Fatal La Fatalísima

FATAL L´FATAL la Fatalísima Noviembre 2019

LAFATA LISIMA

R e v i s t a d e A r t e C o n t e m p o r á n e o Diciembre 2019

ISSN: 2215 440X

MAYINCA: Dirty Money Face/NO/book: Identidades Invadidas Manglar Resiliente: La Química del Hábitat CASA MA

1 Bordado de Hannia Durán, 2019. Foto cortesía CASA MA

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Foto R.O.SolĂ­s, 2019.

L´FATAL la Fatalísima Noviembre 2019

Índice: FATAL La Fatalísima Nota de los editores Página 5

MAYINCA 2019 en INDIA: Dirty Money Universal Views Página 8

Facebok/NO/face: Identidades Invadidas Página 32

Manglar Resiliente: La química del hábitat Por Cecilia Nuín, fotografías y dibujos Anna Handick Página 48

CASA MA: Mis ojos no pueden parar de parpadear Página 58

Annalee Davis: Heartseed Página 70

9k de Oxígeno: Galería Municipal de Oporto, Portugal.

Página 76

Cenizas: Presentación edición No.47 Página 78 3

Consejo Editor Quirval Otelo E´mundo Chevón Comentarios Quirval Otelo

Los contenidos de los artículos no reflejan el

Fotos en esta edición: Rafael Ottón Solís Casa MA

criterio de los editores.

NO Copyright

LFQ. En la portada Hannia Durán Instalación con bordados.

Casa MA.

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CREATIVE COMMON

L´FATAL la Fatalísima Noviembre 2019

FATAL la fatalísima

Es un proyecto editorial (dis)continuo, porque la vida es

así, apaga o enciende, crece o decrece, como las mareas marinas bajo el influjo de la luna. Es un escondite para los lunáticos, criticones empedernidos, poetas desatinados quienes intentan eternizar sus mentes azarosas en la superficie movediza del pensamiento subjetivo y cultura actual, oficial o no oficial; y cuando parece que nos ahogamos, surge un ínfimo rayito de luz y nos sostiene.

Para esta edición de Diciembre 2019, evocamos varias

muestras para que no desaparezcan de la memoria: La MAYINCA Dirty Money de trascendencia internacional celebrada de manera paralela en Indore, India, pero también en California, Portugal y San José (ARTSéum Zapote y Museo de Pobre & Trabajador, Ipís).

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Anónimo, 2019. Muestra Dirty Money, Museo Pobre&Trabajador, Ipís.

También reseñamos Face/NO/book: Identidades Invadi-

das, otro proyecto expositivo abierto entre noviembre y diciembre en el no-espacio de Ipís, el cual emerge del degrado y basurales de la periferia, como una posición critica ante la cultura oficial.

Nos interesa sobre manera publicar el texto de la crítico

nicaragüense Cecilia Nuín, titulado Manglar Resiliente: La Química del Hábitat, con fotografías del entorno y dibujos de Anna Handick, 2017, expuestas alternativamente en el manglar Juan Díaz, Bahía de Panamá, Ciudad de Panamá.

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Annalee Davis: “Heartseed”, 2019. TEORéTica, San José.

De exposiciones resientes en San José interesa comentar

CASA MA: Mis ojos no pueden parar de parpadear, noviembre 2019, Antigua Botica Solera. En otro espacio TEORÉTica exhibió el proyecto de Annalee Davis: Heartseed, que resuena por el caracter agrícola y social del enclave Fresh Milk en Barbados.

Además, publicaremos fotografías y reseñas de eventos de arte contemporáneo que han tenido lugar en la casa de todos, el mundo, como el proyecto 9k de Oxígeno, con la participación de Rolando Castellón, noviembre 2019, en la Galería Municipal de Porto, Portugal.

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MAYINCA 2019 en India: Dirty Money Universal Views

La muestra anual de arte contempo-

ráneo MAYINCA octava edición -iniciada en Costa Rica en 2013 para celebrar el cambio de temporalidad mesoamericana o “Bactuk Maya”-, trascendió las fronteras nacionales exhibiéndose en la Galería No. 2, Escuela Artes Visuales, IPS Academy of Art, ciudad de Indore, India. Se recuerda su inauguración simultánea en estos concurridos espacios el 12 de octubre de 2019, tanto como la celebración en el Museo de Pobre & Trabajador, barriada popular de Ipís, Goicoechea; en ARTséum, Zapote, ambas en la provincia de San José, Costa Rica; y, además, réplicas en San Francisco California, y Pitões das junias, Portugal.

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EL Ar. Achal K. Choudhary, autoridades y público de IPS Academy of Art de Indore, India, conversa el logro de exponer esta muestra en ese país asiático.

Vista parcial de Dirty Money en India. Fotos cortesía de Amit Ganjoo.

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Vista parcial de Dirty Money en India. Fotos cortesĂ­a de Amit Ganjoo.

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Autoridades recorren muestra en IPS Academy.. Fotos cortesía de Amit Ganjoo.

“Universal Views”

Lo expuesto constituye un puente cultural entre India y

Costa Rica, interesa, en tanto la semilla de Mayinca germina al otro lado del planeta, abriendo nuevos surcos al pensamiento, motiva y reflexiona con el arte como medio, sobre la descolonización. India, alberga un ámbito histórico común con el continente americano, de imposiciones hegemónicas durante importantes etapas de su acontecer.

Se agradece al escultor Amit Ganjoo, director, y al Ar.

Achal K. Choudhary quien preside la escuela IPS Academy of Art y organizador “Miradas Universales”, el exhibir fotografías de lo expuesto en Costa Rica, generando un punto de itininerancia y colaboración para visualizar el arte de ambas naciones. Y, aún más sustancial, significó abrir ventanas al acontecer en materia de arte actual, lo cual no solo (in)forma, sino que forma a las nuevas generaciones de artistas.

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“Dirty Money” (AnonymA 020.2) en ARTSéum, California y Portugal

La propuesta de ARTSéum Zapote, Costa Rica, media

entre el anonimato en el arte contemporáneo, y traza un paralelismo con la reciente manifestación de arte efímero expuesta en los jardines de Pitões das Junias, Portugal, la cual se extiende hasta junio de 2020. Devela un mapa significativo “descolonizador” de los encuadres Manhatan-eurocéntricos y otras tácticas de poder.

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La distancia geográfico-cultural, política y lingúistica la

rompe el arte, ofreciendo metodologías actuales para mirar los problemas y desventajas que nos acechan como países y culturas emergentes. Lo expuesto en ARTSéum, no deja de ofrecer una postura crítica, pero a la vez lúdica y jocosa de cuestionar, y ejercer el rol del arte de poner los puntos sobre las íes, clarificando a través de metáforas y otras figuras que motivan a la reflexión sobre problemáticas como la economía, la usura, el comercio (i)lícito, entre otros factores relacionados.

Algunas obras expuestas en ARTSéum Zapote, y en Piões das junias que manifiestan el tema de Dirty Money. Fotos cortesía de ArtSéum Zapote.

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Fotografía de la portada del catalogo on line.

Museo de Pobre & Trabajador

El motivo gráfico identificador de “Dinero Sucio” es la

fotografía de un antiguo billete local de 50 colones, exhibido en el Museo Nacional de Costa Rica. El billete presenta la particularidad de estar manchado con sangre, e interesa, en tanto lo instigado por el arte, recuerda que aún hay espinas y hacen correr la sangre.

Exponer en un estudio-taller ubicado en un área sub-

vertida por el degrado urbano, es punto de inflexión para el 14

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Museo de Pobre&Trabajador, Ipís, Goicoechea. Costa Rica.

Inauguración 12 de octubre de 2019.

arte: Reivindica el territorio aproximando las manifestaciones creativas a la fuerza trabajadora, e impele a reflexionar acerca de flujos económicos, geopolíticos, mercado global, capitalismo salvaje, paraísos fiscales, sustracción y trasiego de bienes artísticos, perspectivas donde se imponen nuevas tácticas filibusteras disfrazadas por el comercio.

En el arte centroamericano el tema del dinero no es nue-

vo, para la Bienal de Lima 2003, Joaquín Rodríguez del Paso 15

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Varias piezas de Anónimo, Dirty Money 2019. Museo de Pobre&Trabajador.

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(1961-2016), uno de los artistas locales que más referencia al papel moneda como provocación, daba un dólar a quien hiciera un dibujo para su performance e instalación One Dollar. Otro de los artistas que trató el abordaje fue Rolando Castellón, quien se recuerda una estructura múltiple conformada por billetes costarricenses de cien colones, expuesta en Rastros, 2005, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, curada por Ernesto Calvo y Tamara Díaz-Bringas.

Reinterpretación de “ONE DOLLAR” de Joaquín Rodríguez del Paso.

Vista de Sala.

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Anónimo. “Corrupto, Ladrón, Thief”, 2019.

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Artistas y obras

Marcela Araya y José

Rosales (Costa Rica), No te amo, 2015. Registra una experimentación con letras publicitarias en el techo de un edificio en Ciudad de México. “Al trasladarnos de territorio -comentan-, testimoniamos una fluctuación importante en el valor del capital material y humano, entre nuestro contexto y el visitado. En ambos casos existe un estado benefactor en declive acelerado, un incremento en la desigualdad y las economías informales. ”No te amo” reconoce el sentimiento de dislocación y desesperanza que nos envuelve, al reconocer que venimos de, y nos movemos hacia lugares castigados por las políticas neoliberales, que hacen posibles grandes

Marcela Araya y José Rosales.

No te amo. 2015. Fotografía.

despliegues publicitarios y que, sus restos materiales reutilizamos para expresar nuestra decepción”.

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Ricardo Ávila.

El agüisote, 2019.

Instalación.

Ricardo Ávila, (Costa Rica) El Agüisote, 2019. La cultura

popular inventa amuletos para que la suerte multiplique su dinero, guardándolo -como en este caso-, en una cerámica de la “Santa muerte”, fetiche de gran significación cultural. Al fondo aparece la reconocida marca de alta tecnología, generando un choque de idiosincrasias, estados sociales y comerciales.

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Carlos Barbarena de la Rocha (Nicaragua), Políticos y

dinero, 2019. Entre los políticos abunda el dinero producto de impuestos, que no siempre son bien administrados. Las riquezas del estado son acechadas por éstos quienes se frotan las manos ante un tesoro a desbaratar.

Carlos Barbarena de la Rocha.

Políticos y el dinero.

Grabados.

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Maurizio Bianchi (Italia),

El dinero no huele (PECVNIA NON OLET), 2019. El emperador Vespasiano observó que la orina recogida de los urinarios públicos de Roma, era vendida para obtener amoniaco, útil en el curtido del cuero, o para blanquear manchas en la ropa, por lo que impuso valor al recaudo. Suetonio, historiador romano reveló que Tito, hijo del emperador, reclamó a su padre la naturaleza del impuesto, y éste le mostró una moneda preguntándole si le ofendía el olor del oro.

Maurizio Bianchi. PECVUNIA NON OLET. Cartel. 2019.

Dinorah Carballo (Costa Rica), Judas, 2019. La pieza alu-

de al apóstol seguidor de Jesucristo, quien según la tradición judeo-cristiana traicionó al taumaturgo galileo, entregándolo a sus enemigos por treinta denarios. Un bolsito de tela es signo de su reflexión como dinero marcado, o sucio.

Dinorah Carballo. Judas. 2019.

Fotografía de instalación.

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Amit Ganjoo (India), Dinero Negro, 2019. Explora un jar-

dín de plantas cuyas flores son papel moneda, un paraíso de ensoñación, pero subvertido por la rosa negra, el “dinero negro”, signos inciertos en la economía actual. La flor se vuelve figura codiciada por su (in)existencia. Alude a un signo de interrogación, que cautiva a la literatura por el manejo semiótico del lenguaje, metáfora para su visión de mundo.

Amit Ganjoo. Dinero Negro, 2019. Instalación con cerámica y papel moneda

Juanma García (Cuba-USA), con Delayed Flight, aborda

el tema USA–Cuba en el contexto de la normalización de las relaciones iniciadas en 2014, y que terminan peor de como estaban. El “Monumento a las victimas de Maine”, emplazado en el malecón habanero, y que la revolución socialista mutiló en 1961, cuando le fue derrumbada el águila de la cima implica reflexión: 23

El águila nunca se repu-

so, y muchos auguran que hasta que no ocupe el lugar que tenía en el monumento, las relaciones entre ambos países seguirán mal. García ocupó el lugar vacío con un avión comercial, símbolo de la nueva águila en el emporio de la aeronáutica comercial.

Juanma García. “Delayed Flight”, S/f.

Irvin González (Costa Rica), Vacío, 2019. Pone en foco lo

que puede significar este vocablo en tiempos de crisis, cuando las personas se lanzan al abismo por el vil metal, ante un sentimiento de vacío material, vacío espiritual, vacío profesional, y hasta político; pérdida de confianza en los gobernantes incapaces de generar la recuperación.

Írvin González.

Vacío, 2019.

Fotografía e impresión digital.

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Diana Krevsky (USA),

Parafiles dirty-money. Un cajero bancario es cuestionable por su higiene, en tanto es activado por tantas manos como personas lo usen, así como es el dinero sucio que dispensa.

Es un signo de interrogación acerca de las relaciones interpersonales.

Diana Krevsky.

“Parafiles dirty-money”. 2019.

Illimani de los Andes

(Nicaragua), La trinidad de Quetzalcóatl, 2019. La muerte y resurrección de Cristo representada en la trinidad, compone una “metáfora viviente”, que trasciende hacia la muerte y resurrección del símbolo mesoamericano de “Quetzalcóatl”, y pasa de una creencia a otra alcanzando noción de trinidad.

Illimani de los Andes, “La trinidad de Quetzalcóatl”, 2019.

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Carlos Lorenzana (Costa Rica), Encuentra tu paraíso fis-

cal / Satisfacción garantizada. La situación de los paraísos fiscales es una realidad mundial, cada vez los adinerados disfrazan sus fortunas en estos territorios para evadir el pago de las cargas y/o tazas impositivas.

Carlos Lorenzana.

“Encuentra tu paraíso fiscal / Satisfacción garantizada”, 2019.

Bernardo Jaén Marques (Cuba-USA), Mapas, 2019. El

artista reflexiona acerca de la territorialidad y política en los anales de la historia colonial del istmo, modificada por laudos y tratados entre los países que son tramas de discordia. En los primeros mapas al sur de Costa Rica (“Cofta Rica”) y norte de Panamá, aparecía el “Reino de Veragua” con status político de país.

Hoy es tan solo una pequeña provincia panameña, y a Costa Rica, en 1941, le fue cercenada la región de Bocas del Toro para conformar Chiriquí.

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Bernardo Jaén Marques (Cuba-USA), “Mapas”, 2019.

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Cildo Meirelles (Brasil), 2 Reais,

S/f. Interviene “dos reais” del Banco de Brasil, y se apropia del valor, en tanto el papel por sí solo no vale nada, para decirnos que son los símbolos los que les cargan de contenido, y relativiza la imagen clásica de la deidad grecorromana que los ilustra, cambiándola por la de una mujer mestiza.

Cindo Meirelles. 2 Reais. S/f..

Iliana Moya (Costa Rica), Carto-

grafías de la discordia, 2019. En Bolivia, los pobladores de reservas indígenas son desplazados y perseguidos. El presidente de ese país vendió a los chinos los derechos de explotación por 3.000 millones de dólares, cuya noticia circula en Europa calificada de ilegal. Iliana instala cartografías de esas reservas, marcando las zonas en conflicto: Incendios, explotación y persecución de sus habitantes, y un globo terráqueo donde se aprecia que la mitad de ese país es parte de la selva amazónica. Al pie de los mapas, se exponen piedras pintadas de dorado, simulando pepitas de oro, pero manchaIliana Moya. “Cartografías de la discordia”, 2019.

das de sangre.

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Moyo Coyatzine (Costa

Rica). Varias intervenciones al espacio expositivo. El chamán de la cultura mesoamericana aprovecha cualquier espacio remanente para instalar sus percepciones del tema, como unos billetes y monedas enterradas, para reflexionar sobre el significado de éstos valores de cambio, portadores de suciedad u otros gérmenes políticos y sociales.

Moyo Coyatzin. Dinero Sucio, 2019.

Zole Solano, Daniel y Tomás González, “El amor de la abuela no tiene precio”, 2019.

Zole Solano, Daniel y Tomás González (Costa Rica), El

amor de la abuela no tiene precio, 2019. Dos niños regalan a su abuela paterna una memoria compuesta con fotografías de sus viajes a Tikal, Guatemala, para parodiar la publicidad de Master Card: “El Amor de la Abuela, No Tiene Precio”.

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Zulay Soto (Costa Rica). Colectar Dinero Sucio, 2019.

Aunque es mala educación por parte del pueblo rayar e ironizar escribiendo frases sucias en el papel moneda, la artista Zulay Soto colecciona este papel moneda, y realiza collages interviniéndolos con carga lúdica y cuestionamiento social.

Zulay Soto. Colectar Dinero Sucio, 2019.

Christian Salablanca

(Costa Rica), Llévame a la fama, 2018. Él recoge y pide dinero a las personas de un precario suburbano. Lo recaudado es dinero ilícito, en tanto se usó para la compra de drogas o porque fue robado; lo acumula utilizando cinta adhesiva en la cual escribe: “Llévame a la fama”.

Emplaza la manera de como muchos jóvenes buscan

Christian Salablanca. “Llévame a la fama”, 2018.

dinero fácil evadiendo obligaciones primarias, como estudiar o trabajar.

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Othelo Quirval (Costa Rica),

¿Cuál acumulado?, 2019. La lotería nacional juega en cada emisión “El Acumulado”. Millonario premio extraordinario que, si no sale, engrosa hasta premiar cuantiosas sumas.

Sin embargo, es paradójico que la población gasta y gasta para probar suerte, y lo único que aumentan son esos fajos de papel que ya no valen nada.

Othelo Quirval. ¿Cuál acumulado?, 2019.

Ernesto Pérez Ramírez (Cos-

ta Rica), Toten, 2018. Esta pintura en tela aprecia flujos paradójicos que nos sume en las mareas de la conciencia: Pueden representar al océano, al río, o a las riquezas que corren por las redes como transacciones lícitas, pero también al margen de la ley.

Ernesto Pérez. Toten. Acrílico sobre tela. 2019.

Edgar León (Costa Rica), IZO Métrico Estructural. La

metáfora alude al trasiego de obras artísticas desde la colonia, y que aparecen en grandes colecciones en el mundo.

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Edgar León “IZO Métrico Estructural”.

Instalación.

Hugo R. Vidal (Argentina), No Hay un peso. La fotografía

de un billete argentino parodia la volatilidad de la moneda argentina; problemática de la cual el mundo no está exento.

Hugo R. Vidal No Hay un peso”.

Fotografía.

Anclaje futuro

Exhibir de manera simultánea fotografías en Costa Rica e

India, motiva el abordaje a MAYINCA 2020: “Puentes sobre aguas turbulentas”, apropia los significados de la canción de

Simon &

Garfunkel. Observa tender puentes sobre las aguas turbulentas de la política, economía, migraciones, crisis mundial. Reflexionar a través de metáforas visuales implica salir a flote de esa “tormenta” que cierne su nociva influencia sobre ambas culturas, pero el arte constituye un puente, un paso.

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Face/NO/book: Identidades Invadidas

El arte contemporáneo se comporta como agente por-

tador de las miradas puestas en la ciudad, barriadas, ecléctica materialidad y cultura. Los graffitis, impresos, reclamos publicitarios, vallas, mupis, autobuses, señales de tránsito, todo lo adosado a paredes y ventanales de lo edificado, sumando las vivencias humanas ocurridas en su entramado, son un enorme collage colectivo, desafiante abordaje para los creadores visuales.

Hoy en día se habla de la vestimenta de la urbe actual,

que activa una profunda reflexión sobre su existencia, espejo donde mirarnos inmersos. Al observar el atavismo, es focalizado no la realidad del cuerpo construido, sino la piel anecdótica que la recubre. ¿Será por eso que cada vez somos más superficiales y nos asustan esas profundidades de la existencia y del pensamiento? El paisaje es un doble virtual, arraigado a las redes sociales, y buscamos re-direccionar su maquillaje atávico. En el pretérito se apreciaba la estructura construida como esencia de la ciudad: lo edificado y que la sostiene; lo preocupante es que hoy nos dejamos influir por las apariencias.

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Vista parcial de la muestra Face/NO/book: Identidades invadidas, 2019.

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En el pasado se contempló la arquitectura, materiales

y usabilidad; hoy apreciamos otra piel matizada por la creatividad que impele a subirla a las redes y que son comentarios de su realidad. Dicha realidad impulsa a expresarlo al margen: los graffiti, con amplia tipología iconografías caricaturescas, formas, colores y texturas tienen gran interés para el arte; además del extensivo uso tipofigurativo, que nos relacionan con escrituras muy antiguas.

Vista parcial de la muestra en Museo de Pobre & Trabajador.

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Redes sociales

El arquetipo y dinámica comunicativa del entorno ase-

meja a lo que ocurre con redes sociales, y, en particular, Facebook e Instagran, cuando los mensajes se superponen invadidos por nuevas intervenciones u otras páginas que se transparentan al sobreponerse, asumiendo un carácter compositivo de actualidad: una valoración y lectura en profundidad.

Se trata de un germen ignoto, el cual asimila la lucha por

la supervivencia en la vorágine de la naturaleza, donde son necesarias estrategias ante una cacería constante y agresiva; quien no sabe sostenerse puede sucumbir y dejarse ir en esa deriva de la cultura urbana. Apreciamos en esas miradas y rostros retratados, pintados, dibujados, instalados, fotografiados, caricaturizados, modelados o interpretados en graffitis, la persistencia de expresiones de angustia.

Vista parcial de la muestra Face/NO/book: Identidades invadidas, 2019.

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Face/NO/book: Identidades Invadidas

Lo tecnológico transforma la sociedad, hoy nos mantiene

con la mirada clavada en la pantallita del celular. Las caritas o “emotivs”, los retratos individuales o colectivos físicos o conceptuales, los selfies y constantes posteos, son además pancarta que capta la actual invasión del mercado cuando impera el lenguaje del marketing e invade nuestra intimidad.

De este contexto parte el proyecto alternativo de Museo

de Pobre y Trabajador, Ipís de Goicoechea; emerge como un intento regenerativo de entre el degrado urbano. Será un paisaje en vías de colapso si el habitante no reflexiona sobre la problemática y siembra la semilla de la recuperación. Para esta segunda experiencia expositiva, son explorados los retratos filtrados por la invasión de medios de punta, tendientes a formar tribus que también son nuevas formas de colonizaje, en tanto refieren a subproductos del desenfreno consumista, uno de los grandes conflictos modernos, pues impelen a comprar, a gastar, y si no nos vemos reflejados en esos perfiles, nos entristece.

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Facebook e Instagram, son como uno de esos graffitis en

alguna de las paredes de las barriadas, sitios públicos, carreteras, parques, y en esa práctica, un artista invade a otro, lo borra, tacha, recrea, reinventa, pero permanecen vestigios de capas anteriores. Para los estudiosos e investigadores es una especie de contraste necesario para apreciarlo, y debemos actuar como palimpsestos al escarbar en la piel del territorio.

Lectura de lo expuesto

Explora las identidades invadidas, héroes desconocidos

que no alcanzan visibilidad; poseedores de (des)afectos; son los personajes urbanos que transitan angustiados ante la precariedad, impactados por la desesperanza. Estos rasgos son evidentes en los dibujos en acrílico sobre tela en gran formato de Jorge Bonilla, sus “Personajes Olvidados”. También se aprecian en los trazos en carboncillos sobre papel de Roberto Murillo, que van al fondo de las madrigueras humanas habitadas bajo los puentes, entre los resquicios de los muros de la psique, no hay paliativo.

Entorno Museo de Pobre&Trabajador, Ipís y Purral de goicoechea. Foto LFQ.

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Jorge Bonilla. Los Olvidados. 2019. Dibujo pincel seco con acrĂ­lico sobre tela.

Roberto Murillo El hombre que tenĂ­a un duende obsesivo adentro. 2019.

El color de hormiga no estaba en mi paleta y ahora quĂŠ? 2019.

Siempre en mi mente y no siempre es divertido. 2019 Dibujos en carboncillo sobre papel.

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Graffitis urbanos

En la dinámica de las redes, se exhiben capturas foto-

gráficas de graffitis en distintas ciudades del mundo, constata la existencia de sus complejos lenguajes visuales: Maurizio Bianchi (Italia) comparte poéticas imágenes encontrados en Madrid y San José. Amity Ganjoo testimonia el forcejeo social con un conjunto de sensibles documentos en ciudades como Jammu y Mumbai de la India, que además de alegorías de la cultura, aprecian la angustia que pervierte la paz en otras fronteras y continentes.

Maurizio Bianchi. Fotografía de murales en San José, 2019.

Ernesto Pérez Ramírez expone sus fotografías de graffitis capturados en ciudad de México y San José.

Ernesto Pérez. Fotografías de graffiti en Ciudad de México. 2019.

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Amit Ganjoo. Fotografías de murales y graffiti en Jammu y Mumbai, India,

El tema de los murales urbanos constituye un collage

desaforado en tanto remite a realidades que no pueden obviarse en una contemplación de la ciudad, en tanto son narrativas que ilustran la vida y estimula el pensamiento crítico del presente.

Carlos Roberto Lorenzana expone un dibujo caricatures-

co del esqueleto humano, cuya huesera vibra por las ensordecedoras pitoretas y humos benzínicos que parecen fenecer.

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Carlos Roberto Lorenzana. Discurso de un modelo de vida, 2019

Jacob Agüero, Cowboy y Diablito 2015.

Jacob Agüero se apropia del lenguaje de los comics y

reinventa esos caracteres traviesos de la crítica imaginación, para decirnos que estamos en otra era evolutiva distinta a la modernidad y contemporaneidad, y que nadie se atreve aún a formular su nombre.

En ese espacio emer-

gen las caricaturas de Milton Ávila, quien bordea lo político y retrata a figuras del panorama internacional cuyos nombres y rostros figuran en lo noticioso y que el arte no puede dejar pasar de lado y externar un comentario gráfico.

Milton Ávila. Batman, 2019. Dibujo a plumilla sobre papel.

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Por su parte, Irvin González,

comparte una esquina del entramado metropolitano, con una fachada pintada con gráficas emparentadas con los graffiti, y el detalle que agrega interés a esta captura son los cables telefónicos y de tv, ensortijados; pero por ahí es donde fluyen las comunicaciones que nos mantienen conectados, útiles, pero también nos ponen en vilo. Írvin González. Distorsiones visuales, 2019. Fotografía e impresión digital.

Carolina Guillermet. Articulación de las contradicciones, 2019. Acrilico.

Dentro de otra percepción del paisaje urbano, Carolina

Guillermet aborda la ciudad, en tanto que ella se inició pintando casas de Barrio México, y sus propuestas en acrílico sobre tela son síntesis de esa actividad creativa, cargada de sinestesias sonoro-visuales de esas barriadas periféricas.

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Roberto Guerrero ex-

pone un autorretrato, en el cual se trasviste apropiándose de la personalidad de Xochipilli, divinidad mexica de las flores, mariposas y alegría del vivir, a pesar de las contradicciones tan sensibles en hoy, capta tres retratados que se invaden uno al otro: el trucado, el de la deidad y el niño interior que todos llevamos.

Roberto Guerrero. Estudio para una representación de Xochipilli, el príncipe azteca de las flores y las mariposas, 2016.

José Alberto Hernández. RIP-Retratos inconclusos policiales, 2005-2010.

Hojas de Contacto sobre papel fotográfico

José Alberto Hernández va a los registros delincuencia-

les para mostrarnos caras provenientes de los archivos penales: Hojas de Contacto RIP-Retratos inconclusos policiales (20052010), son testimonio de la nefasta actividad del hampa, capas de una realidad que se transparenta. No están nada lejos -y como expresé-, de los dibujos de Jorge Bonilla y Roberto Murillo, que son rostros ansiosos y desesperanzados.

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La pintura acrílica Los

grandes maestros de la historia del arte de Ricardo Ávila, son un documento sobre el retrato y autorretrato actual con estilos de arte de todos los tiempos; Ávila pinta reinterpretando obras de cada maestro, imprimiéndoles su genuino carácter naif.

Ricardo Ávila. Retratos y autorretratos de maestros del arte. 2013. Acríclico.

Zulay Soto. Con Lennon en el corazón. Camiseta. S/f.

Zulay Soto. Generación de sueños.

S/f. Collage.

En otro ángulo se ubica la propuesta de Zulay Soto, con

sus collages de fotografías y recortes al estilo del Pop y arte de los años setenta, sumidos en la contracultura del tiempo, cuestionando las ataduras de la sociedad.

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L´FATAL la Fatalísima Noviembre 2019

Y en tanto mirada a lo

actual, no podíamos dejar de representar el arte popular y artesanal, con los jícaros grabados con figuras del arte precolombino de Luis Fernando Gómez, retrato que valoriza lo originario.

Luis Fernando Gómez. Jícaros, 2019. Instalación

En otra área de las paredes de Museo de Pobre y Traba-

jador abordamos un matiz más contemplativo del territorio del alma y pensamiento reflexivo, pero que son como llevar una piedrita en el zapato. Un retrato relieve en resina S/T del escultor Ángel Vapor (USA), el cual contempla la contradicción del vacío.

En esta misma zona, Carolina Valencia se presenta a sí misma sumida en los diedros del cubo, reflejándose uno al otro en un matiz de autoreferencialidad: Desde adentro, 2017, instalación.

Ángel Vapor. Contemplación del vacío, S/f. Escultura en resina.

Carolina Valencia. Desde adentro, 2016. Instalación.

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Los gestos son propios

de esos estados cuando se intenta expresar las vivencias o confrontaciones entorno-sociedad, en este abordaje se expone un autorretrato de Flavia Sánchez, capturado directamente de su página de FB, con una mueca de incomodidad y desasosiego ante las relaciones intrapersonales.

Flavia Sánchez. Gestos. Fotografía digital, 2019.

La fotografía de un performance de 1978 realizado en

Barcelona de Otto Apuy, muecas precisamente en los tiempos liminares del conceptualismo y su acceso al arte costarricense.

Otto Apuy. Índice de la mueca. 1978. Performance en galería de Barcelona, España.

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Son quizás una isla en ese entramado de contradiccio-

nes, pero sin alejarse de tal persistencia ante la violencia, cuelgan las tres “tshirt” de Marcela Araya, tituladas Size, signo evocador de estatura o gordura, denuncia o provocación del tema femenino imperante. Tampoco podía dejar de reflexionar acerca de la niñez y el peligro que cierne en ellos ante esta sociedad de míseras conductas; hablo de la pieza de José Rosales, Nuevas personas 2, 2019, álbum fotográfico, 40 fotografías instantáneas intervenidas.

Marcela Araya. Size, 2019.

Tres camisetas con fotos sublimadas.

“Nuevas personas 2”, 2019, álbum fotográfico, 40 fotografías instantáneas intervenidas.

Diría que explorar las identidades invadidas con imáge-

nes, memes y otras recurrencias publicadas en redes sociales, se vuelve arqueología bajo la piel urbana, donde encontrar en cada esquina o página, un rasgo influyente en el comentario visual de la situación, cuando a pesar de que se ama y convive, también se agrede, y mirar estas fotografías u obras de arte, expuestas en el espacio contemplativo de un museo también al margen, se vuelven folosas espadas de doble filo.

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Manglar Resiliente: La química del hábitat Por Cecilia Nuín

Una colaboración entre el arte y la ciencia es una de

las obras más convincentes que Anna Handick ha producido en 2017. El proyecto se llama Manglares Juan Diaz. Lo creó con el científico Olmedo Pérez Núñez. El proyecto se realizó durante una residencia en LAB2017 de Estudio Nuboso https://estudionuboso.org. Esta obra fue desarrollada en el manglar Juan Díaz en la Bahía de Panamá, Ciudad de Panamá.

Uno de los motivos para crear esta producción fue

llamar la atención sobre el estado de contaminación en el que se encuentra el manglar. También alude a cómo esta práctica artística va más allá de la presentación de la obra para definir la importancia del hábitat vivo. Esto nos indica hacia a un vivero como un lugar de origen de vida donde diferentes especies de fauna se reproducen.

Dos tipos de obras fueron creadas en esta produc-

ción. Primero, Anna creó una instalación denominada Vivero con material encontrado in-situ. Se colocaron trozos de 48

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Cecilia Nuín. Manglar resiliente: La Quimica del hábitat. Anna Handick. 2017.

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plástico cortados en forma de cintas enredados con plántulas en el suelo. Según, Anna la instalación fue creada como una acción participativa con los visitantes del parque. La idea era que la naturaleza se recreara y que las plantas retoñaran en una especie de nido - a pesar de la naturaleza contaminante del plástico. Y esto es lo que Anna identifica como la naturaleza resiliente del manglar.

La artista también creó una serie de dibujos llamada Car-

bono Juan Diaz que son una interpretación de la molécula de carbono. Según Anna, ella tomó la estructura molecular del carbono para recrear la modulación del dibujo. Aquí, Anna creó patrones basados en la repetición interminable de la molécula de carbono. Una agrupación de la fórmula de CO2 se va añadiendo hasta formar una cadena ad infinitum. Así, la repetición de CO2 hace visible la sedimentación del carbono azul en plantas como el Mangle Rojo.

Estos dibujos están hechos con tinta negra sobre papel.

Es interesante cómo la artista ha utilizado el material encontrado en sus alrededores para crear la tinta negra. Ella tomó trozos de carbón encontrados en el suelo. Luego molió el carbón con un mortero y una mano disolviéndolo con goma arábiga. En uno de los dibujos, Anna creó un dibujo en papel con formas circulares que recuerdan la sección transversal del tronco de un árbol. En una serie de fotografías llamada Apocalipsis Manglar aparece la instalación de los dibujos. Estas fueron tomadas por Tova Katzmann y aparecen enmarcadas por varas de bambú.

Un video documental llamado Manglar Resiliente: la qui-

mica del habitat detalla el proceso del proyecto. Este fue hecho por la productora Cine Animal https://wwwcineanimal.com.

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Manglar resiliente: La Quimica del hábitat. Anna Handick. 2017.

Foto cortesía de la artista

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Podemos observar las interacciones entre la artista y el

científico. Casi podemos sentir el agua cuando caminan por las corrientes fluviales del río Juan Díaz. También se nos muestra la instalación, los dibujos y el hábitat en sí. Aquí, Olmedo nos dice que los árboles de mangle tienen una enfermedad y que se están pudriendo de adentro hacia afuera. También aprendemos sobre la importancia de la función de los árboles de mangle. Estas son plantas especializadas recolectoras de carbono azul.

Según el científico, el manglar rojo conserva las mayores

cantidades de carbono azul. Lo preocupante es la falta de atención a este problema y su causa. Según Olmedo, los patógenos son la causa de la enfermedad de los manglares. Con la cantidad de plástico tirado en el manglar, uno puede darse una idea del grado de toxicidad que contamina el suelo conduciendo a la destrucción del hábitat.

Según una investigación sobre el impacto del plástico en

el suelo, del sitio en inglés ecologycenter.org-factsheets-adverseeffect-health effect-of-plastic, dice que el plástico libera sustancias químicas en el suelo y es absorbido por las plantas.

Anna Handick. 2017. Foto cortesía de la artista.

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Anna Handick. 2017. Dibujo. Foto cortesía de la artista.

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Anna Handick. 2017. Dibujo. Foto cortesĂ­a de la artista.

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Anna Handick. 2017. Dibujo. Foto cortesía de la artista.

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Anna Handick.

2017. Dibujo.

Foto cortesĂ­a de la artista.

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Anna Handick. 2017. Dibujo. Foto cortesía de la artista.

La degradación del plástico en micro - plástico y en nano - plástico es una forma en que estas substancias no solo contaminan las plantas; pero también causa daño a los animales que habitan el ambiente.

No olvidemos que también somos animales. Es importante pensar en el impacto que la contaminación también ejerce en los seres humanos. Ojalá esta clase de proyectos ayude a buscar estrategias en como reducir o evitar el uso del plástico en nuestra vida cotidiana. Y nos lleve a pensar en grandes y pequeñas maneras de recogerlo donde lo veamos.

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CASA MA: Mis ojos no pueden parar de parpadear

Los impulsos de exposición, vinculación, proyección e

investigación en arte contemporáneo por parte de agrupaciones o colectivos, alcanzan importantes zonas de autonomía. Entre otros posibilitan desligarse no solo de la oficialidad, sino que y -en tanto acción “liminar”-, miran hacia las periferias, estudios y talleres de artistas incluso no valle-centrados, gestando estética y creatividad desde toda superficie cultural local y del istmo; lo testimonia el libro Red Casa MA 2019.

Para las organizadoras Gala Berger, Karla Herencia y

Anna Matteucci, Casa MA se cuestiona cómo establecer las perspectivas feministas inspiradas en el análisis de Orientación de Sara Ahmed, que opere en la articulación entre la corporalidad y lo espacial, para -tal y como comenta Berger en el brochure de la muestra-: “incorporar nuevos debates, movimientos y desorientaciones que desafíen el orden geográfico aparente y las direcciones convencionalmente guiadas”.

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Ivanna Yujimets. Instalación. Foto cortesía de Casa Ma.

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Boquete liminar

Tratar de definir el término de puerta de acceso para una

muestra en artes visuales, me condujo a Patricia Aschieri investigadora de la Universidad de Buenos Aires, quien nos aproxima al término: “Lo liminal o liminar hace referencia a una zona de pasaje, a una puerta de entrada, al origen de una zona de ambigüedad en la que algo deja de ser lo que era, para potencialmente poder transformarse en otra cosa. Convoca lo lindante, lo fronterizo, lo que pareciera continuo pero que no lo es”. (http://iae.institutos.filo.uba.ar/área-de-investigaciones-en-artes-liminales)

La práctica artística es un paso por lo (dis)continuo, sub-

jetivo, incierto, pero poseedor de pulso y desafío, lo hace desde el territorio de los conocimientos y experticia, lo cual conlleva materializar lo que produce.

La frase de Gala Berger destacada por el proyecto: “por-

que siempre somos más fuertes cuando trabajamos juntas”, identifica una superficie de inflexión (la sala, galería, museo) para repensar las miradas puestas en el arte, potenciado por las sinergias en un proyecto colaborativo. Y, desde el foco mismo de la curaduría, Karla Herencia acota: “CASA MA-nosotras las artistas visuales- te invita a parpadear para despertar”.

Parpadear/Despertar Abrir los ojos quizás a nuevas sensibilidades, significa engatillar la mirada hacia otras maneras de exponer y replantearse la práctica artística. En esta segunda edición, las expositoras de la primera versión actuaron como curadoras, invitando a una o más participantes a plantear la propuesta a exhibir. Es una metodología colaborativa o reingeniería cultural, en tanto dos voces 60

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Hannia Durán. Instalación. Fotos cortesía Casa MA..

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Fotos cortesĂ­a Casa MA..

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interactúan conociéndose a sí mismas, revelándose sus modos de asumir el reto.

Al visitar los espacios de una antigua botica, hoy salas

expositivas, nos percatamos además de otras formas de disidencia, para pulsar el interruptor que nos catapulte y empodere, y que haga al espectador parpadear, para refrescar la mirada, fija en obras muy de foco divergente, pero sin dejar de sentir esos jadeos interiores de cada exponente: sus extrañamientos pensantes, deseantes, ávidos de esta cala de miradas. Todas ellas ven hacia sus contextos cercanos, a su propia casa, familia, padre o madre, o son una investigación auto-referencial. Respiran en el mismo jardín cuyos perfumes fueron excitados por ese parpadear aludido por las curadoras en la construcción de la propuesta.

Expositoras y curadoras

Los textos del brochure comparten diversas visiones del

arte y personalidad de cada artista o curadora que intrincan con esa producción, y deseo manifiesto. Son activadores emocionales en tanto al leer, despiertan nuestros propios relatos e interpretaciones que necesariamente intentan manifestar.

Victoria Salas, en la planta alta de la botica, expone fo-

tografías de su proceso de maternidad, y es presentada por Elia Arce, quien argumenta: “Los restos de este diálogo visual quedarán en el espacio como una instalación vivida, dejando en evidencia el entonces y el ahora de una complicidad corporal, no verbal, de una artista que decidió ser madre y luchar por el control de su cuerpo”.

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Paulina Velásquez presenta a Lucía Madriz, y considera:

“En su investigación más reciente convergen los temas de naturaleza y sabiduría ancestral, así como el estereotipo femenino que bajo la etiqueta de bruja ha servido para callar y amedrentar a las mujeres”.

Anna Matteucci presentó a Hannia Durán, reflexionando:

“… explora diversas temáticas a partir del bordado, un arte culturalmente asociado a los valores tradicionales de lo doméstico, lo femenino, enhebrando en superficies flexibles posibles lecturas del ser mujer”. A su vez se refiere a otra expositora, a Priscilla Méndez, de quien dice: “… remezcla elementos icónicos del mundo de la internet con imágenes de su cuerpo aludiendo con ironía la sexualidad, la inocencia y la violencia, como un ejercicio de autorrepresentación en la era de la virtualidad existencial”.

A Ivanna Yujimets la presenta Etefanny Carvajal: “… incita

a reflexionar sobre la relación y el reconocimiento que tenemos con nuestra cotidianidad, con los objetos y elementos comunes, los cuales contienen una carga simbólica”.

Andrea Siliézar escribe sobre la obra de Carmen Siliézar:

“Es una forma de querer detener el tiempo y recordar un momento en la vida, de esa persona que fuimos en un pasado y que no está más, es despertar ese vestido dormido y volver a ponerlo frente al espectador para que él mismo cuente su historia”.

Susana Sánchez se aproximó al espacio del transgénero,

y en particular a las fotografías de Anel Kenjekeeva, por lo que asume el significado de la relación curatorial ante la situación, refiriendo a una conversación que la artista sostuvo con la psicóloga, docente de la UCR y mujer trans, Rafaela Sánchez: “Hay

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Anel Kenjekeeva. Transcotidiano. Fotografías y video. Fotos cortesía Casa MA..

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que tener apertura para ver todas las posibilidades del cuerpo y algo muy importante es no olvidar que no soy yo quien define quien es trans, es la persona trans que se define a sí misma”.

Además, Susana se refiere al performance de Camila Trejos Reyes: “Dicha conducta convierte este performance que las Drag hacen en algo mucho más explícito y evidente, permitiendo al espectador cuestionarse si realmente solo existe una forma en la que se debe proyectar y vivir el género establecido por la sociedad”.

Para dar el paso a exponer, Ivannia Lasso es presentada

por Karla Herencia, quien comenta: “La propuesta exige volver la mirada a espacios violentamente ignorados por su posición de pobreza y falta de los recursos necesarios para una vida digna y segura. Superficies que luchan por permanecer a pesar de la adversidad de su entorno, lo cual habilita un diálogo con los procesos culturales, políticos y ambientales que intervienen en el deterioro y el abandono”. También Herencia es curadora de Károl Rodríguez, de quien distingue un “humor de denuncia”, al cuestionar situaciones sociales que van desde la corrupción política, la violencia e incluso lo ambiental. “Plantea un compromiso hacia, desde y para la sociedad costarricense”.

Alejandra Ramírez es introducida por Verónica Alfaro

quien analiza: “Utiliza narrativas que parten de una posible ficción, sin embargo (acá encontramos la trampa), esta nunca se transforma en mentira. En el momento que nos identificamos con estos relatos como cuerpos singulares, esto se vuelve una realidad…” Esta misma curadora presenta la propuesta de Diana Barquero, de quien destaca: “El paisaje, la ruina y la memoria son

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Fotografías y video cortesía de Casa Ma.

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Karol Rodríguez. Servicio Servil. Mixta. Fotografías y video cortesía de Casa Ma.

Ivannia Lasso. Asentamiento urbano. Fotografías cortesía de Casa Ma.

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el punto de partida de Diana. Su trabajo se alimenta de la necesidad de indagar en las posibilidades para documentar aquellos lapsos en los que nuestro entorno se nos muestra frágil, cambiante”.

Una reproducción de la pintura de June Beer, presenta-

da por Gala Berger, nos recibe con esta nota en vez de cédula de lo expuesto, reza: “Por razones de público conocimiento, ha sido imposible transportar la pieza de June Beer desde Nicaragua para participar en la exhibición”. Sin embargo, publica su reflexión y análisis del poder del arte de Beer en el contexto centroamericano actual.

A Andrea Bravo la introduce Danny Brenes, quien en un

texto poético evoca, sus relaciones intrapersonales, entre ella y su madre ya desaparecida, y dice: “Estas fotos son estas fotos, los collages que componen Qué dicha que nos tenemos, de Andrea Bravo, como un monumento bidimensional de que lo pasajero deja huella y de que lo que nos forma es efímero”.

Considerando lo producido y expuesto por las curadoras

o las artistas expositoras, y -con esto cierro mi comentario-, entramos por otro boquete, intersticio o superficie para la lectura e interpretación de “Nuestros ojos no pueden parar de parpadear”, donde aparecen los significados y con ellos sus dosis de incertidumbre. El no saber les depara interés, en tanto si desde un principio supiéramos que significan, perderíamos el impulso de recorrer estos espacios de género, inspirados, como aprecian las curadoras, en la condición de (des)orientación, en las salas de la Antigua Botica Solera y anales de un tiempo neutro, que se detiene o por el contrario actúa como un fractal multiplicándose y es puerta para futuros abordajes de Casa MA.

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Annalee Davis: Heartseed

¿Por qué me interesó el trabajo de Annalee Davis?

Encontré extrañamiento, profundidad, poesía, y ocurre

cuando la o el artista alcanza lo sublime a caudales. Ella al investigar el entorno e historia de su país, tanto como el sitio donde trabaja, a quien investiga es así misma, investirse de lo autobiográfico y que atañe al dominio de sus experiencias; es por esta razón que hablo de encontrarse a sí misma al escarbar en los vestigios históricos, humanos, socio-culturales y geográficos.

Piel de la superficie

Uno de los signos que capté de primera intención fue el

de la tierra, tanto como materia orgánica cultivable o idea de territorio, como además suman los pobladores o el paisaje humano y entorno, o caracteres del lugar. Albergan en esa piel marcas evocadoras del acontecer, lejano o cercano, recordándonos lo que fueron o son hoy, y que transparentan en gráficas, textos escritos por sus cultores e investigadores visuales.

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Annalee Davis. Heartseed. Teorética 2019.

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Son registros de trazos en papel que nos hablan de ca-

racteres sociales, raciales, coloniales, y en todo ello hay señas de la memoria cultural, que les resolvió su forma de subsistencia y que no desaparece a pesar de las nociones del tiempo: vicisitudes de colonización, paso de tormentas, tribulaciones naturales, pero también sociales y políticas. Esa piel es un paso por una condición, una travesía entre mares e historias que saben de esclavitud y dependencia de los centros (Barbados se independizó en 1966 del Reino Unido).

Annalee Davis. Heartseed. Teorética 2019.

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El abordaje

Los trabajos expuestos abordan una traza de cultivos

que catapultó a aquella nación a la negociación, al comercio, apegado a tradiciones que van desde el vestido, la gastronomía, las canciones y música, que también se escribe o anota como aquellos historiales contables que como tramas de una amalgama de identidad, aún brindan templanza y posicionamiento, ante los intrincados esquemas políticos y neo-hegemónicos, que, son como dije un certero retrato de aquel país caribeño.

Annalee Davis. Heartseed. Teorética 2019.

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“Heartseed”

Esos dibujos de Annalee Davis (1963), exhibidos entre octubre 2019 y febrero 2020 en TEORéTica, disertan sobre signos de poder: Las grandes competencias y competidores mundiales en materia monetaria, malabares económicos de la bolsa, venta y compra de productos e insumos agrícolas, tejes y manejes de subsistencia del habitante común, quien implica con esos modelos para su subsistencia. Focalizan al Caribe, a los trabajadores, a las familias quizás migrantes, la esclavitud, las prácticas de explotación, hasta el vestido e indumentarias definen -como acota el curador de la muestra Miguel Ángel López, un paisaje o cartografía- “… del cuerpo, de la tierra y de la historia.”

Gráficas inmemoriales con una idea del tejido o bordado, el cual aparece no solo en los dibujos como una capa de vivencias socioculturales, vistosidad que también vende y consume el turismo, sino que existen capas de extrañamiento.

Las hojas de contabilidad como las usadas el siglo pasado, para anotaciones y numerales son otra estratificación visible, ideada como retícula o armazón de esos complejos lenguajes de la economía, donde influyen variables como el tiempo atmosférico que también puede acechar a lo agrícola y a las cosechas; o el de la temporalidad reloj que arrastra nociones del ayer, hoy, mañana. Asimilan el efecto del bajo continuo en los ritmos musicales tradicionales del Caribe, un pulso fijo sobre el cual se montan distintas figuras compositivas, como canciones, pero a veces son puros números o en otras letras con contenidos precisos. Es por ello quizás que me motiva a considerar la muestra como tramas en la piel de la memoria, pero no es una memoria perpetua, sino un tejido que respira, se ensancha o encoge, en ocasiones hasta se agita en un desencadenamiento desbordado.

Bordado de signos Los dibujos coloreados y en técnicas mixtas representan estudios gráficos de una investigación sobre plantaciones, cañaverales con dibujos de raíces, lo que está bajo la superficie y no 74

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se ve, pero que por éstas corren nutrientes y por ende vida. La industria y tecnología de esa noción del tiempo, es rizoma que se entiende sin saber por dónde, pero de repente brota en una nueva superficie y reinicia el sistema; vuelve a sentirse el pulso continuo con sus cantares y matices.

Ella comenta en un “statement” publicado en su página web, que centra su quehacer creativo e investigación, en un sitio anteriormente operativo como plantación de caña de azúcar del siglo XVII. Y agrega:

“Excavando en el suelo, extraigo tiestos de los siglos XVII y XVIII y examino los archivos familiares y públicos para desentrañar la historia de varias capas de esta antigua plantación, subvirtiendo su grabación comercial”. (https://www.annaleedavis.com)

Constata su rol en la práctica artística: Actuar cavando entre las estratificaciones, no solo físicas, geográficas, sino históricas, para descubrir el valor de un tiempo, y sus hilos que pueden volverse a entretejer, a borda; pero no es el tiempo que corre como el segundero, veloz y se aleja, sino el fractal, el que se queda, pues es el lenguaje de la poética, de la creatividad, de la plantación interior que ella lleva dentro de su “Heartseed”.

Annalee Davis. Heartseed.

Teorética 2019.

Fotos cortesía de la artista.

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Oxígeno

La Galería Municipal de Oporto desafió, con el proyecto

Uma Certa Falta de Coerência para desarrollar un ejercicio curatorial sobre la relación entre la práctica curatorial independiente (y los espacios dirigidos por artistas) y los contextos institucionales.

Uma Certa Falta de Coerência ha desarrollado sus activi-

dades de forma independiente desde 2008, en un estudio en la Rua dos Caldeireiros, donde a menudo se pregunta si la atmósfera es transpirable, “como si el porcentaje de O2 del estudio fuera inferior al promedio 21 %“. El deseo de medir el nivel de oxígeno es un indicador de su rareza y de una economía de dependencia y esfuerzo conjunto.

Rolando Castellón instalando en la Galería Municipal de Oporto. Portugal.

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Dada la imposibilidad de transferir esta atmósfera única

y sus desafíos asociados, el proyecto desarrollado para la Galería Municipal evaluará políticas específicas de producción y formas de comprensión. Se apartará del ejercicio de supervivencia en condiciones adversas sometidas a la opresión institucional, el sentido de amistad e intercambios desinteresados entre individuos (en una época de individualismo extremo e hipercapitalismo), y el cautiverio de la libertad según los estándares del buen gusto y las fantasías. de apariencias y profesionalismo.

Artistas: Babi Badalov / Daniel Barroca / António Bolota / Camilo Castelo Branco / Merlin Carpenter / Rolando Castellón / June Crespo / Luisa Cunha / Stephan Dillemuth / Loretta Fahrenholz / G. Romero / Dan Graham / Alisa Heil . Mike Kelley / Ruchama Noorda / Silvestre Pestana / Josephine Pryde / Xoan Torres.

Una Certa Falta de Coerência, Galería Municipal de Oporto, Portugal.

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Cenizas No.45

Una importante huella del trabajo de un artista contem-

poráneo, lo constituye la producción de revistas. Rolando Castellón desde los años setentas, editó Cenizas, publicación seriada realizada con procesos manuales.

Este noviembre 2019, fue presentada una edición espe-

cial, la número 45, que consta de 200 ejemplares. El evento tuvo lugar en la ciudad de Lisboa, y fue acompañado por intelectuales y artistas interesados en esta manifestación creativa.

Invitación a la presentación de la revista CENIZAS, en Lisboa, Portugal.

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Presentación de la revista CENIZAS, en Lisboa, Portugal.

Presentación de la revista CENIZAS, en Lisboa, Portugal.

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Mapa de ubicación Museo de Pobre & Trabajador, Ipís, Goicoehea, Costa Rica.

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En la tapa penúltima, Mesa y Cuaderno de firmas.

En la última Desaparecidos de Ayotzinapa 2016, de LFQ. Fotografías de Rafaél Ottón Solís, 2019.

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