Lysmåler Magazine nº0

lysmåler número 0 - abril ´ 14

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lysmåler Lysmåler MAGAZINE Coordinación Miriam Arizpe y Santiago Alguacil

Colaboradores Óscar Latorre-Bosch Tony Yagüe Alberto Rodríguez Recio Ana Martínez Requena Mª Ángeles Alonso Ávila

Info info@lysmalermagazine.com número 0 - abril 2014 @Todos los derechos reservados

måler Portada: Maquillaje: Estilismo: Modelo:

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Óscar Latorre Anny Burgos Lucie Buch Lina O´connor

Hervás&Archer

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Alba García

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Víctor Moreno

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Alberto Van Stokkum

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Alberto Rodríguez

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Santiago Alguacil

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Jesús M. García

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Mara Alonso Ávila

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Ana Martínez Requena

Tony Yagüe

◆ Secciones ◆ Óscar Latorre-Bosch

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Alberto Rodríguez Recio

# Editoriales #

Entrevista PostoProducción Reportaje Reportaje Recomendaciones Lina O’connor 46 Erwin Olaf 56 Polaroids 64 Switch off 70 Libros 88

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Editoriales desde el sensor En la maravillosa serie de Sherlock, hay un momento en el que éste le dice a John Watson: ‘Hay gente que no son Genios pero sí grandes comunicadores de la luz, iluminadores de genios, y tú eres uno de ellos’ Esa frase es el pilar en el que baso todo el trabajo de Lysmåler Magazine. Esta es una revista que nace con la intención de iluminar a los genios ocultos que nos gustan, que sean inspiradores para otros fotógrafos, intentaremos mostar ese “detalle” especial que hace que te pares en cada una de sus imágenes de una forma sencilla y con calidad.

Lysmåler Magazine tiene el propósito de ser una revista actualizada al momento en su web y de salir al mercado gratuíto cada 3 meses. Quizás, debido a nuestro carácter, al principio discretamente y más adelante con grandes novedades interactivas que estamos preparando. Todo dependerá de la acogida que obtengamos ya que, desgraciadamente, no todo es gratis en esta vida.

Este “número 0” es la prueba irrefutable de que hay mucho talento trabajando para tener un hueco para salir a la luz y nos ha abrumado las ganas de participar de profesionales afincados en todos los rincones del mundo.

Hemos contado en ese primer número lanzadera con grandes promesas y con nombres de talla demostrada que han ido dándonos confianza, alas y forma, casi sin darnos cuenta, a crear este loco proyecto en el que tenemos muchas esperanzas. Estoy segura de que fotógrafos y colaboradores con los que Lysmåler cuenta serán, en un futuro muy cercano, personalidades de referencia en el mundo de la fotografía.

Y eso es lo que nos impulsa cada día a enfrentarnos a tanto trabajo, iluminar caminos y dar oportunidades tan sencillas como una editorial en una revista online.

Miriam Arizpe

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¿Qué es Lysmåler ? Lysmåer es luz. Porque la fotografía es luz.

Lysmåler Magazine nace con la idea de hablar sobre la fotografía, pero no queremos limitarnos sólo a las imágenes estáticas; porque la luz se encuentra en muchos otros medios, en el cine , en el vídeo.. y de todos ellos queremos dar cabida en la revista.

Nuestro propósito es presentaros los trabajos de fotógrafos de reconocido prestigio al igual que aquellas fotografías de autores noveles que también nos parezcan interesantes.

Pero Lysmåler Magazine no se queda sólo en una revista trimestral, sino que se complementa con la web, en donde regularmente iremos subiendo noticias, making of, videos, esquemas de iluminación y todo aquello que nos sorprenda y queremos compartir con vosotros.

Esperamos que este proyecto que nace con trabajo e ilusión sea de vuestro agrado y poco a poco con vuestra ayuda podamos ir creciendo.

Santiago Alguacil

¿Quieres participar? estamos deseando escucharte! o leerte o verte o tener una conversación contigo.

Entra a formar parte de Lysmåler Magazine.

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Hervas & Archer La gran fuerza visual e intensidad de color que Susana Hervás y Alex Archer obtienen en sus fotografías, hacen que únicamente sea la Toma, la principal protagonista. Consiguen que el ojo se fije en todos y cada uno de los detalles que tiene, dejando a un lado la grandiosidad de las marcas con las que trabajan.

Especializados en moda, belleza y publicidad ambos han sabido reflejar la personalidad y sensualidad de sus musas aportando elegancia en cada una de sus imágenes, la sencillez como patrón unificador vista desde una doble mirada que cuenta entre sus últimos clientes con grandes nombres como Daniel Havillio, Vanidad, Pedro del Hierro, YSL, Armani, etc.

Han querido acercarse a Lysmåler Magazine con algunas de sus más reconocidas instantáneas para abrir un primer número con la sugerente imaginación que inspirará todo un ecléctico mundo de fotografías. www.hervasarcher.com

Para todas las imágenes: Fotografía y retoque: Hervás & Archer Estilismo y dirección de arte: Patricia Alves de Freitas y Omar Gémeaux. Make up & hair: Iris Tocado:Mango lysmå lerMAG

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# Hervรกs & Archer #

Pantalรณn: Chroma. Collar: Vintage. Turbante: Topshop. Pulseras: Mango. lysmรฅ lerMAG

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# Hervás & Archer #

Vestido: María Escoté lysmå lerMAG

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# Hervás & Archer #

Vestido: María Escoté. lysmå lerMAG

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Pantalón: Gori de Palma. Chaqueta: María Escoté. Zapatos: Topshop.

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# Hervás & Archer #

Turbante: Chroma. Top y short: María Escoté. lysmå lerMAG

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ALBA

García El gusto del blanco y negro “Perdí el talento en una de esas noches raras y ahora solo fotografío para sobrevivir”. Así es como se presenta Alba García, una de las fotógrafas más jóvenes en exponer en solitario en España y que es considerada como una de las promesas más seguras del panorama nacional.

“Buscadora de almas” en blanco y negro, la sencillez de sus imágenes lleva al espectador a recrearse en ellas en un tiempo infinito encontrando su emoción, su visión especial de la interiorización del arte, rodeado siempre de luz natural. www.albagarcia.es

Modelo: Paloma Guzmán. Fotografía: Alba García.

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# Alba García #

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# Alba García #

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# Alba García #

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Víctor

Moreno Sensualidad natural “La fotografía repite mecánicamente lo que nunca más podrá repetirse existencialmente” Víctor es fotógrafo de raza, con facilidad para sacar de quien tiene frente a su objetivo todo el glamour y sensualidad que posee. Un todoterreno de la moda que lleva la suavidad de las imágenes que nos presenta a una naturaleza idílica llena de emoción y sombras insinuantes. www.victormorenosantos.com

Modelo: Angélica Chamorro. Fotografía: Víctor Moreno (santos y moreno). Retoque digital: Tony Yagüe 25

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# Víctor Moreno #

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# Víctor Moreno #

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# Víctor Moreno #

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Alberto Van Stokkum lysm책 lerMAG

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Modelo: Patricia Valley. FotografĂ­a: Alberto Van Stokkum.

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Tempus fugit Es difícil poner una única etiqueta al trabajo de Van Stokkum. Su campo de trabajo va desde la publicidad, el vídeo hasta la fotografía de moda.

La editorial que nos ha cedido a Lysmåler Magazine presenta su obra más personal.

Si algo caracteriza el trabajo de Alberto es el instante. Los retaros, los primeros planos, ese aire fugaz, instáneo que reside en cada una de sus imágenes. El movimiento congelado, el aquí y ahora. La naturalidad sin aritificios. La desnudez del cuerpo y del alma.

Tempus fugit

www.albertovanstokkum.com

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# Alberto Van Stokkum #

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# Alberto Van Stokkum #

Modelo: María Guinea. Fotografía: Alberto Van Stokkum. lysmå lerMAG

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# Alberto Van Stokkum #

“Homenaje a una de mi películas de terror favoritas ‘CARRIE’ de Brian de Palma.” lysmå lerMAG

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Alberto

Rodríguez Recio Mundo Tribal La diseñadora Rachel Plaisir nos encargó realizar el shooting de su última colección.

Y tras realizar un briefing con ella nos dimos cuenta que buscaba algo que nos acercara al más puro mundo tribal.

La campaña de Rachel Plaisir consiste en una preciosa colección de bodys de color negro oscuro y con telas de neopreno, por ello era importante que pese a la subexposición de la imagen se viese con nitidez el tejido de las prendas.

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# Alberto Rodríguez Recio #

Modelo: Vanuza Valiby. Make Up y estilismo: Rachel Plaisir. Fotografía: Alberto Rodríguez. lysmå lerMAG

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# Alberto Rodríguez Recio #

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ÓSCAR GOES EVERYWHERE

Lina O´connor Sabes que estás ante una reconocida modelo internacional cuando te sientas con ella a preparar la sesión y hablando sobre su carrera profesional te suelta sin más: “una vez trabajé con Helmut Newton y su mujer June”, a lo que lo único que se te ocurre responder es: “¿perdón?”. Así es, Lina O’connor ha trabajado con los mejores fotógrafos, diseñadores y actrices. Nombres como Helmut Newton, Terry Richardson, Giorgio Armani o Mónica Belucci destacan entre ellos. Y también ha vestido lo más exquisitos diseños en las más importantes pasarelas del mundo: Nueva York, Paris, Milán y Tokyo.

Sin duda pocas modelos pueden decir lo mismo. lysmå lerMAG

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Nació en Hawai, pero de muy pequeña sus padres se mudaron a Los Angeles (USA). Con 16 años se fue a París a estudiar y a ganarse la vida como babysitter. Fue entonces cuando un amigo de la familia donde cuidaba los niños e importante empresario, Carlos Almoda, le sugirió que fuera modelo. Hizo una sesión en París y enseguida se trasladó a Nueva York en busca de una agencia de modelos, únicamente con sus polaroids bajo el brazo. Triunfar cuesta, o eso dicen. Pero en su caso fue abrumadoramente sencillo: la importante agencia “Boss Models” la contrató de inmediato. En menos de una semana estaba trabajando en una producción de moda en Cuba. Tuvo eso sí que esperar a que la agencia le pagara su primer sueldo, lo que demoraría tres meses, con lo que trabajó en un bar para ganarse mientras tanto la vida y poder costearse un book en condiciones.

Tenía 17 años cuando empezó.

con ella en Londres en unas fotos para una revista brasileña y así logré convencerla para una editorial de moda y ser entrevistada.

Lina, sé que suena a película de terror, pero… ¿qué hace una chica americana en Londres?

El final de la carrera profesional de una modelo es todo un reto. Llega ese momento en que hay que decidir emprender una nueva profesión con la que ganarte la vida. Empiezas muy joven, en mi caso a los 17 años, y si tienes suerte y puedes dedicarte a esto por completo no tienes tiempo de prepararte para enfocar tu futuro en otra dirección. Llega ese momento en que tu carrera se termina y te preguntas. ¿Y ahora qué? En mi caso intenté ser preparadora física o consejera nutricional, pero no me gustó en absoluto; acabas todo el tiempo escuchando los problemas de tus clientes. RecienHan pasado 10 años y llega el final de su carrera temente decidí aventurarme en algo que me como modelo y actriz. Tuve la suerte de coincidir gusta más y está más relacionado con lo que 47

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◆ Óscar Latorre-Bosch ◆

he estado haciendo: relaciones públicas en mi propia productora. Y de momento, gracias a mis buenos contactos conseguidos en los últimos 10 años como modelo, no me va nada mal.

Estoy contenta.

Ser modelo no es tan glamoroso como puede aparentar desde afuera. ¿Qué es lo más difícil que has tenido que hacer?

Es cierto. Una vez tuve que hacer una sesión en exteriores en Milán. Hacía un frío increíble. Era pleno invierno y la colección era de verano, puedes irte imaginando… Tuve que trabajar ocho horas sin parar sin una caravana o lugar donde calentarme. Al final del día tuve incluso signos de hipotermia, perdí momentáneamente el tacto

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en mis dedos de la mano. El caso contrario también lo he vivido, abrigos de invierno a 42 ºC al sol en California. Pero al final te acabas acostumbrando. Forma parte de esta profesión.

Eso sin contar los flirteos o proposiciones deshonestas de la gente de este mundo…

Bueno, la mayoría de las veces la gente es muy profesional. Pero sí, de vez en cuando sucede.

Paris tiene muy mala reputación al respecto. Supongo que si eres joven, delicada (¿?) y quieres a toda costa que tu carrera prospere eres más vulnerable. Pero no necesariamente tienes porque acceder. Nunca he tenido problemas importantes con ello, la verdad, pero sé de otras compañeras modelos que sí los han tenido.

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◆ Óscar Latorre-Bosch ◆

¿Qué es lo que más te gusta de ser modelo? Creo que sé lo que vas a contestar…

Me encanta viajar y la posibilidad de conocer gente interesante e importante. También disfruto con los diseños tan exclusivos que me toca llevar …

En este trabajo eres evaluada constantemente y eso afecta a tu autoestima. Una vez en Alemania escuché a la mujer que llevaba el casting hablar muy mal sobre mí. Creía que por hablar en alemán no iba a entenderle. No pude evitar decirle en su idioma: “ten cuidado con lo que dices, hay gente que habla varios idiomas, ¿sabes?”. Se sintió muy mal. Y yo también. También llevo mal los estereotipos acerca de las modelos. Se presupone que somos anoréxicas, que vamos al baño a devolver después de comer. La gente siempre hace bromas o referencias a ello delante de ti.

[la interrumpo] ¿Y los castings? ¿Cómo los llevas?

Los odio. Realmente. Es difícil encajar ser una y otra vez rechazada. La gente de los castings te mira con desprecio o te citan y ni siquiera te piden el book. Estás demasiado gorda o demasiado delgada, o simplemente no les gusta tu pelo o tu cara. Te tratan como un objeto y tienes que escuchar muchas cosas desagradables sobre ti. Cuan- Nos queda poco tiempo. do llevas una semana sin conseguir pasar ningún Elige: ¿belleza o actitud? casting piensas: “¿Ocurre algo malo conmigo?” Las dos.

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◆ Óscar Latorre-Bosch ◆

He dicho “elige”.

Me quedo con la actitud. Una cara bonita si no transmite no llega muy lejos.

Y la última pregunta. Posiblemente la más complicada que te hayan hecho nunca: ¿fotografía de moda o pasarela? [sonríe]. Fotografía de moda.

Es más cercano a actuar, más divertido.

Gracias Lina y suerte en tu nueva carrera profesional.

Gracias a ti, Óscar.

Sigue el blog de Óscar en: “Oscar Goes Everywhere” en Facebook fb.me/latorrebosch o Twitter @latorrebosch

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◆ Tony Yagüe ◆

Luces y Sombras

Erwin Olaf Hola a tod@s, para comenzar comentaré un poco de que tratarán estos artículos, que espero les resulten interesantes y que se prodiguen en el tiempo, lo cual significará algo positivo.

En muchas ocasiones nos preguntamos que es eso que tanto nos llama la atención de ese autor que nos encanta, y no sabemos identificar bien que es.

Con este articulo intentaré arrojar, desde mi humilde punto de vista, un poco de luz sobre como llegar a ese tipo de acabado o estética mediante el retoque, sin olvidar la toma obviamente.

Este articulo de opinión, y racalco opinión, (ya que no es otra cosa que eso, mi visión sobre las cuestiones visuales y en ocasiones técnicas de los fotógrafos sobre los que escribiré e intentaré analizar), trata sobre los conceptos visuales o estéticos que marcan la identidad o acabado de un autor, ya sea la iluminación, el color, el tipo de acabado, etc.

El primer autor a analizar será, Erwin Olaf. ¿Y por qué Erwin Olaf? bueno, pues por que es mi favorito, no les engañaré. Sin ninguna duda es el autor que más me gusta y más me ha marcado de cuantos conozco. Para mí, uno de los mejores fotógrafos de la historia, y por supuesto a nivel contemporáneo.

Podríamos definir su estilo como pictórico, centrándonos en sus obras más conocidas como pueden ser las series Rain, Grief o Hope, donde este acabado un tanto cercano a la pintura más que a la foto clásica se deja notar más. No obstante, si repasamos su obra completa, tanto personal como comercial, ese acabado está siempre presente, en mayor o menor medida.

En estos trabajos podemos apreciar colores pastel, densidades de sombras acentuadas pero con información y altas luces muy controladas. Ajustado con un con un contraste muy bien trabajado.

Eso sí, todo con un foco perfecto y un acabado final intachable.

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◆ Tony Yagüe ◆

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un foco perfecto y un acabado final intachable.

Perfecto.

Aventurándome a comentar algo sobre el posible proceso de postproducción de las imágenes de Olaf, podría decirse que seria enorme, creo que es obvio que retoque hay, es claro, todo es sumamente perfecto, y ese acabado pictórico, a parte de ir ya encaminado en la toma, posiblemente es enfatizado mediante la postproducción, sumando varias capas de curvas o niveles, para lograr ese contraste muy localizado y esa textura pictórica.

Sinceramente creo que no es tanto, -al menos en algunas de sus series- solo tenemos que buscar en internet alguno de sus vídeos para ver que ese acabado está conseguido prácticamente en su totalidad en la toma. Les animo a verlo, observarán que siempre utiliza una gran octa él para rellenar toda la escena.

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Punto importante Aparte de buscar la perfección en la toma, muchos de sus trabajos son retocados por el estudio Magic Group Media, especializado en publicidad, con unos trabajos de altísima calidad.

El punto tan complicado al que llega Olaf, viene muy dado por su enorme toma de referencia sobre la pintura, la cual no esconde en absoluto. Se deja notar. Sus obras en muchos casos son más cercanos a cuadros que a fotografías, pero eso sí, sin caer en un acabado empastado ni exagerado. Muy fino, siempre perfecto. Esto, claro, es posible porque la toma original es muy, muy buena.

No obstante, probablemente como dije, haya trabajo con curvas o niveles ajustando alguna zona de luz, para mejorar la densidad y el contraste. Así como un color muy trabajado y muy bien ajustado posteriormente, con colores muy diferenciados, pocas dominantes, tonos muy mates, con mucha información y una saturación muy contenida.

Incluso esto es muy evidente en alguno de sus últimos trabajos comerciales como pueda ser Vogue Nederlands, sencillamente magnífico.

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◆ Tony Yagüe ◆

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◆ Tony Yagüe ◆

Este último trabajo que comentamos quizás tenga un acabado más natural, pero sigue presente esa estética y acabado con contrastes muy controlados y nada chirriantes, bastante lejos de lo que podemos en contras en cualquier Vogue o Harper’s Bazaar, por citar dos publicaciones conocidas.

En cualquier caso no podemos encasillar a Olaf en ese acabado pictórico, ya que en sus inicios nos encontramos con una obra simplemente brutal, Cheesmen, disparada en fílmico y sin muchas vueltas que darle al tema retoque, aun que un buen trabajo de laboratorio hay, lógicamente.

Si repasamos, por lo tanto la extensa carrera de Erwin Olaf, encontramos obras de diferentes tipos, siempre con un hilo que nos lleva a pensar que, esa foto es de Olaf, un estilo, en definitiva, pero con mucha versatilidad, pudiendo hacer un excelente trabajo personal, así como grandes trabajos comerciales.

Saludos, y hasta la próxima.

Retoque digital y post-producción www.tonyyague.com facebook.com/TonyYaguePostproduccionYRetoqueDigital

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◆ Ana Martínez Requena ◆

El (re)torno de la máquina

Polaroid Se las ama o se las odia, así son y han sido consideradas las máquinas polaroid en la fotografía de moda. Muchos son los fotógrafos que han sido foco de críticas por usar este tipo de cámaras. Algunos de los ejemplos más conocidos han sido Helmunt Newton o Guy Bourdin. Las polaroid han sido expuestas a todo tipo de críticas.

En sus inicios se decía que servían solo para hacer pruebas en las sesiones de fotos, con el fin de ver si la fotografía analógica iba a quedar bien o no. Hoy en día, esta misma corriente crítica nos dice que no tiene sentido con la llegada de la cámara digital.

Otra opinión sobre los hechos, en la que nos centraremos en este reportaje y que es sostenida por muchos fotógrafos queda lejos de las anteriores conclusiones. Esta visión sostiene que las máquinas polaroid son otro tipo de arte igualmente aceptable. No tiene por qué tener nada que ver con la esfera digital y da como resultado una fotografía más natural e inmediata. Es lo que nos gusta de ella y lo que buscamos al hacer una fotografía con este tipo de cámara. Las polaroid con su toque natural no vienen a desbancar a las cámaras digitales si no a complementar su uso con un único fin, el de crear arte.

Fotógrafos que usan Polaroid Guy Bourdin es uno de los grandes genios de este tipo de fotografía.

Este gran artista contemporáneo tuvo la habilidad de combinar esta técnica con una gran carga de glamour, sexualidad, un gran erotismo y mucho colorido que le llevan a crear su sello propio en la fotografía de moda. El personaje principal de sus fotografías es la mujer y el tema es la sexualidad en el que muchas de sus polaroids son piezas de apoyo para otras fotografías, otras son piezas propias. El contenido de las polaroids trata desde un erotismo informal junto al mar hasta unos interiores oscuros con unas piernas sin cuerpo.

Estas imágenes rompen con la convencionalidad de las sesiones fotográficas de moda y las hacen únicas. Guy Bourdin, nos evoca hacia un ámbito de la vida real llena de sexualidad.

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Big Shots: Andy Warhol Polaroids” es una serie de 250 imágenes a color y 70 en blanco y negro poco conocida de Warhol Las Polaroid ocuparon también un lugar especial en el corazón del legendario fotógrafo Helmut Newton. El famoso fotógrafo, usó esta técnica y conservó sus Polaroid de prueba. Las utilizaba para medir la luz y hasta cierto punto, la composición. Pero, le gustó tanto que en 1996 publicó un libro dedicado a estas fotografías llamado “Pola Woman”. Esto nos ha concedido el excepcional

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privilegio de ver los ensayos preliminares de una selección de las fotografías más importantes que realizó a lo largo de varias décadas en su carrera profesional.

Otra gran parte de la colección posterior de instantáneas ha sido reunidas por su viuda, June Newton en la que capta la magia de las fotografías del artista de un modo que solo esta máquina podría lograr.

El mito en la historia del arte, Andy Warhol, es otro de los artistas que han usado la polaroid para sus obras. Warhol tenía la idea de contener “su mundo” en una cámara.

Le llevó a hacer un registro de su círculo amistoso en Big Shot Polaroids. Fabricada en los 70, la Big Shot fue una popular cámara de “foco fijo”.

El fotógrafo se movía hasta encontrar el enfoque adecuado de la persona retratada. “Big Shots: Andy Warhol Polaroids” es el nombre de una serie de 250 imágenes a color y 70 en blanco y negro, tomadas entre 1970 y 1987 y construyen el cuerpo de la obra poco conocida de Warhol. Hay quien opina que los retratos de Warhol deben

Fotos: www.mauriziogalimberti.it

pensarse como un objeto de marca, pues istau- fueron publicados en la edición de febrero de la raba una clara frivolidad sin ninguna aportación revista Vanity Fair. más que tener en foco a personajes famosos. Él mismo elegía quien lucía mejor en la fotografía y Técnicas creativas con Polaroid aumentaba el contraste de la imagen al máximo para eliminar cualquier rasgo no deseado.

Si de todas las técnicas de la fotografía con Polaroid se pueden escoger dos de las más singulares Otros muchos fotógrafos han usado también esta y pictóricas. técnica, como los norteamericanos Robert Ma- Una de ellas sería sin duda la Polaroid Transfer. pplethorpe y Chuck Close.

Con esta técnica el artista consigue realizar una Mapplethorpe es un fotógrafo célebre por sus obra gráfica, que hace de la fotografía una pieza fotografías en blanco y negro de gran formato, singular, única y muy atractiva, una pieza de arte especialmente flores y desnudos. La connotación con color propio y la singularidad de una fotografía erótica de alguno de sus trabajos generó más de de polaroid. una polémica durante su carrera.

La segunda técnica de estos procesos creaEl artista americano, Chuck Close, recibió este tivos que podemos realizar con estas fotomismo año en su estudio a más de una veintena grafías instantáneas, es el levantamiento de de artistas de Hollywood. Entre ellos estaban: emulsión o Emulsion Lift. Consiste muy esqueScarlett Johansson, Sean Penn, Oprah Winfrey, máticamente en quitar los bordes con un cúter, Brad Pitt, Julia Roberts, Harrison Ford, Jessica separando el marco blanco de los lados. DesLange, Kate Winslet, Bruce Willis. Estos actores pués se sumerge el resultado del corte en agua aceptaron el desafío de ser retratados sin ma- caliente y separamos con cuidado el protector quillaje con una máquina Polaroid de 20 x 24 transparente. El aspecto que nos queda como pulgadas. Los resultados se su sesión de fotos resultado es una fotografía viva, en movimiento.

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Polaroid comercializará la cámara física de Instagram El estudio italiano de diseño y comunicación ADR Studio creó un prototipo de cámara digital que aunara lo mejor de la aplicación fotográfica Instagram y las famosas cámaras Polaroid.

La idea comenzó a tomar forma e incluso se constituyó una empresa llamada Socialmatic para llevarla a cabo. Ahora esta firma acaba de anunciar que ha firmado un acuerdo con C & A Licensing, una licenciataria de Polaroid, para producir una cámara bajo la mítica marca fotográfica. El trato incluye, además, la fabricación de fundas de cámara, objetivos, filtros y otros accesorios.

¿Necesitas material? Toma nota de estas tiendas ¡Os aconsejamos acercaros personalmente!

Impossible Barcelona impossible-barcelona.com

Gnomo. Valencia gnomo.eu

Alan Photostudio. Madrid alanstudio.es

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Instant Lab 2700 personas participaron en la campaña de crowdfunding de Kickstarter y Campfire, con la que Impossible-project Barcelona ha creado un laboratorio portátil con el que transformar las fotos del iPhone en polaroids originales. Según ellos “el matrimonio perfecto entre analógico y digital” Instant Lab es una aplicación gratuíta que hasta ahora solo está disponible en App Store para iPhone (4, 4S y 5) o iPod Touch.

El proceso es completamente analógico, pudiéndose utilizar cualquier imagen que esté en la pantalla y funciona con toda la gama de cartuchos Impossible disponibles en el mercado, expulsando la foto a través de un rodillo que esparce químicos sobre el papel y hace que la foto se revele en tu propia mano.

Con esta técnica tenemos la posibilidad de unir varias polaroid en una.

Los mosaicos con Polaroid, es otra técnica creativa más dentro de este universo artístico. Su impulsor y creador es el italiano Maurizio Galimberti. Sus mosaicos están inspirados en el futurismo y el cubismo.

Con esta técnica ha encontrado su propia forma de comunicar y expresar el dinamismo humano.

Cámaras Polaroid

la película instantánea integral. Se convirtió en un objeto de la cultura POP, usada por artistas y fotógrafos. La película instantánea daba alas a la creatividad, por su inmediatez y sus posibilidades de manipulación. Uno de los modelos más modernos que se fabricaron fue la Polaroid SX-70 Sonar, que ofrece un sistema de autofoco.

La historia de la Polaroid Spectra data de la década de 1980. La compañía sacó una línea de seis cámaras que revelaba fotos de forma instantánea. La máquina contaba con flash automático y una parte inferior con bisagra, que permitía a los usuarios levantar la cámara para ver fácilmente el visor. Hoy en día aún se puede encontrar película para estas cámaras.

La nueva gama de Polaroid está revolucionando el mundo y el mercado. Ahora existe la posibilidad de que podamos almacenar las imágenes e imprimirlas solo si queremos. Estaríamos ante una fusión entre cámara digital e impresora portátil. El precio ronda los 150 euros e incorporan pantallas con posibilidad de zoom y retoque de fotos que nos dan la posibilidad de imprimirlas con diferentes efectos.

Las cámaras digitales no han evitado que las máquinas de fotos más famosas de la historia vuelvan a ser tendencia. La moda vintage las ha traído de vuelta para que podamos disfrutar una vez más de estas espontaneas fotografías. Las máquinas Polaroid han atravesado malas rachas, sobre todo con la llegada de la cámara digital. Sonada fue la noticia de Lady Gaga cuando entró a trabajar en esta empresa como directora creativa. Polaroid acudió a la famosa cantante en busca de salvación, pues la empresa entró en quiebra hace unos años. De esta fusión salió la cámara Grey Label.

Entre las máquinas más clásicas y populares de Polaroid destacan: la Polaroid SX-70 y la cámara Spectra. La Polaroid SX-70 fue presentada en el Ana Martínez Requena. mercado en 1972 como la cámara que introducía www.litmind.com/strawberrycake

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◆ Alberto Rodríguez Recio ◆

Switch Off Es más fácil iluminar generalmente que por zonas y este es el gran problema en la actualidad.

En muchas tertulias escuchamos que ya no se ilumina en las películas como antes, que ya no tiene tanta importancia la realización de esquemas paralelos de una misma toma según el tiro de cámara o incluso el actor que está interpretando, quizás sean reales estas afirmaciones pero sin duda hay que profundizar en ello.

En la actualidad, es cierto que el sector se preocupa más de otros aspectos como pueden ser el tipo de película, los actores, efectos especiales, etc. Pero no creo que esto sea un camino opuesto a la iluminación o el look general de la película. Claro que el camino va hacia producciones en una continua evolución de medios, grabamos en 4k, 8k, 16k. Los nuevos sistemas Led también han modificado la forma de actuar pero si algo está claro es que por mucho que queramos en la vida real hay sombras, esas grandes olvidadas que otorgan tanto carácter a la toma. A veces duras, otras veces difusas, puntuales, por zonas y así un sin fin de características notables que consiguen que nuestro encuadre cobre vida y haga que como espectadores entremos en situación.

Estamos condicionados a la calidad, a ver todo, a saber que ocurre en cada momento. Recuerdan la Nouvelle Vague?¿ Todo filmado con iluminación natural? pues bien si visualizan de nuevos alguna de esas películas de la época como “Al final de la escapada” de Jean-Luc Godard observarán que pese a ello es bastante hermoso en conjunto. Claro que hay fallos de racord con respecto a la iluminación pero como espectadores ¿les produce algo?. A mi no.

Los amantes del cine de todo el mundo se vieron entristecidos por la noticia de la muerte de Harris Savides, uno de los directores de fotografía más conocido por sus colaboraciones con Gus Van Sant (“Sobre la Leche , Elefante, Gerry , Last Days , Restless , y Descubriendo a Forrester”), pero cuyos créditos también incluyen “Zodiac, The Game, Somewhere, American Gangster, Whatever Works, y Nacimiento”. Con su fallecimiento se hizo aún más notable la polémica sobre la iluminación y las tertulias sobre este tema son constantes.

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◆ Alberto Rodríguez Recio ◆

Para nuestros lectores con poco tiempo y una vida social complicada recomiendo este pequeño viaje cinematográfico ‘Sucedió una noche’ (Frank Capra, 1934).

Claudette Colbert, actriz que tenía como manía aparecer en en el encuadre con su perfil izquierdo, renegó durante las cuatro semanas de rodaje ya que no entendía el tono de la película y se mostró excesivamente pudorosa. La comedia de Frank Capra fue estrenada con malas críticas pero acabó ganando los cinco Oscar más importantes: Película, Director, Actor, Actriz y Guión.

‘Lo que el viento se llevó’ (Victor Fleming, 1939).

Dos años de preproducción a además de un casting por el que se dice pasaron más de mil actrices para interpretar a Scarlett O’Hara hacen que sus comienzos fueran duros. Hasta cinco directores se encargaron de dirigir escenas en la película. David O. Selznick, su productor, confiaba en que sería un éxito y se convertiría en un clásico. Tenía toda la razón pues adquirió diez Oscars, una taquilla brutal y aún hoy en día sigue congregando a los espectadores antes los televisores.

‘La loba’ (William Wyller, 1941).

William Wyler quería a toda costa a Bette Davis como protagonista. Pero Davis trabajaba para otro estudio y tuvieron que intercambiar por ella a Gary Cooper a la Goldwyn. A pesar de eso los enfrentamientos entre actriz y director eran continuos, discutían por la elección del maquillaje o el decorado adecuado. El estreno fue un éxito instantáneo, tanto de taquilla como de crítica. La parte agridulce fue que no consiguió ninguno de los ocho Oscars a los que fue nominada.

‘La mujer pantera’ (Jacques Tourneur, 1942).

La actriz Irena Dubrovna interpreta a una gatita sexy que se transforma en pantera cada vez que se excita. Con este comienzo seguro que ya estáis deseando verla, así que os dejamos que investiguéis por vuestra cuenta.

‘Un tranvía llamado Deseo’ (Elia Kazan, 1951) En este film, Marlon Brando es expulsado de su propia casa y se ve obligado a suplicar que su mujer lo reincorpore al hogar en una escena que lo desnuda espiritualniente. Pura esencia shakespeariana adaptada a los tiempos modernos. Con una perfecta dirección y una mejor puesta en escena.

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‘De aquí a la eternidad’ (Fred Zinnemann, 1953).

Casting de lujo encabezado por Montgomery Clift, Burt Lancaster, Deborah Kerr, Frank Sinatra y Donna Reed.

Clift y Sinatra bebían demasiado lo que elevó la tensión en el set y trastocó el estricto plan de rodaje. Finalmente acabaría costando 2,4 millones de dólares. Pero recaudó 19 y se hizo con ocho Oscars. Además la escena del beso en la playa de Lancaster y Kerr forma parte de la historia del erotismo cinematográfico.

‘La ley del silencio’ (Elia Kazan, 1954).

Sugún cuentan costó mucho convencer al duro de Marlon Brando para interpretar al protagonista. Pero los verdaderos problemas esta vez fueron de otra índole, ya que reflejar las malas prácticas de los sindicatos portuarios llevó a la presencia de matones que amenazaban continuamente en el set, a lo que habría que añadir las continuas crisis de Brando. Finalmente la crítica la consideró instantáneamente una obra maestra ensalzando el trabajo de Brando y se hizo con ocho Oscars.

‘Con faldas y a lo loco’ (Billy Wilder, 1959).

Marilyn acudió supuestamente a la llamada de Billy Wilder sin leer el guión. El problema vino después, a la actriz no le gustó su personaje ni que fuera rodada en blanco y negro. Sus peleas con Wilder fueron continuas, llegaba tarde al rodaje, quería más protagonismo, padecía continuas crisis emocionales y ocultó su embarazo. A pesar de todo, las cámaras amaban a Marilyn y eso hace junto a su constantemente cuidada iluminación que la película fuera todo un éxito, no sólo de taquilla (recaudó tres veces su presupuesto), también de crítica.

‘Lawrence de Arabia’ (David Lean, 1962).

14 meses de rodaje en Jordania, España y Marruecos, en medio de una gran tensión entre el director David Lean y el productor Sam Spiegel, tormentas del desierto, accidentes varios, la elección de un desconocido Peter O’Toole como protagonista, el encarcelamiento de su guionista, gastar cinco veces el presupuesto inicial… Parecía que todo iba encontra de esta producción pero al final nada pudo hacer que la película no fuera un éxito. Hizo reventar la taquilla y se hizo con siete premios Oscars.

Nuevos esquemas visuales Buscamos nuevos esquemas visuales, modificamos los estádares de belleza o mantenemos algo que funciona. Sin duda es debate continuo, así como en la fotografía que cuando todo el mundo se adaptó a la era digital resulta que lo que vende es lo vintage. Siempre hay necesidades mínimas que cumplir pero como se dice, para gustos, colores.

El concepto de cine es muy amplio y por este motivo hay tantas controversias, pero si que hay algo que siempre ha sido común en la historia del cine es que “casualmente” los hitos del cine o los directores de fotografía más reconocidos han seguido estilos clásicos de iluminación en algún momento de su carrera, o simplemente, partiendo de esquemas clásicos han reinventado estos conceptos de manera que caminan a la par de las requerimientos del público. Han desglosado e interpretado cada esquema de luces, composición, look de films y precursores de la industria consiguiendo un enriquecimiento tal que son considerados como artistas, incluso nuevos visionarios.

Muchas producciones pecan por iluminar generalemente la escena y parece que el sistema sustractivo o las banderas no están en su vocabulario visual. Cuántas veces hemos oido que las actrices de antes eran más guapas y su aspecto en pantalla estaba más cuidado pese a los pocos medios.

Dicen que algunas actrices eran sus propias directoras de fotografía como Marlene Dietriech, la verdad es algo curioso pero que si se estudia con detenimiento es bastante entendible dado que, quien mejor que la propia actriz para saber cuándo y cómo es atractiva para la cámara, aunque para ello deberían conocer aspectos técnicos y hay demasiados actores que les cuesta aprenderse incluso su pie de escena.

En mi criterio, se deben realizar diferentes esquemas de luces para cada personaje, aunque en ocasiones coincidan, así como para cada zona visible en la toma, cuanto más recortado, preciso y dirigido, mejor.

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◆ Alberto Rodríguez Recio ◆

Para nuestros lectores con poco tiempo y una vida social complicada recomiendo este pequeño viaje cinematográfico ‘Los pájaros’ (Alfred Hitchcock, 1963).

‘Blade Runner’ (Ridley Scott, 1982).

La obsesión de Hitchcock por la actriz elegida para el papel principal, Tippi Hedren, marcó el rodaje. Luego llegarían los problemas con los pájaros del título ya que eran reales y no fue fácil la convivencia de los animales con el equipo. Aunque la peor parte siempre se la llevaba la actriz, a la que un pájaro le picó en un ojo. ‘Los Pájaros’ conseguiría una Nominación al Oscar a Mejores Efectos Especiales.

Dilatación del iris, señal inequívoca de que, o bien alguien es un replicante o está muy excitado. La escena del cuestionario de Harrison Ford convierte la situación en una escena cargada de contenido erótico y romanticismo posmoderno que nos encanta.

‘El conformista’ (Bernardo Bertolucci, 1970).

Este film de Bertolucci está empapado de deseos reprimidos que terminan estallando y liberándose con la fuerza de un volcán en el tango que protagonizan Giulia (Stefania Sandrelli), ama de casa convencional y aburrida y Ana, sugerente seductora lesbiana interpretada por Dominique Sanda,

Griffin Dunne se encuentra solo en una cafetería leyendo cuando de repente aparece Rosanna Arquette y comienza el ligoteo. El final obtenido es un film que ilustra a la perfección la terrible situación en la que se ve envuelto este simpático tipo que creyó que podria llevarse a la cama a una mujer demasiado guapa para él.

‘El Padrino’ (Francis Ford Coppola, 1972).

‘Lost in Translation’ (Sofia Coppola, 2004).

Una de las mejores películas de todos los tiempos, pero en el plató hubo discrepancias entre Coppola, Gordon Willis (el director de fotografía) y casi todo el reparto. Además, a Robert Evans, productor de Paramount, no le gustaba cómo dirigía Coppola (que estuvo a punto de ser despedido y reemplazado por Elia Kazan). El resto es historia. ‘El Padrino’ recibió ese año once nominaciones a los Oscars y se alzó con tres, mejor Película, Actor y Guión Adaptado.

‘Chinatown’ (Roman Polanski, 1974).

El rodaje estuvo marcado por los enfrentamientos. En especial la relación entre el director y la actriz Faye Dunaway; incluso Jack Nicholson, amigo de Polanski, vivió algún altercado durante el rodaje con el cineasta. Aunque se presagiaba lo peor, ‘Chinatown’ se alzó ese año con el Oscar a Mejor Guión Original es motivo de estudio en todas las escuelas de cine, fotografía y producción.

En último lugar uno de los mejores vídeos de la historia que recopila las 1001 películas indispensables de la historia del cine, bajo el título de “Las 1001 películas que deberías ver antes de morir” basado en el libro de Steven Jay Schneider con 215 títulos más añadidos en el video.

Una obra de arte de la edición, editada por Jonathan Keogh. Imprescindible y que espero disfruten. http://www.youtube.com/watch?v=Wz-ELUw6xtY

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‘¡Jo, qué noche!’ (Martin Scorsese, 1985).

Habrá quien diga que no hay nada sexual en esta película, pero no hay nada más sexual que no haya nada sexual en esta película. Sofia Coppola puso a Scarlett Johansson y a Bill Murray, cada uno con sus abismos existenciales a cuestas, en un escenario en el que se sienten perdidos.

Cuando se encuentran lo llevan mejor. No habrá sexo pero todo destila sensualidad. La sutileza marca de la directora. Esta escena en el karaoke, después de cantar esas canciones que los acercan, como también las escenas en la cama o la escena final del susurro al oído, captan a la perfección ese momento de intimidad compartida felizmente con un extraño, o no tanto.

Cine negro ¿Qué es lo primero que nos viene a la mente en pensar en el cine negro?. Una toma cenital de un callejón solitario, por supuesto en blanco y negro, con una latitud de exposición alta en una noche cubierta pero contaminada con algunos neones e iluminaciones artificiales. De repente, un hombre atraviesa todo el callejón, está nervioso y acelera el paso progresivamente pero no conseguimos ver su cara con total nitidez dado que los edificios adyacentes dibujan sombras heterogéneas . Se acerca a la esquina justo al lado de una farola y por fin conseguimos ver su cara subexpuesta y con iluminación cenital cubriendo las cuencas de sus ojos con unas sombras terroríficas. Esto es cine, no quiero saberlo todo pues muchas veces es más emocionante desgajar esas omisiones, aunque no lleven a ningún puerto.

Hace poco, Bryan de Palma, otorgó una entrevista a un medio nacional indicando que ya no se iluminan a las actrices principales como antes, incluso habla un poco más a fondo sobre este debate.

Para mi asombro, reconoce no saber iluminar a una mujer bella e incluso desvela que en sus últimos trabajos ha recurrido al asesoramiento y trabajo del equipo de Almodóvar.

Lo que sin duda es una virtud que debemos agradecer, es tener la posibilidad de visualizar cualquier tipo de película y género.

Y en conclusión, todo nos lleva a que como en tantos otros aspectos, ya seas trabajador del sector o, aún más importante, un mero espectador, solo nos queda disfrutar y experimentar con todo tipo de propuestas porque qué significado tendría la vida sino nos permitiéramos cambiar de opinión.

Yo de hecho acostumbro a cambiar de gustos periódicamente.

Alberto Rodríguez. http://titorodrguez.wix.com/ar-photography

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Santiago Alguacil Redescubriendo el blanco

Modelo: Aziza Suárez. Maquillaje: Neaya González.Estilismo: Sergio Rodríguez.

Chaqueta blanca de Esther Noriega y collar vintage. lysmå lerMAG

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# Santiago Alguacil #

Blusa fluor de French Conection, Falda tubo de Zara, pendientes de Silkknot, brazaletes de Asos, cintur贸n y collar vintage

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Top mostaza de Zara, Falda de lentejuelas de Religion, Cintur贸n de hebillas de Miss Self Destructive, pendientes y pulsera de Silkknot 79

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# Santiago Alguacil #

Vestido plepum de RocĂ­o Glez, collar de Asos y pulsera bolas de Silkknot

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Jersey de punto de Trakabarraka, pantal贸n de lentejuelas de French Conection, cintur贸n vitage, brazaletes y collar de Asos y pendientes de Silkknot.

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Jesús M. García Jesús es un fotógrafo prolífico, especializado sobretodo en fotografía nocturna que realiza, además, grandes imágenes procesadas siempre con un toque personal que van más allá de lo que el ojo ve.

Con la llegada de la “Era Digital” a la fotografía, el revelado digital le cautivó y empezó a diseñar su propio flujo de trabajo, añadiendo sus conocimientos técnicos -es informático de profesión- a la captura y procesado.

En esta serie que nos presenta podemos apreciar influencias reconocibles, en la que busca una doble lectura a objetos que utilizamos cotidianamente.

www.jesusmgarcia.es

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# Jesús M. García #

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# Jesús M. García #

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◆ Mª Ángeles Alonso Ávila ◆

{ REVUE }

BY EUGENIO RECUENCO En Septiembre de 2013, el fotógrafo madrileño Eugenio Recuenco lanzó un libro publicado por la editorial teNueues titulado “Revue: Eugenio Recuenco”, en conjunto con su exposición en la galería CWC de Berlín. Este ejemplar cuenta con más de 200 fotografías, pero además de esta edición normal, aparecía una de coleccionista, que incluía una fotografía de tirada limitada; en total unos 50 ejemplares que iban firmados por el mismo autor.

Este es el primer libro que presenta una retrospectiva muy completa de todo el trabajo de este autor, quien se define a sí mismo como un creador de imágenes. Y es que este aclamado fotógrafo cuenta con un amplio recorrido dentro del mundo de la moda, el cual le ha dado toda la libertad que necesita para dar rienda suelta a su imaginación y crear historias escenificadas que hacen a cualquiera soñar.

Porque Recuenco ha sido capaz de llevarnos a mundos surreales llenos de pictorialismo, como si de un cuadro de Dalí se tratara.

A menudo vemos en la obra de Eugenio Recuenco imágenes muy cinemátográficas y con un alto grado de teatralidad que concuerdan a la perfección con un tratamiento magistral de la luz. Todo esto no es casualidad, y es que el hecho de haber estudiado Bellas Artes y haberse especializado en pintura, hace que notemos una intención en los colores y en la atmósfera de sus imágenes. La iluminación que utiliza recuerda en gran medida a los grandes maestros del renacimiento como El Greco u otros artistas destacados como Pablo Picasso.

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Es increíble la manera en que este fotógrafo transmite un concepto a través del lenguaje visual, pero esto es posible gracias a un constante trabajo previo que desarrolla junto a su equipo y en el que cobra gran importancia la dirección de arte. Por supuesto, hay un gran trabajo de carácter digital detrás de su obra, pero lo maravilloso de la imagen escenificada es recrear la historia en directo lo más fielmente posible.

Eugenio Recuenco dice haber sido una persona totalmente autodidacta, que nunca asistió a ningún fotógrafo, ni estudió fotografía en profundidad. Siempre le gustó experimentar en el revelado analógico y jugar con la luz continua, la misma que utiliza a día de hoy, ya que asegura que nunca le engaña como lo harían los flashes, a los cuales recurre si es realmente necesario.

Pero este artista no está dispuesto a quedarse tan sólo en el campo de la imagen fija, puesto que ha realizado varios cortometrajes personales, spots publicitarios, videoclips, e incluso se ha encargado de la escenografía y dirección de arte de la nueva versión del clásico Les Huguenots. El sueño de Recuenco es dirigir un largometraje, pero al parecer, es complicado alternar todo su trabajo con el desarrollo de un guión que sea llevado a la gran pantalla; pero en el caso de que finalmente su sueño se viera hecho realidad, nosotros nos preguntamos… Si sólo con imagen fija y pequeños fragmentos Eugenio nos lleva a mundos tan oníricos, ¿A dónde nos llevará un film suyo? ¿Estaríamos ante un nuevo Tim Burton, en este caso español?

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◆ Mª Ángeles Alonso Ávila ◆

{ MORE }

BY RANKIN Es la editorial teNeues la que se encarga también de que este fotógrafo conocido por sus retratos, fotografía de moda y publicidad, cuente con un libro en el que se muestra con profundidad su obra hasta la fecha. También se podía encontrar la edición coleccionista, con tan sólo 100 copias disponibles, en las que el título aparecía escrito a mano por el autor.

Rankin, un joven británico nacido en la década de los 60, tuvo claro que quería estudiar fotografía, y así fue como lo hizo hasta que consiguió ser uno de los fotógrafos más innovadores en el mundo de la moda y la publicidad; y es que cuando tiene la cámara entre sus manos, es capaz de sacar lo mejor de grandes rostros como Kate Moss, Madonna, David Bowie, The Rolling Stones, o la reina Isabel II entre muchos otros.

No sólo ha querido que los grandes posen ante su cámara. De entre todos sus proyectos personales, el año pasado pudimos ver en la Walker Art Gallery de Liverpool su extraordinario documental “Alive: In the face of death”, un trabajo en el que los retratados eran enfermos terminales a los que mira de una forma muy especial, revelando así un lado muy intimista y dejando al espectador un buen trabajo de reflexión tras ver la obra.

Y no sólo se queda aquí la historia de este personaje, sino que en cuanto al mundo del cine se refiere, Rankin también se atrevió con un cortometraje y la dirección de un largo, ambos con muy buenas críticas por parte de un público minoritario, y es que a este direc-

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tor tiene un estilo bastante crudo a la hora de contar historias. Algo que ya veíamos en su obra fotográfica donde siempre ha incluido el erotismo y toques de humor muy peculiares.

Este distinguido artista ha destacado por poseer una actitud emprendedora a una edad muy temprana. Corría el año 1992 cuando Rankin junto a su colega Jefferson Hack iniciaban la aventura de fundar la conocida revista británica “Dazed & Confused”, repleta de contenido dedicado al arte, la cultura y la moda. Pero ésta no era la única cosa que estaba dispuesto a desarrollar este grande de la fotografía , ya que unos años más tarde se encargaba de abrir junto a Hack la productora televisiva “Film Dazed & TV”. Y poco después, con el cambio de milenio, lanzaba su propia revista de moda trimestral “RANK magazine”, seguida de otros lanzamientos como “Another Magazine”, “Another Man” y la más reciente, “HUNGER”.

En general, un artista que ha demostrado que se puede llegar muy lejos contando con un poco de creatividad, ganas de trabajar y sobretodo, la capacidad de mostrarse tal cual es. Porque gracias a esto, ha conseguido que las mejores marcas y los grandes famosos hayan querido que él les reinterprete.

Mara Alonso. www.litmind.com/170878

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