1872 Claude Monet - Impresión, Amanecer
HISTORIA DEL ARTE MACARENA VALENCIA PUIGGRÓS 20202160
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Profesora: CRISTINA ISABEL DREIFUSS SERRANO
PORTAFOLIO
Facultad de Ingeniería y Arquitectura
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Carrera de Arquitectura - Área de Historia y Teoría de la Arquitectura Ciclo 2021-0
Criterios RIBA
CG2 Conocimiento adecuado de las historias y las teorías de arquitectura y las relacionadas al arte, la tecnología y las ciencias humanas.
CG3
Conocimiento de las bellas artes, como una influencia sobre la calidad del diseño arquitectónico
CG7 Comprensión de los métodos de investigación y preparación de un sumario para un proyecto de diseño.
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TABLA DE CONTENIDOS E01 EP1: Texto Gombrich CG2, CG3, CG7 Pág. 6-7 E02 EP1: Poder y Jerarquía V CG2, CG3, CG7 Pág. 8-9 PC1 EP1: Placer V CG2, CG5, CG7
Pág. 10-12
E03 EP1: Síntesis deVAntigüedad CG2, CG3 Pág. 16-17 PC2 EP1: Otras ArtesV CG2, CG3
Pág. 12-13 4
El Gladiador EP1: Poder y placer V CG2, CG5, CG7
Pág. 18-19
PC3 EP2: Románico y Gótico CG2, CG3, CG7 Pág. 20-21 E04 EP2: Luz en Barroco V CG2, CG3, CG7 Pág. 22-23 PC4 EP2: Impresionismo V CG2, CG5, CG7
Pág. 24-26
Final Historia del peinado y Vmujeres” accesorios de las CG2, CG3, CG7 Numeración aparte 5
E01 “Extraños Comienzos”
PUEBLOS PREHISTÓR 1500 a.C.
Las pinturas rupestres se encuentran en las partes mas privadas de las cuevas, donde no muchas personas pueden llegar a verlas. Cada color y forma tiene un significado único para cada tribu, el cuál es fuertemente relacionado con sus tradiciones y creencias mágicas. Existieron casos en donde otras tribus pintaron encima de estas pinturas y esto es considerado un acto violento.
25000 a.C. La Venus de Laussel trata de una figura femenina, tallada en un bloque de piedra. Es una mujer robusta con grandes pechos y su vientre parece abultado, lo cual remarca la fertilidad en la figura. La Venus de Laussel permite entender el propósito de varias esculturas similares a esta, las cuales se ubicaban en santuarios destinados a la fertilidad.
Este primer ejercicio fue hecho después de haber leído la lectur En dónde de manera visual reflejamos lo leído en esta lectura primitivos/ p Esta etapa en lo personal me pareció muy interesante, ver la ma personas en esas épocas, los valores simbólicos en cada pieza en Es muy interesante como desde los inicios del ser humano nos d comunicar, expresar sus ideas o hast 6
RICOS Y PRIMITIVOS 1200 d.C. Otra técnica utilizada en el arte primitivo era la talla, como por ejemplo de madera o bronce con utensilios muy simples. En Nigeria crearon cabezas hechas con bronce con un toque extraño que les daba un mágico poder a las personas al mirarlas. Estas piezas no eran relativas, pues eran algunas partes del la cara o el cuerpo humano.
1300 d.C. En diferentes partes del mundo, varios artistas primitivos usaron el arte para representar y contar sus mitos y leyendas. Un ejemplo de esto se puede ver en este modelo de la casa de un indio norteamericano de la tribu haida. Nosotros en la actualidad no podemos comprender las mascaras talladas en el mástil pero para los indios en la tribu haida, cuentan una leyenda.
a “Extraños Comienzos” (Gombrich, Historia del arte capitulo 1). a y hablado en clase, la primera semana a cerca de los pueblos prehistóricos. nera en como se expresaban y comunicaban mediante el arte las ncontrada, leer acerca de los limitados materiales que utilizaban. damos cuenta que es un ser inteligente, que tiene la necesidad de ta lo que hacían en su vida cotidiana. 7
E02 “Poder y Jerarquía”
En la segunda semana de clase, estudiamos la importancia de expresar poder y jerarquía en una obra de arte. Nos podemos dar cuenta que una obra tiene estas características, por la posición, luz, color, mirada, acción, contraste, accesorios del personaje u objeto principal.
“El nacimiento de Venus” –Sandro Botticelli (1482-1485)
La obra de Sandro Botticelli ”El nacimiento de Venus”, una obra muy reconocida de la época del Renacimiento hecha entre los años 1482 y 1485, expresa claramente el poder y jerarquía que tiene la Venus. Primeramente se encuentra en el centro de la obra, es el único personaje que no tiene algún manto o atuendo puesto. Asimismo tiene bastante iluminación, ocupa un nivel más alto pisando la única concha en la obra. Por ultimo, te das cuenta que todas las personas que la rodean tienen su mirada hacia ella. 8
“La última cena” –Leonardo Da Vinci (1495-1498)
Una de las obras más famosas de Leonardo da Vinci es ”La última cena”. Esta pieza fue hecha entre los años 1495-1498, en la época del Renacimiento. Podemos darnos cuenta que aquí el personaje que tiene más poder y jerarquía es Jesús. Primeramente está en el centro y es el único que esta totalmente con las manos extendidas hacia el espectador. Si se dividiera esta escena en 3 áreas, Jesús estaría en la del medio con una única posición piramidal, adicionalmente el color de su atuendo es el único rojizo y la iluminación más grande esta detrás de él. Finalmente nos damos cuenta que la mayor parte de los personajes secundarios lo están mirando. 9
PC1 “Placer” En esta primera parte del examen, busque 3 definiciones del termino “placer” en importantes filósofos de diferentes periodos. Elegí filósofos porque son personas importantes que influían en el pensamiento de la mayor parte de las personas de la época.
Según los sofistas, el placer es el gran bien de los humanos, mientras que el dolor es el peor. Este se logra mediante la virtud, los hombres deben dedicar su vida a encontrar el placer al moderar su juicio y usar la razón.
Edad Media
Parafraseado de la página web: Sureda, K. (2018, Noviembre 19). Sofística y hedonismo: Protágoras y Aristipo, la moralina griega. Culturamas. https://www.culturamas.es/2018/11/19/sofistica-yhedonismo-protagoras-y-aristipo-la-moralinagriega/#:~:text=Seg%C3%BAn%20su%20teor%C3%ADa%20el%20plac er,impulsos%20maliciosos%20y%20da%C3%B1inos%20contenidos
Rene Descartes, quien es un filósofo, matemático y físico francés es considerado el padre de la filosofía moderna. Según el: “Todo placer o contentamiento es una emoción positiva que se siente en el alma cuando ella considera que tiene un bien o perfección, ya sea por alguna acción del alma misma o por la intervención de procesos corporales (Descartes a Christine de Suède, Egmond, 20 novembre 1647. AT V, 84).” Citado de la página web: Universidad del Norte, Colombia (2020, Diciembre). La concepción moderna de la felicidad en Descartes. https://revistas.uis.edu.co/index.php/revistafilosofiauis/article/view/ 9615/1061
Edad Moderno
Aristóteles, quien fue uno de los personajes más influyentes en la historia, define el placer: “ es la actividad impedida de la disposición natural, y en el X considera que es aquello que hace a la actividad más perfecta. … es la integración del placer en la vida feliz y su relación con la virtud.”
Edad Antigua
Citado de la página web: Cruz Ortiz, M. M. (2012). El placer en 10 la filosofía de Aristóteles. https://dialnet.unirioja.es/servlet/tesis?codigo=188375#:~:text=En% 20el%20libro%20VII%20Arist%C3%B3teles,a%20la%20actividad%20 m%C3%A1s%20perfecta.&text=La%20%C3%BAltima%20parte%20del %20trabajo,su%20relaci%C3%B3n%20con%20la%20virtud. 10
“El Doríforo” Escultor: Policleto realizada entre los años 450-440 a.C (siglo V en la antigua Grecia clásica)
La escultura “El Doríforo” hecha por un conocido escultor de la Grecia clásica, Policleto, me transmite bastante placer. Primeramente algo que me llamó mucho la atención y me maravillo es como este escultor muestra la figura del cuerpo humano tan realista y proporcionado a pesar del material utilizado que es mármol, prestando bastante atención al detalle de la belleza humana. En la segunda imagen, se puede apreciar el detalle de la cabeza, empezando por el pelo, la profundidad de los ojos, me transmite un sentimiento realista que te da los labios, la nariz y las orejas. Por la parte del cuerpo, me transmite una sensación de equilibrio empezando por su postura, hay una perfecta inclinación entre sus hombros y piernas. Analizando las definiciones que puse en la primera pregunta, según Descartes (edad Moderna) y Aristóteles (Antigua Grecia) hay placer cuando tu ves la perfección humana, y como dije anteriormente algo que me maravillo a primera vista fue la proporción tan perfecta y realista con la que trabajó el escultor en todos los detalles del cuerpo humano. 11
Mi opinión sobre si la belleza del arte de la antigua Grecia sigue vigente hoy en día.
Yo creo que sí sigue vigente como la base de todo lo que tenemos hoy en día. Definiendo un poco lo que transmite el arte de la antigua Grecia es el placer o ser un arte decorativo. En las esculturas, cerámicas, pinturas, experimentaban su técnica representando la naturalidad y el arte realista. En cuanto al arte de la arquitectura se hacía la “arquitectura monumental”, como en los templos donde se hacían estas columnas gruesas para sostener el techo. Definitivamente hoy en día el arte ha avanzado enormemente, hay muchísimos tipos, hay infinitas técnicas, formas de hacerlo, que a lo largo de la historia han ido mejorando. Hay mucho estudio, muchas piezas del antiguo arte que rescatamos. En cuanto al arte de la arquitectura, si ha cambiado pero manteniendo algunos aspectos de lo antiguo, ya los diseños no son con estas columnas grandes por los avances en la investigación y tecnología que se han dado en todos estos años. Pero se sigue utilizando una base de columnas, no necesariamente tan gruesa como la de la antigua Grecia, pero sí hay esa misma lógica. Algo también que ha prevalecido en la historia es que muchos artistas no dejan de lado las ideas, la base del arte como es el de la antigua Grecia, buscando siempre el placer del vidente para que la persona que lo esté mirando tenga esta experiencia estética, placer al que todo artista aspira en sus obras. Está experiencia estética es algo que ha persistido hasta hoy en día. Algo que también hoy en día está vigente es el arte como decoración, pero hoy en día llega a muchas más personas, y no solo a las personas con poder o artistas. Vemos arte en casas, en los cuadros, en museos, en estatuas en la calle, en los mismos edificios, en dibujos.
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E03 “Síntesis de la Antigüedad”
“Templo de Ramsés II” -1200 Egipto
“Muchacho de M Antigua Grecia (pe
Durante la antigüedad las personas estaban en un constante aprendizaje y descubrimientos so En estas 3 imágenes quise resumir aspectos importantes que persistieron durante Egipto, la an En Egipto a parte de la importancia que le daban a las obras, pinturas con colores, siendo d rescatable son los templos, ya que durante la antigüedad se creía mucho en la vida después privados por que anteriormente habían saqueado otros, y también este magnifico templo f importante en la antigüedad, que es la
Maratón” 300ª.C eriodo Helénico)
“Columna Trajana” 113 Impero Romano
obre el arte, en donde mostraban sus creencias, vida cotidiana, poder, jerarquía, lujos o batallas. ntigua Grecia y el imperio romano. de los que poseían poder. Algo que empezaron ellos y persistió hasta el I. Romano y me pareció de la muerte. Es por esto que elegí “ El templo de Rámses II”, este templo era una de los más fue retrasladado por las lluvias, Este acto muestra la importancia que le daban a este aspecto
PC2 “Otras Artes” Elegimos 2 obras de arte que no pertenezcan a los periodos vistos anteriormente en clase. Como 1era opción, la "Vasija Yue” de la Dinastía Shang (1600-1046 a.C), Cultura del norte de China y la 2nda, las “Cabezas Clavas” de la cultura chavín de Huántar (Perú 1200-800 a.C). Me pareció interesante investigar acerca de dos obras en dos lugares que están en extremos totalmente opuestos, especialmente al contrastar la cultura china de la de mi país.
Opinión acerca de la importancia del contexto en una obra: Comparando la antigua China con el Perú, específicamente con las obras elegidas, en mi opinión fue más fácil entender la de las Cabezas Clavas. Esto se debe a dos factores, el primero porque es una cultura bastante conocida de mi país natal y anteriormente he podido estudiar bastante de su historia, comprendiendo sus rasgos, sus ideas, su forma de expresión, su arte. El segundo motivo es por lo que dije en la pregunta (b) de la segunda obra, y es por lo que me transmite, ese sentimiento es mucho más fuerte que el sentimiento de los detalles de la Vasija de Shang, esta cabeza clava inmediatamente cumple la función que quisieron conseguir, que es con esta cabeza no tan bien lograda ahuyentar por el temor que dan. La segunda obra, no fue muy fácil entender su función, porque a simple vista no parece una vasija común, es más yo al comienzo cuando la vi pensé que era algún implemento de misa en donde se pone el incienso y sale humo, lo cual era erróneo. Pero fue más difícil probablemente porque no he estudiado ni conozco del todo bien las culturas chinas. Son totalmente diferentes las dos que escogí, están literalmente a 2 extremos del mundo, las civilizaciones podemos concluir que no fueron desarrolladas al mismo tiempo. Sin embargo algo que me di cuenta fue que algo que tienen en común estas dos obras es que las personas en esa época, sin importar donde vivieran creían mucho en los dioses, religiones, ancestros, y hacían sus obras basándose en eso. Pues ahora que reflexiono me doy cuenta que cuando veo alguna obra antigua lo primero que pienso es que tienen alguna función o quieren transmitir algo en cuanto a la religión o con los dioses y esta conclusión es en general con todas las culturas.
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“Vasija Yue”
“Cabeza Clava”
Esta vasija ceremonial fue hecha durante la época de la dinastía Shang (1600-1046 a.C). Los Shang se hicieron reconocidos por la gran evolución que tuvieron con el material bronce, que lo utilizaban para hacer objetos para personas de alto nivel, reemplazando la piedra, el jade o marfil. Estas vasijas son llamadas Yue, su función era ofrecer vino en importantes ceremonias religiosas. Su alto nivel de detalle y calidad da a conocer que la dinastía Shang tenía un gran desarrollo de civilización, su mano de obra era impecable y es difícil creer que está hecho en una época tan antigua.
Las “Cabezas Clavas” fueron esculturas que caracterizan la cultura Chavín de Huántar (1200800 a.C). Esta cultura es reconocida por su buen dominio en el uso de la piedra, asimismo era un arte naturalista en cuanto la arquitectura y escultura. Dentro del Templo “El Castillo de Chavín” se encontraron esculturas de cabezas humanas llamadas “Cabezas Clavas” hecha de piedra y tenía como función ahuyentar a los malos espíritus porque en esa época se creía mucho en el mundo superior. Estaban colocadas en las paredes de estos templos, normalmente en las entradas.
En mi opinión esta obra de arte hecha en un periodo tan antiguo sí me gusta, más que todo por el nivel de detalles que tiene y lo bien conservado que está hoy en día. Me cuesta creer que fue hecho en una época tan antigua y que hayan tenido ese nivel de detalle en cada vasija, dejando su marca para el resto de la historia. Es muy interesante pensar cómo diferenciaban ellos las ceremonias importantes mediante arte, mediante detalles, hasta materiales, es un lenguaje muy rico que te da esta obra.
En mi opinión esta obra de arte no me gusta, porque no hay un buen logro de la cabeza humana. Me transmite una sensación de temor, un mal sentimiento al verlas, puede ser por la misma forma ovalada de la cara (deforme) junto a esa gran nariz y ojos muy profundos. Pues esa era la función, que causa temor para los espíritus, pero como obra de arte en lo personal, no es de mi agrado.
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Extra: “Poder y placer”
A parte de saber la importancia de jerarquía y el placer en el arte, pues muchas veces utilizan varios símbolos, vestimentas, accesorios, o hasta posiciones para reflejar poder.
La primera fue elegida como una imagen de poder y placer porque muestra como el hijo de cesar esta en el centro, está en el primer plano de la imagen. Muestra una postura super segura de si mismo, agarrando el arma y con mirada fija y retadora. Su vestimenta es la que más llama la atención por ser la única de color diferente, hay un contraste entre las prendas claras, que tienen los de atrás y la prenda del personaje jerárquico que es más oscura, también cuenta con varios collares y cosas de oro colgando que a su misma vez muestra un nivel de placer en este hombre, por los grandes lujos que tiene por ser hijo de Cesar.
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Vimos la película “El Gladiador”, dirigida por Ridley Scott. Fue basada en la época Romana. Se capturaron 2 escenas que muestren los aspectos de poder y placer del periodo.
La segunda foto, muestra poder y placer esta habitación que solo personas con alto poder tenían en la época, en donde se encuentra la hija mujer de Cesar, ellos por ser una familia lujosa, podían tener estos hermosos decorativos, esta cama tan lujosa, vestimentas que no muchas personas de la película tienen. pequeñas esculturas como la que tiene la mesa. A pesar que la mujer se encuentra lejana al primer plano, es el personaje jerárquico por ese contraste que tiene su vestimenta, su hermano vendría a ser el personaje secundario de la escena.
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PC3 “Románico y gótico” Después de estudiar sobre los periodos: Románico y Gótico. Elegí dos imágenes que representen los mismo pero en estos dos estilos. Me gusto contrastar sus diferencias y ver sus similitudes. No fueron cambios tan drásticos pero si hubieron pequeños cambios que hicieron la diferencia.
“Virgen de Ger”
Creación: 650 d.C Estilo: Románico Material: Madera policromada
“Virgen blande de Toledo”
Creación: 1350 d.C Estilo: Gótico Material: Alabastro con dorado
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Evolución del arte Románico al Gótico La época Románica y la Gótica muestra una evolución en el arte. Elegimos dos esculturas “Virgen de Ger” y “Virgen Blanca de Toledo”. que muestran el acto de la virgen cargando al niño Jesús. Este acto es muy importante para el cristianismo porque muestra lo importante que era para Jesús su madre, como también el cariño y amor que le tiene la virgen. Hay muchas representaciones de este acto durante miles de años, y estos dos periodos fueron los primeros en elaborarlos. La primera escultura que escogimos, la “Virgen de Ger” fue hecha en la época románica en donde predomina siempre el simbolismo en el arte. El arte románico tenía como función principal, una función didáctica, lo que significa que pretendía enseñar a los nuevos creyentes. En esta época no se preocupaban mucho por la belleza de las obras ni por el realismo, porque lo que realmente importaba no era la obra como tal, sino lo que transmite y simboliza. Además, en esta época, el cristianismo no era permitido, era ilegal. Por lo que las personas que hacían este arte y en este caso esculpían, no eran las mejores. Eran personas humildes de los pueblos, que trabajaban con el material que encontraban, ya que eran perseguidos. Por esta razón, materiales como la madera y la piedra eran los más empleados para hacer esculturas en la época románica. Como se puede ver en la primera escultura, el cuerpo del humano no está bien proporcionado, las caras son gigantes a comparación del cuerpo, no hay tantos detalles, en el pelo, rostro, es una figura bien rígida porque en esa época lo que prevalecía en la Iglesia era contar la historia que transmite, que sea entendible, para todos, no tanto el realismo. Además se puede ver como tanto la Virgen como el niño Jesús, están mirando fijamente al espectador con la intención de generar devoción y respeto en los creyentes. Además los rasgos del niño Jesús que parecen más de un adulto, distanciaban la humanidad y las posibles distracciones al momento de la devoción por parte de los fieles.
En la segunda escultura, “Virgen Blanca de Toledo” vemos un cambio no tan drástico, pero en sí un cambio en cuanto a la técnica y acabado. Por ejemplo, la proporción del ser humano, la cual está mucho mejor lograda. Además se le da más importancia a las expresiones humanas. En la época gótica el arte empieza a ser más realista, los artistas le prestan bastante atención al detalle, a la estética de la obra. En esta escultura podemos ver que hay una conexión entre las miradas y expresiones de la Virgen con el niño Jesús, ya no es tan rígido. Hay un lenguaje corporal por las cabezas inclinadas, las manos que muestran y transmite cariño, amor, aprecio. En cuanto a los mantos, la caída del de la “Virgen Blanca de Toledo” es mucho más natural, menos rígida que la de la “Virgen de Ger”. Esto genera mucho más realismo en las obras. Podemos concluir que ambas esculturas hechas en los dos períodos, Románico y el Gótico tienen una gran influencia greco-romana y se diferencian bastante del arte griego porque la mayor parte de sus esculturas tienen vestimenta y no están desnudas, por un tema de la religión y castidad. Estas dos esculturas evidencian que la Iglesia desde sus inicios fue bien conservadora y cuidadosa en esos detalles para sus predicadores y comunidad. En segundo lugar se ve esa pequeña transición, evolución del arte Románico y Gótico, pues pasa de ser simbólico a ser un arte más realista. Algo que también se refleja es que los escultores de la época gótica eran más expertos que los de la época románica, esto se logra porque los artistas empiezan a reencontrar técnicas que se habían perdido con el tiempo. 21
E04 “Luz en Barroco”
Durante la época del Barroco, se trabajo mucho la iluminación en la técnica del claroscuro del arte. Esta consiste en dejar como su nombre lo dice, oscura la parte de atrás de la obra y darle jerarquía. Esta técnica en el arte transmitía emociones y sensaciones muy fuertes en el espectador-
Estas dos imágenes muestran lo importante que es la luz para transmitir emociones, sentimientos específicos. La primera que es cuando el amo de Griet estaba pintándola y evidentemente estaba usando la técnica claro-oscuro para protagonizar a Griet y dar un solo enfoque, siendo ella lo más iluminado y el fondo oscuro. Esta técnica la usaban mucho en la época (Barroco).
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El ejercicio consistió en ver la película “La joven con arete de perla”, que fue basada en el cuadro de Vermeer “La joven de perla” como la interpretación de la imagen de abajo, y darnos cuenta que la iluminación fue muy importante al hacer esta película al igual que en el arte de la época que Vermeer pinto el cuadro.
En la segunda imagen vemos dos planos. En el segundo hay una falta de iluminación, oscuridad, que transmite un sentimiento de temor e intriga por la sombra del amo. En el primer plano se encuentra Griet quien muestra un sentimiento contrario al de su amo, de calma, tranquilidad por la iluminación que tiene.
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PC4: “Impresionistas”
El impresionismo fue una época de bastantes cambios, un suceso importante fue la invención de la cámara fotográfica. Esta hacia lo que los artistas hacen en un tiempo mucho mas rápido y era un problema. Es por esto que los impresionistas, después de inventar los tubos en donde transportan la pintura, ven la manera desde ángulos improbables a tratar de demostrar que el arte era irremplazable y salieron obras muy famosas.
Bathers at La Grenouillère Claude Monet 1869
Fue interesante y enriquecedor comparar el Impresionismo con los estilos vistos anteriormente en clase. Hubo mucha diferencias clases por las situaciones que pasaba cada época y las técnicas nuevas que adquirían.
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La primera gran diferencia, que es por la cual todos los artistas impresionistas luchaban tras tanta humillación y rechazo es la temática de las obras. Ya no era un enfoque histórico, de trascendencia, honorable como lo era en el Neoclasicismo; pues tampoco era para despertar sensaciones profundas en el ser humano, emociones como lo era en el Romanticismo y mucho menos un arte dramático, exagerado como el Barroco. Las obras del Impresionismo eran obras de la naturaleza, lo que vivía el ser humano en su día a día, las cosas que lo rodean y se le hacen familiares (“El mundo moderno”, como lo llama la lectura). Rompe con absolutamente todas las reglas de las obras del arte “antiguo”, no se enfocan en ningunos de los temas mencionados anteriormente de los estilos pasados, su visión era reflejar su vida mediante estas obras. Normalmente en los antiguos estilos la naturaleza y el paisaje no eran protagonistas de la obra, si estaban, se encontraban detrás en un fondo muy lejano. En la obra “Bathers at La Grenouillere” se puede ver como Monet quiso hacer una escena cotidiana, en donde pinta un puerto de botes en París en un día normal, donde la gente camina en familia o con amigas como las señoras de atrás y no hay nadie posando, todo “natural”. La paleta de colores utilizada en la época del Impresionismo eran colores vivos, pues gracias a la influencia de Delacroix que usaba “colores sin mezclar que daba vida y energía a la obra” mediante los colores vivos, recreaba la energía que se vivía en el lugar de la obra. Como normalmente se dibujan paisajes, estos llevan colores vivos. A comparación con el estilo Neoclásico los colores eran más opacos por lo que la mayor parte de obras quería reflejar guerra, cosas históricas, que van de la mano con el sufrimiento, drama, muertes, en los gestos y expresiones de las personas en El Barroco también tenía una gama de colores oscuros, en especial por su famosa técnica del claroscuro, tenía esta paleta por la exageración junto a la dramatización que se quería expresar. En la obra elegida podemos ver como la diferencia de color en el lago te da esa sensación real y natural que tiene. Los verdes son utilizados para todo lo que es arboles, naturaleza y lo más oscuro para los barcos. No hay tanta nitidez, pero se entiende perfectamente la obra y te da una perfecta sensación del lugar por la mezcla de colores utilizada.
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El arte Barroco, Neoclásico y Romántico por lo general el artista pintaba dentro de un lugar como “su estudio”, podía pasarse días, años pintando un cuadro, le daban mucha dedicación lo que pintaban eran “escenas imaginarias” de algo visto. Pero como el Impresionismo se enfoca en el presente y rompe con las temáticas de idealismos, religiones, o cualquier evento histórico(como lo mencionado anteriormente); los artistas impresionistas empiezan a pintar al aire libre, donde ellos mismos vivían las escenas que pintaban en el momento que la pintaban, sentían la energía, los colores, los diferentes tipos de iluminación del lugar. Esta diferencia es muy rescatable porque es algo totalmente nuevo que empiezan a utilizar las personas en el mundo. Lo que pude reflexionar de esto con la obra elegida es que si Monet no hubiese estado ahí mientras pintaba y estaba sentado en su estudio viendo apuntes o recordando, no hubiese tenido la misma esencia, como por ejemplo con la iluminación y colores utilizados. 25
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La técnica que se utilizaba en los antiguos estilos como el Barroco, Romanticismo y Neoclásico era bien detallada. En el Impresionismo los artistas dentro de su “estudio” se podían pasar horas, años pintando cada detalle, tomaba muchísimo tiempo. Pero desde que se descubrió que se podía llevar la pintura en frascos “técnica pictórica” en la época del Impresionismo, pintaban como lo mencionado anteriormente en el aire libre, lo cual hacía que su proceso sea mucho más rápido con pinceladas rápidas y toscas. En la obra de Monet, podemos evidenciar estas pinceladas rápidas, pero que igualmente facilitan la lectura de este cuadro, se entiende perfectamente donde está ubicado (es fácil de ver).
Otra diferencia bien marcada del Barroco, Romanticismo y Neoclasicismo, es que por ser un estilo que utiliza pinceladas rápidas, pierden mucha importancia los rostros de los seres humanos. En muchos de los cuadros no se ve ningún detalle de la cara y en los que sí muestra el rostro no es 100% realístico/ nítido. En el cuadro de Monet (obra elegida) podemos ver que le dan mucha más importancia al paisaje que a lo demás. A los Impresionistas les importa mucho transmitir el mismo clima, la misma esencia del lugar más que fijarse en los detalles de las personas, manos piernas, rostros, etc. Las ponen pero no es necesariamente lo más importante, simplemente cumplen la función de transmitir lo que hacen en el lugar.
El rol del espectador en el estilo Impresionista
Lo que el pintor Impresionista, en este caso Monet, espera del espectador es que se sienta cómodo, familiar con la obra. Como se basaban en pintar y reflejar lo que ocurría en su vida cotidiana, las personas que ven este cuadro se familiarizan mucho, por la energía que transmite, la misma paleta de colores que muestra el clima del lugar, las mismas personas que están en el cuadro pueden ser vecinos, conocidos. La vestimenta es muy parecida a la del espectador, por lo que son personas del mismo lugar y época los que hacían estos cuadros.
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Final
2.2 Antigua Grecia La Antigua Grecia fue una época muy influyente para las posteriores. Grecia se dividió en 3 etapas. Primero la “Grecia Arcaica” en donde los artistas buscaban un cierto realismo en sus obras en cuanto a expresión, musculatura, movimientos, lenguaje corporal y planos. Luego viene la época de la “Grecia Clásica” en donde se ocupan de perfeccionar todo lo logrado en la etapa anterior Grecia marcó el estilo del peinado del mundo antiguo con sus peinados en movimiento y bucles. Finalmente “El Periodo Helénico”, que es en el que me enfocaré ya que la obra elegida, fue hecha en
Información del Alumno
982 564 887
20202160@ALOE.ULIMA.EDU.PE
SURCO, LIMA PERU
FOTO DEL ALUMNO
Me llamo Macarena Valencia Puiggrós, tengo 18 años y estudie en el colegio Villa Caritas. Hoy en día estoy pasando al tercer ciclo de Arquitectura en la Universidad de Lima. Elegí esta carrera porque soy una persona curiosa y observada de entorno, atención al detalle y vocación de servicio. Desde pequeña siempre me he inclinado hacia las ciencias y el arte. Soy una persona sociable, alegre y positiva. En el lado académico soy organizada y me gusta planificar todo al detalle. No le temo al cambio, por el contrario soy una persona que lo ve como un reto. Desde pequeña siempre me ha gustado hacer ayuda social, el colegio donde estuve nos lo incentivaba y en los proyectos de mis últimos años escolares pude desarrollar esta área.
Me caracterizo por ser una persona exigente y competitiva, buscando siempre la excelencia, pero siempre actuó con humildad ante cualquier situación.
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MATERIAS EN CURSO 2020-0 FÍSICA HISTORIA DEL ARTE
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COLEGIO VILLA CARITAS
2020-202X UNIVERSIDAD DE LIMA (ARQUITECTURA)
RECONOCIMIENTOS TERCIO MEDIO EN EL COLEGIO ICE AWARD (CAMBRIDGE INTERNATIONAL EDUCATION) IGCSE
ASSESMENT
“BEST SPLASHER” CONCURSO SPLASH (PROYECTO AYUDA SOCIAL MANCHAY 2019) ICTYS DE PROYECTO CULTURAL COLEGIO VILLA CARITAS (PROYECTO DE AYUDA SOCIAL-IMPRESIÓN 3D PARA NIÑOS CIEGOS)
CHARLAS UNITED TECHNOLOGIES FOR KIDS (UTK)/ VILLA CARITAS/ 2017-2018 “PROGRAMACIÓN DE ARDUINO” POR ALUMNOS MIT/ COLEGIO VILLA CARITAS/2017 “DESIGN THINKING AND PROGRAMMING” POR ESTUDIANTES DE BERKLEY / COLEGIO VILLA CARITAS /2018 “CIUDAD COMPACTA” / ULIMA 2020
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Información del Curso
SUMIILLA El curso del Historia del Arte es una asignatura teórica obligatoria, que inicia los cursos de Historia y Teoría de la Arquitectura. En su desarrollo se ofrecerá un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días. OBJETIVO GENERAL Otorgar al estudiante una primera aproximación a la Historia del Arte, a través de la investigación en teoría y el análisis de obras, ofreciendo un panorama del arte desde la antigüedad hasta nuestros días.
OBJETIVO ESPECÍFICOS 1.Conocer y reconocer las principales corrientes estilísticas y formales a lo largo de la historia del arte occidental. 2. Dar al estudiante ejemplos que sirvan de marco para entender el devenir del arte, al tomar a su historia como punto de partida. 3. Sentar una base adecuada para el estudio posterior de la historia de la arquitectura. 4. Desarrollar habilidades básicas de investigación científica.
1872 Claude Monet - Impresión, Amanecer