Pixel10 by LuisD

NORMA Editorial

AGOSTO 2001 1.250 ptas. (7,51 euros) REVISTA + CD

Animación 3D

FX Multimedia

DE WIT Y BILL PLYMPTON

Charlamos con los realizadores

COMO PERROS Y GATOS

La guerra llega a España

10+2: EL GRAN

¡SOCORRO! SOY UN PEZ

SECRETO

Animación nórdica de primera

Numerolandia en pantalla grande

FESTIVAL DE ANNECY

Francia, capital de la animación

ANIMADO La gran apuesta española por el 3D

EL BOSQUE

PÍXEL nº10 Agosto 2001 www.norma-ed.es/pixel Edita: NORMA Editorial, S. A. Coordinación, diseño gráfico y realización: Estudio Fénix Colaboradores: Ainoa Amperio, Jordi Artigas, Luis Bustos, J.S. Campos, Sandra de Lamo, Luis Domínguez, Jorge Hernández Valiñani, Rafa Hidalgo, Andrés Hispano, Alfons Moliné, Manuel Robles, Juan Royo, Eusebio Sánchez, Mario Tarradas, Jordi Vall, Armando Vila

NORMA Editorial Gerente: Rafael Martínez Director General: Óscar Valiente Director Financiero: Vicente Campos Adjunto a la Dirección: Pepe Martínez Director Comercial: Ramon Comas Editor: Armand Zoroa Representación: Jesusa Iglesias Jefe de Producción: Marià Martí Coordinación de Producción: Flor Castellanos Ayudante de Producción: Valentín Chesa Contabilidad: Rosa García y Raúl Coll

Este mes... 02 14 16 18 20

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SECCIÓN FX ANNECY El salón más animado.

EL BOSQUE ANIMADO Por fin llega a las pantallas.

10+2 Acció Estudios salta al cine.

COMO PERROS Y GATOS Una guerra secreta sin cuartel.

SOCORRO SOY UN PEZ Animación danesa.

BRYCE Y POSER Animación de personajes y escenarios.

ISSN 1576-8791 Depósito Legal B-39792-2000

ACTUALIDAD

Evolution, lo último del creador de Cazafantasmas.

c/Fluvià, 89. 08019 - Barcelona. Tel.: 93 303 68 35. Fax: 93 303 68 31 exposito@norma-ed.es Redacción PÍXEL: Estudio Fénix c/Vent, 41, Bajos. 08031 - Barcelona Fax: 93 429 12 29 pixel@gertieland.com

NOTICIAS/EL SECTOR

LMN’S, Manuelita, La banda del patio, Me casé con un extraño.

Prensa y Comunicación: Josefina Blaya

Márketing y Publicidad Mayte Expósito Directora de Márketing 93.303.68.35 exposito@norma-ed.es

El número que tenéis entre las manos bien podría ir acompañado por un pequeño proyector cinematográfico, pues los estrenos de cine de este mes ocupan un buen número de páginas. No sólo prestamos atención a los pesos pesados, como la deseadísima El bosque animado, ¡Socorro! Soy un pez, Como perros y gatos o 10+2: El gran secreto, sino también a los estrenos menos llamativos, como el clásico Disney veraniego (La banda del patio) o Me casé con un extraño, de Bill Plympton, que ha llegado a nuestras pantallas sin hacer demasiado ruido. También hemos querido dedicar una atención especial al recientemente celebrado salón de Annecy, en el que se reunió todo el mundillo de la animación digno de tal nombre. Así, además de un extenso reportaje sobre tal evento, hemos incluido la transcripción de un par de charlas que sostuvieron dos de los asistentes más ilustres, Michael Dudok de Wit (reciente ganador del Oscar al Mejor Corto de Animación por Father & Daughter) y Bill Plympton. Todo ello, por supuesto, sin descuidar nuestras secciones habituales, como la de 3D, videoclips (dedicada este mes a los británicos de Shynola) o la sección FX, donde os descubrimos los entresijos de la última creación de Ivan “Cazafantasmas” Reitman, Evolution. Tenéis lectura veraniega para rato... Revista Píxel c/Vent, 41, Bajos. 08031-Barcelona pixel@gertieland.com

Os ponemos al tanto de todo.

Suscripciones: Montserrat Magrinyà Tel.: 902 120 144

Norma Editorial c/Fluvià, 89. 08019 - Barcelona Tel.: 93 303 68 20. Fax: 93 303 68 31 www.norma-ed.es pixel@norma-ed.es

EDITORIAL

VIDEOCLIPS Shynola.

CONTENIDO DEL CD CINE

EL LECTOR

▼

A.I. (6 anuncios de TV) ▼ Final Fantasy (5 clips) ▼ Harry Potter (segundo tráiler) ▼ Neuroplanet (3 clips) ▼ Osmosis Jones (tráiler) ▼ Time Machine (tráiler)

MULTIMEDIA

Aceituna Animaciones (bobina) Ars Animación (bobina) ▼ Gorillaz (2 videoclips) ▼ La Truka (2 bobinas) ▼ Fanhunter (3 clips) ▼ ▼

TV ▼ ▼

Gumby y Pokey (cabecera) Nature’s Guard (tráiler)

3D 72

CHARLAS CON...

▼ ▼

Ice Age (tráiler) Jimmy Neutron (tráiler)

Bill Plympton y Michal Dudok De Wit

CORTOS Y FESTIVALES

CORREO

REPORTAJES

Con todas vuestras cartas.

▼ ▼

▼

Le regard bléssé (fragmento y créditos) Annecy 2001 (20 fragmentos) Shynola (6 clips)

Vuestras colaboraciones

INSTALACIÓN Necesario Quicktime 4. Quicktime 4 puede descargarse en internet en la página www.apple.com

▼

▼ PC Para optimizar el visionado del CD y todos sus contenidos, es necesario tener Quicktime 4 como visor por defecto de películas MOV (paneles de control/ Quicktime/asociación de archivos) En el caso de tener Windows Media Player 6.4 y tener pre-definido que las películas MOV se visionen por defecto con este software, el visionado de películas de Quicktime posterior a la versión 3 será imposible ya que esta aplicación no puede reproducirlas. ▼ MAC Para optimizar el visionado del CD y todos sus contenidos, es necesario tener Quicktime 4 instalado.

Tanto en nuestro país como en el extranjero, el cine es el protagonista absoluto de estas fechas veraniegas, lo cual se nota en nuestra sección de noticias. Por todo el mundo se suceden no sólo estrenos de superproducciones, sino también rumores sobre lo que podría empezar a producirse a partir del próximo mes de septiembre. De todo ello os damos cumplida información aquí, además de, evidentemente las novedades más interesantes en multimeda (el DVD pega más que nunca), cortos y festivales, series de televisión y tecnología y software 3D.

DISNEY, UN NIDO DE ACTIVIDAD

JOHN WOO Y LAS TORTUGAS

El pasado 20 de junio, Peter Schneider, presidente de The Walt Disney Company, abandonó su cargo para dedicarse a una nueva compañía de Broadway que en parte estará financiada por la propia Casa del Ratón. Schneider llevaba 16 años en la compañía, y ocupaba ese cargo desde enero del año 2000. Simultáneamente, los responsables de Disney han anunciado que tienen previsto llevar a cabo un recorte drástico de personal a lo largo de los próximos 18 meses, por el cual se podría reducir en 500 puestos de trabajo la nómina de animadores de Disney. No se sabe a ciencia cierta si en la decisión ha tenido algo que ver el más que discreto rendimiento en taquilla de la última película del estudio, Atlantis, que incluso recaudó menos que Shrek en una misma semana, aunque el film de DreamWorks lleva más tiempo en pantalla que Atlantis. Por cierto que bajo estas mismas líneas podéis ver algunas imágenes de la adaptación de Atlantis en cómic que ha publicado Dark Horse, con la colaboración de Mike Mignola. Un último detalle en relación a los Estudios Disney es la supuesta aparición por Internet de algunas de las imágenes de sus próximas producciones, como Treasure Planet o Lilo & Stitch, entre otros. En cuanto nos sea posible os daremos más información al respecto.

Sí, no es broma. Es posible que John Woo dirija una película basada en las famosas Tortugas Ninja Mutantes popularizadas en cómic por Kevin Eastman y Peter Laird a principios de los años ochenta. Y lo que es más extraño, la película estará hecha íntegramente en CGI. Aunque por ahora no hay ningún estudio asociado al proyecto, el largometraje contaría con un presupuesto de entre 40 y 60 millones de dólares, y su estreno en cine podría producirse por las Navidades de 2002. Para haceros una idea de cómo podría quedar la cosa, aquí tenéis un par de imágenes del piloto de la serie de TV en CGI Simu que la endobreves Simuproducirá la do Mirage Studios.

EL CISNE MUDITO El pasado 6 de julio se estrenó en nuestro país la película El cisne mudito, largometraje basado en el libro infantil del escritor E.B. White La Trompeta del Cisne, una de las obras más premiadas de la literatura infantil. Se trata de un cuento mágico sobre un cisne trompetista que ha alcanzado gran popularidad en todo el mundo desde su aparición en 1970. Entre otras, White también escribió el relato Stuart Little, que ya se vio adaptado al cine en el año 1999. El cisne mudito cuenta la historia de Louis, un joven cisne que no sabe tocar la trompeta. La verdad es que ni siquiera sabe hablar, y eso le supone un problema cuando intenta cortejar a Serena, la cisne más bonita que jamás ha visto. Con la ayuda de su padre, quien roba una trompeta para su hijo, y un niño que se hace su amigo y mentor, Louis aprende a tocar la trompeta, se convierte en un reconocido músico y, al final, se gana el cariño de su amada Serena. El cisne mudito ha sido dirigida por Terry L. Noss y Richard Rich, ambos habituales en productos de animación para televisión.

Cine

XXX

MULTIMEDIA

CORTOS Y FESTIVALES

CINE

NOTICIAS

NOS HAN DEJADO...

SE PARA TORTOISE AND THE HARE

XXX

Ivo Caprino (1926-2001)

Simu la do Simu la do Simu la do Simu la Si hay alguien a quien calificar como el “Walt Disney éseSimu es Ivo Caprino, donoruego”, Simu la do la do Simu ladesaparedo Simu cido el pasado 8 de febrero, cuyas películas de animación sido la veneradas la do Simudela muñecos do Simu lahan do Simu do Simu durante generaciones en su país de origen, convirtiéndose en uno deSimu los maestros europeos de la do Simu la do la do Simu la do Simu la técnica. Nacido en Oslo y descendiente de emigrantes italianos, realizó primera la do Simu la do Caprino Simu la do Simu su la do Simu película en 1949, manteniéndose en activo hasta entrados los noventa, con cintas delaentretenila do Simu la do Simu la do Simu do Simu miento y publicitarias. Su obra más célebre es sin duda Grand en la la do Flåklypa Simu la do SimuPrix la do(Grand Simu laPrix do Simu Montaña de los Inventos, 1975), que supuso el primer largometraje la animación El la do Simu la dode Simu la do Simunoruega. la do Simu festival Animerte Dager, celebrado en Frederikstad ellapasado mayo, le dedicó do Simumes la dodeSimu la do Simu laun domereSimu cido homenaje. la do Simu la do la do

Lee Mishkin (1927-2001) El 19 de junio falleció, de un ataque al corazón, Lee Mishkin, uno de los animadores de trayectoria más impresionante de los Estados Unidos. Mishkin comenzó a trabajar en Crusader Rabbit, de Jay Ward, la primera serie de animación creada para televisión. Durante los cincuenta y sesenta participó en series como Casper, o The Incredible Mr. Limpett.Ya en los setenta, animó y dirigió Is it Always Right to Be Right?, que ganó un Oscar al Mejor Corto de Simu la do Simu la do Simu la do Simu la Simu la do Simu la do Simu la do Simu la Animación. Mishkin también fue nominado dos veces a los Emmys por la serie de TV Faeries, do Simu la do Simu la do Simu la do Simu do Simu la do Simu la do Simu la do Simu realizada para la CBS. Entre otros trabajos, Mishkin también realizó la introducción animada de la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la serie clásica de Batman y una de las escenas de Heavy Metal. Tenía 74 años. la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu Paul Berry (1961-2001) do de Simu la do Simu do Simu la do Simu la do Simu do Simu la do Simu do Simu Ella 26 junio moría enlaManchester Paul Berry a causa de unlatumor cerebral. Berrylacomenzó la do Simuen la do Simu laHall, do Simu la do Simu la do do Simu la do Simu do Simu trabajando Cosgrove animando personajes en El Simu vientolaentre los sauces. Máslatarde trala do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu bajó en películas como The Fool of the World, The Flying Ship, Truckers y Noddy. En 1992 reala do Simu la do Simu Simu la do Simu la do Simu do Simu donominación Simu la do Simu lizó The Sandman juntolaado Ian Mackinnon y Colin Batty, por ellacual ganó la una a los la do Simu la do dar el salto a Estados Unidos la dopara Simuparticipar la do la do Oscar. Eso la le do permitió en Pesadilla antes de Navidad, y más adelante continuó trabajando con Henry Selick en James y el melocotón gigante y Monkeybone. También trabajó en numerosos spots publicitarios tanto en calidad de director como animador. Tenía cuarenta años.

Tortoise and the Hare, la producción en la que estaban embarcados los chicos de Aardman/DreamWorks y de la que ya os habíamos hablado en algún número anterior de Píxel, parece estar sufriendo problemas inesperados de producción, hasta tal extremo que el proyecto parece encontrarse en punto muerto de forma indefinida. Todas las personas que participaban en el proyecto se quedaron sin trabajo al no poder mantenerse las nóminas sin que el proyecto de estuviera en marcha. Según los rumores, eso podría suponer que el tan cacareado largometraje protagonizado por Wallace y Gromit podría adelantarse e iniciar su producción antes de lo previsto, ante la posibilidad de que Tortoise and the Hare, que iba a estar dirigida por Richard Goleszowski y Peter Lord, acaba perdiéndose en el limbo de los proyectos que nunca se hicieron realidad, aunque según Aardman el proyecto sólo estará parado seis meses mientras se replantean el guión, con el que estaban teniendo algún problema.

XXX

AVALON

LAS SUPERNENAS ARRASAN EN EL LIMA

A la espera de novedades respecto a Avalon, la última creación de Mamoru Oshii que mezcla imagen real y animación, os recomendamos que echéis un vistazo a la entrevista con el autor que podéis leer en la página web www.ex.org. Allí, el responsable de Ghost in the Shell repasa su carrera y deja entrever por dónde podrían ir los tiros en cuanto a futuros proyectos.

La serie protagonizada por Pétalo, Burbuja y Cactus está adquiriendo dimensiones increíbles. En la pasada edición de los Premios LIMA, uno de los más importantes dentro del mundo licenciatario, la serie creada por Craig McKraken se llevó nada menos que tres de los premios más importantes, el de Mejor Licencia del Año, Mejor Licencia Anual de Personajes y del Mundo del Entretenimiento y Mejor Licenciatario del Año, concedido por la empresa Jerry Leigh Entertainment Apparel por la colección de prendas de moda basada en los personajes de la serie. La cosa parece ir viento en popa para las súper hermanas, que están a punto de dar el salto a la pantalla grande. Por cierto que junto a estas líneas podéis ver la primera imagen del cartel promocional de la película que se ha podido ver, cuando el largometraje está todavía en pleno proceso de producción.

EL SEÑOR DE LOS ANILLOS SE PERFILA COMO UN BOMBAZO Conforme se va a cercando la fecha de estreno de La Comunidad del Anillo, la primera parte de la trilogía dirigida por Peter Jackson que adapta la obra maestra de J.R.R. Tolkien, la actividad en torno a las películas aumenta de forma progresiva. Así, además de los fotogramas del film que comienzan a brotar por doquier, pero en particular en Internet, se van añadiendo licencias de todo tipo que salen a la luz. Si hace escasos meses New Line llegaba a un acuerdo con Burger King para promocionar la trilogía, hace escasas fechas Sideshow Weta, una compañía de juguetes y complementos de alta calidad, presentó su catálogo de bustos, figuras y yelmos basados en las películas, de los que podéis ver algunas muestras junto a estas líneas. Y la cosa probablemente irá a más, en particular después del tráiler publicado hace un par de meses y los 20 minutos de metraje de la película que pasaron en el reciente festival de Cannes y que dejaron boquiabiertos a los selectos asistentes a tal evento. En cuanto a la película en sí, la postproducción parece avanzar a toda velocidad, aunque últimamente ha habido algunos cambios en el equipo de efectos, lo que ha provocado un aumento del número de planos con FX a lo largo de todo el film. De los 350 planos originales se ha pasado a 500, lo que según los rumores llevará a colaborar en la película a pesos pesados de la industria como Digital Domain y Animal Logic.

Cine

FILM ROMAN NO PARA El estudio dirigido por el incansable Phil Roman no para de involucrarse en producciones de todo tipo y condición, y a los proyectos de los que ya os hablamos en números anteriores de Píxel (Hairballs, etc.) hay que sumar otros nuevos que se han venido concretando en las últimas fechas. En primer lugar, el estudio acaba de fimar un acuerdo con Atomic Cartoons, compañía con sede en Vancouver y que entre otros ha colaborado en la producción de The Zeta Project y The Oblongs, para desarrollar Atomic Betty, una nueva serie de animación de episodios de media hora que narrará las aventuras de Attomic Betty, el alter ego imaginario e intergaláctico de una joven muchacha llamada Betty. Por ahora no hay muchas imágenes de Atomic Betty, pero por lo menos le podéis echar un vistazo al juego online en el que podéis participar en la página oficial del estudio, en atomiccartoons.com. Otro de los acuerdos a los que ha llegado recientemente Film Roman es el que llevará al estudio a crear animaciones para los episodios de la nueva temporada de The Man Show, serie que se emite por Comedy Central y en la que ya habían colaborado en alguna que otra ocasión. La compañía creará gráficos, carátulas de créditos y hasta 30 cortinillas animadas para la serie, de 5-10 segundos, protagonizadas por Uncle Phil, la mascota de los protagonistas, embarcado en actitudes tan machistas como las que vienen siendo habituales en sus dueños. Por último, Film Roman también ha alcanzado un acuerdo con la compañía RKO para utilizar su biblioteca de clásicos para crear nuevos largometrajes producidos por el estudio de animación californiano. Entre otros, Film Roman revisitará Simbad el marino, Barbanegra y El cuarto mosquetero. La iniciativa parece lo bastante interesante como para que cualquier buen aficionado a la animación se frote las manos, aunque por ahora no hay casi ninguna información más sobre este proyecto.

SERIE DE EVOLUTION

SPOTS PARA TODOS LOS GUSTOS

BETTY BOOP VUELVE A TV

Evolution, la última película de Ivan Reitman, pronto contará con una adaptación a serie de animación para televisión. Aunque por ahora se saben muy pocos detalles, la serie podría ser producida por DIC Entertainment y contaría con 26 episodios, dando comienzo justo en el momento en que acaba la película.

En alguna ocasión os hemos hablado de Comercial Closet, una página que recoge en Internet los anuncios más interesantes a nivel internacional. Pues bien, como nota curiosa, en la dirección www.commercialcl o s e t . o rg / c g i - b i n / i ow a / t h e m e s . html?theme=54 podéis encontrar una curiosa lista de spots de carácter homosexual en los que se han empleado, en un momento u otro, la animación o los efectos. Como veréis, en la lista hay temáticas (y técnicas) para todos los gustos, pero siempre con una cierta calidad...

FARSCAPE EN TV3

NATURE’S GUARD

El pasado 25 de junio se estrenó, en K3, uno de los canales autonómicos de Catalunya, la serie de ciencia ficción Farscape, de la que ya os hablamos en un número anterior de Píxel. Todavía no se sabe si la serie, que cuenta con animatronics y efectos producidos por Jim Henson’s Creature Shop, se emitirá en un futuro próximo en el resto de nuestro país. Por ahora, los telespectadores catalanes podrán seguir los 66 episodios de una hora de sus dos primeras temporadas, que se podrán ver en España, una vez más, gracias a Planeta Junior, responsable de la distribución de ¡Socorro! Soy un pez o Los hoobs, entre otros.

Ése es el nombre de una nueva serie de animación en 3D que están preparando LegendWorks y Jonathan Bryans y de la que podéis ver un pequeño corto en el CD de este mismo número. La serie está protagonizada por diversos animales antropoformizados que, agrupados en la Milicia de la Naturaleza, deben enfrentarse al malvado Imperio Arácnido, que pretende someter a todo el mundo de Forestya.

La “Reina de los dibujos animados”, como se conoció a Betty Boop en sus andanzas de los años treinta, aparecerá en la pequeña pantalla merced al acuerdo que acaban de alcanzar Fleischer Studios (creadores del personaje) y Mainframe Entertainment, una de las productoras de animación en CGI para televisión más prolíficas del mundo. De esta manera, se rescata a uno de los personajes de animación con más popularidad en todo el mundo, y que llevaba más de setenta años desaparecida por completo. Simultáneamente, King Features Syndicate preparará una fuerte campaña de licencias comerciales para reforzar el regreso a la televisión de Betty. Aunque todavía se saben muy pocas cosas sobre el argumento, al parecer la serie conservará el tono musical del original, y retratará a una Betty inmersa en una gira por los Estados Unidos.

LOCOMOTION

LA MOMIA TAMBIÉN SE ANIMA

Dos son las novedades que os recomendamos este mes en el canal Locomotion. Por un lado, Vampiros en La Habana, un largometraje animado firmado por Juan Padrón que ya se ha podido ver en algún cine extranjero. La otra es Torpedo, una película producida por Manga Films y basada en el clásico cómic de serie negra creado por Jordi Bernet y Enrique Sánchez Abulí. Ambas películas, que ya se han emitido con anterioridad en el canal por cable, se podrán ver el domingo 5 de agosto a partir de las once de la noche.

Tras arrasar en las taquillas de todo el mundo, El regreso de la momia se convertirá en una serie de animación que se emitirá en la cadena WB Kids’ a lo largo del próximo otoño. La creación de Stephen Sommers se suma así al grupo de films de reciente estreno que darán el salto a la pequeña pantalla convertidos en series de dibujos animados.

NORMA ANIMATION Y CROMOSOMA SE JUNTAN PARA TOM El estudio catalán Cromosoma y Norma Animation, junto a ocho cadenas de televisión pertenecientes a la Unión Europea de Radiodifusión (UER) firmaron un acuerdo que permitirá iniciar la producción de la serie de animación Tom. Tom se convierte así en el primer proyecto español que apoya la UER. El dinosaurio Tom, nacido originalmente del trabajo en lápiz y papel de Daniel Torres, ha alcanzado una gran popularidad en diversos países de Europa y Asia, y ahora dará el salto a la animación por partida doble: por un lado, contará con la ya comentada serie de animación, integrada por 26 episodios de media hora, y por otro lado también se adentrará en el fértil campo de Internet, gozando de una serie de 52 capítulos de 3 minutos de duración. El presupuesto que se baraja ronda los 1.700 millones de pesetas, y se prevé que la serie, ya en plena fase de preproducción, esté finalizada para el año 2003. Este exitoso acuerdo ha llevado a Norma Animation a comenzar a trabajar en un segundo proyecto, de título Fórmula Nitro, y que estará íntegramente realizada en 3D. Fórmula Nitro constará de 26 episodios de media hora cada uno, y ha sido cocreada por el propio Daniel Torres y Óscar Valiente. La serie narrará las aventuras de Leo, el campeón del mundo de Fórmula Nitro, un deporte del motor del futuro. Ya existe un piloto de 4 minutos de duración que se presentará en la próxima convocatoria del Cartoon Forum, que se celebra entre los próximos 19 y 22 de septiembre en Garmisch-Partenkirchen.

MÉDICO DE FAMILIA, EN DIBUJOS

DIC COMPRA GOLDEN

VUELVEN GUMBY & POKEY

Anima2, el estudio responsable de series de animación como Esquimales en el Caribe, Defensor 5 y ¡Qué bello es sobrevivir!, comenzará la producción, junto a la RAI Italiana, de la serie de animación de Médico de familia, una de las telecomedias más populares de los últimos años en nuestro país. La serie contará con 26 capítulos de 25 minutos y estará lista para verano de 2002. Todavía no hay ningún acuerdo con cadenas españolas para su emisión en nuestro país.

El pasado 4 de junio, DIC Entertainment anunció el acuerdo acuerdo al que acababa de llegar con Golden Books Family Enterainment, y por el cual adquiere los derechos de la línea de libros de la compañía por la friolera de 170 millones de dólares. DIC se hace así con una enorme biblioteca de más de 50.000 títulos entre los que se incluyen una extensa colección de cómics, 3.000 películas, series de televisión, especiales y cartoons. Entre ellos se encuentran Lassie, Underdog, Pat the Bunny y diversas franquicias como Frosty the Snowman, Rudolph the Red-Nosed Reindeer y Little Drummer Boy. Al parecer DIC tiene previsto mantener la distribución a nivel mundial de Golden Books, que estará presente en más de 10.000 tiendas. Una noticia muy positiva para DIC Entertainment, popular compañía de animación en cuyo extenso catálogo se encontrar productos como ¿Dónde está Carmen Sandiego? o Inspector Gadget, entre otros.

En España prácticamente no se conoce a estos dos personajes que, en Estados Unidos, son todo un clásico. Su primera aparición televisiva fue en 1957 dentro del programa Howdy Doody, y en 1966 consiguieron su propia serie en la franja matinal de los fines de semana. El animador que les dio vida, Art Clokey (en la foto), un clásico y un pionero de la Claymation en Estados Unidos, será el encargado de recuperarlos para la pequeña pantalla en una serie de clips que acompañarán a la programación de verano de la cadena ABC. La idea es utilizar la misma técnica de stop-motion de entonces y simular que los personajes han estado dormidos desde su última aparición televisiva en 1988.

BITELCHUS EN CARTOON NETWORK

XXX

El pasado 2 de julio, Cartoon Network recuperó la serie de animación de Bitelchus, inspirada en la película homónima de Tim Burton y protagonizada por un artista cachondo, travieso y un tanto excéntrico que vive en un extraño limbo, y su amiga Lidia, una niña de 12 años que vive en el mundo real. Aunque la serie se pasó hace algunas temporadas en las televisiones públicas, la verdad es que pasó bastante desapercibida a pesar de ser una serie de calidad más que meritoria y look atrevido, máxime si tenemos en cuenta su fecha de estreno (1989). Ahora, gracias a Cartoon Network, volvemos a tener la oportunidad de disfrutar de los psicodélicos fondos, los bizarros personajes y el innovador diseño de Bitelchus. De lunes a viernes a las 20:30 horas.

Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu

ANIMADRID 2001

ESTRASBURGO DIGITAL

El II Festival Internacional de Imagen Animada de Pozuelo de Alarcón-Comunidad de Madrid se celebrará entre los próximos días 10 y 15 de diciembre. El certamen contará con tres premios principales, dotados con 9.000, 6.000 y 3.000 euros respectivamente, así como con el Premio del Público Cartoon Network (otros 3.000 euros), que ya se otorgara en su primera edición, y el Premio al Mejor Cortometraje Español (1.000 euros). Podéis enviar vuestros trabajos antes del 15 de agosto a la siguiente dirección:

La primera Convención Mundial de Imágenes Digitales, que se celebrará entre los próximos 20-23 de noviembre en la ciudad francesa de Estrasburgo, pretende reunir a especialistas cinematográficos y técnicos de todo el sector, y tendrá acceso libre para el público que quiera ver los trabajos más recientes en producciones de este tipo. Para esta primera edición, se podría contar con la presencia de George Lucas, que se encuentra en la lista de 1.000 personalidades invitadas al evento. Más información en worldim.net.

ANIMADRID 2001 Patronato Municipal de Cultura. Camino de las Huertas s/n 28223 Pozuelo de Alarcón (Madrid)

BARCELONA, SEDE DEL TV FORUM

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CATALUNYA

Bernard Chevry, veterano ejecutivo fundador de Midem Organization, tiene previsto fomentar un nuevo mercado para la animación por televisión con base en Europa, y cuya primera edición se celebrará el próximo mes de febrero en Barcelona. El nombre del evento será TV Forum Europe, y su objetivo es ofrecer una plataforma exclusiva para la producción de animación del Viejo Continente. El certamen en cuestión se celebrará entre los próximos 18 y 21 de febrero en el recinto ferial Montjuic 2 de la Ciudad Condal, y aunque se basa en el concepto del MIP, trata de alejarse del mismo en el sentido de que su principal objetivo es dar salida a todos los productos continentales, que en ocasiones pueden llegar a perderse en el marasmo del MIP o el NATPE. En el evento se prepararán diversas zonas de proyección, cada una dedicada a un género de la animación: ficción, entretenimiento, documentales, etc. Además, no habrá stands promocionales, sino que cada una de las 200-300 compañías que está previsto que asistan al evento alquilarán oficinas en las que llevarán a cabo sus reuniones. Seguiremos informando sobre tan atractiva noticia.

La nueva edición del Festival Internacional de Cine de Catalunya, que como siempre se celebrará en Sitges el próximo otoño, presentará ciertas novedades en su jerarquía. Así, su nuevo director será Ángel Sala, mientras que Jordi Sánchez pasará a ser el subdirector del certamen. Por su parte, Carolina López se mantiene como directora de la sección “Anima’t”, lo que no hace sino asegurar un elevado nivel de calidad en lass piezas de animación que se pasen en el festival. Una animación que incluso llegará a asomarse de una u otra forma a la sección oficial, con productos como Avalon, Ritual (una película de imagen real del director de Evangelion, Hideaki Anno), Satorare (basada en un manga japonés famoso) o Metropolis (de Rin Taro y Katsuhiro Otomo). Algunas de estas piezas se podrán ver también en la nueva sección “Orient Express”, donde se podrá ver una buena cantidad de cine asiático de elevada calidad. En lo que respecta al “Anima’t” propiamente dicho, contará con un especial dedicado a los los hermanos Quay, una pareja de gemelos que practican una de las variantes más vanguardistas de stop-motion. Además, podremos asistir a una exposición de trabajos de Aardman, incluyendo una panorámica de algunos de sus cortos menos conocidos. En cuanto a largometrajes se refiere, se pasarán entre otros Mutant Aliens (el último film de Bill Plympton) y Mis vecinos los Yamada (de Isao Takahata), mientras que en la sección de cortometrajes, se pasarán Eat (también de Plympton), Strange Invaders (de Cordell Baker), Hasta los huesos (de René Castillo), Intolerance, Hubert’s Brain (el corto en 3D de Wild Brain) y Pika Passionata (que ganó el premio al Mejor Morto en Cannes). Por último, Cartoon Network rendirá un homenaje al recientemente fallecido William Hanna.

LOS NOMINADOS AL CARTOON FORUM Entre los próximos 19 y 22 de septiembre de 2001 se celebrará la próxima edición del Cartoon Forum, que en esta ocasión tendrá como escenario la ciudad alemana de Garmisch-Partenkirchen, al pie de los Alpes bávaros. Como siempre, en el certamen se presentarán numerosos proyectos en busca de un presupuesto de producción. Entre otros muchos, desde España se presentarán algunos proyectos, entre los que se encuentran (salvo modificación inesperada de última hora) El bosque animado (de Dygra), Fórmula Nitro (de Norma Animation), Ambi and Lance (de Neptuno), Cloud Trotters (Pausoka), Goomer (Filmax), Mimi and the Gang (M.B.) o Motel Spaghetti (Cromosoma). También se han dado a conocer hace escasas fechas los cinco trabajos nominados al galardón Cartoon d’Or. Los afortunados son Au Premier Dimanche D’août (de Florence Miailhe), Chicken Kiev (del alemán Thomas Stellmach), la ganadora del Oscar Father and Daughter, de Michael Dudok de Wit, Lovebirds de Trylle Vilstrup, y por último Ring of Fire, del alemán Andreas Hykade. El ganador será anunciado en la clausura del Cartoon Forum, el mismo 22 de septiembre, y recibirá importantes ayudas económicas para la preproducción de un nuevo proyecto más ambicioso, sea un largometraje o un especial para televisión. Entre los ganadores más recientes se encuentran Nick Park, con su Creature Comforts y con The Wrong Trousers, Miguel Ribeiro con A Suspeita o el propio Dudok de Wit, que ya logró el galardón con su trabajo anterior, The Monk and the Fish.

Cortos y festivales

CINANIMA 2001

CINE INFANTIL EN CHICAGO

El Festival Internacional de Cinema de Animaçao de Espinho (Portugal) se prepara para celebrar de una manera especial su edición número 25, que tendrá lugar entre los días 5 y 11 de noviembre. Habrá numerosos premios para las diversas categorías en película y vídeo: cortos, largos, opera prima, genéricos y publicidad, didáctico y educativo y series de TV. El Gran Premio consta de un trofeo, un diploma y un premio en metálico de 3.800 euros. Las películas se deben presentar antes del 1 de agosto de 2001, y debéis enviarlas a la siguiente dirección:

Entre el 25 de octubre y el 4 de noviembre se celebrará el 18th Annual Chicago International Children’s Film Festival, uno de los más importantes en su especialidad. El festival acepta películas para público infantil de hasta 13 años, tanto en imagen real como animación y documental, en tres categorías: películas, vídeos y series de TV. Más información en el recuadro de esta página.

CINANIMA Rua 62, 251 Apartado 743 4500.901 Espinho Codex (Portugal) www.cinanima.pt

CARTOON EN BENICASSIM

FESTIVAL DE GRANADA

LA RÉSIDENCE

Aunque el Festival Internacional de Benicàssim a priori no tiene demasiado que ver con la animación, este año es notoria la participación de Cartoon Network en el transcurso del mismo, que emitirá a spots y originales de la cadena a través de pantallas gigantes situadas junto al escenario durante los conciertos más importantes. También prepararán diversas actividades extramusicales a lo largo de todo el festival, que tendrá lugar los días 3, 4 y 5 de agosto próximos. Música y animación, una mezcla explosiva...

La octava edición del Certamen Internacional de Cortos de Granada se celebrará en la ciudad andaluza en el mes de octubre de este mismo año, con una segunda edición en abril del año próximo. Entre las categorías a competición hay una de piezas de animación, que contará con un premio dotado de 500.000 pesetas. Podéis enviar vuestros trabajos antes del 31 de agosto. Más información en la dirección de correo electrónico festcinegr@jazzfree.com o en la página web filmfest-granada.com.

Acaba de convocarse la 8ª edición de las becas de La Résidence de los estudios Folimage de Valence, en el sur de Francia, para la producción de films de animación de autor. Se trata de presentar un dossier (con currículum, filmografía, etc.) que incluya un proyecto para la realización de un cortometraje de animación. El candidato deberá saber francés o inglés. Los dos elegidos realizarán su película en los estudios Folimage durante un tiempo máximo de ocho meses, beneficiándose de un salario mensual neto de 8.000 francos franceses. Los dossiers deben enviarse antes del próximo 15 de octubre. Aquí tenéis los datos:

SICAF 2001

XXX

Entre los próximos 11 y 19 de agosto se celebrará en Seúl (Corea) la sexta edición del Festival Internacional de Dibujo y Animación, el SICAF. En la edición de este año destacan una retrospectiva de los trabajos más interesantes realizados en stop-motion a lo largo de estos últimos años, diversas exposiciones y conferencias. Además, se otorgarán diversos premios de lo más jugoso en diversas categorías (Gran Premio, Mejor Director, Premio del Público, etc.), tanto para largometrajes como cortometrajes, series de televisión y trabajos realizados por estudiantes. También se incluye un Premio al Mejor Piloto para una serie por Internet, algo cada vez más frecuente en este tipo de festivales. Podéis encontrar más información sobre el festival en la página sicaf.or.kr

PRÓXIMOS FESTIVALES WORLD ANIMATION CELEBRATION

Fecha: 7-12 de agosto Fecha límite entrega trabajos: 11 de junio Tel: (818) 575-9615 Fax: (818) 575-9620 E-mail: wacfest@aol.com Website: www.wacfest.com

SIGGRAPH

Fecha: 12-17 de agosto Fecha límite entrega de trabajos: Según categoría, consultar página web Telf.: 1.312.321.6830 Fax: 1.312.321.6876 E-mail: registration@siggraph.org Website: helios.siggraph.org

CORTOS FANTÁSTICOS DE SANTS

Fecha: 30 de septiembre Fecha límite entrega: 10 de septiembre Telf.: 93.431.49.11 Fax: 93.296.41.26 E-mail: marato@xarxa3.org

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INFANTIL DE CHICAGO

Fecha: 25 de octubre-4 de noviembre Telf.: 773.281.9075 Fax: 49 511.39.30.25 E-mail: kidsfest@facets.org

INTERNATIONAL STUDENT ANIMATION FESTIVAL (OTTAWA)

Fecha: 18-21 de octubre Fecha límite entrega de trabajos: 1 de julio Tel: 613-232-8769 Fax: 613-232-6315 E-mail: safo@ottawa.com Website: www.awn.com/ottawa/safo01/

UP AND COMING (HANNOVER)

Fecha: 31 de octubre-4 de noviembre Fecha límite entrega trabajos: 1 de agosto Telf.: 49 511.66.11.02 Fax: 49 511.39.30.25 E-mail: info@up-and-coming.de Website: www.up-and-coming.de

FOLIMAGE Simu la do Simu la do Simu la do Simu la 6 doallée SimuJean la doBertin Simu la do Simu la do Simu 26000 Valence la do Simu la do(Francia) Simu la do Simu la do Simu Teléfono: 75.78.48.68 la do Simu(33-4) la do Simu la do Simu la do Simu Fax: la do(33-4) Simu la75.43.06.92 do Simu la do Simu la do Simu E-mail: folimage@wanadoo.fr la do Simu la do Simu la do Simu la do Simu

BIENNAL ESPORTIVA

Fecha: 7-9 de noviembre Fecha límite entrega trabajos: 10 de octubre Telf.: 93.426.06.06 Fax: 93.426.92.00 E-mail: fbo@fundaciobarcelonaolimpica.es Website: ww.fundaciobarcelonaolimpica.es /cat/sub3C_d.htm

FESTIVAL DE ESPINHO

Fecha: 5-11 de noviembre Fecha límite entrega trabajos: 31 de agosto Telf.: 351.22.733.13.50 Fax: 351.22.733.13.58 E-mail: cinanima@mail.telepac.pt

LEAF

Fecha: 13 de noviembre Fecha límite entrega de trabajos: 21 de septiembre Tel: 20 8987 0941 Fax: 20 8987 0901/40 E-mail: strainor@advanstar.com Website: www.digmedia.co.uk/leafwards

Cortos y festivales

HOMENAJE A ALEXEIEFF Uno de los más esperados eventos del pasado Festival de Annecy fue la retrospectiva-homenaje dedicada a Alexandre Alexeieff (19011982), el maestro ruso-francés creador de la técnica de animación con pantalla de alfileres, con motivo del centenario de su nacimiento. Durante el Festival, además de proyectarse sus cortos realizados con dicha técnica, como por ejemplo Une nuit sur le Mont Chauve( 1933), En passant (1943) o Tableaux dúne exposition (1972), entre otros, y de consagrársele una exposición que abarcaba tanto su obra cinematográfica como su actividad como ilustrador de grabados para libros, se presentó el libro Alexeieff: Itinéraire dún Maître, integrado por una serie de hasta 14 ensayos dedicados al cineasta, escritos por otras tantas personas; entre ellas se encontraba otro gran nombre de la animación rusa, Yuri Norstein, y también la propia hija de Alexeieff, Svetlana, yendo el prólogo y la coordinación del volumen a cargo del especialista italiano Gianalberto Bendazzi. Bendazzi (Rávena, 1946) lleva cerca de 30 años escribiendo sobre la animación. En 1974 lanzó Topolino e poi (Mickey y después), su primer intento de crear una historia mundial de la animación. Un objetivo que lograría con éxito al presentar en 1988 Cartoons, sin duda el más completo, hasta la fecha, repaso histórico a nivel global del tema que nos ocupa. Además de la edición original en italiano, Cartoons ha tenido ediciones en inglés y francés (¿para cuándo en castellano?). Entre los proyectos futuros de Bendazzi se encuentra la coordinación de un libro dedicado a la música y el sonido en la animación, a base de ensayos a cargo de 26 críticos, así como una obra dedicada al genio de la U.P.A., Robert Cannon. Bendazzi, además de ser historiador y experto en cine de animación, lo es también en cine cómico, habiendo escrito monografías sobre Mel Brooks y Woody Allen. Volviendo al libro sobre Alexeieff, éste consta de 320 páginas (16 de ellas en color), con texto bilingüe en francés e inglés, está profusamente ilustrado y complementado con filmografía, bibliografía con los libros que ilustró, nomenclatura de las pantallas de alfileres que llegó a emplear y cronología de su vida. Lo edita Dreamland, en coedición con el Centre International du Cinéma dÁnimation y la Cinemathèque Française, a un precio de 53,38 euros.

DVD XXX DE SCOOBY-DOO POR PARTIDA DOBLE

MARCO ANTONIO EN DVD

Scooby-Doo Simu la do Simu y los invasores la do Simualienígenas la do Simuy la Los grandes misterios de Scooby-Doo son los títulos de dolos Simu doslaDVDs do Simu protagonizados la do Simu lapor doelSimu perro más miedoso de la televisión que se han puesto alaladoventa Simu en la do nuestro Simu lapaís do Simu en estos la do Simu últimos meses. Mientras que el segundo la do Simu incluye la do Simu cincolaepisodios do Simu la dedolaSimu serie de televisión, además de algunos la do Simu vídeos la domusicales Simu la doy Simu diversas la do canciones, Simu el primero está integrado la do porSimu un especial la do Simu de larga la doduración Simu la do enSimu el que Shaggy, Scooby y el resto de la do losSimu protagonistas la do Simudela la doserie Simuse la do lasSimu tienen que ver con unos alienígenas la do Simu de lolamás do Simu siniestro. la doEste Simu DVD la do incluye Simu un documental sobre cómo se la do hizoSimu el especial la do Simu y, allaigual do Simu que Los la do grandes Simu misterios de Scooby-Doo, ofrece la do Simu una selección la do la dode canciones y vídeos musicales. Para noviembre está prevista la publicación de un tercer DVD protagonizado por el sabueso, que llevará el título de Scooby-Doo en la isla de los zombis. Los dos DVDs a la venta tienen un precio recomendado de 2.995 ptas.

Marco Antonio: Rescate en Hong Kong, uno de los largometrajes de animación españoles nominados a la última edición de los Premios Goya, se puso a la venta en vídeo y DVD el pasado 17 de julio. El DVD tiene un precio de 2.995 pesetas, y la verdad es que además de la película incluye un buen número de extras interesantes para cualquier buen aficionado a la animación, entre los que se encuentran diseños, una secuencia narrada con storyboards e incluso la versión de la película que incluye el comentario en audio del director del film, algo que se había visto en contadas ocasiones en DVDs españoles. También se incluye una galería de imágenes, el tráiler cinematográfico y las demás opciones habituales. Muy recomendable.

THAT’S ALL FOLKS

ÉCRIRE L’ANIMATION

El 21 de agosto, Rhino Records pondrá a la venta en Estados Unidos un doble CD con un buen puñado de las más famosas composiciones que realizó Carl Stalling para los Looney Tunes de Warner Bros. El paquete incluirá también un libreto con ilustraciones inéditas y ensayos sobre la animación de Warner Bros. Más información en rhinorecords.com

Existen ya en el mercado varios manuales sobre cómo animar, pero hasta la fecha faltaba todavía un libro que enseñase a hacer guiones para los productos de animación. Por ello resulta gratificante la reciente aparición, en el vecino país galo, de Écrire l’animation, una obra editada por la AFCA (Association Française du Film d’Animation), cuyas 112 páginas ofrecen diferentes textos orientativos para los aspirantes a guionistas de películas de animación, incluyendo un dossier técnico a cargo de Hoël Caouissin, veterano guionista que ha participado en diversas series, el texto íntegro de un debate sobre el tema organizado por la AFCA en París en mayo de 2000, Simu la do Simu consejos la do Simu yla dido recciones Simu la do útiles, Simu etc.doMuy recola Simu la do mendable para Simu la do Simu losdo queSimu aspiráis a la la do hacer vuestros piSimu la do Simu nitos guiola do como Simu la do nistas lay os aSimu do las Simu rregléis conla do el la do Simu francés. MásSimu inSimu la do formación la do Simuenla afdo ca.asso.fr Simu la do Simu

ATOM FILMS Las cosas no parecen ir bien para los portales de cortos en Internet. Uno de los más sólidos hasta el momento, Atom Films, acaba de anunciar el cierre de tres de sus oficinas (las de Londres, Los Ángeles y Nueva York), lo que supondrá la desaparición de entre 120 y 170 puestos de trabajo. Aunque todavía no se han dado demasiadas explicaciones, al parecer el principal motivo que ha llevado a este cierre es el alarmante descenso que ha sufrido la publicidad por Internet, que era una de las principales fuentes de ingreso de Atom Films.

Multimedia

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“CERO EN CONDUCTA” En su novena edición, el Centro Galego de Artes de Imaxe celebró durante el mes de julio en A Coruña los Seminarios y Talleres de Imagen “Cero en conducta”. Entre dichos talleres hubo dos en concreto dedicados a la animación: “Utilización de tecnología 3D en una producción de animación”, impartido por Juan Nouche, y “Animación de personajes y Character setup”, por Daniel Martínez Lara, padre del inefable Pepe. Ambos se impartieron entre el 9 y el 13 de julio en colaboración con la Universidad de A Coruña.

LA RESISTENCIA SE HACE FUERTE Ya os hemos hablado en otros números de la adaptación animada de Fanhunter, la obra más conocida del popular autor de cómics Cels Piñol. Poco a poco parece que el proyecto va tomando forma, y es posible que los capítulos de la serie para Internet puedan verse en la página unetealaresistencia.com en octubre de este mismo año, e incluso es posible que también puedan verse simultáneamente en alguna otra web de bastante prestigio. En un principio la serie constará de 52 capítulos de un minuto y medio de duración, aunque todavía se está barajando la opción de producir, algo más adelante, una serie de televisión que contaría con 26 episodios de 26 minutos de duración cada uno. Tal es la expectación que ha despertado el proyecto que incluso competirá en la World Animation Celebration, que se celebrará este mismo mes de agosto. El proyecto, del que el propio Piñol es el guionista, está siendo producido por Merlinwebtv, grupo que pertenece al estudio vasco Merlín Animación, que parece vivir una buena época, pues incluso tienen previsto abrir próximamente nuevas oficinas en su sede de Bilbao. Por último, también está previsto realizar un videojuego basado en Fanhunter, que supuestamente aparecerá en primavera del año 2002.

EL SUPERMAN CLÁSICO, EN DVD

LOS SIMPSON EN DVD

ASIFA NEWS

Suevia Films acaba de poner a la venta en nuestro país un DVD que recopila ocho episodios de la serie de animación clásica de Superman, realizada por Max Fleischer durante los cuarenta. Su económico precio supone otro atractivo para hacerse con esta joya: podéis comprarlo por unas 1.695 pesetas aproximadamente.

Ésta es la revista informativa de ASIFA Internacional, una publicación trimestral que inicia una nueva época desde su nueva sede en Ottawa (Canadá), después de haber tenido redacciones en la República Checa, Bélgica e Italia en sus andaduras anteriores. La publicación propiamente dicha está destinada a los socios de la Asociación Internacional del Film de Animación. En este número, entre otras cosas, podemos encontrar una reflexión sobre el estado actual del cine de animación y una retrospectiva en recuerdo de Alison de Vere, recientemente fallecida. Para más información, podéis contactar con ASIFA en la siguiente dirección:

La frustrada aventura en Internet de Stan Lee sigue dando que hablar, ya que recientemente un jurado federal ha considerado culpables de fraude de seguridad a cuatro de sus máximos responsables, entre ellos Peter Paul, uno de los cofundadores de la compañía. Al parecer, los culpables compraban acciones de SLM a través de cuentas secretas para aumentar el precio en bolsa. Las penas por tales delitos podrían alcanzar los cinco años de cárcel y una multa de 250.000 dólares (algo menos de 50 millones de pesetas).

La familia más famosa de Springfield sigue en el candelero, y constantemente se suceden las noticias relacionadas con la creación de Matt Groening. Así, Fox Home Entertainment está a punto de poner a la venta un DVD en Estados Unidos que recopila toda la primera temporada de la serie, además de unos cuantos extras de lo más jugoso, como tomas falsas y descartadas o algunos reportajes que se han dedicado a la familia en diferentes cadenas de todo el mundo. Por si eso fuera poco, también se incluirán en el DVD los cortos originales que aparecieron en The Tracey Ullman Show y un episodio inédito. Si tenéis un reproductor multizona podéis pedirlo a través de alguna tienda electrónica a partir del próximo 25 de septiembre (vale unos 40 dólares). De lo contrario, no desesperéis, porque según los rumores, Fox España también tiene previsto publicar para esas mismas fechas un DVD con una parte de los episodios de esa primera temporada, aunque por ahora no hay nada decidido. Seguiremos informando...

102 DÁLMATAS, EN VÍDEO Y DVD

DVD DE LAS SUPERNENAS

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El pasado 20 de junio se puso a la venta en nuestro país, en vídeo y DVD, la película 102 dálmatas de Disney. El film, protagonizado por Bocazas el loro y Blanquita la dálmata, tiene un precio recomendado de 2.995 pesetas en vídeo y 3.995 pesetas en DVD, y cuenta, entre otros, con la participación de Glenn Close.

Los aficionados españoles a Las Supernenas estamos de enhorabuena, ya que para cuando leáis estas líneas debería haber aparecido un DVD de la serie, de la mano de Warner Home Video. En el DVD podría incluirse un episodio inédito de la serie, y su precio rondará las 3.000 pesetas.

STAN LEE MEDIA SIGUE COLEANDO

ASIFA 2 Daly Avenue, Suite 120 Ottawa, Ontario KIN 6E2 (Canadá) E-mail: robinson@asifa.net Igualmente, acaba de aparecer el nº22 del boletín informativo de ASIFA-Catalunya, correspondiente a junio-julio, que fue presentado en el Museo del Cine de Girona en el marco de la sesión de ASIFA-Catalunya que se llevó a cabo allí. El boletín contiene 24 páginas en catalán y castellano y, entre otros contenidos, destacan un artículo retrospectivo sobre los hermanos Fleischer publicado en 1937 y un reportaje dedicado Massana, pionero delSimu cine de Simu alaSerra do Simu la do Simu la do la animación publicitario en Catalunya.

Multimedia

LA AMENAZA FANTASMA, POR FIN EN DVD

MESAS PARA DIBUJAR

Después de que los aficionados a la saga de George Lucas se hayan mordido las uñas durante los últimos meses a la espera de la publicación en DVD del Episodio I, la espera ha terminado. El 8 de noviembre se pondrá a la venta en todo el país el DVD de La amenaza fantasma, en un paquete formado por dos discos que incluirán la friolera de seis horas de material adicional. Entre ellas, se incluirá un documental con los mejores momentos del rodaje, una versión comentada por George Lucas de toda la película y un seguimiento del proceso de creación de escenas, desde los storyboards y animáticas iniciales hasta las composiciones finales. Evidentemente, todo el material estará masterizado digitalmente con el sistema THX.

Aquí tenéis una buena noticia si sois aficionados al dibujo. La empresa Technique & Fashion ha comenzado a comercializar en nuestro país diversos modelos de mesas y pantallas de luz para dibujar sobre ellas sin ningún problema. Las hay de diversos tamaños (DIN-A3, DIN-A4, DIN-A5) y formas (portátiles, extraplanas, circulares, etc.), y en concreto existe una pantalla rotatoria que resulta ideal para trabajar con dibujos y animaciones. Entre otras cosas, cuenta con un disco de 3 cm de grosor, luz fría y un cable integrado que se puede manipular con gran libertad. Podéis pedir más información llamando al teléfono 93.725.95.09, o bien enviando un mensaje a la la dirección correo Simu do Simude la do Simu info@technila do Simu la queandfashion.com do Simu la do Simu la do Simu la do Simu

MONKEYBONE

JONU

El último film de Henry Selick está a punto de aparecer en DVD en Estados Unidos, en una edición realmente jugosa que incluirá hasta once escenas modificadas respecto a las que aparecieron en cine. En España habrá que esperar algo más, pues el film saldrá para alquiler en septiembre, pero no se pondrá a la venta hasta mayo de 2001.

Ése es el nombre de una nueva compañía que distribuirá cintas de vídeo de animé. Sus dos primeros lanzamientos serán Cardcaptor Sakura y Jin-Roh, que se pondrán a la venta coincidiendo con el Salón del Manga de Barcelona, que se celebrará los días 26 al 28 de octubre de este mismo año. Aunque todavía no han anunciado ningún otro título, tienen la intención de ir publicando en nuestro mercado títulos interesantes que, por un motivo u otro, han ido a parar al limbo de los animé. Una buena noticia para los otakus.

BLOOD EN VÍDEO Y DVD... EN USA

X-MEN EVOLUTION, EN VÍDEO

PÁGINA DEDICADA A GLEN KEANE

Aunque por ahora nadie ha dicho esta boca es mía respecto a la publicación en España de Blood: The Last Vampire, si sois fans de este animé podéis esperar al 28 de agosto y pedirlo a Estados Unidos. Crucemos los dedos y esperemos que pronto podamos gozar en castellano de uno de los últimos trabajos de Production I.G.

Fox acaba de poner a la venta dos cintas de vídeo que recopilan cada una tres episodios de la serie de televisión X-Men: Evolution, que se publica directamente en vídeo después de no emitirse por ningún canal en España (por ahora, claro). Las dos cintas llevan por subtítulo Días Explosivos y Extraños Cambios.

Para los aficionados a la animación en general y al animador Glen Keane en particular, os recomendamos que visitéis la dirección www.iespana.es/theartofglenkeane, donde podréis encontrar todo tipo de datos relacionados con Keane: bocetos, dibujos, biografía, links, etc. La página ha sido creada por el español R. Andrés, y está íntegramente en castellano.

TINTÍN EN DVD Poco a poco, parece que el boom del DVD en nuestro país va permitiendo la aparición en el mercado de productos menos habituales. Así, si hace poco era Astérix el que daba el salto al mundo animado de la mano de Filmax, con productos como Astérix en Bretaña o Astérix y Cleopatra, entre otros, hace pocas semanas ha sido Selecta Visión la que ha comenzado a comercializar una colección de DVDs protagonizados por la inmortal creación de Hergé. La colección está formada hasta ahora por cinco discos (Los cigarros del faraón, El cetro de Ottokar, La oreja rota, La isla negra y El loto azul), que recopilan otras tantas historietas, pero está previsto que se publiquen hasta un total de 21 volúmenes. Cada DVD tiene un precio recomendado de 3.495 pesetas, y además de la película propiamente dicha, contienen algunos extras interesantes, como el “Tintinólogo” (donde puedes demostrar tus conocimientos sobre el mundo de Tintín respondiendo a las preguntas que te hacen), la galería de personajes más famosos de la obra de Hergé y algunos documentales sobre la historia de Tintín y su repercusión en el mundo del cómic.

Multimedia

XXX

ICE AGE

BRYCE 5

En el CD de este mismo número podéis encontrar el primer tráiler de Ice Age, la película íntegramente hecha en 3D en la que está trabajando en la actualidad Fox. De hecho, no se trata exactamente de un tráiler de la película, sino más bien de un corto protagonizado por un eléctrico zorro polar y su bellota, ambientado en el mismo mundo que la película, pero que no aparecerá en el metraje final, pues se trata de un producto “independiente”. El largometraje estará dirigido por por Chris Wedge, ganador del Oscar al Mejor Corto de Animación por Bunny, y producido por el estudio neoyorquino Blue Sky. Tras quedar embelesados ante el talento y desparpajo del tráiler, coincidiréis con nosotros en que, si la versión final de Ice Age tiene la misma calidad, supondrá una rotura con la “estética 3D” tal y como la concibe ahora mismo mucha gente, que es ni más ni menos que con un look parecido a Toy Story o Final Fantasy, ya que Wedge y su equipo parecen haber conseguido una estética, a medio camino entre el cartoon más puro y el fotorrealismo, que tiene un encanto innegable. Lamentablemente, todavía tendremos que esperar un poco para salir de dudas, pues la película no tiene previsto su estreno hasta marzo del año que viene.

Corel acaba de anunciar Bryce 5, la última versión de su programa de animación y creación de paisajes 3D. Disponible para Macintosh y Windows, el programa debería haber salido a la venta a finales de julio. Además, Bryce 5 será la primera aplicación de Corel diseñada específicamente para el nuevo OS X de Macintosh, aunque en los próximos meses se le irán sumando nuevos productos. La nueva versión de Bryce incluye un render más rápido y la opción de crear imágenes, paisajes y modelos de calidad fotorrealista, así como la introducción de las funciones Tree Lab, mediante la cual se pueden crear árboles orgánicos, y Light Lab, que permite controlar de forma más directa la dirección, intensidad y tono de la iluminación. Más información en la página www.corel.com.

CHESSMATE

JIMMY NEUTRON

La pequeña productora catalana Pixel in Motion está últimando una serie de acuerdos con empresas del sector para empezar la preproducción de Chess Mate, una serie de 26 capítulos de 26 minutos en 3D. La serie, de la que se sabe muy poco, será para adultos y narrará las aventuras y desventuras de un curioso mundo donde habitan las figuras del ajedrez. En breve habrá más infomación en su página, pixelinmotion.com.

En el CD de este número de Píxel podéis encontrar el primer tráiler de la película en animación 3D Jimmy Neutron: Boy Genius que están produciendo Nickelodeon Movies y Paramount Pictures, y que supone una de las apuestas más fuertes del canal de animación por cable. Dirigida por Steve Oedekerk, la película ya se había promocionado hace algunos meses con cortos protagonizados por el personaje anteriores al film, pero ésta es la primera ocasión en la que podemos disfrutar de metraje original que aparecerá en la versión final del film. Podéis encontrar tanto el tráiler oficial como los susodichos cortos, así como algunos juegos interactivos, en la página oficial de la película, jimmyneutron.com

MAYA PARA TODOS LOS GUSTOS Maya, el gigante de Alias/Wavefront, está de moda gracias a diversos plug-ins y novedades relacionadas que se han ido produciendo en las últimas fechas. Quizá la noticia más importante de todas sea la comercialización de ToonShader, un plug-in creado por Toon Boom Technologies, empresa de gran relevancia en el software de creación de dibujos animados en 2D. ToonShader es un módulo de su propio software, USAnimation, que permite renderizar un modelo 3D en vectores, incluyendo líneas, rellenos, brillos y sombras. El programa está distribuido en nuestro país por SGO, que también se encarga de la distribución de todo el software de Alias/Wavefront y otros paquetes relacionados, y que desarrolla y comercializa a nivel mundial el software Jaleo. Por otro lado, recientemente se anunció que la propia Alias/Wavefront había llegado a un acuerdo con Mental Images, creadora de Mental Ray, para trabajar conjuntamente con ella para desarrollar una opción de render de Mental Ray utilizable con Maya, lo cual no deja de ser una magnífica notica, pues Mental Ray es uno de los renders más utilizados en el sector de la creación de contenidos digitales y CAD.

...EL SECTOR

FERNANDO GABRIEL YACHE Fernando Gabriel Yache es un animador argentino que trabaja desde hace año y medio en China. El siguiente es un breve resumen de su puño y letra sobre las circunstancias con las que se ha encontrado allí, y puede servir como buen ejemplo de las vicisitudes que deben afrontar los cada vez más abundantes animadores que deben abandonar su país de origen para ganarse la vida.

a primera pregunta...

...que me hacen cuando conozco a alguien en una fiesta, una discoteca, un festival de animación o por la calle es: "¿Qué hace un argentino en China?”. A veces eso mismo es lo que me pregunto yo, qué hago aquí, tan lejos de mi país y mi familia, y la respuesta es una sola: la animación, mi profesión. Comencé a trabajar como dibujante de cómics y animación a los 16 años y hasta mis recién cumplidos 25, sigo dedicándome a lo mismo, habiendo pasado la mayoría del tiempo en Argentina, luego trabajando en los Estados Unidos y, desde hace más de un año y medio, en China como supervisor de animación para producciones francesas y españolas. Actualmente trabajo como artista de storyboard para diferentes producciones europeas. No es fácil para un extranjero estar en China, especialmente siendo tan joven, pero sin embargo es una de esas experiencias que uno recordará de por vida. Hay buenos momentos y de los otros, tanto en la vida personal como en la profesional. Uno de los retos más duros es la lejanía de la familia y el hecho de estar en un lugar tan diferente, donde la primera palabra que uno aprende es "meo" (o algo por el estilo), que significa "no hay” o “no tengo". Los meses me han enseñado que es la primera palabra que te dice un animador cuando le pides la tan atrasada y prometida escena para chequear. La clásica risita histérica entre un grupo de mujeres chinas cuando uno va al restaurante y no entienden ni una sola palabra de lo que uno está pidiendo (y vaya uno a saber lo que están diciendo de ti), o cuando un taxista se me pone a hablar en chino y yo en español, porque

El sector

ni me molesto en hacerlo en inglés si al fin y al cabo nunca me va a entender; así podría mencionar un sinfín de anécdotas que quedarán grabadas en mi memoria hasta el día que deje este lugar. Aún me quedan muchas por vivir, algunas tan sorprendentes que tendría material suficiente para escribir un libro sobre este curioso y extraño lugar, sobre todo para un extraterrestre como yo, que estoy a más de veinte mil kilómetros de mi planeta de origen. Cuando voy caminando por la calle, la gente me mira como si fuera E.T. y me saludan con el ya famoso y clásico "Hallo!!!". No voy a negar que al principio para mí fue un shock haber llegado a China y ver todos los ojos puestos en mí, algo de lo más extraño que había experimentado en mi vida... pero cuando voy a Argentina nadie me mira, así que al menos aquí hacen que me sienta importante. Otro clásico de los chinos hacia los extranjeros tiene lugar cuando llegas como nuevo integrante del equipo y te llevan a un restaurante de esos enormes, bulliciosos, con peceras por todos lados y animales en jaulas... Allí viví otro de esos shocks, porque por lo general, cuando diez minutos después de pedir, llega el pato o el conejo que querías (o alguna otra cosa), sientes los ojos de los demás mirándote mientras mueves los palitos chinos para coger un trozo de comida y llevártelo triunfalmente a la boca. "¿Qué es esto?”, pregunté yo varias veces al principio. "Cómetelo", me decían, hasta que lo hice y luego me dijeron que era una serpiente. Por supuesto, debía sonreír (aunque no me hubiera gustado el bocadillo), para que todos mis colegas estuvieran felices porque lo que habían pedido era de mi gusto. El tráfico aquí es otra cosa a la que no sabes si sobrevivirás o no. Al menos cuando estuve en Nanjing (a cua-

Nunca me imaginé que el dibujo animado me llevaría tan lejos: Filipinas, Corea, Hong Kong, China, Estados Unidos y un poco de Europa... es curioso, porque hace dos años nunca se me habría cruzado por la cabeza que estaría aquí, y sin embargo el destino actúa muchas veces de forma que uno no se espera y aquí estoy, desde hace ya más de año y medio, trabajando y creciendo como profesional y en mi vida personal. Día a día uno aprende cosas nuevas, desde cómo manejar gente en una producción, nuevos trucos en la animacion, cómo convivir con gente que procede de una cultura diferente, o incluso cómo manejar los problemas emocionales, que son los mas difíciles de llevar para un extranjero aquí... a menos que encuentres compañía local, en cuyo caso las cosas cambian (no en mi caso, por ahora). Mi mayor crecimiento lo veo, profesionalmente, en mi forma de dibujo: maduré mucho mirando y corrigiendo el trabajo de otros, observando linetests día a día, aprendiendo de los que saben más que yo, y dándome cuenta solo de muchas cosas que nunca había aprendido antes y que de repente te encuentras delante tuyo, y que debes buscar la forma de resolver solo, solo ante el papel y un lápiz... Emocionalmente y como persona también crecí y cambié mucho. Estar lejos del manto de protección de papá y mamá ayuda a que uno madure a la fuerza y

©Rafa Hidalgo y Luis Bustos

tro horas de Shangai), no sabía quiénes me matarían primero, si las escenas que veía diariamente o el tráfico antes de llegar al estudio. Entre los coches particulares, taxistas, camiones, unos extraños cacharros a motor que uno se pregunta cómo sobreviven y los ciclistas, forman una imagen ante la que los Wacky Racers de Hanna Barbera no son nada en comparación. Un día me puse en una esquina a analizar la situación: había cinco avenidas que confluían en una esquina, con 20 luces de semáforos para manejar todo el tráfico... y después dicen que las ideas para hacer dibujos animados se han agotado. La cantidad de jugosas experiencias en Nanjing son innumerables, desde ver a cuatro tipos en bicicleta acarreando un enorme toldo con un cartel publicitario por la mitad de una avenida y frenando todo el tráfico, hasta ver al hombre heno (un diminuto hombrecito llevando en su bicicleta un fardo de heno gigantesco), el hombre planta (el mismo caso pero con una planta tipo palmera), el hombre garrafa (cuatro garrafas colgadas a los lados y el pobre hombre pedaleando cuesta arriba), etc. Si deseáis saber más lo único que debéis hacer es coger el avión a Nanjing y llevar la cámara de fotos... no os arrepentiréis. que cuando te golpeas aprendas a silenciar el dolor, y a no dejar escapar las lágrimas hasta que te sientas mejor. Aprendí a acostumbrarme a echar de menos a mi familia, amigos y país... cuesta mucho, no es fácil y lleva su tiempo, pero cuando lo logré me di cuenta desde que estaba preparado para afrontar retos difíciles de superar de los que sólo la fuerza personal y el valor te permiten salir triunfante. Cuando era pequeño me pasaba el tiempo dibujando, y así he seguido hasta el día de hoy. Mi sueño era trabajar para Disney, y aunque lo hice (pero no como dibujante), lo que he hecho ha ido mucho más allá de lo que nunca habría imaginado: ha sido como recorrer el mundo con un lápiz y un papel, como Aladdin en su alfombra mágica, algo que nunca se me había cruzado por la cabeza hasta que cogí el primer avión para Estados Unidos y tuve frente a mí el castillo de Cenicienta, el lugar en el que había soñado estar toda mi vida, en Disneyworld... Desde ese momento, todos los años regreso a un parque Disney para recargar mis energías y seguir con mis sueños y fantasías que quién sabe adónde me llevarán en el futuro, o cómo me llevarán a acabar esta maravillosa historia que comenzó con un lápiz y un papel.

Fernando Gabriel Yache

El sector

LMN’S

LMN’s (pronunciado a la inglesa, “Elements”) es la primera serie de la productora española Tons of Toons, de reciente creación. La serie, de carácter educativo, narra las aventuras de Chip, un inteligente niño que acaba en el Micromundo, un extraño universo poblado por moléculas y átomos.

ons of Toons tiene...

...sede en el pequeño y turístico pueblo catalán de Ampuria Brava, y fue creada a principios del año 2000 como una clara apuesta de futuro por parte del grupo audiovisual En efecto, con la intención de abrirse a nuevos mercados internacionales. Su primer proyecto es este LMN’S, basado en una idea surgida de la mente del director de la productora, Josep Esteve, un veterano de la animación española con más de 20 años de profesión a sus espaldas, principalmente en el campo de la publicidad y las series. Con un formato de 26 capítulos de 26 minutos cada uno, se espera que LMN’S esté en las pantallas de televisión durante el segundo semestre del año que viene, aunque por ahora no se sabe qué canal acabará emitiéndola.

va en sus historias, ya que en las correrías de Chip, el espectador irá conociendo los entresijos de la física y la química, de una forma solapada dentro de las historias, huyendo de las clases magistrales que se podían contemplar en algunas series como Érase una vez el hombre o sus secuelas. En todo momento se deja muy claro que la función de LMN’S es la de entretener y que, en segundo término, se busca que el niño adquiera unas sencillas nociones de estas ciencias, enseñándole que pueden llegar a ser divertidas.

PERSONAJES Los cuatro personajes principales de la

ARGUMENTO

LMN’S narra las aventuras de Chip (arriba y abajo) en el Micromundo, donde tendrá que vérselas con el malvado Dr. No (imagen central)

En líneas generales, la trama de la serie versa sobre las aventuras de Chip, un niño de nueve años muy espabilado e imaginativo, que se ve envuelto en un accidente provocado por el archienemigo de la serie, el Dr. No. Dicho accidente llevará al protagonista hasta el Micromundo, lugar donde viven los átomos, quienes se convertirán en sus amigos y aliados. Junto a estos átomos, Chip correrá todo tipo de peripecias mientras intenta desbaratar los planes del malvado Dr. No, quien también se ha visto arrastrado hasta el Micromundo y amenaza con dominarlo convirtiéndolo todo en antimateria. La serie promete mucha acción, con todo un universo original tanto en el aspecto visual como en el narrativo. Además, aparte de su evidente función de entretenimiento para los niños, LMN’S contará al parecer con una sutil patina educati-

Chip deberá apañárselas en el Micromundo

Tv Diseños y bocetos de personajes para LMN’S

Aparte de su evidente función de entretenimiento para los niños, LMN’S contará con una sutil patina educativa serie son: Chip (el niño protagonista), Merc (un átomo de mercurio), Fer (un átomo de hierro) e Hidro (un átomo de hidrógeno). Aparte de los protagonistas, nos encontramos con una serie plagada de antagonistas, como el propio Dr. No, el robot de éste (Trasto), o el Comando Antimateria, formado por un antiátomo de mercurio (Crem), uno de hierro (Ref) y uno de hidrógeno (Ordi), encargados de seguir al niño a lo largo y ancho del Micromundo. Aunque por lo que parece el elenco de personajes no acabará ahí, ya que la serie, aprovechando su trasfondo del mundo de la física y la química, tiene un sinfín de posibles apariciones estelares, tantas como elementos químicos hay en la realidad, que no son pocos precisamente. Desde aquí hay que hacer especial hincapié en el cuidado trabajo, por lo que hemos podido ver, que se ha hecho del color y de los fondos, en los que se ha tratado de tratar con mimo tanto a las luces y sombras, así como la reacción de los personajes con las mismas. También cabe destacar el trabajo realizado en el campo del diseño conceptual de la serie, que intenta huir de todos lo referentes reales en su aspecto formal, con la intención de crear la sensación de estar en un mundo nuevo y desconocido para el espectador. En cuanto a su realización, LMN’S incorpora una serie de especificaciones técnicas curiosas. La primera y

más destacable es su formato, que será de 16:9, o sea preparada para la televisión de alta definición, cosa que ha provocado una serie de innovaciones en el proceso de trabajo, ya que la industria de la televisión todavía no estaba ni acostumbrada ni preparada para trabajar con estos formatos tan habituales en cine. Otra característica de la serie es su idioma de realización estándar, que es el inglés, una clarísima muestra más de que Tons of Toons parece dispuesta a dar el salto al mercado internacional directamente. Desdel punto de vista de la producción, todo el proceso de preproducción de la serie, diseños, guiones, layouts, etc., están siendo realizados en España, por el equipo establecido en la ya mencionada sede en el Ampordà catalán, mientras que la realización de los dibujos en sí se ha encargado a Corea. Destacar en este proceso que Tons of Toons, como parte del grupo En efecto, antiguo propietario del programa informático de dibujo Crater (que diseñó el propio Josep Esteve), ha escogido esta herramienta para ayudarse en la producción de esta serie. En conclusión, Tons of Toons quiere apostar por la calidad, la diversión y los contenidos interesantes en sus producciones. Y es por ello que al parecer LMN’S está llamada a ser la punta de lanza de las futuras series que está preparando el estudio, así como también tienen ya en cartera la segunda y tercera temporadas de ésta, su primera criatura.

Juan Royo

La ambientación de la serie permite la creación de escenarios espectaculares y de los más variopintos personajes

Multimedia

MANUELITA

La tortuga aventurera Manuelita, cuyas aventuras llegaron a la pantalla grande a finales del pasado año, ya ha dado el salto a televisión y desde hace algunos meses los aficionados a la animación pueden comprar el vídeo o el DVD de esta producción argentina.

a fulgurante irrupción...

...de Manuelita en su país de origen, donde se convirtió en un producto muy popular entre los niños de cuatro a nueve años, propició el estreno de la película en otros países, entre los que se encontraba España. De hecho, los 2,3 millones de espectadores que fueron a ver la película en Argentina en su año de estreno (1999) la convirtieron en el film más visto en toda la historia del país andino, a mucha distancia de otros estrenos simultáneos, como Tarzán o La amenaza fantasma. Tal fue su éxito que incluso fue la película argentina elegida para ir a los Oscar en la categoría de Mejor Película Extranjera si los miembros de la Academia lo consideraban necesario, aunque en última instancia acabó quedándose a las puertas. Y aunque

Manuelita no cederá ante nada para cumplir su sueño: pasear por las pasarelas de moda de París

su estreno en España no alcanzó el éxito del país andino, sí se consolidó lo bastante como para propiciar su lanzamiento en DVD.

ARGUMENTO Manuelita es una pequeña tortuga nacida en un lugar llamado Pehuajó, y ha tenido una infancia muy protegida. Eso hace que sea un animal sumamente agradable y que haga amigos allá por donde va, ya que en un momento de su vida decide abandonar el hogar y ver mundo. Eso conlleva el abandonar a sus seres queridos, pero también la posibilidad de conseguir su sueño dorado, que no es sino triunfar en el siempre complicado mundo de la moda. De hecho, la intrépida tortuga consigue llegar hasta

Multimedia Los amigos de Manuelita la ayudarán en todo lo posible ante los obstáculos que encontrará en su camino

París, el paraíso de las pasarelas, donde conseguirá convertirse en modelo, aunque nada es tan fácil como parece, de manera que Manuelita todavía tendrá que superar alguna que otra adversidad tras llegar a la capital francesa. El director de la película, Manuel Gutiérrez Ferré, lleva más de cuatro décadas dedicado al mundo de la animación, de forma que su experiencia está más que contrastada. En nuestro país, probablemente su obra más conocida sea El libro gordo de Petete, que marcó a toda una generación de niños en la década de los ochenta. Sin embargo, su trayectoria es mucho más amplia, y ha cosechado un buen puñado de premios en festivales de todo el mundo por sus diferentes trabajos. Sin embargo, no fue él quien creó el personaje de Manuelita, ya que el quelónido bonaerense fue invención de María Elena Walsh, una escritora de literatura infantil de gran popularidad en Argentina. Tal es la celebridad de Manuelita que cantautores de la talla de Joan Manuel Serrat llegaron a dedicarle una canción, de manera que no hablamos de un fenómeno minoritario.

CONTENIDOS DEL DVD Además de la película propiamente dicha (que tiene un metraje de 86 minutos), el DVD de Manuelita incluye unos contenidos claramente orientados al disfrute de los más pequeños de la casa. Así, los usuarios podrán encontrarse con varios juegos de carácter infantil con los que pasar el rato, así como un álbum de fotos de los protagonistas de la película, fichas de los personajes

más importantes e incluso un videoclip musical. Los más pequeños podrán disfrutar también de un karaoke, en el cual podrán cantar ellos mismos las letras de las canciones de la película. Evidentemente, también se incluyen otros detalles como el acceso a la página web y otras características habituales. Manuelita es, en general, una película bastante trabajada en todos sus aspectos, pero adolece quizá, como principal “defecto”, de ir dirigida a un target demasiado específico y reducido, ya que su argumento, que se podría catalogar de “ingenuo” para algún tipo de público, no atraerá a muchos niños por encima de la barrera de los diez años. Sin embargo, para el espectro inmediatamente inferior, resulta un producto muy entretenido, que a buen seguro hará pasar un buen rato a los pequeños.

DATOS DE INTERÉS: Columbia Tristar. Argentina, 1999. Director: Manuel García Ferré Argumento y guión: Manuel García Ferré Coordinación de producción: Carlos Mentasti Dirección musical: Roberto Tellarini Autores musicales: María Elena Walsh y Salvador Nestor D’Alessandro

Eusebio Sánchez

Creada por Manuel García Ferré, el personaje de Manuelita ha causado furor en su país de origen, Argentina

Cine

LA BANDA DEL PATIO Cada año, los Estudios Disney nos ofrecen algún estreno veraniego con el que podemos pasar un rato más o menos entretenido. En este caso, además de la ya estrenada El emperador y sus locuras, Disney presenta también La banda del patio, basado en la serie de animación del mismo título que se puede ver en Disney Channel y Telecinco, y protagonizado por un grupo de jóvenes escolares rebeldes que dan más de un quebradero de cabeza a sus profesores. Este verano vuelven a la carga en las pantallas de cine.

a banda del patio...

... se estrenará el próximo 17 de agosto. Basada en la popular serie de televisión del mismo título, nos presenta las aventuras de una pandilla de chavales que, en plenas vacaciones de verano, acabarán metidos en una aventura en la que deberán salvar el mundo.

T.J. Y COMPAÑÍA El argumento de La banda del patio es ideal para la época estival: al finalizar el curso en la escuela a la que asisten los protagonistas, T.J., el líder de la banda, se dispone a pasarse el verano sin dar ni golpe y disfrutar con sus amigos. Desgraciadamente, sus planes se tuercen cuando descubre que todos sus colegas se van de campamento de verano sin él, dejándolo solo durante todas las vacaciones. En pocos días está más aburrido que una ostra. Sin embargo, un día, al pasar por delante de la escuela montado en bicicleta, ve el edificio principal del colegio envuelto en una extraña luminis-

cencia. Eso no puede significar nada bueno, de manera que T.J. intenta avisar a sus padres y a la policía local, pero los adultos hacen caso omiso de sus sospechas, atribuyéndolas a la imaginación de un muchacho aburrido. T.J. decide por último acudir al director de la escuela, quien, bromeando un poco, accede a investigar. Pero cuando el director intenta abrir la puerta de la escuela, resulta desintegrado por una tormenta eléctrica. T.J. decide entonces llamar a toda la banda (Spinelli, Mikey, Vince, Gretchen y Gus) para que le ayuden a solucionar este misterio. Al principio, todos sus amigos se muestran escépticos. No obstante, deciden vigilar atentamente la escuela desde la cabaña del árbol de T.J., y pronto descubren una enorme arma en el techo de la escuela que dispara un rayo láser al cielo. La banda decide entonces infiltrarse en el colegio para investigar con mayor profundidad el misterio, pero son descubiertos por los malos de la

En La banda del patio, la película, T.J. y sus amigos deberán salvar su escuela de una siniestra amenaza

T.J.

SPINELLI

Theodore Jerome Detweiler es el líder de la banda. Es un muchacho muy carismático y activo, de los que se suelen hacer muy populares en el colegio. También es el responsable de la mayoría de lios en los que se meten, y el encargado de sacarles de ellos.

MICKEY Mikey Blumberg es el gigantón de la escuela, pero también un muchacho pacífico y sensible, invadido por un espíritu de artista. De hecho, no hay nada que le guste más que cantar, leer y escribir poesías, aparte de comer, por supuesto. En definitiva, un trozo de pan.

película, dirigidos por un ex director de la escuela, el pérfido Doctor Benedict. Baste con decir, para no destriparos la película, que la banda recurrirá a todos sus amigos para intentar salvar no sólo su colegio, sino también el mundo, de tan peligrosa amenaza.

DISNEY “DESCAFEINADO” Evidentemente, La banda del patio no puede compararse con El emperador y sus locuras, pues es un producto mucho menos pretencioso a todos los niveles. Se trata de otro caso de estreno cinematográfico por parte de Disney de un producto que podría haber aparecido en el mercado de vídeo, como ya hicieran en su día con Doug. Los estudios norteamericanos parecen intentar aprovechar el éxito televisivo de sus licencias, más allá de la calidad del producto en cuestión, para sacar algún que otro estreno adicional con el doble propósito de atraer al público al cine y reforzar la posición de la serie dentro de la competitiva parrilla televisiva. La película ha recibido numerosas críticas en Estados Unidos por ese motivo, lo que apenas se ha visto reflejado en su rendimiento en taquilla, que ha superado todas las expectativas: en su fin de semana de estreno, ya había amortizado su coste (20 millones de dólares), y en un mes ya había recaudado 30 millones, lo que para un

Ashley Spinelli es una chica con un temperamento explosivo, lo cual le ha granjeado el temeroso respeto de muchos alumnos de la escuela, incluso los más abusones. Es dura, tozuda y un poco bruta, algo no demasiado habitual en una muchacha.

VINCE Vince Pierre Lassall es un deportista completo, ya que no hay deporte con el que no se atreva. Eso le ha convertido en uno de los chicos más célebres del patio, puesto que no se corta un pelo a la hora de demostrar su impresionante capacidad atlética.

Cine

LOS PERSONAJES GRETCHEN Gretchen Grundler es la chica más lista del colegio. Todas las asignaturas le encantan, aunque no por eso resulta una empollona aburrida. Suele ser ella quien se encarga de preparar los planes de la banda y de tranquilizar las cosas cuando se ponen feas.

GUS Gus Griswold es el nuevo, lo cual, como suele ocurrir, le produce algún que otro problema. No obstante, a pesar de su aspecto, no es en absoluto un cobarde, ni mucho menos: lo único que necesita es sentirse un poco más seguro en la escuela, y perderá toda su timidez.

film de este tipo es todo un éxito. Ahora llega al mercado español, donde se espera que funcione tan bien como otros productos semejantes (La película de Tigger, por ejemplo) de fechas recientes. De vosotros depende el veredicto.

LA BANDA DEL PATIO, LA SERIE La serie de animación de La banda del patio, en la que está inspirado el largometraje, puede verse desde hace algunos meses en el Club Disney de Telecinco, los fines de semana, o en el Disney Channel de Canal Satélite.

Jordi Vall

Aquí podéis ver dos fotogramas del film y un cuadro con el correspondiente doblador de cada uno de los personajes principales

Cine

ME CASÉ CON UN EXTRAÑO El pasado 29 de junio, y sin hacer mucho ruido, se estrenaba en tres salas cinematográficas de nuestro país el largometraje Me casé con un extraño, de Bill Plympton. Barcelona, Madrid y Valencia fueron las ciudades afortunadas que podrán disfrutar del largometraje de uno de los animadores norteamericanos más irreverentes del momento.

a vida parece un lecho...

...de rosas para el matrimonio que forman Grant y Kate, dos recién casados. Sin embargo, ya en la misma noche de bodas, algo parece ir mal cuando Grant empieza a desarrollar unos extraños poderes sobrenaturales. La cosa va empeorando poco a poco, ya que todo lo que piensa Grant se va haciendo realidad inevitablemente, lo que hace que, entre otras cosas, imagine a Kate como una mujer totalmente diferente en pleno acto sexual o haga que de los orificios nasales de su suegra comience a brotar un chorro de bichos realmente desagradables. Escenas todas ellas que, evidentemente, permiten a Plympton dar rienda suelta a su imaginación enfermiza. Aunque Grant y Kelly no lo saben, tan kafkiana situación se debe a que un par de patos voladores se han estrellado, mientras estaban haciendo el amor en pleno vuelo, contra la antena parabólica de la casa de la

pareja, provocando una extraña radiación que rebota contra la base del cerebro de Grant mientras éste está viendo la televisión. Así es como se le desarrolla un lóbulo que le permite hacer realidad todas sus fantasías, algo que, aunque en un principio parece una bendición, en última instancia le acarreará un buen montón de problemas, ya que un puñado de gente comienza a perseguirle para hacerse con el lóbulo después de que Grant aparezca en un programa de televisión demostrando sus poderes. Entre ellos se encuentran Larson Giles, el gerente de una empresa de comunicaciones que quiere controlar todas las redes de comunicación del mundo, el Coronel Ferguson, que quiere utilizar el lóbulo de marras para convertirse en un genio militar que lidere el mundo, o Solly Jim, un comediante fracasado que quiere el lóbulo para convertirse en el hombre más divertido del mundo.

Me casé con un extraño narra el deterioro de una pareja de recién casados merced a los poderes un tanto “particulares” de uno de los cónyuges

Cine J. Lyle fue la primera incursión de Bill Plympton en los trabajos en imagen real, eso sí, con algunos “toques” característicos suyos...

LA IRREVERENCIA AL PODER Ése es, por si alguno no lo conocía, el argumento general de Me casé con un extraño (traducción del inglés I Married a Strange Person!), el primer largometraje (con el permiso de The Tune, de 1992) dirigido por el siempre provocativo Bill Plympton. El film, que fue estrenado en diferentes festivales y certámenes a lo largo de todo el año 1997 y que se estrenaría en cine en Estados Unidos al año siguiente, es distribuido por Diorama en nuestro país, adonde llega con casi tres años de retraso. No obstante, se trata de una noticia claramente positiva, pues hace escasas fechas pocos podrían soñar con ver estrenada en cines comerciales de España alguna de las películas de Plympton, pese a que en los circuitos de festivales y cortometrajes el norteamericano tiene un cartel más que atractivo.

UN LARGO CAMINO Bill Plympton, nativo de Portland (Oregón) de 55 años, ya lleva bastante tiempo dedicándose a la animación. A finales de los ochenta y principios de los noventa sus cortos cobraron una gran popularidad al ser emitidos por MTV, a cuyo perfil de cadena se adaptaban las piezas creadas por Plympton, que no distaban demasiado de lo que sigue haciendo hoy en día: trabajos siempre originales, en muchos casos surrealistas y en más casos todavía realmente desagradables para el espectador, pero que nunca dejaban indiferente a la audiencia. También son cortos que conllevan un duro trabajo por parte de Plympton, que si tiene una constante en su carrera ha sido la de asumir todo el trabajo de un corto en solitario siempre que ha sido posible. Simultáneamente, los cortos cobraron todavía más popularidad cuando comenzaron a circular por los diferentes festivales de todo el mundo, dando a conocer a Plympton a la crítica y el público internacional. En 1992 firma The Tune, cinta que el propio animador financia íntegramente. Curiosamente, Plympton se ve obligado a estrenar varios cortos con material del largometraje (The Wiseman o Push Comes to Shove, que ganaría el Premio del Jurado en la edición de 1991 del

Festival de Cannes, son dos buenos ejemplos) para recaudar los fondos necesarios para llevar a buen puerto la producción del mismo. El mismo año que la estrena, Plympton gana con The Tune el Premio Especial del Jurado en el Festival de Houston y es nominado a un Spirit Award. Una vez más, hay que tener en cuenta que el propio Plympton se encarga personalmente, y a lo largo de los dos años que dura su producción, de dibujar las 30.000 imágenes que conforman The Tune, de manera que decide pasarse a la imagen real y firma J. Lyle, una enloquecida comedia sobre un abogado que se tropieza con un perro parlanchín que le cambia la vida. Más adelante volverá a repetir película con la imagen real en Guns on the Clackamas, tras lo cual emprende la realización de Me casé con un extraño, en cuya producción volvió a hacer de hombre para todo, dibujando con su propia mano y financiando de su propio bolsillo una extravagante película, en esta ocasión más adulta y políticamente incorrecta que nunca. El estreno en España de Me casé con un extraño nos permite, pues, soñar con la posibilidad de que en un futuro más o menos cercano se vayan estrenando sus otras obras, en particular su último largometraje, presentado en Annecy junto a Eat: Mutant Aliens. En él nos encontramos con una premisa tan surrealista como en el resto de obras de Plympton: ¿qué ha pasado con todos los animales que la humanidad ha enviado al espacio con motivo de la carrera espacial? ¿Y si todos se hubieran reunido en un punto y se hubieran entremezclado, creando nuevas razas, a cuál más hilarante? ¿Y si hubieran decidido regresar a la Tierra y vengarse de la humanidad? No os diremos nada más, pero la verdad es que tiene muy buena pinta, y de hecho podéis echar un vistazo a algunos diseños de producción de la película en el artículo de este mismo número en el que reproducimos la charla que sostuvimos con él durante el pasado festival de Annecy.

Eusebio Sánchez

A lo largo de la película podremos disfrutar de la enloquecida creatividad del animador norteamericano

SECCIÓN FX

EVOLUTION Evolution, la última película de Ivan “Cazafantasmas” Reitman, es uno de los estrenos más espectaculares y divertidos de este mes, y por si fuera poco nos ofrece unos FX más que interesantes. Abrochaos el cinturón porque se acerca la invasión alienígena más extravagante y terrorífica de la historia.

a última película...

...de Ivan Reitman, responsable, entre otras, de las dos partes de Los cazafantasmas o Los gemelos golpean dos veces, pone a David Duchovny y Julianne Moore en la piel de dos científicos que se enfrentan a una amenaza relativamente recurrente en el cine de ciencia ficción catastrofista: un meteorito se ha estrellado en la Tierra, y en su interior se descubren organismos vivos que pronto comienzan a crecer a una velocidad inusitada. Las instituciones internacionales deciden intervenir y envían a un grupo, encabezado por los personajes de Duchovny y Moore, que deberá evitar que esas criaturas invadan el mundo y acaben con la raza humana. Así empieza un híbrido de ciencia ficción y comedia que promete ofrecernos algunas de las criaturas “alienígenas” más originales y espectaculares de las últimas temporadas, eso sí, todo con un toque muy “naïf” y suave. Evolution se estrenó en nuestro país el pasado 29 de junio.

saurios de Parque Jurásico y con los insectos alienígenas gigantes de Starship Troopers, con resultados más que positivos en ambos casos. El estudio de Tippet es uno de los más veteranos y laureados en Hollywood, y entre otras, ha participado en películas como Willow, Dragonheart, El retorno del Jedi y la ya mencionada Parque Jurásico, obteniendo un Oscar por su trabajo en estas dos últimas. Así, antes de que se iniciara el rodaje, Tippet y Reitman trabajaron juntos para crear todas aquellas criaturas, creación que debía tener una particularidad muy concreta: debían respetar, hasta cierto punto, los pasos reales de la evolución: así, de las células se pasaría a los seres multicelulares, luego a los platelmintos, los anfibios, los reptiles, los pájaros y los mamíferos. En total se concibieron cientos de criaturas, algunas de las cuales tuvieron que ser descartadas al conducir hasta “callejones sin

PHIL TIPPETT Y SUS BICHOS

David Duchovny y Julianne Moore (arriba) deberán vérselas con alienígenas de todo tipo y condición en Evolution

Cine

Buena parte del peso de la creación de los alienígenas recayó en los Estudios Phil Tippet, cuyo fundador trabajó conjuntamente con Reitman en el diseño y la evolución de toda una colección de criaturas extraterrestres insertadas digitalmente en las imágenes del rodaje. Tippett ya tenía cierta experiencia con este tipo de criaturas digitales, pues había trabajado con los dino-

Reitman nos ofrece un nuevo tipo de evolución

Dos muestras de los diversos pasos necesarios para convertir una criatura digital en una realidad en la pantalla

salida” en lo que a procesos de evolución se refiere. Por si eso fuera poco, Reitman y Tippet querían que todas las criaturas, pese a mostrar en un momento u otro su lado siniestro, debían ser también cómicas, lo que complicaba todavía más las cosas. En total, en los Estudios Tippett se llevaron a cabo un 80% de los efectos visuales creados para el film. El otro 20% de efectos visuales se lo repartieron a partes iguales PDI/DreamWorks y Sony Imageworks. La compañía fundada por Spielberg se encargó de crear la escena en la que aparece el meteorito viajando a toda velocidad por el espacio y estrellándose contra nuestro planeta, así como de los organismos unicelulares y pluricelulares que se pueden ver a través del microscopio en los primeros momentos de la invasión. Por su parte, Sony Imageworks se encargó de la transformación por ordenador de los platelmintos, que representan el siguiente paso en el proceso evolutivo de los alienígenas. La película también contó con una buena dosis de efectos de maquillaje. La mayoría de los alienígenas más “básicos”, creados con efectos de maquillaje (como, por ejemplo, los diferentes “insectos” que se pueden ver en el lugar del impacto la primera vez que el equipo de investigación visita el escenario), fueron realizados por Amalgamated Dynamics, Inc. Además, KNB EFX tuvo que fabricar diversos accesorios necesarios para algunas de las escenas en las que aparecen alienígenas muertos, como puede

ser el caso de los platelmintos, las criaturas aladas o el “perro” alienígena muerto.

TODA LA EVOLUCIÓN EN UN ORDENADOR La variedad de criaturas creadas por Phil Tippet y sus técnicos de FX es sencillamente impresionante. Si bien en un buen número de ellas Tippet y Reitman se basaron en alguna criatura ya existente en nuestro mundo, otras son ejemplos de la originalidad de conceptos de que hace gala la película. Así, nos podemos encontrar con un buen montón de variantes de mosquitos, arañas y libélulas, pero también algunas creaciones que mezclan el mundo vegetal y animal (como un tronco andante que aparece en ciertos momentos del largometraje) o unos árboles con tentáculos. Pero Evolution no nos presenta sólo variantes de animales conocidos, ni mucho menos. Por ejemplo, uno de los mayores peligros a los que se enfrenta el ser humano es una enorme ameba de un tamaño descomunal cuya amenaza debe tratar de eliminar el mismísimo ejército de los Estados Unidos. Pese a sus proporciones abrumadoras, el organismo no se diferencia mucho de las amebas que ya conocíamos. También abundan mucho los híbridos de pájaros y reptiles, destacando entre ellos los de una pareja de saurios, madre e hijo, que protagonizan una escena de la película en la que contemplamos un nacimiento muy particular.

Evolution nos ofrecerá una alternativa a la evolución realmente perturbadora... y siniestra

Cine

Bocetos y dibujos de producción de algunas de las criaturas que aparecen en la película

Nos encontramos incluso con alienígenas de aspecto inofensivo, como una especie de “perrito” de expresión mojigata que acaba revelándose como un temible enemigo merced a una capacidad “oculta” de su organismo. Tampoco faltan los organismos alienígenas acuáticos o anfibios, como es el caso del “tifibio”, como se ha dado en llamar a la voraz criatura que persigue a uno de los protagonistas de la película tras salir de un estanque. En casi todos los casos, el proceso de generación de una criatura de este tipo era el mismo. Después de una meticulosa génesis sobre papel (con todo tipo de bocetos y sketches), se pasaba a crear un dibujo final, que serviría de modelo, y en algunos casos una maqueta en tres dimensiones. Sobre estas dos bases se comenzaban a crear las versiones digitales de las criaturas en programas de animación 3D. Una vez concluida esa creación digital llegaba uno de los pasos más difíciles: insertar esa imagen computerizada en el metraje rodado en imagen real. Como ya viene siendo habitual en películas de este tipo, en más de una ocasión los actores tuvieron que interpretar a sus personajes sin que tuvieran una referencia clara en escena de los alienígenas que compartirían la pantalla con ellos, complicando así sus movimientos y su actuación. Sin embargo, merced al talento de unos interpretando y de otros fundiendo la imagen en CGI y la imagen real en un todo indivisible, el resultado final es prácticamente perfecto, y casi se podría decir que en más de una oca-

sión, Duchovny y Moore están mirando realmente a los ojos de un saurio de aspecto feroz. Pero en ocasiones los actores también contaron con un poco de ayuda, ya que podían ver en una pantalla, pocos minutos después de haber hecho su interpretación, cómo quedaba ésta combinada con las criaturas en CGI, que eran introducidas en forma de animática a baja resolución, mucho más manejable y fácil de usar. De esta forma podían rectificar in situ cualquier detalle que hubiera que pulir, sin tener que esperar a que se incluyeran las imágenes en CGI y se viera el resultado final.

MÁS CINE VERANIEGO Evolution no es una de las películas más esperadas del verano, aunque eso no significa en absoluto que su visionado no resulte interesante. Todo lo contrario, en estas fechas estivales, caracterizadas por los estrenos trepidantes y espectaculares, Evolution supone una buena oportunidad de disfrutar de una mezcla de géneros tan poco habitual como es el de la comedia y la ciencia ficción, todo ello condimentado con unos efectos visuales de primera categoría.

Eusebio Sánchez

Los reptiles alados tienen un papel importante en la película: aquí tenéis diversas instantáneas de su génesis

Cine

Cortos y festivales

ANNECY

El de Annecy es el festival de animación más importante de Europa y uno de los más relevantes del mundo. La edición de 2001 se celebró entre los días 4 al 9 de junio, y hasta el pequeño pueblo galo se desplazó un equipo de Píxel.

unto a un millón...

A lo largo de todo el certamen los asistentes pudieron disfrutar de todo tipo de retrospectivas, proyecciones y homenajes

...de metros cúbicos de agua procedente del deshielo de los glaciares, y rodeada de montañas con nieves perpetuas, Annecy y sus 52.000 habitantes viven la vida con calma... hasta que llega junio y reciben una avalancha de visitantes de todo el mundo, formada por animadores, productores, profesionales del mundo de la animación y, sobre todo, cantidades ingentes de freaks que hacen que el bicho raro sea quien no está en Annecy para ver "monigotes". Este año la ciudad acogió a 125.000 visitantes y se acreditaron 5.800 personas (que por un precio de unas 5.000 pesetas tenían libre acceso a todas las proyecciones), 488 más que el año pasado. Todas ellas pudieron deleitarse con los 242 films de la selección oficial (se presentaron 1070), de los cuales "sólo" 193 entraban en competición, además de bastantes proyecciones paralelas al aire libre en pantalla gigante, en el parque junto al lago, a la luz de las estrellas. De las proyecciones en cine, además de la selección oficial, el Festival planteaba una serie de programas especiales para dar cobertura a monográficos no necesariamente actuales, como los tributos a Alexandre Alexeieff y William Hana, proyecciones de animación en 3D estereoscópica, o, por encima de todos, el homenaje a la animación británica, tema principal del festival de este año. Piezas publicitarias, 50 cortos variados, algunos creados en los orígenes del cine y otros hace pocos años, el largometraje de 1993 Las aventuras secretas de Tom Thumb de Dave Borthwick para la BBC y otros especiales complementarios trataron de reflejar las tradiciones sobre las que se ha basado el renacimiento de la animación

británica el último cuarto de siglo. Entre los especiales complementarios más importantes estaban el tributo a Alison de Vere, una de las animadoras británicas más apreciadas tanto en su país como en el mundo que rodea al Festival, fallecida el 2 de enero de este mismo año, con la proyección de algunos de sus cortos, y la exposición sobre todos los trabajos de Aardman en el castillo medieval de Annecy. Pero no todo eran proyecciones. Como una subsección del Festival, se celebraba paralelamente a éste la Feria del Foco Creativo y Multimedia, uno de los mayores atractivos para aquellos con poca experiencia profesional en el mundo de la animación. Hileras de jóvenes esperaban su oportunidad de dejar muestras de sus trabajos tanto a grandes como DreamWorks o Pixar como a productoras más pequeñas de cine y vídeo. Talleres de animación con Flash, charlas sobre técnicas de animación por reconocidos realizadores (Michael Dudok de Wit sobre Father & Daughter, Ralph Eggleston sobre For the birds...) y una competición para la subvención de un proyecto son otras de las actividades que se dieron en la Feria. Así concluyó, un año más, el mayor encuentro de la animación europea, envuelto en chillidos ensordecedores de “terror” de los espectadores al ver el infame conejo que hacía de mascota del evento, los aviones de papel en las salas de cine antes de cada proyección (tradición del Festival fomentada por la organización, que tentaba al espectador colocando un avión junto al escenario) y alguna fiesta loca no oficial en el más oscuro local de la villa junto a go-gós en topless... (bueno, sólo algunos privilegiados).

Cortos y festivales ÂŠ de sus respectivos propietarios

Cortos y festivales 28

MIFA El Festival Internacional de Films de Animación no camina en solitario. Junto a los centenares de films de todo el mundo (algunos bastante más representados que otros), hay otro importante motivo por el que miles de profesionales y aficionados se sienten atraídos a acercarse a Annecy cada año. Como otra subsección del Festival, aunque con entidad y objetivos propios, se celebra simultáneamente al certamen, aunque concentrado en el Imperial Palace Congress Centre (no muy lejos del Punto de Encuentro) el MIFA (Mercado Internacional de Film de Animación). De hecho, de las 5.800 acreditaciones vendidas para el festival, un total de 2.100 incluían la posibilidad de entrar en el mercado de productos de animación, lo que suponaí un sensible aumento de este tipo de acreditaciones. Los 3.500 m2 de espacio dedicados al mercado acogieron a un total de 930 compañías registradas (en la edición de 2000 hubo sólo 670) y a 200 exhibidores (140 en el 2000), así como a profesionales de la animación en televisión, cine, vídeo, cable, satélite e Internet, por no hablar de un buen montón de creadores y fabricantes de material de animación de 53 países de todo el mundo. Además de intercambios comerciales, de la venta o compra de derechos de emisión de diferentes productos audiovisuales, o de la simple intención de dar títulos a conocer, en el MIFA también nacen proyectos nuevos y se deciden coproducciones antes de que el propio producto tome forma. Así, para la vertiente empresarial de la animación el festival sirve como caldo de cultivo unas veces, pero como simiente de nuevas relaciones otras, propiciando colaboraciones o intercambios que se desarrollan a lo largo de todo el año siguiente a una edición del certamen. Pero el festival también es de sumo interés para creadores y artistas. De hecho, la Feria del Foco Creativo y Multimedia se desarrolla, también en el Imperial Palace, en el mismo entorno físico que el MIFA, y además de los talleres y charlas para los “aprendices”, en el MIFA se celebran cada año diferentes conferencias organizadas por integrantes de la industria (este año se contó con colaboradores de la talla de Abi Feijó, director del estudio portugués Filmógrafo, o Bill Plympton) y para gente de la industria. Entre los diferentes temas tratados este año pudimos encontrar divagaciones sobre el futuro de los cortos de autor a comienzos del nuevo siglo y su lugar en la industria, si es que le queda alguno; el auge de la capacidad visual y narrativa de los videojuegos y su interacción e interferencias con las series de televisión y el cine a medida que aparentemente ambas culturas tienden a acercarse y mezclarse; debates sobre las diferencias en la forma de escribir guiones en los diferentes países europeos y Estados Unidos; la interrelación entre el cortometraje y la publicidad, especialmente en Gran Bretaña; las posibilidades alternativas de un animador (si las hay) a las producciones con equipos masivos o el trabajo en cortos personales, y la publicidad como esa posible alternativa... Por último, cabe mencionar que España también tuvo representación en el MIFA, con unas 30 compañías, y que se presentaron los últimos proyectos de animación que están cociéndose y otros que ya han sido preparados en las cocinas de esas productoras.

Jonas Raeber, Georges Schwizgebel, Bill Plympton y Peter Lord (en el centro de la imagen de abajo a la izquierda)

Demostraciones de técnicas a cargo de Ralph Eggleston (izquierda) y Michael Dudok de Wit (derecha)

El público pudo incluso probar suerte con algunas técnicas como el stop-motion o el cut-out

El MIFA se celebró en el Imperial Palace Congress Center de Annecy

En el MIFA se presentaron productos como Empress Chung

El homenaje a Alexandre Alexeieff estaba impregnado de un componente emotivo para la organización, ya que Alexeieff fue uno de los responsables de la creación de la ASIFA (Asociación Internacional del Film de Animación) y el Festival de Annecy (no es extraño que ambas organizaciones estén tan íntimamente relacionadas). Alexandre Alexeieff nació en Ufa, Rusia, hace cien años, y murió en París en 1982. Fue director de films de animación, grabador e ilustrador, y también creó grabados animados. Inventor del proceso de la pantalla de agujas, Alexeieff fue uno de los pioneros de la animación junto a su segunda mujer, la estadounidense Claire Parker, con la que fue capaz de mezclar su amor y su trabajo. Parker viajó a París a visitar a Alexeieff como aprendiz de grabados, y ambos crearon la primera pantalla de agujas entre el 1931 y el 33 para hacer su primer film, Noche en el Monte Pelado. Dado que en un principio no les reporta ningún dinero, se unen a un equipo de animadores con los que experimentan nuevas técnicas de animación, aunque sin dejar nunca de lado la animación de grabados. De hecho, aunque Alexeieff es más conocido por sus grabados animados, desarrolló otra técnica bastante espectacular, filmando elementos pendulares combinados con luz que explotó principalmente en anuncios publicitarios. Pero a lo largo de los años su principal interés se centró cada vez de forma más exclusiva en la técnica de las pantallas de agujas, y fue mejorando la técnica y la fabricación de las pantallas. Alexeieff y Parker llegaron a pensar en fabricarlas al por mayor para venderlas a otros animadores, La pantalla de agujas tal como la conocemos consiste en un marco de metal que rodea una pantalla de vinilo blanco con 240.000 perforaciones, todas del mismo tamaño, cada una sujetando una pequeña aguja negra. Cuando se ilumina la pantalla con un proyector con un ángulo de 30 grados sobre la superficie, cada una de las agujas que sobresalen proyecta una sombra en la superficie de la pantalla. El ojo no es capaz de distinguir entre la aguja negra y la oscuridad de la sombra, y gracias a ello es posible crear toda una gama de grises entre el negro y el blanco. Cuanto más sobresalen las agujas más superficie de la pantalla cubren sus sombras, y menos luz alcanza a la pantalla. Así, la imagen puede percibirse a simple vista, fotografiada o filmada. A partir de ahí, crear animación con ella es similar a cualquier otra técnica, haciendo modificaciones sutiles y filmando fotograma a fotograma (aunque algunas veces la cámara filmaba en tiempo real mientras la pantalla se modificaba por la cara oculta. Jacques Drouin, un animador canadiense fascinado con la técnica de Alexeieff, realizó también trabajos con pantalla de agujas, con la ambición de añadir color a la pantalla. Tras numerosas pruebas e investigaciones, descubrió que las luces coloreadas desde dos focos producían el efecto deseado. Un buen ejemplo de ello se puede ver en su película This Is Me/Moi je pense, acabada en 1979. Según Drouin, trabajar con la pantalla de agujas es como dibujar, grabar y esculpir a la vez. Para crear una imagen hay que usar objetos de varios tamaños y formas para

Cortos y festivales

ALEXANDRE ALEXEIEV

Alexandre Alexeieff y Claire Parker hicieron de la pantalla de agujas una técnica personal y característica

Imágenes de algunas de las obras de Alexandre Alexeieff, uno de los mayores impulsores de ASIFA

ejercer varios grados de presión en diferentes lugares de una de las caras, empujando así más o menos las agujas hacia la otra. Los objetos usados crean las formas, y la presión determina la oscuridad. No hay ningún límite ante los objetos que se pueden usar: desde un simple tenedor a una especie de rodillo de superficie irregular hecho especialmente para crear una determinada textura. Alexeieff siempre se consideró principalmente cineasta y siempre instó a los animadores a unirse en un gremio. Fue uno de los grandes responsables de la creación de ASIFA y del Festival de Annecy, y siempre animó a sus jóvenes colegas a creer en lo que hacían y en este nuevo medio.

Cortos y festivales 30

ALISON DEVERE Fallecida el 2 de enero de este mismo año, Alison de Vere, ganadora del Gran Premio al mejor cortometraje animado en la edición de 1979 del Festival de Annecy por su cuarto trabajo, Mr. Pascal, era sin lugar a dudas una de las animadoras británicas más valoradas tanto en su país como en el resto del mundillo de la animación a nivel internacional. Alison de Vere nació en Pakistán en 1927 y cursó sus estudios en el Brighton College of Art y en la Royal Academy School en Londres. Vivió y trabajó en Land’s End, en Cornwall, al sudoeste de Inglaterra. Su amor por la pintura y poesía, un libro sobre teatro ruso que la marcó de niña y el descubrimiento de películas como Noche en el Monte Pelado de Alexandre Alexeieff y Claire Parker y La alegría de vivir de Anthony Gross y Hector Hoppin determinaron su interés por el film animado y la orientación que adoptaría su carrera artística en general. Así, se introdujo en el mundo de la animación en los años cincuenta, pintando trasnparencias para la película La pastora y el deshollinador de Paul Grimault, estrenada en 1980 bajo el título El rey y el pájaro. Tal y como reconoció la propia De Vere poco después, “Fue al trabajar en la película de Grimault cuando me di cuenta de cómo esos dibujos se iban a mover en la pantalla”. Una vez aceptada en la industria del cine, Alison de Vere trabajó en animación, publicidad, cine, tv, documentales y efectos especiales. En 1960 hizo su primer film, Two Faces, y siete años más tarde firmó False Friends, que fue producido por la Organización Mundial de la Salud y premiado con un British Scientific Films Gold Award. Café Bar y Mr. Pascal, sus dos cortos premiados en Annecy, fueron decisivos para que De Vere adquiriera renombre y siguiera una importante carrera. Café Bar, que narra los extraños pensamientos que cruzan la cabeza de una pareja que se reúne en un bar, obtuvo el Premio del Jurado en Annecy 1975, y Mr. Pascal, una fábula sobre un viejo zapatero y sus avatares con la figura de un Cristo crucificado que acaba cobrando vida, se llevó el Gran Premio del Festival cinco años después, en 1979. Algunos años más tarde realizaría dos mediometrajes para Channel 4 Silas Marner (1983), basado en la obra homónima de George Eliot, protagonizada por un huraño personaje que descubre el lado dulce de la vida cuando se tropieza con una dulce niña pequeña y The Black Dog (1987), una extraña narrativa sobre un perro negro que acompaña a una mujer en una serie de viajes oníricos que la llevan por escenarios a cuál más original. Uno de los trabajos no personales por los que más se conoce a De Vere es su participación, como directora artística, en el largometraje The Yellow Submarine de George Dunning, protagonizado por los Beatles. También realizó secuencias de créditos para la productora Trickfilms Ltd. y, durante la década de los setenta, se dedicó a realizar anuncios de televisión para WyattCattaneo Production Ltd. Sus dos últimos films fueron The Angel and the Soldier Boy (1989) y Psyche and Eros (1994).

Imágenes de Mr. Pascal, por el que Alison de Vere se llevó el Gran Premio de Annecy en 1979

Imágenes de The Yellow Submarine, en el que De Vere desempeñó funciones de dirección artística

Q BOS UE EL

ANIMADO Después de más de 3 años de duro trabajo, la productora gallega Dygra ha visto por fin hecha realidad la película en la que se ha volcado de forma total desde sus estudios en Galicia. El bosque animado se estrenó por fin el pasado 27 de julio en las pantallas de toda España.

o es la primera vez...

...que hablamos de El bosque animado en las páginas de Píxel. A lo largo de estos últimos meses, hemos intentado seguir las diversas fases de producción de la película, de manera que es más que probable que todos vosotros conozcáis de sobra su argumento y características específicas. Sin embargo, queremos aprovechar este artículo que dedicamos a su estreno para adentrarnos con más detalle en algunas cuestiones técnicas del proceso de producción que consideramos que pueden pareceros sumamente interesantes. Esperamos que lo disfrutéis.

LOS PERSONAJES

El bosque animado se estrena en nuestro país después de tres años de duro trabajo. Las aventuras de Furacroyos y compañía se han hecho esperar, pero visto lo visto parece que ha merecido la pena

Los diferentes personajes de El bosque animado se generaron en 3D, a partir de un juego de bocetos realizados a lápiz y que incluía un turn-around. A continuación se realizó un modelo en arcilla de cada uno de ellos, en el que se matizaban los aspectos tridimensionales más relevantes. Ya en este momento tan temprano de la creación, el objetivo para Dygra estaba claro: había que conseguir que los personajes fueran extre-

madamente expresivos y rebosaran de vida propia. A continuación se daba el primer salto al ordenador. Aunque en principio se probó con tecnologías de digitalización partiendo del modelo de arcilla, prácticamente la totalidad de los personajes fueron creados por ordenador por los propios artistas de 3D, obteniendo así una calidad de modelado final muy superior. Todos los personajes se modelaron usando NURBs, lo que permitió darle un acabado más “orgánico” a los patrones digitales. Las NURBs utilizan una malla de control para manipular el aspecto final de los personajes. Cada personaje cuenta con una malla con más de 3.000 puntos de control, que durante el proceso de render generan mallas poligonales de gran complejidad, con un total de entre 150.000 y 300.000 polígonos según la forma del personaje. En algunos de los personajes hubo que hacer hasta 18 versiones distintas antes de llegar a su forma definitiva. Una vez modelado el personaje, se pasaba a la texturización. No sólo se pintaba y coloreaba al personaje, sino que se le añadían

3d © Dygra

3d A la izquierda, dos bocetos de Furacroyos; a la derecha, dos dibujos de los paisajes que aparecen en la película

todos los detalles externos, como el brillo de los ojos, la rugosidad de la piel, etc. Toda esta información era almacenada en forma de imágenes bidimensionales que guardaban la información relativa a cada aspecto de la textura: por ejemplo, la cara de un personaje puede tener vinculadas las imágenes de color, brillos, difusión, rugosidad, reflexión... En algunos casos son necesarias hasta 12 capas de textura. Además, aunque sea de forma caricaturesca, cada uno de los personajes es una versión digital de un ser vivo real. Así, por ejemplo, los hombres tienen huesos, músculos, piel y pelo, al igual que un ser humano. Sobre cada uno de estos elementos se realizan controles que los animadores utilizan para dar vida al personaje, es decir, el animador está en realidad moviendo huesos y músculos, arrugando la piel o peinando el pelo. Los controles que permiten realizar la animación se presentan al trabajador mediante un interfaz realizado por el equipo de programación ex profeso para esta tarea. El número de controles que puede tener un personaje para animar varía entre los 150 y los 1.000, según la complejidad del modelo. Los personajes humanos también llevan ropa, lo que implica que ha sido necesario confeccionar para ellos ropa digital. Al igual que en el mundo real, las piezas de tela se cortan de un patrón (tras tomar las medidas de personaje) y se cosen entre sí formando la pieza final. Esa pieza se usa para “vestir” al personaje y, mediante

Cada uno de los personajes es una versión digital de un ser vivo real. Los hombres tienen huesos, músculos y piel como un ser humano un software especial de simulación dinámica, se ajusta la caída y la textura de tela sobre el modelo, pudiéndose seleccionar el tipo de tela (seda, franela, algodón, etc.). El programa calcula automáticamente la interacción de la tela con el personaje, obteniendo así las arrugas y pliegues necesarios para conseguir un aspecto realista. Algunos de los personajes están cubiertos de pelo (topos, ratones, perros, etc.). Para cubrir de pelo a estos modelos ha sido necesario un plug-in especial de Maya, un software que permite añadir pelo a los personajes, pero no los “peina” ni realiza el “corte de pelo”, labores que tuvieron que realizar manualmente algunos de los técnicos de Dygra. En algunos personajes se alcanzan hasta las ocho capas de “cuero cabelludo”, oscilando el número de pelos individuales entre los 600.000 y los 2.500.000, según el personaje. Cabe decir, como último apunte en relación a los personajes, que todas y cada una de las herramientas desarrolladas especialmente por el departamento de I+D de Dygra para la película tenían un único objetivo: eliminar

Comparación entre los dibujos preliminares de algunos de los personajes y sus versiones finales, animadas, texturizadas y animadas

3d Algunas muestras de storyboards de la película

Existen dos tipos de escenarios distintos: el bosque en sí, donde habitan los animales, y el Pazo, la casa donde viven los humanos la rigidez de gestos que suele acompañar a cualquier animación 3D, intentando que los personajes se movieran con fluidez y pudieran realizar estiramientos y compresiones naturales y alcanzando un aspecto “suave” habitual en las producciones 2D. Dygra ha intentado así convertirse en uno de los estudios punteros en el sector de la animación 3D, no sólo española, sino europea, y el ingente trabajo de creación de software que ha provocado la producción de El bosque animado así se lo ha permitido.

ESCENARIOS Existen dos tipos de escenarios distintos en El bosque animado: el bosque en sí, donde habitan los animales, y el Pazo, la casa donde viven los humanos. Para el bosque se esbozaron, modelaron y realizaron más de 80 tipos de árboles y plantas distintas. Un solo árbol puede llegar a contener más de 15.000 hojas distintas, algunas de ellas con hasta seis capas de texturización. En un escenario simple en el bosque, puede llegar a haber 500.000 hojas individuales. En lo que a los

prados de hierba se refiere, así como a los arbustos, frondosidades y otros elementos, se utilizó Paint Effects de Maya, lo que permitió al equipo de producción almacenar cientos de miles de hierbas, por ejemplo, a un coste muy bajo de memoria, ya que no se utilizaba un modelo poligonal y se evitaba el consumo excesivo de RAM, elevando a la vez la calidad artística final. El modelo exterior del Pazo contiene más de doce millones de polígonos, además de la información de texturas que hace referencia a más de 150 materiales distintos, cada uno con sus respectivas capas. Para el interior se realizaron más de 1.000 modelos entre muebles (sillas, mesas, armarios), elementos decorativos (lámparas, jarrones) y elementos de estructura (suelos, vigas, escaleras). Por supuesto, cada uno de ellos con sus correspondientes acabados y sus respectivas capas de textura.

EL ENTORNO Existen elementos al realizar una película que no son personajes ni decorados, pero que no obstante son necesarios para llenar de vida una escena. Por poner sólo unos ejemplos, el clima, la atmósfera o el agua son elementos de este tipo. Para la realización de ríos, fuentes, etc., se ha utilizado Real Flow, de la española Next Limit. Por ejemplo, para realizar un arroyo de montaña fueron necesarias más de tres millones de partículas con propiedades dinámicas individuales en cada una de

La variedad de personajes y escenarios de la película es realmente impresionante

3d Maya, el software de Alias Wavefront, fue exprimido al máximo por los técnicos de Dygra para hacer realidad sus ideas

ellas, teniendo en cuenta que para controlar el flujo del agua es necesario aplicar fuerzas y colisiones contra piedras, por ejemplo. También fue precisa la incorporación en plantilla de físicos profesionales para conseguir un acabado perfecto en todos estos efectos. Para otros procesos, como lluvias, tierra removida, hojas, tensiones de cuerdas y cables, procesos elásticos, etc., se utilizaron procesos propios de Dygra, fruto de la colaboración entre el departamento de desarrollo y el de I+D. Se puede estimar un total de más de 4.000 horas de programación para la totalidad de este trabajo. Tanto para la realización de personajes como del entorno propiamente dicho, fue muy importante el hecho de que prácticamente todo el equipo de producción (dibujantes, fotógrafos, pintores, ilustradores, documentalistas, etc.) fueran gallegos, lo que les proporcionó un conocimiento de los paisajes clásicos gallegos que resultó muy útil en diversos momentos. Además, todos ellos se dedicaron a viajar durante un año por diferentes bosques autóctonos para estudiar su iluminación y sus formas a distintas horas del día, que más tarde serían reproducidas fielmente en el estudio. La labor de documentación, pues, fue básica en el proceso de creación del largometraje.

LA REALIZACIÓN En total, El bosque animado se compone de 105 secuencias, cada una de ellas con un número variable de planos. El número de planos individuales en total asciende a 1.200. Cada plano se almacenaba en un fichero independiente que contiene los personajes que intervienen en la acción, incluida la información relativa a la animación de los mismos, los escenarios donde se desarrolla la acción y la información relativa al entorno.

Furacroyos y Linda, la pareja de topos que protagoniza la película

Tanto para la realización de personajes como del entorno, fue muy importante que todo el equipo de producción fuera gallego En cada plano, la animación del personaje se lleva a cabo de forma individual por keyframing: el animador marca las posiciones clave en cada control de animación y el ordenador calcula la interpolación en el tiempo entre dichas posiciones clave. Cada plano almacena una media de 30.000 posiciones clave, variando según la complejidad del plano entre 600 y 450.000. El número de personajes “con papel” de la película es de 28. Según el contenido narrativo de la secuencia, se deben procesar y animar entre 2 y 12 personajes simultáneamente. Existen en la película secuencias en las que el número de personajes es muy superior (extras), como por ejemplo una con un enjambre de avispas u otra con un centenar de ratones, de manera que fue necesario desarrollar un software específico para tratar estas masificaciones en lo que a texturización y animación se refiere. Una vez concluido un plano, se comprueba que las texturas y efectos dinámicos de entorno sean correctos y se procede a iluminar la escena. Además de los tipos de iluminación habituales (direccionales, focos, puntos de luz, ambiente), Dygra desarrolló una utilidad para simular la iluminación en el exterior, de modo que introduciendo la fecha y la hora, se obtenía la base de la iluminación. En algunas de las secuencias interiores se utilizó un sistema de iluminación global basado en radiosity que ofrecía unos acabados realmente impresionantes.

3d Perros, gatos, árboles, postes telefónicos... en Dygra parecen capaces de animar cualquier objeto o ser

A lo largo del proceso de producción, se utilizó un equipo de 100 estaciones de trabajo basadas en Pentium de diversas capacidades Llegados a este punto ya sólo quedaba renderizar todo el material. Un fotograma medio de El bosque animado tardaba más de dos horas en renderizarse en un Pentium II 550 Mhz. De hecho, en muchos de los planos el render se realizó por capas, para poder tratar mejor la imagen en la fase posterior de postproducción. Esa postproducción consistió, entre otras cosas, en matizar los colores, añadir efectos especiales como la niebla, reflejos de luces y cambios de color entre unos y otros. La película se editó con el software Jaleo. El resultado final son 115.000 imágenes individuales que, reproducidas a 24 fotogramas por segundo, ofrecen los 80 minutos de metraje final de la película. El volumen final de información es de 1,2 terabytes de información.

LOS MEDIOS A lo largo del proceso de producción de El bosque animado se ha utilizado un equipo de 100 estaciones de trabajo basadas en Pentium de diversas capacidades (entre 500 y 900 Mhz), la mitad de ellos con doble procesador. Para el proceso de render se contó además con los servicios de CESGA (Centro de Supercomputación de Galicia), que cuenta con una de las infraestucturas de cálculo más modernas de Europa. Todo el trabajo fue administrado por un programa de control basado en Intranet, que combinaba el trabajo de artistas

y técnicos y que manejaba todo tipo de información (texto, imágenes, sonido, animación, etc.). Hay que reseñar también que, a lo largo de toda su producción, El bosque animado ha contado con el apoyo tanto de la Dirección Xeral de Comunicación Social e Audiovisual de A Coruña, como de Alias Wavefront y Jaleo, y ha sido un proyecto coproducido junto a la compañía Megatrix, responsable del programa homónimo de Antena 3, además de contar con la participación de la propia Antena 3, Vía Digital y la Televisión de Galicia. Por último, entidades como la ICAA, la Xunta de Galicia y el Programa Media de la Unión Europea también han colaborado con el proyecto.

BANDA SONORA Y DOBLAJE Otro de los aspectos de la producción en los que Dygra no se ha andado con chiquitas ha sido el de la banda sonora y el doblaje de El bosque animado. En la parte musical, se contó con la Orquesta Sinfónica de Galicia, dirigida por el maestro Andrea da Milano, que interpretó la banda sonora original compuesta por Arturo B. Kress, director musical y compositor de la banda sonora del film. También se contó con la participación de la rockera Luz Casal, en la que era su primera participación en un largometraje desde su aparición en Tacones lejanos de Almódovar, y que interpretó dos de las canciones de la banda sonora de El bosque animado. Asimismo, el grupo folk DOA compuso dos temas especialmente para la película: “Cantiga das árboles”, la melodía que suena durante los títulos de crédito, y “Cae o sol lentamente”. La banda sonora de la película ha sido editada y comercializada por Emi-Odeón. En el aspecto del doblaje, también se ha contado con algunas de las “primeras espadas” del sector en nuestro

El merchandising y los productos relacionados han sido un aspecto que no ha sido dejado de lado

3d Comparativas entre dibujos de storyboards e imágenes finales del film.

país. Así, la voz de Furacroyos la pondrá Ignacio Aldeguer, que entre otras cosas dobló a Haley Joel Osment en El sexto sentido, a Andy en las dos partes de Toy Story y a Flounder en La sirenita. La elegida para doblar a Linda, la amiga de Furacroyos, fue Mar Bordallo, otra dobladora con gran experiencia, que suele dar voz a Drew Barrymore (Los ángeles de Charlie, Nunca me han besado), y que también había participado en producciones de animación (dobló a la Princesa Atta en Bichos). Otros de los dobladores que han prestado su voz a la película son el veteranísimo Claudio Rodríguez (que ya dio voz a Zeus en Hércules y había doblado, entre otros, a Gary Oldman en Drácula y a Charlton Heston en El planeta de los simios) en el papel de Carballo, el roble amigo de Furacroyos, Lucía Esteban (que suele prestar su voz al personaje de Roseanne Barr en la serie Roseanne), que dio su voz a la Sra. D’Abondo, y Héctor Cantolla, uno de los dobladores más habituales de Arnold Schwarzenegger, que dobló al poste eléctrico recién llegado al bosque.

CONCLUSIÓN La llegada de El bosque animado a nuestras pantallas

Si El bosque animado funciona bien, es probable que un mayor número de compañías decidan adentrarse en el sector es una gran noticia en muchos aspectos. En primer lugar, por lo que supone en el sentido de que es lo más parecido a una superproducción animada en 3D que se ha visto en nuestro país, en la que han participado diversos grupos empresariales y en la que todo el equipo se ha volcado al máximo, generando muchas expectativas sobre su calidad final y su rendimiento en taquilla. Sin embargo, su estreno también supone la llegada de un momento muy esperado por los buenos aficionados españoles a la animación. En el mundillo se rumorea que de su rendimiento dependerá en cierta medida el rumbo que tomarán las producciones animadas españolas en un futuro cercano. Si El bosque animado funciona como todos esperamos que funcione, es probable que un mayor número de compañías decidan adentrarse en un sector que hasta ahora no se ha caracterizado

El bosque animado es sin lugar a dudas la producción en 3D más ambiciosa que se ha hecho nunca en España

3d Imágenes del doblaje de la película y de la grabación de la banda sonora y el sonido de El bosque animado

El film de Dygra tiene todos los mimbres para convertirse en un hito que marque un antes y un después en la animación española precisamente por la rentabilidad que ofrecen sus productos. Por el contrario, en el peor de los casos, si la película no acaba de funcionar del todo bien, puede que ese factor sea utilizado como una confirmación más de que el género de la animación en España no acaba de ser una aventura demasiado halagüeña, lo que podría propiciar una escasez (todavía mayor de la que existe ahora) de proyectos de este tipo, en particular en el sector privado, que al fin y al cabo es lo que caracteriza a El bosque animado. Sin embargo, a tenor de lo visto hasta ahora, que ha sido bastante, todo parece apuntar que el largometraje de Dygra tiene todos los mimbres necesarios para convertirse en un hito que marque un antes y un después en las producciones animadas (y en 3D) de nuestro país, y desde aquí le deseamos la mejor de las suertes. Sin lugar a dudas la merece.

DATOS ÚTILES: Título: El bosque animado Director y guionista: Ángel de la Cruz Productor y codirector: Manolo Gómez Productor ejecutivo: Manuel R. Cristóbal Director de producción y responsable tecnológico: Juan Nouche Directores artísticos: Alberto Taracido y Javier Reigada Director de animación: Julio Díez Directora de desarrollo de software: Lucía Valles Director de iluminación: Alejandro Bálsamo Director de render: Alberto Fernández Director de efectos visuales: David Caeiro Director de postproducción: David López Composición y dirección musical: Arturo B. Kress

Eusebio Sánchez

Diversos fotogramas del largometraje

Cine

10+2SECRETO EL GRAN

Este año, la cartelera veraniega ha batido el récord absoluto de estrenos de animación, habiendo llegado a superarse la decena de largometrajes animados que han aparecido en nuestros cines entre junio y agosto de 2001.

ntre ellos sólo hay...

...dos producciones españolas: El bosque animado, del que podéis encontrar un completo artículo en este mismo número, y el título que nos ocupa aquí, 10+2: El gran secreto, película realizada por Acció Estudios y de la que ya hablamos en el número 5 de Píxel, dentro del artículo sobre los premios Goya, así como en la introducción a la animación tradicional de ese mismo número.

ACCIÓ O EL DIBUJO ANIMADO TRADICIONAL

10+2: El gran secreto es el primer proyecto de Acció Estudios que da el salto a la pantalla grande

Como ya indicábamos en el primero de ambos artículos, El gran secreto es, en realidad, un derivado de una serie televisiva de gran éxito en Catalunya y otros países, pese a ser apenas conocida en el resto de España. Miquel Pujol (Ripollet, 1951), el creador y director de la serie y el largo, cuenta con cerca de 25 años de carrera artística, habiendo hecho sus pinitos en el histórico estudio Pegbar Productions, especializándose como fondista. Fundado en 1972 y dirigido por Julio Taltavull (procedente de Estudios Moro) y el norteamericano residente en Barcelona Robert Balser (1), Pegbar llegaría a ser uno de los más

prolíficos estudios de la Ciudad Condal hasta su cierre en 1993, llegando a producir numerosos spots publicitarios, así como animación para diversos clientes británicos y estadounidenses, incluyendo DePatieFreleng Enterprises y Bill Melendez Productions. Para este último, Pujol colaboraría, a través de Pegbar, en varios episodios de Carlitos y Snoopy y en el largo para televisión The Lion, the Witch and the Wardrobe (1979), galardonado con un Emmy. Paralelamente a su labor en la animación, Pujol ejercería además carrera como dibujante de cómics con los personajes Disney, a través de la agencia Recreo, durante una

Imagen de 10+2: El gran secreto

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Cine Los números, grandes protagonistas de El gran secreto

docena de años. De entre su producción disneyana destaca una serie de álbumes protagonizados por el Tío Gilito, uno de los cuales sitúa precisamente su acción en Barcelona, en una historia en la que el pato multimillonario y sus sobrinos se dirigen allí en busca de un cuadro de Picasso. Tras estos años de rodaje, a finales de los ochenta Pujol decide fundar su propia productora de animación, y así nace Acció, con sede en Cerdanyola del Vallés, y para cuyo equipo ha contado con su hermano Hilari como director de producción, Joan Espinach como director de animación y Jordi Castelltort como productor ejecutivo. En 1991 ve la luz el primer fruto de Acció: el episodio piloto de 10+2. Tras varias vicisitudes, en 1994 Televisió de Catalunya emite por fin los 13 primeros episodios de la serie.

10+2, DE SERIE A LARGO El proyecto de 10+2 nació como una serie didáctica destinada a enseñar los números de forma amena a los telespectadores más menudos. Centrada en las cifras del 0 al 9, cada una de ellas está representada con brazos y piernas, si bien sin detalles faciales como ojos o nariz. Cada cifra, además de ser de un color distinto, posee su propia personalidad: así, por ejemplo, el número 1 es presumido, el 6 es un amante de las plantas y la naturaleza, el 8 es glotón y siempre está comiendo y el 9, que lleva gafas, es inventor. Los dos ratones que trabajan en la escuela donde los diez números acuden a estudiar, el sabio

10+2 nació como una serie didáctica destinada a enseñar los números de forma amena a los telespectadores más menudos profesor Aristóteles y su joven ayudante, Infinit, sirven de hilo conductor a las historias. En estos primeros trece episodios, de 12 minutos cada uno, no existen diálogos, ya que Aristóteles hace el papel de narrador en off. El primer episodio sirve de introducción a los personajes, mientras que los episodios dos a once se consagran cada uno a una de las diez cifras protagonistas, y en los dos últimos aparecen de nuevo todos juntos. 10+2 disfrutó de un éxito generalizado dentro del espacio Club Super 3, reponiéndose sucesivas veces los episodios dentro del canal autonómico catalán y exportándose a diversos países. De hecho, esta primera tanda de capítulos obtuvo varios premios, como el "Silver Cairo" del Festival de Cine Infantil de El Cairo, y generó algo de merchandising, incluyendo un CD con las canciones de la serie y figuritas de plástico de sus protagonistas. Todo ello motivó la creación de una segunda tanda de 52 episodios, todavía en fase de producción. Estas nuevas entregas se alejan del carácter didáctico de la primera serie para adquirir un tono más aventurero: el diálogo entre personajes sustituye al comentario en off de Aristóteles, mientras que a los dos ratones y a las diez cifras se les añaden nuevos personajes, en especial Milésima, la revoltosa sobrina del profesor.

Expresiones del personaje de Infinit y algunas hojas de modelo y expresiones de los números y el cuco

Cine El simpático cuco del reloj es otro de los personajes del film

10+2: El gran secreto es el primer largometraje de animación realizado en Catanlunya en los últimos once años Aparte de estos episodios, Infinit, Aristóteles y compañía han protagonizado 70 breves cortinillas de 30 segundos cada una, además de un CD-Rom con varias actividades y un especial navideño de una hora, La noche mágica, estrenado en 1998, que tiene la particularidad de incorporar a la historia animada una introducción en imagen real, durante la cual un abuelo le relata a su nieto, en un marco eminentemente victoriano, el encuentro entre Infinit y un duendecillo encargado de fabricar los juguetes para Santa Claus. La noche mágica obtuvo una nominación a los premios Emmy y la medalla de plata del 43º Festival de Nueva York. Ha sido editado en vídeo, en catalán y castellano, por Lauren Video (los episodios televisivos habían sido editados asimismo en cinta, únicamente en catalán, por La Magrana, habiendo alcanzado una venta de más de 40.000 copias). Además de preparar otros proyectos propios (incluyendo Me and Mr. Flip, serie de la que ya existe un piloto, y que trata sobre un pájaro y sus relaciones con su dueño), Acció ha realizado trabajos de encargo para numerosos clientes internacionales, tanto en forma de spots publicitarios como de animación para largometrajes, entre ellos el danés ¡Socorro! Soy un pez, del que también os hablamos en este mismo número de Píxel, el italiano Johan Padan alla scoperta

delle Americhe y el sueco Carlsson, este último basado en una obra de Astrid Lingren, la creadora de Pippi Calzaslargas. En plena expansión masiva de la industria internacional de la animación, en la que se valora la cantidad por encima de la calidad, y en plena sofisticación continua de los softwares destinados a desbancar, aparentemente, las técnicas de animación más artesanales y tradicionales, Acció insiste en valerse de la animación tradicional, igual que en los buenos tiempos del estudio Disney. Una animación que no desparecerá nunca, pese a la competencia tecnológica recién citada, mientras existan creadores dedicados a emplearla para contar historias capaces de fascinar al público de todas las edades.

LOS SECRETOS DE EL GRAN SECRETO 10+2: El gran secreto es el primer largometraje de animación realizado en Catalunya en once años (los últimos, Peraustrínia 2004, dirigido por Ángel García, y Desperta Ferro, de Jordi Amorós, habían sido estrenados ambos en 1990). Ningún largo había salido de los estudios catalanes durante este período, pues habían estado centrados básicamente en la producción para televisión; la producción de largomerajes animados sí que había sido abundante en otras comunidades autónomas, principalmente en Euskadi. La cinta comienza con unas perspectivas a vista de pájaro, elaboradas en 3D, de Numerolandia, mientras aparecen los títulos de crédito. La historia empieza cuando el profesor Aristóteles recibe

Fondos a lápiz y storyboards de El gran secreto

Cine Fotogramas de los principales personajes de la película: Aristóteles, Infinit, Milésima y Zenobia

El gran secreto es una película que, a pesar de contar con un argumento destinado al público infantil, gustará también a los adultos la noticia de la visita de su sobrina Milésima, procedente de Ciudad Matemática. Pronto, el profesor e Infinit descubrirán que la ratoncita tiene un carácter muy poco femenino y una apasionada vocación de pirata. A Infinit le cuesta aceptar a la nueva huésped, especialmente al haber tenido que cederle su cuarto y dormir él en el sótano de la casa-escuela, pero pronto le cogerá afecto. Una vez instalado en el sótano, descubre allí una puerta secreta que conduce a un misterioso pasadizo. Entretanto, Aristóteles, que había quedado convaleciente al romperse una pierna en un accidente provocado por una trastada de Milésima, telefonea para que envíen a alguien que le sustituya en la escuela. Ese alguien resultará ser Zenobia, una fría y severísima dama, quien impondrá su carácter autoritario ante Aristóteles, Infinit, Milésima y los númerosalumnos. Hasta que un día, descubre el pasadizo que conduce al "gran secreto" que da título a la historia... Y no vamos a desvelar el desenlace, para no echar a perder el suspense a aquellos de nuestros lectores que vayan a ver la película. Una película que, a pesar de contar con un argumento claramente destinado al público infantil, gustará también al público adulto por la elevada calidad de la animación, así como de los elaborados fondos, obra de Rafael López Espí, a quien los "marvelófilos" de primera generación recordarán por sus portadas para las primitivas colecciones de superhéroes Marvel publicada por Ediciones Vértice, y, en suma, por el homenaje al legado disneyano con el que Pujol ha querido impregnar abiertamente ésta, su saga protagonizada por dos ratones y diez guarismos. 10+2: El gran secreto llega a las pantallas de nuestros cines tras haber sido nominada a los Premios Goya en la categoría de Mejor Película de Animación en la edi-

ción de este mismo año, y se convierte así en el primer film de Acció que se estrena a nivel nacional en la pantalla grande. Desde aquí le deseamos la mejor de las suertes y esperamos que sólo sea el primero de muchos.

DATOS ÚTILES: Título: 10+2: El gran secreto Director: Miquel Pujol Director de producción: Hilari Pujol Directora artística: Maite López Espí Productor ejecutivo: Jordi Castelltort Directores de animación: Joan Espinach, Fernando Mor, Valentí Domènech Música: Manuel Gil, Rudy Gnutti, Orquesta Sinfónica de Praga

NOTAS: (1) Robert Balser (Rochester, 1922), verdadero trotamundos de la animación, tras haber trabajado en su país natal, Dinamarca y Finlandia, llegaría a España en 1964, invitado por los Estudios Moro, donde realizaría El sombrero, uno de los primerísimos cortos españoles de animación para adultos. Posteriormente se marcha a Londres, donde colabora en Yellow Submarine como director de animación, y en 1972 vuelve a Barcelona al fundar Pegbar Productions. Tras la desparición de Pegbar, en 1994 dirige para Cromosoma los primeros 13 episodios de Las tres mellizas. Actualmente reside en Francia.

Alfons Moliné

HABLAMOS CON...

MIQUEL PUJOL

Como complemento del presente artículo dedicado a 10+2: El gran secreto, invitamos a nuestros lectores a conocer más de cerca a Miquel Pujol, máximo responsable de Acció Estudios y director y creador de 10+2. PÍXEL: ¿Cómo debutaste profesionalmente? ¿Hiciste estudios artísticos? MIQUEL PUJOL: Sí, hice una serie de cursos en la Escola de Belles Arts de Sabadell, y a partir de ahí entré a trabajar en el campo de la publicidad y el diseño. Pero a mí lo que me interesaba realmente era el dibujo animado y el cómic, lo cual vino después.

sonajes de los largometrajes... Posteriormente, me lo han vuelto a solicitar varias veces, pero mi cargo actual me absorbe todo el tiempo. Dado el nivel de exigencia de este trabajo, hacer cómic para Disney me sirvió para imponerme una autodisciplina y una base sólida de dibujo, lo cual me sirvió de mucho.

P: ¿Cómo era la situación de la industria de la animación cuando tú entraste? MP: En aquella época (los años setenta), la animación estaba muy muerta. Había sólo dos o tres estudios, que se dedicaban básicamente a la publicidad: Pegbar en Barcelona, Moro en Madrid... Entonces era muy difícil introducirte en este mundo. Yo iba con mi carpeta bajo el brazo, buscando trabajo, y un poco más tarde logré entrar en Pegbar, haciendo fondos.

P: ¿Cómo nació Acció? MP: Decidí dejar la agencia a través de la que trabajaba para Disney, pues tenía otras inquietudes que deseaba transmitir de algún modo. Aprovechando los conocimientos adquiridos a través de mi colaboración con Disney, deseaba trabajar el dibujo animado, el cual ya había tocado, pero sin llegar a haberme consolidado en este campo.

P: ¿Cómo entraste en el campo del cómic? MP: A través de Valentí Domènech, a quien había conocido en Pegbar, empecé a hacer cómics de Disney, que era algo que también me interesaba bastante. A partir de entonces trabajé en cómic y, al mismo tiempo, en animación cuando había trabajo disponible. P: ¿Te sentías influenciado por algún dibujante de Disney en particular, por ejemplo Carl Barks? MP: Carl Barks ha sido como un maestro para todos los que hemos dibujado al Pato Donald. Recuerdo que cuando empecé a hacer los guiones para la serie de álbumes del Tío Gilito, la influencia de Barks era evidente. Para mí ha sido el mejor autor Disney. P: ¿Cuánto tiempo estuviste haciendo cómics para Disney? MP: Estuve haciéndolos desde 1977 hasta 1989; estuve haciendo no sólo Donald, sino también Mickey, toda la famila Disney, per-

P: ¿Y cómo surgió la idea de 10+2? MP: Como en aquella época no conocíamos del todo el mercado, pensamos en una serie didáctica, que enseñase a los niños a contar. A partir de ahí, diseñé los personajes protagonistas, los números, y su entorno, la escuela. Para el profesor de la escuela, nos decidimos por un ratón, que a pesar de ser arquetípico, es siempre un personaje simpático y que puede funcionar. Este profesor tenía un ayudante, que también acabaría siendo otro ratón. Con todo eso decidido, me puse a hacer los storyboards, con unos guiones sencillos pero que encajaban bien con el público preescolar. Así nacieron los primeros trece episodios. P: ¿Recibisteis alguna ayuda, alguna subvención? MP: Ninguna, aunque lo intentamos. Tan sólo contamos con una colaboración de Televisió de Catalunya, que aportó un 10% del presupuesto. Mi hermano y yo nos hipotecamos para acabar estos trece capítulos. Luego, al conocer mejor el mercado, te das cuenta de que 13 episodios apenas son un

Miquel Pujol (arriba) es el fundador, junto con su hermano Hilari, de Acció, uno de los estudios españoles con más experiencia

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grano de arena en un desierto, y que las cadenas te exigen muchos más. Además, algunas se echaban atrás al ver que era una serie didáctica. Eso motivó que los siguientes episodios estuviesen más centrados en las aventuras. P: ¿Por qué el especial de Navidad contiene secuencias en imagen real? MP: Yo tenía interés en intentar algo en imagen real, cosa que no había hecho antes. Por eso decidí añadir una introducción y un epílogo en imagen real (cuyo storyboard hice yo mismo) para el especial de Navidad. Pese a trabajar con medios limitados (un solo decorado, tres actores) resultó una experiencia muy positiva, que espero repetir algún día. P: ¿Cómo es que 10+2 no ha sido vista en el resto del Estado? MP: Llevamos diez años de conversaciones con Televisión Española para que la emita, pero aún no hemos llegado a un acuerdo... todavía se lo están pensando. P: Hasta la fecha, toda la producción propia de Acció ha girado en torno a 10+2. ¿Tenéis otros proyectos? MP: Tenemos varios proyectos, entre ellos Me and Mr. Flip, del cual existe un piloto hecho hace un par de años, que podría convertirse bien en una serie de 13 episodios de 7 minutos, bien en un especial de Navidad. Pero nuestra finalidad actual es, preferiblemente, trabajar para largometrajes en vez de para televisión, ya que las productoras se lo llevan todo a los estudios asiáticos, que hacen en 6 meses lo que aquí llevaría 3 ó 4 años, sin importarles la calidad. En cambio, tenemos la gran suerte de que productoras del extranjero, incluso de Estados Unidos, nos quieren encargar largometrajes. Eso no se lo pueden llevar a Asia, porque necesitan un nivel de calidad más alto, que allí no pueden dar. P: Este otoño tenéis previsto inaugurar una escuela de cómic y animación. ¿En qué consistirá? MP: Se inaugurará en octubre, en los locales de nuestro estudio, y tratará de dar a conocer el cómic y la animación de la manera más clara posible, de cara a la gente que desee incorporarse a este campo. Las tentativas hechas hasta ahora, en mi opinión, no están al nivel que esta gente precisaría. Nosotros aplicaríamos los conocimientos adquiridos, a lo largo de los años, durante nuestras experiencias en el cómic y la animación. Personajes, fondos y storyboards de Mr. Flip, el nuevo proyecto de Acció, y del que por ahora sólo hay un episodio piloto

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P: Para finalizar, ¿cuál es tu película de Disney favorita? MP: Creo que hasta 1967, cuando apareció El libro de la selva, me quedaría con todas. A partir de ahí, es otra historia. Evidentemente,

El fenómeno 10+2 ha supuesto la confirmación de Acció como un estudio de primera línea

las técnicas actuales no se pueden comparar con lo que había antes, pero las producciones Disney actuales no tienen el encanto de las de cuando Walt Disney estaba vivo. P: Muchas gracias por tu amabilidad, y mucha suerte con todos vuestros futuros proyectos.

Entrevista realizada en los locales del estudio Acció, en Cerdanyola, el 22/06/01

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COMO PERROS y

GATOS

El próximo 17 de agosto se estrena en toda España Como perros y gatos, uno de los estrenos veraniegos más prometedores que, bajo una fachada de comedia familiar, oculta algunos de los efectos visuales con animales más espectaculares que se han visto en los últimos años. Preparaos para ver a los perros y gatos más humanos de la historia del cine.

a premisa de...

...Como perros y gatos es, a estas alturas, bien conocida por cualquier buen aficionado al cine: en nuestro planeta se libra desde hace muchos años una guerra oculta, de la que los seres humanos no sabemos nada y de la que depende el futuro de la raza humana. Los dos bandos están claramente divididos: perros y gatos, rivales raciales acérrimos desde el principio de los tiempos, han perfeccionado las más avanzadas tecnologías para alcanzar el triunfo final en su constante conflicto. Los gatos luchan por dominar a los hombres y los perros, por evitarlo. Y todo sin que se entere ni un solo ser humano.

de tener éxito, supondrían la cura para las personas alérgicas a los perros. Evidentemente, eso significaría un durísimo golpe para la causa de los gatos, de manera que Mr. Tinkles, el pérfido y hitleriano líder del bando felino, prepara una serie de ataques y maniobras contra la casa de los Brody para evitar que el doctor lleve a buen puerto sus investigaciones. El propósito final de Mr. Tinkles no es otro que robarle la fórmula al Dr. Brody para convertirla en una sustancia que provoque la alergia generalizada hacia los perros, lo que supondría un mazazo para los canes.

ARGUMENTO

Perros y gatos se enfrentan en una lucha eterna que se remonta al principio de los tiempos. El hombre sólo es un espectador

Todo ello se remonta a una antigua rencilla, allá en los tiempos del antiguo Egipto, cuando los perros decidieron unirse, vencer a los gatos y convertirse en los “protectores” de la raza humana. Si damos un salto en el tiempo hasta el siglo XXI, llegaremos a la casa de la familia Brody, cuyo cabeza de familia, el adicto al trabajo Dr. Brody (Jeff Goldblum), trabaja en una serie de experimentos que,

Goldblum y Perkins encarnan al matrimonio Brody

Cine ÂŠ Warner Bros.

Cine Tendremos que acostumbrarnos a ver a perros y gatos manejando complejos aparatos tecnológicos

Sin embargo, los Brody cuentan con unos magníficos guardianes, aunque no sean conscientes de ello. Lou, el pequeño cachorro de la familia, tiene el sueño de convertirse algún día en un agente secreto, de manera que su sorpresa es absoluta cuando su casa recibe la visita de un grupo de agentes caninos muy experimentados dispuestos a frustrar las siniestras intenciones de los lacayos de Mr. Tinkles. Empieza así una película de espionaje y acción atípica como pocas, puesto que los espectadores podrán asistir a todas las escenas y situaciones clásicas en este tipo de cine, pero protagonizadas por perros y gatos, con todas las dificultades de producción que ello conlleva. Nos encontraremos con gatos ninja, bólidos de alta tecnología pilotados por perros, animales manipulando centrales de comunicación y, evidentemente, equipados con el armamento más sofisticado que imaginarse pueda. Incluso nos encontraremos con alguna secuencia que nos recordará a las reuniones de la ONU reales, con los perros debatiendo acaloradamente en una especie de parlamento. Curiosamente, ya que hablamos del argumento, según los rumores éste sufrió una modificación en su conclusión a última hora: al parecer, Larry Guterman, el director, tenía previsto finalizar la película con una escena en la que Mr. Tinkles era ingresado por su dueña en una especie de manicomio para gatos. Según cuentan, la película acababa cuando el empleado del manicomio que se encargaba de Mr. Tinkles se revelaba como un androide ocupado por un buen puñado de gatos, dando a entender que el tiránico gato volvía a ser libre para hacer sus diabluras. Sin embargo, al parecer ese final

En un día cualquiera se trabajaba con unos 27 perros y 33 gatos simultáneamente, puesto que el guión original exigía la presencia de unos 100 animales diferentes no entusiasmó demasiado a los niños que vieron los pases preliminares (de hecho, muchos acababan la película llorando), de manera que se acabó sustituyendo ese desenlace por otro que, evidentemente, no vamos a revelaros aquí por si tenéis previsto ir a ver la película. Baste decir que los gatos, desesperados, decidirán aliarse con otra raza animal para conseguir alcanzar la victoria, pero que aun así no lo tendrán nada fácil.

ANIMALS, ANIMALS El proceso de producción de Como perros y gatos fue, como puede imaginarse, tremendamente laborioso. En un día cualquiera se trabajaba con unos 27 perros y 33 gatos simultáneamente, puesto que el guión original exigía la presencia de unos 100 animales diferentes. Eso implicaba, además, la preparación de instalaciones de entrenamiento específicamente diseñadas para que los animales se ejercitaran, así como la presencia de entrenadores especiales y, cómo no, cientos de kilos de comida para animales. Pero, como cualquier persona con dos dedos de frente sabrá, un gato y un perro no pueden hablar, y mucho menos manejar ordenadores y disparar ametralladoras.

A lo largo de toda la producción los animales fueron entrenados y cuidados con todo el mimo necesario

Cine La expresividad de los animales ha sido uno de los aspectos en los que más han trabajado los técnicos de efectos

El objetivo básico del equipo de efectos era conseguir que el espectador fuera incapaz de diferenciar las tomas con animales reales de las tomas hechas con muñecos o CGI Ahí fue donde entró en juego el equipo de fabricantes de muñecos y marionetistas de la Jim Henson Creature Shop, así como los diversos equipos de técnicos de efectos visuales que, en Como perros y gatos, fueron llevados a cabo por Mill Film, Ltd. y los americanos Tippet Studios y Rhythm & Hues de Los Ángeles. Y es que, evidentemente, como en todas las películas de este tipo, el objetivo básico del equipo de efectos era conseguir que el espectador fuera incapaz de diferenciar las tomas con animales reales de las tomas hechas con muñecos o incluso con criaturas generadas por ordenador. Por eso, cuando Guterman se encontraba ante una escena que los pobres animales eran incapaces de hacer, había que recurrir o bien a los animatronics o, en último extremo, a las CGI. Las diferencias no debían existir, y por eso se recurrió a los mejores en cada uno de los dos campos: a Jim Henson Creature Shop no hace falta presentarles, y por su parte, Rhythm & Hues y Tippet Studios ya habían sorprendido a propios y extraños el año pasado con su magnífico trabajo en El grinch y El hombre sin sombra, respectivamente. Los británicos de Mill Film, Ltd. habían participado, entre otros, en los efectos especiales de la exitosa Gladiator y

en otras películas más recientes, como Hannibal o Chocolat. El propio Guterman se encargaba de supervisar de cerca el trabajo de todos estos técnicos, especialistas, animadores, encargados de sincronización, escultores, etc., en total más de 200, cuyo trabajo debía superponerse de forma perfecta. El primer paso implicaba a los actores animales. Se escaneaba la imagen de cada animal y se registraban sus dimensiones corporales y sus características faciales, a partir de las cuales se podían crear ilimitadas acciones y expresiones digitales. Sin embargo, ya aquí se encontraban con su primer problema: las expresiones que querían crear en los diferentes perros y gatos no eran naturales en su fisionomía, y dado que en un principio el software sólo podía desarrollar expresiones naturales en cada rasgo, el equipo se encontró en un pequeño callejón sin salida. Guterman quería que los animales adoptaran expresiones de agresividad, sorpresa, ira, humor o incluso malevolencia. La solución fue crear una serie de modelos digitales que fueran una especie de versión evolucionada de los animales, algo que no se había hecho nunca anteriormente. A continuación, los chicos de la Creature Shop quienes creaban un modelo de arcilla de cada animal, del que los estudios de FX sacaban nuevas imágenes por ordenador que mostraban la musculatura y el esqueleto, obteniendo un “ciberperro” o “cibergato”, un modelo informatizado que se mueve de forma realista, teniendo en cuenta el peso y la estructura del original real. Por último, en el último paso de preparación, los mario-

Imágenes del rodaje con los animales en Como perros y gatos

Cine Más imágenes de rodaje y fotogramas de la película

netistas de Henson crearon unos muñecos a imitación de cada animal, que se utilizaban para las piruetas y otras acciones extravagantes fuera del alcance de cualquier perro o gato reales. Por lo general, estos muñecos tenían la cabeza y los cuerpos muy pequeños, de manera que los marionetistas tenían muy poco espacio para maniobrar con sus manos una vez introducidas en ellos, lo que, combinado con la delicadeza de los mecanismos interiores de cada modelo, hacía que el riesgo de rotura fuera muy elevado. Evidentemente, hay que tener en cuenta que todos aquellos trabajos simultáneos conllevaban la dificultad añadida de tener que conservar cada detalle de color y textura respecto a los animales reales, lo que en el caso de sus pieles supuso un auténtico reto, ya que es la parte del cuerpo más difícil de simular de manera realista, bien fuera mediante un muñeco o a través de un ordenador. El caso concreto de Mr. Tinkles fue uno de los que más problemas supuso para los técnicos digitales. Se trataba de un gato persa con el pelo muy largo, y cuando ese pelo era generado por ordenador debía comportarse como una unidad con estructura, cediendo y moviéndose como lo haría el pelo cuando algo le roza. Por si eso fuera poco, el pelo debía conservar todos sus reflejos y cualidades de sombra e iluminación que tiene en la vida real. A la vista de los resultados, no es para nada exagerada la afirmación del equipo técnico de la película de que los logros en generación de pelo digital alcanzados con Stuart Little (también responsabilidad de Rhythm & Hues) quedarán obsoletos tras la aparición de Como perros y gatos. Para muestra del resultado final de todo este trabajo, un

Tanto gatos como perros se lo harán pasar canutas a la familia Brody

Los modelos de arcilla de cada animal

Evidentemente, nunca se intentó simular un movimiento que el animal fuera incapaz de recrear desde un punto de vista fisiológico, aunque el resultado final es impresionante botón: en una de las primeras escenas de la película, cuando el cachorro Lou hace aparición, al principio se trata de un animal real, pero poco antes de comenzar a hablar, se sustituyó al animal por su doble en CGI, que sería el que movería la boca para hablar. Una vez concluido su discurso, el pequeño perro, de nuevo en su versión real, sale tranquilamente fuera de plano.

COMBATE ANIMAL Pero la cosa no quedó ahí, ni mucho menos: no bastaba con hacer que los animales movieran la boca y el cuerpo de forma más o menos humana, y que su rango de expresiones fuera extremadamente variado. Los dos bandos estaban metidos en una guerra a muerte, y utilizaban tácticas acordes. Por lo tanto, había que conseguir que los perros y los gatos empuñasen todo tipo de armas, manejasen ordenadores e hiciesen las más acrobáticas piruetas, como si de artistas marciales se tratase. De hecho, se llegó incluso a estudiar los movimientos de un especialista de artes marciales, para desarrollar un estilo de lucha adecuado para los gatos, que tienen los cuartos traseros mucho más fuertes que los cuartos delanteros. Evidentemente, nunca se intentó simular un movimiento que el animal fuese incapaz

Cine Lou y sus amigos caninos deberán volver a jugarse el cuello para salvar a los incautos humanos

Como perros y gatos se ha sumado a la moda actual de incluir las voces de actores famosos en su banda de audio, aunque no se trate exactamente de una película de animación de recrear desde el punto de vista fisiológico, pero no obstante los resultados fueron impresionantes. Por supuesto, el soporte informático necesario para procesar la enorme cantidad de información de cada uno de los animales digitalizados no está al alcance de cualquiera. En Rhythm & Hues, por ejemplo, tuvieron que implementar máquinas con una capacidad de almacenamiento enorme, y en los casos en que la película debía ser proyectada en un cine IMAX (con el consiguiente aumento de píxels en la resolución de pantalla), se alcanzaban muchos terabytes de información guardada en disco.

ACTORES PERRUNOS Por último, no podemos dejar de hablar del doblaje, y es que, naturalmente, Como perros y gatos se ha sumado a la moda actual de incluir las voces de actores famosos en su banda de audio, aunque no se trate exactamente de una película de animación. Así, Lou, el cachorro protagonista de la película, contará con la voz de Tobey “Spider-Man” Maguire, mientras que Mr. Tinkles, el “malo” del largometraje, estará encarnado por Sean Hayes, que ya contaba con cierta experiencia en el doblaje de personajes tras haber dado vida a Buzz Lightyear (de Toy Story) en sus aventuras editadas en vídeo. Entre otros, Alec Baldwin, Susan Sarandon (que repite en un producto así tras su participación en Rugrats en París), Michael Clarke Duncan (que algunos recordarán de La milla verde, y a quien pronto podremos ver en El planeta de los simios), Jon Lovitz (Granujas de medio pelo, Happiness) o Joe Pantoliano (que ya contaba con una gran experiencia como doblador tras participar en series de animación como Hercules o Godzilla) prestaron sus voces a los perros y gatos que aparecen a lo largo de la película. El reparto lo completan Jeff Goldblum, Elizabeth Perkins y el joven

Alexander Pollock, que encarnan respectivamente al matrimonio Brody y al pequeño de la familia.

CONCLUSIÓN Podríamos decir, sin miedo a equivocarnos, que Como perros y gatos es uno de los grandes “tapados” de este verano. La película ha llegado hasta nuestras pantallas sin hacer demasiado ruido, pero sin lugar a dudas es una de las más recomendadas para cualquier tipo de público. Los más pequeños disfrutarán con las correrías de los heroicos perros y los maléficos gatos, mientras que los buenos aficionados a los efectos podrán contemplar algunos de los FX sobre animales más potentes de los últimos años, sin exagerar en absoluto. Si a todo eso le añadimos el guión, mucho más trabajado que en otras producciones de este tipo, y la acción trepidante que abarca todo el metraje de la película, y que en ocasiones nos hará pensar que en realidad estamos viendo un episodio clásico de los Looney Tunes, el resultado es un producto más que interesante. Eso sí, os aseguramos que nunca volveréis a mirar a los perros y a los gatos de la misma forma.

COMO PERROS Y GATOS EN LA RED: www.catsanddogsmovie.com

Página oficial de la película en inglés. Incluye información sobre los principales protagonistas de la película, sobre las organizaciones secretas canina y felina y sobre el proceso de producción del film.

Eusebio Sánchez

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¡SOCORRO!

SOY UN PEZ Un triunfo de la animación europea

El estreno, el próximo 10 de agosto, del largometraje danés ¡Socorro! Soy un pez constituye una refrescante alternativa a una cartelera veraniega dominada por títulos animados de procedencia mayoritariamente estadounidense y japonesa.

o obstante, el estudio...

...que lo ha realizado, A-Film, no es ningún debutante en el campo de la animación, como veremos a continuación. Al igual que sus vecinos nórdicos, Dinamarca ha contado a lo largo de los años con una producción de animación relativamente escasa en cantidad (hasta tiempos recientes) pero más que digna en calidad. Ya a finales de la década de 1910, pioneros como Svend Brasch y Robert Storm-Petersen crearon las primeras películas de animación danesas.

UN POCO DE HISTORIA ¡Socorro! Soy un pez es una coproducción entre Munich Animation y el estudio danés A-film, entre otros

En los años 30 destacó la figura de Jørgen Miller, creador del personaje de Columbus. En 1946, justo un año después de que en España Arturo Moreno realizara Garbancito de la Mancha, Dinamarca se convertiría en uno de los primeros países europeos en

lanzar un largometraje de animación con Fyrtøjet (El mechero mágico), adaptación de un cuento de Hans Christian Andersen, dirigido por Allan Johnsen. En años sucesivos madurarían nombres como Walter Lehmann, Ib Steinaa, Flemming Quist Møller o Jannik Hastrup, este último con más de media docena de largometrajes en su haber. Otros nombres de la animación danesa alcanzarían la consagración fuera de su tierra natal. Børge Ring se instalaría en Holanda a principios de los 50, trabajando básicamente en el campo publicitario y realizando algunos cortos personales, uno de los cuales, Anna and Bella (1984), le valdría el Oscar. Otro danés expatriado, Kaj Pindal, emigraría a Canadá en 1957, donde devendría uno de los pilares del National Film Board. Más recientemente, Jørgen Klubien

Cine ÂŠ A-Film/Munich Animation

Cine Diseños de fondos para ¡Socorro! Soy un pez

ha trabajado en Estados Unidos para Disney desde finales de los 70, tanto en las películas de dibujos de la casa como en las de otras técnicas (Pesadilla antes de Navidad, James y el melocotón gigante, Bichos). En 1986 vio la luz un ambicioso proyecto, Valhalla, film basado en el cómic homónimo semihumorístico sobre los dioses nórdicos, de gran éxito en los países escandinavos, creado por Peter Madsen, quien firmó asimismo la dirección de esta adaptación. Aunque la productora de Valhalla, Swan Film, tenía previsto realizar una secuela a continuación, la quiebra se lo impidió. Pero después de que Swan Film cerrara sus puertas, otras puertas se abrirían para la animación danesa.

A-FILM: CON “A” DE ANIMACIÓN Fundada en 1988 por cinco ex-colaboradores de Swan Film (Stefan Fjeldmark, Anders Mastrup, Karsten Kiilerich, Hans Perk y Jørgen Lerdam), A-Film se dedicó en primer lugar a la realización de anuncios y a ejercer de empresa de servicios para diversas productoras. En este último campo, A-Film ha elaborado animación para diversas cintas de Don Bluth (Pulgarcita, El jardín mágico de Stanley, Hubi el Pingüino) y para títulos tan variopintos como Ferngully, Astérix en América, Balto o La espada mágica. Por fin, en 1993, A-Film lanza su primera producción propia, Jungledyret Hugo (literalmente “Hugo, el animal de la jungla” o, en inglés, Jungle Jack). El largometraje cuenta la historia de Hugo (o Jack), una peluda y extraña bestezuela que vive en la selva amazónica y que, perseguida por un magnate cinematográfico y su esposa, una excéntrica coleccionista de animales raros, se cuela de polizón en un barco que le llevará a

Algunas de las producciones en las que ha formado parte A-Film

Fundada en 1988 por cinco ex-colaboradores de Swan Film, A-Film se dedicó en primer lugar a la realización de anuncios y servicios Copenhague, donde correrá varias aventuras, incluyendo un idilio con una joven zorra llamada Rita y un reencuentro con sus perseguidores, para finalmente volver, en el mismo barco, a su selva natal. El éxito de este largo en Dinamarca y otros países propició la aparición de una secuela en 1996, Jungeldyret Hugo: det store filmheld (“Hugo, el animal de la jungla: la gran estrella de cine”), donde el protagonista vuelve a abandonar la selva y regresa a la civilización al caer en manos de un productor cinematográfico, que desea convertirlo en una estrella de la pantalla, aunque al final acaba siendo rescatado por Rita. En España, la primera de estas películas solamente fue vista en catalán, con el título de Jan de la Jungla, distribuida por Drac Màgic-Rialles. La segunda sí fue exhibida en castellano en todo el estado, rebautizada Jack, rey del Amazonas, y distribuida por Filmax. A-Film ha cultivado también la producción de series televisivas. En 1996, y en coproducción con el estudio Cologne Cartoon, realizó Petzi, serie de 26 episodios de 5 minutos basada en un clásico del cómic danés creado por Carla y Vilhelm Hansen, protagonizada por un osezno trotamundos. El mismo año retomó la serie Benjamin Blümchen, que había sido iniciada por el estudio berlinés Hahn Film, protagonizada por un elefante muy popular en Alemania, y del que se han rea-

Cine Hoja modelo de personajes, storyboards y giros de los personajes de ¡Socorro! Soy un pez

A-Film cuenta con una plantilla de 60 colaboradores que lo consolidan como el más importante estudio del norte de Europa lizado numerosos especiales para vídeo. Otras series incluyen Mumble Bumble (1988), serie didáctica protagonizada por un hipopótamo, una rana y un polluelo, dedicada a enseñar manualidades al niño televidente, y Troll Tales (1999). Actualmente está en preparación una serie de 13 episodios protagonizada por Hugo. Otro terreno que ha experimentado A-Film son los cortos “de autor”, entre los que se cuenta Nr livet gr sin vej (Cuando la vida se va, 1997), dirigido por Karsten Kiilerich, creado a partir de dibujos de niños y con voces de estos últimos narrando qué se siente cuando fallece un familiar querido; este corto obtuvo una nominación al Oscar. Run of the Mill (1999) es otro corto, coproducido con Holanda y dirigido por el ya citado Børge Ring, que explica una historia antidroga y ha obtenido también varios galardones. En estos momentos, A-Film cuenta con una plantilla fija de 60 colaboradores, que lo consolidan como el más importante estudio del norte de Europa; además de repartir trabajo a estudios de otros países durante las producciones de mayor calibre, posee desde 1996 una sucursal en Estonia, A-Film Eesti.

DE PROYECTO A REALIDAD El proyecto inicial de ¡Socorro! Soy un pez (Help! I’m a Fish en inglés, o más exactamente en el original

danés, Hælp! Jeg er en Fisk) fue ideado por Kiilerich y Stefan Fjeldmark a principios de los 90; al principio iba a titularse Twinky, Swifty & Ploop y sus protagonistas eran un pez, una estrella de mar y una medusa similares a los que aparecen en la película definitiva. El concepto fue sufriendo modificaciones a lo largo de algún tiempo por diversas manos, hasta que surgió la idea de hacer que los animales acuáticos fuesen en realidad niños que han sido transformados en tales, lo que permitiría una mayor identificación por parte del público infantil. El argumento definitivo gira en torno a tres personajes: el intrépido y “enrollado” Fly, su tierna hermana menor, Stella, y el primo de ambos, el tímido y empollón Chuck, que suele ser objeto de burla del primero. Por iniciativa de Fly, y aprovechando la ausencia de los padres de éste y Stella, deciden ir de pesca. Durante la excursión, descubren el laboratorio de un sabio distraído; todo se complica cuando Stella se bebe por error (confundiéndola con un refresco) una poción inventada por aquél, que convierte a los humanos en peces. La niña se ve automáticamente trasladada al fondo del océano y transformada en estrella de mar. Chuck y Fly deciden ir a rescatar a Stella para darle un antídoto que le devolverá su forma humana, para lo que cuentan con un plazo de 48 horas: de no tomar el antídoto transcurrido dicho plazo, Stella quedará convertida en estrella de mar para siempre. Los dos muchachos toman a su vez la poción, pasando a ser Fly un veloz pez volador y Chuck una rechoncha (y un tanto irrisoria) medusa. Los problemas surgen cuando la botella del antídoto, por accidente, va a parar a manos de Joe, un pez piloto que adquiere inteligencia

Carteles, modelos y giros de algunas de las series y producciones de A-Film

Cine El proceso desde la generación de la ballena en la pantalla de un ordenador hasta el fotograma final del film

y el don de la palabra al ingerirlo, lo cual hará nacer en su mente un maquiavélico y siniestro plan para convertirse en amo y señor de los océanos. Fly y Chuck deberán rescatar el preciado antídoto para detener el diabólico proyecto de Joe y volver a ser, ellos y Stella, como eran antes; durante su aventura acuática, hallarán un aliado en Sacha, un caballito de mar que se había hecho amigo de Stella y, en definitiva, “crecerán” personalmente un poco, aprendiendo, especialmente Fly, a valorar a Chuck. La cinta no ha regateado esfuerzos en la animación, combinando las técnicas tradicionales (para los personajes) y la animación 3D (básicamente, para los fondos submarinos), habiendo requerido más de quince meses de trabajo y una producción repartida en tres grandes estudios: además del propio A-Film, participaron el dublinés Terraglyph y el muniqués Munich Animation. El primero es conocido principalmente por el largometraje Carnivale (1998), dirigido por Deane Taylor. Munich Animation ha elaborado The Fearless Four (Los músicos de Bremen, 1997), dirigido por Michael Coldewitz, y actualmente está realizando Till Eulenspiegel. En este último estudio colaboró Javier Martín, que los lectores de Píxel ya conocen por su artículo aparecido en el nº7 relatando su experiencia en Alemania. Según recuerda el propio Javier, “a los animadores se les exigía una producción mensual de 14 segundos, que en los primeros meses no se alcanzaron ni de lejos por culpa de las continuas correcciones. Por eso hubo que recultar a más gente, como yo, y mandar trabajo a animadores en otros países, lo que en principio no estaba previsto.” (1) Martín no fue el único español

Arriba, escenas de la producción de ¡Socorro! Soy un pez; abajo, fotogramas de l film

La cinta no ha regateado esfuerzos en la animación, combinando la técnica tradicional (personajes) y la animación 3D (fondos) que intervino en la película, ya que parte de la animación del film se realizó también en el estudio catalán Acció y en los madrileños Moro y Monigotes. No era ésta la primera colaboración entre A-Film y un estudio español, pues anteriormente, los daneses ya habían empleado los servicios de otros, como Rodamina y Milímetros, para sus producciones.

UN ÉXITO MERECIDO El estreno de ¡Socorro! Soy un pez en Dinamarca el pasado 10 de octubre se vio recompensado por un gran éxito de público (se mantuvo en el primer puesto de las películas más taquilleras del país durante sus dos primeras semanas en cartel) y los parabienes de la crítica, además de haber sido premiada en el Festival de Chicago, y de haberle proporcionado a AFilm el Cartoon Movie Tribute 2001, otorgado el pasado marzo en Potsdam, en el marco del foro Cartoon Movie, por la contribución de dicha productora a la animación europea. Actualmente, ¡Socorro! Soy un pez está gozando de una amplia difusión internacional, y ya ha sido distribuida en la mayoría de los países europeos, además de en diversos países árabes, Latinoamérica y Extremo Oriente. Incluso existe la posibilidad de que también pueda verse en un terreno de tan difícil penetración para las producciones europeas

Cine La animación tradicional en 2D también se apoyó en ordenadores para completarse

Películas como ¡Socorro soy un pez! son ejemplos de que un largometraje animado europeo puede y debe triunfar internacionalmente

puede coexistir perfectamente con el pez grande sin temor a ser devorado por este último. Sirva todo ello de aliento a los diversos largometrajes animados que en España se hallan actualmente en fase de proyecto o realización. NOTAS:

como son los Estados Unidos. Hasta se ha comenzado a trabajar en un proyecto de serie de animación para televisión basada en la película. En España, la cinta nos ha llegado de la mano de Planeta 2010, que ya distribuyó el año pasado otro éxito de la animación europea, la italiana Historia de una gaviota. Planeta 2010 no ha escatimado esfuerzos en la difusión del largometraje, y además de una impecable traducción al español de la página web oficial de la película, también ha emprendido una simpática iniciativa de la que ya os hablamos en el pasado número de Píxel: para elegir a una de las voces encargadas de doblar al castellano a uno de los protagonistas, Televisión Española ha emitido un breve espacio-concurso, de título La pecera, cuyo vencedor tendrá el gustazo de participar en el doblaje de una película de animación, aportando su propia voz para dar vida a uno de los personajes. Películas como ¡Socorro! Soy un pez, la citada Historia de una gaviota o la todavía por estrenar entre nosotros Kirikou et la sorcière, entre algunas otras, son claros ejemplos de que un largometraje animado europeo de calidad puede y debe triunfar en el mercado internacional, demostrando perfectamente que Disney y las majors norteamericanas no necesariamente han de monopolizar dicho mercado; en suma, que el pez chico

(1) Javier Martín, “Mi experiencia en Alemania”, Notícies (boletín de Asifa-Catalunya) nº 21, págs. 8-9, dic. 2000/enero 2001

¡SOCORRO! SOY UN PEZ EN LA RED: www.socorrosoyunpez.com

Página oficial de la película en español. Además de información, incluye fotogramas, fondos, diseños de personajes e incluso algunos clips de animáticas. Muy recomendable. www.afilm.com

Página oficial del estudio danés A-Film, en inglés.

Alfons Moliné

¡Socorro! Soy un pez es uno de los estrenos animados más interesantes del verano; hasta ahora su acogida a nivel internacional ha sido inmejorable

BRYCE y3

D POSER Softwares 3D a nivel doméstico

En este número os vamos a hablar de dos programas que, más que paquetes 3D completos, son unas herramientas muy específicas. Nos referimos al programa de animación de personajes Poser y al de creación y animación de decorados Bryce.

oser es un programa...

Aunque tanto Bryce como Poser son programas especializados, el uno en la animación de personajes y el otro en la creación y animación de decorados, ambos ofrecen una gran versatilidad de trabajo

...que pertenecía hasta hará unos meses a Metacreations, la otrora gigante de la industria de la infografía para máquinas de bajo coste, especializada en la plataforma Mac. Tal como os explicamos el mes pasado, esta empresa ha cambiado su estrategia empresarial y ha dejado de vender software para pasar a generar contenidos para la Web, razón por la que a finales del año 2000 se deshizo de sus principales licencias. Poser, ya en su versión 4.0, ha sido vendida a la pequeña empresa americana Curious Labs, joven compañía que, mientras prepara la versión 5 de este afamado software, ha presentado la versión 4.03, destinada a solucionar algunos bugs que dejó por resolver Metacreations, así como un add-on del programa llamado Poser Pro Pack, que no es más que una serie de librerías nuevas y unas cuantas herramientas de deformación facial que son un adelanto de lo que preten-

den que incluya la próxima versión definitiva. Los dos CDs que forman el paquete también incorporan una pequeña aplicación llamada LIPsync Mimic, que automatiza de forma correcta la sincronización labial. En sí, Poser es un curioso programa de animación de personajes predeterminados. Carece de un modelador propiamente dicho, ya que todo lo que en un principio se puede hacer es cargar personajes, tanto humanos como animales, de las múltiples bibliotecas del programa, así como de un buen puñado de páginas Web. El paquete tiene su principal virtud en el character setup, que ya viene determinado por el programa, y que permite animar sin necesidad de tener conocimientos técnicos para preparar una malla para ser animada. En un principio, cuando sus herramientas de animación eran más toscas, una de sus facetas más importantes era la de proporcio-

3d ÂŠ de sus respectivos propietarios

3d El punto fuerte de Poser es la animación de personajes, que ofrece resultados más que dignos para tratarse de un software doméstico

nar a diseñadores y dibujantes modelos virtuales que podían verse desde todos los ángulos, y que además se podían manipular para que adoptasen las poses deseadas. En esos tiempos, varios dibujantes de cómics vieron en esta herramienta una forma rápida de tener referencias de modelos humanos sin tener que contratar a un modelo o engañar a un amigo para tal fin. Pero con el tiempo, Poser ha ido incorporando un discreto pero efectivo sistema de animación que permite generar pequeños clips he incluso actings faciales. De sus últimas versiones destacan los nuevos importadores, que permiten, no sin algo de esfuerzo y paciencia, cargar geometrías de otros programas con un modelador poligonal y aplicarles todos los sistemas de huesos y setup predeterminados de los personajes de las librerías.

INTERFAZ Lo primero que destaca de Poser en su interfaz es el marcado estilo que en su día impulsó Metacreations a todos los interfaces de sus programas, con la idea de generar una especie de marca de empresa y una filosofía común de trabajo. El interfaz destaca por su sencillez y por un aspecto que en algún momento le puede restar cierta credibilidad, con ciertas florituras de cara a la galería de poca utilidad real, botones demasiado grandes, pantallas auxiliares animadas o iconos que, de no ser por los textos de explicación, serían de lo más críptico. De todas formas, Poser tiene una serie de ventajas sobre sus antiguos "hermanos", ya que aquí no tenemos que estar constantemente cambiando de módulo o pantalla para acceder a diferentes elementos del proyecto. Todo está en la misma pantalla, y destaca lo poco apelotonadas que están las herramientas. En medio tenemos el visor del espacio 3D, donde se sitúa el personaje; a la derecha, los controles del objeto seleccionado. En la parte inferior se colocan los tipos de visualización, que ocupan demasiado sitio teniendo en cuenta su escasa importancia a la hora de trabajar. A la izquierda tenemos unas herramientas de navegación e iluminación muy curiosas y preciosistas pero de cierta complicación de manejo y, por último, sobre la ventana de trabajo, tenemos las herramientas de operación: escalado, rotaciones, torsiones, etc. Por defecto, tanto en el lado derecho de la pantalla como en la parte inferior podemos "estirar" dos venta-

De las últimas versiones de Poser destacan sus importadores, que permiten cargar geometrías de otros programas nas supletorias donde encontramos un rudimentario Timeline, donde podemos reproducir, rebobinar o adelantar cualquier animación, así como marcar fotogramas. La pantalla de la derecha hace referencia a las bibliotecas, donde contamos con diferentes modelos humanos, animales, elementos de decorado, cámaras y luces ya predeterminadas. Por último, comentar la curiosa diferencia entre esas herramientas de programa, que no han sufrido ningún cambio desde su primera versión, y las más recientes. Las primeras mantienen su austero diseño, de texto negro sobre fondo blanco, mientras que las últimas son todo un alarde de diseño. Algo de lo que Metacreations se podría haber encargado de igualar. En esencia, el interfaz es funcional, algo lioso por la cantidad de ventanas que puedes tener abiertas así como por la escasa importancia que se le da a lo que más espacio debería de tener, que no es sino el área de trabajo, aunque ésa se puede ampliar a costa de tapar el resto de herramientas.

MODELADO No podemos hablar de un sistema de modelado propia-

Imágenes de interfaz de Poser

3d Puede que el interfaz de Poser sorprenda un poco en un principio, pero no cuesta demasiado acostumbrarse a su atípica disposición

En Poser, todo el modelo está partido en subestructuras físicas, de manera que podemos escoger un brazo, el cuello ,etc. mente dicho en este programa, pues carece de herramientas de trabajo con polígonos o subelementos. Poser sólo aporta herramientas que afectan al escalado de cada una de las partes del modelo o al tapper, que es un tipo de escalado que actúa en sólo uno de los extremos de la pieza; así, si aplicamos esta deformación a una pantorrilla, sólo escalará la parte del tobillo, dejando la juntura de la rodilla igual. Con la intención de dotar al programa de una mayor personalización de los modelos de librería, Poser 4 ha incorporado unas herramientas de deformación que parecen ser el caballo de batalla de futuras versiones. De momento dichas herramientas sólo se aplican a ciertos elementos de la cara y la cabeza del personaje, cosa que, muy pomposamente, Curious Labs presenta como la herramienta definitiva de generación de auténticas diferencias étnicas a sus modelos. Pomposo porque no son más que unos deformadores representados por un icono en forma de imán unido a partes específicas de la geometría facial, como la nariz, cejas, mentón y orejas. Dichos deformadores son difíciles de controlar, y ante cualquier descuido se crean personajes más parecidos al hombre elefante que a otra cosa pero,

como mínimo, parece que están dispuestos a aportar soluciones a uno de los mayores hándicaps de este programa, la extrema similitud de sus modelos.

CHARACTER SETUP Quizás sea éste el principal punto de referencia del programa, no tanto por las posibilidades de programación de optimizaciones y mecanizaciones de animación de personajes, sino por el control que el programa aporta de salida a los modelos que queramos animar. Una vez elegimos uno entre las extensas bibliotecas de modelos, el programa genera directamente todos los controles de animación, así como todas las jerarquías de huesos y asignación de pieles a la misma. Todo el modelo está partido en subestructuras físicas, de manera que podemos escoger un brazo, una pantorrilla o pie, el cuello, el abdomen, etc., con el que operar. Destaca en este punto que el usuario en ningún momento opera con los huesos, sino que lo hace con la malla de geometría que está encima suyo. En cuanto a los sistemas de Inverse Kinematics, éstos son fácilmente activables, tanto en piernas como en brazos, mientras que los del resto del cuerpo no son en absoluto configurables. Destacar también el apartado referente a las expresiones faciales, así como la sincronización labial, que se puede controlar, bien por una serie de extensas bibliotecas de gestos predefinidos, bien por los parámetros incorporados en la cara por defecto, siendo posible mezclar ambos sistemas. Por último, cabe destacar la novedad de poder importar modelos desde la mayoría de estándares del mercado, como OBJ, 3Dstudio, DXF, etc. La gran virtud de esta opción no radica sólo en poder importar mallas de otros programas, sino en la incorporación de un gestor de setup, en la forma de las pantallas Hierarchy Editor y Joint Editor, de tal forma que, siguiendo unas normas de modelado y nomenclatura de las partes del objeto, podemos hacernos nuestras propias librerías. Eso sí, no es un proceso sencillo, pero con un poco de práctica se pueden llegar a hacer animaciones originales al no tener que usar las librerías del programa que, aparte de muy reconocibles, están más que trilladas.

ANIMACIÓN Aunque con el tiempo Poser ha ido mejorando este punto, especialmente desde el despegue de los ordenadores personales, su sistema dista un poco de ser Poser también tiene un más que decente sistema de iluminación

3d realmente productivo, pues le falta algún tipo de herramientas que haga el sistema un tanto menos farragoso. En esencia funciona de igual forma que la mayoría de sistemas: ponemos a nuestro personajes en la posición deseada en un fotograma determinado, para lo que se usa la Timeline, y se graba un keyframe. Así sucesivamente hasta haber completado todo el acting. El problema radica en la cascada de asignación de dichos fotogramas, en especial a la hora de animar partes del personaje que controlan otras partes, como un hombro con respecto al brazo. En ese caso, hay veces enque los keyframes se solapan, generando saltos bruscos en la animación, sobre todo cuando tenemos desactivados los Inverse Kinematics. Otro de los puntos que parece básico para las mejoras en futuras versiones son las pantallas de apoyo a los procesos de animación, que se limitan a la Animation Palette y la ventana de curvas de control. La primera funciona como una sencilla versión del Dope Sheet de Maya o Softimage, donde podemos editar las posiciones de los fotogramas en el tiempo, haciendo que las cosas ocurran de forma más o menos rápidas. En esta pantalla las opciones son las correctas, pero quizás resulta algo confuso el hecho de que todos los parámetros animables estén constantemente presentes, cosa que, en ocasiones, convierte la ventana en un auténtico galimatías. Curiosa es también la opción del Walk Designer, una especie de plug-in que nos permite generar una animación de un bípedo andando a base de controlar unos sencillos sliders, determinando cuánto sube y baja la cabeza en cada paso, cuánto se contornea la cadera, cómo se mueven los brazos, etc. Este sistema sólo tiene una pequeña pega, y es que todos los sistemas automáticos de animación acaban quedando un tanto mecánicos, pero si lo queremos utilizar como borrador sobre el que trabajar luego es bastante útil. El programa incorpora un sencillo pero funcional sistema de animación por morphing, deformando una geometría hasta adquirir una forma totalmente distinta a la original, tomando como objetivo cualquiera de las figuras de las librerías o incluso con objetos importados de otros programas. Por último, comentar la posibilidad de intercambiar animaciones entre distintos modelos: al tener un sistema de setup común a todos los modelos de las librerías, los ficheros de animación son perfectamente intercambiables entre unos y otros, sólo hay que tener cuidado cuando intentemos hacer esta operación entre un personaje bípedo y cuadrúpedo, porque lógicamente el resultado será un tanto extraño.

Cómo vestir a un modelo en Poser

TEXTURIZACIÓN E ILUMINACIÓN En el campo de la texturización, Poser está lejos de lo que sería lo deseable, sobre todo teniendo en cuenta que su sistema casi no ha variado desde las primeras versiones del programa. Es terriblemente limitado y poco práctico, ya que hasta que no se tira el render es muy difícil ver qué aspecto tienen realmente las texturas combinadas con las luces y el modelo. También resaltar que son muy pocos los parámetros manejables: tan sólo dos mapas, para el difuse (color base del objeto) y el bumping (relieve). El resto de parámetros (especular, transparencia, etc.) tienen unos controles que en el mejor de los casos no pasan de pobres. Se echa en falta una pantalla de previsualización de texturas, así como un control de aplicación de texturas. En cuanto a la iluminación, Poser vuelve a estar un tanto limitado, pese a contar con una extensa librería para tal efecto. Dispone de una serie de luces ambientales por defecto que funcionan más o menos bien, pero más allá de esto tan sólo podemos añadir focos. Éstos son los dos únicos tipos de iluminación posibles. Se echa en falta también que los spots o focos se puedan manipular en la pantalla de visualización, ya que así sería más fácil cuadrarlos con el personaje, en vez de

En el campo de la geometría, Poser está algo lejos de lo que sería deseable, ya que apenas ha variado desde sus primeras versiones

Bryce 4 ofrece un interfaz relativamente semejante al de Poser, y aquí arriba tenéis una muestra de cómo se puede usar para modelar una primitiva

3d caciones, ésta es una buena opción para empezar a adentrarse en los entresijos de la animación. De uso sencillo y rápido aprendizaje, su precio también es realmente atractivo: por unas 50.000 ptas. tienes todo lo necesario para crear tus primeros personajes virtuales.

BRYCE

Imágenes del interfaz de Bryce

tenerlos en una especie de herramienta paralela en el extremo superior izquierdo de la pantalla.

RENDER El render de Poser, aunque sencillo, es aceptable. Carece de sistemas sofisticados de algoritmos basados en iluminación global y ni tan siquiera su raytracing es una maravilla, pero teniendo en cuenta la pobreza del control de texturas, tampoco se echa en falta que el render sea mejor. Choca su lentitud teniendo en cuenta su escasa sofisticación. No obstante, vale la pena destacar dos curiosos sistemas de render: el Sketch y el Toon. El primero nos permite renderizar una imagen como si hubiese sido dibujada a carboncillo, mientras que Toon genera una imagen similar a las de los dibujos 2D, con bastante buen resultado.

EN CONCLUSIÓN Poser es un curioso programa, con el que se pueden animar personajes 3D con bastante facilidad. Su única pega es la poca originalidad de los modelos de sus librerías y la necesidad de un programa de modelado externo para generar piezas totalmente originales. Pero si lo que te gusta es animar sin mayores compli-

La única pega de Poser es la poca originalidad de los modelos de sus librerías y la necesidad de un programa de modelado externo

Al igual que Poser, Bryce, KPT Bryce en sus orígenes, formaba parte del extenso catálogo de Metacreations. Con el ya comentado cambio de estrategia de la empresa norteamericana, Bryce también acabó cambiando de manos. Así fue como la gigante Corel se hizo a finales del año pasado con esta licencia. Bryce nació como parte de la estrategia de Metacreations, a mediados de los 90, de ofrecer un sinfín de productos pequeños y muy específicos, que era la forma de afrontar unos costes de desarrollo menores. Una de las características principales de estos pequeños softwares era su interrrelación, pues prácticamente todos tenían exportadores nativos entre sí. Otra particularidad que han ido arrastrando estos programas, y especialmente Bryce, es su orientación original hacia el campo de la ilustración, limitación obvia en aquellos momentos en que las máquinas no eran precisamente unos portentos del cálculo de coma flotante. Con la llegada de los PC, cada vez más potentes, y la irrupción de los flamantes Power PC de Apple, Metacreations intentó añadir a Bryce ciertas facetas de animación, principalmente vuelos virtuales, pero persistió en su filosofía de fragmentar sus utilidades, de manera que si querías modelar tenías que hacerte con Infini-D, o posteriormente con Carrara, mientras que si lo que querías era animar personajes tenías que recurrir a Poser. A la postre, y con la venta masiva de Metacreations, esa táctica provocó que algunos de sus programas parezcan haberse quedado cojos. Esa política está siendo corregida por parte de las nuevas compañías que se han hecho con las licencias en sus nuevas versiones, y en especial manteniendo una relación de cooperación para mantener la buena interrelación de los antiguos programas de Metacreations. Al igual que la mayoría de compañías que se han hecho cargo de los restos del "naufragio" de Metacreations, los primeros pasos de Corel con este programa consistirán en la presentación de una versión 4.01, antes de ofrecer, posiblemente en el Sigrapph de este año, la versión 5.0, en la que se espera ver un nuevo sistema de modelado que mejore uno de los puntos flacos del programa.

INTERFAZ Al igual que Poser, Bryce tiene el sello característico de

Últimos pasos del modelado de la primitiva en Bryce

3d Bryce es lo bastante versátil para ofrecer un resultado más que satisfactorio con cualquier tipo de decorado

los interfaces de Metacreations, caracterizado por una pantalla de visualización pequeña para los estándares de la industria y un sinfín de iconos de aspecto muy cuidado, poblando todos los lados de la pantalla. Así pues, en la izquierda de la pantalla tenemos las herramientas de movimiento. Las de creación de objetos y modelado, que ofrecen pocas opciones en este apartado, y los efectos de edición e iluminación están en la parte superior, debajo de los tres menús principales: Create, Edit y Sky&Fog, que modifican el interfaz, abriendo o cerrando opciones de trabajo que se colocarán en la barra de creación. Destacar que el propio interface de Bryce incorpora una pequeña pantalla de previsualización casi en render final, algo muy útil teniendo en cuenta lo impredecible que puede ser en Bryce cambiar, aunque sea de forma sutil, los parámetros de luces y cielos. Aparte de sus funciones en el interfaz estándar, Bryce está plagado de ventanas flotantes, que en su mayoría hacen referencia a las innumerables librerías de iluminaciones, cielos, decorados, etc. En esencia, dicho interfaz es al principio un tanto lioso de manejar, máxime teniendo en cuenta lo simple que es el programa. Pero tras un estudio del mismo, con especial atención a los Help Boxes, uno empieza a hacerse una idea de dónde se encuentra cada cosa y para qué sirve.

MODELADO El modelado en Bryce tiene dos vertientes bien diferenciadas. En primer lugar tenemos el modelado de decorados: terrenos o montañas. En ambos casos, el programa nos lleva a un generador de superficies poligonales, basado en un sistema de niveles topográficos. Consiste en una pantalla que, mediante un mapa, genera un terreno en escalas de grises, tomando el negro como la mínima altitud y el blanco como la máxima. En dicha ventana podemos crear los mencionados mapas topográficos por medio de imágenes bitmap generadas en otro programa o usar los numerosos fractales del programa. Además, esta función está plagada de opciones, basándose en un slider que nos permite controlar la suavidad de la transición entre un nivel de gris al siguiente, dotar de mayor o menor erosión al terreno, acantilados más o menos escarpados, etc. También podemos acceder a un rudimentario painter con el que pintar sobre el mapa, pudiendo generar tipografías grabadas en la roca o crear cráteres a nuestro gusto. Con algo de paciencia, esta herramienta se puede usar como modelador de elementos inorgánicos, (espadas, ruedas, etc.), siempre bastante simples. El otro tipo de modelado se emplea con los objetos que no son decorado, los llamados props. Bryce aporta la posibilidad de generar un número aceptable de primitivas,

Cabe destacar que Bryce tiene una extensa librería que se puede ir ampliando con los innumerables freewares que corren por la Web como cubos, conos, esferas, etc. El problema es que estos objetos tienen muy pocas herramientas para ser tratados a posteriori, y mucho menos para poder trabajar a niveles de subelementos como los vértices o caras que los componen. Esta deficiencia complica mucho la posibilidad de crear elementos no naturales de calidad en la escena, por lo que nos vemos obligados a importarlos desde otros paquetes 3D. Por último destacar que Bryce tiene una extensa librería que se puede ir ampliando con los innumerables freewares que corren por la Web, de props naturales para decorados, como pueden ser rocas de todas formas y colores, así como gran cantidad de árboles y vegetación. Estos props son en muchos casos configurables, con lo que podemos generar fácilmente un bosque con sólo un par de clics de ratón. Dichos props tienen además una ventaja, y es que no son modelos en sí, sino referencias, objetos que no están físicamente en la escena, ante lo cual no saturan el procesador, sólo cargan el cálculo cuando se hace el render final y el programa llama realmente a los modelos físicos y los substituye por las referencias.

TEXTURIZACIÓN E ILUMINACIÓN Uno de los puntos más destacables de este programa es justamente la texturización, no tanto por sus herramien-

Poser también puede resultar útil con la ropa de los modelos

3d En el aspecto de la iluminación, Bryce cumple los mínimos sin demasiados alardes

Bryce es un programa cargado de sorpresas gratas, destinado a la creación de imágenes específicas, y ahí radica su principal pega tas, sino más bien por las extensas bibliotecas que tiene. Están presentes todo tipo de materiales, desde las aguas más realistas hasta las rocas más ásperas, pasando por todo tipo de césped, maderas, etc. Todas estas texturas son configurables, así que a partir de las que vienen por defecto se pueden generar miles de librerías nuevas. Por su parte, los parámetros que tenemos a nuestra disposición en las texturas no son muy numerosos, y alguna vez se echan en falta elementos como especulares secundarios o refracciones reales, pero aun así sorprende la calidad que se puede conseguir con un sistema tan simple. La iluminación no es ninguna maravilla, pero al igual que pasa en la texturización lo poco que hace lo hace de lujo.Sólo tenemos a nuestra disposición luces de tipo ambiental, que imitan al sol, así como un sistema de luces puntuales o de relleno que se pueden convertir en focos. En todos estos casos los parámetros son escasos y, como ya hemos comentado, son de uso un tanto peliagudo, ya que un ligero cambio de valor puede provocar desagradables sorpresas. Destacar en este punto la incorporación en esta versión de un nuevo sistema de generación de cielos que incorpora funciones especificas para soles y lunas. El sistema soluciona un viejo problema de superposición de luces cuando en una misma escena se quería juntar un sol y una luna difusa, algo típico en esas viejas escenas de

decorados espaciales. Además, permite aplicarles texturas más realistas a los astros.

ANIMACIÓN Si el punto anterior es posiblemente el más sobresaliente del programa, sin duda éste es el más pobre. No es que anime mal, simplemente que lo que puede animar es tan limitado que existen programas de precio similar en el mercado que mejoran estas opciones. En esencia sólo podemos animar las transformaciones: translación, escalado y rotación, más que suficiente para animar viajes virtuales por nuestro decorado, pero limitado a la hora de animar algún objeto que hagamos interactuar con él. Por descontado, elementos como los Inverse Kinematics son desconocidos para este programa; lo más sofisticado que podemos hacer en el setup es agrupar objetos para que actúen juntos. Esta limitación de la animación también se ve reflejada en sus herramientas de apoyo, ya que Bryce sólo cuenta con una Animation Palette donde podemos ajustar los tiempos de los objetos animados, así como de una simplísima barra de tiempo que servirá para mover la cámara y hacer que algún objeto vuele, pero poco más.

RENDER Basado en un algoritmo sencillo de raytracing, el render de Bryce cumple de sobras con su tarea, cosa que no es poco, máxime teniendo en cuenta que se pueden llegar a realizar decorados de increíble realismo. De todas formas, para que el render consiga esas cotas de verosimilitud, necesita que se le dedique su tiempo afinando sus parámetros, ya que los valores por defecto no siempre suelen ser suficientes. En cuanto a su rapidez, Bryce 4 ha duplicado sus tiempos, pero sigue siendo lento, sobre todo a la hora de renderizar una animación y en especial si se le aplican muchos props referenciados.

EN CONCLUSIÓN Bryce es un programa cargado de sorpresas muy gratas, destinado a la creación de imágenes muy específicas, y aquí radica su principal pega: no lo hace mal (en su campo quizás sea el mejor), pero hoy día los softwares tan específicos no cuajan en el mercado, cada vez más orientado a grandes plataformas que ofrezcan un amplio abanico de opciones, tanto en su versión estándar como por el sinfín de plug-ins relacionados. Pero si lo tuyo es la botánica virtual o la ilustración y no tienes más aspiraciones en el campo de la animación, Bryce 4.0 es una buena opción.

Algunas de las librerías de Bryce

Mario Tarradas

VIDEOCLIPS

SHYNOLA

El talento necesario

Parece que sí, que sí hay algo nuevo bajo el sol. Eso es lo que se le antoja a uno cuando disfruta de los trabajos de Shynola, un grupo de cuatro británicos que en apenas tres años han revolucionado la animación.

n el centro del grupo...

...se encuentra Richard Kenworthy, un geniecillo que, como John Lasseter, ha comprendido que el ordenador es sólo una herramienta. Su trabajo, fruto evidente de las últimas tecnologías, cautiva por la belleza de sus composiciones, lo delicado de su dibujo y lo novedoso de su estilo. Y a todo esto hay que sumar una gran capacidad para crear personajes. Lo de Shynola es un golpe muy fuerte. Su trabajo enriquece y amplía los horizontes de la animación, el diseño y la ilustración. No hay ningún antecedente claro de su propuesta, aunque sí que podemos localizar compañeros de trabajo labrando terrenos similares. El suyo es un trabajo que abre una segunda generación de creación por ordenador: aquella que combina las posibilidades de potentes memorias con el trazo inmejorable, inimitable, cálido e imperfecto de una mano humana.

Richard Kenworthy, Jason Groves, Gideon Baws y Chris Harding. El talento de Kenworthy despuntó en el RCA a través de varios trabajos, particularmente en Doug gives a Talk on Electronics (1998) y The Littlest Robo (1999). En los nueve maravillosos minutos de este último corto quedaron perfectamente trazados los principios estéticos de Shynola: una extraña combinación de factores (trazos) humanos y cibernéticos que parecen anunciar una armonía posible entre ambos mundos. La delicada elección de colores, los puntos de vista, la composición y los movimientos terminan de definir su estilo. Uno puede recordar la trayectoria fragmentaria y casi terrorista de muchos grafistas de los noventa. Quizá nos vengan a la mente diseñadores inclasificables como Shawn Wolfe o Art Chantry, las mejores páginas de la revista Speak (Martin Venzky), Ray Gun (Chris Ashworth, David

ORÍGENES

De arriba abajo, una instantánea de Shynola, dos imágenes de Dopesheet y una muestra de su trabajos para la marca de patines Santa Cruz

Multimedia

Shynola es un grupo de cuatro amigos que se conocen desde sus días de estudiantes en el condado de Kent. Acaban de cumplir los treinta. Tras estudiar en el College of Art and Design de Maidstone, los integrantes se trasladaron a Londres, donde algunos de ellos continuaron sus estudios en la prestigiosa Royal College of Art. Sus componentes responden a los nombres de

The Littlest Robo dio a conocer a Richard Kenworthy

Arriba, imágenes de su trabajo para U.N.K.L.E.; abajo, fotogramas de The Littlest Robo

Carson) o Bikini (Scott Clum). O aquella joya de Philip Hunt titulada Ah, Pook is here (1994). Pero lo de Shynola es otra cosa. Lo suyo va más lejos. Ellos definen su estilo con tres ingredientes: Chris Ware, Buffalo 66 y “Nixon”. Un dibujante de cómics, un largometraje de Vincent Gallo y el mejor disco hasta la fecha de Lambchop. De hecho, Kurt Wagner, líder de Lambchop, prestó su voz para el corto (y Calexico puso la música). Naturalmente, a todo ello habrá que sumar su pasión por el manga y su relación con Stanley Donwood (diseñador de los tres últimos discos de Radiohead y coordinador de los famosos promos de “Kid A”). The Littlest Robo dio a Kenworthy un éxito inmediato y le condujo a su primer vídeo: “Flyin’ High”, del grupo Morgan (1999). Tras éste llegó su vídeo más conocido, “I Changed my mind”, para Quannum (1999). Poco podemos deciros de este gran trabajo, salvo que hay que verlo, que no os cansaréis de hacerlo y que dentro de diez años seguirá entre los mejores que nunca se han realizado. Así de simple. Después llegarían “Holiday”, de nuevo para Morgan, y “On the Double” para Grooverider y Cypress Hill (2000), un torpedo de estética mecha (esos videojuegos de robots peleones) que causó furor en la penúltima edición

de Onedotzero, el célebre festival londinense de imagen electrónica. Pero sin duda alguna, han sido sus diversas colaboraciones para Radiohead las que han acabado encumbrando definitivamente a Shynola como uno de los colectivos a tener en cuenta en el mundillo. Tras el arrollador éxito de “Ok Computer”, Yorke y los suyos (en este caso Donwood, el animador Chris Bran y Dilly Gent, responsable de encargar los vídeos de Radiohead) decidieron que “Kid A” debería promocionarse de una manera distinta, dándose a conocer básicamente a través de Internet y escapando de fórmulas cómodas para los chicos de MTV y similares. Para ello, resolvieron realizar una serie de “webeos” a los que, por su brevedad, llamaron “blipverts” (retomando aquella expresión inventada en la serie Max Headroom para referirse a microespacios publicitarios). Esos blipverts ofrecerían brevísimos fragmentos de canciones ilustrados por los animadores más experimentales del momento y se colgarían con cuentagotas en varias páginas en la Red incluso antes de que el disco saliera oficialmente a la venta. Shynola realizó una veintena de estos blipverts creyendo que una media docena de ellos serían finalmente seleccionados. Diecinueve de ellos forman parte de la

Radiohead (“Kid A”, arriba) es otro de los grupos con los que ha trabajado Shynola; abajo, imágenes de “Flyin’ High” para Morgan

Multimedia

En el bloque de arriba podéis ver imágenes de los trabajos de Shynola para Quannum; abajo, imágenes de su trabajo para la secuencia de títulos de SF: UK

los cuatro de Kent, un vídeo basado vagamente en un sueño de Yorke y que avanza lentamente a nuevos distritos gráficos todavía más prometedores.

PRESENTE Y FUTURO

Las piezas de Shynola siempre son visualmente espectaculares

treintena que Radiohead llegó a poner en circulación procedente de todo tipo de artistas (podéis disfrutarlos en páginas como www.radioblips.com o www.moreradiohead.com/alps.htm). Naturalmente, en cuanto Radiohead ha vuelto a la carga ha contado con Shynola para ilustrar el primer single de su nuevo trabajo, “Amnesiac”. “Pyramid Song” es, hasta la fecha, el último trabajo de

Los chicos de Shynola se han visto catapultados gracias al puñado de trabajos aquí citados (a los que debéis sumar algún anuncio para Nike, diversas colaboraciónes con U.N.K.L.E. y una magnífica secuencia de títulos para la serie documental titulada SF:UK), y su impacto ha sido enorme, justificado y esperanzador. Shynola siembra una de las vías más sugerentes que se abren en la actualidad para la animación, la que apuesta por estéticas nuevas, la que combina fuentes infográficas con animación convencional y con imagen real, la que se atreve a explorar los márgenes y busca, busca, busca constantemente... Ninguna propuesta me parece más necesaria en este momento. Pero sobre todo agradezco que se dediquen a investigar gente con su bagaje visual y su talento para el dibujo y la imagen en general. La seducción está entonces garantizada.

Andrés Hispano

Arriba, fotogramas de Doug gives a Talk about Electronics; abajo, imágenes de su trabajo para Grooverider

Multimedia

CHARLAS

BILL PLYMPTON El norteamericano Bill Plympton es uno de los animadores más irreverentes del mercado internacional. En el pasado festival de Annecy presentó un corto (Eat) y su último largometraje, Mutant Aliens. Sus impresiones fueron, además de un tanto desagradables, muy interesantes. Bill Plympton charló con los asistentes al Festival acompañado de Serge Bromberg, director artístico del festival, que hacía las veces de anfitrión e interlocutor que traducía al francés las respuestas de Plympton. Lo que hay a continuación es un extracto de los comentarios que hizo Plympton sobre sus últimas obras y las respuestas que dio a las preguntas que le hacía el público.

EAT

Dibujos en blanco y negro de Mutant Aliens

Por lo general tardo unos dos años y medio en crear un cortometraje, y eso es lo que tardé en hacer Eat. Maduro las ideas durante un año, me paso otro año dibujándolo (en el caso de Eat fueron unos 5,000 dibujos) y medio año para la postproducción (música, etc.). Generalmente cuento con un equipo de unos diez dibujantes, pero habitualmente no hacemos in-betweens y en un día bueno, si no sufro ninguna interrupción, puedo llegar a animar un minuto de metraje. Es algo muy satisfactorio... Por lo general animo con cells. De hecho, me parece asombroso el trabajo que hace Michael Dudok de Wit, que anima un dibujo por imagen, cuando yo por lo general tengo que utilizar cuatro o cinco dibujos por imagen. Para mí resultaría imposible hacer eso. En cuanto a la integridad con la que se mantiene mi trabajo desde que lo hago en storyboard hasta que llega a la pantalla grande, lo que se ve en el producto final es un 80% de lo que yo había hecho originalmente. Mis dibujos son muy toscos y poco acabados, muy poco “Disney”. Pero me gusta ese look.

“Por supuesto, no me importa para nada el no estar nominado para los Oscar. Sólo me importa que a la gente le guste mi trabajo y que se ría con él”

Cortos y Festivales

Pero el aspecto más interesante de este corto es que quería hacer algo que fuese nominado a los Oscar. Quería que fuese muy sensual, elevado... Así que mientras iba dibujando todas aquellas imágenes enloquecidas que acudían a mi cabeza, me veía obligado a refrenar mi mano para no dibujarlo todo, pero no podía controlarla. Por tanto, creo que es muy importante que siempre sigas tus instintos y hagas lo que te sale hacer de dentro. Un dato interesante en relación a este tema es que, mientras preparaba el dibujo del vómito, no sabía de qué color hacerlo, si verde, amarillo, naranja, porque nunca había vomitado. Así que pregunté a mis amigos de qué color eran sus vómitos, y mezclé todos los colores. Hasta el año que viene no sabré si me nominan a los Oscar por Eat. Evidentemente, si me nominan me pondré un esmóquin para ir a la ceremonia. Ahora en serio, por supuesto que no me importa no ser nominado para los Oscar. Lo más importante para mí es que mis trabajos provoquen la risa. No me importan las críticas, ni las alabanzas. Sólo me importa que a la gente le guste mi trabajo y se ría con él. Con respecto a la estética del corto, quería que cada una de las mesas tuviera una personalidad muy concreta, que cada mesa

Plympton siempre consigue provocar cierto malestar en el espectador...

incluyera una fantasía diferente: el anciano fantaseando con la chica joven, la familia con los niños que fantasean con una guerra de comida, la pareja que está comiendo, donde el hombre se dedica a fantasear con el cabello de la mujer. En ese sentido, hay cosas que aparecen en Eat que pueden recordar a algo que ya apareció en algunas de mis piezas primerizas: la cabeza de la mujer transformándose, por ejemplo, que me ha reportado muchas críticas negativas por parte de las mujeres. Se me ha intentado tachar de misógino, pero me parece algo injustificado: muchos de mis mejores amigos son mujeres, y muchos de mis empleados son mujeres. Soy de la opinión de que si los hombres pueden ser débiles y tener problemas a los que buscan solución, las mujeres también pueden serlo y hacer lo mismo. Sin embargo, en Estados Unidos la corrección política es muy importante. Ahora, gracias a su presentación en Annecy, Eat podrá ser movido a lo largo y ancho de todo el mundo. Y, por cierto, el restaurante que aparece en el corto es americano, y no francés como han dicho algunos.

MUTANT ALIENS En cuanto a mi último largometraje, Mutant Aliens, al hacerlo tuve en cuenta que en ocasiones se me ha acusado de que no hay historia ni argumento, en particular en I Married a Strange Person!, cuyo desarrollo de personajes y de la historia a algunos les parecían demasiado débiles. Para Mutant Aliens, quería que hubiera menos humor, pero más fuerza en los personajes, en la trama, en la historia. Me parece que a la gente le ha gustado más Mutant Aliens, y eso hace que a mí tam-

bién me haya satisfecho más, porque mi único objetivo es hacer reír a la gente. La concepción de Mutant Aliens fue bastante particular. Un día estaba hojeando una revista y vi una foto de Laika, la perra astronauta rusa. Me pregunté dónde debía de andar ese perro, si seguía en el espacio, o qué había pasado con ella. Lo mismo pensé de todos los monos, conejos, ratones y animales que han sido enviados al espacio. Me pareció interesante crear una historia en la cual todos esos animales se reunieran y se entremezclaran, creando nuevas especies animales. Luego habrían regresado a la Tierra para vengarse. Sin embargo, mucha gente cree que es una película antiamericana, aunque debo decir que yo amo a los Estados Unidos. La película habla sobre la cooperación, sobre la colaboración, sobre el poder y del uso que se hace de él, y sobre la sed de dinero. A colación de esto, mucha gente me ha comentado que, pese a la incorrección política tan habitual en todos mis trabajos, nunca me he atrevido a jugar con uno de los tabúes más importantes de la corrección política americana: el de la diferencia entre blancos y negros. Me parece que ése es un tema muy peligroso: en The Tune incluí un personaje que era un cantante negro, pero eso provocó mucha controversia por su mera presencia allí. Creo que es más sencillo para todos mantenerse alejado de cualquier controversia y no incluir ningún personaje de color. He sido un dibujante y animador políticamente correcto durante quince años, y una vez hice incluso una pieza por encargo para una televisión pública educativa, en la que se hablaba de la historia de Suecia. Me dijeron que tenía que incluir a personas de color en la historia de Suecia para que pareciera más multicultural y los niños creyeran que la gente de color formaban parte de la historia de Suecia... a mí me pareció una estupidez. Ahora me apetece más hacer este tipo de trabajo...

Algunas imágenes de los trabajos que dieron a conocer a Bill Plympton, en su mayor parte emitidos por MTV

Charla realizada en el transcurso del Festival de Animación de Annecy 2001

Cortos y Festivales

CHARLAS

MICHAEL DUDOK DE WIT De Wit al recibir el Oscar por Father & Daughter

Michael Dudok de Wit ha conseguido un éxito absoluto con su último cortometraje, Father & Daughter, hasta el punto de que se ha llevado el Oscar a la mejor pieza de animación del año. De Wit fue uno de los invitados estelares de Annecy, y a continuación podéis leer la transcripción de la charla que sostuvo con Serge Bromberg. SERGE BROMBERG: Háblenos sobre Father & Daughter. Cómo creó el corto, cuánto tiempo le llevó, cómo trabaja... MICHAEL DUDOK DE WIT: La idea de Father & Daughter me llegó mientras estaba pensando en otro proyecto en el que había algo que no funcionaba, que me bloqueaba, y no sabía exactamente el qué. En realidad, lo que surgió fue una pregunta: ¿por qué motivo me dedicaba a hacer películas? Sentía un deseo de hacer algo, algo que fuera profundo, bello y a la vez triste. También sentía la necesidad de mostrar los paisajes que me rodeaban; me atraían aquellos hermosos paisajes, quería utilizarlos en la historia, una historia sobre la separación a lo largo del tiempo. En total, tardé unos cuatro años en terminar el corto, eso sí, con muchas interrupciones, porque tenía que parar para dar clases o para hacer anuncios con los que poder ganar algo de dinero.

Imágenes de los anuncios que hizo para el shisky Macallan, para Owens Corning y para Nestlé

SB: ¿Cuánta gente trabajó en el corto? ¿Trabajó solo, desarrollando la idea de principio a fin? ¿Cuándo decidió cómo sería la banda sonora y qué técnica utilizaría? MDDW: Para mí es muy importante que, cuando escribo una historia, ya tenga alguna idea preconcebida sobre la música que voy a utilizar. En el caso de Father & Daughter, el vals utilizado es una pieza muy célebre del siglo XIX, y me pareció una elección perfecta para el corto. Aunque era la primera vez que colaboraba con Normand Roge, ya nos conocíamos y

“Mucha gente me ha preguntado si Father and Daughter está basado en una experiencia propia, pero no es así. Tengo una hija y unos padres a los que veo muy a menudo”

Cortos y Festivales

sabíamos que nuestro trabajo podía complementarse el uno con el otro. Estábamos en la misma onda. Desde el principio, cuando comenzamos a trabajar en la música, hubo una gran coordinación entre nosotros, y también con el encargado del sonido, que era el hijo de Normand, Jean-Baptiste. Fue un trabajo a tres bandas muy equilibrado. SB: ¿Es cierto que el corto hace referencia a alguna experiencia personal? MDDW: Mucha gente me ha preguntado si el corto está basado en una experiencia propia, pero no es así. Tengo una hija y unos padres a los que veo muy a menudo, así que la verdad es que ese aspecto de mi vida funciona muy bien. Es más, cuando acabé el storyboard se lo enseñé a mi hija, que por entonces tenía unos seis años. Para mí era importante ver la reacción que tendría a la historia. Se lo quedó mirando y se sintió algo confundida, ya que quería saber por qué el padre se marchaba.Yo le dije que la historia no giraba en torno al porqué de la marcha del padre y adónde iba, que eso era sólo un elemento. Pero ella no estaba satisfecha con la respuesta; me respondió que yo había hecho la historia, y que no podía ser que no supiera adónde había ido. La verdad es que es algo que también me han

Father & Daughter

preguntado muchos adultos. Lo que yo tenía muy claro era que no era necesario dar importancia a lo que rodeaba a la marcha del padre, sino que era más bien una metáfora. Me encanta el paso del tiempo como elemento narrativo. Seguramente es por eso por lo que me he convertido en un realizador y no en autor de cómics. En esta obra he trabajado mucho el desarrollo del paso del tiempo en el storyboard. Desarrollar la vida entera de una persona en un solo minuto era todo un reto. Resultaba muy difícil expresar esa sensación de círculo, de ciclo vital en tan poco tiempo. Me pareció algo fascinante. P: Al final de la historia vemos cómo la protagonista se hace joven poco a poco, pero no vuelve a la misma edad del principio de la historia, sino que más bien se queda en una edad adolescente. ¿Cómo explicas eso? MDDW: Cuando construyo la historia, cuando dibujo, lo que hago tiene que encajar perfectamente, tiene que tener un cierto sentido emotivo. Dibujo mucho con el sentimiento a

flor de piel, siento lo que dibujo. A continuación, intento racionalizar más lo que he hecho y analizarlo con algo más de lógica. En este caso concreto, con este detalle me pasó exactamente lo mismo: me parecía más redondo que ella se quedara en una edad adolescente, sentía que era lo más adecuado. Más tarde encontré motivos más racionales para ello, pero sólo son justificaciones, el origen es puramente emotivo. De todas formas, no hay que engañarse: al fin y al cabo estamos haciendo una obra para el público, y es necesario acabar haciendo un analisis un poco más coherente, más profesional de tu trabajo y no dejarte llevar solamente por las sensaciones y tu intuición personal. Es importante que el público entienda lo que les quieres transmitir. P: En El monje y el pez la música también era muy importante. ¿Cómo se planteó el aspecto musical de Father and Daughter? MDDW: En este caso fue un trabajo de ida y vuelta. Lo primero que se hizo fue la música, que era original para la obra, compuesta por Serge Beset, pero se llevó a cabo sobre un esquema muy concreto que yo mismo definí. Cuando la música estuvo lista, adapté el ritmo y la animación a la misma para que formaran una unidad muy conjuntada. Fue un verdadero trabajo de equipo y el resultado es muy rico y muy satisfactorio.

Imágenes de The Monk and the Fish, uno de los trabajos previos de Dudok de Wit, con los que se dio a conocer a nivel internacional

Charla realizada en el transcurso del Festival de Animación de Annecy 2001

Cortos y Festivales

BOLSA DE TRABAJO Internet es uno de los medios a los que más provecho podéis sacar si buscáis algún trabajo relacionado con la animación o los efectos especiales, pues existen muchas empresas que cuelgan en sus páginas las diversas ofertas de trabajo que tienen, o incluso alguna sección donde los profesionales pueden dejar su currículum por si a alguna compañía le interesase verlo.

Estudio de animación 3D de Madrid precisa de incorporación inmediata: 1 MODELADOR con experiencia en modelado de personajes, preferentemente en 3D Studio Max

1 OPERADOR DE TEXTURIZADO con experiencia, preferentemente en 3D Studio Max, con conocimientos de Photoshop, paleta gráfica y dibujo

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Importante grupo del sector audiovisual en expansión internacional busca profesionales experimentados para su departamento de animación: DIRECTORES DE ANIMACIÓN. Ref. DA Profesional con 3-5 años de experiencia en dirección de series o largometrajes de animación clásica y cartoon. Supervisión y coordinación de los equipos de animación a nivel interno y externo. AYUDANTE DE DIRECCIÓN. Ref. ADA Se requiere conocimientos de todas las fases de producción (preproducción, producción y especialmente postproducción digital), dominio de la narración fílmica y alto nivel de creatividad. Para estos puestos se requiere un alto nivel de inglés, capacidad de trabajo en equipo, disponibilidad para viajar y manejo de herramientas informáticas Interesados enviar CV y fotografía reciente al apartado de correos 13247, 28028 Madrid, indicando la referencia en el sobre. Oficina central en Madrid. Confidencialidad garantizada.

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precisa animadores con experiencia en largometrajes de animación. Requisitos indispensables: Disponibilidad para trabajar en los estudios ACCIÓ de Cerdanyola (Barcelona) SÓLO ANIMADORES con experiencia en largometrajes de animación. Enviar currículum con tf. de contacto (1 hoja) al fax 93 586 40 24.

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GRAFISTAS Con conocimientos en modelado 3D en baja resolución y texturado (cualquier programa o sistema) Para más información: www.gargore.com E-mail: desarrollo@gargore.com · Telf.: 986 207 881

Nueva productora de animación precisa profesionales para:

STORY-BOARD, LAY-OUT, FONDOS, ANIMACIÓN Interesados enviad C.V. y muestras a: Apartado de Correos 883 Barcelona 08080

Para aquellos de vosotros que comencéis a estar desesperados porque no conseguís encontrar ninguna oferta de trabajo que se adapte a vuestro perfil como profesionales de la animación o los efectos especiales, este mes os proponemos una nueva estrategia, que podríamos definir como más “ofensiva”: existen algunas páginas de Internet especializadas que cuentan con sección de “ofertas de trabajo”, a las que vosotros mismos podéis enviar vuestro currículum (lo más completo posible, evidentemente) para que lo cuelguen allí y así cruzar los dedos y esperar que algún productor se pase por la página y vea vuestro nombre. Algunos ejemplos de este tipo de páginas son vfxpro.com, página especializada en la animación 3D de la que ya os hemos hablado en alguna ocasión, o la página de la AFCA (Asociación Francesa de Cine de Animación), en la dirección afca.asso.fr que, en su sección de “Espacio profesional” incluye, entre otras cosas, una sección de ofertas de trabajo y otra de demandas. Si queréis ir a lo grande, también podéis enviar vuestro currículum directamente a algún estudio o productora, sea nacional o internacional. Así, por ejemplo, en la página de Industrial Light & Magic, en la dirección www.ilm. com/jobs.html podéis encontrar la lista de los puestos de trabajo vacantes en la factoría de George Lucas. Y, ya por último, si lo que en realidad os gusta es programar y animar videojuegos, siempre os podéis pasar por la página de Pyro Studios (pyrostudios.com), donde podréis encontrar algunas ofertas de trabajo, entre las que se incluyen las de un infografista 3D y un animador de videojuegos, entre otras.

Bolsa de trabajo

CORREO JUAN LUIS MIRÓ (GIRONA) Lo primero de todo, quería dirigir al equipo de Píxel una felicitación por el trabajo que está llevando a cabo con la publicación, y que conste que no son halagos fáciles e infundados. Me parece una revista interesantísima y muy completa en su temática. Me remito a la editorial porque me gustaría completar la colección con los números que me faltan, que son cuatro: el 1, el 2, el 4 y el 5. Tengo que decir que descubrí la revista en el número 3 y que no pude comprar los números 4 y 5, así que les ruego me indiquen si es posible recuperar estos números y cuál es la fórmula más adecuada (¿es posible a reembolso?). Sin más, un saludo y ánimo para continuar con este magnífico trabajo. Gracias por las felicitaciones. Para hacerte con números atrasados de la revista tienes que ponerte en contacto con Norma Editorial. Su dirección es la siguiente: c/ Fluvià, 89 08031, Barcelona.

FHARLOCK Aunque me imagino que dentro de poco haréis algún articulo relacionado con Atlantis, de Disney, os adjunto una serie de páginas web en las que se ven las "coincidencias" con la obra de Gainax, Nadia. Por otro lado, me imagino que ya habréis recibido las noticias de la dimisión del presidente y el despido de 500 animadores de Disney. También me extraña que no hayáis comentado la existencia de un DVD con los cortos de Superman de Fleischer. Esperando que esta información os resulte útil, os envío un saludo.

CONCURSO DORAEMON La respuesta a la pregunta de cuántas veces aparecía Doraemon en una pose concreta a lo largo del nº8 de Píxel era de 8. Se encontraba en las siguientes páginas: 1. Portada 2. Editorial 3. Página 20 4. Página 28 5. Página 32 6. Página 55 7. Página 64 8. Página 72 Los ganadores recibiréis el merchandising de Doraemon en vuestro domicilio en el transcurso de las próximas semanas.

Muchas gracias por tu información. Como verás, varias de estas cuestiones ya han quedado cubiertas en nuestra sección de noticias de este número, pero en ocasiones el hecho de tener que cerrar un número de la revista con cierta antelación provoca que no podamos cubrir una noticia con toda la rapidez que nos gustaría o que éstas queden un tanto desfasadas cuando sale a la calle. Respecto a lo del parecido entre Atlantis y Nadia, no eres el primero que nos lo comenta. A cada uno le toca pensar lo que quiera...

PABLO DÍAZ Hola, gente de Píxel: Me parece que vuestra revista es excelente. Aquí os mando algunas imágenes de mi autoría hechas en 3D Studio max. Podéis ver mi página web en la dirección www.iespana.es/xordoba. Un abrazo. Muchas gracias tanto por las felicitaciones como por el material que nos envías. Aquí incluimos algunas muestras de tus trabajos, pero en el interior del CD de este mismo número se encuentran la totalidad de las imágenes que nos enviaste.

Como ya nos habéis comentado algunos de vosotros, hubo un problema con el CD del nº8 de la revista, ya que el CD no funcionaba en los PCs de nuestros lectores. Concretamente no se podían reproducir desde el autoejecutable de Flash las películas en formato .mov, aunque sí los demás archivos. Os pedimos disculpas por este error, que trataremos de subsanar indicándoos cómo acceder al material para que podáis disfrutar de las películas abriéndolas manualmente. En primer lugar, debéis acceder a la carpeta “películas” en la raíz del CD, en la que se encuentran los archivos en formato .mov. A continuación tenéis la

correspondencia de cada uno de los archivos. Sólo tenéis que mirar qué tráiler queréis ver, buscar el nombre que tiene el archivo y ejectuarlo. CINE Ci0101, Ci0102.mov = Atlantis Ci0201, Ci0202, Ci0203 = Cats & Dogs Ci0301, Ci0302.mov = Dr. Dolittle Ci0401, Ci0402.mov = Evolution Ci0501, Ci0502.mov = Metropolis Ci0601.mov = A.I. Ci0701.mov = Akira Ci0801.mov = El Cid Ci0901.mov = Final Fantasy Ci1001.mov = Parque Jurásico III Ci1101.mov = Osmosis Jones

Ci1201.mov = Planet of the Apes Ci1301.mov = Pokémon 3 Ci1401.mov = Princess & the Pea Ci1601, Ci1602.mov = Tomb Raider Ci1501.mov = Shrek TELEVISIÓN Tv0101, Tv0102.mov = Anuncio Euro Tv0201, Tv0202.mov = Lipton Tv0301.mov = Peugeot 306 Tv0302.mov = Smart Tv0401.mov = Let’s all go to the Oscars Tv0501.mov = Aerodynamic Tv0601.mov = Minute Maid CORTOS Y FESTIVALES Co0101.mov = Hairballs

MULTIMEDIA Mu0201.mov = Jorobado de NotreDame II Mu0301.mov = Witchblade 3D 3D0101, 3D0102, 3D0104, 3D0104, 3D0105.mov = Rustboy 3D0201 = Robert Powers REPORTAJES Re0101.mov = A noite Re012.mov = Cómo se hizo A noite LECTORES Le01.mov = Exploradores

Correo

JUAN V. M.

BENJAMÍN AUBONE (ARGENTINA)

Seré breve. Soy un lector de Píxel desde el primer número. Ya les escribí alguna vez para felicitarles, y además incluso les mandé un corto hecho en Flash, pero ni me han publicado ninguna carta jamás, ni mucho menos han publicado mi corto en ningún CD. Primero pensé que esperaban a tener un especial sobre Flash para meter los cortos de los lectores, pero con el tiempo vi que mi corto no aparecía por ningún lado, y no es que me crea un Spielberg ni un Disney. El corto que les mandé se titulaba La ciudad Asoir-et-Sim, y trataba sobre un personaje con aspecto de calavera y huesos que llega a un pueblo donde unos seres le absorben la energía y muere. Hasta ahora, el corto sigue sin aparecer. Les agradecería que me comentaran algo al respecto.

Quisiera saber si sigue en el mercado el plug-in Metarreyes de REM, ya que la empresa cerró, y no sé si alguna empresa lo compró. También quiero saber si existe algún plug-in de metaballs para 3D Max cuyos resultados sean modelos en NURBs o tome polígonos y los convierta en NURBs.

Siempre tratamos de publicar, bien en la revista o en el CD, los trabajos que nos envían los lectores sean del tipo que sean, y si en este caso no lo hemos publicado ha sido directamente porque no hemos llegado a recibirlo. Si tienes la gentileza de volvérnoslo a enviar, lo incluiremos encantados en el CD.

El propio creador de Metarreyes, Javier Reyes, sigue gestionando el programa, aunque su licencia la tiene Digimation. Por otro lado, no existe ningún plug-in como los que mencionas, pero sí alguno que adapta mallas a polígonos.

IKER JURADO Un saludo, El propósito de este e-mail es el de felicitaros por esta revista genial (tengo todos los números) que para mí es única puesto que no conozco ninguna otra que abarque la animación, el 3D y los FX, que es en lo que me gustaría trabajar. Bueno, mi otro propósito es enviaros unas imágenes que he sacado de un corto que realicé con Maya cuando estudié el programa en una academia. Para terminar, deciros que sigais así, sobre todo con reportajes (como los de El regreso de la momia o El bosque animado, entre otros) y una sugerencia: no sé si será posible hacer una entrevista o un reportaje a Miguel Ángel Fuertes, de ILM (español sobradamente conocido). Una vez más, y nunca nos cansamos de repetirlo, gracias por tus felicitaciones, y tranquilo, que trataremos de mantener el nivel de calidad de los artículos, cueste lo que cueste. Respecto a la posibilidad de hacer un artículo sobre Miguel Ángel Fuentes, la cosa no está demasiado fácil porque en estos momentos no tenemos un contacto directo con él, pero en un futuro cercano intentaremos solucionar eso.

ALBERTO ATIENZAR CAAMAÑO (MADRID) Hola, soy Alberto de Madrid. Me dirijo a ustedes, a esta revista que suelo leer todos los meses y que encuentro bastante útil como medio de información para el mundo de la animación. Pero en fin, el propósito de mi carta, y no quiero ser muy extenso (aunque el tema lo requeriría), es el de la denuncia de un fraude-escuela surgido recientemente, en concreto en Villaviciosa de Odón, en Madrid, y en el cual he caído junto con otras personas. La empresa, llamada DDRC, ofrecía cursillos de animación en Softimage (ni si quiera era XSI) para adaptarte a todo un mundo de posibilidades en la industria internacional, habiendo trabajado con Lucasfilm, ILM, Disney, Rushes y tantos otros, según ellos. El precio era de medio millón de pesetas, con la promesa de hacerte un seguimiento para trabajar, primero con DDRC, y posteriormente, si tú querías, te pondrían en contacto con el extranjero, todo avalado por folletos, cartas y plannings explicativos. Nunca hubo un profesor titulado ni avalado para ello, sólo un aficionado con alto nivel y un alumno avanzado que se pusieron a dar clase, y al mes y medio (más o menos, según el caso) nos quedamos sin nadie para dar "clases". Las producciones de la empresa eran en régimen de explotación de horas y con la mitad de gente requerida, y así, poco a poco se fueron yendo los trabajadores y actualmente todos los que formábamos parte del curso lo hemos denunciado por estafa, falsedad e incumplimiento de contrato, aunque se siguen prometiendo falsedades, habiendo cerrado "temporalmente" el centro. Su página web (cutrísima, por cierto) se encuentra en la dirección www.ddrc.net y el estafador se llama Duncan Whiteman, presuntamente originario de Coventry (Inglaterra). Supongo que nadie ha oido ni oirá hablar de él, pero no quería dejar pasar la oportunidad de denunciarle en público, y si sirve de algo para que nadie confíe en algún proyecto que pueda vender, ya que por ejemplo se ha venido anunciando en El País. Nada más, muchas gracias por todo. Un saludo, Alberto Atienzar Siempre nos parecen lamentables este tipo de incidentes, máxime cuando se trata del tema de las escuelas de animación en nuestro país, una cuestión muy candente por el desembolso monetario que suele conllevar, y que no siempre se ve acompañado de unos resultados todo lo satisfactorios que sería necesario. No nos gusta decantarnos por un lado u otro en cuestiones así, pero nos ha parecido interesante publicar aquí esta carta, para que veáis hasta dónde puede llegar una situación de este tipo, aunque no conocemos la otra postura del asunto. Os recordamos que esta revista no es más que una palestra desde la cual podéis expresar vuestras opiniones y experiencias, y que siempre publicaremos cartas que nos parezcan interesantes, como es este caso.

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