Los Malditos Románticos by Lolasoy by LOLA SOY

Los

Lorena Restrepo JimĂŠnez Universidad de Los Andes 2014

Resumen..........................................................1 Introducciรณn.....................................................3 Estado del Arte.................................................5 Referentes Teรณricos.......................................... Apropiacionismo...................................6 El Romanticismo.................................15 El Dibujo.............................................20 La Ilustraciรณn.......................................30 Referentes Conceptuales.................................41 Banksy.................................................42 Chapman Brothers..............................45 Ramรณn Maiden...................................51 Chad Wys...........................................55 Amalia Andrade........................ .........58 Kevin Simรณn Mancera........................60 Referentes Visuales........................................... Nina Chakrabarti.................................64 Mica Angela........................................68 Giulia Pex............................................70

Desarrollo de Concepto...................................76 Imágenes Románticas..........................86 Transformación de la Imagen..............94 Narrativas...........................................102 Fórmula Narrativa..............................107 Historias............................................120 Enlace de Comunicación...................126 Escenarios Finales.............................128 Diseño e Implementación..............................130 Frases.................................................132 Selección de Pinturas.........................141 Resultados Finales.............................171 Montaje.........................................................196 Evaluación y Análisis.....................................198 Conclusiones Finales.....................................205 Agradecimientos...........................................207 Bibliografía....................................................209

El apropiacionismo es un concepto que ha estado presente en diferentes campos. En el contexto artístico se entiende como la acción de tomar posesión de algo que ya existe con el propósito claro de producir nuevas creaciones. Teniendo esto como eje principal, el proyecto pretende demostrar cómo a través de la ilustración se puede cambiar el sentido de una imagen al intervenir retratos de la época del romanticismo (S.XIX). Su selección y transformación parte de un enfoque e inquietudes personales que se reflejan en una estética propia.

La combinación de estilos se traduce en una serie de ilustraciones donde se plasman expresiones y estéticas contemporáneas de un grupo de personajes llamado “Los Malditos Románticos”; y considerando el peso narrativo por su contexto histórico se plantea un lazo visual y comunicativo, evidenciando un sentimiento que los hace rebelarse ante la sociedad– el desamor y su melancolía. Así la ilustración se enriquece con detalles y pautas simbólicas que proporciona el dibujo, su composición y las palabras, que conectan al espectador con la historia que rodea a estos protagonistas inconformes, para generar su propia reacción y percepción.

El proyecto “Los Malditos Románticos” se desarrolla a partir de la apropiación y transformación de una cuidadosa selección de retratos, específicamente del siglo XIX. Estos, por un especial interés en imágenes que encarnan la época del Romanticismo como movimiento artístico cultural. La idea se centra en un grupo de personajes que se denomina con este particular nombre, por su entorno histórico y carga narrativa. El propósito es reflejar a través del lenguaje ilustrativo sus pensamientos acerca del amor en su faceta melancólica y sombría. Sus sentimientos y argumentos están simbolizados en unas pautas y detalles que complementan la serie de ilustraciones creadas, dándole vida a sujetos traídos a la contemporaneidad, que alguna vez creyeron en el amor pero cayeron en la desilusión. El otorgarle el caudal emocional y conceptual esta estética visual es encontrar un enlace que ayude a conectar al espectador con las historias de cada uno. De este modo, el proyecto nos compenetra con el movimiento artístico del apropiacionismo en donde importantes artistas que han ejercido notable influencia, fundamentan su trabajo en el legado de tomar imágenes y piezas de otros autores para intervenirlas y así convertirlas en obras propias. De esta manera, se busca por medio de la ilustración, apropiarse de retratos para generar nuevos personajes que nacen a partir la combinación imagen-dibujo y una carga narrativa presente en detalles de la pieza.

A partir de esto surge el interés por buscar e intervenir imágenes de retratos de la época del Romanticismo (S.XIX), seleccionadas intencionalmente, primero por su composición visual: las expresiones de los sujetos y sus características formales. Y segundo por el bagaje emocional y teórico proveniente de la época en la cual fueron pintados. Particularmente, se tomaron dos conceptos teóricos del romanticismo: el culto al yo y la exaltación del sentimiento. Por una parte, “el culto al yo” habla del sentido de individualidad que tienen los artistas en esta época en cuanto a su manera de llevar la vida, actuar y pensar y como esto los lleva a vivir en soledad y depresión. Por otra parte, la “exaltación al sentimiento” en donde se toma al amor desde dos puntos, aquel sentido con descontrolada pasión y aquel melancólico y trágico. Ambos presentes en la inspiración del artista romántico. En esta última, toma protagonismo la literatura del escritor Lord Byron, puesto que sus poemas están cargados de un tono dramático y melancólico, que van de la mano con las expresiones y rostros de los retratos seleccionados de la época. Es así como por medio de la ilustración, definida por Arnal Ballester (2013) como una manera de narrar en imágenes que se opone a la decoración, se encontró el

fundamento de que estos dibujos tuvieran una intención de comunicar no solo por medio de frases y expresiones concretas sino también por la presencia de detalles que crearan un puente entre lo visual y lo narrativo, para que el espectador pueda terminar la historia desde su punto de vista. Por otra parte, la “exaltación al sentimiento” en donde se toma al amor desde dos puntos, aquel vivido con descontrolada pasión y aquel melancólico y trágico. Ambos presentes en la inspiración del artista romántico. En esta última, toma protagonismo la literatura inglesa de Lord Byron, puesto que sus poemas están cargados de un tono dramático y melancólico, que van de la mano con las expresiones y rostros de los retratos seleccionados de la época. Finalmente, la serie que configura el proyecto “Los Malditos Románticos”, integra y consolida los distintos elementos mediante el lenguaje de la ilustración, caracterizado por un estilo propio y contundente, enmarcado en la sutileza y versatilidad del dibujo, que entre líneas y elementos visuales proporciona un conjunto de representaciones para llamar la atención y reflexión del lector.

“(…) an artist could be someone who selected a preexisting image and modified it rather than creating something entirely from scratch.” Warhol

Movimiento artístico que se desarrolló a partir de los años 80 en donde básicamente se modificaban imágenes o piezas originales. Surgió como crítica a las corrientes de años anteriores (50 y 60), en donde predominaba la razón con el arte conceptual y minimalista. Mediante la apropiación se quería recuperar la importancia de las pinturas e imágenes junto con su potencial narrativo. Un artista pionero en este movimiento fue Marcel Duchamp en 1914 con los Ready-Made. En este proyecto Duchamp quería demostrar que el artista no puede empezar de la nada y que el origen de sus obras se da a partir de objetos e imágenes ya hechos.

Duchamp, Marcel, 1919, L.H.O.O.Q, imagen tomada de: www.museografo.com

Por consiguiente, los apropiacionistas defienden la reutilización de objetos porque según ellos el mundo ya esta lleno material que se puede aprovechar artísticamente, “…es un modo de obrar sumamente idóneo para una cultura como la nuestra, que está sobresaturada de imágenes.” (Hutcheon, 1993, p. 189). Sin embargo, esto no quiere decir que el soporte que se interviene este perdiendo valor, al contrario es una forma de que trascienda en el tiempo y encuentre una manera de acoplarse a las tendencias actuales. “… esto no quiere decir que el arte haya perdido su sentido y su fin, sino que inevitablemente tendrá una significación y existencia nuevas y diferentes. Su autoridad está perdida. En su lugar, hay un lenguaje de imágenes. Lo interesante ahora es quien usa ese lenguaje y con qué fin.” (Berger, 1972, p. 33)

Warhol, Andy, Elvis, 1966 imagen tomada de: gallerywarhol.com

Warhol, Andy, Banana, 1966 imagen tomada de: gallerywarhol.com

Adicionalmente, la apropiación de imágenes y obras artísticas ha sido una manifestación común en el campo visual. Con la sofisticación de los medios y la llegada del internet se posibilitó la búsqueda y el descubrimiento de trabajos artísticos a los que anteriormente solo se tenía acceso en museos y galerías. Dentro de los cuales se puede mencionar artistas del movimiento Pop, como Andy Warhol, quien exploraba la transformación de imágenes de la cultura popular y las transformaba por medio de una estética propia.

Andrade, Amalia, No pare sigue sigue, 2013 imagen tomada de: bacanika.com

Ahora bien, hay que aclarar que con el paso del tiempo se ha llegado a un punto de exceso de información y de material gráfico y artístico que representa para los apropiacionistas un diamante en bruto y un medio de exploración para la generación de nuevas piezas, dejando a un lado la creación de algo desde lo original y único. Incluso actualmente, la tecnología y las redes sociales han posibilitado un sinnúmero de transformaciones de este material que retoma valor e importancia mediante intervenciones intencionales que pretenden darle otro significado y otorgarle un nuevo valor tanto visual como artístico. Para esto, a menudo los artistas juegan con lo cotidiano, logrando que el público tenga una conexión con la pieza.

En este punto es importante entender que lo que se esta haciendo con la apropiación es la imagen trascienda con un significado diferente, y se acople a la época contemporánea para que el espectador se identifique con ella de alguna manera. De este modo se logra según Hutcheon (1993), extender la historia del arte a la historia de la imagen, esto quiere decir que la imagen que antes era una pintura con un peso histórico y conceptual, pasa a tener una historia como imagen en si, y de esta manera se valora su contenido visual como material para explotar. Así la imagen queda liberada de su densidad histórica. Aun así, en este proyecto no se plantea dejar a un lado del todo el valor histórico de las piezas, pues el hecho de que hayan sido pintadas en la época del romanticismo, le da un elemento de exploración en el sentido narrativo y conceptual a cada una de las piezas.

En este punto es importante entender que lo que se esta haciendo con la apropiación es hacer que la imagen trascienda con un significado diferente, y se acople a la época contemporánea para que el espectador se identifique con ella de alguna manera. De este modo se logra según Hutcheon (1993), extender la historia del arte a la historia de la imagen, esto quiere decir que la imagen que antes era una pintura con un peso histórico y conceptual, pasa a tener una historia como imagen en si, y de esta manera se valora su contenido visual como material para explotar. Así la imagen queda liberada de su densidad histórica. Aun así, en este proyecto no se plantea dejar a un lado del todo el valor histórico de las piezas, pues el hecho de que hayan sido pintadas en la época del romanticismo, le da un elemento de exploración en el sentido narrativo y conceptual a cada una de las piezas. “ Toda palabra, toda imagen, está arrendada e hipotecada. Sabemos que un cuadro no es más que un espacio en el que una variedad de imágenes, ninguna de ellas original, se mezclan y chocan. Un cuadro es un tejido de citas extraídas de los innumerables centros de la cultura… El espectador es la tabla sobre la cual todas las citas que forman un cuadro son inscritas sin que se pierda ninguna de ellas.” (Levine, 1987, p.92)

Finalmente, en este movimiento encontré un soporte para defender la apropiación de imágenes apoyándome en los diferentes argumentos que le dan credibilidad a esta corriente artística. Por medio de estas declaraciones, los artistas expresan su inconformismo por crear nuevas piezas, y es así como se puede sustentar la reutilización de imágenes como soporte principal y punto de partida de la serie de ilustraciones en el proyecto.

Levine, Sherrie, After Walker Evans, 1981, imagen tomada de: afterwarlkerevans.com

El amor tr谩gico y melanc贸lico como inspiraci贸n

Gericoult, Theodore, 1820, Portrait of Lord Byron, imagen tomada de wikipaintings.org

Movimiento artístico-cultural que se originó en Alemania y el Reino Unido a finales del siglo XVIII extendiéndose por toda Europa y América en el siglo XIX. Surgió como protesta al racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo. Esta corriente se caracterizó por defender su posición a partir de diferentes ángulos en donde especialmente se expresaba el individualismo y el deseo de libertad. Esta oposición trajo consigo el concepto del Malditismo para referirse a cualquier poeta, escritor o artista incomprendido por sus contemporáneos, por rechazar las normas establecidas al rebelarse en contra de la realidad y sociedad que los rodeaba.

Su superioridad frente a las demás personas existía según ellos, por tener mayor sensibilidad. Esta diferenciación con la sociedad, trae como fruto el “culto al yo”. En donde los románticos le dan importancia a la expresión subjetiva de sus conflictos internos frente a las emociones, el amor y sus pasiones. De ahí que el amor sea el motor de inspiración para el artista de la época. Por otro lado, la sociedad sentía una profunda insatisfacción y frustración generadas por la oposición entre la realidad soñada y la realidad vivida. En consecuencia el artista construye su propia realidad que gira en torno a la sensibilidad y la emoción, y que se conoció mas adelante como la Exaltación del sentimiento en donde el amor es el motor que le da vida al artista romántico. Tienen dos formas diferentes de abarcarlo: aquel vivido con descontrolada pasión y aquel amor melancólico y trágico (desamor).

Estos sentimientos de insatisfacción y sensibilidad son la inspiración que hay detrás de las obras de la época. Asimismo, el romanticismo inglés enfatizó en la expresión personal, dejando a un lado los conceptos modernos del romance y el amor. Igualmente, se introdujo un nuevo lenguaje literario basado en el sentimiento y lo subjetivo a partir del cual se comenzó a utilizar un conjunto de símbolos que ayudaron a crear imágenes visuales e ilustrar nuevas ideas. Un importante exponente de este tipo de literatura fue el escritor y poeta conocido como Lord Byron. Reconocido por su carácter ácido y cruel, Lord Byron escribe sobre personajes con cierta rebeldía que hablan de la frustración por un amor imposible debido a los límites impuestos por la sociedad o la muerte. A continuación se encuentra uno de sus poemas influyentes en el proyecto, con el tono melancólico y trágico característico del artista romántico.

Acuérdate de mi, Llora en silencio mi alma solitaria, excepto cuando esté mi corazón unido al tuyo en celestial alianza de mutuo suspirar y mutuo amor. ¡Acuérdate de mí!... Cerca a mi tumba no pases, no, sin regalarme tu plegaria; para mi alma no habrá mayor tortura que el saber que has olvidado mi dolor. Por ejemplo este fragmento subrayado, es importante pues expresa ese temor que siente el ser humano ante la idea del olvido en su dramática plegaria por ser recordado y a su vez amado. Partiendo de lo mencionado anteriormente, en cuanto a la manera de actuar y pensar de los románticos frente a la importancia del sentimiento y su soledad, el proyecto se encamina hacia la motivación por retomar imágenes de retratos de la época que se puedan compenetrar con la ilustración para comunicar un mensaje orientado hacia el amor en su estado melancólico y trágico característico del romanticismo.

C贸mo expresi贸n de lo 铆ntimo a lo simb贸lico

“Un dibujo es un documento autobiográfico que da cuenta del descubrimiento de un suceso, ya sea visto, recordado o imaginado” (Berger, 2005, p. 9) Sobre el Dibujo, recoge una serie de obras literarias en donde el autor reflexiona acerca de los retos y dificultades que implica la práctica del dibujo. En su relato Berger clasifica los dibujos en tres categorías: ‘estudios’, ‘a contracorriente’ y ‘ejecutados de memoria’, los que mas atraen mi interés son los que van a contracorriente, definidos como aquellos que se hacen sin pensar, en donde la inspiración viene de algo que tengamos en nuestra memoria, puede ser una persona, canción, algo leído o visto.

Una parte fundamental de la expresión de estas ideas en el soporte es entender la importancia que tiene cada trazo y cada línea en la construcción del dibujo como tal. Y como según Berger (2005) cada línea que se dibuja reforma la figura en el papel y al mismo tiempo redibuja la imagen en la mente. De esta manera, se valora el dibujo como un proceso de cambio continuo en donde el resultado final se compone de la conexión entre un conjunto de figuras y formas que más adedelante se definirán como contornos y bordes. Además, lo consideré fundamental para el desarollo del proyecto al comprender que el dibujo es una herramienta de traducción de un pensamiento íntimo y crítico frente a lo que nos rodea y que pasa al soporte mediante una técnica que se convierte en un estilo y una manera peculiar de expresarse. Cuando el dibujo se torna íntimo, quiere decir que parte del deseo interior del dibujante por expresar y comunicar sus inquietudes, miedos, preferencias y recuerdos.

El trazo como expresi贸n libre

Imagen tomada de: vitoplรกstica.blogspot.com

La técnica de ilustración en el proyecto requiere de unas definiciones que parten del componente mas básico del dibujo: La Línea. Puesto que a partir de su repetición y cambio de grosores se logran volúmenes, sombras y diferentes patrones que hacen que un dibujo que parece ser sencillo, se enriquezca y tome fuerza solo por medio de trazos y líneas cambiantes. Entonces, es importante entender la línea como el medio gráfico esencial en la representación de ideas para crear un lenguaje. En otras palabras, es elemento mas importante del dibujo. Formalmente la línea se puede ver como una sucesión de puntos o como una marca continua que dejamos al dibujar con cualquier objeto sobre múltiples superficies.

Por su finalidad, el tipo de línea que va acorde con el proyecto es el trazo. Comprendido como un grupo de líneas espontáneas y libres, que a su vez aportan un toque único y propio al dibujo, siendo la forma de expresión mas personal y artística.

Imagen tomada de: dibujoartisticoycolor.blogspot

Aprender a Dibujar con el Lado Derecho del Cerebro Betty Edwards De igual modo, en este libro, la autora habla de los dibujos como metáfora del artista en donde se pretende no solo mostrar el objeto representado sino también al que lo hace. Esto quiere decir, que es una herramienta de auto expresión con una técnica y estilos marcados por las habilidades y preferencias de quien la utiliza, y como finalmente se traduce en una manifestación de líneas a manera de trazo que en conjunto terminan creando figuras por medio de contornos en un espacio.

Dichos contornos se definen como el borde que se percibe en los objetos. Y este borde es el lugar donde se encuentran dos cosas o figuras. Ambos conceptos son importantes, ya que tienen que ver con la unidad que se consigue cuando las partes de un dibujo encajan coherentemente en un conjunto construyendo la totalidad de la imagen.

Esto es primordial para entender la propiedad principal de los dibujos en el proyecto. Puesto que su fortaleza y protagonismo están precisamente en la repetición de líneas y trazos de diferentes grosores que en conjunto le dan unión, forma y volumen a objetos para destacar el dibujo como traducción de un estilo propio. El cual sobresale por el contraste estético y técnico con la imagen a intervenir, siendo que estas son pinturas y la intervención que se realiza es totalmente lineal. Por otra parte, es importante resaltar en donde se habla de cómo los dibujos cuentan historias, por medio de símbolos y formas que tienen mas importancia que otros componentes en la pieza. El contar historias es lo que diferencia al dibujo de la ilustración, de esta manera, es primordial entender que cuando el dibujo comunica lo hace por medio de la incorporación de elementos que tienen un significado y objetivo claro para que el receptor entienda el mensaje.

Imagen tomada de: dibujoartisticoycolor.blogspot

Del dibujo a la narraci贸n

La sutil línea que divide la ilustración del dibujo recae principalmente en que la ilustración tiene como objetivo el deseo de transmitir un mensaje al receptor. Cuando esto no ocurre, la ilustración se convierte en un simple dibujo. En este orden de ideas, ilustrar es un campo que tiene diferentes enfoques, precisamente encaminados a un campo de acción específico como publicidad, portadas de álbumes musicales o libros, en donde el texto o lo que se quiera comunicar se compenetra con el dibujo para ilustrar el mensaje que se quiera dar.

Imagen tomada de: ilustracionenlaescueladearte.blogspot

La autora realiza una búsqueda del significado de ilustrar a partir de las entrevistas de seis ilustradores españoles. Cada uno con una visión y enfoque diferentes en cuanto a esta herramienta de comunicación visual. De las cuales consideré mas importantes e influyentes las siguientes:

Ballester, 2008, Para Tinc Paraules, imagen tomada de: ilustracionenlaescueladearte.blogspot

Ilustrar es interpretar. Interpretar un texto, sea cual sea. Un texto literario. Un mensaje publicitario. Ilustrar es una manera de narrar en imรกgenes, es la narraciรณn que se opone a la decoraciรณn. La ilustraciรณn es una reinterpretaciรณn tomada como referencia o punto de partida de un texto. Arnal Ballester

No diferencio entre vida e ilustración. Yo tengo la necesidad de explicar lo que me pasa a través del dibujo. La ilustración como expresión del yo. Maritxel Durán

Durรกn, Maritxel, 2013, El miedo no existe imagen tomada de: ilustracionenlaescueladearte.bllogspot

Ferrer, Isidro, Desconocido , 2010 imagen tomada de: ilustracionenlaescueladearte.blogspot

Ilustrar es iluminar (dar luz) dotar de significado un texto (ajeno) pero ilustrar es mรกs porque ilustrar estรก vinculado a lo emocional. Ilustrar es significarse. Ilustrar es indagar, comunicar, expresar y utilizar como testimonio. Isidro Ferrer

Con base en lo anterior, se puede definir la ilustración como una forma artística de expresión en la cual se incorporan técnicas propias de dibujo para dar luz a temas y situaciones comunes e imaginarias. Sin embargo, es importante entender la diferencia entre el dibujo y la ilustración. Desde mi punto de vista, esta diferencia recae en que la ilustración quiere contar algo, partiendo de elementos presentes en el dibujo y teniendo como punto de inicio una referencia o texto. Esto quiere decir que el dibujo puede ser solo eso, un conjunto de formas y de líneas que presenten algún tipo de estética, pero la ilustración debe tener un trasfondo narrativo, debe comunicar y generar algo en el espectador como puente entre lo visual y lo narrativo, en donde es esencial la relación entre palabra e imagen y viceversa.

“The bad artists imitate, the great artists steal” Picasso

Artista reconocido por sus polémicos graffitis político-activistas. Su trabajo es mas que todo Stencil y graffiti en paredes y calles en donde se pueda ver con claridad su intervención. Sin embargo, Bansky tiene otra serie de piezas en donde toma trabajos de otros artistas y los apropia para crear un concepto alejado al de la pieza original. En una exposición llamada Bansky vs. Bristol Museum se puede ver otra faceta del artista, aquí sus obras en vez de ser stencils, son cuadros y esculturas. Uno de los cuadros que retomó fue la pintura de Jean-Francois Millet “The Gleaners”. En su intervención Bansky recorta la silueta de un personaje (de otro cuadro) que al parecer estaba antes en la pintura, y lo pone fuera del cuadro, sentado en el marco.

Banksy, sin titulo, imagen tomada de www.artobserved.com

Esta apropiación es una manera de darle vida y otro sentido a un cuadro que probablemente había dejado de ser interesante. Luego de la intervención comunica un mensaje diferente y en cierto modo está mostrando un tono de rebeldía ante la sociedad y sus reglas. Aparte de esto, considero importante como Bansky les está dando otro concepto, el hecho de que estén en una exposición hace que tomen un valor diferente al que tenían, y así llaman la atención del público que probablemente habría pasado por alto la obra original, por su contenido plano y clásico.

“La vida es una cosa horrible, y desde el telón que hay detrás de lo que sabemos de ella aparecen demoniacos indicios que, a veces, la hacen mucho más horrible” – H.P. Lovecraft

Chapman, Jake y Dinos, Tristes presentimientos de lo que ha de acontecer, 2003, imagen tomada de : www.artobserved.com

Jake & Dinos Chapman son hermanos y artistas conceptuales ingleses. El objetivo de su trabajo es generar polémica por medio del apropiacionismo de obras que sean importantes y tengan mucho peso en el mundo del arte como “Los desastres de la Guerra” de Francisco Goya. Sus intervenciones y obras se caracterizan por manejar un humor negro y grotesco que tiene como fin desafiar aquello moral y políticamente correcto. Su sentimiento frente a Goya se puede entender con esta frase: ‘I’d like to have stepped on Goya’s toes, shouted in his ears and punched him in the face’. Dinos Chapman

Imagen tomada de :thesundaytimes.co.uk

Con relación a este proyecto es pertinente hablar sobre sus dos series de dibujos en donde intervienen “Desastres de Guerra” y “Los Caprichos” de Francisco Goya. La primera serie de estos dibujos fue llamada “Insult to Injury” y la segunda “Like a Dog returns to his vomit”. En este trabajo los artistas distorsionan la realidad plasmada en la obra, por medio de la superposición de rostros de personajes en pocas palabras, diabólicos. Utilizan caras de payasos y ratones para reemplazar las que ya estaban. Esto le da un giro a las obras de Goya, tanto en lo conceptual como en lo formal, pues parece que de por si estas obras nunca hubiesen sido intervenidas. Por otra parte, es una forma de restarle importancia a estas piezas y darles personalidad, para llamar la atención del ojo contemporáneo. Y a su vez, es una forma de burlarse de la importancia que se les ha dado a lo largo de la historia a estas piezas de Goya.

En una entrevista para Show Studio, Dinos afirm贸 que una de las razones por las que tomaron estos grabados de Goya fue porque a ellos como artistas les llama la atenci贸n usar cosas que ya tengan mucho peso y que no les interesa hacer arte empezando desde ceros pues para ellos tomar obras de alguien que tiene tal importancia (como Goya) es mas significativo.

Dots & Lines

Artista español. En la serie Dots & Lines sus piezas reflejan un interés por descontextualizar personajes presentes generalmente en imágenes religiosas y políticas. En pocas palabras, este artista tatúa a los personajes que estén en su soporte, haciendo no solo que su estética original cambie sino que su contexto y personalidad sean otros. Lo tomo como referente porque encuentro como su intervención logra un concepto diferente por medio de la contraposición de estilos gráficos y elementos que comunican una estética que va en contra de los paradigmas propuestos por el bagaje que estas imágenes traen consigo. Con esto quiero decir que el contraste es atrayente pues el autor logra darle unas características a los personajes de sus ilustraciones diferentes a las que uno esta acostumbrado a ver. En otras palabras, no es común ver una imagen como la de una virgen, llena de tatuajes de objetos como la cruz al revés o la serpiente, que tienen simbolismos y significados que se oponen a la religión.

Maiden, Ram贸n, Dots and Lines, 2010, imagen tomada de blog.ramonmaiden

Ready-Mades

Wys, Chad, Garage sale picture of an English Officer with bars, 2013, imagen tomada de: www.chadwys.com

Este artista americano logra la descontextualización de la obra por medio de intervenciones que llaman la atención por su contraste de colores y lenguaje gráfico que habla de una época y un tipo de arte mas moderno que el de la pieza original. Es una forma de expresar la diferencia entre el arte contemporáneo y el arte antiguo. También se puede tomar como un método del artista de descomponer la obra a su mas mínimo detalle que son los pixeles y los colores sólidos. El objetivo de esta intervención es generar nuevas capas visuales para enriquecer y diferenciar la interacción con el espectador de la que se tenia con la obra original. La experiencia se vuelve mas dinámica, visual y conceptualmente. En relación al proyecto, este es un referente que tuvo influencia en cuanto a las capas visuales que se generan mediante el choque de épocas y de estilos en una sola ilustración. Ya que a partir de la transformación de los retratos surgen diferentes elementos de comunicación visuales que ayudan a promover la interacción entre el punto de vista de quien mira la obra y de quien la realizó. Por medio de la discusión que se genera a partir del entendimiento de las historias que se desarrollan en cada ilustración.

Wys, Chad, A pair of faces(depyct), 2013, imagen tomada de: www.chadwys.com

07 Mandamientos de la cultura pop latina

Andrade, Amalia, SacĂşdelo que tiene Arena, 2013, imagen tomada de: www.bacanika.com.co

A menudo los artistas juegan con lo cotidiano, logrando que el público tenga una conexión con la pieza. El trabajo de la escritora y periodista Amalia Andrade, es un ejemplo de cómo al intervenir una fotografía con una frase, su componente visual adquiere mayor fuerza narrativa y aun siendo cosas obvias y literales, se logra una reacción y posterior conexión con el espectador. Por la recordación que genera una frase a la que muchas han estado expuestos por la canción de Ricarena, que probablemente hayan escuchado en varias festividades en su infancia. Partiendo de este elemento de lo cotidiano como elemento conector con el espectador, este proyecto es importante pues demuestra como la imagen se complementa y cambia por medio de la inclusión de frases anecdóticas y comunes para el público. Teniendo esto en cuenta, es un referente importante pues sustenta otro elemento importante del proyecto en cuanto a la intención narrativa que hay detrás de la serie de ilustraciones, y como se quiere que a partir de un tema cotidiano como el desamor, el espectador logre conectarse y algunos casos identificarse con lo que esta viendo.

Andrade, Amalia, Todo bien, 2013, imagen tomada de: www.bacanika.com.co

En un Mar de Lรกgrimas

En su serie En un Mar de Lágrimas, Kevin Simón muestra un conjunto de ilustraciones de personajes en situaciones tristes. Este mood lo logra con las características de los personajes pero también con los objetos y frases que complementan el dibujo. Se entiende como el sentido narrativo de la imagen toma fuerza cuando esta se compone de pequeños detalles y objetos que son necesarios para que el espectador no piense que se trata de una ilustración bonita y punto.

Mancera, Kevin, En un Mar de Lรกgrimas, 2007-2008 , imagen tomada de: volcanmudo.com

Voodoo Queens

Chakrabarti, Nina, Voodoo Queens, 2013, imagen tomada de: www.amoristofficiel.com

Sus ilustraciones son aparentemente sencillas, sin embargo, con trazos simples en esfero o tinta negra, logra que su trabajo sea diverso y tenga diferentes enfoques. Su proyecto mas conocido es el que realizó para la revista de moda I Want You, titulado Voodoo Queens, en donde intervino imágenes de modelos por medio de trazos y patrones que cambian la expresión de las caras y la intención de la fotografía. Considero que es un referente porque su técnica no busca imitar la realidad como en el caso de Ramón Maiden, los patrones y líneas de Nina se acomodan mas a la técnica que yo utilizo para dibujar. En donde por medio de la repetición de figuras y trazos se logra una ilustración detallada y compuesta. Por otra parte, encontré importante la manera como ella logra decorar la imagen, respetando parcialmente algunos elementos y como con el cuidado de la ilustración se logra una pieza detallada que se traduce en la posible generación de nuevos personajes. Sin caer en el cliché de rayar las partes que todo el mundo suele intervenir, como los dientes y ojos. En esta serie se explora la forma y la imagen como soporte para que la ilustración se apodere de manera controlada y objetiva.

Chakrabarti, Nina, Voodoo Queens, 2013, imagen tomada de: www.amoristofficiel.com

Collaborating with our 4- year old

Artista americana que realizó una serie de retratos en colaboración con su hija Myla de 4 años. Mica dibujaba los rostros y dejo que su hija terminara los dibujos. El resultado es una mezcla entre la técnica y perfección del dibujo de la artista y la libertad e imaginación en los trazos de su hija. Esto hizo que los personajes tuvieran un sentido diferente a ser simples caricaturas. Con la colaboración son piezas llamativas por el contraste que hay entre los estilos y la personificación que se logra al final. De este proyecto quise rescatar como la imagen trasciende a partir de dos enfoques. Mediante los cuales la ilustración toma caminos diferentes que se compenetran en el momento en el que la artista retoma el dibujo finalizado por su hija y lo colorea. Además de ser llamativo visualmente, el dibujo y la caracterización de los personajes, dan pie para la creación de historias en donde se mezcle la imaginación y la realidad. Partiendo de la traducción del dibujo hecho por dos personas diferentes. Esto se relaciona con el proyecto por la compenetración entre el retrato y el dibujo y como la pintura trasciende a partir de la generación de protagonistas que cuentan historias.

Angela, Mica 2013, imagen tomada de: http://busymockingbird.com

Ghosts that we knew

En esta serie de ilustraciones, la artista interviene fotografías de personas en situaciones que hacen parte de la rutina, en las cuales según ella, nos persiguen los cuentos que conocimos de pequeños, por ejemplo, cuando nos sentamos a desayunar o a tomarnos un café, nos pueden estar acompañando los personajes de Alicia en el País de las Maravillas, que Giulia dibuja como si estuvieran tomando el té. No obstante el estilo de ilustración y la fotografía generan un choque visual que es llamativo y que invita al espectador a detenerse y observar, por sus personajes y lo que está pasando en la pieza. Aunque su tipo de ilustración y estética sean diferentes a las de este proyecto, se tomó como referente visual pues en éste se encontró una exploración interesante de cómo pueden interactuar dos formas diferentes de imagen. Por un lado la fotografía y por otro la ilustración que interviene de manera objetiva con el propósito de generar una narrativa a partir de la interacción de personajes reales y fantásticos; y como en cierta medida estos dos componentes visuales dependen el uno del otro. Si se ve solo la fotografía, no hay un mensaje claro ni muy diciente y lo mismo pasa con la ilustración, pero cuando se ven las dos en una, el elemento visual tiene un sentido y un propósito claro; el de comunicar una historia.

Pex, Giulia, Ghosts that we knew , 2014, imagen tomada de behance.net

Partiendo del interés en las formas de apropiación y transformación de elementos existentes, se realizaron diferentes ensayos que involucraron la búsqueda y utilización de soportes, como el estudio de fragmentos de textos, observación de retratos, de ilustraciones, e intentos y pruebas de intervención, procesos en donde se fueron evidenciando los aspectos fundamentales que dieron las luces para coadyuvar a la idea detrás del proyecto. A continuación se hará un recorrido para describir cómo el apropiacionismo, el romanticismo y la ilustración se conectaron y dieron pie al desarrollo en la parte conceptual. En primer lugar, la reutilización de libros textuales surgió del propósito enfocado en comunicar un mensaje entre líneas. De este modo y siguiendo los argumentos de apropiación de Michalis Pichler quien expresa que el mundo ya esta lleno de libros mas o menos interesantes y no es necesario agregar más, se seleccionaron textos que por su contenido permitieron experimentaciones que hicieron posible entender la importancia de la relación entre palabra y dibujo.

Unos de los ejemplos de los ensayos más precisos que permiten entender esta conexión, fueron: EXPERIMENTACIÓN No. 1: Intervención directa en textos.

Figura 1. Doña Esmeralda

Figura 2. La Personalidad del Mico

En la figura 1 se puede observar como unas cuantas palabras y un espacio en blanco, posibilitan una intervención por medio del dibujo, y como al agregar un mensaje y tachar textos presentes, el sentido de lo que estaba escrito varia por completo. Por otra parte, en la Figura 2 se puede comprender como el dibujo toma sentido y significado cuando unas palabras se cambian, se tachan o se destacan en un texto. De este modo, la modificación fue evolucionando y se presentaron ideas de cómo las ilustraciones se iban a diferenciar conceptual y visualmente. Interactuando con esta forma genuina de dibujar, una autoexpresión que mediante el trazo puntual de figuras abstractas, formas, patrones, o rayones, que permiten proporcionar un significado concreto y representativo, se hicieron otros ensayos. “ El espectador llega a habituarse con la imagen aunque jamás conozca el original; y podrá hablar de ella en cualquier parte del mundo comprimiendo la imagen, muchas veces sin saber de que época es, donde esta, etc., la verá en un gran presente, la globalizará cómo uno de esos signos vigentes de la cultura occidental.” (Chaparro, 2006, p.86)

Teniendo en cuenta uno de los argumentos de apropiacion como en algunas obras de Banksy, en donde se toma la imagen como ambigüedad, entendiéndose como: aquello que permite diferentes interpretaciones y cambios de contexto, se incursionó en otro tipo de intervenciones en donde la ilustración tuviera mayor protagonismo. (Veáse Fig. 3 y Fig. 4)

Figura 3. Retrato Original Figura

RodrĂguez, Oscar, 1996, Luz M. Borras Imagen tomada de colarte.com

Figura 4. Retrato con Intervenci贸n.

Imagen transformada luego de la intervenci贸n.

Con esta experimentación y la base conceptual del apropiacionismo en cuanto a tomar posesión de material gráfico de manera artística; lo cual quiere decir que la imagen trasciende y toma valor a partir de la intervención, se despertó el interés por generar nuevas imágenes partiendo de dos contextos diferentes (original y transformado), lo que permitió ampliar la visión y apreciar como se propicia el surgimiento de nuevos personajes. (véase la Figura 4. ).

Courbet, Gustave, 1845 , Autorretrato. Imagen tomada de huffingtonpost.com

El retrato (del latín retractus) es la representación bidimensional de la figura humana, en donde predomina la cara y su expresión. Con esto se pretende mostrar la personalidad e incluso el estado de ánimo de la persona en el momento en el que fue pintada la obra. Teniendo como eje principal un tema como el amor melancólico y trágico, se necesitaban imágenes que hablaran por si solas, y que transportaran al espectador a ese sentimiento del protagonista. Con esto quiero decir que se llegó a la selección de retratos pues en ellos se encontró un material a reusar con el suficiente bagaje emocional y visual para desarrollar las ilustraciones y sus historias. Al comprender que detrás de cada imagen hay una historia, se realizó una cuidadosa búsqueda de imágenes en donde la intervención del dibujo contara un relato. El proceso de selección estuvo principalmente encaminado hacia las imágenes que más comunicaran por las expresiones de los personajes, sin dejar a un lado elementos que pudieran inspirar algún tipo de historia que fomentara una exploración mediante la ilustración.

Madrazo, Federico, 1840, Retrato femenino, Imagen tomada de arte-pais.blogspot

Se buscaron entonces imĂĄgenes de retratos y autorretratos que fueran pintados en el siglo XIX (especĂficamente de 1830-1898). Para filtrar esta elecciĂłn, los criterios en orden de importancia fueron los que se pueden veren los siguientes ejemplos ilustrados. (Fig. 6 y 7)

Fig. 6

Expresi贸n Facial

Fig.7

Soledad del personaje en el retrato.

Particularmente, se seleccionaron imágenes de retratos del romanticismo por los conceptos del Culto al yo y La exaltación del sentimiento. Culto al yo: los románticos tienen conciencia de ser distintos a la sociedad, por ello afirman su “yo” frente a lo que los rodea. Esto los conduce a vivir en soledad. En otras palabras para el ser romántico es básico lo subjetivo y la expresión de ello mediante sus sentimientos, emociones y pasiones. Exaltación del sentimiento: el amor es el sentimiento que le da vida al artista romántico. Tienen dos formas diferentes de abarcarlo: aquel vivido con descontrolada pasión y aquel amor melancólico y trágico (desamor). Puesto que de estos se desprende la preocupación que gira en torno al amor en cuanto a la subjetividad que lleva al romántico a vivir en soledad y su ansiedad por darle importancia al sentimiento. Mediante lo anterior, se logra establecer un punto de partida en las frases que cuentan las historias de cada uno de los personajes de la serie de ilustraciones.

La inspiraci贸n detr谩s del cambio

Respecto a la caracterización del dibujo, se puede decir que la inspiración detrás de las ilustraciones surge de diversas fuentes visuales. En las imágenes se puede evidenciar los elementos recurrentes en las ilustraciones. Que incluyen patrones de animales, pantalones entubados, chaquetas de cuero, tirantas y botas entre otras. Presentes en personajes de películas como Grease (1978) y Cry Baby (1990). Como se puede apreciar en el siguiente moodboard.

Esto quiere decir, que la manera como se transforman los personajes de los retratos está directamente ligado a lo que se ha visto no solo en imágenes sino en personas en la calle, tendencias de moda y películas. En donde prima un estilo de vestir particularmente influenciado por tendencias que emergieron en los años 50 con el rock and roll en dos de sus ramificaciones (Punk Rock y Rockabilly). De donde se retomaron algunos aspectos (patrones, texturas, zapatos) para caracterizar a los personajes, dándoles un estilo propio. De donde se retomaron algunos aspectos (patrones, texturas, zapatos) para caracterizar a los personajes, dándoles un estilo propio.

Fig. 5

Imagen Original Pintura de Oscar Rodriguez N.

Fig. 6

Imagen intervenida

Este cambio que se puede ver de la Fig. 5 a la 6, invita a reflexionar sobre la herramienta de comunicación que hay detrás de los dibujos, su poder narrativo y su carácter genuino, ligado directamente a un estilo propio, identificado en una técnica que parte de la importancia y el protagonismo de la línea como trazo espontáneo direccionado a la creación de patrones, texturas y volúmenes. Esta técnica de dibujo es de precisión y exige definir los contornos en forma estricta y puntual que sugieran la forma y el conjunto de los componentes de la imagen. Su esencia es lograr una representación pura, sin realces, pero con coherencia y estructura.

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La mirada se enfoca en el componente narrativo que proporciona el trabajo entorno a un tema cotidiano, por el que alguna vez los seres humanos han pasado y que alude al bagaje narrativo y emocional de los retratos. El amor, en su etapa de reflexión y soledad, desarrollado a partir de cortas frases que dan pie para la invención de historias que aludan a experiencias personales o anécdotas recogidas voz a voz. Esto, con el fin de comunicar y conectar al espectador con el sentimiento o la situación en la que se encuentra el personaje. A continuación se presentan algunos ejemplos de las historias originales.

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Sophy Gray 1843-1882

Imagen tomada de: victorianweb.org

Fue una modelo escocesa que posaba para su cuñado el pintor, John Everett Millais. Existió el rumor de que había una relación entre ellos dos. Estuvo casada con John Ruskin y luego con James Caird, con quien tuvo su única hija.

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Franz Joseph I de Austria 1830-1916

Imagen tomada de: welchtirol.eu

Fue un emperador que nació en Viena. Se casó con la princesa Elisabeth de Modena, con quien tuvo dos hijos. Su matrimonio no fue feliz pues ella tenia problemas con la familia del emperador. Su hija murió de pequeña y su hijo se suicidó en 1889. Murió en la primera guerra mundial de neumonía.

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George Dunlop Leslie 1835- 1921

Imagen tomada de: welchtirol.eu

Fue un pintor inglés, autor a ilustrador. Se casó con una mujer llamada Lydia, con quien tuvo dos hijos. Alicia y Peter. Su pintura Alicia en el país de las maravillas en donde se puede ver a su esposa leyéndole un libro a su hija quien sostiene una muñeca, fue la inspiración para la ilustración de Bebo para Olvidar. 106

Las historias detrĂĄs surgen a partir de tres mĂŠtodos diferentes de aproximaciĂłn.

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Una imagen vale mas que mil palabras. La percepción de una persona enrelación a una imagen varia desde su punto de vista e imaginación. Al ver un retrato de un personaje con una expresión determinada, es posible despertar en las personas diferentes reacciones y por lo tanto historias, partiendo de un criterio de observación propio, encaminado hacia la invención de narrativas. “La percepción visual es la interpretación o discriminación de los estímulos externos visuales relacionados con el conocimiento previo y el estado emocional del individuo” Cecilia M. Alonso.

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Para contar historias a partir de la imagen se le pidi贸 a un grupo de personas que expresaran que les comunicaba cada uno de los retratos y que del mismo modo lo relacionaran con una experiencia personal, anecd贸tica o imaginaria. Esto, mediante la descripci贸n de lo que ellos sent铆an que estaba pasando en el momento en el que estaba el personaje de la imagen.

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Cortas historias: Persona #1: Imagen no. 1: “Acaba de darse cuenta de que ama a alguien.. y eso le molesta. Imagen no.2: “Todos dicen lo mismo siempre, la falta de emoción en el discurso masculino. Imagen no. 3: “La mujer acaba de darse cuenta de que es un ser sexual, tiene una sonrisa medio picara” Imagen 4: “El sujeto esta preparado para conquistar a una joven.” Persona #2: Imagen no.1: “Es un loco.” Imagen no. 2: “Es infeliz ya no ama a su esposo, pero no puede estar sin el por que le tiene miedo a la soledad” Imagen no. 3: “Sale de noche a encontrarse escapada de la casa con su primer amor pero nunca llega.”

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Cada frase cuenta una historia. A menudo, las personas están expuestas a expresiones que les hacen reflexionar de una u otra manera; escuchándolas de alguien en la calle, en canciones, películas o leyéndolas en un libro. Muchas veces se sienten identificadas, recordando experiencias pasadas y relacionándolas con eventos puntuales. Es así como se pueden contar historias o imaginarias que se resuman en una frase corta. Esto, apoyado en la iniciativa del colectivo argentino, “La Gente Anda Diciendo”, quienes recogen frases que escuchan en la calle, las recopilan en un libro y comparten en la red. “Cada frase encierra una historia. Detrás de cada cartelito que posteamos hay una persona… con sus locuras personales, con su forma de ver la vida.” -La Gente Anda Diciendo.

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Esta vez el ejercicio se realizó sin tener en cuenta las imágenes. A estas personas se les pidió que contaran experiencias propias, anécdotas de cercanos o inventaran historias, teniendo como punto de partida el listado de las frases. En algunos casos éstas iban cambiando para convertirse en otras que fueran más dicientes y tuvieran más contenido narrativo para explotar.

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Transcripción de la historia escrita a partir de la frase: Te veo venir, Soledad. “Desde siempre fui un loco, eso me dice mi mamá, desde siempre anduve con mujeres (y eso no solo me lo dice ella). Esto me ha llevado a conocer muchas mujeres en todas las instancias de la vida; desde tímidas hasta espontáneas, desde las que me gustan, artistas, hasta cristianas, ¿Yo cristianas? Pues si, es raro porque es a la única clase de gente que detesto, pero esta estaba muy buena y decidí pecarle a mis principios. Creo que nunca he estado solo, que nunca lo estaré, por eso, te veo venir… soledad.” Oscar.

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Dejarse llevar por el momento y lo que la imagen inspira fue otra manera de generar personajes que se conectaban con las frases mediante objetos simb贸licos para enriquecer y darle sentido a la historia detr谩s de la ilustraci贸n.

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“Pues la foto me remite a un cuadro del siglo 18, como si ésta pintura o personaje pictórico se marchara de la vida de su enamorado el cual nunca quiso estar con ella, por eso se va con una gran maleta llena de etiquetas y recuerdos” Andrés Felipe

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“Lo primero que uno ve es la cara de tristeza de una mujer ruda, que por su pinta pintada en negro, muestra (en mi cabeza) una descendencia asiática, pues es como típico kimono chino con típica taza de té, que toma medio mundo en Asia. Me imagine que era una extranjera en Asia, llorando por un desamor japonés, con cara de frustración como de decir “yo que hago acá”, tratando de seguir con su vida, la cual ya no es de ella sino de una cultura china, en otras palabras sentarse a tomar té con un Kimono y pasar un desamor.” Silvia.

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Apropiaci贸n de relatos, experiencias y an茅cdotas.

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En el proceso de desarrollar las historias se tuvieron en cuenta apreciaciones y testimonios de personas que vieron los retratos o que tan solo leyeron las cortas frases y recordaron an茅cdotas o aportaron sus propios relatos. A continuaci贸n se incluyen los relatos que se escogieron y modificaron para hacer parte de la serie de ilustraciones.

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Esperar Duele Historia que muestra el dolor de una joven frustrada e inconsolable quien fue dejada por su prometido esperando en el altar. Esta expresión de desconsuelo sin duda muchas mujeres la han experimentado por alguien que no ha llegado a sus vidas.

Bebo para Olvidar Es un relato de un viejo solitario que por vicios de licor en su juventud, no apreció el valor de un hogar, siendo abandonado por su esposa e hija, y ahora que le han pasado los años, siente esa nostalgia y tristeza recordando durante largas horas a su pequeña hijita que tantos momentos de felicidad le brindó con sus tiernas sonrisas. Ahora sólo le queda una muñeca de trapo a la que se aferra con absoluta melancolía. Perdono pero Nunca Olvido Incorpora la experiencia del protagonista que sufre la ansiedad de vengarse de su novia, acción que se refleja en la rotura de una patineta que queda en forma de corazón, y una huella con pintura en un lugar por donde su ex novia muy seguramente pasará.

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Te Llevaste mis Ilusiones Representa la vivencia de una joven que frecuentaba el parque del barrio, su lugar emblemático porque allí creció, conoció su primer amor y compartió con el sucesos, que la banca muestra con las marcas de aquellos encuentros,y que ahora es un lugar de espera por ese amor ausente, que consigna un mensaje previendo que algún día retornará a esa vieja banca.

La Locura del Amor Es el arrebato incontrolable que se siente cuando se ha sido abandonado sin ninguna explicación. Esta enfoca la situación de una mujer que al despertar se encuentra sola pues su esposo la dejó, y a partir de ese momento debe recurrir a ayudas tranquilizantes para controlar su ansiedad. Nunca me Quiso Es el relato de una joven estudiante que convivía con su pareja, y por crísis en la convivencia todo se acabó. Ella desilusionada inicia un nuevo camino llevando su maleta, y comprendiendo que su novio realmente nunca la amó.

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El tiempo todo lo cura Narra la historia desafortunada de un hombre viejo que tuvo un accidente con su esposa y su pequeña hija. Tras este percance quedo mutilado de una de sus piernas. Su melancolía se refleja en las visitas a las tumbas de sus seres queridos en donde se evidencia un escrito que el parece no olvidar. Un clavo entierra otro clavo Muestra la historia de una mujer despechada en proceso de superación, quien producto de la desilusión y buscando refugio, se enreda con muchos hombres, atendiendo el famoso refrán de Un clavo saca otro clavo, pero con que con cada experiencia se percata del vacío que finalmente la rodea. La traición me partió la cara Es la historia de un hombre que vivió la traición por parte de su novia. Su apariencia refleja las marcas de haber sido golpeado, y en el portal de una casa, sostiene un elemento contundente con el mensaje concreto para simbolizar el momento de venganza después del engaño.

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Espérame Soledad Es el relato de un viejo que tras las rejas muestra su rostro marcado por el desvelo y la tristeza, por no estar al lado de su amada esposa, por eso lleva en sus brazos y manos símbolos representativos de su amor fiel por Soledad, y que nada le asegura que la volverá a ver. El amor me enferma Refleja la historia de una joven que se encuentra mal, pues el desamor la ha llevado a tal punto de intranquilidad, que pese a los tranquilizantes le han generado un malestar incontrolable que está afectando su bienestar.

Está entusada Es una mujer que después de cada ruptura sentimental adopta un perro, para superar la frustración amorosa. Su situación no cambia y con cada despecho lo que hace es aumentar en forma descontrolada el número de acompañantes caninos.

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Dentro del proceso de estudio de medios para la consolidación final de las ideas, se encontró en los recursos que proporciona la ilustración el puente conector entre la imagen y el componente narrativo. De este modo, comprender lo esencial del vínculo entre imagen y palabra, y como dependen una de la otra para hacer que la pieza vaya mas allá de algo artístico y estético gráficamente. Igualmente, lograr que tuviera peso narrativo y se pudiera complementar por medio de objetos que hicieran alusión a la frase y al sentimiento que embarga al protagonista. Así, se entiende que la ilustración busca despertar en el espectador curiosidad y reflexión acerca de lo que se está viendo y contando. En otras palabras, su propósito no es solo el de intervenir por medio del dibujo sino el de comunicar y fomentar nuevas historias. Las imágenes contenidas en una ilustración es lo que capta la imaginación del receptor y funcionan cómo enlaces inseparables entre sí.

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Para puntualizar la forma de desarrollar cada una de las piezas de la serie de representaciones que dan origen al proyecto “Los Malditos Románticos”, se examinó la conexión integral de los distintos componentes planteados: la ilustración como herramienta de comunicación a partir de un estilo propio enmarcado en la importancia y versatilidad del dibujo de línea; la apropiación y cuidadosa intervención de imágenes de retratos del romanticismo por sus expresiones y soledad, de donde además se desató el desamor como tema de inspiración para contar historias entre líneas y elementos visuales. Las ilustraciones se fueron proyectando con los claros propósitos en cuanto a otorgarles un nuevo sentido y estética, pero manteniendo aquellos parámetros que consoliden la idea de lograr el lazo visual y comunicativo para conectar al espectador con la historia del protagonista y generar su propia interpretación.

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Historias e imรกgenes consideradas.

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Origen y construcción

Dentro de los procesos para la construcción de la serie, se realizó la búsqueda y estructuración de frases que fueran concretas pero contundentes para el propósito de comunicación, es decir, lo suficientemente explícitas para narrar la historia por medio de la ilustración y sus detalles. Mediante la apropiación y modificación de expresiones coloquiales, canciones, y refranes famosos se llegó a las siguientes oraciones:

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Esperar Duele Surgió de la modificación de la frase original dicha por Paulo Coelho: “Esperar duele. Olvidar duele. Pero el peor de los sufrimientos es no saber qué decisión tomar.” Al dejar solo las dos primeras palabras se tiene una frase corta pero a la vez diciente. De donde florecen diferentes situaciones que pueden estar inspiradas en hechos reales o ficticios, como el hecho de que una mujer espere en el altar a su prometido y el nunca llegue. La escogí y es una de las de mayor importancia en la serie, porque es el claro ejemplo de cómo en forma breve se puede comunicar bastante y como esto le da un cierre a la ilustración para que el espectador entienda la historia.

Perdono pero nunca olvido Esta expresión cargada de resentimiento fue tomada de la canción Latinoamérica de Calle 13. La seleccioné por el interés de ver como se comportaba en un contexto distinto al de la canción y porque es común escucharla especialmente viniendo de personas que han aceptado perdonar pero que siempre guardan el resentimiento y en algún momento sacan a flote aquello que supuestamente perdonaron, pero claramente no olvidaron.

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Bebo para olvidar Se originó a partir de la transformación de la frase de Frida Kahlo que expresa: “Bebo para olvidar, pero ahora, no me acuerdo de qué”, de ésta solo se tomó la primera parte de la oración. Es también conocida por su carácter cotidiano y ser expresada por personas que se encuentran en la fase de superación de un amor o en aquellas que beben para no sentir el dolor de una pérdida o abandono. El reflejar su contenido aspectos de la cotidianidad presentaba una oportunidad de conectar directamente al espectador con la situación.

Te llevaste mis ilusiones La selección obedeció a su popularidad y fácil entendimiento. Es un decir que casi todas las personas han escuchado o han dicho. Es una forma clara de que el receptor se conecte con la ilustración mediante la recordación de alguna experiencia previa o la expresión de su punto de vista acerca de lo que ve y la relación que encuentra.

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La locura del amor Esta surgió luego de que una persona en una sesión creativa observara uno de los retratos seleccionados de una mujer con el pelo revuelto y mirada perdida, y esto le recordara la historia de una mujer que enloqueció luego de levantarse y no encontrar a su esposo, a quien nunca volvió a ver. A partir de esto, se concreta la frase pues comunica ese momento de desesperación que siente el ser humano al no tener a su ser amado y no encontrar explicación de por qué se ha marchado. En otras palabras, está claro que el amor enloquece.

La traición me partió la cara Se concretó luego de escuchar una historia de traición por parte de una persona cercana. Sin embargo, fue el resultado de la interconexión entre el proceso de la ilustración como tal, y la adecuación de la expresión simplificada para que fuera mas directa. Esto quiere decir, que ésta se fue ajustando a medida que se fue desarrollando el dibujo, el cual por su lado se fue enriqueciendo gracias a la frase. En este orden de ideas, nació de la inspiración del resultado final del dibujo.

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El tiempo todo lo cura Cuando una persona recién se ha separado de su pareja y siente ese vacío, es común escuchar consejos que incluyen esta forma de expresión. En donde se entiende que con el tiempo todo se puede superar. Por esto, se tomó esta frase para hacer parte de la serie, y mostrar que en algunos casos no todo se puede superar con el tiempo y que el dolor permanece en quien fue dejado.

Nunca me quiso Se escogió por su constante presencia en el amor en su etapa melancólica. Pues cuando las personas se dan cuenta de que lo dieron todo por alguien y ese alguien no valoró esta entrega, y terminó lastimándolos, es común escuchar esta frase como resultado de la desesperación por tratar de entender que falló; y por qué ahora están solos.

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Un clavo entierra otro clavo Esta frase de cajón que se utiliza cuando se quiere olvidar a alguien con otra persona: “Un clavo saca otro clavo”, se modificó quitando la palabra ‘saca’ y añadiéndole ‘entierra’ para cambiar totalmente su significado original y de esta manera, tener otro punto de vista frente a esta situación tan común en la cotidianidad. Se transformó de esta manera, pues así se puede explorar con una aproximación diferente y deja de ser cliché, por el juego entre las palabras luego de la modificación.

Espérame Soledad Como primer acercamiento la frase original era “Te veo venir soledad” tomada de una canción de Franco de Vita. Pero, para evitar que el espectador la relacionara directamente, se concibió otra totalmente diferente que permitiera jugar con un doble sentido. Fue precisamente por este motivo, que se seleccionó pues por su significación, la ilustración también se podía valer de elementos que reflejaran los dos caminos por los que se puede ir el observador al interpretar la historia.

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El amor me enferma La expresión escogida originalmente era “Vomito Mariposas”, pero luego de explorar los alcances de la misma con la ilustración, se tomó la decisión de cambiarla para poder dejar de un lado el cliché de las mariposas en el estómago. Entonces, se estructuró la oración luego de tomar como inspiración experiencias propias en cuanto a la etapa en la que se siente algo interno que afecta la tranquilidad, hasta tener que buscar ayudas médicas o calmantes que mitigan esa sensación de enfermedad.

Está entusada Esta es una forma común para referirse a mujeres que actúan de una manera sensible que necesitan de atención y compañía. La frase inició como un título simple: La entusada, pero para darle otro tono se modificó por Está entusada, así, ésta toma otro sentido con un tono que se puede explorar mediante la ilustración de elementos, que hagan alusión a este momento en el que se encuentra la protagonista como complemento y conector entre la frase y el dibujo.

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A continuación se presentan las imágenes originales, tomadas como punto de partida para el desarrollo del proceso de intervención y de conexión entre la imagen, el texto y la ilustración. (El orden metodológico para las intervenciones va de acuerdo a la imagen). Cada retrato va acompañado de su título original, autor, técnica y año en el cual fue realizado. Así mismo, el criterio de selección.

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Título Original: Study head of a Young girl Artista: William Adolphe Bouguereau Óleo sobre lienzo , 1898

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Criterios de selección Esta imagen captó la atención por su paleta de colores pálidos, que permitían una intervención directa en donde la línea negra podía tomar protagonismo sobre el ligero fragmento del vestuario y por la expresión tanto corporal como del rostro en el personaje. Su belleza y candidez podía transportarse a una buena ilustración que representara una mujer en el momento en que es dejada esperando en el altar. Intervención y Simbolismo De esta manera, se intervino, dibujando un cuerpo que se despliega desde el rostro de la mujer en la imagen y toma la forma de vestido de matrimonio. En sus manos, ella sujeta un ramo de rosas que simboliza el matrimonio. Como detalle final, está rodeada con una cinta que tiene el mensaje de: Esperar Duele. La ilustración se compone únicamente de líneas y trazos de color negro, mediante las cuales se logran volúmenes y patrones para crear un contorno que se entienda como un conjunto total. En su rostro, la intervención se da en las lágrimas que aluden a la tristeza y el dolor que siente el personaje en este momento. Se acompaña de un tatuaje de rosas en el cuello que simboliza el amor y otro con los números romanos XVIII como emblema de la época en la que surge el Romanticismo. Relación Texto Imagen Esperar Duele La conexión entre el texto y la imagen en esta ilustración se presentó de manera automática. Puesto que los elementos simbólicos en la ilustración (ramo de rosas y vestido de matrimonio), solos comunicaban esta constante espera por parte del personaje y su expresión de dolor. 144

TĂtulo Original: Autorretrato Artista: George Dunlop Leslie Ă&#x201C;leo sobre lienzo, 1882

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Criterios de selección Sus diferentes componentes despiertan interés por la inspiración que genera para la creación de un personaje con características puntuales, pues al encontrar este retrato me transportó a un individuo solitario y olvidado. Los elementos que fomentaron su elección fueron: la mirada, la barba, y los colores claros en donde la línea negra pudiera destacarse. Intervención y Simbolismo La ilustración comienza a partir de una fusión, hecha por medio de la intervención digital en donde se borraron algunos fragmentos de pelo y barba para que la transición en todo su conjunto no fuera tan brusca. Se incluyeron elementos significativos adicionales como aretes y una pañoleta para simbolizar su vida de motociclista solitario. Luego el personaje toma forma por medio del cuerpo y su atuendo conformado por varias piezas muy particulares: chaleco tipo chamarra, camiseta de rayas, pantalón entubado con parches y botas punteras. Sus tatuajes van desde el cuello hasta la muñeca y abarcan diferentes símbolos como un barco pirata que significa libertad y rebeldía, un ancla: seguridad, y una serpiente símbolo de la traición, entre otros. En su mano derecha sostiene una botella de vodka y en la otra una muñeca de trapo. Relación Texto Imagen Bebo para Olvidar La conexión frase-imagen se dio por medio de las botellas de Vodka presentes en la ilustración. De esta manera, se pudo relacionar directamente la expresión con el dibujo pues los símbolos alusivos a beber están explícitos en la composición de la ilustración descrita en el punto anterior. 146

TĂtulo Original: Giotto di Bondone Artista: Desconocido Ă&#x201C;leo sobre lienzo

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Criterios de selección Durante la búsqueda de imágenes surgió esta como una oportunidad para representar a un personaje malo por la expresión de rencor en su rostro. Además encontré en sus colores un soporte diferente e interesante para intervenir por la manera como el negro funciona con el rojo. Además, porque da la impresión como si le hubieran tomado una foto en un momento que no quería. Dándole cierto aire de rebeldía y venganza. Intervención y Simbolismo Se editó la imagen, sacando la cabeza con la capota roja del marco cuadrado. Aprovechando la expresión del personaje, se dibujaron ciertos detalles en su rostro (aretes, un mechón de pelo que sale de su capota y una barba sucia) para reflejar el estado de dejadez. Su vestuario original se intervino considerando un patrón de animal print que generó la conexión entre la imagen y el dibujo de su cuerpo, evitando la transición brusca. Su vestimenta resalta un saco estampado con manchas de leopardo, un chaleco de jean, un pantalón entubado y botas negras. Su cuerpo, ligeramente desproporcionado, lo muestra parado sosteniendo una brocha en su mano con pintura escurriendo, como si acabara de pintar la pared. El detalle que conecta el mensaje con la narración es una patineta rota en el piso. Relación Texto Imagen Perdono pero nunca olvido Luego de tener casi listo el dibujo se consideró interesante adicionar otro elemento que coadyuvara para el desarrollo de una historia concreta. Este objeto fue la patineta con forma de corazón roto, que se puede prestar para diferentes interpretaciones que cumplen con la intención de conectar al espectador con la ilustración. 148

TĂtulo Original: The Highland Lassie Artista: John Everet Millais Ă&#x201C;leo sobre lienzo, 1853

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Criterios de selección Un determinante en la selección de este retrato además de la expresión, fue la vestimenta del personaje, pues en esta encontré una manera de hacer de la ilustración una pieza llamativa por el protagonismo del patrón de líneas. Relación Texto Imagen Te llevaste mis ilusiones Luego de un sondeo entre personas sobre con qué frase relacionarían este imagen, se tomó la decisión de generar el vínculo entre estas dos, principalmente por la expresión del rostro en el personaje original. Intervención y Simbolismo El dibujo comenzó a partir de los patrones en la ropa original de la imagen. De esta forma, se desplegó hasta crear el cuerpo de la mujer sentada en una banca. Este elemento tiene una singular textura lograda por medio de finas líneas que aluden a betas de madera. Como punto de conexión con la frase y la historia, esta banca tiene unas marcas que se resaltan por su fuerza y grosor en comparación con las líneas de textura. Trazos libres en forma de rayones toman la forma del pasto del parque. En sus manos el personaje sostiene un objeto puntudo con el cual marca la banca.

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TĂtulo Original: The Irish Girl Artista: Ford Madox Brown Ă&#x201C;leo sobre lienzo, 1860

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Criterios de selección Su elección fue automática por el peso que tiene su composición en cuanto a elementos puntuales como su cabello, rostro y el hecho que esté sujetando una manta. En ella encontré una manera de explorar mediante la ilustración para crear una pieza que se conectara con la frase y con el público, principalmente por su carga visual. Relación Texto Imagen La locura del amor La conexión se generó por medio del estudio de las imágenes en un ensayo creativo en donde se preguntaba a las personas con que frase relacionarían la imagen. En este caso, la relación fue evidente por la apariencia del personaje y su mirada, puesto que estas características le dan el aire de locura que se podía explorar y recrear por medio de la ilustración. Intervención y Simbolismo La ilustración se inspiró en el manto que sostiene el personaje original. De esta forma, el dibujo muestra a la mujer sosteniendo un manto transformado por medio de un patrón de flores que le da transición a la ilustración, que va desde el recuadro original al dibujo del cuerpo más abajo en el espacio en blanco. La mujer está sosteniendo una taza de té totalmente negra, de donde se descuelga una delgada línea blanca que representa la tirita de la cual cuelga la etiqueta del té con el título de la obra escrito en letra pequeña y delgada. Lo más importante de la ilustración recae en el maquillaje del personaje. Puesto que es aquí en donde el dibujo tiene el peso emocional. 152

TĂtulo Original: Autorretrato Artista: Felix Vallotton Ă&#x201C;leo sobre lienzo, 1891

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Criterios de selección El fondo oscuro y las sombras en el rostro del personaje aluden a un ambiente frio y triste. Además con el sombreado en uno de sus ojos se despertó la intención de hacer que el personaje tuviera un aspecto de haber sido golpeado. Esto fue lo primero que comunicó la imagen. Por esta razón, se seleccionó, para poder explorar como mediante la intervención se podía cambiar el contexto original en donde el personaje está usando ropa elegante, y pasarlo a otro escenario que se pudiera conectar con la frase. Relación Texto Imagen La traición me partió la cara Teniendo en cuenta los criterios mencionados en el segmento anterior, la conexión entre la frase y el dibujo se realizó por medio de la transformación del personaje original en un individuo con muestras de haber estado en una pelea. De esta forma, se consideraron elementos significativos para lograr conectar al espectador con la narración. Estos se explican de manera detallada en el siguiente párrafo. Intervención y Simbolismo La ilustración contempla un hombre sentado en la entrada de una casa. Como el fondo es oscuro, la puerta se dibujó y tomó forma por medio del contraste entre líneas gruesas blancas que construyeron el contorno. Su textura se realizó a partir de delgadas líneas blancas para que simulara madera. Su cuerpo se interviene desde debajo de su barbilla y se desarrolla para mostrar al personaje sentado en unas escaleras de ladrillo que se dibujan en el fondo blanco con líneas y puntos para dar la textura adecuada.

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Su rostro está descompuesto y esto se genera por medio de un detalle (el ojo morado hecho a partir de la difuminación de una mancha negra), una línea negra que sale de su nariz, se convierte en la sangre que gotea y mancha su camisa. Su vestuario compuesto por una camisa que resalta sus pliegues generados por trazos gruesos en negro, se acompaña de tirantas con franjas diagonales contrastantes por su color. Su pantalón negro y zapatos le dan un estilo elegante. En sus manos, sostiene un bate con el mensaje escrito en letra que se caracteriza por los trazos rectos como si la madera hubiera sido tallada.

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TĂtulo Original: Retrato del Reverendo Harry Jones Artista: George Frederick Watts Ă&#x201C;leo sobre lienzo , 1890

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Criterios de selección Su elección estuvo influenciada por la expresión en el rostro, la mirada perdida y su prominente barba. Componentes que se podían explotar mediante la ilustración y la caracterización del personaje. Intervención y Simbolismo Para esta intervención solo se tomó el rostro de la pintura que se editó previamente con la técnica digital (Photoshop). El dibujo consideró el cuerpo de un personaje con especiales características (con muletas porque le falta una pierna). Su vestimenta destaca una camisa con un patrón de cuadros blancos y negros en cuello y mangas. El pantalón igualmente blanco con pequeñas manchas negras simulando el desgaste de la tela. Para darle un soporte al personaje, trazos gruesos le dan forma al piso a una superficie a la orilla de la carretera. Al costado derecho se destacan un par de cruces acompañadas por flores hechas a partir de rayas, puntos y contornos que completan el entorno. Como detalle final y determinante las cruces tienen escritos los nombres de su esposa e hija, acompañados por el título de la ilustración. Relación Texto Imagen El tiempo todo lo cura Partiendo de la expresión del personaje y de su carácter de anciano se conectó la frase luego de realizada la ilustración. De esta forma, se vinculó esta expresión como componente que le da sentido a los elementos simbólicos en el dibujo como las tumbas y la carretera; haciendo alusión al escenario en donde el personaje perdió a su familia y por lo cual está escrito en sus tumbas el mensaje que hace reflexionar al espectador y entender la historia de manera inmediata. 158

TĂtulo Original: Meditando sobre el umbral Artista: William Adolphe Bouguereau Ă&#x201C;leo sobre lienzo, 1893

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Criterio de selección El determinante principal y más importante cómo en la mayoría de los retratos elegidos, fue su expresión. Como también la ausencia del cuerpo, lo que permitiría una intervención sin mayores obstáculos como vestimentas oscuras o elementos que desviaran la atención del espectador en la ilustración. Relación Texto Imagen Nunca me quiso La conexión entre la imagen y el texto se generó a partir de lo manifestado por diferentes personas, en cuanto a su percepción sobre lo que intuían comunicaba esta expresión y con qué frase de las 12 seleccionadas la relacionarían. Esto se tradujo en la creación de una historia que girara en torno al momento en el que una persona se da cuenta de que su pareja no la valora. La ilustración se proyectó interviniendo la imagen original para que por medio de un símbolo puntual de viaje (un maletín) se plasmara la historia del personaje. Intervención y Simbolismo La ilustración se despliega en trazos sobre la imagen original a partir del cuello para desarrollar el cuerpo del personaje que sostiene una maleta con detalles de sellos de los sitios en los que ha estado. El protagonista se representa con particulares componentes en su vestuario que incluyen: un abrigo que llama la atención por su forma, las texturas que se generan por trazos semi redondos y frondosos que simular un material llamativo. Otro detalle resaltado, es el patrón en sus pantalones que demuestra un tipo de tela escocesa por el cruzamiento de líneas dobles delgadas, verticales y horizontales. Sus botas punteras son totalmente negras con algunos visos de blanco para darles brillo. El mensaje está escrito en su camiseta con letra que simula una estampación. 160

TĂtulo Original: Sophie Gray Artista: John Everet Millais Ă&#x201C;leo sobre lienzo, 1857

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Criterios de selecciรณn Su singular estรฉtica fue determinante para la elecciรณn de este retrato. Los enigmรกticos colores que resaltan y contrastan su rostro; los detalles del vestido y su cabellera, proporcionan importantes elementos visuales para una interesante intervenciรณn y conexiรณn con la frase. Relaciรณn Texto Imagen Un clavo entierra otro clavo Lo mencionado anteriormente es relevante, pues fue a partir de estos componentes que la frase tomรณ fuerza y sentido. Esto inspirรณ el escenario en la que se centra la narrativa detrรกs de la ilustraciรณn. El cabello un poco desordenado, su expresiรณn, los cachetes rojos y su actitud permiten vislumbrar el haber estado con alguien en una situaciรณn en particular. Por lo cual se pudo relacionar el retrato perfectamente con la frase escogida y mediante el dibujo explotar del todo su contenido.

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Intervención y Simbolismo El rostro del retrato nos evoca una mujer joven, su expresión nos traslada a un momento de desahogo. Se buscó generar una ilustración en la cual el personaje se encontrara en un espacio y con elementos que hicieran alusión al momento posterior a un encuentro íntimo. De esta manera, la transformación de la imagen comienza con la sobre posición de trazos negros que rodean la cabeza para construir la cabellera del personaje. Como el fondo y la vestimenta son oscuros, se aprovechó la intervención de manera digital para resaltar el negativo sobre el positivo, esto quiere decir que la cama se ve por el contraste entre lo blanco y el fondo oscuro. Así se presenta la transición entre la imagen y el dibujo. El lecho totalmente blanco toma forma por medio de trazos fuertes negros y texturas hechas con líneas mas delgadas. Tiene aspecto de cama antigua con estructura de madera en donde se puede ver escrita la frase narrativa. Por último la ropa desordenada en el suelo es el detalle que cierra la ilustración.

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Título Original: Francisco José I de Austria Artista: Desconocido Óleo sobre lienzo

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Criterios de selección Varios elementos puntuales se consideraron importantes como inspiración para la ilustración: su vestuario, condecoraciones, paleta de colores, etc. El objetivo claro permitió una intervención directa sin tener que introducir cambios en el rostro de la imagen original. Relación Texto Imagen Espérame Soledad La conexión como en la mayoría de los casos, se generó primero por la expresión de desespero que se evidencia en su rostro y segundo por los elementos que resaltan en el personaje (en especial las medallas de honor) de donde se desprende la idea de encerrar al personaje en una celda. Y de esta forma, conectar la palabra ‘espérame’ con la desesperación y ‘soledad’ con el doble sentido de que pueda ser el nombre de una mujer o la soledad en si que lo esperara por el resto de sus días en esa celda. Intervención y Simbolismo Para la ilustración se tomó como inspiración la mirada desesperada del protagonista. De esta forma, se ajustaron partes de la imagen original, controladas con un borde hecho con trazos negros para que parecieran barrotes de una cárcel. A partir de esto, el personaje fue tomando forma, por medio de un torso con una camisa de franjas, sus manos que sujetan los barrotes y en ellas está tatuada la frase del título. Además de esto, en sus brazos están presentes tatuajes que aluden a su amor eterno por su esposa.

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TĂtulo Original: Millie Smith Artista: Ford Madox Brown Ă&#x201C;leo sobre lienzo, 1846

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Criterios de selección Influyeron varios aspectos: El entorno, los colores, la caracterización del personaje, pues proporciona suficientes elementos para ampliar el imaginario y traducirlo a través de una notable intervención que se resalte respecto a la imagen original. Relación Texto Imagen El amor me enferma En la imagen el rostro del personaje tiene una tonalidad un poco pálida, lo cual permitió una conexión con la palabra ‘enferma’. De este modo, surgió la inspiración para transformar el original y cambiar el contexto del personaje por la situación de enfermedad e incomodidad. Intervención y Simbolismo La ilustración muestra a un personaje con malestar que se desprende por medio del dibujo de una mancha negra que sale desde su boca y llega hasta sus pies como representación de las náuseas producto de su enfermedad. Su contorno se evidencia en la forma de su cuerpo demarcado por líneas negras que terminan mezclándose con la mancha negra del vómito. Su vestuario se destaca por la presencia de patrones hechos a partir de franjas gruesas negras y blancas para parecer el print de una zebra. El gesto de su rostro y la expresión corporal en sus manos contra el estómago comunican su estado de pesadez y malestar.

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TĂtulo Original: Study of Olympe Pelissier as Judith Artista: Horace Vernet Ă&#x201C;leo sobre lienzo, 1830

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Criterios de selección La desnudez, el fondo y la paleta de color transparente, posibilitaron su elección como material a explorar. Pues por sus tonalidades claras es un soporte perfecto en donde la línea marca su protagonismo y puede cambiar y complementar el soporte original. Relación Texto Imagen Está entusada La actitud de la mujer es de terquedad y egoísmo. Se pensó en esta frase para la imagen, como si la estuvieran observando y supieran por lo que está pasando, no solo por su expresión sino por los elementos que pueden complementar la imagen original, como se explican en el siguiente segmento. Intervención y Simbolismo El dibujo muestra a una mujer que sostiene a un pequeño perro en sus brazos. La transición entre la imagen y el dibujo se genera mediante trazos que parten de su rostro para desplegarse en un cuerpo de mujer que está parada. Para evidenciar sus tusas, el personaje está rodeado por perros, figuras que son logradas por medio de trazos gruesos y manchas que definen sus contornos.

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Historias abiertas al pĂşblico

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Esperar Duele Es la historia de una joven que fue dejada en el altar. Su prometido nunca llegó y la imagen muestra como sus lágrimas recorren el vestido de matrimonio hasta llegar al ramo de rosas que está sosteniendo. Expresando ese dolor que sin duda muchas mujeres han sentido en un día que llevan esperando todas sus vidas

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Perdono Pero Nunca Olvido Encarna la experiencia del protagonista en el momento en que quiere vengarse de su novia. Como parte de este instinto, le rompe la patineta que extrañamente queda con forma de corazón. Para completar su desquite pinta una pared por donde está seguro, algún día su ex novia tendrá que pasar.

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Bebo para olvidar Cuenta la historia de Gregor, un viejo solitario que en sus años de juventud tuvo un hogar al que no supo apreciar, pues por ser un borracho insoportable, su esposa e hija lo abandonaron. Hoy cuando los años ya le caen encima pasa largas horas recordando a la pequeña que con sus mejillas rosadas le regalaba sonrisas. De ella sólo le queda su muñeca de trapo a la que contempla con melancolía.

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Te llevaste mis ilusiones Ilustra la experiencia de una joven que solía ir al parque del barrio en el que creció con su familia. Allí conoció a su primer novio y juntos tenían la costumbre de marcar en la misma banca del parque, los días que iban y se sentaban juntos a compartir historias. Luego de un tiempo, ella se dio cuenta de que el ya no iba con tanta frecuencia y se encontraba sola esperándolo, entonces escribió el mensaje en ella sabiendo que algún día el regresaría a esa vieja banca.

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La Locura del amor Es la que las personas sienten cuando las han dejado sin explicación alguna. Esta es la historia de una mujer que se levantó y no encontró a su esposo. A partir de ese día, solo toma pastillas y té caliente para controlar su ansiedad y el horrible sentimiento de que la abandonaron sin saber por qué.

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La traición me partió la cara Ilustra la historia de un hombre que fue traicionado por su novia. Cuando terminó la pelea, se dio cuenta de que ella se había marchado con otro. La ilustración muestra al personaje sentado, con marcas de haber sido golpeado, en la entrada de una casa, en sus manos sostiene un bate con el mensaje del título de la historia, para simbolizar el momento de venganza después de la traición.

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El tiempo todo lo cura Cuenta la historia de un viejo que tuvo un accidente de motocicleta con su esposa y su hija de tan solo 4 años. Tras el accidente el perdió una pierna y tiene que andar en muletas. Con melancolía el personaje visita las tumbas de sus familiares en donde está escrito el mensaje que el parece no olvidar

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Nunca me quiso Es la historia de una joven estudiante que vivía con su novio. Ellos, estuvieron juntos por mucho tiempo, pero se dieron cuenta de que la convivencia no es tan fácil como la presentan. El la echó de su casa y la ilustración la muestra a ella cargando su maleta, con la expresión en su rostro de haberse dado cuenta de que el nunca la quiso.

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Un clavo entierra otro clavo Ilustra la historia de una mujer que se encuentra en etapa de superación de un amor que le marcó la vida. Por esta razón, ella entra en desesperación y para olvidar su relación pasada, se mezcla con muchos hombres, siguiendo ese refrán de Un clavo saca otro clavo, solo que con el pasar del tiempo se da cuenta de que esto no es real. Con cada hombre su superación se hunde más.

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El amor me enferma Cuenta la historia de una joven que no se encuentra bien, pues el desamor la ha llevado a situaciones que supuestamente la intranquilizan. Pero en realidad ella estรก enferma y la ilustraciรณn refleja como el amor le genera tal malestar al punto de no poder controlar las nรกuseas

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Espérame Soledad Es la historia de un viejo que se encuentra cautivo como prisionero. Su rostro con cierto aire de preocupación y tristeza es la muestra de cómo extraña a su esposa, por esto lleva en su mano tatuada la frase, y en sus brazos símbolos que demuestran su amor fiel por Soledad, a quien no sabe si volverá a ver.

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Para la presentación final de la serie de ilustraciones, se diseñaron soportes diferentes con características y detalles que reflejan una época antigua. El elemento de unidad está los arabescos que tienen estos marcos como también en sus colores (dorado con negro, café, y plateado). A partir de esto, se le otorgó un valor agregado a la ilustración pues así se caracteriza y valoriza como una pieza original en un espacio determinado. De esta forma, se tiene como intención disponer las ilustraciones en un muro de manera que se puedan ver todas en conjunto y por separado si el espectador lo desea. Esto con el objetivo de que se pueda ver la unidad de los elementos propios del estilo de intervención. Como también para que se sienta un ambiente alusivo a una exposición en donde la atención recaiga únicamente en las piezas visuales.

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Los diferentes procesos que contempló el proyecto fueron muy enriquecedores, ya que a través de la investigación, experimentación y la materialización logré concretar las ideas y consolidar el resultado final deseado. Sin embargo, a lo largo de los ensayos, pruebas, definiciones, etc. se presentaron factores que se fueron ajustando y solucionando para finalmente llegar a la construcción de la serie de ilustraciones. Dentro de los procesos de búsqueda de información (imágenes, fotografías, retratos, etc.) me encontré con múltiples aspectos que llamaban mi atención y generaban alargue en los tiempos, pasando por diferentes oportunidades que brindaban los soportes para intervenir. Exploración que ayudó a encaminar el proyecto al filtrar y descartar material que no funcionaba con la ilustración, principalmente porque se perdía el dibujo en el soporte y la atención se desviaba(veáse Fig. 7 y 8). De este modo me centré en lo fundamental que era complemenar la imagen del soporte por medio del dibujo y que este lograra comunicar algún mensaje enmarcado en detalles de la ilustración.

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Fig. 7

Fig. 8

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En lo referente a la definición y construcción de la parte narrativa (frases e historias), que implicó hacer el ejercicio y pruebas con grupos de personas se obtuvieron diferentes resultados en los que se comprendió que cada quien entiende la ilustración desde su punto de vista. Y que esto también depende de que tan dicientes sean los objetos o detalles del dibujo. Lo que quiere decir que en algunos casos el componente de comunicación funcionó y en otros no.(Como se puede ver en el capítulo anterior Del Dibujo a La Historia). En donde surgieron dos historias, una que si funcionó y comunicó exactamente la narrativa pensada y otra en donde la ilustración comunicó un mensaje diferente, por lo que la persona generó su propia historia. De esta forma se entendió que el camino de conexión entre la ilustración, la persona y el mensaje está abierto a cambios según la percepción y interpretación en algunos casos ligada a experiencias personales o imaginarias. Una vez definidos los distintos componentes, la conexión y los aspectos complementarios, se concretaron en cada etapa los pormenores hasta llegar al desarrollo de las piezas finales. Los detalles en las ilustraciones tienen como objetivo incidir en la audiencia de tal manera, que cada persona llegue a la historia propuesta sin necesidad de acudir a una narrativa literaria, utilizando el dibujo como esa “pista” que le guía y le cuenta la historia detrás de cada retrato.

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Las historias propuestas, aunque se contextualizan en un concepto universal: El dolor y el desamor, se tienden a tergiversar debido a la experiencia de las relaciones sentimentales vividas por cada individuo, quien tiene la capacidad de agregar, obviar, modificar o re-significar las intervenciones ilustradas en cada una de las piezas. La temática principal de la ilustración (el desamor, la desilusión, la nostalgia y el odio de los corazones rotos) efectivamente contextualiza y enmarca la percepción de la audiencia de manera unánime; pero no se puede dejar de considerar que la obra expuesta (siendo ella misma una intervención sobre las obras de otras personas) es también interpretada por la experiencia propia de todo aquel que la observa. En lo que respecta a la parte técnica se realizaron diferentes pruebas con materiales y soportes, pasando por algunos que no funcionaban por su calidad y finalización , esto quiere decir que la ilustración se veía sucia principalmente por como los trazos se comportaban por el grosor del esfero o marcador . (Véase Fig. 9) Al comprender que la ilustración se conformaba por líneas gruesas, trazos y contornos, se tomó la decisión de utilizar rapidógrafos con puntas finas (0.3, 0.2, 0.1, 0.05) para lograr un dibujo que fuera delicado pero a la vez compuesto por la repetición de patrones y figuras que solo se podían hacer de esta manera. Estas consideraciones encaminaron el proyecto a cierto tipo de estética y dibujo. Finalmente la ilustración se hizo de manera digital puesto que permitía mayores oportunidades de manipulación del material original, su edición y mayor número de intentos.

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Fig.9

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Por otro lado, inicialmente este proyecto fue pensado para generar un número mayor de piezas, pero por aspectos de lo que implica el trabajo creativo y el costo de montaje y presentación de las obras, se decidió implementar una serie con un número menor de piezas pero con absoluta representatividad. Por otro lado, inicialmente este proyecto fue pensado para generar un número mayor de piezas, pero por aspectos de lo que implica el trabajo creativo y el costo de montaje y presentación de las obras, se decidió implementar una serie con un número menor de piezas pero con absoluta representatividad. Que lograran comunicar lo suficiente y dar a entender el objetivo detrás del proyecto; la generación de historias a partir de la ilustración. El interés en el tema me llevó a realizar esta serie de ilustraciones pues son piezas que llevan implícito un gran valor respecto a experiencias, fragmentos de vida, anécdotas, momentos cotidianos, etc., y que además tienen un potencial muy grande en el mercado, pues estas obras que llaman la atención del espectador por su género, estética y contenido.

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El proyecto ¨Los Malditos Románticos¨, consolidado en 12 piezas finales que reúnen un conjunto de singulares estéticas, con sensibles narrativas y formas creativas de representación; constituye un interesante conjunto de colección y con perspectivas grandes de comercialización al ampliarse su utilización en otras formas editoriales. Las características del proyecto que se desarrolla a partir de piezas digitales, siendo versátil por sus aplicaciones, es un factor clave para el éxito de la reproducción, distribución y comercialización de la totalidad de las piezas. Esa versatilidad juega, también, un papel fundamental a la hora de identificar el target interesado en la adquisición de cualquiera de las ilustraciones que hacen parte de esta serie. Las formas del montaje final de la serie de ilustraciones; impresas, enmarcadas y distribuidas en un espacio específico y mostrando la totalidad de retratos intervenidos, genera una valorización para la adquisición de ellas mismas. Es un conjunto dirigido a una audiencia de perfil coleccionista y con interés especial en este género. Por otra parte, la aplicación de estas ilustraciones puede ampliarse a librillos, postales y en general, réplicas impresas de menor formato, que atraen a una audiencia más numerosa ya que el coste es más asequible.

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En el medio ya se cuenta con diversas plataformas que favorecen el fomento del diseño y la ilustración nacional: colectivos, convocatorias, tiendas y editoriales auto-gestionadas, que generan espacios para promover la escena gráfica. He tenido la oportunidad de experimentar con algunas tiendas especialistas en el tema, enriqueciendo mi conocimiento en cuanto a la gestión y distribución del medio gráfico. Los procesos son informales y flexibles debido a que las iniciativas surgen de colectivos (jóvenes) auto-gestionados; conformados por artistas, ilustradores o diseñadores impulsadores de la gráfica. Este proyecto fue una exploración y reafirmación en mi identidad como diseñadora e ilustradora; una búsqueda para generar narrativas visuales que surgieran, incluyeran, se alimentaran y crecieran no sólo de mis experiencias personales (imaginarias y reales) sino también de las memorias y referencias de toda persona que alguna vez les observe, y sin darse cuenta, les interprete. Realizar este proyecto, igualmente me permitió reafianzar mi interés en las temáticas consideradas y ampliar la visión respecto al mundo de la imagen, su abstracción y desarrollo de contenidos, que pueden llevarse a implementar y convertir en otras piezas editoriales, como por ejemplo, un libro de historias.

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A cada una de las personas que hizo parte de este proyecto.

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Asesora de Proyecto de Grado: Carolina Rojas Céspedes Colaboradores: Paola Molano Vásquez Briana Barrios Catalina Agredo Juanita Rodríguez Daniel Castaño Finalmente a mis padres, por su apoyo y paciencia. Gracias Totales.

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EVANS, David (2009): Appropriation (Whitechapel: Documents of Contemporary Art). EDWARDS, Betty (1979): Aprender a Dibujar con el Lado Derecho del Cerebro. BERGER, John (2005): Sobre el Dibujo HUTCHEON, Linda (1993): La Política de la Parodia Postmoderna. GUASCH, Anna Maria (2003): Los Estudios Visuales. Un Estado de la Cuestión. CHAPARRO, Adolfo (2006): Los Límites de la Estética de la Representación. GARCÍA, Helena (2013). Ilustrando Ando: Concepto de Ilustración. Recuperado de http://ilustrandoenlaescueladearte.blogspot.com/2013/09/concepto-de-ilustracion.html TURNER, Christopher (2006). Jake and Dinos Chapman. Recuperado de http://www.tate.org.uk/ context-comment/articles/id-have-stepped-on-goyas-toes-shouted-his-ears-and-punched-him-face

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