PORTAFOLIO DE FOTOGRAFIA
DÃaz Tito Miguel Jean Lukas
UNIVERSIDAD NACIONAL DE SAN AGUSTIN FACULTA DE ARQUITECTURA Y URBANISMO FOTOGRAFIA Y CINE DOCENTE: IGNACIO TAMAYLLA ALUMNO: MIGUEL JEAN LUKAS DIAZ TITO
ÍNDICE: -Historia de la Fotografía. -Fotógrafos arequipeños: Hnos. Vargas. -Fotógrafos peruanos: Martin Chambi -Partes de la cámara fotográfica. -El objetivo: las lentes. Tipos. -Ejercicios de profundidad de campo -Ejercicios de Composición
Tercios Línea del horizonte Dirección de la mirada Centro de interés
-Conclusiones -Contraportada.
En este Portafolio de Fotografía se pone el práctica distintos ejercicios de composición y profundidad de campo, una breve biografía de los fotógrafos arequipeños Hnos. Vargas y el Fotógrafo Peruano Martín Chambi
HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA
L
a historia de la fotografía estudia
todos los aspectos relacionados con las imágenes fotográficas, a través del tiempo: procedimientos, inventores, fabricantes, autores de las fotografías, visión artística y documental, progreso técnico y evolución estética, aplicaciones, comercialización y consumo de imágenes fotográficas, difusión en otros medios de comunicación, conservación en museos y colecciones. Y su análisis, clasificación e interpretación. La historia de la fotografía empieza oficialmente en el año 1839, con la divulgación mundial del primer procedimiento fotográfico: el daguerrotipo.1 Como antecedentes de la fotografía, se encuentran la cámara oscura y las investigaciones sobre las sustancias fotosensibles, especialmente el ennegrecimiento de las sales de plata. Ibn al-Haytham (Alhazen) (965 a 1040) llevó varios experimentos sobre la cámara oscura y la cámara estenopeica.2
Cronología 1521 La primera publicación sobre la cámara oscura es la de Cesare Cesarino, un alumno de Leonardo Da Vinci durante el Renacimiento. Por su parte, el científico Georgius Fabricus experimentaba ya con las sales de plata, notando algunas de sus propiedades fotosensibles. 1558, Giovanni Battista della Porta, por sus publicaciones sobre el funcionamiento de la cámara oscura, se hizo popular entre los pintores de la época. Gerolamo Cardano sugiere una importante mejora: un lente en la apertura de la cámara, anteriormente un simple orificio o estenopo. 1600, durante el siglo XVII, la cámara que hasta ese momento era una habitación se transforma en un instrumento portátil de madera. Johann Zahn transformó esa caja en un aparato parecido al usado en los principios de la fotografía. En este siglo los científicos continuaban experimentando con sales de plata, notando cómo se oscurecían con la acción del aire y del Sol, sin saber que
era la luz la que les hacía reaccionar, hasta que científicos como el sueco Carl Wilhelm Scheele y el suizo Jean Senebier revelaron que las sales reaccionaban con la acción de la luz. 1685, de acuerdo a tratados publicados por Zahn, la cámara ya estaba lista para la fotografía; pero todavía no se podían fijar las imágenes. 1777, el sueco Carl Wilhelm Scheele publica su tratado sobre las sales de plata y la acción de la luz, en latín y alemán; en 1780 en inglés, y un año más tarde en francés. En el estilo de las pinturas de artistas exitosos de este siglo como Canaletto parece evidente el uso como herramienta de la cámara oscura. Una cámara de este tipo que tiene grabado el nombre de Canaletto, se conserva en Venecia, aunque no está confirmado que efectivamente perteneciera al artista.
En esa misma línea evolutiva, sobre fines del siglo XVIII aparece el fisionotrazo para hacer perfiles, inventado por Gilles Louis Chretien. Estos inventos han sido denominados por Gisèle Freund como "precursores ideológicos" de la fotografía,3 en tanto representan los esfuerzos de muchos investigadores y artistas de Europa sobre fines del siglo XVIII y principios del XIX, de dar respuesta a una necesidad social en la burguesía ascendente: tener una forma de representación objetiva, mecánica, económica y rápida. El retrato de personas fue, desde entonces, el principal motor de las innovaciones técnicas que la fotografía incorporó durante todo el siglo XIX. 1801, pocos años antes de su muerte, el inglés Thomas Wedgwood hizo nuevos descubrimientos para capturar imágenes, sin lograr fijarlas adecuadamente.
HERMANOS VARGAS Cuando en 1890, los diarios de Arequipa comentaron sobre la ceremonia de entrega de premios a los ganadores del concurso organizado por el Centro Artístico de Arequipa, destacaron entre los premiados, a un joven de solo 14 años de edad, quien despertó primero la curiosidad y luego por su encantadora modestia, los aplausos preferentes del público. Este momento fue trascendental para la historia de la fotografía peruana pues otro premiado fue, nada menos, que el viejo maestro Emilio Díaz. El joven fue Carlos Vargas Zaconet quien a los 14 años de edad descubre su vocación y esa pasión por la fotografía que lo acompañaría durante toda su vida. Dos generaciones, que dieron verdadero lustre a la fotografía peruana, se dieron allí la mano; la entrega de la antorcha fue formal y luminosa. De viejas raíces arequipeñas, Carlos Vargas Zaconet nació el 27 de enero de 1885 y su hermano Miguel el 29 de octubre de 1886. En 1912 en el ocaso de la "belle époque", en proceso de extinción de los últimos vestigios del romanticismo, los hermanos Vargas instalan su estudio en el Portal de San Agustín 11 (posteriormente 111). El estudio fue un importante núcleo de actividad cultural, donde concurrían intelectuales y artistas connotados. Sus elegantes instalaciones sirvieron también para exposiciones de pintura de los mejores pintores de la época. Las diversas actividades de la "intelectualidad de avanzada" a través del estudio, se proyectó sobre la ciudad. Polémicas conferencias, revistas culturales, recitales diversos, hicieron de éste, un cálido medio de motivación y difusión cultural. Fueron "bohemios, elegantes, sutiles seductores" como los recordaba el poeta Alberto Guillén. Los éxitos obtenidos en el campo de la fotografía fueron prontamente reconocidos y con el transcurso del tiempo rebasaron el ámbito nacional. A partir de 1918 sus fotografías aparecen en exposiciones internacionales y son realizadas en San Francisco, Estados Unidos, Sevilla, España, Buenos Aires, Argentina, La Paz Bolivia y publicadas, reiteradamente, en revistas especializadas del continente tales como: Correo Sudamericano de Fotografía de Buenos Aires Argentina y El Mundo Gráfico de La Habana. En el Perú, las revistas Mundial y Variedades publicaron y comentaron su obra. Sus fotos ilustraron también libros de variada índole. La pasión por su arte los acompañó durante toda su vida, poco antes de su fallecimiento en una entrevista periodística, Carlos Vargas afirmó que la fotografía fue “la gran pasión de su vida”. Miguel falleció el 07 enero de 1976, quebrando dramáticamente la fraterna amistad que los unió desde niños. Al día siguiente el diario el Pueblo, en primera página anuncia: “Arequipa está de duelo. Murió uno de los hermanos Vargas”. Carlos el 21 de junio de 1979. Los ojos que habían contemplado "las mujeres más hermosas, las noches más cargadas, los rostros más intensos", se cerraron en el último de sus nocturnos. Después de este acontecimiento, sus fotografías concitaron a nivel internacional mayor auge. Siendo su obra reconocida por la crítica especializada como clásica. ..-----------------------------
Los hermanos Vargas nacieron en Arequipa en condiciones humildes; Carlos en 1885 y Miguel en 1887. Talentosos, trabajadores y ambiciosos, se inscribieron en la Escuela de Artes y Oficios del Colegio Salesiano, donde fabricaron su primera cámara fotográfica, con la que ganaron una medalla de plata. Esta hazaña llamó la atención del destacado fotógrafo Max T. Vargas, dueño de uno de los dos mas grandes estudios de Arequipa y, en 1900, los hermanos Vargas se hicieron sus aprendices. Allí practicaron las últimas técnicas fotográficas. Aprendieron a componer, revelar y retocar las fotos para satisfacer los gustos de los clientes más exigentes. El 16 de agosto de 1912, abrieron el Estudio Vargas Hnos. en el Portal San Agustín nº 11. Organizaron dieciséis exposiciones para exhibir sus mejores registros. Sus imágenes comenzaron a aparecer con mucha frecuencia en revistas nacionales y extranjeras de la época.
El estudio es también refugio de artistas: Donde los hermanos Vargas la intelectualidad «de avanzada» hizo polémicos encuentros, conferencias y recitales. A medida que la fama de Miguel y Carlos Vargas crecía, sus logros fueron reconocidos internacionalmente. En 1925 ganaron medallas de oro en el Salón de Arte Fotográfico de Buenos Aires y el Gran Premio de Honor y Medalla de Oro en el Centenario de la Independencia de Bolivia. A fines del siglo XIX las primeras cámaras Kodak crearon una nueva clase de fotógrafos amateurs. Para demostrar que “Una obra de arte no podía ser producto de un simple artefacto mecánico”, los fotógrafos buscaron crear imágenes más pictóricas o “artísticas”. Desarrollaron nuevas técnicas de impresión para reproducir muchos de los efectos tradicionales de la pintura y del grabado. Este movimiento se hizo conocido como pictorialismo. A pesar de la marcada influencia pictorialista en su obra, sobre todo en los nocturnos, con sus evocaciones poéticas y misteriosas de la ciudad durmiente. Formados en un ambiente comercial, los Vargas nunca fueron doctrinarios y variaron su estilo según el tema y los gustos del cliente. Todo cambió en 1929 con la depresión mundial. Los fotógrafos se vieron obligados a cultivar una nueva clientela de poco dinero y menos pretensiones. La fotografía, antes un lujo, ahora debía estar al alcance de todos, poniendo fin a la época dorada de los estudios tradicionales. Poco a poco desaparecieron las estenografías elaboradas, las poses inspiradas y gran parte de la creatividad que antes fueron el sello del Estudio Vargas Hnos. En su lugar quedó un estudio moderno, más popular y comercial. Sin embargo, mantuvo su prestigio en Arequipa hasta la disolución de la sociedad familiar en 1958.
Los hermanos Vargas, el pictorialismo y los nocturnos A finales del siglo XIX, cuando la fotografía dejó de ser una novedad y las primeras cámaras Kodak generaron una nueva clase de fotógrafos amateurs, algunas voces empezaron a criticar lo que consideraban la mera capacidad intrínseca de la cámara de reproducir con precisión la realidad. Estimulados por las críticas y deseosos del estatus concedido a las artes tradicionales, los fotógrafos buscaron crear imágenes más pictóricas y ‘artísticas’. Esto les llevó a desarrollar nuevas técnicas de impresión que lograban reproducir muchos de los efectos tradicionales de la pintura y del grabado. Este movimiento fue conocido como pictorialismo. Por el año 1900 fue el estilo predominante de ‘fotografía artística’, y mantuvo su popularidad mundial hasta finales de la década de los treinta. Como los pictorialistas, los hermanos Vargas utilizaron una gran variedad de procesos de revelado y de retoque para crear sus retratos y nocturnos, especializándose en fotos viradas, bromóleos y fotóleos. Sin embargo, sería un error caracterizar a los hermanos Vargas como simples pictorialistas. Formados en un ambiente comercial, los Vargas nunca fueron doctrinarios y variaron su estilo según el tema y los gustos del cliente. A pesar de la marcada influencia pictorialista en la obra de los Vargas, es probable que para ellos las prácticas y los discursos elitistas del pictorialismo representaran ante todo una serie de recursos técnicos y estilísticos para diferenciarse de otros fotógrafos más comunes y pedestres. Quizás la huella más clara del pictorialismo se puede notar en los nocturnos, una serie de fotos insólitas que tiene sus raíces en los comienzos del siglo XX, cuando, gracias al desarrollo de la tecnología fotográfica y al uso cada vez más generalizado de la electricidad, se abrió la posibilidad de tomar fotografías nocturnas. Los fotógrafos, entusiasmados por esta novedad, e intuyendo que las nuevas formas de iluminación pública harían desaparecer pronto y para siempre el mundo nocturno que habían conocido, se apresuraron a registrar los rincones más pintorescos de sus ciudades. En 1915, los nocturnos de Goyzueta en Lima y Montero en Piura fueron publicados en revistas nacionales, y poco después, los hermanos Vargas expusieron sus primeros nocturnos de Arequipa. Si bien no fueron los primeros en tomar fotografías nocturnas, la calidad de su trabajo era sobresaliente. Ninguno de sus contemporáneos peruanos los superaba en técnica o intuición creativa. Como muchos otros artistas, escritores y compositores de la época, los hermanos Vargas sentían una fuerte atracción por la noche y se dedicaron a captar su poesía. Algunos de sus esfuerzos tienen carácter sentimental y costumbrista; otros, como los paisajes urbanos, pueden haber sido inspirados por los nocturnos de Goyzueta en Lima y Montero en Piura. Sin embargo, los Vargas pronto incursionaron en nuevos espacios. Inspirados en parte por el cine mudo, comenzaron a montar escenas elaboradas utilizando luz de luna, hogueras, fogatas, magnesio, farolas y postes de alumbrado. Estas imágenes teatrales requerían hasta una hora de exposición y una muy precisa atención al detalle. Los nocturnos tardíos, como las imágenes de Tingo, Cayma, la Av. Parra y La Cabezona, marcan el apogeo del arte de los hermanos Vargas. En estas espléndidas fotografías, que auguran el surrealismo y el film noir, los Vargas lograron crear un mundo de encantamiento y extraña belleza.
MARTIN CHAMBI Martín Chambi tiene origen campesino, proviene de los Andes Peruanos, de un pueblo llamado Coaza, distrito de Carabaya cercano al lago Titikaka en el departamento de Puno. Nace el 5 de noviembre del año 1891. Luego de su primer contacto con la fotografía en la mina de oro donde trabajaba su padre, la Santo Domingo Mining Company, viaja a Arequipa donde aprende el oficio de su maestro y guía Don Max T. Vargas, luego del aprendizaje y práctica en los talleres del Portal de Flores de la Plaza de Armas, finaliza su estadía en Arequipa exponiendo, gracias al patrocinio de su maestro en el Centro Artístico de aquella ciudad el 12 de octubre de 1917. En los siguientes meses viaja acompañado de su esposa Manuela López Visa y sus hijos Celia y Víctor a la ciudad de Sicuani donde instala su propio y primer Estudio y taller. Sicuani, capital de la provincia de Canchis, es un lugar próspero en ese entonces por el desarrollo en la explotación de las lanas de alpaca y llama y su industrialización textil; durante su permanencia allí nace su única hija fotógrafa Julia Chambi. Se establece profesionalmente y luego decide trasladarse al Cusco, ciudad a la que llega en 1920 atraído por su esplendor e historia, es en esta ciudad en la que desarrolla su trabajo más importante y deslumbrante hasta su muerte. Es aquí también donde nacen sus hijos Angélica, Manuel y Mery y es desde el Cusco que logra dimensión nacional e internacional por su trabajo. En vida y en persona, expone en diversas Salas y Galerías de Lima y Arequipa, también muestra sus obras en La Paz, Bolivia en 1925 y en Santiago de Chile en 1936.
Es interesante mencionar su paso como reportero gráfico, por el Diario peruano La Crónica y las revistas Variedades y Mundial y finalmente por La Nación de Buenos Aires durante los años de 1918 a 1930. También publica su obra fotográfica en la revista norteamericana National Geographic en febrero de 1938. Martín Chambi revela el universo cotidiano y mágico de la cultura andina entregándole al mundo su secreto más íntimo, a través de su archivo fotográfico que contiene cerca de 30,000 negativos, entre placas de vidrio, las cuales tienen diversos formatos: desde las más grandes de 18 x 24 cm. pasando por las de 13 x 18 cm., 10 x 15 cm; hasta las más pequeñas de 9 x 12 cm. y películas flexibles, rollos de 120 y de 35 mm. material que se encuentra en perfecto estado de conservación en la ciudad del Cusco. El archivo cuenta felizmente con la protección y cuidado de sus herederos, en especial por su hija Julia, lamentablemente fallecida en el año 2003, a la que deja su Archivo en su lecho de muerte el 13 de septiembre de 1973, confesándole que le entrega una mina la cual ella sabrá explotar. Redescubrir la obra de Martín Chambi en cada mirada, dimensionándola en el contexto del lenguaje fotográfico, es como para un arqueólogo descifrar los misterios del Señor de Sipán o del complejo arqueológico de el Brujo. Martín Chambi es el primer fotógrafo de sangre indígena que retrató a su propio pueblo con altivez y dignidad. Sus retratos recuerdan los que en igual período, años 30, registró August Sander en Alemania, curiosamente también hijo de un minero y
deslumbrado por la fotografía que trajo un visitante a su pueblo. Pero si los retratados por Sander lucen abominables en la dureza de sus rostros que anuncian la demencia del nazismo cercano, los rostros fotografiados por Martín Chambi reflejan la dignidad de un pueblo refugiado en sí mismo, incómodo en las impuestas vestimentas, sometido, pero nunca humillado. Un hecho importante sucede en 1977, el fotógrafo y antropólogo norteamericano Edward Ranney gestiona junto con Víctor Chambi la venida desde los Estados Unidos de un grupo de cooperantes de la fundación EarthWatch, quienes catalogan y positivan alrededor de 6,000 placas de vidrio. Realmente valioso el aporte, pues es a partir de allí que se difunde internacionalmente la obra fotográfica, llegando al MOMA de Nueva York en 1979.
La obra de Martín Chambi adquiere mayor significación a medida que el estudio sobre ella se extiende y profundiza en muchos lugares del mundo. A su valor intrínseco, se van agregando los efectos benéficos que su presencia provoca en las sociedades en la que es mostrada. Diversas instituciones y personajes se han interesado por investigar su obra, y muchas celebridades han escrito sobre ello. Centenares de textos, artículos, y catálogos se han publicado. Mas de un ciento de exposiciones se han presentado sobre su obra desde aquella del Centro Artístico de Arequipa y recorriendo el mundo hasta nuestros días iniciales del tercer milenio. Un altísimo nivel técnico, un magistral manejo de la luz y una mirada excepcional caracterizan e este creador y fotógrafo clásico que bien podría llamársele como uno de los PERUANOS MÁS UNIVERSALES DEL SIGLO XX
PARTES DE LA CAMARA En el mercado existe una gran variedad de cámaras fotográficas con diferentes formatos y prestaciones. Sin embargo, ya se trate de las cámaras compactas más sencillas o de las cámaras réflex más sofisticadas, los principios generales que rigen su funcionamiento son similares. En este artículo vamos a hacer una descripción de las partes más importantes de una cámara fotográfica, lo que nos va a permitir tener una visión general de su funcionamiento. En posteriores artículos se estudiará cada una de los componentes de forma más detallada. Los botones y diales de control
Los principales componentes de una cámara fotográfica son los siguientes: El visor El objetivo El sensor El diafragma El obturador La pantalla
EL OBJETIVO
PROFUNDIDAD DE CAMPO:
APERTURA DE DIAFRAGMA
Es un término utilizado en fotografía para expresar el rango de distancias reproducidas con una nitidez aceptable en una foto. Casi siempre se pretende que la totalidad de la imagen quede enfocada (desde el primer término hasta el fondo), la forma más sencilla de obtener mayor profundidad de campo es cerrando el diafragma, es decir reducir la abertura. Cuando más pequeña sea esta, mayor profundidad de campo tendrá la fotografía.
A mayor apertura de diafragma menor profundidad de campo. Como se ve en la imagen, la foto hecha a f/2.8 (mayor apertura de diafragma) tiene una profundidad de campo menor. Igualmente, vemos que la foto hecha a f/22 (menor apertura de diafragma) tiene una profundidad de campo mayor. DISTANCIA FOCAL (ZOOM) A mayor distancia focal (más zoom) menor profundidad de campo.Como se ve en la imagen, la foto hecha con un zoom de 35 mm tiene una profundidad de campo mayor que la foto hecha con un zoom de 100 mm.
REGLA DE LOS TERCIOS Esta regla es muy simple pero tiene un tremendo poder en la forma en que visualizamos la foto. Consiste en dividir la imagen, mentalmente, en 9 partes iguales (mediante 2 líneas paralelas horizontales y otras 2 verticales) y a continuación colocar el sujeto en algún punto de intersección de las líneas.
Como puedes ver, el fotógrafo ha colocado al pájaro en el punto de intersección de la parte inferior izquierda del encuadre. Cualquier otro punto de intersección nos hubiera valido igualmente. Esto en fotografía se llama puntos fuertes. Son puntos que atraen especialmente la atención y le otorgan al sujeto mayor interés y protagonismo.
LINEA DEL HORIZONTE Este principio de la composición dice que si separamos lo que estamos encuadrando en tres partes iguales, el horizonte debería estar cerca de una de las dos líneas que lo divide. Hablamos de la línea del horizonte pero esta regla es válida para todas las imágenes .
que tengan una línea más o menos horizontal que divida la composición en dos espacios significativamente diferenciados. La ley del horizonte nos lleva también a una regla básica de la composición fotográfica que es evitar la zona central de la imagen ya que es la que menos peso visual tiene
LA LEY DE LA MIRADA Es aquella ley en que toda persona, animal o cosa, dentro del recuadro fotográfico debe de tener más espacio libre hacia su parte frontal que lo que ocupa su parte trasera, independientemente de la amplitud de lo abarcado en el encuadre de la toma. Incluso podemos recortar el borde del recuadro fotográfico, la parte del elemento gráfico en cuestión por su parte posterior, si este se encuentra en un plano cercano a la cámara o es de dimensiones muy grandes.
CENTRO DE INTERES Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté colocado en en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen, pero de esto te hablaré más adelante. La elección del centro de interés es la primera regla de una buena composición, ya que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía. Y a partir de ahí, todo lo que tienes que hacer es enfocar (o desenfocar) el elemento sobre el que quieras centrar el interés.
CONCLUSIONES -Es muy interesante poder capturar experiencias en una imagen, tener y saber criterios que hagan que haya una composición en un fotografía. -Me gustaría que la clase sea más práctica y no tan teórica y terminar haciendo cortometrajes.