GUIA DIDACTICA DE FOTOGRAFIA DIGITAL by Luis Molina

FOTOGRAFÍA DIGITAL Lic. Carlos Ñaupari Belupú

Guía Didáctica

índice

Página

1.- DATOS INFORMATIVOS ..............................................................................

2. PRESENTACIÓN DE LA GUÍA DIDÁCTICA.........................................................

3.- PRESENTACIÓN DEL DOCENTE.........................................................

5.- MEDIOS

.....................................................................................................

6.- CONTENIDOS.....................................................................................................

7.- ORIENTACIONES BIBLIOGRÁFICAS................................................................

119

8.- ACTIVIDADES............................................................................................................

120

9.- ORIENTACIONES PARA EL ESTUDIO DE CADA UNIDAD O TEMA............

121

10.- ORIENTACIONES PARA LAS TUTORÍAS………............................................

122

1. Datos Informativos

ASGINATURA

II.

JUSTIFICACION

FOTOGRAFÍA DIGITAL

El taller de fotografía digital intermedio es un curso teórica-práctico diseñado para brindar al usuario común los conocimientos fundamentales relacionados con el manejo

de su cámara fotográfica digital y la digitalización de

imágenes; así como las habilidades necesarias para crear resultados de un nivel semi-profesional, en producciones impresas o en pantalla. Al término del curso, cada participante será capaz de usar su cámara digital en un nivel profesional, editar sus fotografías, con la finalidad de mejorar su calidad y corregir errores. Por otro lado será importante manejar los criterios fundamentales

composición

fotográfica

artística;

publicitaria

periodística teniendo en cuenta la resolución y peso de las fotografías dependiendo del motivo por el cual está tomando la foto. III.

OBJETIVO Conocer, entender y aplicar las principales reglas de la composición y a analizar sus propias imágenes para lograr así fotos más impactantes.

IV.

OBJETIVOS ESPECIFICOS 

Aprender el uso correcto de su cámara



Comprender y manejar los conceptos básicos de la fotografía y de la imagen digital.



Capturar fotografías de calidad, siguiendo las reglas de los elementos visuales de la composición fotográfica.

 V.

Aplicar imágenes digitales en software.

PREREQUISITOS Y PERFIL, DE LOS PARTICIPANTES Tener conocimiento básico en fotografía digital.

Cada participante deberá tener: 

Cámara fotográfica digital.



Tarjeta de memoria adecuada.



Cable para descarga de imágenes.



Baterías / Pilas recargables.

Los participantes son personal administrativo de la DISA V- LIMA. Para inscribirse en el curso deben presentar lo siguiente:

1. Carta de presentación de la DISA v-LIMA donde se nomina al personal beneficiario de la capacitación, 2. Registro en el formulario electrónico identificando los datos del personal beneficiario de la DISA V-LIMA (formulario electrónico) Este requisito registrará electrónicamente en la web

VI.

PARTICIPANTES Equipo de la Oficina de Comunicaciones de la DISA V LC.

VII.

COMPETENCIAS A FORTALECER 

Manejo de la cámara digital en exteriores y en estudio



Edición y digitalización de imágenes



Manejo de los criterios fundamentales de la composición fotográfica artística y publicitaria

VIII.

DETALLES DEL EVENTO 

Lugar: Ambientes de la DUED (Laboratorio)



Fecha de Inicio: 18 de octubre



Fecha de Término: 18 de Noviembre



Hora: 9-12 m



Duración: (4 semanas)

IX.

PERSONAL DOCENTE Docentes

carrera

académica

profesional

Ciencias

comunicación de la Universidad Alas Peruanas, capacitados en la modalidad a distancia. X.

MODALIDAD EDUCATIVA

Presencial / virtual La modalidad empleada será Curso-Taller,

XI.

METODOLOGIA (ESTRATEGIAS Y PROCEDIMIENTOS DIDÁCTICOS) Exposiciones con participación de los asistentes (preguntas y comentarios) Sesiones fotográficas. Presentación de material, sistematización de las presentaciones y material producido para cada sesión, en el campus virtual. Cada participante tendrá acceso al Campus virtual,

el cual estará

implementado con material digital, que permitirá reforzar el aprendizaje de los estudiantes.

XII.

VALOR CURRICULAR 

12 horas de asesoría presencial (semana 1 y 2)



6 horas de asesoría virtual (semana 3 y 4)



24 horas de estudio independiente. (con materiales digitales, guías de prácticas y de elaboración actividades académicas, en el campus virtual)

 XIII.

Total de horas = 42

RECURSOS 1. Recursos Humanos.Personal docente de la UAP Un coordinador 25 participantes

2. Recursos Materiales.-

Material Didáctico: 01 carpeta por participante conteniendo la separata con los tema a desarrollar.

Equipos: Proyector, Computadora, Multimedia, Ecran,

CD, con material de exposición. (25)

XIV.

CONTENIDO TEMATICO

Unidad Didáctica

Semana

Contenidos 

Conceptos digitales relacionados al campo de la fotografía.

al 24 de

FOTOGRAFICOS

oct)

y los diversos tipos de géneros fotográficos existentes.

Conceptos básicos de fotografía.



Los géneros fotográficos.



El encuadre, el plano.



Práctica fotográfica en clase.



Funciones de la cámara digital. Partes. Proceso de registro.

Identificar las diversas funciones de las



Controles pre programado. Balance de

cámaras fotográficas digitales, en cuanto al

blancos y sensibilidad (ISO)

registro, balance de blancos, sensibilidad y



Controles y métodos de exposición.

exposición.

FUNCIONES BASICAS

Conocer el desarrollo de la fotografía digital



( Del 18 LOS GENEROS

Aprendizaje esperado

Clasificar los diversos tipos de encuadre y reconocer su carácter expresivo. Práctica sobre encuadre y planos.

Controles manuales. Práctica sobre calibración y manipulación de 

Práctica fotográfica en clase.

las funciones de las cámaras fotográficas digitales.

 

COMPOSICION

FOTOGRAFICA

( del 25

Y FUNCIONES

La composición. Reglas. Elementos

Conocer y combinar las técnicas de

visuales.

composición fotográfica.

La profundidad de campo en cámaras

Identificar las variables necesarias para

digitales.

manipular la profundidad de campo.



Práctica fotográfica en clase.

al 31 de



El flash básico.

octubre)



Flash integrado a la cámara / Flash de zapata.

AVANZADAS 

Funciones avanzadas de la cámara: zoom, macro, movimiento, flash avanzado, luz tenue, etc.

Práctica sobre composición, utilizada funcional y expresivamente en la fotografía. Conocer el correcto funcionamiento, calibración y uso del flash.

Conocer y combinar las funciones avanzadas de la cámara fotográfica.



El tema fotográfico.



Práctica fotográfica en lìnea.



Software para edición de imágenes.

( del 01 TEMA FOTOGRAFICO

al 07 Nov)

Photoshop básico / Picassa/Lightroom

( Del 08 EDICION

al 14

FOTOGRÁFICA

Nov)

3.0



XV.

XVI.

Práctica de retoque fotográfico en clase.

Identificar y reconocer los puntos para desarrollar un tema fotográfico. Práctica sobre desarrollo de un tema fotográfico.

Conocer las herramientas básicas de edición fotográfica. Establecer criterios de edición según la finalidad del trabajo fotográfico.

Práctica sobre edición de fotografías.

EVALUACIÓN 

Examen práctico: 40%



Presentación de trabajo final: 60%.

CERTIFICACIÓN 

Brindada por la Universidad aquellos participantes que han cumplido asistencia y la presentación del 100% de los trabajos de aplicación.



Nota mínima para la certificación: 13 (Trece).

2. Presentación de la Guía Didáctica

Estimado participante, reciba la más cordial bienvenida al curso de Fotografía Digital. Esta guía lo orientará durante el desarrollo del curso y en su proceso de aprendizaje. El curso tiene por finalidad brindarle un acercamiento teórico y práctico del proceso fotográfico, abarcando el estudio de la cámara, la luz, los colores, y las técnicas utilizadas para el registro fotográfico. La presente guía busca, sobretodo, comprender la fotografía como proceso de comunicación y convertirla en una aliada de la imaginación. El fotógrafo alemán Michael Gnade nos dice que es la práctica la que nos enseña lo que importa y lo que no importa en la fotografía. Recordemos que, más allá de la técnica o del uso comercial o informativo que tenga una foto, lo que prima es su carácter testimonial. Nos convertimos en testigos y cómplices de lo que dice. Allí radica su poder como instrumento de comunicación.

La forma de desarrollo del curso se encuentra en esta guía, por lo que le recomendamos leerla antes de empezar a revisar el texto del curso. Tenga presente que la fotografía requiere una constante y tenaz práctica para desarrollar una agudeza visual que nos permita explorar cualquier entorno y sus posibilidades fotográficas. Usted debe tener esta disposición para complementar los contenidos teóricos de cada unidad. El dominio del lenguaje de la fotografía, así como las destrezas y actitudes que demuestre, serán vitales para los criterios de evaluación tanto teórica como práctica. Le recomendamos entonces: -

Destinar un tiempo mínimo de 4 horas a la semana para la práctica de la fotografía.

Conseguir una cámara fotográfica digital compacta.

Tener conocimientos de Windows en nivel intemerdio.

3. Presentación del docente - tutor Lic. Carlos Ñaupari Belupú El Lic. Carlos Ñaupari Belupú, estudió la carrera de Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional Federico Villarreal, con especialización en el área de audiovisuales. Se ha desempeñado en diversos cargos en múltiples medios de comunicación televisiva, gráfica y escrita, como por ejemplo, productor del reconocido programa “Conversando con Antonio Cisneros”, transmitido por CCN durante tres años, así como guionista y director de fotografía de los documentales: “Esquizofrenia, entre luces y sombras” y “Cuzco: The City of Inkas”.

Desde hace varios años se ha especializado en el campo de la fotografía periodística y publicitaria como free lance y ha podido exponer su trabajo con importantes ONG’s como Save the Children o Ayuda en Acción. En relación a la fotografía publicitaria, ha sido fotógrafo oficial de Miss Perú 2006 y desarrolló conceptos fotográficos para institutos, universidades y empresas diversas. El último trabajo que ha realizado en fotografía ha sido con el grupo de rock fusión “La Sarita”, para el tercer CD de la banda.

Con respecto a la labor académica, ejerce desde hace más de seis años la docencia en la Universidad Villarreal (Escuela de Ciencias de la Comunicación) y ha trabajado durante tres años en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos (Escuela de Comunicación Social), así como en institutos de reconocido prestigio, como ORVAL (Escuela Superior de Diseño), o ESUTEL (Escuela Superior de Telecomunicaciones). Ha concluido la Maestría en Comunicación Social, con mención en Investigación en Comunicaciones, en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, desarrollando la tesis Historia de la Historieta en el Perú durante el Siglo XX.

Para cualquier consulta escribir a: e-mail

Correo Postal:

carlosnau@gmail.com Dirección de Educación a Distancia Calle Lirios 144. San Isidro. Lima 27.

5. Los medios

Durante el desarrollo del curso, los alumnos dispondrán de los siguientes medios: •

GUÍA DIDÁCTICA, es el documento que tiene entre sus manos (reales o virtuales) y que está leyendo, el cual contiene la información necesaria y útil que le permitirá conducir su aprendizaje y enfocarse en los temas claves capaz de cumplir con las competencias esperadas.

•

UNIDADES DIDÁCTICAS, impartidas por el equipo académico de la DUED, así como la bibliografía que debe ser consultada por el alumno.

•

CAMPUS VIRTUAL Es el espacio virtual a través de la Internet, Usted va a ingresar con un usuario y clave que le van a ser asignadas en el momento de su matrícula en la Coordinación de la Unidad Descentralizada donde se matriculó. En el Campus Virtual encontrará las Aulas Virtuales (una por cada curso matriculado).

•

CORREO ELECTRÓNICO, Herramienta fundamental para el estudiante a distancia, por medio del cual podrá enviar sus archivos de las actividades obligatorias, recibir ayudas escritas, y mantener una constante comunicación con l docente, entre otros.

•

SALA DE CONFERENCIA, permite una comunicación en tiempo real con el docente tutor, a efectos de clarificar ciertos contenidos del texto de difícil comprensión y/o ampliar conceptos.

•

AYUDAS.- es el espacio que se encuentra en el Aula Virtual dentro de “materiales del curso” en el que usted podrá descargar las ayudas que el docente colocará cada semana de estudio para que usted pueda reforzar o complementar sus conocimientos; ellos son parte de las evaluaciones del presente curso.

•

TRABAJOS APLICATIVOS, INDIVIDUAL O GRUPAL.- Es el espacio en el Aula Virtual en el que usted podrá descargar lo que necesita desarrollar y entregar en el plazo que figure en el Calendario de evaluación. No olvide descargarlo para que pueda elaborarlo.

6. Contenido PRIMERA UNIDAD – PARTE I A. CONCEPTOS DIGITALES RELACIONADOS AL CAMPO DE LA FOTOGRAFÍA. Llamamos soporte fotográfico al material donde el haz de luz “dibuja” una imagen. El soporte es tanto la película fotográfica o el chip (CCD o CMOS) donde se encuentran alojados los pixeles en las cámaras digitales. La versatilidad y las características de los soportes se han ampliado en estos últimos años pero se mantiene en cuanto a concepto, a pesar que diversas fábricas han dejado de producir película fotográfica. La foto en blanco y negro colgada en una exposición, la reproducción a color en un libro o el gráfico que aparece en la pantalla de la computadora son de hecho ejemplos de una misma realidad. La fotografía, sea cual sea el soporte en el que se muestra, es a los ojos del observador un continuo de tonos de color y niveles de brillo. Antes

organizar

los

soportes

fotográficos

acuerdo

sus

características, conviene remarcar la diferencia entre los componentes que los constituyen. LA PELÍCULA Y EL GRANO Si nos aproximamos lo suficiente a una fotografía hecha con película, comprobaremos cómo la imagen está compuesta por un tapiz de puntos. Estos corresponden a los granos de las sales de plata que han sido, o no, ennegrecidos por la acción de la luz. Cuando estas sales son expuestas a la luz, se convierten en plata metálica. A través de la sucesión de granos expuestos, la imagen se irá delineando en la superficie de la emulsión, que es la parte de la película que se encuentra revestida de las sales de plata. Las gradaciones de grises en la fotografía en blanco y negro, por ejemplo, se obtienen a partir de la mayor o menor concentración de granos. Si ampliamos suficientemente el negativo, o la copia positivada, los granos de plata de la emulsión se hacen visibles. La composición de la película en color es más compleja, pero sigue el mismo principio. Los componentes, la forma y el tamaño de los granos o cristales de plata son los que le dan las características principales a la película. Existen distintas formas de granos: cúbicos, cúbicos octaédricos, octaédricos, tabulares, y también existen distintos tamaños de granos, graduados de forma sistemática. Esto también se controla durante la fabricación de la película.

Cuantos más chicos sean los granos, mayor será la resolución de una imagen.

Una película de granos grandes es más sensible a la luz.

Una fotografía está compuesta por granos (sales de plata). La ampliación nos muestra estos granos repartidos en toda la superficie. El tamaño de los granos influye en la calidad y en la sensibilidad, puesto que a mayor cantidad de granos hay mayor detalle. Pero una película que esté compuesta por granos pequeños y que tiene mayor cantidad de estos, tardará más en reaccionar a la luz, convirtiéndose en una película lenta. Así, empezamos a pensar en la fotografía en función de lo que queremos o de lo necesitamos lograr.

EL SOPORTE DIGITAL

En la fotografía digital nos encontramos con una imagen que reproduce con tonos continuos la realidad. Pero esta imagen está formada por millones de elementos que cumplen la misma función que los granos de plata en las emulsiones clásicas. Solo que aquí no se trata de granos sino de píxeles. Y estos no derivan de la sensibilización de sales de plata sino de un análisis numérico de la luz.

Píxel es un término que se origina de la contracción de los vocablos picture y element, imagen y elemento en inglés. Los píxeles son las unidades mínimas que forman una imagen informática. Los dos medios básicos de los que disponemos para obtener fotos digitales son el escáner y la cámara digital. Ambos parten de una realidad analógica para interpretarla numéricamente, es decir, para digitalizarla. El escáner parte de una imagen analógica, ya sea ésta en papel o en película. La cámara digital en cambio, parte directamente de la realidad, de la luz, que siempre es analógica. Pero en ambos casos el resultado es el mismo, un archivo digital.

El tono de color de un píxel se consigue combinando los tres colores básicos (rojo, verde y azul) en distintas proporciones. Un píxel tiene tres características distinguibles: a. Forma cuadrada. b. Posición relativa al resto de píxeles de un mapa de bits. (Una imagen bitmap o mapa de bits, está compuesta por pequeños puntos o pixeles con unos valores de color y luminancia propios. El conjunto de esos pixeles componen la imagen total). c. Profundidad de color (capacidad para almacenar color), que se expresa en bits.

Gracias a la digitalización podemos combinar fácilmente archivos de diversos orígenes. Todos contienen un mismo tipo de información, imágenes procesadas y almacenadas a través de un código binario, descritas mediante ceros y unos, que es propio del lenguaje informático.

La imagen digital se compone de una matriz de píxeles que puede observarse en el monitor, almacenarse en la memoria de la computadora, interpretarse como minúsculos puntos de tinta sobre una superficie de papel o

enviarse por internet. Como ya mencionamos al hablar de los soportes clásicos, la reproducción de una fotografía se basa en la percepción de infinidad de partículas que reproducen intensidades de luz o describen intensidades tonales. Los píxeles de la fotografía digital son similares a los granos de cloruro de plata de la fotografía tradicional o los puntos de tinta de la imagen impresa .

Los píxeles conforman las unidades elementales de la imagen digital. Determinan la resolución por cantidad y profundidad. Y su forma básica es el cuadrado.

La cámara analógica y la digital presentan similitudes pues ambas conducen la luz a su interior a través de una óptica determinada. Pero también tienen importantes diferencias. Mientras la cámara analógica concentra los rayos de luz sobre la película, la cámara digital lo hace sobre un elemento capaz de analizar la luz e interpretarla en forma numérica: el sensor electrónico. Actualmente este sensor

mayoritariamente un CCD (Dispositivo de

Acoplamiento de Carga). Estas siglas son con frecuencia sinónimo de “sensor” entre muchos usuarios. Pero debemos resaltar que existen otros tipos de sensores como los CMOS y los X3, que difieren en calidad y versatilidad.

En una cámara tradicional la óptica concentra los rayos de luz sobre un plano para obtener una imagen enfocada. Se denomina plano de la imagen y es el punto donde se sitúa la película. En una cámara digital la tarjeta de memoria puede ocupar cualquier posición espacial dentro del cuerpo de la cámara. Ello

posibilita innumerables diseños y así encontramos unos modelos con una estética similar a las cámaras clásicas y otros con formas difícilmente parecidas a las tradicionales. En una cámara analógica el negativo tiene tanto la función de captar la luz como de guardar la información. En una cámara digital el mismo proceso tiene tres partes: a. Captación y análisis de la luz - CCD, CMOS, X3. b. Interpretar la luz de forma numérica o digitalización de la imagen DAC (Convertidor análogo - digital). c. Almacenamiento de la información - Memory Stick.

Entre el sensor electrónico y la tarjeta de almacenamiento existe un tercer elemento que procesa la información generada antes de guardarla. Se trata del DAC, el convertidor analógico-digital (Digital Analog Converter). Aplica los algoritmos de compresión a la información en bruto que proviene del sensor y la convierte en un formato concreto de archivo de imagen. El dispositivo de almacenamiento

información

varía

unos

modelos

otros.

Habitualmente se trata de una tarjeta de memoria que tiene diferentes capacidades estandarizadas (512 MB, 1Gb, 2 Gb, 4Gb, etc.).

Es necesario especificar los formatos usados para guardar archivos fotográficos digitales porque en las cámaras profesionales se puede escoger uno o más formatos para el registro fotográfico. De esto depende en buena medida el tamaño y la calidad de una fotografía. Veamos brevemente sus características: i.

JPEG (Joints Photographic Experts Group). Formato de compresión por síntesis. Se usa para las imágenes digitales y web que contienen muchas tonalidades, como por ejemplo fotografías con degradados. Se considera el mejor formato de compresión para las imágenes fotográficas, ya que, debido a su algoritmo de compresión, no da buenos resultados con imágenes planas o de peso muy bajo. Básicamente, lo que hace el algoritmo del formato JPEG es guardar la imagen separando la información del brillo de los matices de color, eliminando las diferencias de color muy sutiles que no se pueden apreciar en situaciones estándar. Por ello, se trata de un formato de compresión que genera un proceso de pérdidas. Esto significa que siempre se pierde información. El formato JPEG dispone de una profundidad de color de 24 bits, es decir, de

millones de colores. Es capaz, por lo tanto, de soportar y representar imágenes con calidad fotográfica. ii.

BMP (Windows Bitmap Format). Formato creado por Microsoft que permite tanta calidad como las imágenes TIFF, pero que se diferencia de éstas por el hecho de que no aporta información alguna para su impresión, lo que supone que las imágenes ocupen menos espacio de memoria. Se utiliza para imágenes que se imprimen con calidad normal, o bien para las imágenes de calidad que sólo tienen que aparecer en pantalla.

iii.

GIF (Graphics Interchange Format). El formato GIF es uno de los más utilizados en la Web por el bajo peso que conlleva generalmente. Su fórmula de compresión es secreta y pertenece a la compañía que lo creó, Unisys. Se suele emplear para imágenes con una profundidad de color de hasta 8 bits (256 colores), y utiliza un algoritmo de compresión llamado LZW. La principal característica de este algoritmo es que no pierde información, es decir, que, una vez descomprimida la imagen, conserva la misma información que cuando fue comprimida.

iv.

TIFF (Tagges Image File Format). Creado por la compañía Aldus, aunque en la actualidad pertenece a Adobe, es un formato de compresión por áreas que permite guardar las imágenes con la máxima calidad, además de especificar parámetros propios para la impresión. Es uno de los formatos que más espacio ocupan, pero también es el mejor formato para imprimir.

PICT (Macintosh Picture Format). Formato gráfico de compresión, sin pérdida de calidad, característico de los entornos Macintosh (aunque también puede ser utilizado en otras plataformas). Tiene las mismas características que el formato BMP.

vi.

RAW. Es un tipo de formato que, al estar tan relacionado con el funcionamiento del sensor, no podemos decir que es de tipo universal, como lo que hemos mencionado, sino que cada marca (Nikon, Canon, etc.), ha denominado RAW a su forma particular de disponer los datos de toma previos al proceso automático. Por tanto, se requiere un software específico para cada formato. La principal característica del formato RAW está en la flexibilidad con la que guarda la toma, ya que permite corregir valores muy precisos después de esta, como diafragma, temperatura de color, enfoque, niveles de brillo, etc., y no antes de hacerla.

B. CONCEPTOS BÁSICOS DE FOTOGRAFÍA. LOS GÉNEROS FOTOGRÁFICOS

La fotografía se ha desarrollado, en la actualidad, principalmente en tres sectores, al margen de las consideraciones científicas o tecnológicas. Por un lado se encuentran los dominios del reportaje gráfico, cuyo objetivo principal es captar el mundo exterior tal y como aparece ante nuestros ojos; en un segundo nivel se encuentra la publicidad. Y por otro tenemos la fotografía como manifestación plenamente artística, con fines expresivos e interpretativos.

El reportaje gráfico comprende la fotografía de prensa, la documental y el ensayo, y por lo general no se suele manipular. Lo conveniente es que el reportero gráfico emplee las técnicas y los procesos necesarios para captar una imagen bajo las condiciones existentes. Aunque este tipo de fotografía suele calificarse de objetiva, siempre hay una persona detrás de la cámara, que inevitablemente selecciona lo que va a captara través de un punto de vista. Respecto a la objetividad, hay que tener en consideración también la finalidad y el uso del reportaje fotográfico, que tiene que ver con las fotos más “realistas” e “imparciales para el medio y no necesariamente del propio fotógrafo.

La fotografía artística, en cambio, es totalmente subjetiva, sea manipulada o no. En el primer caso, el enfoque, el ángulo de la cámara y sobre todo la luz, pueden manejarse para alterar la apariencia de la imagen y los procesos de edición modifican en ocasiones el registro para lograr los resultados deseados; así, la fotografía es susceptible de combinarse con otros elementos para conseguir una forma de composición artística, o para la experimentación estética.

Conozcamos con mayor precisión las especializaciones en las que la fotografía se desarrolla en la actualidad. Revisaremos algunos alcances históricos con respecto a estos campos. Esto debe servirnos para orientar nuestro criterio y para dilucidar el tipo de fotografía que queremos realizar o analizar. Recordemos que muchas veces aprendemos no solo de mirar la realidad, sino de reconocer cómo otros la han visto.

La fotografía documental

Las primeras fotografías que mostraron con crudeza la guerra de Crimea al público británico fueron obra del fotógrafo británico Roger Fenton. En otra época y

lugar,

Mathew Brady, Alexander Gardner y Timothy O’ Sullivan documentaron la

inconsolable realidad de la guerra de Secesión. Por otro lado, México se convirtió en el punto de mira de fotógrafos franceses y estadounidenses, debido al redescubrimiento de las civilizaciones azteca y maya. El francés Désiré Charnay realizó interesantes fotografías de las ruinas mayas en 1857, además de dejar un detallado relato de sus descubrimientos arqueológicos y experiencias.

El trabajo fotográfico de los británicos del siglo XIX encierra registros de otros lugares y tierras exóticas. Cubrieron distancias sorprendentes cargados con el pesado equipo del momento para captar escenas y personas. En 1860, por ejemplo, Francis Bedford fotografió el Oriente Próximo. Su compatriota Samuel Bourne tomó unas 900 fotos del Himalaya en tres viajes realizados entre 1863 y 1866, y en 1860 Francis Frith realizó trabajos fotográficos en Egipto. Las fotos de este último sobre lugares y monumentos, muchos de los cuales están hoy destruidos o dispersos, constituyen un testimonio útil todavía para los arqueólogos.

Algunos fotógrafos del siglo XIX, en lugar de captar la vida en otras partes del mundo, se limitaron a documentar las condiciones de su propio entorno. De esta forma, el fotógrafo británico John Thomson registró la vida cotidiana de la clase trabajadora londinense alrededor de 1870 en un volumen de fotos titulado Vida en las calles de Londres (1877). El reportero estadounidense de origen danés Jacob August Riis realizó de 1887 a 1892 una serie de fotografías de los barrios bajos de Nueva York recogidas en dos volúmenes fotográficos cuyos nombres fueron: Cómo vive la otra mitad (1890) e Hijos de la pobreza (1892). Entre 1905 y 1910 Lewis Wickes Hine, captó también en sus fotos a los oprimidos de Estados Unidos: trabajadores de las industrias metalúrgicas, mineros, inmigrantes europeos y, en especial, trabajadores infantiles. En Brasil, Marc Ferrez plasmó en sus fotografías la vida rural y las pequeñas comunidades indias. Y en el Perú, el fotógrafo arequipeño Martín Chambi recogió en su obra un retrato de la sociedad de su país y en especial de los pueblos indígenas. En años recientes se ha reanudado el interés por estas fotografías y han sido el tema de varias exposiciones y libros.

Lewis W. Hine Breaker Boys (1910). Trabajo infantil en las minas.

El periodismo gráfico El propósito del periodismo gráfico es contar una historia específica en términos visuales. Los periodistas gráficos trabajan para medios impresos o virtuales (periódicos, páginas web, revistas, agencias de noticias y otras publicaciones) que cubren sucesos en áreas que abarcan desde los deportes, las artes y la política. Uno de los primeros periodistas gráficos fue el francés Henri Cartier-Bresson, quien desde 1930 se dedicó a documentar lo que llamó el “instante decisivo”, que es el punto álgido de cualquier situación, instante que corresponde con la imagen más significativa. Muchas de las imágenes de Cartier-Bresson tienen una enorme fuerza en su concepción como en lo que transmiten y son consideradas a la vez trabajo artístico, documental y periodismo gráfico.

Henri Cartier-Bresson ha sido uno de los fotógrafos de prensa más influyentes en el mundo

El fotógrafo estadounidense Robert Capa comenzó su carrera como corresponsal de la Guerra Civil Española; al igual que Cartier-Bresson, plasmó tanto escenas bélicas como la situación de la población civil. Su fotografía de un miliciano que cae herido dio la vuelta al mundo como testimonio del horror de la guerra, aunque fuera denunciada como un fraude tiempo después. Capa también cubrió el desembarco de las tropas estadounidenses en Europa el día D durante la II Guerra Mundial y la guerra de Indochina, donde murió en 1954.

Foto realizada por Robert Capa en la Guerra Civil Española, 1936.

A fines de la década del 30 aparecieron en Estados Unidos dos publicaciones: Life y Look;

y en Gran Bretaña Picture Post. Estas revistas contenían trabajos

fotográficos y textos relacionados con ellos. Este modo de presentación de la noticia, sin duda muy popular, se asoció a los nombres de grandes fotógrafos que cubrían diversos sucesos. Estas revistas continuaron proporcionando una gran cobertura gráfica sobre la II Guerra Mundial y la de Corea con fotos tomadas por Bourke-White, Capa, Smith, David Duncan y varios otros reporteros gráficos estadounidenses. Más adelante se utilizó la fotografía para reflejar cambios sociales. Smith documentó los devastadores efectos del envenenamiento por mercurio en Minamata, una aldea pesquera japonesa contaminada por una fuga de este mineral en una industria local.

El periodismo gráfico consolidó géneros como noticia local, corresponsalía extranjera, entrevista y reportaje gráfico. Toda fotografía es, de cierta forma, noticiosa, puesto que capta la imagen, que perciben el objetivo de la cámara y el ojo humano, de de una realidad. Los primeros fotógrafos eran investigadores, pues se limitaron a registrar lo que veían, pero con el desarrollo del periodismo se empezaron a delimitar los márgenes para reconocer un hecho noticioso, cuyo valor tenga el interés de la opinión pública y que incluso incida sobre ella. La fotografía combina el uso de la imagen como documento y como testimonio; subgénero que se conoce ahora con el nombre de fotografía social.

Gannaway ganó el premio Pullitzer en el 2008 en la categoría de fotografía de artículo, donde presentó la historia de una familia en la cual uno de los integrantes tiene una enfermedad terminal.

La fotografía comercial y publicitaria

Desde la década del 20 se ha hecho uso de la fotografía ella para impulsar y dirigir el consumismo, como un componente más de la publicidad. Los fotógrafos comerciales realizan fotos que se usan en anuncios o como ilustraciones en libros, revistas y otras publicaciones. Y con el fin de que sus imágenes resulten más atractivas utilizan una amplia gama de sofisticadas técnicas. El impacto de este tipo de imágenes ha producido una fuerte influencia cultural. La foto comercial y publicitaria ha representado asimismo un gran impulso en la industria gráfica, junto con los avances

en las técnicas de reproducción fotográfica de gran calidad. Destacaron en este campo, por citar a algunos fotógrafos importantes, Irving Penn y Cecil Beaton, quienes la alta sociedad; Richard Avedon, quien consiguió fama como fotógrafo de moda, y Helmut Newton, controvertido fotógrafo de moda y retratista cuyos trabajos poseen con frecuencia un gran contenido erótico. En la actualidad, el fotógrafo peruano Mario Testino es considerado uno de los mejores fotógrafos comerciales y de glamur en el mundo entero.

Testino ha fotografiado a grandes personajes del cine, la música y la alta sociedad de diversos países. En la foto, la actriz Natalie Portman.

La fotografía publicitaria es uno de los pilares comerciales de la sociedad del consumo. Genera simpatías, antipatías, influye en la formación de la identidad de las personas gracias a un cuidado meticuloso del mensaje que transmiten, asociados, eso sí, al concepto publicitario del departamento creativo de una agencia de publicidad.

Debemos resaltar en este punto, que esta especialización fotográfica va de la mano con los adelantos tecnológicos pues necesitan una gran calidad, producción y solvencia imaginativa. Presentamos uno de los trabajos del italiano Oliveiro Toscani, quien desarrolló los conceptos (y las fotografías) para la casa Benetton durante muchos años. Toscani siempre fue un irreverente y supo dotar de mucha personalidad cada uno de sus trabajos.

Oliveiro Toscani desarrolló el concepto de igualdad que utilizó durante muchos años la marca Benetton.

Fotografía artística Los trabajos fotográficos de los pioneros Daguerre y Talbot condujeron a dos tipos distintos de fotografía. El daguerrotipo, apreciado por su claridad y detalle, fue utilizado en especial para retratos familiares como sustituto del mucho más caro retrato pintado. Más tarde, el daguerrotipo fue sustituido en popularidad por la carte de visite, que utilizaba placas de cristal en lugar de láminas de hierro. Por otro lado, calotipo de Talbot era menos preciso en los detalles, aunque tenía la ventaja de que producía un negativo del cual se podían obtener el número de copias deseadas. A pesar que el calotipo se asoció básicamente a la fotografía paisajista y de bodegón, desde 1843 hasta 1848 esta técnica fue utilizada por el pintor escocés David Octavius Hill y su colaborador fotográfico Robert Adamson para hacer retratos.

Desde 1860 aproximadamente, hasta 1890, la fotografía fue concebida como una alternativa al dibujo y a la pintura. Las primeras normas de crítica aplicadas a ella fueron, por tanto, aquellas que se empleaban para juzgar el arte, y se aceptó la idea de que la cámara podía ser utilizada por artistas, ya que ésta podía captar los detalles con mayor rapidez y fidelidad que el ojo y la mano. Dicho de otro modo, la fotografía se contempló como una ayuda para el arte, como lo hicieron Hill y Adamson. Alrededor de 1870, por ejemplo, se aceptó la práctica de hacer posar a los sujetos en el estudio, para después retocar y matizar las fotos con la finalidad de que pareciesen pinturas.

Los trabajos de la fotógrafa sueca Julia Margaret Cameron representaban escenas semejantes a obras pictóricas de la época, sin embargo sus estudios retratistas plasmaban a sus amigos, miembros de los círculos científicos y literarios británicos. Consistían en registrar primeros planos con iluminación intensa, para revelar toda la fuerza del carácter de los personajes. Otro ejemplo de ese tipo de fotografía es el trabajo del caricaturista francés Gaspard Félix Tournachon, que se convirtió en fotógrafo bajo el nombre profesional de Nadar. Sus cartes de visite (fotos montadas del tamaño de tarjetas de visita) son una serie de retratos simples y mordaces de la intelectualidad de París. Muestran el poder de observación de Nadar cuando disparaba su cámara con luz difusa contra fondos lisos para realzar los detalles. A fines del siglo XIX, el fotógrafo aficionado británico Peter Henry Emerson cuestionó el uso de la fotografía como sustituto de las artes visuales, incitando a otros colegas hacia la naturaleza como fuente de inspiración y limitando las manipulaciones de los propios procesos fotográficos. Su libro Fotografía naturalista para estudiantes de arte (1899) se basaba en su creencia de que la fotografía es un arte en sí mismo e independiente de la pintura. Modificó después esta declaración y defendió que la mera reproducción de la naturaleza no es un arte. Otros escritos de Emerson, que diferenciaban la fotografía artística de la que se hace sin propósitos estéticos, terminaron de definir después el aspecto artístico de la fotografía.

Julia Cameron dotó al retrato de una fuerza expresiva a través de la luz.

C. EL ENCUADRE / EL PLANO 1. EL ENCUADRE

El encuadre es la porción de la realidad que está limitada por un área geométrica. En fotografía, esta área se establece en función del tamaño visorsoporte, pues están directamente relacionados. Existen encuadres cuadrados, rectangulares, panorámicos, cuyas obvias diferencias influyen sobre la elección de los elementos que vamos a considerar para la toma.

El encuadre supone tener un motivo. No en el sentido del impulso, sino en razón de que vamos a privilegiar una porción del mundo real. La finalidad de fotografiar puede obedecer a diversas razones: el periodista priorizará el valor testimonial, el publicista pretenderá destacar un producto o servicio bajo una propuesta estética adecuada, el artista buscará expresar emociones, estados de ánimo o ideas apelando a su sensibilidad y su técnica. Y el fotógrafo que simplemente sale de “caza”, buscará cosas que llamen su atención y que se den, casi siempre, de forma natural.

Nosotros observamos un espacio sin límites, pero en la cámara el encuadre está limitado por cuatro lados. Por lo tanto es necesario pensar en lo que elegimos y lo que vamos a excluir desde nuestro marco fotográfico. Para acercar y aumentar un motivo, hay que usar un teleobjetivo. Pero si en cambio se desea ampliar el campo de visión, utilizaremos un lente llamado gran angular. De ahí la importancia de los lentes al encuadrar, pues nos ayudan a tener más opciones para destacar algo.

En el encuadre es importante introducir aquel o aquellos elementos que resulten realmente importantes para el tema de nuestra foto y excluir aquellos que resultan intrascendentes y que pueden distraer. El objeto (u objetos) que deseamos destacar se denomina motivo. Cualquier motivo está rodeado por una serie de elementos que los sitúan dentro del contexto. Estos elementos pueden aparecer tanto en el primer plano como en el fondo. Antes de tomar una foto es necesario observar todo lo que aparece en el visor y decidir de antemano qué es lo que vamos a incluir en la foto. Cuál es el motivo y qué fondo o primer plano podría ser interesante para resaltarlo. Generalmente cuando uno

empieza, las fotos tienen muchos detalles que suelen despistar al observador y hacen que no tenga muy claro qué es lo que hemos querido decir con la foto. Por lo tanto, una foto con pocos detalles suele ser mostrar más fácilmente el tema. Es importante destacar unos pocos detalles, pero, al mismo tiempo, llenar el encuadre con los mismos. No resulta demasiado adecuado, salvo casos especiales, dejar primeros planos o fondos vacíos, tales como un cielo inexpresivo demasiado grande. A pesar de ello, hay que tener en cuenta que el fondo o primer plano no debe asfixiar al motivo. Entre este y lo que le rodea debe existir un espacio prudencial. Para encuadrar aquello que es realmente importante podemos optar por alguno de estos recursos: a. Llenar

encuadre.

Las

personas

con

poca

experiencia

fotográfica suelen encuadrar los personajes o los objetos en su totalidad, lo cual tampoco es absolutamente necesario. En muchas ocasiones llenar el encuadre con una parte del motivo es lo más adecuado. Para llenar el encuadre podemos considerar las siguientes técnicas: i.

Acercarnos al objeto que queramos fotografiar, siempre que se

pueda, y estudiarlo de varios ángulos, reconociendo además cómo le da la luz si es que estamos en exteriores. ii.

Acercar el objeto hacia nosotros mediante el uso de un lente

zoom, pues es un dispositivo estándar en las cámaras digitales compactas. b. Enmarcar el objeto. A veces para destacar el tema principal podemos observar si existe una especie de “marco” natural dentro del cual se incluye este elemento. Por ejemplo, cuando fotografiamos un monumento desde detrás de un arco o una ventana y creamos un marco negro dentro del cual destaca el monumento. Podemos utilizar las ramas de un árbol, o unas plantas para enmarcar el tema principal. Otras veces las sombras constituyen una buena manera de aislar el motivo, disimulando o cubriendo aquellos objetos que podrían distraer la atención. A pesar de todo ello, debemos ser cuidadosos en que el marco no destaque por encima del tema principal. c. Descentrar el motivo. Otro de los errores muy habituales es situar el motivo en el centro. Esto puede resultar adecuado en ciertas ocasiones,

especialmente cuando el fondo es

capaz de aportar

información interesante. En otras ocasiones, se hace demasiado

repetitivo. Las fotografías resultan monótonas y en general están llenas de zonas con información vacía. Descentrar el motivo es una buena manera de atraer la atención sobre el mismo.

Llenar el encuadre o enmarcar el motivo pueden ser recursos de mucha ayuda al momento de destacar un objeto, arquitectura o personaje.

Es de vital importancia observar el entorno, reconocer los elementos que podemos destacar. Luego, en la edición de las tomas, podremos incluso alterar el encuadre, cambiar el color, y descubrir así nuevas posibilidades expresivas.

Variaciones básicas en el encuadre

El encuadre fotográfico puede tener variaciones básicas que alterarán en mayor o menor medida la elección del motivo. Es la forma que en que se presenta la foto respecto a las dos dimensiones que posee. Existen las siguientes variaciones de acuerdo a la posición de la cámara: a. Horizontal: Es el más habitual, y equilibrado, el que proporciona más tranquilidad y naturalidad, puesto que es el que más se adecúa a la visión humana. Las cámaras réflex de 35 mm. y su equivalente en digital, son construidas para optar por un encuadre horizontal. Dado que la mayoría de las cámaras presentan la posición optima par fotografiar en este formato, es por el que se tiene tendencia a utilizar. Este encuadre es el que generalmente se utiliza para fotografiar paisajes, de ahí que se le conozca también como formato apaisado. No debemos olvidar también, que hoy en día hay una clara tendencia a presentar la imagen en monitores en formato horizontal. Esto puede llevar a utilizarlo sin tener en cuenta que otras formas de encuadre pueden ser más adecuadas en ciertas ocasiones. b. Vertical: Esta variación se obtiene al girar la cámara en 90º. Se conoce como "encuadre de retrato" por ser el más utilizado en este tipo de fotografía. A diferencia del horizontal, y dependiendo del tema, la posición vertical resulta mucho más contundente y fuerte que el horizontal pues acentúa la líneas verticales y diagonales del motivo. Utilizaremos el formato vertical si queremos realizar un retrato de una persona, tanto en primer plano como de cuerpo entero. En este caso debemos tener en cuenta que el motivo llene el encuadre. Un error muy habitual en los retratos es dejar demasiado espacio por encima de la cabeza, al costado de los hombros y brazos o distanciarnos demasiado de la persona para incluir demasiado fondo. En los primeros planos, se debería llenar el encuadre con la imagen de la cara de la persona retratada, sin que sea necesario incluir la cabeza entera. También podemos utilizar este encuadre en otras ocasiones como, por ejemplo, fotografías de edificios o montañas, cascadas,

árboles, etc., para acentuar su tamaño respecto al fondo. El uso del formato horizontal en retrato resulta más difícil de utilizar dado que es más difícil llenar el encuadre con el rostro. No obstante, no resulta inadecuado experimentar este tipo de fotografía con esta variación, cuando tomamos parte del rostro, o descentramos al personaje. c. Inclinado: Es el que resulta de girar la cámara a un ángulo menor de 90º, hacia la izquierda o derecha del eje horizontal de la cámara. Se le conoce también como encuadre aberrante y muchas veces es considerado dentro de la clasificación de “angulaciones”. Es

tipo

encuadre

muy

expresivo,

que

utiliza

esporádicamente para crear algunos efectos o sensaciones dramáticas (por inestabilidad) o dinámicas.

Esta formación rocosa es ideal como tema y resalta de forma natural gracias al encuadre horizontal. Destaca además el cielo, muy característico en algunas provincias de nuestro país. En la imagen de la izquierda, vemos la posición que debemos adoptar para hacer una fotografía horizontal. La mano izquierda debe servir de base y manipular además el objetivo. La derecha debe prensar bien la cámara y manipular los controles de disparo y de ajustes para la exposición.

El encuadre horizontal tambiĂŠn puede servirnos para acercarnos a un personaje, su realidad y su entorno.

Incorrecto

Correcto A la izquierda, una toma vertical es usada para combinar un elemento y su hĂĄbitat natural. Arriba, la posiciĂłn incorrecta y incorrecta para sostener la cĂĄmara en tomas verticales. La mano izquierda debe servir como base y la derecha opera.

El encuadre vertical puede enmarcar un motivo y hacerlo destacar. Por otro lado es idĂłneo para los rostros de personajes.

El encuadre inclinado acentĂşa las diagonales y pude generar dinamismo pero tambiĂŠn desequilibrio.

Otros encuadres

La alteración de los encuadres no depende en forma exclusiva de los formatos de películas. A pesar que existen cámaras especiales para trabajar con formatos diferentes al estándar en fotografía de 35 mm (aproximadamente de una relación de 4:3), la facilidad con la que ahora, gracias a diversos programas de edición de fotos, podemos cambiar el encuadre, es muy amplia. Como otros encuadres consideraremos dos de los más utilizados: el cuadrado y el panorámico. El encuadre oval o el circular están supeditados a la edición de páginas interiores de una publicación, o a una forma especial de enmarcar una foto. Así, definimos entonces los siguientes: a. Encuadre cuadrado: Es aquel tipo de encuadre en que la fotografía presenta las mismas medidas en ambas dimensiones. Para realizar este tipo de foto debemos tener una cámara analógica de formato 6x6 (que hemos visto en tipos de cámaras) o realizar un recorte con un programa de edición sobre una fotografía tomada con cámara digital. Puede ser un formato interesante debido a que trabaja con un área menor a nuestro campo visual, y esto a su vez puede incrementar la dificultad de componer. b. Encuadre panorámico: Es aquel tipo de encuadre horizontal que, partiendo de una visión central, nos ofrece un área muy ancha hacia los lados. Este tipo de formato fue muy utilizado en la pintura y se está poniendo de moda con las cámaras digitales, muchas de las cuales presentan dispositivos que permiten tomar diferentes fotografías para ser procesados posteriormente con un software en el ordenador creando una panorámica con todas ellas. El cine usa este formato debido a que nuestra visión abarca casi 180º. También disponemos de objetivos especiales, llamados ojos de buey, que pueden tomar directamente este tipo de formato. El encuadre panorámico es adecuado para presentar paisajes, aunque es bastante difícil conseguir una buena foto por la dificultad de llenar el encuadre con detalles importantes.

El encuadre cuadrado ofrece posibilidades expresivas, pero limita nuestro campo de visión.

Los encuadres panorámicos son enteramente descriptivos. Su belleza y expresividad radica en el gran campo visual que abarcan, pero es difícil destacar a un personaje.

2. ELEMENTOS DEL ENCUADRE

Los elementos del encuadre están relacionados al espacio, el tamaño, la iluminación y el orden en que se presenta el motivo: •

El plano: es una referencia visual que se utiliza para determinar el espacio en el cual se encuentran los objetos dentro del encuadre. Se clasifican por una escala de distancias que tienen como punto de partida el cuerpo humano. Existen dos tipos:

Descriptivos : se utilizan para ubicar al observador (espectador) en un lugar, un entorno. Agrupa los siguientes planos: i. Gran plano general. Se utiliza para dar una visión panorámica de un paisaje, o para contrastar elementos de muy distinto tamaño. ii. Plano general. Equivale a una imagen en la que se combinan el personaje y el ambiente que le rodea. Hay una relación significativa entre entorno y personaje.

Los planos generales son usados para describir lugares y destacar elementos como la arquitectura, el clima o un número enorme de personajes.

Los planos generales hacen que reconozcamos mĂĄs directamente la arquitectura, el ambiente que rodea a un grupo de personajes y lo que hacen.

Dependiendo de su contenido, los planos generales tambiĂŠn destacan elementos tan dispersos como la gente en muchedumbre. Describe una situaciĂłn amplia, general.

Narrativos : En este caso, el nombre deriva del audiovisual, pues son planos que “narran” acciones, ya que están referidos al ser humano totalmente. Agrupa los siguientes planos: i. Plano entero. Se utiliza para dar describir la figura humana, privilegiando la acción (o posición) que uno o más personajes realizan. ii. Plano americano. Es el plano que “corta” la figura humana desde las rodillas hasta la cabeza. Favorece la observación de las conductas de los personajes y la interacción con otros. iii. Plano medio. Hace referencia a la imagen de la figura humana a la altura de la cadera. Este plano establece la interrelaciones directas entre dos o más personaje o entre estos y los objetos del ambiente.

Un plano entero no significa aislar al personaje en el encuadre. También podemos enriquecerlo a través de la relación que éste tiene con su entorno.

Los planos enteros enmarcan al ser humano en distintas posiciones, pero manteniendo la idea de unidad f铆sica, abarcado el cuerpo entero y su disposici贸n.

El plano americano puede ser utilizado como un recurso para concentrar la atenci贸n en personajes y sus relaciones.

El plano medio enfatiza la acci贸n y la relaci贸n de los personajes, con otros o con el entorno.

El plano medio puede usarse creativamente para decir algo m谩s sobre los personajes sin perder el acercamiento que nos proporciona.

Los planos medios nos vinculan a los personajes y sus acciones, nos acercan a sus quehaceres y cotidianidad.

Expresivos . se llaman así porque privilegian y destacan la gestualidad de las personas, sus expresiones. Interiorizan a los personajes, nos acerca a ellos. Son muy poderosos visualmente. Agrupa los siguientes planos: i. Plano busto. Nos acerca a los personajes y nos da la posibilidad de ofrecer información sobre parte de su atuendo o de alguna acción que realizan de manera muy cercana a ellos. ii. Primer plano. Convoca la interioridad del personaje, permite auscultar la intimidad a través del gesto, la mirada.

Plano de detalle. Se concentra en detalles diminutos o fracciones del cuerpo humano. Magnifica los trazos dándoles un significado muchas veces surrealista, pues nuestra mirada, de forma natural, siempre va a tener un ángulo de visión grande, los detalles siempre los vamos a ver en proporción de nosotros mismos. El plano de detalle, en cambio restringe y exagera esta proporción.

Los planos busto se pueden aprovechar como una forma de acercarnos a los personajes y a algunas acciones muy precisas que éstos realizan.

Los planos busto acercan pero también describen, comparten más información sobre el motivo fotográfico y sus actitudes.

Un primer plano puede mostrar indirectamente a un personaje y aún así acercarnos a él y a sus sentimientos o estados de ánimo.

Los primeros planos son poderosas herramientas de expresión. Desnudan la intimidad de los personajes, intensifican la mirada, el gesto.

Un detalle puede ser un objeto pequeño o parte de él. Destaca color, imperfecciones, formas, texturas, como la foto de la derecha, que pertenece a un pavo real.

Los detalles también pueden estar relacionados con un personaje directamente. Nos pueden dar información sobre ellos sin explorar sus gestos.

•

La composición: es otro elemento del encuadre y quizás el más esencial, pues está relacionado con la forma en que colocamos el motivo dentro del encuadre. Supone no solo el conocimiento técnico para resaltar el motivo, sino un alto grado de sensibilidad para distribuir el espacio, la luz, los objetos, ya sea en estudio (donde está la mayor libertad para mover o dirigir estos aspectos) o en fotografía documental (en la que solo podemos agudizar los sentidos, componer y disparar). Desarrollaremos el estudio y análisis de la composición durante la tercera unidad por la importancia que representa.

4. LOS ÁNGULOS DE TOMA Un motivo fotográfico puede encuadrarse desde diversos ángulos, y exagerar o minimizar su fuerza acercándose o alejándose de éstos. Las proporciones y el fondo modifican la composición. La búsqueda de un buen ángulo para la toma o registro es laboriosa. Nos fuerza a desplazarnos, desplazar la cámara, cambiar los lentes, y estar alerta porque estos desplazamientos pueden generar composiciones diferentes que serán más o menos afortunadas. Los ángulos de toma se dividen en cuatro tipos, según el nivel de altura con respecto al motivo desde el cual se realicen. Cada uno de estos, posee características expresivas diferentes y deben ser conocidas por el fotógrafo, para su uso consecuente.

a) Toma a Nivel. Es cuando realizamos la fotografía manteniendo el horizonte de forma normal, independientemente de la altura a la que podamos sujetar la cámara. Sirve para mostrar o describir algo de manera "natural" u "objetiva", como generalmente es nuestra visión normal. Al utilizar este ángulo de toma, el motivo se verá como si el espectador de la foto estuviera delante de él, con la vista hacia el frente. Recordemos que podemos tener desde un gran 180º

plano general hasta un plano de detalle manteniendo el ángulo normal.

La toma a nivel nos muestra las cosas de forma natural. Aportan una sensación natural, pero pueden no destacar un elemento importante.

Las tomas a nivel también significan adoptar la altura del motivo fotográfico, acompañándolo para que no pierda su naturalidad. Su fortaleza radica en su fácil lectura.

b) Toma en Picado. En este caso, la toma se realiza desde una posición más alta que el motivo, de arriba hacia abajo. El horizonte queda por debajo de nuestra línea de visión. El uso de este ángulo puede forzar la perspectiva y lograr que el motivo se vea disminuido en tamaño. Esto se puede usar de forma funcional, cuando queremos ver más del campo visual normal (una mesa por ejemplo, en la cual vemos objetos en su superficie). También se puede utilizar expresivamente, pues en las personas, por ejemplo, dependiendo del entorno y del plano, el picado puede parecer “aplastarlas”, y por ende sugerir debilidad o humillación. Sin embargo esto puede servirnos para buscar resaltar volúmenes, llenar el encuadre con las formas, etc. Todo dependerá de cómo ampliemos nuestro criterio en la práctica.

180º

Cámara con el punto de vista debajo de la línea horizontal normal.

El picado puede minimizar al personaje o puede dejar atrás detalles significativos por la alteración de la perspectiva.

Las tomas en picado, cuando usa planos abiertos sobre un personaje, minimizan su presencia pero describen acción. Por otro lado, simplemente nos da más detalles de una escena.

El niño no está minimizado por el ángulo picado. Podemos aprovechar sus características para resaltar los volúmenes y explorar cuestiones estéticas.

c) Toma en Contrapicado. La toma se realiza desde una posición más baja que el motivo, de abajo hacia arriba. El horizonte queda por encima de nuestra línea de visión. El uso de este ángulo está condicionado por el tamaño de los objetos. Los edificios, y todas aquellas cosas que estén por encima del tamaño promedio del ser humano, hacen que levantemos la cámara y la mirada. Esto significa que también forzamos la perspectiva, por lo que el motivo se ve acentuado en tamaño. A pesar de esta aberración de la imagen, la naturalidad no se pierde, pues es nuestra referencia inmediata de los objetos grandes. Sin embargo, en posiciones que destaquen un motivo “normal” o “natural” a través del contrapicado, el uso expresivo también tiene que ver con los volúmenes, las superficies. En las personas, por ejemplo, dependiendo nuevamente del entorno y del plano, el contrapicado puede “agrandarlas”, y por ende sugerir poder, grandeza, realce.

180º

Cámara con el punto de vista por encima de la línea horizontal normal.

El contrapicado resalta, por naturaleza, los elementos más próximos a la cámara. Puede destacar acciones, detalles que desde el ángulo normal no podemos ver.

Los contrapicados son naturales cuando guardan proporci贸n con la realidad. Edificios, esculturas grandes, pueden tener elementos a destacar y enfatizar con este 谩ngulo.

Una toma en contrapicado nos puede unir a la actitud o estado de 谩nimo de un personaje. O puede darnos informaci贸n que adquiere una importancia superior e inmediata.

d) Toma en Cenital. La toma se realiza desde una posición perpendicular al suelo, de arriba hacia abajo, como si fuera el extremo total de un picado. Este ángulo produce que veamos imágenes sin perspectiva, que puede ser muy descriptiva si se aplica a objetos pequeños, y muy inusual si hacemos fotos con objetos grandes. También se le conoce como “vista de pájaro” por la similitud que tiene la posición de la cámara.

Las tomas cenitales son descriptivas y nos proveen de un punto de vista inusual. También alimenta la originalidad para presentar un lugar que puede pasar desapercibido.

A pesar de aplanar la superficie, los cenitales tienen mucha fortaleza compositiva. Los elementos destacan por su interacción o por la participación con el fotógrafo.

5. LA ELECCIÓN DEL PUNTO DE VISTA

El punto de vista se refiere a la capacidad del fotógrafo de usar las formas del encuadre y sus elementos de manera que el motivo se reconozca totalmente, capte la atención del espectador e influya en su sensibilidad. Ahora bien, el punto de vista se establecerá de acuerdo al tipo de fotografía que estemos realizando, ya sea esta de tipo comercial, informativa o documental; en otras palabras, dependerá del tema y lo que el fotógrafo quiera transmitir. En esta unidad propondremos con ejemplos cómo el establecimiento del punto de vista en fotografía de tipo libre aumenta la capacidad de expresión del motivo. En la tercera unidad reconoceremos y estudiaremos más detalladamente los temas fotográficos.

En su forma más simple, el punto de vista dependerá de la agudeza visual que el fotógrafo tenga para aprovechar un momento fotográfico. Es decir, dependerá de cómo abarque su motivo y qué destaque de él. Al principio es difícil estar en el lugar donde vamos a fotografiar y detenernos a pensar, pero es lo más recomendable. Nos conviene entonces tener en cuenta lo siguiente:

Reconocer el entorno y sus elementos. Explorar con cuidado y paciencia

campo

visual.

Seleccionar

posibles

motivos

fotográficos.

ii.

Determinar el motivo. Descubrir por qué nos parece atrayente, qué nos llama la atención de él. Empecemos con cosas fijas y no en movimiento

(piletas,

estatuas,

árboles,

detalles).

motivo

principal debe mostrar hacia la cámara el lado que nos interesa registrar, así que debemos tener en cuenta cualquiera de los muchos frentes que tenga.

iii.

Examinar la iluminación. Debemos percatarnos qué tipo de iluminación es la que se encuentra sobre el motivo. Imaginemos que estamos en la calle, en verano, con el sol tapado por las nubes. La iluminación será suave y pareja en los rostros, y podremos fotografiar fácilmente. Ahora imaginemos el interior de una iglesia antigua, con luces muy puntuales y tenues. Entonces nuestro motivo será más difícil de fotografiar. La luz, quizás,

proyecte sombras pronunciadas en su superficie o lo cubra parcialmente con sombras duras, definidas.

iv.

Fotografiar desde diversos planos y ángulos. Hemos visto cómo la posición de la cámara en cuanto a su distancia y la elección del ángulo de toma influyen en la proporción y forma del motivo. Tratemos de variar, en lo posible, nuestra posición para probar diversas formas de fotografiar el motivo.

Tener presente el tiempo en fotografías en exteriores. El sol nos proporciona diversas tonalidades de color. Exploremos, en lo posible, sus cualidades al momento de iluminar nuestro motivo.

Tomemos como ejemplo la fuente de la Plaza Mayor. Un punto de vista convencional puede ser interesante, pero quizás no destaca algo en particular.

Uno de las primeras formas de establecer un punto de vista es cuidar los fondos y elegir el mejor รกngulo para complementarlo.

Los cambios que perceptivamente sufre el motivo pueden ser significativos por los horarios y la iluminaci贸n.

ÂżPuede un silueteado ser mĂĄs significativo que una toma convencional?

Explorar con los puntos de vista es aprender a mirar y reconocer el entorno. Ser paciente, dominar la tĂŠcnica y probar.

El contraste de color es significativo, pero quizรกs no hay una fuerza compositiva. No destaca un elemento en particular.

Un contraluz puede crearnos distintas sensaciones; el movimiento puede exagerarse al congelar el motivo o difuminarlo.

Los detalles son significativos cuando tienen riqueza de acci贸n, de color, de composici贸n.

Nuevamente un contraluz nos da posibilidades creativas para abordar un detalle.

La fotografĂa nocturna puede enriquecer nuestro punto de vista. Nos provee de material original y tenemos mĂĄs elementos para destacar.

Probemos abordar el tema jugando con los ĂĄngulos, los encuadres y los planos.

Debemos reconocer que el punto de vista también se puede ampliar gracias un buen equipo fotográfico (en lo referente a lentes), pues nos permitirá tener más recursos visuales.

No olvidemos lo significativo que puede ser un fondo. Complementa, destaca, resalta, describe. Aprendamos a mirar y a forzar la vista de ser necesario.

PRIMERA UNIDAD – PARTE II A. FUNCIONES DE LA CÁMARA DIGITAL. PARTES. PROCESO DE REGISTRO.

Cámaras Compactas

Estas cámaras, en su versión para película, tienen un objetivo con una sola longitud focal y pueden enfocar sujetos a distintas distancias de la cámara. La calidad de las cámaras de esta categoría es variable, desde modelos muy económicos con tres o cuatro zonas de enfoque prefijadas y lentes de plástico y sensores DX para películas de 100-400 ISO hasta modelos con lentes que pueden competir con las mejores que tiene otros formatos y sensores DX capaces de manejar películas hasta 5000 ISO. Algunas son totalmente automáticas y poseen flash incorporado.

Tanto en la cámara compacta de película como en la digital, no existe la posibilidad de intercambiar los objetivos. Son las más abundantes en el mercado y se caracterizan por su pequeño tamaño, lo que las hace muy transportables. Son más económicas que el resto de cámaras. La mayoría de ellas en la actualidad cuentan con opciones de macro lo que les facilita la posibilidad de tomar fotografías de aproximación a las flores (detalles).

El formato de película pudo haber sido la base de las cámaras digitales compactas, por su envergadura y maniobrabilidad. El sistema de visor en las cámaras compactas de película o digitales varía en que las últimas tienen sistema de visor directo y no presentan el error de no ver lo que se está encuadrando, ya que en las cámaras compactas de película el visor no tiene ninguna conexión con el objetivo y es solo un aproximado del encuadre real. Además, debido a los avances tecnológicos, el lente de las cámaras digitales es zoom y no fijo, lo que mejora sus posibilidades.

Las cámaras compactas de película y digital. Ambas han logrado la “democratización” de la fotografía en tiempos diferentes.

Por último, debemos precisar que las cámaras compactas de película usan el formato 35 mm., es decir, aquel que se convirtió en el más versátil y que ha servido de

base para el formato de la fotografía digital convencional y semi profesional. Este formato de película es el perforado en chasis de 35 mm., también llamado 135 o de paso universal. El formato de fotograma más corriente es de 24 x 36 mm., aunque unas pocas pueden registrar en 18 x 24 mm. y por tanto consiguen el doble de fotogramas. Existen también algunas que utilizan película en cartuchos "pack" de código 126, que proporcionan 12 ó 20 copias cuadradas de 28x28 mm., aunque actualmente son difíciles de conseguir.

Cámaras compactas digitales Prosumer

Son cámaras compactas en las que no se pueden intercambiar los objetivos aunque cuentan con funciones más avanzadas que las compactas digitales ya mencionadas. Son de tamaño mayor y recuerdan por su forma a las réflex aunque funcionan con técnica diferente. Su calidad se acerca más a estas últimas.

Entre las principales ventajas con respecto a las compactas pequeñas están su mayor longitud focal, lo que permite controlar mejor la profundidad de campo (es decir el enfoque selectivo), la posibilidad de añadir un flash externo, la mayor disponibilidad de accesorios que pueden montarse frente a la lente fija y, sobre todo, la capacidad de grabar en formato TIFF o RAW, además del habitual JPEG. El formato TIFF tiene más calidad que el JPEG y el formato RAW, como veremos más adelante, puede manipularse en la computadora para obtener fotos de mayor calidad.

Las cámaras compactas Prosumer son las mejores para los amateurs debido a su gran versatilidad y a la mejora en la óptica que emplean.

B. CONTROLES PRE PROGRAMADOS. BALANCE DE BLANCOS Y SENSIBILIDAD

El sol, una vela y un carbón incandescente producen todos ellos varios tipos de luz al irradiar calor. Sin embargo, el color de la luz que cada uno desprende no es idéntico, ya que la temperatura a la que cada uno llega al estado de ignición varía enormemente. Como resultado, cada fuente irradia una mezcla distinta de longitudes de onda, lo que produce sustanciales efectos sobre los colores de los objetos iluminados. Estos efectos se notan sobre todo en las fotografías en color, pues las películas están equilibradas para dar precisión en los colores con una luz formada por una determinada mezcla de longitudes de onda (generalmente amarillo y blanco). No se puede confiar en nuestros ojos para detectar pequeños cambios en la iluminación. Nuestros ojos tienen una gran sensibilidad para reconocer los colores independientemente del color de la fuente. Vemos lo que esperamos ver, ignorando las sutiles variaciones de color. Una camisa blanca será siempre blanca para nosotros vista a la luz del sol o con luz artificial. Sin embargo, la película o el soporte digital registran materialmente el color predominante de la iluminación. La película normal para luz de día está equilibrada para una luz media de mediodía, cuando la iluminación proviene sobre todo de la luz predominantemente blanca del sol directo. A menos que se corrija con un filtro, una iluminación con un equilibrio muy diferente cambiará inevitablemente el color de las fotografías realizadas con esta misma película. A esto se le llama dominante de color. El color de una fuente luminosa no depende sólo de su temperatura. Por ejemplo, los factores atmosféricos entran en escena cuando consideramos en qué forma la luz diurna o de mediodía aparece neutra, la mezcla de longitudes de onda que llega hasta nosotros varía a la salida o la puesta del sol. Igualmente, las nubes o la niebla filtran algunas longitudes de onda por absorción, o dispersan otras de tal forma que predominan en la luz reflejada por el cielo. En un día despejado, por ejemplo, el cielo aparece intensamente azul debido a la dispersión de longitudes de onda azules por las moléculas atmosféricas. Las fuentes luminosas pueden codificarse según su denominada “temperatura de color”, dada en grados Kelvin (K). Se toma como medida la coloración que adquiere un objeto calentado –por ejemplo, una barra de hierro- que cambiará de color al elevar la temperatura calorífica. Los colores irán cambiando desde el rojo intenso al azul. Esta coloración es la que se reconoce y se mide como “temperatura de color”. A mediodía, la media de luz diurna (fotográfica) tiene una temperatura de color de aproximadamente 5.500 K.

Grados de temperatura de color de acuerdo a la coloraci贸n de la luz.

La reproducción subjetiva del color

Aunque hay una gran cantidad de equipo para medir de con precisión el color (colorímetro o kelvinómetro), este, como una percepción humana, sigue siendo bastante subjetivo. De hecho, al juzgar el color, el ojo humano puede ser fácilmente engañado. Para explicar este problema, nosotros necesitamos estudiar los dos tipos principales de iluminación: la luz del sol y la luz incandescente, que han sido los tipos de luz sobre el que se ha trabajado en el campo fotográfico. La luz del sol contiene una severa mezcla de todos los colores de luz por igual. Recordemos que el color de la luz se mide en grados Kelvin (K). Sobre la escala de Kelvin la más baja temperatura de color es la luz roja, y la más alta, es el color azul.

Comparada a la luz del sol, que tiene una temperatura de color de sobre 5,500° K, la luz de un foco normal de 100w tiene una temperatura de color de 2,800° K. Las luces de cuarzo o halógenas tienen una temperatura de 3,200° K (luz de color amarillo) y también se le conoce como luces de espectro continuo. Mediante un proceso de consistencia aproximada de color, el ojo humano puede ajustarse automáticamente a los cambios de temperatura de color en un rango de 2,800° a 5,500° K, por lo que no se va a notar una diferencia muy amplia bajo esas condiciones de coloración de la luz.

Por ejemplo, si se observa un pedazo de papel blanco en la luz del sol, no se tiene ningún problema en verificar que eso es blanco. Igualmente, cuando se toma el mismo pedazo de papel blanco bajo la iluminación de una luz incandescente normal, se seguirá viendo blanco. Pero, por una razón científica, el papel ahora refleja mucha más luz amarilla. Una luz amarilla (3,200°K) que cae sobre un objeto blanco crea un objeto amarillo. Pero, como se sabe que el papel es blanco, la mente nos dice: " el papel es blanco." Y de esta manera (mediante la consistencia aproximada de color mencionada), usted mental e inconscientemente ajusta su balance interno de color para hacer que el papel parezca blanco.

De este modo somos capaces de ajustar mentalmente todos los otros colores para percibirlos en una perspectiva apropiada. Aunque hacemos tales correcciones de color para tener alrededor "escenas del mundo real", no tendemos a hacer lo mismo cuando vemos televisión o fotos a color. En este

caso generalmente tenemos un estándar de color en nuestra visión (luz del sol, una fuente de iluminación artificial, o cualquier otra) que nos dice incluso que algo está mal si vemos una foto con una coloración verdosa.

Ya que reconocemos que la percepción humana del color es bastante subjetiva, es crucial que confiemos en alguna medida científica objetiva o las normas estándar para que nuestra cámara digital pueda balancearse (corregirse o ajustarse) de manera precisa y consistente bajo una coloración de luz dominante.

Variaciones del color en la luz solar

El color de la luz solar puede variar mucho, de acuerdo a la hora, la bruma o el smog en el aire y la latitud y longitud geográfica del lugar. Debido al ángulo que tiene ya sea temprano en la mañana o al final del día, los rayos solares deben atravesar una porción mayor de la atmósfera. Fíjese en las diferentes longitudes de la línea roja. La línea más larga representa el ángulo del sol al amanecer y atardecer. La mayor travesía resulta en que se absorbe más luz azul que roja (las longitudes más cortas de onda se absorben más fácilmente). En consecuencia, la temperatura de color del sol vira hacia el rojo, lo que determina el tono rojizo del atardecer y el amanecer.

A mediodía, en cambio, la luz del sol debe recorrer una menor distancia (el sol cenital está representado en la ilustración) y la temperatura de la luz directa del sol es cercana a 5.500°K (lo que se conoce como luz blanca). Entre estos dos extremos hay variantes de tonalidades más sutiles de acuerdo a la posición del sol en el cielo. Y si las nubes lo tapan y lo descubren, la temperatura de color (y la cualidad de la luz) variará dramáticamente.

La temperatura de color varía también como consecuencia de la bruma o de un cielo nublado. Si la cámara no se balancea (o filtra) bajo esas mismas condiciones, o no utilizamos un tipo de película adecuada, la luz resultante creará un efecto frío y azulado, no precisamente agradable. En las cámaras digitales el ajuste de la luz se llama balance de blancos y nos ayuda a calibrar la cámara para que reconozca una dominante de luz.

La temperatura de color es la coloración que adquiere la luz por una determinada hora del día. Se mide en grados Kelvin, a partir de la incandescencia de algunos objetos. En las cámaras digitales se regula con el Balance de Blanco o White balance (WB). Su mala calibración nos dará una equivocada lectura del color, que a veces es muy difícil de corregir.

5. TIPOS DE SENSIBILIDAD Y SOPORTES FOTOGRÁFICOS

En la unidad anterior, hemos visto que los soportes fotográficos son dos: la película y el sensor electrónico (CCD, CMOS, X3). Ambos soportes deben tener un tipo de sensibilidad hacia luz, pues son ellos quienes reciben el haz luminoso y lo transforman en imagen. El sensor electrónico ha basado sus características de sensibilidad directamente de la película, de la cual ha tomado incluso nomenclaturas relacionadas directamente con el grano fotográfico. Básicamente, la sensibilidad está relacionada al grado de reacción a la luz. A mayor o menor sensibilidad del soporte, mayor o menor será su rapidez para reaccionar con la luz.

Al escoger el tipo de película para cargar la cámara las opciones son: película en color para ampliaciones, para diapositivas, o película para ampliaciones en blanco y negro. Y dentro de estas categorías existen muchos

tipos distintos de películas. Es más fácil conseguir buenas fotografías si la película escogida se ajusta al máximo al tema y a las condiciones lumínicas.

La cualidad más importante de la película es su sensibilidad a la luz (la velocidad de la película). Para formar imágenes correctas, las películas lentas necesitan mayor cantidad de luz que las rápidas, que son mucho más sensibles. Es decir, le será más fácil hacer fotografías con poca luz utilizando película rápida. Con más luz, la película rápida le permite seleccionar una velocidad alta de obturación (tiempo de exposición) o, si es necesario, una abertura de diafragma pequeña. Sin embargo, las películas rápidas tienen un inconveniente: los granos que forman la imagen deben ser grandes a fin de poder reaccionar rápidamente frente a una cantidad limitada de luz, y al ampliar la imagen producen una textura arenosa. Las películas lentas tienen granos más pequeños, y pueden dar más detalle y ampliaciones más grandes, pero a menos que la luz sea fuerte, obligan al fotógrafo a usar velocidades de obturación muy lentas o a abrir demasiado el diafragma. Con luz diurna normal, las películas de sensibilidad media o media-alta proporcionan buenos resultados.

Hace varios años la velocidad de la película se indicaba en ASA (American Standard Asociation) o en DIN (Deutsche Industrie Norm). La indicación en ASA se trasladó al nuevo sistema ISO (International Standard Organization) para designar la sensibilidad. Por tanto, los valores de ASA son los mismos en ISO, sistema que actualmente clasifica las películas por su sensibilidad a la luz. Al doblar o reducir a la mitad el número ISO se reduce o dobla la sensibilidad. Un cambio de sensibilidad requiere ajustar el diafragma o la velocidad de obturación.

En el soporte digital, los valores de ISO indican también la “sensibilidad” con la que va a trabajar el sensor, dependiendo de la luz dominante en un lugar. Esto es sólo una referencia, pero el principio es el mismo, pues una mayor cantidad de píxeles serán más sensibles que una menor cantidad. La clasificación de películas, de acuerdo a la sensibilidad, según los valores de ISO es: -

Películas lentas: 8, 10, 12, 16, 20, 25, 32, 40, 50, 64, 80, 100.

Películas de velocidad media: 125, 160, 200, 250, 320.

Películas rápidas: 400, 500, 640, 800, 1000, 1250, 1600, 2000, 2500, 3200, 4000, 5000, 6400.

La selección de una determinada sensibilidad está en función del tema fotográfico que desarrollemos y de las características que la delimiten. Si tenemos que hacer un reportaje gráfico sobre una manifestación en las calles, nos convendría utilizar una película rápida. Pero si tenemos que hacer fotos con el máximo de calidad (como en la publicidad o en ciertos reportajes de turismo), lo mejor sería elegir una sensibilidad lenta, puesto que habrá más detalle y la posibilidad de ampliación será mayor.

Bajo estos principios, señalaremos tres tipos de sensibilidad que Actúan de igual manera en los soportes fotográficos:

a. Películas lentas o de grano fino. Ideales para fotos que requieren gran calidad o ampliación. Necesitan una fuente de luz grande, o bien un tiempo de exposición prolongado por lo que, dependiendo de la luz y el motivo, se puede requerir el uso de trípode. En el campo digital, la sensibilidad lenta aún no ha podido alcanzar velocidades menores de 100 ISO.

Para obtener detalle lo mejor es una película lenta. En la foto, se ha utilizado película Kodachrome 25 para diapositivas de grano fino (ver detalle ampliado al microscopio). Es una película utilizada en alta publicidad.

b. Películas de velocidad media o de grano mediano. Se utilizan en condiciones lumínicas normales. Dan buenos resultados porque no exigen abrir el diafragma totalmente y el grano permite ampliaciones medianas. Las digitales también presentan valores de sensibilidad media, que pueden utilizarse con los mismos resultados.

Esta imagen del interior de un globo se hizo con película Kodak Ektachrome 125.

c. Películas rápidas o de grano grueso. Se utilizan en condiciones de poca luz o para temas de acción, como los deportes, ya que pueden congelar el movimiento al utilizar una velocidad rápida de exposición o porque están diseñadas para trabajar con flashes incorporados a la cámara o externos de tamaño mediano. Las películas lentas también pueden trabajar con flashes, pero generalmente las fotografías deben realizarse en estudio y con una buena potencia lumínica.

En el caso de las cámaras digitales, los valores de sensibilidad rápida producen pixeleado a partir de 600 ISO. Solo los modelos más avanzados (y por ende más costosos) pueden hacer fotos a velocidades altas (1600 o 3200 ISO) sin que haya una presencia molesta de los pixeles. Incluso se puede forzar el sensor para simular velocidades de 6400 ISO, pero el pixeleado es notorio.

Este edificio tenía luz suficiente para ser fotografiado sin trípode y con película Kodak Ektachrome de 400 ISO. Nótese la presencia de los granos en la parte inferior derecha.

Recordemos que, además de ser el fotógrafo quien selecciona el tipo de sensibilidad para cubrir un determinado tema, en el reportaje fotográfico primará el carácter testimonial de la foto, quedando el valor estético relegado a un segundo plano. Hay que ser prudentes con respecto a este punto, pues, por un lado, un tipo de sensibilidad puede hacer que una foto se convierta en una prueba real sobre un hecho, mientras que otro hará posible que una foto se aprecie por su detalle, su nitidez, su riqueza en color.

C. CONTROLES Y MÉTODOS DE EXPOSICIÓN. CONTROLES MANUALES

Los principios básicos de la exposición correcta se refieren al control del diafragma y el tiempo de exposición. La cámara digital dispone (o puede disponer en función del nivel de prestaciones de cada modelo) de diversos modos de exposición que permiten automatismos o preseteados diversos. Veamos los más habituales. En el modo de programas predeterminados se presentan diversas situaciones en las que la cámara lleva a cabo los ajustes considerados idóneos para cada situación, e incluso presenta ayudas en pantalla en los casos, por ejemplo, de hacer registros panorámicos o de las tomas macro. Habitualmente se encuentran diversos programas mediante los cuales se hace trabajar a la cámara en base a las necesidades de cada tema. Así, por ejemplo, en el programa de retrato se prioriza el enfoque sobre el motivo más cercano, en el de deportes se da prioridad a las velocidades de obturación altas y en el de panorámicas se presenta una digitalización parcial de la imagen que se acaba de captar, para ayudar a situar el encuadre correspondiente. El modo “P” (Programmed Auto)

En este modo la cámara programa automáticamente la combinación de velocidad de obturación y abertura de diafragma que considera favorable para cada situación lumínica. En función de la luz disponible se ajustan los controles para lograr una exposición correcta, y en la mayoría de los casos el resultado es el correcto.

Sin embargo, en este modo de exposición es posible modificar las combinaciones de velocidad / abertura que ofrece la cámara de modo predeterminado. En función del modelo que estemos utilizando normalmente, existe algún tipo de control que permite variar estas combinaciones mediante la compensación de la exposición o bien mediante el horquillado automático. Pero esto no influye en la profundidad de campo ni asegura que no exista una posible trepidación de la imagen cuando se emplean velocidades largas.

La fotografía de viajes es una de las muestras del uso de los automatismos de la cámara. La idea generalizada es la de llegar y disparar. No obstante es importante señalar dos cosas. En primer lugar la medición de la luz. Por más automatismos o preseteados que funcionen en la cámara es el fotógrafo quien observa la escena y decide el lugar hacia el que apunta la cámara para medir la luz. En segundo lugar la

composición. Recordemos que de la escena típica a la toma creativa simplemente media la capacidad de ver. El modo “S” (Shutter Priority)

La cámara se coloca en el modo de exposición de prioridad a la velocidad de obturación. Esto significa que el fotógrafo selecciona manualmente la velocidad de obturación, y la cámara ajusta por correspondencia el valor de diafragma adecuado para lograr la exposición correcta.

Habitualmente, la cámara dispone de un sistema de aviso en el caso de que el fotógrafo seleccione unos valores de obturación que provoquen una exposición incorrecta. Es el caso de escoger, por ejemplo, una velocidad de obturación muy alta cuando existe poca luz ambiental. Como el diafragma no puede abrirse indefinidamente a partir de un valor la fotografía quedará subexpuesta, salvo que contemos con un lente luminoso o hayamos seleccionado una sensibilidad alta, para lo cual, además necesitaríamos una cámara profesional que nos permita trabajar con esta opción sin el correspondiente pixeleado (o granulación) al momento de ampliar.

Esta modalidad de exposición resulta adecuada cuando trabajamos con motivos en movimiento que precisamos reproducir nítidamente. Como el congelado del movimiento de las olas. La fotografía de deportes es la referencia de uso de este tipo de programas. En ella se utilizan velocidades de obturación altas para congelar situaciones que habitualmente tienen lugar de forma acelerada y rápida. El modo A (Apertura Priority)

Esta modalidad es inversa a la anterior y significa que la cámara se coloca en el modo de exposición de prioridad a la abertura. El fotógrafo selecciona un valor concreto de diafragma, y la cámara ajusta el valor necesario de obturación para lograr la exposición adecuada.

Como en el caso anterior, es preciso estar alerta para no escoger un valor que motive una sub o sobreexposición. En este modo de funcionamiento es preciso estar alerta para que un valor de diafragma excesivamente cerrado (para una situación de luz concreta), no obligue a utilizar una velocidad de obturación demasiado lenta. Una combinación de diafragma 16 y obturación 2, por ejemplo, puede corresponder a una

exposición correcta, pero a no ser que dispongamos de trípode, y de que nuestro motivo no esté en movimiento, difícilmente la imagen no saldrá movida.

Este modo de exposición resulta adecuado cuando precisamos controlar la profundidad de campo. Así, por ejemplo es útil en la fotografía de paisajes o en el retrato. En ambas situaciones normalmente pretenderemos disponer respectivamente de poca y mucha profundidad de campo. Trabajar en este modo de exposición nos permite controlar con mayor precisión el diafragma utilizado, y por tanto inferir las características de enfoque o desenfoque de nuestra fotografía.

El modo M (Manual)

El fotógrafo tiene la libertad total de decidir los valores de diafragma y velocidad que coloca en la cámara. Es la técnica sobre la que vamos a incidir en la guía. Así, podemos subexponer o sobreexponer para aplicar técnicas creativas. También nos permite exponer voluntariamente para las sombras o las altas luces.

En este modo es factible realizar exposiciones de varios minutos dejando el obturador abierto. En las situaciones que acabamos de analizar, el control de la exposición o bien es asumido de forma automática por la cámara (modos AUTO, P, S, o A) o bien recae completamente en la voluntad del fotógrafo (modo M).

La mayoría de cámaras digitales tiene un dial para la elección del MODO de disparo. Para los principiantes, es recomendable empezar utilizando el modo “P”, o PROGRAM, para que la cámara realice la exposición automáticamente.

FUNCIONAMIENTO DEL EXPOSÍMETRO Este sencillo mecanismo nos indicará si con los parámetros elegidos la exposición será correcta, si la foto resultará sobreexpuesta o si por el contrario estará oscura y como resultado obtendremos una imagen subexpuesta. Además nos informa en qué medida está sobre o subexpuesta. Lo que trataremos de lograr en condiciones normales siempre va a ser una exposición correcta. Por tanto, que el indicador se encuentre situado bajo el 0.

Algunas cámaras tienen un exposímetro visible para controlar la exposición. En otras, el resultado se verá al momento de jugar con los valores de diafragma o tiempo, pues la imagen se verá muy clara (sobre exposición) o muy oscura (sub exposición)

Sabemos que una foto bien expuesta se logra si la cantidad de luz que llega al sensor de nuestra cámara es la adecuada. Que esto sea así depende de cómo configuremos la abertura del diafragma y el tiempo de exposición. Variar cualquiera de estos dos parámetros incide directamente en la cantidad de luz que va a entrar en nuestra cámara y, por tanto, en el resultado de nuestra foto.

Valores de diafragmas altos aumentan la nitidez y la profundidad de campo. Valores de diafragmas cerrados disminuyen la nitidez y disminuyen la profundidad de campo. La apertura nos puede dar muchas opciones para las fotos.

SEGUNDA UNIDAD – PARTE I 1. LA COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA

En fotografía, componer es sinónimo de expresión. Al igual que en el lenguaje literario el escritor utiliza las palabras para transmitir algo, el fotógrafo utiliza las imágenes (y con ella el encuadre, el plano, la composición, la luz, la técnica) para transmitir un mensaje. Este mensaje puede ser completamente armado por el fotógrafo, o puede haber sido solamente capturado por él en un instante preciso y, en la mayoría de ocasiones, irrepetible. En cualquier caso, la composición se basa en ciertos principios que conviene reconocer. Primero, para poder saber qué podemos decir, y luego, para decir lo que queremos. La fotografía periodística, en este caso, es la que más necesita de una técnica bien aprendida para componer con sencillez y rapidez, puesto que el fotógrafo no tiene poder sobre los elementos que se suceden delante de su lente. Por eso es que los principios de composición están, de alguna manera, más convenidos para los fotógrafos que pueden alterar cada elemento del encuadre y disponerlos de una manera única y armónica. Así, reconoceremos que en este grupo se encuentran los fotógrafos publicitarios, los documentalistas, los ensayistas y los artistas.

La fuerza de una imagen radica en la elección de un buen motivo y una composición atrayente; y esto depende de la colocación de los elementos en el encuadre. Pero, ¿cómo reconoceremos que los principios de la composición funcionan? La única manera es estudiando lo que han hecho otros fotógrafos, tratando de entender cuál ha sido su propuesta visual, cómo han presentado el motivo fotográfico. Composición tiene que ver con la forma, con el cómo se presentan las cosas. El “qué” obviamente es importante, pero la originalidad está más asociada con la composición. Debemos, entonces, ampliar nuestros referentes fotográficos, debatirlos, cuestionarlos, entenderlos. Luego será la propia experiencia la que nos ayude al momento de mirar a través del visor, y la que

nos

encamine

experimentar

con

nuevas

formas

expresivas.

Reconozcamos, para empezar algunos conceptos asociados a la composición y la estética.

2. LA COMPOSICIÓN Y LO ESTÉTICO

Como medio de expresión, la fotografía puede contribuir a desarrollar plenamente la sensibilidad estética, potenciar la creatividad y permitir manejar los aspectos visuales subjetivamente. La composición no necesariamente se basa en cualidades técnicas, aunque éstas pueden contribuir dándonos más recursos. La composición tiene que ver más con intuición. Lo estético se refiere al reconocimiento de los elementos y estilos expresivos.

La forma. Es el primer aspecto del carácter físico de los objetos, y quizás el más importante, ya que muchas veces determina el motivo fotográfico. Existen formas universales como los contornos (cuadrado, triángulo, círculo) y hay una carga connotativa diferente para cada uno de ellos. Están presentes de manera directa en nuestro entorno, y nos proporcionan los sentidos direccionales básicos: las líneas horizontales, verticales, diagonales y curvas. Recordemos que para reconocer un objeto nos basta su contorno en silueta.

El ritmo. Los motivos rítmicos se establecen a partir de los sentidos direccionales. De arriba hacia abajo en diagonal, sinuoso en horizontal, rígido y vertical. Pero el ritmo también puede establecerse en profundidad, a través de la perspectiva. El ritmo nos hace pensar en un punto de inicio y uno final; es decir, en que el motivo se proyecte desde un primer término o que nos encontremos con él en un último término.

El volumen. Es el aspecto sólido y proporcional que tienen los objetos, y que aparecen gracias al modelado que se logra con la exploración de de luces y sombras. La dirección de la luz y su calidad, son determinantes para conseguirlo. Los volúmenes también se pueden presentar de varias maneras: unidos, formando un conjunto, o separados, creando una línea de tensión. Además, podemos acentuar los volúmenes dependiendo de sus características; hay volúmenes rígidos, blandos, suaves, angulosos.

La textura. La se refiere a la superficie de los objetos y que puede representarse de tal manera que produzca una sensación de realismo que juegue con nuestra memoria táctil. La obtención de texturas está sometida a la disposición de las luces, su intensidad y su color. Una

tabla de madera, una pared de adobe, la cáscara de una naranja, por ejemplo, pueden resaltarse de esta forma. -

La distribución. Es el primer factor del lenguaje visual. Recordemos que el encuadre privilegia parte de la realidad. Y es una parte escogida, en la que distribuimos los elementos hasta que sintamos que hay armonía, equilibrio, ya sea por la forma, el ritmo, el volumen. Explorar en el orden de los elementos requiere disciplina y paciencia. Sobre todo porque debemos probar con los puntos de vista, con el enfoque selectivo o con la iluminación, para que los detalles que no nos interesan pasen desapercibidos y el motivo resalte.

La profundidad. En fotografía, es una sensación recreada, ya que trabajamos en un espacio bidimensional. El uso de la perspectiva lineal puede lograr esta sensación, pero también la alteración de la profundidad de campo para desenfocar el fondo o los primeros términos producen un efecto parecido. Es el juego de lo próximo y lo lejano.

La perspectiva. Se forma a gracias a la proyección de una línea, que puede tener principio y fin en el encuadre, o que puede culminar fuera de este. Las líneas pueden acercarnos o alejarnos del motivo, o nos pueden ayudar a dirigir la mirada hacia un punto en particular. Su función principal, como ya se mencionó, es la de crear profundidad.

El color. La presencia de los colores, además de reforzar el realismo de una escena, deben provocar una respuesta emocional por su relación con el motivo al que pertenecen. Las combinaciones de color está estipuladas en la teoría del color, donde se describen qué colores combinan, se complementan o contrastan con otros, o qué colores intensifican la frialdad o calidez de una atmósfera. No olvidemos que la fotografía nos da la posibilidad de utilizar también el blanco y negro, que tiene su principal fortaleza en la combinación de grises y el contraste que existe entre el blanco y el negro. Los ambientes, las formas, los volúmenes, cambian con la ausencia de color, pero se privilegian otras cosas.

La iluminación. Existen códigos lumínicos que nos permitirán enfatizar sensaciones de acuerdo a la disposición y la calidad de la luz. Podemos crear sombras o atenuarlas, sugerir una actitud o afirmarla, “llenar” un ambiente de luz o explorar con el claroscuro. La luz, requiere en este caso, de un amplio dominio técnico.

3. REGLAS DE COMPOSICIÓN

Para muchos fotógrafos, la decisión de cómo se debe encuadrar el motivo fotográfico, es cuestión de instinto e intuición. Sin embargo, el legado que la pintura nos ha dejado a través del tiempo, ha servido para que se establezcan importantes sugerencias que tienen como objetivo resaltar el motivo en el encuadre. Sería acertado tomar estas reglas como sugerencia, pero no desatender al propio instinto y no sentirse inhibido por normas. Empezaremos afirmando que el centro del encuadre es el lugar más común donde situar el motivo. Estamos acostumbrados a mirar las cosas centralmente, pero esto no funciona al tener un área específica sobre la cual trabajar. Un tratamiento central del tema resulta poco

interesante, y se

obtiene como resultado,

frecuentemente, que el objeto fotografiado se vea demasiado insignificante, minimizado por un fondo que aporta poco a la composición. A pesar de esto, un tratamiento central del tema puede resultar particularmente idóneo cuando la composición es de carácter altamente geométrica y lineal, o cuando se busca simetría y el fotógrafo quiere subrayar este carácter. Tratemos de desplazar el objeto del centro geométrico a otras zonas y consideremos lo que resulta más efectivo para cada tema en particular. Revisaremos las tres reglas de mayor importancia en composición: A. Los puntos áureos o la intersección de los tercios.

La forma más habitual de conseguir una composición satisfactoria y equilibrada es usar “la intersección de los tercios”. Durante siglos los pintores han hecho uso de esta fórmula. Sin embargo, debemos tratar de no aplicar esta regla de manera rígida a toda composición, ya que debe estar a disposición del motivo y no al revés. Por ejemplo, si tenemos como tema un árbol, empezaremos por colocarlo en uno de los dos tercios de las líneas verticales. Esta posición puede dar más satisfacción artística que la composición central.

Los puntos áureos se consiguen dividiendo el encuadre en tercios, tanto horizontal como verticalmente. La intersección de los tercios produce cuatro puntos ideales en los que emplazar o situar el tema. Podemos utilizar uno de los puntos, o más, pero se debe sentir esa presencia compositiva. Es muy importante no descuidar el fondo y la iluminación en cada encuadre.

Los puntos รกureos ayudan a destacar uno o mรกs elementos en el encuadre. La premisa es dejar de utilizar el centro como lugar de destaque en el encuadre.

El rostro del personaje se encuentra en punto รกureo. Ademรกs, hay una relaciรณn directa y de complemento con los dibujos de la derecha.

Un solo elemento puede destacar en un fondo parejo gracias a los puntos áureos. A la derecha, las personas pueden destacarse en vertical y usando 2 puntos para componer.

Los niños destacan por su posición en un solo punto de composición. El entorno complementa. A la derecha, el rostro en punto áureo y el pastel en el correspondiente.

Alternativas más expresivas

El hecho de colocar el tema descentrado en cualquier dirección es uno de los muchos caminos para reforzar la expresividad de una fotografía, y “obliga” al ojo a ir directamente al tema. Pero, ¿qué sucede respecto al espacio creado cuando desplazamos un tema fuera del centro? Pues que en numerosos casos, como los expuestos en las fotografías anteriores, el espacio se convierte en un factor de equilibrio compositivo. También puede el fotógrafo hacer uso del espacio en sentido de dar mayor información en cuanto al tema. Es pertinente dejar mucho espacio en torno al objeto cuando deseamos reforzar la impresión de soledad o aislamiento. En este caso el espacio en torno al objeto es tan vital como el propio objeto.

Lo propuesto no significa que todo objeto debe ser colocado fuera del centro de la composición. No debemos dejar de probar alternativas diversas antes de efectuar la toma fotográfica. ¿Y si no podemos desplazar el objeto? Pues desplacemos la cámara, y efectuemos varias tomas cambiando los puntos de vista, para variar el emplazamiento del objeto. En el supuesto de que no podamos desplazarnos ni nosotros ni el objeto, siempre podremos cambiar de objetivo, lo que implica un cambio de ángulo de visión y la posibilidad de ensayar el uso de diferentes focales.

B. El horizonte.

Decidir dónde situar el horizonte es una forma importante de dar énfasis al sujeto y de equilibrar la foto en su conjunto. El horizonte también da un sentido de proporción a un paisaje, aunque sea una alta sierra, o un mar, o una mesa de billar. La forma en que se equilibra la composición contribuye a dar impacto visual a lo que se trata de comunicar.

La mayoría de las cámaras toman fotografías con formato rectangular. Esto nos brinda la posibilidad de componer fotografías horizontal o verticalmente, como hemos visto en los tipos de encuadre. Las fotografías horizontales, con el horizonte atravesando la fotografía, tienden a dar énfasis al espacio de izquierda a derecha. La vista sigue la línea del horizonte de forma parecida a como se sigue una línea de escritura cuando se lee. La utilización de este formato da a las fotografías una impresión de “espacios abiertos”, pero existe la posibilidad de incluir algún objeto en primer término para dar un sentido de proporción y de perspectiva a la imagen.

Las fotografías verticales pueden proporcionar un marcado sentido de la profundidad según como se maneje el horizonte. El ojo tiende a “leer” la escena desde el primer término hacia atrás y hacia arriba. Con un punto de vista alto se pueden incluir muchos detalles de forma natural en este tipo de composición, pues el paisaje se extiende desde los pies del espectador hasta el horizonte y hasta el cielo. Cuando el tema sea un paisaje, se debe empezar tratando de componer horizontalmente y luego verticalmente a través del visor o de un marco.

La posición del horizonte no debe ser al medio del encuadre, pues se divide en dos partes iguales y puede darse una sensación de inestabilidad. Si se quiere crear un efecto más dramático probemos poner la línea del horizonte más arriba o abajo. Una de las fórmulas que impusieron los pintores del Renacimiento se basó en un tercio de cielo y dos de tierra, y sigue siendo válido para componer en fotografía. Al parecer, al ojo humano esta proporción le resulta armoniosa, le da un equilibrio satisfactorio. Veamos algunos ejemplos.

El horizonte puede ayudarnos a realzar un motivo fotográfico. La regla nos propone no “partir” el encuadre en dos mitades iguales.

El horizonte sirve de marco para resaltar al personaje en la playa. Combinemos reglas. El personaje tambi茅n destaca por puntos 谩ureos.

Los 2/3 hacia abajo pueden dar una sensaci贸n de equilibrio, ya que es la relaci贸n natural entre un ser humano y el horizonte.

C. Los términos.

Al momento de encuadrar y disponer los objetos de manera que se combinen armónicamente, debemos tener en cuenta que podemos crear una sensación de profundidad al utilizar los términos, es decir, los elementos que se encuentran cercanos o lejanos a nuestra posición, para distribuirlos utilizando la profundidad de campo.

Las fotos siguientes, nos muestran cómo podemos usar los términos para destacar un elemento en el encuadre. Podemos combinar varias reglas de composición para crear una foto más impactante y armónica.

Alterando la profundidad de campo podemos usar el enfoque selectivo para resaltar términos por desenfoque.

Hemos visto que la profundidad de campo se ve alterada por la distancia focal. Probemos con utilizar el máximo focal de nuestras cámaras para forzar el desenfoque. También podemos utilizar el macro para enfocar un objeto pequeño cercano a la cámara, pero con un plano abierto para que hayan objetos detrás que se puedan desenfocar. Más adelante vernos cómo forzar la profundidad de campo utilizando el diafragma.

Términos desenfocados en primera fila. La línea y el punto áureo hacen el resto para reforzar la composición.

4. DISPOSICIÓN BÁSICA DE LAS FUENTES DE LUZ

Si bien la intensidad de la fuente de luz es, probablemente, el factor que en mayor medida afecta a la calidad de la iluminación, su posición no deja, obviamente, de tener importancia. Los cambios de posición pueden alterar la iluminación, cuando la fuente de luz es pequeña o cuando los motivos reflejan luz, pero en la mayoría de los casos no se produce ningún efecto de consideración si se desplaza la luz hacia arriba o hacia abajo. Por tanto, es más práctico, generalmente, reducir las posiciones básicas de iluminación a cinco o seis: frontal, desde arriba, lateral, de medio lado, posterior y, quizá también, desde abajo. Elección del ángulo

La posición de la luz produce dos efectos muy diferenciados. Uno es subjetivo: el ángulo de iluminación puede estar asociado con diferentes situaciones y puede tener determinadas connotaciones emocionales. Por ejemplo, la iluminación de una cara desde bajo puede producir un efecto muy siniestro, mientras que la iluminación desde arriba crearía una atmósfera reverencial, o dura.

El otro efecto de la posición de la luz es objetivo: tiene que ver con la clase y cantidad de información que puede aportar respecto al tema. En otras palabras, desplazando la luz alrededor de un sujeto, el observador puede apreciar más o menos sombra, mayor o menor área iluminada, zonas que destacan más o menos. La elección de ángulo dependerá, entonces, de lo que se quiere destacar, de cuál parte se desea iluminada y cuál en sombra y de la información que quiere dar acerca del sujeto. Tratándose, por ejemplo, de objetos pequeños y reflectantes, lo que revela su textura y configuración es la forma y lugar en que se quiebra la línea de reflejo. Así, pues, una superficie lisa y brillante, tal como el suelo mojado, no mostrará mucho detalle.

Disposición del área iluminada

El área iluminada es la que comunica el color del motivo; por tanto, al ser la iluminación frontal o medio frontal la que consigue una mayor zona iluminada, es también la que muestra la mayor extensión de color. Como ejemplo, las naranjas sirven de ilustración a lo que ocurre cuando un objeto semi-mate recibe la luz de una fuente de iluminación pequeña desde cinco ángulos diferentes.

i. Iluminación desde arriba y lateral: la mitad del objeto queda en sombra. Buena para mostrar la textura y el modelado. Debemos tener en cuenta que el fondo que elijamos tendrá también una característica expresiva en este tipo de fotos.

Iluminación desde arriba.

Iluminación lateral.

ii. Iluminación posterior : Produce una sombra muy amplia y una zona de contraste pequeña, pero muy destacada. La línea que separa la zona iluminada de la de sombra muestra claramente la forma y textura del motivo. Usaremos esta luz para destacar la forma del fondo y dar sensación de profundidad. La luz resalta el borde e insinúa parte del objeto.

Iluminación posterior.

iii. Iluminación frontal: Produce buen color, pero poco modelado o textura. Con esta iluminación no hay prácticamente ningún área de sombra y el borde queda casi fuera de visión. Nos da también bastante saturación de color, ya que el área iluminada está hacia el frente. Las imperfecciones de la textura desaparecen. El reflejo se produce prácticamente en el centro de cada objeto y esto puede resultar molesto, especialmente en los retratos, en los que aparece en los ojos.

Iluminación frontal.

iv. Iluminación de medio lado: muestra el equilibrio entre la iluminación de lado y la frontal. La iluminación de medio lado hace que el borde de sombra destaque a la vista, al tiempo que presenta algo más de zona iluminada y menos sombra que con iluminación lateral. Es un ángulo práctico para trabajar con él y, probablemente, se hacen más fotografías con esta iluminación que con ninguna otra.

Iluminación de medio lado. Disposición de los reflejos

La luz hará destacar unas zonas u otras según de donde provenga. Un objeto redondo siempre mostrará reflejos. Un objeto plano puede que los muestre en los bordes. Pero la mayoría de los objetos son una combinación de superficies planas y redondeadas y, por tanto, en ellos puede lograrse que los reflejos estén allí donde se desea. Por ejemplo, se puede conseguir por medio de reflejos que destaquen los surcos de la frente o las arrugas de los ojos.

Los perfiles de objetos fotografiados sobre un fondo oscuro pueden reforzarse modificando el ángulo de incidencia de la luz de manera que brille un reflejo a todo lo largo. Sin embargo, esta técnica sólo puede dar resultado cuando el reflejo es suficientemente vivo, es decir, cuando el objeto tiene una superficie pulida o semi pulida. Disposición de la sombra

Tratándose de objetos mate, y en cierta manera también en los semi mate, la distribución de la sombra realza el modelado de su forma y su textura,

o, mejor aún, el área donde la zona iluminada se funde con la sombra. El borde de la zona de sombra puede emplearse de modo exactamente igual a como se utiliza la línea de reflejo a lo largo de una superficie pulida.

Por ejemplo, al fotografiar el frente de un edificio, el fotógrafo normalmente esperará hasta que el Sol esté en aquella posición en que su luz incida sobre la superficie, de manera que destaquen todos los detalles artísticos. Unos pocos minutos antes, la fachada habría estado en sombra y la única luz que la habría iluminado habría sido la reflejada por una zona amplia, como los alrededores y el cielo. Unos minutos más tarde estaría totalmente en el área iluminada (situación buena para captar el color, pero desfavorable probablemente para que los detalles artísticos, la forma y la textura destacaran). Pero durante unos minutos toda la fachada está en límite sol/sombra. De igual modo, el fotógrafo de naturaleza muerta o en reposo gira la rebanada de pan hasta que su superficie queda al filo de la sombra o el retratista hace que el borde de sombra señale las arrugas de su modelo. Tengamos en cuenta esta característica y recomendaciones para las fotos en las que empecemos a jugar con la luz.

SEGUNDA UNIDAD – PARTE II A. EL FLASH. CARACTERÍSTICAS. TIPOS. El flash es un dispositivo electrónico que emite un destello regulado de luz en el momento de tomar una fotografía. Este destello es de muy corta duración y relativamente de gran potencia. La finalidad de este dispositivo es la de añadir iluminación a nuestra fotografía, a veces por condiciones adversas de luz o para rellenar una escena o motivo. Todas las cámaras fotográficas compactas y semi profesionales de hoy en día están dotadas con este dispositivo, e incluso ya muchos teléfonos móviles que incorporan cámara, pero no

siempre

hacemos

uso

apropiado

del

mismo,

que

perjudica

notablemente la calidad de nuestras fotografías. La potencia de un flash, es decir la máxima distancia a la que se conseguirá una exposición correcta, está definida por su NUMERO GUÍA (NG) y figura en las instrucciones y hojas técnicas de todos los flashes. El número guía (NG) es la unidad de medida de la potencia del destello que emite el flash, establecida a su vez por el fabricante para 100 ISO.

Características

Su temperatura de color es similar a la del sol 5.500ºK, y permanece siempre constante.

A la larga resultan más baratos que las bombillas, puesto que pueden usarse por tiempo indefinido.

Producen una iluminación más intensa sin desprender apenas calor.

La extremada rapidez de destello de un flash normal - de 1/500 a 1/30.000 de segundo permite congelar cualquier movimiento por rápido que sea.

Un flash, al ser un foco de luz directo, cumple estrictamente la ley del cuadrado inverso y emite siempre la misma intensidad de luz, por lo tanto nos están permitidas tres formas de control:

1. Variar la distancia entre el flash y el sujeto, teniendo en cuenta que cuando la distancia se reduce a la mitad la iluminación lo hace siempre a la cuarta parte.

2. Cerrando o abriendo el diafragma podemos controlar también el nivel de iluminación. Recordemos que al cerrar dos puntos el diafragma, la iluminación se reduce a la cuarta parte. 3. Acortando el brevísimo tiempo de destello del flash, puede controlarse también la exposición. Esto, aunque resulta imposible de realizar por el fotógrafo, lo consiguen perfectamente la mayor parte de los nuevos los flashes automáticos TTL. Con estos flashes, y dentro de ciertos límites, no hace falta tener en cuenta la distancia flash-sujeto, y en algunos ni siquiera el diafragma.

Tipos de flash

El flash automático o integrado

Es un dispositivo integrado a la estructura de la cámara réflex, aunque las cámaras réflex profesionales no lo presentan de esta forma, pues tiene solo una zapata para conectar un flash manual externo. El funcionamiento del flash automático está basado en un sensor situado en el mismo flash que regula la potencia del destello según la luz reflejada por el objeto.

Los flashes integrados emiten un destello entre 30 y 50 w de potencia, dependiendo del modelo de fabricante, seleccionado en modo normal.

Se considera un sistema muy rápido, pero en condiciones un tanto especiales de luz, puede provocar una exposición errónea. Para tener un correcto funcionamiento, en primer lugar se debe ajustar la sensibilidad del sensor (en el caso de las digitales), y el diafragma en función de la distancia del tipo de flash automático que estemos utilizando.

La mayoría de cámaras compactas y semi pro tienen una serie de opciones para controlar el flash integrado. Algunas de estas son: -

Modo automático (AUTO): en éste modo es la cámara la que

decide si debe usar el flash o no. La decisión se hace dependiendo de la cantidad de luz ambiente. La cámara esta dotada con un sensor de iluminación conocido como LDR que en función de si hay más luz desactiva el flash, o si hay poca luz lo activa. Es la opción por defecto y la más adecuada para los principiantes. -

Modo desactivado: el flash queda desactivado y no emite destello

aunque no haya luz. -

Modo activado: el flash emite destello siempre.

Modo de sincronización lenta (SL): el flash se emite cuando la

velocidad de obturación es más lenta, mientras se mantiene abierto el obturador, pues de ésta forma se consigue coger más luz ambiente (de fondo) y luz iluminada por el flash es para objetos próximos.

B. FUNCIONES AVANZADAS DE LAS CÁMARAS DIGITALES

TERCERA UNIDAD

A. EL TEMA FOTOGRÁFICO

Un tema fotográfico puede estar definido por varios motivos. Puede ser una búsqueda expresiva o estar delimitada por un sentido periodístico si se trabaja para un medio de comunicación.

Actualmente la fotografía tiene tres líneas principales de acción. Por un lado está el campo del reportaje gráfico, cuya finalidad es registrar el mundo exterior tal y como se muestra ante nosotros, convirtiendo las imágenes en testimonios reales, fidedignos. Por otro lado, está la publicidad, que utiliza una amplia gama de sofisticadas técnicas, y que marcado patrones culturales en todos los niveles. Por último, tenemos la fotografía como manifestación artística, cuya finalidad es enteramente expresiva e interpretativa. A pesar de todo, no debemos dejar de lado la fotografía como búsqueda personal y que se ha convertido en aliada de millones de fotógrafos aficionados que están a la caza de imágenes que después compartirán a través de diversos mecanismos.

Cada uno de los temas mencionados requiere de una propuesta sólida y diferente. Abordaremos aquella que se refiere al reportaje gráfico, por el interés social que genera y porque como comunicadores debemos tener una actitud frente a lo que pasa en el mundo real.

A continuación detallamos un proceso metodológico para abordar un tema periodístico:

Independientemente de si se trabaja de un medio de comunicación, debemos reconocer un tema. Recuerde que hay temas que conllevan ciertos riesgos y el desarrollo del mismo debe estar sujeto a su capacidad y a las posibilidades reales de abordarlo. Por ejemplo, la prostitución es un tema clásico en el reportaje gráfico pero conlleva un riesgo por los personajes que pertenecen a ese mundo, generalmente lumpen y delictivo. Podemos pensar tentativamente en contaminación ambiental, el barrio chino, iglesias de Lima, iconografía religiosa, etc. Escojamos un tema que no tenga un apremio de realización y cuyo riesgo sea moderado.

Logística. Debemos tratar de acercarnos al tema

antes de afrontarlo

periodísticamente. Tratemos de establecer contacto con los responsables del tema que quiero desarrollar, averiguar si necesito permisos e investigar si se ha realizado algún trabajo sobre el tema elegido. Conviene también hacer un presupuesto en cuanto a movilidad, asistencia y equipo a utilizar. c)

Locación. En la medida de lo posible es recomendable visitar el espacio en el cual desarrollaremos nuestro trabajo. Por ejemplo, si el tema fuera el cementerio Presbítero Maestro, tendría que recorrerlo, conocer cuál es su potencial fotográfico, las vías para llegar, los horarios, etc.

Determinar un punto de vista. Debemos pensar en qué queremos transmitir con las fotos y cómo las posibilidades del encuadre (planos, ángulos, iluminación), pueden ser favorables en el momento. Podemos incluso definir si abordaremos el tema desde el blanco y negro o con encuadres cercanos, poderosos. Por ejemplo, si tuviéramos como tema la iconografía religiosa de las iglesias antiguas de Lima, la riqueza de los primeros planos de las esculturas y estatuas sería un punto a destacar. Pero conviene también pensar en el equipo que va a respaldar mi trabajo.

Preparar el equipo. La cámara, loa accesorios y todo aquello que pudiéramos necesitar debe estar concienzudamente preparado mucho antes del día de realización de las fotos.

Dejar espacio para la creatividad. A pesar de tener las cosas bien dispuestas, el día de realización de las tomas debemos tener una predisposición a ver algo más, a probar nuevos encuadres e incluso a descubrir un nuevo tema. Dispare lo necesario, no todo lo que pueda.

Selección y edición. No dejemos que pase mucho tiempo para seleccionar y editar las fotos. En el trabajo periodístico podemos cambiar solo niveles básicos de brillo, color, pero difícilmente el encuadre puede ser alterado, ya que

debe primar un sentido de exposición de la verdad. El concepto de

objetividad es relativo, es cierto, pues las fotos son enteramente subjetivas, mas no por eso carecen de veracidad.

A continuación presentamos un trabajo de reportaje fotográfico sobre niñez y pobreza en el distrito de Ventanilla, Lima, Perú.

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CUARTA UNIDAD

A. SOFTWARE PARA EDICIÓN DE FOTOGRAFÍAS

Manual de Picasa Picasa es el software de gestión fotográfica gratuito de Google que te ayudará a encontrar, editar y compartir tus fotos en cuestión de segundos. Te recomendamos que imprimas esta breve descripción de las funciones principales de Picasa y la consultes cuando utilices el programa por primera vez, para aprender a utilizar las nuevas funciones más rápidamente. Picasa te ayudará a encontrar y organizar todas tus fotos Cuando inicies Picasa, el programa explorará tu disco duro para buscar y organizar automáticamente todas las fotos. Picasa buscará los siguientes tipos de archivos de fotos y de película: · Tipos de archivos de foto: JPG, GIF, TIF, PSD, PNG, BMP, RAW (incluidos NEF y CRW). Los archivos GIF y PNG no se exploran de forma predeterminada, pero puedes habilitarlos en el cuadro de diálogo Herramientas > Opciones. · Tipos de archivos de película: MPG, AVI, ASF, WMV, MOV. Si realizas la actualización desde una versión anterior de Picasa, es probable que desees conservar la base de datos existente, que contendrá todos los cambios de organización y ediciones de fotos que hayas realizado. Para transferir toda esta información, basta con instalar Picasa sin desinstalar la versión anterior que se encuentra en el equipo. Al iniciar Picasa por primera vez, el programa te preguntará si deseas transferir la base de datos existente. Cuando el proceso haya finalizado, podrás desinstalar Picasa. Vista "Biblioteca" Picasa organiza automáticamente todos los archivos de fotos y de película en colecciones de carpetas dentro de la vista principal "Biblioteca". Distribución de la pantalla principal "Biblioteca": 1. Lista de carpetas La lista de la izquierda de la vista "Biblioteca" de Picasa muestra todas las carpetas del equipo que contienen fotos y todos los álbumes que has creado en Picasa. Estas carpetas y álbumes están agrupados en colecciones, que se describen en la siguiente sección. De forma predeterminada, la lista de carpetas se ordena por fecha de creación. Para cambiar el modo en el que se clasifica la lista, ve a “Vista” > “Vista de carpetas”.

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2. Bandeja de fotos y opciones de impresión La “bandeja de fotos” se utiliza para recopilar fotos y películas de una o varias carpetas o álbumes para que sea posible trabajar con ellas como grupo. El botón “Añadir a” y todos los botones de opciones de impresión (“Imprimir,” “Correo electrónico,” “Collage,” “Hello,” “BlogThis!,” “Encargar ” y “Exportar”) llevan a cabo sus acciones respectivas utilizando las fotos que están en la “bandeja de fotos”. De forma predeterminada, la selección actual se coloca en la “bandeja de fotos”. Para mantener estos elementos en la “bandeja de fotos” mientras seleccionas más, haz clic en el botón “Retener”. También puedes arrastrar y soltar elementos en la “bandeja de fotos” y se retendrán automáticamente Para eliminar un elemento retenido, selecciónalo en la “bandeja de fotos” y haz clic en “Borrar”. Cuando estés satisfecho con el contenido de la “bandeja de fotos”, puedes hacer clic en cualquiera de los botones de opciones de impresión o en el botón “Añadir a” para llevar a cabo la acción correspondiente en todos los elementos de la “bandeja de fotos” al mismo tiempo. 3. Cuadro de selección La parte derecha de la vista "Biblioteca" muestra miniaturas visuales de las fotos (y películas) correspondientes a las carpetas y álbumes de la lista de carpetas. Para modificar el tamaño de las miniaturas, utiliza el deslizador de la esquina inferior derecha del cuadro de selección o utiliza el menú “Vista” para seleccionar un tamaño de miniatura común. Haz doble clic en cualquier carpeta o encabezado de álbum para editar el título, la fecha, el lugar de realización o la descripción. En el caso de las carpetas, puedes hacer clic en el icono de carpeta de gran tamaño del encabezado para abrir la carpeta correspondiente en el Explorador de Windows. Pulsa las teclas de flecha arriba y abajo del teclado o utiliza la barra de desplazamiento del extremo derecho para desplazarte por el cuadro de selección. NOTA: Sólo las carpetas y álbumes visibles en la lista de carpetas aparecerán en el cuadro de selección. Las carpetas de las colecciones cerradas no se mostrarán. Colecciones Carpetas Esta colección muestra las carpetas del equipo que contienen fotos o películas, ordenadas por fechas, con los nombres de carpeta originales, tal y como aparecen en el disco duro del equipo. Los cambios realizados en las carpetas de la colección afectarán a las carpetas correspondientes en el disco duro del equipo. Al cambiar el nombre de una carpeta en Picasa, también se modificará en el Explorador de Windows. · Establece las fotos y las carpetas que deben aparecer. Sólo las carpetas que hayas definido para que Picasa incluya en sus búsquedas aparecerán en esta

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colección. Para modificar las carpetas del disco en las que Picasa debe buscar fotos, selecciona “Administrador de carpetas” en el menú “Herramientas”. Utiliza los valores de este cuadro de diálogo para seleccionar o anular la selección de las carpetas que Picasa debe incluir en la búsqueda, escogiendo una de entre las siguientes opciones: “Explorar una vez,” “Eliminar de Picasa” y “Explorar siempre”. · Mueve fotos entre carpetas. Selecciona una foto. Utiliza el ratón para arrastrar la foto hasta su carpeta nueva y soltarla. Para seleccionar más de una foto, mantén pulsada la tecla Mayús del teclado mientras seleccionas las fotos. Si mueves una foto a una carpeta diferente del disco, Picasa te recordará que estás a punto de mover el archivo real en el disco duro del equipo. Haz clic en el botón “Aceptar” para mover la foto a la nueva ubicación. Nota: Mover fotos entre carpetas en la colección “Carpetas” afectará a la ubicación física en el disco duro. · Edita las descripciones de las carpetas. Haz doble clic en el título de cualquier carpeta para abrir el cuadro de propiedades de dicha carpeta. Introduce una descripción. También puedes modificar la fecha, el lugar de realización o la descripción de la foto. Cualquier información descriptiva que añadas podrá incluirse en las búsquedas realizadas en Picasa. Pulsa el botón “Aceptar”. Al modificar el nombre de una carpeta en Picasa, se modificará el nombre de la carpeta real en el disco duro del equipo. · Eliminar una foto de una carpeta. Selecciona una foto, accede a “Archivo” > “Eliminar del álbum”, o, sencillamente, pulsa la tecla Supr del teclado. Picasa te recordará que vas a enviar el archivo a la papelera de reciclaje del equipo. Haz clic en “Aceptar” para eliminar la foto. Álbumes Esta colección contiene los álbumes creados en Picasa. Puedes utilizar los álbumes para agrupar y organizar las fotos según tus propios criterios e identificarlas con una palabra sencilla o un título. Por ejemplo, puedes crear el álbum “Flores” para agrupar todas tus fotos de flores o el álbum “Viaje a Portugal” para organizar las fotos de tus últimas vacaciones. A diferencia de la colección “Carpetas”, que coincide de forma exacta con las ubicaciones de carpetas del equipo, los álbumes no se corresponden con carpetas físicas del disco duro. Los álbumes sólo existen en Picasa y son una especie de "lista de reproducción virtual" de las fotos que has agrupado. Si eliminas o mueves fotos dentro de la colección "Álbumes", los archivos originales seguirán en sus ubicaciones originales en el disco duro. Puedes añadir la misma foto a varios álbumes sin necesidad de crear varias copias de la misma foto en el disco. Cualquier edición que realices en una foto de un álbum se aplicará a todas las versiones de la foto en Picasa, incluida la original de la colección "Carpetas".

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· Crea un álbum nuevo. En primer lugar, selecciona una o varias fotos (no se puede crear un álbum vacío). Selecciona “Archivo” > “Nuevo álbum” para crear un álbum nuevo en Picasa con las fotos seleccionadas. Puedes lograr el mismo resultado seleccionando una foto, haciendo clic en el botón “Añadir a” en la parte derecha de la bandeja de fotos y seleccionando “Nuevo álbum” en la lista emergente. · Añade una foto a un álbum existente. La misma foto se puede asignar a varios álbumes en Picasa. Selecciona una foto, haz clic en el botón “Añadir a” situado a la derecha de la bandeja de fotos y selecciona un álbum existente en la lista emergente. · Edita las descripciones de los álbumes. Haz doble clic en el título de cualquier álbum para abrir el cuadro “Propiedades del álbum”. Introduce una nueva descripción para el álbum. También puedes modificar la fecha, el lugar de realización o la descripción del álbum. Cualquier información descriptiva que añadas podrá incluirse en las búsquedas realizadas en Picasa. Cuando hayas terminado, haz clic en el botón “Aceptar”. · Elimina una foto de un álbum. Selecciona una foto. Haz clic con el botón secundario del ratón y selecciona “Eliminar del álbum” en el menú contextual o pulsa la tecla Supr del teclado. Nota: Al eliminar una foto de un álbum no se elimina el archivo original del disco duro del equipo. · Reorganiza las fotos de un álbum o entre varios álbumes. Haz clic y arrastra una foto para cambiar su orden dentro de un álbum o arrástrala a otro álbum para añadirla a este último. Esto no afecta al orden en que se almacenan los archivos originales en el equipo. · Nota: Un álbum de Picasa no es lo mismo que un álbum web de Picasa. La colección de álbumes no muestra las fotos que hayas subido a la web. De Hello Esta colección contiene las fotos recibidas de tus amigos a través del programa para compartir fotos de forma instantánea Hello, un programa de software gratuito complementario creado para interactuar con Picasa (para descargar el software Hello, accede a www.hello.com). Esta colección ordena las fotos recibidas de Hello alfabéticamente por nombres de usuarios de Hello. Herramientas de biblioteca: En la parte superior de la pantalla de la biblioteca principal de Picasa encontrarás varios botones que te permitirán añadir fotos a la biblioteca, ver y buscar fotos de distintas formas y guardar fotos en un CD. Importar Para importar fotos desde una cámara digital, conecta el hardware al equipo mediante el dispositivo de conexión habitual, como un cable USB o la base de la cámara. Abre Picasa. Haz clic en el botón “Importar” y selecciona el dispositivo o la carpeta

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correspondiente

menú

desplegable

(la

cámara

debería

detectarse

automáticamente). Las fotos empezarán a aparecer automáticamente en la “Bandeja de importación”. Cuando las fotos hayan terminado de cargarse, haz clic en el botón “Finalizar”. Picasa guardará las carpetas en el equipo (en la carpeta que decidas crear dentro del directorio "Mis imágenes") y las mostrará en la colección “Carpetas”. Presentación de diapositivas Selecciona una carpeta o un álbum y haz clic en el botón “Presentación de diapositivas”. De este modo, se abrirá el reproductor de diapositivas. Haz clic en el botón de reproducción de la pantalla para iniciar la presentación y para que los controles del reproductor desaparezcan. Puedes pulsar la barra espaciadora en el teclado o mover el ratón para que los controles de la presentación vuelvan a aparecer en cualquier momento mientras se están mostrando las diapositivas. En el modo de presentación de diapositivas puedes girar las fotos, añadir una valoración de estrellas y modificar el tiempo que se muestra cada diapositiva. También puedes decidir si deben mostrarse los títulos durante la presentación marcando la casilla de verificación de títulos. Pulsa la tecla Esc del teclado para detener la presentación y volver a la pantalla principal de biblioteca de Picasa. Orden crono. La vista de orden cronológico de Picasa es otro modo de ver las fotos de las colecciones. Haz clic en el botón “Orden crono.” y utiliza el ratón para desplazarte hacia delante y hacia atrás por las fotos. Grabar CD regalo Introduce un CD en blanco en la unidad con capacidad de escritura del equipo, selecciona las fotos o un álbum y haz clic en el botón “Grabar CD regalo”. En la pantalla “Crea un CD de regalo”, las fotos con una marca de verificación se incluirán en el CD de regalo. Anula la selección de las fotos que no desees incluir. En el paso 1, haz clic en el botón “Añadir más” si deseas añadir fotos al CD. Si deseas que las fotos se muestren en el CD en forma de presentación de diapositivas, marca la casilla correspondiente. Por último, selecciona un tamaño para las fotos. En el paso 2, asigna un nombre al CD. (Nota: En el CD se incluirá una copia del software Picasa de forma predeterminada). Haz clic en el botón “Grabar disco” para crear el CD. Buscar Si escribes cualquier texto en el cuadro de búsqueda de la esquina superior derecha de la pantalla principal de biblioteca de Picasa, Picasa buscará en los datos EXIF o de cámara, palabras clave, álbumes y cualquier propiedad o título adicional de las fotos que hayas introducido dentro del programa.

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· Botón "Destacadas". Utiliza este botón para buscar sólo las fotos que has marcado con una valoración de estrella. · Botón "Películas". Utiliza este botón para buscar sólo los tipos de archivos de película en la biblioteca. · Deslizador de fecha. Mueve este deslizador hacia la izquierda o hacia la derecha para reducir rápidamente el número de resultados de búsqueda basados en la fecha de la foto. · Botón "Subido". Utiliza este botón para encontrar sólo las fotos que has subido a los álbumes web de Picasa. Edición de fotos mediante Picasa La edición avanzada de fotografías de Picasa te permite realizar arreglos básicos con un solo clic para mejorar casi cualquier foto, ajustar la iluminación y el color y elegir entre doce efectos distintos. Algunas sugerencias generales de edición: · Haz doble clic en una miniatura de la biblioteca para abrir la pantalla “Editar foto”. En ella se mostrará la foto que se va a editar. A la izquierda de la foto encontrarás tres fichas – “Arreg. básic.” “Perfecc. y ”Efectos.” · En la pantalla “Editar foto”, utiliza las flechas de la miniatura situadas a ambos lados de la tira de película de la parte superior de la foto para desplazarte por el resto de las fotos del álbum. · Para deshacer cualquier edición realizada, haz clic en el botón “Deshacer” en cualquier paso del proceso. · Las ediciones realizadas en las fotos de Picasa no se guardan en el archivo original del disco hasta que haces clic en el botón "Guardar cambios" del encabezado del álbum. Al guardar los cambios de este modo, se sobrescribe el archivo original, aunque se conserva una copia de seguridad en una carpeta nueva llamada "Originales". Haz clic en el botón "Deshacer guardar" para devolver un archivo a la versión de la copia de seguridad. · Para obtener información adicional acerca de las pantallas de edición, consulta el menú de ayuda de Picasa en el propio software. Ficha "Arreg. básic." Recortar Utiliza el botón “Recortar” para cortar partes de una foto que no desees ver. En la vista “Recortar foto” puedes seleccionar un tamaño de foto predeterminado (por ejemplo, 4 x 6) o seleccionar manualmente la parte de la foto que desees conservar. Para recortar una foto, arrastra y coloca el cuadro directamente sobre la foto. Haz clic y arrastra las esquinas del cuadro para modificar la selección cortada manteniendo las

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mismas proporciones. Haz clic en “Aplicar” para guardar los cambios en Picasa o en “Cancelar” para volver a la ficha “Arreg. básic.”. Enderezar Utiliza esta función para arreglar fotos realizadas con una cámara defectuosa. Selecciona una foto y haz clic en el botón “Enderezar”. En la vista “Enderezar foto”, utiliza el deslizador de la parte inferior de la pantalla para alinear la foto con respecto al cuadro de rejilla. Haz clic en “Aplicar” para guardar los cambios en Picasa o en “Cancelar” para volver a la ficha “Arreg. básic.”. Ojos rojos Utiliza esta función para eliminar los ojos rojos de cualquier foto. En primer lugar, haz clic en el botón “Ojos rojos”. En la vista “Ojos rojos”, haz clic y arrastra el ratón alrededor de cada ojo por separado para seleccionarlos. A medida que lo hagas, aparecerá un cuadro de selección sobre el área. Suelta el botón del ratón para completar la selección. La foto se mostrará automáticamente con los ojos rojos corregidos. Haz clic en “Aplicar” para guardar los cambios en Picasa o en “Cancelar” para volver a la ficha “Arreg. básic.”. Voy a Tener Suerte Haz clic en el botón “Voy a Tener Suerte” y Picasa modificará el color y el contraste de la foto para producir la foto ideal. Sólo observarás cambios si el equilibrio de color de la foto no era correcto. Haz clic en el botón “Deshacer Voy a Tener Suerte” de abajo para eliminar el cambio. Contraste automático Haz clic en “Contraste automático” para ajustar el contraste en la foto de Picasa. Haz clic en el botón “Deshacer Contraste automático” para eliminar el cambio. Color automático Haz clic en “Color automático” para ajustar automáticamente el color en la foto de Picasa. Haz clic en el botón “Deshacer Color automático” para eliminar el cambio. Aumentar brillo Utiliza el deslizador para añadir luz al primer plano de las fotos con fondos demasiado oscuros para que estén más equilibradas. Haz clic en el botón “Deshacer Ajustes” para eliminar el cambio. Ficha "Perfecc." Deslizador "Luz de relleno" Utiliza el deslizador “Luz de relleno” para añadir luz al primer plano de las fotos con fondos demasiado luminosos para que estén más equilibradas. Haz clic en el botón “Deshacer Ajustes” para eliminar el cambio.

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Deslizador "Puntos destacados" Utiliza el deslizador “Puntos destacados” para añadir o reducir los puntos brillantes o destacados en la foto. Haz clic en el botón “Deshacer Ajustes” para eliminar el cambio. Deslizador "Sombras" Utiliza el deslizador “Sombras” para añadir más sombras a la foto. Haz clic en el botón “Deshacer Ajustes” para eliminar el cambio. Consejo: Puedes utilizar el botón de un clic a la derecha de los deslizadores “Luz de relleno”, “Puntos destacados” y “Sombras’ para realizar arreglos en la iluminación de la foto sin utilizar los deslizadores. Deslizador "Temperatura de color" Utiliza el deslizador “Temperatura de color” para que la foto sea más cálida (hacia la derecha) o más fría (hacia la izquierda). Sel. de color neutro Utiliza el selector “Seleccionar color” para indicar a Picasa la parte de la foto que debe considerar gris o blanca. Picasa equilibrará los colores que rodean a la selección según el color seleccionado. Ficha Efectos La ficha “Efectos” contiene doce efectos que puedes aplicar a cualquier foto. Los efectos se añaden en capas progresivas y puedes deshacer o rehacer el último efecto aplicado en cualquier momento. A continuación describiremos los efectos que puedes utilizar para mejorar tus fotos en Picasa: Mejorar nitidez – haz que los bordes de los objetos de las fotos sean más nítidos y menos difusos. Sepia – aplica un estilo “retro” modificando la foto con un tono marrón rojizo. Blanco y Negro – convierte cualquier foto en una imagen en blanco y negro. Más calidez – aumenta la calidez de las fotos frías para mejorar los tonos de piel. Grano de película – añade un aspecto “granulado” de película a cualquier foto – Tendrá un aspecto genial cuando la imprimas. Tono – utiliza el selector para elegir un color y aplicar el tono o tono dual a toda la foto. Saturación – aumenta la saturación del color. Desenfocar – desenfoca la imagen alrededor de un punto central que puedes seleccionar. Halo – proporciona a las fotos un brillo nebuloso. Filtrado ByN – crea una foto que parece haber sido realizada con película en blanco y negro y un filtro de color. ByN parcial – reduce la saturación del color alrededor de un punto central de tamaño ajustable y con deslizadores de nitidez.

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Tono graduado – añade un filtro graduado con el color que selecciones. Resulta útil para transformar los cielos grises en azules. Títulos En la pantalla “Editar foto” puedes añadir títulos a las fotos. Haz clic en el texto “Crear un título” situado bajo cada foto. Escribe el título. Puedes mostrar u ocultar el título de la foto mediante el botón de la izquierda de la barra de título. Para eliminar un título, haz clic en el icono de papelera de la derecha. Los títulos se almacenan en Picasa en forma de datos EXIF en cada foto individual, de modo que permanecen con las fotos en todo momento. Esto significa que si subes fotos a un álbum web de Picasa, los títulos también aparecerán en el sitio web. Picasa también permite realizar búsquedas por título. Compartir, imprimir y otras formas de disfrutar de tus fotos fuera de Picasa La bandeja de fotos y sus controles Cualquier foto que selecciones en la lista de carpetas aparecerá como la selección activa en la bandeja de fotos en la esquina inferior izquierda de la pantalla principal de biblioteca. Los botones de la derecha de la “bandeja de fotos” ejercen su acción sobre las fotos de la "bandeja de fotos". Retener Utiliza el botón “Retener” para mantener una foto en la bandeja mientras añades más fotos. Puedes añadir varias fotos a la bandeja manteniendo pulsada la tecla Mayús a medida que seleccionas fotos. Borrar Haz clic en el botón “Borrar” para vaciar la “bandeja de fotos” de todas las fotos retenidas. Añadir a Haz clic en el botón “Añadir a” para añadir las fotos de la bandeja a un álbum nuevo o a uno existente. Estrella El botón de estrella añade una pequeña estrella dorada a la foto que se encuentre en la bandeja. Estas estrellas son valoraciones que se pueden buscar y que te permiten encontrar tus fotos favoritas rápidamente. Podrás acceder fácilmente a cualquier foto a la que añadas una estrella al realizar búsquedas en Picasa. Girar a la izquierda y a la derecha Los dos botones de giro permiten girar la foto seleccionada en el sentido de las agujas del reloj o en el sentido contrario dentro de Picasa.

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Álbum web (requiere acceso a Internet) La función más reciente de Picasa, los álbumes web de Picasa, permite publicar y compartir fotos online de forma sencilla. Basta con seleccionar fotos (aparecerán en la "bandeja de fotos") y hacer clic en el botón "Álbum web" para subirlas al álbum. Cuando la subida haya finalizado, haz clic en el botón "Ver online" para ver y gestionar las fotos de tu cuenta de álbumes web. Si no tienes un álbum web de Picasa, se te preguntará si deseas crear uno la primera vez que utilices el botón "Álbum web". Imprimir El botón “Imprimir” permite imprimir las fotos de la bandeja de fotos mediante una impresora local o de red. Haz clic en “Imprimir” para abrir la pantalla de impresión y seleccionar un tamaño de diseño de impresión. Picasa aplicará automáticamente las proporciones adecuadas a las fotos de la bandeja. Estos botones hacen que resulte más sencillo imprimir varias fotos en una página. Por ejemplo: si tienes cuatro fotos en la bandeja y seleccionas 3,5 x 5, Picasa ajustará las cuatro fotos de modo que quepan en una página estándar 8,5 x 11. El botón “Revisión” de la esquina inferior derecha de la pantalla de impresión permite revisar la configuración antes de imprimir. Haz clic en “Imprimir” para enviar las fotos a la impresora. Correo electrónico (requiere acceso a Internet) El botón “Correo electrónico” de Picasa permite enviar por correo electrónico las fotos de la “bandeja de fotos” de varias formas: Programa de correo electrónico predeterminado Selecciona esta opción para enviar las fotos mediante el cliente de correo electrónico predeterminado del equipo. Gmail Funciona con una cuenta Gmail de Google existente (no incluida con el software Picasa). Permite enviar hasta 10 MB de fotos (incluido el mensaje), comprimidas a la perfección con un tamaño que tus amigos puedan abrir. Correo de Picasa Si no dispones de Gmail ni Outlook, puedes utilizar esta opción para enviar fotos mediante otra dirección de correo electrónico o tu nombre de usuarios de Hello. Deberás registrarte para obtener una cuenta gratuita de Hello utilizando una dirección de correo electrónico existente y una contraseña de tu elección. Collage Haz clic en el botón “Collage” para crear rápidamente collages fotográficos personalizados a partir de una gran variedad de plantillas que incluyen pila de

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imágenes, cuadrícula de imágenes y hojas de contactos. También puedes crear un efecto de exposición múltiple de estilo de película. Para guardar tu nueva creación, selecciona un fondo para el collage (utiliza una foto o los colores blanco, negro o gris) y especifica cómo quieres que se cree (como salvapantallas, como fondo de escritorio o como carpeta seleccionada). Hello (requiere acceso a Internet) Haz clic en el botón “Hello” para compartir de forma instantánea tus fotos con amigos que estén online al mismo tiempo y hablar sobre tus fotos mientras las observáis juntos. Para utilizar Hello deberás tener instalado en tu equipo el software Hello (disponible de forma gratuita desde www.hello.com). Si aún no dispones de Hello, basta con hacer clic en el botón “Hello” y seguir las instrucciones de la página de inscripción online. Lo único que necesitarás para registrar una nueva cuenta es una dirección de correo electrónico existente y una contraseña de tu elección. (Nota: Tu cuenta de Hello será la misma que tu cuenta de Correo de Picasa). Puedes invitar a tus amigos a que se unan a Hello enviándoles mensajes de correo electrónico. Las fotos que recibas de tus amigos que utilizan Hello aparecerán en tu colección "De Hello" dentro de Picasa, ordenadas por nombres de usuario de Hello. Blogger (requiere acceso a Internet) Un blog es un diario online. Puedes publicar fotos en la web de forma gratuita mediante Picasa y en un blog creado en Blogger.com. Selecciona hasta cuatro fotos (aparecerán en la “bandeja de fotos”) y haz clic en el botón “BlogThis!” Las fotos se subirán al blog como la publicación más reciente. Si no dispones de un blog, haz clic en el botón “BlogThis!” en Picasa y sigue las instrucciones para obtener una cuenta gratuita (sólo tardarás unos minutos). Cuando dispongas de una cuenta, podrás hacer clic en el botón “BlogThis!” de Picasa en cualquier momento para publicar fotos en tu blog en un solo paso. Encargar impres. (requiere acceso a Internet) Haz clic en el botón “Encargar impres.” para solicitar copias impresas a uno de los proveedores de impresión online de Picasa. Selecciona un proveedor haciendo clic en su logotipo o en el vínculo. El programa te preguntará si deseas acceder mediante el nombre de usuario y la contraseña que utilizas normalmente para acceder al sitio web del proveedor. Cuando hayas accedido, Picasa subirá automáticamente todas las fotos de la “bandeja de fotos” al sitio web del proveedor de impresión. (Nota: Las fotos que encargues mediante Picasa se procesarán a través del sitio web del proveedor de

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impresión y estarán cubiertas por las políticas de privacidad y envíos de la empresa correspondiente). Picasa no revelará ninguna información sobre ti a los comerciantes que aparecen en la página “Encargos”. Para obtener más información acerca de la información que Picasa comparte con estos sitios web, haz clic en el vínculo “Política de privacidad” de la parte inferior de este sitio web. Exportar Haz clic en el botón “Exportar” para guardar las fotos de la “bandeja de fotos” como archivos JPG nuevos. La función de exportación es similar a la opción "Guardar como" de otros programas. Por ejemplo, si creas un álbum con fotos de tu perro de varias carpetas y luego las editas para que todas sean en blanco y negro, puedes exportar ese álbum para crear nuevos archivos en el disco duro que reflejen las ediciones. Durante el proceso puedes elegir la calidad JPG y el tamaño de las fotos guardadas. Nota: Picasa nunca sobrescribe el archivo original en el disco, todas las ediciones realizadas en una foto sólo se guardan en Picasa. Puedes decidir si deseas exportar las fotos o hacer clic en el botón "Guardar cambios" en la parte superior del encabezado del álbum.

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7. Orientaciones bibliográficas

7.1.- Bibliografía Básica: •

ANG, TOM. Manual de Fotografía Digital: Equipo, técnicas, efectos, proyectos. Ediciones Omega. 2003

•

SCHAUB, GEORGE. Guía práctica de fotografía digital. Ediciones Tutor. 2008.

•

BUSCH, DAVID. Fotografía Digital réflex. 2003

•

PARKEL, DAVID. Composición. Editorial Naturat. 2007

7.2.- Bibliografía Complementaria •

Michael Langford. La fotografía paso a paso.

•

Hunter, Fil y Biver, Steven. La iluminación en la fotografía. Editorial Naturat. 2008

•

RUIZ, JOSÉ. El fotógrafo en la naturaleza. Guía completa para la era digital. J de J Editores. 2008

•

ESCUELA DE ARTE NUMERO 10. Apuntes de Fotografía.

•

ENCICLOPEDIA KODAK. Fotografía profesional.

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8. Actividades

Estimado participante a continuación se señalarán las actividades que usted debe desarrollar, para lograr el objetivo propuesto.

PRIMERA UNIDAD:

1. ACTIVIDAD INDIVIDUAL – Primera Actividad: El trabajo consiste en: REGISTRO FOTOGRÁFICO EN EL CUAL TENGAMOS COMO PRIORIDAD EJERCITARNOS EN EL USO DE ENCUADRES Y PLANOS.

2. ACTIVIDAD INDIVIDUAL– Segunda Actividad: El trabajo consiste en: RECONOCIMIENTO DE FUNCIONES BÁSICAS Y DE ELEMENTOS CONSTITUTIVOS DE LA CÁMARA FOTOGRÁFICA DIGITAL.

SEGUNDA UNIDAD:

1. ACTIVIDAD INDIVIDUAL: El trabajo consiste en: REGISTRO FOTOGRÁFICO EN EL CUAL TENGAMOS COMO PRIORIDAD EJERCITARNOS EN EL USO DE LAS REGLAS DE COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA.

TERCERA UNIDAD:

1. ACTIVIDAD INDIVIDUAL EN LÍNEA: El trabajo consiste en: ESTABLECER PUNTOS PARA EL DESARROLLO DE UN TEMA FOTOGRÁFICO DE SU INTERÉS. RECOMENDACIONES Y EJEMPLOS SOBRE TEMAS RELACIONADOS A LOS QUE USTED PROPONGA.

CUARTA UNIDAD:

1. ACTIVIDAD INDIVIDUAL: El trabajo consiste en: REALIZAR EDICIÓN FOTOGRÁFICA EN EL SOFTWARE INDICADO, UTILIZANDO LOS CRITERIOS APRENDIDOS EN CLASE.

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9. ORIENTACIONES PARA EL ESTUDIO DE CADA UNIDAD

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Destinar un espacio de tiempo al día o semana para el estudio de este manual. Para los momentos de estudio, ubicarse en un lugar ventilado y con ruido reducido o ausente, sentarse en un asiento un tanto incómodo de tal suerte que no lo invite al sueño

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Al iniciar la lectura analice las competencias de cada unidad y relaciónelos con cada uno de los temas que comprende.

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Lea el contenido de cada sección, efectúe un resumen de la misma, grafique lo que crea necesario, haga un análisis crítico y comente lo comprendido de la lectura.

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Efectúe un auto-análisis del porcentaje del contenido que Ud. ha aprendido por cada lección, y fíjese como meta llegar al 100 por ciento.

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Las dudas, producto de su lectura, anótelas y aclárelas con su tutor respectivo. La inmediata verificación de sus errores o avances le permitirá aprender de sus propios errores y profundizar su comprensión conceptual, procedimental y actitudinal.

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Dedique un tiempo diario al estudio. Promueva, en su localidad o centro de trabajo, la matrícula de otras personas; de esta manera, podrá discutir los temas con mayor amplitud.

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El alumno es el único responsable de su aprendizaje. Las lecturas son guía para la enseñanza, y el profesor tutor un orientador.

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Estas sencillas recomendaciones lo ayudarán a lograr su objetivo personal.

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10. ORIENTACIONES PARA LAS TUTORÍAS VIRTUALES Algunas recomendaciones sobre lo que debe hacer en una ASESORÍA VIRTUAL: •

ASESORIA VIRTUAL

En este curso usted tendrá asesoría virtual. El horario aparecerá en el Aula virtual desde el inicio del módulo. Usted debe acceder en ese horario a la sala de conversación desde el aula virtual. 12. Orientaciones para las tutorías Virtuales Para facilitar la comunicación entre usted, la tutora y los demás participantes, se dirigirá de la siguiente forma: •

Si la comunicación es escrita y usted desea hacer uso de la palabra debe enviar el signo de interrogante (?). Este signo, enviado en la sala de conversación, le indica al docente que usted quiere hacer uso de la palabra. Recuerde que el docente le debe autorizar la palabra para que usted formule su pregunta, de lo contrario se puede generar una confusión similar a la que se daría en un aula presencial si todos preguntaran al mismo tiempo.

•

Si usted está escribiendo un mensaje muy largo y la sala de conversación no le permite escribir más, escriba al final tres puntos suspensivos (…) Esto le indicará a todos los que están en la sala de conversación que usted seguirá escribiendo y todos esperarán el siguiente mensaje.

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Lleve las preguntas preparadas si las lleva escritas mejor aún, así usted no solo las formulará, sino que además podrá ver si su pregunta abarca totalmente o cubre en su totalidad las dudas que tiene.

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Por favor, primero estudie cuidadosamente y con seriedad, luego pregunte. Haga usted primero el esfuerzo.

•

Mientras lea o repase la unidad didáctica, tome nota en una hoja aparte las áreas que no le quedan claras.

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Si no entendió nada es que no fue el momento adecuado para estudiar o sencillamente no se concentró en su lectura, relájese y dispóngase a aprender, siéntase feliz y motívese.

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Si encuentra que hay algo que puede compartir hágalo, quizás esté en lo correcto y otros alumnos se podrían beneficiar con su aporte, además demostrará que ya comienza a dominar el tema. Para ello, use el foro y las salas de conversación.

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