings qu’elles ont acceptés, etc. Ce projet fait partie de ma contribution à une meilleure gestion du temps et des relations humaines dans l’industrie. ”
www.wild.london; Instagram: @london.wild
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Aujourd’hui, ces canons ont changé. On préfère les femmes androgynes, les sourcils épais. La personnalité joue un rôle immense dans la carrière d’un mannequin. Ce qu’elle fait dans la vie en dehors du mannequinat, son personnage, son assurance quand elle entre dans une pièce, son aura sont plus importants que sa beauté, je crois. Au cours des 15 dernières années, les agents, directeurs de casting et marques ont enfin compris que le monde n’était pas habité que par des blancs. Les mannequins « plus size » trouvent aussi leur place. La diversité gagne du terrain. ”
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De gauche à droite: Guido: Chemise, ACNE STUDIOS. Hervé: Chemise, LEMAIRE. T-shirt, ACNE STUDIOS. Pantalon, LEMAIRE. Kenzy: T-shirt, GUCCI. Pantalon, ACNE STUDIOS. Montre, GUCCI. Bracelet, CARTIER.
ACID ARAB, LE BEAT CITRON LOUKOUM Par F.A.D Photographie, BARRÈRE&SIMON Stylisme, CLÉLIA CAZALS Réalisation, MÉLANIE DAGHER
Ils infusent la techno de musiques analogiques puisées dans le répertoire classique ou improvisé de la tradition arabe. En duo, les DJ Hervé Carvalho et Guido Minisky, ont trouvé ce son électro oriental qui enchante la nuit, de Paris à Beyrouth en passant par toutes les capitales de la fête. Ils nous expliquent
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Pull, ACNE STUDIOS. Pantalon, A.B.C.L. JAPAN.
Top col roulé, STRATEAS CARLUCCI. Chaussures, PRADA.
Tout commence avec le son insolite produit par la ligne de basse d’un synthétiseur devenu mythique : le Roland TB303. A la fois mate et nasillarde, sèche et grésillante comme une sirène antiaérienne des années 40, cette basse analogique soutient au début des 80’s le beat obsédant de l’Acid House, genre musical aujourd’hui « old school » mais véritable ancêtre de la techno. Parti des quartiers misérables de Chicago où il accompagnait les petits bonbons du bonheur chimique, l’Acid House traverse rapidement l’Atlantique et se développe en Angleterre puis en Europe en se teintant de pop et de dance. Jumelle tribale et folklorique de ce beat hypnotique, la musique arabe elle aussi est affaire de transe et de vertige sonore. Ses mélopées engourdissantes accompagnent la nostalgie nomade et le tempo chaloupé des caravanes. Ses percussions nerveuses électrisent les mouvements agiles des danseuses du ventre, enfièvrent les invités des noces et prolongent la fête jusqu’à l’épuisement des participants. Vue sous cet angle, la fusion de l’Acid et de
la musique arabe pourrait sembler évidente. Si toutefois l’on accepte l’évidence d’un couscous aux saucisses de Francfort, d’un siyadiyé au saumon ou d’une tarte aux loukoums. Mais tout dépend de la recette : celle d’Hervé et Guido est savoureuse et le peuple en redemande. Quels sont vos parcours respectifs ? Guido: “ J’ai commencé par collectionner des disques, mixer dans les fêtes, organiser des soirées et faire de la programmation de lieux: j’ai appris à transmettre, compiler et conceptualiser. ” Hervé: “ Je suis arrivé à Paris pour bosser dans le cinéma et j’ai fini par travailler un an plus tard dans un club, ce qui m’arrangeait pas mal puisque j’y passais pas mal de temps. J’ai sorti deux disques avec un premier projet (acid square dance) puis on a créé Acid Arab avec Guido, qui, au delà d’un groupe de musique, est devenu mon mode de vie. ” Comment vous-êtes-vous rencontrés ? On travaillait dans le même club, à Paris, 137
il y a une dizaine d’années. On a traîné ensemble. On a été à nouveau réunis par un bar dans le Xème arrondissement de Paris, puis aux platines d’une soirée mémorable dans un squat. On a proposé pendant deux ans un rendez-vous mensuel au club ‘Chez Moune’ à Pigalle, qu’on a remplacé la troisième année par un nouveau concept: “Acid Arab”. Comment vous est venue l’idée de créer de la musique électro arabe, n’étant pas vous-mêmes d’origine arabe ? “ L’idée est venue suite à l’invitation à mixer pour un festival en Tunisie. Ce séjour fut une rencontre musicale ainsi qu’un voyage initiatique. La rencontre d’une poignée de Tunisiens, dont un musicologue très généreux et deux amis attachants, allait entrebâiller la porte d’une culture qu’on connaissait très mal. Notre goût et notre soif d’en savoir plus se sont développés à toute vitesse. On a alors eu envie de marier cette musique et une partie de notre culture: l’Acid house, qui partageait avec elle des
Manteau, GUCCI. Pull, ACNE STUDIOS.
sons aigus, saturés, vifs, crûs, une urgence et une origine. Ce sont deux musiques qui d’un point de vue d’Occidental basique viennent des ghettos. Ce sont des ghettos bien réels pour l’Acid house de Chicago ou Detroit, et des ghettos culturels pour la musique orientale, qui depuis longtemps était une musique que l’on ne connaissait quasiment que comme une caricature, les violons, les derboukas, les chants… On a découvert la véritable richesse de cette musique tout simplement en y ayant enfin accès, grâce à Internet. Et en achetant des disques, en rencontrant d’autres passionnés. ” Comment avez-vous commencé et à quel moment est venu le succès ? “ On a commencé par inventer un concept de soirée autour de cette thématique Acid house + musiques orientales. Le succès de cette fête mensuelle a généré un grand intérêt. Un groupe d’échange de musiques sur Facebook a grandi de façon exponentielle. Et puis des « edits », des « reworks », et enfin des productions originales se mettaient à jaillir autour de nous. Nous en avons fait nous-mêmes, et avons invité Pierrot Casanova et Nicolas Borne dans notre bande pour nous enrichir de leur savoir-faire musical et de leur studio diabolique. A quatre, nous sommes devenus Acid Arab, du nom de notre soirée, et avons rapidement sorti notre propre musique, ainsi qu’une série de compilations appelées « Collections » sur Versatile. ”
Comment expliquez-vous le succès de votre expérience? “ Il y avait déjà un intérêt grandissant pour les musiques issues des pays arabes et perses quand on a commencé. L’Afrique noire était un territoire déjà largement visité en musique électronique, mais les rencontres orientales étaient plus rares. Et à part quelques artistes comme Muslimgauze ou Dj Cheb I Sabbah, peu avaient bâti leur discographie sur ça. Nous sommes arrivés au bon moment, au moment où cet intérêt s’apprêtait à dépasser le cercle des collectionneurs, leaders d’opinion et branchés de bon goût, pour s’étendre à tous les mélomanes aux oreilles ouvertes. Des labels comme Sublime Frequencies, Finders Keepers, Sahel Sounds, étaient déjà en train d’ouvrir la voie. Nous avons créé le lien avec le dancefloor. Et surtout, nous avions un nom qui a intrigué et attiré les curieux. Nous lui devons beaucoup. ” Pensez-vous que l’on puisse interpréter d’autres musiques « culturelles » de la même manière avec le même succès, ou est-ce la scène arabe qui vit une sorte d’épiphanie ? “ Toutes les musiques du monde (ou presque) avaient déjà subi ce traitement avant nous, et celles qui y avaient échappé y sont passées depuis. Le talent d’une multitude d’artistes venus du monde entier répond oui à votre question. La scène arabe, comme vous dites, 139
cristallise beaucoup d’attention en ce moment, car elle offre quelque chose de neuf, d’unique, d’original. Quelque chose d’immense qu’énormément de gens de cette planète ignoraient. Un trésor d’une amplitude telle qu’on n’aura jamais assez d’une vie pour en faire le tour. Des millions d’heures de musique, d’anecdotes magnifiques, et quelque chose de puissant: cette musique a accompagné l’histoire de chaque pays qui a contribué à la raconter. Les souffrances, les joies, les peurs, la dévotion, ou le rejet d’un modèle imposé sont présents dans des styles, des rythmes, des voix. Et nous avons également été touchés par la relation qu’entretiennent les Arabes avec la musique. C’est charnel. Et solide. Quand on aime un artiste, c’est à la vie à la mort. Les paroles des chansons accompagnent des vies. Elle trouvent les mots qui réconfortent, ou qui font jaillir des émotions: larmes, colère ou joie. La musique s’oppose aux armes, à la pensée unique, elle défend les cœurs purs, elle provoque les tenants du pouvoir. Dans les pays arabes, «on» a tué des chanteurs et des musiciens pour éteindre leur flamme. C’est dire leur importance. ” Qu’est-ce qui est « arabe » dans votre musique ? “ Notre inspiration s’imprègne de la musique arabe aussi bien que de la techno, de la house, et d’autres styles typiques de la musique électronique européenne
Membres du groupe Acid Arab: Guido Cesarsky, Hervé Carvalho, et Kenzi Bourras. Maquillage et coiffure, Céline Martin.
et américaine. Notre musique n’est pas arabe, elle invite la musique arabe à jouer avec elle. Pour y parvenir, nous avons commencé par jouer avec des samples. Et aujourd’hui, quelques années plus tard, nous invitons des musiciens que nous adorons, voire idolâtrons, à jouer avec nous sur notre album: Cem Yıldız d’Istanbul, Rizan Sa’id de Syrie, l’ancien clavier d’Omar Souleyman, les sœurs d’origine yéménite A-Wa, le gnawa parisien Jawad El Garrouge, et bien sûr Rachid Taha, que l’on connaît depuis des années. Kenzy Bourras l’accompagnait déjà au clavier bien avant de nous rencontrer. ” « Acid » et « Arab » sont-ils compatibles? De quelle manière ? “ C’est peut-être à vous de nous le dire! Nous essayons de répondre à cette question dans nos morceaux et nos dj-sets. ” Où jouez-vous en live et où se trouve votre public le plus enthousiaste ? “ On joue partout! Du moins, partout où on 140
nous invite. Nous avons déjà joué au Liban, à Dubai, à Aman, au Caire, en Tunisie, au Maroc, mais aussi au Japon, au Mexique, en Russie, au Canada ou en Finlande! Si on est bon, le public est toujours enthousiaste. ” Vos projets pour un proche avenir ? “ Notre projet actuel, c’est la création d’un label à notre nom, Acid Arab Records. Comme un retour aux sources tout en étant une évolution, nous souhaitons à nouveau donner la parole à d’autres, avec le soutien de notre label, Crammed, situé à Bruxelles, qui s’associe à nous sur cette aventure, nous apporte sa logistique et nous donne sa confiance. Le premier artiste que nous allons sortir est un jeune MC (ndlr : Maitre de cérémonie ou Mic Controller) et producteur égyptien appelé Rozzma, dont le mélange détonnant entre mahraganat et techno nous a conquis en un instant. Vous découvrirez prochainement un remix que nous avons fait pour Yasmine Hamdan, et si tout se passe bien, un nouvel album pour l’année prochaine. ”
STA Z LINDE S FOR R AG & BONE AÏSHTI BY THE SE A ANTELIAS T. 04 717 716 E XT.297 AND ALL AÏZONE STORES T. 01 99 11 11
Collections
printemps-été 2018 Photographe CLÉMENT PASCAL Styliste LOYC FALQUE
Ermenegildo Zegna
Anis : manteau en laine et combinaison en gabardine de coton, ERMENEGILDO ZEGNA. Chaussettes, FALKE. Sandales en cuir, KENZO.
Valentino
Ben et Anis : blousons en matière technique, nylon et cuir, pantalons et chemises en coton, VALENTINO.
Dsquared
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Ben : polo en cuir, DSQUARED2.
Prada
Anis : cardigan en cachemire double face, pantalon en gabardine de nylon, chemise en popeline de coton, ceinture en cuir, chaussettes et baskets en cuir et matière technique, PRADA.
Fendi
Ben : veste en soie technique, chemise en coton et pantalon en viscose, FENDI. Cravate en soie, CHARVET.
Kenzo
Anis et Ben : chemises et cravates en coton, shorts en laine technique, KENZO.
Dior Homme
Anis : costume en ottoman de laine, chemise en popeline de coton et écharpe en satin, DIOR HOMME. Ben : manteau, short et écharpe en ottoman de laine et chemise en popeline de coton, DIOR HOMME.
PANTHÈRES À PEAUX D’HOMMES Photographe, BACHAR SROUR Réalisation et Stylisme, MÉLANIE DAGHER Direction artistique, SOPHIE SAFI Assistante Styliste, CLARA MELKI Lieu, B018.
On s’en Dior, on s’en Prada, on s’en Dolce Gabbana, on Sandro, on s’en fout. On a un tatouage qui dit « Redrum », c’est le verlan de Murder. On pique des trucs aux femmes et on les porte, elles font bien la même chose avec nous. Christian Dior, chauve et visage pâle sur le t-shirt, comme un trophée de chasse. Rimbaud est de retour, on fait de l’art avec ce qu’on veut.
Page de gauche: Top (femme), ETRO. Page de droite: Photo prise par JAN JERZY KACPRZAK Ã Varsovie, Pologne.
Page de gauche: Chemise et pantalon, PRADA. T-shirt, DIOR. Page de droite: Veste, TOMMY HILFIGER.
Pull, SANDRO.
Page de gauche: Polo, GUCCI. Page de droite: T-shirt DOLCE & GABBANA Pull(femme),CALVIN KLEIN Jeans, ZEGNA.
T-shirt et ceinture (femme), Y PROJECT. Pantalon, PRADA.
Page de gauche: Pull, DIOR. Pantalon, PRADA. Page de droite: Pull, SANDRO. Chemise, PRADA. Pantalon, SCHOTT.
Page de gauche: Veste, ICEBERG. Pull (femme), CALVIN KLEIN. Pantalon, DIOR. Page de droite: Pull, TOMMY HILFIGER. Pantalon, DIOR.
Page de gauche: Veste, HACULLA. Pantalon, PRADA. Page de droite: Pull, DIOR. Pantalon (femme), CALVIN KLEIN. Chaussures, FENDI.
Page de gauche: T-shirt, CALVIN KLEIN. Page de droite: photo prise par JAN JERZY KACPRZAK Ã Varsovie, Pologne.
Mannequins: JAN JERZY KACPRZAK ET HADY SAAD Remerciements: NOUR SALIBA
Page de gauche: Chemise, DIOR. Casquette, VALENTINO. Page de droite: Veste et pantalon, PRADA.
Une marque, deux générations London E3 3ND Photographe JEREMIAS MORANDELL Styliste ROMAIN VALLOS 172
Ci-contre, mocassins du soir en veau verni et pantalon en laine, DIOR HOMME. Chaussettes, FALKE. Page de gauche, skate-board en érable à impression sérigraphiée “Mosh Pitz” par l’artiste Dan Witz, sous-pull en jersey de polyamide, pantalon en laine technique et ceinture en veau, le tout DIOR HOMME.
Ci-contre, chaussures en cuir de veau brossé et inserts en veau velours contrasté, pull en laine Shetland imprimée et pantalon en twill de laine, le tout PRADA. Page de droite, briefcase en cuir Saffiano et ornements en acier poli, pull col en V en laine, chemise coton à motifs prince-de-galles, le tout PRADA. Pantalon de costume en laine finement rayée, GUCCI.
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Ci-contre, sac à dépêches “Light 1-37” en veau Togo, costume deux boutons en laine et chemise en coton, le tout HERMÈS. Page de droite, sac pochette “Cityslide Cross Robot” en taurillon, pull en laine et pantalon en gabardine de coton, le tout HERMÈS. Ceinture, DIOR HOMME.
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Ci-contre, sac à dos “Christopher” en cuir Epi Patchwork Monogram, pull col en V en alpaga, laine et détails cuir, chemise en soie rayée et pantalon en laine, le tout LOUIS VUITTON. Page de droite, sac “Keepall Bandoulière 45” en toile Monogram Macassar, chemise pyjama et pantalon “Prêt à partir” en soie imprimée, le tout LOUIS VUITTON.
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Ci-contre, chaussures à lacets en cuir lisse brillant gansé de gros-grain bande Web Sylvie, pantalon de costume en laine finement rayée, le tout GUCCI. Chaussettes en laine fine, FALKE. Page de droite, sac en cuir à double soufflet avec tigre brodé et anse bambou, pull en laine à motifs jacquard en alpaga et pantalon en laine et soie, le tout GUCCI.
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Set designer Miguel Bento chez Streeters Grooming Yoshitaka Miyazaki Modèles Richard Biedul chez Elite London et Marilyn Hommes Paris, Jack Burke chez Marilyn Hommes Paris
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PA R I S 148 SAAD ZAGHLOUL STREET, DOWNTOWN BEIRUT / AÏSHTI BY THE SEA, ANTELIAS
Maria Hassabi Par MARY L. COYNE
Staging
Photo Thomas Poravas. Courtesy de l’artiste et Koenig & Clinton, New York.
L’artiste et chorégraphe newyorkaise Maria Hassabi – exposée récemment à la documenta 14 à Cassel – parasite les conventions spatiales instaurées par la muséographie moderne. En éludant volontairement la présence du spectateur, ses “installations vivantes” composées de corps quasi-pétrifiés frustrent l’appétit des institutions muséales pour les tableaux-vivants chorégraphiques.
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participation du spectateur, ou même de s’adresser directement à la foule. Son travail crée plutôt une intimité implicite qui produit un inconfort initial : en le regardant, on se sent d’autant plus voyeur que les danseurs, tout proches, soutiennent notre regard et nous procurent une conscience aiguë de notre propre présence. Son intérêt pour les rituels sociaux liés au regard la pousse à contester les structures conçues à cet effet – le théâtre et le musée moderne. Le rapport qui s’instaure entre le corps des danseurs et l’espace qu’ils investissent est caractéristique du travail d’Hassabi, pour qui “l’œuvre reste inachevée tant que je n’ai pas déterminé l’espace où elle adviendra”. Son processus chorégraphique commence par l’architecture et par la manière dont le visiteur s’y déplace généralement. Habiter l’espace de cette manière permet à Hassabi de transposer son travail hors du théâtre sans discontinuité, comme lors de la 55e Biennale de Venise où son installation vivante Intermission (Entracte) était présentée dans le Pavillon ChypreLituanie. Interprétée chaque jour dans le désormais défunt Palasport (version brutaliste de l’amphithéâtre grec dévolu aux rencontres sportives), la performance mêlait et traversait les conventions de l’athlétisme, de la danse, du théâtre et de l’installation. Le lieu faisait croire à une représentation chronométrée, ou en tout cas limitée dans le temps, mais la dichotomie habituelle s’en trouvait inversée puisque les spectateurs occupaient la “scène” de ciment, tandis que les performeurs se déplaçaient au ralenti sur les gradins. Cet espace 188
historique aura été pour Hassabi un lieu de transition idéal avant qu’elle s’adresse au public de la Biennale, puisqu’il cristallise la manière dont les modes de la (re)présentation théâtrale reprennent – et viennent parfois perturber – ceux de la sculpture et de l’installation. Confrontée à un musée, Hassabi y choisit les lieux “généralement non activés”, et se montre attirée par le rapport entre corps et architecture plutôt que par les structures de présentation et d’encadrement de l’œuvre. Pour Plastic (2015), elle a redonné vie à l’escalier donnant sur la cour extérieure du Hammer Museum de Los Angeles et, plus tard, à une entrée similaire du Stedelijk Museum. Plastic a été montré récemment dans l’atrium Marion du Moma ; selon Claire Bishop, historienne d’art et théoricienne de la performance, cet espace présente “des contraintes architecturales qui en font sans doute le lieu le moins propice à une pratique de la performance” – même si, au cœur de ce bâtiment traversant, son plancher est visible depuis les passerelles de quasiment tous les étages du musée. Même les visiteurs qui n’ont aucune idée de l’endurance que requiert ce type de travail (dans le musée, par exemple, les danseurs sont tenus de se mouvoir au ralenti, sans interruption, tout au long des heures d’ouverture, souvent plus de huit heures par jour) comprennent que des forces intrinsèquement humaines sont ici en jeu – la résistance physique et morale. Le rapport entre performeur et spectateur passe de l’empathie au malaise puis à une forme d’admiration, moins lié à la virtuosité des performeurs qu’à leur
PHOTO THOMAS PORAVAS. COURTESY DE L’ARTISTE ET THE BREEDER, ATHENS.
Dans un entretien avec l’artiste (2015), le commissaire Aram Moshayedi fait remarquer qu’Hassabi “remet en cause le temps muséologique”. C’est là une observation très juste : si les musées sont littéralement fondés sur le concept de conservation, et celui de l’œuvre intemporelle, le visiteur ne consacre en moyenne qu’une poignée de secondes à chaque œuvre présentée (même s’il est vrai que ce moment de rencontre tend à se prolonger un peu depuis quelques années, le temps d’immortaliser la pièce avec son smartphone). Les “installations vivantes” intitulées Plastic (2014) et Staging (2017), qui investissent le musée pendant quatre à cinq semaines, deviennent des éléments quasi permanents de l’espace muséal, survivant ainsi à leur brève rencontre avec le spectateur. Evoquant les thèmes essentiels de son œuvre, Hassabi parle du “paradoxe de l’immobilité” : sa chorégraphie se construit dans les transitions séparant des moments d’immobilité prolongée, la contradiction étant que dans le monde réel l’immobilité n’est jamais totale, surtout lorsqu’elle s’applique à un corps humain qui vit et respire. L’illusion consiste à faire croire que, comme des sculptures, les corps des performeurs demeurent en place, restant là pendant la durée de l’exposition, nuit après nuit, alors même que les spectateurs sont repartis. Telle a été mon expérience personnelle de Staging : le travail de Hassabi vient récompenser une patience que la sculpture n’exige pas – mais qu’elle récompense tout autant. Hassabi veille à préserver une certaine distance et se garde bien de réclamer la
Double-page précédente, Maria Hassabi, Plastic , 2015-2016, vue de l’installation au Hammer Museum de Los Angeles en 2015. Page de droite, Maria Hassabi, Plastic , 2015-2016, vue de l’installation au Moma de New York en 2016. Performeurs : Tara Lorenzen, Michael Helland et Niall Jones.
PHOTO: THOMAS PORAVAS. COURTESY DE L’ARTISTE ; KOENIG & CLINTON, NEW YORK; THE BREEDER, ATHENS.
Page de gauche, Maria Hassabi, Staging , 2017, vue de l’installation au Walker Art Center de Minneapolis, 2017. Performeur : Jessie Gold. Page de droite, Maria Hassabi, Plastic, 2015-2016, vue de l’installation au Moma de New York en 2016. Performeur Kennis Hawkins.
conscience, et il m’a semblé que les performeurs l’avaient constaté eux aussi, même s’ils ne manifestaient aucune réprobation. Dans Staging (2007), créé au Walker Art Center avant d’être présenté à la documenta 14, Hassabi a su trouver avec plus de force que jamais le juste milieu entre ces deux scènes que sont le théâtre et la galerie. La performance est ici indissociable de l’installation de deux murs lumineux couverts de projecteurs roses, qui s’éclairent selon un schéma prédéterminé coïncidant avec le cycle des deux solos se déroulant dans deux lieux distincts de l’installation. Cette couleur unifie les éléments spatialement disparates en un luxueux tapis de lumière magenta sur lequel les quatre danseurs évoluent tout au long des heures d’ouverture de la galerie. Leurs mouvements constituent une déconstruction littérale des éléments théâtraux dans l’espace du musée. Les projecteurs n’éclairent pas les danseurs et, dans leur luminosité presque crue, invitent et défient le spectateur tandis que les corps en mouvement se déplacent parfois sous nos pieds dans des lieux plus inattendus. Les solistes évoluent dans des espaces choisis, à travers des voies ouvertes entre des installations partiellement obscurcies par des cloisons, sans toutefois assombrir le chemin qu’emprunte naturellement le visiteur à travers le musée. Les conventions relatives à l’étiquette, à la performance et aux chemins balisés dans un musée sont mises en suspens par la présence d’un corps presque immobile. Pour citer la commissaire Suzanne Pfeffer, “les mécanismes efficients du pouvoir et du contrôle sont inscrits dans le corps”. Dans ce contexte, Staging met en valeur une rencontre humaine, et une bonne partie de ce qui est ici présenté défie notre capacité à maintenir un certain détachement vis-à-vis des dangers et des catastrophes mondiales évoqués avec tant d’acuité par documenta 14. Cette pièce nous épargne l’omniprésente culpabilité que suscite l’exposition dans son ensemble : le corps élégant et costumé évoque certes la fragilité tangible de la vie, mais il reste avant tout une présence humaine. Evoquant sa performance de Plastic au Hammer Museum, Hassabi se rappelle les réactions très diverses des visiteurs, dont certains tentaient de 192
venir en aide aux corps allongés sur l’escalier, persuadés qu’il s’agissait de gens blessés qui venaient de chuter ; d’autres préféraient immortaliser la scène avec un selfie parfait ; d’autres encore, profitant de la vulnérabilité des performeurs, n’hésitaient pas à les déshumaniser par leurs remarques ou leurs gestes. Cette vulnérabilité peut être contextualisée dans la lignée de certaines performances historiques, notamment le Cut Piece (1964) de Yoko Ono ou le Rhythm 0 (1974) de Marina Abramovic. Mais, si ces artistes mettaient leur corps à la merci du public et de ses humeurs, les danseurs de Hassabi ne réagissent jamais : ils poursuivent la performance en dépit des comportements et même de la présence du public. Il s’agit d’une rencontre dédoublée, d’où se dégage d’une part la lenteur qui caractérise la plupart des œuvres récentes de Hassabi, et qui semble démentir toute difficulté physique, et d’autre part l’ennui que doivent endurer les performeurs. Quand on voit ces danseurs au physique splendide, vêtus de jeans moulants souvent incrustés de bijoux (Hassabi a travaillé avec la créatrice Victoria Bartlett et avec le collectif de créateurs de mode threeasfour), le froid, la faim, les heures de patience qu’ils ont endurées, tout cela devient invisible mais curieusement plus tangible. A la documenta 14, cette philosophie est présentée comme un moyen de défense contre l’amnésie culturelle. Le choix effectué par l’équipe de commissaires — inclure le corps dans la manifestation par le biais de performances vivantes — renvoie au corps comme bien de consommation. Avec Staging, Hassabi fait subtilement la critique de la fascination de l’institution pour la performance corporelle collective, à travers la dispersion de sa performance et la création de tableaux fortuits offrant des images à la composition superbe, propice à une diffusion sur Instagram. Les corps des performeurs sont à la fois décalés et à leur place ; tout ce qu’ils demandent, c’est qu’on les laisse poursuivre leur mouvement progressif, qu’on les laisse être des objets dans l’espace et qu’on les perçoive en rapport avec l’architecture dans laquelle ils se situent. Leur chorégraphie, quoique minutieusement établie, ouvre progressivement l’espace même où elle est vécue, inspirée et négociée par les danseurs.
PHOTO BY ROBERTAS NARKUS. COURTESY DES ARTISTES.
indéfectible beauté. Staging et Plastic peuvent tous deux être perçus comme un retour à l’affect ; comme le note justement la commissaire Johana Burton, cette relation produit de nouvelles rencontres et des “atmosphères” qui déclenchent chez le spectateur une réaction émotionnelle que l’institution muséale appelle de ses vœux. Cette tendance, qui accompagne l’ouverture des musées à la performance, prépare un terrain que Hassabi investit et critique tout à la fois. Refusant délibérément le vocabulaire de la danse dont elles sont issues, les “installations performatives” de Hassabi, abordent l’affect en évitant la dimension dramatique du théâtre, sans jamais cesser toutefois de renvoyer aux structures théâtrales. Cette interaction critique avec le théâtre est l’enjeu central de la pratique artistique de Hassabi. Sa première trilogie, composée de Solo (2009), de SoloShow (2009) et de Show (2011), reprend le discours et les images de la production théâtrale, et annonce le travail qu’elle effectuera plus tard en dehors de ce milieu. Dans Premiere (2013), elle rejoignait quatre performeurs – Biba Bell, Hristoula Harakas, Robert Steijn et Andros ZinsBrowne – dans la salle de The Kitchen. Le public pénétrant dans l’espace devait passer devant une grille équipée de projecteurs éblouissants puis traverser la scène pour accéder aux gradins situés à l’extrémité de la salle, passant ainsi juste à côté de Hassabi et des performeurs qui avaient déjà pris place au centre de la pièce inondée de lumière. Chacun avait l’impression que le spectacle avait déjà commencé, et que le moment tant attendu de la levée du rideau était passé à la trappe. Une fois installé, le public de Hassabi est comme prisonnier, enveloppé dans un silence parfois assourdissant pendant que les danseurs passent lentement d’une formation à l’autre, si proches qu’ils en deviennent presque palpables. La rencontre temporelle que constitue une représentation théâtrale atteint son point d’incandescence, sous le ballet des projecteurs qui éclairent indifféremment les danseurs et le public. La performance finit par nous englober, nos sens s’éveillent, et chaque spectateur éprouve (et réprime aussitôt) le besoin de changer de position, d’étirer ses jambes, de sortir son téléphone de sa poche ou de jeter un coup d’œil à sa montre. Quand un spectateur assis non loin de moi s’est assoupi, j’en ai aussitôt pris
La quadrature du Square Par YAMINA BENAÏ
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Si elle n’a pas suscité l’unanimité du public, La Palme d’or 2017 a généré un intérêt appuyé du monde de l’art, qu’elle interroge à travers l’implacable portrait d’un conservateur de musée d’art contemporain. Et, au-delà, celui d’une société trop bien-pensante. Toute ressemblance avec des personnes ou des situations existantes ou ayant existé ne saurait être fortuite… L’Officiel s’est entretenu avec le réalisateur, Ruben Ostlund.
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RUBEN ÔSTLUND : Oui, me semble-t-il, et ce à différents égards. Nous vivons une époque où la religion et la politique sont en conflit permanent. Si vous vous efforcez d’exprimer des valeurs humaines, comme tente de le faire The Square, votre propos est approprié par les mouvements de gauche ou de droite, qui vont y trouver matière à justification de leur parole. The Square développe un certain point de vue, affranchi de toute appartenance. Cependant, The Square fait implicitement référence à cette enclave fondée en 2008 en Suède, où un quartier entier a “fermé” pour “protéger” ses riches occupants de possibles nuisances générées par la population considérée comme dangereuse. Paradoxal pour un pays dont le modèle social est cité en exemple. Christian, par ses faux-semblants, son insincérité incarne-t-il ces flux contradictoires ? Effectivement, et il est intéressant d’observer qu’une telle initiative ait pu voir le jour, elle témoigne notamment de la perte totale de confiance en ce projet collectif de société dont la Suède se revendique, consistant à instaurer des passerelles entre les diverses populations. Ce “quartier fermé” est une manière très violente de contrôler l’extérieur. Considérer cet outre-clôture comme une menace, c’est dresser des frontières induisant que la responsabilité, le pouvoir se trouvent dans cet espace intérieur. C’est un signe de l’échec du schéma idéal de la société suédoise, et de la banalisation d’un individualisme grandissant. En lieu et place de cette grande communauté égalitaire à l’échelle de la société entière, se sont créées des communautés réduites, cultivant un entre-soi social rassurant pour ses membres. Or, chacun de nous est partie prenante, non au sein d’une pluralité de micro-unités mais d’un grand ensemble. L’œuvre dont le film tire son titre porte l’inscription “Le Carré est un sanctuaire de confiance et de bienveillance. En son sein, nous avons tous les mêmes droits et les mêmes devoirs.” Un vœu pieu ? Cette œuvre nous rappelle précisément à notre responsabilité collective : à nos droits mais aussi à nos engagements. Banal à dire mais ce sont deux paramètres indissociables. Et dans le film, Christian est mis au défi de ses responsabilités, face à des situations auxquelles il se dérobe. Par lâcheté, par incompréhension, manque de sensibilité
psychologique, par ignorance également. Tout brillant conservateur de musée qu’il est. Dans le faisceau de situations auquel Christian se trouve aux prises, vous mettez en scène la mendicité, un phénomène relativement nouveau en Suède. J’interroge ce facteur, apparu avec la mise en œuvre en Suède des accords de l’espace Schengen, il y a une quinzaine d’années. De nombreux débats ont alors eu lieu sur la manière de gérer cet afflux de mendiants, issus principalement de Roumanie. Et la notion de responsabilité les concernant a immédiatement été placée au plan individuel et non collectif, dans ce cas il s’est rapidement agi de culpabilité qui a pesé sur eux. Plutôt que de rechercher des solutions collectives qui relèveraient de réflexions et décisions au niveau de l’Etat, cette question importante a été laissée à l’“appréciation” de la personne. Christian ne déroge pas à cet état de faits et tente, à sa manière et son échelle individuelle, de gérer ces occurrences récurrentes. Avec sans doute de la bonne volonté mais beaucoup de maladresse. Ce qui, bien entendu, laisse le problème entier. L’œuvre qu’il inaugure dans son musée aborde la question de la responsabilité à hauteur d’une société entière, quant à son quotidien, il évoque la responsabilité individuelle. En ce sens, vous filmez l’espace du musée de même que l’élégant appartement de Christian comme des sanctuaires de sécurité, en comparaison avec l’espace urbain où évoluent des mendiants et des voleurs. Vous utilisez ces deux territoires pour, d’une part la scène du vol de téléphone et portefeuille dont Christian est victime, et dont découle la structure du film ; d’autre part la scène de la performance lors du dîner de mécènes donné en l’honneur de l’artiste auteur de The Square. Là, vous avez choisi d’introduire la “sauvagerie” du dehors car l’artiste performeur endosse si bien son rôle de singe, qu’il fait voler les frontières en attaquant physiquement certains invités, sous l’œil totalement passif de l’assemblée… Jusqu’à ce que le “syndrome du spectateur” ne fasse plus effet sur les convives et qu’ils se ruent en masse et agressent violemment le performeur. Ce syndrome du spectateur m’interpelle : lorsque plusieurs personnes sont témoins d’une scène de violence et n’interviennent pas, saisies de paralysie. Les psychiatres expliquent ce phénomène, notamment, par un processus de dilution de la responsabilité. Une sorte d’inhibition au mouvement naturel d’aide à une personne en danger ou difficulté face à la multiplicité de témoins de l’événement. Le contexte de la scène du vol est ainsi inspiré d’une expérience personnelle à Göteborg, où je réside, mais qui ne concernait pas un vol. Une jeune femme 196
s’est jetée dans mes bras me suppliant de lui porter secours, un homme m’a alors saisi par l’épaule avec une quasi-injonction de l’aider à secourir cette personne. Rétrospectivement, je me suis fait la réflexion qu’une personne isolée, bien que de bonne volonté, n’a pas les moyens pertinents pour briser ce syndrome du spectateur, et que pour ce faire, il est nécessaire de créer un nouveau “groupe”. En l’occurrence cet homme a donné la possibilité que le “je” individuel devienne un “on” collectif. Aussi, il me semble que j’ai envisagé certaines scènes de mon film suivant une perspective comportementale. Mon propos n’est pas de placer la culpabilité sur l’individu mais d’illustrer de possibles modus operandi pour faire “autrement”. Les deux scènes que vous évoquez ont réellement cette vocation d’ordre pratique, souligner un comportement humain peu glorieux mais qui, potentiellement, nous concerne tous. Et indiquer de possibles pas de côté pour éviter les désordres de l’effet de groupe. Il est à noter que lors de cette scène du dîner des mécènes, l’artiste auteur de The Square est le premier a être tourmenté par la performeur-singe, aussi décide-t-il assez rapidement de quitter la réception. L’artiste représentait-il un semblant de civilisation qu’il fallait chasser ? Pour renforcer l’impact de cette scène, et souligner le comportement du performeuranimal qui n’est mû que par des instincts et des besoins, je souhaitais éliminer la figure de l’artiste, concentrant l’attention sur ce moment de performance dans la performance. L’artiste, tout d’abord dans la majesté de sa toute-puissance, entouré de dizaines de donateurs venus célébrer son talent, chute de cette position dominante. Le temps était venu de modifier le “paysage”, renouveler la donne. Si l’on se réfère au territoire artistique des pays scandinaves, on observe une sorte d’excellence en la matière : des commissaires et théoriciens tels Pontus Hulten, des lieux et manifestations de grande qualité comme la Kunsthalle Stavenger. Or il y a une sorte de dissymétrie entre cette excellence et la réalité sociale de ces pays, de même que l’image qu’ils cherchent à livrer d’eux-mêmes. Je ne considère pas les sociétés scandinaves comme “schizophrènes”, mais il me semble qu’elles fonctionnent sur des extrêmes. D’un côté les citoyens ont une confiance démesurée en l’Etat, de l’autre ils sont profondément individualistes. Ainsi, en Suède, par exemple, nous n’accordons pas tant de confiance que cela en les valeurs et la structure familiales, la confiance se situe entre l’Etat et la personne. C’est très particulier. En Allemagne, par exemple, la confiance est portée sur la famille et l’Etat ;
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L’OFFICIEL ART : L’un des postulats du personnage principal de votre film, Christian, est la référence à l’esthétique relationnelle de Nicolas Bourriaud, théorie consistant à “juger les œuvres d’art en fonction des relations interhumaines qu’elles figurent, produisent ou suscitent”, l’art comme possible panseur du lien social détérioré ?
Double-page précédente et ci-dessus, Claes Bang dans le rôle du conservateur du musée. d’art contemporain
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“JE SOUHAITAIS PRIORITAIREMENT METTRE EN RELIEF LE SENTIMENT DE CULPABILITÉ DU PERSONNAGE, QUI NE TROUVERA AUCUN APAISEMENT. LE TEMPS DE RÉFLEXION ET D’ACTION QUI LUI ÉTAIT IMPARTI POUR RÉPARER SON ERREUR ÉTANT RÉVOLU.”
aux Etats-Unis, seule la famille et l’individu comptent, l’Etat y est toujours considéré comme hautement soupçonnable. Ce que j’apprécie dans la société suédoise, c’est sa propension à s’interroger et à lutter pour l’égalité. Dans la Pusher Trilogy, le Danois Nicolas Winding Refn met en scène deux entités opposées : un monde bourgeois confortable, et un univers de gangs d’extrême-droite, auteurs de violences à l’égard des étrangers résidant dans le pays. Dans votre film ces antagonismes sont également définis et incarnés. Christian vit au cœur de la ville et les étrangers se trouvent dans des barres d’habitations en lointaines périphéries, où le conservateur est contraint de se rendre pour tenter de récupérer ses effets volés – après avoir mis au point un minable stratagème. S’il parvient à ses fins, c’est aussi le début de ses ennuis personnels et professionnels. Cette dichotomie est un des problèmes majeurs auquel la société doit faire face et apporter des solutions concrètes afin que l’intégration des populations migrantes – dont le nombre n’a aucune raison de décroître étant donné le contexte géopolitique actuel –, se fasse dans de bonnes conditions. Ce qui s’est produit en Suède est que les classes ouvrières ont eu à faire face aux conséquences de
l’immigration. Qui, à mon sens, revêt une double réalité, positive et négative. C’est une question essentielle et complexe à résoudre, et la désillusion des classes ouvrières a donné naissance à des mouvements extrémistes. Pour ma part, je suis fondamentalement pour une généreuse politique pro-immigration mais il est primordial que l’ensemble de la société mène une réflexion de fond et se prépare à assumer les conséquences. Dans votre film, toutefois, la famille accusée à tort du vol quitte la cité, et Christian au moment de formuler les excuses si vigoureusement et courageusement réclamées par le jeune enfant se retrouve devant porte close. C’est un aveu d’échec de cohabitation des deux mondes. Effectivement, mais ce que je souhaitais prioritairement mettre en relief est le sentiment de culpabilité de Christian, qui ne trouvera aucun apaisement. Son geste arrive trop tard. Il aura à affronter longtemps encore la médiocrité, la bassesse de son attitude. Le temps de réflexion et d’action qui lui était imparti pour réparer son erreur est révolu. Il en prend conscience dans le voyage de retour à bord de sa voiture électrique, un moment alourdi du regard sans concession de ses deux filles, entraînées dans ce parcours qu’il espérait réparateur, voire initiatique. 199
Pourquoi avoir choisi le domaine de l’art contemporain pour exprimer ces sujets ? Lorsque j’ai débuté mes recherches dans le cadre de ce film, je me suis rendu partout dans le monde, visitant de nombreux musées d’art contemporain. A mes yeux, et cela irritera peut-être vos lecteurs, ce que l’on y voit est toujours plus ou moins la même chose : un morceau de néon, un texte composé de néons, un signe en néon sur un mur… Comme s’il s’agissait d’un rituel, un passage obligé pour chacun de ces musée que d’accueillir ce types de pièces, et de tous ressembler au Moma de New York. Les différentes expositions que j’ai vues dans ces lieux n’ont pas fait affleurer tant de nouveaux questionnements que cela. Et il m’est apparu que ce qui est présenté dans ces white cubes est en totale rupture avec la réalité prégnante hors ces murs. En tant qu’individu nous devons, me semble-t-il, nous interroger en permanence. Que suis-je en train de soutenir ? Est-ce un monde tel que les conventions le proposent, où ce que je vois est-il en lien pertinent et interpellant avec la réalité ? Les notions de convention et de provocation évoluent, bien entendu, au fil du temps. L’Urinoir de Duchamp fut une révolution en son temps. Aujourd’hui, il est devenu une convention de l’histoire de l’art. Parallèlement, le discours qu’adoptent les théoriciens de l’art est bien souvent un leurre pompeux, vide de toute matière. J’ai voulu montrer, également, ce que j’estime être de la supercherie.
ALBI, MADE IN LB Par MARIA LATI
Photos DR
Albi puise dans l’héritage culturel libanais pour créer des objets contemporains gracieux et pratiques. Rencontre avec les quatre architectes à l’origine de cette plateforme design.
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Dans Albi, il y a les lettres L B pour désigner le Liban. Albi c’est aussi « mon cœur » en arabe. Un message d’amour pour le pays que les créateurs ont quitté pour mieux y revenir. Armés d’années d’études et d’expérience dans de grands bureaux d’architectures à travers le monde, quatre jeunes passionnés unissent leurs forces pour apporter leur pierre à l’édifice Liban. Ils se définissent comme un collectif. Marianne Safi et Tracey Eid sont diplômées de l’AUB. Elles ont fondé ensemble leur bureau d’architecture MT Spaces et ont réalisé entre autre des projets résidentiels et commerciaux ainsi qu’une édition du jeu Escape the Room. La première s’est envolée pour New York avant de revenir lancer sa boite. Sa partenaire Tracy s’est orientée un moment vers le design produit puis a repris les projets d’architecture. Karl Karam et Michael Najjar ont lancé la compagnie d’architecture Archave. A leur actif, une contribution à la conception de deux lieux cultes de la nightlife beyrouthine, Uberhaus et Discotek, et la réalisation du nouveau The Garten ouvert cet été. Karl a fait ses études à The Architectural Association School of Architecture à Londres, puis un master à Yale et travaillé notamment chez Zaha Hadid et dRMM. Michael Najjar, quant à lui
s’est envolé vers Paris après son diplôme à l’Alba, pour ensuite se spécialiser en design de produits. Forts d’une ambition et d’une vision commune et de la diversité de leurs caractères et expériences, les quatre jeunes talents se penchent ensembles sur chaque nouvelle création pour conserver une approche objective et le recul que permettent leurs différends points de vue. Du bijou à la carafe rétro- futuriste L’aventure débute il y a un an, quand L’Artisan du Liban leur demande de créer une série d’objets design accessibles. Le quatuor conçoit une ligne de bijoux aux formes géométriques. De pair avec des artisans locaux, ils découpent le cuivre en forme d’alvéoles de ruches pour la collection Asal. Leur immersion au cœur de l’artisanat encourage les membres d’Albi à conserver ce va et vient entre technologie et savoir-faire ancestral. Les designers maitrisent les matériaux, qu’ils moulent au gré de leurs inventions. Le Terrazzo, mélange de ciment et chutes de marbre, habituellement utilisé pour le revêtement des sols, prend du relief dans leur dernière création, le Breek, conçu pour la boutique du Musée Sursock. Cet objet design et fonctionnel 201
dérivé de la traditionnelle carafe en terre cuite résume la touche Albi: la base sculptée dans le marbre ou le Terrazzo maintient les glaçons au frais, tandis que la boisson est desservie dans la partie en verre soufflé, et les deux éléments sont liés par un anneau en acier inoxydable coupé au laser. Les fondateurs d’Albi adoptent une approche terre-à-terre, préférant se lancer dans la conception d’objets qui répondent à une demande réelle. Leurs projets sont généralement réalisés sur commande directe de la part de clients, particuliers ou corporate, qui viennent vers eux pour divers événements et occasions. Albi fabrique par exemple une série de plateaux et plats de service colorés en marbre pour une entreprise de restauration. Une nouvelle gamme Albi d’objets en marbre ludiques pour la maison découle de ce projet. Cette ligne réétudie les dimensions et usages; plats à échelle réduite ou vide-poches, mais conserve le matériau et la forme hexagonale adoptée pour le projet initial. Alliage de matériaux inédits, formes audacieuses, et zestes de culture, les quatre architectes gardent les pieds sur leur terre sans oublier cette pulsion du cœur qui se traduit en optimisme et inventivité www.facebook.com/albicreations/
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DO DENIM DIFFERENT.
AVAILABLE IN LEBANON: AÏSHTI DOWNTOWN, AÏSHTI BY THE SEA, AÏSHTI VERDUN, AÏZONE BEIRUT SOUKS, AÏZONE ABC ASHRAFIEH, AÏZONE ABC DBAYE, AÏZONE ABC VERDUN 01 99 11 11 EXT. 585, BEIRUT CITY CENTER T. 01 29 19 91 DUBAI: DUBAI MALL T. +971 4 3882 270, MIRDIFF CITY CENTER +971 4 284 3007, JORDAN: CITY MALL +962 6 582 3724, KUWAIT: THE AVENUES MALL +965 2259 8016
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HADI ZEIDAN, DJ ÉQUILIBRISTE. Par SABYL GHOUSSOUB
DJ des nuits parisiennes et beyrouthines, Hadi Zeidan crée des ambiances à la croisée de l’Orient et de l’Occident et fait vibrer à travers ses sets l’énergie de sa ville natale
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Danser la nuit à Paris a toujours été un calvaire. La capitale devient snob à la fin du jour. Son vrai visage se révèle. Une ville segmentée, m’as-tu-vu et morte dit-on souvent. La nuit n’y est pas légère, sauf dans quelques bars où trouver de la place pour esquisser quelques pas tient vraiment du miracle. Clubber ou sortir en boîte (vilains mots) se résume souvent à faire la queue pendant des heures emmitouflé dans son écharpe, se confronter à un physio moins agréable qu’un policier au poste-frontière ou perdre sa semaine à demander des invitations à des gens à qui l’on aurait préféré ne jamais rien demander. En revanche, je n’oublierai jamais ma première soirée d’adolescent à Beyrouth. Une vraie claque. Si forte qu’elle ma rendu DJ quelques temps. Un métier qui ne m’allait pas comme un gant. Hadi Zeidan, lui, a grandi à Beyrouth et le métier de DJ lui sied bien. Soundcheck, stage et visuals sont autant de mots qui dans ma bouche sonnent faux mais dans la sienne, prennent sens. Une triple équation À peine un pied dans la Bellevilloise, je reconnaissais une ambiance qui m’était familière. Des visages, des touchers et des sons. Un air de Beyrouth flottait dans l’air. Tiré par une amie, j’y étais allé à contre cœur. Je ne connaissais pas encore Hadi ni sa musique, mais il se passait quelque chose de bon. L’esprit n’était pas à l’orientalisme, ce mouvement né au XIXe siècle en Occident, revenu à la mode ces dernières années, une djellaba par ci, un son de oud par là et le tour est joué. Hadi
ne cède pas à cette facilité. Dans ses sets, l’Orient n’est pas un prétexte mais une raison d’être, autant que l’électro. Les deux se confondent sans jamais s’arracher l’un à l’autre. Un artiste libanais originaire de Paris, Beyrouth ou ailleurs se pose souvent la même question. Que faire de ma culture arabe dans mon travail ? Dois-je l’oublier, l’assumer ou l’affirmer ? La réponse se trouve peut-être dans l’équation des trois. L’oublier pour mieux l’affirmer et enfin l’assumer. On a toujours peur d’en faire trop ou pas assez. De nombreux artistes arabes deviennent même de parfaits « occidentalistes » (courant de pensée créé dans la première moitié du XIXe siècle par des intellectuels russes qui considéraient leur pays arriéré et l’Occident comme un modèle de développement. Un complexe encore présent chez beaucoup d’entre nous.) Juste retour du vent Au Liban, l’Europe et l’Amérique ont toujours trouvé leur place. Le vent tourne. On décèle aujourd’hui un peu du monde arabe à Paris, Bruxelles ou ailleurs. Le travail de Hadi en est l’exemple. Ses soirées Paris-Beyrouth-Damas ont été son premier succès. Rebaptisées Beirut Electro Parade, leur nom change mais l’esprit reste. Facebook aide à en retrouver la chronologie. Un « festival » me dit-il, pas une soirée. Un festival vagabond où l’on peut croiser un DJ comme Victor Kiswell. Fétichiste du vinyle, Victor parcourt le monde à la recherche du 33 ou 45 tours 205
introuvable, inédit, la perle rare que les programmeurs, producteurs et musiciens s’arracheront. Son métier ? Personal dealer, vendeur de musique sur-mesure. De l’électro cosmique, au son d’Oran des années 70 en passant par le jazz égyptien, Victor vend mais aussi passe parfois derrière les platines ses sons venus d’un autre monde. On revient toujours à Beyrouth Hadi débute toujours son festival à Paris, sa ville d’adoption. Il passe ensuite où bon lui semble pour enfin terminer sa tournée à Beyrouth. On y revient toujours, c’est plus fort que soi. Quand il en parle, ses yeux brillent. Des rêves pour la ville, il en fait des milliers mais c’est une amante difficile. De mon côté, j’attends impatiemment son premier album. Avant d’être DJ et organisateur de soirées, Hadi est musicien. Il me confesse ne pas être inspiré ces jours-ci. Hier encore, il a composé la nuit entière, et rien. Pas une séquence, ni une boucle. Je connais ce sentiment. Ce néant. Ce vide. La persévérance est la seule arme et il le sait. Sa vie, il la consacrera à la musique. S’il existait une application pour parier sur les futurs artistes avec un grand A, je miserais sur lui tous mes jetons. Hadi ne sera pas un énième pont entre Orient et Occident mais un équilibriste, un funambule. Après tout, le chef-d’œuvre ne tient qu’à un fil. www.hadizeidan.com
Photos ŠGerald Tournier (lowlightsanddecibels.com)
ON A TROUVÉ L’HOMME ORCHESTRE Par MARIE ABOU-KHALED
Magicien de l’ « overdubbing », il se dédouble à l’infini pour former à lui seul des ensembles et syndicats musicaux. Entre musique cinématique, reggae et hip-hop, à même pas trente ans il en est à son 80e album. On vous présente « Messieurs » Charif Mégarbané, alias Hisstology.
De Nice où il a passé son enfance, à Beyrouth où il a grandi, à Montréal où il a fait ses études, à Londres où il les a complétées, au Kenya où il a commencé sa vie professionnelle, et bientôt au Portugal, Charif Mégarbané a beau rouler sa bosse, il habite la musique autant qu’il en est habité. Depuis tout petit, il compose comme on respire et produit à profusion des sons qui ne ressemblent à rien de connu tout en étant étrangement familiers. Il nous raconte. Comment devient-on une « band » avec un seul musicien ? “ A l’âge de six ans, à Nice, je suivais des cours de guitare et de solfège dans un centre de jeunes. J’ai très vite compris que le solfège, ce n’était pas mon truc, et le prof de guitare m’a plutôt encouragé à composer. A la fin de l’année j’ai joué ma propre musique et je suis resté attaché à la guitare, classique puis électrique. Plus tard, vers 12 ans, au cours d’une colonie de vacances en Angleterre, j’ai acheté un
four track tape recorder, un enregistreur de cassettes à quatre pistes, de la marque Tascam. Un engin culte, à l’époque, sur lequel les Beatles ont enregistré toute leur musique. C’est comme ça que je me suis mis à expérimenter avec l’« overdubbing » (ndlr technique de superposition de couches sonores) et à enregistrer plusieurs sons séparément pour ensuite les accorder ensemble. Je le fais toujours, sur le même appareil. Dans tous mes projets, même ceux ayant l’appellation d’ « ensemble » ou « syndicate », je suis seul à jouer, à part dans mon groupe « Heroes and Villains ». Dans ce projet là, il y a deux autres membres, Dominique Salameh, l’un de mes meilleurs potes, et Jeremy Proville que j’ai connu à Montréal. On compose à distance, on s’envoie la musique par email. Dominique commence, il envoie des mesures de batterie sans savoir ce que ça va donner. Je remplis ensuite, comme dans un cahier de coloriage, et Jeremy complète. Je publie mes projets en solo sous une douzaine de noms. Chaque nom représente 207
un style différent. Chacun a sa spécialité : des beats de hip hop sur cassette, du funk, du jazz, de l’oriental, de la musique cinématique (un peu « library music » des années 60 a 80), ou plus récemment du reggae. Tout sauf la House : je n’adhère pas à la musique électronique ou programmée. Grâce à ces identités multiples, je suis sûr de ne pas me répéter. J’ai même réalisé des albums en inventant des musiciens avec des noms fictifs, et beaucoup n’y ont vu que du feu. Mon projet principal est le Cosmic Analog Ensemble. Là, chaque élément est enregistrée en une seule fois pour garder l’énergie du « live ». Je joue sans métronome, je ne programme rien, je ne fais pas de sampling. Entre batterie, basse et guitare, un morceau peut comprendre plus d’une vingtaine de couches. ” Comment composez-vous votre musique ? A partir d’un thème ou juste dans l’absolu? “ Parfois c’est un flot inconscient, après une longue journée de travail où je ne
Un film ? La gloire de mon père et Le Château de ma mère, pour la musique de Cosma. La première fois que je l’ai entendue, ça m’a
donné la chair de poule. Un livre ? J’aurais dit Le Capital de Karl Marx, mais c’est hors sujet. (rires) Une boisson ? Une bonne bière, une Pilsner classe ouvrière. Une collaboration de rêve ? François de Roubaix, qui travaillait un peu comme moi. Sinon Fayrouz, et le génial trompettiste Lester Bowie. Musiciens préférés ? Parmi les musiciens libanais ? Zeid Hamdan, à la fois pour sa musique et pour son attitude. Le fait qu’il soit humble et modeste. Ca tranche dans ce milieu où il y a beaucoup de prétentieux pour pas grandchose. Et ses vocalistes, Gihan et Marie. Et aussi son partenaire Ziad Sidawi que j’adore, et mon grand ami Marc Codsi. Il y a aussi Ernesto Chahoud qui mixe au Back Door et qui fait danser les gens comme des malades. C’est un des plus 208
grands collectionneurs de vinyle au monde, une référence internationale en matière de musique, surtout éthiopienne. Il a un magasin de vinyle qui s’appelle Darsko, à Bourj Hammoud. D’où vient le mot « Hisstology », votre alias ? « Hiss », c’est le chuintement des cassettes, un bruit blanc qui s’accumule à mesure qu’on ajoute des couches d’enregistrements. C’est un son chaud que j’aime bien, en fait. J’aime beaucoup ce « hiss », ça donne de la vie à la musique. A part ça, l’histologie c’est l’étude de l’anatomie microscopique des cellules. C’est le fait de se concentrer sur quelque chose de tout petit, un peu comme ce que je fais dans ma petite niche, quand je m’enferme tout seul comme dans un laboratoire.Bon c’est un peu prétentieux comme ça, mais il fallait trouver un nom…
www.hisstology.com
Photos ©Gerald Tournier (lowlightsanddecibels.com)
veux plus penser à rien. J’appuie sur « record » et je me lance. Mes doigts jouent indépendamment de mon cerveau. Sur d’autres albums, j’ai déjà une idée très précise de ce que je veux faire, d’un style particulier que je veux adopter. Je n’utilise jamais mon ordinateur pour produire. Il ne me sert qu’à enregistrer. Et même à ce niveau, je préfère utiliser un mixeur équipé d’un graveur de CD. Ca m’évite de regarder la musique sur un écran, de me servir de mes yeux. La musique, c’est les oreilles et les doigts. Dans un troisième cas de figure, je pars d’un thème abstrait, de paroles qui n’ont pas de sens particulier, comme le manuel d’un appareil électroménager, et je me mets au défi d’en dégager de l’émotion grâce à la musique. Une composition est réussie quand elle te court-circuite le cerveau. Il n’y a pas à chercher ce que le compositeur a voulu dire. C’est le groove qui compte à la fin. ”
L’ÉLECTRO EXPÉRIMENTALE DE RABIH BEAINI Par JOSEPHINE VOYEUX
Photos DR
On ne présente plus Rabih Beaini. Le DJ et producteur libanais aujourd’hui installé à Berlin, a fait ses preuves sur la scène électro et techno régionale bien avant de quitter son pays pour l’Italie et l’Allemagne où, dès 1996, il s’est imposé comme une référence dans le domaine de l’expérimentale. Il sort aujourd’hui Wanci, un nouvel EP qu’il a produit et composé en Indonésie.
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Photos Tania Trabulsi à Irtijal
Il est surtout connu en tant que Morphosis – un pseudonyme sous lequel il a fait danser toute une génération aux rythmes de ses sets électro et techno dans les clubs les plus branchés de Beyrouth et… de la planète. Mais depuis plusieurs années, le DJ à la renommée internationale, fondateur du label Morphine, a peu à peu abandonné son pseudo au profit de son vrai nom, Rabih Beaini, pour se détacher de l’aspect commercial de son activité. « Je n’utilise plus vraiment ce surnom, je me suis rendu compte que ce n’était plus tellement nécessaire, reconnaît l’artiste. Le seul intérêt était promotionnel et cela ne m’intéresse plus ». Recherches sonores en Indonésie Installé à Berlin depuis 2011, où de son propre aveu il mène un mode de vie plutôt « ascétique » quand il n’est pas en voyage aux quatre coins du monde, Rabih Beaini a progressivement délaissé ses créations clubby au profit de la recherche sonore expérimentale. « Ce que je compose aujourd’hui est relativement différent, admet-il. Je suis plus attentif au mix de sons expérimentaux ». Résultat : Morphine, le label créé en 2005 par Rabih Beaini, présente en ce moment même, dans le club berlinois Berghain, une série de performances auditives abruptes et non conventionnelles. Cet événement,
intitulé « Raung Raya », est issu d’une collaboration entre Beaini, alors en résidence d’artiste en Indonésie, et le festival international des arts Europalia. Il met un coup de projecteur sur un ensemble de musiciens aux talents méconnus bien qu’affirmés, comme le groupe expérimental Java Senyawa, l’artiste pionnier de l’électro Otto Sidharta, le Soudanais aux sons hardcore Karinding Attack, le chanteur Ata Ratu, ou encore sur le travail collaboratif réalisé autour de Tarawangsa – que l’on pourrait traduire par « la musique sacrée de Sunda ». Tarawangsa est d’ailleurs disponible dans les bacs depuis la mi-octobre, sur vinyle, et sortira bientôt sur toutes les plateformes d’écoute en ligne. C’est donc en Indonésie que Rabih Beaini a enregistré ce nouvel EP en mars dernier avec un duo de musiciens indonésiens contemporains de Bandung : « La musique présentée se joue principalement dans le village de Rancakalong, les morceaux ont majoritairement été enregistrés en live », précise-t-il. Plonger dans un monde sensoriel inconnu Rabih Beaini repousse ses limites en tant qu’artiste. Il s’aventure, explore et teste pour faire découvrir à un plus large public toute une diversité musicale méconnue.« J’ai travaillé sur ce nouvel EP avec des artistes traditionnels indonésiens qui jouaient les 211
rythmes des récoltes ou de la plantation du riz, explique-t-il. Ce sont aussi des rituels secrets supposés connecter l’esprit avec l’invisible ». L’objectif de Rabih Beaini est clair : il s’agit avant tout de partager ses connaissances à travers une écoute musicale en profondeur, dans le présent, qui se vit comme un plongeon dans un monde sensoriel inconnu, voire comme un voyage. A 42 ans, le DJ et producteur libanais est un artiste prolifique. Il collectionne les voyages et aventures audio-sensorielles autant que les projets. A côté de la sortie de son nouvel EP et de ses performances dans le cadre de « Raung Raya », Rabih Beaini a participé à la quinzième édition du festival « Unsound » de Cracovie. Il s’apprête à assurer la première partie du saxophoniste de jazz Pharoah Sanders et de son quartet dans un club berlinois. Et ce n’est pas tout. Les idées de collaborations fleurissent dans la tête de l’artiste libanais plus rapidement que la vitesse du son. Il pense déjà à une nouvelle compilation avec le réalisateur français indépendant Vincent Moon pour mettre en lumière les rituels brésiliens, et songe très sérieusement à la réalisation de son cinquième album. Sur lequel il espère pouvoir se pencher dès le mois de janvier. Il n’a pas commencé à le composer mais déjà… on a hâte de l’écouter ! www.soundcloud.com/rabih
SONS SUR MESURE high-tech Auteur MATTEO G. DALL’AVA Traductrice ALESSANDRA DANIEL
Photos DR
L’audiophile est le gentilhomme de la musique, un “arbiter elegantiarum” des instruments, soucieux de trouver celui en mesure de dessiner des silhouettes sonores évoluant au gré de ses caprices. Le monde des tournedisques épouse cette philosophie en volant à l’artisanat les particularités du sur-mesure. La question à se poser n’est pas de déterminer lequel est le meilleur mais lequel est capable de restituer le meilleur son – selon vous.
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Ci-dessus, le “ON” de Giuseppe Pinto, déjà produit à plus de 300 exemplaires. Page de gauche, le “MAG-LEV Audio”, disponible en précommande sur Kickstarter.
Artisanal, sur mesure, personnalisé… ces adjectifs propres au monde de l’habillement trouvent tout naturellement leur place dans celui de la hi-fi haut de gamme. À l’atelier de couture succède le laboratoire numérique et, si précieuse que soit la technologie, le travail manuel comme celui de l’oreille confèrent aux inventions la même poésie que celle d’un produit artisanal. Des sociétés prestigieuses telle Origin Live de l’Anglais Mark Baker ont joué un rôle majeur dans la valorisation des platines. Leur signe distinctif est ce petit coussinet de précision du plateau qui fluctue sur une fine pellicule d’huile brevetée ; la même technologie utilisée dans les microscopes électroniques pour éliminer toute vibration, la même qui permet donc au modèle “Voyager” d’offrir aux auditeurs intransigeants un son pur. Ce petit détail coûte 14 000 livres sterling. Et si on parle de bespoke parmi les icônes des platines, nous trouvons sur le podium le “Masselaufwerk” de Sperling Audio. Les fondateurs, Ansgar Sperling et Michael Bönninghoff, l’ont voulu personnalisable : tête de lecture, contrepoids, etc. Il pèse 50 kg car il faut savoir que plus un tel
appareil est lourd, plus la dispersion des vibrations est grande… Le bras, en plus d’être double, est réglable en distance et angulation par rapport au disque pour une perfection du son digne du Livre Guinness des records. Cet univers emprunte également à la mode son goût de l’édition limitée et de la collection capsule. En édition limitée La maison américaine Shinola – connue pour son sens de l’artisanat pointu – a livré sa “Runwell Turntable”, en édition limitée (500 pièces), à 2 500 dollars avec une garantie à vie. Elle est désormais introuvable. La ligne “Technological” de la collection d’accessoires “Zegna’s Toyz” lancée par la maison Ermenegildo Zegna propose des enceintes et des casques mis au point avec la respectée firme Master & Dynamic.Et si vous pensiez révolue l’époque de l’inventeur enfermé dans son garage, c’est que vous n’avez encore jamais mis en route la création de Giuseppe Pinto. Le technicien italien a construit son premier “ON” (Old and New) dans sa cave. “ON” est une platine “plug and play” capable de 213
gérer toutes les sources, de l’analogique au digital. La grande spécificité des nouveaux acteurs du secteur tient à leurs modes de financement. À la différence de l’artisanat, envisager de nouvelles créations implique des investissements élevés. Les ingénieurs de la société slovène MAG-LEV ont fait appel au site web de crowdfunding Kickstarter pour financer leur projet : un mécanisme sans moteur ni courroie qui fonctionne avec un système de sustentation magnétique. S’il évoque un produit luxueux, son prix est bien inférieur à celui des modèles cités plus haut : 780 dollars. “Love” a été parmi les premiers à apparaître sur le site de financement participatif. Il ne s’agit pas à proprement parler d’un tourne-disques, car c’est lui-même qui tourne autour du disque qui, lui, ne bouge pas, grâce au bras tangentiel. “Love” peut être géré par une application dédiée, qui permet de choisir l’ordre des titres sans devoir passer par la tête de lecture. Toujours sur Kickstarter, on remarque le projet néerlandais “Wheel” dessiné par Miniot. De l’étui en bois, Peter Kolkman est passé à la création d’une platine avec un système de lecture tangentiel placé sous le plateau.
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“Le disque tourne aussi bien verticalement qu’horizontalement et émet un son en totale autonomie”, déclare le fondateur. Des créations exceptionnellles Les amateurs de tweaking (le fait d’apporter des améliorations en ajoutant ou en changeant les éléments standards par des composants d’exception) ont bien sûr la possibilité de customiser la couleur, de choisir les pick-up, les câbles, selon le son et le rendu désirés. En général, l’écoute se fait dans le salon ; mais si l’audiophile voulait écouter sa musique ailleurs ? Une réponse nous vient du lecteur de vinyles “RokBlok”. Quand on le regarde, on dirait une simple petite boîte en bois. Les créateurs de Pink Donut affirment que ce “petit lecteur de disques a été imaginé pour pouvoir écouter ses disques grâce à des diffuseurs intégrés ou une connexion sans
fil. Il suffit de trouver une surface plane pour le poser.” La start-up californienne a aussi créé la platine de poche “SheetRok”, une simple feuille de papier à laquelle il a été ajouté une tête de lecture. Elle fonctionne sans courant ; il suffit de poser le disque sur la feuille et de le faire tourner avec la main. Mais revenons dans la salle de séjour. Des créations aussi exceptionnelles exigent des amplifications de la même trempe. Parmi ces dernières, la petite société savoyarde Nautile Acoustique, la haute couture du son, donne le ton. Les mains du maître artisan Pascal Marie réalisent dans le petit laboratoire toutes les pièces du système audio HR-d15 VLTS. De cette manière, la structure de l’enceinte, composée de différents types de bois, d’épaisseurs variées, peut canaliser les vibrations vers des zones de sortie spécifiques afin d’obtenir un son 215
limpide. Son aspect traditionnel et plus de 400 heures de travail justifient un budget d’environ 39 000 euros. Toujours made in France mais avec un design davantage futuriste, le “Phantom” de Devialet, a été primé plusieurs fois. Un objet unique qui, grâce à la technologie révolutionnaire HBI (Heart Bass Implosion), est en mesure de développer des basses fréquences dans un espace très compact. Voilà votre prochaine obsession : comment personnaliser la vieille platine de papa… 1. Le “Masselaufwerk-1” de Sperling Audio. 2. “SheetRock” par Pink Donut, en vente sur Kickstarter. 3. La “Runwell Turntable” de Shinola, et désormais introuvable. 4. L’enceinte en colonne de Nautile Acoustique composée de différents types de bois, d’épaisseurs variées, peut canaliser les vibrations vers des zones de sortie spécifiques afin d’obtenir un son limpide.
NUITS DE RAVE ET DRAGUES DOUCES Photos DR
Par F.A.D
Pre-parties, beach parties, pool-parties, roof-top parties, sunset parties, underground parties, private parties et after parties… La nuit beyrouthine, même hors-saison, ne chôme jamais. Pas besoin de prétextes pour inviter dans sa vibe la crème des DJ ou simplement chalouper aux rythmes live des groupes locaux. Pour s’y retrouver, voici quelques codes soufflés par nos initiées, Mélanie et Sophie.
Quand ? : Lundi et mardi, c’est boulot à plein régime et autant dodo que possible. Car dès mercredi, les nuits blanches vont s’enchaîner sans se ressembler. Dès mercredi, de 19h à pas d’heure, la jeunesse libanaise, beyrouthine en particulier, dorée ou décavée, va promener sous les réverbères ses rêves inassouvis et chasser le cafard à coup de musique et de bruit, pas mal d’alcool, beaucoup de fraternité et quelques trucs interlopes. Au petit matin, on les croisera dans la rue, à peine ensommeillés. Ils ne sortent pas, ils rentrent. Leur journée ne commence pas, elle vient de finir. Une douche et une cafetière plus tard, une même question va buzzer sur les smartphones : «On fait quoi, ce soir ? ». La même chose, à peu de chose près, jusqu’à dimanche. Où ? : Ca commence par un premier verre dans un bar, le plus souvent à Mar Mikhaël, et ça finit désormais dans un appartement. Des célibataires ou de jeunes couples ouvrent leur maison. La mode de ces house parties « BYOB » (ndlr : Bring Your Own Boose) où chacun apporte son
alcool, très répandue en Europe et aux USA, est devenue tout aussi commune à Beyrouth. On s’y sent plus à l’aise, l’accès n’est pas bloqué par un videur, on boit sans modération, on gobe ce qu’on veut, on s’habille comme on veut, on se lâche. Une autre tendance de plus en plus populaire est celle des événements niches organisés dans des lieux improbables, terrains vagues, chantiers, plages, usines désaffectées, dépôts. Le plus souvent ce sont des soirées à thème, disco, deep house, nu disco, on se déguise, il y a une ambiance de carnaval, de liberté totale. Il n’est pas rare de croiser des couples éméchés s’envoyant en l’air dans un coin obscur du décor. Entre le bar à 19h et ces soirées qui commencent au bout de la nuit, on se déplace de Factory (qui organise le samedi l’incontournable CU NXT Sat), à Garten, espace à ciel ouvert qui devient Uberhouse en hiver, et AHM. Le mythique Skybar qui vient littéralement de renaître de ses cendres est devenu une boîte de nuit de luxe que boude un peu, ayant tournés la tête au bling-bling de naguère, la faune des noctambules réguliers. Ces endroits se 217
situent pratiquement tous autour du Biel, en bord de mer. Ce sont des institutions. Un peu plus loin, le non moins mythique B018, ouvert jusqu’à 7h du matin, accueille les after. L’été, le festival Decks on the Beach organisé par Olivier Gasnier Duparc et Youssef Harati au Sporting Club rythme la saison de bout en bout. Qui ? : Une communauté de jeunes, de 18 à 35 ans où domine quand même la tranche des vingt ans. Etudiants, stagiaires ou employés, ils partagent un besoin commun d’évacuer le stress que génère selon eux la vie au Liban entre un environnement dégradé et peu épanouissant, un horizon qui semble bouché, un chômage record ou des conditions de travail rarement gratifiantes. Ils partagent une même passion pour la musique électronique, connaissent les DJ un à un, des internationaux les plus célèbres aux locaux les plus obscurs qui vont bientôt sortir de l’ombre. Avec le temps s’est formée une fraternité de la nuit constituée d’évadés de la routine en quête de défoulement et de rencontres sans prise
Combien ? : L’entrée est payante, de 15$ à 40$ selon les endroits et la pointure du DJ. Le verre, en moyenne, est facturé de 14000LL. à 25000LL., et le shot de 7000LL. à 14000LL. La musique : On parlera plutôt de «son». Ici, le DJ conduit la locomotive. Les sets durent de deux à huit heures, selon l’événement. Un bon DJ doit trouver le bon
beat, accélérer puis ralentir les BPM (Beats Per Minute) selon l’humeur de la foule, faire danser jusqu’à la transe et puis offrir des plages de repos et de rêverie. On monte et on descend jusqu’à la fin où l’on réalise qu’on s’est laissé orchestrer et chorégraphier, manipulé et heureux. Parmi les stars de l’industrie on citera les Allemands Stephan Bodzin, souvent invité à AHM, et Dixon qui officie au Garten au même titre que l’Américano-chilien Nicolas Jaar. Les DJ locaux ne manquent pas et sont excellents de l’avis de tous, avec cet avantage que la plupart d’entre eux improvisent aussi leur propre son en direct, comme Etyen, ou flattent les goûts disparates d’une foule triculturelle qui adore se laisser surprendre par l’insertion impromptue d’un tube de Dalida ou l’effet radical d’une musique arabe. S’habiller : D’accord, on est là pour voir et être vu, séduire et être séduit. Mais on débarque presque directement du travail, on bouge d’un endroit à l’autre, d’une ambiance à l’autre. A l’évidence, les talons sont donc bannis, de même que les grands 218
effets vestimentaires. La règle, c’est ni trop ni trop peu, juste cool. De quoi danser à l’aise avec un petit détail qui montre qu’on a du style. A chacun de trouver le sien. Dans les raves, en revanche, ces grand-messes en plein air, le dress-code est hippie, beatnik, avec dreadlocks de préférence, et très déshabillé pour les filles. Le rêve : Dans cette industrie qui connaît au Liban une expansion sans précédent, le rêve, comme tout rêve, est ailleurs. Il est dans la cité nomade de Black Rock, en plein désert californien, où se tient chaque année, fin août, le festival Burning Man, événement musical et artistique réunissant des dizaines de milliers de participants. Certains font déjà des économies pour y aller un jour. Le budget prévisionnel est au moins de 5000$. En juin, il y a aussi le Sonar, à Barcelone, l’un des plus grands festivals de musique électronique d’Europe. Ou le Dekmantel, à Amsterdam, qui se vit le jour, de midi à minuit. L’avantage de ces destinations ? On n’y connaît personne, on est totalement libre. Et c’est finalement ce mot qui revient, de bout en bout : Liberté.
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de tête. On a beau se connaître, on drague. Tout le monde drague y compris dans le même sexe. Il n’y a plus d’écart financier entre les gens, affirment-ils. L’argent ne coule plus à flots comme avant. Le m’astu-vuisme est passé de mode. On n’assiste plus aux débauches des années 2000 où des magnums de champagne trônaient sur chaque table. D’ailleurs, il n’y a presque plus de tables. On boit debout, dans des verres en plastique, des alcools de bonne qualité, sur une bonne musique. Dans certains endroits, des jeux de lumières et des projections réalisés par des VJ contribuent au vertige.
HABIBI FUNK RECORDS, L’AUTRE SON DE L’ORIENT Par JOSEPHINE VOYEUX Au mois de décembre, Habibi Funk sortira sa toute nouvelle compilation de musiques orientales funk et électroniques des années 70 et 80 – des mixes du Soudan, d’Egypte, d’Algérie et du Liban de quinze artistes inconnus du grand public. On découvre ce label aussi atypique qu’électrique, lancé en 2014 par le talentueux Jannis Stürtz. 220
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PHOTOS Kamal Keila, Fabian Brennecke
C’est l’histoire d’un grand amoureux des sonorités traditionnelles du Moyen-Orient et du Maghreb - celle du DJ Jannis Stürtz, co-fondateur du label Jakarta Records, installé à Berlin. Depuis près de trois ans, cet Allemand d’une trentaine d’années parcourt les quatre coins du monde arabe où il écume les boutiques de vinyles et les scènes éclectiques à la recherche de talents d’autres époques, passés inaperçus en leur temps. Il n’y a pas de hasard Tout commence en 2013. « Blitz The Ambassador », un rappeur américanoghanéen signé chez Jakarta Records, est invité à se produire dans le cadre du festival marocain Mawazine, à Rabat. Sur un coup de tête, Jannis Stürtz décide de l’y accompagner. « J’en ai profité pour prendre quelques jours de vacances et écumer les étalages des marchands de vinyles à Casablanca, raconte le dénicheur de talent. J’y ai trouvé plusieurs 33 et 45 tours intéressants et j’en ai mixé quelques pistes. J’ai été très surpris par le résultat et l’accueil reçu. C’est à ce moment que j’ai mesuré l’intérêt du public pour ce type de son et le potentiel du marché ».
A la recherche de Fadoul Jannis Stürtz ne pense pourtant pas encore à lancer un nouveau label, mais il tombe sous le charme de l’artiste marocain Fadoul. Résolu à diffuser sa musique aux accents funk et électro, il met près de deux ans à retrouver sa trace. Le musicien est décédé dans les années 90, mais à travers ses multiples pérégrinations, le cofondateur de Jakarta Records finit par retrouver la sœur et le frère du musicien. « Cela a été un travail de longue haleine ! raconte Jannis Stürtz. On a commencé par demander à des gens dans les magasins de disques et salles de concert s’ils le connaissaient, on nous a dit que Fadoul était mort, puis on nous a mis en contact avec Tony Day, un musicien qui chantait dans plusieurs groupes de rock marocains dans les années 70. Le fameux Tony Day se souvenait de l’endroit où vivait le frère de Fadoul il y a 20 ans. Il avait déménagé, mais de fil en aiguille, on l’a retrouvé ». Dénicher les perles rares du monde arabe Une fois ce premier mix réalisé et posté sur internet, la machine s’emballe. L’histoire est classique mais comme à chaque fois, 221
efficace. La magie des réseaux sociaux, des clics et des likes a non seulement définitivement marqué le coup d’envoi d’Habibi Funk mais l’a également baptisé. « Je commençais seulement à publier des sons sur Soundcloud et Facebook quand un internaute nous a soufflé ce nom dans un commentaire, précise le jeune directeur de labels. C’est reconnaissable et accrocheur, alors on l’a gardé ! ». A chaque révélation - coup de cœur musical, Jannis Stürtz et son équipe d’une dizaine de personnes – basée entre l’Allemagne, le Soudan, l’Egypte et le Maroc, procèdent de la même manière : ils partent à la rencontre des compositeurs ou de leurs familles pour faire revivre leurs morceaux tombés dans l’oubli puis leur soumettent une proposition d’emprunt des droits d’auteurs afin qu’ils puissent bénéficier de la diffusion des artistes. « Notre logique économique ne repose pas sur le profit, explique Jannis Stürtz. On partage les revenus à 50%. Mon objectif est d’offrir une plateforme d’écoute à ces musiciens, pas de leur soutirer de l’argent. Je suis chanceux, mon premier label, Jakarta Records (créé en 2005 avec Malte Kraus,
Al Massrieen
Malek Mohamed
Kamal Keila
En trois ans d’existence, l’oreille attentive du fondateur d’Habibi Funk a déniché de nombreux talents à travers le monde arabe. Parmi ses perles rares, on retiendra les noms de l’Algérien Ahmed Malek, les Soudanais Kamal Keila et Sharhabil Ahmed, le chanteur égypto-libyen Hamid el Shaeri, le groupe égyptien Al Massrieen ou encore les Marocains Attarazat Addahabia. Mais tous ces musiciens hors-pairs révélés sur le tard ne sont pas les seuls trésors de Jannis Stürtz, qui promet avec la sortie en décembre de sa compilation « An eclectic selection of music from the Arab world » de nombreuses autres découvertes à couper le souffle. Et à faire dresser l’oreille à tous les chercheurs de sons de la planète.
Hamid El Shaeri
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ndlr) marche bien économiquement, donc Habibi Funk en profite et n’a pas besoin de faire beaucoup de gains ».
pop story Auteur LAURENT-DAVID SAMAMA
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Photos John Pasche - Getty Images
NAISSANCE D’UNE MARQUE
“Jagger a étudié à la prestigieuse London School of Economics, il sait donc reconnaître la puissance d’un logo, celui de Coca-Cola, présent partout dans le monde, ou d’IBM. Pour que la marque Rolling Stones soit reconnue, il lui fallait un logo aussi puissant, prolongeant la transgression de la morale étriquée des années 60.”
Il apparaît le crâne dégarni, la diction lente et la chemise impeccablement repassée. En le découvrant ainsi, à mille lieues de l’étudiant hirsute qu’il était à la fin des sixties, on a du mal à croire que John Pasche fut à l’origine d’une furieuse et bruyante conquête. Et pourtant, c’est bien lui qui se confie aujourd’hui. Un véritable génie. Figurent dans son CV de directeur artistique recherché plusieurs pointures fleurant bon le rock des seventies : Bowie, McCartney, les Who, Jethro Tull. Mais rien d’aussi considérable que sa pièce maîtresse, un des logos les plus marquants du XXe siècle : le “Rolling Stones Lips and Tongue”, communément appelé “The Big Red Mouth” ou “Hot Lips”. Voyez ces lèvres rouge vermillon, charnues, sur lesquelles se reflète
la lumière. Ces dents d’une blancheur immaculée. Et cette langue, indécente, tirée à la face du monde, de la bourgeoisie et de l’establishment : un véritable appel sensuel à la rébellion ! Rébellion post-adolescente Avec les années, la bouche hypertrophiée – on dirait aujourd’hui botoxée – s’est mise à symboliser la fougue post-adolescente d’une bande de bad boys londoniens. Patronymes : Jagger, Richards, Taylor, Wyman et Watts. Comme souvent dans ce genre d’épopée, tout commence par un concours de circonstances. Pasche raconte : “J’ai débuté mon master en graphic design au Royal College of Art de Londres en 1967. On nous y enseignait la méthode 225
suivante : toujours partir d’un concept original pour aboutir à la visualisation concrète de cette idée. J’étais alors obsédé par le pop art américain, les œuvres de Man Ray et de Magritte. Le tournant s’est produit au cours de ma dernière année, en 1970. Les Rolling Stones ont alors appelé le Royal College, demandant s’il pouvait envoyer un de leurs étudiants pour rencontrer Mick (Jagger, ndlr). Le but était de créer l’affiche de leur prochaine tournée européenne. J’y suis allé, ai dessiné cette affiche et puisque le groupe semblait satisfait de ce premier travail, Mick m’a réinvité à l’occasion d’une séance de brainstorming autour de leur nouveau logo.” Nous sommes alors au tout début de la décennie 1970. Les Stones se sont libérés de la major Decca et enregistrent désormais
Intérieur de la pochette de Sticky Fingers, sorti en 1971. Droite: Affiche de la tournée américaine des Stones.
braguette. Shocking ! Fiers de l’effet, les Stones ne s’arrêtent pas en si bon chemin. Dans le livret qui accompagne Sticky Fingers, ils mettent en avant un logo. Pour la première fois, la fameuse bouche, clin d’œil à celle de Jagger, apparaît alors aux yeux des fans. Rock critic ayant officié à Best et Rolling Stone Magazine, le journaliste Gérard Bar-David explique : “Les Stones souhaitaient marquer durablement les consciences. N’oublions pas que Jagger a étudié à la prestigieuse London School of Economics, il sait donc reconnaître la puissance d’un logo, celui de Coca-Cola, présent partout dans le monde, ou d’IBM. Pour que la marque Rolling Stones soit reconnue, il lui fallait un logo aussi puissant, prolongeant la transgression de la morale étriquée des années 60.” Mythes et réalités… À l’instar des 226
symboles ésotériques du groupe Led Zeppelin, l’incandescente bouche des Rolling Stones a fait l’objet de multiples interprétations, des plus philosophiques aux plus folkloriques. L’histoire vraie du logo Jusqu’au fin mot de l’histoire… livré par son créateur en personne : “Le concept initial consistait en l’expression de la protestation et de la rébellion. Mick m’a montré une image de la déesse Kali dont la langue tirée provoquait immédiatement l’envie de création. Il voulait un visuel seul, une image capable de fonctionner indépendamment, sans qu’on ait besoin de lui adjoindre le nom du groupe.” L’intuition de Jagger a payé. Tellement que, après 250 premiers dollars versés au jeune Pasche – puis un contrat beaucoup plus rentable lui faisant
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pour le compte de leur propre maison de disques. Ils ont les mains libres et décident de laisser voguer leur créativité. Un neuvième album est déjà en route. Il est enregistré sur plusieurs mois, en Alabama, à Londres… partout où l’inspiration vient. Nom de code : Sticky Fingers. Lorgnant allègrement du côté du blues, cet album mythique donne un nouveau souffle au groupe, avec des titres aussi puissants que Can’t You Hear Me Knocking et Wild Horses, sans oublier les sulfureux Bitch et Brown Sugar... Pour renforcer le caractère inédit de l’opus, le groupe va solliciter Andy Warhol. Après la banane suggestive dessinée pour le Velvet Underground, le pape du pop art va refaire parler son obsession phallique en imaginant une pochette affichant l’entrejambe d’un homme en jean dont on peut ouvrir soi-même la
Ci-dessus, le directeur artistique John Pasche devant une reproduction du logo original, au Victoria and Albert Museum de Londres. Gauche: pochette de la triple compilation Grrr! sortie en 2012 pour les 50 ans des Rolling Stones.
toucher des royalties –, sir Mick et ses acolytes lui ont finalement racheté les droits du logo. Montant de la transaction finale ? Top secret ! Nos collègues du Guardian se risquent simplement à évoquer une somme rondelette… Voilà donc un logo qui n’a jamais eu autant de valeur. Reconnaissable entre mille, le “Lips and Tongue” a traversé les décennies sans subir de véritables retouches. Signe qui ne trompe pas, on le voyait se déployer dans les faubourgs surchauffés de La Havane, où le groupe donnait, en mars 2016, un concert événement. Le tout avec une légère modification à la clé : la langue écarlate fut affublée du drapeau cubain. Un coup marketing retentissant prouvant l’étonnante plasticité du logo. “Graphiquement, le logo dessiné par Pasche a très peu évolué, précise Bar-David, même s’il est décliné à toutes les sauces
et s’affiche sur une foultitude d’objets, de la boucle de ceinturon en passant par le mug.” Omniprésents certes, mais encore capables de choquer le bourgeois, la preuve l’an passé avec l’affiche de l’exposition “Exhibitionism: The Rolling Stones” à la galerie Saatchi, où la fameuse langue était judicieusement placée sur une culotte féminine. Le métro londonien a censuré l’affiche, la jugeant trop “sexuelle”. Près de cinquante ans après leur naissance, les lèvres charnues n’ont donc rien perdu de leur puissance évocatrice. Potentiel marketing Comment expliquer ce succès jamais démenti ? Pasche livre quelques pistes. “Dès les années 70, les Stones ont réalisé tout le potentiel marketing du logo et se sont mis à capitaliser dessus. Le fait 227
que le groupe ait décidé de conserver cette image pendant toutes ces années a contribué à sa large diffusion. C’est cette longévité qui l’a rendue si populaire.” Rockeurs hors pair et bons gestionnaires, les “papys du rock” ont su durer en veillant scrupuleusement à entretenir leur réputation. Sulfureuse, sexy et rebelle par essence, celle-ci a usé et abusé des ficelles du capitalisme moderne pour perdurer à l’heure des étoiles filantes de YouTube. Plus que jamais, les résultats sont au rendez-vous. Hystérisant les réseaux sociaux dès son annonce, la tournée européenne de cet automne affiche sold out. “Qui aurait cru, à l’époque, que les Stones joueraient encore à cet âge-là et qu’ils seraient plus populaires que jamais ?”, s’amuse John Pasche… Sûrement pas lui !
NO PHOTOS PLEASE Par F.A.D
Il est photographe et même lauréat de la deuxième édition du prix Photomed. Il est aussi acteur, plasticien, journaliste et DJ à ses heures, mais il est poète avant toute chose. « C’est par Rimbaud que je suis venu à la littérature, dit-il, et c’est par la littérature que je suis venu à l’art. Mes images sont des mots. » Nasri Sayegh est donc en perpétuel chantier, perpétuellement enchanté. Entre Beyrouth et Berlin, ses deux villes et ses deux vies, il poursuit un projet photographique dicté par ses nombreuses obsessions. « Ready-made », célébrations, résurrections Autant le dire tout de suite, ces photos ne sont pas des photos, comme l’indique le titre de ce nouvel accrochage : « No
Photos Please ». Ces photos sont parfois des « ready-made», des portraits de vedettes orientales du siècle dernier, Fayrouz, sa muse, et diverses chanteuses ou danseuses à la gloire éphémère ou toujours célébrées. D’autres clichés sont issus de bobines achetées dans quelque brocante et développés pour ressusciter d’autres vies, d’autres voyages et paysages. D’autres encore sont pris au moyen d’un vieux téléphone Nokia, de la première génération de smart phones. Ceux-là ont une texture particulière, un velours presque tangible et une rare qualité de silence.
de Raouché font partie de ses fixations. Deux pôles liés à la mort, la tour pour ses snipers, le rocher pour ses suicidés. Il les manipule et les extrait de leur contexte pour mieux leur faire dégorger leurs secrets. Ces déplacements et superpositions lui inspirent un tout autre projet en cours qu’on peut découvrir sur sa page Facebook éponyme et son compte Instagram @nasrisays, commencé par fantaisie et devenu addictif pour ses fans : de vieux footages de danse orientale sur lesquels il plaque des rythmes électro et des éclairages abscons. Un pur délice.
La tour et la grotte Inlassablement, Sayegh interroge le temps et l’histoire, les traumatismes et les paillettes du passé. La tour Murr et la grotte
L’exposition « No Photos Please » de Nasri Sayegh est ouverte au public à l’Institut français du Liban, rue de Damas, à partir du 14 novembre.
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Photo: PhotosLeDRBaiser de Berlin - Nasri Sayegh
Artiste polyvalent basé entre Berlin et Beyrouth, Nasri Sayegh donne à voir à l’Institut français du Liban, sous l’intitulé « No Photos Please », une nouvelle série de clichés intrigants où se révèle la texture de son univers mental.
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MARTYR DE QUOI ? Par F.A.D Au Festival du cinéma de Venise, le Liban n’était pas représenté que par L’Insulte de Ziad Doueiri. Preuve de la vitalité de l’industrie du film au pays du cèdre, y était également présenté, dans la catégorie « Biennale College Cinema », le long métrage « Martyr » de Mazen Khaled
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Lancé par la Biennale de Venise pour promouvoir les talents émergents, le Biennale College s’offre depuis six ans à une poignée de nouveaux artistes, cinéastes, danseurs, musiciens, gens de théâtre, comme un incubateur, un laboratoire de recherche et d’expérimentation. Sur les douze projets proposés par catégorie, seuls trois, dont un italien, sont sélectionnés chaque année et dotés d’une enveloppe de 150000€ destinée à en financer la production. Lors de l’édition 2017 de cette initiative figurait, parmi les trois finalistes, Martyr, le film de Mazen Khaled, produit par Diala Kachmar, joué par Carole Abboud, Hamza Mekdad, Rabih Zaher, Mostafa Fahes, Hadi Bou Ayash et Rachad Nasreddine. La bande son est de Zeid Hamdan et Vladimir Kurumilian.
Montréal. Ou plutôt de tout cela à la fois, l’analyse politique, la recherche et la direction de projets et puis la direction artistique et l’écriture de films publicitaires pour la télévision 12 ans durant. C’est dire que « Martyr » s’impatientait, voire trépignait dans un petit coin de ses rêves en attendant de voir le jour. Un film où l’image serait tout ce qu’il aime, le corps humain encadré dans son moi social, entre grâce et étrangeté, sécrétant et convoyant du sens, dénonçant les limites d’un rapprochement avec l’autre ou servant d’outil pour explorer le réel, l’amour, le désir, la peau, la conscience. Un film dans lequel s’exprimeraient à la fois son engagement citoyen et ce sens de la formule, de la litote, poli tout au long de sa carrière de publicitaire.
Qui est Mazen Khaled ? Ce jeune cinéaste libanais vient des sciences politiques qu’il a étudiées à l’AUB et à Georgetown University, à Washington D.C. Ou plutôt de la production de films et de pubs, formation reçue à Concordia,
De quoi parle Martyr ? Sur la corniche qui sépare Beyrouth de la mer se mélange une faune marginale et colorée. Egalement démunis, mais unis par un même horizon sans promesses, des jeunes s’offrent le plaisir gratuit 231
d’impressionner les promeneurs en plongeant de la balustrade, le dos tourné à la ville. La mer est leur luxe et leur unique liberté d’enfants des quartiers surpeuplés. L’un d’eux se noie mystérieusement. Des funérailles s’organisent. Il est musulman. Au regard de l’Islam, le noyé est un martyr. Mazen Khaled interroge longuement le contenu de ce mot : comment l’accoler à la vie creuse d’un jeune désœuvré qui n’a jamais rien accompli ? Ne sert-il qu’à consoler les familles désemparées par un deuil subit ? Le dernier parcours du jeune homme met en lumière les lignes de fracture qui divisent la société et la ville. Des images quasi-documentaires, plans émouvants sur les visages et les corps, sont entrecoupées par des intermèdes de danse, plages de respiration où l’abstraction permet un retour au sens. Martyr a été présenté au public du Festival du film de Venise le 1e septembre dernier, salle Giardino, parmi les finalistes du projet Biennale College, catégorie cinéma.
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LA GUERRE DERRIÈRE LES RIDEAUX Par F.A.D
Deux soirs par semaine, depuis quatre ans, Roy Deeb joue le rôle d’entraineur dans le spectacle de cabaret « Hishik Bishik » dont le succès ne se dément pas depuis sa création à Metro Al Madina. Mais il n’est pas que cela. En décembre sera donnée à Beyrouth sa première pièce de théâtre, « Close to here ».
Deuils irrésolus et obsèques anticipées La pièce de théâtre en préparation, écrite et mise en scène par ses soins, a pour titre « Close to here » : « Tout près d’ici ». Dans une ville plongée dans la guerre et dans laquelle les moments de paix sont exceptionnels, les hommes partent au front et peu en reviennent. Les habitants 234
qui restent vivent dans l’insécurité. Ici on n’enterre pas, on ne pleure pas ses morts, on ne « fait » pas son deuil et celui-ci dure éternellement. Ici, on célèbre désormais des funérailles anticipées à la veille du départ à la guerre des uns ou des autres et la ville est plongée dans l’infinie mélancolie des vivants.Une tragédie aussi intemporelle que contemporaine, servie par une mise en scène conceptuelle qui reprend l’installation des rideaux d’Alep. Les rôles principaux sont campés par Julia Kassar (habillée par Krikor Jabotian), Lina Sahhab et Sandy Chamoun. La musique est interprétée par Liliane Chlela, Fouad Afra et Bachar Farran. Né en 1983, Roy Deeb chronique à sa manière les récits politiques de notre époque et défie dans son œuvre l’espace et les contraintes en faisant feu de tout matériau à sa portée, documents d’archives, textes et contextes hypothétiques. Cela donne lieu à une filmographie convulsive où se déploie une ironie aigredouce à travers laquelle se profile sa nostalgie de « l’image imaginée ».
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Artiste visuel, cinéaste et vidéaste multi primé depuis son Teddy du meilleur court-métrage à la Berlinale 2014, Roy Deeb revient de la Biennale de Sharjah où il a présenté une installation vidéo de 36 secondes, Here and There, commissionnée par la Sharjah Art Foundation. On y voit un rideau d’un seul pan, cousu de plusieurs pièces de tissu ethnique, soulevé de temps en temps par le vent. Quand il se soulève, il laisse apparaître deux femmes vêtues de noir prises dans une discussion animée. Ce film, serré comme une litote, résume une toute autre narration. Il évoque les rideaux que les habitants d’Alep, dès 2013, ont cousus à la hâte et installés sur leurs balcons et fenêtres pour se protéger des tireurs embusqués.
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East Meets West, Fransabank, © Michael Ang
PLEIN LES MURS Par PHILIPPINE DE CLERMONT-TONNERRE
C’est le rendez-vous incontournable du street art libanais. Le festival White Wall s’est tenu du 28 septembre au 15 octobre 2017 à l’espace Station, Corniche du Fleuve. Ateliers, rencontres et réalisation de fresques murales ont ponctué cette sixième édition placée sous le signe du calligraffiti (mélange de calligraphie, de typographie et de graffiti). Invités de marque du festival : le Hollandais Niels Shoe Meulman, inventeur du calligraffiti latin, et le franco-tunisien El-Seed, figure majeure du tag dans le monde arabe. « Je rêvais depuis longtemps de faire venir Niels Shoe Meulman. Le fait que lui-même et El-Seed aient eu le temps et l’envie de venir et de prendre part à cette rencontre est un honneur exceptionnel. Je voulais que les deux alphabets puissent se rencontrer», se réjouit le graffeur Don Karl, qui a lancé White Wall en 2012 pour promouvoir la scène street art libanaise. Cette année, les artistes étaient invités à s’exprimer dans les rues de la ville sur le thème de l’unité. « Le but était de dépasser les lignes et les
frontières. On a choisi des murs des deux côtés de Beyrouth, Ouest et Est, ainsi que sur l’ancienne Ligne verte. Ces termes ne sont plus utilisés aujourd’hui. Ce sont des mots presque interdits, alors que, paradoxalement, il semble impossible de parler et de se mettre d’accord sur l’histoire de la guerre civile. Mais les ignorer ne signifie pas qu’ils vont disparaître. Les divisions sont encore là. Jusqu’à aujourd’hui tu trouves des gens qui ne traversent pas la ville d’un côté à l’autre », explique-t-il. Trois nouveaux murs à Beyrouth À Verdun, Niels Shoe Meulman a tagué les mots « East » et « West » sur deux façades de la rue Khaled ben Walid. A Achrafieh, El Seed a retranscrit une phrase de l’écrivain libanais chantre du dialogue interculturel Amine Rihani. Enfin, à Sodeco, le graffeur Yazan Halwani a tenu à reproduire les visages de Tarek et May, les deux adolescents héros de West Beirut, film culte relatant l’histoire d’amour 236
entre un musulman et une chrétienne en pleine guerre. « Nous avons voulu nous réapproprier ces labels géographiques avec l’alphabet latin à l’Ouest et l’alphabet arabe à l’Est », poursuit Don Karl. Un autre temps fort du festival fut la réalisation d’immenses fresques digitales sur les hauteurs du siège de la Fransabank à Hamra, une performance effectuée grâce à la technique« infl3tor » élaborée par le graffeur allemand Mang. Sur cette façade de 15 mètres de haut, un duo de graffeurs germano-libanais, l’Allemand Schriftzug – dont le style s’inspire de la calligraphie gothique du 16e siècle - et le Libanais Moe, calligraphe arabe, ont fait se rencontrer les deux alphabets. « Les mouvements des lettres sont très limités en latin, il n’en existe qu’une dizaine contre des millions en arabe », souligne Don Karl. «L’objectif, en mixant les deux alphabets, est de créer un nouveau visuel. C’est un travail expérimental destiné à donner naissance à un nouveau style typographique».
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Le « calligraffiti » était à l’honneur au festival de street art White Wall à Beyrouth. Taggeurs arabe et européens ont exploré de nouvelles formes typographiques en mixant leurs alphabets respectifs.
White Wall, El Seed, © Don Karl
POMMES D’AMOUR collector Auteur EDSON PANNIER
Abstraction faite des iPhone et autres best-sellers, la marque à la pomme a parfois donné dans l’excès, cherchant à apposer sa griffe sur des produits où on ne l’attendait pas, de la planche de Windsurf à la paire de sneakers. Aujourd’hui, ces reliques d’un autre âge oscillent entre le culte et le ringard, sous l’œil attentif
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des Apple maniacs.
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Catalogue The Apple Collection, 1986.
Compter 30 000 dollars pour une paire de baskets en cuir blanc, taille 43. D’aucuns diront que c’est cher payé. On se gardera bien de les contredire. Avec une somme pareille, les mordus de sneakers, et ils sont nombreux, feraient imploser leur armoire de quelque 300 Air Max, 400 Stan Smith ou 700 Reebok Classic. 30 000 dollars, c’est pourtant la valeur estimée du lot 77001, mis aux enchères en juin dernier par la maison de vente texane Heritage Auctions, dans le cadre de sa vente online événement The Future is Now, aux côtés de reproductions des Air Mag de Retour vers le futur et autres items iconiques de la pop culture. La particularité de cette paire de baskets en cuir blanc ? La pomme croquée aux rayures arc-en-ciel sur sa languette et les cinq lettres brodées sur son aile : “Apple” ou les armoiries de la Silicon Valley. Un Graal pour tout bon geek qui se respecte, à condition de pouvoir franchir la barre fatidique des 15 000 dollars de mise de départ. Prototypes présumés Le modèle, déniché l’an dernier au hasard d’un vide-grenier de la baie de San Francisco, est l’un des deux prototypes présumés produits par Adidas à la demande de Steve Jobs dans les années 1990 et destinés alors aux seuls employés de la firme de Cupertino. En quelque sorte, la collab’ de la mort qui n’a jamais vu le jour. “La popularité insensée du moindre produit Apple ne fait aucun doute, mais cette passion pourrait bien être concurrencée par l’appétit vorace des
collectionneurs de sneakers”, a indiqué dans un communiqué Leon Benrimon, directeur du département Art moderne et contemporain chez Heritage Auctions, comme pour justifier l’estimation faite par StockX, la Bourse du streetwear, avant d’ajouter : “Cette paire est ultrarare et son histoire démente. Le fait qu’elle ait été produite lorsque Steve Jobs dirigeait Apple la rend encore plus désirable et cotée.”En 2007, une paire identique, sa jumelle assurément, avait fait surface une première fois sur eBay, dans une annonce où l’on pouvait lire : “Chaussures Apple Computer légèrement usées mais en bon état […], si vous êtes en train de les regarder alors vous savez que vous n’en avez jamais vu de pareilles ni n’en verrez jamais.” Raté. À l’époque, elles s’arrachent à 79 dollars. Dix années et on ne sait plus très bien combien d’iPhone plus tard, leur valeur aurait donc été multipliée par près de 400 ! Sur le web, les produits dérivés Apple sont légion, suscitant la convoitise d’une armée de fidèles sans cesse à l’affût de la bonne affaire, ou pas. Ici, un parapluie à 399 dollars ; là, une cravate à 275 dollars ; ou, plus abordables, des mugs, affichés à 35 dollars pièce sur eBay. Une overdose de licences plus ou moins bien maîtrisées qui prend sa source quelque part dans les années 1980, lorsque l’enseigne, pas encore remise de sa guerre des chefs, décide d’élargir son champ de compétences. Pour l’anecdote, lorsque Steve Jobs recrute John Sculley, ex-Pepsi, en 1983, avec cette question, entrée dans les annales : “Vous comptez vendre de l’eau sucrée toute votre vie ou vous voulez changer le monde avec moi ?”, 24 1
il ignore que les manœuvres de ce dernier le pousseront vers la sortie seulement deux ans plus tard. En 1986, alors seul maître à bord, Sculley, qui avouera par la suite ne pas savoir grand-chose des ordinateurs, n’a qu’un seul objectif : relancer coûte que coûte la machine en déclenchant des projets tous azimuts. La pomme de discorde Pour tester le degré d’addiction de sa communauté, la marque va inaugurer pour l’automne-hiver 86-87 une ligne complète de vêtements et d’accessoires pour hommes, femmes et enfants. Ressurgi des limbes d’internet il y a quelques années, le catalogue, sobrement intitulé The Apple Collection, 1986, référence aussi, pêlemêle, la première Apple Watch (pas encore connectée), un couteau suisse, un semi-remorque miniature, un kit de voyage, une visière de tennis, une planche de Windsurf… Une série d’articles plus kitsch les uns que les autres, tous affublés de la fameuse pomme croquée arc-en-ciel. La collection de prêt-à-porter est un flop, à tel point qu’Apple nous a épargné l’étape podium, mais elle reste l’illustration parfaite de ce que la marque a su faire de plus osé et certainement de pire en matière de branding. Aujourd’hui, on hésiterait pourtant à crier au génie en voyant certains de ces looks, normcore avant l’heure. Reste que cette collection Apple de 1986 pourrait bien déchaîner les passions dans les salles des ventes. De quoi inciter à la plus grande vigilance lors de futures errances digitales.
Photos DR Catalogue The Apple Collection, 1986.
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SCISSION, FUSION, EXPLOSION Par MYRIAM RAMADAN
Photos Raya Farhat
Sous la houlette du chef Reem Azoury et de son associé Karim Arakji, la famille des restaurants Meat The Fish et Skirt vient de s’agrandir. Maryool vient juste de voir le jour à Mar Mikhael sous le signe de la cuisine libanaise réinventée.
Reem Azoury dit de son nouveau « bébé » que c’est « une cuisine libanaise, alternative, contemporaine, englobant notre histoire et notre géographie, avec un clin d’œil à notre présent ». Maryool est aussi une sorte de consécration de sa carrière de chef, cette fée des fourneaux ayant toujours rêvé de créer un tel concept. Les femmes de sa vie Reem Azoury a grandi entourée d’une mère et deux grands-mères (originaires respectivement du Akkar et de Bhamdoun), toutes excellentes cuisinières, qui lui ont appris à confectionner les plats traditionnels et lui ont inculqué sensibilité et respect de l’héritage culinaire. Elle affirme que son palais s’est développé grâce à ces trois Cordons bleus. Diplômée en Affaires Internationales, l’entrepreneure s’était installée aux EtatsUnis, après quelques années à Londres. C’est au Figs Fine Foods (son premier restaurant, ouvert à Washington DC), qu’elle commence à expérimenter de nouveaux ingrédients, surtout asiatiques (miso, citronnelle, gingembre) auxquels elle n’avait jamais été exposée avant de les découvrir à travers ses voyages. C’est ainsi qu’elle introduit ces nouvelles saveurs dans
les recettes traditionnelles de la cuisine libanaise. Le edamame se marie bien au houmous (purée de pois-chiches), le kale à la hindbé (chicorée), et la citronnelle au kafta (kébab). La chef se passionne pour ces nouveaux produits et épices venus de l’Est, et les voilà qui se combinent avec les saveurs moyen-orientales. Les papilles explosent ! Retour au bercail en 2011. Après un bref passage à Tawlet en tant que « guest chef », elle ouvre Meat the Fish, suivi de Skirt avec Karim Arakji, où ses responsabilités vont de la création et réalisation des recettes, jusqu’à la conception artistique des plats servis. La jeune femme est une perfectionniste qui ne fait pas les choses à moitié. Elle tient à ce que tout ce qui sort de sa cuisine soit un plaisir non seulement du palais, mais aussi aux yeux. Changer les mentalités : Broadway et Off Broadway Reem Azoury estime que nous autres Moyen-orientaux prenons notre cuisine trop au sérieux, et que nous résistons à l’idée de la voir infiltrée par de nouvelles saveurs. A travers Maryool, la chef a le désir, et surtout l’audace de bouleverser la perception de la cuisine libanaise et régionale. Elle compare la cuisine traditionnelle à un show de 24 5
Broadway et sa version modifiée à un « Off Broadway ». Dans son menu détourné, on trouve entre autres trois genres de houmous (au chorizo, champignons Portobello, et aux poulpes). Le Musakhan (plat palestinien) devient dans sa version Maryool un taco de poulet mariné dans des épices indiennes et servi dans un pain mexicain. La Kebbet Mossul (plat irakien, clin d’œil à la Kebbeh du Liban Nord) est farcie d’herbes. Il y a encore, le Herrak Essbao (plat aux lentilles de Syrie), l’Imam Bayledi (Turquie), le Chelow Kabab (plat iranien, en hommage à ses années passées à Washington DC où vit une grande communauté iranienne), et d’autres succulentes spécialités relookées. On ne peut omettre la Tamryeh (dessert préparé durant les fêtes religieuses, dédié à sa grand-mère de Bhamdoun). Pour ce qui est de la technique, Reem Azoury privilégie les ingrédients asiatiques et utilise beaucoup d’ustensiles de cette région, notamment le wok. Passionnée par son métier, son message à travers Maryool est des plus clair : « Nous avons un riche héritage culinaire qui mérite d’être reconnu. Maryool est mon interprétation de toutes les recettes des cultures que j’affectionne. » Maryool, Rue Pharaon, Mar Mikhael, Beyrouth T. +961 1 442045
ZAATAR À TOUTES LES SAUCES
Rien de tel pour partager un bon moment que se retrouver entre amis autour d’une bonne assiette. C’est cet esprit jovial que The Good Thymes cherche à véhiculer autour d’un ingrédient clé de la culture libanaise, le thym. 24 6
Photos Joelle kanaan
Par MARIA LATI
Photos Joelle kanaan
Le zaatar mis en avant, c’est le pari de Fady Aziz. Chef du département design de la société de marketing Quantum Communications, fort de longues années d’expérience en branding et design, le jeune homme décide de mettre à profit son savoir pour se lancer dans une aventure qui lui ressemble. Originaire de Kfarhouné, au Sud Liban, Aziz jouait avec ses camarades dans les environs d’un terrain abandonné depuis plus de quarante ans sur lequel avait été bâtie une vieille ferme. Des années plus tard, il rêve encore de ce lieu de verdure et d’évasion et, en 2016, prend la décision d’en « faire quelques chose ». Gourmet et attaché à la nature, il pense au zaatar, spécialité locale qu’il déguste tous les matins au petit déjeuner en compagnie de ses enfants et sa femme. Il se plonge dans les rouages de la culture de cette plante aromatique. Il croise sur son chemin deux professionnels qui avaient été en charge de la valorisation de la culture du thym après le retrait de l’armée israélienne du Liban sud. Ces derniers avaient mis en place une logistique et des formations professionnelles pour les agriculteurs. Ils transmettent leur savoir à Fady Aziz qui crée un concept moderne autour de cet ingrédient traditionnel. A quelques
kilomètres de la plantation, le jeune homme installe un atelier qui accueille les visiteurs, autant pour une dégustation que pour observer l’équipe au travail. De jeunes étudiants s’affairent pour préparer les ingrédients. L’entrepreneur effectue ensuite mélanges et dosages selon ses recettes. Le tout est ensuite emballé dans un packaging design et ludique, avant livraison à domicile sur commande, via le site internet de la marque, ou à des coffee shop tendance et épiceries fines. Mélanges insolites et préparations à l’ancienne The Good Thymes propose différents mélanges autour de l’ingrédient principal, le thym. Ses produits vedettes sont le Nutty mix, composé des morceaux d’amandes, cajou et cacahuètes, le Fruity mix aux accents d’abricot, figues et canneberge ou encore le mix oriental avec pistaches, cumin, fenouil et graines de citrouille. Des ingrédients choisis avec soin et pour la plupart achetés à des agriculteurs et paysans de la région, à l’instar des tomates cultivées localement et utilisées dans le Hot Mix aux saveurs épicées ou le kechek de chèvre préparée par une voisine pour le Kfarhouné mix. Pour peaufiner les recettes, 247
Fady s’est penché sur le sujet avec des amis restaurateurs, son cousin chef, son ami propriétaire d’une chaine de sandwicherie et sa cousine qui mitonne dans sa cuisine des plats dont tous les habitants du village raffolent. En phase avec l’esprit convivial de The Good Thymes, ce sont les amis de Fady Aziz qui testent les recettes. Lors de la dernière tablée, ils ont d’ailleurs englouti la nouvelle création culinaire: une préparation de thym au chocolat et qui sera proposée en édition limitée pour les fêtes de fin d’année. Les ingrédients utilisés dans les recettes sont frais, naturels et sans préservatifs car cet amoureux du goût souhaite préserver les saveurs de chaque produit. Pour recueillir uniquement les feuilles et fleurs de la plante, en évitant les « bois », Fady a recours à une technique traditionnelle, une machine à moudre à l’ancienne plutôt qu’un moulin dans lequel le tout serait broyé sans distinction et qui laisserait s’envoler les fleurs, cette partie de la plante riche en goût. Fady adapte ses mélanges aux produits de saisons et s’est déjà créé un carnet de recettes originales où le thym sera exploré sous toutes ses formes, en boissons et autres surprises. www.thegoodthymes.me
Par PHILIPPINE DE CLERMONT-TONNERRE Avec sa triade de restaurants, MRQT revisite le marché traditionnel. Au programme : spécialités italiennes, grillades et cuisine du monde. 24 8
Photos Rami Sabban
COMME AU MARCHÉ
Sur la petite terrasse se dégage une odeur de feu de bois provenant du barbecue. MRQT, qui se prononce « Market », a ouvert il y a un mois à Mar Mikhaël. L’endroit a été aménagé au bout d’une impasse tranquille, derrière le café-restaurant Memory Lane, à l’abri des klaxons et des bruits de moteurs. Imaginé par l’entrepreneur Bachir Wardini, le concept est simple : trois restaurants sous un même toit. Saveurs italiennes, viandes grillées ou cuisine 100% organique, il y en a pour tous les goûts. Les ingrédients sont frais, et souvent bio. Des plats à la fois simples et sophistiqués à consommer sur place ou à emporter, et bientôt livrés à domicile. A l’instar, de son voisin Memory Lane, MRQT a tenu à préserver l’esprit « petits commerces » du quartier jadis peuplé de garages et d’ateliers de couture. Une fois installé à l’une des quatre grandes tables en terrasse, le visiteur n’a plus qu’à piocher un peu partout parmi les stands. À la carte de La Prosciutteria, on trouve, pêle-mêle, du salumi, du prosciutto, de la mozzarella di buffala, de la burrata. Des produits frais, « qui arrivent chaque semaine d’Italie », indique le manager Joseph Chaya, et se dégustent aussi bien sur une planche qu’en sandwich. À côté, c’est le coin barbecue. The Butcher’s propose de la viande (bœuf, porc, mouton) sous toutes ses formes : grillée au feu de bois de pommier ou de cerisier, ou fumée pendant de longues heures à la manière traditionnelle. Le dernier de la brochette, Astro, se veut à la fois « décontracté et fin gourmet ». « On propose un menu expérimental et entièrement organique avec des produits du monde entier qui changent selon les saisons », poursuit le gérant des lieux. On entre dans le restaurant par une sorte d’estrade en escalier sur laquelle il est aussi possible de s’asseoir pour siroter un cocktail. Le spot idéal pour profiter des premières brises de l’automne. Ouvert tous les jours de 9h à 2h. Rue Madrid, Beyrouth, T. +961 3 933 932 24 9
QUAND LE FOOT NOUS REND CHÈVRES Par SABYL GHOUSSOUB
12 juin 1998. 21H27. Sur un corner rentrant d’Emmanuel Petit, Zidane s’élève au-dessus des autres joueurs et prolonge de la tête la trajectoire de la balle vers le fond des filets. Je me lève, il se lève, on se lève. En fait, je ne sais plus très bien qui se lève. Je gueule comme un buffle. Ma voix se mêle à celle de millions de Français qui hurlent en même temps. La France est devenu un immense stade. Je reconnais mon frère. Une derbouka à la main, il file sur le balcon et commence à en jouer de toutes ses forces. Ma mère se tape les cuisses de joie. Même mon père a déposé son livre sur la table basse et esquissé un sourire. Nos copains ont renversé tous les meubles du salon. La France mène 1-0 face au Brésil en finale de la Coupe du monde. La France, j’ai souvent du mal avec, mais là, je suis Français. Je l’aime et je ne la quitte pas. Deux mois plus tard, le 23 août 2006, la France et le Liban s’affrontent sur un terrain de basket. Devant la télévision du salon, je n’ai d’yeux que pour les Libanais. Je veux que l’on batte ces Français. Qu’on les lamine, les extirpe, les ridiculise. Elle est peut-être là la réponse à ma question identitaire. Devant un match
Khaled Jarrar, Concrete 3, Galerie Polari, Paris, 2012 250
Photos Hans Van Der Meer & Daniele Segre
Un parcours de 90 minutes, la durée réglementaire d’un match. C’est ce que propose le Musée des Civilisations-Europe et Méditerranée de Marseille pour l’exposition « Nous sommes foot ». Une invitation à « oublier nos a priori sur le football », ce sport symptôme qui nous rend schizophrènes.
Hans Van Der Meer, Marseille, Montredon, 2004
Photos Khaled Jarrar
sportif. Bêtement et simplement. Qui je suis ? D’ou je viens ? Cette sacro-sainte question d’identité. Diabolo ou menthe ? Dans le livre de l’exposition Nous sommes foot, un récit, Diabolo menthe écrit par Kaouther Adimi relate l’histoire d’un gamin algérien et français à la fois. Zidane n’était pas encore entraîneur. Devant le match France-Algérie, le petit ne sait plus. “Moi je suis fan de Zidane mais je veux que l’Algérie gagne. Je veux que Zidane gagne mais qu’il gagne avec l’Algérie. Je veux que la France perde, mais je ne veux pas que Zidane perde. Je veux que l’Algérie gagne, que la France perde, que Zidane gagne, que l’Algérie perde et gagne aussi, que la France ne perde pas vraiment. Je veux que l’Algérie ne joue pas contre la France, que la France ne se retrouve jamais contre l’Algérie. Je veux qu’on invente un règlement qui ne permette plus ça. Je veux que l’Algérie soit sur une planète et la France sur une autre planète. Je veux qu’il y ait deux Zidane, un dans chaque pays. Je veux que Zidane gagne avec les deux
équipes.” La question se pose aussi pour les joueurs. Quelle équipe choisir quand on est d’origine étrangère ? L’équipe du pays des anciens, l’équipe de cœur, ou l’équipe du pays où l’on est né ? Le maillot de l’indépendance On se rappelle de la naissance de l’équipe du FLN. Les joueurs d’origine algérienne avaient abandonné la France. Ils renouaient avec leurs origines, et à travers cet acte, luttaient pour leur indépendance. Le 9 mai 1958, les Algériens disputaient leur premier tournoi. Par la magie du football, une nation venait de naître. Porter ce maillot ou un autre a un sens. Soutenir cette équipe ou non, aussi. Je suis né à Paris mais j’ai toujours soutenu l’Olympique de Marseille. Pourquoi ? Je n’ai jamais vraiment su. Ludovic Lestrelin étudie le phénomène du Marseillais hors de Marseille. “Dans un pays si profondément marqué par le rapport Paris-Province, l’opposition dépasse le simple registre sportif. Le PSG contre l’OM, c’est par extension la confrontation de deux villes et de deux modes de vies fantasmés : le Nord contre le Sud, la 251
Daniele Segre, Serie Ragazzi di-stadio, 1977
la voit adolescente arpenter les terrains avec ses coéquipières. Des pionnières. Le football est sa religion. Le football est religion. L’opium du peuple. On y croit ou non. Certains se tatouent le logo de leur équipe favorite sur le bras, le crâne ou le dos comme d’autres affichent Jésus ou une sourate du Coran. L’écrivain italien Pier Paolo Pasolini, lui-même fan de ce sport, le disait : “Le football est la dernière représentation sacrée de notre temps.” Superstitieuse, la sphère foot l’est. Des kippas aux couleurs des clubs israéliens aux adolescents algériens à genoux sur un tapis avant de débuter leurs matchs, de tous les côtés, football et religion se mêlent et s’entremêlent. Avis de violence “Si spécificité il y a, elle existe sans doute dans le mouvement ultra, ce mouvement de contre-culture qui s’est constitué dans les années 60 en Italie et qui s’est diffusé très vite dans le reste de l’Europe. En France, la première association voit le jour à Marseille en 1984. Dès la fin des années 90, le mouvement dépasse les frontières du
continent européen pour se développer en Tunisie, au Maroc, en Algérie, en Libye, en Egypte, en Israël et en Palestine.” répond Florent Molle, commissaire de l’exposition, à la question d’une spécificité méditerranéenne du football. J’apprends que la culture ultra est non-violente. Un ultra n’est pas un hooligan mais peut le devenir. Comme n’importe qui d’autre. Parler de supporters me rappelle le Liban et ses matchs se déroulant à huit-clos. Trop d’insultes, de coups, de violence. Image surréaliste que de regarder à la télé deux équipes s’affronter devant des gradins vides. Ce sujet manque à l’exposition comme tant d’autres mais Nous sommes foot se veut une introduction à ce sport, un parcours initiatique qui tient à nous rappeler l’essentiel. Le football est un jeu simple. Un jeu du rien. Pour jouer, il suffit d’une balle et l’homme fera le reste. En bien ou en mal. Nous sommes Foot 11 octobre 2017 - 4 février 2018 Mucem Marseille
Photos Caio Vilela
froideur et la mesure contre la chaleur et la passion, le centre contre la périphérie (...) les élites et les nantis contre le petit peuple cosmopolite.” Je me retrouve dans l’homme du Sud, chaleureux et passionné, périphérique, et dans le petit peuple cosmopolite. Mon enthousiasme pour l’OM doit avoir “un sens social, culturel, voire politique”. Le football est bien plus qu’un sport. Honey Thaljieh en est un énième exemple. Première Palestinienne à avoir pratiqué le foot en compétition, elle a constitué la première équipe féminine nationale de son pays. “J’ai grandi entourée de murs, de contraintes politiques. Femme dans une société écrasée par les hommes, chrétienne dans une société musulmane, Palestinienne dans un pays occupé par Israël... Mais j’ai toujours pensé que le football dépassait tout cela. Qu’importe que je sois un homme ou une femme, chrétienne ou musulmane, occupée ou occupante, quand je rentre sur un terrain, mon esprit se libère et je suis l’égale de tout le monde.” Marraine de l’exposition, son sourire est communicatif. Dans un extrait du documentaire Les Rebelles du foot, on
Caio Vilela, Casablanca
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www.aeronautica.difesa.it www.aeronauticamilitare-collezioneprivata.it AĂŻshti by the Sea, Antelias T. 04 71 77 16 ext. 273 and all AĂŻzone stores T. 01 99 11 11 Produced and distributed by Cristiano di Thiene Spa
Photos Raya Farhat
LES DERNIERS CHEMISIERS DE BEYROUTH Par PHILIPPINE DE CLERMONT-TONNERRE Dans toute garde-robe digne de ce nom, le graal de la chemise reste le sur-mesure. Un savoir-faire détenu par une poignée de maîtres couturiers ayant résisté à la modernité galopante.
Un métier qui ne se transmet plus « Je travaille de façon chirurgicale, comme un médecin », lance Husseini. Depuis l’ouverture de son magasin en 1975, l’homme s’est taillé une solide réputation, y compris à l’international. Sa clientèle, prestigieuse, est composée de ministres, d’ambassadeurs de la région et de pays occidentaux ou encore d’hommes d’affaires. Sur la devanture, le nom du magasin, « Shirt’s Shop », est écrit en anglais et en arabe. « C’est lui le chef, un véritable businessman ! », commente une voisine. Ce vieux routard de la liquette a
su maintenir une profession menacée de disparition par la modernité galopante. Jadis aussi répandues que les magasins de smart phones de nos jours, les chemiseries sont en voie d’extinction à Beyrouth. De l’autre côté de la rue, Jamil ravaude des habits usés. Cet ancien tailleur a du se reconvertir au raccommodage. Avec « l’arrivée des produits importés, le métier n’était plus rentable », raconte l’homme de 66 ans. « Les jeunes ne sont pas intéressés par cette profession car ca ne rapporte pas. Mes trois enfants sont dans la banque, pour rien au monde je ne les aurais laissés faire mon métier! » s’exclame-t-il. A Gemayzé, Fadlo est une institution de la chemise sur-mesure. Situé en face du poste de police, son magasin, ouvert en 1967, est le dernier de la rue Gouraud. Si l’artisan a pu maintenir son activité, c’est en partie grâce à un réseau immuable de clients tissé localement mais aussi au delà des frontières. Le commerçant confie avoir notamment habillé l’ancien président de la République Charles Hélou. Au dessus de son « bureau » - une machine à coudre posée sur une table en bois – des photos sont accrochées sur le mur. On y voit le commerçant poser bras-dessus bras-dessous avec certains de ses commanditaires les plus fidèles. Sur ces clichés vieillis figure, entre autre, un ancien « safir » (ambassadeur) suisse. « Encore aujourd’hui il me commande des chemises depuis Genève ! », affirme le Libanais qui vend ses chemises entre 90 et 200 dollars. 256
Bouche-à-oreille Qu’elles soient rayées, à carreaux ou unies, les liquettes obéissent à un rituel rigoureux. « Le tissu importé d’Angleterre ou de Suisse est plongé dans l’eau pendant une semaine car le coton a tendance à rétrécir », explique Fadlo. Au moment du découpage, les étapes cruciales sont le tombé du tissus au niveau du col, des épaules et de la poitrine ». C’est à l’intérieur de ces boutiques modestes, parfois de quelques mètres carrés seulement, que ces maîtres de la couture ont habillé durant plusieurs décennies nombre de puissants de ce monde. Syriani à Saint Nicolas, Nadim et Sélim Abou Rizk à Sassine, ces adresses introuvables sur la toile sont bien connues des Beyrouthins. Leurs noms s’échangent même dans les réceptions et salons mondains à l’étranger, persistance d’une époque où le bouche-àoreille valait une campagne publicitaire. A Achrafieh, ils ne seraient plus qu’une quinzaine à exercer cette profession. Devenus de vieux messieurs, tous ont depuis longtemps dépassé l’âge de la retraite. Place Sassine, dans une ruelle étroite adjacente à la célèbre pâtisserie Noura, Nadim a le dos courbé par les années de travail. Ce vétéran du métier, encore à la tâche aujourd’hui, décline ma demande d’interview. Chez les chemisiers, la discrétion est de mise. Beyrouth, T. +961 1 44 69 53
Photos Raya Farhat
Husseini est pressé. Mètre ruban autour du cou, tenue impeccable, le couturier déambule entre l’entrée et l’arrière boutique de son magasin, répond au téléphone, donne des directives aux employés. Ce Beyrouthin de 63 ans est propriétaire de la seule chemiserie à Watwat, quartier de Hamra coincé entre Kantari et Sanayeh. A l’intérieur de la boutique, des piles de tissus débordent des étagères. Les bobines de fils sont partout. Trois employés s’affairent derrière leur machine à coudre, un quatrième fixe des boutons à la main. « Il faut que ce soit parfait sinon les gens ne reviennent pas », explique Husseini qui confectionne des chemises pour homme depuis l’âge de 17 ans. La réalisation de chaque pièce prend environ une semaine. Le résultat est au rendez-vous. Le secret d’une bonne chemise: la précision.
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LE BUS EN MIEUX startup Par MYRIAM RAMADAN
« Il y a des Vénus sous les abribus/qui pleurent des amours terminus » chante Patricia Kaas. Et si les abribus devenaient au contraire des lieux de commencements ? C’est le pari que s’est donné Charbel El Hajj à travers sa startup Smart Bus Stops qui réorganise les transports en commun et revampant les stations.
Relooker, connecter, sécuriser Au Liban, l’état actuel des choses est le suivant : Les arrêts de bus sont presque inexistants, et même s’il s’en trouve, ils ne sont pas utilisés efficacement. Au lieu de s’arrêter à un point déterminé pour
prendre des passagers, le bus fait des stops au hasard, selon qu’il repère un potentiel client, causant des embouteillages monstres ainsi que pas mal d’accidents routiers. Smart Bus Stops est une startup dont le but est d’améliorer les transports publics au Liban. La première étape consiste à réparer et relooker les arrêts de bus. La phase finale est consacrée à la réactivation de ce réseau afin d’encourager le public à l’utiliser plus couramment. Un modèlepilote a déjà été instauré à Beit Mery (Metn) avec l’accord de la municipalité et du ministère des Transports publics. Le projet Smart Bus Stops implique, pour le moment, la restauration d’arrêts de bus déjà installés, mais qui seront illuminés grâce à un système d’énergie solaire, réarrangés avec des matériaux dits durables, et pourvus de prises pour chargeurs de téléphones portables. Eviter les accidents et améliorer le réseau routier Selon Charbel El-Hajj, en multipliant le nombre d’abribus Smart Bus Stops on permet au passager d’attendre dans un endroit confortable et illuminé qui confère davantage de sécurité (surtout pour les femmes), et de charger son téléphone grâce à un dispositif écologique. De plus, en regroupant les passagers dans un seul 258
endroit, on réduirait déjà les embouteillages de 30%. Motivation, touche personnelle et génération d’emplois El-Hajj qui est très attaché au succès de ce projet a fait un bon début avec la municipalité de Beit- Mery, finançant personnellement la rénovation de quatre arrêts déjà présents et y mettant sa propre touche. L’architecte qui promeut lui-même son projet, poussé par le désir de le voir fleurir au Liban, multiplie les réunions avec les directeurs de municipalités afin de leur présenter Smart Bus Stops et leur proposer différentes options. Parmi celles-ci est suggérée la possibilité que H2Eco Design se charge de mettre en place les arrêts gratuitement, les municipalités payant des abonnements publicitaires annuels. Une autre option serait de faire payer aux municipalités la somme 3000$ par abribus en contrepartie d’un bénéfice calculé au pourcentage, ou alors 1500$ sans aucun bénéfice. El-Hajj voudrait éventuellement développer ce projet dans d’autres pays aux infrastructures défectueuses, mais pas avant de le voir s’épanouir au Liban. La compagnie est en pourparlers avec plusieurs municipalités. A la parution de cet article, Amchit aura aussi dit oui.
Photos Charbel El Hajj
Demandez à n’importe quel Libanais de vous énumérer ses ennuis quotidiens (il y en a énormément), et vous pouvez être sûr de voir le cauchemar des embouteillages trôner en tête de liste. De même, le rêve de transports publics (maritimes, routiers ou autres) devient une obsession.Charbel El- Hajj (tout juste 27 ans) est l’un de ces rêveurs. Le jeune homme, qui détient un diplôme en architecture de l’USEK, prenait régulièrement le bus quand il était étudiant. Il avait donc déjà remarqué les problèmes que ce moyen de transport engendrait sur les routes libanaises. Durant les cinq années qu’il passe entre la France et l’Italie pour les besoins de sa maîtrise en architecture durable, il prend plaisir à utiliser les transports dits communs ou publics, et il réalise alors les lacunes dont souffre son pays natal dans ce domaine. En 2015, il rentre au Liban et lance sa compagnie H2 Eco Design and Contracting avec pour partenaires deux ingénieurs, Rodrigues Haibi et Ralph El- Hajj. Son premier projet sera Smart Bus Stops.
mécanique Auteur PIERRE-OLIVIER MARIE Caradisiac.com
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Photos Larry Chen
LA PORSCHE PARFAITE N’EXISTE PAS
Une chose est sûre : Magnus Walker, avec ses dreadlocks, sa grande barbe et ses tenues – très – savamment négligées, n’a pas les attributs conventionnels de l’aficionado de la Porsche. C’est justement ce qui lui a valu de devenir en quelques années une sorte de gourou pour les “petrolheads” du monde entier, en même temps que d’obtenir la reconnaissance officielle du constructeur. À l’occasion de la millionième 911, portrait d’un passionné-créateur.
Magnus Walker dans son atelier, penché sur le cas d’une 911 en cours de “walkerisation” : “Je transforme les voitures au gré de mon inspiration”, avoue le mécano à la barbe de prophète.
Paris, le 12 juin 2017. Ce soir-là, des dizaines d’amateurs d’automobile se sont donné le mot via les réseaux sociaux et convergent en direction de la place de la Concorde. Ils vont enfin approcher Magnus, le porschiste le plus célèbre au monde. Collectionneur, préparateur, fin pilote, il est tout à la fois. Et bien plus que cela. Telle une rock star, à laquelle l’apparentent sa silhouette longiligne, ses dreadlocks, ses tatouages, sa grande barbe et ses tenues très savamment négligées, l’homme a quitté son antre de Los Angeles pour effectuer une tournée en France avant d’assister aux 24 Heures du Mans, et vient à la rencontre de ses fans à l’occasion d’un de ces Outlaw gatherings qu’il apprécie tant. Pas de message politique à émettre, mais l’occasion de passer du temps avec des passionnés, d’échanger avec chacun, et de multiplier les apparitions sur des selfies. Bref, un moment partagé autour d’une passion commune : les voitures qui roulent vite, au premier rang desquelles, les Porsche. Magnus n’est toutefois pas sectaire, comme en témoigne sa visite quelques jours plus tard à la toute nouvelle concession Alpine de Boulogne... qui 261
remplace un garage Porsche ! “J’ai eu l’opportunité de conduire toutes sortes de belles voitures, jusqu’aux Pagani. J’aime ces voitures, elles sont formidables. Mais mon cœur est pris par Porsche, que voulez-vous…” Ces derniers mois, il a toutefois souvent mis à l’honneur des McLaren sur son compte Instagram, qui compte plus de 400 000 abonnés. En novlangue marketing, on appelle ça un influenceur. Barbu charismatique La passion du barbu charismatique pour les Porsche naît en 1977, le jour où le gamin de Sheffield accompagne son père au Salon de l’auto de Londres : “J’arrive sur le stand Porsche, et là mes yeux se posent sur une 911 aux couleurs Martini, avec des bandes rouges et bleues. La plaque du moteur indiquait Turbo, et le spoiler était aussi haut que ma tête. J’avais trouvé la voiture de mes rêves.” Pris par l’enthousiasme, il envoie dans la foulée une candidature à Porsche, qui a le bon goût de lui répondre en l’invitant juste à patienter quelques années... Neuf ans après ce premier contact, il quitte
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Photos Larry Chen
Ci-contre, même les 911 modernes (ici une 991 Turbo), avec moteur refroidi par eau, intéressent Magnus : “J’aime toutes les Porsche, même celles avec un moteur avant.” Ci-dessus, une 911 dotée de jantes dessinées par Magnus, en association avec le fabricant Fifteen 52.
Ci-contre, les pare-chocs et capots peints de couleurs différentes sont typiques des 911 de Magnus. À droite, une 2.4 S de 1971 qu’il aime particulièrement. Ci-dessus, compte-tours en zone rouge. Magnus a d’ailleurs intitulé son autobiographie Dirt don’t slow you down… (La poussière ne te ralentit pas). 263
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Photos Larry Chen
Ci-contre, la passion affichée jusqu’au moindre détail. Ce qui permet à Magnus d’assurer qu’il “fait partie de la famille Porsche”. Ci-dessus, une 930 turbo de 1975 (à gauche) conservée dans son état d’origine. La bête est rare, Magnus la préserve au mieux. À droite, son héritière moderne, une 911 turbo type 991.
“L’essentiel de mon travail concerne des modèles anciens, mais à titre personnel, j’aime toutes les Porsche, même les plus modernes, et même celles à moteur à 4 cylindres à l’avant. Je ne fais donc aucune différence. De même, je ne suis pas un puriste. Les voitures qui passent dans mon atelier, je les transforme au gré de mon inspiration, mixant les influences techniques ou artistiques.”
sa cité minière du nord de l’Angleterre pour tenter sa chance aux États-Unis. À Los Angeles, il lance Serious Clothing, marque de vêtements à thématique rock que vont notamment adopter Madonna ou le hard rocker Alice Cooper. Succès venant, il peut enfin s’offrir sa première “grenouille” (un des surnoms de la 911), un modèle 1974 sur lequel il va parfaire son coup de volant, généralement sur route ouverte dans les hauteurs de L.A., ou plus raisonnablement sur des circuits. Doué, l’homme aura même l’opportunité d’ajouter sur son CV la mention de moniteur de pilotage... de Porsche. Contre l’orthodoxie porschiste Les années passent et sa collection de 911 s’étoffe. Des modèles auxquels il s’attache à donner une personnalité propre et à améliorer les performances, quitte à s’autoriser des entorses avec les sacro-saintes configurations d’origine : “Il se trouve que l’essentiel de mon travail concerne des modèles anciens, mais à titre
personnel, j’aime toutes les Porsche, même les plus modernes, et même celles à moteur à 4 cylindres à l’avant. Je ne fais donc aucune différence. De même, je ne suis pas un puriste. Les voitures qui passent dans mon atelier, je les transforme au gré de mon inspiration, mixant les influences techniques ou artistiques.” Et tant pis pour les tenants de l’orthodoxie porschiste et autres arbitres du bon goût automobile, dont Magnus n’a que faire. Interrogé sur son top 3 personnel, l’homme réfléchit environ une demi-seconde : “Je mettrais la toute première 911 de 1964, parce que c’est une icône, le début de la légende. Ensuite une R de 1967, un modèle de course très peu connu. Et pour compléter le trio, la 930 turbo de 1975. Une vraie bête !”C’est en 2012 que Magnus est devenu une star, à la suite du tournage d’un documentaire de trentedeux minutes disponible sur Internet, Urban Outlaw. Du jour au lendemain, les marques d’intérêt ont afflué du monde entier et les médias ont multiplié 265
les sujets sur Walker et sa collection. Cela lui vaudra aussi d’être invité par Porsche à Stuttgart, trente-cinq ans après le salon de Londres. La relation s’est depuis intensifiée et la marque associe Magnus à la plupart des grands événements qu’elle organise ou durant lesquels, comme au Mans, elle est appelée à briller : “C’est une relation qui n’est pas réellement formalisée, que l’on a validée d’une poignée de main. C’est d’ailleurs comme ça que je fonctionne, je suis un handshake guy. Porsche m’invite à des événements plusieurs fois par an, je viens, on se voit et on se rencontre entre amateurs de Porsche. J’aime ça. On peut dire que je fais maintenant partie de la famille.” Et si on lui fait remarquer qu’il n’a pas précisément la tête de l’emploi, la réponse fuse : “Peu importe l’apparence. On fonctionne à la passion, et cela nous unit avec d’autant plus de force.” Porsche, Boulevard du Parc, Beyrouth, T. +961 1 975 911
Photos Carl Halal, Guillaume Ziccarelli
LA GRANDE (ET BELLE) ILLUSION Par F.A.D Parallèlement à la Fiac qui drainait à Paris les acteurs internationaux de l’art contemporain, la Fondation Aïshti inaugurait en octobre, sous le thème « The Trick Brain », sa troisième grande exposition depuis son lancement en 2015
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Photos Carl Halal, Guillaume Ziccarelli
Ouvrant la nouvelle saison avec fracas, le show dirigé par Massimiliano Gioni, par ailleurs commissaire du New Museum de New York, avait attiré à Beyrouth la fine fleur des artistes, galeristes, marchands d’art, commissaires priseurs, collectionneurs, directeurs de musées et journalistes spécialisés. Trois jours durant, on a pu croiser, se promenant entre les galeries, musées et ateliers de la capitale libanaise, la vieille ville de Byblos et le complexe Aïshti by the Sea, conçu par l’architecte David Adjaye et abritant la Fondation Aïshti, des créateurs vedettes tels que Andra Ursuta, Jeremy Deller, Yngve Holen ou Michael Williams, et des collectionneurs de la pointure d’un Dakis Joannou ou d’un Adam Lindman. Intitulée « The Trick Brain », l’exposition dédiée au néo-surréalisme réunissait près de 240 pièces de 60 artistes sélectionnées dans la collection Elham et Tony Salamé qui en comprend plus de 2000. Une grande partie de ces œuvres, dont certaines ont été acquises récemment,
n’avait jamais été montrée au grand public. Surréalisme et prestidigitation « The Trick Brain » est le titre d’un célèbre manuel de magie et de prestidigitation, mais également d’une installation vidéo de l’artiste Ed Atkins, propriété de la Fondation Aïshti, présentée à la Biennale de Venise en 2013. Méditation sur la dispersion de la collection d’art primitif, de livres, de lettres et divers objets ayant appartenu à André Breton, cette œuvre et son titre plaçaient d’emblée l’exposition dans le prolongement du mouvement surréaliste surgi dans l’entre-deux-guerres au siècle dernier. Plusieurs installations, vidéos, stop-motion, accumulations et mises en scènes, un nombre intéressant d’œuvres photographiques, des sculptures et des peintures apparentées à l’expressionnisme abstrait, contribuaient à l’effet hypnotique et onirique de l’ensemble. « The Trick Brain » qui signifie à peu près « Le cerveau prestidigitateur » renvoie après tout à l’illusion, et c’est au final un grand 269
moment d’illusion et de magie qu’ont vécu les invités privilégiés de ce spectaculaire vernissage. Nuit magique En soirée, la fascination gagnait déjà dans le sas surréaliste, tout en cuivre steem punk et sculptures néo-gothiques du bar B by Elefteriades logé au dernier étage entièrement ouvert sur la mer du complexe Aïshti by the Sea. Après la visite de l’exposition, un dîner était donné sur la grande esplanade maritime de la Fondation Aïshti, destinée à accueillir des sculptures monumentales et accessoirement transformée en site de fête foraine pour les enfants. Parmi les manèges à l’ancienne dont les lumières colorées contribuaient à la magie de la soirée, des stations culinaires offraient le meilleur de la gastronomie libanaise. Un grand moment déjà documenté par la presse internationale et qu’on peut encore vivre longtemps en visitant la Fondation Aïshti, jusqu’au prochain accrochage.
A ALEXANDER MCQUEEN +961 4 71 77 16 EXT.251 B
E ERMENGILDO ZEGNA +961 1 99 11 11 EXT.222 ETRO +961 1 99 11 11 EXT.590
BOTTEGA VENETA +961 1 99 11 EXT.565 BVLGARI +961 1 99 91 59
F FENDI +961 1 99 11 11 EXT.550
C CALVIN KLEIN +961 1 99 11 11 EXT.130 CAMPER +961 1 99 11 11 EXT.568 CARTIER +961 1 97 26 00 CHANEL +961 1 99 91 29 CORNELIANI +961 1 99 11 11 EXT.500 D DAVID YURMAN +961 1 99 11 11 EXT.120 DIOR HOMME +961 1 99 11 11 EXT.592 DIPTYQUE +961 1 99 11 11 EXT.104 DOLCE & GABBANA +961 1 99 11 11 EXT.555 DSQUARED2 +961 1 99 11 11 EXT.120
G GUCCI +961 1 99 11 11 EXT.200 H HACULLA +961 1 99 11 11 EXT.140 HERMÈS +961 1 99 97 10 I ICEBERG +961 1 99 11 11 EXT.140 K KENZO +961 1 99 11 11 EXT.140 L LANCOME MEN +961 1 99 11 11 EXT.104 LOUIS VUITTON +961 1 96 68 10
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M MONT BLANC +961 1 99 11 11 EXT.104 P PRADA +961 4 71 77 16 EXT.231 S SAINT LAURENT +961 1 99 11 11 EXT.562 SANDRO +961 1 21 28 88 SCHOTT +961 1 99 11 11 EXT.140 SHAMBALLA CHEZ SYLVIE SALIBA +961 1 33 05 00 T TOD’S +961 1 97 03 13 TOM FORD +961 1 99 11 11 EXT.104 TOMMY HILFIGER +961 1 21 28 88 V VALENTINO +961 1 99 11 11 EXT.569 Y Y/PROJECT +961 1 99 11 11 EXT.140
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NEW TWYCE Cool Zone with Y-Structure. The X-BIONIC® TWYCE innovation: the Y-Structure created from hydrophobic and hydrophilic fibres generates a “push pull effect”, which helps to transport sweat more quickly from the 3D Bionic Sphere® System, and to distribute it where it can evaporate with maximum cooling effect.
Hydrophilic yarn: for better evaporation.
Hydrophobic yarn: for faster transport.
DOUBLE COOLING, MORE PERFORMANCE “If we could double the sweat evaporation zone, we would also have more cooling.” Dr. René Rossi, EMPA Scientist
2016 X-BIONIC® TWYCE
Increased performance through 37 °C CCR-Technology. The thermal imaging proof: different structures optimise heat dissipation. Cool colours, such as those along the TWYCE Cool Zone in the centre of the back, indicate areas with high insulation. Intelligently controlled temperature management for increased performance.
X-BIONIC® is the winner of the “MOST INNOVATIVE BRAND AWARD” 2009, 2a010, 2011, 2012, 2013, 2014, 2015, 2016 and 2017.
X-BIONIC® TWYCE Running Shirt Long French Blue/Black
Available at all AÏZONE STORES, T. +961 1 99 11 11
X-BIONIC® TWYCE Running Pants Long Black/Anthracite
RESEARCH, DEVELOPMENT, DESIGN + COMMUNICATION DONE IN SWITZERLAND
Developed by scientists – proven by athletes. www.sportscience-laboratories.com | www.x-bionic.com
MADE IN ITALY
TRANSE EXQUISE « J’aurais besoin de fleurs qui disent je pense à toi. Mais pas du tout un bouquet d’amoureux transi, hein ! C’est pour mon ex, un geste purement amical, je ne voudrais pas qu’elle se fasse des idées. Elle est en couple, vous comprenez, et son mari sera là. Je veux éviter de faire des histoires ». Debout devant moi chez le fleuriste, un grand brun gouailleur et un peu hâbleur se contorsionne pour essayer de trouver la combinaison idéale. « Ah non surtout pas des roses.Plutôt une plante verte. Tiens, un cactus fera très bien l’affaire ! Et puis je ne vous ai pas tout dit,mais j’ai aussi besoin d’un autre bouquet. Et là, vous pouvez mettre le paquet, roses rouges et tout le bataclan . C’est pour une fille que j’essaie d’impressionner. Mais ne vous trompez surtout pas d’adresse en envoyant les bouquets. Je ne peux pas louper mon coup. Elle m’envoie balader depuis quelque mois, j’espère que les fleurs me donneront un coup de pouce ! ». Son manège dure un bon quart d’heure, il s’emmêle les pinceaux, raconte ses histoires. J’ai l’impression de suivre une émission de télé réalité en direct. À aucun moment je ne m’impatiente, c’est beaucoup trop prenant. Au moment où il quitte enfin la boutique, je suis au courant de bien de choses de sa vie. J’ai presque envie de lui souhaiter bonne chance pour sa nouvelle conquête mais je me retiens. La fleuriste m’accueille enfin avec des yeux rieurs. Elle me confie recevoir souvent des cas comme celui-ci. Il faut conserver une discrétion à toute épreuve, et surtout ne pas
se tromper, quand certain(e)s offrent des bouquets à plusieurs destinataires. J’ai envie de me faire petite souris et me cacher derrière un vase pour assister au spectacle quotidien des amoureux transis / désolés / repentis. Et ainsi découvrir cette valse de fleurs qui peut se transformer en ballet déchaîné, une sorte de rave. Tiens, en parlant de rave, j’ai toujours la trouille de me faire avaler par la foule dans ce type de soirées. Ce n’est pas très rock’n’roll comme état d’esprit mais j’ai le souvenir d’une amie qui s’est perdue au milieu de milliers de personnes en délire. Elle s’est retrouvée seule à se faire embêter par des mecs éméchés - incapable de repérer son groupe d’amis. Les coups de téléphone passent rarement dans ce genre d’endroits, il faut attendre et guetter un visage familier en croisant lesdoigts. On a fini par la retrouver en larmes dans les toilettes crasseuses. Mais cet a priori négatif peut finir par s’estomper. J’en connais qui, au contraire, même paumés au milieu d’une foule se laisseraient envoûter par la musique. On finit toujours par retrouver son chemin alors, autant en profiter. Et puis, pour toute histoire un peu glauque, on a toujours un pendant plus joyeux. Il parait que c’est assez fréquent lors de festivals de retrouver des bandes de mecs qui acceptent de jouer de bonne grâce le rôle de “porteurs’’. Ils se relayent pour hisser sur leurs épaules une (ou plusieurs !) jeunes filles inconnues afin de leur permettre de voir la scène quand elles sont trop petites. Ce serait dommage de ne pas apercevoir 272
son artiste préféré, surtout quand on a pris un billet d’avion pour assister à ce concert. Il leur suffit de tapoter sur l’épaule d’un géant, qui les hisse tout haut. Et c’est parti pour un concert endiablé, aux premières loges en siège « balcon ». Un moment de transe musicale partagé entre inconnus. J’envie tellement ces personnes qui se laissent habiter, emporter par un son et qui entrent en communion avec des milliers d’autres spectateurs pendant les quelques heures que durent un concert, un festival, une rave. Ceux qui ont l’oreille, ceux qui “savent” et ressentent ces pulsations. Je n’ai pas cette sensibilité et ne sais toujours par repérer si quelqu’un joue faux. Mais parfois, la musique frappe d’un coup, et c’est un moment de grâce. Il suffit d’être coincé dans des embouteillages sans fin, et de hausser le volume à fond, assez fort pour couvrir le bruit des klaxons, des chantiers, des moteurs… Et tout à coup c’est comme si toutes les personnes alentours évoluaient dans une sorte de chorégraphie, en phase avec la musique à tue-tête. De la personne qui traverse la rue, à l’ouvrier qui s’escrime sur un chantier, aux passagers excédés de la voiture à côté... C’est comme si leurs mouvements étaient régis par les tressaillements de la musique que vous écoutez. Et que celle-ci devenait bande-son d’un moment, de votre moment. Comme si vous étiez au cinéma, avec la sensation de vivre une scène de film. Et, soyons honnêtes, qui ne s’est jamais rêvé un jour héros de cinéma?
Photos DR
Par LAURA HOMSI
A Ï S H T I B Y T H E S E A , A N T E L I A S , L E B A N O N T. 0 4 7 1 7 7 1 6 A Ï S H T I D O W N T O W N , B E I R U T , L E B A N O N T. 0 1 9 9 1 1 1 1