MMagazine (Segundo número) by Mago Magazine Cultura

3/2013 Entrevista a Fabián, Tierra Santa, Roy Mercurio, La Puta Opepé, Forraje ... Review: Pony Bravo, Grupo Salvaje, Kayser Sozé, Nosthalgia, Mala Juntera, Mr. Vertigo Directo con Iván Ferreiro vs. Leiva, Supersubmarina, Festival Boom Bap

Segundo número CINE · I’m not there, de Todd Haynes

· Alacrán enamorado, los hermanos Bardem en la gran pantalla

Entrevista a Tierra Santa

Supersubmarina llena Leiva y Ferreiro despiden su duelo

La Puta Opepe regresa

Fabián “No espero ser nada importante para nadie”

Revista digital dedicada a la cultura

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Segundo numero de la revista ´ Alacrán Enamorado

Fabián

I’m not there

Cine Eventos En portada Leiva vs. Ferreiro despiden su duelo Supersubmarina llena Gru p

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Roy Mercurio

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Entrevistas

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Novedades

EQUIPO participante: Álvaro Calvente José Ignacio Cejudo Benito Díaz Adrián Espejo Natalio González Laura López David Martín. Tania Martínez Anun Medina Peña Monje Jéssica Signoretta

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Rubén Colete María José Egea Luis Mesa Alberto Ramón

(redacción y fotografía) (edición de vídeo) (redacción y fotografía) (redacción y maquetación)

Canción de Semana Santa La semana con más música en las calles pasó, también la lluvia y los llantos. Las escasas imágenes religiosas que partieron volvieron a su feudo. Regresa abril y la vuelta a la cotidianeidad asoma con una desgana mayoritaria. El fervor religioso se contrapone con el escepticismo y dedicación a otras quehaceres. A cuenta de esas otras preferencias, marcadas también por convicciones laicas, rescatamos la canción “Devoto”, del rapero sevillano Toteking. Cerca de diez años han pasado y la visión sátira, incluso ofensiva para quienes se declaran seguidores de la Semana Santa, sigue encontrando motivo. El propio artista confesó en el documental Sevilla City: “(Lo) escribí como forma de demostrar que la sociedad es hipócrita. Hay gente que lo siente y lo vive mucho, pero yo tenía que hacer ese tema”. Se trata de la cuarta composición de su trabajo debut Música para enfermos (2004, Superego), basta con el inicio para descubrir las intenciones del artista: “Cuando llega esta semana es cuando más deseo que llueva, cuando asoma la sotana por La Macarena o por Triana”.

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Fotografías por Laura López.

Supersubmarina lo vuelve a hacer El pasado 7 de marzo tuvo lugar el primero de los dos conciertos que Supersubmarina dará en Granada durante el mes de marzo. La que se convirtió en la décima visita del grupo a tierras granadinas, consiguió totalmente el lleno en la sala Industrial La Copera. Días antes se colgó el cartel de no hay entradas y con un alto ritmo de ventas de las mismas para el segundo concierto un día después, a la misma hora y en el mismo sitio. Los dos conciertos de Granada serán los últimos antes de que el grupo emprenda un viaje a tierras americanas para dar varios conciertos en Texas y México DF. El grupo de Baeza hizo un repaso por toda su discografía, desde sus comienzos en 2008 con el EP Cientocero, hasta la actualidad con su último trabajo Santacruz que vio la luz durante 2012 y en el que cen4

tran la mayoría de los temas de sus actuaciones. El concierto empezó con los temas “Para dormir cuando no estés”, “Ana” y “El baile de los muertos”, canciones que consiguieron enganchar a la totalidad de la sala, haciendo temblar el suelo de la misma con los saltos del público allí concentrado. El quinteto siguió su puesta en escena con algunas canciones como “Pequeña de las dudas infinitas”, “Santacruz” homónima de su último álbum; o “En mis venas” uno de los temas que gusta más entre los seguidores del grupo jiennense. Fue con esta canción cuando se logró unos de los principales momentos de éxtasis de la noche, alargando la canción hasta cotas insospechadas con solos espectaculares a manos de la guitarra y del bajo. A continuación llegó el primer y único amago de irse por

parte de Supersubmarina, a lo que el público respondió con gritos unísonos de “Granada”, haciendo referencia al tema “ln Granada”. Minutos después apareció el cantante del grupo, José Chino, que se expresó con un ”Con qué Granada, ¿eh?” y acto seguido la sala rugió de forma sobrecogedora ante “ln Granada”. El concierto llegaba a su fin con los temas de “Niebla”, “Puta vida” y “Cientocero”. La gente agradeció la entrega de la banda con un aplauso prolongado durante varios minutos. Sin duda el directo es uno de los fuertes de Supersubmarina, y así quedó reflejado en las caras de felicidad y exaltación de las personas que abandonaban el recinto granadino tras ver a un a grupo que se garantizó el lleno para siguientes actuaciones. Álvaro Calvente.

Fotografía por Luis Mesa.

Leiva y Ferreiro despiden su duelo en Sevilla Leiva e Iván Ferreiro pasaron por el FIBES (Palacio de Exposiciones y Congresos de Sevilla) tras haber arrasado en Madrid, San Sebastián, Barcelona, Valencia y Vigo para dar fin a su gira juntos, una gira que al parecer empezó como una broma por twitter y ha juntado a estos artistas para mostrar su música a un público desconcertado con esta simbiosis musical, pero que ha quedado muy sorprendido del resultado. Estuvimos frente a un show acústico que contó tan solo con Leiva a la guitarra e Iván Ferreiro con su piano. Para quien no haya podido asistir a alguno de los conciertos que han dado, os explicaré un poco la dinámica de la actuación. Consistió en un duelo musical entre los dos artistas en el cual cantaban cada uno sus canciones intercambiándolas y donde participaban en las canciones del otro. Entre canción y canción Leiva e Iván intercambiaban palabras entre ellos enzarzándose en discusiones graciosas 6

donde se mostraba el pique que había entre ellos. El concierto comenzó con un gran aplauso del público (bastante considerable para un jueves y al precio de las entradas) hacia los artistas. Ferreiro comenzó el espectáculo equivocándose de tono, pero Leiva consiguió disimularlo magistralmente improvisando con la guitarra. De hecho, si no lo llega a decir Ferreiro nadie se hubiese dado cuenta. Tras esto todo fue sobre ruedas, se fueron intercambiando canciones y encandilando poco a poco a un público que venía entregado ya de casa. Entre tanto, Leiva se metía con Ferreiro comentando sobre la fama que tenía, bromeando sobre que ha caído bajo al hacer una gira con él y Ferreiro argumentaba que su fama iba a más y que él “está a gusto en su mierda”. Siguieron tocando, con la experiencia y el sentimiento que tienen hasta que llegó un momento que despertó las risas de todo el público. Resulta

que Leiva y Ferreiro tenían una canción con el mismo título (“M” de Leiva frente a “Eme” de Ferreiro). Tras unos argumentos de Leiva donde se metía con Ferreiro de tener el dominio de dicha letra y decir que su canción era mejor, acabaron tocando las dos mezclándolas. Hubo una unión de ideas entre los dos al meterse con el pop y cantantes como Chenoa, Bisbal, Andy & Lucas, Melendi, La quinta Estación… y acabaron tocando “Anticiclón” provocando que el público comenzase a cantar con ellos. La canción acabó con toda la sala cantando y aplaudiendo e Iván encima de la banqueta. Y así continuó el espectáculo, lleno de canciones y rifirrafes y anécdotas de la gira, como la del fan que paró a Leiva en Vigo y comenzó a despotricar en contra de Iván Ferreiro cuando estaba al lado de él y al darse cuenta comenzó a adularle. Ya anunciada su marcha, tocaron un cover de “Insurrección” (de Manolo Garcia y Miguel Ríos) y se fueron. Pero el espectáculo continuó. Entró Ferreiro cantando una canción de su próximo disco y posteriormente Leiva en solitario también canta “Vis a vis”. Se vuelven a juntar y tocan las últimas canciones donde destacó “Lady Madrid”. Finalmente, cuando los asistentes ya se habían levantado de sus asientos, tocaron una última con todo el público de pie y cerca de ellos; se fueron definitivamente dejando a todos con una muy buena sensación y habiendo pasado una gran noche. Rubén Colete.

EN DIRECTO

Pedro Pastor sabe contarlo Sevilla recibió marzo con la música de autor de Pedro Pastor. La alegría, el entusiasmo, la manera de pensar y de ver la vida del cantautor de corta edad pisaron la capital andaluza. En torno a las 9 de la noche, comenzó en el Rincón del Búho de Sevilla la presentación de su primer disco Aunque esté mal contarlo de una forma íntima, directa y muy cercana. Empezó la noche, por donde se tiene que empezar, por el principio,

contó y cantó la número uno de su disco, “frente al espejo” y como dice él, ni lloros ni lamentos, sacó la mejor cara del público. A continuación sorprendió con una canción, que dedica a los exiliados que tuvieron que dejar de lado su tierra. Hizo un paralelismo con el exilio que hoy día vivimos, tener que marchar porque aquí no hay nada que te sustente. En definitiva, “Prometí volver” va para todo aquel que echa de menos y Pedro, lo hace con tal sentimiento que deja fascinado al público. Por una parte nos habla del amor pasado y del amor que nunca ocurrió. Por otro nos describe lo que sintió tras la rueda de prensa de Rajoy, expresa que el país está en manos de gente de cartón, que la mentira va metida en sobres y que aunque esto no reviente, va a reventar, les va a salpicar y les va a doler. También hubo tiempo para homenajes, cantó “Cuarto movimiento: La realidad” de Extremoduro. También homenajeó a Jose María Sanz con

“La mala reputación” . Y por último hizo un hueco para Pedro Guerra (su padre) con “el marido de la panadera”. También hubo hueco para temas como “En braile”, “No te lo crees ni tú” y “Renacimiento” temas que componen su primer disco. Parte del público quedó muy sorprendida ya que era la primera vez que lo escuchaban, otros que venían desde las Islas, verdaderos seguidores. El público disfrutó y lo dejó ver, conectando con él, con aplausos inesperados y con ojos vivos que reflejaron la emoción. Tras acabar el concierto, llegó uno de los mejores momentos al crear un espacio más intimo con alguno de los asistentes, a capela,nada más que con su voz y su guitarra. Ahí tenía lugar la cita con Pedro Pastor.

El jóven es hijo del también cantautor Pedro Guerra Fotografía por Rubén Colete. Texto por Peña Monje.

Fotografía por Natalio González. Texto por José Ignacio Cejudo.

4ª Edición Boom Bap! Hip Hop Party Festival Desde su primera edición ha contado con los más influyentes artistas, de dilatadas trayectorias. Ubicado en las tres pasadas ediciones en la Sala Boogaclub, la magnitud del cartel para el concierto de este pasado sábado hizo que buscaran una sala más conocida y sobre todo, con mayor aforo: la Sala El Tren, nacionalmente conocida. Aún con la sala casi vacía, comenzaron su sesión los Kachafayah Sound, promoviendo el reggae y calentando a los ya presentes. Cumplieron con su objetivo y dieron paso a Zatu (encargado de presentar a los invitados). Los primeros en aparecer fueron los sevillanos El Límite, con Acción Sánchez a los platos. Les siguió el local

Quilate, promotor del evento, rapeando temas de su último trabajo Estamos en el aire, acompañándose de las colaboraciones de Zatu y LittlePepe. Precisamente el malagueño tomó el relevo, haciendo furor como de costumbre entre el público femenino con canciones donde el amor se convierte en el principal motivo. Zatu presentó entonces a “la fuente”. “Todos los artistas de mi ciudad (Sevilla) hemos mamado de él, estamos influenciados por su estilo. Un grande. ¡Un fuerte ruido para Juaninacka!”. Apareció el sevillano con un recorrido de sus trabajos anteriores y calentando motores para su concierto de presentación de M.I.L.F. en su ciudad, dando muestras de su indiscutible experiencia. El siguiente en agarrar el micro fue Zpu. acompañado por Aaron. El MC catalán recuperó sensaciones positivas levantando al público con sus letras emocionales y comprometidas, llegando a los espectadores. Y llegó por fin el gran momento de la noche, el más esperado: Rapsusklei. Amado por toda la sala, dio buena muestra de lo que es cono-

cido como las “tablas” de un MC sobre un escenario. Comenzó con temas de Melancolía y Pandemia. Cambió su sombrero por la gorra y demostró talento y entrega con sus habilidad. Tras despedir su intervención con el clásico “Jazz elak olé!!”, contando con la presencia de todos los artistas, incluyendo a Shabu, Payo Malo y Hazhe, en el escenario. Móvil grabando en mano, los MC’s fueron testigos de lujo del show del “Niño de la Selva”, para posteriormente hacer una ronda de freestyle. Para acabar, Zatu propuso realizar un Harlem Shake que se convirtió en un “pogo” en la zona central de la sala. La fiesta no acabó ahí ya que Acción Sánchez comenzó su sesión contando con la presencia de Zatu como speaker, aunque para entonces gran parte del público había decidido abandonar la sala. Los artistas disfrutaron tanto o más que los de abajo, prestándose a fotografías y conversaciones tras el show. En definitiva, la unión y pluralismo (poesía, denuncia, vacile, fiesta) se reflejó como motivo de orgullo. Que la fiesta no pare.

Tierra Santa: “Esto es trabajo, constancia, viajes… si no te gusta es imposible hacerlo”

Fotografía promocional del grupo.

Con motivo del noveno disco de Tierra Santa tiene lugar la entrevista a Roberto Gonzalo, bajista de la emblemática formación. Tras llegar de Centroamérica y con la expectativa de una larga gira de presentación el encuentro hace un repaso que van desde la trayectoria hasta los motivos de su reciente Mi nombre será Leyenda. Maldito Records. Acabáis de publicar nuevo disco, titulado Mi Nombre Será Leyenda, hace apenas un mes, cuyo primer single es ‘Héroe’, ¿qué vamos a encontrar en el álbum? Nueva música muy moderna, lo que la banda está haciendo ahora. Un disco moderno, cargado de fuerza, más dentro del género rock que del heavy. ‘Héroe’ es el corte cuatro del disco, ¿por qué escogisteis este tema? Porque fue una coincidencia de toda la gente que trabaja en el grupo, productores de sonido, la gente de Maldito Records, nosotros… ‘Héroe’ ya en la maqueta del disco era una de las canciones por las que apostábamos como single. Tiene un registro con mucho gancho. El vídeo se acaba de montar estos días y estará funcionando en los canales oficiales de Tierra Santa y Maldito Records para que la gente lo pueda disfrutar. El grupo ha evolucionado a lo largo de estos nueve discos y

hay quien dice que os habéis alejado un poco del heavy, ¿qué opináis sobre esto? En todas las entrevistas que estoy haciendo estoy desmintiendo esto porque no me parece correcto. El grupo tiene bastantes fuentes de influencias. Baladas tenemos desde el principio del grupo, canciones como ‘El Laberinto del Minotauro’ es un medio tiempo. En Sangre de Reyes ‘El amor De Mi Vida’ era una balada. Indomable, que la gente siempre ha pensado que era nuestro disco más heavy, tiene también medios tiempos como ‘El Canto De Las Sirenas’, ‘El Azote De Dios’, y ‘El Ejército De Las Tinieblas’ es quizá una de las canciones más rápidas y más heavys que hemos grabado nunca. Creo que la gente percibe un poco el disco en función de cuál sea el single que presentes. Del anterior no opinaban lo mismo porque ‘La Leyenda Del Holandés Errante’ es una canción con un poco más de rebeldía y quizá nosotros nos sentíamos un poco más rebeldes, con rabia y con ganas de pisar ya las tablas, después de dos años y medio sin hacer conciertos. Esta vez estamos un poco más reposados y nos apetecía hacer un disco con un tinte un poco más rockero que pesado, pero tampoco debemos andar excusándonos a estas alturas, creo que se le da demasiada importancia, sobre todo en el ámbito metalero. No tendríais ningún problema en volver a hacer algo más heavy entonces.

Por supuesto, en nuestros directos procuramos que nuestro setlist sea un paseo por toda la discografía del grupo. A día de hoy Tierra Santa interpreta una canción como ‘Pegaso’ con la misma fuerza que en los años que la compusimos. Somos un grupo que intenta aprender de la experiencia, que nos dice que las canciones de hard rock suenan como un tiro en un disco y en directo y eso es lo que nos apetece.

“Nos apetecía hacer un disco con un tinte un poco más rockero que pesado” Hablando de directos, ¿qué pasaría si un día decidís no tocar ‘La Canción Del Pirata’? ¿Os dejaría marchar el público? La canción del pirata no puede faltar en el setlist, no nos dejarían marchar. Creo que nunca hemos hecho un concierto en el que no estuviese. Pertenece al tercer disco de Tierra Santa, puede que haya alguna reliquia por ahí de algún concierto en el que no la tocásemos pero a partir de Tierras De Leyenda no ha faltado nunca en una actuación. Es uno de nuestros bises, el momento que espera todo el público. ¿Vais a publicar el disco fuera? Sí, Maldito Records ha conseguido para poder editarlo en México y Ar-

El pasado 5 de febrero salió el noveno disco de estudio del grupo gentina y puede que Chile, y en Europa en Alemania, Holanda, por supuesto España y Portugal e Italia. Acabáis de llegar de Centroamérica con un éxito absoluto y estaréis de gira de presentación esta primavera. ¿Cuál esperáis que sea la respuesta del público, por lo que ya estáis oyendo? Esperamos una respuesta tremenda, con muchas ganas de vernos. Cada vez que Tierra Santa ha publicado disco ha sido así. El álbum ha salido el 5 de febrero y empezamos gira el 15 de marzo, en otras ocasiones hemos subido al escenario a las quince o veinte días de publicar disco y se ha visto una buena respuesta siempre, sobre todo con Caminos De Fuego. No hizo mucha ilusión estar alejados del escenario y que nos recibiesen de esa manera, nos emocionó. Ahora creo que sucederá un poco lo mismo, con este disco los seguidores empiezan a comprender al grupo, aunque no se puede convencer a todo el mundo, pero mientras se dé un paso adelante con un nuevo disco y haya gente que quiera seguir estando en nuestros conciertos, ahí seguiremos, porque eso nos da mucha fuerza. ¿Se nota mucho tocar fuera de casa? Es diferente, en Centroamérica la gente vive los espectáculos de una manera especial, con mucha pasión, pero no solo un concierto, un partido de fútbol o cualquier celebración, lo viven con mucha energía, es algo social. En España en los años ochenta supongo que sería igual, ahora la sociedad se ha reposado un poco. En algunos países de América hemos estado cuatro veces de gira y desde la primera vez que fuimos a esta última se ha notado un avance importante. ¿Diferente? Bueno como compartimos el habla es bastante parecido. Aquí la gente también lo vive con fuerza, pero les es más fácil vernos en directo. Por ejemplo, hace ocho o nueve años que no tocábamos en Costa Rica, así que lo viven muy intensamente. En 2010 publicasteis un libro autobiográfico: ‘Tierra Santa: Viviendo un sueño’ ¿Está Tierra Santa viviendo un sueño? Sí, en cierta forma sí. Estamos vi-

viendo más de lo que esperábamos cuando empezamos porque sabemos que es un camino muy difícil. Así que sí que lo contemplamos como un sueño, como tocar ahora en los próximos Sonisphere con Iron Maiden. Esto es trabajo, constancia, es vocacional, es mucho movimiento, viajes… si no te gusta es imposible hacerlo. ¿Qué queda de aquellos chavales que empezaron allá por los noventa? Nos queda todo lo que hemos aprendido, amigos, como los hermanos San Martin, productores de nuestros discos. El haber convencido a Juanan para que nos acompañe en directo como teclista, una persona con tanta experiencia. Nos quedan todas las pequeñas conquistas que hemos ido haciendo. Como poner los pies en el festival Machina-Rock 2000, que en aquel entonces era un festival de tendencia de los grupos de aquí. Fue une estallido que recordamos con cariño.

El nuevo trabajo del grupo riojano ha sido grabado a lo largo del mes de noviembre de 2012 en los estudios Sonido XXI, al igual que todos las referencias de estudio anteriores. Mi nombre será Leyenda consta de 11 temas en los que toma relevancia un sonido menos metalero, pero que frente a la crítica se convierte en una autofirmación musical. Así, el propio bajista de la formación afirma:”tampoco debemos andar excusándonos a estas alturas”. La publicación se hace efectiva con el respaldo discográfico de Maldito Records.

“Sí que lo contemplamos como un sueño, como tocar ahora en los próximos conciertos con Sonisphere o Iron Maiden” ¿Vais a encontrar un teclista que se quede? (Risas) Hemos tenido muchos cambios, en este momento la combinación de músicos del grupo es la ideal, creemos que es la que perdurará. Juanan ha venido para quedarse, eso siempre es lo que se espera, pero mientras la espina dorsal de la banda se mantenga fuerte: Ángel, con el peso de la composición, también Arturo y yo. Ahora, Juanan y David son lo mejor que nos podía ocurrir. ¿Qué le pide Tierra Santa al futuro? Que podamos mantenernos como estamos por lo menos, sería un logro

gigantesco. Mantenerse es más difícil que subir. Que sigamos con las mismas ganas y con ambición para conseguir cosas, pero tampoco ser muy ambiciosos, lo que hemos conseguido hasta ahora, como decía antes, es casi un sueño, pero hay que seguir en ello. Esto es una carrera de fondo, la experiencia me dice que cuando uno lo que quiere es mantenerse, le llegan cosas. Ahora estamos con la gira de presentación del disco, tocaremos también en el Sonisphere Madrid y Barcelona y nuestra intención en otoño es tocar en las ciudades que se han quedado fuera ahora y salir Anun Medina fuera.

Un centenar de personas se quedaron sin ver a Dover debido a problemas en la organización

Fotografía promocional del grupo durante su actuación en Sevilla.

Dover vuelve a 1997 en Sevilla

Texto por Luis Mesa.

El pasado día 3 de abril Dover visitó la Sala Luxuria, donde volvieron a tocar Devil Came to Me, segundo disco de la banda publicado en 1997 que les mandó al estrellato. Desde cerca de una hora antes una cola inmensa de seguidores aguardaban al grupo madrileño, que pese a problemas con las entradas y el aforo de la sala, pudieron disfrutar la mayoría de un show con mucha fuerza desde el inicio. Con esto, las puertas abrieron en torno a hora y media más tarde alargando la espera al comienzo del concierto. Empezando a marchas forzadas, sonaron los acordes de “Rain of the Times”. Con un calor humano increíble en la sala, los gritos desgarradores de Cristina y la fuerza en la batería de Jesús enloquecían a un público que cada vez iba entregándose más y más. 10

El visible catarro de la cantante hizo que que recurriera a una infusión para demostrar su valía, se repasó al completo el tracklist del disco, con temas que fueron coreados por la sala al completo como “Dj”, “Pangea”, o “Loli Jackson”, tema que más aclamó el público y conocido por la sala.

Según informa Europa Press, alrededor de 150 personas se quedaron sin ver a la banda en su gira aniversario del trabajo Devil Came To Me. La Policía Local y más tarde la Policía Nacional se presentaron en el recinto requiriendo la licencia y limitando la entrada de asistentes a 200 personas, frente a las 350 personas de las que la sala afirma disponer. La versión de la Policía se contrapone con la versión de los asistentes que afirman que la sala no presentaba lleno, incluso la banda declaró que estaba “medio vacía”. Dover mostró su descontento en las redes sociales. En el facebook oficial del grupo se afirma que la devolución está garantizada y se exime de responsabilidad propia: “La sala nos dio un aforo de 350 personas, que es el que dicen que manejan siempre. 250 se pusieron a la venta en Ticketea y 100 entradas físicas. 60 de ellas se vendieron en Tótem Tanz y 40 quedaban para venderse en taquilla, se han vendido 46 y se ha devuelto el dinero in situ”. La polémica no se ha limitado a la versión oficial de la Policía ni de la banda y desde la asociación FACUA, dedicada a la defensa de los derechos de los consumidores, se ha hecho público un comunicado en el que se exige una multa ejemplar a la sala por las irregularidades en el concierto de Dover.

“Se repasó al completo Devil Came to Me“ Solo con un intervalo mínimo, el grupo no paró de tocar temas intercalando con las explicaciones más que curiosas del porqué de los temas que Amparo daba antes de cada canción. En definitiva, así fue la vuelta de Dover a Sevilla, a la que llevaba más de una temporada sin ir. Volviendo al rock que tanto añoraban sus fans, acallando las acusaciones de cambiar su palo musical durante estos años.

Grupo Salvaje - III Acuarela Discos La espera ha sido larga para sus seguidores, exactamente 7 años desde que sacaron su último LP titulado Aquí hay dragones. Ahora vuelven con un disco íntegramente en español, ‘III’, producido por Acuarela discos, en el que han dejado atrás las letras en inglés. Liderado por Ernesto González, exlíder de los míticos The Pribata Idaho, el grupo se ha desembarazado de viejos lastres y desean ser más prolíficos durante este nuevo año, ya que solo han celebrado seis conciertos en los últimos 5 años debido a lo centrados que se encontraban para crear un nuevo disco cercano y atraíble. Grupo Salvaje han regresado. Quieren calar con este álbum inspirado en su rock folk más antiguo con Johnny Cash como guía y estro en todos sus trabajos. ‘Tormentos’, ‘Leviatán’ y ‘De Hornos al fin del mundo’ son algunos de los temas de ‘III’. Adrián Espejo.

Kayser Sozé - Gods Meat Cult

Molusco Discos Desde su segundo disco, Cause We Like It&Enjoy Us en 2009, y tras el cambio de bajista en 2010, Kayser Sozé nos ha tenido a la espera de nuevos temas que evoquen el Hard Rock más puro de los setenta y el Blues americano. El trío albaceteño, formado por Javier Pozo (guitarra y voz), Amador León (batería) y Antonio Molina (bajo) presentó su tercer disco, Gods Meat Cult, el pasado 24 de noviembre, en la sala BaobaBoutike de Albacete. El nuevo repertorio queda inaugurado con Phenomena, un tema potente, muy rock’n roll, que

suena duro con el tono agudo y desgarrador de su vocalista. Pero el estilo de Kayser Sozé no se queda ahí, combina el blues psicodélico haciendo que el resultado de su trabajo sea una combinación, desde temas tan rockeros como “Billy Sabbath” (Cause We Like It&Enjoy Us) o “Phenomena”, hasta “I Jus twanna” o “Firewood”, que se acercan más al Metal setentero de Mountain, pasando por temas que nos traen a la mente a los grandes grupos del Rock español , como Eternal, y otros con un tono más erótico, como “Namaste” o “Lipstolick”, que introducen rasgos de jazz psicodélico en un compás relajado. Esta reunión de estilos, se asemeja al trabajo de bandas rock de los setenta, como Deep Purple o Led Zepelin; el registro de voz de Javier Pozo es bastante similar al de Robert plant. Quizá algún toque de Black Sabbat en sus inicios. La música de Kayser Sozé demuestra un gran registro, tanto a nivel musical como

vocal. La producción está cuidada, la grabación de su último disco no está comprimida siguiendo la estética actual de la radiofórmula, pero tiene buenos arreglos que consiguen ese sonido custom setentero. Desde que nació la banda en 2005, ha ganado cinco premios de música en España, el primero de ellos fue el del XIX Memorial Alberto Cano y le valió al grupo la grabación y edición de su primer disco, “8 MonthsLater”, en 2007. Kayser Sozé no ha dejado de dar conciertos por todo el país y desde la salida de su primer EP ha tocado en algunos festivales, como Torreperogil Rock & Blues Festival, en 2007; Frank & Blues en 2008 y ViñaRock 2009. El grupo estará el sábado 6 de abril en el Puntal Rock en Yecla (Murcia), y el viernes 19 en la sala SORCAS de Moralzarzal (Madrid), tras pasar por el Fuck& Roll Festival de Alcoy (Alicante), celebrado a finales de marzo. Tania Martínez.

El Tercer Semestre - #TenderTropic en enero de este año. Partiendo de la base del Rock progresivo, Joan M. Monterder (bajo), Josep Palumé (guitarra) y Ricard Garrido (batería) hacen un Math rock instrumental con mucha personalidad. Seis canciones con punteos originales, un control de ritmos y una fuerza de la batería que les dan un estilo muy personal. “Ratalán” es su carta de Aloud Music presentación, con ritmos repeNace un nuevo carácter del titivos que provocan un efecto Math rock con #TenderTropic, hipnótico y la única que el primer EP de El Tercer Se- cuenta con un leve acompañamestre, un trío de Sabadell miento vocal. Un tema más que, apoyado por Aloud post rock y que a todos nos soMusic, nos mostró su trabajo nará es “Obsolescencia”, un

guiño al tema de Survivor, que aparece en la banda sonora de Rocky III. Las demás siguen ua estructura más similar, una combinación de tiempos que suenan bastante limpios y con un toque folk, con rompedoras distorsiones de guitarra y ritmos más cañeros de batería. “Tropicat” es la más alegre, con pinceladas de rock celta. Destaca el buen registro del batería. El Tercer Semestre estarán el cuatro de mayo en Barcelona, en el Nitsa Club y el 10 de mayo en el local La Faena II de Madrid. Tania Martínez.

Artista: Ambkor Trabajo: #DeTóSeSale Krik Musik Número 1 en ventas de Itunes tanto en España como en Méjico a su salida.

El pasado 5 de marzo estaba marcado como fecha de salida de #DeTóSeSale; primer trabajo de estudio del rapero barcelonés Ambkor, de la mano del sello Krik Music. Con colaboraciones de peso como las de ZPU, Chojin, Mowlihawk, Hijo Pródigo o Artes, deja a un lado el lado maquetero de “Sueña que no estás triste” o “Un año bajo la lluvia” para iniciar un proyecto compacto en el cual no pierde el toque de piano o las letras

sacadas del interior que tanto le caracterizan. La producción hecha en el Lebuqe Studio corre de la mano de Soma y ZPU. Con el LP compuesto por 12 canciones, busca seguir creciendo en el mercado nacional a través de un producto sentimental y lleno de fuerza fruto del ejemplo de superación que supone el del MC que formase parte del colectivo Malafama Squad. Luis Mesa.

El grupo Mr. Vertigo, como la novela de Paul Auster, estrenó el pasado 4 de marzo su EP en el que toma relevancia un rock amable. De la mano de Maldito Records y con la producción del prestigioso ingeniero valenciano Manuel Tomás nos presentan en torno a 15 minutos de este Presente continuo, obra de Juan Ferro (voz), Alex Moure (guitarra), Segio Batisse (guitarra) Dani Moure (bajo) y Danilo Argenti (batería). Alberto Ramón.

Artista: Lasai Trabajo: Into The Roots Boa Música.// Germaica Ibérica.

Lasai vuelve a dar que hablar con su nuevo EP Into the Roots, cinco canciones que suenan muy personales, con letras en parte que hablan de sentimiento. Temas como “Lover” o “Coulda mek it together” están cargados de ritmos Dancehall, juega un papel destacado el estilo New Roots que se refleja claramente en “Don’t give up the faith”.

De la mano de Germaica Iberia, para la producción de su último trabajo Lasai ha contado con Heavy Roots, Barbass Sound, New Generation Band, la sueca Concrete Stepa y la alemana Minot7flat5. Con el apoyo de productores nacionales e internacionales, Lasai se ha ganado el reconocimiento como artista, poniendo su voz, limpia y atractiva, a ritmos Dancehall, Roots o Hip Hop, consiguiendo unos magníficos resultados en todos ellos. El escenario del reggae español no deja de enriquecerse y Lasai ha entrado con fuerza en este estilo que acoge las formas más identitarias de la cultura Rastafari, como son la libertad de creación; la convi-

vencia de la diversidad; la espiritualidad como arma de resistencia frente al poder y la música y el dance que aúnan todo ello. Éste artista comenzó a trabajar en la música en 2010, desde su ciudad natal, la localidad toledana de Talavera de la Reina. Desde entonces no ha dejado de esforzarse para mostrar nuevos ritmos y letras que reflejen esa pasión por la música, como instrumento de liberación. A principios de 2012 sacó doce temas bajo el título de True Love, trabajo en el que colaboraron otros artistas como el rapero Juho, que ha participado en varias creaciones del panorama reggae. Tania Martínez.

Próximos conciertos de Amatria

Amatria - SALIR ILESO

13 abril - Valencia.Mini Conciertos (acústico) - Arquitécnica Ruzafa (Puerto Rico, 28) 17 abril - Barcelona.Almodo Bar (Grassot, 36 - Metro Verdaguer) + Súper Gegant · 18 abril - Zaragoza Fiesta presentación Polifonik Sound en La Ley Seca (C/Sevilla, 2) ·19 abril - Pamplona La Sonora (San Francisco, 25) ·21 abril - Logroño Vermuts musicales del Café de la Luna (acústico)

Amatria publica Salir ileso, álbum autoeditado por su propio sello. Con las primeras fechas de presentación cerradas su segundo disco se presenta como nueva propuesta electropop. El contraste hila un trabajo que muestra esta vertiente desde el primer momento; los sintetizadores que

introducen “Valen lo que rante todo el proceso, con una vale” se tropiezan con la gui- puesta a la venta limitada a tarra de “No te da”. 300 unidades en principio. Las La labor de Amatria (identifi- preocupaciones se esconden cada con Joni Antequera) se bajo un telón ficticio y la hace extensible a las guitarras, banda da un paso más allá de teclados y programaciones su Hoy van a Salirte las Alas. . que acabaron con el toque Los estribillos densos siguen final de mezcla y master de presentes. Alberto Ramón. Pau Paredes. Remilgado du-

Cuenta atrás para el Viña Rock El grupo Bongo Botrako volverá a actuar en esta nueva edición.//Fotografía promocional.

HORARIOS de apertura y cierre del reciento ·Jueves 2 de mayo 16:00h apertura puertas 05:50h cierre recinto. ·Viernes 3 de mayo 16:00h apertura puertas 05:50h cierre recinto ·Sábado 4 de mayo 15:00h apertura puertas 05:50h cierre recinto

a localidad albaceteña de Villarobledo se convierte en una fiesta a principios de mayo con la celebración de la 18ª edición del festival Viña Rock. Con el cartel cerrado y el deseo del cierre de abril empieza a llegar toda la información necesario sobre la celebración del evento. El rock, el ska y la música urbana tienen una cita en mayo. Desde las primeras incorporaciones, que ya incluían grupos como The Toy Dolls a artistas nacionales de la talla de Toteking y Shotta, hasta el cierre que incluyó a la banda estadounidense Pennywise o la formación alavesa Soziedad Alkoholika, las puertas de uno de los festivales con mejor acogida nacional empiezan a entreabrirse. Un recorrido desde todos los puntos de España (incñuído islas), un cargamento que incluye tienda de campaña en la 14

mayoría de casos y unas ganas que quedan reflejadas en el público acercan a esta nueva edición. Desde la propia organización se facilitan los viajes en bus al recinto, que van desde los 21,90 euros que cuesta viajar desde Murcia a los 58,90 euros a pagar desde Lugo o Pontevedra.

“Las previsiones evocan un rato solaz lejos de recuerdo pantanoso”

Con el recuerdo pantanososo del año anterior, aguantar el temporal en unas fechas en las que las únicas previsiones evocan un rato solaz parecen no ser objeto de desasosiego. Tampoco faltará la comicidad durante estos tres días: Miguel Iribar, Quique Macías y Álvaro

Velasco estarán como reclamo de Viñacomedy; los tres a pesar de no estar establecido

horario aún para su actuación. Al igual que el rock, el rap ocupa buena parte del reclamo. En este cartel resalta el buen hacer en la elección, de artistas y asumiendo tendencias que van desde Lírico a Chirie Vegas pasando por la formación madrileña Agorazein. Tampoco falta un reclamo que resalta sobre lo anterior. En esta ocasión el grupo en el que recae buena responsabilidad del interés despertado es Ska-P que tendrá además la oportunidad de presentar su último trabajo de estudio: 99%.

Roy Mercurio: “Tenía que ser consecuente con lo que siento” Entrevista por José Ignacio Cejudo.

MMagazine entrevista al MC de origen argentino Roy Miranda, que abre una nueva etapa en su carrera musical con el nacimiento de Mercurio. El también miembro del colectivo Dremen nos responde con contundencia a diversas cuestiones y advierte: “Odio que me encuadren y me encasillen”. -Es inevitable que la primera pregunta trate sobre la “muerte” de L.E. Flaco y el nacimiento de Roy Mercurio. ¿A qué se debe este renacimiento? ¿Va de la mano de la música sobre la que te apoyas para rapear o va más allá? Algo de razón tiene la nueva propuesta musical de Mercurio. Pero influyen muchos más factores. Yo he sufrido un cambio en todos los aspectos, será el ser padre o el entrar en la treintena, y no me apetecía seguir construyendo en la línea de L.E.Flaco. Además que quería eliminar el alterego, ya no lo necesito. Sé que es una decisión que conlleva mucho cambio y riesgo, pero tenía que ser consecuente con lo que siento. -¿Qué te aportan estos beats tan electrónicos que no lo hacían las instrumentales más “rap” o incluso las más musicales? ¿Cómo se adaptan tus características métricas y metáforas a este sonido? Supongo que me aportan dificultad

y eso hace que sea un reto “domarlas”. Tampoco le he dedicado mucho tiempo a pensar en cosas así. Desde que entré en Dremen me han ido seduciendo más los sonidos electrónicos y Mercurio es un movimiento lógico teniendo en cuenta mis dos últimos años. Sí es cierto que a la hora de escribir no es igual, estar muy acostumbrado a unos tempos y estructuras, pero bueno, forma parte del “juego” y el aprendizaje. -“Estoy regalando espejos para los que no se miran”. ¿Crees que deberíamos mirarnos más a nosotros mismos como autocrítica, o hablas más bien de valorar la autoestima? Sobre todo me refiero a la autocrítica, a hacer ejercicios de análisis interno. Y de alguna manera intento retratar el comportamiento de las personas en todos sus prismas. Por eso Mercurio está lleno de espejos en los que se deberían mirar los demás.

simo el formar parte de Dremen… pero tendría que sumar más factores como la crisis social, económica y vital que estamos sufriendo. Si las cosas están así es imposible que sigamos haciendo lo mismo que hace unos años, a mí al menos me han afectado muchas cosas de las que han ocurrido en mi vida los últimos años, y Mercurio es la consecuencia. -“Esto no es Hip Hop (…) no necesito sentimiento de pertenencia”. Tanto musical como socialmente, encontramos a un Roy que busca, o al menos no teme, el aislamiento, y fomenta la rebeldía. ¿A qué no quieres pertenecer y ante qué te rebelas? No pretendía transmitir esa “búsqueda” de aislamiento y menos aún fomentar la rebeldía. Sencillamente no dependo ni necesito tener el consentimiento de nadie para hacer lo que quiero. Y sobre todo no necesito regular o contener mis inquietudes por el hecho de formar parte de un movimiento o un colectivo. Me refería a ese sentimiento de pertenencia hacia un grupo, que algunas veces puede generar el estar ceñido a unas pautas fijas. Hago lo que siento y necesito, sin necesidad de hacerlo por pertenecer a ningún círculo artístico/musical/humano. -¿Dónde predominan los Vampiros del rap: en la calle, tras la pantalla o en las oficinas? En todas partes… parásitos que se alimentan de la energía de los demás para vivir. De siempre. -¿Cómo valora Roy la educación en España? ¿Defiendes la educación “de la calle”? Buff.. no soy quién para hacer una valoración de manera tan genérica sobre “la educación” en un país. Tampoco defiendo la educación de la calle.

“Mercurio está lleno de espejos en los que se deberían mirar los demás” -“Esto es Mercurio, esta es la consecuencia”. ¿Cuál es la causa de Mercurio? Más o menos lo que te he contestado en cuanto a “la muerte” de L.E.Flaco. También influye muchí-

Creo que son contextos diferentes y de cada lado se sacan muchas cosas positivas para formar una persona. Uno no debe necesariamente tener una educación de un tipo o de otro. Eso depende de la realidad de cada

uno. Lo que sí tengo claro es que toda persona debería tener acceso y oportunidad de poder estudiar dentro del espacio formal. Más allá de poderes adquisitivos y estratos sociales. Todos. -¿Qué valoras más en tu música? ¿Su capacidad de despertar conciencias o la de “hacer olvidar mi desgracia”? Si tengo que elegir entre las dos me quedo con lo de “despertar conciencias”. Lo de olvidar (que no viene mal tampoco) es algo de uso momentáneo, lo de las conciencias es algo que al menos lo hago para que perdure en el tiempo… pero al final quien decide eso es el oyente, ¡que lo use para lo que mejor le venga! -¿Forma Roy parte del movimiento dentro del rap que critica el repentino sentido social, algo manido? ¿Qué responsabilidad crees que tenemos los ciudadanos de los gobernantes que tenemos? Realmente prefiero decir que yo no formo parte de ningún tipo de movimiento. Odio que me encuadren y me encasillen; también te digo que el contenido “social” crítico de mis canciones siempre ha estado ahí. Ya no sé si es responsabilidad o deber… pero con la que está cayendo me resulta raro no usar canales como la música para denunciar o transmitir el enfado e indignación general. -“Sube la apuesta y gana”. ¿Qué apuesta supone Dremen en el panorama nacional? Esa frase se refiere al concepto de arriesgar, a tomar las riendas y decidir tú mismo sin esperar que otros lo hagan por ti. El mensaje de esa canción con Dremen es muy sencillo. Son tus reglas y tú decides, quedarte quieto y esperar o arriesgar, moverte e ir a por lo que quieres. -Existe una mención constante a los medios de comunicación a lo largo de Mercurio. ¿Qué opinión tienes de ellos y qué función crees que tendrán en el futuro? Los medios han sido siempre pieza activa importante, y más ahora. Pero hay que dividir entre los medios generalistas mainstream, y los “independientes”. No me fío ni del manipulado objetivismo de los primeros ni del extremo subjetivismo de los segundos. Prefiero una conversación con alguien que sepa manejar la coherencia y el razonamiento, con algo de criterio,

Ya se pueden ver los videoclips de “Vampiros” y “WTF!”, ambos pertenecientes al nuevo trabajo del argentino

“Odio que me encuadren y me encasillen. No necesito el consentimiento de nadie para hacer lo que quiero” humanidad e información. Pero mirando el lado bueno, Internet y las redes han ampliado las opciones… -Si hay algo que caracteriza a Roy Miranda, es su evolución constante como artista. ¿Tiene límites esta evolución, o has en-

contrado ya el sonido perfecto para tu mensaje? No creo que haya encontrado la perfección… ni creo que la encuentre. Por ahora me guío por mis estímulos y mi inquietud. El futuro dirá qué va a ser lo siguiente…

fechas y novedades Próximos conciertos del grupo ·12 de abril. 22:00h. Sala Habana. Huelva. 13 de abril. 22:00h. ·Sala Planta Baja. Granada. ·26 de abril. 22:00h. Sala Kharma. Jaén. ·27 de abril. 22:00h. Sala Madchester. Almería. ·3 de mayo. 22:00h.+ Toundra. Sala Capitol. Santiago de Compostela. ·4 de mayo: 22:00h. La Antigua Estación. Oviedo. ·17/18 de mayo. Territorios Sevilla. Sevilla. ·24/ 25 de mayo. Primavera Sound. Barcelona. ·22 de junio. Foramuralla. Vic, Barcelona. ·6 de julio. Faraday. Vilanova i la Geltrú, Barcelona. Portada del trabajo por Manuel León.

Pony Bravo publica De Palmas y Cacería Desde el pasado 5 de febrero se puede escuchar el nuevo trabajo del grupo sevillano Pony Bravo: De Palmas y Cacería. En torno a las 10 de la mañana se hizo público el anuncio de la escucha y descarga gratuita del trabajo a través de la página enelrancho.com, la gran demanda hizo que en un primer momento hubiera problemas para su descarga; desde el departamento de El Rancho se afirmó que “el servidor ha caído por múltiples peticiones” y se puso a disposición el trabajo a través del soundcloud de la banda. Finalmente se arreglaron los problemas en la web. El bajo empieza a sonar y la sátira encamina todo el trabajo. Contemporáneo lírica18

mente, cercano, gracioso e incluso hortera nos encontramos con referencias que van desde un supuesto atractivo turístico sevillano a Eurovegas, sin postergar la figura del crítico musical frustrado (“Mi DNI”) o la del político estadounidense Dick Cheney. Sin perder el acento ni desvirgar la actitud desenfadada, el relato se enmarca dentro de un recorrido por el gusto propio en el que se reafirma la autonomía musical. En el atractivo, dentro de esta variedad bien encajada, se recalca un interés especial en las relaciones con nexos entre la avaricia y el poder . La repulsa a lo ocioso parece enmarcarse en vivencias y acaban transmitiendo su descontento con expresión jocosa. Alberto Ramón.

Como la capital de Argentina. La amabilidad de Xoel López se muestra en este estreno. Rodado en la ciudad entre Alberto Baamonde y la fotógrafa argentina Lola García Garrido.

Fabián presenta el videoclip de “La luz distinta”, de su cuarto trabajo publicado el 26 de febrero.

Gasca: Suerte

Santa Rita: High on the Seas

Nostalghia: Nidos de Piel

Publicado por el sello catalán Discos de Paseo, el grupo Gasca regresa avalado por Miqui Puig. Lejos de su primera referencia discográfica (Telescopio) que los presentaba como un grupo tecno pop y publicado por Elefant Records, la banda de Carlos Andreu, Óscar Roc y Santiago Canales regresa. El camino no era uniforme; la primera canción, “Hemos pensado en irnos”, traslada una realidad que a lo largo de la escucha se antoja pausado. Acompañan La Bien Querida en los coros y Suzzette.

Desde “Báltico” a “Fisterra”. La banda barcelonesa formada por Cecilia Diaz, Natalia Brovedanni , Martha Wood y Laura Oliveras nos sumerge en su trabajo más enérgico hasta el momento. Nos recuerda a Seattle y la enorme influencia del desgastado debut de Nirvana no deja de estar presente, así se confiesa en la nota de prensa que nos llega desde Aloud Music. El cuidado y mimo depositado en este CD se gestó en sesiones de grabación que llegaron a prolongarse a las 15 horas diarias en un rincón de Andorra.

El primer larga duración se suele presentar como el resultado de un trabajo más cuidado. La tensión se refleja en unas guitarras afiladas y una lírica que evoca a la autodestrucción. A lo largo de las 10 canciones que componen este disco se muestra la preferencia por el crescendo. La presunta soledad de la banda de Ricardo Barbosa, Pietro Sferrazza, John Gordio y Andres Usan hace sospechar una continua añoranza. Pero es solo una creencia. - Todo prenderá entre el cielo y el mar.

De repente, todo vuelve Jéssica Signoretta. a suceder El cambio que la música sufrió desde los años 90 hasta hoy fue consecuencia de los artistas que colmaron la industria musical y lo nuevo que las sociedades optaron por escuchar. Sin embargo, lo que fue, puede volver a ser. En 1987 se forma en Argentina un dúo llamado Man Ray (sí, en honor al artista) formado por Hilda Lizarazu y Tito Losavio, hasta que unos años después, ya entrado los 90’s se consolida como banda. Man Ray editó ocho discos desde 1988 a 1999 donde el rock y el pop fueron los protagonistas. Clásicos como “Caribe Sur”, “Sola en los Bares”, “Perro de Playa”, “Olvídate de mí”, “Todo cambia”, son algunos de los clásicos de Man Ray que hasta el día de hoy siguen sonando. En 1997 con Popurrí, alcanzaron el

punto culmine de su fama que los llevó a una gira que abarcó Chile, Perú, Ecuador, Uruguay, Paraguay, México, Estados Unidos y España. Una vez terminada la gira, los músicos decidieron continuar sus caminos solistas y dejar Man Ray por un tiempo. 14 años después Man Ray vuelve a grabar un nuevo disco, con su formación original que saldrá a mediados de Mayo y que cuenta con una versión del clásico “Mañanas campestres” en el que colaboró Gustavo Santaolalla. Y uno de los nuevos temas “Empezar de nuevo” junto a León Gieco y Lito Vitale. La identidad de Man Ray siempre se basó en cálidas canciones de amor donde guitarras criollas y panderetas le daban los detalles finales

acompañadas de los dulces tonos logrados por su cantante Hilda Lizarazu. El tan esperado regreso de esta banda cuenta con que mantengan la misma identidad que les permitió perdurar en los años y les dio la oportunidad de volver. Laura Gómez Palma fue bajista de la formación primigenia y participó en el debut homónimo del grupo en 1988. Más tarde se trasladó a Madrid y fue bajistade Coque Malla y Loquillo, también la “primera bajista oficial de Amaral”, como declara al diario musical Efe Eme en septiembre de 2012.

internacional

Volver por el mismo camino. La nueva costumbre de esperar más de dos años para realizar un disco parece aplicarse en la mayoría de los artistas pop, como es el caso de Robbie Williams, que editó Reality Killed The Video Star en el 2009, disco antecesor de Take the Crown, recién lanzado. Lo más probable es que el mismo lapso de tiempo lleve a realizar canciones en general algo diferentes, lo que no ocurre en su totalidad en este caso. Take the Crown está compuesto de 13 canciones con la identidad de aquel pop actual atravesado en su mayoría por arreglos más que instrumentos. “All that I want” le da el comienzo. Tempo rápido acompañado de tonos medios de Robbie. En general no tiene cambios rítmicos durante el transcurso de la canción, sino que mantiene una misma línea que es entrelazada por los primeros arreglos del disco. Sin embargo, su armonía pegadiza puede volverla llevadera. Violines introducen a “Different”, intentando hacerla balada, hasta que Robbie comienza a cantar y el rumbo cambia. Un coro femenino lo acompaña. Canción candidata a ser de esas que resuenan en la mente mientras se mira por alguna ventana mientras se viaja. El piano comienza a sonar y Eight letters es la primer balada. La simpleza de la canción hace notar la fragilidad que presenta la voz de Robbie, haciendo por momentos, algo molestos los agudos que emplea y que le cuesta llegar. Pero, la canción presenta tanta ternura, que aquellos detalles se pasan por alto. El ritmo vocal y la armonía van de la mano, y la calidad aumenta hasta el acertado final. El rumbo cambia con los sintetizadores de “Be a boy”, que son algo opacados por un saxo-

fón que le da el pie a los coros y a la composición completa de la canción, hasta que Robbie canta, en tonos todavía más graves. Por momentos puede parecer la típica canción pop, pero a fin de cuentas su armonía puede destacarse de las demás canciones. El mejor anzuelo del disco es “Candy”, corte de difusión estratégicamente bien elegido. Al no ser la primera canción en la lista, puede que la canción una vez compuesta haya sido seleccionada para tal fin, principalmente porque sobresale de toda la línea que mantiene el disco. No solo su tempo es rápido, sino que es una de las canciones que, una vez escuchado el disco, puede dar ganas de volver a escuchar, y tiene la particularidad de ser compuesta en su gran mayoría por instrumentos, con muy pocos arreglos de sonidos agregados. “Gospel” mantiene el camino. Melodía con letra continua, que por momentos, casi al final, se luce en la voz de una mujer que acompaña a Robbie, es una canción clásica del pop que no tiene elementos destacables pero que su composición le da una propia identidad. Tambores resuenan, dándole el turno a Hey wow yeah yeah. Canción con bastantes distorsiones, empezando en la voz de Robbie y en su armonía, que va mutando mientras transcurre. En principio puede parecer no seguir un hilo conductor que la categorice como canción, sino como un conjunto de ruidos, pero luego de escuchar varias veces el rumbo se torna más agradable. Sin embargo, no es la gran innovación del disco a pesar de sus cambios musicales con respecto al estilo que mantiene Robbie Williams. El eje vuelve con Hunting for you. Imposible que alguna parte del cuerpo no

se mueva mientras se escucha la canción. Los tonos medios de Robbie demuestran lo cómodo que le quedan al cantar, y cada instrumento utilizado se luce en su justa medida, ya que la canción no está viciada y su tempo no termina de ser tan rápido aunque casi al final aumente. La cima de Take the Crown aparece con “Into the silence”. Los graves de Robbie están bien empleados, con los arreglos en la canción general en su justa medida. La canción es dinámica, y su composición es la más original del disco, manteniendo la impronta pop de Robbie. El único detalle proviene de los agudos que se convierten en carrasposos cuando Williams los hace, quizás empleando tonos medios le hubiesen quitado la crudeza a ese momentos, principalmente si se emplean para el final. Robbie Williams se junta con Lissie y juntos interpretan “Losers”, otra balada. Guitarras criollas y las dos voces son los protagonistas. Siempre en los extremos de tonos. Cuando Lissie canta en tonos agudos, Robbie lo hace en tonos graves y viceversa, lo que remarca la dinámica de la canción. Not like the others le sigue, canción más adrenalínica del disco. Presenta una armonía veloz, acompañada por coros femeninos en el estribillo, y una batería que se lleva casi todos los premios. “Reverse” es otra de las canciones candidatas del disco, que puede remontar al Robbie Williams de los noventa, sin perder de vista los detalles actuales. Take the Crown termina con “Shit on the Radio”, que termina de plasmar el estilo del disco y la posición actual de Robbie Williams dentro de los cambios que sufre el pop debido a los avances tecnológicos, que no pasa por alto en esta oportunidad. Take the Crown es presentado en formado tradicional, deluxe, y cd & dvd. Seguramente el objetivo de Robbie Williams fue demostrar que sigue siendo uno de los mayores exponentes del pop aunque se distancie algún tiempo. Y seguramente lo logró. Muchas veces no hace falta innovar en el género para seguir en el podio, sino basta con mantenerlo y afirmar la identidad. La vuelta de Robbie Williams no será la más original de su carrera, pero si la que mejor demuestra la experiencia que logró con la misma. Jéssica Signoretta.

Llega a la gran pantalla la adaptación de la novela Alacrán Enamorado Fotografías promocionales de la pelíclula Alacrán enamorado.

Elio Sagues, actor y rapero

Los hermanos Barden el 12 de abril en la gran pantalla Alberto Ramón. “Hubo un momento en que los actores tenían la manera de mirar de aquellos tíos que una vez cuando era pequeño me persiguieron en el metro y que realmente me daban pavor”. Así describe Santiago Zannou a RTVE la sensación que tuvo como director durante parte del rodaje de Alacrán enamorado, adaptación de la novela homónima de Carlos Bardem. El propio Carlos Bardem participa en el reparto, al igual que su hermano Javier Bardem. Junto a ellos: Alex Gónzalez, Judith Diakhate, Miguel Ángel Silvestre o Elio Sagues (que ya debutó junto a Zannou en El truco del Manco). La narración traslada al espectador a un marco en el que se contraponen la violencia y el amor de los dos personajes principales. Esta confrontación viene originada por una problemática circunstancial de los protago-

nistas; Julián (el 'Alacrán'), interpretado por Alex Gónzalez, es un joven neonazi. Por su parte Alyssa, papel realizado por Judith Diakhate es una inmigrante latinoamericana. Entretanto, el atractivo no es escaso. Ver la segunda película dirigida por Zannou tras el éxito cosechado con El truco del manco, que le supuso el galardón a mejor director novel en los Premios Goya; reconocer la tercera novela del mayor de los Bardem, así como su actuación, o advertir a Javier Bardem en el papel de un neonazi. El 12 de abril es la fecha marcada para el estreno. FICHA: Protagonistas: Alex Gonzalez, Judith Diakhate, Carlos Bardem, Miguel Ángel Silvestre, Javier Bardem. Dirigido por Santiago Zannou Basada en un novela homónima de Carlos Bardem Guión de Santiago Zannou y Carlos Bardem.

Entre el reparto de actores que participan en la adaptación de la novela de Carlos Bardem se encuentra Elio Sagues. Conocido como Elio Toffana, seudónimo utilizado en su carrera musical, se reconoce su participación en El truco del manco como un paso esencial en su carrera interpretando a ‘El Galleta’, hermano del personaje principal: Cuajo (al que da vida el también actor y rapero Juan Manuel Montilla). Anteriormente Elio había trabajado en Historias de Cabramatta, otro film en el que los lazos con el rap eran evidentes. Marcar los antecedentes en su trayectoria no resultan tarea fácil y resultan un esbozo de su recorrido musical. En 2005 participó en las conocidas Batallas de Gallos Red Bullen, un año más tarde el jóven madrileño 2006 dio a luz su primera referencia editada: Jóvenes bajo presión; formó el grupo Acqua toffana con el que publicó dos trabajos más y persistió en su actividad como miembro de Ziontifik. En julio de 2012, como colaborador de la revista Actitud Urbana, asistí a un concierto del colectivo Ziontifik. La actitud enérgica del artista asombró. Una vez sobre el escenario Elio Toffana dijo: “Tengo ganas de bajar de aquí”, bajó, se subió a la valla que lo dejaba al lado del público, siguió rapeando, terminó su parte y volvió al escenario. Tras la actuación tuve la oportunidad de hablar con el propio artista con motivo de un concierto del colectivo Ziontifik, me adelantó que interpretaba a un jóven ‘neonazi’ y que ya estaba de nuevo bajo la órdenes de Zannou. Entretanto afirmaba que no podía escoger si le dieran a elegir entre la música o la interpretación; se trata de actuar, ya sea “sobre el escenario o delante de la cámara”.

Él no Crítica de la película I’m not there, de Todd Haynes.

Texto por Benito Díaz.

No soy mucho de biopics. Ya saben, esas películas biográficas sobre viejas glorias que revientan leyendas o que ensalzan a tipos que ya crían malvas. Pero esta película no es un biopic. Todd Haynes firma la película I´m not there en la cual se narran algunos capítulos de la vida del polimorfo Bob Dylan. Se trata de un film atípico, desconcertante, a ratos onírico, múltiple, sensible, reivindicativo, eléctrico, acústico, blues, folk, rock and roll, triste, genial y libre. En él se conjugan los sentimientos que destilan las canciones, su vida y las ideas del autor que el cineasta plasma con gran atino en los personajes de la escena. Olvídense del desarrollo lineal. Aunque la pe-

está aquí

lícula sigue un orden parecido a una cronología, la personalidad de una leyenda viva como es Dylan exige una interpretación más compleja. Algo intentó Scorsese con el documental “No direction Home” en 2005. El argumento de la película trata la vida de un personaje que ha moldeado y referido todo el ámbito de la música del siglo XX Es interpretado por una coral de actores: a Bob Dylan le dan vida (por orden de aparición) Marcus Carl Franklin, Ben Whishaw, Christian Bale, Heath Ledger, Cate Blanchett y Richard Gere. Todos son Dylan en algún momento de su vida. En mayor o en menor medida.

Bob Dylan es tratado desde la óptica de Haynes como alguien que vino de alguna parte poco determinada, un muchacho desconocido que tocaba canciones de blues en la calle y componía poemas sociales. Vagabundo. La idea de libertad y de inocencia, reflexiones como la de “sentirse un bicho raro encima del escenario” porque le separaban del resto. Atrapado por sus propias poesías, arrasando entre el público con su sensibilidad. El director llevó a cabo un duro trabajo de documentación e interpretación de la obra del artista, de su personalidad, de sus influencias y de su legado. Así, tras el niño negro que tocaba canciones de blues, interviene Ben

Los actores que dan vida al cantante son Marcus Carl Franklin, Ben Whishaw, Christian Bale, Heath Ledger, Cate Blanchett y Richard Gere Whishaw, dando vida al Dylan poeta de veinte años. Una mente dotada para la poesía, que analiza sus sentimientos dándoles sentido para con lo que hace. En las secuencias que aparece, parece estar asistiendo a algún tipo de interrogatorio, como si el cineasta hubiera puesto el alma de un poeta en el estrado y éste estuviera obligado a dar explicaciones. En los años 60´s Bob Dylan se unió a la causa obrera. Dentro del circuito de música folk, Christian Bale interpreta a Jack Rollins (si, a esto de los seudónimos también hay que estar atento) , un cantautor de canción protesta que compone canciones de “dedo acusador”, ejerciendo de cronista de una época plagada de injusticia y de denuncia social. Se trata de la época más beligerante de Dylan, cuando se acompañaba de la eterna Joan Baez. Heath Ledger se encarga de encarnar al Dylan más “real”, el menos conocido. El actor, el padre de dos, el marido infiel que nunca está en casa. Aquel que se enamora de una mujer y el que monta en moto. Aquel con el que mantiene una sonada discusión en un restaurante que es recogida por un fotógrafo indiscreto. En la realidad, Dylan tuvo un accidente con esa moto que casi le cuesta la vida. La profundidad psicológica que refleja el film utilizando a varios actores para dar vida a un solo hombre, colma el vaso con Cate Blanchett. Una mujer haciendo el papel de Bob Dylan con verdadero acierto. No hay

un solo momento en la aparición de Blanchett en el cual no estemos viendo al propio Bob. Es una suerte de rescate de la idea mental del artista. Genial. Increible. Si ustedes han visto la película “Pat Garret & Billy The Kid” sabrán a qué me refiero. He de señalar que, a mi parecer, las secuencias en las que aparece Blanchett son las mejores de la película: blanco y negro, introduciendo la historia del desencuentro con la prensa con el personaje de Keenan Jones, el periodista inquisidor que busca que el artista “diga lo que él quiere que diga” al cual Bob le dedica “A Ballad for a thin man”.

Cate Blanchett interpreta a Bob Dylan. Fuente: nettavisen.no

ros hilos conductores de la película. Al final, que no finalmente, Richard Gere es Billy El Niño, un personaje que viene a simbolizar otra parte del alma de Dylan. Un estereotipo de antihéroe clásico en el western, “el bandido que esquivó una bala y se escondió”. El hombre que es el niño, el niño que es viejo. Una persona que vive en el anonimato, apartado de la sociedad, pero que vuelve y se rebela contra la injusticia. Parece ser el retrato del Dylan maduro, el cual ya se declaró admirador de la figura de Billy El Niño. Mención especial para la majestuosa presentación final en el entierro, con máscaras y góspel.

“La profundidad psicológica que refleja el film colma el vaso con Cate Blanchett haciendo de Bob Dylan” La música es otro gran acierto de la película. No sé de qué manera consiguieron convencer a Dylan para que prestase sus canciones para ilustrarla. Canciones como “like a rolling Stone” “Subterranean homesick blues” o “Blowing in the wind” pero también otras menos conocidas como “The lonesone death of Hattie Carroll”. Algunas incluso interpretadas por los propios actores y grupos jóvenes. Pues la música y las ideas del autor son los verdade-

No diría que es siquiera una película. Se trata más bien de un reconocimiento. Una carta de parte de sus admiradores que le dicen “Te queremos Bob”. Es una reconciliación de sus fans. Una llamada de atención sobre lo mucho que ha creado y compartido. Sobre la profunda sensibilidad que encierran sus canciones, cantos a la libertad y contra la injusticia.

en portada

Entrevista por Rubén Colete y Luis Mesa.

Tenía diez canciones bajo mi punto de vista bonitas que quería grabar y eso es lo que hice ”

Fotografía del artista por Pedro García.

Fabián: “No espero ser nada importante para nadie” Has sacado 3 autoproducidos y este último autoeditado y por crowdfunding. Dices que quieres seguir esa línea independiente y de autogestión. ¿Qué te mueve a seguir por ese camino? F- Hoy día es complicadísimo que una discográfica te pague la grabación de un disco. Te puedes buscar la vida, pero siempre vas a depender de un sello. Yo a lo largo de estos tres discos he ido cosechando un poco de público que de verdad se siente identificado con mis canciones y que han estado dispuestos a hacer una precompra del disco, me pareció una idea muy buena y que además funciona muy bien. ¿Qué es lo que oyes normalmente? F- Estoy escuchando el disco que no ha salido de Pájaro Sunrise, que me lo pasó Yuri hace más o menos un mes, lo nuevo de Quique González, Ryan Adams… ¿Qué tipo de enfoque querías darle al disco? No quería darle un enfoque determinado. Tenía diez canciones bajo mi punto de vista bonitas y que quería grabar y eso es lo que hice. Nos gusta trabajar en las canciones y darles lo que nosotros creemos que necesitan. No había otra intención. Si suena algo uniforme es fruto del trabajo de cuatro amigos durante un mes. ¿Podrías describir tu trabajo en pocas palabras? Creo que es un disco de canciones sinceras y de pop. Es un respaldo muy grande que El País catalogara tu disco entre los ocho primeros de España. ¿Cómo te sentiste? Fue muy bonito, como un regalo de reyes, ya que fue sobre esas fechas. Era un disco que edité yo y que simplemente era para colgarlo en la web, ponerlo en algunas tiendas de amigos y venderlo en conciertos. ¿Cómo ha sido trabajar con grandes artistas como Zahara y Quique González en tu nuevo EP?

La brisa leve de Fabián empieza en Sevilla FUN CLUB (SEVILLA). 8 DE MARZO DE 2013.

La noche comenzó con Álvaro Laguna como artista invitado, que presentó ante los asistentes su EP llamado Tráiler, que incluye canciones como “Gravedad cero”, “Tigo”, “Psiroco” y “Pelicanción”, incluyendo interludios bastante amenos y calentando al público. Hay que reconocer que tuvo mucho mérito esto, puesto que iba solo con su guitarra y supo ganarse a los que estaban en la sala esperando al cantante principal. Tras esto, subió Fabián con su banda al escenario, el público se acercó al escenario y comenzó el espectáculo, que comenzó con canciones recopiladas de sus tres discos últimos para a continuación ir añadiendo canciones de su último trabajo. Los que estaban en la sala quedaron impresionados con las

Muy buena, somos amigos desde hace tiempo y nos gusta mucho la música del otro. Quique me llamó para abrir un concierto suyo y me habló de sus proyectos, yo de los míos y le comenté que había escrito una nueva canción, “Todas las aves del sur”, y él sin escucharla aceptó colaborar. Con Zahara siempre hemos hablado de colaborar en una canción juntos y, bueno… “Maravillas” era la más bonita para que la cantase ella.

“Quiero que la gente pase un buen rato con mis canciones” ¿Cómo empezó tu gusanillo por la música, tus primeros proyectos? Yo soy de León y allí es una barbaridad la cantidad de músicos que hay para ser una ciudad de 150.000 habitantes. Casi todos mis amigos tocan en un grupo o tienen relación directa con alguien que lo hace. Yo con dieciséis años empecé a tocar la guitarra y a los diecinueve comencé a tocar en una banda, di conciertos y vi que me gustaba. En la tierra quemada, La luz distinta, no tengas miedo, Nueva York cuando rompe al final.... La verdad es que hay muy buenas canciones en este disco. ¿Con cuál te quedas? ¿Y en directo? Ahora mismo la que más me gusta es “9”. Tú vienes gracias a “Girando por Salas”. ¿Cómo se consigue que desde una administración pública suelten dinero como están las cosas? ¿Qué se siente al

letras y con la musicalidad de sus canciones desde la primera canción, “9”, hasta la última, “En la tierra quemada”, pasando por “Todas las aves del sur”, “Nueva york”, “Mr T.O.C”, su single “La luz distinta” e incluso dos canciones a petición de algún asistente. La banda que acompañaba era completa y sonaba a la perfección- El concierto se desarrolló en una atmósfera tranquila causada por las canciones del artista, que incitaban a escucharlas detenidamente, a meditar y a apreciar la melodía en la conclusión de una noche con la música”bonita” de Fabián.

rodar por España sin tener el riesgo de perder dinero? F- Yo no hubiese podido venir con tres músicos y un ayudante si no hubiese sido así. Respecto a cómo se hace, es cosa de mi mánager, que hasta hace poco no tenía y este tipo de cosas se consiguen cuando hay alguien que da la cara por ti. En Sevilla estrenas la gira de tu último trabajo y además en una de las salas más prestigiosas de aquí, ¿Primeras impresiones? ¿Nervioso? ¿Qué reacción esperas del público, qué les quieres transmitir? Con esto del crowdfunding ya sabes más o menos la reacción de la gente. Llevo ya con la movida del disco varios meses y noto mucho cariño. Por lo demás, no espero ser nada importante para nadie. Quiero que la gente pase un buen rato agradable, que se emocione con las canciones y que lo recuerde de vez en cuando, que nos vengan a ver cuando volvamos. Eres un cantautor muy personalista, muy intimista ¿Qué es lo que te inspira a la hora de escribir? ¿Cuál es el mejor sitio para inspirarse? Cualquier cosa que me emocione, como un libro, una peli, que mi novia me deje o me diga que me quiere (Risas). ¿Algún proyecto en mente más allá de esta gira? Por lo pronto, terminar de enviar todos los discos, enviar mails, dar conciertos y que la gente se quede satisfecha.

Fotografías promocionales del grupo.

MMagazine entrevista a Lulu, carismático líder de Forraje, que nos presenta Quejidos que no escucha nadie, titulo que da nombre al último trabajo de la banda gallega que verá la luz a finales del mes de abril. Recientemente fichados por Warner Music y con la producción de Kolibrí Díaz presentaran el disco en ciudades como Santiago, Ourense, Madrid, Barcelona, Valencia o Bilbao. El 2 de abril estará disponible en Itunes y Spotify el single “A horcajadas”, y el 9 de abril podremos ver en YouTube el videoclip del mismo. David Martín. -Un nuevo disco apunto de salir del horno, ¿Cómo se viven esos momentos? Pues la verdad es que estamos viviéndolo con la ilusión de nuestro primer disco. Todos estamos de acuerdo en que este disco es lo mejor que hemos hecho hasta ahora, tenemos mucha fe en él y estamos deseando que salga a la calle y que la gente lo escuche. Muchos nervios, mucha ansiedad. - “Quejidos que no escucha nadie”, con el fichaje de Warner Music me parece que los van a escuchar hasta en el Vaticano, ¿Qué supone este fichaje por una multinacional? Supone dar un pasito más, que el disco esté mucho mejor distribuido de lo que lo estuvieron los anteriores y poder llegar a un montón de gente hasta la que no habíamos llegado hasta ahora. Llevamos muchos años en esto y Forraje siempre ha ido creciendo poquito a poco, año tras año. Quizá con este disco Forraje llegue a donde ya hace tiempo que debería estar. - Estrenáis página web, discográfica... Parece que este disco viene con un pan debajo del brazo, ¿No? Sí, bueno, la verdad es que la web hacía falta renovarla porque estaba de puta pena. En realidad estaba enlazada a un blog. Pero sí, estamos contentos con todo lo que acompaña a este disco. Creemos que además de las mejores canciones, este disco tiene el mejor sonido, la mejor

portada y el mejor videoclip que hemos hecho hasta ahora. Y encima sale con la mejor discográfica y va a tener la mejor promoción. Lo tenemos todo de cara… - “A horcajadas” nombre que dará titulo al tema del videoclip, apunta a un vídeo un poco gamberro, ¿Es así? Pues sí. A partir del 9 de abril podréis verlo en youtube y en algunas teles. La verdad es que he preguntado en mi cuenta de Twitter qué les gustaría a la gente ver en nuestro próximo videoclip. La mayoría se decantaron por tías buenas y un jacuzzi y en parte les hemos hecho caso. - Forraje emprende el vuelo en el 98, 15 años de rock&roll. Vemos una clara evolución en la voz de Lulu, quizás con unos registros en la voz menos rasgados según pasa el tiempo, ¿Sigue esa evolución en el disco nuevo? Sí, estoy contentísimo con cómo ha quedado la voz en este disco. Quizá todavía un pelín más natural que en el Retales. Ahí tengo que darle las gracias a Iñaki Uoho, que me enseñó el camino y acertó de pleno. - Retales de vino y luna, tercer disco de Forraje, de la mano del maestro Iñaki Uoho (Extremoduro) y ahora “Quejidos que no escucha nadie” que lo ha producido Kolibrí Díaz en los estudios Sonido R5 de Berriozar. Cuéntanos cómo es trabajar con estos dos fenómenos. Es un placer trabajar con cualquiera

de los dos. Con Kolibrí estamos en casa. Ya habíamos trabajado con él en nuestro primer disco, Estoy que muerdo, solo que en aquel entonces ni él tenía la experiencia que tiene ahora como productor, ni nosotros teníamos la experiencia que tenemos ahora como grupo. La verdad es que llegamos a su estudio con la maqueta tan clara que no fueron demasiadas cosas las que tuvo que indicarnos. Pero eso sí, se ha encargado de que el disco suene como un tiro. En cuanto a Uoho es algo que no podíamos morirnos sin hacer, grabar un disco con él, y espero que no haya sido el último. Creo que la experiencia de la grabación, los días en su casa y en su estudio, conocer al Robe, estar grabando donde se grabaron la mayoría de los discos de Extremoduro y por su mismo productor ahora es un sueño cumplido. Es algo que no está al alcance de muchos y que recordamos con gran nostalgia y cariño. Lo dicho, a ver si podemos repetir.

“Quizás con este disco Forraje llegue donde debería estar hace ya tiempo” - ¿Qué tal os han tratado en Pamplona durante el proceso de grabación? Pues como siempre, de puta madre. Tenemos muy buen rollo con los

El nuevo trabajo de Forraje sale a la venta el 30 de abril con Warner Music

Marea desde hace 10 años, y a raíz de eso hemos conocido a un montón de gente de Berriozar y alrededores. Cada año se vienen unos cuantos de por allí a mi pueblo a pasar unos días en verano. Al principio los metía en mi casa, pero ahora son tantos los que vienen que ya es imposible. Los 15 días que estuvimos grabando dormíamos en casa de Kutxi, y se pasó por allí hasta el Tato. Muy a gusto. - Sabemos que os gusta rodearos de buenos amigos, Iker Piedrafita (Dikers), Fernando Madina (Reincidentes) colaboran en el disco, ¿Alguna sorpresa más? ¿Kutxi tal vez? No, en este no le hemos dejado, Kutxi sólo canta en nuestros discos impares. (Risas) No, en serio. No había ningún tema en este disco que le pegase demasiado y no se lo hemos propuesto. No vamos a ponerlo a cantar porque sí. Kutxi ya ha cantado en dos discos nuestros y seguramente en el futuro lo haga en más, pero en este no lo veíamos. Hay una posible colaboración de otro grande de nuestro rock, pero como de momento sólo es posible, no podemos decir nada, pero se sabrá pronto. - Lulu, háblanos de esa gira en solitario que has hecho, ¿Qué se

las presentaciones van a ser en Santiago, Ourense, Madrid, Barcelona, Valencia y Bilbao, aunque seguramente se haga alguna más, y luego ya lo que vaya saliendo para el verano.

puede encontrar el público en una actuación? Bueno, no es exactamente una gira. Estoy tocando yo solo con mi guitarra española (bueno, en realidad no es mía, me la prestó Kutxi indefinidamente) en garitos pequeños. Un rollo muy tranquilito y para todos los públicos. Un rollo muy a lo cantautor, donde toco temas de Forraje de los que soy el autor y alguna versión de otras bandas y cantautores, pero muy, muy, muy tranquilito todo.

FORRAJE - Quejíos que no escucha nadie

“Los conciertos en solitario los doy con una guitarra española que me prestó Kutxi Romero”

El grupo formado en Pobra do Caramiñal (A Coruña) presenta su proyecto más ambicioso hasta el momento. Formación: Jerry (bateria). Fernando - (bajo y coros), Kuervo (guitarra y coros), Lulu (guitarra y voz) y Randy: (guitarra).

- ¿Se puede compaginar con la emergente estreno del último trabajo de Forraje? De momento sí, es lo que me está pagando el alquiler y las facturas. Cuando empecemos la gira de forraje tendré que parar un poco o dar los acústicos entre semana. - ¿Ya tenéis fechas de conciertos? ¿Lugares? Puedo adelantaros que en principio

Intro A Horcajadas Me bebo los vientos Miradas furtivas La quiero a morir Puñales Un vendaval de suspiros Buscando el cielo Mucho que hacer Entre el barro y las chabolas

-¿Cuál es el último concierto al que has ido? Hace unos días fui a ver a mis compadres Despistaos, en la Sala Moon de Santiago. -¿Qué tres grupos veis con mayor proyección en el rock estatal? Exceso, Malsujeto y Desalojo. - ¿Cuál es último disco que te has comprado? Canciones del segundo origen, de Exceso.

Artista: Roy Mercurio Trabajo: Mercurio. Distribuido por Boa Música. Entrevista con el artista argentino en la página 12.

Conocido como L.E. Flaco, el MC renace como Roy Mercurio para dar a luz un nuevo trabajo así como una nueva etapa en su carrera musical. Acompañado por el sonido electrónico con el que ya pudimos escucharle con el colectivo Dremen, Roy no se separa de su característico estilo marcado por la metáfora y el cuidado lírico. Un cambio en la música y en el alter ego que proviene de un cambio personal en la vida del MC. Asimismo, se desmarca de cualquier corriente, y reniega de cualquier sentimiento de pertenencia.

Mala Juntera - CRACKS Uno de los proyectos más ambiciosos del rap español. Capaz, Zatu, Acción Sánchez y Hazhe se reúnen en el estudio en Granada de este último para dar vida a la bestia. Nos encontramos ante un disco surgido de la curiosidad de Hazhe y Acción Sánchez por trabajar juntos en el aspecto instrumental. Fruto de ese trabajo, Zatu se animó a rapear encima, pero necesitaba un compañero: un MC versátil como Capaz. Con Cracks se pretende “recuperar la esencia del hip hop”, en palabras de los propio miembros del grupo. Se nos introduce en el trabajo 27

La rabia que siempre le ha acompañado no abandona en Mercurio. Temas como “Vampiros”(con la colaboración de Tosko, Piezas y Edisdead)y #Elcurriculumnoesdetodos”(con Kantz) son clara prueba de ello. La preocupación social como autocrítica ciudadana que ha permitido esta situación la encontramos a lo largo de todo el disco. Dremen tiene su protagonismo en el tema “You Rule” y Aciz en “No te preocupes por el vecino”. En definitiva, nos encontramos ante un Roy Miranda que el reivindica el deber de mirarnos a nosotros mismos para mejorar y, en definitiva y sin miedos, evolucionar. El suyo es un claro ejemplo de esto último. José Ignacio Cejudo.

con un extracto de la película “The Warriors”, que interpretamos como una llamada a la unión en el rap español. A partir de ahí encontramos diecisiete temas entre los que destaca la segunda parte del único tema conjunto hasta la fecha de los dos MC´s, Desafío Total (Odisea en el Lodo, SFDK, 2001). Homenaje al insomnio en No puedo dormir, acompañados por Shabu, que colabora en “Cracks” junto a Tosko que lo hace en el tema “Esos Momentos”. Dos temas bastante llamativos son “Tú eres para mí” y “Una de Vaqueros”. La primera, una oda al “amigo feo que la hace reír” pero que no obtiene recompensa. La segunda, un homenaje al western. En “I.D.O.L.O.S.” los MC´s presumen de haber compartido carteles, gestos y palabras con aquellos en los que un día se

El grupo granadino Freshmakers presentará su nuevo trabajo como telonero de Mala Juntera durante esta primavera. Así informa el departamento de comunicación de Wild Punk. El grupo le acompañará por todo el territorio y el motivo será la presentación de su recientísimo No Gravity, trabajo aderezado con las voces Sone y Carlos Hernández trasladará al público. De nuevo con Dj Cena como encargado de los aparatos, así como de la labor de grabación y la novedad en la producción de Kith’r’mple. Alberto Ramón.

fijaron y admiraron, dejando caer que algún día (si no en la actualidad) les ocurrirá a ellos con las nuevas generaciones. En “Mecha y fuego” y “La soga de David” (la segunda inspirada en la historia de David Carradine) encontramos un tema en común: la parte oscura de la fama. En “Tengo una Pena” encontramos uno de los temas más melancólicos del disco, y una de las mejores instrumentales. En general, se trata de un disco que obedece a la intención de ego del que puede ostentar aquel que está arriba. La calidad lírica e instrumental es indudable, así como el talento de los cuatro miembros, todos con una dilatada trayectoria en el rap nacional. ¿Posee Cracks los ingredientes necesarios para ser uno de los mejores discos del rap español? José Ignacio Cejudo.

ENTREVISTA CON

Fotografía promocional del grupo mallorquín.

La Puta OPP

Entrevista por José Ignacio Cejudo.

La Puta Opepé: “La música siempre debe de tener dos funciones: la lúdica y la crítica”

Con motivo de su nuevo trabajo, Re-

greso al Futuro, MMAGAZINE entrevista a La Puta Opepé, un clásico del hip hop patrio que vuelve con aires renovados y aún con muchas cosas que contar. Contamos con Hermano L, Xino y Don Manolo para responder a nuestras preguntas. -Son muchos años ya haciendo música… ¿qué tenéis que decir en “Regreso al futuro” que no hayáis dicho antes? HL: Pues muchas cosas, creemos que hoy en día hay bastante que decir con todo lo que ocurre a diario y que sale en las noticias, luego queda todo lo que no sale en ellas… X: Bueno, hay una parte importante de canciones que tienen cierta actualidad (“No pasarán”, “Que les den”, “Megaoppload”, incluso “Metrosexuales”) tienen mensaje para el momento en el que estamos, son

temas de ahora... D.M: Siempre hay que estar atento a la actualidad. Y contarla desde nuestro punto de vista. -La Puta Opepé puede presumir de tener una trayectoria dilatada en el hip hop nacional. ¿Qué pensáis de la evolución en la misma desde que empezasteis? En vuestra opinión, ¿aumenta o reduce la calidad musical el hecho de que haya más cantidad de artistas? HL: Está claro que si hay más artistas la calidad de los productos aumenta, hoy en día te encuentras gente que rapea de puta madre donde antes solo había 4 que lo hacían medianamente bien, la verdad es que ha mejorado la cosa ostensiblemente. X: El público efectivamente se ha multiplicado tanto en cantidad como en cualidad y con respecto a la calidad, no estoy muy seguro, no es falta de calidad técnica, es más bien que hay gran parte que creo que confunden el ser originales con copiar a gente o estereotipos de gru-

pos que originaron cosas, así que al final tenemos copias de copias y copias de copias de copias. Original poco, poco. D.M: Evidentemente, todo evoluciona. En general, creo que para bien. Hay muchísimos grupos y muy buenos. La cantidad hace que la probabilidad de que salgan cosas buenas aumente. Lo que mola de la situación actual es la cantidad de medios y personas involucradas de alguna u otra manera en la movida. Eso es muy bueno.

“El crear en grupo es más relajado, se pueden debatir más las cosas y eso enriquece” -Sin duda, sois una clara influencia en la actual escena dancehall del país. ¿Cómo valoráis el crecimiento constante de este género en España?

HL: La verdad es que ahora mismo hay más fiestas de reggae que jams de hip hop en este país. Da la impresión de que ha cambiado algo la cosa, aunque también da la impresión de que el reggae crece a la sombra del hip hop desde hace algunos años. Habrá que ver si en algún momento se ponen los dos movimientos a la par… X: Sin duda es muy agradable ver que cada vez hay más gente que sintoniza con tu gusto musical. D.M: Le ha costado, pero ya es un estilo consolidado y con su propio star system. -En entrevistas anteriores declarasteis que Internet os supuso una ventana abierta, llegándolo a calificar como “Jauja”. En vuestro caso particular, ¿compensan las ventajas que ofrece el servicio las contras que puedan ser las descargas gratuitas? HL: Las ventas de nuestros discos nunca han supuesto beneficio para nuestros bolsillos, y eso siempre ha sido así desde los inicios. Tal vez las descargas por Internet supongan una difusión mayor de la que supone poner 1500 o 2000 copias en el mercado, que es lo que nuestra disquera de momento puede hacer. De eso obtenemos promoción, bombo y platillo, pero nada más.

tecnologías al alcance de los productores? ¿Creéis que hay que entender esas ambiciones creativas, a pesar de las voces críticas con lo “moderno”? X: Personalmente la música que más disfruto es la que me sorprende, ya sea de los sesenta o de mañana y sigo muy de cerca “moderneces” varias. Ahora, con lo que no puedo es con la pose que parece que va pegada al modernismo más frívolo. ( Aunque la frivolidad también mola , ¡ojo!) D.M: El hip hop siempre ha fagocitado todos los estilos de música habidos y por haber sin ningún tipo de vergüenza, por lo que me parece de lo más normal que se utilicen todo tipo de nuevas tecnologías para hacer música, ya sea sampleando o utilizando nuevas tecnologías. Y que no solo de 90’s vive el hombre, que la MPC es muy guay, pero ya hay muchos instrumentos que también funcionan muy bien. -Dentro de una situación de crisis como la actual, ¿qué papel creéis que puede o debe tener la música en general y la vuestra en las personas? X: Yo no digo nada en las letras solo para "agitar a la peña". A veces las canciones te salen más como lo que le dirías, o como te indignarías,

“Siempre habrá sellos y personas que arriesgarán su dinero descubriendo nuevos artistas, es la parte romántica del negocio, pero la estructura ha cambiado” X: Las descargas gratuitas no son malas porque los artistas dejemos de ingresar, que también... Yo lo veo como que empezamos llamando a la música gratis, seguimos llamándola gratuita, de repente se convierte en superflua y al final la cultura en general es la última cosa importante. D.M: Es el cambio de sistema de negocio. Siempre habrá sellos y personas que arriesgarán su dinero descubriendo nuevos artistas, es la parte romántica del negocio, pero la estructura ha cambiado. No le puedes poner puertas al campo. -¿Qué opináis de los nuevos sonidos en el hip hop fruto de las

junto a un colega. Creo que no solo la música, el arte o ... todo el mundo desde el oficio o no oficio que sea debería tomar cartas en el asunto por lo que está pasando. D.M: La música siempre debe de tener dos funciones: la lúdica para hacerte olvidar tus problemas durante un rato y hacerlos más llevaderos, y la crítica, para hacerte pensar en por qué estamos así y de quien es culpa de que estemos de esta manera. Reivindicativa o alegre, pero que te diga algo. -No cabe duda de que vuestro estilo siempre ha sido bailongo, ideal para los conciertos y sobre

todo para los festivales. ¿Os orientáis hacia ese tipo de eventos al crear vuestra música? HL: Nos gustan sobre todo los tempos rápidos para hacer mover a la gente, y en una época sí que nos inspirábamos en el directo para llevar adelante nuestras canciones, aunque en esta ocasión la inspiración tampoco ha sido esa esencialmente.¡Pregúntale a las musas! X: Bueno, a mí no me parece nada

bailongo nuestro estilo, aunque en este disco he de reconocer que hay temita, sí. No lo había pensado; para los tiempos que corren, bailar las penas va a ser lo suyo, ¿no? -¿Qué elementos hacen que después de tanto tiempo trabajando juntos y de etapas de inactividad, La Puta Opepé siga trabajando en conjunto con total compenetración? ¿Ha tenido alguna crisis la relación entre los medios u os habéis mantenido constantemente en contacto? HL: Durante la época en la que nos mantuvimos separados manteníamos contacto, pero no el suficiente como para hacer música, era una relación básicamente de amistad, de colegueo, pero como el ir en bici hay cosas que nunca se olvidan y aquí tenemos el nuevo LP, fruto de una relación más cercana, pues ahora todos vivimos en Mallorca. X: Ahora va a sonar moña. pero yo creo que es por amistad, compañerismo y amor al arte. El otro día pensaba que conozco a estos de más de la mitad de mi vida, joder, eso es mucho, veinte años haciendo las cosas de una manera es muy difícil de borrar. -¿Cómo han sido las distintas experiencias de trabajar por separado? ¿En qué se asemeja y en qué se diferencia con el trabajo en grupo a la hora de la creación artística? HL: El crear en grupo es más rela-

El trabajo del grupo balear se puso a la venta el pasado 20 de marzo. Con el título tomado de la película dirigida por Zemeckis y la intención de estar el mayor tiempo posible sobre el escenario. De momento, conocemos que el próximo 18 de mayo estarán en el festival BOAFEST, que tendrá lugar en el Auditorio Miguel Ríos (Rivas - Madrid). El videoclip del colorido single “Bums y Claps” alcanzó más de 10.000 visitas en el día de su estreno.

jado, se pueden debatir más las cosas y hay más ideas para sacar adelante, cada uno aporta lo suyo y eso enriquece más los temas de las canciones, las ideas del diseño grafico, etc. El crear en solitario da más libertad pero es más cargante, pues todo recae en la misma persona y en momentos eso pesa bastante… -Habéis declarado que entre vosotros hay distintos gustos musicales. Cerramos la entrevista con recomendaciones individualizadas tanto históricas como actuales en el hip hop u otros géneros. HL: Una referencia nueva en reggae, pero de gran calidad: Collie Buddz. X: Yo diré Gil Scott-Heron, en general entero el disco de Pieces of a Man yo lo tengo en vinilo y lo disfruto muchísimo. Si he de decir una canción, “Lady Day and John Coltrane”, brutal, eso me recuerda a Curtis Mayfield, vaya pedazo de canción la de “Kung fu”... ya sé que no son rap pero son más hip hop que muchos y no me entiendas mal. Por otro lado estoy harto de mixtapes y quiero que Asher Roth saque otro puto disco decente. Ah, y también los The Cool Kids. Chuck molan tus instrumentales pero grabad ya un disco como es debido. D.M: Infinidad de buena música. Los primeros discos de EPMD, los dos primeros de Public Enemy, por lo que representaron en mis comienzos, Rakim, Kool G Rap, y así más actual, Mayheem Lauren, cosas de Ill Bill, Action Bronson etc, etc… Cosas de Jazzanova, toda la movida de Ghetto funk que hay por ahí, la cantidad de música que se puede encontrar en plataformas como Soundcloud, que escapan al control de cualquier artista o sello. Y no quiero entrar en los oldies porque la lista sería interminable, pero sin James o Marvin, no estaríamos donde estamos.

Grupo: La Puta OPP Trabajo: Regreso al futuro Distribuido por Boa Música Número de canciones: 13

La Puta Opepé (Paddy Paquito aka El Xarro de las Calaveras, El Xino aka Golpessito y Mr. Beat, El Hermano L y Don Manolo) vuelve a la palestra de la escena del hip hop español con “Regreso al futuro” (BOA, 2013). El emblemático grupo mallorquín nos presenta un nuevo trabajo acorde con los anteriores ya que vuelven a destacar su desenfado y su sonido “ragga”. Con las colaboraciones de Tony Seco, Swan Fyahbwoy, DJ Sice, Rapsusklei y Dave Bee, los de Mallorca no varían el mensaje de sus canciones, incitadoras al baile aunque uno no quiera. En tiempos donde los productores disponen de tanta tecnología a su alcance para innovar y saciar sus curiosidades, se respeta el sonido clásico del grupo, aunque encontramos temas más modernos como “Dicho y Hecho” o “Pa la massive” Se identifican con claridad las preferencias musicales de los componentes del grupo: el funky (Fonki Masons), el ragga y el hip hop. La música como instrumento social tiene su protagonismo en los temas “No pasarán” y “Que le den”,

con claro mensaje al actual gobierno y a la derecha española. En “No Mass Media” se puede atender la opinión crítica de La Puta Opepé contra los grandes medios de comunicación del país, al servicio del poder, y en “Metrosexuales”encontramos uno de los temas más divertidos haciendo referencia a las tendencias de los jóvenes españoles. Sin duda alguna, “Pásate el Micrófono III”, con el que se cierra el trabajo, supone el tema más “rap”, alcanzando la duración de siete minutos y recuperando la esencia de las fiestas hip hop. “Regreso al futuro” es un trabajo cargado de positivismo sin renunciar a la crítica social, siempre desde un punto de vista alegre. Quizás no un trabajo recomendable para los amantes de las letras más trabajadas y cargadas de mensaje, pero sí para todos aquellos bailongos deseosos de menear más la cadera que el cuello. Sin duda, tendrá un papel importante en los festivales veraniegos. La Puta Opepé ha vuelto. José Ignacio Cejudo.

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